ACADEMICISMO Y LAS VANGUARDIAS DECIMONONICAS

Historia

La Academia de bellas Artes fue creada por la Ordenanza de 21 de marzo de 1816, que disponía
la reagrupación de las siguientes antiguas academias reales en una sola institución:

 Académie royale de peinture et de sculpture (Academia de Pintura y Escultura, fundada en 1648)

 Académie royale de musique (Academia de Música, fundada en 1669)
 Académie royale d'architecture (Academia de Arquitectura, fundada en 1671).

Tras la supresión de las antiguas academias, en el seno del Instituto de Francia se crearon tres
clases, siendo una de ellas la de «Literatura y bellas artes», que contaba a su vez con ocho
secciones (gramática, lenguas antiguas, poesía, antigüedad y monumentos, pintura,
escultura, arquitectura, y música y declamación). La detención de cónsules del 3 de brumario
del año XI (1803) dividió esta clase en tres nuevas clases, siendo una de ellas la de bellas artes. Es
lo que constituye la base de la nueva Academia de 1816.

Organización Actual

La Academia esta dividida en ocho secciones:

 I: Pintura
 II: Escultura
 III: Arquitectura
 IV: Grabado
 V: Composición musical
 VI: Miembros libres
 VII: Creaciones artísticas en el cine y en lo audiovisual (sección creada en 1985)
 VIII: Fotografía (sección creada en 2005).

Es una corriente artística que se desarrolla principalmente en Francia a lo

largo del siglo XIX, y que responde a las instrucciones de la Academia de
Bellas Artes de París y al gusto medio burgués, como herencia del
Clasicismo. El academicismo huye, asimismo, del realismo naturalista, esto
ACADEMICISMO es, de los aspectos más desagradables de la realidad.

Se utilizan los mismos patrones repetidamente, ya que no se busca una

belleza ideal partiendo de las bellezas reales, como es propio del
Clasicismo, que resulta ser un Idealismo con base en la realidad por su
suma de experiencia. El Academicismo basa su estética en cánones
establecidos y en la didáctica de estos.
Pintores Escultores

 William Adolphe  Louis-Ernest

Bouguereau Barrias
 Alexandre Cabanel  Alexandre
 Antonio Ciseri Falguière
 Pierre Auguste Cot  Antonin Mercié
 Jacques-Louis David  Mathurin Moreau
 Anne-Louis Girodet de
Roucy-Triosson
 Antoine-Jean Gros
 Federico Madrazo Autores como Albert-Ernest Carrier-Belleuse
 Jean-Louis-Ernest o Jean-Léon Gérôme se dedicaron tanto a la
Meissonier pintura como a la escultura academicista.
 Juan Antonio Ribera
 También denominado romanticismo, desarrollado
principalmente en el siglo XIX y principios del XX
concentraba todos sus esfuerzos en recuperar la
arquitectura de tiempos pasados. Se trataba de
imitar estilos arquitectónicos de otras épocas
incorporándole algunas características culturales
de ese siglo.
Hacia la vanguardia: el arte

El historicismo marca a la nueva arquitectura, que se deja influir por la añoranza al pasado, que
encuentra su originalidad en el estudio del pasado origen. Concentraba todos sus esfuerzos en
recuperar la arquitectura de tiempos pasados. Al neoclasicismo del pasado siglo le continuó el
neogótico, asociada a los ideales románticos nacionalistas. La arquitectura ecléctica, hace
evolucionar a la historicista, combinando variedad de estilos arquitectónicos en una nueva
estructura.

El movimiento Arts & Crafts contempló la idea de aprovechar el desarrollo industrial y

tecnológico, viendo en el artesano una figura destacable. Con la disolución de sus ideales y la
dispersión de sus defensores, las ideas del movimiento evolucionaron, en el contexto francés,
hacia la estética del Art nouveau, considerado el último estilo del siglo XIX y el primero del siglo
XX.

El movimiento Arts and Crafts (literalmente, Artes y oficios) fue una escuela artística que
surgió en Inglaterra en 1880 y se desarrolló en el Reino Unido y en los Estados Unidos
durante los últimos años del siglo XIX y en los comienzos del siglo XX. Inspirado por la
obra de John Ruskin, alcanzó su cenit entre 1880 y 1910.

El Arts & Crafts se asocia sobre todo con la figura de William Morris, artesano, impresor,
diseñador, escritor, poeta, activista político y, en fin, hombre polifacético que se ocupó de
la recuperación de las artes y oficios medievales, renegando de las nacientes formas de
producción en masa.

Morris Bullerswood carpet drawing detail c 1889

Aparte de William Morris, sus principales impulsores fueron:

 Charles Robert Ashbee,

 T. J. Cobden Sanderson,
 Walter Crane,
 Phoebe Anna Traquair,
 Herbert Tudor Buckland,
 Charles Rennie Mackintosh,
 Christopher Dresser,
 Edwin Lutyens,
 Ernest Gimson,
 Gustav Stickley y los artistas del movimiento prerrafaelita.

Características

El movimiento revaloró, en plena época victoriana, los oficios medievales, con lo cual reivindicó
la primacía del ser humano sobre la máquina, con la filosofía de utilizar la tecnología industrial al
servicio del hombre: potenciando la creatividad y el arte frente a la producción en serie.

Se caracteriza por el uso de líneas serpenteadas y asimétricas, y constituyó sobre todo un

arte decorativo.

Se trató de un movimiento estético reformista que tuvo gran influencia sobre la arquitectura, las
artes decorativas y las artesanías británicas y norteamericanas, e incluso en el diseño de
jardines.

En los Estados Unidos se usan las denominaciones Arts and Crafts movement, American
Craftsman o estilo Craftsman para referirse al estilo arquitectónico y decorativo que predominó
entre los períodos del Art Nouveau (el modernismo) y el art decó, es decir, aproximadamente
entre 1910 y 1925. Sostenía que cada objeto debería tener o retomar algo del pasado, pero dándole
un sentido elegante. El artesano se vuelve operario o artista.

Art Nouveau o modernismo

Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística

desarrollada a finales del siglo XIX y principios del XX. Según los distintos países, recibió
diversas denominaciones: Art Nouveau (en Bélgica y Francia), Modern Style (en Inglaterra),
Sezession (en Austria), Jugendstil (en Alemania y Países Nórdicos), Liberty (en Estados Unidos),
Floreale (en Italia), y Modernismo (en España e Hispanoamérica).
 Escaleras del interior de la Casa Horta, uno de los ejemplos más refinados
de la arquitectura modernista

Todas estas denominaciones hacen referencia a la intención de crear un arte nuevo, llevando a
cabo una ruptura con los estilos dominantes en la época, tales como el historicismo o el
eclecticismo. Se trata de crear una estética nueva, en la que predomina la inspiración en la
naturaleza a la vez que se incorporan novedades derivadas de la revolución industrial. Y así en
arquitectura es frecuente el empleo del hierro y el cristal. Sin embargo, es igualmente una reacción
a la pobre estética de la arquitectura en hierro, tan en boga por esos años.

El modernismo no sólo se da en las artes mayores, sino también en el diseño de mobiliario y todo
tipo de objetos útiles en la vida cotidiana. A menudo los artistas modernistas son artistas
"integrales", pues no sólo diseñan edificios, sino los muebles y otros enseres de uso diario.
Así pues muchos arquitectos modernistas son también diseñadores, pues sus creaciones no se
limitan al edificio en sí, dado que también elaboran su decoración y los utensilios que ha de
contener. Consecuentemente se dio en arquitectura, pintura, escultura y en las artes
decorativas (muebles, herrajes, lámparas, joyas, carteles, etc.).

Características formales

Tirador de puerta. Hotel Horta. Bruselas.

Las características que en general permiten reconocer al modernismo decorativo propiamente

dicho son:
  La inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural pero con
preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con el
motivo central.

 El uso de la línea curva y la asimetría, tanto en las plantas y alzados de los edificios como en la
decoración. Una derivación de este estilo en la década de 1920 es el denominado Art decó por lo
que a veces se le suele confundir con el modernismo.

 Hay también una tendencia a la estilización de los motivos, siendo menos frecuente la
representación estrictamente realista de éstos.

 Una fuerte tendencia al uso de imágenes femeninas, las cuales se muestran en actitudes delicadas y
gráciles, con un aprovechamiento generoso de las ondas en los cabellos y los pliegues de las
vestimentas.

 Una actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, con un guiño hacia lo
erótico en algunos casos.

 La libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de pura fantasía o con inspiración en
distintas culturas, como por ejemplo el uso de estampas japonesas , que se ve en el gusto por la
curva.

 La aplicación envolvente del motivo tomando alguna de las características anteriormente

mencionadas en contraposición con las características habituales del objeto a decorar. Esto se
puede observar en la aplicación en el mobiliario, en arquitectura, en los afiches o posters
promocionales o en objetos de uso cotidiano donde el elemento destacado de tipo orgánico
envuelve o se une con el objeto que decora

El modernismo se dio en las artes graficas, joyería y arquitectura:

Rótulo estilo modernista Boletín del período Ejemplo de diseño de joya modernista
 Fachada de la casa Batlló

Artistas más destacados

 Aubrey Beardsley (ilustrador)  Charles Rennie Mackintosh (arquitecto y

 Víctor Beltrí (arquitecto)
 Rubén Darío (poeta)
 Lluís Domènech i Montaner (arquitecto)
 Émile Gallé (ceramista y vidriero)
 Antoni Gaudí (arquitecto y diseñador)
 Hector Guimard (arquitecto)
 Josef Hoffman (arquitecto)
 Victor Horta (arquitecto)
 Victor Dubugras (arquitecto)
 Luciano Kulczewski (arquitecto)
 Gustav Klimt (pintor)
 José Asunción Silva (poeta)
 René Lalique (orfebre)
 Franz von Stuck (Pintor, grabador y
arquitecto)
diseñador)
 Kolo Moser (diseñador)
 Alfons Mucha (pintor y cartelista)
 José Martí (poeta)
 Joseph Maria Olbrich (arquitecto)
 Jože Plečnik (arquitecto)
 Josep Puig i Cadafalch (arquitecto)
 Louis Comfort Tiffany (diseñador)
 Jan Toorop (pintor)
 Otto Wagner (arquitecto)
 Salvador Valeri i Pupurull (arquitecto)
 Amado Nervo (poeta)
 Lluís Muncunill i Parellada (arquitecto)
 Néstor Martín-Fernández de la Torre
(pintor y diseñador)

Algunas obras importantes

 Casa Batlló de Antonio Gaudí, en Barcelona.

 Parque Güell de Antonio Gaudí, en Barcelona.
 Bocas del Metro (de Hector Guimard, en París).
 Hotel Tassel de Victor Horta, en Bruselas.
 Friso de Beethoven y El Beso de Klimt, en Viena.
 Edificio Sezession de Olbrich, en Viena.
 Edificio de la Caja Postal de Otto Wagner, en Viena.
 Estación de Subte de Otto Wagner, en Viena.
Art decó

El Art déco fue un movimiento de diseño popular a partir de 1920 hasta 1939 (cuya influencia se
extiende hasta la década de 1950 en algunos países), influenciando a las artes decorativas tales
como arquitectura, diseño interior, y diseño gráfico e industrial, también a las artes visuales tales
como la moda, pintura, grabado, escultura, y cinematografía.

Después de la Exposición Universal de 1900 de París, varios artistas franceses (como Hector
Guimard, Eugène Grasset, Raoul Lachenal, Paul Follot, Maurice Dufrene, y Emile Decour)
formaron un colectivo formal dedicado a las artes decorativas de vanguardia. En 1925 organizan la
'Exposition Internationale des Arts Décoratifs et Industriels Modernes' en París, estos artistas se
llamaron a sí mismos los modernos; en realidad, el término Art Decó fue acuñado en la
retrospectiva titulada "Les Annés 25" llevada a cabo en París en el Musée des Arts Décoratifs del
3 de marzo al 16 de mayo de 1966, en francés el término se escribe Art Déco y en inglés Deco.

Coronamiento art decó del Edificio Chrysler en Nueva York, construido 1928–1930.

Ayuntamiento de Buffalo en Nueva York, pieza maestra del Art Decó americano.
 Escaleras en rotonda en estilo art decó del Burkbank City Hall.

Ayuntamiento de Asheville, ejemplo de arquitectura art decó.

Morfología y tecnología

Este movimiento es, en un sentido, una amalgama de muchos estilos y movimientos diversos del
temprano siglo XX, y a diferencia del Art Nouveau se inspira en las Primeras Vanguardias. Las
influencias provienen del Constructivismo, Cubismo, Futurismo, del propio Art Nouveau del
que evoluciona, y también del estilo racionalista de la escuela Bauhaus. Los progresivos
descubrimientos arqueológicos en el Antiguo Egipto marcaron asimismo su impronta en ciertas
líneas duras y la solidez de las formas del Art Decó, afín, a la monumentalidad y elementos de
fuerte presencia en sus composiciones.

Como estilo de la edad de la máquina utilizó las innovaciones de los tiempos para sus formas: las
líneas aerodinámicas producto de la aviación moderna, iluminación eléctrica, la radio, el
revestimiento marino y los rascacielos. Estas influencias del diseño fueron expresadas en
formas fraccionadas, cristalinas, con presencia de bloques cubistas o rectángulos y el uso de
la simetría. El color se nutre de las experiencias del Fauvismo. Trapezoides, facetamientos,
zigzags; y una importante geometrización de las formas son comunes al Decó.
Correspondiendo a sus influencias maquinistas, el Decó se caracteriza también por los
materiales que prefiere y usa, tales como aluminio, acero inoxidable, laca, madera embutida,
piel de tiburón (shagreen), y piel de cebra. El uso de tipografía en negrilla, sans-serif o palo
seco, el facetado y la línea recta o quebrada o greca (opuesto a las curvas sinuosas y
naturalistas del Art Nouveau), los patrones del galón (chevrón), y el adorno en forma de
sunburst son típicos del Art Decó. Ciertos patrones de ornamento se han visto en
aplicaciones bien disímiles desde diseño de zapatos para señoras, a parrillas de radiadores,
diseño de interiores para teatros, y rascacielos como el Chrysler Building.

El Art Decó era un estilo opulento, y su exageración se atribuye a una reacción contra la
austeridad forzada producto de la Primera Guerra Mundial. En simultáneo a una creciente
depresión económica y al fantasma del acercamiento de la Segunda Guerra había un deseo intenso
por el escapismo. La gente gozó de los placeres de la vida y del Art Decó durante la 'edad del
jazz'.

Hacia finales de siglo y comienzo del siglo XX se podía ver una gran variedad de vanguardias. El
punto máximo del individualismo implicaba que cada artista debía promover su propia
vanguardia, que afirmaba, de carácter universal y verdadero. El postimpresionismo, el
puntillismo, el simbolismo pictórico, el expresionismo, el cubismo, el fauvismo, el
surrealismo, el futurismo.

IMPRESIONISMO
El impresionismo fue un movimiento pictórico que se desarrolló con fuerza en la segunda mitad del siglo
XIX y que rompió los supuestos académicos, sociales y económicos vigentes en el arte. En su momento,
supuso una revolución2 y sus obras recibieron fuertes críticas. Al ser rechazados en los circuitos oficiales,
el grupo de los pintores impresionistas organizó sus propias exposiciones y mantuvo una cohesión que duró
hasta que, décadas después, algunos de ellos alcanzaron cierto reconocimiento.

Posimpresionismo o postimpresionismo1 es un término histórico-artístico que se aplica a los

estilos pictóricos de finales del siglo XIX y principios del siglo XX posteriores al impresionismo.
Fue acuñado por el crítico británico Roger Fry con motivo de una exposición de pinturas de Paul
Cézanne, Paul Gauguin y Vincent van Gogh que se celebró en Londres en el año 1910. Este
término engloba en realidad diversos estilos personales planteándolos como una extensión del
impresionismo y a la vez como un rechazo a las limitaciones de éste. Los postimpresionistas
continuaron utilizando colores vivos, una aplicación compacta de la pintura, pinceladas
distinguibles y temas de la vida real, pero intentaron llevar más emoción y expresión a su pintura.

Aunque los postimpresionistas basaron su obra en el uso del color experimentado por los
impresionistas, reaccionaron contra el deseo de reflejar fielmente la naturaleza y presentaron una
visión más subjetiva del mundo.
Cézanne, Gauguin y Van Gogh

La obra de Cézanne, Gauguin y Van Gogh se caracterizó por un uso expresivo del color y una
mayor libertad formal.

 Paul Cézanne se interesó por resaltar las cualidades materiales de la pintura,

representando seres vivos y paisajes, volúmenes y relaciones entre superficies, como en
Pinos y rocas (1895-1898, MoMA, Nueva York). Su interés por las formas geométricas y
la luz prismática inherente en la percepción de la naturaleza anticipó los experimentos del
cubismo.
 Paul Gauguin, en un intento por conseguir la capacidad comunicadora del arte popular, se
centró en la representación a base de superficies planas y decorativas, como se aprecia en
la obra Calvario bretón (1889, Palacio de Bellas Artes, Bruselas).
 Vincent Van Gogh, por su parte, se aproximó a la naturaleza con vigorosas pinceladas
coloristas, evocadoras de las emociones internas del artista. Su experimentación subjetiva,
ejemplificada en Noche estrellada (1889, MoMA de Nueva York), preludió el
expresionismo.
 Henri de Toulouse-Lautrec estuvo fuertemente influido por las composiciones lineales de
los grabados japoneses, y su obra se caracterizó por los intensos grabados de contorno y
los colores planos.

Visión tras el sermón, Paul Gaugin, 1888.

Jugadores de cartas, Paul Cézanne, 1890.

Venecia, del plenamente impresionista Claude Monet, 1908.

Carretera en Auvers tras la lluvia, Vincent Van Gogh, 1890

En el Moulin Rouge, Tolouse-Lautrec, 1892-1895.

Artistas postimpresionistas

 Paul Cézanne (Cubismo, Abstraccionismo)

 Paul Gauguin (Fauvismo, Simbolismo)
 Georges Seurat (Puntillismo)
 Henri de Toulouse-Lautrec (Expresionismo)
 Vincent van Gogh (Puntillismo, Expresionismo, Abstraccionismo)
 Ferdinand Hodler
 Edvard Munch (Expresionismo)

CUBISMO

El Cubismo tuvo como centro neurálgico la Ciudad de París, y como Jefes y maestros del
movimiento figuraban los españoles Pablo Picasso y Juan Gris y los Franceses Georges
Braque y Fernand Léger. El movimiento efectivamente se inicia con el cuadro "Las Señoritas de
Avignon" (Demoiselles D'Avignon) .- Como elementos precursores del cubismo debemos destacar
la influencia de las esculturas africanas y las exposiciones retrospectivas de Georges Seurat (1905)
y de Paul Cézanne (1907). Es una tendencia esencial pues da pie al resto de las vanguardias
europeas del siglo XX. No se trata de un ismo más, sino de la ruptura definitiva con la pintura
tradicional.

El término cubismo fue acuñado por el crítico francés Louis Vauxcelles, el mismo que había
bautizado a los fauvistas motejándolos de fauves (fieras); en el caso de Braque y sus pinturas de
L'Estaque, Vauxcelles dijo, despreciativamente, que era una pintura compuesta por «pequeños
cubos». Se originó así el concepto de «cubismo».

Picasso, el iniciador del cubismo, retratado por Juan Gris, 1912, óleo sobre lienzo, 93,4 x 74,3 cm, Instituto de
Arte de Chicago..
 Juan Gris: Guitarra y mandolina, 1919, Galerie Beyeler, Basilea

El cubismo es considerado la primera vanguardia ya que rompe con el último estatuto renacentista
vigente a principios del siglo XX, la perspectiva. En los cuadros cubistas desaparece la perspectiva
tradicional. Trata las formas de la naturaleza por medio de figuras geométricas, fragmentando líneas y
superficies. Se adopta así la llamada «perspectiva múltiple»: se representan todas las partes de un objeto en
un mismo plano.
Ya no existe un punto de vista único. No hay sensación de profundidad. Los detalles se suprimen.

A pesar de ser pintura de vanguardia los géneros que se pintan no son nuevos, y entre ellos se
encuentran sobre todo bodegones, paisajes y retratos.

Se eliminan los colores sugerentes que tan típicos eran del impresionismo o el fauvismo. En lugar
de ello, utiliza como tonos pictóricos apagados los grises, verdes y Marrones. El
monocromatismo predominó en la primera época del cubismo, posteriormente se abrió más la
paleta.

Con todas estas innovaciones, el arte acepta su condición de arte, y permite que esta condición se
vea en la obra, es decir es parte intrínseca de la misma. El cuadro cobra autonomía como objeto
con independencia de lo que represente, por ello se llega con el tiempo a pegar o clavar a la tela
todo tipo de objetos hasta formar collages.

DIVISIONES DEL CUBISMO: CUBISMO ANALITICO O HERMETICO Y CUBISMO SINTETICO.

Expresionismo
El expresionismo surgió como reacción al impresionismo: así como los impresionistas
plasmaban en el lienzo una “impresión” del mundo circundante, un simple reflejo de los sentidos,
los expresionistas pretendían reflejar su mundo interior, una “expresión” de sus propios
sentimientos. Así, los expresionistas emplearon la línea y el color de un modo temperamental y
emotivo, de fuerte contenido simbólico. Esta reacción frente al impresionismo supuso una fuerte
ruptura con el arte elaborado por la generación precedente, convirtiendo al expresionismo en un
sinónimo del arte moderno durante los primeros años del siglo XX. El expresionismo supuso un
nuevo concepto del arte, entendido como una forma de captar la existencia, de traslucir en
imágenes el sustrato que subyace bajo la realidad aparente, de reflejar lo inmutable y eterno del ser
humano y la naturaleza. Así, el expresionismo fue el punto de partida de un proceso de
transmutación de la realidad que cristalizó en el expresionismo abstracto y el informalismo. Los
expresionistas utilizaban el arte como una forma de reflejar sus sentimientos, su estado anímico,
propenso por lo general a la melancolía, a la evocación, a un decadentismo de corte
neorromántico. Así, el arte era una experiencia catárquica, donde se purificaban los desahogos
espirituales, la angustia vital del artista.

El expresionismo suele ser entendido como la deformación de la realidad para expresar de

forma más subjetiva la naturaleza y el ser humano, dando primacía a la expresión de los
sentimientos más que a la descripción objetiva de la realidad. Entendido de esta forma, el
expresionismo es extrapolable a cualquier época y espacio geográfico. Así, a menudo se ha
calificado de expresionista la obra de diversos autores como Matthias Grünewald, Pieter
Brueghel el Viejo, El Greco o Francisco de Goya.

Con sus colores violentos y su temática de soledad y de miseria, el expresionismo reflejó la

amargura que invadió a los círculos artísticos e intelectuales de la Alemania prebélica, así como
de la Primera Guerra Mundial (1914-1918) y del período de entreguerras (1918-1939). Esa
amargura provocó un deseo vehemente de cambiar la vida, de buscar nuevas dimensiones a la
imaginación y de renovar los lenguajes artísticos. El expresionismo defendía la libertad
individual, la primacía de la expresión subjetiva, el irracionalismo, el apasionamiento y los
temas prohibidos –lo morboso, demoníaco, sexual, fantástico o pervertido.
 Fränzi ante una silla tallada (1910), de Ernst Ludwig Kirchner, Museo
Thyssen-Bornemisza, Madrid

El expresionismo en América se dio con: Orozco, Rivera, Siqueiros, Portinari).

Ecce homo (1925), de Lovis Corinth, Pinacoteca de Basilea.

 Tirol (1914), de Franz Marc, Staatsgalerie Moderner Kunst, Múnich

El jinete circense (1913), de Ernst Ludwig Kirchner, Pinakothek der

Moderne, Múnich.

Fauvismo

El fovismo, también conocido como fauvismo, en francés fauvisme, (aprox. 1905-1908) fue un
movimiento pictórico francés caracterizado por un empleo provocativo del color. Su nombre
procede del calificativo fauve, fiera en español, dado por el crítico de arte Louis Vauxcelles al
conjunto de obras presentadas en el Salón de Otoño de París de 1905. El precursor de este
movimiento fue Henri Matisse y ha tenido gran influencia en la pintura posterior con relación al
uso libre del color.

Características

 El fundamento de este movimiento es el color liberado respecto al dibujo, exaltado de contrastes

cromáticos. Los artistas fauves van a jugar con la teoría del color: ésta se va a basar,
principalmente, en entender qué colores son primarios, cuáles son secundarios y cuáles son
 complementarios. Al entender esto, se va a conseguir una complementariedad entre colores, lo que
producirá un mayor contraste visual, una mayor fuerza cromática:
o Colores Primarios: rojo, amarillo, azul
o Colores Secundarios: se obtienen mezclando colores primarios: rojo + azul (violeta); rojo +
amarillo (naranja); amarillo + azul (verde).
o Complementarios: se entiende por color complementario, el color opuesto a otro: para el
verde es el rojo, para el azul es el naranja y para el amarillo es el violeta.

 En esta búsqueda tan marcada por el color, van a olvidarse otros aspectos como el modelado, el
claroscuro, la perspectiva la va a traducir en el uso de toques rápidos, vigorosos, los trazos toscos y
discontinuos, la distorsión, es decir, todo lo contrario, aquello que da la sensación de
espontaneidad. Parece como si no supieran pintar, como si hicieran sus obras de cualquier manera.

 Otra característica de esta pintura es su intención de expresar sentimiento (algo que ya vimos en su
momento con los Nabis). Esto es importante porque tendrá una percepción de la naturaleza y de lo
que les rodea en función de sus sentimientos.

 El dibujo será un aspecto secundario para estos artistas, sin embargo, Matisse no se va a olvidar de
él. También va a destacar un aspecto decorativo y líneas onduladas.

 Defienden una actitud rebelde, de transgredir las normas con respecto a la pintura. Buscan, en
definitiva, algo diferente, que les haga avanzar en el ámbito artístico.

 Con respecto a los temas, van a ser muy diversos: algunos pintarán el mundo rural, otros el ámbito
urbano. Los habrá que pintan desnudos, interiores. El aire libre (plein air → clara
influencia del impresionismo) y la alegría de vivir también van a ser recurrentes para otros.

Autorretrato por Isaac Grünewald, discípulo de Henri Matisse, 1915.

 Paisaje: Provenza por Alfred Henry Maurer, c. 1912

Futurismo

El futurismo fue el movimiento inicial de las corrientes de vanguardia artística, fundado en Italia
por Filippo Tommaso Marinetti, quien redactó el Manifeste du Futurisme, publicado el 24 de
febrero de 1909, en el diario Le Figaro de París.

...un automóvil rugiente, que parece correr sobre la metralla, es más bello que la Victoria de Samotracia.1

El futurismo surgió en Milán, Italia, impulsado por Filippo Tommaso Marinetti. Este movimiento
buscaba romper con la tradición, el pasado y los signos convencionales de la historia del arte.
Consideraba como elementos principales a la poesía, el valor, la audacia y la revolución, ya que se
pregonaba el movimiento agresivo, el insomnio febril, el paso gimnástico, el salto peligroso y la
bofetada irreverente. Tenía como postulados: la exaltación de lo sensual, lo nacional y guerrero, la
adoración de la máquina, el retrato de la realidad en movimiento, lo objetivo de lo literario y la
disposición especial de lo escrito, con el fin de darle una expresión plástica.

Trascendencia del futurismo

La importancia que tuvo el futurismo, más allá de sus méritos artísticos, consistió en crear una
estética desde cero, con lo que se hizo posble una profunda renovación de las técnicas y principios
artísticos, cuyas repercusiones aún se sienten. Fue uno de los primeros "ismos" o vanguardias
artísticas, y su valor como movimiento de ruptura allanó el camino a otras corrientes que
refrescaron el panorama artístico en los albores del siglo XX.

Muchas de sus técnicas para "figurar, con medios estáticos, el movimiento real" han sido
incorporadas también al lenguaje de la historieta moderna.
 Diseño urbanístico futurista de Antonio Sant'Elia.

Puntillismo
El Puntillismo es un estilo de pintura que aparece por primera vez en 1883, encabezado por el
pintor neoimpresionista Georges Seurat, y contando con entre sus más fieles seguidores tales
como Henri Edmond Cross y Vlaho Bokovac. El procedimiento empleado por estos artistas,
consistente en poner puntos de colores puros en vez de pinceladas sobre tela, fue el resultado de
los estudios cromáticos llevados a cabo por Georges Seurat (1859-1891), pintor francés, quien en
1884 llegó a la división de tonos por la posición de toques de color que, mirados a cierta distancia,
crean en la retina las combinaciones deseadas. Otro de los más importantes seguidores del
puntillismo fue Paul Signac, participante junto con Seurat y otros neoimpresionistas en la
fundación de artistas independientes (1884), todos ellos seguidores del puntillismo o divisionismo.
Detalle de La Parade (1889), obra puntillista de Seurat

Entrada en el puerto de Marsella. Paul Signac (1918)

Clima gris. Seurat (1888)

Dadaísmo
El dadaísmo es un movimiento cultural que surgió en 1916 en el Cabaret Voltaire en Zúrich,
Suiza. Fue propuesto por Hugo Ball, escritor de los primeros textos dadá; posteriormente, se unió
Tristan Tzara que llegaría a ser el emblema del dadaísmo. Una característica fundamental del
dadaísmo es la oposición al concepto de razón instaurado por el Positivismo. Dadá se caracterizó
por rebelarse en contra de las convenciones literarias y artísticas y, especialmente, por burlarse del
artista burgués y de su arte.

Para los miembros de Dadá, el dadaísmo era un modus vivendi que hacían presente al otro a través los
gestos y actos Dadá: acciones que pretendían provocar a través de la expresión de la negación dadaísta.
Al cuestionar y retar el canon literario y artístico, Dadá crea una especie de antiarte, es una provocación
abierta al orden establecido.

1920 - el movimiento Dadá. Auric, Picabia, Ribemont-Dessaignes, Germaine Everling, Casella y Tzara.

Le Corbusier

Charles Édouard Jeanneret-Gris (La Chaux-de-Fonds, Romandía, Suiza; 6 de octubre de 1887

– Provenza-Alpes-Costa Azul, Francia; 27 de agosto de 1965), conocido como Le Corbusier ("El
Cuervo"), fue un teórico de la arquitectura, arquitecto, diseñador y pintor suizo nacionalizado
francés.

Es considerado uno de los más claros exponentes del Movimiento Moderno en la arquitectura
junto con Frank Lloyd Wright, Walter Gropius, Alvar Aalto y Ludwig Mies van der Rohe, y uno
de los arquitectos más influyentes del siglo XX.
Contribuciones teóricas a la arquitectura

Le Corbusier fue, además de un gran arquitecto y pintor, un eminente teórico de la arquitectura.

Escribió varios libros, en los que ejemplificaba sus ideas mediante proyectos propios (a la manera
clásica como lo hizo en su momento, por ejemplo, Andrea Palladio en I Quattro Libri
dell'Architettura)2 Tuvo muy claro que, aparte de saber crear buenos edificios era necesario saber
explicarlos y transmitirlos al resto de los profesionales y a los estudiantes, y ejerció con gran
maestría la tarea de publicitar su propia obra.

Como visionario, Le Corbusier veía la posibilidad de cambiar el mundo a través de la arquitectura.

Si bien nunca se alió con un grupo político en particular, su postura estaba más cerca de una
postura liberal (algunos lo han descrito como un socialista, adjetivo que probablemente se queda
corto para caracterizar sus actividades), y como tal, veía todo proceso de diseño con fines
utópicos. Lo que le permitió contribuir grandemente al significado de la arquitectura en general.

La machine à habiter

Le Corbusier es conocido por su definición de la vivienda como la máquina para vivir también
llamada la máquina para habitar traducido literalmente. Con ello, Le Corbusier ponía en énfasis
no sólo la componente funcional de la vivienda, sino que esta funcionalidad debe estar destinada
al vivir, comprendiéndose esto último desde un punto de vista metafísico. Le Corbusier creía que
el objetivo de la arquitectura es generar belleza (muy conocida también es su frase: la
Arquitectura es el juego sabio, correcto y magnífico de los volúmenes bajo la luz), y que ésta
debía repercutir en la forma de vida de los ocupantes de los propios edificios.

En cuanto al criterio de «máquina de habitar», Le Corbusier estaba deslumbrado por las entonces
nuevas máquinas: en especial los automóviles y aviones, considerando aquellos que tenían diseños
prácticos y funcionales como modelo para una arquitectura cuya belleza se basara en la
practicidad y funcionalidad; el racionalismo.

L´Esprit Nouveau

A fin de divulgar sus ideas sobre la arquitectura y la pintura, Le Corbusier fundó en 1920, junto
con Paul Dermée, una revista de divulgación artística que obtuvo gran resonancia internacional:
L'Esprit Nouveau (El Espíritu Nuevo; aunque en francés la palabra esprit suele tener también el
significado de conciencia, razón, inteligencia).

Los cinco puntos de una nueva arquitectura

En 1926 Le Corbusier presenta un documento donde expone en forma sistemática sus ideas
arquitectónicas: los llamados «cinco puntos de una nueva arquitectura» representan una
importante innovación conceptual para la época, aprovechando las nuevas tecnologías
constructivas, derivadas especialmente del uso del hormigón armado (hasta entonces este material
se usaba en viviendas y monumentos disfrazándosele de piedra esculpida con molduras):
 1. Los «pilotis»: para que la vivienda no se hunda en el suelo, y (por el contrario) quede suspendida
sobre él, de forma tal que el jardín «pase» por debajo.
2. La terraza-jardín: que permite mantener condiciones de aislamiento térmico sobre las nuevas
losas de hormigón, y convierte el espacio sobre la vivienda en un ámbito aprovechable para el
esparcimiento.
3. La planta libre: aprovechando las virtudes del hormigón, que hace innecesarios los muros
portantes. De esta forma, se mejora el aprovechamiento funcional y de superficies útiles,
liberando a la planta de condicionantes estructurales.
4. La ventana longitudinal: por el mismo motivo del punto anterior, también los muros exteriores se
liberan, y las ventanas pueden abarcar todo el ancho de la construcción, mejorando la relación
con el exterior.
5. La fachada libre: complementario del punto interior, los pilares se retrasan respecto de la
fachada, liberando a ésta de su función estructural.

Su arquitectura resulta ser altamente racionalista, depurada ( con el uso de materiales sin
disimularlos; nota la posible belleza de las líneas depuradas, sin adornos, sin elementos
superfluos) y con un excelente aprovechamiento de la luz y las perspectivas de conjunto, dando
una sensación de libertad (al menos para el desplazamiento de la mirada) y facilidad de
movimientos.

El Modulor

Ideó el Modulor, sistema de medidas basado en las proporciones humanas, en que cada magnitud
se relaciona con la anterior por el Número Áureo, para que sirviese de medida de las partes de
arquitectura. De esta forma retomaba el ideal antiguo de establecer una relación directa entre las
proporciones de los edificios y las del hombre. Tomó como escala del hombre francés medio de
esa época: 1,75 m de estatura; y más adelante añadió la del policía británico de 6 pies (1,8288 m),
lo que dio el Modulor II. Los resultados de estas investigaciones fueron publicados en un libro con
el mismo nombre del Modulor.

Le Corbusier fue uno de los miembros fundadores del Congreso Internacional de Arquitectura
Moderna. En 1930 adoptó la nacionalidad francesa. Unos años después realizó su primer viaje a
los Estados Unidos.

Le Corbusier se hizo famoso como uno de los líderes del llamado estilo internacional, junto a
Ludwig Mies van der Rohe, Walter Gropius y otros. Fue un arquitecto muy admirado en su época
e influyó a varias generaciones de arquitectos.
 Casa Curutchet, única obra de Le Corbusier en América Latina

Villa Savoye, Poissy, Paris

Notre Dame de Haut Le Ronchamp - Francia

Ha influido de manera muy importante en arquitectos de todas partes del mundo. En México fue
su seguidor Mario Pani Darqui, en Brasil Oscar Niemeyer, en la Argentina, Antonio Bonet, Juan
Kurchan, Jorge Ferrari Hardoy, Amancio Williams y el primer periodo creativo de Clorindo Testa.
En Uruguay, el teórico urbanista Carlos Gómez Gavazzo. En España, Francisco Javier Sáenz de
Oiza , en Colombia, Rogelio Salmona y en Estados Unidos, Shadrac Woods.

Obras y proyectos
 Villa Fallet, 1905, La Chaux-de-Fonds, Suiza
 Villa Jeanneret-Perret (Maison blanche), 1912, La
Chaux-de-Fonds, Suiza
 Villas La Roche-Jeanneret (París)
 Barrio Modernes Frugès, Pessac (Bordeaux)
 Edificio del Ejército de Salvación, (París)
 Villa Cook (Boulogne, Francia)
 Villa Savoye (Poissy, Francia)
 Casa Guiette (Amberes, Bélgica)
 Pabellón de Nestlé, Feria de París 1927
 Edificio Chemin de Villiers (Poissy, Francia)
 Barcaza del Ejército de Salvación, Asile Flottant (París)
 Terraza del departamento de Beistégui (París)
 Villa le Sextant (Maison aux Mathes, Maison L'Océan)
1935
 Pabellón de Suiza. Ciudad Universitaria de (París)
 Edificio Clarté (Ginebra)
 Edificio de departamentos en la calle Nungesser et Coli
(París)
 Ministerio de Educación Nacional (Río de Janeiro)
(asesoramiento, de Oscar Niemeyer y Lúcio Costa)
 Fábrica Duval (Saint-Dié-des-Vosges, Francia)
 Unidad de Habitación (Marsella) Ver en el mapa
 Capilla de Nuestra Señora del Alto (Ronchamp, Francia)
 Edificio de la Asociación de Hilanderos (Ahmedabad,
India)
 Villa Sarabhai (Ahmedabad, India)
 Museo de Ahmedabad (India)
 Edificio de la Alta Corte Judicial (Chandigarh, India)
 Museo y Galería deArte (Chandigarh, India)
 Convento Sainte Marie de la Tourette (Lyon)
 Casa del Brasil, Ciudad Universitaria (París)
 Firminy-Vert (Firminy, Francia)
 Casa de la Cultura de Firminy-Vert
 Unidad de Habitación de Firminy-Vert
 Estadio de Firminy-Vert
 Iglesia Saint-Pierre Firminy-Vert, construida en 2006
bajo la dirección de su colaborador José Oubrerie
 Piscina de Firminy-Vert
 Viviendas Heilsbergen Dreieck (Berlín)
 Museo de Arte Occidental (Tokio)
 Centro de Artes Visuales Carpenter, Universidad
Harvard (Boston)
 Centro Le Corbusier (Zúrich)
 Casa Curutchet (La Plata, Argentina)

Frank Lloyd Wright

Frank Lloyd Wright (n. Oak Park, Illinois; 8 de junio de 1867 - f. Phoenix, Arizona; 9 de abril
de 1959), arquitecto estadounidense, uno de los principales maestros de la arquitectura del siglo
XX conocido por la arquitectura orgánica y funcional de sus diseños.

Tras abandonar su carrera de ingeniería en Wisconsin al fallecer su padre, Wright se va Chicago,

donde la oficina de los arquitectos Alder y Sullivan le contrataron para trabajar con Sullivan
durante 6 años como delineante jefe, hasta que en 1893, abandona por un altercado que tuvo con el
y abrió su propio estudio de arquitectura. En estos años diseñó la Casa Winslow, en River Forest,
Illinois, la primera de la famosa serie de viviendas de pradera. Se trata de casas unifamiliares,
fuertemente integradas en su entorno. Las cubiertas sobresalen considerablemente de las fachadas
y las ventanas forman una secuencia continua horizontal . El núcleo central de las viviendas lo
constituye una gran chimenea, alrededor de la cual se disponen las estancias. Otras casas
diseñadas en este estilo fueron, por ejemplo, la de Willitts, en Highland Park, Illinois, y la D.
Martin, en Buffalo, Nueva York.
Wright creó un nuevo concepto respecto a los espacios interiores de los edificios, que aplicó en
sus casas de pradera, pero también en sus demás obras. Wright rechaza el criterio existente hasta
entonces de los espacios interiores como estancias cerradas y aisladas de las demás, y diseña
espacios en los que cada habitación o sala se abre a las demás, con lo que consigue una gran
transparencia visual, una profusión de luz y una sensación de amplitud y abertura. Para diferenciar
una zona de la otra, recurre a divisiones de material ligero o a techos de altura diferente, evitando
los cerramientos sólidos innecesarios. Con todo ello, Wright estableció por primera vez la
diferencia entre "espacios definidos" y "espacios cerrados". Wright además estudió con gran
atención la arquitectura maya y aplicó un estilo reminiscente maya a muchas de sus viviendas.

Consagración

Wright abandonó su familia en 1909 y viajó a Europa. Al año siguiente presentó sus trabajos en
una exposición de arquitectura y diseño en Berlín, donde obtuvo un gran reconocimiento. Una
publicación que se editó sobre sus obras influyó a las nuevas generaciones de arquitectos
europeos.

De regreso en los Estados Unidos diseñó su propia vivienda, Taliesin, que en el transcurso de los
años se quemó en tres ocasiones, y que Wright reconstruyó siempre de nuevo.

Durante los años 1915 a 1922 Wright trabajó junto a Antonin Raymond en el proyecto del Hotel
Imperial de Tokio, para el cual desarrolló un nuevo método de construcción resistente a los
terremotos, que consistía en colocar sus cimientos en soportes basculantes hidraúlicos cuya
eficacia se vio comprobada tras permanecer intacto después del terremoto que devastó la ciudad
en 1923. Este hotel, lamentablemente, fue demolido en los años 60.

Otro proyecto innovador en cuanto al método de construcción fue la casa Barnsdall, en Los
Ángeles, que se realizó mediante bloques de cemento prefabricados, diseñados por Wright. Este
método de construcción lo aplicó después también en otras de sus obras.

Cuando atravesó un periodo en el que no tuvo muchos encargos, Wright aprovechó para escribir
un libro sobre planificación urbanística, que publicó en 1932 año en el cual Comenzó sus Tertulias
y escuela en Taliesin por la cual han pasado grandes arquitectos y Artistas del siglo XX como:
John Lautner, E. Fay Jones y Paolo Soleri. Años más tarde creó otro en Arizona y éstos son los
lugares donde hoy se manejan sus fundaciones. También es en Taliesin donde se expone el
modelo de una ciudad distribuida horizontalmente sobre el territorio y cuyos habitantes disponen
de automóviles para desplazarse por ella.

Uno de sus proyectos más destacados y más conocidos lo realizó entre 1935 y 1939. Se trata de la
Casa Fallingwater en Bear Run, Pennsylvania, edificada sobre una enorme roca, directamente
encima de una cascada con un estilo moderno adelantado a su época.
 Casa Fallingwater.

En los años siguientes, Wright diseñó toda clase de proyectos, y en todos introdujo criterios
originales y avanzados para su época. También escribió otros libros y numerosos artículos,
algunos de los cuales se han convertido en clásicos de la arquitectura de nuestro tiempo.

Museo Guggenheim, Nueva York.

Obras más importantes

 1893-1894. Casa William H. Winslow, (River
Forest, Illinois)
 Casa para Isabel Roberts (River Forest, Illinois)
 1900. Casa en Prairie Town, para la revista Ladie's
Home Journal (proyecto).
 1901-1902. Casa William G. Fricke (Oak Park,
Illinois).
 Casa Darwin D. Martin (Búfalo, Nueva York)
 1902-1903. Casa Ward W. Willitts (Highland Park,
Illinois).
 Casa Northome de Francis W. Little (Nueva York)
 Edificio de la Prensa (San Francisco)
 1903-1905. Edificio Larkin (Búfalo, Nueva York).
 1905-1907. Templo Unitario (Oak Park, Illinois).
 1907-1908. Casa Avery Coonley (Riverside,
Illinois).
 1908-1909. Casa Frederick C. Robie (Chicago,
Illinois).
 1909. Casa de Mrs. Thomas Gale (Oak Park,
Illinois).
 1912-1913. Casa de juegos A. Coonley (Riverside,
Illinois).
 1911-1959. Taliesin (Spring Green, Wisconsin).
Casa, finca y estudio de Wright.
 1912-1914. Casa Francis W. Little. ``Northome´´
(Wayzata, Minnesota).
 Centro Cívico Marin (San Rafael, California)
 Casa de Frank J. Baker (Witmeth, Illinois)
 Casa de Robert Evans (Longwood, Virginia)
 Centro Educacional Corbin (Wichita, Kansas)
 1935- Casa de la Cascada (Fallingwater) (Ohiopile,
Pennsylvania)
 1936-38- Edificio Administrativo Compañía
Johnson & Son(Racine, Wisconsin)
 1945 - Casa Sundt
 1959- Museo Guggenheim, (Nueva York)
 Auditorio Grady Gammage (Tempe, Arizona)
 Teatro Kalita Humphreys (Dallas, Texas)
 Casa Walker (Carmel, California)
  Edificio Sede Principal de Johnson Wax (Racine,  Hotel Imperial (Tokio, Japón)
Wisconsin)  Edificio de National Insurance (Chicago)

Walter Gropius

Walter Adolph Georg Gropius (18 de mayo de 1883 - 5 de julio de 1969) fue un arquitecto,
urbanista y diseñador alemán.

Vida

Walter Gropius nació en Berlín, hijo y nieto de arquitectos. Estudió arquitectura en Múnich y en
Berlín. Después de sus estudios trabajó durante tres años en el despacho de Peter Behrens y a
continuación se independizó. Entre 1910 y 1915 (año de su matrimonio con Alma Mahler) se
dedicó principalmente a la reforma y ampliación de la fábrica de Fagus en Alfeld. Con sus
estructuras metálicas finas, sus grandes superficies acristaladas, sus cubiertas planas, y sus formas
ortogonales, esta obra se convirtió en pionera de la arquitectura moderna.

Gropius fue el fundador de la famosa escuela de diseño Escuela de la Bauhaus, en la que se

enseñaba a los estudiantes a utilizar materiales modernos e innovadores para crear edificios,
muebles y objetos originales y funcionales. Ocupó el cargo de esta escuela, primero de Weimar y
luego en Dessau, desde 1919 hasta 1928.

A partir de 1926 ,Gropius se dedicó intensamente a los grandes bloques de viviendas, en los que
veía la solución a los problemas urbanísticos y sociales. También abogó en favor de la
racionalización de la industria de la construcción, para permitir construir de forma más rápida y
económica. Diseñó numerosos complejos de viviendas, en los que aplicó sus ideas.

La "Das Staatliches Bauhaus"La Bauhaus

Walter Gropius, en Weimar (Alemania). Funda en 1919 una escuela de diseño, arte y arquitectura.

Antes de la primera guerra mundial, Gropius ya formaba parte de un movimiento de renovación

estética, representado por la Deutscher Werkbund, que pretendía unir el arte con el diseño
industrial.

Al finalizar la guerra, Gropius en su papel de director de la Sächsischen Kunstgewerbeschule

(Escuela de Artes y Oficios) y de la Sächsischen Hochschule für bildene Kunst (Escuela Superior
de Bellas Artes), decide fusionarlas en una sola Escuela que combinara los objetivos académicos
de cada una y a la cual se le agregaría una sección de arquitectura.

Walter Gropius llamó a la nueva escuela "Das Staatliches Bauhaus".

El mismo edificio construido para la escuela manifiesta, los valores más representativos de La
Bauhaus.
Uno de los principios establecidos por La Bauhaus desde su fundación: " La forma sigue a la
función"

La construcción completa es el objetivo de todas las artes visuales. Antes, la función más noble de
las bellas artes era embellecer los edificios, constituían componentes indispensables de la gran
arquitectura. Hoy las artes existen aisladas… Los arquitectos, los pintores y escultores deben
estudiar de nuevo el carácter compositivo del edificio como una entidad… El artista es un artesano
enaltecido.

Obra

En 1934 Gropius se exilió de Alemania al sufrir agresiones de los Nazis a su trabajo y a la escuela
Bauhaus. Vivió y trabajó tres años en Inglaterra y después se trasladó a los Estados Unidos, donde
fue profesor de arquitectura en la escuela de diseño de Harvard. En 1946 fundó un grupo de
jóvenes arquitectos, que se denominó The Architects Collaborative, Inc., más conocido como
TAC. Durante varios años se ocupó personalmente de dirigir y formar el grupo.

Los edificios de Gropius reflejan el más puro estilo de la Bauhaus, ya que están construidos con
materiales nuevos, que les confieren un aspecto moderno, desconocido en aquella época. Sus
fachadas son lisas y de líneas claras, y carecen de elementos ornamentales innecesarios. Con ello,
Gropius ha sido uno de los creadores del llamado "estilo internacional" en la arquitectura.

Gropius murió en Boston a los 86 años de edad.

Edificio de la Bauhaus, Dessau

Obras representativas

 Fábrica de porcelana Rosenthal (Selb, 1914 Edificios de oficinas y fábricas en el

Alemania)
 Ciudad Gropius (Berlín)
 Torre PanAm (Nueva York)
 Universidad de Bagdad (Bagdad)
 Edificios Packaged House System
(Lincoln, Massachusetts)
 Fábrica de zapatos Fagus (Alfeld an der
Leine, Alemania)
También trabajo en los siguientes poryectos:
1911-1925 Fábrica Fagus, Alfeld an der
Leine, Alemania.
Werkbund, Colonia, Alemania.
1920-1921 Casa Sommerfeld, Berlín,
Alemania
1920-1922 Monumento Memoria Víctimas
Golpe Estado de Kapp, Weimar, Alemania.
1922 Proyecto Chicago Tribune Tower,
Chicago, EE. UU.
1924 Casa Auerbach, Jena, Alemania.
1925-1926 Edificio de la Bauhaus, Dessau,
Alemania.
1925-1926 Casas de los maestros de la
Bauhaus, Dessau, Alemania.
1926-1928 Colonia Törten, Dessau,
Alemania.
1927 Proyecto Teatro total.
1927-1929 Oficina de empleo, Dessau,
Alemania.
1928-1929 Colonia Dammerstock, Karlsruhe,
Alemania.
1929-1930 Colonia Siemensstadt, Berlín,
Alemania.
1934 Sección de metales no férreos
Exposición "Deutsches Volk - Deutsche
Arbeit", Berlín, Alemania.
1935-1936 Casa Ben Levy, Londres, Reino
Unido.
1938 Casa Gropius, Lincoln, EE. UU.
1948-1950 Graduate Center de la
Universidad de Harvard, Cambridge, EE.
UU.
1955-1957 Bloque de viviendas en la
Interbau, Berlín, Alemania.
1958-1963 Pan Am Airways Building (Met
Life Building), Nueva York, EE. UU.
1967-1970 Fábrica de vidrio Thomas,
Amberg, Alemania.
1976-1979 Archivos de la Bauhaus, Berlín,
Alemania.

Alvar Aalto

Hugo Alvar Henrik Aalto (Kuortane, 3 de febrero de 1898 - Helsinki, 11 de mayo de 1976) fue
un arquitecto y diseñador de muebles finlandés.

Estudió arquitectura en lo que ahora es la Universidad Politécnica de Helsinki. Después de

graduarse en 1921 realizó un dilatado viaje de estudios por Europa. En 1923 abrió su propio
despacho de arquitectura en una ciudad pequeña, el cual trasladó en dos ocasiones, la segunda a
Helsinki. En 1925 contrajo matrimonio con Aino Marsio, quien fue su colaboradora. En 1928 fue
nombrado miembro del Congreso Internacional de Arquitectura Moderna. Más adelante se
trasladó a los Estados Unidos, donde fue profesor de arquitectura en el prestigioso Instituto
Tecnológico de Massachusetts, el MIT por sus siglas en inglés, en Boston.

Las obras de Aalto se integran con armonía en el paisaje, formando con éste un conjunto
arquitectónico. La madera y el ladrillo fueron sus materiales preferidos. Seguidor convencido del
funcionalismo y de la arquitectura orgánica, fue uno de los primeros y más influyentes arquitectos
del Movimiento Moderno escandinavo. A lo largo de su carrera, Aalto diseñó 200 proyectos, de
los que se realizaron la mitad. Además de arquitecto, Aalto fue también diseñador y creó los
muebles para la mayoría de sus edificios. En 1935 fue, junto con su esposa, co-fundador de la
empresa de muebles Artek. Allí diseñó la primera silla apoyada en una estructura de madera
autoportante, que fue patentada. Una de sus piezas clásicas es el jarrón Aalto, también llamado
Savoy.

Obras representativas

A lo largo de su vida, diseñó gran cantidad de muebles, objetos y edificios:

Arquitectura
Pabellón de la Universidad Politécnica de Helsinki, Finlandia.
Aalto Theater, Essen, Alemania.
 Edificio del periódico Turun Sanomat,
Turku (1928-1930)
 Sanatorio de Paimio (1929-1933)
 Biblioteca de Viipuri (1927-1935)
 Pabellón de Finlandia, Exposición
Universal de 1937 (París)
 Pabellón de Finlandia, Exposición
Universal de 1939 (Nueva York)
 Residencia Universitaria Baker, Instituto
de Tecnología de Massachusetts (Boston)
 Iglesia de Vuoksenniska (Finlandia)
 Ópera de Essen (Alemania)
 Auditorio Finlandia (Helsinki)
 Biblioteca de la Abadía de Monte Ángel,
Saint Benedict (Oregón)
 Ayuntamiento de Säynätsalo (Finlandia)
 Sala de Conciertos (Viena)
 Casa de la Cultura (Helsinki)
 Edificio de la ciudad periférica Neue
Vahr (Bremen, Alemania)
 Centro Cultural de Wolfsburg,
(Alemania)
 Universidad Politécnica de Helsinki
(Otaniemi, Finlandia)
 Edificio de oficinas de British Petroleum
(Hamburgo)
 Centro de ciudad de Castrop-Rauxel
(Alemania)
 Edificio de viviendas Schönbühl
(Lucerna, Suiza)
 Casa y estudio de Alvar Aalto en
Helsinki (1936-1937, Finlandia)
 Villa Mairea (1938-1939, Noormarkku,
Finlandia
 asa en uuratsalo (1952-1953,
Muuratsalo, Finlandia)
 Centro Urbano de [Seinäjoki]] (Finlandia
1951-1987)
 Iglesia de las Tres Cruces (1955-1958,
Imatra, Finlandia)
 Administración de pensiones (Helsinki)
 Lappia Hall (Rovaniemi, Finlandia,
1972-1975)
Objetos y mobiliario

Silla de Alvar Aalto.

Muchos de los objetos que diseñó se siguen produciendo en la actualidad, entre ellos:

 Taburete Y-leg Stool, producido por Artek (1946-1947)

 Taburete Model No. 60 y 69, porducido por Artek (1932-1933)
 Tumbona Model No. 43 y silla Model No. 406, producido por Artek (1936)
 Silla "Paimio" o Model No. 41, producido por Artek (1930-1931)
 Silla Model No. 31, producido por Artek (1931-1932)

Premio Alvar Aalto

En su honor se concede cada cinco años el Premio Alvar Aalto. Premios de gran prestigio a nivel
mundial dentro del mundo de la arquitectura.

Ludwig Mies van der Rohe

Ludwig Mies van der Rohe (Aquisgrán, Alemania, 27 de marzo de 1886 – Chicago, Illinois, 17
de agosto de 1969), arquitecto y diseñador industrial.

Vida y obra

Ludwig Mies van der Rohe nació el 27 de marzo de 1886 en la ciudad de Aquisgrán (Alemania),
hijo de Michael y Amalie (Rohe), como cuarto hijo de una familia católica. En 1900 empezó a
trabajar en el taller de escultura de piedras de su padre y en 1905 se trasladó a Berlín para
colaborar en el estudio de arquitectura de Bruno Paul.

En 1907 realiza su primera obra, la casa Riehl. De 1908 a 1911 trabajó en el despacho de Peter
Behrens, del cual, Mies desarrolló un estilo arquitectónico basado en técnicas estructurales
avanzadas y en el clasicismo prusiano. También realizó diseños innovadores con acero y vidrio.
En 1911 dirigió la construcción de la embajada alemana en San Petersburgo. En ese mismo año se
mudó a La Haya y planificó una casa de campo para el matrimonio Kröller-Müller.

En 1912 abrió con mucho esfuerzo su propio estudio en Berlín. Durante los primeros años recibió
muy pocos encargos, pero las primeras obras ya mostraban el camino que continuaría durante el
resto de su carrera. En 1913, con su esposa Ada Bruhn, se traslada a Werder (a las afueras de
Berlín). Allí nacen sus hijas Marianne y Waltrani, y más tarde Dorotea. Hasta entonces las
relaciones entre la familia y el trabajo habían sido buenas, pero La Primera Guerra Mundial de
1914-1918 provocó que Ludwig fuera destinado a Rumania durante este periodo y la familia
quedase separada.

En 1922 se hizo miembro del "Novembergruppe" y se puso por nombre Mies van der Rohe. Junto
con van Doesburg, Lissitzky y Richter editó en 1923 la revista "G" y trabajó en los planos de dos
casas de campo hechas de ladrillo, cuyos extensos muros y difuminadas líneas revolucionaron el
concepto de vivienda.

En 1926 fue vicepresidente de la Deutscher Werkbund y llevó a cabo obras de cierta envergadura,
como la casa Wolf en Guben, toda de ladrillo, y la casa Hermann Lange en Krefeld. Fue director
de la exposición de viviendas de Weissenhof, en Stuttgart en 1927, donde conoció a la diseñadora
e interiorista Lilly Reich y diseñó para ella un bloque de viviendas de estructuras de acero. De
1927 a 1930 construyó una villa en Krefold para el fabricante de sedas Hermann Lange,y en 1929
Mies recibe el encargo de proyectar el Pabellón nacional de Alemania para la Exposición
Internacional de Barcelona, para el que diseñó también la famosa silla Barcelona, de acero
cromado y cuero

En 1930 concluyó la Villa Tugendhat en Brünn (actual República Checa) y dirigió la Bauhaus de
Dessau hasta que se cerró en 1933. La evolución de los acontecimientos en Alemania le obligó a
emigrar a Estados Unidos en 1938, donde fue nombrado director de la facultad de arquitectura del
Illinois Technology Institute de Chicago que posteriormente remodelaría para que fuera dedicado
a la enseñanza y a la investigación, y que se concluyeron a lo largo de los años 50. En 1940
conoce a Lora Marx, que lo acompañaría hasta su muerte. En 1944 se convierte en ciudadano de
los Estados Unidos. De 1945 a 1950 construye la casa Farnsworth en Illinois.

Entre los años 1948 y 1951 hace realidad su sueño de construir un rascacielos de vidrio con las
dos torres del Lake Shore Drive Apartments de Chicago, y, más tarde, el Commonwealth
Promenade Apartments, también en la misma ciudad (1953-1956).

Entre sus obras más emblemáticas de esta etapa destaca el Seagram Building (1958), un
rascacielos de 37 pisos de vidrio y bronce construido en Nueva York junto a su discípulo Philip
Johnson.

En 1959 se jubila del Illinois Institute of Technology.

De 1962 a 1968 construye en Berlín la Galería Nacional. Se trata de un edificio dedicado a

exposiciones de obras de arte, formado por una gran sala cuadrada construida completamente en
cristal y acero y situada sobre una extensa terraza de losas de granito.
El 17 de agosto de 1969 muere en Chicago dejando como legado unos nuevos cánones para la
arquitectura que bajo sus tan divulgados lemas «Less is more» («Menos es más») y «God is in the
details» («Dios está en los detalles»), que lo considera como uno de los maestros más importantes
de la arquitectura moderna.

Pabellón de Alemania en la Expo de Barcelona de 1929 reconstruido

en 1986 (detalle).

Otra vista del pabellón de Alemania. El edificio fue reconstruido entre

1983 y 1989.

La casa Farnsworth en Plano, Illinois

 Casa Farnsworth

Shore Drive, Chicago

Para el artículo referido al Premio de arquitectura que lleva su nombre: Premio Arquitectura Mies van
der Rohe.

Obras representativas

 Apartamentos Weissenhof, Stuttgart, Alemania (1927)

 Afrikanische Strasse, Berlín, Alemania (1927) Ver en el mapa
 Casa Lange y Casa Esters, Krefeld, Alemania (1928–1930)
 Pabellón nacional de Alemania para la Exposición Internacional de Barcelona (1928-1929) Ver en
el mapa
 Casa Tugendhat, Brno, República Checa (1930)
 Instituto de Tecnología de Illinois, Chicago, EE. UU. (1943–1957)
 Casa Farnsworth, Plano, Illinois, EE. UU. (1946–1951)
 Apartamentos Lake Shore Drive, Chicago, EE. UU. (1950–1951)
 Edificio Crown Hall, Chicago, EE. UU. (1950-1956)
 Edificio Seagram, Nueva York, EE. UU. (1954–1958)
 Nueva Galería Nacional, Berlín, Alemania (1965–1968).