Tema 14: La escultura Barroca: Bernini

1.- La escultura Barroca: características generales

2.- La escultura Barroca italiana: Bernini
a) Aspectos biográficos
b) Su obra escultórica
3.- La escultura Barroca en España
a) Características generales
b) La escuela castellana.
c) Las escuelas andaluzas.
d) El siglo XVIII: Francisco Salzillo. (1707-1783) (la escuela murciana)

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Historia del Arte. Tema 14: La escultura barroca. Bernini ©Juan Antonio García Rex
1.- La escultura Barroca: características generales
1. En la escultura barroca, al igual que en la arquitectura, destaca el deseo de movimiento.
2. El movimiento se dispara hacia el exterior y los miembros de las figuras y los ropajes se
proyectan hacia fuera.
3. Los ropajes se hinchan, sus plegados se multiplican y se arremolinan y el escultor
atiende más al movimiento del paño que a subrayar con él las formas de la figura
humana.(no paños mojados)
4. A la concepción puramente escultórica del Renacimiento sucede otra de carácter más
pictórico que procura representar más la apariencia que la realidad misma y, en el deseo
de fingir calidades, contrapone superficies pulidas a otras apenas trabajadas.
5. Se busca la exaltación de los sentimientos y la teatralidad. El escultor barroco es muy
dado a representar los arrebatos místicos muy en consonancia con las directrices de la
Contrarreforma marcadas en el Concilio de Trento.
6. La escultura barroca es una escultura efectista y procura con frecuencia impresionar al
espectador, sobre todo en el género funerario.
2.- La escultura Barroca italiana: Bernini (Nápoles, 1598-Roma, 1680)
a) Aspectos biográficos
Escultor, arquitecto y pintor italiano. Bernini es el gran genio del Barroco italiano, el
heredero de la fuerza escultórica de Miguel Ángel y el principal ejemplo del Barroco
arquitectónico en Europa como hemos visto en el tema anterior. Aprendió los secretos de la
escultura en el taller de su padre Pietro un escultor de cierto relieve. Fue también su padre
quien lo puso en contacto con algunos de los mecenas más importantes de su tiempo, lo que
le permitió manifestar su talento de una forma bastante precoz. En sus obras más tempranas
(Eneas, Anquises y Ascanio, El rapto de Proserpina) resultan ya evidentes la ruptura con el
manierismo y una concepción radicalmente distinta de la escultura: el intenso dramatismo, la
grandiosidad y la búsqueda de efectos escenográficos están ya presentes en estas primeras
creaciones. En 1629, Bernini fue nombrado arquitecto de la basílica de San Pedro por el papa
Urbano VIII. Desde entonces hasta su muerte trabajó ininterrumpidamente para los sumos
pontífices, salvo un cierto paréntesis durante el pontificado de Inocencio X, quien prefirió a
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otros artistas y le encargó pocas obras. Aunque en menor medida, Bernini trabajó también
para mecenas privados, y fruto de esa colaboración es la obra quizá más representativa de su
estilo escultórico, el Éxtasis de Santa Teresa. Resulta difícil concebir una mayor intensidad
dramática y una mayor fuerza dinámica en una realización de pequeñas dimensiones ejecutada
mediante un tratamiento exquisito del mármol. Bernini contribuyó como nadie en la
renovación urbanística de Roma, a la cual aportó multitud de estatuas y algunas fuentes
monumentales que todavía contribuyen en la actualidad a la belleza de la urbe como la que le
encargó Inocencio X para decorar la Piazza Navona, llamada Fuente de los Cuatro ríos.
Bernini es sin duda el padre indiscutible de la escultura barroca. Sus principales obras
escultóricas son
c) Su obra escultórica
1.- El Rapto de Proserpina.
En esta obra, esculpida en 1621 para el cardenal Borghese, Bernini narra el rapto de
Proserpina, hija de Ceres, por el dios de los infiernos Plutón.
El autor rompió por primera vez en esta obra el equilibrio que se venía dando en las
composiciones escultóricas desde el Renacimiento, destacando el movimiento ascendente
de la composición así como la sensación de inestabilidad de la misma. Bernini sitúa en un
segundo plano al perro de tres cabezas Cancerbero, guardián de los infiernos en el que
reina Plutón. Sin embargo, no es éste más que el recurso del escultor para crear una base
que sustente el conjunto principal formado por las dos figuras.
Bernini busca la contraposición entre las formas blandas de la anatomía femenina y
las formas más rotundas y musculadas del hombre. Así mismo, el autor demuestra su gran
habilidad técnica y su dominio del trabajo del mármol en el tratamiento de las superficies,
logrando crear sobre la dura superficie marmórea la sensación de blanda carne que se
hunde bajo la presión de los dedos de Plutón.
Igualmente, Bernini abandona los relajados rostros renacentistas para expresar con
absoluta libertad los sentimientos de sus personajes. Así el rostro de brutalidad y lascivia
de Plutón contrasta con la angustia y el terror que siente Proserpina.

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 Muestra, por tanto, Bernini una sensibilidad muy distinta a la de los escultores
renacentistas. Así, opta por representar las escenas no en el momento previo a que éstas se
desarrollaran, como habría hecho Miguel Ángel, sino en el momento de mayor tensión y
movimiento.
2.-David
Identificación
Título: David
Autor: Gian Lorenzo Bernini
Cronología: 1623
Estilo: Barroco
Técnica y materiales: mármol
Dimensiones: 170 cms
Localización: Galería Borghese
Tema: religioso
Análisis
Bernini recurre de nuevo a un tema que venía siendo muy frecuente desde el
Renacimiento (Donatello y Miguel Ángel).
Donatello había recurrido a representar al héroe bíblico justo en la actitud de triunfo tras
vencer al gigante y Miguel Ángel había preferido representarlo en el momento previo al
combate. Sin embargo, Bernini nos lo muestra en el acto mismo de arrojar la piedra. Es un
imagen de gran movimiento contenido, en la que hasta los labios apretados transmiten la
concentración y el esfuerzo. Frente a la idealización y la elegante figura juvenil de Donatello o
frente a la mirada agresiva y atenta del de Miguel Ángel, el David de Bernini muestra la
tensión hasta en los mínimos detalles, (como los pies contraídos sobre el borde del soporte
para conseguir un mayor agarre). Bernini elige un hombre vulgar, quizá un pastor, que
esgrime la honda arrebatado por la ira. Toda la fuerza está enfocada hacia fuera, hacia Goliat,
que actúa como el complemento necesario. Es como si la estatua crease un espacio cargado
de energía entre él, David y su enemigo invisible.

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3.-Apolo y Dafne.
Identificación
Título: Apolo y Dafne
Autor: Gian Lorenzo Bernini
Cronología: 1625
Estilo: Barroco
Técnica y materiales: mármol
Dimensiones: 243 cms
Localización: Galería Borghese
Tema: mitológico
Análisis
En este grupo escultórico Bernini plasma visualmente la fábula recogida en la
Metamorfosis de Ovidio, que narra el momento en el que los brazos de la ninfa Dafne se
transforman en hojas de laurel y su cuerpo en un árbol de corteza dura, al ser abrazada por
Apolo. En esta obra Bernini aporta una reflexión sobre las transformaciones de la materia con
un incomparable virtuosismo técnico, puliendo las superficies del mármol para que la luz se
deslice suavemente, concentrando toda la atención en la tensión del momento, en la que se
contrapone el estupor de Apolo al horror de Dafne. El movimiento es una característica
relevante del barroco; las figuras nunca se representan quietas, o en postura de reposo, sino
siempre en movimiento, en ese momento de inestable equilibrio. Representa un momento
fugaz. Es una obra encargada por el cardenal Borghese para los jardines de su villa. Las figuras
están llenas de sensualidad y movimiento, que el autor insinúa mediante las líneas curvas y el
pulimento. Define perfectamente la oposición entre la piel suave de Dafne y la textura áspera
del tronco en que se está transformando. La leyenda narra como Apolo se burló de Cupido,
quién se venga de Apolo disparándole una flecha que le hace enamorarse de Dafne, hija del
rey Peneo. También dispara una flecha a Dafne, que le hace odiar el amor y en particular a
Apolo. Apolo persigue a Dafne y al tocarla se convierte en laurel. En adelante, y para
consolarla, toma el laurel como su árbol .

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4.-Éxtasis de Santa Teresa.
Identificación
Título: Extasis de Santa Teresa
Autor: Gian Lorenzo Bernini
Cronología: 1656
Estilo: Barroco
Técnica y materiales: mármol y bronce (tallado y vaciado)
Dimensiones:
Localización: Capilla Cornaro (Iglesia de santa María de la Victoria)
Tema: religioso-literario
Análisis:
Este grupo le fue encargado en 1656 por un cardenal para presidir el altar de su capilla
funeraria (La Capilla Cornaro). Es una fiel transcripción del éxtasis sufrido y descrito por la
santa en el Libro de su vida. Según cuenta la santa un ángel la visitó armado con un dardo
rosado acabado en una punta de llama, que hundió varias veces en su corazón produciéndole
un dolor intenso, pero dejándola al mismo tiempo consumida por el amor de Dios. Bernini
ofrece una imagen momentánea buscando producir en el espectador la intensidad de la
emoción religiosa.
El conjunto es de una gran teatralidad. La santa, esculpida en mármol pulido blanco,
cae desvanecida sobre una nube de color más oscuro, mientras los rayos de la luz divina caen
desde arriba; en la bóveda superior, el cielo se abre. La fuerza de la escena queda reforzada
por el conjunto arquitectónico donde se encuentra, fundiéndose todo en un conjunto
dinámico. Los ropajes anchos, movidos, hinchados, se agitan por el movimiento del cuerpo,
produciendo violentos juegos de luces y sombras típicos del Barroco.
Las dos figuras están iluminadas desde un ventana superior oculta. La santa está representada
en dramática actitud: los ojos cerrados y los labios abiertos, como si hubiera perdido la
conciencia. Su rostro contrasta con el del ángel que rebosa vida y alegría. Bernini la consideró
su obra maestra.

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 En los muros laterales posteriores a la capilla hay relieves de miembros de la familia
Cornaro que parecen ser testigos del acontecimiento (teatralidad)
5.-Otras obras de Bernini:
• Sepulcro del Papa Urbano VIII.
La ejecución de esta obra se prolongó desde 1628 hasta 1649. Esta ubicada en una
hornacina del ábside de San Pedro del Vaticano.
Aunque Bernini contaba con la consideración de los principales personajes de su generación,
su excepcional fortuna empezó en 1623 cuando su gran admirador Maffeo Barberini (presente
en la realización del David) ascendió al papado con el nombre de Urbano VIII.
El sepulcro es una composición piramidal. Arriba, la estatua del Papa sentado, en
actitud de bendecir; abajo la urna en forma de relicario que debía contener el cuerpo, y a cada
lado, de pie, las figuras de la Justicia y Caridad que hacen a alusión a las virtudes del difunto
La figura del Papa, de bronce, es majestuosa. El manto cae sobre su cuerpo formando ritmos
ondulantes. El sepulcro en mármol negro, y las Virtudes, en mármol blanco señalan las
características barrocas de combinación de materiales. Sin embargo la escena conserva todavía
cierta mesura, pues los rostros son tranquilos, como transmitiendo resignación y esperanza.
• Sepulcro de Alejandro VII.
Realizado en mármol, jaspe de Sicilia y bronce reforma y desarrolla el modelo
iconográfico de la tumba de Urbano VIII. El Papa no interrumpe su oración ante la llegada
de la Muerte, representada mediante un esqueleto con clepsidra (reloj de arena)que alza la
pesada mortaja de jaspe. Abajo se encuentran las personificaciones de las cuatro virtudes: la
Caridad y la Verdad en primer plano, la Prudencia y la Justicia en segundo plano.
• Fuente de los Cuatro Ríos.
Se sitúa en el centro de la Plaza Navona y sirve de base para un obelisco egipcio. Detrás
se encuentra la iglesia de Santa Inés .Es un encargo del Papa Inocencio X. Para destacar
ópticamente el obelisco tuvo que elevarlo por medio de un basamento.
Realizó un montículo, en forma de gruta, inspirado en los jardines de las villas lo que
dota a la fuente de gran originalidad y resulta novedoso. La idea del tema procede del
cristianismo antiguo que asocia el nacimiento de estos cuatro ríos en una única montaña.
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 Es una muestra del interés urbanístico del Barroco. Bernini ordena la composición en
forma de alegoría sobre los beneficios del agua, que distribuyen los grandes ríos en las cuatro
partes del mundo, asegurando la vida vegetal y animal: Nilo, Danubio, Ganges y Río de la
Plata. De un simulacro de rocas brota el agua que beben un león, un cocodrilo y un caballo y
que baña el pie de una palmera. Las estatuas de los ríos están situadas en los cuatro puntos
cardinales (la del Nilo aparece con la cabeza velada, pues se desconocían sus fuentes).

3.- La escultura Barroca en España

a) Características generales.
Las especiales circunstancias de la realidad histórica española, determinan unas
características particulares en su desarrollo artístico:
• Mientras en Italia se desarrolló en el siglo XVII la gran escultura de Bernini en mármol
o bronce con un gran desarrollo junto a la temática religiosa de los temas alegóricos y
mitológicos, en España se desarrolla la escultura en madera policromada (material más
modesto) de carácter exclusivamente religioso y al servicio de la Contrarreforma que
intenta sensibilizar a los creyentes que son testigos de la pasión de Cristo (Pasos) o
sienten a los Santos como personas viva y reales. Esto explica el realismo, a veces
excesivo e incluso teatral de los imagineros españoles.
• El cliente principal es la Iglesia que demanda de los escultores retablos, imágenes de
culto y pasos procesionales encargados por las Cofradías (en primer lugar en
Valladolid).
• El ansia de realidad tiene varios efectos sobre las obras: la pintura de las imágenes
utilizando la policromía mediante la técnica del estofado, la utilización de “imágenes de
vestir” y la utilización de elementos naturales (cabellos, uñas)
• A comienzos del siglo XVII se pueden señalar dos focos escultóricos: Castilla (con
Valladolid como principal centro) y Andalucía (con Sevilla y Granada). En el siglo
XVIII se suman otras escuelas entre las que destaca la murciana (Salzillo).

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b) La escuela castellana.
El siglo XVII es el de los grandes imagineros vallisoletanos y andaluces. La escuela de
Valladolid, tras su declive a finales del siglo XVI, cobra nuevo vigor con Gregorio
Fernández (1576-1536). Su principal interés es la de representar la realidad de la manera más
directa posible. Impulsado por este afán naturalista, gusta de recrearse en el modelado de sus
desnudos. Sin embargo representa los ropajes con un convencionalismo similar a los de los
primitivos flamencos. Probablemente en un deseo de crear violentos contrastes de
claroscuros, quiebra los ropajes en grandes ángulos y contra ángulos como si fuesen de tela
almidonada. Es sin duda es más importante creador de imágenes piadosas de la mitad norte
de la Península y tuvo una gran cantidad de encargos desde Portugal al País Vasco y desde
Oviedo a Madrid. Influido por Pompeyo Leoni y por Juan de Juni, su estilo evolucionó hasta
el naturalismo extremo. Entre sus obras más importantes destacamos:
1. Cristo Yacente. (Madera policromada. Palacio de El Pardo. Madrid)
Título: Cristo Yacente
Autor: Gregorio Fernández
Cronología: siglo XVII
Estilo: Barroco
Técnica y materiales: madera policromada
Localización: Convento de los Padres Capuchinos del Pardo (Madrid)
Tema: religioso

Representa a Jesucristo sobre un sudario, en posición yacente, una vez crucificado y

trasladado al Santo Sepulcro. Se trata de un tema muy frecuente en la escultura española de
los siglos XVI y XVII, ensayado, con anterioridad a Gregorio Fernández, por Juan de Juni,
Gaspar Becerra y Francisco de la Maza, entre otros escultores del Renacimiento .La imagen
está concebida para ser contemplada lateralmente. La cabeza del Cristo se inclina hacia el lado
derecho, al tiempo que la pierna derecha aparece más levantada que la izquierda. La cabeza y
parte del tórax se apoyan sobre una almohada, mostrándose ligeramente inclinados, lo que
contribuye aún más a esa percepción de lateralidad. Los brazos se extienden sobre el lecho
separados del tronco, buscando una cierta sensación de simetría, que también se aprecia en la
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cabellera, al quedar desplegadas varias madejas de cabello a ambos lados de la almohada.
Fernández evitó cualquier signo que hiciera visible el rigor mortis, con la excepción de un leve
hinchamiento del cuerpo. La idea de muerte se transmite enfatizando las heridas y llagas
causadas por el vía crucis y la crucifixión, siguiendo las pautas estilísticas de la escultura
religiosa española del Barroco. Es un desnudo impasible y anatómicamente de gran
perfección..La gran fuerza expresiva de la imagen se consigue con una serie de rasgos que
acentúan el dramatismo de la reciente agonía: rasgos alargados, regueros de sangre, ojos
entreabiertos, boca sedienta, dientes asomándose entre labios morados y los mechones de
cabello cayendo sobre el rostro.

Otras obras de Gregorio Fernández son la Piedad del Museo de Valladolid o sus
numerosos retablos (Catedral de Plasencia, Iglesia de las Huelgas en Valladolid, Iglesia de San Miguel de
Vitoria).

c) Las escuelas andaluzas.

• La escuela sevillana.
En Andalucía, la escuela más floreciente durante la primera mitad del siglo XVII es la
sevillana. Su desarrollo está relacionado con el comercio americano controlado a través de la
Casa de la Contratación que convirtió al puerto de Sevilla en el más floreciente de Castilla. En
principal representante de la escuela sevillana es
Juan Martínez Montañés nacido en Alcalá la Real, formado en Granada y cuya obra
se caracteriza por un realismo mesurado frente a las estridencias expresivas de Gregorio
Fernández y por su equilibrada policromía distante del cromatismo desgarrador de la escultura
castellana. Entre sus obras más importantes cabe destacar:
1. Cristo de la Clemencia .(madera policromada. Catedral de Sevilla)
Es el prototipo andaluz de Cristo en la Cruz. Es de forma muy clásica. No hay en él
dramatismo de manera que no aparece apenas sangre ni señal de sufrimiento. Sus pies
aparecen cruzados. Está realizado para ser visto colocado en alto de manera que el Cristo
parece entablar conversación con el fiel que ora a sus pies.

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 Otras obras de Martínez Montañés son La Inmaculada de la Catedral de Sevilla, El niño
Jesús bendiciendo en el Sagrario de Sevilla o El retablo de la Concepción de Lima.
El otro representante de esta escuela es el discípulo de Martínez Montañés, y natural de
Córdoba Juan de Mesa (1583-1627) que murió muy joven y cuya obra, aunque deriva de los
modelos de Montañés, se caracteriza por un dramatismo extremado y una violencia expresiva
inexistentes en su maestro. Entre sus obras vamos a destacar la más popular debido a su
protagonismo en la Semana Santa de Sevilla:
1.- Jesús del Gran Poder.
Solo aparecen talladas la cabeza, las manos y los pies, siendo una talla para vestir.
Destaca el dramatismo de la figura patente tanto en el cuerpo encorvado bajo el peso de la
cruz como en la gruesa corona de espinas que le atraviesa la cabeza.
• La escuela granadina
Los dos principales representantes de esta escuela son Alonso Cano y Pedro de Mena.
Alonso Cano (muerto en 1667)
Se formó con Martínez Montañés aunque desarrolló toda su obra en su ciudad natal
(sus obras principales se conservan en la catedral de Granada).Es una de las personalidades
más fuertes del arte español. Fue pintor, escultor y arquitecto, en la tradición de los grandes
artistas del Renacimiento. Entre sus obras más importantes podemos citar el Retablo de la
Iglesia de Lebrija y sobre todo su Inmaculada Concepción llamada del facistol en la que crea
un tipo distinto alejado del clasicismo: de pequeño tamaño, la Virgen mira hacia abajo de
forma meditativa y con las manos unidas en señal de oración. El manto se recoge bajo las
manos La Virgen aparece suspendida sobre una nube con angelotes.
El otro escultor de la escuela granadina es
Pedro de Mena (muerto en 1688) colaborador de Alonso Cano, más realista que él y
muy interesado por comunicar los estados de ánimo de modo directo. Entre sus principales
obras destacan el San Francisco de la Catedral de Toledo, caracterizado pos su ascetismo y su
Magdalena Penitente encargada por los jesuitas de la Casa Profesa de Madrid y hoy en el
Museo Nacional de Escultura, en Valladolid. María Magdalena está de pie, en la postura
habitual de los santos de Mena. Contempla un crucifijo con admirable ternura en un diálogo
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cordial con el mismo. Está vestida con traje tejido por ella misma, muy humilde y ofrece sus
brazos desnudos. Los cabellos se disponen como madejas mojadas. Los ojos de cristal,
semicerrados, acentúan su expresividad

d) El siglo XVIII: Francisco Salzillo. (1707-1783) (la escuela murciana)

Lo vemos con detenimiento en el tema 16
Imágenes de escultura barroca de selectividad (Bernini)
Apolo y Dafne David Éxtasis de Santa Teresa

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