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INTRODUCCION
En este trabajo que consta desde el renacimiento hasta antes de la etapa del
neoclásico comenzaremos por hablar del arte del renacimiento, de todas las ciudades
europeas, en Florencia, Italia comenzó a sobresalir tanto por la protección oficial,
como por la calidad de sus artistas. En Florencia predominaron 3 corrientes: el
humanismo, inspirado en el mundo clásico; el naturalismo, que deriva de la ciencia de
estados, y el individualismo más completo. El humanismo tenía sus raíces en la
doctrina franciscana y el naturalismo nacía del ultimo periodo ojival, como resultado
de la propia doctrina del santo de Asís.
La palabra renacimiento indica volver a nacer, o sea volver a valorar lo que había sido
el mundo clásico, pero muchas de esas ideas lo que hicieron fue madurar, ya que no
hay que olvidar que había habido un prerrenacimiento dantesco. Italia inicio el
renacimiento no solo por la llegada de los intelectuales de Bizancio, sino porque todo
su suelo era testimonio vivo de ruinas clásicas; desde el siglo XVIII algunos artistas ya
se habían inspirado en el arte imperial, aunque el triunfo y el perfeccionismo se
conseguirían en el siglo XVI. Se ha atacado al renacimiento por anticristiano, debido
quizás a la academia que fundo Lorenzo el Magnifico en Florencia, y que conocemos
con el nombre de neoplatónica.
El concepto nuevo del hombre como centro del universo lo vemos reflejado en la
arquitectura; en la catedral gótica el individuo dirige la mirada hacia la bóveda que
dirige la mirada hacia el mas allá; en cambio en el renacimiento, cuando el hombre
observa la cúpula se siente como en el centro de esa construcción, de la cual el mismo
llega a formar parte, otro aspecto humano de esa pléyade de artistas es el tema del
modelo: no fueron los personajes retratados figuras sacadas de la imaginación, sino de
la realidad; la categoría del personaje o el precio pagado nos indica el lugar en el que
este se halla situado en la obra.
En los albores del quattrocento (siglo XV), Italia no tenía una unidad política, sino que
estaba compuesta de una serie heterogénea de ducados, repúblicas y reinos,
distribuidos por toda la península itálica. Esas ciudades estado estaban en constante
competencia unas con otras y tal competencia derivaba periódicamente en conflictos
armados. Semejante división interna alentó a las poderosas monarquías vecinas a
intervenir frecuentemente, de tal manera que, por ejemplo, los reinos de Nápoles y
Sicilia pasaron a formar parte de la corona catalanoaragonesa, constituyendo
oficialmente el reino de Dos Sicilia. Los Estados Pontificios, sometidos al poder
temporal del Papa como si de un reino seglar se tratara, ocupaban la parte central del
territorio peninsular. Al norte de los Estados Pontificios había varios señoríos bajo el
protectorado del ducado del Milanesado, dominado por la dinastía de los Sforza, los
duques de Milán; el señorío de Ferrara (posteriormente ducado), bajo la dinastía de los
Este, señores de Ferrara; y las repúblicas de Venecia y Florencia. Ambas repúblicas
prosperaron a través del comercio; Venecia lo hizo principalmente mediante el
comercio marítimo con Oriente, mientras que Florencia se orientó hacia el comercio de
la lana con el norte de Europa.
El manierismo es un estilo artístico que predominó en Italia desde el final del Alto
Renacimiento (ca. 1530) hasta los comienzos del período Barroco, hacia el año 1600.El
manierismo se originó en Venecia, gracias a los mercaderes y en Roma gracias a los
papas Julio II y León X, pero finalmente se extendió hasta España, Europa central y del
norte. Se trataba de una reacción anticlásica que cuestionaba la validez del ideal de
belleza defendido en el Alto Renacimiento.
El manierismo se preocupaba por solucionar problemas artísticos intrincados, como
desnudos retratados en posturas complicadas. Las figuras en las obras manieristas
tienen frecuentemente extremidades graciosas pero raramente alargadas, cabezas
pequeñas y semblante estilizado, mientras sus posturas parecen difíciles o artificiales
es decir alla maniera. Su origen etimológico proviene de la definición que ciertos
escritores del siglo XVI, como Giorgio Vasari, asignaban a aquellos artistas que
pintaban "a la manera de...", es decir, siguiendo la línea de Miguel Ángel, Leonardo o
Rafael, pero manteniendo, en principio, una clara personalidad artística. El significado
peyorativo del término comenzó a utilizarse más adelante, cuando esa "maniera" fue
entendida como una fría técnica imitativa de los grandes maestros.
Durante el siglo XVI la iglesia católica se vio removida en lo más profundo de su seno,
lo cual vino a transformar su vida política, religiosa, científica y social. A principios de
la centuria la reforma protestante había convulsionado a todo el occidente y al a vez
había dividido la unidad de la fe, debido no solo a Lutero, si no también a sus
seguidores y la intervención de algunos príncipes por motivos ya políticos, ya
económicos. España se había convertido durante el siglo XVI en el portaestandarte del
absolutismo real, la idea imperial de Fernando el católico se consolido con Carlos I de
España y V de Alemania el cual, además de la herencia paterna y materna debido a la
guerra heredada de sus abuelos, quería dominar a toda Italia para lo cual el año de
1527 había llevado el saqueo de roma, en el cual aunque no intervino directamente,
sus ejércitos habían convertido a la urbe casi en un campo de cenizas. Ante esta
lección el pontífice tuvo que someterse al emperador y de igual forma los demás
estados italianos.
España por otra parte descubre y conquista un nuevo mundo lo que dará a la
península ibérica el predominio político y económico de Europa, que a su vez
engendrara un sentido universal en todos los ordenes, así en lo científico el sistema
heliocéntrico propuesto por Copérnico y reafirmado por galileo era una de las
consecuencias mas celebres del descubrimiento de América. Cuando Carlos V fue
coronado por clemente VII en Bolonia se comenzó a germinar la idea de reestructurar
el catolicismo. Esta idea daría sus frutos en el celebre concilio de Trento donde los
teólogos jesuitas y dominicos desplazaron la filosofía neoplatónica para sustituirla por
un nuevo escolasticismo, y aquella libertad que había surgido al principiar el siglo fue
cambiada por la mas estricta ortodoxia dogmatica. Los dioses paganos que habían
alternado o sustituido a la iconografía cristiana, volvieron a ser enterrados y en su
lugar apareció con gran esplendor parten de la iconografía del Medievo. En este
concilio tridentino las nuevas ordenes religiosas o las reformadas tomaron el báculo
espiritual dentro de dos corrientes: la activa y la complementaria: así san Ignacio de
Loyola, al fundar la compañía de Jesús hizo que sus seguidores fueran legiones de
hombres dedicados todos a los menesteres sociales y dieran un impulso de actividad
religiosa a toda la sociedad. De igual forma san Felipe Neri al fundar la orden del
oratorio abarco en su apostolado tanto a las clases humildes como a las más altas
sociedades y se sirvió del arte ya plástico, ya musical, para atraer a las almas
descarriadas por las ideas del paganismo redil del cuerpo místico de Cristo. Otras
ordenes dieron fuerza espiritual por medio de la vida complementaria, así la reforma
del Carmelo que encabezaron los sanos españoles Teresa de Jesús y Juan de la Cruz,
vino para dar la llama viva que debía arder en el cuerpo espiritual de la iglesia, pero
aun dentro de la propia curia romana la reforma se llevo a fondo con Carlos Borromeo,
y a través de los seminarios dio un nuevo carácter a las instituciones eclesiásticas. El
22 de mayo de 1622 cuando en una gran ceremonia celebrada en san Pedro del
vaticano se canonizaron a Loyola, a francisco Javier, a teresa de Ávila y a Felipe Neri,
el catolicismo vio apuntalado con esos pilares lo que habría de ser la ideología de la
iglesia moderna. El arte tuvo que tomar por tanto nuevas directrices y así la libertad
renacentista con toda su elegancia y el refinamiento dramático, el manierismo que
iniciaron Miguel Ángel y Rafael no podía satisfacer la inquietud de la reforma, por lo
que haba que crear una nueva idea plástica que fuera de acuerdo con el nuevo sentir
humano. El triunfo del barroco tendría una duración de 50 años, de 1620 a 1670 y se
extendería por los países católicos europeos como por el nuevo mundo. Uno de los
aspectos mas importantes del barroco y que será un reflejo de su sociedad será el
misticismo que tomo dos directrices: una en el mundo en el que vivimos, y otra
proyectada hacia el mas allá, pero la gran oportunidad fue que el misticismo practico y
el espiritual o sea la vida activa y contemplativa se entretejieron maravillosamente
par dar como resultado una nueva idea de dios. La iglesia tomo estas nuevas armas
para así poder aminorar la corriente materialista práctica y científica que avanzaba al
iniciarse el siglo XVII. Los místicos de esta centuria no eran los mismos en ideas que
los que habían prevalecido en la edad media. San Juan de la cruz basaba su ideal
místico en aquellos tres pasos que iban desde la vida contemplativa hasta la
iluminativa, pasando por la purgativa que era como del crisol que habría de unir al
alma con su creador. San Ignacio escribió sus famosos ejercicios espirituales, libro que
entre el mundo católico y por la difusión que le dieron sus discípulos, vino casi a
sustituir a la biblia, pues esta era hasta combatida por la autoridad eclesiástica por ser
el libro de los peligrosos protestantes. En los ejercicios san Ignacio defendía que los
misterios de la fe podían ser mas o menos entendidos a través de los sentidos; este
libro se divide en cuatro partes o semanas; la primera se meditaba sobre el pecado, y
a través del sentido de la vista, el arte podía estar al servicio de la vida espiritual, si el
artista sabia plasmar con fuerza y vigor aquello que el hombre por el ojo podía repeler
mas contra el pecado, visualizando las penas del infierno, representándolo incluso a
este.
Manierismo Siciliano
A) ASPECTOS FUNCIONALES
En los albores del quattrocento (siglo XV), Italia no tenía una unidad política, sino que
estaba compuesta de una serie heterogénea de ducados, repúblicas y reinos,
distribuidos por toda la península itálica. Esas ciudades estado estaban en constante
competencia unas con otras y tal competencia derivaba periódicamente en conflictos
armados. Semejante división interna alentó a las poderosas monarquías vecinas a
intervenir frecuentemente, de tal manera que, por ejemplo, los reinos de Nápoles y
Sicilia pasaron a formar parte de la corona catalanoaragonesa, constituyendo
oficialmente el reino de Dos Sicilia. Los Estados Pontificios, sometidos al poder
temporal del Papa como si de un reino seglar se tratara, ocupaban la parte central del
territorio peninsular. Al norte de los Estados Pontificios había varios señoríos bajo el
protectorado del ducado del Milanesado, dominado por la dinastía de los Sforza, los
duques de Milán; el señorío de Ferrara (posteriormente ducado), bajo la dinastía de los
Este, señores de Ferrara; y las repúblicas de Venecia y Florencia. Ambas repúblicas
prosperaron a través del comercio; Venecia lo hizo principalmente mediante el
comercio marítimo con Oriente, mientras que Florencia se orientó hacia el comercio de
la lana con el norte de Europa.
En los aspectos ambientales de cada obra se puede apreciar que debido a las
tecnologías de construcción de la época, a las proporciones, a la iluminación interior
misma, que en su mayoría era a base de candelabros o veladoras, pues que
aumentaban o disminuían la temperatura, se creaban microclimas confortables, que
daban la sensación de protección al cualquier persona que entrase, aparte con el uso
de inciensos, flores, ofrendas esta sensación se multiplicaba, en general estas
sensaciones no eran provocadas intencionalmente, si no por necesidades de
iluminación, sin embargo con el paso del tiempo se comenzó a utilizar
inconscientemente, al principio en el siglo XV en el Medievo era diferente ya que los
grandes ventanales modificaban el microclima de las catedrales de manera que se
volvía un poco mas frio, aparte por el sentido mismo del significado de el arte gótico,
en comparación con el significado del arte renacentista, y los consecuentes, que
estaban mas referenciados al hombre y sus proporciones, que a seres del mas allá, el
arte gótico no tenia la intención de dar confort al hombre, si no de impresionarlo con
sus proporciones, caso totalmente antagónico con el arte renacentista y posterior. En
los casos del manierismo, el barroco, y el rococó ya se tenia dominada la idea del
escenario de confort que se producía dentro de los templos, de alguna manera
también se adaptaban dependiendo de la altitud y longitud, su ubicación geográfica y
orientaciones solares, todo dependiendo del clima de cada lugar, seguramente en los
lugares de clima calido se mantenían los portones de acceso en el nártex
constantemente abiertos, en cambio en los lugares con nieve, se mantenían cerrados,
pero con ayuda de otros factores llamaban a la gente a asistir a las iglesias, aunque
las puertas permanecieran cerradas. Estos factores de microclima se dan
principalmente en la arquitectura religiosa, en la arquitectura civil se manejo mas la
dinámica del espacio con ventanas abatibles, cortinas, y decoración siempre a la
vanguardia.
C) ASPECTOS CONSTRUCTIVOS:
Las fachadas de las iglesias renacentistas sobresalen desde el exterior por los
frontones, pues cada nave tiene su correspondiente frontón, que en Italia se decora
con el mármol policromo. Creación importante del Renacimiento es el palacio. Al
principio sigue la tradición medieval con muros coronados por almenas y torres o
atalaya, pero posteriormente son edificios rectangulares en cuyo interior domina el
patio, con pórticos de columnas o pilares donde el patio inferior corresponde al
superior. Las fachadas del palacio denotan gran severidad y la única decoración que
se usa es la del almohadillado. Los diferentes cuerpos se dividen por cornisas y los
vanos están colocados simétricamente.
E) ASPECTOS EXPRESIVOS
En el renacimiento de América a partir del siglo XVI adoptaron los cánones artísticos
que en Europa se habían creado, su arte, llamado colonial, supo inspirar la magia de
culturas milenarias que había precedido a la llegada del arte español. En este arte se
mezclo el impresionante culto católico y las tradiciones populares; por ello decir que el
arte de la colonia es una continuidad del arte español es caer en un grave error, pues
al hablar del plateresco o de un barroco hay que decir que es un barroco mexicano, o
peruano, pero nunca una simple continuidad. La ortodoxia del arte europeo fue
cambiada y cada provincia de ultramar modifico el molde según su cultura ancestral y
medio geográfico. Hay no obstante un patrón común en el arte de Hispanoamérica y
este deriva de lo más esencial del alma humana, o sea, la teología católica y ortodoxa
dentro del marco unificador que animo a todos los pueblos de la Hispania.
Florencia. Felipe Brunelleschi. Primer gran arquitecto florentino que nació en 1377 y
murió en 1446. Al principio tiene elementos en su arquitectura propios de la Edad
Media, pero después se inspiró en los edificios romanos; su fama se extendió cuando
levantó la cúpula de Santa María de las Flores (en su ciudad natal); posiblemente llevó
a cabo esta obra influido por la visita que hizo a la Ciudad Eterna con Donatello y
admiró el panteón de Agripa.
La cúpula de Santa Ma. de las Flores pudo realizarla gracias a un concurso que ganó
en 1418, aunque la linterna fue terminada por sus sucesores según la maqueta que
dejó el arquitecto.
Años más tarde Brunelleschi realizaba el pórtico del Hospital de los Inocentes donde
en forma armoniosa combina el arco de medio punto con la columna romana.
Importantes obras suyas serán también la Sacristía de San Lorenzo y la capilla Pazzi
en Santa Cruz. En estos edificios la línea recta de la pilastra, el estilóbato, el
entablamento crean una composición rígida que contrasta con la cúpula. En la ciudad
del Amo levantó Brunelleschi iglesias tan magníficas como San Lorenzo y el Santo
Espíritu. La primera es de cruz latina, con tres naves arcadas de medio punto,
columnas clásicas y el techo de la nave central cubierto de rosetones. En el Santo
Espíritu el arquitecto es un fiel seguidor de Pitágoras y la armonía es completa, debido
a la exactitud del número; importante, dentro de su arquitectura religiosa, es la capilla
de los Pazzi. También será el creador del palacio renacentista, entre ellos el de los Pitti
y el del partido Güelfo.
La aportación de este artista al arte moderno es el uso ecléctico y refinado de las
formas romanas y el valor espacial que le dio a la arquitectura; por ello en
Brunelleschi el número y el ritmo son la base de su genio.
León Bautista Alberti. Este artista ocupa un lugar muy aparte en la arquitectura del
Quattrocento. Nació en Genova o en Ve-necia en 1404 y murió en Roma en 1472. Este
hombre, además de arquitecto, fue un gran escritor, estudió humanidades en Padua y
en Bolonia y aunque era un proscrito de Florencia pudo visitar la ciudad de sus padres.
Fue protegido por los pontífices Eugenio IV y Pío II, y durante treinta años su vida
estuvo dedicada al arte y a las humanidades. Su Tratado de pintura demuestra cómo
los renacentistas querían superar al mundo clásico y en este libro la perspectiva lineal
de Brunelleschi se difunde. Posteriormente publicó el Libro de la arquitectura inspirado
en Vitruvio, pero influenciado por el pitagorismo, o sea que el número debe estar en
función de la altura, la longitud y la anchura.
Alberti no dirigió nunca ninguna obra; prácticamente hacía los planos y otros
arquitectos realizaban la construcción; así en Mantua el príncipe Gonzaga le encargó
la iglesia de San Sebastián y posteriormente la de San Andrés; esta última está
considerada como su obra maestra; tiene cruz latina y bóvedas de cañón. El pórtico
principal se distingue por su alto nicho con gran efecto teatral de luces y sombras; el
interior sirvió de modelo para que años después Vignola realizara el templo cabeza del
barroco en la iglesia del Gesú en Roma.
Su obra cumbre es la cartuja de Pavía, cuya fachada es un trabajo casi de orfebre por
la decoración de relieves y estatuas. Este edificio se ha comparado con el plateresco
español; en Pavía levantó el palacio Bottiglia que tiene la influencia de El Bramante.
Miguel Ángel Buonarroti. Nació en Ca-prese, cerca de Arezzo en 1475 y murió en Roma
en 1564; es otro de los genios completos del Renacimiento como arquitecto, pintor
poeta y sobre todo escultor. En Florencia realizó obras de arquitectura como la
maqueta de la fachada de San Lorenzo y la biblioteca Lorenciana; ésta tiene un
vestíbulo con columnas que enmarcaron falsos vanos; la escalera tiene proporciones
de escala celestial.
En Roma levantó los palacios del Capitolio con perspectiva escénica y como
antecedente del barroco.
Bernini la Cátedra del Apóstol, llamada también la Gloria de Bernini; los Santos Padres
presentan el sillón donde habrá de sentarse el heredero del príncipe de los apóstoles,
y en la parte superior los rayos de bronce de la gloria se realzan con el vitral dorado
El arte barroco francés llegó a su culminación con el gobierno del Rey Sol Luis XIV, que
más de medio siglo ocupó el trono de San Luis. Este monarca encarnó en su persona
el Estado absoluto y como signo anterior de su poder tuvo al Sol, identificado a su vez,
con el dios Apolo; su arte y su corte estuvieron reglamentados por la etiqueta, que
motivó toda su vida, así como la de aquellos que vivieron bajo su sombra. Luis XIV fue
un verdadero actor que supo enmascarar una decadencia política a través de una gran
fastuosidad, y para ello necesitaba un escenario adecuado. Arquitectos, escultores,
pintores, decoradores, jardineros, músicos y poetas fueron parte de las marionetas de
este espléndido conjunto que creó el rey; todo ello estuvo movido por el entusiasmo
del monarca, que no sólo pretendió deslumbrar a su país, sino también al resto del
mundo.
En el barroco de Francia, la idea del absolutismo como sistema político fue la que en el
fondo movió a las artes. Esto se había iniciado en la España de Felipe II, y
posteriormente el cardenal Richelieu en su idea del engrandecimiento de la monarquía
francesa lo había adaptado para Luis XIII, pero como indicábamos, el sistema se
perfeccionó con Luis XIV. Toda la vida francesa quedó sometida a su capricho, e
incluso el arte, habría de servir para realzar el culto a la monarquía.
El gran siglo francés, pese al control estatal, ofreció algunas obras de gran relieve
estético, aunque arquitectura, escultura o pintura estuvieron de tal forma combinadas
que por sí solas hablan de la realeza. Versalles unificó el espacio visible con el
escenario del tiempo, que habría de formar parte de la vida aristocrática; el paisaje
sintió la influencia del jardín creado y de la escultura que daba vida a los propios
jardines, en cambio los interiores tuvieron a la pintura como servidora de la
decoración.
La Francia de los dos primeros Borbones comenzó a ser regida por el academismo,
sistema que consiguió su perfección con Luis XIV; el rey y su ministro Colbert
comprendieron la importancia social y psicológica del arte, como para dejar éste en
manos de idealistas, de aquí debía ser el Estado el que coordinara el pensamiento
humano. De esta forma fueron creadas múltiples academias y así Mansart rigió la
academia de la arquitectura, mientras que Le-brun comandaba la de pintura y
escultura. El rey como jefe del patronato tenía que aprobar qué obras habrían de
realizarse según la razón de Estado. Este sistema paternalista dio origen a un arte
oficial, al servicio del gobierno, regido todo ello por lo que se llamaba el buen gusto,
que a su vez derivaba de la mencionada etiqueta. El barroco ha sido siempre
defendido como una expresión libertaria de arte, pero fue en Francia donde este gran
valor libertario se hundió por el academismo reglamentado. La causa fue que el
academismo defendió la lógica, lo racional, lo matemático y todo aquello que estaba
más de acuerdo con lo clásico, que con la exuberancia y lo anárquico del barroco.
Italia perdió durante el siglo XVIII la hegemonía artística que había tenido en las dos
centurias anteriores y que ahora tomaba Francia en provecho propio.
Abarca este periodo rococó de 1715 a 1789, y el racionalismo de la ilustración dio una
mayor libertad al arte que el Academismo que le había precedido. Los filósofos que
como Voltaire proclamaban la libertad tuvieron un magnífico eco en las extravagancias
del rococó y a la vez la clase media tomó esta manifestación artística como los
principios de sus ideas libertarias. No obstante hubo algunos pensadores más
extremistas que consideraron al rococó como un arte derivado de la aristocracia, de
aquí que lo rechazaran y comezaran a tomar al mundo clásico como expresión de sus
inquietudes, lo que justifica la aparición del neoclásico.
La palabra deriva de rocailles (rocas) y coquilles (conchas) que fueron elementos muy
comunes en la decoración, no es esta corriente artística algo que este en contra del
barroco, sino una modalidad del mismo estilo que se adoptó no sólo en el palacio sino
también en la casa burguesa, pero este rococó es más íntimo y más recargado, incluso
este recargamiento da al interior una mayor semblanza acogedora.
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ESTRUCTURALES D
EXPRESIVOS E
Bibliografía:
José Manuel Lozano Fuentes, Historia del arte editorial continental, México 1984
Fletcher Banister, Historia de la Arquitectura
Ruth Leland, Enternder la Arquitectura