Poesía

Espejo de paciencia (fechado en 1608), es obra de Silvestre de Balboa y Troya (1563-1644). Es considerado el primer poema que se escribió en la isla de Cuba. Un fragmento menor de Espejo de paciencia se da a conocer en 1838 en la revista El Plantel, dirigida por Ramón de Palma y José Antonio Echeverría. Aunque hay que esperar hasta las ediciones modernas para que se edite en su totalidad. El poema fue compuesto en octavas reales. Narra el secuestro del obispo e inquisidor don Juan de las Cabezas Altamirano por corsarios franceses. Describe su liberación, previo pago de un rescate, y la posterior venganza de los cubanos contra los secuestradores. El clímax del poema es el rescate del obispo, protagonizado por el esclavo Salvador Golomón. La escaramuza transcurre en 1604, en las inmediaciones de la ciudad de Trinidad, en la costa sur de Cuba. Espejo de paciencia tiene dos cantos. - En el primero, se narra el secuestro y la prisión del obispo Cabezas a manos de piratas franceses. Este canto culmina con la liberación del obispo, después del pago de un enorme rescate. - El segundo canto relata el combate entre los criollos y los piratas franceses. Finaliza con la muerte de los piratas en venganza ejemplar por el secuestro.

"El verdadero peligro que puede correr un libro no radica en que no logre decir la última palabra. El verdadero peligro radica en que su autor sea considerado como portador de un saber y heredero de una tradición", contesta Iván de la Casa cuando se le pregunta, con pretexto de su última publicación, por la situación actual de la literatura. "No tratar de encontrar un saber universal, un conocimiento oculto que, siendo válido para todos, espera a que alguien lo encuentre y lo muestre al mundo; intentar que la escritura dé toda su potencia. En este sentido, no importa quién sea el autor de este libro: lo relevante es lo que el libro ofrezca a un eventual lector."

La poesía de Jaime Manrique se desarrolla dentro de un clima cultural muy diferente al nuestro: el clima de la cultura norteamericana. Y hablo de clima en forma deliberada: no es que su poesía esté influida por la poesía norteamericana, es poesía norteamericana escrita en español. Esto que a primera vista puede parecer un juicio negativo, no lo es. Muy por el contrario: en sus manos el lenguaje poético adquiere una frescura y una originalidad inusuales entre nosotros y su escritura es una de las más interesantes de la poesía colombiana de los últimos años.

El Paladar perdido, como su título anticipa, es un viaje de exploración y reconocimiento de ese no tan infrecuente sentimiento o estado de abandono y deterioro progresivo hasta la supresión o el mal funcionamiento de todo lo que compone al ser humano: la cabeza, su interior, e incluso los sentidos. Sentidos necesarios, a veces confundidos, que tras degustar con placer o decepción, nos permiten conocer la experiencia vital y compartirla. La autora en algún momento, pretende invitar a que la luz visite sus palabras que dan lugar a un conjunto de visiones desprendidas de un proceso, que como la escritura y la madurez, se adquieren y reconocen muy despacio y es un abrir la mirada para siempre. Recorrido que ha conducido a la gestación de expresiones poéticas incontenibles.

Sepa e imagine el lector que aquí la respiración se abriga con la anécdota de lo vivido para de inmediato trascenderla y convertirla en experiencia de todos los mortales. Advertirá que mediante la revelación más confidente se hilvanan las quejas de la memoria a modo de diario de lo perdido, la verdad que sin piedad lacera, las noches sin luna, los besos sin nombre... O, si se prefiere, hasta este volumen se allega la hora de un balance de existencias a través de un polifónico lamento que claman la pérdida, la ausencia y el desamor. En momentos preñados de derrota surge la voz cívica, social, y se hace canto junto a la nostálgica de lo que fue un día infancia y junto a la neorromántica del extravío —cuando "el amor ya no es nada sino espera /y ya no tiene paciencia de esperarte", dice Beatriz Gimeno—, esa que es profundamente ronca y daña hasta muy adentro, la única que dilata los ecos de la ruina del presente y de la belleza del desastre, del quebranto y del duelo, de los lances y las exequias del amor. Al menos flores, al menos cantos. Al fin y al cabo, versos para Violeta.

Para Israel García Gómez Palabras para Ana es un simple compendio de poemas de amor. Sin embargo la voz que nos llega es casi un arrebato, una súplica doliente a la destinataria de los versos. El poemario reúne los efectos que las ráfagas amorosas provocan en el autor, transformándose en un ejercicio de pasión, deseo y dolor que acaba descubriendo un amor que trasciende la mera pasión carnal para elevarse en gritos de entrega incondicional más allá de la vida y de los rincones de la eternidad. La protagonista cobra vida de este modo como un ser humano pleno de fuerza y energía, rebosante de juventud y belleza, consciente de su magnetismo sobre el poeta, acariciante, cercana y distante al mismo tiempo, cruel e indolente, pero también fuente de luz y esperanza y por encima de todo libre.

Gustavo Adolfo Bécquer confesaba al escribir la «Introducción» de Rimas y leyendas, tan solo dos años antes de morir, que no quería llevarse consigo, «el tesoro de oropeles y guiñapos que ha ido acumulando la fantasía en los desvanes del cerebro». De modo que Rimas y leyendas reúne poesías y prosas simplemente porque todas ellas son criaturas de la misma imaginación que anhela liberarse para «dormir en paz». La influencia en el imaginario moderno de algunos de los poemas de las Rimas, como: - «El monte de las ánimas», - «El rayo de luna» - o «El beso»,ha sido inmensa. Por su parte, las Leyendas se inscriben en la literatura gótica de autores como Hoffman y Poe, que supuso una ruptura con el racionalismo. Al rescatar las leyendas populares, el romanticismo dio un nuevo sentido a las denostadas supersticiones. ¿Por qué nos infunden terror los acontecimientos misteriosos o fantásticos? Son signos de lo sobrenatural, y como no es posible explicarlos racionalmente representan una sobrecogedora evidencia de nuestra limitada capacidad de comprender el mundo.

Los Poemas de Evaristo Carriego están marcados por su realismo opuesto a las corrientes simbolistas de la poesía argentina de ese momento. Carriego fue un poeta que no vaciló en pintar con crudo realismo la pobreza, el dolor y la violencia del paisaje urbano. La obra de Carriego convirtió en sujetos poéticos a personas, lugares y hasta formas de contacto social de sectores marginales. Su único libro de versos editado en vida, Misas herejes, apareció en 1908. Adquirió cierta fama con los poemas, pero no pudo disfrutarla ya que murió el 13 de octubre de 1912 a la edad de veintinueve años. Jorge Luis Borges, que fue su gran admirador, escribió en 1930 un interesante ensayo sobre su vida y obra titulado Evaristo Carriego. No es solamente la biografía de un poeta olvidado; en realidad, el gran escritor argentino utiliza su existencia para recrear el suburbio porteño de principios del siglo pasado, un rescate del arrabal y el tango: «Carriego fue el hombre que descubrió las posibilidades literarias de los decaídos y miserables suburbios de la ciudad: el Palermo de mi infancia. Su carrera siguió la misma evolución del tango: arrollador, audaz y valeroso al principio, luego convertido en sentimental. En 1912, cuando tenía veintinueve años, murió de tuberculosis, dejando un solo libro publicado (Las misas herejes). Recuerdo que el ejemplar, dedicado a mi padre, fue uno de los diversos libros argentinos que habíamos llevado a Ginebra y que yo allí leí y releí.​» Jorge Luis Borges

Entre los Poemas de Bonifacio Byrneel más conocido fue escrito por este a su regreso a Cuba tras la guerra. Titulado "Mi bandera", muestra la indignación del autor al ver la bandera de los Estados Unidos izada en el castillo habanero del Morro.Tras la publicación en 1897 del poemario de sonetos patrióticos Efigies, Bonifacio Byrne fue considerado uno de los poetas de referencia de la guerra hispano-cubana de 1898.

El collar de la paloma es la obra más conocida de Abu Muhammad Alí Ibn Hazm, «el filósofo de Córdoba», teólogo, jurista, polemista, erudito, y una de las mentes más brillantes de España. El collar de la paloma está fechado en 1022 en la ciudad de Játiva, y es según José Ortega y Gasset: «el libro más ilustre sobre el tema del amor en la civilización musulmana» A lo largo de los treinta capítulos que componen esta obra única e inclasificable, se mezclan reflexiones, recuerdos y la lectura de poemas escogidos. Son pasajes a medio camino entre el tratado, las memorias y la antología poética. En este libro el autor habla de la naturaleza del amor y de sus metamorfosis, de las personas que se enamoran, de sus trucos y sus recursos, de sus aliados, de los signos que permiten identificarlas… Al lector actual tal vez le sorprenda comprobar que El collar de la paloma es una obra clásica. Tan clásica como El arte de amar de Ovidio y tan contemporánea como los Fragmentos de un discurso amoroso de Barthes.

Para Romuald-Achille Mahop Ma Mahop, Monólogo de Adán es una vuelta a los "pre-principios". En este viaje la palabra poética se convierte en hálito, susurro, "balbuceo de sombra" apenas. El otro poemario integrado en este volumen, La eternidad del relámpago, reúne un conjunto de composiciones anteriores, de temática variada, pero unidas por el estilo muy personal del poeta. Uno de los méritos de esta edición es, por otra parte, su apuesta bilingüe, ya que cada poema aparece simultáneamente en castellano y en francés (lengua nativa del poeta). Con todo, advierte Mahop Ma Mahop, no se trata más que de "arriesgadas pistas de "tra(i)ducción" que el lector está invitado, casi entretenidamente, a comparar, ampliar y, desde luego, corregir".

Los Poemas de Baltasar de Alcázar no fueron publicados por el escritor. Por fortuna, el pintor Francisco Pacheco realizó copias del único manuscrito que se conservaba. Como escritor, demostró un brillante dominio de la métrica. Los temas que caracterizan la obra poética de Alcázar fueron un tanto triviales; por esta razón, a menudo se le etiqueta injustamente al autor como "poeta menor". Estuvo muy influido por los poetas latinos Marcial y Horacio; de este último tradujo diversas obras al castellano. Destacan su Diálogo entre dos perrillos, Consejos a una viuda y Cercada está mi alma de contrarios.

Con este poemario, ganador del Premio Pulitzer 2012, Tracy K. Smith nos acompaña en una odisea a través del universo y descubre, utilizando referencias tan variadas como la ciencia ficción o David Bowie, que en todo viaje de búsqueda existencial, también el poético, lo importante no es tanto responder las grandes cuestiones, sino asumir el misterio. Vida en marte nos hace cuestionarnos qué pasa después de la muerte.

En las orillas del Sar fue el último libro de la poetisa y novelista gallega Rosalía de Castro. Publicado en 1884 y escrito íntegramente en lengua castellana, resultó ser una recopilación de poemas bastante incomprendida debido a su métrica poco convencional, alejada del estilo poético tradicional. Rosalía introduce nuevas estructuras: - versos de dieciséis - y dieciocho sílabas - y los enlaza en estrofas nunca antes usadas,lo que otorga a estas composiciones una musicalidad precursora del Modernismo. Se trata de una composición lírica simple, con características del Romanticismo y del Modernismo en proporciones similares. Rosalía de Castro se muestra aquí, como dijo Azorín, como «precursora en la métrica y en la ideología». En el poemario, la exploración del propio mundo interior y una visión pesimista de la vida, enmarcado todo en la naturaleza y en la realidad de Galicia, se expresan en una lírica de extraordinaria novedad en su momento. Todo ello, junto a la sensibilidad y la imaginación, sitúa a En las orillas del Sar en el camino hacia el Modernismo. En conjunto, las composiciones profundizan en sus temas característicos: se insiste en las ideas del sufrimiento como eje de la existencia humana y en la de la muerte. Son poemas desesperanzados, con una imaginería religiosa poco convencional. Tristeza, soledad, cansancio, son palabras muy repetidas en este libro, y, junto a ello, el anhelo de Dios, que le provoca dudas. Galicia también está presente en sus palabras. Sin embargo, su visión se torna turbia. Ve su belleza, pero la ve manchada y se lamenta por ya no poder apreciarla. El último libro de Rosalía supone la culminación de su trayectoria poética; intimista, riguroso, subjetivo, formalmente arriesgado.

Borja Menéndez Díaz-Jorge imagina un viaje a través de un año, un año que podría ser cualquiera, es decir, un año que se hace eternamente presente. Con ese pretexto (causa, que no excusa, del objeto poético) Cuaderno de bitácora despliega una geografía maravillosa llena de experiencias, reflexiones y epifanías por causa de las cuales acaso pueda el lector aprender a relacionarse mejor con la realidad que las sostiene: "El cambio suscita un juicio y un cierto aprecio por lo que existe y te rodea".

En última instancia, solo la palabra poética es capaz de evocar el paraíso perdido de la infancia, la familia, los amores, el cuerpo deseado, la añorada plenitud. Sí, evocarlos, pero solo en fragmentos y retazos, en sus huellas y ausencias, en su "breve tránsito por la palabra" ("Estación"). De ahí precisamente la trágica hermosura de la poesía de Federico Díaz Granados.

Nuestros actos siempre están conducidos por la fatalidad del ser humano: él es el infinito proyecto de sí mismo, por encima de sí se sobrevuela. La deforestación, la agricultura, la explosión demográfica, la industrialización, la subyugación del universo que el hombre escribió en la Biblia para justificarse, la experimentación con animales, que constituye el mayor exterminio de especies, y la crueldad llevada a niveles más allá de psicóticos para los que no se encuentran adjetivos. Todo eso define nuestro paso por el planeta. Hay poco en el haber, todo en el deber.

Su importante aporte para la poesía castellana fue la introducción de ciertos recursos de la métrica italiana a la misma; para lo cual recibió un apoyo incondicional del poeta Garcilaso de la Vega, con quien lo unía una fuerte amistad. Compuso un tratado de poética renacentista, donde además aparecieron algunos sonetos y canciones de su autoría que probaban la necesidad de esa nueva lírica. Cabe mencionar también que fue uno de los primeros en cultivar otros estilos líricos como la epístola, la elegía y la octava real en poemas extensos.

"Esta es la fórmula poética más característica y al mismo tiempo más completa de Maria Teodora Miclea. Su secreto no está en la metáfora sino en el ritmo. Un ritmo especial, interior, que da sentido a todo lo afirmado anteriormente y que Maria demuestra dominar sorprendentemente bien. Es lo que lleva imperceptiblemente, pero también inevitablemente, hacia un significado profundo. Este ritmo, esta cadencia, se repite en casi todos los poemas, pero no como signo de pobreza sino como indicador de un muy definido estilo propio". Prof. Dra. Ileana Bucurenciu Con sobriedad y creativas imágenes personales nos acerca a un mundo poético interior que, sin embargo, atraca en la universalidad de la humanidad y recoge el guante de muy variadas tradiciones románticas y simbolistas sin esquivar los retos de la contemporaneidad. Héctor Martínez Sanz Editor

La lira de las Musas (1635), es una compilación de sus poemas dedicada al cardenal-infante don Fernando, de quien Bocángel fue bibliotecario. Bocángel es un maestro del soneto; influido por Góngora, aunque buscó mayor claridad que aquel, y tuvo una especial sensibilidad y melancolía para los matices. Fue uno de los más personales seguidores del culteranismo del poeta cordobés.

La poeta cubana Juana Borrero (1877-1896) murió con solo dieciocho años. Sus poemas, sensuales, melancólicos y dolientes, asombran por la insólita precocidad de su autora y por el halo de misterio que los envuelve. Juana abrazó tanto la poesía como la pintura de manera precoz. Entre los cinco y siete años de edad realiza, de manera espontánea, sus primeros dibujos y poemas. A los doce años escribió los sonetos Las hijas del Ran y Apolo, considerados entre los mejores de la literatura cubana. En 1891 publica en el más importante seminario de la ciudad La Habana Elegante su poema: Vespertino. En sus escasos diecinueve años de existencia dejó una huella indiscutible en la lírica cubana. Su admiración por Casal, su noviazgo con el poeta Carlos Pio Uhrbach, su entorno familiar, favorecieron que José Lezama Lima la considerara iniciadora del «misterio de la participación poética». El poeta y ensayista cubano Cintio Vitier dijo de Juana Borrero que era una «niña prodigio» que dejó poesías, cartas y pinturas famosas: «El destino de Juana hay que entenderlo desde los supuestos ultra-románticos difundidos en los medios artísticos del fin del siglo y representados entre nosotros con especial sinceridad y lucidez por su amado maestro Julián del Casal. Entre esos supuestos o quintaesencias pueden señalarse dos: la Naturaleza es abominable; la alegría es vulgar.» Poco antes de morir de tuberculosis en el exilio, Juana Borrero dictó, casi sin fuerzas, a su hermana, su último poema, titulado así: «Última rima».

Kanemboa podría entenderse como una tentativa de "historia lírica" de Camerún, un viaje en el cual el fulgor del verbo poético supedita deliberadamente el conato de objetividad historicista a los imperativos del canto lírico. A lo largo de este recorrido que aúna la evocación del pasado -ya sea real o mítico- y la exaltación de la diversidad humana y natural de esta "tierra de leyendas bajo la tierra", el lector intuye el frenesí de un antaño persistente: la vivacidad de las civilizaciones del barro cocido, el hálito trémulo de las generaciones, "la providencia arácnida de Ngok Lituba", o la loca cabalgata de las "legiones de lanzas anónimas" por esa singular "Tierra del Medio" que constituye Camerún para África. Aparte de su sección inicial epónima -Kanemboa- este segundo volumen poético de Mahop Ma Mahop incluye otras dos secciones. La segunda, titulada "Vocación de sombra", está integrada por composiciones que acusan un tono marcadamente metafísico, en ocasiones sepulcral, lo cual no deja de recordar la estética existencial del primer volumen, Monólogo de Adán (Madrid: Antígona, 2009). El libro se cierra con la sección "Otros poemas" cuya polifonía participa indiscutiblemente del atractivo de Kanemboa.

Este poemario, Amor culpable, galardonado con la Mención especial de la XI Edición del Concurso de Poesía Voces del Chamamé en su Edición de 2005, describe el deambular enamorado de una mujer que descubre el amor a través de los inocentes sentidos de su estrenada juventud. Verso a verso, la mujer irá evolucionado -como la hace el amor-, dejando tras de sí un poemario más maduro, desconsolado y obsceno. Un poemario que transformará el viaje ilusionado de la experiencia romántica en un dolor desolado, en una plena huida, en una interminable e incesante búsqueda.

La mayor parte de la obra lírica de Nicolás Fernández de Moratín es de carácter tradicional y festivo. Escribió romances sobre el mundo islámico, y poemas eróticos como el Arte de las putas, censurado por la Inquisición. Esta lo incluyó como libro prohibido en la edición de 1790 del Index Librorum Prohibitorum. Arte de las putas circuló exclusivamente en forma clandestina durante más de un siglo después de ser escrito. La obra consta de cuatro cantos con 475 versos. Por su tema ha sido relacionada con otros textos del mismo género entre los que descuella El jardín de Venus, de Félix María Samaniego (editado también en Linkgua ediciones). Arte de las putas es un anecdotario o una guía de la noche madrileña del siglo XVIII. Los apodos de las prostitutas y la mayoría de las historias son reales. Son parte de la vida del autor y de sus contemporáneos. Moratín describe sus personajes con el propósito de darlos a conocer entre los madrileños de su época, amantes de la noche. El lector encontrará aquí otra visión del erotismo. El autor ofrece una imagen tal vez más mundana, ajena a la de otros clásicos del tema. Los «consejos» y la ironía son los principales ingredientes del poema que se presenta como una apología elegante y sarcástica del más antiguo de los oficios.

El poeta mexicano Ricardo Yáñez es, ante todo, un artesano del verso, un lúdico maestro de su arte. Es por ello que en esta antología que recorre los diversos caminos que ha seguido en su obra, se alternan los poemas de aliento con aquellos que tienen la concisión del aforismo, la capacidad de sugerencia del haiku. Si bien a primera vista puede parecer que el amor es el motor de esta poesía, una lectura atenta descubrirá que es exactamente eso, el motor que mueve una variedad de intereses que convierten su trabajo poético en un canto, lírico y lúdico, popular y culto, detallista y hondo, a la existencia.

Célebre como prosista y autor de relatos, los Poemas de Miguel de Cervantes Saavedra se incluyen en sus narraciones y tienen formatos y extensiones diversas. Su obra poética está integrada por numerosas composiciones sueltas, normalmente de circunstancias (conmemorativas, fúnebres, laudatorias o satírico-burlescas). Cervantes fue un poeta desigual, al que le costaba cierto esfuerzo componer versos, frente a la facilidad natural de Lope o la maestría técnica de Quevedo o Góngora. Seguramente, la calidad de sus novelas oscureció su obra poética. A Cervantes le hubiera gustado triunfar como poeta y, lo que es más importante, haber sido reconocido por sus coetáneos, como un buen poeta. Ese reconocimiento no se produjo y él lo asumió con resignación y notable franqueza. En el propio Quijote (capítulo VI de la primera parte), cuando el cura y el barbero están expurgando la biblioteca del ingenioso hidalgo manchego, y ante la aparición de La Galatea, Cervantes hace decir al cura: «Muchos años ha que es grande amigo mío ese Cervantes, y sé que es más versado en desdichas que en versos.» La presente antología contiene poemas de los siguientes títulos de Cervantes: - Don Quijote de la Mancha - La Galatea - La ilustre fregona - El amante liberal - Rinconete y Cortadillo - y poemas extraídos de fuentes varias

Luis Carrillo y Sotomayor participó de varias corrientes estéticas con el fin de explorar nuevos espacios poéticos. Sus temas son, sin embargo, más renacentistas: paisaje para expresar la queja, poesía amatoria petrarquista, depuración del amor cortés que hicieron los autores del dolce stil nuovo. A pesar de estar cercano a la tradición petrarquista y herreriana, se aleja del idealismo platónico de este último, las musas se consiguen con esfuerzo y trabajo; este es uno de los elementos nuevos que introduce, junto con el abandono de la introspección. Las alusiones mitológicas que aparecen es su obra poética son más cercanas al Barroco. La obra de Luis fue publicada por su hermano, Alonso Carrillo y Sotomayor.

La experiencia americana de Alonso de Ercilla le inspiró su poema épico La Araucana, escrito en octavas reales y dividido en tres partes (1569, 1578 y 1589). La Araucana es uno de los libros que se salvan en el capítulo VI del Quijote. El primer texto poético europeo en el que América es un tema literario. Ercilla relata las cruentas luchas sostenidas en Chile entre araucanos y españoles, y describe el lugar y las costumbres de los indígenas. La narración impresiona por la precisa descripción de paisajes y batallas, y los certeros retratos de los jefes araucanos. Se intercalan digresiones, según un procedimiento habitual en la lírica culta. Se incluyen relatos de las batallas de Lepanto y San Quintín. Se describen ciudades famosas, la leyenda de Dido o una justificación política de las pretensiones de Felipe II a la corona portuguesa. Aunque Ercilla afirma ser testigo de las escenas que cuenta. El relato histórico muestra a menudo la influencia de las lecturas épicas del autor, con formación literaria. La obra tiene varios protagonistas, Lautaro y Caupolicán entre los indígenas araucanos. Mientras que son Pedro de Valdivia, García Hurtado de Mendoza, Pedro de Villagra o el propio Ercilla los personajes del lado español. Sin embargo, se da más relieve individual y heroico a los primeros, y se destacan sus virtudes por encima de sus adversarios. La obra fue escrita en tres entregas que se publicaron con diez años de diferencia cada una. Linkgua Ediciones ofrece al lector un volumen por cada una de la entregas. La segunda parte o entrega se inicia en 1543 y finaliza en 1557 y cubre la toma de Tucapel, hasta la muerte Lautaro, el líder mapuche que luchaba bajo las ordenes de Caupolicán. 

La publicación de Azul, primer libro de un escritor nicaragüense de veintiún años, se convirtió en el hito fundacional de la literatura modernista.Desde el enigmático título hasta la estructura de la obra, compuesta por cuentos y poemas, hacen de este volumen la obra más representativa del periodo modernista. Los críticos de la época aseguraban que, con este poemario, Rubén Darío había dado un nuevo sentido del ritmo y de la sonoridad a la lengua española.

Los Poemas de Cristóbal de Castillejo son máximos representantes de la poética tradicionalista frente a las formas métricas italianas. Sin embargo, Castillejo es considerado renacentista por su clasicismo y humanismo. Castillejo escribió obras de amor, de pasatiempo y morales. Entre sus obras destacan Diálogo de mujeres (1540) y Sermón de amores (1542).