Universidad de Guadalajara

Centro Universitario de Arte,

Arquitectura y Diseño

PASTEL
10 artistas de vanguardia

Expresión III
Ciclo 2010 A

Prof. Isabel García

Casandra Aldana Martínez

DCG

Febrero 2010

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1 Frank Federico
Frank Federico es un experimentado artista con muchos créditos que adornan su carrera. Está en numerosas
sociedades de arte de prestigio, incluyendo la Pastel Society of America, la National Watercolor Society, la Pastel
Society of Painters on Cape Cod y la Degas Pastel Society, por nombrar algunas. Ha recibido numerosos premios
como el Grumbacher Gold, Silver y Bronze, muchos honores de la Pastel Society of America, National Society of
Painters in Casein & Acrylic, Allied Artists of America y muchas más.

Ha realizado tres murales al óleo, una de las cuales se encuentra en el Student Union de la Universistad de
Connecticut en Storrs. Es una pieza figurativa titulada “Trascendence” que refleja la elevación a las alturas y/o los
logros a través del perfeccionamiento.

Federico conduce talleres en Estados Unidos y en el extranjero e imparte clases de arte en el West Hartford Art
League y de manera privada también.

Sus pinturas se han exhibido en diversos lugares de Estados Unidos, así como en Nueva Inglaterra, Brney, Estocolmo
y Tokio, tanto grupal como individualmente.

Federico se considera a sí mismo como un colorista y con impresionista contemporáneo. Busca la esencia en un
paisaje o figura, al mismo tiempo que le aplica contenido emocional y estético.

“Creo que el arte es tan caprichosa como la naturaleza. Es tan permanente como la interminable búsqueda de la
armonía universal, pero en un constante fluir. Mi técnica varía según el humor y la empatía con el objeto o motivo. La
naturaleza provee el catalizador, humano o de otro tipo, para este constante fluir de ritmos, formas y energía
ilimitada. Cada pintura habla por sí misma y tiene vida propia. Soy el fogonero de la energía, el catalizador.”

Frank Federico

Tijuana Pottery Market

Los trazos finos permiten una buena

definición de los objetos
representados.

El cuadro representa alegría y folclor,

tradición y novedad por la variedad
de colores y formas en un medio que
siempre remonta a los orígenes
artesanos.

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Nocturne Manhattan

El colorido de este cuadro me invita a pensar como en

una vuelta a toda velocidad por la ciudad en la noche.
Llena de luces y sombras. La intensidad de los pasteles
es perfecta para representar las luces de colores por la
noche.

Me gusta ver cómo se pueden aplicar los pasteles tanto

de un modo delicado y formal, hasta espontáneamente
o de manera más libre y lograr distintos efectos, donde
se obtienen desde transparencias suaves hasta fuerza y
energía.

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2 Margaret Dyer
Margaret Dyer es una maestra pastelista en la Pastel Society of America. Ha sido destacada en The Artists Magazine,
American Artists, International Artist, Pastel Artist International, The Pastel Journal, "How Did You Paint That? -100
Ways to Paint People & Figures, Vols. 1 and 2", y "Pure Color: The Best of Pastels".

“En el momento en que en 1970 una modelo dejó caer la tela que la cubría y se mantuvo desnuda frente a una clase
llena de artistas de arte de 18 años, encontré algo que amar en la vida: el desafío de dibujar el viviente, palpitante y
en constante movimiento cuerpo humano. Lo que comenzó como un desafío pronto se volvió una pasión. Diez años
después cuando vi el dinámico trabajo con pasteles de un artista en su exhibición local, supe que había descubierto el
medio perfecto. Amo los pasteles, el olor de las pinturas al óleo, dibujar la figura humana, los artistas y la gente que
ama mi trabajo. (…)”

Margaret Dyer

The Braid

The Red Scarf

En ambos cuadros la artista no se detiene en los detalles y capta mejor las posturas altamente estéticas y como la luz
toma forma sobre el cuerpo. Pocos trazos que toman la esencia de los colores.

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3 Roxana Werner
Nacida en Chile, 1956, Roxana Werner ha trabajado en el arte desde hace aproximadamente 30 años. Comenzó
como estudiante de diseño textil para luego ingresar a la Escuela de Arte de la Universidad Católica de Santiago. Se
recibió en 1980 como diseñadora textil, se oriento hacia el Arte Javanés del Batik, reaizando una exposición
individual en 1983.

Al mismo tiempo, siguió estudiando, perfeccionando y desarrollando las técnicas correspondientes a las artes
plásticas (carboncillo, sepia, pastel, óleo y acrílico), comenzando a trabajar la figura humana, bodegones y
naturalezas muertas tanto en carboncillo como en pastel y óleo. En estos trabajos buscó transmitir la fascinación que
tenía por la luz y su interacción con los diversos elementos, trabajando bajo el concepto del hiperrealismo pero
buscando que fuera un “realismo mágico” intentando “aplicar un criterio que permita que el artista se vaya
despegando a momentos de la línea para no caer en lo anecdótico”.

A lo largo de su trabajo profesional no solo ha profundizado en las diversas técnicas que ha usado para expresarse,
sino que también sus motivaciones e intereses han cambiado, constituyendo para ella una parte importante de su
trabajo en los aspectos emocional e intelectual.

“Pasar de una etapa a otra, atrapar ideas, sensaciones, emociones, conceptualizarlas y decidir que si es importante lo
que se quiere expresar y el cómo se quiere expresar, constituye uno de los momentos complejos para un artista.”

Roxana Werner

Perfil

La suavidad con la que el artista cubre el papel con degradados

suaves y ligeros, le da a la obra un aire de ensoñación. Me gusta
mucho el contraste de luz y sombra de un lado y del otro del cuadro.
Las arrugas de la ropa y sobretodo de la pañoleta se ven muy reales
al usar pocos brillos y colores sobrios, que además le dan un sentido
de melancolía.

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Bodegón 13

Esta obra se ve increíblemente hiperrealista,

sobretodo la tetera de cerámica y el botellón de
la izquierda. Creo que este realismo se basa en
la observación cuidadosa de los colores que se
forman con la luz y a sombra, muy difíciles de
manejar en el cristal. Los bodegones siempre
me han parecido muy hermosos, pues retratan
cosas que vemos cotidianamente, pero nos
hacen verlos de una manera distinta, donde las
formas y materiales de los que están hechos los
elementos toman el protagonismo, dándoles
otra dimensión a los objetos que va mas allá de
su simple utilidad.

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4 Christine Debrosky
Christine Debrosky tiene la habilidad única de ver y capturar el efecto transitorio de la luz natural, que transforma lo
ordinario en extraordinario. Su trabajo lo han descrito como “agitado, sin embargo, tranquilo”.

Es parte de la Pastel Society of America y la Pastel Society of the West Coast y ha sido distinguida en esta última
sociedad y con numerosos premios en diversas partes del mundo. Su trabajo se encuentra en muchas colecciones
corporativas y privadas como la de Pfizer Chemical, Standard & Poors y McGraw-Hill Inc., entre otras, además de ser
destacada en varias publicaciones americanas.

Da clases en el Woodstock School of Art, lo que le ha permitido viajar por la region Toscana, Venecia, Italia y
Borgoña, Francia.

Sicilian Guardian

La definición de los elementos de este cuadro

es lo que más llama mi atención, el uso de los
colores para dar volumen e individualidad a
cada verdura en los montones. Es una escena
muy bella tomada de la vida diaria, un
momento en que todo se estaría moviendo
alrededor del puesto, pero que queda inmóvil
e inmortal por la representación del artista.
Creo que de las escenas más bellas que
podemos encontrar están en los mercados y
lugares de esparcimiento de los pueblos y
ciudades, como se puede ver en varios de los
cuadros que quedaron seleccionados en esta
recopilación de artistas.

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Light Shift

La quietud del paisaje contrasta con el

colorido de la naturaleza. Los pequeños
trazos de color, como en el impresionismo,
se sintetizan y dan como resultado una
imagen energética y muy interesante. La
gama de colores es muy bella, desde los
cálidos en la parte media, hasta los fríos
usados abajo, con un fondo claro que
permite usar todos estos colores.

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5 Paul Régnier
Nacido en 1943, Paul Régnier, pintor autodidacta, desde muy joven mostró interés por el dibujo y la pintura. A los 11
años, sus padres lo matricularon en clases de arte por correspondencia, aprendiendo así los fundamentos esenciales
que le ayudaron a desarrollar su sentido de la observación, la proporción y el color. Desde entonces, s u mirada se
fue formando en el mundo que le rodeaba, dibujándolo y pintándolo constantemente.

Su carrera lo llevó a desarrollar su arte en la creación de líneas de ropa de materiales naturales para mujer y en las
90 colecciones de joyas.

Durante varios años se dedicó con pasión para lograr pinturas al pastel. La magia de los colores, la transparencia, el
contacto directo de tiza sobre papel, tuvo su especial atención. Con pastel, pretende abrir los ojos a las emociones
marcadas por el juego de luz y color.

Es miembro de la asociación “Art du pastel en France”, también miembro de la exposición nacional de artistas de
vida silvestre de Bry sur Marne y de la Asociación Nacional de Artistas de Francia.

Souvenir de Russie

Aquí se puede apreciar los colores de base y los colores que ha usado el
artista para enriquecer y dar volumen. Me gusta mucho como usa el blanco
para el brillo de la cúpula grande y la variedad de colores que uso para
darle volumen e interés. La manera en que representa las cúpulas de este
famoso palacio en Rusia, me da la impresión de irradiar energía y poder.

Nouveau Monde

Esta obra más abstracta, me parece muy especial por el cuidado que debió tener al aplicar los colores para formar
adecuadamente las transparencias y darle dimensiones y dinamismo a la escena. Para mí representa un nuevo
comienzo, impulsado por mucha fuerza y lo innato de la materia.

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6 Sandra Marques
Sandra Marques es natural de Lisboa es médica internista de la Fuerza Aérea Portuguesa. Para ella la pintura y las
artes manuales han sido siempre una forma de abstracción de una realidad cotidiana siempre intensa, con
momentos de gran satisfacción y de felicidad, pero también con experiencias muy dolorosas y angustiantes.

Autodidacta, en 2007, profundizó en el conocimiento de esta área con un Curso de Bellas Artes donde aprendió
técnicas de diseño, carboncillo, pastel, acuarela, acrílico y óleo.

La técnica, material y temas dependen del estado de ánimo y expresar emociones profundas de las ex periencias de
la calma, a destiempo, triste o feliz en una constante sensación de misión cumplida.

Dancing in Extasy

Un coloreado más espontáneo, colores libres que manifiestan

movimiento, energía y viveza. La intensidad de los pasteles le da
dinamismo, aun cuando no maneja distintos planos, me parece
interesante esta aplicación más abstracta de la técnica.

Praia

El colorido del cielo del atardecer, algo nuboso, se refleja en las

rocas y el agua, con algunos toques de color naranja y amarillo
sobre ellas. Aunque le hace falta trabajar mejor las sombras,
pues las nubes se confunden con el cielo.

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7 David Garrison
Nació en Jacksonville, Illinois pero ha vivido en muchos lugares como California, Colorado, el suroeste, Chicago,
Illinois. Ahora reside en Burlington, Iowa y en Normandía, Francia. Estudió la Licenciatura en Artes en el Iowa
Wesleyan College, graduado de la American Academy of Art y realizó estudios adicionales de Anatomía con Bill Parks
en el American Academy of Art. Es miembro de la firma de la Pastel Society of America, miembro de la National
Society of Mural, Painters, la American Artists Professional League y la Hudson Valey Art Association. Se le han
comisionado nueve murales en diversos puntos de Estados Unidos.

“Creo que una pintura no solo es una ilusión en dos dimensiones, sino que es un momento en la vida, capturado en el
lienzo. Pintar es un lenguaje que varía dependiendo del humor y la atmósfera que refleja la diversidad de la misma
vida. Disfruto los desafíos que implican muchos temas, así que mi enfoque en el proceso de pintar es involucrar al
observador en el tema lo más posible; no solo a través de esas elecciones, sino también a través de cómo elijo
retratar los elementos. Permitiendo al observador interpretar y terminar partes de la pintura, lo que es más
interesante que si la pintura está totalmente procesada para ellos. Quiero que el observador vea el uso de la técnica,
el final de la pincelada, la espontaneidad, la frescura de una pintura nueva.

Si puedo darle al observador la impresión de la atmósfera, un sentido de las luces y sombras, si puedo simplemente
abrir los ojos a la sencilla belleza que nos rodea, ¡entonces he logrado algo grande!”

David Garrison

Flowers for Sale

De este cuadro me maravillan los colores intensos que usa el artista

para representar una escena simple que se vuelve muy interesante
por la riqueza de tonalidades. Por ejemplo, la pared de la izquierda,
con la mezcla de colores se hace ver como una pared vieja, que ha
pasado por varias capas de pintura, tonos terregosos y naturales,
sucia, pero con luz y vida. A lo lejos, lo demás pierde importancia,
siendo el punto focal la vendedora con sus flores.

Frozen Pond

El artista detiene la escena que parece fotografiada.

Las plumas de los patos son dibujadas con trazos
firmes, los brillos con limpios colores que marcan bien
de donde viene la luz. Una vez más, el fondo pierde
importancia para enfatizar a los protagonistas, solo
unos manchones rápidos bastan para representar el
agua congelada sobre la que caminan las aves.

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8 Javier Pérez-Duarte
Visto a través de sus ojos, es claro el sentido del camino que ha seguido Javier Pérez-Duarte para expresarse a través
de formas y elementos gráficos. Sin duda la búsqueda se inició en el aprendizaje de las técnicas del l ápiz, el carbón y
del descubrimiento de la riqueza del color que ofrecen el pastel, la acuarela y el óleo. Fueron Magdalena
Casamadrid, José Suárez Olvera, Pedro Medina y recientemente Martha Ramírez, quienes con su dominio del arte y
personalidad facilitaron el encuentro con las herramientas de la expresión plástica.

El estudio y la práctica de la Arquitectura le permitieron desarrollar otras formas de expresión, enfocadas éstas a
transmitir por medio de bocetos o presentaciones detalladas las ideas, conce ptos y propuestas espaciales. A través
de su ejercicio desarrolló una sensibilidad hacia las vivencias de los espacios, los juegos de la luz y la percepción de
las texturas que intenta reflejar en la pintura.

Su pintura transmite atmósferas etéreas que nos son familiares, atmósferas en las que la luz y el color manejados
con suavidad transportan al observador a revivir recuerdos íntimos.

Qué tormenta y yo desnuda...!

Aquí el artista usa una gama de colores reducida, pero aun así
resulta muy bien el color de la piel, cubierta de azul
ligeramente, como si la envolviera el agua y el viento y
emergiera un poco de ellos acercándose a nosotros. Dos
planos se mezclan en uno solo en la parte superior izquierda,
donde el cabello se une con la atmósfera.

Retrato de Papá

En este retrato de su padre el artista aprovecha el color del papel para crear la
piel del rostro usando tanto manchas de color difuminadas como trazos que
dibujan los rasgos y arrugas de la cara con espontaneidad. Me gusta mucho la
sencillez y ligereza de la aplicación de la técnica.

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9 Sonia Haverbeck
Es médico de profesión, pero artista de corazón. Comenzó compartiendo sus creaciones artísticas con sus propios
pacientes. La pediatra, quien comenzó a pintar antes de entrar a la universidad, montó una exposición permanente
en su propia consulta en Medcenter, realizando un cruce de cosas que la apasionan: la salud de los niño s y el arte.

El centro médico, ubicado en Salvador Izquierdo 1800, comuna de La Reina, reúne varias especialidades, pero con un
énfasis en la medicina general y la pediatría, por lo que sus obras serán vistas no sólo por sus pacientes.

Al ser consultada sobre su proceso creativo, la doctora Haverbeck explica lo importante que es para ella el estado
anímico que tenga al momento de empezar una nueva pintura. “Todo queda plasmado allí, tristeza, alegría,
sensualidad, mezclando a veces las emociones, de modo que uno se expone y se desnuda completamente a los ojos
del observador”.

El principal estilo pictórico de la especialista es el expresionismo, pero también ha incursionado en lo figurativo, la

abstracción y los motivos étnicos, todo lo cual trabaja con óleo en madera sobre relieve.

Como amazona y médico, sus temas preferidos son los caballos y la figura humana, especialmente femenina, así
como las manos y rostros étnicos. Nunca se decidió por alguna técnica o estilo, le gusta la versatilidad que depende
de su estado de ánimo.

Estos girasoles me cautivaron por la brillantez de sus pétalos. El

color del soporte, aunque no está cubierto por completo, realza los
tonos de las flores que lucen mágicas, como si ellas mismas
iluminaran la escena.

En esta obra, en un estilo como de bocetaje, el artista representa

muy bien las sombras y luces empleando solo el blanco y el negro. La
textura del papel me parece bien elegida y aprovechada pues apoya
la representación de la piel.

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10 Kaye Franklin
Kaye Franklin inició su carrera artística en 1975 cuando vivía en Pagosa Springs, Colorad. Ella y su familia se mudaron
a Graham, Texas en 1979, y fue ahí donde comenzó a buscar a los mejores instructores y escuelas de arte. Franklin
estudió en la Scottsdale Artist School y con el artista William Henry Earle.

Su búsqueda de la excelencia le ha hecho ganarse el más profundo respeto por parte de sus estudiantes,
compañeros y coleccionistas. Ha recibido muchos premios nacionales y honores que la han llevado a ser reconocida
como maestra pastelista, y su elección como parte de la firma de la Pastel Society of America y la Oil Painters of
America.

Los elementos de su trabajo artístico consisten en la luz, el color y el punto focal. Gusta de trabajar tanto con
pasteles como con pinturas al óleo, pues los pasteles muestran sus resultados inmediatamente y se mantienen
brillantes, por su parte el óleo le permite crear nuevos colores a partir de los pigmentos existentes.

Franklin imparte clases semanalmente y lleva a cabo talles en diversos lugares a lo largo del año. Su trabajo puede
apreciarse en la Victorian Gallery en Dallas, Texas y en la Zantman Gallery, en Ketchum, Idaho.

Copper and Peonies

En esta obra los colores son intensos a la vez que muestran

perfectamente que la atmósfera no es muy luminosa. El brillo y
sombras del florero de cobre, con los tonos verduzcos característicos
de ese metal, lo hacen lucir muy real. Los pasteles hacen resaltar los
colores vivos de las flores, y gracias a ello estas no se ven como si
estuvieran marchitas con todo y la iluminación de la obra, que
pareciera del atardecer.

Estes

En esta obra me llama mucho la atención como usa los

colores y los trazos para representar los planos. La
naturaleza que está en primer plano la ha representado
con trazos más cortos y vigorosos, más colores vivos para
mostrar los diversos matices de las plantas. Mientras que
en los siguientes planos, los trazos se van volviendo más
bien manchas o plastas de color de tonos cada vez más
suaves y menos saturados, mostrando perfectamente la
lejanía del horizonte y las sombras del relieve.

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Páginas Web de los Artistas
 http://www.frankfederico.com
 http://margaretdyer.blogspot.com/
 http://arteconroxana.cl/
 http://www.christinedebrosky.com/
 http://www.paulregnier.com
 http://www.galeriaaberta.com/sandra_marques.html
 http://david-garrison.com/
 http://javier.perez-duarte.net
 http://www.soniahaverbeck.com
 http://www.kfranklinstudio.com

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