Postimpresionismo

Puerta de entrada a las vanguardias del siglo XX. Los demás radicalizaran sus
técnicas.

Cezanne
Es el que hace más aportes teóricos. Hace mucha teoría y es referente para todas
las vanguardias.

Considera que la pintura impresionista tiene muchas carencias compositivas. Los

pintores antiguos trabajaban mucho la composición y los impresionistas lo dejan
de lado. Él quiere recuperar los valores clásicos compositivos: el orden, el
equilibrio y que estés completas. No quiere renunciar ni a la esencia impresionista
(luz y color) ni a la composición clásica (armonía, equilibrio, volúmenes
sólidamente representados). La experiencia puramente visual del impresionismo
no le satisfacía ya, y tenía el presentimiento de que la verdad entera no podía
hallarse en la mera sensación visual.

Cada una de las formas de la pintura tiene un sustrato geométrico. Los elementos
en la pintura tienen una forma geométrica porque así ocurre en el universo.
Recupera la forma que se estaba perdiendo en las últimas pinturas del
Impresionismo. Pero gran reducción en el detalle.

Los temas son solo un pretexto para él, el análisis de contenido es lo que vemos.
Aparentan ser temas inocentes.

Composición clásica y ordenada. Importante papel del color en la creación del

espacio. Su ambición fundamental: revelar el orden y la unidad que impera en la
naturaleza entera. Utiliza la simetría y los ejes.

Parte de la obra está resuelta en formas reconocibles pero otra parte tiene
pinceladas sueltas y superpuestas.

Uso muy impresionista del color: colores brillantes, intensos, sombras marcadas.
Pinceladas rápidas y desprolijas. Pocos colores pero gran riqueza tonal.

Tratamiento especial de la perspectiva para que todos los elementos se vean en

su totalidad. Muestra varios puntos de vista a la vez. Renuncia a dibujo perfecto
para no perder elementos compositivos. Busca el equilibrio en la conjunción de la
base geométrica que intenta mostrar todos los elementos acabados. Es una nueva
idea de equilibrio evolucionada, no es el equilibrio clásico.

Estira la forma para lograr el equilibrio compositivo y para mostrar los elementos
en su total solidez. Se toma libertades para lograr sus objetivos. Se permite
muchas libertades y genera grandes rupturas que permiten el surgimiento de las
vanguardias.

Trabaja desde el cálculo, no la emoción. Tiende a geometrizar las formas del

cuerpo como si de objetos inanimados se tratara y a “tratar la naturaleza
mediante el cilindro, la esfera y el cono”.

Preocupación del artista: el estudio de la luz sobre los objetos y los colores, la
construcción del espacio mediante un juego de líneas verticales y horizontales.

Inicio al camino de la abstracción porque se abstrae de la realidad, no la imita. No

es un artista abstracto pero sienta las bases. Abstracción geométrica: reducción
de forma y esencia en el color.
Manzanas y naranjas
Esencia geométrica, el mantel no tiene los pliegues de Velázquez.
Plano inclinado. Las manzanas parece que se caen.
Colores brillantes y contrastantes.
La base del frutero está torcida, estira la forma para lograr el equilibrio. Para
lograr lo que quiere debe renunciar la perspectiva real y a la perfección del
dibujo.

El muchacho de chaleco rojo

Tergiversación de la figura humana. El brazo es un rectángulo. Es una mancha de
pintura blanca que entra en juego con los demás colores.
Papel sobre la mesa como recurso compositivo para que esa parte no se torne una
mancha uniforme y para que sea más fácil distinguir la figura del fondo.
Harmonía entre la línea recta y la curva.

Mujer con cafetera

La considera bella porque era bella para ser pintada como figura geométrica.
Rectángulos como cuadros en el fondo.
Nunca hace retratos frontales.
El fondo está inclinado.
Equilibrio compositivo.
Influencia impresionista.

Jugadores de cartas
Simetría, la botella marca el eje vertical. Alargamiento de las figuras que forman
otro eje.
Manchas blancas en el cuadro casi monocromático (pero de gran riqueza tonal)
ayudan a transmitir solidez, volumen, redondez.

Madame Cezanne en el invernadero

Herencia impresionista.
Composición más solida, base geométrica.
Composición ordenada.

Las grandes bañistas II

Composición compleja pero ordenada.
Disposición clara que centra las figuras de una mitad hacia una dirección y de la
otra mitad hacia la otra dirección.
Paisaje resuelto solo con manchas.
El sustrato geométrico saca detalle a los cuerpos humanos, solo vemos contornos.
No hay intención clara de mostrar el color real de la piel.

Van Gogh
Es holandés. Cambio porque los pintores eran mayoritariamente franceses.

Siempre tuvo el deseo de que su pintura fuera accesible y que se entienda el

mensaje, sin necesidad de un proceso intelectual. Porque tuvo una vida muy
humilde. Su padre era pastor y a veces lo acompañaba a los lugares muy humildes
a los que iba a predicar. Eso le generó una consciencia social y lo conmovió.
Incluyó a los más desfavorecidos en su pintura.
El imaginario de la pintura holandesa de la que él partía pintan siempre sobre
temáticas cotidianas con un estilo bastante trágico.

Paleta de colores muy oscura y cargada.

Va a París con la ayuda de su hermano Theo. Pasa poco tiempo y se va al sur de
Francia en busca de tranquilidad. No le gustaba el ambiente competitivo artístico.
Además era muy caro y él quería vivir de la pintura.

A medida que entra en la adultez sufre períodos de reclusión cada vez más largos.
Con 39 años se suicida.

Su vida artística se relaciona con su inestabilidad mental.

Gran aporte= expresividad de la obra. El mensaje se hace accesible con la

emoción. No hay que saber de pintura para poder apreciarla.

Divisionismo del color. Conoce una corriente particular del Impresionismo, el

Puntillismo. A través de la unión próxima de colores puros se genera una “mezcla
óptica” que crea los tonos y matices. No es puntillista porque se reconocen
pinceladas, pero aplica la técnica.

Mucho color, muy particular e intenso. No se preocupa por copiar la realidad.

Utilización del color puro, brillante, exaltado. Simplificación de la forma y el dibujo.
Suma de diferentes colores generaban tonalidades extrañas.

Pincelada característica de él que es lo que nos conmueve. Distinguibles y rítmicas

(se repiten con cierto criterio). Muy marcada con fuerte sentido expresivo.

También fuerza la perspectiva en un sentido expresivo. Se toma la libertad de

distorsionar la perspectiva y el color real porque no le interesa transmitir la
realidad sino sus emociones.
Prioriza la expresión personal y todas las técnicas se someten a eso, no a seguir
las reglas academicistas.

Las emociones humanas se convirtieron en la clave para interpretar el mundo, y

esas emociones humanas cobran cuerpo en su color y en sus pinceladas.

Influenciado por la estampa japonesa que de forma muy sencilla expresa mucho.
En Europa el arte era mucho más complejo (perspectiva). La estampa simplifica la
pintura sin dejar de lado el mensaje.

Realismo en el tema, influenciado por los pintores realistas.

Uso de la mancha plana de color: extensión del cuadro con un color “plano” (sin
blanco o negro) que no genera la sensación de relieve.

La pincelada empieza a tener textura, está “empastada”, no se preocupa en

descargar la pintura sobrante. Causada porque pintaba con mucha rapidez y
frenesí. En solo setenta días, Van Gogh produjo setenta y dos pinturas, treinta y
tres dibujos y un grabado, realizados bajo un ritmo frenético de trabajo, que se
traduce en una ejecución pictórica impulsiva, arrebatada.

Autorretrato
En la cara hay pinceladas celestes, no se preocupa por copiar la piel y el color.

Retrato de Tío Tanguy

Personaje de la época.
Tenía una tienda que vendía telas y pinturas. Algunos artistas le pagaban con
retratos suyos.
En la tienda Van Gogh toma contacto con los mejores pintores de la época y
conoce obras de otros artistas que lo influenciaron mucho. También conoce la
estampa japonesa.

Café nocturno exterior

Pincelada marcada en el piso. Divisionismo de color.
Simplificación de la figura humana. Colores muy brillantes.
Novedad: Uso de la mancha plana de color.

Café nocturno interior

Pared con mancha plana de color. Colores complementarios.
Domina el amarillo con sensación de calidez.
Perspectiva deformada en la mesa de billar.
Pincelada marcada que se arremolina alrededor de la luz. Tiene un carácter
expresivo porque la quiere destacar.

La habitación del pintor

Busca transmitir la sensación de reposo de una habitación. Su intención (carta a
Theo) era transmitir la sensación de tranquilidad y descanso porque volvía a esta
habitación después de un largo día de trabajo.

Los girasoles
Al final de su vida tenía dificultad en encontrar a personas que posaran para él
porque tenía un carácter muy difícil y tampoco tenía plata para pagarles a
modelos.
Durante un año estuvo internado y no podía salir, por eso pintaba flores.

Campo de trigo con cuervos

La estaba pintando cuando se suicidó.
Grado enorme de simplificación. Pinceladas en total descontrol.

Paul Gauguin
Trabajaba en finanzas y ganaba mucha plata. Comienza a comprar pinturas y a
pintar como hobby y le iba muy bien.

Abandona a su mujer, deja su trabajo y se va de París. Se muda a Tahití para

dedicarse a la pintura. Creía que la sociedad europea estaba corrompida y se va a
buscar conexión total con la naturaleza.

Quiere renovar una pintura europea primitiva y salvaje y la única forma de hacerlo
es vivir como un salvaje, sin condicionamientos morales o religiosos que estipulen
la conducta.
Lleva la mancha plana de color a su máxima expresión.

Simplificación en la forma.

Renuncia (gradualmente) al uso de la perspectiva porque son tradiciones europeas

que van en contra de la libertad. La perspectiva condiciona cosas en el cuadro.

Total independencia del color, autónomo de la realidad.

La ambición es dar al cuadro un significado espiritual que vaya más allá de la

simple evocación de la naturaleza.

La visión después del rezo

Uso de la mancha plana de color.
El espacio tridimensional confunde por la falta de perspectiva. No se sabe si están
flotando o en el piso.
Alto contenido espiritual, tienen una visión de un ángel luchando con un demonio.
Vieja dicotomía del bien y el mal.
El árbol divide la parte material de la parte espiritual, que se mezclan en un solo
cuadro.
Temática mucho más profunda.
Se aleja de los convencionalismos y de la academia.

El Cristo amarillo
No hay perspectiva. Para lograr la profundidad superpone manchas de color. Las
manchas planas de color amarillo, rojo y azul organizan zonas del cuadro más
cercanas o lejanas.
Para distinguir las figuras, las contornea con negro. Parecen dibujos animados, no
necesitan responder a la lógica de la realidad. Es más primitiva, no veíamos el
contorno desde Giotto.
Color autónomo.
Tema anclado a la cultura europea pero con una libertad total.

Jóvenes tahitianas con flores de mango

Mucha simplificación en la forma pero igual impresiona.
Desnudo natural en Tahití pero impactó en Europa. Desnudo sin ninguna razón en
particular. La fruta roja llama la atención a esa zona.
Imagen de belleza opuesta al modelo de belleza europeo.

La siesta
Cuerpo humano muy sencillo, con manchas planas de color.
Eje diagonal de su cuerpo organiza el cuadro.
Fondo es mancha plana de color verde.
La mujer de naranja son tres manchas planas de color.
Usa líneas de fuga pero no perspectiva.

El perro rojo
Profundidad con manchas planas de color.
Autonomía del color.
Dos mujeres tahitianas sencillas. Están disfrutando de la vida, actividad de reposo.
Las de arriba están danzando alrededor de un tótem. Los europeos querían que
adoptaran la “verdadera religión”.

El día de los dioses

Contorno negro, simplificación de la figura, mancha plana de color.
Dos durmiendo en posición fetal, uno del lado opuesto del otro. Le interesan todas
las dualidades y los opuestos.
Eje vertical por la mujer y el tótem.

Manao Tupapau
Creían en los espíritus, como Manao Tupapau que se metía en la habitación de las
mujeres.
Rinde tributo a la Olympia. Invierte todo, la mujer está de espaldas y es negra.
La forma de representar al espíritu es similar a la pintura egipcia: cara de costado,
ojos de frente.

¿De dónde venimos, qué somos, a dónde vamos?

Fuerte influencia de la pintura egipcia.
Color autónomo. Colores contrastantes. Mujeres muy simplificadas.
Jinetes en la playa
Estaba casi ciego por la sífilis.
Más detalle, pero sigue la mancha plana de color.
Fauvismo
No es un grupo estructurado, son pintores que experimentan en base al color. Es
un momento de transición. Construyen sobre el trabajo de artistas previos.
Primer círculo liderado por Matisse.
Segundo círculo liderado por Derain y Vlaminck
Tercer círculo liderado por Braque y Van Dongen.
Es una vanguardia muy corta, de 8 años, por eso muchos pintores los volvemos a
encontrar más adelante.
Experimentan en base a la disposición del color.
Trabajan sobre la autonomía del color. Es lo que forma los elementos de la
composición, ordena el espacio compositivo y va creando cada uno de los
elementos.
Dos técnicas combinadas: pincelada suelta y mancha plana de color.
Yuxtaposición de colores exaltados.
Temas cotidianos, pretexto para su obra como paisajes y se utiliza mucho la
naturaleza.
Liberación completa del temperamento y del instinto.

Matisse
Mucha formación formal. Forma una academia. No solo pintaba, también
teorizaba. Siempre estaba a la cabeza de la experimentación.

Cree que al paisaje que se lo priva de la presencia humana, pierde trascendencia.

El ideal es figura humana en calma. Utiliza la figura humana como un eje
compositivo.

Figura humana que no es típica del europeo. Esquematismo negro-africano que le

impacta muchísimo, inspiración en la talla negro-africana.

Influencia impresionista de la pincelada suelta. Influencia del puntillismo. Mancha

plana.

Manchas planas sin contorno y tratamiento experimental de la sombra.

Sube mucho la paleta de contrastes.

Falta de detalle total y gran esquematismo en la figura humana y en el paisaje.

Recupera el valor decorativo de la pintura que se había perdido. Pretende volver a

esa función primaria de algo “lindo”.

Lujo, calma y voluptuosidad

Organización de la obra por manchas de color.
Escena idílica donde los personajes disfrutan de la naturaleza.
Fuerte síntesis formal: cuerpos alargados sin mucho detalle.
Sombras coloridas.
Color muy intenso, tierra casi roja.

La alegría de vivir
Autonomía del color que va mucho más allá.
Mancha plana de color.
Fuerte esquematismo.
El color forma y organiza los elementos.
También se mezclan pinceladas sueltas porque es una transición, un proceso.

Interior en Collioure
Todas las características del fauvismo.
Plena autonomía del color.
Mitad derecha con mancha plana, mitad izquierda con pincelada suelta. Mezcla las
dos.
Contrastes fuertes y libres.
Síntesis formal, falta de detalle absoluta.
Abordaje no tradicional del espacio

Retrato con franja verde (Madame Matisse)

Figura alargada, estructura el cuadro y ordena los componentes.
Franja verde muy impactante, utiliza líneas de expresión.
Se trata de un tema de gran sencillez, el rostro de una mujer (la esposa de
Matisse) vista de frente, realizado con gran economía de medios y basado en el
uso y la combinación de los tonos puros: amarillo, rojo, azul, elegidos
arbitrariamente según una coherencia en función de la armonía de la composición.
La luz dibuja en el centro del rostro la famosa línea verde que da calor y cuerpo al
rostro de la mujer, realzando los tonos amarillo y rosa.

Mesa servida, armonía en rojo

Mancha plana de color construye el espacio.
Gran ambigüedad para definir el espacio compositivo.
Figura humana esquematizada y resuelta con tres manchas de pintura.

Derain

El puente de Charing Cross

Fuertes contrastes
Color brillante
Autonomía absoluta del color
Mezcla de mancha plana y pincelada
Síntesis formal clásica

El rio
Gran enramado en primer plano. Segundo plano composición tranquila en franjas.
En un mismo elemento combina drásticamente los colores, fuerte impacto visual.
Máximo esquematismo

Mujer con camisa

Autonomía del color
Composición determinada por dos manchas: rojo arriba, azul abajo
Figura humana intencionalmente inacabada
Esquematización
Colores contrastados

Vlaminck

Retrato de Derain
Fuerte contraste
Fondo con color cálido y pinceladas que generan dinamismo.

Interior, la cocina
Mancha de pintura roja construye el espacio.
Dispone los elementos de forma rara. Perspectiva forzada.
Ahorro absoluto de detalle, síntesis de forma y figura

Retrato de mujer
Abrigo como mancha roja.
Sombrero como espiral que se reproduce en las manchas del fondo.
Contraste entre colores intensos.
Simpleza en el rostro que igualmente es muy expresivo.

El circo
Pincelada muy marcada, que construyen una mancha con muchos colores que le
dan dinamismo a la obra.
Personajes sumamente esquematizados.

George Braque
Fauvista por el trabajo con el color pero rápidamente se dirige al cubismo.

Barcas engalanadas
Estructuración en base a formas geométricas.
Simplificación de las figuras.
Composición más ordenada.
Mezcla de pincelada suelta y mancha plana

Desnudo sentado
Perspectiva de la silla distorsionada.
Resuelve el resto del cuadro con manchas de color contrastantes.
Inclusión de verde en la piel de la mujer
Expresionismo alemán
Situación en Alemania: políticamente gobernaba el Kaiser Wilhelm II. Régimen
autoritario, totalitarista y militarista. Época de desesperación y horror a la muerte.
Fuerte clase burguesa se enfrentaba con una gran masa de trabajadores.
Enfrentamiento clasista.
Consecuencias negativas de la revolución industrial.
Arte de oposición.

1. “Die Brücke” (Dresden, 1905)

Nombre simbólico, construcción hacia un hombre nuevo.

Se autodefinían:
-anti impresionistas: intentan mostrar la realidad subjetivamente, no
objetivamente. La realidad es algo que hay que vivir desde el interior.
-anti naturalistas: la naturaleza ya fue inventada y su rol no es reproducirla
miméticamente. La función del artista era indagar los movimientos más profundos
y recrear su significado fundamental.
-anti positivistas: el desarrollo de la ciencia y la tecnología no siempre asegura un
progreso.
-anti burgueses

Impactados por las esculturas negro-africanas por su simplificación y

esquematismo.

Trabajan otro tipo de pintura porque el oleo y la tela eran caros, como grabados en
madera o metal. Técnicas de líneas rectas y quebradas, ángulos agudos.

Eso ayuda a transmitir lo más primitivo e instintivo del ser humano: tristeza, dolor,
erotismo.

Color fundamental como fuerza expresiva. Autónomo de la realidad como vehículo

de expresión.

Horror vacui: miedo al vacío: cubren toda la superficie del lienzo, no permite
descansar la vista, transmite pesadez. Sensación de agobio.

Destrucción de todo convencionalismo que pueda obstaculizar la fluida

manifestación de la inspiración inmediata.

Eduard Munch
Artista noruego, antecesor del movimiento.

El beso
Obra oscura, no transmite alegría.
Una sola mancha negra como los dos cuerpos, los rostros también se unen.
Trazos o líneas que rodean la figura vienen del grabado.

El grito
Nace como un grabado.
Figura humana convertida en un espectro, enmarcada por un paisaje muy
esquematizado. Pocas líneas de color que refieren a una naturaleza.
Se tapa los oídos porque escucha el grito de la naturaleza. El grito se representa
como ondas de sonido.
Contrastes de color muy violentos.

La pubertad
Transmite angustia, tristeza. Lejos de la frescura de la pubertad.
La sombra crea un escenario más angustiante. Se escapa de su cuerpo.

Kirchner

Autorretrato con uniforme

Uno de los pocos convencionalismos de la época era la perspectiva. Se espera que
la obra mantenga la perspectiva, por eso los expresionistas la distorsionan.
Hombre uniformado (autoritario) en contraste con un hombre-mujer desnudo, muy
ambiguo.
Mutilación de guerra en la mano, metáfora que aunque físicamente se vuelva
entero, siempre hay mutilaciones. Él por ser pintor cree que la mano es
particularmente importante.
Presencia del arte africano, gran esquematismo (ej: mano). Las caras no son
“alemanas”.
Extrapolación técnica con ángulos y líneas quebradas.
Autonomía del color, contraste impactante.
El fondo se simplifica con manchas de color.

Autorretrato con modelo

Ambos fuertemente esquematizados.
Circunstancia cotidiana pero tiene algo de triste y angustiante.
Construcción con manchas planas de color y contrastes muy intensos.
Lienzo completamente tapado.

Marcella
Más allá del esquematismo: desfiguración del cuerpo. Perspectiva rara.
Escena inquietante y tétrica.

Marcella
Autonomía del color.
Gato llamando la atención, tan carente de detalle que parece espectral. Pobreza
de detalles muestra mucha austeridad.

Muchacha con girasoles

Rostro con serenidad y tristeza. Referencia a Van Gogh por el rostro de color y los
girasoles.
El contorno rojo es parecido a una sombra colorida. Contrastes violentos de color.
Rostro esquematizado, manchas de pintura de todos colores.

Un grupo de artistas
Una misma paleta de color. Gama gélida de colores.
Hace menos de 100 años se veía una representación humana casi fotográfica.
Ahora es casi caricaturesca.
Violenta autonomía del color.
Todo el lienzo cubierto.

Mujeres desnudas bañándose

Falta de detalle.
Perspectiva tergiversada, sensación rara.
Planos de color que se van superponiendo.

Mujeres por la calle

Clase social elevada. Representación crítica de la clase burguesa.
Posible interpretación: son prostitutas que acompañan a señores elegantes.
Figuras estilizadas, como tallas: distanciantes.
Rostros absoluta síntesis formal.
Colores básicos, fuertes, contrastantes.

Emil Nolde
Resume las características del expresionismo alemán de forma diferente.
Erotismo salvaje.

La danza alrededor del becerro de oro

Manchas planas de color.
Violencia del contraste muy expresiva.
Síntesis total.
Erotismo exacerbado.
Todo el fondo cubierto

Dos mujeres y un Pierrot

Deformación de la imagen: desnudez grotesca.
Cigarrillo de la mujer es el detalle.

Una pareja
Síntesis formal muy rigurosa.
Intención clara de remitir a la realidad de forma lineal.
Pintura que generó mucha impresión en la época por el erotismo.
Flor como detalle sutil.

Niño con pájaro

Obra muy misteriosa.
Figuras esquematizadas.
Detalle botas amarillas.

2. El jinete azul (1912)

Artistas: Marc, Kandinsky y Make.
Nombre se debe a un gusto particular por los jinetes y los caballos. El azul es un
buen vehículo para la expresión.
Comparte el sustrato ideológico con el primer expresionismo.
Cambia la forma de pintar. Se pintan “las verdades del alma”, no el instinto.
Representan la trascendencia.
El vehículo de expresión es muy libre, se alejan de la representación carnal.
Cambia la poética.
Camino de investigación con trabajos cercanos a la abstracción.
El arte abstracto intenta hacer hablar al mismo mundo en vez de al alma exaltada
del artista por la imagen del mundo.

Marc
La diferencia entre los dos primeros expresionismos es la poética. El segundo
busca algo mucho más espiritual. Para Marc lo espiritual eran los animales y la
naturaleza.

Ciervo muerto
Remite a la naturaleza.
Síntesis formal, figura estilizada y alargada.
Fondo sin referencia clara a algo en particular, son manchas de color.

Ciervo en el bosque
Síntesis fuerte pero prolija, no deforma. El ciervo está sintetizado pero no es
abstracto.
Naturaleza como manchas, base geométrica.
Deconstrucción de la naturaleza, proceso de abstracción.
Color es vehículo de expresión, sugiere una riqueza de la naturaleza.

Vaca, amarillo, rojo y verde

Síntesis prolija.
Paisaje abstracto que no aporta información de la realidad.
Marc nunca llegó a la abstracción pero murió muy joven.

Caballos rojos
Caballos sintetizados pero figurativos. Ahorro en el detalle
El fono es mancha plana.

Zorro
No imita la realidad pero ofrece una imagen figurativa, nadie duda que es un
zorro.
Resuelto con escasos medios: pocos trazos, colores y líneas.
El fondo cada vez más se resuelve con manchas de colores. Uso libre del color.

Kandinsky
Llega a la abstracción total, no hace referencia a nada conocido. Fue el primero en
proponer esto.

Improvisación 6
El titulo no nos ayuda a tratar de entenderlo.
La improvisación es muy recurrente en muchas disciplinas pero nunca la habíamos
visto en la pintura.
Kandinsky propone que la pintura se asemeja a la música. La música instrumental
genera emociones aunque no tenga letra. Él hace lo mismo con la abstracción en
la pintura, al no proponer un tema. Por eso le pone nombres neutros.

Impresión 3
Abstracción total.
Cree que cuando un artista está trabajando, es canal de algo superior: lo espiritual
en la pintura.

Macke

Tienda de moda
Síntesis formal en la mujer. No hay detalles en nada de lo que vemos, pero es
figurativo.
Mancha plana de color.
Elementos muy ordenados gracias a la perspectiva.
Critica a la burguesía. Manera muy sutil de demostrarlo (situación de guerra en
Alemania).

3. Die neue Sachlichkeit: la nueva objetividad

Retoma el espíritu crítico del primer expresionismo.
Figurativo, grabado, horror vacui, critica a la burguesía.
Obra más realista.
Periodo de postguerra.

Kokoschka
Similar al estilo de Kafka.

Autorretrato
Imagen desagradable, manchas de color y deformación de las manos. Idea
intranquila.
Intenta representar la realidad, no sintetizar la imagen. Pero sobre eso altera y
deforma para expresar un estado de ánimo (como la angustia).
Imagen con mucho detalle, nos da información del retratado.
Lo deforma usando una pincelada ondulante y una espátula en la que carga
mucha pintura.

Niños jugando
Falta color, movimiento, ternura. No parecen ser niños felices.
Cubismo
Quiebre de la mano de muchos intelectuales.
Ya no se puede entender la pintura a través de la sensibilidad.
No hay una relación abierta con el público, hay que seguir a los intelectuales.
Cuidadosa construcción de la forma; lo que le da su valor permanente es el modo
como los objetos están concebidos en volumen.
Las bases del estilo fueron la revelación, hecha por Cezanne, de los principios
geométricos que subyacen en la naturaleza, y, junto con ello, la mágica
inmediatez de la escultura primitiva.

La técnica cubista está basada en la división de las formas en facetas prismáticas,

que luego son colocadas unas encima de otras en planos encabalgados. La
finalidad perseguida por este riguroso método es una comprensión objetiva de la
cosa pintada lo más profunda que sea posible, totalmente independiente del punto
de vista del espectador e incluso de su personal estado de ánimo. En estos
retratos Picasso renuncia casi del todo al color en beneficio de la forma.

1. Cubismo analítico
“Análisis depurado de la realidad hecho por el artista que va de la visión global a
lo particular destacando alguno de los detalles. El artista ofrece una imagen
mental de su entorno”.
Propuesta que se apoya en reflexiones de la época. Por ejemplo Bergson (filosofo
francés) decía que somos capaces de comunicarnos de forma abstracta (palabras)
porque tuvimos experiencias temporales y espaciales que nos ayudaron a
construir el concepto. Una vez aprehendido, no necesitamos ver el objeto entero
para reconocerlo.
Los detalles son importantes para reconstruir la realidad.
Deconstrucción de la imagen para volverla a construir. Trabajo mental de los
artistas.
Técnicas de collage
Se abandonaba todo punto de vista particular, y el pintor miraba a los objetos no
desde un punto único, sino desde arriba, desde abajo, de frente, de espaldas, de
todas partes.

Picasso

Las señoritas de Avignon (1907)

Obra previa al cubismo. Los elementos se irán profundizando.
Fuerte influencia de Cezanne.
Desde un solo punto de vista vemos muchas cosas diferentes.
Sustrato geométrico.
Contraste frio-cálido de color nos ayuda a ordenar la obra. Perspectiva cromática:
lo frio se aleja, lo cálido se acerca.
Calle Avignon de Barcelona: zona roja.
Nueva manera de concebir y representar el espacio pictórico.
Influencia arte egipcio.
Despersonalizó las figuras por el procedimiento de hacer que las caras pareciesen
máscaras
Influencia de la escultura negra que permitió inyectar un elemento de violencia en
una composición por lo demás carente de toda carga emotiva.

Desnudo en el bosque
Cuerpo con enorme rigor geométrico.
Se construye con planos de color.
Los detalles son en trabajo facetario para construir una realidad total (similar a
Cezanne).
La paleta se reduce cada vez más. Pocos colores y mucha riqueza tonal.

Mujer con abanico

Detalles reales: seno descubierto y abanico.
Trabajo facetario del rostro.

Horta de San Juan: fábrica

Simplificación.
Deconstrucción formal.
Construcción a partir de planos de colores.

Desnudo sentado
Planos de color más luminosos permiten distinguir. Resalta figura de fondo.

Clarinetista
Difícil prenderse a la realidad. Ejercicio de abstracción muy profundo.
Pinta la visión global, no un punto de vista: facetario. Puede ser muy caótico.

Naturaleza muerta con silla de paja

Bodegón: acumulación de elementos. Los elementos que pinta son un pretexto.
Se da cuenta que se aleja mucho de la realidad y tiene que volver. Por eso la silla
está representada de forma clásica.

Braque

Jarra y violín
Algún detalle que ata a la realidad
Planos chiquitos, se achican cada vez más, lo dificulta cada vez más.

Mujer con guitarra

Plano de color por arriba de todo. Intenta simular la madera, igual que la silla de
Picasso.
Incorporación de palabras. Avance en el camino conceptual de la obra.
Siglo XX viaje entre el arte objetual y el conceptual. Picasso y Braque son
antecedentes del arte conceptual.