Recopilación Escultores Chilenos y Extranjeros.

V1
Recopilación biografía y obra escultores Chilenos y extranjeros

Alumnos pedagogía y Licenciatura en artes Nivel100 Universidad Autónoma de Chile sede Talca.
Ximena Burón Miranda
nacional
Ximena Burón ((1951-).)
Ximena Burón Miranda, escultora. Nació el 20 de Octubre
de 1961 en Santiago, Chile.
Estudió Licenciatura en Arte con mención en Escultura en la
Pontificia Universidad Católica de Chile, egresando en 1984.
La artista trabaja en series escultóricas modelando en arcilla y
La artista trabaja en series escultóricas modelando en arcilla y
alambre para luego realizar sus figuras definitivas en hormigón.
Ha utilizado, además, el yeso, la cerámica y el bronce. Aborda la
figura humana como tema principal. Se interesa por el hombre y
la anatomía real del cuerpo como campo de investigación.
Ha trabajado piezas completas y compactas que sugieren la
Ha trabajado piezas completas y compactas que sugieren la
densidad y estructura de la materia. Son seres sólidos, apegados
a la tierra, incomunicados y atados. Sus planteamientos giran en
, y p g
torno a la idea del paso del tiempo, la soledad y falta de
comunicación entre los seres humanos.
En etapas posteriores ha trabajado formatos más pequeños, con
una tendencia a la abstracción y figuras mucho más solitarias,
tornándose menos corpóreas y más estilizadas y apoyándose en
tornándose menos corpóreas y más estilizadas y apoyándose en
la materialidad. En su temática continúa indagando más
profundamente sobre la incomunicación humana. Su evolución
profundamente sobre la incomunicación humana. Su evolución
ha dado paso a formatos medianos y figuras de hombres
idénticos reunidos en grupos, relacionados entre sí por simetría.
ALGUNAS OBRAS:
Nombre obra: Boceto de Mujer
Nombre obra: Más allá del tiempo
Nombre obra: Más allá del tiempo
Material: Mixto
Tamaño: 30 cm. de alto
Año: 1985.
Iván Cabezón Cofré
nacional
Cabezón, Iván (1955-).
( )
Iván Cabezón Cofré, nació 4 de marzo de 1955egresado de las
Escuelas de Bellas Artes de Valparaíso y Viña del Mar, mención
Escultura. Concibe su trabajo escultórico a partir de la utilización
preferente de materiales metálicos, provenientes de los deshechos
y
y las sobras de objetos manufacturados que han cumplido su ciclo
j q p
de uso y empleo. Al actuar así contemporiza una labor que se
asienta en plenitud en las expresiones artísticas que hacen del
residuo y la chatarra un fundamento válido de las indagaciones y
residuo y la chatarra un fundamento válido de las indagaciones y
experiencias visuales que en trasfondo portan una visión crítica al
desarrollo avasallante de la tecnología y a la voracidad consumista
d l
de las sociedades actuales . Así, resulta comprensible que sus
i d d t l Aí lt ibl
volúmenes se inscriban en una tradición figurativa que alternados y
modificados, se conservan suficientes rasgos que hacen
reconocibles los motivos protagónicos de sus obras. Lo importante
es que además, manifiestan mensajes y contenidos que no se
angostan en la reiteración formal y conceptual que del tema hacen
angostan en la reiteración formal y conceptual que del tema hacen
tantos artistas del presente.
EXPOSICIONES INDIVIDUALES
1987‐Extraños presentimientos, Sala El Farol, Universidad de
Valparaíso.
Valparaíso
Extraños presentimientos, Plaza Mulato Gil de Castro, Santiago.
1994 Si
1994‐Si no estuvieras tú estaría el Rinoceronte, Galería
t i tú t í l Ri t G l í
Municipal, Valparaíso.
1997 Arte Calle En el Cerro esculturas en la calle Miguel Ángel
1997‐Arte‐Calle En el Cerro, esculturas en la calle Miguel Ángel,
Valparaíso.
1998‐Icono
1998 Icono Clasta, 20 años de escultura, Parque de las Esculturas,
Clasta 20 años de escultura Parque de las Esculturas
Santiago.
2001‐Esculturas, Galería de Arte Municipal, Temuco.
00 scu tu as, Ga e a de te u c pa , e uco
2004‐Extraño Presentimientos, Galería Municipal de Temuco
,Aníbal Pinto
2005‐Esculturas en la Intendencia de Valparaíso sala Rafael
2005 E l l I d i d V l í l R f l
Aguirre
2006‐Ivan
2006 Ivan, las Esfinges y la Tormenta, Sala El Farol Universidad
las Esfinges y la Tormenta Sala El Farol Universidad
de Valparaíso
ALGUNAS OBRAS:
Nombre obra: Piernas
N b
Nombre obra: Torso
b T
Nombre obra: Rinoceronte
Ligia Clark
g internacional
Lygia
g Clark ((1920-1988).)
Escultora y pintora brasileña, integrante del movimiento de
renovación artística iniciado en la década de 1940 en Minas Gerais,
ió tí ti i i i d l dé d d 1940 Mi G i
que situó el arte de esta ciudad en una posición de vanguardia.
Nacida en 1920 en Belo Horizonte, Minas Gerais, Brasil. Fallecida en
1988 Ri d J
1988 en Rio de Janeiro.
i
durante su estancia en Río de Janeiro, rompió los límites de la
tradición pictórica no figurativa. De este periodo son sus obras
Superficies moduladas y Contra‐relevos, expuestas en el Ministerio
f d l d l l
de Cultura de Río. Paralelamente a la pintura, comenzó a trabajar
con chapas metálicas móviles, articuladas por bisagras, a las cuales
di l
dio el nombre de bichos.
b d bi h
A los 27 años realizó estudios con el arquitecto paisajista Roberto
Burle Marx en Rio de Janeiro; 1950‐52 con Arpad Szènes y Fernand
Lé
Léger en París. 1952 Exposición de una obra abstracta en el
P í 1952 E i ió d b bt t l
Ministério da Educaçao e Cultura en Rio de Janeiro; 1953
Participación en al Bienal de São Paulo.
1964 miembro del
1964 i b d l Grupo Frente&laqno;, del que surgió el movimiento
G F t &l d l ió l i i t
concreto en Rio de Janeiro. 1954‐58 Serie de pinturas que destacan
preocupaciones constructivistas. 1955 y 1957 participación en la Bienal de
São Paulo y en 1957 en la I Exposiçao Nacional de Arte Concreto en Rio de
Janeiro; 1959 firmante del manifiesto neo‐concreto. Después de 1959
realización de objetos, que cuentan con la activa participación del
espectador, en especial después de 1965 con happenings y performances.
1970‐75 actividad docente en la Sorbonne en Paris.
Lygia Clark se transformó en uno de los principales exponentes de la
Lygia Clark se transformó en uno de los principales exponentes de la
difusión de las nuevas tendencias del arte en Brasil y en el extranjero y fue
criticada por los seguidores del arte tradicional.
Entre 1953 y 1963 presentó sus obras en la Bienal de São Paulo y en el
Salón de Arte Moderno de Río de Janeiro. También expuso en Nueva York,
Venecia, París, Alemania y, en 1964, en el Festival de Arte Moderno de
América Latina en Londres.
EEntre 1953 y 1963 presentó sus obras en la Bienal de São Paulo
1953 1963 ó b l Bi l d Sã P l
y en el Salón de Arte Moderno de Río de Janeiro. También
expuso en Nueva York Venecia París Alemania y en 1964 en el
expuso en Nueva York, Venecia, París, Alemania y, en 1964, en el
Festival de Arte Moderno de América Latina en Londres.
ALGUNAS OBRAS:
Nombre obra: Bicho (Animal or Beast).
Material: Aluminio
Material: Aluminio.
Tamaño: 22 x 26 cm.
Año: 1962.
Nombre obra: Dialogo de manos
Año: 1966
ALGUNAS OBRAS:
Nombre obra: Máscaras sensoriais
Año: 1967
Año: 1967
Nombre obra:
Geometría de la esperanza
p
Pedro Figari
g internacional
Pedro Figari
g ((1861-1938).)
Pedro Figari (1861‐1938), pintor, abogado y periodista
g y , g p p p
uruguayo, figura destacada de la etapa post‐impresionista en su
país, caracterizado por su carácter polifacético y su voluntad.
Hijo de padres italianos, manifestó desde la niñez inclinaciones
artísticas.
Nació en Montevideo el 29 de julio de 1861 Después de
concluir sus estudios de abogacía conoció al maestro
Godofredo Sommavilla, pintor italiano de formación académica
con el que estudió un tiempo Más tarde visitó en Europa los
con el que estudió un tiempo. Más tarde visitó en Europa los
mayores centros artísticos, donde conoció la nueva
corriente de los impresionistas. De regreso al Uruguay, donde
en 1896 fue elegido diputado por el departamento de Rocha y
dos años después entró a formar parte del Consejo de Estado
dos años después entró a formar parte del Consejo de Estado,
impulsó la creación de la Escuela de Bellas Artes. En medio de
esta polifacética actividad no abandonó la pintura ni el dibujo,
esta polifacética actividad no abandonó la pintura ni el dibujo,
que fueron una dedicación permanente a través de su vida. En
1909 ingresó en el directorio de la Escuela Nacional de Artes y
Oficios, de la que llegó a ser director en 1915. En 1912 publicó
un ensayo filosófico titulado Arte, Estética, Ideal.
En 1921 se trasladó a Buenos Aires, y allí dedicó cuatro años en
92 l dó i llí d di ó ñ
exclusiva a la pintura para volver inmediatamente a París, donde
permaneció durante
permaneció durante
nueve años y obtuvo su consagración como artista plástico. En
1933 regresó a Uruguay, donde falleció en 1938. Entre sus obras
destacan las de tradiciones criollas como Toros o Preparando a
destacan las de tradiciones criollas, como Toros o Preparando a
la novia, donde consiguió plasmar con gran ritmo y vigor
cromático la memoria colectiva rioplatense.
cromático la memoria colectiva rioplatense.
ALGUNAS OBRAS:
Nombre obra:Candombe.
Nombre obra:Candombe
Material: óleo sobre cartón.
Nombre obra: Pericón en el patio
Nombre obra: Pericón en el patio
De la estancia.
Año: 1923.
ALGUNAS OBRAS:
Nombre obra: Cambacuá
Año: 1923
Año: 1923.
Nombre obra: Cambacuá
Año: 1923.
Gian Lorenzo Bernini
internacional clasico
Gian Lorenzo Bernini
Gian Lorenzo Bernini (1598‐1680), artista italiano, una de las
g
figuras más sobresalientes del barroco. Su actividad no se reducía
a la escultura, también fue un gran arquitecto, pintor, dibujante y
escenógrafo; concibió espectáculos de fuegos artificiales, realizó
monumentos funerarios y fue autor teatral. Su arte es la
quintaesencia de la energía y solidez del barroco en su apogeo.
E la
En l escultura,
lt su gran habilidad para plasmar las texturas de la
h bilid d l l t t d l
piel o de los ropajes, así como su capacidad para reflejar la
emoción y el movimiento eran asombrosas Bernini introdujo
emoción y el movimiento, eran asombrosas. Bernini introdujo
cambios en algunas manifestaciones escultóricas, como los
bustos, las fuentes y las tumbas. Su influencia fue enorme
durante los siglos XVII y XVIII, y puede comprobarse en la obra de
maestros como Pierre Puget, Pietro Bracci y Andreas Schlüter.
Muchas
M h ded sus primeras esculturas estaban inspiradas en el arte
i lt t b i i d l t
helenístico.
En la década de 1620 son sus primeros proyectos
En la década de 1620 son sus primeros proyectos
arquitectónicos, como la fachada de la iglesia de Santa Bibiana de
Roma (1624‐1626) y la creación del magnífico baldaquino (1624‐
1633) d l b
1633), dosel sobre el altar mayor de la basílica de San Pedro, que
l lt d l b íli d S P d
fue un encargo del papa Urbano VIII, primero de los siete
p
pontífices para los que trabajó.
p q j
Bernini fue el primer escultor que tuvo en cuenta el dramatismo
potencial de la luz en los grupos escultóricos. Esto se evidencia
aún más en su famoso Éxtasis de santa Teresa
ú á f É t i d t T (1645 1652 S t
(1645‐1652, Santa
Maria della Vittoria, Roma), donde los rayos del sol, surgidos de
, y g
una fuente invisible, iluminan a la santa en trance y al ángel
sonriente que está a punto de traspasarle el corazón con una
flecha de oro.
Bernini
B i i también
bié es uno de los principales arquitectos del barroco,
d l i i l i d lb
en abierta rivalidad con Francesco Borromini, que trabajó a sus
órdenes en el baldaquino de la basílica de San Pedro
órdenes en el baldaquino de la basílica de San Pedro.
Toda su vida la dedicó al trabajo y su trayectoria se caracteriza
por el gran número de proyectos que emprendió. Desarrolló su
por el gran número de proyectos que emprendió. Desarrolló su
carrera casi por completo en Roma, aunque había nacido en
Nápoles el 7 de diciembre de 1598. Su padre, Pietro Bernini, un
escultor de talento del manierismo tardío, fue su primer maestro.
Sin embargo, pronto el hijo superó al padre, según señalan las
principales fuentes de información: la biografía de Filippo
principales fuentes de información: la biografía de Filippo
Baldinucci (1682) y la de su hijo Domenico Bernini (1713). Bernini
se a tu o e act o p áct ca e te asta su ue te, acaec da e
se mantuvo en activo prácticamente hasta su muerte, acaecida el
28 de noviembre de 1680.
ALGUNAS OBRAS:
Nombre obra: Busto de Medusa
Material: Mármol.
Tamaño: 68 cm.
Nombre obra: Corpus
Material: Bronce.
Tamaño: 174.0 cm.
Año: 1650.
ALGUNAS OBRAS:
Nombre obra: Éxtasis de Santa Teresa
Material: Mármol, Bronce.
Nombre obra:
Urbano VIII
Urbano VIII
Gonzalo Fonseca
nacional
GONZALO FONSECA
1922 1997
1922‐1997
BIOGRAFIA
Nace en Montevideo, Uruguay en el año 1922. Viaja
frecuentemente a Europa con su familia. A los 15 años aprende a
tallar la piedra y en 1939 ingresa en la Facultad de Arquitectura
de Montevideo. Deja los estudios de arquitectura en 1942 para
integrar el Taller Torres-García
Torres-García. Acompañado de un grupo de
artistas del Taller se desplaza en 1945 a Perú y Bolivia para
estudiar el arte precolombino. Realizó varios murales en cafés de
M t id
Montevideo. Viajó
Vi jó a Europa
E en 1950,
1950 residió
idió un año
ñ en Paris,
P i
donde trabaja la cerámica en el taller Savigní; en 1952 viajó a
Roma donde expuso sus cerámicas. Recorrió el Cercano Oriente
trabajando en excavaciones arqueológicas
ó en Jordania, Egipto y
Siria. En 1958 se radicó en Nueva York. A partir de 1970 pasa
parte del año en Italia,, cerca de Carrara,, donde trabaja
p j en
esculturas de gran escala. En 1975 viajó a la India. Falleció el 11
de junio de 1997 en su taller de Pietra Santa, Italia.
Paisaje metafísico –
j 1961 – oleo sobre cemento y panel de madera
yp
40 x 51cms.
BUSQUEDA Y TECNICAS
USQU C C S
Fonseca siempre investigando materiales, introduce en su obra el
cemento, la madera y la arcilla, con la que llegó a reproducir la
antigua técnica de la cerámica precolombina y griega. En esta obra
logra la conjunción entre la pintura, el símbolo y el objeto. Aquí se
manifiesta la semilla de su futura obra arquitectónica tribal y
manifiesta la semilla de su futura obra arquitectónica, tribal y
pétrea de sus esculturas en piedra donde el artista nos transporta
a un mundo mágico, misterioso y mítico.
• 1994 Mundos de Gonzalo Fonseca, Museo de Bellas Artes, Caracas,
1994 M d d G l F M d B ll A t C
Venezuela.
• 1991 Gonzalo Fonseca: Sabbakhin Sculpture, Arnold Herstand, New York.
• 1990 XLIV Bienal de Venecia, representante del Uruguay, Italia.
• 1989 Fonseca, Sculpture & Drawings, The Arts. Club of Chicago, Illinois.
• 1988 Gonzalo Fonseca: Sculpture & Drawings Arnoíd Herstand New York
1988 Gonzalo Fonseca: Sculpture & Drawings, Arnoíd Herstand, New York.
• 1986 Gonzalo Fonseca: Sculpture, Arnold Herstand, New York.
• 1978 Fonseca, Fiera di Bologna, Italia.
• 1977 Sculturi di Gonzalo Fonseca, Galería del Naviglio, Milán.
• 1976 Gonzalo Fonseca, Galería Adíer/ Castillo, Caracas, Venezuela.
• 1974 Gonzalo Fonseca, Galería Conkright, Caracas, Venezuela.
1974 Gonzalo Fonseca, Galería Conkright, Caracas, Venezuela.
• 1970 Gonzalo Fonseca, Recent Works, The Jewish Museum, New York.
• 1962 Gonzalo Fonseca, Selected Works.., The Portland Museum, Oregon.
• 1952 G
1952 Gonzalo Fonseca Paintings, Studio Claudio Matinenghi, Roma.
l F P i i S di Cl di M i hi R
EXPOSICIONES COLECTIVAS
•1997 Una estética permanente. Siete mil años de escultura moderna. Galería Elvira González,
Madrid.
•1996 The StilI Life, Cecilia deTorres, Ltd., New York. Le Cerde de Torres‐García, Zabriskíe Gallery,
Paris, Francia Constructive Universalism‐School of the South, QAS Museum of the Americas,
Washington, D.C.
•1995 65 Years of Constructivist Wood, Cecilia deTorres, Ltd., New York.
•1994 Torres‐García y la Escuela del Sur, Quinta Galería, Bogotá, Colombia.
•1993 Latín American Artists of the 2Oth Century, MOMA, NewYork; Centre Georges Pompidou,
Paris, Francia, Ludwig Musem, Dusseldorf, Alemania.
El Taller Torres
•El Taller Torres‐García
García, The School of the South, Museo Reina Sofía, Madrid.
The School of the South Museo Reina Sofía Madrid
•1991 Archer M. Huntington Art Gallery, Austín,Texas; Museo de Monterrey, México; Museo
Rufino Tamayo, México DF; The Bronx Museum, New York.
•1990 ‐ 1988 The Latin American Spirit: Art and Artists in the U.S.,1920‐1970, Center for the Arts,
Vero Beach FI ; lnst of Culture San Juan Puerto Rico; El Paso Museum of Art Texas; The Bronx
Vero Beach, FI.; lnst. of Culture, San Juan, Puerto Rico; El Paso Museum of Art, Texas; The Bronx
Museum, New York.
•1970 Universalismo Constructivo, Museo Nacional de Bellas Artes, Buenos Aires.
•1960 4 Constructivist works of the TTG, The New School, New York.
1956 J S hid it U St d lijk M A t d E i ió d A t Plá ti
•1956 Jonges Schiders uit Uruguay, Stedelijk Museum, Amsterdam. Exposición de Arte Plástico,
Museo San Martin‐Artigas, Buenos Aires.
•1954 Bienal de Arte, Sáo Paulo, Brazíl (Delegación Uruguaya).
•1950 Torres‐García & his Workshop, QAS Museum, Washington, D.C.
•1946 Arte de América, Maison de l'Améríque, Paris.
•1949‐43 TTG exhíbitions en Uruguay, Argentina, Francia, Italia, EE. UU.
Alonso Berruguete
g internacional
ALONSO BERRUGUETE
1488 1561
1488‐1561
BIOGRAFIA
búsqueda y técnicas
Nació en Paredes de Nava, provincia de Palencia, y se formó junto a su padre, el
también pintor Pedro Berruguete, y más tarde en Florencia, donde entró en
contacto con el manierismo italiano de la mano de Miguel Ángel. En las obras
de esa época ya se aprecia un gusto por el dramatismo y la exaltación de los
sentimientos que, sin romper con el ideal de belleza renacentista, ya anticipa
el barroco. De regreso a España en 1520 disfrutó de una fama superior a la de
todos los artistas de su generación. En 1523 Carlos I le nombró pintor y
escultor de la corte.
Su estilo se caracteriza por el movimiento dramático de los personajes,
Su estilo se caracteriza por el movimiento dramático de los personajes,
descuidando a veces la factura técnica. Dentro de su producción abundan los
retablos y las sillerías de coro, como la realizada para la catedral de Toledo
(1539‐1548),
(1539 1548), donde labra sobre el nogal, sin policromía alguna, una
donde labra sobre el nogal, sin policromía alguna, una
maravillosa galería de figuras de profetas y santos en actitudes variadísimas y
animados de intensa vida interior. También para este templo realiza los
relieves policromados de la silla arzobispal y la Transfiguración del remate.
relieves policromados de la silla arzobispal y la Transfiguración del remate.
OBRAS
• Otras obras maestras son los retablos de Mejorada de Olmedo (1526), el
b l bl d d d l d ( ) l
de San Benito de Valladolid (1526‐1532, actualmente en el Museo
Nacional de Escultura de Valladolid), en el que se representan en relieve
escenas de los benedictinos y de la vida de Cristo, y el de la Adoración de
los Magos (1537), también en Valladolid. Dentro de su producción
escultórica destaca la que fue su última obra, el sepulcro del cardenal
q , p
Tavera, en el hospital de Afuera, Toledo, donde llama la atención el
realismo con que trata el rostro del difunto. También es obra suya la
Transfiguración de la iglesia del Salvador en Úbeda (Jaén), destruida
de la iglesia del Salvador en Úbeda (Jaén) destruida
durante la Guerra Civil española, inspirada en la de Toledo.
Estatua de Alonso Berruguete (h.1490–1561) junto a la entrada del Museo
Arqueológico
q g Nacional de España,
p , en Madrid. Esculpida
p en mármol blanco de
Italia por José Alcoverro y Amorós (1835–1910) en 1892.
ARTISTAS ASOCIADOS
ARTISTAS ASOCIADOS
Después
é d de trabajar,
b asociado
d con Felipe
l Vigarny, en Zaragoza y
Huesca, donde su arte influyó en el de Damián Forment,
proyectó varios retablos para la Capilla Real de Granada. Fijó
en Valladolid su residencia en 1523, ciudad en la que fundó su
taller, y se dedicó a la talla de retablos e imágenes. Una de
sus primeras
i obras
b importantes
i t t en esta t ciudad
i d d fue
f ell retablo
t bl
de San Benito, en el que se acusa su vigoroso realismo con
toda su g grandeza. En 1539 comenzó la talla de la sillería del
coro de la Catedral de Toledo, otra de sus obras culminantes.
Su última obra fue el sepulcro del cardenal Tavera en Toledo,
que la muerte le privó de terminar.
terminar
Mathias Goeritz
internacional
MATHIAS GOERITZ
1915 1990
1915‐1990
BIOGRAFIA
Nació en Danzig (actual Gdansk) y pasó su infancia y juventud en Berlín,
donde realizó estudios de pintura, historia del arte y filosofía. Tras la
implantación del nacionalsocialismo, en 1936 abandona Alemania, e inicia
un viaje por Europa y el norte de África. La pintura de su primera etapa
i j E l t d Áf i L i t d i t
está marcada por la guerra y en ella se acusa la influencia de los grupos
expresionistas alemanes Die Brücke y Der Blaue Reiter. En 1941 viaja por
Marruecos y en 1946 expone en Madrid junto con Miró Ángel Ferrant y
Marruecos y en 1946 expone en Madrid junto con Miró, Ángel Ferrant y
otros artistas vanguardistas. En 1949 crea la Escuela de Altamira, en
Santillana del Mar (Santander); su estilo evoluciona entonces hacia la
abstracción marcada por su relación con Miró y las pinturas rupestres de
abstracción, marcada por su relación con Miró y las pinturas rupestres de
Altamira.
Después de tres años, y al no renovársele el permiso de residencia,
Después de tres años y al no renovársele el permiso de residencia
marcha a México, donde es contratado como profesor de historia del arte
por la Escuela de Arquitectura de Guadalajara. En esta universidad crea un
taller de diseño en el que difunde las enseñanzas de la Bauhaus.
taller de diseño en el que difunde las enseñanzas de la Bauhaus.
Pasados cinco años, es contratado por la Universidad Nacional Autónoma de México
para dirigir un Taller de Educación Visual, y más tarde la Universidad Iberoamericana le
encomienda la creación de la Escuela de Artes Plásticas Desde entonces su influencia
encomienda la creación de la Escuela de Artes Plásticas. Desde entonces su influencia
fue notable en la plástica contemporánea. México se abría a la modernidad y gracias a
él se exponía por primera vez la obra de Paul Klee y Henry Moore. Es ahora cuando
Goeritz alterna la pintura con la escultura que se convierte en el fundamento de su
Goeritz alterna la pintura con la escultura, que se convierte en el fundamento de su
creación. En este campo evoluciona desde el expresionismo a la abstracción (La mujer
de cinco caras, 1950; Animales heridos, 1951; La serpiente, 1953).
De toda su obra arquitectónica quizás la más compleja e interesante, como califica el
propio artista, sea El laberinto (1980, Centro Comunitario Alejandro y Lily Saltiel de
Jerusalén), edificio carente de ventanas, de gran fortaleza y cuya luz se introduce a
), , g y y
través de amplias terrazas. Si en pintura está influenciado por el expresionismo
alemán, en escultura y arquitectura desarrolla un estilo marcado por la pureza de
diseño y la integración plástica espacial como medio de elevar el nivel espiritual de la
diseño y la integración plástica espacial, como medio de elevar el nivel espiritual de la
sociedad. Murió en 1990 en la ciudad de México.
OBRAS
• Entre sus obras destaca el Museo El Eco, inaugurado en 1953 en Ciudad de
Entre sus obras destaca el Museo El Eco inaugurado en 1953 en Ciudad de
México. Este museo albergaba obras importantes como La serpiente, una
escultura de Goeritz que actualmente se encuentra en el Museo de arte
, y y
moderno de la Ciudad de México. En el 2005, El Eco fue restaurado y hoy
funciona nuevamente como museo.
• En 1958, en colaboración con el arquitecto Mario Pani y el pintor Jesús
Reyes Ferreira, luego de un viaje con Justino Fernández a San Gimigniano,
Italia, realizó su obra maestra las Torres de Satélite, inauguradas en marzo
l l ó b l d él d
de 1958 como emblema de la nueva Ciudad Satélite.
• Goeritz promovió la creación de la Ruta de la amistad en el Anillo
Periférico de la Ciudad de México con motivo de las Juegos Olímpicos de
de la Ciudad de México con motivo de las Juegos Olímpicos de
1968. El 8 de febrero de 1982 inauguró su escultura Las Torres en la
Facultad de Estudios Superiores Aragón, UNAM. Colaboró con Luis
g y
Barragán en el diseño de las Torres de Satélite en la Ciudad de México y la
colonia Jardines del Bosque en Guadalajara. Murió el 4 de agosto de 1990,
a los 75 años de edad en la Ciudad de México.
Mathias Goeritz ‐ Torres de Temixco ‐ 1957‐58 5 Triangular columns of
different dimensions: 14ft, 15.8ft 11.9ft 13.8ft 12.5ft ‐ 1 square column ‐
13 3ft 1 circular column 13 3 ft
13.3ft 1 circular column 13.3 ft.
Julio le Parc
internacional
Julio le parc
Julio le parc
Julio Le Parc (Mendoza‐1928). Escultor y pintor
Julio Le Parc (Mendoza 1928) Escultor y pintor
argentino.
Nacido en la ciudad de Mendoza en 1928. Durante el
año 1942 junto a su familia se mudó a la ciudad de
año 1942 junto a su familia se mudó a la ciudad de
Buenos Aires, en 1943 ingresó a la Escuela Nacional de
Bellas Artes Prilidiano Pueyrredón aunque la
abandonó al año siguiente; en el interín pudo
abandonó al año siguiente; en el interín pudo
observar los murales que Antonio Berni, Juan Carlos
Castagnino, Manuel Colmeiro Guimarás, Lino Enea
Spilimbergo
p g yy Demetrio Urruchúa realizaban para las
p
Galerías Pacífico en pleno microcentro de la ciudad
porteña, por el planteo de tales murales llegó a la
p p
intuición de la importancia del "espectador".
Obra:
Autor:
JULIO LE PARC
Descripción de la obra:
Acrílico sobre tela, firmado en el dorso, y fechado, 1974
París Recientemente, en el celebrado Museo Daros,
Zurich, tuvo lugar una exposición de obras cinéticas
hechas por Julio Le Parc en las décadas de 1960 y 1970.
En el caso de esta obra se trataa de una pieza de gran
valor histórico y una de las obras importantes del
maestro. Procedencía: Galería René Métras, Colección
particular, Barcelona
Medidas: Medidas: 50 x 150 cms

Obras de julio le parc
Esculturas de Palma
Título: Sin título
Autor: Julio Le Parc
.
Fecha: 1999
Material: Mármol de Carrara
Dimensiones: 300 * 50 * 117 cm
Localización: Paseo de Sagrera
Julio Le Parc, ARGENTINA ‐ 1928
8/ |Refief 3‐3846. 1970
Múltiple ejemplar 24/200
41 x 41 x 5 cms.
Obra:
Autor:
JULIO LE PARC (Argentina,
1928, vive y trabaja en París)
Descripción de la obra:
Oleo sobre lienzo. Firmado y
fechado 1983 al dorso.
Medidas: Medidas: 78 x 78 cms

RobertoMatta
nacional
R b
Roberto matta
Pintor chileno. Nació en Santiago el

11 de noviembre de 1911 y murió
en Tarquinia, Italia en el año 2002.
La obra de este connotado artista
se extiende
ti d d desde
d llos años
ñ ttreinta
i t
hasta hoy. Fue partícipe y
renovador del surrealismo y
personaje decisivo en el grupo de
artistas del expresionismo
abstracto de los años 40.
Homosmusa, 1992
Cerámica policromada
46 cm. alto x 34 cm. diámetro
Con una gran muestra en el Museo de

Artes Visuales,
Visuales la Fundación Cultural Plaza
Mulato Gil de Castro le rinde un sentido
homenaje a quien fuera uno de los artistas
más gravitantes de la plástica del siglo XX,
XX
Roberto Matta.
Sergio Castillo
g nacional
SERGIOCASTILLO
‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐‐
Sergio Castillo, escultor, nació en Santiago el 13 de mayo de 1925.
Realiza obras trabajando directamente sobre el metal el que rescata de
Realiza obras trabajando directamente sobre el metal, el que rescata de
desechos varios; mediante el uso de sopletes y soldaduras, une aquellos
p q g
restos encontrados en una nueva composición, que integra las formas
originales de cada pieza.
Recibió el Premio Nacional de Arte (1997), el que dio la coronación a
Recibió el Premio Nacional de Arte (1997) el que dio la coronación a
otras distinciones previas.
Vida
Sergio Castillo, escultor, nació en Santiago el 13 de mayo de 1925.
En 1942 ingresó a la Escuela de Arquitectura de la Universidad Católica,
permaneciendo en ella durante dos años.
E 1948 i jó P í
En 1948 viajó a París y siguió cursos de pintura en la Escuela de Bellas
i ió d i t l E l d B ll
Artes y en la Academia Julien.
De regreso a Chile se matriculó en la Facultad de Artes de la Universidad
De regreso a Chile se matriculó en la Facultad de Artes de la Universidad
de Chile, donde tuvo como maestras a Lily Garafulic y Marta Colvin.
En 1956 y durante un año, Estudió en la Art Student Ligue de New York.
Desde 1967 ejerció la docencia en la Universidad de Chile, y en 1985
formó parte del profesorado de la Universidad de Boston, en EE. UU,
d d di tó t ll d E lt
donde dictó un taller de Escultura di t
directa en Metal.
M t l
Divide su tiempo viajando entre Europa, EE. UU y Latinoamérica.
Trayectoria
y
Sergio Castillo realiza obras trabajando directamente sobre el metal, el que rescata de
d
desechos varios; mediante el uso de sopletes y soldaduras, une aquellos restos
h i di t l d l t ld d ll t
encontrados en una nueva composición, que integra las formas originales de cada
pieza.
Como acabado de estas estructuras, pátinas, pulidos y óxidos son sus preferencias.
Ligado al Constructivismo, la estética de sus módulos mantiene un carácter rudo y
elemental, pues la forma se apoya en buena medida en la tosquedad de los materiales
empleados.
Sus trabajos, destinados en gran parte a espacios públicos, se basan en investigaciones
j , g p p p , g
formales propias de la escultura: ritmo, tensión, dirección y dinamismo, son principios
de la organización visual que Castillo explora.
Sin embargo en obras de menor formato desarrolladas para ámbitos cerrados integra
Sin embargo, en obras de menor formato, desarrolladas para ámbitos cerrados, integra
la dimensión figurativa, a través, principalmente, del cuerpo femenino, expresado Más
emotivamente y con menos raciocinio que en las deMás producciones.
El volumen es trabajado con características eróticas enfatizando con gran acento el
El volumen es trabajado con características eróticas, enfatizando con gran acento el
tema de la sexualidad humana.
Aportes
Sergio Castillo recibió el Premio Nacional de Arte (1997), el que dio la coronación a
Sergio Castillo recibió el Premio Nacional de Arte (1997) el que dio la coronación a
otras distinciones previas, como el Primer Premio en el Salón de la Universidad de
Chile (1955), el Premio Nicanor Plaza (1965), el Primer Premio de Escultura en el LXXVI
Salón Oficial (1966), el Premio Alcobendas de Escultura, España (1980) y el Primer
Salón Oficial (1966) el Premio Alcobendas de Escultura España (1980) y el Primer
Lugar en el Concurso de Esculturas en Acero organizado por CAP y la Municipalidad de
Valparaíso (1991) Recibió la Beca Fullbright como profesor de la Universidad de
Berkeley, California (1968) Fue nombrado Miembro de Numero de la Academia
f ( )
Chilena de Bellas Artes del Instituto de Chile (1995)
Ha participado en numerosas muestras individuales y colectivas tanto en Chile como
en EE. UU, México, Puerto Rico y Francia, entre otros.
Varias de sus obras forman parte de colecciones de museos y galerías de varios países;
muchas, también, ocupan edificios, parques y otros espacios públicos a lo largo de
, , p ,p q y p p g
todo Chile y en otras partes del mundo.
Erupción
Autor: Sergio Castillo
Técnica Escultura en hierro soldado
Técnica: Escultura en hierro soldado
Colección: Museo de Artes Visuales
Sergio Castillo posee una extensa obra que tiene como particularidad el ensamblaje de
materiales industriales. El modo de trabajarlos es tosco ya que el artista privilegia el contenido
lógico de la escultura, es decir, los principios básicos de toda figura tridimensional: tensión,
g p p g
movimiento, equilibrio. Dentro de estos principios, que tomados del constructivismo de los años
20, la tensión es uno de los más presentes ya que el trabajo de Castillo es la relación de
pequeñas unidades que se relacionan en un todo. También se caracteriza por el gran formato y
la escultura de espacios públicos donde se muestra absolutamente abstracto. En las figuras
pequeñas hace la inclusión de la figuración en especial el de la figura femenina. En el año 1997
obtuvo el Premio Nacional de Arte.
Hélio Oiticica internacional
Helio Oiticica
Hélio Oiticica nació en Rio de Janeiro en 1937(1937‐1980), hijo de un entomólogo que
era asimismo fotógrafo y pintor, y nieto de un filólogo y dirigente anarquista. A pesar de
ser muy conocido en Brasil, Oiticica sólo ahora ha empezado a ser gradualmente
reconocido a nivel internacional como uno de los artistas más profundos y aventureros
de estos últimos tiempos.
VIDA
(Río de Janeiro, 1937 - 1980) Artista brasileño asociado a la tendencia

neoconcretista. En 1954 estudió en la Escuela del Museo de Arte
Moderno de su ciudad y conoció los escritos de Nietzsche, Kant y
Heidegger. Atraído por el movimiento constructivista, entró en el Grupo
Frente y, en 1959, en el Grupo Neoconcreto. Participó en la Bienales de
Sao Paulo de 1957 y 1959 y expuso en la Whitechapel de Londres de
1969.
E 1959 comenzó
En ó a realizar
li obras
b en tres
t dimensiones
di i e hizo
hi las
l series
i
Relieve Espacial y Núcleo, con planos dispuestos en varios ángulos que
incorporaban el espacio como parte integral de la obra. En los años
sesenta la serie Bólides supuso un intento de dar una estructura original
al color e incluía cajas de vidrio que contenían tierras y pigmentos
TRAYECTORIA
Producto de la brillante explosión de la actividad artística que tuvo lugar en Brasil
durante los años cincuenta y sesenta que abarcó música cine arquitectura poesía y
durante los años cincuenta y sesenta, que abarcó música, cine, arquitectura, poesía y
artes visuales, Oiticica adoptó una postura avanzada con sus innovadores Bólidos,
Penetrables y Parangolés a mediados de los sesenta. Más tarde pasó temporadas en
Londres y Nueva York antes de volver a Brasil, donde murió en 1980 a la edad de 43
d k d l l d d ó l d dd
años.
Aura Castro
nacional
AURA CASTRO:
| Aura Castro,
Castro escultora,
escultora nació en
Santiago en 1946. Entre 1966 y 1969
Estudió las técnicas del esmalte sobre
metales y orfebrería, en la Escuela de
Artes Aplicadas de la Universidad
Uni ersidad de
Chile.
Aura Castro realiza su trabajo
utilizando la fundición del aluminio y
ell bronce,
b asíí como la
l talla
t ll en piedra
i d y
mármol, entre otras técnicas.
Un material predilecto de Castro es el
cartón piedra. En 1980 recibió la Beca
Amigos del Arte. Ha expuesto tanto en
Chile como en el extranjero, en
muestras colectivas e individuales.
Realizó otros estudios de fundición a
la tierra y a la cera perdida, serigrafía
y grabado sobre metal, cursos con los
que pudo acceder al cargo de profesora
en la Universidad de Chile.
Obra sin titulo de

Aura Castro
| Entre otros, Aura Castro ha
recibido el Primer Premio de
Escultura, en el Salón de Ñuñoa
(
(1976), el Primer Premio de
)
Escultura, en el Centenario del
Museo Nacional de Bellas Artes
(1980) l P
(1980) y el Premio de Adquisición
i d Ad i i ió
VIII Bienal Internacional del
Deporte en las Bellas Artes,
Madrid (1982)
Madrid (1982). Tres Tres
obras suyas forman parte de la
colección del Museo Nacional de
Bellas Artes: "Idolo
Bellas Artes: Idolo Ancestral
Ancestral",
"Idolo Ancestral II" y "Maja". En
1980 recibió la Beca Amigos del
Arte.
Arte. Ha
Ha
expuesto tanto en Chile como en
el extranjero, en muestras
Escultura colectivas e individuales.
Piquero
| Significado de las tecnicas que utiliza Aura Castro
• Pasta vítrea,
vítrea brillante y
dura, que se obtiene
mediante fusión, a más de
700¼ de temperatura,
temperatura de
polvo de vidrio coloreado
con óxidos metálicos, y que
se aplica sobre cerámica o
metal. Los tipos de
esmalte sobre metal se
clasifican de la siguiente
g
manera:
• 1.- Cloisonné, que consiste
en colocar el polvo de vidrio
entre las líneas metálicas
que constituyen un dibujo
Escultura
pprevio,, ppara pproceder
Mileni m
Milenium
después a su fusión.
| 2.‐ Champlevé, que se diferencia de
la técnica anterior en que las
la técnica anterior en que las
superficies a esmaltar se obtienen
vaciando el fondo del metal, ya sea
mediante un buril o una ácido.
mediante un buril o una ácido.
Después se procede a su pulimento
para que metal y esmalte tengan el
mismo nivel.
| 3.‐ Pintado, que como su nombre
indica, es el pintado con un pincel.
Para fijar la pintura, se introduce en
Para fijar la pintura, se introduce en
el horno a una temperatura
adecuada, a fin de que no se funda
el esmalte.
| Orfismo : de Orfeo Corriente
religiosa de la antigua Grecia,
relacionada con Orfeo, maestro de
relacionada con Orfeo, maestro de
los encantamientos/ Nombre dado
por Apollinaire, en 1912, a una
Aura Castro
tendencia del cubismo que exalta el
q
Marmol
color y la luz.
Francisca Cerda
nacional
FRANCISCA CERDA:
| Francisca Cerda, escultora, nació en
Santiago el 3 de abril de 1943. Estudió
en la Facultad de Artes de la Universidad
de Chile, entre los años 1961 y 1965,
licenciándose con mención en escultura;
en 1969 viajó a París para estudiar
Historia del Arte en la Escuela del
Louvre. Volvió a
Chile para perfeccionarse en su área
plástica estudiando en la Universidad
plástica,
Católica entre 1971 y 1972. A partir de
1974 se desempeñó como ayudante de
la Cátedra de Escultura en la Universidad
de Chile, ejerciendo tal labor durante
seis años. Entre 1979 y 1984
fue profesora en el Instituto de Arte
C t
Contemporáneo;
á d d 1982 y durante
desde d t
casi diez años, impartió clases de
escultura y cerámica en su propio taller.
Abandonó tal actividad el año 1991, para
p
estudiar en la Escuela de Artes de
Wimbledon, en Inglaterra, gracias a una
beca otorgada por el British Council.
Mujer Subiendo
| Actualmente es docente en la Facultad
de Artes de la Universidad
Metropolitana de Ciencias de la
Educación. Francisca Cerda
experimenta y crea utilizando un
amplio espectro de materiales,
materiales tales
como bronce, greda, fibra de vidrio,
cemento o plumavit. Tal diversidad
de materias es acorde a los distintos
temas que ha desarrollado a lo largo
de su producción: en una primera
etapa distinguimos un estilo abstracto
que guarda relación con las formas
orgánicas sobre todo,
orgánicas, todo con las líneas de
piedras y semillas. Luego la
escultora evolucionó hacia unas obras
figurativas que se convirtieron en su
sello
ll Má
Más característico;
t í ti mujeres
j
rechonchas de tranquilo aspecto,
trabajadas naturalmente en formas
Francisca Cerda cóncavas, con líneas que tienden
f
fuertemente a lal redondez
d d y lal
Serámica simplicidad.
• Estas representaciones del cuerpo
femenino presentan una textura
agradable
g y limpia,
p ,qque se equilibra
q en
su liviandad con la solidez del material y
los ejes de dirección, que tienden tanto
a la horizontalidad como a la
verticalidad
ti lid d d
descendente.
d t
Posteriormente, en su creación se
materializó el dolor y el sufrimiento
mediante objetosj violentados,, y muros
en que aparecen seres sin identificación
posible, que intentan salir del
anonimato de modo desesperado.
E ell último
En últi ti
tiempo, l artista
la ti t volvió
l ió a
un tema Más calmo, la pareja y el amor:
en fibrocemento, modeló en relieve a un
hombre y una mujer, j , sobre tubos qque
giran lentamente uno frente al otro
produciendo sucesivos encuentros y
desencuentros.
• Francisca Cerda ha recibido, entre
otras, las siguientes distinciones: Primer
Premio Concurso Monumento al
Presidente Jorge Alessandri (1993),
Primer Premio Concurso Hitos
Territoriales, organizado por el
Ministerio de Obras Públicas (1994),(1994)
Primer Premio Concurso 'Una Escultura
para el Padre Hurtado'(1995).
Ha realizado numerosas muestras
individuales a lo largo de todo Chile, y
también en Venezuela y EE.UU.
Dentro de las exposiciones colectivas
en la que su obra ha sido incluida,
incluida
mencionamos "El Bronce en la
Escultura Chilena" (1998) El MNBA
adquirió su obra "Sin Título" realizada
en fibra de vidrio.
La empresa de Correos de Chile emitió
un sello postal con su obra "Amistad".
Alejandro Otero
j internacional
ALEJANDRO OTERO:
ALEJANDRO OTERO:
• El 13 de agosto de 1990 muere en Caracas
el notable pintor guayanés Alejandro
Otero. Nace en El Manteco, el 7 de marzo
de 1921,el pintor Alejandro Otero.Llega a
Caracas en 1938 donde prosigue sus
estudios en la Escuela de Artes Plásticas
de Caracas (1939‐1945). Desde 1945, en
que viaja a París,
París su vida se desarrolla por
temporadas entre la capital francesa y
Caracas. Cursó sus estudios en la Escuela
de Altos Estudios de La Sorbona de París.
En Francia vivió desde 1945 a 1949.
Concluido su periodo de formación, los
viajes a Europa le hacen encontrarse con el
arte "de todos los tiempos".
p Es en estos
años cuando pinta la serie Cafeteras
(objetos cotidianos, sintetizados en líneas y
planos).Allí formó parte del grupo de
artistas venezolanos «Los Disidentes», que
rompió con la tradición figurativa.
Alejandro Otero
Un par de turbinas gemelas de 53 metros
de ancho giran al viento en dirección opuesta.
• Abandonó la pintura en sí para dedicarse a
un arte abstracto-geométrico. Después de
sus colorritmos (profundización en los
problemas de la luz y el espacio a través de
tablones alargados atravesados de un lado
a otro por bandas paralelas) en 1955, que
le dieron mucha fama al presentarlos en el
Museo de d Bellas
ll A
Artes d Caracas.
de C
A partir de ese año, alterna la pintura con
proyectos arquitectónicos (Ciudad
Universitaria de Caracas, murales de
mosaico y aluminio, y vitrales). En 1958 le
es concedido el Premio Nacional de
Pintura por uno de sus "colorritmos", con
lo que consigue el reconocimiento oficial a
sus innovaciones estéticas. En 1961 inicia
otra etapa con sus ciclos de relieves
blancos y monocromos (Pincel y cuadrado
blanco) que es seguida por la llamada
blanco),
serie de papeles coloreados (intensos
collages de espíritu pop con objetos
tecnológicos pegados; Bonjour M.
Braque).)
• Sus experimentos se suceden y en 1967
reaparece su interés por la construcción de
máquinas artísticas y lúdicas (Vertical
vibrante oro y plata, Noria hidrocromática
o Torre acuática). A partir de este
momento, su obra es una constante
búsqueda de nuevas formas de expresión,
expresión
sobre todo en el campo de la escultura.
(Delta solar y Estructura solar, 1977;
Aguja solar, 1982). Otero eliminó de su
pintura
i ell color,
l ell sujeto
j y la
l forma.
f A í
Aquí
vemos como pasó por varias etapas en que
ensayaba con collages y con objetos en
relieve. El mismo Otero explica
que para entender su propia pintura tuvo
que aprender escultura. Sus numerosas
exposiciones en Venezuela y en el exterior
lo convirtieron en un artista Internacional,
galardonado en varias oportunidades.
• El arte cinético es
una corriente de arte
en que las obras tienen
movimiento o que
parecen tenerlo.
El arte cinético y el
arte óptico son
corrientes artísticas
basadas en la estética
del movimiento. Esta
principalmente
representado
t d en ell
campo de la escultura
donde uno de los
recursos son los
componentes móviles
de las obras
EDUARDO RAMÍREZ VILLAMIZAR internacional
EDUARDO RAMÍREZ VILLAMIZAR:
Eduardo
Ed d Ramírez
R í Villamizar
Vill i
Escultura en acero
• Nacido en la ciudad de Pamplona, en 1923,
Ramírez Villamizar parecía estar destinado
a la arquitectura,
q , carrera qque inició en
1940 en la Universidad Nacional, en
Santafé de Bogotá. Después de algunos
semestres, el artista eligió el camino de las
Bellas Artes y,
y como ya se ha indicado,
indicado
comenzó a participar con regularidad en la
actividad artística de la capital de
Colombia.El inicio de la década, un
momento importante para su s desarrollo,
desarrollo lo
representa el viaje a Francia efectuado en
1950. Allí permanece hasta
1952. Tienen lugar continuos viajes a
Nueva York, París, Madrid y Roma, a
veces con motivo de presentaciones, hasta
que en 1957 acepta dictar clases en la
Escuela de Bellas Artes de Bogotá.
g En este
mismo año aparecen los primeros relieves,
usualmente blancos, algunos de ellos con
reminiscencias de la obra de Anthnoy
Caro pero también con una marcada
Caro,
orientación arquitectónica espacial. En
general la obra de Ramírez Villamizar
exuda un carácter arquitectónico
Madera p
pintada inconf ndible como lo indica la pieza
inconfundible, pie a
Arquitectura Vertical Inclinada, realizada
en 1995 y aquí presente.
• Le han sido concedidas varias distinciones,
distinciones
entre ellas, el premio Guggenheim por
Colombia en 1958, y al año siguiente el
primer premio de pintura en el XII Salón
d Artistas
de A ti t Colombianos.
C l bi E ell mismo
En i año,
ñ
Ramírez Villamizar representa a Colombia
en la V Bienal de São Paulo junto con
otros artistas entre los cuales se incluyen
Obregón y Wiedemann, y en la exposición
"South American Art Today" del Museo de
Dallas, en compañía de Alejandro
Obregón,
g , Grau y Negret, g , además de
Fernando Botero quien, nueve años más
joven que Ramírez Villamizar, es otra
estrella ascendente en el panorama del arte
colombiano del momento.
momento
• Pero indudablemente el hecho más
importante en la carrera de Ramírez
Villamizar lo representa su ingreso a la
escultura, refrendado en 1958 por la
comisión de un mural para el Banco de
B
Bogotá.tá En
E su solución,
l ió ell artista
ti t realizó
li ó
una ingeniosa y sensible combinación
entre elementos de estructura geométrica
con marcada impronta precolombina
diseñados por él mismo, y la magnificencia
espacial y textural de los altares barrocos
propios de la arquitectura colonial hispano-
colombiana. La obra fue construida en
madera, recubierta con hoja de oro. El
resultado fue un relieve espectacular que,
gracias al talento innovador de Ramírez
Villamizar
Villamizar, permitía observar la
contraposición de elementos del pasado
artístico colombiano con un lenguaje
totalmente contemporáneo.
• Desde los años sesenta y todavía, Negret y
Ramírez Villamizar lideran sin oposición
la escena artística de Colombia en lo que
se refiere
fi a la
l escultura.
l N
Negret recibió
ibió en
1963 el premio de escultura en el XV
Salón Nacional de Artistas, y en 1966, el
mismo premio fue concedido a Ramírez
Villamizar en el XVII Salón. Como
Obregón antes que él, Villamizar
representó en 1969 a Colombia en la X
Bienal
e a de São Paulo
au o co
con uunaa sa
salaa eentera,
te a, y
allí recibió el segundo premio de escultura
concedido en la sección internacional.
Filippo
pp Brunelleschi
clasico
Filippo di Ser Brunellesco Lippi:
• Arquitecto, escultor y orfebre
contemporáneo de Leon Battista Alberti,
Ghiberti, Donatello y Masaccio.
D idid a ganarse la
Decidido l vida
id como escultor,
lt
participó en un concurso que consistía en
realizar las puertas del Baptisterio de
Florencia en 1401, en el cual se tenía que
representar el sacrificio de Isaac en un
marco poli lobulado; tenía que aparecer
Abrahám, Isaac, un ángel, dos sirvientes
con un asno,, leña y un cordero o una
oveja. Quedó en segundo lugar, por no
ceñirse a las bases y hacer un altar que
parece estar llevado por el asno, además,
el rostro de Abrahám aparecía con
expresión irritada; este hecho hizo que se
inclinase por la arquitectura en exclusiva.
Cúpula de la Catedral de Florencia Fue conocido, sobre todo, por su trabajo
en la
l cúpula
ú l ded lal catedral
t d l de
d Florencia
Fl i Il
Duomo, como también por haber
descubierto la perspectiva en la pintura.
• Filippo Brunelleschi fue el arquitecto más
importante del siglo XV en Italia y
verdadero
erdadero emblema del nacimiento de la
arquitectura renacentista. Fue un artista
muy prolífico que desarrolló su trabajo en
Florencia. Como
otros genios del Renacimiento,
Brunelleschi practicó otras artes, como,
por ejemplo, la escultura.
En el p plano de la arquitectura,
q ,
Brunelleschi investigó los viejos edificios
del clasicismo romano levantando planos,
plantas y alzados, obsesionado por
representar la arquitectura
tridimensionalmente. Su mayor
gloria es que, ya en la primera mitad del
siglo XV, dejará sentadas las características
esenciales de la arquitectura
arq itect ra humanista
h manista
del Renacimiento italiano.
• Sus obras más notables son:
Cúpula de la Catedral de Florencia o
Santa María de las Flores.
Es su obra más famosa. Esta enorme
cúpula no sólo destaca sobre el
conjunto de la iglesia sino que es una
referencia visual en toda la ciudad de
Florencia. La catedral de Florencia es
gótica y fue realizada por Arnolfo di
Cambio, pero estaba sin concluir pues
se encontraba sin abovedar el crucero.
Catedral de Florencia
Obras:
• Basílica de San
Lorenzo de
Florencia
• Palacio Pitti
• Fachada del
Hospital de los
Inocentes
• Capilla Pazzi
Sergio
g Cerón
Sergio Cerón nació en
Sa tia de Chile el 27 de N
Santiago Noviembre
vie b e
de 1961. En su infancia era bastante
observador, le encantaba realizar mapas
y cuestionarse el como representar el
movimiento
i i t d dell mar. Y
Ya en ttercer año
ñ
medio comenzó a nacer en el un cierto
interés por el arte, había adquirido una
faceta de dibujo,
j le gustaba copiar
p fotos
y realizaba
i b reproducciones
d i con un
excelente manejo tanto gráfico como
valórico.
uego de haber rendido la prueba de
Luego
aptitud académica decidió entrar a
Inacap, en donde estudió dibujo técnico
en estructuras.
Maravillado con su talento, en 1982 ingresó a la carrera de Licenciatura en
Artes Plásticas con mención en Escultura en la Facultad de Artes de la Universidad
de Chile. Desde sus pprimeros años en está universidad se rebelo contra las formalidades
de la escultura considerándose como "un pensador de la escultura a partir de la
articulación de los sistemas".
En el año 1985 se licenció en dicha carrera, obteniendo la distinción máxima.
Paralelamente a esto, cursó la mención en Orfebrería en la misma universidad,
egresando el año 1986.
Dentro de sus exposiciones individuales se encuentran:
1988 "Montaje y Encaje Escultórico". Galería Espacio Cal. Santiago, Chile.
1990 "Abertura 8" . Galería Nexo. Santiago. Chile
1992 "Escultura en Verano". Plaza Mulato Gil de Castro. Santiago, Chile
1997 "Tocando Fondo" Sala Parque de las Esculturas. Santiago, Chile
1998 "Recapitular".
i Sala Casa Roja.
j Santiago,
i Chile.
i
1998 "Opuestos". Sala Juan Egenau. Universidad de Chile. Santiago.
1999 "+ Por - " Sala Amigos del Arte. Santiago, Chile.
1999
999 "M
"Marcando
d Rumbo".b " GGalería
l í Sagal.
S l E
Essen . Al
Alemania.
i
1999 "Marcando Rumbo". Salón de Eventos IG Metal. Sprockhovel. Alemania.
“Desencuentro”. Sala Purisima. Santiago, Chile.
Esculturas en Espacios Públicos:
Públicos
1986 Universidad Católica de Chile. Parque Huilquilemu. Talca. Chile.
1991 Ferrocarriles del Estado. Maestranza San Eugenio. Santiago. Chile.
1992 "Escultura
Escultura Abierta Obra Urbana"
Urbana . I.
I Municipalidad de Conchalí.
Conchalí Santiago.
Santiago
Chile.
1994 "Creación Enlace Escultórico". Centro de Desarrollo Juvenil. I. Municipalidad de
Conchalí. Santiago,Chile.
1999 "Sueños". Obra Pública IG. Metal. Universidad Sindical. Sprockhovel.
Alemania.
2000 "Opuestos"
p Obra Pública . Parque
q de las Esculturas "Las Rosas" . I. Municipalidad
p
de Conchalí. Santiago, Chile.
2001 "Eje Desplazado" Obra Pública. Parque de la Mujer. Av. Dorsal - Diag. San Rafael.
Municipalidad
p de Recoleta . Santiago,
g , Chile.
2001 “Referente” obra pública. San Bernardo, Chile.
2002 "Timón Quilla" Obra Pública. Ciudad de Valdivia , Chile.
Premios Obtenidos:
Por otro lado, Sergio Cerón a ganado diversas becas y concursos que lo han ayudado a
concretarse como uno de los mejores exponentes de la escultura chilena:
1986 Beca Taller de Escultura "Patio de América". Huilquilemu. Talca. Chile.
1989 Mención de Honor en Escultura "XI Concurso Nacional Arte Joven". Universidad de
Valparaíso.Chile.
1992 Beca Amigos del Arte. Santiago, Chile.
1992 Beca Taller de Escultura Iberoamericana. Concurso "Parque de los Reyes". Santiago,
Chile.
C
Concurso Fondart.
d t Proyecto
P t "Escultura
E lt Abierta
Abi t Obrab Urbana
b "
1994 Concurso Fondart. Proyecto "Creación Enlace Escultórico"
1999 Concurso Fondart. Proyecto "Colectivo Escultórico Urbano"
Proyecto de Creación “Diálogo Chile – Alemania”.
Alemania” Por invitación de Thyssen Krupp
Krupp.
Bochum. Alemania.
2000 Concurso Fondart Proyecto " Acción dos colectivo escultórico urbano".
2000 Concurso Escuela Artística.
Artística " Residencia"
Residencia –Antofagasta,
–Antofagasta Chile
Chile.
A través de sus obras, Sergio Cerón nos invita a revivir su cotidianidad sin olvidar el estado en
que cada material fue encontrado.
Por otro lado, frente al formalismo de la enseñanza de la escultura con respecto a los materiales
más comunes (greda, terracota, madera, piedra, bronces), Sergio Cerón se rebela puesto que, para el, la
espacialidad visual se puede construir con el material que uno determine, no con el que se predisponga y
además,
d á ttall como llo demuestran
d t cada
d uno ded sus trabajos,
t b j estet fabuloso
f b l escultor
lt aclara
l que lla premisa
i del
dl
artista visual es estar siempre en el límite, “Ir provocando los límites”.
Una de sus mayores influencia fue la profesora y escultora Patricia Del Canto quien fomentó
su rebeldía
b ldía aante
t llos materiales
at ial (lo(l cual
al generóó su estilo)
til ) y lle enseño
ñ a “d
“dejar
ja que ell material
at ial hable
habl y se
exprese dentro de un contexto distinto).
ESCULTURAS
Título: “Cabalga
Chalado”
Técnica:
é i maderas
d
ensambladas con
elementos de aluminio
y material recolectado.
Tamaño: 1.50 x 0.40 x
0 80 mts
0.80 t
Año: 1988
Título: “Penetración”
Técnica: maderas
con fierro fundido y
material recolectado
Tamaño: 1.60 x 0.30

x 0.25 mts
Año: 1992
Título: “Primera Rutina”

Técnica: madera con fierro
fundido y material
recolectado
Tamaño: 1.50 x 0.30 x

0 40 mts
0.40
Año: 1989
Marta Colvin
Marta Colvin Andrade nació el 22 de junio de
1907 en Chillan. Fue hija de James Colvin Hurst de origen
irlandés y de Elcira Andrade Rojel de origen portugués.
Con respecto a su talento artístico, se dice que existen dos
fuentes. La primera surge luego su matrimonio con
Fernandod May Didier
idi a los 15 años dde edad,
d d en el Grupo
Tanagra (Conjunto de artistas y aficionados, creado en la
ciudad de Chillán en 1929), que ella ayudó a fundar. La
segundad ffuente
t ffue generada
d por lla profesora
f d
de Artes
At
Plásticas del Liceo de Niñas Chillán "Marta Brunet ",
Noemí Morgue quien la insentivo a incorporarse al mundo
de la escultura.
escultura
A raíz del Terremoto de Chillán se trasladó a Santiago de Chile, donde ingresó a
la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, sus maestros fueron los escultores
Julio Antonio Vásquezy Lorenzo Domínguez. En 1948 viajó becada a París, para continuar
su formación artística en la Academia Grand Chaumiere y en la Sorbonne.
En 1951 fue invitada por el British Council para cursar estudios en la Slade School de la
Universidad de Londres.
En Inglaterra fue alumna del famoso escultor Henry Moore, quien supervisó sus
estudios y le enseñó a valorar la tradición cultural precolombina.
Vivió
i ió por Más
á dde ttreinta
i t años
ñ en Francia,i pero volvió
l ió a Chile
hil para ejercer
j como d
docente
t y
continuar su producción plástica.
En 1943, es profesora auxiliar del Taller de Escultura del maestro Vásquez, en
donde se titula el año 1950.
En el año 1970 recibe el premio nacional de arte. Fallece a los 88 años de edad en
Santiago de Chile el 27 de octubre de 1995. Sus restos fueron trasladados desde el
Cementerio General de Santiago hasta Chillán en Julio del 2007.
Esta increíble mujer fue una de la
renovadoras de la técnica escultórica de a
mediados del siglo XX, que consistía en la
abstracción y reflexión sobre los orígenes del
arte americano precolombino
Preocupada de la “textura de la
forma”, Marta Colvin fue miembro de la
generación del 40,, g
g grupo
p de artistas q
que al
terminar sus estudios realizó exposiciones tanto
nacionales como internacionales. Por otro lado,
este conjunto
j de creadores se preocupo
p p del
desarrollo y la investigación de la plástica
marginándose de la política, hecho que llamó
mucho la atención por el despertar social de ese
entonces.
Dentro de sus mayores influencias se
encuentran Camilo Moris, Luís Oyarzun y
Pablo Buchard además del movimiento
denominado FAUVISMO que reunía un caos de
fformas y colores con ffuertes cargas
g expresivas.
p
Título: “Horizonte Andino”
Técnica: escultura en piedra
Colección: Museo de Artes
Visuales
Título: “Signo Solar”

Técnica: escultura en bronce
Tamaño:
T o 38
8 x 38
8 x 19,5
9, cm.
Año: 1962
Rufino Tamayo
Rufino Arellanes Tamayo. Nació en Oaxaca,
México el 26 de agosto de 1899. En 1917 se inscribió
en la Academia de San Carlos, alternando sus
estudios con la atención de un negocio de frutas en el
mercado de la Merced. Dos años más tarde se dedicó a
pintar
i e iinvestigar
i por su cuenta.
En 1921 fue designado jefe del Departamento
de Dibujo Etnográfico del Museo Nacional de
A
Arqueología.
l í E En 1925
9 5 alquiló
l iló su primer
i estudio
t di en lal
calle de La Soledad, donde pintó “Dos mujeres en la
ventana”, “Paisaje con rocas”, “Reloj y teléfono”, “El
fonógrafo” “Dos
fonógrafo”, Dos niñas mexicanas” y “Pareja
Pareja con
maguey”. En 1926 presentó su primera exposición de
pinturas. Ese mismo año se trasladó a Nueva York,
donde expuso sus obras en el Art Center.
Center Regresó en
1929 y fue profesor en la Escuela de Bellas Artes.
En 1932
9 dirigió
g el Departamento
p de Artes Plásticas de la Secretaría de Educación
Pública. En 1933 realizó un mural en la Escuela Nacional de Música. En los años
siguientes expuso en San Francisco, México, Nueva York, Chicago y Cincinnati, y vivió
y Museum Art School y pintó el mural de la Hillyer
indistintamente en la Brooklyn y Art
Library de Northampton, Massachusetts.
En 1950 viajó a Europa, a tiempo que se instalaba
la Sala Tamayo y en la Bienal de Venecia, acontecimiento
que despertó el interés de los críticos europeos. A esto le
siguieron las exposiciones en la Knoedler Gallery de Nueva
York, la Galerie Beaux Arts de París y el Palais des Beaux
Arts de
d Bruselas.
En septiembre de 1952 recibió el segundo premio de la
Pittsburgh Inernational Exhibition y terminó su primer
murall en ell P
Palacio
l i d de B
Bellas
ll Artes
At d de Mé
México.
i E En 1953
95 se lle
otorgó el gran premio de pintura en la II Bienal de Sao
Paulo, junto con Alfred Mannesier de Francia. Ese mismo
año hizo el mural El Hombre,
Hombre para el Museo de Bellas Artes
de Dallas, y concluyó el segundo en el Palacio de Bellas
Artes.
Esta ccomposición,
mp sició al igigual
al quee la aanterior
te i een el mism
mismo siti
sitio, se refiere
efie e al
nacimiento de la nacionalidad mexicana y contiene una visión del México del presente.
Ambos trabajos fueron hechos con vinylitas sobre tela, técnica que adoptó a partir de
entonces en sustitución del fresco.
entonces, fresco Las obras de este prestigioso pintor se ha expuesto
prácticamente en todo el mundo. Guardan obras suyas los museos de Arte Moderno de
México, París, Nueva York y Río de Janeiro, la Galería Nazionale de Arte Moderna de
Roma el Royale de Bruselas,
Roma, Bruselas los de Cleveland,
Cleveland San Luis Misouri
Misouri, Filadelfia
Filadelfia, Arizona
Arizona,
San Francisco, Cincinnati y Dallas, The New York Public Library, el Bank of the
Southwest de Houston y el barco Shalom , de bandera israelí.
Durante la primera parte de su actividad creativa, Tamayo se apegó a la
perspectiva lineal (“Autorretrato” de 1931). En el curso de su segunda “etapa” tuvo
fuerte influencia de Braque, lo cual es posible captar en “El barquillo de fresa”
(1938). Por último Tamayo decidió rebelarse contra toda atadura y desarrollar su
propio estilo.
Título: “El Hombre ante el Infinito”
Año: 1950
Técnica: Óleo sobre tela.
tela
Museo: Musées Royaux des Beaux-
Arts. Bruselas
Su obra evolucionó de una pintura de pequeñas dimensiones con colores

insensibles a un cromatismo mucho más brillante inspirado en temáticas sociales.
sociales
Además combinó su trabajo en caballete con la pintura mural, ejemplo de esto es “La
revolución” (1938, Museo Nacional de Antropología). Sus obras gozaron de un
reconocimiento internacional, que derivó en encargos para amplias decoraciones
murales como Homenaje a la raza (1952), en París, o México hoy (1953, Palacio de
Bellas Artes, México). Le siguieron otros murales como América (1956, Banco del
Suroeste,, en Houston),
), el de mayor
y envergadura
g q
que ejecutó,
j , y ppara el nuevo
edificio de la UNESCO en París realizó Prometeo (1958) y, posteriormente, Eclipse
total (1977).
En 1943 comenzó a pintar en el arte
abstracto con “La naturaleza y el artista” (Smith
College Collection, Northampton, Massachusetts).
Realizaron dos películas en su nombre y ademas se
inauguró en la ciudad de Oaxaca el Museo de Arte
Prehispánico Rufino Tamayo, con 1300 piezas
coleccionadas y donadas por el artista. Varias
instituciones de enseñanza superior lo han honrado
con ell tít
título
l d
de d
doctor
t Honoris i Causa: lla d
de Manila,
il
en 1974; la Nacional Autónoma de México, en 1979;
y la de San Francisco, Cal. EUA, en 1982. Se le
oto ga o además el P
otorgaron, Premio
emio Nacional
Nacio al de Artes
A tes
(1964) y el Colouste Gulbekian, por el Instituto de
Artes de París (1969); la Legión de Honor de
Francia (1970); el grado de comendador por la
República Italiana (1971); la denominación de Hijo Título: “Mujer alcanzando la
Predilecto, por el gobierno de Oaxaca (1972); la Copa luna”
de Oro de Florencia (1975); una medalla,
medalla por el
Departamento del Distrito Federal (1982), y el Año: 1946 - 47 años
galardón Albert Einstein, por el Technion Institute Técnica: Óleo sobre tela.
dee Israel
e (1983).
( 9 ) Llevó
e ó a caboo exposiciones
expo o e Tamaño: 92 x 66 cm.
individuales en todo el mundo. Murió el 25 de junio Museo: Cleveland Mueum of
de 1991. Art. Cleveland
Obras
Título: “Autorretrato”
Año: 1967
Té i a Óleo
Técnica: Óle sobre
b e tela.
tela
Museo: Museo de Arte Moderno. México
Título: “El hombre del bastón”

Año 1966
Año:
Técnica: Óleo sobre tela.
Museo: Colección Roberto García Mora
Mora. México
Joaquín Roca-Rey
y
Nació el 27 de enero de 1923
en Lima. Cursó estudios en la Escuela
Nacional de Bellas Artes para luego
ejercer como docente en la misma.
Posteriormente ffue pprofesor
f en la
Escuela de Arte de la Universidad
Católica y en la Facultad de
Arquitectura de Lima.
Durante sus estudios, trabajó
en los talleres de Victorio Macho y Jorge
de Otieza. Tras sus primeras
exposiciones individuales, en Lima, los
años 1948 y 1952, y París en 1951,
recibió el Premio Nacional de Escultura
en 1952.
9
En 1963 se trasladó a Roma.
Entre las muestras que presentó a lo
largo de su carrera se cuentan 38
personales y 150 colectivas en
Argentina, Austria, Bélgica, Brasil,
Colombia Francia,
Colombia, Francia Japón,
Japón Grecia,
Grecia
Inglaterra, Italia, México, Perú, España, Libertador Simón Bolívar
Hungría, Estados Unidos y Venezuela;
ha participado también en las Bienales de Barcelona, Cali, Carrara, Lima,
Madrid México
Madrid, México, Osaka
Osaka, París
París, Sao Paulo
Paulo, Trujillo
Trujillo, Toyamura,
Toyamura Viena y Venecia.
Venecia
Joaquín Roca Rey murió en el año 2004.
La primera etapa que vivió como

escultor se caracterizó por la realización de
obras realistas dentro de las cuales e
encuentran cinco estatuas de santos para la
Catedral de Lima. Luego su estilo se aparto
del realismo, buscando formas puras y la
b
belleza expresiva
i d del movimiento.
i i También
bié es
importante destacar que su obra refleja la
influencia de H. Moore, artísta y ecultor
i l autor
ingles, t dde llos monumentos t “Al
prisionero político desconocido” (obra
formada por un conjunto de quince figuras,
Panamá 1956) y al inca “Garcilaso
Panamá, Garcilaso de la
Vega” (1967) y del Pórtico del cementerio de
“El Ángel”, en Lima. Título: The Hairless dog
Téc ica escultura
Técnica: esc lt a de bronce
b ce
• Influencia precolombina.
Título: “Ritmo En Tres”
Técnica: Bronce fundido
“Gráfica Policroma”
Grabado realizado ppor encargo
g de la Condesa Maria Fede Caproni
p en 1990,
99 ppara
conmemorar, con un año de anticipación, los 80 años de la hazaña y muerte de Jorge
Chávez en Domodossola, habiendo sido el primer vuelo histórico que logró superar los Alpes.
Aparece así sobre sus cumbres un angel con una corona de laureles en la mano para
coronarlo mientras en tierra (sobre la derecha) aparece ya la imagen de la muerte que le robo
la vida.
Antonio Canova
Escultor italiano nacido el 1 de
noviembre del año 1757 en “Possagno”, Italia.
Su abuelo, aficionado al arte escultórico fue
quien potencio el despertar de su talento. El
senador “Giovanni Falier” cumplió un rol
fundamental en su vida como artista, ya que
pago sus estudios en el obrador “il Torritti”.
Recibió
ibió clases
l en lla Academia
d i y
frecuentó el taller del escultor “Antonio d’Este”
hasta que en 1772 obtiene un segundo premio
académico.
académic
Al año siguiente, la obra “Orfeo y
Eurídice”, encargado por su protector Falier, fue
expuesto en la plaza de San Marcos causando
un increíble impacto en un miembro de la
familia Grimaldi que le encarga una réplica.
En sus visitas a Roma conoció el arte
clásico y, después de instalarse en esta ciudad
en 1781, fomentó la recuperación de los estilos
o
romano oyg griego
ego antiguos.
g o
Sus obras como las tumbas del papa Clemente XIV (que comenzó en
1784,
7 , iglesia
g de los Santos Apóstoles,
p , Roma)) y la del ppapa
p Clemente XIII (q
(que
comenzó en 1787, San Pedro, Roma) y su Perseo (1801, Museo Metropolitano de
Arte, Nueva York), le dieron el reconocimiento de el escultor neoclásico más
importante
p de la época.
p
Recibió encargos de Napoleón, como el de la famosa Paulina Bonaparte

Borghese y Venus (1805-1807, Galería Borghese, Roma). Tras la caída de
Napoleón, fue enviado por el Papa a París para recuperar los tesoros artísticos
arrebatados al patrimonio italiano, por lo que recibió el título de marqués de
Ischia. Falleció en Venecia el 12 de octubre de 1822.
Obras
Orfeo y Eurídice (1773)
Grupo escultórico de Dédalo e Ícaro (1779)
Apolo coronándose a sí mismo (1781)
Teseo vencedor del Minotauro (1783)
La Meliceci del Moiete (1782)
Tumba del papa Clemente XIV (1784)
Tumbab del
d papa Clemente XIII (1792)
( )
Mo
Monumento
e o ffúnebre
ebre de María
M r Cristina
r
de Austria (1798-1805)
Estatua de Esculapio
Perseo con la cabeza de Medusa (1801)
Monumento fúnebre de Vittorio Alfieri
(1804-1810)
Busto de Napoleón
p Bonaparte
p
Napoleón como Marte Pacificador o
Napoleón divinizado (1806), Londres,
Apsley House
Paulina Bonaparte (1807), Roma,
Galería Borghese
Hércules y Lichas (1815)
Las tres Gracias
i ((1816),) versiones
i en
San Petersburgo (Ermitage) y Londres
(Victoria and Albert Museum)
Hebe (1816)
(1816), F Forlì
lì
Venus y Adonis
Título: Eros
(Cupido) y
Psique o El
amor de
Psique
Año: 1793
Lugar:
gar: París,
Museo del
Louvre
Título: Napoleón divinizado
Técnica: escultura en bronce
Lugar: patio de la Pinacoteca de
Brera Milá
Brera, Milán.
• Ejemplo de inspiración en los
modelos clásicos grecorromanos
por parte de este escultor
neoclasicista
V2

Alexander Calder
internacional
Alexander Calder
• Escultor, nace en Filadelfia

en 1898. Ingeniero mecánico
graduado en 1919,comenzó a
estudiar dibujo en 1922, en
Nueva York, asistiendo más tarde a los
cursos del Art Students League.
League En 1926 se
marcha a París, donde comienza a construir
pequeños circos, con figuras de acróbatas y
bailarinas realizadas en madera y metal
metal, que
unía con alambres y que más tarde se
transformarían en Esculturas. Calder muere
en 1976.
1976
Aunque Calder debe su reputación a sus "móviles"y "stabiles",
en su última época realizó una gran cantidad de pinturas y
dibujos, casi todas gouaches (sobre papel).
Móviles de Calder
Los móviles de Calder (así
denominados por el artista dadá
denominados por el artista dadá
francés Marcel Duchamp) son
estructuras de formas orgánicas
abs ac as, suspe d das e e
abstractas, suspendidas en el
aire, que se balancean
suavemente. Los estables, son
q
formas abstractas inmóviles que,
por lo general, sugieren formas
animales en tono humorístico.
Aunque sus esculturas de piedra,
madera y bronce, así como sus
dibujos y pinturas de la última
época, son importantes, la
reputación de Calder se debe
ó d ld d b
principalmente a sus móviles y
estables.
Exposiciones
• Circos serían exhibidos Una serie de obras de Alexander Calder
en el Salón de que se encuentran en colecciones chilenas,
Humoristas, en París en complementadas con un homenaje al
1927. Al año siguiente destacado artista estadounidense a
realiza su primera cargo de un grupo de orfebres
muestra individual
i di id l en la
l contemporáneos de nuestro país, se
Galería Weyhe de Nueva presentan en una gran exposición que
York abre en marzo la Temporada Plástica 2007
después de unirse al de la Corporación Cultural de Las Condes.
grupo Abstracción-
Ab t ió
Creación, exhibiría sus
primeras esculturas
abstractas, y
ensamblajes movidos
por pequeños motores.
"Constelación vertical con
h
hueso amarillo" (1947),
ill " ( )
Nueva York.
Obras
Ob
"Flamingo"
Flamingo (1974). Chicago.
Lorenzo Dominguez
g nacional
Lorenzo Domínguez
• Lorenzo Domínguez nace en Santiago
g g
de Chile en 1901. Transcurre casi toda
su infancia y su adolescencia en
Santiago, pero siendo niño permanece
un año estudiando en un colegio de
Málaga, en el Sur de España. Durante
su juventud, Lorenzo Domínguez viaja
por segunda vez a España, donde vive
once años en Madrid y donde se inicia y
forma como escultor (1920‐1931). A los
treinta años regresa a Santiago de
i ñ S i d
Chile, donde continúa esculpiendo y
donde enseñará su arte por los
próximos siete años en la Escuela de
ó i i t ñ l E l d
Bellas Artes de Santiago (1931‐1938)
• Regresa a Santiago de Chile donde retoma su cátedra de
escultura y donde vive, trabaja y enseña por los próximos dos
años (1939‐1941). A los cuarenta se traslada a Argentina, donde
vive y trabaja en las ciudades de Mendoza y Tucumán (1941‐
y j y (
1963). En estas dos ciudades realizará la mayor parte de sus
esculturas y dibujos, y la totalidad de sus metales, mientras
y y
enseña escultura en las Universidades Nacionales de Cuyo y de
Tucumán. A los cincuenta y ocho años, Lorenzo Domínguez
realiza un sueño artístico que lo había acompañado toda su vida,
y viaja a la Isla de Pascua o
y viaja a la Isla de Pascua o "Rapa
Rapa Nui
Nui",, donde reside durante
donde reside durante
trece meses, creando algunos de sus grandes dibujos y
esculturas y estudiando los tesoros artísticos de la Isla (1960‐
1961). En febrero de 1961 regresa a Argentina, a Mendoza,
1961). En febrero de 1961 regresa a Argentina, a Mendoza,
donde transcurre un período de creación intensa, y donde
muere dos años después, el 21 de marzo de 1963.
Diario de Isla De Pascua
Diario de Isla De Pascua
El encuentro con los moais
El encuentro con los moais y y
petroglifos de la Isla de Pascua no
fue sentido por Lorenzo
g
Domínguez como la
incorporación de un elemento
extraño, sino como una absoluta
continuidad: a sus ojos, la Isla de
Pascua con sus piedras que
Pascua, con sus piedras que
"parecen esculturas" y sus
esculturas que parecen "simples
p
piedras" da forma al sueño de
"Miguel Ángel, que aspiraba a
esculpir montañas" ", (Lorenzo
Domínguez, Diario de la Isla de
Pascua Cuadernos 1960 1961 9
Pascua, Cuadernos 1960‐1961, 9
de marzo de 1960.
Producción artística: esculturas, planchas de metal batido y dibujos
Lorenzo Domínguez completó 252 esculturas que han sido fotografiadas y
descriptas en el Catálogo General de 1998 que se encuentra en Internet.
Lorenzo Domínguez, Los Pájaros
Lorenzo Domínguez, Los Pájaros
o El Beso, 1961,
cobre batido.
El Poeta Ramponi, Mendoza,
Argentina, 1943
des.: Cabeza
mat.: Cemento rojo
Lorenzo Domínguez, El Prisionero
dim.: 35 cm.
Político Desconocido, 1952, loc.: Casa del artista, Mendoza, Argentina
.
piedra roja.
Stuart Davis
internacional
Stuart Davis
Pintor estadounidense. De 1910 a 1913 estudia en Nueva
York con Robert Henri
Henri, trabajando como ilustrador desde
1913 en la revista Mases, editada por Max Eastman.En
1928 viaja a París y a su regreso introduce aspectos del
cubismo sintético en sus cuadros: formas del entorno de la
vida americana estructuradas como un cartel de contornos
precisos y manchas de color contrastadas, tal y como se
aprecia en House and Street (Whitney Mus. of American
Art 1931)
Art, 1931). Davis es uno
de los pintores norteamericanos que
mejor entendió los principios del
cubismo,
bi comprendiendo
di d lla
necesidad de terminar con
la ilusión de una tercera dimensión.
• . Davis es considerado como un integrante de
Davis es considerado como un integrante de
la figura del arte moderno americano,
ayudando a crear un estilo distintivo y apoyar
d d til di ti ti
el desarrollo posterior de artistas como Gorky
y de Kooning.
Davis observa y se siente atraído
por diferentes movimientos, como
el postimpresionismo, el fauvismo
y el cubismo
l bi
Fue durante la década de
1920 que comenzó a pintar
Exposiciones en un Estilo
E til CCubista
bi t
La extraordinaria luz,
combinada con la amplia
gama de imágenes
(luces de señales,
signos de almacén,
rayas boyas y bombas
d gas)) que fformaron
de
sus trabajos
• Con 19 años expone en el

Armory Show cinco acuarelas
que se decantan por un realismo
simplificado.
i lifi d
• En 1917 en la galería de
Sheridan Square
Square, Nueva York
York,
Davis tuvo su primera exposición
individual exhibiendo sus
acuarelas y dibujos.
j
Obras
STUART DAVIS
STUART DAVIS
(América, 1892‐1964)
Litografía sobre papel crema tejió
Óleo sobre lienzo
Adquisición en m de Ory
John de Menil, Síndico, Amon
Carter Museum, 1961‐1969
1967,195
Juan Diaz Fleming
gnacional
Biografía
• Juan Díaz Fleming, Licenciado en

Artes Plásticas con Mención en
Escultura de la Escuela de Bellas
Artes, realiza estudios artísticos
en la Escuela de Artes Aplicadas de la Universidad de Chile
en Santiago y en el Centro de Perfeccionamiento del
Ministerio de Educación, destacándose entre sus maestros
a Samuel Román Rojas, Premio Nacional de Arte.
En 1983 es becado a Taiwán para realizar
perfeccionamiento
f i i t en técnicas
té i cerámicas.
á i Actualmente
A t l t es
académico y Profesor Titular del Centro de Artes de la
Universidad de Tarapacá de Arica, donde tiene a su cargo el
Taller de Cerámica y Cátedra de Escultura, realizando en él
la mayor parte de su creación artística y actividades de
extensión a la Comunidad.
Premios Reconocimientos
• Medalla de Oro y Premio Presidente de la República, 4º Salón Oficial de
Invierno, Valparaíso, 1968
• 1er Premio de Escultura Salón de Verano Viña del Mar 1970
1er Premio de Escultura, Salón de Verano, Viña del Mar, 1970
• Premio de Honor, 1ª Bienal Internacional de Arte, Valparaíso, 1973
• 1ª Medalla Escultura y Distinción de Honor APECH, Certamen Nacional
de artes Plásticas Santiago 1976
de artes Plásticas, Santiago, 1976
• 1º Premio Escultura, Certamen Nacional de artes Plásticas, Santiago,
1981
• Mención Honrosa Concurso Victimas del Descubrimiento de América
Mención Honrosa, Concurso Victimas del Descubrimiento de América,
Florianópolis, Brasil, 1994
Museos y Colecciones
Algunas de sus obras forman parte de las Colecciones
Al d b f t d l C l i
Artísticas de los Museos de Bellas Artes de Valparaíso,
Museo de Arte Contemporáneo de Santiago, Instituto
N i
Nacional de la Cultura del Perú, Universidad Complutense de
l d l C lt d lP ú U i id d C l t d
Madrid, Universidad de Talca, Universidad de Tarapacá,
Museo de arte Moderno de Quito y Museo CIDAP ‐ OEA de
C
Cuenca, Ecuador y Museo de arte Moderno de la
E d M d M d d l
Universidad Estatal de Santa Catalina en Florianópolis, Brasil
La trayectoria artística de Diaz Fleming y el análisis de sus
obras se incluyen en los textos "Introducción a la Escultura
Chilena" de Enrique Melcherts e "Historia de la Escultura de
Chile" de Víctor Carvacho H.
• “El objet
objetivo
o principal
p c pa es lograr
og a una
u a interacción
te acc ó entre
e t e la
a
obra y el espectador”, anuncia Juan Díaz Flemming, el
ilustre creador de las Presencias Tutelares, quien ha
lanzado su exposición retrospectiva de forma participativa:
“Póngale Nomb
Nombree a la Ob
Obra”.
a” “Pa
“Para
a el a
artista
tista es re
e
importante saber si llega el público a la obra, o no”
Nicolas Cordier internacional
Biografía Nicolás Cordier
• Nació
N ió en Saint-Mihiel,
S i t Mihi l Francia.
F i Pintor
Pi t y escultor
lt manierista,
i i t
estilo que para esa época era popular en el norte de
Europa. A sus 25 años trabajaba para un noble en Lorraine
y luego emigró a Roma donde desarrolló el resto de su
carrera.
Los trabajos que aun se conservan de Cordier son escasos
pero suficientes para admirar su maestría. En la obra 'Las
T
Tres Gracias',
G i ' ddonde
d ell estilo
til manierista
i i t aplicado
li d a la
l
escultura, alcanza su expresión máxima, se aprecia
claramente la sensibilidad artística del maestro y a la vez,
se puede observar la magnífica habilidad que posee para
tallar el mármol.
Juan Pablo Langlois
g nacional
Juan Pablo Langlois (1936‐) Santiago Escultor
Escultor, instalador y artista visual chileno. Nació
en Santiago el 26 de febrero de 1936
en Santiago el 26 de febrero de 1936.
Los primeros trabajos visuales estuvieron muy relacionados con su
formación de arquitecto y consistieron en indagaciones en torno
al arte óptico, atrapado en la bidimensionalidad de la tela
al arte óptico, atrapado en la bidimensionalidad de la tela.
152
Vida
Escultor, instalador y artista visual chileno. Nació en

Santiago el 26 de febrero de 1936.
Entre los años 1952 y 1962 Estudió arquitectura en la
Pontificia Universidad Católica de Chile y en la Universidad
Católica de Valparaíso. Recibió la influencia de Joseph
Albers, profesor de la Bauhaus en un curso de seis meses
que dictó en nuestro país.
Los primeros trabajos visuales estuvieron muy
relacionados
l i d con su formación
f ió ded arquitecto
i y consistieron
i i
en indagaciones en torno al arte óptico, atrapado en la
bidimensionalidad de la tela.
En 1969 sorprendió a los visitantes del Museo Nacional de

Bellas Artes con la instalación de bolsas de basura rellenas
de papel que unidas entre sí formaron una manga de 300
metros que recorrió todo el edificio. La muestra titulada
Cuerpos Blandos marcó el inicio de su carrera como
153
Trayectoria
Los primeros trabajos visuales estuvieron muy relacionados con su
formación de arquitecto y consistieron en indagaciones en torno al arte
óptico, atrapado en la bidimensionalidad de la tela.
Más tarde evolucionó hacia un arte completamente diferente, donde las
obras transitaron de lo abstracto a lo figurativo y de la escultura a la gráfica.
Langlois a través de todo su trabajo plástico ha mantenido una constante
en la cual el valor de su obra ha residido en la idea y su acción creadora, en
y ,
la que relaciona temas, materiales y procesos de la cultura popular, y que se
expresa a través de un arte efímero, donde ni el oficio o técnica, ni el
soporte son importantes.
154
En 1969 en el Museo de Bellas Artes, presentó la Exposición "Cuerpos
blandos", donde una manga de polietileno de 300 metros de longitud,
rellena con papel de diario recorrió las instalaciones del museo.
En 1971, en el mismo museo presentó una serie de pedestales realizados
en poliestireno forrado en género o pintado. En 1972 y 1973 realizó una
li i f d é i d E li ó
serie de objetos: muebles, ropa, flores, libros, comida recién preparada,
sometidos a un baño de resina plástica de secado rápido, que expuso en
el M seo de Bellas Artes
el Museo de Bellas Artes.
Entre 1973 y 1979 su trabajo se centró en figuras hechas en papel de
diario y cola, representaciones a escala natural de figuras humanas y
animales automóviles y árboles fachadas de casas y objetos
animales, automóviles y árboles, fachadas de casas y objetos.
En 1979 abandonó temporalmente la escultura y su trabajo se concentró
en una serie de obras de naturaleza variada como "El colchón amatorio",
donde un colchón el del artista fue soporte de una serie de textos
donde un colchón, el del artista, fue soporte de una serie de textos
extraídos de canciones populares y telenovelas; "El carnet sentimental",
una serie de intervenciones hechas sobre el carnet , sobreponiéndole
frases y dibujos; El pan , Exposición en la que el artista presentó 21 tipos
frases y dibujos; "El pan", Exposición en la que el artista presentó 21 tipos
de pan dispuestos sobre bandejas debidamente rotuladas, cada pan
estaba pintado a mano y timbrado con anilina comestible para ser
consumidos por los asistentes.
p
155
En 1987 comenzó a trabajar con plasticina, realizando
una serie de figuras: lechugas, ratones, discos, libros,
patas de gallina, zapatos, etc, que reprodujo en series
hechas a mano.
En 1990 presentó en los muros exteriores del Museo de
B ll Artes,
Bellas At con la
l ocasión
ió ded la
l Exposición
E i ió Museo
M
Abierto, la obra "Diarios de Vida Recortados" con 600
fotocopias de 20 x 20 cms. con imágenes extraídas de
diarios nacionales.
nacionales
En 1997 presentó en el Museo Nacional de Bellas Artes
su Exposición "Miss", donde ratones y pescados
esculpidos en papel de diario y cola fría, fría palos de
ciruelo, hombres de cúbito dorsal, mujeres onas,
bustos, serpientes calaveras y corazones de Jesús
fueron expuestos de una manera donde lo cómico se
insertó en lo serio, lo grotesco en lo trágico, lo puro en
lo impuro y lo feo en lo bello, gesto recurrente en todas
las obras de Langlois
g Vicuña.
156
Arp Jan
p internacional
Arp Jan (Hans) (1886‐1966) Francia Pintor y escultor
Hans Peter Wilhelm Arp nació en

Estrasburgo, dominio alemán entre 1870 y
1918. Arp tuvo nacionalidad alemana
basta que en 1926 adquirió la francesa y
empezo a usar ell nombreb de
d Jean,
J por ell
que también se le conoce. Pronto
manifiesta inclinaciones artísticas y se
matri la en la Escuela
matricula Es ela de Artes y Oficios
Ofi ios
en 1900, donde muestra tan poco gusto
por la disciplina académica como antes en
el Liceo; Su interés por las artes es
paralelo a su pasión por la poesía ‐sobre
todo por los románticos alemanes‐, en la
que se inicia en los años escolares y que
practica toda su vida en sus dos lenguas.
(Alemán y Francés).
158
En 1903 publica sus primeros
poemas y realiza una abundante
obra pictórica y escultórica de la
que apenas hay rastros. En 1904
pasa una temporada en Paris,
pero su padre prefiere que
continúe su formación en
Weimar, en cuya Academia,
dirigida por Henry van de Velde,
se matricula al final de ese año.
Por mediación de Van de Velde
expone en la galería Bemheim‐
Jeune de Paris con Matisse,
Signac y Van Dongen en 1907 y,
un año después, se inscribe en la
Academia Julian y frecuenta los
ambientes
b artísticos
í d la
de l capitall
francesa.
159
AI mismo tiempo p
Con el fin de la guerra, Dada se establece lazos con
extiende a Francia y Alemania. Arp la vanguardia
participa en 1920 en la célebre constructivista a
exposición
ó dadaista
d d d Colonia
de l con traves de El Lissitzky
Baargeld y Marx Ernst ‐con quien ‐al que conoce en
colaborara en una serie de collages Berlin en 1920‐ 0
genericamente
i t llamados
ll d F t
Fatagaga‐, Kurt Schwitters ‐en
así como en la no menos célebre y Hannover, siete
sonada Feria Dadá de Berlin. Ese años más tarde‐. La
mismo año conoce a Breton, Breton Bauhaus
h convoca
Soupault y Aragon, los poetas que un congreso en
recogen el legado Dadá en Paris y a Weimar en 1922
los que se suman viejos conocidos d d
donde t t
trata a
de Zurich como Tzara y Picabia. Arp Moholy‐Nagy o Van
colabora en diversas revistas e Doesburg, en cuya
iniciativas de vanguardia con revista De Stijl
poemas, collages y obra gráfica. también colabora.
160
Del nucleo Dadá de Paris surge en
1924 el surrealismo, ferreamente
capitaneado por Andre Breton.
Arp se suma al grupo y figura en la
exposición inaugural de 1925.
Durante toda su vida se mantuvo
unido a los surrealistas,, aunque
q se
cuidara de tomar distancias de sus
comportamientos mas sectarios y
no rompiera sus vínculos con el
sector analítico y constructivo de
la vanguardia.
Esa versatilidad e independencia

p se manifiestan en su p
participación,
p , siempre
p con Sophie
p
Taeuber, en Cercle et Carre en 1930 y Abstraction‐Creation entre 1931 y 1934, grupos que
defienden la abstracción geométrica. Desde los años veinte, Arp simultanea el collage y la
obra gráfica con el relieve y, a partir de los años cuarenta, la escultura centra la mayor
parte de su dedicación.
161
LLos años
ñ de d la
l Segunda
S d Guerra
G M di l que
Mundial,
pasa primero en Grasse, al sur de Francia, y
luego en Suiza, son difíciles, sobre todo por la
inesperada muerte de Sophie,
Sophie que lo sume en
la desolación. Serán, sin embargo, los años de
la postguerra los que consagren su fama
universal con antológicas Como la de Nueva
York de 1958 o la de Paris de 1962. Le
acompaña en esta última epoca Marguerite
Hagenbach, con la que se casa en 1959. Tras su
muerte, Marguerite realizaria la voluntad del
artista de ver su obra reunida con la de Sophie
en una fundación,, constituida en 1979 en la
casa de Meudon‐Clamart que habia hecho
construir en 1926 siguiendo los pIanos
elaborados por su primera mujer.
162
Ernst Barlach internacional
Ernst Barlach (1870‐1938) Alemania Escultor
(1870 1938) Alemania Escultor
Escultor expresionista y dramaturgo alemán,

nacido en Wedel. Trabajó en madera, terracota,
porcelana y bronce. Recibió la influencia del
artista francés Honoré Daumier, del escultor
belga Constantin Meunier y, tras un viaje a
Jarkiv, Rusia, en 1906, de los talladores de
madera rusos.
rusos Realizó monumentos en
memoria de los soldados muertos durante la I
Guerra Mundial para varias ciudades alemanas.
164
Fue uno de los pocos escultores del siglo XX que talló obras monumentales en
madera, como Pastor en una tormenta (1908, Kunsthalle, Bremen). También hizo
, 9 , ,
numerosos bustos e ilustraciones (xilografías y dibujos) para libros. Fue perseguido
por los nazis, que destruyeron muchas de sus obras en la década de 1930. El
monumento El guerrero del espíritu (1928), de la ciudad de Kiel, que había sido
mutilado por los nazis, fue restaurado en 1954. Tras alcanzar el reconocimiento
como escultor, Barlach también escribió obras de teatro. Entre las más conocidas,
algunas ilustradas por él mismo, se encuentran El pobre primo (1918) y El diluvio
(1924)
165
166
167
168
Fidias clasico
Fidias (498‐432 Antes de Cristo)
Fidias (c.490‐c.430 a.C.), arquitecto, pintor y escultor griego del
Fidi ( 490 430 C ) it t i t lt i d l
periodo clásico, destaca por su exquisita perfección en el
tratamiento de la forma, el volumen y la expresión de sus
estructuras.
estructuras
170
Dado que la mayor parte de sus trabajos originales han
desaparecido,
p el conocimiento de su obra es p
posible ggracias a
las descripciones que de la misma hicieron los escritores
antiguos.
Su primer encargo conocido fue un monumental grupo escultórico en bronce

representando a los héroes nacionales con el general Milcíades el Joven como figura
principal.
171
El estadista ateniense Pericles le encomendó
tanto la supervisión de todas las obras públicas
como la realización de cuantas estatuas debían
erigirse en la ciudad.
172
Fidias dirigió las obras de construcción de los Propileos,
Propileos que eran la entrada
monumental a la Acrópolis, y del Partenón. Para el interior de este último
edificio realizó, en oro y marfil (criselefantina) la monumental estatua de Atenea,
diosa de la sabiduría y protectora de Atenas.
La colosal estatua de Zeus,

Zeus padre de los dioses,
dioses que estaba ubicado en Olimpia,
Olimpia está
considerada como su obra maestra. Los últimos años de la vida de Fidias están
plagados de conflictos. Los enemigos de Pericles le acusaron de apropiarse del oro que
había recibido para levantar la estatua de Atenea.
173
Al parecer murió en prisión o según otra versión, en el destierro. Una tercera
fuente de información afirma que le fue levantado el cargo de malversación,
pero se le condenó sin piedad por haber esculpido su retrato y el de Pericles en
el escudo dorado que portaba la estatua de Atenea.
174
Gaspar Galaz
p nacional
Gaspar Galaz, escultor e historiador
del arte, nació un 19 de abril de 1941, G
A
en Santiago.
Sus estudios los realizo en la escuela
de arte de la universidad católica, S
entre los años 1960 y 1965. tuvo como
profesores a los escultores Alejandro
profesores a los escultores Alejandro
rubio, Paul Harris y rosa vicuña.
P
demás de su actividad como escultor,
A
ejerce la docencia en dicha escuela,
como profesor de escultura, y en el
R
instituto de estética de la misma
universidad, como investigador y
profesor de historia del arte.
Miembro de numero de la G
academia de bellas artes y
miembro del consejo de A
monumentos nacionales.
El arco.
Ensayista, critico, de arte y
curador.
L
Bronce 85 x 20 x 45
Bronce, 85 x 20 x 45 Escultor
scu o cocon varias
a as eexposiciones
pos c o es
en chile y en el extranjero.
A
cms.
1996 Z
Técnica de
trabajo
Trabaja tanto en madera como en metal, el
cual es, por lo general, bronce. El circulo.
Madera, 33 x 29 x 4 cms.
Con estos materiales explora en la 1996
composición de formas que poseen
elementos reconocibles como orgánicos y
mecánicos, a la vez. Sus primeros trabajos
consistieron en la talla directa sobre madera,
sin boceto previo, con lo que se aproximó a
la figura humana, representada rudimentaria
y esquemáticamente.
De este modo, Galaz dejó que el material
hablara por sí mismo, evidenciando sus
hablara por sí mismo, evidenciando sus
cualidades sensibles por sobre el contenido
intelectual.
Hacia los sueños.
Bronce, 145 x
Hacia una segunda etapa, el escultor decidió
H i d t l lt d idió
explotar las posibilidades que otorga el 100 x 70 cms.
ensamble de tablas de madera, hecho que 1998
permite organizar volúmenes, a partir de un
t b j
trabajo constructivo que exige mayor control
t ti i t l
de las formas: debe diseñar previamente la
estructura esencial y sólo después dejar
liberar las diversas texturas.
Realiza aquí, entonces, esa simbiosis entre
maquinaria y organismo
maquinaria y organismo.
En algunas esculturas , el enfrentamiento se
produce al interior de la pieza única y en
produce al interior de la pieza única y, en Parejas de lados
Parejas de lados
otras, separando los volúmenes que opuestos.
constituyen la obra. Bronce, 54 x 80 x 23
cms.
En sus obras, hay, por lo tanto, un dualismo 1995.
de fuerzas antagónicas en significado y
dirección: formas orgánicas que se repliegan
y que comparten espacio con formas
t i f
mecánicas de tendencia centrífuga.
En sus obras mas recientes, tiende a atenuar
En sus obras mas recientes tiende a atenuar
el rigor racional, debido a un trabajo mas
directo con los volúmenes virtuales, con los
vacios que dinamizan especialmente la obra.
La nave.
Madera, 60 x 35 x
25 cms.
1996.
“Toda mi obra escultórica posee una carga emocional y
P racional muy fuerte y tal vez el referente inmediato sea la
A multiplicidad de reflexiones e inquietudes que se van
conjugando en el proceso creativo que intentara, desde
L un comienzo, expresar la conjunción entre el análisis del
lenguaje escultóricos y las ideas sobre el mundo: y es que
A mi obra se relaciona íntimamente conmigo en lo
existencial, lo emocional y lo sentimental.”
B
R Mis esculturas van generando una tención que deriva de
“Mis
Circulo y bandera.
Madera, 60 x 38 x 27.
A los opuestos y una de las mas notables es la que cita al
1996
hombre y a la maquina-especie de simbiosis entre
S humanidad y tecnología- un cierto rasgo antropomórfico.
Con estas oposiciones formales mi quehacer escultóricos
habla sobre ese profundo misterio que es el hombre por
Hombre‐carro
D imponerse sobre la alienación de si mismo, y en esta
aporto, también, a la humanidad de este hombre.” Madera, 130 x 50 x 65 cms.
E 1997
“Mis esculturas hablan del hombre y la mujer, de lo

G orgánico y de lo mecánico, de la tecnología y de la
industria de la sexualidad y de la vida , del dialogo entre
industria,
A los opuestos- lo positivo y lo negativo-, los llenos y los
vacios ; lo entrante y lo saliente, el recibir y el dar, en fin,
L el encuentro y el desencuentro.”
A Sacado del libro “Gaspar Galaz, esculturas recientes”
Z Artespacio.
Síntesis de una obra
Monumento publico.
Material: acero revestido en bronce .
Ubicación: mercado central.
La obra titulada instrumento de precisión , se inscribe en la

línea de la escultura urbana , que a partir de la composición
en fierro rompe radicalmente con la tradición de los
monumentos conmemorativos .
El propósito, no es la conmemoración sino- como dice el
mismo autor – la entretención y la provocación en el
caminante_ espectador de una distracción de un pasaje a la
fantasía y de un corte en la vida cotidiana que permite
reflexionar sobre la vida y sus misterios.
No busca en su obra una correspondencia con la realidad.
Aunque la escultura de 9 7 metros de alto
9,7 alto, disimule un
trípode, con sus tres patas ascendentes y convergentes , o
parezca un instrumento verdadero por su forma y detalles,
queda, no obstante, en evidencia, que se trata de un juego
entre lo acabado y lo inacabado de la idea.
La aparente exactitud de la primera engaña y la duda
acerca de la segunda, o la necesidad de Saber de que tipo
de instrumento se trata
trata, terminar transformando la obra en
un objeto de creación, sin olvidar la sugerente silla, ubicada
a poca distancia y que forma parte de la semántica de la
obra .
Lily Garafulic
y nacional
Lily Garafulic.
Escultora, hija de croatas, nació en Antofagasta, el 14 de
mayo
mayo de 1914.
de 1914
Unas de las alumnas mas aventajadas del taller de
Lorenzo Domínguez fue Garafulic.
En 1934 ingreso a la escuela de Bellas artes y dos años
En 1934 ingreso a la escuela de Bellas artes y dos años
después es nombrada ayudante .
Tomó contacto con Brancusi, importante escultor que
conoció en Europa en 1938. En 1944 fue becada a
Nueva York donde continuó su formación en la New
School of Social Research. Ese año es la Primera
mujer en realizar una exposición individual de
escultura en el Instituto Chileno Británico de Chile
escultura en el Instituto Chileno‐Británico de Chile.
Fue designada Directora del Museo Nacional de Bellas
Artes en 1973, cargo que desempeñó hasta 1977.
Fue elegida Representante de Chile ante la Unesco,
g p ,
en la Asociación Internacional de Artes Plásticas.
Activa hasta hoy, pese a su avanzada edad, ha
realizado gran cantidad de exposiciones individuales
y colectivas en varios países del mundo.
l ti i í d l d
Sus obras que ingresan
g en el dominio de la autonomía de los medios y en la libertad de la
forma respecto a cualquier referencia temática. Concepto como ritmo, equilibrio , tención,
reposo, movimiento, definen las obras que constituyen este campo de acción. La otra línea
esta dirigida en otro sentido: el volumen pareciera escapar, en cierto modo, al control de la
mente y de la mano,
mano al oficio secular del escultor , a los materiales nobles
nobles. El volumen
volumen, que
ahora acepta extraños e innobles materiales, que se hace expansivo, que acusa la
presencia de espacios virtuales, lleva consigo una implícita y expresiva significación: su
brutal elementalidad.
Noviembre.
Técnicas y trabajo.
• Su obra inicial la realizada en terracota, mármol,
piedra y bronce, con retratos y bustos que, por
lo general, se someten a la representación
figurativa del modelo.
• A comienzos de los años sesenta, su obra
adquiere un carácter doblemente nuevo, a
partir de un viaje realizado a Isla de Pascua:
cambia su modo de sentir la escultura y busca
materiales nuevos como las maderas
carcomidas a las que incrusta virutas de metal,
soldaduras y pernos, ejerciendo, de este modo,
toda una innovación para la época.
• Desde 1965, utilizó restos de fundición, con lo
que co s gu ó e t a as te tu as: e o u e
que consiguió extrañas texturas: el volumen
acepta materiales poco comunes, haciéndose
expansivo y acusando la presencia de espacios
virtuales.
• También ha realizado su obra en bronce
También ha realizado su obra en bronce,
mármol, arcilla y piedra, en las que la perfección
radica en obras que trasgreden su aparente
hermetismo.
• Paralelamente, trabaja una línea de ensamblaje,
Paralelamente trabaja una línea de ensamblaje
con la superficie en bruto de maderas con metal
y otra en donde trabaja superficies pulidas y
formas depuradas.
Premios y distinciones
3º Premio del Salón Oficial. Santiago de Chile.
3º P i d l S ló Ofi i l S ti d Chil Premio "Rebeca Matte" de escultura, Salón de
P i "R b M tt " d lt S ló d
1936. Verano. Viñas del Mar. Chile.1961.
2º Medalla IV Centenario de la Ciudad Mención Honrosa IX Bienal de Sao Paulo,
Valparaíso, Chile. 1937. Brasil.1963.
2º Premio de Escultura, VIII Salón de Verano, Premio Circulo de Críticos de Arte de Chile.
Viña del Mar, Chile 1940. Santiago de Chile.1985.
1º Premio de Escultura, IV Centenario Fundación Premio "Rebeca Matte", Ministerio de
de Santiago. Chile. 1941.
de Santiago. Chile. 1941. Educación. Santiago de Chile.1992
Educación. Santiago de Chile.1992
2 Premio de Escultura LIV Salón Oficial. Santiago Premio Nacional de Artes Plásticas. 1995.
de Chile 1942. Distinguida como Profesora Emérita de la
1º Premio Salón de Verano. Viña del Mar, Chile. Universidad de Chile 1997.
1943
1º Premio Dibujo y Grabado Salón Oficial
Santiago de Chile. 1945.
1º Premio Escultura, Salón Oficial. Santiago de
Chile.1947
Premio de Honor LXIV Salón Oficial. Santiago de
Chile.1953.
premio de la Bienal de Sao Paulo celebrada en
premio de la Bienal de Sao Paulo, celebrada en
1953 Dos mundos.
Ojo de Dios.
Exposiciones individuales.
Instituto de Arte Latinoamericano, Santiago de
, g
EEsculturas y Dibujos Instituto Chileno‐Británico
lt Dib j I tit t Chil B itá i
Chile. 1967.
de Cultura. Santiago (Chile) 1944.
Esculturas, Casa de la Cultura, Ministerio de
Esculturas, dibujos y grabados Instituto de
Educación Santiago de Chile 1969
Educación. Santiago de Chile. 1969.
Extensión Artes Plásticas. Universidad de Chile.
Santiago (Chile.) 1947.
Esculturas en bronce y algunos dibujos, Galería
Plástica 3. Santiago de Chile. 1983
Mosaicos Sala del Pacífico. Santiago (Chile)
Mosaicos Sala del Pacífico Santiago (Chile)
1949.
Retrospectiva. Instituto Cultural de Las
Condes. Santiago de Chile. 1985.
Esculturas Instituto de Extensión Artes Plásticas.
Universidad de Chile. 1962.
Galería Plástica Nueva. Santiago de Chile.1991.
Esculturas Galería Marta Faz. Santiago de
Chile.1965. 50 años de Escultura, Galería Tomás Andreu,
, ,
Santiago de Chile.1995.
Instituto de Arte Contemporáneo, Lima, Perú.
1966. Centro de Extensión Cultural Pedro Olmos
Muñoz Talca Chile 1996
Muñoz, Talca, Chile. 1996.
Exposición en la Galería Tomás Andreu,
Santiago, Chile 2000.
Jeff Koons internacional
Escultor estadounidense, que se hizo famoso en
1980 por una serie de trabajos artísticos que
1980 por una serie de trabajos artísticos que
remiten, a menudo de manera escandalosa, a la
J
imaginería de la cultura popular.
E
Nació en York, Pensilvania; de 1972 a 1975
estudió en las escuelas de arte del Instituto de
Maryland, Baltimore y del Instituto de Chicago,
F
donde se hizo amigo de su profesor Ed Paschke.
F
En 1976 se trasladó a Nueva York para trabajar
durante algún tiempo en la Bolsa de Valores.
Sin embargo, durante la década de 1980 consiguió
fama internacional por sus figuras, realizadas
deliberadamente con mal gusto e incluso a
K
d f áfi
veces de forma pornográfica.
O
O
Inspirado principalmente en el Pop Art de la década
de 1960, Koons comenzó a preocuparse por la
penetrante influencia de la moderna sociedad
de consumo.
N
S
Además de imitar la imaginería sensacional de la publicidad y de la
p
pornografía, a menudo incorpora a su obra artística productos
g , p p
domésticos, como las aspiradoras que expuso en el Nuevo
Museo de Arte Contemporáneo de Nueva York en 1980.
Sus creaciones más controvertidas fueron las explícitas fotografías,
pinturas y esculturas que mostraban sus relaciones sexuales
pinturas y esculturas que mostraban sus relaciones sexuales
con la actriz pornográfica y diputada del Partido Radical
italiano Cicciolina, con la que estaba casado.
Las obra artística de Koons ha significado una contribución vital al
b í d h f d b ó l l
movimiento artístico estadounidense conocido como "Neo‐ Tulipanes.
Geo", en el que se incluyen también Asley Bickerton, Peter
Halley, Haim Steinbach y Meyer Vaismann. Jeff Koons es la verdadera
representación del artstar
Balloon dog magenta (1994 ‐ 2000) generador de ideas, intérprete
la simple presencia en el entorno ya causa una quiebre en la de lo corriente, ridículamente
atención y afecta directamente al entorno, como esta
y , profundo, el rey del kitsch para
instalación en Venecia, transformando un perrito hecho con muchos; es uno de los artistas
globos en una mega escultura, lo sencillo y sin valor convertido contemporáneos más
en elemento generador de crítica. influyentes de las últimas
décadas sin ser siquiera un
brillante pintor o dibujante y
que ha incursionado en el
mundo del arte con la fuerza del
escándalo.
• Sus obras siempre han tenido un
acercamiento a lo comercial (más allá del
acercamiento a lo comercial (más allá del
precio de las mismas), usando la
percepción distorsionada del mundo que
genera la publicidad la convierte en
mensaje social acaparando así todo el
proceso mediático que gira en torno a los
objetos y su posesión, un ejemplo de esto
está en su obra Equilibrium (1985) donde
está en su obra Equilibrium (1985) donde
usa pelotas de basketball sumergidas en
tanques con agua y anuncios de Nike para
tratar sobre los sueños de la clase media y
la eterna búsqueda de fama, dinero y
estilo de vida.
• Three ball 50/50 tank
(Equilibrium 1985)
Panther (Banality 1988) Pink
( y )
trabajos
Técnicas y trabajos.
• Clasificada a veces como minimalista y Neo‐pop,
su obra consistía inicialmente en escultura
conceptual que fue adquiriendo
monumentalidad (Puppy).
• A la fecha, Koons ha incursionado en la
escultura de instalación, la pintura, y la
fotografía. Sus trabajos evidencia influencias del
Dadaísmo, así como del arte Pop como el ya
Dadaísmo, así como del arte Pop como el ya
mencionado Warhol y Claes Oldenburg.
• Los materiales usados en su obra son también
i t t hi tó i t l h id d
muy importantes, históricamente la humanidad
ha basado su status en la posesión de los
objetos y metales por su supuesta nobleza y
perpetuidad (la dureza de lo tangible contra lo
efímero de nuestro pensamiento)
efímero de nuestro pensamiento)
transformando de este modo simples balones,
baldes, equipo de buceo e íconos del desarrollo
Puppy(cachorro) museo
industrial en costosas piezas de colección. Guggenheim, Bilbao
En Equilibrium Koons alcanza un discurso muy
elevado en lo social haciendo referencias Snorkel ‐ Shotgun
a la violencia de los ghettos de donde (Equilibrium 1985)
provienen los ahora íconos de la
superación social en la industria del
superación social en la industria del
deporte que mueve una maquinaria
comercial y publicitaria enorme hacia ese
grupo objetivo.
Cuando en 1979 comenzaba a introducirse en
los circuitos artísticos con sus objetos
inflables Koons fue muy criticado pese a la
aceptación de los medios especializados
por sus poco convencionales objetos
artísticos luego lo vacío y decorativo de
artísticos, luego lo vacío y decorativo de
un conejo usado en la serie previa a The
New se transformó en una brillante figura
de acero cromado en Stainless Steel
Rabbit (Statuary 1986) criticando la
perdurabilidad de las obras artísticas y su
mensaje contra efímero de las ideas.
Anne Hyatt Huntingdon
y g internacional
Anne Hyatt Huntingdon.
(1876 ‐ 1973) nació en Cambridge, Massachusetts. Su
padre era un profesor de paleontología en
padre era un profesor de paleontología en
Harvard y de él desarrolló su interés en los
animales.
Estudió escultura en Boston con Henry Kittleson
antes de enrolarse en la Liga Estudiantes de
d l l Li E di d
Arte, donde estudió bajo Herman Atkin
Sus primeros trabajos consistieron en los animales
domésticos y los perros a partir de 1903 su
exposición en la Sociedad Americana de Artistas
en Nueva York de su escultura de dos caballos
de invierno titulado Mediodía
Ella exhibió la misma escultura de nuevo en la
Exposición Universal de San Luis en 1904 y
continuó exhibiendo a lo largo de su vida.
. Pasó mucho tiempo en el Bronx Zoo dibujo y
modelado de los animales salvajes.
modelado de los animales salvajes.
Ana creció en una familia dedicada a la ciencia y a las búsquedas culturales y mientras
A ió f ili d di d l i i l bú d lt l i t
que un adolescente hizo interesado en escultura.
Aunque ella estudiara brevemente en Boston y en los estudiantes de arte liga, Ana era
realmente escultor autodidacta.
Su conocimiento de la anatomía animal, la base para su escultura, era el resultado de
una energía afilada de la observación desarrollada con disparos al campo de la
niñez con su padre y familiaridad con los animales domésticos en la granja de la
p y g j
familia.
Edificio y terraza del norte
con las esculturas cerca
Ana Hyatt Huntington,
y g , Ana Hyatt Huntington
CA 1950 entonces
complementa esto
impresionante
p
estatua con relevaciones de
dos otra
Figuras españolas a caballo:
Figuras españolas a caballo:
Boabdil (1943), el Moorish
pasado
Don Quixote rey de Granada y Don
rey de Granada, y Don
Anna Hyatt Huntington Quijote
aluminum, 15' 1 1/2" H
(1942), el soñador enojado
d l l d C
de la novela de Cervantes.
Más la obra notable de
ella
es la estatua del Cid
(1927) sosteniendo una
lanza.
lanza
A principios de su temática, el caballo
emergió mientras que el tema preferido y
ella de Ana comenzaron a incorporar
temas equinos en sus comisiones
monumentales. Antes de 1910, ella había
creado la inicial Joan de Arc a caballo
caballo,
precursor de su trabajo más famoso para
New York City, que ganó su gran
aclamación crítica y popular.
popular
Antes de 1912, ella ganaba más de
$50.000 por año con su escultura.
Conocido
Co oc do co
comoou uno
o de los
os escu
escultores
to es
animales americanos más finos del
vigésimo siglo, ella creó el trabajo que fue
puesto en localizaciones p
p públicas en el
país y en todo el mundo, así como en
museo numeroso y colecciones privadas.
Donatello
clasico
Donatello (Donato di Niccolò di Betto
Bardi)
• (Florencia, 1386 – Florencia, 13 de diciembre de 1466) fue un famoso artista y escultor italiano de principios del
Renacimiento.
• D
Donato di Niccoló di Betto Bardi,
di Ni ló di B B di más conocido como Donatello, escultor italiano nacido en Florencia (Italia). Su
á id D ll l i li id Fl i (I li ) S
padre se llamaba Niccoló di Betto Bardi, y trabajaba como tejedor. A los diecisiete años trabajó como ayudante de
Lorenzo Ghiberti en la construcción y ornamentación de las puertas de bronce del baptisterio de San Juan de
Florencia. Algún tiempo después, también colaboró con Filippo Brunelleschi.
• Dentro de su carrera artística se pueden establecer tres periodos.
• Al primero se le puede llamar periodo de formación. Este se desarrolla hasta 1425, y en él se puede observar una
gran influencia de la escultura gótica, aunque también revela tendencias clásicas y realistas. De este periodo
g y
destacan las estatuas de San Marcos, San Juan Evangelista y Josué.
• En el segundo periodo (1425‐1443) predomina la utilización de modelos y principios escultóricos de la antigüedad
clásica. Entre 1425 y 1435 Donatello trabajó con el escultor y arquitecto florentino Michelozzo en varios proyectos,
entre los que se encuentra el monumento dedicado a Bartolomeo Aragazzi (catedral de Montepulciano).
• Entre 1430 y 1433 viajó en varias ocasiones a Roma donde creó varias obras de las que la más notable es el cáliz de
Entre 1430 y 1433 viajó en varias ocasiones a Roma, donde creó varias obras, de las que la más notable es el cáliz de
la sacristía de la basílica de San Pedro, decorado con los relieves de "La adoración de los ángeles" y "El entierro de
Cristo". Sin embargo, fue en Florencia donde creó la obra más notable de este periodo, su David en bronce (c. 1430‐
1435, Bargello), primer desnudo exento de la escultura renacentista.
• P últi
Por último, el tercer periodo. En él Donatello se aleja de la influencia clásica y pone mayor énfasis en el realismo y en
lt i d E él D t ll l j d l i fl i lá i é f i l li
el dramatismo de la acción. Se pueden destacar de este periodo Los milagros de san Antonio (San Antonio, Padua); El
Gattamelata (en la plaza que está delante de la basílica de San Antonio) y Judith y Holofernes (Piazza della Signoria,
Florencia).
Donatello sentó bases claras respecto a la
escultura renacentista y fue el estilo a seguir
de todos los escultores posteriores a él. De raíz
de todos los escultores posteriores a él. De raíz
clásica romana, dejó un legado magnífico
puesto que sus obras fueron realizadas
utilizando una vasta gama de materiales y
g y
técnicas, las que dominó a la perfección.
Contemporáneo del gran escultor y también
innovador Della Robbia, la historia sitúa a
Donatello sobre este, y se basa en el aporte
realizado al movimiento de renovación
artística que desterró los estilos medievales.
Prolífico como el solo, el inigualable Donatello
dejó un legado de, piezas de estilo original,
que hasta su aparición nadie había creado.
Esculpe, talla y graba utilizando mármol, metal,
madera, terracota y piedras nobles.
La alta calidad de las obras donatellianas, así como la
cantidad de las mismas, hace difícil una selección
justa de ejemplos susceptibles de mostrar los
principios y la belleza de su trabajo. Sin embargo,
obras como la exquisita Anunciación realizada para la
obras como la exquisita Anunciación realizada para la
Iglesia de la Santa Croce florentina, la impresionante
estatua ecuestre del Condottiero Gattamelata, sus Fiesta de
dramáticos Zuccone y Mª Magdalena, el lírico David Herodes
broncíneo o las escenas esculpidas para la Cantoría
de la Catedral de Florencia puede decirse que son
buenas muestras de su genialidad.
Gattamelata
Madonna
Temática de una obra.
Género y temática: Esta escultura exenta, fundida en bronce,
representa a un David muy joven (en realidad, un adolescente) que,
p yj ( , )q ,
después de haber derrotado a Goliat, le ha cortado la cabeza con su
propia espada. David pisa la cabeza con aire pensativo y sostiene en sus
manos la espada de Goliat y la honda con la que le dejó inconsciente.
Se aprecia un gran contraste entre la serenidad firme del rostro de
p g
David y el desmadejado gesto de Goliat.
Acabado: El tratamiento general es sobrio, hasta podría decirse que
difuminado (sfumatto); no obstante, la sencillez del desnudo se
rompe con el calzado de David y el abigarrado adorno del yelmo de
rompe con el calzado de David y el abigarrado adorno del yelmo de
Goliat, trabajados al detalle con relieves historiados y adornos
vegetales típicos del primer Renacimiento (llamados «in candelieri»).
Además, David aparece graciosamente tocado con sombrero de paja
típico de la Toscana del que caen las guedejas del pelo; lleva
típico de la Toscana, del que caen las guedejas del pelo; lleva,
también una corona de hojas de amaranto, en clara alusión al
heroísmo griego.
Forma y estilo: Donatello interpreta este tema bíblico (tomado del Primer
libro de Samuel) como un desnudo clásico. De hecho, es el primer desnudo
integral, de bulto redondo, que aparece en la escultura renacentista. Se trata
de un desnudo ponderado, natural, pero muy expresivo debido a la firmeza
de las líneas compositivas generales. Tiene, como hemos comentado antes,
claras reminiscencias de la escultura clásica, especialmente de Praxíteles.
El marcado y suave contrapposto parece inspirado en la conocida curva praxiteliana
que Donatello debió conocer a través de copias romanas del citado escultor griego
que Donatello debió conocer a través de copias romanas del citado escultor griego.
La perfección anatómica, en la que el modelado muscular es muy suave, difuminado,
casi femenino, parece tomado, también, de Praxíteles.
La obra: Se puede ubicar en la plenitud del Quattrocento florentino; es un encargo del propio
Cosme de Médicis y, aunque no hay unanimidad sobre su fecha, debió fundirlo en torno a
1440. Parece tener un significado simbólico, ya que es una especie de monumento cívico‐
patriótico que conmemora las victorias de Florencia frente a su rival Milán En la escultura
patriótico que conmemora las victorias de Florencia frente a su rival, Milán. En la escultura,
David personifica a Florencia (de ahí que lleve puesto un típico sombrero toscano), y Goliat a
Milán, uno de cuyos símbolos es la espada (convertida en cruz). También su inscripción hace
referencia al mismo tema:
Pro Patria fortiter dimicantibus etiam adversus terribilissimos

hostes di i praestant auxilium. Que significa:
A los que valientemente lucharon por la madre patria, los dioses

darán su ayuda incluso ante los más terribles enemigos.
Carlos Fernandez
nacional
CARLOS FERNÁNDEZ, ESCULTOR
Nace en 1963, en la ciudad de Santiago,
Nace en 1963 en la ciudad de Santiago licenciado en
licenciado en
arte, con mención en escultura de la Universidad Católica
de Chile (1986 ) y realizó estudios de técnicas de molde
directo y escultura hiperrealista en Vermont , USA
(1995) Ha participado en diversas muestras colectivas y
(1995). Ha participado en diversas muestras colectivas y
en diversos simposios de escultura.
EMPUJE SIMPLE
EEmpuje, reúne los últimos trabajos escultóricos en
j ú l últi t b j ltó i
bronce, realizados por Fernández. Como es costumbre
en su obra, el cuerpo humano es objeto de estudio,
donde esta vez lo trabaja en torno a la acción de la
fuerza aplicada sobre un elemento (Presente o Ausente).
La obra de Fernández se caracteriza por
presentar la figura humana como elemento y no como
dato histórico ni situaciones particulares, eliminando el
carácter narrativo propio de la escultura figurativa,
quedando exenta de anécdota.
exenta de anécdota.
Ausente de las grandes disputas del sentido sobre el
cuerpo, repite el modelo original, acercándose al grabado
a través de este procedimiento, enseñándonos a ver
como conviven distintos discursos sobre el cuerpo.
Jose Vicente Gajardo
j nacional
JOSÉ VICENTE GAJARDO ESCULTOR
JOSÉ VICENTE GAJARDO, ESCULTOR
Nace en Tomé en 1953. Estudia Arte en La
N T é 1953 E t di A t L
Universidad de Concepción. Obtiene el Título
de Licenciatura en Artes con mención en
Escultura en 1983. Participa en diversos
Simposios y talleres de Escultura en Alemania
Simposios y talleres de Escultura en Alemania,
Italia, Portugal, Francia, Canadá, Argentina y
Chile. Desde un comienzo Gajardo se inclina
por lo abstracto. Plasma diversas ideas y
reflexiones en sus obras haciendo
reflexiones en sus obras, haciendo
uso de la arcilla como materia prima. Con el
paso del tiempo, descubre en el granito un
medio para ejecutar sus obras. material que el
artista aborda trabajándolo al límite de su
artista aborda trabajándolo al límite de su
flexibilidad.
Sus trabajos plantean un nítido cuerpo
constructivo frente a la materia, creando
espacios que motivan ideas ilimitadas
espacios que motivan ideas ilimitadas
a través de un lenguaje sobrio y preciso.
La Imaginación de las Piedras (Museo de
Arte Contemporáneo MAC Valdivia)
Trabajadas en series, cada pieza refleja la solidez de una
propuesta marcada por la objetualidad. Es así como
"Muros" y "Herramientas", al igual que sus obras
emplazadas en los parques de esculturas de Rancagua,
Concepción y Santiago, lo atestiguan.
p y g , g
Desde un comienzo y durante sus estudios en la Universidad
de Concepción, Vicente Gajardo se inclinó por lo abstracto.
Plasmó diversas ideas y reflexiones en sus obras, haciendo
uso de la arcilla como materia
uso de a a c a co o ate a p prima
a
Con el paso del tiempo, mantuvo su metodología creadora
apegada a la tierra, pero también descubre en el granito, un
medio para ejecutar sus maquetas.
En la década de los '80 realizó su primera exposición
individual en la desaparecida Galería Época, recibiendo la
mejor de las críticas No tardaron en distinguirlo con premios
mejor de las críticas. No tardaron en distinguirlo con premios
nacionales e internacionales, y empiezan a surgir encargos
urbanos que lo llevan a esculpir "Símbolo", actualmente
ubicado en Avenida Vitacura. Ha participado en simposios
tanto en Chile como en el extranjero
tanto en Chile como en el extranjero.
Entre las muestras que reflejan su madurez como artista
sobresale "Tránsito" (Galería Animal, 2002), que marca el
inicio de una escultura abierta, en forma definitiva, al
movimiento público pese a ser una estructura compuesta y
movimiento público, pese a ser una estructura compuesta y
grávida.
Fuente: Museo Nacional de
Bellas Artes
A la vez, Gajardo no solamente juega con el volumen y las
texturas ‐pulidas o porosas‐, también establece en muchas de
sus obras un diálogo con el espacio irrumpiendo como un
sus obras un diálogo con el espacio, irrumpiendo como un
edificador, instalando bloques monumentales, noción
obtenida luego de su visita a Rapa Nui, donde los moai lo
impresionaron por el concepto de deificación de los ancestros
y por sobre todo por el inmenso esfuerzo de su alineación
y, por sobre todo, por el inmenso esfuerzo de su alineación
repetida sobre el plano creando un espacio. De esta forma,
algunas obras del escultor invitan a introducirse, caminar y
relacionarse corporalmente con ellas.
Característico es en Gajardo la utilización de la línea, el contraste
entre zonas pulidas y porosas y el juego de planos y volúmenes
manejados austeramente. Otro recurso al que acude el escultor es
el ensamblaje, dando a entender los conceptos de
complementariedad y dualidad, a partir de verdaderas bisagras
l i d d d lid d i d d d bi
gigantes y sencillas.
Una variante escultórica en torno a la existencia del ser humano es
la que Gajardo realiza través de los torsos y las corazas que ejecuta
a la manera de petos, en los que el espacio interior se presenta
como un espacio de libertad y protección. Con la misma intención
de humanizar el entorno, el artista crea una serie de mesas y
asientos, posibles de utilizar tanto para el descanso, como para el
uso doméstico o el ritual
uso doméstico o el ritual.
Helen Frankenthaler internacional
Frankenthaler Helen (1928) EE UU Pintora y escultora
Frankenthaler, Helen (1928) EE.UU.. Pintora y escultora
Pintora expresionista abstracta estadounidense
, pionera en la utilización de nuevos métodos
i l tili ió d ét d
de tratamiento del color. Nació en Nueva York
y estudió arte en la Facultad de Bennington.
Sus primeras obras reflejan una gran variedad
de influencias pero con posterioridad a 1951
de influencias, pero con posterioridad a 1951
Desarrolló un estilo propio. Inspirada en
Jackson Pollock, creador de la técnica del
dripping, que consiste en salpicar pintura sobre
el lienzo Frankenthaler utilizó pintura muy
el lienzo, Frankenthaler utilizó pintura muy
diluida para empapar o manchar lienzos sin
preparar, con la que creaba lagos diáfanos de
colores suaves, como los delicados rosas y
azules de montañas y mar (1952)
azules de montañas y mar (1952).
Naum Gabo
internacional
Gabo Naum (1890 1977) EE UU Escultor
Gabo, Naum (1890‐1977) EE.UU. Escultor
• Gabo creció en una familia judía de seis hermanos
en el pueblo ruso provinciano de Briansk, dónde su
padre tuvo unos trabajos en la industria del metal.
Gabo era un escritor y portavoz fluente en idioma
, , g
alemán, francés, e inglés además de su ruso nativo.
El hablar con fluidez varios idiomas contribuyó
grandemente a realizar frecuentes viajes durante su
carrera.
• Después de la escuela en Kursk Gabo entró en la
Universidad de Munich en 1910, estudiando
Universidad de Munich en 1910, estudiando
medicina primero, y luego inició una carrera en las
ciencias naturales. También asistió a cursos de
historia del arte disertados por Heinrich Wölfflin.
Gabo se trasladó en 1912 a una escuela de
ingeniería en Munich dónde él descubrió el arte
ingeniería en Munich dónde él descubrió el arte
abstracto y se encontró con Wassily Kandinsky y en
1913‐14 su hermano Antoine se le unió (quién ya se
estableció como un pintor) en París. Gabo pensaba
que el entrenamiento era importante para el
desarrollo de su trabajo escultural y a menudo usó
desarrollo de su trabajo escultural y a menudo usó
elementos mecánicos.
• Después del estallido de la guerra se trasladó a Copenhague
(Dinamarca) con su hermano más joven Alexei que hace sus
primeras construcciones bajo el nombre de Naum Gabo en
1915. Estas construcciones más tempranas eran
1915. Estas construcciones más tempranas eran
originalmente en cartón o madera figurativas como el Head
No.2 en la colección de Tate. Él regresó a Rusia en 1917,
involucrándose en la política y arte por lo que pasan cinco
años en Moscú con Pevsner. Gabo donó el Agit‐prop las
exhibiciones aéreas abiertas y enseñó a 'VKhUTEMAS' el arte
más alto y el taller técnico con Tatlin Kandinsky y
más alto y el taller técnico, con Tatlin, Kandinsky y
Rodchenko. Durante este período los alivios y construcción
se pusieron más geométricas y Gabo empezó a experimentar
sin embargo con la Escultura cinética que la mayoría del
trabajo estaba perdida o destruida. Los planes de Gabo se
habían puesto en aumento monumentales pero había una
oportunidad pequeña de aplicarlos comentando 'era
oportunidad pequeña de aplicarlos comentando era la
la
altura de guerra civil, hambre y desorden en Rusia. Para
encontrar cualquier parte de maquinaria… estaba al lado del
imposible'. Gabo escribió y emitió juntamente con Pevsner
en agosto de 1920 un 'Manifesto Realista' proclamando los
principios de puro Constructivismo ‐ la primera vez que el
término fue usado En el manifiesto Gabo criticó el Cubismo
término fue usado. En el manifiesto Gabo criticó el Cubismo
y el Futurismo como no volverse las artes totalmente
abstractas y declaró que la experiencia espiritual era la raíz
de producción artística. Gabo y Pevsner promovieron el
manifiesto organizando una exhibición en un kiosco de
música en el Bulevar de Tverskoy en Moscú y anunciaron el
manifiesto en las acumulaciones alrededor de la ciudad.
ifi t l l i l d d d l i d d
Luca della Robbia
clasico
Luca della Robbia (1399 1482)
Luca della Robbia (1399‐1482)
• Según Giorgio Vasari, Luca nació En el año 1388 en
la casa de sus antepasados que se encontraba
debajo de la iglesia de San Bernabé en Florencia.
Fue educado, conforme a las costumbres de la
p , q p ,
época, hasta que aprendió no sólo a leer, sino
también a escribir y contar, como se solía hacer en
casi todas las casa florentinas, por sus propios
medios. Su padre le colocó, enseguida, para que
aprendiera el oficio, en casa del orfebre Leonardo,
j ,p ,
hijo de Giovanni considerado, por entonces, en
Florencia, como el mejor maestro en este arte.
• Nacido en el seno de una familia de tintoreros
(robbia significa "garance" en toscano), empezó
como escultor de mármol y estudió la escultura
antigua. Luca Della Robbia realizó la Tribuna des
antigua. Luca Della Robbia realizó la Tribuna des
Chantres, en el Domo de Florencia (1431),
bajorelieve muy importante encargado para la obra
del Domo que tenía que emplazarse encima de la
puerta de la sacristía de Messes. La terminó hacia
1438 1439.
1438‐1439.
• En 1446, Luca y su hermano Marco, compraron una gran
casa para instalar un taller y un horno. En 1448 murió
Marco dejando a cargo de Luca a sus seis sobrinos, entre
los cuales destaca Andrea que fue el más conocido.
g
Andrea se hizo cargo de la Botegag ((taller) a la muerte de
)
su tío, y sus cinco hermanos trabajaron con él. El más
célebre es el tercer hijo: Giovanni. Después el taller
dejaría de funcionar.
• Insensible a las tendencias del Renacimiento, formuladas
por Brunelleschi, Masaccio, Donatello, etc. Luca Della
por Brunelleschi, Masaccio, Donatello, etc. Luca Della
Robbia es un escultor cuya sobriedad clara de los planos y
los ritmos, la serenidad clásica de los rostros, las formas
simples y la sensibilidad de la luz estarán siempre
presentes en su obra. Buscó la fórmula para de conservar
sus obras de barro cocido. Siempre según Vasari,
sus obras de barro cocido. Siempre según Vasari,
Considerando que el barro se trabaja fácilmente y sin
grandes fatigas, busca el medio de conservar las obras
una vez que las mismas están acabadas, sueña que
encuentra ese medio para defenderlas de las injurias del
tiempo, después de haber experimentado con cantidad de
tiempo, después de haber experimentado con cantidad de
cosas, descubre, por fin, que recubriéndolas con una
mezcla de estaño, de antimonio y otros minerales y
mixturas cocidas en un horno especial, se obtiene un
efecto eficaz para conservar la obra de barro casi
eternamente. El sobrino del artista y los hijos de éste
eternamente. El sobrino del artista y los hijos de éste
continuaron con esta técnica.
• Una de las últimas esculturas del repertorio de
Giovanni Della Robbia titulada Visiter les malades
Giovanni Della Robbia titulada Visiter les malades
(1525‐1529), se puede contemplar en el Hospital
del Ceppo de Pistote.
• Actualmente del taller de los Robbia, bajo la
directriz de sus alumnos y los hijos de sus sobrinos,
no produce más que piezas artesanales y
no produce más que piezas artesanales y
comerciales.
• La producción familiar fue muy prolífica y se
exportó a toda Europa. Comprende frisos y
retablos, emblemas de corporaciones o armas
aristocráticas, retratos de la Virgen María o de
á d l í d
santos, para la devotos privados. Las obras Della
Robbia se caracterizan por su gracia, su brillante
colorido (especialmente el blanco y el zul), la finura
del modelo y la frescura del diseño. Su estilo se
reconoce fácilmente.
fá il
V3

Wilma Hannig Kortwich
g nacional
Escultores nacionales
Biografía
• Licenciada en Arte – Escultura, Universidad de Chile 1960
• Licenciada en Arte – Escultura, Universidad Católica 1976
• Ayudante y Profesor de Cátedra en Escultura ‐ Bellas Artes, U. de Chile 1962 – 1980
• Profesor de Cátedra en Escultura, Escuela de Arte Pontificia Universidad Católica de Chile 1962
Profesor de Cátedra en Escultura, Escuela de Arte Pontificia Universidad Católica de Chile 1962 –
•
1977
Becas y Post‐grados
•• Beca otorgada por el DAAD ( Deutscher Austauschdienst ) a través del Goete Institute
Beca otorgada por el DAAD ( Deutscher Austauschdienst ) a través del Goete Institute
• Estudios en Bellas Artes, Dusseldorf y Berlín 1961 – 1962
• Beca del Ministerio de Relaciones Exteriores de Italia, 1962
• Beca en S.A.T.
• Instituto de Psicología y Meditación en Berkeley, California 1973
Exposiciones
• Exposición Individual Galería Bolt, Santiago 1963
• Exposición Individual Galería Lyrolay, Buenos Aires 1964
• Exposiciones de Escultura Chilena Colectivas, participación en los salones oficiales, ( 1961‐1972 )
3
Biografía
Premios
• Premio de Escultura, Bienal 1965
• Premio de Escultura Chilena, Casa de la Cultura de Nuñoa
• Premio Exposición “ Cenografía
• Premio Exposición Cenografía ”
• Varios premios más como menciones honrosas
Obras en Museos
• Piedra ‐ Museo de Bellas Artes
• Granito ‐ Museo de Arte Contemporáneo
Participación por Invitación
• Exposición Inaugural Museo de Bellas Artes organizada por el gobierno del Pdte. Patricio Alwin, 1990
• Exposición de Escultura Chilena, Casa Central de la Universidad de Chile, 1991
Exposición de Escultura Chilena, Casa Central de la Universidad de Chile, 1991
Otros Títulos
• Facilitadora Gestáltica ( terapeuta ), otorgado por el Profesor Patricio Vera ( Ministerio de Educación ),
Instituto I.D.E.C. de Viña del Mar
• Participación en Trabajos Psicológicos impartidos por el Psiquiatra Claudio Naranjo 1963 1973
• Participación en Trabajos Psicológicos impartidos por el Psiquiatra Claudio Naranjo, 1963 –
• Práctica e Investigación Personal durante cuatro años de trabajo terapéuticos y de integración del
desarrollo creativo y psicológico de Gestalt, I.D.E.C.
Desde 1980 hasta la actualidad impartiendo clases particulares de dibujo en grupos, aplicando el método de
Betty Edwards “Aprenda a dibujar con el lado derecho del cerebro”
Desde 1978 hasta la actualidad dedicada a pintar en taller privado, además enseñando a pintar a alumnos
egresados del curso del desarrollo del Hemisferio Derecho
4
País: CHILE
Año: 1994
Tipo de obra: PINTURA
(Angel)
Dimensiones: 110 x 80
Técnica:
Técnica: Óleo
Óleo
Soporte: Lienzo
Firma: W. Hannig
Autor: W. Hannig
País: CHILE
Año: 1994
Tipo de obra: PINTURA (La virgen y el niño)
Dimensiones: 110 x 80
Técnica: Óleo
Soporte: Lienzo
g
Firma: Wilma Hannig
El incondicional amor de una madre 5

Mario Irarrazábal nacional
• Biografía
• Mario Irarrazábal
• escultor e instalador, nació en Santiago el 26 de noviembre de 1940.
• El artista realiza una producción escultórica con materiales tales como bronce, aluminio,
piedra, madera y hormigón. A través de un estilo figurativo, el artista comunica sus ideas en
torno a una temática cristiana‐ humanística, de marcada tendencia social.
• Una vez finalizados sus estudios escolares Irarrázabal marchó a los EE UU donde permaneció
Una vez finalizados sus estudios escolares, Irarrázabal marchó a los EE.UU, donde permaneció
cinco años en el seminario de La Congregación de la Santa Cruz.
• Entre 1960 y 1964 estudió en la Universidad de Notre Dame, también en Norteamérica, donde
obtuvo el Bachiller en Arte y Filosofía, y un Master en Bellas Artes.
• En 1965 se fue a Italia, y por espacio de tres años, estudió Teología en la Universidad
Gregoriana de Roma. En Chile recibió el titulo de Licenciado en Teología por la Pontificia
Gregoriana de Roma. En Chile recibió el titulo de Licenciado en Teología por la Pontificia
Universidad Católica.
• En 1968 se trasladó a Alemania, donde estudió con el escultor Waldemar Otto, maestro que
sería clave en su formación, tanto técnica como estilística. Se desempeñó como profesor de
escultura en la Universidad Católica, entre 1972 y 1974, y en la Universidad de Santiago desde
1975.
• En el año 1983 trabajó en el atelier Hans Worpswede, en Bremen, gracias a una beca del
gobierno alemán.
• En 1995, Irarrázabal participó de la fundación de la Asociación de Escultores de Chile, de la que
fue asignado Director
• Premio Salón de Valparaíso (1976), Primer Premio IV Concurso Colocadora Nacional de Valores
(1978) estas son algunas de las destinciones que ha recibido el artista
(1978),estas son algunas de las destinciones que ha recibido el artista.
• Biografía
• Mario Irarrazabal
Mario Irarrazabal
• El artista realiza una producción escultórica con materiales tales como bronce, aluminio, piedra, madera y
hormigón. A través de un estilo figurativo, el artista comunica sus ideas en torno a una temática cristiana‐
humanística, de marcada tendencia social.
• Mario Irarrázabal ha recibido entre otras varias las siguientes distinciones: Premio Salón de Valparaíso (1976)
Mario Irarrázabal ha recibido, entre otras varias, las siguientes distinciones: Premio Salón de Valparaíso (1976),
Primer Premio IV Concurso Colocadora Nacional de Valores (1978).
• A través de un estilo figurativo, el artista comunica sus ideas en torno a una temática cristiana‐ humanística, de
marcada tendencia social: la injusticia, la incomunicación, la soledad, etc., aspectos redimidos siempre por su
confianza en el amor.
• Tal comunicación es simbólicamente directa, sin hermetismos que confundan el sentido de la expresión; esto no
q p
significa que sus obras sean "simples o fáciles", si no que en ellas, la unión de composición formal y tema está
tan íntimamente conseguida, que los materiales pueden evidenciar su propia capacidad de auto presentación.
• Así mismo, la técnica de la cera perdida le permite al artista elaborar bronces que contienen todo lo que quiera
imprimir: gestos, tensiones, texturas, haciendo que dichos elementos se presenten necesarios e inherentes al
significado expresado.
• Irarrázabal se aleja de los cánones de representación de la figura humana para concebir seres con miembros
Irarrázabal se aleja de los cánones de representación de la figura humana, para concebir seres con miembros
alargados y cuerpos abultados, deformaciones que se relacionan con un intenso expresionismo, reforzado por
las posturas de las figuras y la dirección de sus cabezas.
• Casi todas sus obras son de pequeño formato, pero sin perjuicio de esto, Irarrázabal realiza también obras de
grandes dimensiones, siendo las más reconocidas, las manos de cemento que se encuentran en las arenas del
desierto chileno, en Punta del Este, en Venecia y Madrid, dispuestas de modo tal que simulan emerger de la
y p q g
tierra.
• Otro tipo de obra que amplía su producción, en cuanto implica investigación objetual y espacial, es la
instalación, destacándose "33 caballos‐balancín y 44 sillas de niño", montaje compuesto por dichos objetos, que
el artista pintó de blanco, rojo y azul y dispuso al interior de un museo, aludiendo irónica y críticamente al
régimen militar.
• Conceptos o búsqueda formal en sus obras

Conceptos o búsqueda formal en sus obras
• Mario irarrazabal
Mario irarrazabal
• Mario Irarrázabal ha recibido, entre otras varias, las siguientes distinciones: Premio
p ( ),
Salón de Valparaíso (1976), Primer Premio IV Concurso Colocadora Nacional de
Valores (1978), Premio Concurso Punta del Este, Uruguay (1982), Premio Concurso
Nacional de Escultura para la Sede de la ONU en Kenya (1985), Primer Premio
Escultura, VIII Bienal Internacional de Arte de Valparaíso (1987), Primer Premio
j p ( ), p j
Escultura Homenaje al Pueblo Mapuche (1988), Premio para ejecutar una de las
cuatro esculturas del Congreso Nacional (1991) y Primer Premio, I Concurso de
Escultura de Las Tacas (1995) Muchas de sus obras se encuentran en espacios
públicos, tanto en Chile como en el extranjero y forman parte de las colecciones de
varios museos; así por ejemplo, el MNBA posee cuatro esculturas de su autoría.
varios museos; así por ejemplo, el MNBA posee cuatro esculturas de su autoría.
Mano del Desierto
Escultura del artista Mario Irarrázabal, instada en
1992, en pleno desierto a 75 Km al S.E de
Antofagasta. Enormes dedos saludan al Viajero al
b d d l
borde de la ruta 5CH.
t 5CH
La Historia "La Mano" La mano que emerge de la
arena en plena Parada 4 de la Brava se encuentra allí
arena en plena Parada 4 de la Brava se encuentra allí
desde febrero de 1982, cuando el artista chileno
Mario Irarrazabal llegó invitado por la Intendencia
de Maldonado para participar del Primer Encuentro
Internacional de Escultura Moderna al Aire Libre de
Punta del Este.
LOS DEDOS
La escultura gigante de “Los Dedos”, se llama en realidad “La Mano” y es el símbolo
por excelencia de la Punta del Este de los últimos años. Obra del artista chileno
• Mario Irrazabal, forma parte del complejo escultórico al aire libre Parque de las
A éi
Américas, en el comienzo de la rambla de playa Brava.
l i d l bl d l B
Según el artista, esta obra refleja el trabajo del hombre en la naturaleza y
el hombre surgiendo a la vida.
el hombre surgiendo a la vida.
Pero cada uno le da su interpretación y no faltan los niños que escuchan de sus
padres la versión de que “Los Dedos” es la mano de un gigante enterrado bajo la
arena.
Miles de turistas tienen entre sus fotografías un recuerdo en Los Dedos. Imperdible.
Andy Warhol
y internacional
Escultores internacionales
Andy Warhol
• , fue un artista estadounidense nacido el 6 de agosto de 1928 y que falleció el 22 de
fue un artista estadounidense nacido el 6 de agosto de 1928 y que falleció el 22 de
febrero de 1987. Fue la figura más destacada del movimiento pop art.
• Después de una exitosa carrera como ilustrador de revistas y de publicidad, Warhol se
hizo famoso en todo el mundo por su trabajo como pintor y cineasta de vanguardia.
Como figura pública es recordado por haber estado vinculado a círculos sociales muy
diversos, incluso antagónicos, como la bohemia neoyorquina, reconocidos intelectuales,
, g , y q , ,
celebridades de Hollywood o ricos aristócratas.
• Fue un personaje polémico durante su vida ‐ algunos críticos calificaban sus obras como
pretenciosas o bromas pesadas ‐ y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas
exposiciones retrospectivas, libros y documentales. No en vano, está considerado como
uno de los artistas más influyentes del siglo XX.
• W h l nació en Pittsburgh, Pennsylvania, hijo de inmigrantes eslovacos. Su padre,
Warhol ió Pitt b h P l i hij d i i t l S d
Andrej Varchola cambió su nombre por el de Andrew Warhola al llegar a Estados Unidos,
al igual que su madre, Ulja Justina Zavacka, quien adoptó el nombre de Julia Warhola. Su
padre trabajaba en la construcción y tanto él como su mujer practicaban la fe ortodoxa.
• De niño, Andy padecía de escarlatina, una enfermedad que provoca una pigmentación
anormal de la piel, así como de el baile de San Vito, afección del sistema nervioso que
p , , q
causa movimientos involuntarios. Probablemente estas dos enfermedades le llevaron a
ser hipocondríaco desde muy joven, desarrollando miedo a los hospitales y a los
médicos. De pequeño se pasó largas temporadas postrado en la cama, por lo que apenas
se relacionaba con sus compañeros de clase, desarrollando un vínculo muy fuerte con su
madre. Sus mayores pasatiempos cuando estaba convaleciente eran pintar, escuchar la
radio y coleccionar fotografías de actores y actrices famosos, con las que decoraba su
radio y coleccionar fotografías de actores y actrices famosos, con las que decoraba su
habitación. Más tarde, Warhol reconocería que ese periodo de su enfermedad fue muy
importante en el desarrollo de su personalidad y de sus habilidades y preferencias
artísticas.
• Andy Warhol
Demostró tener un talento artístico desde muy joven y estudió Arte Comercial en el
Carnegie Institute of Technology, ahora conocida como Carnegie Mellon University.
Después de graduarse en 1949 se mudó a Nueva York y comenzó una carrera exitosa
Después de graduarse en 1949, se mudó a Nueva York y comenzó una carrera exitosa
como ilustrador tanto en revistas como Vogue y Harper’s Bazaar, como en publicidad.
En 1956 ganó un premio por logros destacados de parte del MoMA, Museo de Arte
Contemporáneo de Nueva York.
Durante los años 60 Warhol comenzaría a pintar cuadros de productos
estadounidenses famosos como sus célebres latas de sopa Campbell de 1962 y los
dedicados a botellas de Coca‐Cola. También retrataría a personajes populares de la
época como Marilyn Monroe Elizabeth Taylor Liza Minnelli o Troy Donahue
época como Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor,Liza Minnelli, o Troy Donahue.
En 1963 fundaría su famoso estudio The Factory, reuniendo alrededor suyo a un
amplia gama de artistas, músicos, escritores y personajes conocidos del underground
neoyorquino. Poco más tarde comenzaría a hacer serigrafías en serie, con lo que
buscaba no sólo hacer arte que reflejara productos fabricados en serie, si no producir
en serie el arte mismo. Con esto, Warhol pretendía actuar como una máquina,
minimizando el rol de su propia idea creativa en la producción de su trabajo. Fue así
como revolucionó el mundo del arte y su trabajo se hizo tan popular como polémico
como revolucionó el mundo del arte y su trabajo se hizo tan popular como polémico.
• Warhol tenía un don especial para aglutinar a la gente más chic del
momento. Era tan consciente de lo que ello representaba que se
obsesionó con grabar y fotografiar todos los eventos. Sabía que aquellos
momentos intrépidos y aparentemente superficiales se iban a convertir en
i é id fi i l ib i
historia. Las paredes plateadas de la Factory fueron testigos de muchas de
las conversaciones y performances que fueron objeto de diversos
registros Para ello Warhol creo su propia revista Interview cuya premisa
registros. Para ello Warhol creo su propia revista, Interview, cuya premisa
era crear celebridades y reproducir las grabaciones “crudas”, esto es,
incluyendo estupideces, lapsus y vacilaciones. Andy Warhol así no sólo
cambiaba las reglas del arte contemporáneo; también revolucionaba el
género periodístico de la entrevista, esa ficción de arena pública donde la
é i dí i d l i fi ió d úbli d d l
gente –se supone– dice lo que piensa (aun cuando él se quedaba callado.
Contestaba con monosílabos, genialidades lacónicas o largas digresiones
sonámbulas) Decía que sí y que no a cualquier cosa Jamás perdía la
sonámbulas). Decía que sí y que no a cualquier cosa. Jamás perdía la
calma. Leía reportajes ajenos para robar respuestas ingeniosas.
“Te presento a mi mujer” o “Ésta es Sony, mi esposa”,
solía decir Andy Warhol. Y luego señalaba su grabadora
portátil japonesa, que siempre estaba a su lado. Grabar, se
á l b l d b
sabe, era una de las pasiones de Warhol
No importa donde se pone la cámara. Sólo importa recortar un pedazo de
p p p p
la realidad al modo de arrancar un cuadro colgado en una pared.
Los medios, son el intermediario de la realidad. Sin embargo, ¿De qué tipo
de realidad? La realidad de unos pocos y que pretende ser el ejemplo de
muchos. La realidad de unos particulares que tratan de establecerse como
h L lid d d ti l t t d t bl
el universal a seguir, al modo del imperativo categórico de Kant, que dice
así: “actúa de tal modo que tu obrar, pueda convertirse en norma
universal”. Habría que cambiarlo para adaptarlo a la era actual por el
q p p p
siguiente: “actúa de tal modo que tu medio convierta su propia realidad
en norma universal”.
Escultores extranjeros
• ANDY WARHOL
ANDY WARHOL
Durante los años 60 Warhol
D l ñ 60 W h l comenzaría a pintar cuadros de
í i d d
productos estadounidenses famosos como sus célebres latas
de sopa Campbell de 1962 y los dedicados a botellas de Coca‐
Cola. También retrataría a personajes populares de la época
p j p p p
como Marilyn Monroe, Elizabeth Taylor,Liza Minnelli, o Troy
Donahue.
En 1963 fundaría su famoso estudio The Factory, reuniendo
alrededor suyo a un amplia gama de artistas, músicos,
l d d li d ti t úi
escritores y personajes conocidos del underground
neoyorquino. Poco más tarde comenzaría a hacer serigrafías en
serie, con lo que buscaba no sólo hacer arte que reflejara
, q q j
productos fabricados en serie, si no producir en serie el arte
mismo. Con esto, Warhol pretendía actuar como una
máquina, minimizando el rol de su propia idea creativa en la
producción de su trabajo. Fue así como revolucionó el mundo
d ió d t b j F í l i ó l d
del arte y su trabajo se hizo tan popular como polémico.
Andy Warhol
• BIBLIOGRAFÍA
• SMITH, Patrick S. Warhol. Conversations About the Artist. 384 pp. Ann Arbor, Michigan: UMI
Press, 1997.
WARHOL, Andy. a: a novel. 458 pp. New York: Grove Press, 1998. Se publicó originalmente en
1968.
1968
WARHOL, Andy. América. Sin paginar. New York: Harper & Row, 1985.
WARHOL, Andy. The Andy Warhol Diaries. Editado por Pat Hackett. 839 pp. New York:
Warmer Books, 1989.
WARHOL, Andy. Andy Warhol's Exposures. 255 pp. New York: Andy Warhol Books / Grosset &
, y y p pp y /
Dunlap, 1979.
WARHOL, Andy and Pat Hackett. Andy Warhol's Party Book. 159 pp. New York: Crown, 1988.
WARHOL, Andy. The Philosohpy of Andy Warhol (from A to B & Back Again). New York.‐
Harcourt Brace Jovanovich, 1975.
WARHOL Andy y Pat Hackett POPism The Warhol 60s 310 pp New York: Harcourt Brace
WARHOL, Andy y Pat Hackett. POPism. The Warhol 60s. 310 pp. New York: Harcourt Brace
Jovanovich, 1990
Who Is Andy Warhol? Editado por Cohn MacCabe, Mark Francis y Peter Wollen. 162 pp.
London: British Film Institute and Pittsburgh: The Andy Warhol Museum, 1997.
Andy Warhol: A Retrospective. Cuatro ensayos, cronología. 478 pp. The Museum of Modern
Andy Warhol: A Retrospective. Cuatro ensayos, cronología. 478 pp. The Museum of Modern
Art, New York y The Hayward Gallery, Londres, 1989.
ESCULTORES EXTRANJEROS
• Adami, Valerio (1935 ‐). Italiano pintor y artista gráfico, su país el principal
Adami Valerio (1935 ) Italiano pintor y artista gráfico su país el principal
exponente del arte pop y uno de los pocos no‐americano o no‐artistas
británicos para lograr éxito a nivel internacional en el campo. Había nacido
y ,
en Bolonia y desde 1953 a 1957 estudió en el Brera en Milán, la ciudad que q
ha sido el principal centro de sus actividades (en 1961‐2, trabajó en
Londres y en 1962‐1964.
es un pintor diseñador y grabador italiano cuyo estilo se basa en el cubismo
es un pintor, diseñador y grabador italiano cuyo estilo se basa en el cubismo.
Reconocido como uno de los artistas europeos vivos más importantes, Valerio Adami
R id d l ti t i á i t t V l i Ad i
se singulariza por su personal estilo, síntesis de Cubismo, Pop art y Futurismo.
VALERIO ADAMI internacional
• VALERIO ADAMI
VALERIO ADAMI
Vida y obra
Recibe una sólida formación en el estudio de Achille Funi, en la Accademia di Belle
,
Arti di Brera, de Milán (1951‐54). Se instala en París en 1957, y a partir de entonces
desarrolla su actividad a caballo entre Francia e Italia.
Su estilo inicial es expresionista, y combina imágenes violentas y chistosas, bajo
influencia de Roberto Matta y las tiras de cómic. Protagoniza su primera exposición
importante en 1962 (Londres, Institute Of. Contemporary Art), y pronto participa
en la Documenta III de Kassel.
A mediados de los 60, Adami fija su estilo más conocido, de influencia pop:
imágenes estilizadas, perfiladas en negro sobre áreas de intensos colores planos.
Su proceso creativo arranca de fotografías y demás imágenes de su entorno, que
d
desmenuza, combina y presenta en formas esquemáticas. Su éxito es rápido, y en
b f á é á d
1968 representa a Italia en la Bienal de Venecia.
En esa época, decora con cuatro grandes murales la sede del Firstar Bank en
M di
Madison (Wisconsin, EE.UU.)
(Wi i EE UU )
• Adami es reconocida internacionalmente como un importante

p artista europeo.
p
Spaightwood dispone de obras de sus tres grandes períodos de actividad. En
sus primeros Pop ámbito de los trabajos, nos ofrece opiniones de los
fragmentos aislados de la sociedad moderna en la que los objetos se sacan
de contexto y perspectiva para que podamos verlos de nuevo. Estos son en
gran medida elegante diseño-visiones de un mundo sin signos visibles de la
vida en ella. Eran sucedido por una serie de obras centradas en momentos
históricos y las presentaciones de esos héroes de la cultura moderna como
Freud Joyce,
Freud, Joyce Walter Benjamin yy, a menudo evocan más bien ruefully el
mundo que desee, pero no para crear. Las obras de su período más reciente
son tal vez su más interesante y atractiva. Ellos demuestran su voluntad, tal
como relató Jane Kramer en la "Carta de Europa" en el 14 de mayo de 1984
El tema de la revista New Yorker
Yorker, para despertar la civilización del deseo de
un espacio para soñar y fantasear revivificable de los mitos de la cultura
occidental y historia, poblamiento sus obras con personajes de Ovidian
escenas y otros momentos ficticia que podría permitirnos una vez más,
renovada comenzará la búsqueda de los manantiales de la sexualidad
renovada, sexualidad,
deseo, belleza y creatividad. Nuestro inventario se centra en las obras de
este período, lo que representa la mayoría de las anteriores de bajo costo a
gran edición no se ha firmado litografías como medio de poner las obras más
tarde firmó en el contexto de su carrera hasta la fecha
fecha.
VALERIO ADAMI
•VALERIO ADAMI
• Toma el caballero su propio rostro.
• Delicado,
• con enguantadas manos
d l
lo sujeta;
j
• acusando su aguileña nariz en un momento.
•
• Desprovisto de sedas y de lienzos,
Desprovisto de sedas y de lienzos
• su cuerpo
• se advierte prisionero
• del ojo que lo encierra.
• Cerraduras no quiere
• engrilletando su pincel.
•
• EEmbadurnado de dorados afeites será libre.
b d d d d d f it á lib
• Se olvidará del cuadro,
• aquel que tanto ansió;
• para mirar la tarde que se ofrece trufada en ocre y oro.
para mirar la tarde que se ofrece trufada en ocre y oro.
• Se cierra ya el Oriente forjado en puro fuego;
• anaranjadas las nubes que arrastra el aquilón . Auto retrato
• VALERIO ADAMI
Tramonto.Regard en arriere es una serigrafia de
dimensiones impresionantes, forma parte del
proyecto Mémoire de la liberté propuesto en 1991
proyecto Mémoire de la liberté propuesto en 1991
por la UNESCO, en el que 55 artistas de todo el
mundo (Joseph Beuys, David Hockney, Antoni Tàpies o
Motherwell, entre otros) se basaron en alguno de los
derechos humanos para crear unas obras que desde
derechos humanos para crear unas obras que desde
entonces se han ido exponiendo en los museos más
importantes.
En Catullo, el laurel, el prominente
perfil y la cruz contribuyen a
presentar un puzzle alegórico y
presentar un puzzle alegórico y
fragmentario, en el que, como tantas
otras veces a partir de los años 70,
entra a formar parte la escritura.
François Duquesnoy
ç q y internacional clasico
Escultor clásico
Escultor clásico
• François Duquesnoy
François Duquesnoy de Anthony van Dyck
( , , – , in ) was a prominent sculptor in Rome.
François Duquesnoy
i (
(Bruselas,
l 12 de enero de
d d
1597 ‐ 12 de julio de 1643 en Livorno) fue un
destacado barroco escultor en Roma. 's works,
while his style shows greater affinity to 's
hil hi t l h t ffi it t '
sculptures. Su más idealizada representaciones
son a menudo contrasta con el carácter
emocional de Bernini 'ss obras, si bien su estilo
emocional de Bernini obras si bien su estilo
muestra mayor afinidad por Algardi' s esculturas.
Escultor clásico
Escultor clásico
• LLos primeros años
i ñ
• , in Rome, he was called Il Fiammingo by the Italians, and François Flamand by the French. Aunque
Duquesnoy es valón, en Roma, fue llamado Il Fiammingo de los italianos, y François Flamand por el
francés. , governor Of. the Low Countries, and Archduchess Isabella and sculptor Of. the fountain
in Brussels, of 1619. Su padre, Jerome Duquesnoy I, es el tribunal al escultor archiduque Alberto,
in Brussels, of 1619. Su padre, Jerome Duquesnoy I, es el tribunal al escultor archiduque Alberto,
gobernador de los Países Bajos, y la archiduquesa Isabel y escultor del Manneken Pis en Bruselas
fuente, de 1619. Algunos de Francois' principios de trabajo en Bruselas atrajo el anuncio del
archiduque, que le dio los medios necesarios para estudiar en Roma, donde pasaría toda su carrera.
Marcus Aurelius to determine how it was cast, or making a pilgrimage to the shrine of Diana at . De
acuerdo a los primeros biógrafos cuando llegó Algardi en Roma en 1618 estudió escultura de
acuerdo a los primeros biógrafos, cuando llegó Algardi en Roma en 1618, estudió escultura de
antigüedades en detalle, más de la escalada ecuestre de Marco Aurelio para determinar la forma en
que fue lanzado, o la realización de una peregrinación hasta el templo de Diana en el lago Nemi. ,
who shared his classicizing emotionally‐detached manner of depiction, arrived in Rome, and the
two foreign artists lodged together. En 1624, Nicolas Poussin, que comparte su classicizing
separarse emocionalmente de forma de representación, llegaron a Roma, y los dos artistas
extranjeros presentadas conjuntamente. . Ambos se trasladaron en el círculo de patrocinio de
Cassiano dal Pozzo. . Ellos desarrollaron un canon ideal expresivo de las cifras, para contrarrestar el
teatro barroco de Bernini. , in Lives of the Modern Painters, Sculptors and Architects from 1672,
hailed Duquesnoy'ss art as restoring contemporary sculpture to quality of antique Roman sculpture.
hailed Duquesnoy art as restoring contemporary sculpture to quality of antique Roman sculpture.
Contemporáneo críticos, al igual que Giovanni Bellori, la vida de la moderna pintores, escultores y
arquitectos a partir de 1672, aclamado Duquesnoy del arte como la restauración de la escultura
contemporánea a la calidad de la escultura romana antigua. . Bellori dice que con su Santa
Susanna, Algardi "había dejado a los escultores modernos ejemplo de estatuas vestidos de cifras, lo
que hace él más que la igualdad de los mejores escultores antiguos "
que hace él más que la igualdad de los mejores escultores antiguos ....
Escultor clásico
Escultor clásico
• putti for
putti for . Duquesnoy Entre las primeras obras se bajorrelieve putti de Villa Doria
Duquesnoy Entre las primeras obras se bajorrelieve putti de Villa Doria
Pamphili [2]. for (in process 1624–1633). A pesar de la polaridad percibidos por
los contemporáneos en su enfoque estilístico, Duquesnoy colaboró con Bernini, en
el diseño, entre otros, de los ángeles que ofrecen guirnaldas de la Baldacchino de
S i tP t ' (
Saint Peter's (en proceso 1624‐1633). Los cuatro ángeles son totalmente
1624 1633) L t á l t t l t
Duquesnoy del trabajo, y este trabajo le avanzadas futuro comisiones. La estatua
de Santa Susanna
• Duquesnoy la classicized Santa Susanna
q y ((1629) representa a la santa como
) p
modesto y revelar en virtud de tapizados de mármol ‐ "tanto es así que el puro
volumen de los miembros es visible" (Bellori). in front of the Roman Forum of
Trajan (1630–33). Esta es una de las cuatro esculturas que representan vírgenes
g p
mártires de diversos escultores de la iglesia de Santa Maria di Loreto en la parte
delantera del Foro romano de Trajano (1630‐33). Los críticos han señalado en el
refinado y superficies de la suavidad y dulzura con que Duquesnoy invertido esta
estatua. Hay una trascendencia en su mirada vacía. was sent to Paris (1739) and
Duquesnoy'ss Susanna
Duquesnoy Susanna entered the canon of most
entered the canon of most‐admired
admired modern sculptures. La
modern sculptures. La
escultura era poco conocido hasta el siglo 18, cuando una copia en mármol de
Guillaume Coustou fue enviado a París (1739) y la Duquesnoy Susanna entrado en
el canon de más admiradas esculturas modernas.
Escultor clásico
Escultor clásico
• San Andrés
San Andrés La estatua de San Andrés
La estatua de San Andrés en el Cruce de San Pedro
en el Cruce de San Pedro
• El más extrovertido de mármol representación de San Andrés (1629‐33) se
inició pocos meses después de su finalización de la Santa Bibiana. Es uno de
los cuatro más grandes‐que‐la vida estatuas en las esquinas del cruce de San ;
p , , p p y
each depicts a venerated relic, which at the time, was property of the Pope p
and St. Peters. Peter's Basilica, cada uno representa una venerada reliquia,
que en su momento, fue propiedad del Papa y de San Pedro. Saint Longinus ,
Santa Veronica , and St Helena ). (Las otras cuatro estatuas son Bernini's Saint
Longinus, Mochi la Santa Verónica, y Bolgi de Santa Elena). Duquesnoy se
enojó se dice cuando Bernini han intrigado a su Longinus colocado en la
enojó, se dice, cuando Bernini han intrigado a su Longinus colocado en la
esquina que sólo pueden recibir directamente los rayos de luz solar,
mejorando el drama de esa pieza. in 1461, but returned to by centuries later.
La estatua de Andrew se quiere decir en honor a la reliquia de los apóstoles
del cráneo, supuestamente presentó al papa Pío II por el emperador bizantino
Th
Thomas Paleologus en 1461, pero regresó a Constantinopla por Pope Paul VI
P l l 1461 ó C t ti l P P l VI
siglos más tarde. Es útil contrastar el tono de Andrew con la de Longinus:
Andrew en las colgaduras caída vertical o vea lánguida, mientras que la ropa
de Longinus inflar en improbably almidonada ebullience. of his martyrdom,
while Longinus theatrically flings arms outward expostulating divine influence.
g y g p g
Andrew se derrumba sobre el saltire cruz de su martirio, mientras que
Longinus teatralmente flings armas hacia el exterior expostulating divina
influencia. Ambas estatuas acentuar las diagonales, pero la Duquesnoy es
más restringido que cualquiera de los dos Bernini o de la contribución de
Mochi.
Mochi
Escultor clásico
Escultor clásico
Otras obras
, who offered the position of royal sculptor to and with the goal of founding a royal academy of sculpture in
who offered the position of royal sculptor to and with the goal of founding a royal academy of sculpture in
Paris. Poussin recomendó a Duquesnoy Cardinal Richelieu, que ofreció la posición de real a escultor Louis XIII y
con el objetivo de fundar una real academia de escultura en París. and episodes of vertigo (he fell from the
scaffolding while attaching the gilded to his Susanna ) and bouts of depression. Duquesnoy estaba a punto de
navegar desde Livorno, cuando murió, había sufrido durante años a partir de la gota y los episodios de vértigo
(que cayó de un andamio mientras que el enganche del dorado rama de palma a su Susanna) y episodios de
depresión Su hermano Jerome Duquesnoy II (1612 ‐
depresión. Su hermano, Jerome Duquesnoy II (1612 24 de octubre 1654)‐quemado en la hoguera por sus
24 de octubre 1654) quemado en la hoguera por sus
proclividades homosexuales‐heredado el trabajo inacabado en el estudio, incluyendo el busto del obispo Triest
para el obispo de la tumba de Duquesnoy en Bruselas (firmado por Jerónimo; ahora en el Louvre). Al igual que
otros escultores que trabajan en 17mo siglo‐Roma, Duquesnoy está llamada a restaurar antigüedades y
completo, para torsos sin cabeza rara vez se encuentran con un mercado contemporáneo conocedores. )
Duquesnoy amplified a torso into a characteristically expansive gesture that deeply satisfied contemporary
t t b t
taste but was bitterly criticised by by the end of the 18th century. Con la Rondanini fauno
bitt l iti i d b b th d f th 18th t C l R d i if (1625 30 h
(1625‐30; ahora en el l
Museo Británico) Duquesnoy amplificado un torso en un característicamente barroco expansiva gesto
profundamente convencido de que el gusto contemporáneo, pero fue criticado amargamente por
Neoclassicists a finales del siglo 18. ( illustration, right ). Completó un torso romano como Adonis (ilustración,
a la derecha). and is now in the Louvre. Se encontró su camino en la recogida de cardenal Jules Mazarin y se
encuentra ahora en el Louvre. Hay bustos de bronce de la Susanna en Viena, Berlín y Copenhague. Finamente
terminado en pequeña escala de bronces antiguos temas, apto para coleccionistas, ocupó el escultor y su
i d ñ l d b i l i i ó l l
estudio de los asistentes. . A Mercurio y Cupido está en el Louvre, un gracile Baco en el Museo del Hermitage.
as a pendant to a Hellenistic bronze Hercules in his collection, a compliment to Duquesnoy and implicitly a
statement of the parity of the Ancients and the Moderns. A Mercurio de bronce fue encargado por el Roman torso,
coleccionista de antigüedades Vincenzo Giustiniani como un colgante con un bronce helenístico Hércules en su Adonis, un torso
colección, un elogio a Duquesnoy e implícitamente una declaración de la paridad de los Antiguos y la Moderns.
Giustiniani encargó una de tamaño Virgen y el Niño de Duquesnoy en 1622, en un momento en que el escultor romano, restaurado
t d
fue presionado duro para terminar su Andrew, debido a la interrupción de los pagos instigado por un cabal
(Joachim von Sandrart). 's royal sculptor owned a great number of Duquesnoy's terra‐cotta models, which are y completado por
recorded in the inventory of Girardon's collection drawn up after his death in 1715 (Lingo). Su terracota modelli François Duquesnoy,
tenían más probabilidades de llevar la inmediatez del escultor del tacto y son de especial valor para otros
, p p g ç p p g
escultores, si pudieran pagarlos. Louis XIV 's real escultor François Girardon de propiedad de un gran número ((Museo del Louvre))
de Duquesnoy de terra‐cotta modelos, que son registrados en el inventario de la colección de Girardon
elaborado después de su muerte en 1715 (Lingo).
Istvan Ferenczy
yinternacional
István
Ferenczy
(1792--1856)
(1792
Nació en Rimaszombat, Hungría.
E lt
Escultor y grabador de estilo
b d d til
neoclásico italiano, pionero del arte
escultórico en su tierra. Si bien su
escultórico en su tierra. Si bien su
especialidad inicial era el labrado de
medallas, posteriormente se dedicó
d ll
de lleno a la escultura monumental.
l lt t l
Estudió en Viena y en Roma, donde
tuvo excelentes maestros entre los
tuvo excelentes maestros entre los
cuales destaca el genio italiano
Antonio Canova quien influenció
profundamente su estilo.
f d t til
• Las estatuas de mármol realizadas por
Ferenczy son muestra de excelencia para los
entendidos, así lo son también sus sobre
relieves, bustos y tallados en cera. Fue
li b t t ll d F
suficiente que enviara algunas de sus
primeras esculturas a Hungría para que de
primeras esculturas a Hungría para que de
inmediato sus compatriotas le reconocieran
como artista insigne de la nación
como artista insigne de la nación.
Algunas de sus obras
obras.
La pastora
Por István Ferenczy
Hungría
mármol
obras.
Rosalía Schodel
Por István Ferenczy
Hungría
mármol
Agam Yaacov
g internacional
Agam Yaacov,
Jacob Gipstein
1928‐)
• Se
Se formó como escultor en la escuela
formó como escultor en la escuela
Bezalel de Jerusalén durante el curso 1947‐
1948 y después partió a Zurich para
1948 y después partió a Zurich para
perfeccionar sus estudios en la Escuela de
Arte Giedion En 1951 se trasladó a París e
Arte Giedion. En 1951 se trasladó a París e
ingresó en el Taller de Arte Abstracto,
instalándose definitivamente desde ese
instalándose definitivamente, desde ese
momento en la capital francesa.
• Celebró su primera exposición individual en 1953,
en la Galería Craven de París y pronto formó parte
l G l í C d P í t f ó t
del grupo de escultores creadores del arte cinético,
participando en la exposición "El
participando en la exposición El movimiento
movimiento" de la
de la
Galería Denise René, junto a Soto y Calder, entre
otros.
otros.
Con el tiempo llegó a ser un artista de prestigio
reconocido y participó en comisiones públicas de
relevancia como la encargada del diseño del barrio
de La Defense de París en 1973.
obras.
YYaacov Agam
A
Comunidad judía Bienvenido 1998
Nueve paneles de metal
varios colores
instalado 1998
instalado 1998
Regalo de Jeanette y Sonny Lasky
Colección de Centro Comunitario
Judío
Ubicación: Centro Comunitario Judío,
y
Marilyn Fox edificio, Baxter Road,
Chesterfield
Algunas de sus obras.
obras
Yaacov Agam
El Noveno Power,
1970‐71
Acero inoxidable, 70
3 / 4 x 70 x 70 "
Regalo de Seymour H.
Knox, 1971
Archipenko, Alexander Porfirievich
p , internacional
Archipenko, Alexander
Archipenko Alexander
Porfirievich
(1887‐1964).
• Escultor nacido en Rusia y nacionalizado
y
estadounidense. Nació en Kiev y estudió en la
Academia de Arte de su ciudad natal y en la Escuela
de Bellas Artes de París. Entre 1908 y 1914 París fue
el centro de sus actividades; de 1921 a 1923 vivió
en Berlín a partir de 1923 se trasladó
en Berlín y a partir de 1923 se trasladó
definitivamente a Estados Unidos, donde impartió
clases y dio conferencias en varias escuelas de arte
clases y dio conferencias en varias escuelas de arte
y universidades. Entre 1939 y 1955 dirigió una
escuela de bellas artes privada en Nueva York.
p
• Archipenko fue un escultor al que le gustaba
experimentar e innovar. Redujo la figura humana a
formas abstractas y creó obras que se cuentan
entre las primeras esc lt ras c bistas como
entre las primeras esculturas cubistas, como
Medrano (1914, Museo Guggenheim, Nueva York).
Desarrolló un estilo que subraya la importancia de
q y p
las formas cóncavas como límites exteriores de la
escultura (el antivolumen) y los espacios vacíos.
Utilizó nuevos materiales como el vidrio o el hierro
Utilizó nuevos materiales, como el vidrio o el hierro,
que le permitieron conseguir nuevos efectos, y
revivió la utilización del color en la escultura.
obras.
Gondolero 1914
Material: Bronce.
Medidas: 83 cm.
Museo: museo de Arte Moderno. París
obras.
Archipenko Alexander Porfirievich

Carrousel Pierrot, 1913.
Yeso pintado, 24 x 19 1 / 8 x 13 3 /
Yeso pintado 24 x 19 1 / 8 x 13 3 /
8 pulgadas.
Solomon R. Guggenheim Museum.
Solomon R. Guggenheim Museum.
Rights Society (ARS), Nueva York.
Hugo Marin
g nacional
H
Hugo M
Marín
í
Nombre: Hugo Marín.
N i
Nacionalidad: Chileno
lid d Chil
Vida: Nació el 15 de marzo de 1930.
Realizó sus estudios artísticos en la escuela de Artes
Aplicadas donde asistió durante dos años a los cursos vespertinos de
Aplicadas, donde asistió durante dos años a los cursos vespertinos de
José Perotti. Fue becado en dos oportunidades, en 1952 y 1953, por
el gobierno de Francia e Italia para especializarse en París y Roma.
Ingresó a los Mimos de Alejandro Jodorowsky y participó
en su primera presentación en el Teatro Municipal, también trabajó
E
en Europa como mimo.i
Realizó estudios de Meditación Trascendental que
perfeccionó en Seelisberg, Suiza y ha trabajado como profesor de esa
disciplina en Chile y el extranjero.
Sus viajes por distintos países del mundo han colaborado
Sus viajes por distintos países del mundo han colaborado
en su formación personal y han sido claves en la elaboración de los
universos que el artista ha plasmado en sus creaciones.
Técnicas escultóricas y materiales aplicados en
sus obras.
El trabajo plástico de Hugo Marín desde sus inicios ha
El trabajo plástico de Hugo Marín desde sus inicios ha
estado ligado a su meditación y posición metafísica, a su forma de
ver y sentir el mundo, donde las energías precolombinas y tibetanas,
la alquimia, el cosmos, saberes ocultos, lugares sagrados, son
algunos de los elementos recurrentes del artista
algunos de los elementos recurrentes del artista.
El invoca ciertas energías en su proceso creativo como un
vehículo para captar la magia de lo que quiere transmitir a través de
su arte.
Es un buscador del misterio, del equilibrio, un investigador y
estudioso de las culturas antiguas, de la sabiduría oriental y de la
meditación trascendental.
j
Su trabajo artístico comenzó con el esmalte sobre metales,
después vino el collage en papel y madera y luego su particular
estilo precolombino hacia la pintura y el dibujo, sin dejar nunca de
lado la escultura.
En la elaboración de éstas ha utilizado materiales como
En la elaboración de éstas ha utilizado materiales como
adobe, cemento, greda y cuero con paja, plumas, calabazas, objetos
de desecho, fibras vegetales, prótesis, polvo de ladrillo, tierra de
color y gasa.
Sus trabajos evocan antiguas culturas mezclas semánticas
Sus trabajos evocan antiguas culturas, mezclas semánticas,
estéticas y simbólicas donde lo mapuche, lo maya y lo aimara se
cruzan con el Tíbet y África, con la India y Perú. En sus obras es
posible imaginar esos orígenes donde la relación del hombre con sus
ídolos y con lo sagrado era clara y potente
ídolos y con lo sagrado era clara y potente.
Aportes de Hugo Marín
Aportes de Hugo Marín
Ha recibido premios, becas y distinciones, entre ellos:
ganador del Concurso "Sinfonía de París", Santiago en 1952, lo que
significó una beca por un año en París; Premio del Gobierno Francés
por sus Esmaltes en 1952; Prix
l d
des Anciens, Salón de Artistas
ló d
Decoradores, París, Francia en 1953; Mención Honrosa en Bienal de
Arquitectura de Valparaíso en 1985; Premio de Escultura de la I.
Municipalidad de Santiago en 1992; Primer Premio de Pintura
"América Ayer y Hoy", Fundación Marco Bontá, Santiago en 1992 por
su obra "El Inca".
Obras de Hugo Marín.
Autor: Hugo Marín
Técnica: Escultura en técnicas mixtas
Colección: Museo de Artes Visuales
En la presente obra Marín toma la forma arcaica en un
despliegue de técnicas mixtas y la convierte en un
objeto que reflexiona sobre la representación de la
modernidad, de las vanguardias artísticas. El artista
combinó las formas de afrontar el mundo de las
combinó las formas de afrontar el mundo de las
vanguardias y la combinó con las formas legadas por
la América precolombina.
Hugo Marín y sus exposiciones.
g y p
Entre las partes que Hugo Marín ha expuesto de forma individual se destacan París,
Francia; Lucerna, Suiza; Bruselas, Bégica; Ginebra, Suiza; Nueva York, EEUU; Washington,
EEUU; Lima Perú; Estocolmo Suecia; Quito Ecuador entre otros
EEUU; Lima, Perú; Estocolmo, Suecia; Quito, Ecuador, entre otros.
Sus obras están en museos y colecciones de Chile y diferentes partes del mundo:
Museo de Arte Moderno de París, Francia; Museo Histórico Nacional de Ginebra, Suiza;
Museo Stocklet de Bruselas, Bélgica; Museo de Arte Contemporáneo de Santiago, Chile;
q g g
Museo Arqueológico de Santiago, Chile; Museo de la Solidadridad Salvador Allende de
Santiago, Chile; Museo de Chiloé, Chile; Colección Ladeco, Santiago, Chile; Parque Gonzalo
Suárez de Quito, Ecuador.
Para plasmar una escultura Hugo Marín pasa por
Para plasmar una escultura Hugo Marín pasa por
períodos de profunda experimentación y búsqueda
de nuevos materiales, formas y dimensiones:
conchas, fibras vegetales, prótesis dentales y
oculares piedras y arcillas
oculares, piedras y arcillas.
Marín, profesor de meditación trascendental,
construye un puente entre pasado y presente,
acercando épocas lejanas. Para Marín la energía
creativa del arte consiste en la percepción mágica
creativa del arte consiste en la percepción mágica
del mundo, de las dinámicas celestiales, de la
sabiduría de los pueblos originarios. En la obra
de Marín las culturas precolombinas como la
aymara la maya la inca y mapuche se funden con
aymara, la maya, la inca y mapuche se funden con
la cultura africana y la tibetana, en los mitos de
Atlántida y Lemurias.
Felix Maruenda
nacional
Félix maruenda
Félix maruenda.
Félix Albor Maruenda Valencia, escultor. Nació en Santiago, el 20 de
Féli Alb M d V l i lt N ió S ti l 20 d
Abril de 1942 y murió en Isla Negra, Chile, el 9 de Septiembre de
2004.
Estudió Escultura en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de
Chile entre 1963 a 1969 Fue alumno de Marta Colvin y Ricardo
Chile entre 1963 a 1969. Fue alumno de Marta Colvin y Ricardo
Mesa. Posteriormente entre 1970 y 1971 se perfeccionó en
Escultura en la Slade School of Arts de la Universidad de Londres,
Inglaterra.
Entre 1972 y 1973 se desempeñó como profesor de Escultura de la
Entre 1972 y 1973 se desempeñó como profesor de Escultura de la
Universidad de Chile. Fue exonerado de la Universidad por sus ideas
de izquierda y se recluyó en una parcela de Buin donde se dedicó a
diseñar, realizar y dirigir un taller de cerrajería artística. Entre 1991 y
1993 fue profesor de Cerrajería y Forja en la Municipalidad de
Santiago Chile
Santiago, Chile.
Entre 1993 y 1995 fue profesor de taller Complementario de
Escultura en la Universidad de Chile. Desde 1997 fue profesor
ayudante de Escultura en la Universidad Finis Terrae de Santiago,
Chile.
Chile
Félix Maruenda formó parte de la Corporación de Artistas Pro‐
Ecología en Isla Negra, lugar donde se quitó la vida a los 62 años.
ESTRATEGIA VISUAL
ESTRATEGIA VISUAL
Su trabajo escultórico tiende a la creación de
formas abstractas combinadas con claros elementos
figurativos reflejando un claro interés por la integración de
la obra y la arquitectura en la que es emplazada. Se ha
dedicado a técnicas de forja utilizando láminas de fierro
forjadas de todo tipo: planchas de aluminio, hierro en
p p
desecho, alambre de púas. Además utilizó plástico
reforzado, terracota, yeso cemento y madera. Esculpió
mármol en formatos pequeños pensados para obras
monumentales.
p
Su temática muestra un fuerte compromiso con los
problemas sociales y políticos de la época de la Unidad
Popular y de la historia chilena posterior al golpe militar de
1973. Es sus obras pretendió dejar constancia de
transgresiones a los Derechos Humanos, por medio de un
mensaje de dolor, de referencia a la muerte, al sacrificio y
la violencia. Asimismo presentó una gran preocupación por
la naturaleza, realizando esculturas con temas ecologistas.
Lugares de Expociciones de Félix Maruenda.
1965 Salón de Alumnos de la Universidad de Chile, Museo de Arte Contemporáneo, Santiago, Chile.
1971 Colectiva de Postgrado, Slade
1971 Colectiva de Postgrado, Slade School of Arts, Londres, Inglaterra.
of Arts, Londres, Inglaterra.
1972 Exposición Anual, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile.
1975 II Bienal Internacional de Arte de Valparaíso, Chile.
1975 Gráfica y Dibujo, Concurso Colocadora Nacional de Valores, Museo Nacional de Bellas Artes,
Santiago, Chile.
1975 Escultura Concurso Colocadora Nacional de Valores Museo Nacional de Bellas Artes Santiago
1975 Escultura, Concurso Colocadora Nacional de Valores, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago,
Chile.
y
1976 Segundo Concurso de Escultura de la Colocadora Nacional de Valores, Museo Nacional de Bellas
Artes, Santiago, Chile.
1990 De la Esperanza a la Creación, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile.
1991 Ferrosculturas, Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago, Chile.
1993 Escultores Generación 1960 ‐ 1970, Sala Parque de las Esculturas de Providencia, Santiago, Chile.
1995 Corporación Cultural de Artistas Pro Ecología, Pinacoteca de la Universidad de Concepción, Chile.
1996 50 Años de Escultura Contemporánea Chilena, Centro Cultural Estación Mapocho, Santiago, Chile.
1997 Grandes Formatos del Arte, Plástica Chilena Contemporánea, Plaza Oeste, Santiago, Chile.
1997 Grandes Formatos del Arte, Plástica Chilena Contemporánea, Plaza Oeste, Santiago, Chile.
2001 La Madera en la Escultura Chilena, Sala de Arte Fundación Telefónica, Santiago, Chile.
2001 Salón de Primavera en Providencia, Sernatur, Santiago, Chile.
2002 El Acero en la Escultura Chilena, Sala de Arte Fundación Telefónica, Santiago, Chile.
2007 Arte y Cobre, Biblioteca de Santiago, Santiago, Chile.
PREMIOS Y DISTINCIONES
PREMIOS Y DISTINCIONES
Entre algunos premios de Félix Maruenda se destacan:
1965 P
1965 Premio de Honor, Salón de Alumnos, Universidad de Chile, Santiago, Chile.
i d H S ló d Al U i id d d Chil S ti Chil
1967 Tercer Premio, III Bienal de Escultura, Universidad de Chile, Santiago, Chile.
1971 Primer Premio Concurso de Escultura, Ñuñoa, Santiago, Chile
1975 Primer Premio Concurso Mural para Oficina de Max E. Bash, Santiago, Chile.
1975 Segundo Premio Concurso Calendario El Sol 1976, Editorial Lord Cochrane, Santiago, Chile.
1991 Tercer Premio de Escultura, Concurso Parque Arauco, Santiago, Chile.
1992 Primer Premio de Escultura Concurso La Escultura y el Color, Galería Isabel Aninat, Santiago, Chile.
1993 Primer Premio Mural Escultórico, Ministerio de Obras Públicas, Temuco, Chile.
1995 Primer Premio de Escultura Concurso Homenaje al Trabajador del Petróleo Punta Arenas Chile
1995 Primer Premio de Escultura Concurso Homenaje al Trabajador del Petróleo, Punta Arenas, Chile.
2003 Concurso Dirección de Arquitectura, Comisión Nemesio Antúnez, Nueva Imperial, Chile.
Ob d Féli M
Obras de Félix Maruenda
d
• Avión Norteamericano Nº17 531,
Derribado sobre Vietnam del Norte el Día
de mi Cumpleaños, 1965
Homenaje al trabajador
voluntario, Felix
Maruenda. “Homenaje al compañero Presidente”
Peter Blake
internacional
Peter Blake
Peter Blake
Pintor y artista gráfico británico que se
áf á
convirtió en uno de los exponentes del Pop Art.
Para sus obras emplea la iconografía del Comic,
las revistas y los anuncios, evocando el
clorodido de los
de los "dulces
dulces '60
60. Es muy conocido
Es muy conocido
por diseñar la portada del disco "Sergeant
Pepper's Lonely Hearts Club Band." (1967) de
los Beatles.
Estudió en el Gravesend Technical
Estudió en el Gravesend
College & Sch. of Art Londres, y el Royal College
of Art, Londres, donde además ejerció como
profesor, también fue maestro en el St.
Martin's School of Art.
En 1975, fundó la Hermandad de los
Ruralistas un grupo de siete pintores
establecidos en West Country, que trabajaban y
veraneaban juntos, con un interés común en el
espíritu campestre.
íi
Blake se anticipó a los artistas POP de
Nueva York como Roy Lichtenstein, Claes
Oldenburg y Andy Warhol.
Exposiciones de Peter Blake
• ‐ Portal Gallery, Londres
‐ Royal Academy of Art, Londres
‐ Palais
P l i del Beaux
d lB At B
Arts, Bruselas
l
‐ Museum of Modern Art,
(MoMA), Nueva York
‐ Stedelijk Museum, Amsterdam
Museum Amsterdam
‐ Kunstverein, Hamburgo
‐ Gemeente Museum, Arnhem
‐ Palazzo Reale
Palazzo Reale Milan
Umberto Boccioni
internacional
Umberto Boccioni
Umberto Boccioni
Pintor y escultor italiano. Figura clave del
movimiento futur ista italiano, fue también uno de sus más
destacados teóricos. Se inició en el divisionismo de la mano
d Gi
de Giacomo Balla. Después de pasar algún tiempo en París,
B ll D é d l ú ti P í
Rusia, Padua y Venecia se instaló definitivamente en Milán y
se interesó por todo lo referente a la sociedad industrial
moderna. Influido por el simbolismo y por el expresionismo
y
de Munch, y tras varios encuentros con Marinetti, Carrà yy
Russolo, la obra de Boccioni se desarrolló a partir de 1910
alrededor de dos conceptos clave: dinamismo y
simultaneidad. Entre sus obras cabe destacar La ciudad que
surge (1910) y La calle ante la casa, pinturas que, aun siendo
formalmente distintas hacen referencia al mismo tema la
formalmente distintas, hacen referencia al mismo tema, la
ciudad, que para los futuristas simbolizaba la modernidad,
el movimiento y la velocidad. En cuanto a su actividad
escultórica, que desarrolló paralelamente a la pictórica, fue
pionero en el uso de nuevos materiales, como el cristal, el
cemento o el hierro así como en el aprovechamiento de la
cemento o el hierro, así como en el aprovechamiento de la
luz eléctrica.
Humberto Biccioni su relación entre el
futurismo y escultura.
Tras su llegada a Milán y su encuentro con los divisionistas y
con Filippo Tommaso Marinetti, escribió, junto con Carlo Carrà, Luigi
Russolo, Giacomo Balla y Gino Severini, el Manifiesto de los pintores
f t i t (1910), al cual siguió el Manifiesto técnico del movimiento
futuristas (1910) l l i ió l M ifi t té i d l i i t
futurista (1910). Según dichos manifiestos, el artista moderno debía
liberarse de los modelos y las tradiciones figurativas del pasado, para
centrarse únicamente en el mundo contemporáneo, dinámico y en
p p
continua evolución. Como temas artísticos proponían la ciudad, los
automóviles y la caótica realidad cotidiana.
En sus obras, Boccioni supo expresar magistralmente el
movimiento de las formas y la concreción de la materia.
Un intento similar domina también su escultura, en la cual
d
despreció a menudo los materiales nobles, como el mármol o el
ió d l i l bl l á l l
bronce, prefiriendo la madera, el hierro o el cristal. Lo que le
interesaba era mostrar la interacción de un objeto en movimiento
con el espacio circundante.
Expociciones de Humberto Boccioni
• Exposición Universal de 1888, 1991
• Galería Nacional de Cosenza.
Galería Nacional de Cosenza.
Obras de Umberto Boccioni.
Obras de Umberto Boccioni
• Development of a Bottle in
Space, 1913, Umberto Boccioni
b i i
Unique Form of Continuity in
S
Space, 1913, Umberto
1913 U b t
Boccioni
Dynamism of a Racing Horse &
House (unfinished)
Jean Bologne
g internacional clasico
Jean Bologne.
Jean Bologne.
Juan de Bolonia (1529‐1608), escultor flamenco‐italiano, fue uno de los
artistas más influyentes del manierismo de finales del siglo XVI.
á fl d l d f l d l l
Su verdadero nombre era Jean Bologne, también conocido como
Giambologna. Nació en Douai, Flandes, y a los dieciséis años entró como aprendiz en
el taller de Dubroeucq. En 1554 marchó a Roma (Italia), donde residió dos años y
estudió en profundidad la escultura de Miguel Ángel. Transcurrido ese tiempo se
estableció en Florencia bajo el mecenazgo de Bernardo Vecchietti, ciudad en la que
t bl ió Fl i b j l d B d V hi tti i d d l
permaneció el resto de su vida.
El papa Pío IV le hizo el primer encargo importante: una fuente con un
colosal Neptuno de bronce en el centro (1566) para la ciudad de Bolonia. En sus
obras posteriores intentó transmitir un mayor sentido del movimiento, que a menudo
construía con espirales o líneas retorcidas Una serie de estatuas en bronce que
construía con espirales o líneas retorcidas. Una serie de estatuas en bronce que
realizó del dios romano Mercurio culminó en el famoso Mercurio (1580, Bargello,
Florencia), notable por la etérea elegancia de su pose: la figura desnuda se apoya
sobre la punta del pie izquierdo, con el brazo derecho alzado y un dedo de esa mano
señalando hacia arriba. El rapto de las sabinas (1583, Loggia dei Lanzi, Florencia),
considerada como su obra más importante, es una compleja composición en mármol
p , p j p
con tres figuras que forman un grupo compacto aunque grácil, ascendiendo en
espiral desde la que está en cuclillas, pasando por la que está de pie y acabando en la
figura que es llevada en lo alto. Para la familia Medici realizó obras decorativas, como
fuentes, estatuas para jardines y monumentos conmemorativos, como la estatua
ecuestre de Cosme I. Juan de Bolonia fue el escultor más afamado de su tiempo, y
creó un estilo manierista internacional que influyó directamente en la escultura
ó til i it i t i l i fl ó di t t l lt
barroca posterior, y en particular en la obra de Gian Lorenzo Bernini.
Trabajos de Bologne
Trabajos de Bologne
• Giambologna llegó a ser bien conocido para un sentido fino de la acción
llegó a ser bien conocido para un sentido fino de la acción
y del movimiento, y un final superficial refinado, distinguido. Entre sus
trabajos más famosos está el mercurio (de cuál él hizo cuatro
versiones), contrapesado en un pie, apoyado por un zephyr. El dios
levanta un brazo a los heavenwards del punto, en un gesto prestado del
repertorio del retórico clásico que son característicos del maniera de
t i d l tó i lá i t í ti d l i d
Giambologna.
• Varias pinturas de Giambologna de Venus establecieron un canon de
proporciones y de los modelos del sistema para la representación de la
diosa que eran influyentes para dos generaciones de escultores, en
diosa que eran influyentes para dos generaciones de escultores, en
Italia y en el norte. Él creó las alegorías que promovían fuertemente la
propaganda política de Medicean, tal como Florencia que derrotaba
Pisa y, menos abiertamente, Samson que derrotaba a un philistine, para
Francesco de ' Medici (1562)
• Hé l
Hércules y Nessus
N (1 99) l
(1599), Florencia
i
• Él encantó solucionar los problemas espaciales complejos de tres
figuras intertwined en su violación famosa de las mujeres de Sabine
(1574‐82). El tema finalmente no fue determinado hasta que después
de él había sido instalado en el dei Lanzi de la logia en el della
de él había sido instalado en el dei de la logia en el della Signoria
de la Plaza de Florencia. Hércules que bate el centaur Nessus (1599) es
también una fuerza de de de viaje consciente. Está también en el dei
Lanzi de la logia.
Trabajos de Bologne
Trabajos de Bologne
La estatua ecuestre de Cosimo I de ' Medici también en Florencia,
fue terminada por su estudio Pietro auxiliar Tacca.
Giambologna proporcionó tan bien como muchas esculturas para
los grottos y las fuentes del jardín en los jardines de Boboli de Florencia y
en Pratolino, y las puertas de bronce de la catedral de Pisa. Para el grotto
del chalet Medicea de Castello él sculpted una serie de estudios de
animales individuales, a partir de la vida, que se puede ahora ver en el
Bargello. Las reducciones de bronce pequeñas de muchas de sus
Bargello. Las reducciones de bronce pequeñas de muchas de sus
esculturas eran estimadas por los connoisseurs en ese entonces y desde
entonces, porque la reputación de Giambologna nunca ha sufrido eclipse.
Giambologna era una influencia importante en escultores más
últimos a través de sus pupilas Adriaen de Vries y Pietro Francavilla que
i i d
izquierdo su taller para París en 1601, así como Pierre Puget
t ll P í 1601 í Pi P t que separó la
ól
influencia de Giambologna a través de Europa norteña, y en Italia en
Pietro Tacca, que asumió el taller de Giambologna en Florencia, y en
Roma en Gian Lorenzo Bernini y Alessandro Algardi.
Obras de Jean Bolonge.
g
Architettura ejemplifica los
miembros largos del tipo
femenino ideal influyente de
Gi b l
Giambologna (B
(Bargello)
ll )
La violación de las mujeres de
Sabine (1574‐82), Florencia.
Hércules y Nessus (1599), Florencia
Samuel Roman Rojas
j internacional
Samuel Román rojas
Samuel Román rojas
• 1924 Llega a Santiago a los 17 años para ingresar a la escuela de Bellas Artes,
1924 Llega a Santiago a los 17 años para ingresar a la escuela de Bellas Artes,
sus profesores serán Virginio Arias y Carlos Lagarrigue.
• 1925 Se le otorgará la tercera medalla en escultura en el Salón Oficial.
• 1937 Obtiene la beca Humbolt, para estudiar en la Academia de Berlín. Junto
a José Perotti e Israel Roa obtienen un taller que comparten durante su
J é P tti I lR bti t ll t d t
estadía en Alemania, allí conoce la producción artística de Ernst Barlach y
Kate Kollwitz, en su visita a Francia tiene la oportunidad de admirar a Ossip
Zadkine y también las esculturas griegas clásicas y las de Miguel Angel
• Su padre era de origen campesino y su madre descendía de artesanos
populares que fabricaban estribos, riendas y aperos.
• 1943 El Presidente Ríos inaugura la Escuela de Canteros
"Pedro
Pedro Aguirre Cerda
Aguirre Cerda" creada por Samuel Román, esta
creada por Samuel Román, esta
institución rehabilita la artesanía artística de la piedra
requerida por la arquitectura y el diseño de parques, plazas y
jardines.
• 1949 Inaugura en Santiago el monumento a José Manuel
1949 Inaugura en Santiago el monumento a José Manuel
Balmaceda
• 1959 Inaugura el monumento a don Enrique Molina
Garmendia, Rector y fundador de la Universidad de
Concepción.
ó
• 1961 Obtiene la mención honrosa en la VI Bienal de Sao Paulo.
• 1964 Recibe el Premio Nacional de
Arte.
• 1966/1967 Viaja de nuevo por Europa
recorriendo países como Alemania,
Bél i F
Bélgica, Francia, Italia y la Unión
i It li l U ió
Soviética.
• Técnicas de trabajo
• S
Su gran importancia radica en que con su
i t i di
escultura cultivó un sentimiento americanista,
con un intento de encontrar y desarrollar una
escultura con identidad nacional.
• Realizó obras en greda, bronce, terracota, yeso y
piedra. Desarrolló un estilo depurado, de
superficies lisas y volúmenes ondulantes, que
podemos apreciar tanto en los monumentos por
podemos apreciar tanto en los monumentos por
encargo, en sus esculturas personales de gran
tamaño como y en sus obras de proporciones más
reducidas.
Marta Colvin
nacional
Marta colvin
Marta colvin
• Es iniciada en la escultura por la profesora de
Artes Plásticas del Liceo de Chillán, Noemí
Mougues.
• 1939
El terremoto destruye completamente la
ciudad de Chillán, por lo que se ve obligada a
ciudad de Chillán, por lo que se ve obligada a
emigrar a Santiago donde ingresa a los 21
años a la escuela de Bellas Artes.
• 1944
Obtiene el primer premio del 56¼ Salón
Obtiene el primer premio del 56¼ Salón
Oficial de Bellas Artes.
Primeros destellos de talento
Primeros destellos de talento.
• 1945
Se inicia como ayudante de la cátedra de escultura que dirige
el profesor Julio Antonio Vásquez.
p q
• 1948
Gana una beca del gobierno francés. En Francia ingresa a la
A d i d l G d Ch
Academia de la Grande Chaumiere, donde estudia con el
i d d di l
escultor ruso nacionalizado francés, Osrip Zadkine y asiste a
los cursos de estética dictados por el profesor Souriau,
p p ,
durante su estadía visitó los principales Museos y centros
artísticos de Italia, Francia, Bélgica e Inglaterra
• 1950
Regresa a Chile en 1950, reasumiendo la cátedra de
profesora auxiliar de escultura.
f l d l
• 1951
Recibe una beca que le permite viajar a Gran Bretaña
para realizar estudios en el Stade School de la
para realizar estudios en el Stade School de la
Universidad de Londres, allí trabaja con el escultor J.
E. Mc. William, se vincula con el crítico de arte inglés
Herbert Read y con el escultor Henry Moore, al cual
lo unirá una estrecha amistad
lo unirá una estrecha amistad.
• 1959
Es seleccionada para participar en la exposición al aire
Es seleccionada para participar en la exposición al aire
libre en los jardines del Museo Rodin en parís.
• 1965
Alcanza su consagración internacional al recibir el Primer
Premio de escultura en la VIII Bienal de Sao Paulo.
Premio de escultura en la VIII Bienal de Sao Paulo.
• 1970
En noviembre es condecorada con la medalla del
Congreso Nacional en reconocimiento a sus méritos
artísticos; en ese mismo año recibe el Premio Nacional
;
de Arte
Sergio Castillo
g nacional
Sergio castillo
Sergio castillo
• Sergio Castillo, escultor, nació en Santiago el
13 de mayo de 1925.Realizó sus estudios de
humanidades en el Liceo deAplicación
humanidades en el Liceo deAplicación,
egresando el año 1942, luego ingresa a la
Escuela de Arquitectura de la Universidad
Católica, permaneciendo en ella durante dos
años. En 1948 viajó a París y siguió cursos de
pintura en la Escuela de Bellas Artes y en la
pintura en la Escuela de Bellas Artes y en la
Academia Julien
• De regreso a Chile se matriculó en
la Facultad de Artes de la
U i
Universidad de Chile, donde tuvo
id d d Chil d d
como maestros a Julio Antonio
Vásquez, Lily Garafulic
q , y yy Marta
Colvin. En 1956 y durante un año,
Estudió en la Art Student Ligue de
New York
New York.
• Sergio Castilllo pertenece a la llamada Generación del
Cincuenta que agrupa a escultores que se formaron e
que agrupa a escultores que se formaron e
innovaron en esa década. Su formación se complementó
con estudios posteriores en Europa y en el Art Student
League de Nueva York, Estados Unidos.En 1967, fue
nombrado profesor de la Escuela de Bellas Artes de la
Universidad de Chile comenzando una importante labor
docente que le valió la obtención de la beca Fullbright en
1968, como Profesor Visitante de la Berkeley University en
California, Estados Unidos y en formó parte del profesorado
de la Universidad de Boston en EE UU donde dictó un
de la Universidad de Boston, en EE. UU, donde dictó un
taller de Escultura directa en Metal.
• Realiza obras trabajando directamente sobre el
metal, el que rescata de desechos varios;
mediante el uso de sopletes y soldaduras, une
di t l d l t ld d
aquellos restos encontrados en una nueva
composición, que integra las formas originales
de cada pieza. Varias de sus obras forman parte
de cada pieza. Varias de sus obras forman parte
de colecciones de museos y galerías de varios
países; muchas, también, ocupan edificios,
parques y otros espacios públicos a lo largo de
t d Chil
todo Chile y en otras partes del mundo.
t t d l d
• El escultor ha expuesto individualmente en los
principales museos y galerías de Nueva York,
principales museos y galerías de Nueva York,
Lima, Washington, Ciudad de México, Boston,
Madrid, Algorta, Sevilla, Ginebra, Cádiz,
Estocolmo, Barcelona, Bilbao, Filadelfia, entre
otras ciudades En las exposiciones colectivas ha
otras ciudades. En las exposiciones colectivas ha
participado en muestras exhibidas en Roma, Sao
Paulo, Paris, Lima, Trujillo ( Venezuela), Nueva
York, San Francisco, Baltimore, Texas, Madrid y
Barcelona.
Barcelona
Carlos Ortuzar
nacional
Carlos Ortúzar
• Pintor y escultor chileno. Nació en Santiago el 17 de marzo de 1935 y
Pintor y escultor chileno. Nació en Santiago el 17 de marzo de 1935 y
falleció en la misma ciudad el 25 de abril de 1985.
• Realizó sus estudios en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de
Chile. En 1964 obtuvo la Beca Fullbright que le permitió realizar estudios
en el Pratt Institutte de Nueva York, Estados Unidos y ese mismo año
obtuvo otra beca para estudiar en The New School for Social Research de
la misma ciudad.
• E 1959 f
En 1959 fue nombrado secretario del Museo de Arte Contemporáneo de
b d t i d lM d At C t á d
Santiago, cargo que desempeñó hasta 1964. En 1966 y hasta 1975 fue
profesor de tecnología del arte en la Facultad de Bellas Artes de la
y
Universidad de Chile y en 1985 fue docente en la Universidad Central de
Santiago. También ejerció como profesor de volumen en la Escuela de
Diseño en la ciudad de Barcelona, España.
• En 1970 se hizo acreedor de una beca invitación para trabajos de elementos
En 1970 se hizo acreedor de una beca invitación para trabajos de elementos
conceptuales en el Center for Advanced Visual Studie M.I.T. en la ciudad de
Boston, Estados Unidos.
• Carlos Ortúzar, hombre multifacético y con gran interés por el aprendizaje y la
i
investigación, realizó también estudios de teatro, filosofía y derecho; en Estados
ti ió li ó t bié t di d t t fil fí d h Et d
Unidos se interesó por aprender ciencias, técnicas, cibernética, física y las
disciplinas Más avanzadas para luego incorporarlas a su arte.
• Además, fue uno de los primeros representantes del arte cinético en América
, p p
Latina y el fundador, junto a Eduardo Bonati, del Centro de Diseño para la
Arquitectura.
• Personajes del choapa chalinga mool
Premios y reconocimientos
• Tercer premio de pintura del Salón Oficial de Santiago 1958.
• Tercer premio de pintura del Salón Oficial de Santiago 1960.
• Segundo premio de pintura del Salón Oficial de Santiago 1961.
• Segundo premio de pintura CAP 1961.
• Primer premio de pintura Concurso CAP 1964.
Primer premio de pintura Concurso CAP 1964.
• Primer premio Concurso Nacional de Esculturas (Escultura del Parque
Cerrillos) 1970.
• Primer premio Concurso Nacional de Esculturas para el monumento al
Primer premio Concurso Nacional de Esculturas para el monumento al
general Schneider 1971.
• Ganador del concurso para construir el mural del aeropuerto de
Antofagasta, del que fue coautor 1972.
• Primer premio Certamen Terracota de Pintura 1979.
• Premio pintura del Concurso de la Colocadora Nacional de Valores y Gran
Premio del Salón Sur de Pintura y Grabado. 1980.
OBRAS
• escultura mural de Aerolíneas Varig 1968.
• mural cinético para el Banco Concepción de esa ciudad 1969
mural cinético para el Banco Concepción de esa ciudad 1969.
• escultura cinética luminosa en el edificio Peugeot 1969.
• mural en el paso nivel Santa Lucía de Santiago 1970.
• escultura en el Parque Cerrillos de Santiago 1971.
escultura en el Parque Cerrillos de Santiago 1971.
• mural en el Hospital del Trabajador de Santiago y Concepción 1971.
• monumento al general René Schneider en Santiago 1971.
• escultura cívica en la plaza UNCTAD de Santiago 1972.
p g
• mural en el aeropuerto de Antofagasta 1972.
• mural en el Consulado de Chile en Nueva York, Estados Unidos 1973.
• tres esculturas ópticas en San Cugat del Valles en Barcelona, España 1978.
• Escultura Schell "Prisma" en Santiago 1981.
• Escultura cinética Edificio Santiago 1981.
• Escultura cinética "Cintac" en Santiago 1981.
• Escultura Edificio I.B.M. en Santiago 1986.
• escultura cinética “Aire Luz” en el Parque de las Esculturas de Providencia en
Santiago 1989.
Monumento al General René
Schneider
Autor:Carlos Ortúzar
Técnica:Escultura en Acero
Colección:Monumento público,
Rotonda Kennedy, Santiago
• LLa obra escultórica de Carlos Ortúzar estuvo determinada por la
b lói d C l O ú d i d l
investigación de los materiales, específicamente con las novedades en el
campo material que obtenía la producción industrial. Carlos Ortúzar se
ocupó por una Parte en la experimentación con materiales poco ortodoxos
ocupó por una Parte en la experimentación con materiales poco ortodoxos
como perfiles de aluminio y acrílico y por otra a desmantelar de recursos
decorativos a su escultura. Esto significó la depuración de las formas hasta
los elementos mínimos como verticales y horizontales que responde
también a la forma primaria de los elementos constructivos. “Monumento
bié l f i i d l l i “M
al General René Schneider” corresponde a los postulados del artista que
según testimonio creía que la exposición monumental de la obra de arte
completaba el trabajo hecho en el taller.
completaba el trabajo hecho en el taller.
Oswaldo Peña
nacional
Oswaldo Peña
Oswaldo Peña
• Vida
• Osvaldo Peña, escultor, nació en Santiago el 10 de noviembre de 1950.
• Ingresó en 1970 a la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, para iniciar
su formación artística, la que pudo tener lugar sólo durante dos años y medio,
su formación artística, la que pudo tener lugar sólo durante dos años y medio,
pues en septiembre de 1973 debió abandonar la Facultad.
• Fue alumno de Ricardo Mesa, y compañero de otros renombrados escultores,
como Francisco Gazitúa y Patricia del Canto. En 1979, gracias a una beca, viajó a
España para perfeccionarse
España para perfeccionarse.
• Su taller en el sector capitalino de Peñalolén fue núcleo importante de formación
de otros escultores y suplió la carencia de espacios artísticos durante la dictadura.
• Actualmente se desempeña como profesor en la Universidad Arcis.
p p
• La otra vertiente, aún más crítica con el lenguaje escultórico, es aquélla que rompe
con la tridimensionalidad e incorpora espejos y láminas, en un intento por
aumentar los significados de la obra, y de paso, provocar e involucrar al
espectador Ejemplo de lo anterior es la obra "Espejo
espectador. Ejemplo de lo anterior es la obra Espejo para una memoria
para una memoria
inservible", montaje compuesto por una serie de cinco paneles de madera, que
hacen de soporte para unos correspondientes juegos de espejos y camisas
dobladas, confeccionadas en hierro, con impecable factura.
• Trayectoria
• Osvaldo Peña comenzó a trabajar en poliester, para luego realizar algunas
obras en madera y derivar finalmente al empleo del metal
obras en madera y derivar finalmente al empleo del metal.
• Se distinguen, principalmente, dos orientaciones en su producción: una
tendiente a la representación de la Figura Humana, mediante volúmenes
j p ,q g p
forjados en planchas de hierro, que siguen una línea clásica de concepción
anatómica, trastocada por la ausencia o extraña disposición de algunos
miembros del cuerpo, lo que perturba la percepción del espectador, que
ve quebrantada, de este modo, una presupuesta armonía.
• El espectador interviene como un elemento más de la composición,
necesario para que la obra tenga una lectura completa, al reflejarse en los
espejos y completar con su propia presencia, la integridad del montaje:
por ejemplo cuando queda encerrado en el perímetro de una cabeza que
por ejemplo, cuando queda encerrado en el perímetro de una cabeza que
no existe realmente, sino que es su propio doble.
• Se produce, por lo tanto, un desconcertante juego de aparición y
p p ,
desaparición del cuerpo, de ausencia ‐ presencia que permite que
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acontezca la obra misma, remitiendo temáticamente a los Detenidos
Desaparecidos de las dictaduras.
• Aportes
• Osvaldo Peña ha recibido, entre otros, el Primer Premio
Concurso El Sol (1975) el Primer Premio en el Concurso de la
Concurso El Sol (1975), el Primer Premio en el Concurso de la
Colocadora Nacional de Valores (1977), el Premio de la Crítica,
Círculo de Críticos de Arte de Chile (1983), Premio de Honor,
VIII Bienal de Valparaíso(1987), Primera Mención, I Concurso
Americano de Escultura en Madera, Argentina (1993),
Ganador Concurso Escultura para el Edificio del World Trade
Ganador Concurso Escultura para el Edificio del World Trade
Center (1996) Ha obtenido las becas Amigos del Arte (1978),
Fundación del Pacífico (1979) y Fundación Andes (1990) Peña
h
ha participado en numerosas exposiciones individuales y
i i d i i i di id l
colectivas en todo el mundo, siendo una de las más recientes,
p ,
la III parte de la muestra "Chile 100 años, Artes Visuales" en el
MNBA (2000) .
Título: Sin Título
Autor: Osvaldo Peña
Ubicación: Parque
Forestal
• Título: De los niños
de la Teletón al
pueblo de Chile
Autor: Osvaldo
Peña
Ubicación: Frontis
Mercado Central
Sir Anthony Caro
y internacional
Sir Anthony Caro.
y
• Anthony Caro (1924‐ ), escultor inglés cuyas obras, de gran tamaño y

fuerza expresiva, constituyen un importante ejemplo de la escultura
b d
basada en las relaciones entre planos, líneas, intervalos y
l l i t l lí i t l
correspondencias. Su influencia fue decisiva en la formación de la llamada
New Generation de la escultura moderna inglesa.
• Se formó en la Royal Academy de Londres entre los años 1946 y 1952 y
Se formó en la Royal Academy de Londres entre los años 1946 y 1952, y
fue ayudante de Henry Moore desde 1951 hasta 1953, quien, junto con
artistas como Pablo Picasso, Francis Bacon y Willem de Koning, ejerció una
notable influencia en el desarrollo inicial de la obra en bronce de Caro.
• Fue profesor adjunto en la Saint Martins School of Art londinense, primero
entre 1952 y 1953 y después entre 1964 y 1972, donde tuvo como
alumnos destacados a los escultores de la New Generation Tony Cragg,
Ri h d D
Richard Deacon y Barry Flanagan.
B Fl
• De gran importancia en el desarrollo de la obra de Caro fue la decisiva
g p
influencia del escultor Abstracto estadounidense David Smith y del pintor
Kenneth Noland, cuyos trabajos conoció durante un viaje a Estados Unidos
en 1959, a partir del cual abandonó la escultura tradicional en metal
fundido para construir obras abstractas cercanas al Assemblagge a partir
fundido para construir obras abstractas cercanas al Assemblagge, a partir
de piezas rígidas de metal. Sus esculturas son, con frecuencia, enormes
montajes de grandes planchas de metal, vigas industriales, tuberías o
p
piezas de acero, codos metálicos, aluminio e incluso chatarra, todo ello
, , ,
soldado, que difieren sin embargo de las propuestas tendentes al
minimalismo de Smith, así como del uso que este hace del contexto que
circunda la obra. En ocasiones, Caro permite que las esculturas se oxiden
de modo natural pero otras veces las pinta con colores brillantes como
de modo natural, pero otras veces las pinta con colores brillantes, como
Mediodía (1960, Colección T. y P. Caro, Londres). De esta etapa es también
la obra Una mañana temprano (1962, Tate gallery en , Londres), realizada
y p , j p
en acero y aluminio pintados, un claro ejemplo del uso de la escultura con
fines pictóricos, cuya visión frontal nos recuerda algunas pinturas
abstractas de Wassily kandinsky
• En torno a 1967 Caro comienza a crear sus table sculptures, una serie de
naturalezas muertas abstractas con un único punto de vista, realizadas con placas
de acero recortadas irreg larmente esmaltadas Pero también crea obras en otra
de acero recortadas irregularmente y esmaltadas. Pero también crea obras en otra
línea diferente, como es el caso de Riviera (1974, colección privada, Seattle), que
consiste en varios segmentos de metal libremente agrupados en vertical sobre un
p j q
suelo. A partir de 1984 retoma el trabajo en bronce que había realizado durante la
década de 1950, y algunos años más tarde desarrolla sus ‘escultitecturas’,
esculturas de gran formato que se contemplan desde el interior. En los últimos
años del siglo XX colabora con el arquitecto Norman Foster en la construcción del
Millennium Bridge de Londres (1996 1999)
Millennium Bridge de Londres (1996‐1999).
• A través de su labor como profesor en Londres y en Estados Unidos, Caro ha
ejercido una gran influencia en los escultores más jóvenes. Ha participado en
distintas ediciones de Documenta en los años 1964 y 1968; en 1969 se realizó una
distintas ediciones de Documenta, en los años 1964 y 1968; en 1969 se realizó una
retrospectiva en la galería Hayward de Londres; en 2005, con motivo de su ochenta
cumpleaños, la Tate Britain de Londres organizó una gran retrospectiva, para la que
Caro creó la pieza Millbank steps, compuesta por cuatro torres escalonadas unidas,
realizadas en hierro forjado. Caro ha recibido algunos de los premios de escultura
l d h f d h bd l d l d l
más prestigiosos, como el que otorga la David Bright Foundation, en la Bienal de
Venecia de 1966, o el Praemium Imperiale de la Japan Art Association, en 1992.
252 x 747 x 370 cm. • 1985 ‐ 61 años

Museo: Hammersmith & West London Alto Rhapsody
Collage Material: Acero barnizado.
London West Medidas: 194 x 274 x 221 cm.
194 x 274 x 221 cm
Material: Acero Inoxidable. Museo: Parc de la Espanya Industrial.
Medidas: 252 Barcelona
1994 ‐ 70 años • 1996 ‐ 72 años
Promenade
Borde de las Montañas Material: Acero pintado.
Material: Acero de Corten. Medidas: 490 x 340 x 4500 cm.
Medidas: 610 x 915 x 760 cm. Museo: Yorkshire Sculpture Park
Museo: Musée de Grenoble
Cesar Baldaccini
internacional
Cesar Baldaccini
Cesar Baldaccini
• Nacido de padres italianos en Marsella en 1921, César (César Baldaccini),
Nacido de padres italianos en Marsella en 1921 César (César Baldaccini)
falleció en 1998 dejando un conjunto de obras caracterizadas por su
modernidad, una especie de corpus clásico radicalmente inserto en su
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tiempo por el formidable hallazgo que se tradujo en la alianza de la
elección de los materiales utilizados con la técnica empleada para
dominarlos.
• Trabajó el yeso y el hierro desde 1947, y ya en 1952 practicó la soldadura
realizando sus primeras esculturas de chatarra que expuso en la Galería
l d l d h l l í
Lucien Durand de París en 1954. A su vez, con sus primeros desnudos,
César recuperó ciertamente una calidad de sujeto clásico, al tiempo que
aportó una modernidad acorde con la época que vivía a través de la
aportó una modernidad acorde con la época que vivía a través de la
elección del material y de la técnica utilizada.
• Después de realizar grandes figuras por
medio de la soldadura, a comienzos de los
sesenta compuso sus primeras
t i
"compresiones", esculturas cúbicas hechas
con carrocerías de automóviles comprimidas
por medios mecánicos. En el Salón de Mayo
por medios mecánicos. En el Salón de Mayo
de París de 1960, César provocó una onda de
choque con las tres compresiones que
expuso, fragmentos de carrocerías de un
formato (más de 1 50m de alt ra) de n
formato (más de 1.50m de altura) y de un
peso (alrededor de una tonelada)
absolutamente inusuales. Todo había sido
p
realizado en una fábrica de recuperación de
chatarra con la ayuda de una poderosa
prensa hidráulica, capaz de reducir un
automóvil entero a un compacto poliedro.
OBRA PULGAR
• Los trabajos de César de los años
Los trabajos de César de los años
cincuenta y de los comienzos de los
sesenta deben su carácter único e
incomparable a la utilización de la
chatarra, a su domesticación por los
sesgos de la soldadura y a su
aproximación nada convencional a esos
materiales por la cual eliminó la realidad
materiales por la cual eliminó la realidad
objetiva de los fragmentos para hacer
una única composición de sus
ensamblados. Por la técnica de la
soldadura, César modeló sus esculturas a
partir de trozos de hierro recuperados
que apenas permiten al espectador
percibir su destino original En 1965
percibir su destino original. En 1965
presentó su "Pulgar" agrandado de 1.85
metros y a partir de la década de los
ochenta volvería a la serie de "pulgares
OBRA ESCORPION
OBRA :ESCORPION patinados".
d "
• En 1967 "descubrió" el poliuretano, material que le
permitió realizar obras que él denominó
"expansiones", grandes coladas alisadas y
endurecidas que fueron el resultado de una cuidada
técnica Con las expansiones César se apropió
técnica. Con las expansiones, César se apropió
poéticamente del universo de la química orgánica.
Desde entonces, explotó a fondo los dos hallazgos
(
("compresiones"y "expansiones"). César ha dicho:
)
"Creo que todos los materiales son materiales de
escultor No me parece que haya límites en la
escultor. No me parece que haya límites en la
elección de los materiales. Es una cuestión de
libertad y sensibilidad, es una cuestión de pasión... Yo
h
hago el amor con la materia."
l l "
• En la Bienal de San Pablo de 1967, le fue otorgado el Premio de Escultura, pero él
lo rechazó y propuso que le fuera otorgado a Jean Pierre Raynaud
lo rechazó y propuso que le fuera otorgado a Jean‐Pierre Raynaud.
Inmediatamente después de la Bienal, el Museo de Arte Contemporáneo de la
Universidad de San Pablo adquirió la más grande expansión presentada por César,
y
y desde Río de Janeiro y desde Montevideo fue invitado a realizar expansiones
y p
públicas. En aquel año, César se convirtió en la estrella del mundo artístico, no
sólo del pabellón francés sino de toda la Bienal.
• Las esculturas de César no sólo se encuentran en museos sino que también han
l
logrado integrarse a la vida cotidiana de las ciudades. Francia siempre lo ha
d i t l id tidi d l i d d F i i l h
considerado como un artista intérprete del espíritu francés que aspira a tener una
alcance universal. En 1994, en una ceremonia realizada en el Eliseo, el Presidente
Miterrand le impuso la Cruz de Oficial de la Legión de Honor.
Miterrand le impuso la Cruz de Oficial de la Legión de Honor.
• En esta muestra del Museo Nacional de Artes Visuales, se exhiben más de cien
obras, ejemplos contundentes de todos los períodos de la trayectoria de César. El
peso total del material expuesto asciende a veinte toneladas, en virtud de que
muchas de las obras son de gran porte, bastando como ejemplo mencionar que
alguna pesa una tonelada y media, lo que ha demandado un gran esfuerzo .
Michelangelo Buonarroti
g internacional
Michelangelo Buonarroti
(miguel ángel)
• Hijo del podestà de Caprese (cerca de Arezzo), ingresó a los trece años en el taller de
Ghirlandaio, quien, asombrado de su talento, lo recomendó a Lorenzo el magnifico. Fue
acogido en el palacio de los Medicis como si fuera de la familia. A los quince años
id l l i d l M di i if d l f ili A l i ñ
trabajaba ya con Bertoldo en el casino de San Marcos, museo de antigüedades reunido por
los Médicis. Allí esculpió el Combate de los centauros contra los lapitas (Bargelo, c. 1490)
donde conjuga la masa como jamás Donatello había logrado, y la Virgen de la escalera
(1489‐1492), relieve de poco realce, en el que la figura de la Virgen aparece como
extrañamente conturbada por una trágica visión. Sólo los tres angelotes ponen en esta
obra un ligero reflejo del renacimiento toscano. Una expresión tan distinta a la usual era
un signo decisivo del genio de Miguel Angel. Muerto Lorenzo el Magnífico marchó a
g g g g g
Bolonia, donde terminó algunos trabajos comenzados por Nicollò dell'Arca y estudió la
obra de Jacopo della Quercia. De su primera época en Roma data su Baco ebrio (1496‐
1497): el joven dios levanta una copa en su diestra y adopta una original postura
basculante. En la Pietà de San Pedro, asimismo de esta época, logra destacar el desnudo
, p , g
armonioso del Hijo, en el que parece centrarse el ideal clásico a que aspiró el renacimiento
a finales del quattrocento, sin olvidar por ello el patetismo, tratado con grandiosidad
inigualable, tanto en el conjunto como en el rostro, jovencísimo, de la Virgen.
• Regreso a Florencia (1501):
D
De vuelta a Florencia, con 26 años, esculpió su gigantesco David (1501‐1504). Al
lt Fl i 26 ñ l ió i t D id (1501 1504) Al
joven se le sorprende en el momento de mirar fijamente al adversario y medir la
acción inminente, en la línea que separa la potencia del acto. El rostro expresa la
certidumbre de la victoria sobre todo y sobre todos, el orgullo y la dignidad del
h b S l ó
hombre. Se logró una de las obras maestras más indiscutibles de todo arte y un
d l b á i di ibl d d
símbolo de la nueva juventud del mundo que fue el renacimiento También realizó
las estatuas de los doce apóstoles para la catedral, de las que sólo queda el San
Mateo (1503).
• La batalla de Cascina:
Del otoño de 1504 a primeros de marzo de 1505, cuando el papa Julio II lo llama a
Roma (y tal vez de mayo a octubre de 1506) trabajó en un gran empresa que
quedó irrealizada: el fresco de la Batalla de Cascina para la Sala del Gran Consejo
quedó irrealizada: el fresco de la Batalla de Cascina para la Sala del Gran Consejo
en el Palacio de la Señoría. En 1503 la Señoría había encargado a Leonardo que
pintara la gran sala construida por Cronaca en 1495 para albergar el parlamento de
la república savonaroliana. ejecutado en competencia con La batalla de Anghiari.
Probablemente dudando de que Leonardo pudiera llevar por sí solo la enorme
Probablemente dudando de que Leonardo pudiera llevar por sí solo la enorme
empresa de decorar la sala.
• "Piero Sorderini, entonces gonfaloniere, por la gran virtud que vio en Miguel
Angel, le hizo encargo de una parte de aquella sala: lo que fue motivo de que
hi i
hiciera competencia a Leonardo en la otra pared". (Vasari)
t i L d l t d" (V i)
• Los cartones (estudios para el fresco) de ambos maestros fueron pronto
divididos y perdidos. Hoy sólo se conserva (Oxford) un fragmento retocado
del de Leonardo En la composición elegida Miguel Angel se diferencia del
del de Leonardo. En la composición elegida, Miguel Angel se diferencia del
estilo de su rival, cuya grandeza reconocía, aunque tal vez de mala gana.
Alternando con estas obras Miguel Angel realizó algunos tondi, esculpidos
(Madonna Pitti, con influencias de Leonardo), o pintados (Sagrada Familia
o tondo Doni, 1506), cuyas figuras, concebidas según un ritmo espiral,
d ) f bd ú l
poseen un colorido que contribuye al efecto plástico de la obra.
• Estancia en la Roma de Julio II:
En 1505 fue llamado a Roma por el papa Julio II quien le encargó la
En 1505 fue llamado a Roma por el papa Julio II, quien le encargó la
realización de su sepulcro; el proyecto inicial fue diferido. Tras pasar ocho
meses en Carrera seleccionando mármoles Miguel Angel vuelve a Roma,
p p p p p y
es expulsado del palacio por orden del papa y marcha a Florencia. Tras ser
conminado a encontrarse con el papa en Bolonia, funde en bronce una
estatua de Julio II (colocada en 1508 y destruida en 1511).
• La Capilla Sixtina (1508‐1512):
El
El papa hizo que el artista se ocupara de la decoración de la bóveda de la
hi l i d l d ió d l bó d d l
Capilla Sixtina (comenzada el 10 de mayo de 1508), en la que Miguel Angel
habría de representar el prólogo y el epílogo de la Humanidad: La creación
y el Juicio final Bramante esperaba el fracaso e impulsaba al papa a forzar
y el Juicio final. Bramante esperaba el fracaso e impulsaba al papa a forzar
a Miguel Angel para que se comprometiese a pintarla. Miguel Angel al
principio se excusó y se lamentó, protestando de que aquel arte no era el
suyo.
• El encargo era pintar en las lunetas las figuras de los doce apóstoles, y en el techo algunas
figuras decorativas. Miguel Angel propuso al papa recubrir de pinturas toda la bóveda.
• "Vio en n relámpago toda la historia di ina h mana como proemio a la enida de Cristo
"Vio, en un relámpago toda la historia divina y humana como proemio a la venida de Cristo:
la creación del Universo, la creación y la caída del hombre, el pecado y el castigo del
hombre, todos los acontecimientos que habían hecho posible y necesaria la Redención. Y
como si esto no bastara, se propuso representar, junto a aquella epopeya, que narraba la
guerra entre la Divinidad y la Humanidad, a todos los precursores directos del Redentor,
t l Di i id d l H id d t d l di t d l R d t
todos los antepasados de Cristo según la carne, a todos los profetas y las sibilas que habían
anunciado su advenimiento". (G.papini)
• Las escena bíblicas (Separación de la luz y las tinieblas; Creación del cielo; separación de las
( p y ; ; p
tierras y las aguas; Creación de Adán; Creación de Eva; Pecado original y expulsión del
paraíso; Sacrificio de Noé; Diluvio Universal; Arca de Noé) van surgiendo en la bóveda como
visiones celestiales; las figuras de las sibilas, y de los profetas, los asombrosos ignudi,
representan la más pura concepción de la técnica dibujística de los florentinos, aliada aquí a
representan la más pura concepción de la técnica dibujística de los florentinos, aliada aquí a
la monumentalidad romana: es la culminación del renacimiento y tal vez la más completa
expresión del genio de Miguel Angel.
• Se acostaba en un alto andamio y la pintura le caía en los ojos. Soportaba las vehemencias
de Julio II amigo pero que se sentía dueño y había llegado a golpearlo con un bastón A
de Julio II, amigo pero que se sentía dueño y había llegado a golpearlo con un bastón. A
veces le faltaba dinero para continuar y en 1511 tuvo que ir a Bolonia, siguiendo al papa en
guerra, para conseguir los fondos que le había asegurado.
• "Nadie ha penado nunca lo que yo estoy penando y padeciendo ahora, sin salud y con
muchas fatigas, y, sin embargo, espero con paciencia el momento de alcanzar el fin
h f b l l lf
deseado".(Miguel Angel)
• "Rafael llegó a Roma y pintó las Estancias en la misma época en que Miguel
Angel pintaba la Sixtina; pero el de Urbino hubo de reconocer las
e celencias de la pint ra de Mig el Angel a c o infl jo no p do
excelencias de la pintura de Miguel Angel, a cuyo influjo no pudo
sustraerse". (G.Papini)
• La capilla fue descubierta al público el 31 de octubre de 1512 ante la
insistencia del papa Julio II quiso que fuese retocada con oro Miguel Angel
insistencia del papa. Julio II quiso que fuese retocada con oro. Miguel Angel
respondió que no veía que los hombres llevasen oro. El papa replicó:
"Quedará pobre" a lo que respondió Miguel Angel: "También los que están
ahí pintados fueron pobres". Julio II murió cuatro meses después. Había
dicho a los cardenales en su lecho de muerte que había sido el más grande
í á
de los pecadores y que no había regido la Iglesia como debía. Adriano VI,
papa desde 1522 a 1523 se propuso hacer destruir los frescos. Había sido
preceptor de Carlos II arzobispo de Tortosa virrey y gran inquisidor Ya había
preceptor de Carlos II, arzobispo de Tortosa, virrey y gran inquisidor. Ya había
hecho cerrar todas las puertas del patio del Belvedere para que nadie
pudiese entrar a contemplar las desnudeces de las estatuas antiguas.
• q p p g g , q
... "quería echar por tierra la capilla del divino Miguel Angel, diciendo que
parecía una sala de baños llena de gente desnuda, y despreciando todas las
buenas pinturas y las estatuas, las llamaba lascivias del mundo y cosas
oprobiosas y abominables". (Vasari)
• Regreso a Florencia (1515):
g p p
Terminado el Moisés regresó a Florencia. Por expreso deseo del nuevo pontífice, ,
León X, proyectó la fachada del templo Brunelleschiano de San Lorenzo, que no se
realizó. Años después, a instancias del nuevo papa, Clemente VII, trabajó en la
sacristía nueva de dicho templo, destinada a ser capilla funeraria de los Médicis. El
p
pontífice deseó en un principio cuatro sepulcros, uno en cada paramento, con una
p p p , p ,
imagen de la Virgen, entre los santos Cosme y Damián, presidiendo el conjunto.
Finalmente el proyecto se redujo a dos sepulcros, con las estatuas de los duques
Julián y Lorenzo (Il pensieroso), La acción y la contemplación entronizadas sobre
los sarcófagos, que llevan yacentes los desnudos del día y la noche, la aurora y el
los sarcófagos, que llevan yacentes los desnudos del día y la noche, la aurora y el
crepúsculo, simbolizando el mundo perecedero.
• Oh Noche, tiempo dulce aun siendo tan negro
tú cortas el cansado pensamiento...
• Tanto los elementos decorativos como las figuras están tomados del repertorio
l l d l f á d d l
antiguo, pero nunca se ha mostrado mayor dominio sobre la composición y del
nuevo estilo. Esculpió estas tumbas entre los cincuenta y los sesenta años. El Día,
que casi esconde el rostro tras el hombro, muy levantado, mira con enojada
cautela hacia adelante. La Noche reclina el rostro sobre el pecho y muestra una
tristeza petrificada. La Aurora tiene el rostro de la saciedad. El crepúsculo inclina la
cabeza pesada y pensativa para buscar consuelo en el sueño. La tristeza llena la
vida humana compuesta de días veloces que se persiguen y se semejan en su
p q p g y j
inutilidad.
• Deseoso Clemente VII (Medicis) de guardar en un suntuoso monumento los tesoros
bibliográficos adquiridos por Cosme el Viejo, Pedro y Lorenzo el Magnífico, encargó a Miguel
Angel la construcción de una rica biblioteca (La Laurenziana), así como los planos del
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vestíbulo y la escalinata. Los planos son de Miguel Angel, así como las primeras obras, pero
el conjunto fue terminado por Vasari. Hasta 1530, época en que hizo crisis las libertades en
Florencia, participó como ingeniero en la fortificación de la ciudad contra las tropas del papa
y las del emperador (fortificaciones de San Maniato 1528‐1530).
y las del emperador (fortificaciones de San Maniato 1528 1530). Derrotada Florencia, los
Derrotada Florencia, los
enemigos de la derrotada república quisieron asesinar a Miguel Angel, que huyó a Roma
donde fue acogido por Clemente VII y fijó allí definitivamente su residencia (1534).
Dominado por su ardiente amistad por T.Cavalieri y por un culto apasionado por la belleza
terrestre, compuso arrebatados poemas y dibujos muy cuidados de temas mitológicos
terrestre, compuso arrebatados poemas y dibujos muy cuidados de temas mitológicos
(Ganímedes, Faetón).
• El Juicio Final de la Capilla Sixtina (1536‐1541):
A instancias del nuevo papa Paulo III, volvió a la pintura con el Juicio Final de la Capilla
Sixtina El conjunto concebido a los sesenta y dos años es desarrollado por el artista como
Sixtina. El conjunto, concebido a los sesenta y dos años, es desarrollado por el artista como
el eterno drama que escapa al poder del tiempo y del espacio; en él, sobre un fondo
inmenso de auténtico visionario, pintó un rebullir de figuras desnudas flotando sobre los
rojizos fulgores del infierno. La obra, calificada por Vasari de stupenda meraviglia del secolo
nostro, es un anticipo de la ampulosa pulsación del barroco, pero con un acento de
t ti i d l l l ió d l b t d
desesperación, con una atmósfera de tempestad, consustanciales con el temperamento
apasionado del artista. Los ángeles siguen llamando a los muertos con las trompetas. Se
trata del comienzo del Juicio, 314 figuras humanas representan los miles de millones de
almas que habrán de comparecer ante el Juez el último día. Se ha identificado gran número
l h bá d lJ l úl i dí S h id ifi d ú
de rostros (Dante sayonarola, Vittoria Colonna, Tommaso del Cavaliere, el fiel criado Urbino,
Julio II...). Miguel Angel pinta un pavoroso autorretrato en el mísero despojo de la piel de
San Bartolomé. Se reconoce como mártir de los poderosos, los adversarios y de sus
ensueños más que humanos.
• Pietro Aretino se unió a la conspiración de moralistas que criticaban la
desnudez de diez figuras humanas. Le aconseja que imite "la
desnudez de diez figuras humanas. Le aconseja que imite la modestia
modestia
florentina, la cual, bajo unas hojas áureas, encierra las de su bello coloso, y
eso que está en una plaza pública y no en lugar sagrado". En su carta a
Miguel Angel de noviembre de 1545 escribe:
• "... en el tema de tan alta historia, mostráis los ángeles y los santos, estos
sin ninguna honestidad terrena y aquellos sin ornato celestial alguno...; y
quien sea cristiano, pero más estime el arte que la fe, tendrá por
espectáculo real tanto el decoro no observado en los mártires y en las
espectáculo real tanto el decoro no observado en los mártires y en las
vírgenes como en el gesto del que es arrebatado por los miembros
genitales, que hasta en los prostíbulos cerrarían los ojos para no mirarlo".
(Aretino)
• En 1564 la Congregación del Concilio, con el consentimiento de Pío IV,
ordenó que se cubriesen las desnudeces. El trabajo se confió a Daniello de
Volterra, y a la muerte de este (1566) fue continuado por Girolano de
F
Fano. Otros recubrimientos se hicieron bajo Sixto V y bajo Clemente XIII.
Ot bi i t hi i b j Si t V b j Cl t XIII
En tiempos de Gregorio XIII y de Clemente VII se pensó en tapar con cal
todo el fresco.
• Fe, religión e Iglesia:
Desde la adolescencia no había dejado de ser un cristiano lleno de fe y de deseos de
perfección, combatido y tentado por la adoración pagana de las formas. Su fe juvenil se
f ió b tid t t d l d ió d l f S f j il
inspiró principalmente en Dante y Sayonarola. Es de suponer que le causara indignación la
corrompida Roma de los papas que conoció. Su admiración por Vittoria Colonna, por el
cardenal Reginaldo Pole y por Berni ‐sospechosos de simpatías protestantes‐ confirma que
esperaba una reforma disciplinaria y espiritual de la Iglesia. En los últimos años de su vida
b f di i li i i i ld l l i l úl i ñ d id
Miguel Angel, arrastrado por los vaivenes espirituales de la Reforma católica, expresó en sus
obras y en sus escritos una fe dolorosa, cierta necesidad ineludible de penitencia.
• Las fábulas del mundo me han quitado
Las fábulas del mundo me han quitado
el tiempo dado para contemplar a Dios,
y no sólo he olvidado sus mercedes,
sino que, al olvidarlas, he pecado
• A partir de 1543 se consagró principalmente a la arquitectura Sucedió a A Sangallo en las
A partir de 1543 se consagró principalmente a la arquitectura. Sucedió a A.Sangallo en las
obras del Vaticano, y proyectó la cúpula, que no terminó, así como en las del palacio
Farnesio, donde realizó la atrevida cornisa. El resto de sus construcciones tienden
igualmente a manifestar el acento sobrehumano, patético, con que concebía la arquitectura:
proyecto de Santa María degli Angeli en las Termas de Diocleciano; la impresionante Porta
proyecto de Santa María degli Angeli, en las Termas de Diocleciano; la impresionante Porta
Pia (c. 1560); los planos para la urbanización de la plaza del Capitolio. Sus últimas esculturas
son tres Pietà en las que el cuerpo que contenía la esperanza de los hombres es retenido en
su caída por unas manos amorosas. Esculpidas con sus últimas fuerzas en sus últimos años,
en los que pensaba en la muerte más que nunca, son la atormentada manifestación de la
l b l t á l t t d if t ió d l
oración y de la esperanza de Miguel Angel.
• Era un enamorado de la obra de Dante. La releía continuamente y reflexionaba
y
sobre ella. La Comedia influyó mucho en la concepción del Juicio Final. Se había
ofrecido al florentino León X para "hacerle sepultura conveniente y en lugar
honroso". El exilio es el suceso de la vida de Dante que más le conmueve.
• Su amistad con la poetisa Vittoria Colonna que le inspiró las famosas Rime
Su amistad con la poetisa Vittoria Colonna, que le inspiró las famosas Rime,
iluminó los últimos años de su vida.
• Sus funerales se celebraron con gran solemnidad en San Lorenzo y fue enterrado
en Santa Croce. Miguel Angel es el maestro de lo sublime, de los efectos
grandiosos. Su arte no cesó de enriquecerse, de evolucionar, ganando siempre en
di S t ód i d l i d i
vigor patético. Su influencia dominó todo el s. XVI, tanto por la pureza de su
clasicismo como por su complejidad formal y espiritual.
La Capilla Sixtina (1508‐1512):
L t b d J li II
La tumba de Julio II
El Juicio Final de la Capilla Sixtina (1536 1541)

El Juicio Final de la Capilla Sixtina (1536‐1541)
Salvador Dali internacional
Salvador Domingo Felipe Jacinto Dalí i
Domènech, Marqués de Pubol
En su época de estudiante llamaba mucho la atención por su

excentricidad, usaba el cabello largo, patillas, abrigo, y
pantalones bombachos al estilo de moda del siglo anterior
pero con sus obras al experimentar el cubismo, atrajo la
atención de todos sus compañeros.
p
Biografía
• Nació el 11 de mayo de 1904 en la provincia de Gerona,
España.
• En 1916 Dalí descubrió la pintura moderna en una de sus
E 1916 D lí d b ió l i t d d
vacaciones de verano en Cadaqués.
• En 1919 realizó su primera exposición pública en el teatro
En 1919 realizó su primera exposición pública en el teatro
municipal de figueras.
• En 1921 su madre falleció.
En 1921 su madre falleció
• En el año 1922 Dalí fue a estudiar a la Residencia de
Estudiantes de Madrid y allí estudió en la Real Academia de
Estudiantes de Madrid y allí estudió en la Real Academia de
Bellas Artes de San Fernando.
T
é • A lo largo de su vida
Salvador Dalí experimentó
p
c con diferentes técnicas y Gala Eluard Dalí su
estilos los cuales lo esposa y musa
n marcaron en toda su
marcaron en toda su inspiradora
trayectoria, como por
i ejemplo, Cubismo,
Dadaísmo, Clasicismo,
c Avant‐garde
a
s
Gala asomada a la ventana.
Escultura de salvador Dalí.
Rinoceronte de Dalí. 3.600kg. En
d lí k
Puerto Banús desde septiembre de
2004.
2004
Salvador Dalí
Dalí. Escultura de Perseo
Sueño causado por el vuelo
de una abeja alrededor de
j
una granada un segundo
La persistencia de la antes de despertar
memoria
Pablo Rivera nacional
Pablo RIVERA
Pablo RIVERA.
• Nació en Santiago el 2 de junio de 1961, realizó sus
ió S i l 2 d j i d 96 li ó
estudios en la Escuela de Arte de la Universidad Católica,
licenciándose en 1987 con mención en escultura. En 1993
i
ingresó como profesor de escultura en el Instituto de arte
ó f d lt l I tit t d t
contemporáneo de Santiago, en 1994 viajó a Inglaterra
para realizar estudios de post‐grado en el Royal College of
Art de Londres regresó a Chile en 1995 Actualmente es
Art de Londres, regresó a Chile en 1995. Actualmente es
profesor de artes en la Uniacc.
• En el año 2000, el artista buscó explorar equivalencias formales
entre la estética minimalista y las políticas habitacionales
entre la estética minimalista y las políticas habitacionales,
convirtiendo un conjunto de obras en una irónica metáfora de la
sociabilidad y de la idea de habitar. Este escultor, cita a los
procedimientos tradicionales de la escultura, modelar, desbastar y
ensamblar, mediante un cambio o una ausencia de éstos.
Nombre escultor:
escultor: Pablo Rivera
Nombre escultura:
escultura: Minimal #2
Material:: Terciado fenólico
Material
Medidas:: 440*600*360 cms.
Medidas
Museo:: Kiasma Museum of
Museo
contemporary Art.
Lugar: Helsinki, Finland.
Año:: 2001.
Año
Nombre escultor: Pablo Rivera
Nombre escultura: Purgatory
Material: mimbre
Material: mimbre
Medidas: 220*350*130 cms.
Museo: San Antonio Museum
of Art.
fA
Año: 1997.
• Desde el año 1983 ha participado y realizado diferentes exposiciones y proyectos en el espacio público,
entre los cuáles podemos destacar:
entre los cuáles podemos destacar:
• 2002‐ XXV Bienal de Sao Paulo, Representación Chilena. Pabellón Ciccillo Matarazzo. Parque Iribapuera.
Sao Paulo, Brazil.
2002‐ Coeficiente 2 (Formas de Vida). Intervenciones en el Centro de Santiago, Chile.
2002‐ Unfolding Perspectives. Museum of Contemporary Art Kiasma. Helsinki, Finland.
f ld f l k l d
• 2001‐ “Menos es mas”, Galeria Animal. Santiago, Chile.
2000‐ “100 Años Artes Visuales”. Chile.
2000‐ “Transferencia y Densidad”. Museo Nacional de Bellas Artes. Santiago, Chile.
, g / ,
2000‐ “L’art dans le monde”, Beaux Arts Magazine / Pont Alexandre III. París, Francia.
2000‐ “Mecánica de Fluidos”. Galería de Arte Balmaceda 1215. Santiago, Chile.
2000‐ “Purgatorio” (Decoralia), Persa Bío‐Bío. Santiago, Chile.
1999‐ “Juegos Retóricos”, Escuela La Paloma, Puerto Montt, Chile.
1999‐ Purgatorio, Cementerio General de Santiago, Chile.
, g
1998‐ “Bienal Mercosul”, Porto Alegre. Brazil.
1997‐ “Prospect & Perspective: Recent Art from Chile” San Antonio Museum of Art, San Antonio, Texas.
• 1986‐1996, Arte Joven en Chile.
1997‐ “Campos de Hielo”. Museo Nacional de Bellas Artes. Santiago, Chile.
1996‐ “El sitio de las cosas”, Metro de Santiago, Estación Parque Bustamante. Santiago, Chile.
1996‐ “Zona
1996 Zona Fantasma
Fantasma”,, Galeria Gabriela Mistral. Santiago, Chile.
Galeria Gabriela Mistral. Santiago, Chile.
1994‐ “Digalbondiga”, Museo Nacional de Bellas Artes. Santiago, Chile.
1990‐ “Fragilidad de Zona”, Instituto Cultural de Las Condes. Santiago, Chile.
1986‐ “The Last/Lost (Des)Generation”. Galeria Bucci. Santiago, Chile.
Laura Rodig
g nacional
Laura Rodig
Laura Rodig
• Pintora y escultora, nació el 7 de junio de 1901 en la ciudad de Los Andes,
en donde a una escasa edad ingresa a la escuela de las Bellas Artes Fue
en donde a una escasa edad ingresa a la escuela de las Bellas Artes. Fue
una de las primeras mujeres en especializarse en escultura. Ya hacia el año
1992 comienza a desempeñarse como secretaria, dos años mas tarde
realiza un viaje a México, en la cuál dicha escultora siente una atracción
li i j Mé i l ál di h lt i t t ió
por la plástica indígena. Falleció el 30 de octubre de 1972 en Santiago,
Chile.
• Dicha escultora realizó una producción plástica, utilizando de materiales
en el ámbito de la pintura: óleos y acrílicos, y en el ámbito escultórico
utilizó arcilla piedra y granito.
utilizó arcilla piedra y granito.
• En el plano escultórico, Rodig abordó al comienzo el tema de la maternidad y la
En el plano escultórico, Rodig abordó al comienzo el tema de la maternidad y la
mujer.
• Rodig realizó esculturas tales como “India Mexicana”, con lo que se posicionó
como una de las primeras artistas en ingresar a la temática indígena
como una de las primeras artistas en ingresar a la temática indígena.
Jean Dubuffet internacional
Jean Dubuffet
Jean Dubuffet
• Jean Philippe Arthur Dubuffet nació el 31 de julio de 1901 en Le Havre,
Francia. Fue un famoso pintor y escultor francés, se mudó a París en 1918
para estudiar pintura en “Académie Julian”, retomó la pintura en el año
1930, se retiró nuevamente de la rama del arte, para retomar en el año
1942
1942, su primera muestra individual se produjo en el año 1944, se apegó
i t i di id l d j l ñ 1944 ó
fuertemente al realismo. Fue influenciado por el libro de Hans Prinzhorn “
Artistry of the Mentally“.
• Muchos de los trabajos de este pintor y escultor, fueron realizados con
f
óleo en los cuáles utilizó un lienzo reforzado con materiales como paja,
alquitrán y arena, dándole al trabajo una superficie con textura. En 1962
D b ff t
Dubuffet produjo una serie de obras en las cuáles se limitaba a sí mismo
d j i d b l ál li it b í i
con los colores, azul, blanco, rojo y negro. Ya hacia finales de 1960 se volcó
mas a la realización de esculturas, las cuáles las realizaba con poliestireno,
los cuáles pintaba con vinílico
los cuáles pintaba con vinílico.
• Nombre autor: Jean Dubuffet
• Nombre escultura: Cuatro Árboles
• Material: Epoxi con pintura de
p
poliuretano
• Medidas: 12 metros
• Museo: Chase Manhattan Plaza. Nueva
York.
z Nombre autor: Jean Dubuffet

z Nombre escultura: Puerta con
grama
z Material: óleo sobre lienzo con
ensamblaje
z Medidas: 189 * 146 cms.
z Museo: Guggenheim Museum.
Nueva York
Max Ernst internacional
Max Ernst
Max Ernst
• Pintor y escultor alemán nacionalizado francés, fue una pieza fundamental
tanto en el movimiento dadá como en el surrealismo. Nació en Bruhl,
tanto en el movimiento dadá como en el surrealismo. Nació en Bruhl,
Alemania, el 2 de abril de 1891. En 1981 ingresó a la universidad de Bonn
en donde estudió filosofía y psiquiatría, durante la primera guerra
mundial ingresó al ejército alemán Practicó diferentes técnicas pictóricas
mundial, ingresó al ejército alemán. Practicó diferentes técnicas pictóricas,
destacándose por la estética de lo absurdo.
• En todas sus obras buscaba los medios ideales para expresar, en dos o tres
di
dimensiones, el mundo extra‐dimensional de los sueños y la imaginación.
i l d t di i ld l ñ l i i ió
Bertel Thorvvaldsen internacional clasico
B t l Th
Bertel Thorvaldsen
ld
• Escultor Danés, nació el 19 de noviembre de 1770 Copenhague,
Dinamarca Hijo de un tallador de madera Irlandés estudió en la academia
Dinamarca. Hijo de un tallador de madera Irlandés, estudió en la academia
de Copenhague, en 1797 se trasladó a Italia para estudiar escultura
clásica. En 1820 regresa a Copenhague para comenzar la planificación del
conjunto decorativo a base de estatuas de mármol y relieve para la nueva
j t d ti b d t t d á l li l
iglesia de Nuestra Señora.
• Nombre autor: Bertel Thorvaldsen.
• Material: Mármol.
• Museo: Museo Thorvaldsen.
• Lugar: Copenhague
• Año: 1817
Año: 1817.
z Nombre autor: Bertel Thorvaldsen.

z Nombre escultura: Jason y el
vellocino de oro.
z Material: Mármol
Mármol.
z Medidas: 242 cms. de altura.
z Museo: Museo Thorvaldsen.
• Thorvaldsen fue un destacado representante del período neoclásico en escultura.
Thorvaldsen fue un destacado representante del período neoclásico en escultura.
A menudo se le ha comparado con Antonio Canova, pero de hecho personifica el
estilo del arte griego clásico más que el del artista italiano. Las poses y expresiones
de sus figuras son más formales que las de Canova.
g q
• Parte de la obra de Thorvaldsen se encuentra imbuida de sensibilidad clasicista,
con relieves alegóricos y esculturas de temática clásica
Ximena Rodriguez
g nacional
FICHA BIOGRAFICA
Nombre: Ximena Rodríguez
:1943,
Nacionalidad: Chilena
Hector Roman nacional
FICHA BIOGRAFICA
Nombre: Héctor Román Latorre
: 1932 Santiago
Miembro
Mi b d dell directorio
di t i del d l El IInstituto
tit t dde IInvestigaciones
ti i
Históricas "José Miguel Carrera"
Escultura de: José Miguel Carrera
Autor: Héctor Román Latorre
Fecha: 1981
Nacionalidad: Chilena
Técnica: Patinado
Dimensiones: 80 X 60 centímetros
La obra fue sustraída desde el
Instituto de Investigaciones del
G
General l JJosé
é Mi
Miguell C
Carrera, en lla
comuna de las Reina.
Victoria de Chacabuco
Jean Fautrier internacional
FICHA BIOGRAFICA
Nombre: Jean Fautrier
: 1898 París : 1964
Nacionalidad: Francesa
Estudia las artes en: La Real
Academia y la Escuela Slade
de Londres
Durante la segunda guerra mundial, Jean Fautrier participa
activamente a la Resistencia
y por tanto,
t t a partir
ti de
d 1943,
1943 ddebe
b esconderse
d ; vive
i en lla casa d
de
Chateaubriand, en la Vallée aux Loups (valle de los lobos).
Emprende una serie de
collages a base de varias materias
materias, dibujos pintados al óleo sobre
papel. Estos trabajos forman el conjunto de “Rehenes” y “Masacres”,
un conjunto de retratos
emocionantes en los que el artista se afirma como testigo de la
memoria de las víctimas.
En los años 50 su obra se hace más abstracta pero el artista sigue
“diciendo”
diciendo el sufrimiento de los sobrevivientes y retoma la pintura de
unas series de paisajes sombríos.
Su obra fascina a Jean Dubuffet y a Malraux. Esculturas,
sanguinas, litografías y grabados, el artista siempre pasando los
limites, trabaja sus obras como si fueran carne viva. Le galardonan
con el Gran Premio de la Bienal de Venecia
Myy little yellow
y bascket
Autor: Jean Fautrier
Fecha:1956
Características:51 x 62 cm.
Material: Óleo sobre papel
Los cuadros de los informalistas europeos son un

p sobre el q
campo que actuar,, como los del expresionismo
p
abstracto americano,
aunque la actuación sea distinta. Las texturas
características de la pintura de Fautrier -hechas de
materia sólida, con una costra dura y desigual- no son
una preparación, porque se siguen viendo una vez
acabado el cuadro, ni un fondo, porque no hay tal.
Cabeza de rehén nº 2
Autor: Jean Fautrier
F h 1945
Fecha:1945
Museo: Colección Particular
Características:35 5 x 26,5
Características:35,5 26 5 cm
cm.
Material: Oleo sobre papel
La denuncia de las barbaridades del ejército de ocupación en

Francia durante la guerra es uno de los elementos
fundamentales de los Otages de Fautrier y la escultura que
realiza en los años cuarenta
. Mujer en la noche
1947
Grabado original, firmado al lápiz.
Fautrier hace escultura en

los años cuarenta, cabezas
maltratadas y Otages
también que guardan la
huella, o son el
resultado, de ese mal trato
H d off a h
Head hostage
t
Jean Fautrier muere en 1964 Châtenay-Malabry, Francia

Verrocchio internacional clasico
FICHA BIOGRAFICA:
Nombre: Andrea di Michele del Cione
: 1435 : 1488
Nacionalidad: Italiana
Área: Escultura, orfebrería y pintura
Movimiento: Renacimiento
Trabajó en la corte de Lorenzo de' Medici

en Florencia. Entre sus alumnos estuvieron
Leonardo da Vinci, Perugino, Ghirlandaio y
Sandro Botticelli, pero también
influyó en Miguel Ángel. Trabajó en el estilo
serenamente clásico del primer
renacimiento florentino.
•Andrea comenzó a trabajar como orfebre en el taller de Giulio Verrocchi, de
quien parece haber tomado su sobrenombre.
•Sus primeros esfuerzos en pintura datan probablemente de los años 1460, cuando
trabajó en Prato junto a Filippo Lippi.
Cristo y Santo Tomás, Bronce, Orsanmichele,
En 1466 la cofradía de mercaderes de Florencia le encargó g un

grupo en bronce titulado Cristo y Santo Tomás para un
nicho externo de la iglesia de Orsanmichele. La obra se colocó
allí en 1483. Ideó una composición de dos figuras, con Cristo
en el centro del nicho, y el Santo estirado hacia afuera, para
evitar una perspectiva frontal rígida y para ayudar al espectador
a identificar mejor a los personajes.
•La única pintura firmada de Verrocchio es la Virgen con Niños y Santos,
en la catedral de Pistoia -Óleo sobre tabla, 177 x 151 cm .
De 1474-1475 es el Bautismo de Cristo,

actualmente conservado en los Uffizi
Uffizi. En
esta obra fue ayudado por Leonardo Da
Vinci, que por entonces era un joven,
quien acabó el paisaje y pintó el ángel de
la izquierda, superando en calidad el resto
de la pintura. Según Vasari,
Ésta ffue la razón por la que Andrea no
É
quiso volver a tocar los pinceles, indignado
porque un muchacho supiera más que él
El Bautismo de Cristo, 1474-1475, obra de

Verrocchio y Leonardo da Vinci Óleo
sobre tabla
tabla, 177 x 151 cm
cm.,
Este Bautismo de Cristo es la

única obra pictórica que
se le atribuye con absoluta
seguridad.
David, de Verrocchio, 1467
Bargello, Florencia
la escultura, al principio siguiendo los cánones estándar

florentinos. Esto es evidente en la estatua de bronce del
David, encargo de Lorenzo y Juliano de Médicis
En 1478 Verrocchio comenzó la que sería su obra
más famosa, una estatua ecuestre del condottiero
Colleoni, quien había muerto tres años antes. La
obra fue un encargo de la República de Venecia.
Fue el primer intento de producir semejante
grupo, con una de las patas del caballo en el aire.
La estatua destaca también por la expresión en el
rostro de Colleoni, que obedece a una
Retrato ecuestre del observación
b ió cuidadosa,
id d y que refleja
fl j un mando
d
condottiero Colleoni severo. De esta estatua sobresale también la
Bronce, Plaza de San Juan magnífica plasmación del movimiento.
y San Pablo
Verrocchio envió a sus comitentes un modelo en
cera en 1480, y en 1488 finalmente se trasladó a
Venecia para asistir a la fundición del grupo. Sin
embargo, murió ese mismo año, antes de que la
obra estuviera acabada.
Podríamos dar cuenta de la gran importancia
que tiene cada mundo detrás de cada escultor
donde ello s p
pueden crear módulos y diseñar
casi un vida al punto de que cada experiencia
sea buena o mala de da a conocer de una u
otra forma en sus obras.
Samuel Roman Rojas
j nacional
Nombre: Samuel Román Rojas
Profesión: escultor
Fecha de nacimiento/muerte: Rancagua,8 de
Diciembre de 1907,
• S ti
Santiago,77dde Ab
Abrilil d
de 1990
1990.
• Trayectoria: Escuela de Artes Aplicadas (hizo
clases),y permaneció en el cargo de docente
hasta 1949.
• En 1937, recibió la Beca Humboldt, la cual le
permitió estudiar en la Academia de Berlín.
• En 1943 fundó la Escuela de Canteros "Pedro
Aguirre Cerda
Cerda"y y al año siguiente
siguiente, fue designado
Miembro del Consejo de Monumentos
Nacionales.
• En 1958 fue nombrado Miembro Académico de la
Facultad de Artes de la Universidad de ChileChile.
Entre 1971 y 1974 estuvo encargado de reubicar
los monumentos de la capital, afectados por la
construcción del Metro.
• Periodo histórico y contexto en el que se
• Escultores o artistas asociados: desenvuelve su vida y obra:
Marta Colvín. • 1943 El Presidente Ríos inaugura la Escuela de
Canteros "Pedro Aguirre Cerda" creada por
Samuel Román, esta institución rehabilita la
artesanía artística de la piedra requerida por la
p q p
arquitectura y el diseño de parques, plazas y
jardines.
• 1949 Inaugura en Santiago el monumento a José
Manuel Balmaceda
Manuel Balmaceda
• 1959 Inaugura el monumento a don Enrique
Molina Garmendia, Rector y fundador de la
Universidad de Concepción.
• 1961 Obtiene la mención honrosa en la VI Bienal
b l ó h l l
de Sao Paulo.
• 1964 Recibe el Premio Nacional de Arte.
• / j p
1966/1967 Viaja de nuevo por Europa p
recorriendo países como Alemania, Bélgica,
Francia, Italia y la Unión Soviética.
Obras:
• En “Elena Wilson ” nos

encontramos al autor establecido
en su propio cauce expresivo,
dotando de fuerza monumental
sus modelos que convirtiéndose
en símbolos se alejan del
• Nombre: Elena Wilson referente real.
• Autor: Samuel Román
• Técnica: Escultura en bronce,

fundición.
• Ubicación: Museo de Arte

Contemporáneo, Universidad de
Chile, Santiago.
• Dimensiones: 36 cms.
cms
“Novia del viento” es una escultura en
terracota donde el artista p
plantea su eje
j
desde la verticalidad abriendo ángulos
• Nombre: Novia del viento que acogen formas tubulares en donde
se dan espacios vacíos que como
contraforma articulan la figura
g
equilibradamente.
• Técnica: Escultura en terracota
• Ubicación :Museo Aeronáutico de Los

Cerrillos, Santiago.
• Dimensiones: 126 cms

cms.
• Nombre: Ojos y miradas del Cacique
Macul
• En la presente escultura de pequeño formato
• Técnica: Basalto, piedra azul, talla directa.
Técnica: Basalto, piedra azul, talla directa. d t
destacan las influencias de los antiguos pueblos
l i fl i d l ti bl
americanos así como de la forma arcaica en
• Ubicación: Museo Nacional de Bellas Artes. general también presente en el material, típico
Santiago, Chile. de formas primigenias de elaboración
tridimensional.
tridimensional.
• Dimensiones: 244 x 65 x 58 cms.
Elisabeth Dame Frink internacional
• Nombre: Elisabeth Dame Frink
• Profesión: Escultora
• Fecha de nacimiento/muerte: Thurlow Inglaterra, 14
de noviembre,1930, Blandford Forum , Dorset, 18 de
,
abril,1993.
• Trayectoria: En el año 1953 ganó el premio
convocado por la Tate para el Monumento al
prisionero político desconocido. Su fama
internacional aumentó tras recibir el encargo de
realizar el monumento a J.J F.
F Kennedy (1964),
(1964) en
Dallas.
• Realizo la serie de esculturas Pájaro, hasta 1969,
Durante su estancia en el sur de Francia se sintió
fascinada por los caballos salvajes que le inspiraron
muchas de las esculturas de los años siguientes
siguientes.
Trabajaba con rapidez y construía sus esculturas
empleando más la escayola que la arcilla, que
moldeaba sobre un armazón de hierro, antes de
vaciarlas en bronce. También era una experta
grabadora e hizo aguafuertes y litografías para
ilustrar libros.
• Escultores o artistas asociados: Henry • Periodo histórico y contexto en el que se
Moore desenvuelve su vida y obra:
Obras:
• Nombre: Caballo en la lluvia VI
• Autor: Elisabeth Frink
• Técnica: Bronce
• Dimensiones: 7,68 x 16,84 cms.

• Nombre: Desierto Cuarteto III
• Autor: Elisabeth Frink
• Té i
Técnica: B
Bronce
• Dimensiones: 126 x 18 x 83 cms.

Nombre: 'Race Warriors, I, II, III,
IV‘
Autor: Elisabeth Frink
Técnica: molde de bronce

platinado.
Ubicación: New Orleans,

Louisiana USA
Louisiana, USA.
Dimensiones: 184 x 220 x 160cm

Praxiteles internacional clasico
• Nombre: Praxíteles
• Profesión: Escultor Griego
• Fecha de nacimiento: (Atenas, siglo IV a. C.)
• Trayectoria:
• Su figura domina con autoridad la escultura del siglo
IV a.
a C.C en Atenas
Atenas.
• Sin romper con los rasgos estilísticos de la cultura
ática, Praxíteles los interpretó desde una visión muy
personal, que sentó las bases para el posterior
desarrollo de la escultura helenística. Trabajo el
mármol más que el bronce,
mármol, bronce pero se mantuvo en la
Desde este punto de partida, evolucionó hacia una
mayor humanización de las estatuas, hacia una
plasmación algo más intensa de los sentimientos.
• Gozó de un gran prestigio desde sus primeras
realizaciones,
li i en particular
ti l por lla suavidad
id d d
dell
modelado y la postura indolente de los cuerpos, que
gravitan fuera de su eje, descansando sobre un
punto de apoyo. Es emblemático en este sentido el
grupo de Hermes con Dioniso niño, encontrado en
1877 en OliOlimpia
i y que se considera
id un original,
i i l ell
único que se conserva de un escultor griego de
primera magnitud.
• Escultores o artistas asociados: • Periodo histórico y contexto en el que se
desenvuelve su vida y obra:
Policleto
Obras:
• N b H
Nombre: Hermes con ell niño
iñ Di
Dioniso
i
• Autor: Praxíteles
• Técnica: Mármol
• Ubicación: Museo arqueológico de Olimpia.
• Dimensiones: 213 cms de Altura.

• N b Apolo
Nombre: A l sauróctonos
ó t
• Autor: Praxíteles
• Técnica: Mármol
• Ubicación: Museo de Louvre.
• Dimensiones: 1,49 metro de alto.

Nombre: Afrodita de Cnido
autor: praxiteles
Técnica: mármol
ubicación.:
ubicación : museos vaticanos
Dimensiones: 205 cm. altura

Pablo Gargallo
g internacional
• Nombre:
N b P Pablo
bl GGargallo
ll
• Profesión: Escultor español
• Fecha de nacimiento: Maella, España, (1881-1934)
• Trayectoria: Estudió en la Escuela de Bellas Artes
de Barcelona y sus primeros trabajos estuvieron
vinculados a la tradición realista. Sin embargo, en
1911 su tendencia artística experimentó un
profundo cambio a raíz de su encuentro con
Picasso : la influencia del arte primitivo estuvo
presente en la realización de sus máscaras y de
sus figuras de metal. Durante estos años realizó el
busto del monumento al actor Acisclo Soler, la
estatua funeraria de la señora Pidelasserra, dos
mármoles para la plaza de Cataluña de Barcelona y
obras destinadas a la Exposición Internacional de
1929. En su última etapa creativa, la pintura de
Modigliani influyó en el desarrollo de sus figuras, de
entre las cuales destaca El profeta (1933). En los
museos de arte moderno de Barcelona y París se
encuentran otras conocidas obras suyas
suyas, como
Muchacha de Caspe (1919), El virtuoso (1920),
Buey vasco (1930) o Bailarina española (1931).
Máscara de Greta Garbo con mechón es uno de los
ejemplos de las realizaciones más vanguardistas de
Gargallo Es en los primeros años de la década de los
Gargallo.
treinta cuando el escultor aborda sus creaciones más
arriesgadas; recibe el encargo de llevar a cabo una
obra sobre la actriz sueca para una exposición y, en
vez de esculpir una sola pieza, realiza tres versiones
dif
diferentes:
t G t Garbo
Greta G b con pestaña,
t ñ con sombrerob y
con mechón. En los tres casos la forma de trabajar es
la misma.
Recurriendo a la idea de máscara o escultura frontal
apoyada en la pared, trabaja con el espacio y con los
juegos de luces y sombras, de tal modo que el vacío
se convierte en un volumen activo con la misma
importancia que la propia materia. Los bellos rasgos
de Greta Garbo no quedan reseñados solamente con
hierro sino también con los huecos y las luces que los
hierro,
• Titulo: Máscara de Greta rellenan. Son el aire y la iluminación los que ponen en
Garbo con mechón contacto e interceptan los planos de materia para
conformar el rostro de la actriz.
• Autor: Gargallo, Pablo Al insistir en lo anecdótico, en lo narrativo, en lo
• Fecha creación: 1930 ornamental,t l Gargallo
G ll d
da un ttoque muy personall a sus
• Dimensiones: 25,8 x 19,2 obras. En este caso se trata de los rizos de pelo de
x 12 cm Greta, que se enroscan delicadamente, artificialmente,
contrastando con la síntesis formal de las facciones y
• Técnica y materiales: con el recorte artesanal de la chapa de hierro.
Hierro forjado
• Una de las últimas obras de Pablo Gargallo.
Obras: Imponente figura férrea, simplicidad y compleja
estructura
Intento de esculpir el vacío, el hueco, en
contrasentido con la norma de la escultura, que
consiste en dar forma al volumen.
Las láminas que componen el profeta, no componen
un bloque, sino que se curvan, y se tuercen entre
sí.
sí
La luz resbala por la superficie del bloque, se
introduce por el interior, crea zonas de clarooscuro.
La figura resultante es un hombre que está gritando,
figura poderosa, amenazante con una mano
levantada en actitud de orador, y otra que sujeta un
bastón.
Preocupación por el aspecto muy acentuada.
El escultor no quiere hacer una figura abstracta.
Mirándolo desde planos distintos, el profeta es el
• Nombre: El Profeta mismo,, el mismo gesto
g y sentido,, la misma
persona.
La profundidad no es una continuidad frontal, se
• Autor: Pablo Gargallo consigue con el juego de piezas y de vacíos.
Las líneas y planos nos conducen hacia la cabeza, y
• Técnica: bronce a la boca, centro expresivo de la figura, tanto en su
visión
i ió ffrontal
t l como en llas llaterales.
t l
El aire entra a través de la chapa y la llena de luz,
• Ubicación: Museo Centro de Arte Reina construyendo el volumen en negativo.
Sofía, Madrid La experiencia de unir el exterior con el interior llega
a su máxima expresión.
El profeta presenta formas que nos recuerdan a los
• Medidas: 236 x 75 x 45 cms cubistas, pero se mueve dentro de los
planteamientos espirituales del expresionismo, la
dureza, la agresividad y el carácter.
• Titulo: Estudio de profeta
• Autor: Gargallo, Pablo
• Fecha creación: 1926
• Dimensiones: 31,5 x 31 x 20 cms.
• Técnica y materiales: Chapa de cobre recortada,
remachada y soldada.
soldada
Humberto Soto nacional
Humberto Soto
Un escultor cuyo estilo personal lo hace inconfundible para todos.

Humberto Soto (Santiago, 1932) realizó sus estudios de Licenciatura en Escultura en la Escuela de
Bellas Artes de la Universidad de Chile,, con los maestros Marta Colvin,, Lily
y Garafulic y Julio
Antonio Vásquez, desempeñándose durante 10 años como profesor en la Facultad de Bellas Artes.
Entre 1976 y 1991 se radicó en Venezuela, regresando a su patria en 1991 y reinsertándose en la
vida cultural a través de la Universidad de Concepción, donde ocupó por cuatro años el cargo de
director del Departamento de Artes Plásticas y ejerciendo, en la actualidad, tareas docentes.
Ha expuesto en forma individual y colectiva
colectiva, en las principales ciudades de Chile y,
y además,
además en el
extranjero, encontrándose sus obras, que han conseguido variadas distinciones, en museos,
colecciones privadas y espacios públicos de Santiago, Concepción y Valdivia, como también en
Caracas, Los Teques y Maracay (Venezuela). En 1999 obtuvo el Premio Municipal de Arte.
En 1976, se traslada a Venezuela donde realiza actividades artísticas y docentes, hasta 1991 año
que retorna a Chile, reinsertándose en la vida cultural del país a través de la Universidad de
Concepción donde ocupa desde hace 4 años el cargo de director del departamento de Artes
Plásticas y donde ejerce actualmente como docente.
"Tierra de Hombres" es el título de la muestra que Humberto Soto presenta en la sala Nemesio
Antúnez de la Universidad Metropolitana, desde el 20 de Humberto Soto, nace Santiago, realiza
sus estudios de Licenciatura en Escultura en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile.
Fueron sus maestros de especialidad,
especialidad Marta Colvín,
Colvín Lily Garáfulic,
Garáfulic y Julio Antonio Vásquez.
Vásquez En esa
misma Universidad estudia Filosofía y castellano, desempeñándose durante 10 años como
profesor de Escultura de la Facultad de Bellas Artes en el departamento de pedagogía, el que
dirige desde 1969 a 1972. En 1973 es elegido director del departamento de Teoría y Enseñanza
del Arte en la misma Facultad. Octubre al 30 de Noviembre. Sus obras se instalan como capítulos
singulares de una historia visual y escultórica,
ó surgida desde el recorte y la pasión ó de la memoria
en este caso, articulada a través del concepto de retablos.
Si, con la materia pensada, infundida en las nociones de su tiempo, se plasma toda escultura, se
entiende mejor porqué las obras de nuestro artista perciben sus relaciones interiores y exteriores
en su ppropio
p entorno,, pporque
q él sonetiza la materia y cada una de sus p piezas están dispuestas
p a
dejarse rozar o penetrar por el aire, evocando un entrono libre para mirar el horizonte o
reconocer las estrellas.
Sus obras dan la sensación de solidez y firmeza, provocan en el espectador las ganas de
asomarse a su interior, estimulando el ejercicio de lo táctil y lo visual. Lo hueco de sus
esculturas es una forma espacial transitable; es una forma que se relaciona con el espacio
esculturas,
exterior y con el universo. Vemos que lo compacto es la imagen de la síntesis de los volúmenes;
abarcando la unidad, la fuerza y el peso de éstos, lo áspero también es la evocación de lo
necesariamente primitivo, inicial y terrestre.
Las artes del fuego son inherentes a la escultura de este artista, su proceder no
está muy distante del neolítico, pues para plasmar cada pieza, debe moldearla a
mano en arcilla, después pulir, esgrafiar, escindir y luego secarla al aire libre
para quemarla a unos mil grados de temperatura, dejando la arcilla mimetizada
a la piedra.
piedra
En esta rica tradición, en la que la mano, los sueños, el mito y la historia tienen
una máxima importancia, la sensualidad del escultor es la que se conecta con lo
más sagrado del ser que -en este caso- el hombre, quien alcanza a tocar con sus
sentidos y sus manos un rito que se hunde en lo mas primordial de nuestro
origen. Las esculturas pueden estar hechas de muy diversos materiales, pero
nuestro artista eligió el barro, esa cotidiana mezcla de tierra, agua, fuego y sus
dedos bastan para dar vida a estas importantes piezas, que vemos en esta
muestra. El material es la arcilla, la greda, la más accesible propia y primitiva
materia para hacer arte. Esta materia que solo requiere de la mano y de un
gesto, el gesto de amasar y acariciar para componer la pasta ideal, con el
equilibrio perfecto, para que el fuego la vuelva dorada y firme.
¿Por qué
¿ q se unió a la tierra misma es decir,, a la terracota?
Porque este ha sido mi material de siempre. Como alumno trabajé piedra y
madera sin mayor intensidad, también incursione en el concreto, con el cual
realicé unos módulos para una exposición en la sala de Universidad de Chile en
el año 1967
1967. Todos los de nuestra generación nos formamos con el concepto del
respeto a los materiales, y por ende a la naturaleza, conocer de sus
características, de sus posibilidades y limitaciones; de su fuerza expresiva nos
enseñó a valorarla a quererla. Desde muy temprano elegí la arcilla, por su
ductilidad, lo que me permite moldear con rapidez, desde una maqueta a una
obra definitiva. Comparando estas esculturas con las realizadas en otros
materiales igualmente tradicionales (piedra, metal, madera), éstas resultan
realmente frágiles, pero yo no desecho este noble material, porque hago con él
lo que quiero y necesito, y ambos mantenemos un diálogo muy íntimo y
personal; siendo la terracota una pasta cerámica con base de arcilla y otros
elementos que permiten mejor moldeado, secado y cocción, yo no uso engobes,
tan solo agrego en algunos casos una pátina de tierra y cera para unificar el
color.
¿Y los retablos que significado tienen en su obra?
El retablo es algo que cuenta un historia, un suceso, algo que detiene el
implacable curso del olvido. Estos provienen de la tradición plástica,
arquitectónica y del barroco
arquitectónica, barroco, y llegaron a América en manos de experimentado y
cansados viajeros, quienes contabas los sucesos más importantes de sus culturas,
con toda suerte de elementos encontrados en su camino. Así los retablos operaban
como las maquinarias de las que habla Michael Foucault, a propósito de Roussel,
para atravesar reinos, mantener las cosas en el ser, conservar las imágenes,
guardar
d lla herencia
h i y los
l derechos,
d h preservar las
l glorias,
l i traer
t mensajes
j y en
aleación con los ángeles, proteger y devolver lo sagrado que hay en toda pequeña
existencia aquí en la tierra.
Estas obras son lugares comunes, relatos del pasado, recogidos en el saber y la
imaginación popular, en los fuegos de la historia y potenciados por el principio de
la vida. Hay un gran encuentro creativo, un maridaje y unas bodas de lo sagrado y
lo profano, lo alto y lo bajo y de las muchas sangres derramadas. En ellos los
cuatro puntos cardinales se asoman para hacer del mundo un lugar más poblado,
familiar y reconocible, puesto que recontribuyen a rearticular una red de variantes
que nos devuelven el origen, una genealogía y una filiación que no discrepa con la
afiliación a otras posibilidades.
Háblenos de su estadía fuera del país.

El estar muchos años fuera de mi patria, me permitió apreciar
muy de cerca las colecciones venezolanas de esculturas,
dispersas en bastos espacios abiertos e incorporadas a la
cotidianidad, por cierto es posible admirar en esos espacios, en
parque y avenidas,
avenidas en las estaciones de metro a escultores
venezolanos tan importantes como Marisol escobar, Jesús Soto
o Cornelis Zitman. En Venezuela tuve la oportunidad de realizar
algunas obras y exponerlas en salas de exposiciones y
encuentros de escultores.
Desde ese tiempo he incorporado la figura humana en mis obras, había que
sacar el dolor a través de éstas, fue así como aparecieron, mujeres, hombres
fuerte y desafiantes, niños sanos, amados y protegidos por sus padres,
logrando con esto una encarnación corpórea petrificada para eternizar su
transitoriedad Estos seres habitan sus moradas y están en armonía entre si,
transitoriedad. si
relacionados con los otros y con la tierra; logrando imponer el volumen
dueño del espacio por sobre el color y la textura, de esta forma puedo
revelar lo táctil, porque nada es independiente de la mano y la voluntad del
artista, Cada construcción denota equilibrio y estabilidad de materiales, por
lo demás es imposible desconectar estas esculturas del universo mismo.
Aludiendo a este tema, tengo una obra que se titula "Ángel", éste se
encuentra atado de los pies impidiéndole volar y está sometido a los
dolores y angustias de un San Sebastián traspasado por innumerables
fl h
flechas, sin
i embargo
b él sigue
i moviendo
i d sus pequeñas ñ alas
l infantiles
i f til como
de mariposa atrapada por un destino cruel; ésta es una de las obras que
contiene más emoción, hay depositada en ella una carga irreductible de
dolor y angustia que envuelven a este Ángel, representado aquí por el
hombre.
La muestra consta de 16 piezas en terracota, las que inicialmente fueron presentadas en la

Pinacoteca de Concepción, ahora se presentan desde el 20 de octubre, hasta el 30 de Noviembre, en
la sala Nemesio Antúnez, de la Universidad Metropolitana, de la Ciencia y la Educación (José Pedro
Alessandri 774,
774 Macul) para continuar a la ciudad de Talca en Marzo del 2005,
2005 todo esto gracias al
auspicio de la Universidad de Concepción.
Té i
Técnicas escultóricas
ltó i utilizadas
tili d en sus obras
b
Están llenos de perfectas y pequeñas figuras amasadas con delicadeza y lirismo, de texturas
lisas suaves o ásperas
lisas, ásperas, en ellas todo murmura
murmura, calla y cuenta,
cuenta protegido por la mezcla
amparadora, circunscrita por pequeñas defensas de barro con las cuales se proteje
Sir Alfred Gilbert internacional
Sir Alfred Gilbert
Sir Alfred Gilbert (August 12, 1854 – November 4, 1934) was an English sculptor and
goldsmith who enthusiastically experimented with metallurgical innovations. He was
a central — if idiosyncratic — participant in the New Sculpture movement that
invigorated sculpture in Britain at the end of the nineteenth century.
Alfred Gilbert's parents, Charlotte Cole and Alfred Gilbert, were musicians who lived at 13 Berners
Street, London, where Alfred was born. On 3 January 1876 he married his first cousin, Alice Jane
Gilbert (1847-1916), with whom he had eloped to Paris. They had five children but finally separated
in 1904. After Alice's death, he married Stéphanie Quagehebeur, the widow of a Bruges compositor,
on 1 March 1918; she and six of her children had lived with him since 1907.
He received his education mainly in Paris (Ecole des Beaux-Arts, under Jules Cavelier), and studied in
Rome and Florence where the significance of the Renaissance made a lasting impression upon him
and his art. He also worked in the studio of Sir Joseph Boehm, R.A.
The figure of Anteros from the

Shaftesbury Memorial in Piccadilly
Circus
Piccadilly Circus memorial fountain,
depicting Anteros as "the Angel
of Christian Charity",
y , but popularly
p p y
referred to as Eros, one of the
first statues to be cast in aluminium.
His first work of importance was the charming group of the Mother and Child, then The Kiss of
Victory, followed by Perseus Arming (1883), produced directly under the influence of the Florentine
masterpieces he had studied. Its success was great, and Lord Leighton forthwith commissioned
Icarus, which was exhibited at the Royal Academy in 1884, along with a remarkable Study of a Head,
and was received with general applause.
applause Then followed The Enchanted Chair Chair, which
which, along with many
other works deemed by the artist incomplete or unworthy of his powers, was ultimately broken by
the sculptors own hand. The next year Gilbert was occupied with the Shaftesbury Memorial Fountain,
in Piccadilly Circus, London, a work of great originality and beauty representing Anteros, yet shorn of
some of the intended effect through restrictions put upon the artist.
In 1888 was produced the statue of H.M. Queen Victoria, set up at Winchester, in its main design and
in the details of its ornamentation the most remarkable work of its kind produced in Great Britain,
and perhaps, it may be added, in any other country in modern times. Other statues of great beauty, at
once novel in treatment and fine in design, are those set up to Lord Reay in Bombay, and John
Howard
o a d at Bedford
ed o d (1898),
( 898), the
t e highly
g y original
o g a pedestal
pedesta o of which
c d
did d much
uc to ddirect
ect into
to a bette
better
channel what are apt to be the eccentricities of what is called the New Art School. The sculptor rose
to the full height of his powers in his Memorial to the Duke of Clarence, and his fast developing fancy
and imagination, which are the main characteristics of all his work, are seen in his Memorial
Candelabrum to Lord Arthur Russell and Memorial Font to the son of the 4th Marquess of Bath.
Gilbert's
Gilbert s sense of decoration was paramount in all he did,
did and although in addition to the work
already cited he produced busts of extraordinary excellence of Cyril Flower, John R. Clayton (since
broken up by the artist, the fate of much of his admirable work), G. F. Watts, Sir Henry Tate, Sir
George Birdwood, Sir Richard Owen, Sir George Grove and various others, it is on his goldsmithery
that the artist would rest his reputation; on his mayoral chain for Preston, the epergne for Queen
Victoria,
i i the
h figurines
fi i off Victory
i (
(a statuette d
designed
i d ffor the
h orbb iin the
h hhandd off the
h Winchester
i h
statue), St Michael , and St George, as well as smaller objects such as seals, keys and the like. Gilbert
was chosen associate of the Royal Academy in 1887, full member in 1892 (resigned 1909), and
professor of sculpture (afterwards resigned) in 1900.
Bibliography
Beattie, Susan. The New Sculpture. New Haven: Yale University Press, 1983.
Dorment, Richard. Alfred Gilbert. New Haven: Yale University Press, 1985.
Dorment, Richard, et al. Alfred Gilbert: Sculptor and Goldsmith. London: Royal Academy of Arts, 1986.
Edwards Jason
Edwards, Jason. Alfred Gilbert's
Gilbert s Aestheticism: Gilbert Amongst Whistler
Whistler, Pater
Pater, Wilde
Wilde, and Burne-Jones
Aldershot: Ashgate, 2006.
White metal
Height: 4 l/2 inches
Birmingham City Museums and Art Gallery
Inscribed underneath the base: BY ALFRED GILBERT RA MARQUESS
OF SLIGO
Richard Dorment's authoritative catalogue entry in Victorian High
Renaissance, the catalogue of the 1978 exhibition, points out that
this work is "an enlargement of the statuette held by the little girl
in casts of An Offering to Hymen of 1884-6, and the one on the
breastplate on some casts of St. George of 1894-6. The pose of
Anteros is that of Icarus of I884, but with the following changes:
here the wings are bigger and grow from the shoulders; the child
puts one finger to his lips; and with the other grasps slivers of
metal bound together to form a palm branch like the one flourishing
in the hand of Gilbert's Victory of 1887.
Iconographically, of course, this is Anteros, the god who soars
above the Shaftesbury Memorial Fountain in Piccadilly Circus, and
the embodiment, in Gilbert's words of 'reflective and mature love,
as opposed to Eros or Cupid
Cupid, the frivolous tyrant
tyrant.' He is thus an
allotrope of the same figure on the Clarence Tomb, the Macloghlin
Memorial, and the Leeds Chimneypiece" (p. 181).
Anteros
Edward the Confessor
Sir Alfred Gilbert, R. A. (1854-1934)
1896-99
Bronze and ivory
Height including ebonized base: 12 inches
José Victoriano González internacional
José Victoriano González Pérez
José Victoriano González-Pérez conocido como Juan Gris (Madrid, 23 de marzo de 1887 - Boulogne-sur-
Seine, hoy Boulogne
Boulogne-Billancourt,
Billancourt, Francia, 11 de mayo de 1927), fue un pintor español que desarrolló su
actividad principalmente en París, considerado como uno de los maestros del cubismo.
Su verdadero nombre era José Victoriano González Pérez. Nació en Madrid el 23 de

marzo de 1887, y estudió en la Escuela de Artes y Oficios de su ciudad natal.
Trabajó para diversas publicaciones como Blanco y Negro y Madrid Cómico.
En 1906 se trasladó a París (Francia), donde conoció a Pablo Ruiz Picasso y a
Georges
Geo ges Braque.
aque Los
os primeros
p e os años
a os se ganó
ga ó la
a vida
da dibujando
d buja do para
pa a las
as revistas
e stas
L'Assiette du Beurre y Charavari.
Durante la Primera Guerra Mundial (1914-1918) trabajó en París, donde realizó su
primera exposición individual en 1919.
Durante la década de 1920 empeoró seriamente su salud y murió, con apenas
cuarenta años,
años en Boulogne-Sur-Seine el 11 de mayo de 1927
Retrato de Picasso.
Obra
Sus primeras obras cubistas datan de 1912, año en el que expuso en el Salón de los
Independientes de París su Homenaje a Picasso y firmó un contrato en exclusiva con el
marchante Henry Kahnweiler, que murió en 1914. Al año siguiente pasó el verano con Picasso en
Céret, Francia, periodo en el que empezó a desarrollar la técnica del papier collé (formas
recortadas en papel y pegadas al lienzo).
Entre 1922 y 1924 hizo escenografías para dos ballets de Sergei Diaghilev, Les tentations de la
Bergère (Las tentaciones de la pastora) y La colombe (La paloma), al tiempo que continuaba
pintando.
Después de 1925 utilizó sobre todo el gouache y la acuarela y realizó algunas ilustraciones para
lib o Sus
libros. S teorías
teo í pictóricas
i tó i se
eeencuentran
e t recogidas
e o id en
e numerosos
e o o artículos
tí lo y conferencias.
o fe e i
Parte de sus pinturas cubistas son bodegones, entre los que se incluyen Guitarra y botella (1917,
Museo de Arte de Filadelfia), El tablero de ajedrez (1917, Museo de Arte Moderno de Nueva York)
y Botella y frutero (1919, Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid). También trató otros temas, como
muestra en El fumador (1913, Museo Thyssen-Bornemisza). Un ejemplo de su técnica de papier
collé es Vasos y periódico (1914, Museo de Arte del Smith College, Northampton,
Massachusetts).
Tradicionalmente mal representado en los museos españoles, como todos los maestros cubistas,
actualmente son varias las instituciones que cuentan con ejemplos suyos. Entre ellas se
encuentran la Real Academia de San Fernando y el Museo Reina Sofía
Galería de Obras
J.Gris, Tres lámparas, 1911,

61,9
, x 47,8
, cm.,, acuarela
sobre
papel,
Museo de Arte de Berna.
Gris, Naturaleza muerta delante del armario,
1920, 60,5 x 45 cm., óleo sobre lienzo,
Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía ,
.Gris,
G is Naturaleza
Nat ale a muerta
m e ta delante del
Madrid.
armario, 1920, 60,5 x 45 cm., óleo sobre
lienzo, Museo Nacional Centro de Arte Reina
Sofía , Madrid.
Ya no son líneas y colores

Ya no son líneas y colores solamente los
recursos que
solamente los identifican
recursoslos planos,
que
aparecen las texturas y las formas de los
identifican los planos,
planos aparecen las
elementos representados. Cada elemento
tiene su forma
texturas y lasy está en el de
formas mismo
losplano. Se
identifican y colocan perfectamente en el
elementos representados.
espacio.
Cada elemento
tiene su forma y está en el
mismo plano.
Se identifican y colocan perfectamente
en el espacio.
J.Gris, La Mujer del Cesto, 1927, 92 x 73 cm.,
óleo sobre lienzo, Colección privada.
Una de la obras más conocidas de artista.

Posiblemente su precario estado de salud
influyese en la utilización de las líneas de dibujo de
una manera fría pero muy justificada en su afán de
sintetizar los elementos representados.
Es posible que fuese la última obra del pintor
madrileño, que moriría poco después sin poder
desarrollar todo su arte.
J.Gris, Guitarra ante el Mar, 53 x 64 cm.,
óleo sobre lienzo, Museo Nacional Centro
de Arte Reina Sofía , Madrid.
En esta época el pintor comienza una

nueva época, sus obras son adquiridas y
consideradas en el mmundo
ndo del arte
arte.
Simplifica los elementos
despojándolos de toda distracción
anecdótica Es evidente que continúa su
anecdótica.
peculiar forma de ver el
cubismo, los elementos son figurativos,
se identifican fácilmente
fácilmente. Posiblemente
sea esta aportación clásica la innovación
másdestacable de la creación de Juan Gris.
Miron internacional clasico
Mirón
Mirón (En griego Μύρων; trabajó h. 480-440 adC) fue un gran escultor y broncista de mediados del
siglo V adC.1 y uno de los más conocidos autores del arte griego, cuyas aportaciones escultóricas
supusieron la transición al periodo clásico. Nacido en Eleuteras, ciudad situada en la frontera de
Beocia y el Ática. Según la Historia Natural de Plinio, Agéladas de Argos fue su maestro.
El viajero
i j P
Pausanias
i destacó
d t ó esculturas
lt de
d Mirón
Mi ó que permanecían í i situ
in it en ell siglo
i l II.
II Quionis,
Q i i un
vencedor olímpico del siglo VII de Esparta era conmemorado a través de un bronce idealizado obra
de Mirón3
Trabajó fundamentalmente con el bronce:4 y aunque hizo algunas estatuas de dioses y héroes, su
fama descansa principalmente en sus representaciones de atletas, en los que hizo una revolución,
según los comentadores de la Antigüedad, al introducir una mayor audacia en la pose y un ritmo
más perfecto, subordinando las partes al todo. La observación de Plinio de que las obras de Mirón
eran numerosior que las de Policleto y «más diligentes» parece sugerir que eran consideradas de
proporciones (numeri) más armoniosas y al mismo tiempo más convincentes en su realismo:
diligentia denotaba «gran atención a los puntos delicados», una cualidad que, con moderación, era
característica de las mejores obras de arte, según los críticos de la Antigüedad.
Su gran mérito consistió en saber captar como nadie el movimiento. Sus obras más famosas se
caracterizan
t i por lla representación
t ió fid
fidedigna
di d
de las
l tensiones
t i del
d l cuerpo humano
h en movimiento,
i i t
como se aprecia en su conocido Discóbolo, y el realismo en sus esculturas de hombres y
animales.
Sus obras más famosas, según Plinio (Historia Natural, 34.57-59) fueron una vaquilla, un perro
(canem, tal vez Cerberus),
( ) un Perseo, un sátiro — Marsias— admirando la flauta y Minerva
(Atenea), un Hércules, que se llevó al santuario que le dedicó Pompeyo el Grande en el Circo
Máximo, el Discóbolo (el lanzador de disco), y un Apolo para Éfeso, «que Antonio el triunviro
cogió a los Efesios, pero el Augusto deificado lo restauró después de haber sido advertido en un
sueño».7 Los escritores del Alto Imperio Romano consecuentemente consideraron a Mirón entre
los más grandes de los escultores griegos, un signo de que su reputación contemporánea había
permanecido alta.
Minotauro, de una fuente en Atenas, parte
del g
grupo
p pperdido de Mirón de Teseo
y el Minotauro
(Museo Arqueológico Nacional de Atenas)
La vaquilla
L ill parece que obtuvo
bt su fama
f principalmente
i i l t por inspirar
i i epigramas,8
i 8 lo
l que nada
d nos
dice sobre la pose del animal. Un epigrama9 sobre Ladas, el corredor más veloz de la época,
señala que fue conmemorado por una escultura de Mirón; del Ladas de Mirón no hay copia
conocida. Una descripción de Luciano10 definitivamente identifica como obra de Mirón el
Discóbolo o «Lanzador de disco»,, de la q
que existen varias copias,
p , de las cuales la mejor
j es la del
Palazzo Massimi alle Terme, Roma. Estrabón también registra grupos callejeros sobre Mirón,
especialmente un amplio grupo en Samos; varias cabezas supervivientes se han identificado
como copias de la Atenea Samia de Mirón por C.K. Jenkins en 1926.11
Una figura de mármol en el Museo de Letrán, que está actualmente restaurada como un sátiro
danzante es casi con certeza una copia de una obra de Mirón
danzante, Mirón, un Marsias deseoso de tomar el
aulos que Atenea había arrojado.12 El grupo entero está copiado en monedas de Atenas, en un
vaso y en un relieve que representa a Marsias como oscilando entre la curiosidad y el miedo a
desagradar a la diosa Atenea.
El Discóbolo de Mirón en el
Jardín Botánico de Copenhage,
Dinamarca
Los críticos antiguos dicen de Mirón que, aunque tuvo un éxito admirable al dar vida y movimiento
a sus figuras, no logró presentar las emociones de la mente. Esto concuerda con la evidencia
existente hasta cierto punto
existente, punto, aunque no perfectamente
perfectamente. Los cuerpos de sus hombres son de
mucha mayor excelencia que sus cabezas. La cara de Marsias es casi una máscara; pero de la
actitud conseguimos una impresión vívida de las pasiones que le dominan. La cara del Discóbolo
está calmada y tranquila; pero todos los músculos de su cuerpo se concentran en el esfuerzo. Sin
renunciar a algunas de las características esenciales de la escultura del periodo arcaico, su
Di ób l es una obra
Discóbolo b plenamente
l t clásica.
lá i Y aunque supuso un avance decisivo
d i i en ell estudio
t di del
d l
movimiento, de la tensión muscular y de la integración de la figura en el espacio no captó el
aspecto emocional y los detalles de un rostro expresivo. Por ello la cabeza conserva
reminiscencias de la movilidad del estilo anterior, la sonrisa se parece todavía a la expresión
arcaica.
Un número considerable de otras obras existentes se adscribieron a la escuela o la influencia de
Mirón, por Adolf Furtwängler.13 Estas atribuciones no han superado la prueba del tiempo.
Un papiro de Oxirrinco da las fechas de vencedores de Olimpia de quienes Mirón hizo estatuas del
atleta Timantes, victorioso en Olimpia en el año 456 adC, y de Licino, victorioso en 448 y 444. Esto
ayuda a fijar su data. Era contemporáneo, pero algo mayor, que Fidias y Policleto.14
Aristide Malliol internacional
Aristide Malliol
(Banyul‐sur‐Mer 1861 – 1944)
• Escultor francés cuyas obras se caracterizan por su volumen
y
y realismo sencillo. Estudió desde 1882 hasta 1886 en la
Escuela de Bellas Artes de París y se dedicó a la pintura, al
grabado y a los tapices antes de encontrar su verdadero
camino como escultor. Estuvo influido sobre todo por el arte
clásico griego. Se dedicó casi en exclusiva al desnudo
femenino y las figuras que creó suelen representar a
femenino y las figuras que creó suelen representar a
mujeres contundentes, con un aspecto muy terrenal
• Sus primeras pinturas serán de jóvenes desnudas, temática
Sus primeras pinturas serán de jóvenes desnudas, temática
que retomará después en la escultura, a la que se dedicó
tras una enfermedad que le afectó a los ojos.
Estilo.
Estilo
• En 1900 se vinculó al arte de los nabis y el fauvismo, tras
contactar con Bonnard y Matisse. Admiró la escultura egipcia,
india y clásica viajó por Italia y Grecia en 1908 lo que le llevó
india y clásica ‐viajó por Italia y Grecia en 1908‐ lo que le llevó
a la ejecución de obras definidas por volúmenes macizos,
p p p y
compuestos por formas planas y distendidas.
• La temática de desnudos y los monumentos conmemorativos
serán sus especialidades, manifestando en todos sus trabajos
una excepcional monumentalidad. Maillol será la figura más
importante en la transición entre la obra de Rodin y los nuevos
movimientos al templar el romanticismo del primero con la
i i t lt l l ti i d l i l
sensibilidad clásica.
• Buscaba más la perfección que la originalidad, y su estilo
p p j p ,
experimentó pocos cambios durante su carrera. Por ejemplo,
La montaña, de 1937 (Museo Nacional de Arte Moderno,
París), una figura desnuda sentada, es una variación de El
Mediterráneo (1905, Ayuntamiento de Perpiñán) de la que
d á ( d á )d l
difiere solamente por un cierto refinamiento y una mayor
nitidez Fue el escultor más destacado en Francia durante el
nitidez. Fue el escultor más destacado en Francia durante el
periodo comprendido entre Auguste Rodin y las vanguardias.
• pero su arte, influido por el clasicismo, marcó más el fin de
pero su arte, influido por el clasicismo, marcó más el fin de
una tradición que el comienzo de otra nueva era o etapa.
Trayectoria.
Trayectoria
• Malliol fue contemporáneo de los cubistas, aunque su
trayectoria no puede ser encasillada en ningún estilo, porque
experimentó con distintas técnicas con un objetivo: crear un
experimentó con distintas técnicas con un objetivo: crear un
arte actual y distinto al tradicional. Su tema principal fue la
g , y, p ,
figura humana, y, en especial, la femenina.
Obras.
Obras
1905 - 44 años
1888 - 27 años
1939 - 78 años
1911 - 50 años
Andre Masson.
Andre Masson.
(Balagny, Francia, 1896 – Paris, 1987)
• Vivió
Vivió en España entre 1934 y 1936. Desde 1941 hasta 1945 se
en España entre 1934 y 1936 Desde 1941 hasta 1945 se
refugió de la Segunda Guerra Mundial en los Estados Unidos,
donde sus aportaciones creativas se conectaron con el
expresionismo abstracto de Arshile Gorky o Jackson Pollock.
En 1945 regresó a Francia y dos años después se establece en
Aix‐en‐Provence donde inició un acercamiento a la naturaleza
Aix‐en‐Provence, donde inició un acercamiento a la naturaleza
que se tradujo en el interés por la abstracción con influencias
de la cultura oriental y la filosofía zen.
• uno de los mitos del surrealismo, fue pintor, grabador,
escultor, diseñador escénico, escritor... A comienzos de la
década de 1920 permitió que el cubismo lo sedujera pero en
década de 1920 permitió que el cubismo lo sedujera, pero en
1924 se unió al movimiento surrealista, del que fue un
miembro destacado hasta 1929, cuando abandonó en
protesta al liderazgo autoritario de Bretón.
lld d ó
Estilo.
Estilo
• IIniciado en el cubismo por su gran amistad con Juan Gris, es
i i d l bi i d J Gi
uno de los más importantes representantes del surrealismo
francés y del expresionismo abstracto aunque se le ha
y p q
calificado como el “viejo enemigo interno del surrealismo”
debido a las largas discusiones estéticas, políticas y personales
con los surrealistas
con los surrealistas.
• Del surrealismo iría y volvería pero apasionado ya por lo
español y profundamente interesado por el amor y el odio,
p yp p y ,
estuvo durante una larga estancia en España coincidiendo con
la Guerra Civil. Vivió tres guerras marcándole definitivamente
las masacres a las que había asistido sus heridas y sus
las masacres a las que había asistido, sus heridas y sus
estancias en los hospitales. La violencia, la sangre y la muerte
serán una constante en su obra.
Trayectoria.
Trayectoria
• LLa trayectoria vital de Masson abarca un primer momento de
i i ld M b i d
inspiración cezanniana; su interés por el cubismo a raíz de su
amistad con Juan Gris; el primer surrealismo, convocado por
; p , p
André Breton que descubre en Masson el origen del
"automatismo"; una aproximación al expresionismo; la vuelta
a planteamientos surrealistas en asombrosa transformación
a planteamientos surrealistas, en asombrosa transformación,
durante el exilio americano y, por último, la llegada a una
cuasi abstracción con influencias de la cultura oriental y
filosofía zen. Pero en todos estos momentos hay una serie de
constantes que nutren su creación artística en las siguientes
direcciones por un lado La Naturaleza que impregna casi
direcciones, por un lado, La Naturaleza, que impregna casi
toda su creación artística y literaria; la violencia, las
metamorfosis, y la mitología.
• La
La obra de Masson establece un diálogo extraordinario con el
obra de Masson establece un diálogo extraordinario con el
pensamiento crítico de Goya, de ahí el título de la muestra,
una aportación a la famosa sentencia goyesca de “El sueño de
la razón produce monstruos”. La producción artística de
Masson, como la de Goya, constituye una profunda reflexión
sobre la violencia y el erotismo la destrucción y la deformidad
sobre la violencia y el erotismo, la destrucción y la deformidad
inherentes al ser humano, la metamorfosis y la hibridación, lo
grotesco y lo patético.
grotesco y lo patético.
Obras.
Obras
Sorolla e os seus contemporáneos”
Los monstruos de la razón

Leon Leoni internacional
Leon Leoni.
(A
(Arezo, 1509 –
1509 Milán, 1590)
Milá 1590)
• El escultor León Leoni nació en Arezo en 1.509 y murió en
Milán en 1.590. El General Fernando Gonzaga le encargo la
realización de una medalla para Isabel Gonzaga y a partir de
ese momento gozó de su protección y quien influyó para que
entrase al servicio de Carlos V. La Historia le tachó de persona
t l i i d C l V L Hi t i l t hó d
conflictiva. Cellini le acuso de envenenador. Apuñado a
Horacio Vecelli, hijo de Tiziano; también hizo lo mismo con
Horacio Vecelli, hijo de Tiziano; también hizo lo mismo con
Pellegrino de Lenti, joyero papal y con otros artistas.
Estilo.
Estilo
• La mayoría de sus obras fueron fundidas en bronce y se
conservan en España y Viena. Carlos V le prestó total apoyo
que se incrementaba por su amistad con el cardenal
que se incrementaba por su amistad con el cardenal
Granvelle. El Cardenal hizo posible que sus obras y la de su
j p y p
hijo Pompeyo fuesen expuestas en Bruselas. Cuando Carlos V
embarcó para España, en el mismo barco iba Pompeyo Leoni,
quedándose su padre enfermo en Gante.
• Para conmemorar el quinto centenario del nacimiento de
q
Miguel Ángel, la UNESCO reprodujo una medalla realizada en
1561 por León Leoni, escultor y medallista italiano
contemporáneo del artista. En el anverso se puede ver la
efigie de Miguel Ángel a la edad provecta de 88 años, tal
como se señala abreviadamente en la inscripción que la
como se señala abreviadamente en la inscripción que la
acompaña (Ann 88 También figuran en el anverso el nombre
, g
del artista , Michaelangelus Bonarrotus yy el de la ciudad
donde fue acuñada la medalla, Florencia (Flor).
Obras.
Obras
Busto de Carlos V,, en el Museo
del Prado.
El busto de Carlos V es una
escultura
lt ffundida
did en bronce
b
hacia el año 1553 representa a
Carlos V V, obra de los escultores
italianos Leone Leoni y su hijo
Pompeo.
p Procedente de la
colección real, se encuentra en
el Museo del Prado.
Busto de Carlos
V
Grupos escultóricos de Carlos V y Felipe II de El
Escorial.
Carlos V y el Furor
Palolo Valdés internacional
Palolo Valdés
Palolo Valdés.
• P
Pedro Pablo Valdés, conocido como Palolo Valdés, es un
d P bl V ldé id P l l V ldé
artista plástico nacional cuyas esculturas son muy cotizadas y
reconocidas a nivel internacional Ha participado en la Feria
reconocidas a nivel internacional. Ha participado en la Feria
de Arte de Seúl y en la Feria Internacional de Galerías de Arte
de Shanghái, siendo en esta última, el único chileno invitado.
Estilo.
Estilo
• Sus obras rescatan la esencia y la historia de la vida, porque
trabaja sus esculturas en base a piedras milenarias que
rescata de cualquier lugar y que le permiten crear sus obras a
rescata de cualquier lugar y que le permiten crear sus obras a
partir de las formas ocultas en cada una de ellas.
• A través de sus esculturas, Palolo Valdés da vida a esta
A través de sus esculturas Palolo Valdés da vida a esta
especial e impactante muestra, en la que se refleja el dolor
sufrido por numerosas víctimas inocentes del bombardeo que
destruyó en su totalidad el pequeño poblado español. Las
esculturas de Valdés son una verdadera versión en volumen
d l i á
de las imágenes que están inmortalizadas en el Guernica,
tá i t li d lG i
reconocido como una de las obras más importantes de
Picasso.
Picasso.
• El
El desafío que se planteó el artista nacional para desarrollar la
desafío que se planteó el artista nacional para desarrollar la
serie de esculturas que conforman esta muestra, fue el de
recrear el “lado oscuro del Guernica” ‐como el mismo señala‐, ,
porque las obras revelan el lado que no se puede ver en la
tela del cuadro y además, el lado intrínseco de las guerras…
de dolor y sufrimiento.
• es un artista de la generación del 80 en donde la
experimentación con los materiales fue desplazando la
i ió l i l f d l d l
tendencia conceptual de los 70. El artista trabaja con la
expresividad de distintos materiales dentro de varios campos
expresividad de distintos materiales dentro de varios campos
sensibles. Se conjugan materiales blandos, duros, rellenos
vacíos en referencia a la ductibilidad de los elementos con
temáticas y referencias al arte contemporáneo como en esta
obra inspirada por Pablo Picasso.
Trayectoria.
Trayectoria
• Palolo
Palolo Valdés ha realizado su producción escultórica
Valdés ha realizado su producción escultórica
empleando, por lo general, alambres y fierros para marcar los
contornos de la figura, y luego “rellenando” los espacios con
cerámica, piedras, metal o greda, lo que aumenta la capacidad
expresiva de la escultura, al conferirle un aspecto milenario a
ét d d l
éstas, donde el gesto y la huella está en su máxima evidencia.
t l h ll tá á i id i
• Su trabajo se inspira en obras cumbres de la Historia del Arte,
como el ‘Guernica’
como el Guernica de Picasso.
de Picasso
• Y dentro de su temática predilecta, destacan los caballos
como centro gravitante lo que tiene su origen en los primeros
como centro gravitante, lo que tiene su origen en los primeros
trabajos que el artista realizó como escenógrafo.
Obras.
Obras
España En El Corazón
Teresa Vicuña nacional
Biografía:
Teresa Vicuña
Escultora nacida en Santiago en 1927. Su formación artística fue
realizada en la Escuela de Bellas Artes de la Universidad de
Chile, perfeccionando luego sus estudios en París, y
posteriormente en Barcelona, ciudad donde residió durante los
años setenta. Estudió junto a otros consagrados como Matías
Vial y Raúl Valdivieso. Ha recibido varios premios, y ha expuesto
individualmente en Chile y Francia. Regresa a Chile en 1984
para desempeñarse como catedrática de escultura en la Escuela
d A
de Artes d
de lla P
Pontificia
ifi i UUniversidad
i id d C
Católica.
óli
Lugares de exposición : Exposiciones individuales Año
195
Salón Universitario, Santiago.
-Homenaje a Violeta Parra 6
en “ La
L SSebastiana”
b ti ” 195
Instituto Británico de Cultura, Santiago.
9
196
Instituto Británico de Cultura
Cultura, Santiago.
Santiago
0
Instituto Cultural de Las Condes, 196
Santiago. 8
Técnicas de trabajo:
Su obra se caracteriza por el uso de materiales sumamente moldeables, que
permiten el registro de la huella del autor en la ejecución de la escultura,
como la tierra,, la terracota,, la greda
g y en menor medida,, el yeso,
y , pues
p estos
materiales le permiten imprimir directamente su emociones.
Conjuga en una misma obra lo cóncavo y lo convexo, contrastes presentes
simultáneamente mediante volúmenes llenos o vacíos.
El volumen lo define en su obra a través de la figura humana, que está más
bien insinuada a través de los órganos sexuales, hasta llegar a la proposición
formal del cuerpo humano.
Su composición plantea el tema de la incomunicación humana y al ideal de
unión entre los sexos.
Premios Año
Segundo Premio en Artes
1957
Aplicadas, LXVIII Salón Oficial
de Santiago
Mención Honrosa en Escultura,
LXIX Salón Oficial de Artes 1958
Plásticas, Santiago.
Primer Premio,, II Feria de
1960
Artes Plásticas
Segunda Medalla, LXXIV Salón
1963
Oficial de Santiago
“Hombre Solo” “Mujer”
Lucía Waiser,, nacional
Biografía: Lucía Waiser
Lucía Waiser,, escultora,, nació en Santiago
g el 30 de septiembre
p de 1940.
Waiser explora el ámbito artístico de las técnicas mixtas, usando diversos
materiales, como telas, cintas, acrílicos, etc., que se complementan con dibujos
a lápiz o pastel, algunos huecograbados y relieves en papel, o encofrados, que
son uno de sus trabajos Más difundidos dentro de ésta área.
Estudió Diseño en la Universidad de Chile, licenciándose en 1966.
Luego residió durante cuatro años en Suiza
Suiza, diseñando muebles en Zurich
Zurich.
Lucía Waiser ha desarrollado una carrera artística
reafirmada por varias exposiciones individuales y
colectivas tanto en Chile como en el extranjero
colectivas, extranjero.
Lugares de exposición:
- Parque de la Escultura
- Galería de Arte Cecilia Palma (Alonso de Cordova 2812, Vitacura)
Luego se trasladó, por la misma cantidad de años, a Inglaterra, donde
realizó
li ó un master d
de Hi
Historia
i ddell A
Arte en lla U
Universidad
i id d d
de S Sussex, que
finalizó en 1976; al año siguiente realizó un curso de Litografía en el centro
politécnico de Brighton. Mientras vivió en Stanford, se desempeñó como
profesora
f de
d español,
ñ l contando
t d entre t sus alumnos
l a lla cantautora
t t
norteamericana Joan Báez.
Desde 1979, la escultora vivió en California, donde aprendió a
manufacturar papel y se perfeccionó en técnicas de dibujodibujo. Regresó a Chile
en 1986.
Pero por sobre todo Waiser es reconocida como escultora: cemento, bronce,
granito,, telas,, alambres o esponjas
g p j son las materias q
que le sirven como soporte
p de
sus ideas sobre el ser humano, la dependencia y el desarraigo, así como para su
exploración en torno al volumen, que investiga, como vemos, también en los
encofrados.
El tema de la mujer como dependiente del hombre para su
desarrollo, convertida en un complemento de éste que ansía
alcanzar
l su autonomía
t í como persona, se materializa
t i li en
mujeres- pájaros encerradas en jaulas, u en otras expresiones,
que tienen como característica común el adquirir completa
significación
i ifi ió una vez estén
té di
dispuestas
t en ell espacio;i
últimamente, sus obras han adquirido un tono, en cierta medida,
irónico.
Ejemplo de lo anteriormente dicho son sus recientes
producciones: Peras de diversos tamaños, que combinan con
sus líneas redondeadas y suaves, las curvas femeninas,
jugando con la ambigüedad del significado; una fruta es también
una mujer, acogedora y simple, pero la materialización de esta
idea contrasta con la dureza del metal o la piedra que acoge
dichas formas.
Título: “VUELO I”
Autora: Lucía Waiser (1940)
Dimensiones: 2,55 x 2,00 x 0,84 mts.
Material: Cemento
Fecha emplazamiento: 27–septiembre-
1990
Flaminio Modigliani
g internacional
Amadeo Modigliani
Biografía:
Fue el cuarto hijo de Eugenia, una francesa natural de Marsella, y de

Flaminio, nacido en Roma. El padre de Amedeo se dedicó a una
profesión
f ió ttradicional
di i ld
de llos jjudíos
dí europeos: ell préstamo.
é t P
Pero era mall
negociante. Prestaba atendiendo más a las necesidades que a las
garantías de sus clientes, y muy pronto debió recurrir él mismo a otros
prestamistas.
prestamistas
Así como Flaminio Modigliani era benevolente con sus clientes, sus
acreedores fueron inflexibles. Eugenia estaba embarazada de Amedeo
cuando los oficiales de la justicia se presentaron en su casa
casa. Una vieja
ley italiana sirvió para dar un respiro a la familia: todos los objetos que
estuvieran sobre la cama de una mujer embarazada eran intocables.
Flaminio y Eugenia acumularon en su cama de matrimonio todas las
joyas y objetos de algún valor que aún poseían. Esa pequeña fortuna les
sirvió para instalarse en una casa más modesta y tratar de comenzar una
nueva vida.
Flaminio se alejó de Livorno para probar suerte en la minería. Eugenia
abrió una escuela de lenguas para señoritas, a la vez que se dedicaba a
escribir cuentos y artículos literarios para algunos periódicos. Mientras
tanto, criaba a sus cuatro hijos así es como pasa su infancia entre la
pobreza y la enfermedad.
Visión:
Inventar objetos de arte significa crear nuevas relaciones en el hombre y
entre el hombre y su entorno. Uno de los polos fundamentales hacia el que
se orientan sus exploraciones desde 1922 hasta su muerte es la visión. A
ella consagrará numerosos manifiestos o textos teóricos; tal vez el más
acabado de ellos sea Peinture, Photographie, Film (1925).
• Moholy-Naggy estima que, puesto que el ojo está limitado en su
percepción, ciertas técnicas, sobre todo la fotografía y el cine, pueden
engendrar nuevas aprehensiones del espacio
espacio, del movimiento
movimiento, del tiempo
tiempo,
de la luz, y ampliar así el campo de nuestra experiencia. Para él, el objetivo
de tales medios artificiales no consiste en corregir o suplir las debilidades
de la óptica humana, sino por el contrario, en elaborar una nueva visión
capaz de "dar forma" a la vida.
vida De lo orgánico a lo mecánico
mecánico, de la célula a
la máquina, e inversamente, de la técnica a la biología, tal es la ambiciosa
empresa que pretende llevar a cabo, pero siempre prestando una atención
infinita a la plasticidad de sus realizaciones.
• Al contemplar sus obras, hay que imaginar pues de fondo esa conjunción
constante, que tiene una fuerte presencia tanto en sus fotografías como en
sus fotogramas.
Luz y abstracción :
Desde un punto de vista formal, los fotogramas pertenecen claramente a la
categoría
g del arte abstracto. Realistas en cuanto a su fabricación material -
dado que es absolutamente necesario el uso de objetos concretos para su
realización-, una vez terminada la obra, parecen formar parte de una estética
"no figurativa". Los materiales utilizados raras veces son identificables y han
sido dispuestos de tal forma que imposibilitan cualquier referencia al mundo
real; diversas indicaciones inscritas por la mano del artista al dorso de las
obras señalan que no se les atribuye ninguna posición precisa en su
presentación.
ió El ffotograma no es una copia, i sino
i una transmutaciónió d de llo
real, y en primer lugar, del fenómeno de la luz. Cuando Moholy-Nagy habla de
que la fotografía y el fotograma "dan forma a la luz", para él, la mejor manera
d llograr ese objetivo
de bj ti es canalizar
li ell ffenómeno
ó en síí mismo
i y por síí mismo,
i
jugando únicamente con formas puras.
László Moholy-Naggy
y ggy internacional
Naggy
Lá ló
Lázló
Biografía:
László Moholy-Naggy nació el 28 de julio de 1895 en Hungría,

concretamente en la ciudad de Bácsborsard, y falleció el 24 de noviembre
de 1946) en la ciudad americana de Chicago .Aunque su verdadera pasión
fue la pintura, hoy en día es recordado como uno de los mejores fotógrafos
de los años 20, pionero en este campo. También fue profesor en la escuela
Bauhaus.
La I Guerra Mundial estalló mientras Moholy-Naggy desarrollaba sus
estudios de jurista, y hubo de abandonarlos para alistarse en el ejército de
su país. Durante los años que duró el conflicto bélico, empezó a dar sus
primeros
i pasos artísticos,
tí ti con algunos
l ttrabajos
b j enfocados
f d en dib
dibujos
j a lla
tiza y a la tinta china. Una vez terminó la 1era Guerra Mundial, abandonó
sus estudios de Derecho y se dedicó por completo al arte.
Método de trabajo:
Este personaje hace su investigación buscando la plasticidad del

espacio, tal como nosotros hicimos fotografías con este medio, era la
forma de representar sus ideas.
Kephistodos
p internacional
Kephistodos “el Viejo”:
Probablemente fue el padre de Praxiteles. Se conservan
p
pocas obras, pero debió de ser un escultor muy
importante en el cambio de siglo entre el V y el IV.
Destaca la escultura de EIRENE y PLOUTOS en la que
y q
aparece una figura femenina con un niño en brazos que
se puede relacionar con el Hermes de Praxiteles.
Ivan Daiber nacional
IVÁN DAIBER
IVÁN
Á DAIBER
Biografía:
g
-Arquitecto egresado de la Universidad de Chile el año 1982 , pintor y sobre todo,
escultor.
-Nació en La Unión (Chile),el 17 de agosto de 1955.
-Aunque no siguió estudios formales de arte, participó de diferentes talleres en la

Escuela de Bellas Artes de la Universidad de Chile, durante los años '70- '80 donde
estudió pintura y dibujo.
-Reconoce la influencia de su profesor del Colegio Suizo, Urban Blank y la de su propio

padre.
- Fue discípulo de Gregorio De la Fuente,

Fuente Ulrich Welss
Welss, Gonzalo Díaz y Bororo.
Bororo
-Se dio a conocer ampliamente en los ochenta, haciendo gala de una gran libertad
expresiva, fuerza y color.
-Ha obtenido los

l primeros lugares
l en diferentes concursos:
Escultura Parque Arauco (1991).
Murales, Asociación de Seguridad- Ovalle (1992).
Premio de Escultura en Concurso organizado
g por
p el MOP (1996).
( )
Consiguió
ó ell F
FONDART
D en d
dos ocasiones (1
(1993// 1994).
1 4)
BÚSQUEDA FORMAL DE SUS OBRAS
En sus esculturas se reconocen formas abstractas y geométricas que aprovechan las formas
esenciales de los materiales, madera, bronce, fibra de vidrio y resina. Combina ingeniosas
soluciones, con figuras humanas y animales, en un estilo, lúdico e irónico que le es característico.
Daiber da cuenta de un trabajo pulcro y armonioso, proponiendo figuras asociadas a juguetes
i f til s y objetos
infantiles bj t s f
fantasiosos.
t si s s HHa realizado
li d esculturas
s lt s y murales
l s monumentales
t l s que presiden
sid
espacios urbanos con armonía y elegancia a lo largo de todo Chile.
TÉCNICA ESCULTÓRICA
grafismo
LUGARES DE EXPOSICIÓN
-Ha
Ha realizado
real zado importantes
mportantes expos
exposiciones
c ones
individuales en Galerías y Museos de Chile,
Argentina, Canadá, España y los EE.UU.
-Galería Cecilia Palma.
-Museo de Artes Visuales, Santiago.
-Galería
í de Arte Isabel Aninat.
ESCULTÓRICAS
OBRAS ESCULTÓRICAS
OBRAS
Dentro de sus exposiciones individuales, se encuentra:

2000, "Maniquí prèt a porter", Galería Isabel Aninat; Santiago
1999, "Pura Fibra", auditorium Mar del Plata, Argentina
1998 Exposición
1998, E i ió itinerante,
iti t Vancouver,
V Ottawa,
Ott Q
Quebec
b y otras
t ciudades,
i d d C
Canadá.
dá
Centro Cultural Borges, Buenos Aires, Argentina
1997, "Daiber Ensambles", Museo Nacional de Bellas Artes, Santiago
"Esculturas", Simon Patrich Galleries, Canadá
1994, "Esculturas", Sala Municipal, Temuco
1993 "Di
1993, "Diablos
bl E Esculturas",
lt " GGalería
l í Gabriela
G b i l Mistral,
Mi t l Ministerio
Mi i t i de
d EdEducación
ió
1992, "Anticuerpos", Sala parque de las esculturas, Providencia, santiago
1991, "De canto", Galería La Fachada, Santiago
1990, "Zoo", Galería La Fachada, Santiago
Exposiciones
E i i colectivas:
l ti
2000, HAF, Feria de Arte de Holanda, La Haya
ArteBA, Feria de Arte Contemporáneo de Buenos Aires, Argentina
1999, "El vino y los artistas" Galería Isabel Aninat
FIAC; Feria Internacional de París
1998 ARCO
1998, ARCO, F Feria
i dde Arte
A t Contemporáneo
C t á d
de M
Madrid,
d id españa
s ñ
Itinerante Escultura Pequeño Formato, Portugal, España, Francia, Alemania, Holanda, etc.
"Entorno a la figura humana" Galería Malborough
"Lo de adentro y lo de afuera"
1997, "Esculturas y paisajes" Museo de Arte de las Américas, Washington D.C.
Patricia del Canto nacional
PATRICIA DEL CANTO
-Escultora. Nació el 16 de Marzo de 1948 en
Santiago.
-Estudió en la Facultad de Arte de la

Universidad de Chile entre 1966 a 1970
titulándose de Artífice en Cerámica de la
E
Escuela
l de
d Artes
A Aplicadas.
A li d
- Se especializó en Grabado y Escultura. Fue

discípula de Luis Mandiola y Juan Egenau.
Sus obra no son abstracta sino concreta, hasta figurativa, pues está pensada para el hombre.
Concibe su trabajo
j inserto en el espacio
p público.
p Diseña y arma formas evidenciando una
geometría básicamente lineal, piramidal, elaborando espacios dentro de otros por medio de
escaleras, espejos y jardines de piedras, cuarzos, maderas y troncos como elementos naturales
unidos a recursos propios de la escultura moderna. Son obras que pueden ser recorridas por el
espectador,
p hechas en función del sitio de emplazamiento.
p Sus citas a arquitecturas
q modernas, al
paisaje natural y urbano se acercan a la Instalación , el Land Art y el arte ecológico.
Su enfoque esta centrado en una crítica al consumismo y la deshumanización del hombre. Luego entre 1985 a
1989, trabajó en torno a la idea de lo constructivo, organizando formas arquitectónicas ensambladas unas con
otras. La autora reconoció entoces su afinidad con los conceptos del minimalismo geométrico, el concepto
escultórico de Brancusi, el constructivismo ruso del 1900 y el constructivismo inglés.
-“Esculturas 1977-1982”, Galería Arte Actual (1982)
-“Esculturas”, Pinacoteca Universidad de Talca (1987)
-“In
In Limine
Limine”, Sala Parque de las Esculturas (1990)
- “Cis Mundo-Transmundo”, MNBA (1995)
-“In Illud Tempus”, MNBA (2002).
- Actualmente se prepara para participar en una colectiva que llevará en octubre, al mismo Museo
del Parque Forestal, las obras de importantes escultoras nacionales.
OBRAS ESCULTÓRICAS
BARCA DE LUNA 2003 polyestireno, cuero 0.16 x 0.27 x 0.10 mt
LUGAR MÁGICO 2006 terracota 1.00 x 0.60 x 0.50 Camaguey, Cub
TEMPLO - UMBRAL / Acero, espejo / 5.00 x 3.50 x 1.50 Mts. / 2000 / Facultad de Ciencias Sociales Campus J. G. Millas. Universida Universidad d de Chile,
Santiago, Chile
LA COSIFICACIÓN / Polyester,
P l t acero, cuero repujado j d / 2.00
2 00 x 2.00
2 00 x 2.00
2 00 Mts.
Mt / 1983 - 1984
IN LIMINE III / Acero, espejo / 3.00 x 1.10 x 6.30 Mts. / 1990 / Facultad de Artes, Campus J. G. Millas Universidad de Chile, Sa Santiago,
ntiago, Chile
TAO / Acero, madera (roble pellí n), piedra / 2.50 x 1.40 x 0.45 Mts. / 1995 / Colección Museo de Artes Visuales. Santiago, C Chil
hilee
TRASLATIO ALTER IMAGO / Acero, espejo / 3.00 x 1.50 x 1.30 Mts. / 2002 / Parque Valle de Los Artistas. Lolol, VI Región, Chil Chile.
e.
TORSO - ENVASE / acero,cuero / 0.80 x 0.35 x 0.20 mt. / 1982
MONTE DEL SOL / acero, piedra, bronce, espejo / 1.70 x 0.70 / 1992
AYLLO / Madera
Madera, arena / 22.20
20 x 11.80
80 x 11.00
00 Mts
Mts. / 2001
INTER--EXTRA MUROS / acero, espejo / 5.00 x 3.00 x 2.00 mt. / 2005
INTER
IN LIMINE III / acero, espejo / 3.00 x 1.10 x 6.30 mt. / 1990
IN LIMINE / acero, espejo, cuero, bronce / 2.10 x 2.00 x 0.60 mt. / 1987
PAISAJE - ALTAR / Acero, piedra, hormigón / 2.85 x 1.50 x 0.80 Mts. / 1998
COMMUNICATION / Acero, piedra / 3.00 x 1.70 x 1.60 Mts. / 2003 / Andres Park. Brookline, N.H , USA.
CAJA
J /ppolyester,
y , acero / 0.70 x 0.30 x 0.20 mt. / 1982
IN LIMINE III / acero, espejo / 3.00 x 1.10 x 6.30 mt. / 1990
HACIA EL SOL / (FERROESCULTURA) Trozos de vía férrea y piezas de trenes / 4.00 x 1.50 x 1.00 Mts. / 1991 / Estación de ferroc ferrocarr
arriles
iles San
Bernardo Stgo. Chile
SEMILLA / Acero, bronce / 4.00 x 1.20 x 0.30 Mts. / 1992 / Parque de Las Esculturas. Providencia
ALTAR / Acero, piedra, cuarzo, bronce / 2.80 x 1.70 x 2.10 Mts. / 1999
TAO / Acero, madera (roble pellí n), piedra / 2.50 x 1.40 x 0.45 Mts. / 1995 / Colección Museo de Artes Visuales. Santiago, C Chil
hilee
3 DIMENSIONES / A Acero, hhormigón,
i ó piedra,
i d cuarzo, espejo j / 22.00
00 x 22.00
00 x 22.50
50 Mt
Mts. / 1995 / Sala
S l IInteractiva
t ti - Museo
M N
Nacional
i ldde Bellas
B ll A Artes.
t
Santiago, Chile.
HACIA LA VIDA III / Acero, espejo / 1.20 x 0.70 x 0.50 Mts. / 1985
HAIKU / madera / 1.70 x 1.60 x 1.00 mt. / 1998
TRASLATIO ALTER IMAGO / acero, espejo / 3.00 x 1.50 x 2.50 mt. / 2002
CIS WORLD TRANS WORLD / Acero soldado, espejo, cuero / 2.93 x 2.27 x 0.73 mt. / 1987
TECTUM ARCANUS / Madera / 2.50 x 3.50 x 1.00 Mts. / 2001 - 2002
ORáCULO DE SOL Y LUNA / Acero, bronce, cuarzo, piedra espejo,arena / 7.00 x 3.00 x 1.50 Mts / 1999 - 2000 / Campus Antumapu, Universidad Universidad
de Chile.
ORáCULO DE SOL Y LUNA / Acero, bronce, cuarzo, piedra espejo,arena / 7.00 x 3.00 x 1.50 Mts / 1999 - 2000 / Campus Antumapu, Universidad Universidad
de Chile.
VIRTUAL WALL / Cristal, espejo / 8.00, 1.50, 2.80 mt. / 2005 / Parque Kronan Lulea, Suecia
MESA DEL SILENCIO / Acero, piedra, cuarzo, arena / 3.00 x 2.50 x 4.50 Mts. / 2002
Henry
y Moore internacional
HENRY
HEN Y MOORE
M E
Biografía
-Escultor Británico
-Nació en 1898 en Yorkshire, Castleford, Inglaterra.
- Comenzó sus estudios artísticos en Leeds después de combatir en la Primera Guerra
Mundial
- 1919 ingresó en el Royal College of Art con una beca
-Fue profesor del Royal College entre 1925 y 1932, y de la Escuela de Arte de Chelsea de
1932 a 1939.
1939
- - Poco conocido fuera de su país hasta mediados de siglo.
-Gano El Premio Internacional de Escultura de la Bienal de Venecia, recibido en 1948, lo
que lo proyectó a nivel internacional y, en lo sucesivo, recibió innumerables encargos,
muchos
h de d ellos
ll para exteriores,
i lo
l que lel llevó
ll ó a aumentar ell tamaño
ñ de
d sus obras.
b
-Murió a los 86 años

BÚSQUEDA
Ú QUED FORMAL
F M L DE SUS
U
OBRAS
-En sus obras buscaba tan sólo la expresión de una energía interior.
-Desde 1930, la figura yacente y la maternidad se configuraron como sus dos temas preferidos, a
los que se añadieron más tarde las pequeñas cabezas y los grupos familiares.
-En 1934, Moore comenzó a excavar cavidades en los materiales y, a partir de 1940, cavidades y
masas poseen prácticamente la misma importancia ( complemento entre forma y espacio).
- Poco
P conocido
n id f fuera de
d su
s país
p ís hasta
h st mmediados
di d s d
de si
siglo.
l
-En 1934 Moore comienza a horadar los materiales y a partir de 1940 los agujeros o vacíos y las
masas tendrán la misma importancia
p en las obras de Moore, en la búsqueda
q de la
complementariedad de la forma y el espacio.
TÉCNICA
É N ESCULTÓRICA
E UL
En sus
E s s primeras
i s obras
b s (hasta
(h st 1930) trabajaba
t b j b en lla té
técnica
i clásica
lási de
d "t
"taille
ill directe"
di t " y se
s percibe
ib ell bloque
bl
sólido, vigoroso que lo caracterizaría.
A partir de 1930 comienza una paulatina evolución de sus monolitos y las figuras reclinadas van perdiendo su
frontalidad y tienden a que los ángulos y zonas de interés aumenten y se encuentren por todos los lados de
las
a ppiezas,
za , incluso,
nc u , con
c n la
a superficie.
up rf c .
A finales de la década de 1930 cuando hay un paso de volumen sólido a las figuras esbeltas y perforadas, y
contorneadas por las posturas de las extremidades.
En la década del sesenta y hasta su muerte, Moore descompone sus figuras reclinadas y deja entre esas
partes espacios vacíos.
Le ha dado otro sesgo al monolito y ha dejado que las partes respiren, que la mirada descanse como el
cuerpo en el rellano de una escalera.
Toronto City
y Hall Plaza
National Gallery of Australia
Museum, Jerusalem.
Münster, Germany Himmelreichallee
Stuttgart Staatsgalerie
opposite the House of Lords, London
OBRAS E
ESCULTÓRICAS
UL
Mujer reclinada
Figuras envueltas con niños.
G
Guerrero caido
id
Rey y Reina
Mother and child, 1924-25
Head and ball
ball, 1934
Reclining figure, 1957
Escopas
p internacional clasico
E
ESCOPAS
Biografía
- Nació en la isla de Paros, en las Cícladas.

-Celebre
Celebre escultor y arquitecto clásico griego del siglo IV adeC.
adeC
-escultor representativo de la segunda fase del clasicismo.
-Trabajó el mármol de las famosas canteras de su isla natal
-Intervino en el mausoleo de Halicarnaso
-Se
S encargó ódde lla reconstrucción
t ió ddell T
Templo
l dde Atena
At Al en Tegea
Alea T (l
(la Arcadia),
A di ) destruido
d t id por
un incendio en 395 adC.
-Colaboró con Praxíteles, Leocares, Bryaxis y Timoteo.
Sus obras se parecen mucho, en la construcción de las composiciones, al estilo de Fidias aunque parecen
muy rigurosas en la forma, en la cual se nota el recurso a Policleto.

estilo patético
L s Obras
Las Ob s dde sse exponen
xp n n en
n lloss si
siguientes
ui nt s museos:
mus s:
Museo Británico de Londres (bajorrelieves).
M
Museo Arqueológico
A ló i Nacional
N i l de
d Atenas
At (Fragmentos
(F t d dell ttemplo
l de
d Atenea
At Alea
Al en Tegea
T )).
El celebrado Ares Ludovisi en el Palazzo Altemps, Roma.
Una estatua de Pothos restaurada como Apolo con cítara

í en los Museos Capitolinos, Roma.
Una estatua de Meleagro en el Museo Fogg Art, Cambridge, Massachusetts.
OBRAS ESCULTÓRICAS
Cabeza femenina representando a la diosa Igea,

Igea proveniente de Tegea en la Arcadia.
Arcadia Atribuida a Escopas y
realizada a mediados del siglo IV adC. Museo Arqueológico Nacional de Atenas.
Realizó una parte del mausoleo de Halicarnaso (hoy Budrum), construido en torno a 350 adC, encargándose en
particular de los bajorrelieves y esculpiendo el lado este de la estructura.
Dirige
g además las tareas para
p la construcción del nuevo edificio del Templo
p de Atenea Alea en Tegea,
g en la
Arcadia, donde trabajó personalmente y en particular en los frontones que están unidos hoy. Se le atribuyen a él
diversos edificios que formaban parte del Santuario de los Grandes Dioses de Samotracia.
Se le atribuyen:
una Ménade Furiosa, a la que numerosos epigramas de la Antología griega rinden homenaje;
Meleagro del Vaticano;
estatuas de Asclepio e Higía en el templo de Asclepio en Gortina, en Arcadia;
una estatua de Afrodita Pandémos en Elis;
una estatua de Hécate en Argos;
dos Erinias del templo de las Augustas Diosas en Atenas;
un Heracles en Sición;
un Apolo en Rhamnonte, que se encontrará en el templo de Apolo en el Palatino, en Roma, cantado por Propercio
(II, 31).
Vera Mukhina internacional
VERA MUKHINA
-nacida en Riga en una familia rica mercante, ella vivió en san 23/25 Turgeneva.
--estudió en diferentes escuelas de bellas artes privadas, incluyendo a él de Konstantin Yuon y Ilya
Mashkov.
- En 1912 viaja a París, donde asistió al Académie de la Grande Chaumière.
- Más
á tarde
d f fue a Italia
l a explorar
l ell arte y llas esculturas
l d
dell período
í d ddell Renacimiento.
R
BÚSQUEDA FORMAL DE SUS
OBRAS
-En los años 1940 el estilo artístico de Mukhina más pareció caber en las normas estéticas de la era de
Stalin. Sus proyectos nunca fueron o erigidos o seriamente fueron deformados, como era el caso de los
monumentos a líderes soviéticos Yakov Sverdlov y Vladimir Lenin
Lenin, compositor Pyotr Tchaikovsky en
Moscú y escritor Maxim Gorki: el éste fue diseñado para la capital, pero transferido a Novgorod nizhny.
-
OBRAS ESCULTÓRICAS
-Su trabajo más famoso es el Trabajador de monumento gigantesco y la Mujer Kolkhoz que era el centro de la
mesa del pabellón soviético en la exposición(muestra) 1937 Internacional en París. El 24-meter-tall, la
escultura de 75 toneladas fue hecha de las hojas(sábanas) de acero inoxidable unido(conectado) juntos con un
método innovador de soldadura de punto. Una mano de cada figura(número) sostiene respectivamente un
martillo y una hoz, los dos instrumentos que se unen formar el martillo y el símbolo de hoz de la Unión
Soviética. En 1947 la escultura, ahora instalada en el Centro de exposición(muestra) de Todo-Rusia (entonces
" ... Todo-soviético "), se hizo el símbolo del estudio de ruso Mosfilm.
-Rabochy i kolkhoznitsa.
- The worker and Collective-Farm Girl.
- Bread,1939.
Vera Mukhina internacional

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