Pintura Impresionista y Postimpresionista

I.
E-S FRANCISCO DE GOYA MOLINA DE SEGURA DPTO DE GEOGRAFÍA E HISTORIA
TEMA 16:PINTURA IMPRESIONISTA Y POST-IMPRESIONISTA
Obras a comentar(Selectividad)
109- Monet-Impresión: sol naciente
110- Manet-Desayuno sobre la hierba o Almuerzo campestre
111- Renoir-Moulin de la Galette
112- Sorolla-Niños en la playa
113- Cézanne-Bodegón: Manzanas y naranjas
114- Gauguin-¿Cuándo te vas a casar?
115- Van Gogh-Autorretrato
116- Van Gogh-Noche estrellada
Curso 2008-2009.Historia del Arte. Tema: impresionismo y postimpresionismo© Dpto de Gª e Hª 1

I.E-S FRANCISCO DE GOYA MOLINA DE SEGURA DPTO DE GEOGRAFÍA E HISTORIA
1.- El marco histórico del impresionismo y el post impresionismo:

Francia a finales del Siglo XIX
Dos serán los estilos artísticos más destacados del final del siglo XIX
(primero en Francia y desde allí en el resto de Europa):el Impresionismo y
el Postimpresionismo. Son dos estilos fundamentalmente pictóricos ,
aunque en el caso del impresionismo se incluye también a un escultor
(Rodin) y se habla incluso de “músicos impresionistas” (sería el caso de
compositores como Ravel o Debussy) ¿Cuál fue el contexto histórico de
esta casi revolución en la pintura, de esta “salida absoluta del artista
hacia la Naturaleza”?:
Tras la revolución obrera de 1848 el proletariado occidental empezará a
adquirir más relevancia social y política frente a la burguesía, pero serán
los hijos de los burgueses los que se convertirán en los defensores de las
masas obreras plasmando en sus escritos o en sus pinturas los problemas
y el vivir cotidiano del obrero.
En política y en arte Francia sigue siendo el referente del mundo,
especialmente la época del II Imperio, con Napoleón III. En estos
momentos el arte está dominado por los “academicistas” y las Academias
de Bellas Artes, aunque han aparecido un pléyade de brillantes pintores
que rompen con el arte oficial. Este choque va explotar en el Salón de
1863 cuando más de tres mil obras de jóvenes pintores son rechazadas
por los representantes del arte oficial, la Emperatriz de origen español
Eugenia de Montijo tiene que intervenir y se crea con esas obras una
magna exposición, será el “Salón de los Rechazados”. El público se vuelca
con los pintores marginales, si bien estos desean triunfar en el Salón
oficial, al que se presentarán en varias ocasiones. Será a partir de 1870
cuando algunos de ellos forman un grupo con unos objetivos comunes:
estudio de la luz y del color, nuevas técnicas pictóricas con predominio de
las manchas y desaparición de la línea y el contorno, y la ruptura con el
arte oficial y así el arte pictórico de la segunda mitad del siglo XIX seguirá
dos caminos: el impresionismo y el simbolismo que en realidad suponen
el fin del ciclo pictórico iniciado en el Renacimiento y el origen del arte
contemporáneo.
Algunos de los rasgos distintivos del movimiento impresionista
habían aparecido ya en algunas de las preocupaciones técnicas de los
maestros del pasado y así por ejemplo la reflexión sobre los problemas de
la luz y los efectos de la pincelada pastosa y suelta, se encuentran en una
tradición pictórica que va desde los maestros venecianos hasta
Rembrandt y Hals, desde Velázquez hasta Goya, además de los esfuerzos
para captar el ambiente atmosférico realizados por Turner y Constable.
No obstante, los impresionistas articulan todos estos caracteres aislados
en una formulación coherente preocupada fundamentalmente por su
manera de abordar el problema de la visión de la realidad
2.-Características de la pintura impresionista:
a) El tratamiento de la luz:
La tradición pictórica desde el Renacimiento hasta Courbet tiende a
representar los objetos y las personas un tanto artificialmente. Los
modelos se sitúan en el estudio siguiendo las indicaciones del artista. La
iluminación procede, por lo general, de las ventanas. El artista crea la
sensación de volumen mediante las diversas transiciones graduales de la
luz a la sombra. Esta forma de iluminar los cuerpos y los objetos es una
convención artificial a la que el ojo del hombre se había acostumbrado.
No obstante, cuando la fuente de luz cambia y se vuelve más potente, la
impresión que recibimos es totalmente diferente. Esto ocurre sobre todo
cuando los objetos iluminados lo son por el sol, al aire libre, como ocurre
en las obras impresionista pintadas “au plein soleil”
b) la técnica:
El impresionismo, por el hecho de realizar sus obras al aire libre y por la
necesidad de captar la inmediatez de los efectos luminosos y
atmosféricos, utiliza una técnica de ejecución rápida y en muchas
ocasiones sumaria. Las pinceladas suelen ser vigorosas y cargadas de
pasta. En unas ocasiones la pincelada es corta y en otras larga y sinuosa.
Otra técnica muy utilizada es diluir el óleo hasta alcanzar una fluidez
semejante a la acuarela.
c) La composición:
Sustituyen la representación geométrica del Renacimiento por una
concepción del espacio derivada del encuadre fotográfico, lo que supone
en muchas ocasiones la ausencia de un tema central e incluso la
representación de figuras incompletas al quedar cortadas por los bordes
del cuadro.
3.- El desarrollo histórico del impresionismo
El primer pintor que, sin identificarse totalmente con el impresionismo,
revoluciona el panorama pictórico francés a mediados del siglo XIX es
Manet (considerado como el “padre del impresionismo”). Junto a él
destacan pintores como Monet, Renoir, Pisarro, y Degás.
a) Manet, Edouard
Pintor y grabador francés (1.832- 1.883). Su pintura destaca por la
trivialidad de los temas, los colores planos, los contrastes de negro y
blanco, los colores planos y la libertad de estilo. Obras como Le déjeuner
sur l'herbe (El almuerzo sobre la hierba(Select)), o El tocador de pífano
(en el museo Orsay de París), no fueron admitidas en el Salón de 1863 o
desataron escándalo como Olimpia , pero al mismo tiempo le valieron la
admiración de pintores como Degas, Pisarro, Monet, Renoir y Cézanne.
La luminosidad de su obra y la influencia de Velázquez y de Goya se
concretaron tras un viaje a España en 1.864)
Preocupado por la modernidad quiso ser testimonio de los
acontecimientos históricos ( La ejecución de Maximiliano de México) y
sociales de su tiempo ( El balcón).

Influido por Monet, practicó la pintura al aire libre sin abandonar su
fidelidad por el tema de la figura humana: El bar del Folies-Bergére es un
buen ejemplo. Una parálisis progresiva le llevó a dedicarse al pastel,
técnica con la que acabó de contribuir a forjar una revolución pictórica
basada en el cromatismo y en la soltura de la pincelada
b) Monet, Claude
Pintor impresionista francés. Nacido en París en 1840, muere en su
residencia de Giverny en 1926.
Desde un primer momento sus propuestas pictóricas se convirtieron en
una provocación al academicismo aún imperante en Francia. Monet junto
a otros autores como Renoir o Sisley, y apoyados por el fotógrafo Nadar,
prepararon una exposición colectiva en los talleres de éste que se
considera de hecho el inicio del movimiento impresionista.
Destacan en su obra los estudios de la luz y el color, sus compatibilidades
y de sus interacciones, de cómo la luz es la variación de los colores y de
cómo el color cambia según los estados de luz. Su luminosidad es difusa
y cambiante, llegando a hacer tintinear las formas. Monet estudió los
principios físicos de la refracción de la luz sobre los cuerpos. Sus cuadros
son verdaderos estudios cromáticos, de combinaciones y
correspondencias que, a veces, llegan a condicionar la libertad del tema
elegido.
De esta pasión le surgió la necesidad de pintar a "plain air" o al aire libre,
desarrollando luego la obra global en el estudio. Monet alternó escenas
de la vida parisina - " La estación de Saint-Lazaire"- con pasisajes
campestres –“ El puente del ferrocarril en Argenteuil",”Amapolas en
Argenteuil” "almuerzo campestre", "La mujer de la sombrilla"-, o marinos
- "Impression, soleil levant (1874), obra clave del estilo, o La Terraza
junto al mar en Sainte-Adresse". Su afán de estudiar la luz y sus efectos
sobre la forma y el color le llevó a realizar series de la que la más

conocidas son La Catedral de Rouen. y la ya señalada“La estación de
Saint Lazare”
Con la desintegración del grupo de los impresionistas, Monet marcha de
París y se refugia en Giverny. Aquí va desplazándose poco a poco hacia la
abstracción de formas, destacando su serie de los Nenúfares (Les
nymphéas). También llega a obsesionarse con la ruptura de las formas
tradicionales y entra en una búsqueda de nuevos lenguajes que le llevan
a investigar el arte japonés y oriental, en general. Su colección de telas y
grabados sobre estos temas que se conserva en su casa-museo es
impresionante.
Hombre de gran trascendencia pública, la Tercera República le convirtió
en un icono de la modernidad de Francia. Amigo personal de Clemenceau,
apoyó a las nuevas generaciones de pintores como Cézanne o Picasso y
su obra fue ampliamente valorada en vida.
c) Pisarro
Jacob Abraham Pissarro, llamado Camille Pizarro. Pintor francés (Saint
Thomas, Antillas, 1830-París 1903).
El encuentro con Corot en París, a donde llegó en 1855, fue decisivo para
su orientación. Podemos encontrar en su biografía pictórica dos grandes
etapas: junto a Monet, Cézanne y Guillaumin compartió un fuerte interés
por las investigaciones sobre la luz y el color con composiciones y obras
claramente impresionistas, aunque quizás desprovistas de la fuerza de
otros autores por su excesiva rigidez formal. En un segundo momento, se
sintió atraído por el divisionismo o puntillismo de Seurat aunque en su
última etapa regresó a un impresionismo más estricto.
Entre sus obras vamos a citar las siguientes:
La calle Saint-Honoré después del mediodía (Museo Thyssen-Bornemisza
de Madrid). El jardín de Pontoise, Camino en Pontoise , Los tejados rojos”
y” La siega en Montfoucault” ( Musée d´Orsay, Paris) o Boulevard
Montmartre
d) Degas, Edgar
Edgar Degas nació el 19 de julio de 1834 en París. Hijo de un aristocrático
banquero, su madre provenía de una familia de rancia tradición de Nueva
Orleans en Estados Unidos. Fue el primogénito de la familia y desde
pequeño su padre lo puso en contacto con el arte. En 1845 inicia su
bachillerato en el Liceo Louis-le-Grand y lo culmina en 1853. Abandonó la
facultad de derecho para pintar. En 1854 se convierte en alumno de Louis
Lamothe, discípulo de Ingres, y asiste en 1855 a la Escuela de Bellas
Artes en París. Desde 1865, influido por el movimiento impresionista,
abandona los temas académicos para dedicarse a una temática
contemporánea.
Viajará a Italia, lo que será muy importante para su formación, donde
conocerá la pintura veneciana y florentina de Massaccio, Piero Della
Francesca... Al contrario de los impresionistas, prefiere el taller y no le
atrae el estudio de la luz natural. Dedicó mucho tiempo a pintar aunque
sus obras parecieran espontáneas o hasta casuales. Si es necesario
repetir una obra cien veces, hay que hacerla ciento veinte, ese no es
problema , solía decir en su tiempo. Su temas predilectos son: el teatro,
los cafés, las carreras de caballos y las mujeres, en las que se centra gran
parte de su obra intentando atrapar las posturas más naturales y
espontáneas de sus modelos. En su afán por capturar el movimiento en
una obra acudía a diario y permanecía horas observando los ensayos de
las bailarinas, incluso, contrató algunas para que le sirvieran de modelo
mientras pintaba. Su estudio de los grabados japoneses le llevó a
experimentar con ángulos de enfoque inusitados y composiciones
asimétricas.
Sus obras suelen presentar los bordes cortados, como en Los bebedores
de absenta ,Ensayo de ballet y Mujer con crisantemos- En la década de
1880, empieza a perder visión, y trabaja con dos medios nuevos: la
escultura y el pastel. En su escultura, al igual que en su pintura, intentó
atrapar la acción del momento. Trabajó con moldes de cera o terracota ya
que en vida no fundió ninguna escultura en bronce. No obstante, en sus
últimos años deseó hacerlo e, inclusive, llegó a convenios con
reconocidos fundidores de su país. Sin embargo, sus obras no se
realizaron hasta después de su muerte. Sus pasteles suelen ser
composiciones simples con muy pocas figuras. Se vio forzado a recurrir a
los colores brillantes y a los gestos de gran expresividad, prescindiendo
de la línea precisa. No gozó de gran reputación entre sus contemporáneos
y su auténtica dimensión artística no habría de valorarse hasta después
de su muerte el 27 de septiembre de 1917 en París.
e) Renoir, Pier Auguste
Pierre Auguste Renoir nació el 25 de febrero de 1841 en Limoges. Hijo
de un sastre que trasladó a su familia a París. Durante su infancia trabajó
como decorador en una fábrica de porcelanas. Con 17 años copiaba
pinturas sobre abanicos, pantallas de lámparas y persianas. Fue admitido
en la Academia de Bellas Artes y en 1862 se matriculó en la academia del
pintor suizo Charles Gabriel Gleyre, donde se encontraría con Fridéric
Bazille, Claude Monet y Alfred Sisley.
En su obra más temprana se puede observar la influencia de pintores
como Monet en su tratamiento de la luz, y de Delacroix en su tratamiento
del color.
En 1864 tuvo lugar su primera exposición en París, pero no fue
verdaderamente reconocido hasta 1874, en la primera exposición de
pintores de la nueva escuela impresionista. Su Baile del Moulin de la
Galette (1876)(Select) es una de las obras más famosas del
impresionismo. Habría destacar como otros ejemplos de retrato: Madame
Charpentier y sus niños (1878) y Jeanne Samary (1879). Otras pinturas
destacadas son: El palco (1874 ), El Columpio (1875), El almuerzo de los
remeros (1881) , Los paraguas (1883) y Jarrón de crisantemos (1895).

Consiguió una gran reputación con la exposición individual celebrada
en la galería Durand-Ruel de París en 1883. Entre 1884 y 1887 realizó
unas series de estudios de grupo de figuras desnudas conocidas como
Las grandes bañistas. En sus últimos 20 años sufrió artritis y continuó
trabajando con un pincel atado al brazo. Falleció el 3 de diciembre de
1919.
4.- El post impresionismo
a) Contexto histórico y aspectos generales
Este movimiento está formado por una serie de pintores en su mayoría
formados en el impresionismo, del cual parten, pero al cual superan. Los
más destacados son de origen francés, salvo Vicent van Gogh que nació
en Holanda, aunque decidió vivir y morir en Francia.
Para estos pìntores el impresionismo queda obsoleto y cada uno tiene su
propia visión de lo que es la pintura, de la técnica a utilizar, de los temas
a tratar y de la distribución de la composición. Unos prefieren un pintura
basada en el simbolismo, y otros optan por la fantasía. Unos creen en el
primitivismo y otros plasman el presente, por lo tanto no podemos hablar
de un movimiento homogéneo.
b) Desarrollo histórico. Principales pintores post
impresionistas
Los pintores más importantes del Postimpresionismo o Neoimpresionismo
como también se denomina a este movimiento son Paul Gauguin, Paul
Cezanne, Henri Toulouse Lautrec, Georges Seurat y Vicent van Gogh.
• Gauguin, Paul
Pintor francés (1.848-1.903). Comenzó a pintar como aficionado dentro de
la estética impresionista, pero evolucionó hacia formas más simplificadas
y contundentes y en colores encerrados entre líneas nítidas, a la manera
del emplomado de las vidrieras. En 1.886, antes de iniciar su viaje a
Tahití, pintó su Cristo amarillo. Ya en los mares del Sur realizó su obra de
tema exótico (El caballo blanco, Los senos de las flores rojas ¿Cuándo te
vas a casar?). Su obra presenta un gran vigor colorístico en las que
expresó una preocupación metafísica y una intensa sensualidad. Su
influencia fue decisiva para los pintores del fauvismo.
• Cezanne, Paul
Pintor francés (1.839-1.906). En su juventud conoció a Pissarro, lo que le
motivó a pintar, aunque con un estilo propio, desvinculado de toda
escuela y de toda regla y basado en la fuerza constructiva del color, no
sólo como elemento de contraste sino sobre todo de transparencia, de
fusión y de vibración.
En 1.872 pintó una serie de paisajes al aire libre y, al año siguiente,
realizó La casa del ahorcado , con la que participó en la primera
exposición impresionista , tomando una nueva y definitiva orientación
pictórica. En 1.886 se instala en Aix-en Provence, donde pintó hasta el
final de sus días sus obras más conocidas: Jugadores de cartas, El
muchacho del chaleco rojo, Las grandes bañistas, La montaña Santa
Victoria y Bodegón con manzanas y naranjas
La rotunda afirmación de los elementos estructurales de la naturaleza
que Cézanne llevó a cabo en estas obras despertó enseguida el interés de
los cubistas y de los fauvistas , quienes empezaron a considerarse sus
continuadores.
• Toulouse-Lautrec, Henry
Henri Marie Raymond de Toulouse-Lautrec nació el 24 de noviembre de
1864 en Albi, en el seno de una de las familias aristocráticas más
importantes de Francia. Sus padres, Alphonse de Toulouse-Lautrec-Monfa
y la Condesa Adèle Tapié de Celeyran, eran primos en primer grado. Su
familia se instaló en París en 1873. Cuando sus padres se separan en
1868, Henri quedó al cuidado de su madre. Como consecuencia de la
consanguinidad de sus padres, padeció una enfermedad que afectaba al
desarrollo de los huesos llamada picnodisostosis y que se le empezó a
manifestar en 1874. En el año 1878 sufrió la rotura de su fémur izquierdo,
al año siguiente la del derecho, razón por la que sus piernas sufrieron un
desarrollo anormal a causa de una enfermedad congénita que le
provocaba falta de calcio, conservó un torso normal pero las piernas no le
crecieron.
Sus habilidades para el dibujo fueron estimuladas por su tío, el conde
Charles de Toulouse-Lautrec. Comenzó a pintar en 1878 en el taller de
René Princeteau, pintor de temas militares y ecuestres. Más adelante
estudió pintura con Joseph Florentin Leon Bonnat y Fernand Cormon.
Frecuentó los cabarets del distrito parisiense de Montmartre, como el
Moulin Rouge, y atrajo con su ingenio a un grupo de artistas e
intelectuales entre los que se encontraban el escritor irlandés Oscar
Wilde, el pintor holandés Vincent van Gogh y el cantante francés Yvette
Guilbert. Visitante asiduo del teatro, el circo y los burdeles. Los recuerdos
e impresiones de los lugares y de sus personajes los plasmó en retratos y
bocetos. Ejemplos son La Goulue entrando en el Moulin Rouge (1892),
Jane Avril entrando en el Moulin Rouge (1892) y En el salón de la calle
des Moulins (1894).
En 1890 ya había madurado su estilo, se apartó del Impresionismo y se
acercó decididamente a Degas, tal como revelan el rico cromatismo, la
importancia dada a la línea en la formación de la figura, y el lugar
preeminente ocupado por las dinámicas figuras tomadas de la sociedad
contemporánea y plasmadas en posturas características y naturales. El
artista pretende dar a sus trabajos el aspecto sencillo y espontáneo del
esbozo y, en realidad, a menudo sus formas se reducen a lo esencial
hasta tal punto que parecen casi estilizadas. Realizadas con amplias
pinceladas, sus pinturas y grabados son, en esencia, dibujos lineales. En
las figuras, la cabeza aparece más acabada que el resto del cuerpo como
si el ojo del pintor fuese el de una máquina fotográfica enfocada hacia un
punto concreto de tal modo que el resto quedase desenfocado.
Rechazando el claroscuro y el sentido plástico de la forma, se sirvió de
una perspectiva descendente, cortante que recuerda tanto las estampas
japonesas como el arte fotográfico de su tiempo. Su cromatismo es
teatral y fantasioso, hecho de rojos oscuros y verdes. No fue un artista del
plein-air: la luz, en sus escenas al aire libre, es cambiante y poco natural.
Destacó, sin embargo, en la representación de la vistosa atmósfera de la
vida nocturna, artificial, sórdida y densa. A diferencia de los
impresionistas, Toulouse-Lautrec, insistió mucho en las expresiones de las
caras para revelar un carácter o un estado emotivo, y exageró los rasgos
hasta caricaturizar los rostros, fascinado por temas muy peculiares como
prostitutas o criaturas marginadas por la sociedad, grotescas y, al mismo
tiempo, profundamente humana.
En 1891 dibujó su primer cartel por encargo del Moulin Rouge para
anunciar a los bailarines La Goulue y Valentín le Désosse. Abandonó su
estudio para refugiarse con su madre en el castillo de Malromé, propiedad
de la familia, donde el 9 de septiembre de 1901 falleció.
• Seurat, Georges
Georges Seurat. Pintor francés (París 1859-París 1891).
Seurat, considerado como un neoimpresionista, avanza en los estudios de
la luz y de óptica como elemento de superación de sus contemporáneos.
Habilidoso fotógrafo, se decantó por la técnica del puntillismo : siguiendo
los estudios de física y óptica, los colores se extendían uniformemente en
numerosos y pequeños puntos, que el ojo humano en la distancia
componía. Para lograr el efecto completo sus obras tendían al estatismo y
en general conllevaban un largo y complejo estudio de taller, totalmente
alejado de la naturaleza. Rompe así con la tradición iniciada por Monet,
abriendo nuevos cauces a las futuras vanguardias: las soluciones
aportadas por la obra de Seurat incidieron en la formación del cubismo, el
futurismo y en diversas formas del constructivismo. Sus cuadros más
elaborados son: El baño en Asnières (1884), Un domingo de verano en la
Grande Jatte (1884-1886), Las modelos (1888).
• Van Gogh, Vincent
Vincent van Gogh nació el 30 de marzo de 1853 en Groot-Zunder, hijo de
un pastor protestante holandés. Con 27 años ya había trabajado en una
galería de arte, había dado clases de francés, había sido estudiante de
teología y evangelizador entre los mineros de Wasmes, en Bélgica. Sus
experiencias como predicador se pueden observar en sus primeras
composiciones sobre campesinos, de las cuales la más conocida es la
tosca y directa Los comedores de patatas (1885) uno de los diez únicos
grabados que el pintor hizo a lo largo de su carrera. Oscuras y sombrías,
a veces descarnadas, sus primeras composiciones ponen en evidencia el
intenso deseo de expresar la miseria y los sufrimientos de la humanidad
tal y como él los vivió entre los mineros de Bélgica.
En 1886 partió a la ciudad francesa de París a vivir con su hermano Théo
van Gogh, que era marchante de arte, y allí se familiarizó con los nuevos
movimientos artísticos que estaban en pleno desarrollo. Recibió gran
influencia por la obra de los impresionistas y por la de los grabadores
japoneses como Hiroshige y Hokusai, comenzó a experimentar con las
técnicas de la época. Más adelante adoptó los brillantes matices
pictóricos de artistas franceses como Pissarro y Seurat. En 1888
abandono la capital francesa para trasladarse al sur de Francia con la
esperanza de atraer allí a algunos de sus amigos y fundar con ellos un
Taller del Mediodía. Bajo el sol ardiente de la Provenza , pintó escenas
rurales, cipreses, campesinos y otras características de la vida de la
región. Durante ese periodo en el que vivió en Arles, empezó a utilizar las
pinceladas ondulantes y los amarillos, verdes y azules intensos
relacionados con obras tan conocidas como Dormitorio en Arles (1888) y
Noche estrellada (1889). Son también de esta época Descargadores en
Arles (1888) y Les Vessenots en Auvers (1890).
Para él todos los fenómenos visibles, los pintara o los dibujara, parecían
estar dotados de una vitalidad física y espiritual. Logró contagiar su
entusiasmo al pintor Paul Gauguin, al que había conocido en París, para
que fuera a verle a Arlés. Tan sólo le duró dos meses la paz y la armonía
ya que después empezaron a tener violentos enfrentamientos que
culminaron en una pelea en la que Van Gogh, fuera de sí, amenazó a
Gauguin con una navaja; esa misma noche, sumido en un profundo
remordimiento, Van Gogh se cortó parte de la oreja(autorretrato). Pasó
algún tiempo internado en un hospital de Arlés y un año en el manicomio
de Saint-Rémy, situado en esa misma región. Durante ese periodo siguió
trabajando entre los varios ataques de locura que sufrió. Más tarde pasó
tres meses en Auvers bajo atendido por un médico cordial cuyo retrato
pintó (El doctor Paul Gachet, 1890). Vincent van Gogh padeció de muchos
problemas físicos debido, en parte, a la pobreza y que a veces estaba
desnutrido. Fue adicto a la caña de ajenjo, peligrosa bebida narcótica
popular a finales del siglo XIX. Parece ser que padeció sífilis, tinnitus,
envenenamiento por plomo, sindrome de Meniere y de epilepsia. Sus dos
hermanos murieron jóvenes y su hermana, Wilhelmina, pasó la mayor
parte de su vida en un asilo mental.
Inmediatamente después de acabar su inquietante Cuervos sobre el trigal
(1890), se disparó un tiro en el estómago el 27 de julio de 1890. Aún a
pesar de su herida se arrastró de vuelta a la casa donde murió dos días
después en brazos de su hermano Theo. “Yo arriesgué mi vida por mi
trabajo, y mi razón siempre fue menoscabada” : estas son las palabras de
Vincent en su última carta encontrada en su bolsillo el 29 de Julio, 1890.
Realizó cerca de 750 cuadros y 1600 dibujos. En 1973 fue inaugurado en
Amsterdam el Museo Vincent van Gogh

PINTURA IMPRESIONISTA Y POST IMPRESIONITA: OBRAS

COMENTADAS (SELECTIVIDAD)
110- Manet-Desayuno sobre la hierba o Almuerzo campestre

Identificación:
Título: Almuerzo sobre la hierba (en francés, Le Déjeuner sur l'herbe) Al
principio se llamó a este cuadro Le Bain, y luego La Partie carrée. En
español, también se ha traducido como La merienda campestre o,
también, Almuerzo campestre.
Autor: Eduard Manet (1832-1883)
Cronología: 1863
Estilo: Impresionismo
Técnica y materiales: Óleo sobre lienzo.
Dimensiones: 2.08 x 2,64 ms
Localización original:
Localización actual: Museo de Orsay de París, Francia
Tema: escena de un paisaje con figuras
Análisis:
Almuerzo sobre la hierba (en francés, Le Déjeuner sur l'herbe) es un
cuadro realizado por el famoso pintor francés Édouard Manet en 1863.
Mide 208 cm de altura y 264,5 de largo. Es un cuadro al óleo. Se exhibe
en el Museo de Orsay de París, Francia. La yuxtaposición de un desnudo
femenino con caballeros completamente vestidos suscitaron controversia
cuando la obra se mostró por vez primera en el Salon des Refusés (Salón
de los Rechazados) en 1863, después de ser rechazado por el Salón
oficial. Fue el lienzo «más irritante y controvertido» de esa exposición de
obras rechazadas. Aparte de considerar vulgar el que una mujer estuviera

desnuda junto a jóvenes vestidos, numerosos críticos rechazaron la
modernidad del estilo, desde el punto de vista cromático y compositivo.
Los críticos fueron muy tajantes con la escena de Manet, mientras que los
jóvenes artistas - quienes, más tarde, conformarán el grupo impresionista
- consideraron la obra como una muestra de vanguardismo, animando a
Manet a crear imágenes de esas características y agrupándose en torno a
él. Por lo tanto, El Baño(título inicial) se considera el punto de ruptura con
el arte académico y tradicional. El título de Desayuno en la hierba
sustituyó al original cuatro años después. Manet pareció inspirarse en una
jornada de baño en el Sena para realizar un desnudo en un paisaje, el
sueño de todo pintor. Para ello empleó a su modelo favorita, Victorine
Meurent, junto al escultor holandés Ferdinand Leenhoof - hermano de
Suzanne, su futura esposa - y a su propio hermano, Gustave. Los tres se
sitúan entre los árboles, apreciándose el Sena al fondo y a otra joven que
sale del baño; la mujer desnuda ha colocado sus vestidos a su izquierda,
junto a una cesta de fruta. Por supuesto resulta chocante el contraste
entre la desnudez de la joven y los dos hombres que la acompañan,
siendo ésta la gran novedad de la imagen. Y es que Manet buscó su
inspiración en las "fiestas galantes" del último Barroco francés - en las
que también aparecían mujeres desnudas junto a hombres vestidos -
empleando como modelos el Concierto campestre de Tiziano. En estas
fuentes clásicas aparecen asimismo las figuras femeninas desnudas pero
no habían supuesto ningún escándalo. ¿Y por qué esta escena,
aparentemente continuadora de la tradición clásica, sí motivó un fuerte
escándalo en el Salón? Porque suponía una muestra de la modernidad, al
ser una joven burguesa cualquiera la que posaba desnuda ante dos
hombres. Manet ya había recurrido a emplear imágenes modernas junto a
elementos clásicos en otras obras - Ninfa sorprendida o Muchacho con
espada - pero nunca con tanta fuerza como en el Desayuno en la hierba.
Por lo tanto, sería rechazada por un jurado que, admitiendo desnudos en
el Salón, no podía permitir que este canto a la vida moderna se exhibiera
en las paredes del recinto oficial. En referencia a los tonos empleados,
resulta sorprendente el contraste entre los negros trajes masculinos y la
clara desnudez de la modelo, que elimina las tonalidades intermedias
para marcar aún más ese contraste. El empleo del negro puro no era muy
académico, por lo que las obras de Manet siempre eran censuradas por
críticos y jurados oficiales. Al fondo recurre al abocetado que caracteriza
sus primeras escenas, quizá para marcar la sensación de profundidad y
de aire, como hizo Velázquez, uno de sus pintores favoritos. Un fuerte
foco de luz incide directamente sobre el grupo, sin apenas crear sombras,
apreciándose aquí la influencia de la estampa japonesa. Resulta
interesante mencionar el excelente dibujo del que siempre hará gala el
artista, aprendido en las largas sesiones del Louvre copiando a los
clásicos, que sirvieron siempre de referencia al pintor.
109- Monet-Impresión: sol naciente
Identificación:
Título: “Impresión: sol naciente”
Autor: Claude Monet
Cronología: 1872,
Estilo: impresionismo
Técnica y materiales: : Oleo sobre lienzo
Dimensiones: 47 x 64 cm.
Localización actual: Museo Marmottan de París
Tema: paisaje marino
Análisis
Impresión, sol naciente (en francés Impression, soleil levant) es el cuadro
del pintor francés Claude Monet, que dio su nombre al movimiento
impresionista.
Fechado en 1872, aunque pintado más probablemente en 1873, su
motivo es el puerto de Le Havre en Francia, usando muy pocos toques de

pincel que sugieren en vez de delinear. Monet explicó posteriormente el
título:
"El paisaje no es otra cosa que una impresión, una impresión instantánea
, de ahí el título , una impresión que me dio. He reproducido una
impresión en le Havre, desde mi ventana, sol en la niebla y unas pocas
siluetas de botes destacándose en el fondo... me preguntaron por un
título para el catálogo, no podía realmente ser una vista de Le Havre y
dije "pongan impresión"
La pintura se exhibió en 1874 durante la primera exposición
independiente de los impresionistas, todavía no conocidos por ese
nombre. El crítico Louis Leroy, inspirado por el título del cuadro, tituló su
hostil crítica en el periódico Le Charivari, "Exhibición de los
impresionistas" , dando nombre inadvertidamente al movimiento. Leroy
escribió allí:
"Impresión..no me cabe duda. Me decía a mí mismo que, como estaba
impresionado, debía haber alguna impresión allí..y qué libertad, que fácil
artesanía ! El empapelado en su estado mas embrionario tiene más
terminación que este paisaje marino.”
Monet pintó el sol casi con la misma luminosidad del cielo, una condición
que sugiere humedad alta y atenuación atmosférica de la luz. Este detalle
descansa sobre el uso de colores complementarios y variedad de
temperaturas de color, en lugar de cambios de intensidad o valores
contrastantes, para diferenciar el sol del cielo circundante. La sensación
atmosférica domina una escena en donde las formas desaparecen casi
por completo. Los colores han sido aplicados con pinceladas rápidas y
empastadas, apreciándose la dirección del pincel a simple vista,
resultando una imagen de enorme atractivo tanto por su significado como
por su estética
111- Renoir-Moulin de la Galette
Identificación:
Título: Baile en el Moulin de la Galette (Bal au moulin de la Galette)
Autor: Renoir, August
Cronología: 1876
Estilo: Impresionismo
Técnica y materiales: óleo sobre lienzo
Dimensiones: 131 cm × 175 cm
Localización actual: Museo de Orsay
Tema: Escena de género
Análisis:
Baile en el Moulin de la Galette (en francés: Bal au moulin de la
Galette) es una de las obras más célebres del pintor impresionista francés
Pierre-Auguste Renoir, que se conserva en el Museo de Orsay en Paris,
siendo uno de los cuadros más emblemáticos del museo
Renoir era maestro en representar los eventos comunes cotidianos. En
esta obra maestra del impresionismo fija un momento de la vida parisina
en una atmósfera de feliz abandono. Presenta a la gente sencilla y
popular que se divierte un soleado día de verano en el Moulin de la
Galette. Este establecimiento era un antiguo molino, reconvertido en
café, al que se acudía los domingos, porque allí se celebraba un baile
muy concurrido
La composición se desarrolla en torno a un esquema curvilíneo, del
primer plano hacia el fondo, siguiendo las diagonales del cuadro. La
pincelada es borrosa. Consigue un gran colorido y efectos de luz, como
filtrada a través de las hojas
En el primer plano aparece Georges Rivière, amigo de Renoir. Era un
escritor y crítico que defendía a los impresionistas
112- Sorolla-Niños en la playa
Identificación:
Título: Niños en la playa
Autor: Joaquín Sorolla
Cronología: 1910
Estilo: impresionismo
Técnica y materiales: Óleo sobre lienzo
Dimensiones: Medidas: 118 x 185 cm.
Localización actual: Museo del Prado
Tema:
Análisis:
Niños en la playa es una obra del pintor español Joaquín Sorolla. La obra
es de estilo impresionista (s. XIX), aunque la obra es del año 1910.
En la pintura se pueden ver a tres niños desnudos tumbados en la arena
de una playa, concretamente en la orilla del mar.
La obra está pintada con grandes pinceladas continuadas, que forman los
cuerpos de una manera rápida y poco minuciosa, característica principal
de la pintura impresionista. Los cuerpos de los niños se funden con las
olas del mar, y todo ello forma un conjunto sereno y tranquilo. La pintura
plasma una escena al aire libre; la pintura en plein air es típica de los
impresionistas.
Aunque Sorolla no pertenece al grupo de impresionistas franceses
famosos (Manet, Monet, Renoir, Degas, Sisley y Pissarro), es un pintor de
tanta calidad como los nombrados.
Si hay un pintor que ha sabido captar la luz del Mediterráneo es, sin lugar
a dudas, Joaquín Sorolla. Fue un especialista en reflejar en sus obras la
luminosidad y la alegría del Levante español. Valencia, su ciudad natal,
será su lugar preferido de inspiración y donde encontrará su temática
favorita: pescadores, niños bañándose, jóvenes en barco, etc. Por eso los
retiros del artista a Valencia van a ser cruciales para su producción. Era
habitual encontrarle por las playas captando en sus lienzos a sus gentes y
su luz, esa luz dorada y brillante que tan bien ha sabido mostrar Sorolla
en sus cuadros.

Niños en la playa es una de las obras cumbres del pintor. Tres niños
aparecen tumbados en la playa, en el lugar donde el agua de las olas se
mezcla con la arena, muy cerca de la orilla. Los niños desnudos, como se
bañaban en los primeros años de siglo los muchachos del pueblo,
demuestran el perfecto dominio del pintor sobre la anatomía infantil. Pero
el tema no deja de ser una excusa para realizar un estudio de luz, una luz
intensa que resbala por los cuerpos desnudos de los pequeños. Las
sombras para Sorolla no son de color negro tal y como dictaba la
tradición, sino que tienen un color especial según consideraba el
Impresionismo. Por eso aquí emplea el malva, el blanco y el marrón para
conseguir los tonos de las sombras. Una de las preocupaciones del pintor
eran las expresiones de los rostros, que ha sabido captar perfectamente
en el niño que nos mira aunque su cara no esté claramente definida.
Observando este cuadro, el espectador puede respirar la atmósfera del
Mediterráneo, que Sorolla tan bien conocía.
113- Cézanne-Bodegón: Manzanas y naranjas

Identificación:
Título: Bodegón con manzanas y naranjas
Autor: :Paul Cézanne
Cronología: 1895-1900
Estilo: post impresionismo
Técnica y materiales: Oleo sobre lienzo
Dimensiones: 74 x 93 cm.
Localización actual: Museo de Orsay
Análisis:
Debido a la meticulosa manera de trabajar de Cézanne, se especializará
en paisajes y bodegones. Aquí encontramos desarrollado el nuevo
concepto de la pintura que crea el maestro de Provenza; el pintor debe
buscar la esfera, el cono y el cilindro en la naturaleza, formas con las que

pretende recuperar el volumen perdido por los maestros impresionistas,
anticipándose así al cubismo. Aplicando el color como sistema de
modelado -"la forma alcanza sólo su plenitud cuando el color posee su
mayor riqueza"- conseguirá conjuntos de altísima calidad como este
magnífico bodegón. Las esferas de manzanas y naranjas se distribuyen
por el conjunto rodeadas de diferentes telas en las que se aplican las
tonalidades. En la iluminación empleada aún existe un punto de conexión
con el Impresionismo. Sin duda, Cézanne ha recuperado la forma, que se
estaba perdiendo en los últimos cuadros de Monet y que llegaba casi a la
abstracción en los años finales del siglo XIX.
115- Van Gogh-Autorretrato
Identificación:
Título: Autorretrato
Autor: Van Gogh, Vincent
Cronología: 1889.
Dimensiones: 65 x 45 cm
Localización actual: Museo de Orsay. París. Francia
Tema: Retrato
Análisis:
A lo largo de su vida artística Vincent pintó un gran número de
autorretratos, su continuo recurso a sí mismo como modelo obedecía
muchas veces a una razón práctica: la falta de personas dispuestas a
posar para él, circunstancia que lo afligía y que a menudo lamentaba,
dado que tenía el retrato por el género principal de la pintura.
En este lienzo, el artista se representa de tres cuartos, vestido de una
manera cuidada y elegante, con el cabello peinado hacia atrás, dejando
al descubierto la frente. La expresión del rostro es tensa, casi agresiva, y

la mirada infunde un cierto temor. Las cejas están contraídas y la boca se
pliega ligeramente hacia abajo.
Toda la obra está dominada por el color azul, que se refleja en la piel del
rostro, los labios y el cabello. Tanto la chaqueta como el fondo están
pintados con trazos ondulantes transmitiendo la idea de permanente
cólera y angustia, haciendo de este lienzo una de las imágenes que el
artista ha producido de manera más dramática.
116- Van Gogh-Noche estrellada
Identificación:
Título: Noche estrellada
Autor: Van Gogh, Vincent
Cronología: 1889
Dimensiones: 73,7 x 92,1 cm
Localización actual: Museo de Arte Moderno. New York. USA
Tema: paisaje nocturno
Análisis:
A diferencia de sus amigo Gauguin que estaba elaborando una
pintura de contenido simbolista, fruto de su imaginación y no inspirada en
modelos reales, Vincent se decanta por el contacto directo con la
realidad, pero esto le supone un problema ya que le resultaba difícil
representar el cielo nocturno, para ello ideó un sistema tan extravagante
como ingenioso: colocó velas encendidas en su sombrero y pudo así
realizar la primera obra nocturna al aire libre de la historia.
Sin embargo, y a pesar de haber trabajado al natural, el resultado es
cualquier cosa menos realista, la poderosa imaginación del autor
transforma la vista nocturna en una especie de acontecimiento cósmico
donde el cielo parece iluminado por multitud de cometas que giran

vertiginosamente, creando una serie de remolinos de luz, haciendo que el
pueblo parezca sumergido en una atmósfera sobrenatural.
La composición del cuadro es magistral, la línea diagonal de las
montañas, las ondulaciones amarillas de los astros, las pinceladas
espirales que forman los árboles diseminados entre las casas, mientras
que el largo tejado en punta del campanario rima con la forma del
solitario ciprés, cuya silueta cierra la escena en primer plano.
OBRAS PARA COMENTAR (SELECTIVIDAD)

Manet-Desayuno sobre la hierba o Almuerzo campestre
Monet-Impresión: sol naciente :¡¡¡
Renoir-Moulin de la Galette

Sorolla-Niños en la playa
Cézanne-Bodegón: Manzanas y naranjas
Gauguin-¿Cuándo te vas a casar?

Van Gogh-Autorretrato
Van Gogh-Noche estrellada

Pintura Impresionista y Postimpresionista

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I.

E-S FRANCISCO DE GOYA MOLINA DE SEGURA DPTO DE GEOGRAFÍA E HISTORIA

TEMA 16:PINTURA IMPRESIONISTA Y POST-IMPRESIONISTA

Curso 2008-2009.Historia del Arte. Tema: impresionismo y postimpresionismo© Dpto de Gª e Hª 1

1.- El marco histórico del impresionismo y el post impresionismo:

Curso 2008-2009.Historia del Arte. Tema: impresionismo y postimpresionismo© Dpto de Gª e Hª 4

Curso 2008-2009.Historia del Arte. Tema: impresionismo y postimpresionismo© Dpto de Gª e Hª 5

Curso 2008-2009.Historia del Arte. Tema: impresionismo y postimpresionismo© Dpto de Gª e Hª 8

Curso 2008-2009.Historia del Arte. Tema: impresionismo y postimpresionismo© Dpto de Gª e Hª 14

PINTURA IMPRESIONISTA Y POST IMPRESIONITA: OBRAS

110- Manet-Desayuno sobre la hierba o Almuerzo campestre

Curso 2008-2009.Historia del Arte. Tema: impresionismo y postimpresionismo© Dpto de Gª e Hª 15

Curso 2008-2009.Historia del Arte. Tema: impresionismo y postimpresionismo© Dpto de Gª e Hª 17

Curso 2008-2009.Historia del Arte. Tema: impresionismo y postimpresionismo© Dpto de Gª e Hª 20

113- Cézanne-Bodegón: Manzanas y naranjas

Curso 2008-2009.Historia del Arte. Tema: impresionismo y postimpresionismo© Dpto de Gª e Hª 21

Curso 2008-2009.Historia del Arte. Tema: impresionismo y postimpresionismo© Dpto de Gª e Hª 22

Curso 2008-2009.Historia del Arte. Tema: impresionismo y postimpresionismo© Dpto de Gª e Hª 23

OBRAS PARA COMENTAR (SELECTIVIDAD)

Monet-Impresión: sol naciente :¡¡¡

Curso 2008-2009.Historia del Arte. Tema: impresionismo y postimpresionismo© Dpto de Gª e Hª 24

Cézanne-Bodegón: Manzanas y naranjas

Gauguin-¿Cuándo te vas a casar?

Curso 2008-2009.Historia del Arte. Tema: impresionismo y postimpresionismo© Dpto de Gª e Hª 25

Van Gogh-Noche estrellada

Curso 2008-2009.Historia del Arte. Tema: impresionismo y postimpresionismo© Dpto de Gª e Hª 26

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