APOSTILA HISTÓRIA DA ARTE

PROFESSORA: MEIRE DE FALCO
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História da Arte  Linha do Tempo o Pré-História  Arte Pré-histórica o Idade Antiga  Arte Egípcia  Arte Grega  Arte Romana  Arte Paleocristã  Arte Bizantina  Arte Islâmica o Idade Média  Arte Românica  Arte Gótica o Idade Moderna  Renascimento  Maneirismo  Barroco  Rococó o Idade Contemporânea  Neoclássico  Arte Romântica  Realista  Impressionismo  Expressionismo  Cubismo  Abstracionismo

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Fauvismo Construtivismo Surrealismo Dadaísmo Op Art Pop Art Instalação Interferência Cobra Futurismo Arte Naif Pintura Metafísica

o Arte Brasileira  Pré-História  Arte Indígena  Arte Colonial  Arte Holandesa  Barroco  Missão Francesa  Arte Acadêmica  Semana de 22  Expressionismo  Arte Naif

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PRÉ HISTÓRIA
A arte nasceu com o homem e deu-lhe a consciência de sua capacidade criadora, a possibilidade de imaginar. É muito importante lembrar que a arte revela o ser, independente de cor, religião, locais geográficos, independente de qualquer coisa. Se a arte não revela o ser ela não será arte. A arte é comunicação. Esse sistema de comunicação é sempre ligado a um processo histórico. A arte pressupõe um público. Mesmo que ela não seja feita para o público sempre haverá um que irá olhar. A arte é emissora e receptora, ela emite e recebe ao mesmo tempo. Na pré-história, o homem se tornou artista há 400 séculos ou 40.000 anos. Esse homem apareceu na fase da Pedra Lascada, em um período chamado PALEOLÍTICO (Paleo=Velho, Litico=Pedra). Esses homens tinham uma sensibilidade criadora incrível, habilidade e inteligência para a arte quase como os homens de hoje. Homens da pedra-lascada, homens primitivos, homens das cavernas tem o mesmo significado. Ha 4 milhões de anos antes dos homens paleolíticos já existia homem na terra quase como macaco. Dessa época não temos nenhum registro. Não sabemos o que eles fizeram, apenas que eles sobreviveram. De arte só sabemos a partir de 400 séculos atrás. Nesses 2 últimos milhões dos 4 milhões de anos agente já sabe que o homem se utilizava de pedras e de paus. O homem, com certeza, desde 4 milhões de anos atrás já usava um instrumento, porque o macaco como exemplo pega uma planta ou uma pedra para jogar em outro macaco. Então tudo isso o homem já devia usar. Só que transformar pedras em utensílios levou séculos. Primeiro ele pensou o que fazia com os seixos (pedras lascadas) ou com gravetos. A partir dai ele vai associar forma à função, criando assim o utensílio. A madeira por não ser resistente não durou para que pudéssemos ter como prova mas, os objetos de pedra permanecem até hoje. Esse objetos pessoais foram se aperfeiçoando. Com o aperfeiçoamento desses objetos iremos entrar no Paleolítico, época da pedra lascada. O mundo era totalmente diferente, os homens viviam em cavernas, a temperatura era baixa, sempre no gelo. Viviam em regiões que correspondem hoje a França, Espanha, Inglaterra, Alpes, Síria, Palestina, Norte da África, em plena Ásia, no Himalaia. Viviam em grupos bem grandes para se protegerem. A caça era abundante nessas regiões. Apesar de se chamarem homens das cavernas, eles pouco habitavam nelas. Ficavam muito mais do lado de fora, por serem sufocantes, malcheirosas, sem luz,e feias. Do lado de fora eles podiam ver a mudança do dia e noite, o que achavam fantástico e completamente inexplicável para eles. As cavernas eram mais usadas como abrigos das intempéries do que como moradas. Esses homens são chamados de primitivos, não por serem mais simples do que nós, porque eles foram os primeiros do local mais próximo de onde começou a humanidade. O processo de pensamento deles era muito complicado, muito complexo. 2

marrons. É tão bom quanto os de hoje.e os ossos para ele usar. Se ele tivesse um poder sobre outro homem isso iria causar muito medo. vermelho. mas mais de conteúdo). O homem era monista. O domínio técnico dos homens da caverna é surpreendente. sementes. Não separavam o visível do invisível. A explicação disso tudo é “a magia propiciatória”. Mesmo hoje vai ser chamada de “pintura rupestre” aquela pintura feita em tons crus. Essa pintura vai ser uma “pintura realística e figurativa” porque ele vai pintar tal qual ele vê. ele passava o dedo no pó da caverna e este nas paredes.Existem milhares de pinturas rupestres (como são chamadas as pinturas das cavernas). do mesmo jeito que não pintava a flora. de pessoas em mutações. 3 . Você pode ter muita técnica mas se não tiver uma concepção artística dificilmente fará alguma coisa. depois o pincel bem rudimentar feito de pêlos e penas de animais. É uma história de artistas. Não existia requinte por não haver intenção de fazer arte. Não sabiam a diferença do mundo material do espiritual. O homem pré-histórico desenhou muito bem os animais. Esses locais eram bem inacessíveis e provavelmente subiam um em cima do outro para alcançarem. e não de técnicas. ocres. O padrão de qualidade não difere do nosso hoje. Se ele não matasse o animal. As ferramentas rudimentares que usaram foram feitas com a mão. Ele precisava do animal para sobreviver e não do homem. É a primeira vez que existe um estilo na história da arte. decorar. ele morria. Ele precisava do outro homem para preencher aquela imensidão do mundo que estava totalmente vazia. A história da arte não é uma história de progressos de técnicas. para poder iluminar o fundo da caverna. Não iríamos pintar hoje com a finalidade de fazer magia propiciatória. sangue. como se fosse uma mágica. Depois começaram a pintar os animais sempre no fundo da caverna. com criações. O que difere são as idéias. As cores empregadas eram ocre. São cavernas lotadas de pinturas rupestres. Ele não desenhou nunca homens porque ele não queria matar outro homem dessa forma. não distinguindo o real do irreal. Séculos depois ele vai pegar um osso e soprar o pó sobre sua mão na parede da caverna deixando a marca do contorno de sua mão nela. Essas cores eram devido aos materiais orgânicos de que eram feitas como: fibras. Antes do homem pintar os mamutes. em locais inóspitos. tochas recobertas de gordura animal. Primeiro utilizou o dedo como pincel. bisontes. Não sabia a diferença do real para o irreal. a pele para ele se vestir. Foram descobertos vestígios de luz artificial. idéias (conteúdo e formas. A magia propiciatória era o pintar e o matar o animal através do desenho. Ele pintava o que via. As mais importantes cavernas citadas na História da Arte são: Altamira na Espanha e Lascaux na França. ossos carbonizados. carvão vegetal (que usamos até hoje). Pintavam mamutes. o mundo para eles era uma realidade só e única. bisontes (era como avô do elefante ou do boi). quer dizer. bem escondidos. sépia. O animal dava a carne para ele se alimentar.

Na época do paleolítico ficavam pouco tempo na caverna. Ela corre para avisar o pai e esse chama os peritos para estudar a caverna. triângulos. Outras formas de arte são as gravuras. há pouco tempo. quando um pai fazendo um picnic com sua filha. Eles fazem incisões nas cavernas aproveitando os relevos para dar volume nos desenhos. Tem uma ordem entre as figuras que parecem um código de composição. 4 . tem 2 metros de altura. como uma forma de leitura de suas vidas. Nunca ele fizeram representação escultórica de macho. ventre saltado e nádegas enormes. na pedra-polida. Deve ser por causa da fertilidade. O homem neolítico consegue o controle sobre a sua alimentação. Pintam do lado de fora mostrando os atos da vida coletiva deles. Os retângulos. bisontes. amontoar um monte de ossos.000). que não existe na natureza. O pré-histórico da era paleolítica fez esculturas de figuras femininas em pedra. Nas cavernas do período paleolítico foram descobertas algumas simbologias inexplicáveis como o “quadrado”. E. como as tintas foram feitas com materiais orgânicos. Altamira. etc. É um estudo muito sério e não se sabe a realidade. porque não existe na natureza. entrar água. nem rei por não haver ainda uma hierarquia. paleolítica. A arte é feita pela arte. não saberíamos nada sobre esses “museus do mundo”. como “deusas da fertilidade”. como eles pintavam. pois esta começava a deteriorar. só da fêmea. mamutes. não se sabe como eles tinham conhecimento dessas formas. 8000 anos depois (dos 40. Vai surgir as primeiras figuras masculinas. Os cientistas não gostam de que sejam fotografados esses desenhos. Eles também começaram a dançar e a cantar. A temperatura era mais amena. mulheres de seios enormes. Tem dezenas de representações de animais como: cavalos. e é chamada a catedral das cavernas. a cultivar e se organizar socialmente formando aldeias. na Espanha. Se não fossem os terremotos e os deslocamentos de terra que tamparam essas cavernas. essa descobre um buraco que a leva a outras salas com muitos desenhos. touros pintados de tamanho natural e de corpo inteiro. porque com a temperatura amena podiam ficar mais tempo no mesmo local. Nessas aldeias não tinha chefe. A arte é realmente a expressão de uma época. Eram pinturas sobre a caça. O auge do abstracionismo é fazer quadrado. Com o tempo mais estável eles passam a ter uma vida sedentária. ao acaso. elas permaneceram até hoje. A arte passa a ser feita do lado de fora na entrada das cavernas com o objetivo de serem vistas. Assim vão documentar para as vidas futuras o que a sua comunidade fazia. Eles acham que podem ser desenhos referentes a extra-terrestres. 18 metros de comprimento e 9 metros de largura. Eles então largavam tudo lá e escolhiam outro lugar. Começa a plantar. É a conquista do pré-histórico de sua capacidade de representar as três dimensões. É através do carbono 14 que se constata tudo da época pré-histórica. Obs. que seria a representação de mulheres grávidas. Não é mais uma magia propiciatória. quadrados. O homem será representado mais forte e mais alto do que a mulher. Começa o período neolítico. Os homens abandonaram a vida nômade. sem deixar espaço para andar.A caverna de Lascaux foi descoberta em 1940. vacas. Foi descoberta em 1879.

Vai pintar de uma forma muito esquematizada e muito pior que o homem paleolítico. cenouras e nozes. É a primeira mudança de estilo na história da arte. Acha-se que a primeira plantação foi feita na região Mesopotâmica indo depois para o resto da Europa. o porco e a cabra que abastecia de carne. Com certeza esse cultivo começou no oriente médio por causa do clima muito seco. Eram muito primitivos.: prato. cerimônias fúnebres. cevada. Vai acontecer uma revolução social. O 5 . Vai aparecer tudo. Eles faziam para dormir uma grande cama de cerâmica em formato de barco para segurar o calor. O sexo era um ato animal. A mulher fica em casa cozinhando. que é a natureza.O cantar era um ajuntamento de sons para cultivar os trabalhos coletivos do plantio e da colheita. A cerâmica cozida era feita mais no período neolítico. A cerâmica era super importante porque utilizavam-na para tudo. Eles guardavam as coisas nas cerâmicas porque elas conservam a quentura. tecendo e fazendo tarefas domésticas. O primeiro animal domesticado pelo homem foi o cão. Depois domesticou o boi. A mulher só poderia ter outro homem quando o dela morria. No período neolítico é que o homem podia ter quantas mulheres quisesse e a mulher não. Eles percebem que se derem as mãos e saírem cantando a colheita iria ser muito mais interessante. lentilhas. não ter essa colheita por causa de uma chuva de granizo ou de uma tempestade. símbolos sagrados. Eles cultivavam trigo. O homem passa de figurativo realista para a pintura geométrica.: “deus da colheita” Não tinha ainda a definição de uma mulher para um homem. Ex. de repente. A última animal a ser domesticado foi o cavalo porque eles se alimentavam dele. A arte neolítica dá um passo atrás pintando da mesma forma que a criança pinta hoje. artística econômica e política. Ex. Ele percebe que tem uma coisa que domina e toma conta dele. era fiel. Vão aparecer as primeiras esculturas dos “deuses”. sepultamento. alguma a coisa a mais que é dono de tudo isso e que precisa tomar cuidado. benéfico ou maléfico. ervilhas. Ele percebe que a colheita não depende dele. Uma das coisas muito interessantes do homem pré histórico é quando ele toma consciência da dependência que vivia do bem e do mal. mas de alguma coisa além dele. linho. ajudá-lo. Uma das atividades artísticas mais importantes do neolítico é a cerâmica. Restaram apenas pedaços dessas peças e muitos desenhos desse período neolítico documentando isso tudo. Vão surgir também mitos. Começa então a surgir a religião para protegê-lo. A partir da consciência desse ser vai surgir a necessidade da crença e do culto. Depois da cerâmica é que vai surgir a madeira. Ele percebe que quem rege o destino do solo é a natureza. e feito na posição (por trás) como os animais. uvas. amigo. Tudo é geometrizado e certinho. papoulas. Ele auxiliava na caça. leite e fibra para tecido. Passa a ser um ser social. Vai existir a cerâmica crua e cozida. Ele tem a concepção que existe um ser. O cavalo como besta de carga só vai aparecer na idade do bronze e como montaria só no final da idade do bronze quase na Idade Média. Ele pode cultivar e. As suas preocupações são outras. maçãs.

Os utensílios ficaram bem melhores. Somente depois na Idade Média é que o homem vai aparecer cozinhando. para finalizar. Uma grande descoberta sempre leva a outra grande descoberta. Essa liga possibilitou modelar uma infinidade de coisas. mais do que com a beleza. etc. Obs. Eles achavam que se o homem cozinhasse a comida seria uma comida envenenada. Não vai cozinhar comida. Eles passam a cozinhar a carne. Esses minérios derretidos formaram o bronze que quando esfriava endurecia rapidamente. É quando eles fazem rodas. E. Na hora de colher a colheita a mulher e os filhos participavam. e utilitárias para a época. Durante séculos o homem vai ser proibido de cozinhar. de repente. carros. no Barroco. quando estavam fazendo uma fogueira em um acampamento quando. não comendo mais carne crua e vão usar sal pela primeira vez. A idade do Bronze também foi descoberta por acaso. Os grandes cozinheiros vão ser na época de Luís XIV. No final da idade do bronze já não é mais considerado pré história. 6 . Vários pintores do século XX vão trabalhar em cima da história da arte primitiva. derreteram uma pedra que tinha cobre e estanho. O homem não cozinhava. O único homem que cozinhava era o mágico da tribo para ele fazer rituais. a Idade do bronze foi muito pobre artisticamente. é o caso de Picasso. A preocupação do homem na idade do bronze era em cima das descobertas técnicas.homem sai para o campo para caçar e fazer a plantação.

Era como se tivesse acabado o mundo. sepulturas..000 anos. somente a força da religião era que unia todas elas. O Museu do Louvre está lotado sobre as peças da cultura Mesopotâmica. Foi o local onde todos os povos como sumerianos. O sumeriano é o protótipo mais antigo das construções de dentro de casa. etc. A arte Egípcia teve poucas variações. etc. Em 1927 eles escavaram os montes e descobriram as cidades da Mesopotâmia. Foi chamada de “TORRE de BABEL”. Em 1927 os arqueólogos. só que eles não faziam como os egípcios que trabalhavam em pedras. Foi tão importante quanto o Egito. tinha força de lei. Tudo o que sabíamos sobre a Mesopotâmia era através da Bíblia. eles trabalhavam com adornos (que são tijolos pequenos de terra).C. babilônios. A Mesopotâmia foi uma civilização fantástica como a Egípcia. etc. no interior do Zigurat. Esse templo enorme que era equivalente a um prédio de 20 andares. pintar. Tinha também só uma porta com uma escadaria que conduzia o povo a subir para rezar lá em cima. dos sumerianos. ajudaram na construção. depois de muita procura. Os arqueólogos descobriram vários montes chamados tells (téus) e que tinham lá no fundo tinham a civilização. ou seja até 2. Com o passar do tempo essas construções não resistiram às mudanças e nada restou. As cidades eram independentes umas das outras. No interior tinha tijolos bem pequenos e coloridos. fenícios. Até a metade do século XIX pouco se sabia da Mesopotâmia. escravos e não escravos. a Mesopotâmia já era uma civilização. Nessa cidade tinha um templo fantástico todo branco. O culto aos deuses era muito forte. fenícios. Eles eram muitos povos como: caldeus. Cada povo falava uma língua.000 A. Os templos para os sacerdotes era a construção mais bem organizada. enquanto a arte da Mesopotâmia teve muitas.C. escrever. assírios. Situada no Oriente Antigo. Existia uma cidade chamada Uruqui. acharam a cidade de “Hur” que começou 5000 A. Durante 3.. surgindo aí a técnica dos mosaicos. etc. do lado de fora. na Mesopotâmia. ninguém se entendia.Tinham tesouros soberbos como os dos egípcios. Isso ocorre 5.000 A. todos os povos da Mesopotâmia fizeram as construções assim. os Sumerianos foram os primeiros a dominá-la. Todos tinham uma forma muito diferenciada de falar.MESOPOTÂMIA MESOPOTÂMIA: quer dizer em grego região entre os rios Tigre e Eufrates. A religião era magia. Havia. lindíssimo. Quando as civilizações européias ainda estavam na pedra polida. colocavam para secar e depois construíam palácios. 7 . Os rios Tigre e Eufrades inundaram toda a Mesopotâmia.C. Faziam tijolos pequenos um a um à mão. Os templos da Mesopotâmia que tinham esse formato chamavam-se Zigurat.. Todos. Foi o dilúvio que a Bíblia comenta. Entre os muitos povos que faziam parte da Mesopotâmia. foram convidados para construir esse templo imenso. Aparece Noé com seu barco e os animais para se salvar do dilúvio. onde estaria mais próximo de “deus”. os mosaicos.

500 A. prendendo as pessoas e fazendo atrocidades com elas. mármore. Era uma civilização tão rica quanto a do Egito. O que eles produziram de arte era somente ligado às guerras e aos reis. O azul era feito lápis-lasure. É um passo enorme da Humanidade. Eles chegaram a dominar o Egito e a Fenícia. Os acarianos vão aparecer em 3. Portanto a arte acariana é muito parecida com a arte sumeriana. chamada Zigurat para que as pessoas rezassem mais próximas de “deus”.3. especialmente para os sumerianos. eles pegavam um estilete em forma de cunha e gravavam na parede. 8 . Fizeram desses escravos os construtores das grandes cidades. A Mesopotâmia não ficou tão famosa porque o material usado nas construções não resistiu ao tempo por serem feitos de adobe (tijolinhos de pedra).000 A. O branco dos olhos era feito de conchas. É um povo interessante.C.C.. Os olhos eram enormes e bem expressivos.000 a 2. concha marítima. Dominam toda a Mesopotâmia e toda a Síria.) vai bater mais ou menos com os hieróglifos egípcios. grandiosa.000 A. A arquitetura era pomposa. estava no rosto e o corpo servia só de suporte. Eles copiam a arte sumeriana. Descobriram que por baixo dos “tells” (montes) existia uma civilização fantástica. guiados pelo rei Sargão. É por isso chamado de cunheiforme. Os assírios permaneceram na Babilônia de 1100 A. gigantescas. Vão acabar com o primeiro Império Babilônico. principalmente o caráter. A escrita da Mesopotâmia (3. Eram povos unidos só pela religião.C. A arte era feita para “deus”.: os Maias. gravadas ou esculpidas. O poder deles chegou até o Egito. bem feita. Para construí-las pegavam cidades inteiras. Tinha um curioso detalhe: a desproporção entre a cabeça e o corpo. cantarem. Isso acontece porque para o povo sumeriano. O que vai ter de diferente são as famosas “estrelas” ou “estelas” que são as pedras desenhadas. Vão implantar o terror na Babilônia. principalmente a escultura. a alma das pessoas.A invenção da escrita aparece na Mesopotâmia em +/. até 612 A. dando expressão de fé e serenidade. Kudurros eram os contratos feitos em pedra e escritos em cuneiforme. enquanto o corpo eles nem ligavam. Quando a argila estava mole. sendo que estes dois últimos não duraram com o tempo.C.. Relembrando: Vão construir uma torre na Babilônia. Eles utilizavam pedras. São guerreadores mas não são grandes artistas. Assur é uma cidade muito famosa.C. Assurbanipal era o guerreiro imperador. imperial. A Mesopotâmia fica hoje mais ou menos onde estão os países Irã. Iraque. gesso. Era uma cerâmica muito ruim. escreverem. Era como os contratos de doações de terras. Os sinais da escrita ao invés de serem desenhados. A escrita chamava-se cuneiforme por ser em forma de cunha. Eles só não acabam com a cultura babilônica pois vão adquiri-la através da forma deles pintarem. Obs. sendo completamente diferentes um do outro. e falarem. O material usado para fazer as esculturas era muito variado. Os assírios eram tremendamente guerreiros e tinham um exército muito poderoso.: A civilização mexicana aparece bem depois de Cristo. A cabeça era cuidadosamente elaborada. Ex. A fase histórica é praticamente a mesma. foram gravados na argila. A escultura era super importante.

embora 9 . 17 dormitórios de empregados e 7 banheiros. Isso também vai aparecer no Egito. O palácio do Sargão tinha 300 salas. 22 salas de recepção. 77 quartos. A cabala vai aparecer muito na Mesopotâmia e no Egito. Somente em Ninive é que Assurbanípal mandou fazer baixos relevos. trabalho forçado. Os egípcios ao contrário do que se pensa não só tinha os escravos como pessoas do próprio povo que ajudavam nas construções faraônicas. Eles utilizavam números cabalísticos como o 7 e o 14. Não acreditavam em outra vida. Tem um relevo famoso que é “A leoa ferida”. Não sobrou um monumento pronto. Eles colocam só os assírios como vencedores. Tem uma maquete no British Museum. Eles quase não pintavam. armazéns. lagos. O rei Sargão da Síria. 10 salas de tronos. Fizeram imensos tambores de cerâmica cheios de água para testar também a resistência das pessoas sob o sol fortíssimo com a água subindo. Sempre mostra o horror. Tinha o super harém com 7 preferidas. Tudo isso foi erguido em apenas 6 anos por causa do trabalho escravo.O assírio foi o pior povo da antigüidade. matança em massa. construiu um palácio com uma muralha. vai aparecer a primeira propaganda onde o rei sempre aparece vencendo e os povos caindo e morrendo. As outras 37 ficavam na expectativa de algum dia serem chamadas. auxiliando séculos mais tarde com esses conhecimentos. No grande Zigurat eles rezavam para que suas conquistas fossem sempre maiores. mortandade. Fizeram transplante de córnea. Muito do que sabemos vêm de pergaminhos desenhados. tortura. O Rei Sargão cultuava essa coisa do mal. cativeiro. Depois testavam a resistência sem dar comida e depois sem dar água também. mulheres passeando. músicos tocando. por ex. está no museu do Louvre e era do Palácio do Assurbanípal. Na arte assíria o que mais se destacou foi o relevo. No museu do Louvre você poderá ver esses relevos. principalmente. eles faziam relevo e arquitetura. Eles não escondiam essa crueldade.000 m2. Ele realmente ele vai colocar essa tranqüilidade através dos relevos de árvores frondosas. Na síria. Quando não resistiam mais substituíam por outros. celeiros. o que seria mais ou menos 10. O mal era que ajudava e não o bem. onde tudo parecia ser bem tranqüilo. Os assírios pegavam a população e testavam a resistência dos velhos e crianças para ver quem conseguiria ficar mais tempo sem comer. Tudo isso para estudarem a ciência. Deixaram tudo por escrito. Tinha 97 pátios. Essa muralha tinha sete portas e era ao redor do palácio medindo 300 hectares. A muralha tinha a altura de um prédio de 8 andares. Tinha um enorme harém com 37 camas. para seu descanso. A moradia dos monarcas eram obras arquitetônicas fantásticas só que construídas com tijolinhos de barro. Pegavam milhares de escravos até eles resistirem. somente o Zigurat. Nos próprios registros das esculturas é que constatam que eram guerreiros e cruéis.: pegavam 2 irmãos e arrancavam o olho de um para colocar no olho do outro. Ajudava os seus sacerdotes a cultuar o mal. Através dos escravos eles sabiam a resistência que eles precisavam ter. Não fazia o povo de escravo só para construir para eles. Nesse palácio eles faziam rituais para o demônio. pássaros. Essas 37 moças desse harém não eram as preferidas.

Quando eles casavam passava para o outro dedo anular da mão esquerda. amarela e branca. Daí a Babilônia vai ser mais uma vez a mais esplêndida cidade do Oriente. Em todos os museus do mundo você vai encontrar essas jóias. Foi o fim do esplendor da Babilônia. Eles vieram da Ásia e junto com os babilônios que ainda restavam eles destruíram os assírios e reconstruíram a Babilônia que é chamada depois de Néo-Babilônia. 10 . Eles obrigavam as mulheres a usar ouro. Tinha um platô na parte lateral. A flores e folhas eram da mesma cor. esmeralda. O rei é o vencedor e todo o resto da humanidade perdedor. As solteiras usavam um bracelete no braço.muitas vezes eles fossem os perdedores. Os jardins suspensos da Babilônia vão ser reconstruídos. Na realidade era uma tinta. misturando também com outras substâncias. inóspito. Todo homem e mulher casada tinham que usar nos pés e nas mãos. violeta. na época da Néo-Babilônia. Não era um cinto como o de castidade ainda. Depois é que vai surgir mais tarde a aliança. Aí começou o cinto da castidade. rei da Pérsia. e ouro vermelho que mandavam buscar no mundo inteiro. um grande colar e uma pulseira também na perna. Quando essas moças casavam elas passavam a usar somente o bracelete no braço com ouro de 2 tons sem rubis e esmeraldas. A única pintura que foi registrada da Mesopotâmia é a cidade de Ur. sendo portanto tiradas dos cintos. No patamar azul. Eles usavam uma substância vermelha que eles tiravam de uma árvore que hoje não existe mais. Tiravam o colar do pescoço porque elas não estavam mais presas aos pais e sim ao marido. quando os maridos saiam de casa para guerrear. os assírios foram destruídos pelos MEDOS (médos). Todos os povos tinham medo deles. Só na Idade Média é que surgiu o cinto de castidade do jeito que conhecemos. As pedras eram usadas só nas solteiras. Quando o homem era solteiro (mas noivo) ele tinha um grande anel no dedo anular. azul. eram distribuídas por vários patamares debaixo para cima. Quando Siro. onde eles plantaram grama e flores em um lugar completamente árido. Ex. Em UR eles gostavam tanto de ouro que faziam muita jóia usando também muito rubi. pois só hoje é que denominamos esmalte. feito também em ouro. O anel era tão grande que ocupava o dedo todo sem poder dobrá-lo. Em 612 A.C. ou outro motivo. bem mais tarde dominou a Babilônia. Tinha um sistema de irrigação no qual a água passava por todos os patamares. Após casar o marido é que representava as pedras preciosas. Ficava na unha por um ano. destruiu tudo com exceção do Zigurat por considera-lo um marco muito forte. Era uma árvore parecida com romã. era só apoiado no quadril e não tinham pedras preciosas. a folha e flor eram azuis também. Eram sete patamares. Era uma substância orgânica que eles maceravam até conseguir o vermelho. o caule. Os jardins da Babilônia eram feitos de flores de várias cores sendo que. graças a irrigação. Elas colocavam um cinto no quadril. Na Mesopotâmia é que vai aparecer o esmalte pela primeira vez. Mais tarde os judeus foram estudar como eles fizeram essa irrigação para resolver esse problema na terra deles. para indicar que o homem não estava em casa.

dependendo se estes eram bons ou não. Tinha uma fila de homens esperando porque o marido deixava toda a herança para a mulher e não para os filhos. mas não podiam ter nada. Todos esses povos de uma forma ou de outra eram guerreiros. A mulher não tinha direito sobre a herança enquanto o marido estava vivo. Obs. O homem viúvo não tinha que cumprir essa lei. Ela é que iria decidir se dava ou não a herança para os filhos.: Na antiga Babilônia é onde se encontra Saddam Hussein hoje. assírio.Quando ficavam viúvos tinham que pintar as unhas de preto. Essa lei vai vigorar todo o tempo na Mesopotâmia. Até 18 anos os filhos eram considerados crianças só podendo guerrear. qualquer um caldeu. as viúvas tinham que casar. As mulheres viúvas tinham que casar 3 meses depois que o marido morria. qualquer povo. 11 . A casta da Mesopotâmia.

que tornava as terras férteis graças às inundações periódicas. “rio deus”. Os Templos também são monumentos colossais. equilibrada e geométrica. os aspectos sociais. Dos lados tem dois dos maiores desertos do mundo Saara e Núbia. as cerâmicas.C. 12 .EGITO Tudo no Egito é feito para a eternidade. milênio. A alma do Egito era o Nilo. Nessas terras férteis eram cultivados os cereais. os trabalhadores interrompiam o trabalho agrícola quando grande parte da população estava disponível para as grandes construções. sendo uma arte simbólica e convencional. os mortos. os moldes belíssimos. Os mais pobres eram enterrados em uma vala comum. O Egito é uma espécie de oásis no centro de uma região desértica. São todos monumentos faraônicos e todos de pedra para durarem para a eternidade. Toda construção do Egito é feita de pedra proveniente das abundantes jazidas que existem no Egito. as armas. os tecidos. A arte e a ciência eram muito avançadas para a época. A arte egípcia é extremamente regular.C. Não podia existir nada fora do domínio do faraó ou dos sacerdotes. simétrica. Não tinha dinastias e nem faraós. anterior às dinastias dos faraós eram divididos em clãs familiares. do qual viviam muito da venda do ouro. E nas Pirâmides. A primeira civilização egípcia no 5o. Ela continuou depois. cereais. Era uma organização social simples. mas como civilização forte até 30 A. Ela começou mesmo como civilização em 5. e chegou ainda como civilização organizada egípcia até 30 A. quando surgem os faraós. É um vale estreito cheio de montanhas nos dois lados. Durante a época das inundações. mas sempre para os faraós ou pessoas da família dele. o Egito já estava totalmente com a civilização feita. econômicos. Só os sacerdotes ou amigos dos sacerdotes é podiam exercê-las. Quem vivia nos templos eram os ricos Sacerdotes e Faraós. O Egito tem sido considerado desde a mais remota antigüidade o berço da civilização. mas de todo o povo. culturais e religiosos eram o seguinte: O comércio. Enquanto a Europa era completamente bárbara. todo mundo se matando. especialmente o trigo que fazia daquele país no meio desértico o celeiro da antigüidade. as jóias eram todas concentradas no domínio real ou dos templos. A indústria da época como: manufatura de papiros. As Pirâmides e as Mastabas são túmulos onde residem os mortos. A arte é totalmente feita para a eternidade. A arte egípcia é toda dirigida para a religião. passando do Paleolítico para o Bronze. Após se formarem as dinastias. Os mestres gregos estudaram no Egito. Na arte egípcia sempre vai ser exaltado o sentimento de morte e eternidade.000 A. era exercido pelos faraós e seus funcionários. Não era só trabalho do escravo.C. A arte e civilização Egípcia duraram 40 séculos. O Egito foi dividido em Alto e Baixo. Para controlar as águas do Nilo foram erguidas obras hidráulicas de represamento e irrigação. As dinastias vão surgir depois desses grandes clãs.

Vejo Ra em suas manifestações. foi descoberto mais tarde. conheço a conduta das festas. até fazer hieróglifos. Toda pintura egípcia tem a lei da frontalidade. O artista tinha que saber mitologia e ser anônimo. No estilo egípcio existiam leis muito rigorosas que não podiam nunca ser mudadas. não podia criar nada. pintura. Elas tomavam banho de leite de cabra para ficarem bem brancas. O patrão tinha que ser maior que a esposa. joalheiros que faziam jóias fantásticas. sou um artista!” Ele se valorizava. lidar com tintas. Era uma demonstração de revolta. Sei toda a magia que pratiquei sem que nada me escapasse. o homem tinha que ser mais alto que a mulher. em hieróglifos. mas era um mero artista ignorado. A arte egípcia ficou 3000 anos sem mudar nada. Ficou 5. O artista tinha que aprender que sempre que fosse pintado o homem e a mulher. As mãos eles fazem sempre sobre o joelho. mais valiosa ela era. assim que o Egito começa a acabar a sua arte acaba também. Sou chefe de todos os segredos dos rituais cabalísticos. sobre uma pedra.000 anos sem mudar nada na escultura. A partir daí começa a decadência do estilo e arte Egípcia. braceletes. Nada do que se refere à esse assunto de magia me é oculto. sobre o que achava dele próprio como artista do novo império: “Conheço o segredos das palavras divinas. porque não era permitido. e os escravos que moravam em palhoças como se fossem animais. Um texto escrito por um artista. Quanto mais branca. Ninguém podia saber quem tinha feito o trabalho pois o artista não podia assinar. com cores. O egípcio tem uma mistura com preto. As regras passavam de geração a geração sem nenhuma renovação. sem exagero. Sou um artista excelente em minha arte. No Egito existiam escolas de arte cuja função era formar artistas. Existe um estilo egípcio tão forte que durante milênios não vai mudar nada. o Egito vale a pena enquanto arte e civilização. Um homem acima do comum por meus conhecimentos. É a lei do ver melhor. Até 30 A. É uma demonstração que o pintor estava insatisfeito. o olhar de alguém à seu auxiliar. Conheço a pose da mulher. Eles tinham uma espécie de feira. os filhos e os criados. prateleiras para vender ou trocar por comida. os braços e pés de perfil para melhor representar as características da pessoa. bebida. Depois vinham os trabalhadores do campo que tinham uma casa razoável..As habitações da classe média eram na periferia. conheço a flor. Existiam muitos ofícios no Egito: escultores que faziam esculturas em pedra e madeira. onde seria o Cairo hoje. conheço o amor. o que significava a força que a pessoa tinha. lei da frontalidade. Só que eles tinham que aprender tudo: anatomia. Mas o artista não podia passar disso. A arte egípcia estava tão ligada ao país que. anéis e miniaturas de jóias vistas só com lupa. Conhecia tudo. 13 . Os homens tinham que ter a pele mais escura que a da mulher. Os artistas tinham que aprender bem cedo o estilo. feitas de pedra e o telhado de palha.C. tronco de frente. Eles tinham paixão por pele clara.onde colocavam os produtos sobre as mesinhas. olho de frente. a postura de quem lança o arpão. o que quer dizer que sempre a figura humana vai ser representada com o rosto de perfil. etc.

Eles tinham uma obsessão pela imortalidade da alma. Acreditavam na vida eterna. os membros ( braços. eles sabiam que a pessoa que morria só ficaria contente se tivesse tudo o que tinha em vida e que gostasse junto com ele.Desde o começo da pré-dinastia a arte egípcia era completamente ligada à morte. Com o passar do tempo. Se esta fosse violada o faraó teria um outro corpo. algodão. Era uma continuação da vida terrena. Para evitar que fossem tocadas. A múmia depois de pronta nunca mais poderia ser vista e nem tocada. Os escravos e os trabalhadores não eram mumificados porque era muito caro fazer a mumificação. feito em pedra. É porisso que existia muita riqueza nos túmulos. estas iriam ser enterradas vivas junto com ele. só que com as mesmas necessidades terrenas. pernas) deixando só o tronco. Dentro da pirâmide o morto iria “ascender” para se encontrar com “deus”. surgindo com isso a mumificação. mas com as características do faraó. nas outras dinastias não era levado ninguém mais vivo para ser enterrado. só que um pouco mais idealizado. A mumificação era feita em toda casta do faraó. seria colocada na pirâmide e esta bem fechada. Daí eles costuram tudo novamente. Colocam uma solução de ácidos e sais aromáticos deixando o corpo banhado nisso por (+/-) 6 meses a 1 ano. Obs: No Vaticano tem uma múmia egípcia que está parte desenrolada podendo ver até a carne e um pouco do cabelo. Esta escultura sempre vai ter o rosto esculpido idealizado. também era colocado junto ao morto. para depois fechar a pirâmide. igual ao do faraó. O faraó era mumificado e em seguida colocado na pirâmide junto com as pessoas que gostava. Os egípcios levavam tudo aquilo que o morto gostava para o túmulo a fim de que a alma continuasse a gozar de tudo o que eles gostavam enquanto vivos. bonito. O corpo do morto não podia ser tocado. Elas iam com vontade pois significava uma honra. Para o egípcio a morte não é um acontecimento triste. na sua plenitude. Se ela fosse profanada a alma iria ficar sofrendo pelo resto da eternidade. Só depois é que tiram o corpo dessa solução e não se sabe como secavam esse corpo. Ex: Um faraó que ia ser enterrado e que gostasse de bailarinas. até nos ajudantes dele. Eles também esculpiam um outro corpo. Na mumificação era cortada a cabeça. é meramente uma transição para uma outra dimensão. etc. que ficava ao lado da múmia. Elas tinham que continuar casando com o filho. Eles acreditavam que a alma continuava a viver. Na realidade ninguém nunca mais conseguiu fazer mumificação. Jóias. A parte política e econômica do faraó era também muito importante para que a mulher do faraó desse continuidade. Eles acreditavam profundamente na imortalidade da alma. Depois eles montam tudo novamente e estará pronto para ser enterrado nas pirâmides. O faraó era convicto de que se a mulher dele fosse enterrada junto. ou o faraó com a filha. Nos primeiros 2 milênios iam todos juntos. Depois da mumificação não podiam mais tocar no morto pois a sua alma poderia ficar perambulando por milhares de séculos. ou outro parente. vivas. não daria continuidade a sua dinastia. de trapo. Eles não tinham a mesma concepção moral que nós temos. mais jovem. Eles limpam tudo o que tem dentro do tronco e enchem de bucha. roubadas e profanadas é que iriam ser colocadas em monumentos colossais que seriam as 14 . Ela então. comidas. Nas primeiras dinastias.

Quando descobriram a pirâmide de Quéops já não tinha mais nada dentro. Ela tem 121 metros de base e 60 metros de altura. Em todo o mundo aparece pirâmides feitas em épocas diferentes. Foi construída em Sacara. que é a primeira pirâmide dos degraus.” Algumas pirâmides eram fechadas no topo e outras abertas. etc. onde cada barcaça levaria 2 pedras amarradas embaixo da água para que ficassem mais leves. Essas pirâmides eram totalmente racionais. Os historiadores acham que a forma mais certa daquelas pedras chegarem seria através de barcos pelo Rio Nilo. só para proteger o faraó. pois já tinha sido violada. O túmulo é a pirâmide. Não existe nenhum elemento de ligação como o cimento ou argamassa para unir ou sustentar essas colunas de pedras nas pirâmides. A pirâmide é um tipo de construção que proliferou no Egito muito mais do que se pensa. Eles pensaram muito antes de construírem as pirâmides. que os franceses fizeram um buraco próximo à base. Hoje somente o raio lazer conseguiria deixar a superfície tão lisa. A etimologia da palavra pirâmide: É uma palavra de origem grega onde “piro” quer dizer fogo e “amid” quer dizer está no centro. na lateral.pirâmides. Quefrém e Miquerinos. Para esses blocos ficarem sobrepostos perfeitamente encaixados. tendo 146 metros de altura. fogo está no centro. Não tinha nenhuma gravidade. “O vértice da grande pirâmide corresponde ao polo e o perímetro do Equador. na planície de Gisé. no Egito (que hoje é o Cairo). Dois séculos depois foram construídas as famosas pirâmides de Quéops. a qual flutuou. na América do Sul. foi construída a primeira pirâmide. local onde foram construídas as pirâmides. Existem muitas portas falsas e corredores falsos que não levam a nada para. Após muitas pesquisas descobriram que em Maio a cada dois anos naquele local não tem gravidade. Está tudo perfeito até hoje. eles tinham que ser polidos de uma forma manual. Cada lado da pirâmide foi projetada para corresponder a curvatura de 1/4 do hemisfério norte.600. Na terceira dinastia. a base é do tamanho do “Maracanã”. até hoje não houve nenhum terremoto. Peru. Central. Não há um consenso de como foram construídas as pirâmides. é um altiplano rochoso (que não se mexe). Esse local onde existiam pedras se chamava Assuã. 15 . Esses blocos eram trazidos de uma região há 1000 km de distância. no Egito.000 blocos de granito e calcário. Na construção foram empregadas 2. Obs: Há 6 anos atrás saiu na Geográfica Universal. Na região não haviam pedras. Tem pirâmide na China. Desde 3500 A. Os blocos eram sobrepostos somente através de cálculos matemáticos absolutamente precisos.C. Gisé. Cada bloco pesa de 2 a 20 toneladas. Só que durante todos esses séculos nenhuma pedra foi encontrada no Rio Nilo. e a estátua do morto que era colocada ao lado da múmia é chamada hoje em dia de “o duplo”. na escala exata. isto é. A pirâmide de Quéops é a maior das 3. Onde hoje tem a famosa represa de Assuã. e deixaram cair uma ferramenta. e em alguns lugares da terra também. construção. México.

A pirâmide de Quéops tem uma força. que tudo que está localizado próximo num raio de 200 metros não morre. O que ficou de melhor está localizado perto das pirâmides. ela só aparece excepcionalmente. As janelas eram abertas para o pátio interno. faziam primeiro o esboço em pedras arenosas chamadas de ostrakas (porque a pedra parecia com uma concha). Se for colocado água quente sob o sol. A lua era o demônio para eles. era chapada. clara e um pouco de óleo de amêndoa. O azul era feito com o pó raspado do lápis lázure e misturavam também com goma arábica. Após secar colocavam a cor. 16 . sobre as esculturas dos deuses. A mitologia egípcia lida muito com o demônio. Esses templos foram construídos através de 3000 anos. A organização da iluminação inteira dos templos era um verdadeiro “mis en cène”. por assim dizer. A partir desse esboço eles elaboravam a obra definitiva sobre a parede. Primeiro eles faziam um reboco grosso sobre a parede. Uma distância como se fosse de São Paulo à Salvador. propositadamente. Até hoje as construções são um mistério. Estando no Cairo pega-se um avião às 5hs. O templo é do tamanho de Manhattan. Do outro lado do Nilo está o outro templo da rainha Hasétsud. Foi uma rainha poderosa que conseguiu unir o alto e o baixo Egito. A cor vermelha era dada pelo óxido de ferro. A pintura não tem nenhum efeito de luz e sombra. madeira. cores planas. uma energia. que estão dentro da pirâmide e que tem ligação com o sol. Todas tinham terraço com cobertura.Todas as 3 maiores pirâmides e as outras 70 que tinham no Egito já tinham sido violadas e roubadas. Nos templos egípcios a iluminação é importante porque vai haver uma abertura para passar a luz do sol somente no que for divino. cantando. Faziam com goma arábica e clara de ovo. são dois templos ligados entre si localizados na cidade de Tebas. 150 leitos para os maridos. não apodrece. O sol era o divino. As moradias descobertas próximas às pirâmides eram construídas em alvenaria e pedra. Tinha silos de cajal. esta ficará gelada. Os deuses que tem a ligação com a lua vão ser iluminados pela luz da lua. porque era feito para a eternidade. Os moradores passavam a noite no terraço tocando música. Pegavam um pincel fino feito de bambu e desenhavam no gesso ainda úmido. quase nada restou até hoje. Técnica da pintura Egípcia: Tudo o que os egípcios desenhavam. O palácio era fantástico. Na iluminação da arquitetura egípcia não há quase janela. A luz vai ser feita pela mão do homem. Ela era uma rainha faraó. ele é que vai deixar iluminar o que ele quer. Os historiadores acham que as pirâmides foram construídas através de montes de terra ao lado da construção para apoiar as pedras para serem erguidas. As construções civis perto das pirâmides. É um calor infernal. Eram todos de classe média. da manhã até Tebas. As esculturas estão sempre fechadas no escuro e só vão ser clareadas naquele momento quando a luz passa por aquela abertura. mumifica. muro. Elas não eram tão importantes quanto os templos. Não chovia nunca. depois passavam uma massa fina de gesso sobre o reboco. Depois das pirâmides o que existe de mais fantástico é Karnak e Luxor.

sandálias. A mulher realmente era muito bem conceituada na vida privada. Tinha mais de 200 pares de sapatos. Geralmente todos os obeliscos vão ser para comemorar algum feito político ou alguma homenagem que o faraó desejava celebrar. no meio daquele deserto. Ela era uma faraó muito poderosa que uniu o alto e o baixo Egito. E durante a noite eles tem outros buracos para passar a luz da lua. e com madeira para arrematar. Obs: O Shampoo apareceu no Egito para a Hatsepsut que tinha um cabelo muito feio (por ser descendente de preto). Tinham cremes feitos de leite de cabra. atingindo equivalente a um prédio de 10 ou 12 andares. em cima do que eles quisessem. que vem da palavra grega “obelos” que quer dizer coluna terminada em ponta. onde aparece pela primeira vez. mas era feito como precaução para o dia que chovesse. Ela foi sucessora do seu pai. 150 leitos para os seus maridos. Tinha câmaras frigoríficas embaixo com mais de 200 animais. Descobriram um shampoo e condicionador feito de papiro (que solta um sebo) e adicionaram flores para perfumar. mesmo sendo faraó. bois. de peruca. Teve mais de 7 maridos. 17 . O rei e a rainha apareciam abraçados. Todo o resto foi retirado. sem muita divisão. ou foram destruídos por terremotos. Existia entalhes para o escoamento de águas pluviais. Também tem um obelisco na praça Navona. feitos de mármore. Em Karnak 10 obeliscos foram destruídos. abatidos congelados em conservação. Só que lá não chovia. Hoje em dia quase em todos os países tem obelisco do Egito. Alguns maridos ela mandou matar e casou também com o filho dela. Os historiadores acham que construíam rampas de areia ao lado até chegar na altura. colocados sobrepostos sem andaime. não tinha andaime. só tem quatro obeliscos. etc. Os maridos dividiam as tarefas. Os buracos seriam as janelas com a função de projetar o canhão de luz . Eles eram altíssimos. Alguns foram levados por estrangeiros conquistadores. O faraó mandava fazer o obelisco de mandava deixar gravado o nome dele. O seu palácio fica no Vale das Rainhas. Existia muito pouca madeira. Tingiam o cabelo de Rena. Eles erguiam o obelisco quando ganhavam uma guerra como se fosse um troféu. Tem um obelisco muito bonito em Karnak. Isso é uma característica do antigo império. Viveu até mais ou menos 70 anos. Nunca foi compreendido como eles foram construídos. ou então o nome do deus a quem tinha dedicado o obelisco. na França. que foi feito em sua homenagem medindo 42 metros de altura e nele está escrito tudo sobre a sua vida. Muitas vezes aparece a rainha abraçando o faraó como se estivesse protegendo-o. Tinham sombra azul para os olhos e cajal para o contorno. no Egito. Tudo era muito sofisticado. Eles faziam buracos nas paredes. ou afundados em solo. Hoje .“o sol”. Quando Napoleão foi ao Egito ele pegou aquele obelisco de Karnak e Luxor e levou até a praça da Concórdia. Tomavam banho de leite para clarear a pele e a gordura era acondicionada em potes feitos de lápis lázure. A água do Rio Nilo vinha canalizada e quando chegava lá estava gelada conservando assim esses animais para o futuro da vida dela. para iluminar os outros deuses.Os gregos foram estudar a iluminação dos teatros com os egípcios. ou uma espécie de catapulta para erguê-lo. Era uma rainha que tinha Silos de Cajal. também para a pele. Os Obeliscos vão ser importantes no Egito. da rainha HATSEPSUT. cavalos.

São cenas domésticas. bonito. vai ter seu rosto muitas vezes esculpido. TUTANKAMON. deus do sol. Quando ele entrou na ante-sala com mais 3 britânicos e uns 20 egípcios. Em 1922 Haward Carter chegou perto do Cairo e descobriu um sepulcro. Ele não vai ser reverenciado como um deus. Antigamente isso jamais seria feito. Então ele vai mudar o seu nome para AQUENATON (onde sufixo aton é “deus do sol”) . Aminofis teve quase todas as filhas doentes. carruagens de ouro e prata. É a primeira tentativa do monoteísmo. livros dos mortos.Tinha ourives que só faziam jóias para as mulheres. A NEFERTITE. Esta arte vai ser de cunho realístico que vai durar por todo o reinado dele. era uma porta lacrada e ficou esperando naquela época por mais ou menos 18 meses por uma resposta em carta vinda de navio pois não havia avião naquela época. Chegou lá. de cabeça comprida e eram bem magras. Até ele chegar na última sala levou 6 anos cavando e descobrindo só maravilhas e riquezas. Era uma indulgência daquela época. Ele tinha uma cabeça bem comprida. se abraçando. Ele briga com os sacerdotes porque estes estavam ganhando dinheiro vendendo fórmulas.: Tem um filme que conta essa história “A maldição da múmia”(?). descobriram o maior sepulcro do século. Eles casavam muito entre parentes. Ele vai ser um revolucionário inovador que muita gente não vai gostar. Os filhos não tinham condições físicas de serem faraós. Então Amenofis IV disse que para ele só um deus era supremo o “ATON”. sucessor de AMINOFIS. até então nunca visto. prata. Vasos de 18 . ele e sua esposa ficassem bem natural nas esculturas. Vai mudar também a arte não querendo que sigam mais a lei da frontalidade. Tinha 2 estátuas de 2 metros de altura de ouro maciço. Muito metal. O parente mais próximo vai ser Tutankamon com 9 anos e que irá morrer aos 18 anos. E ele vai querer que o pintem sem idealizá-lo. Faziam muita coisa com formato de gato porque era um animal muito forte. Obs. esperto. teve que escrever para a Inglaterra para saber se podia abri-lo ou não. no colo. Ele conseguiu a permissão e abriu a porta. ouro. considerada “A BELA”. inclusive um rico trono de ouro. O homem egípcio usava brinco de argola na orelha. Só na antecâmara encontrou 700 peças. O rei. foi ser rei aos 9 anos de idade. somente no Novo Império. sem “endeusar” ou idealizar. Vai ser a única vez que poderá ser visto isso no Egito. Como ele era inglês. inscrições para a vida eterna. mas como um homem. Mostra a sua fragilidade humana. Ele disse que deus tem que ser só um. uma nova maneira de ser. Essas cenas em outros impérios eram consideradas um desrespeito com a família real e. Assim que ele morre tudo volta a ser como era. A religião estava virando um comércio. cheiroso para eles. Vai aparecer o FARAÓ AMENOFIS IV no novo Império que vai mudar completamente a religião e a arte. Faziam muita coisa para o cabelo e usavam muito pente. Vai querer que suas filhas. A mulher dele era belíssima e se chamava NEFERTITE. sendo pintado com bengala para se apoiar. misterioso. para ele. a corte e a rainha foram esculpidos de forma realista. Esse túmulo dele no Vale dos Reis foi a maior descoberta arqueológica do Egito. Vai ter um refinamento de etiquetas de como se portar socialmente. No Metropolitan tem uma escultura de um homem egípcio com uma argola na orelha e pendurado nela um gatinho. Não vai ser um faraó muito rico por ter sido faraó por pouco tempo. o respeito era mostrar a realidade como ela era.

A pintura de Karnak e Luxor é o auge da pintura Egípcia. Está no museu do Cairo. Ele foi o último a morrer. os mais importantes foram construídos por Ramsés e Amenofis. e 86 esculturas de aproximadamente 2 metros de altura cada ladeando a represa com um espaço entre elas de 1. mas uma pesquisa séria. Os gregos vão até o Egito para aprender sobre as construções. outros de doença que mais tarde foi constatado fungo (manchas na pele que degenerava o tecido) por ter ficado 5000 anos fechado. As colunas mais importantes do Egito são as de Karnak e Luxor. Levaram séculos para serem construídos e passava de faraó para faraó. É aqui que vai aparecer pela primeira vez no mundo as colunas. sucessor de Tutankamon. Haward Carter ficou muito rico e muita coisa foi para a Inglaterra. turquesa. perto da represa de Assuã. Ele é um grande arquiteto e tudo o que construía era o mais alto. os sacerdotes e a família toda. na lua cheia. magia. sendo a última de ouro maciço. como ocorria na Grécia. Começavam as pesquisas de sexo. Ele vai fazer uma avenida como uma via expressa.2 metros. a faraó. São esculturas todas em pedra. Muita coisa de coral. Teria mais ou menos 12 km. sexo de todas as formas. o faraó. Ao lado de Karnak e Luxor tinha um grande lago.5m de alabastro. Muitas vezes eles iam para Karnak e Luxor através do Nilo como se fosse uma imensa apoteose. O estudo dos deuses do bem e do mau era feito em Karnak e Luxor. Arcas repletas de roupas do tamanho de um container. O sarcófago. Ele é da época do Novo império e depois Baixa Época. Só quem podia entrar no templo de Karnak e Luxor eram os iniciados. Na busca de uma coisa que fosse melhor para eles. ou 27 semanas. A múmia real Tutankamon era protegido por 3 sarcófagos. é um grande faraó que vai ter uma grande autoridade imperial. Na primeira sala entrava o povo todo. RAMSÉS II. eles saíam e iam se limpar nesse lago. Lá eles ficavam trancados sempre (com números de final 7) como 17 semanas. onde ele após morto passearia até o seu túmulo. como uma busca ou necessidade de se saber tudo. na segunda sala o povo ficava do lado de fora e entravam só os iniciados e na terceira sala entravam os iniciados. Não são bacanais. Quase todos os túmulos. dependendo do que fossem fazer. após ficarem também um tempo em jejum. a múmia e algumas coisas ficaram no Egito. Estátuas de proporções gigantescas.1. Eles faziam até oferenda de crianças e de seus próprios filhos. Era uma época de esplendor da civilização egípcia. 90 % foram violados. Após tomar banho no lago eles deixavam a roupa suja lá e vestiam outra roupa branca. Karnak e Luxor são ricas em obeliscos. Todos da expedição morreram. Faziam testes de mistura de sangue. porque todos sabiam que tinha uma grande riqueza. 19 . Os valores morais eram outros. Eles entravam no templo como uma procissão. onde todos estavam trajados de branco. voltando novamente para o templo para dormir e no dia seguinte sairem de lá. Muita gente começou a morrer de maneira estranha. Depois de acabar toda essa reunião. Karnak e Luxor tem vários templos. Os dois templos mais importantes de Karnak e Luxor eram destinados aos deuses Amon e Rá e ligados entre si por uma monumental avenida.

Não deixaram a fórmula. Champollion. Aos poucos as formas artísticas passam a conviver cada uma com seu mundo próprio. Numa visão retrospectiva da história de civilização e da cultura que esse povo alcançou.. a Cleópatra.C. e o grego com aquele escândalo artístico. os médicos egípcios especializaram em realizar um trabalho de grande valor na descoberta de droga para dor e nas doenças.C. Tudo o que eles fizeram foi para a eternidade. fizeram um calendário solar. a química. Surge então esculturas híbridas com rosto grego e corpo egípcio. A ruptura final da tradição egípcia cultural. vão quebrar quase tudo o que existia aí e na Grécia. Ele vai fundar. Eles desenvolveram a matemática. que são a grega e a egípcia. Na medicina. Aí vai aparecer o Marco Antônio. pois “Cristo” é um só deus. como essas pinturas. vindo da Macedônia. único. com toda a sua beleza.C. o fim do Egito como civilização. a astronomia. um mapa dos céus. Estes brigam com os gregos e com os egípcios. a cidade de Alexandria.. Elas nos falam da glória de uma nação de um povo que não queria morrer. porém para “Mali”. É a tentativa de uma coexistência entre o estilo egípcio que é próprio. vai ocorrer no IV século da nossa era quando o Cristianismo está no auge. Depois dos persas chegam os gregos chefiados por Alexandre Magno. mostra o legado para o mundo futuro. como na organização política e social. Quando o Cristianismo chega para valer no IV século. Eles não vão aceitar nenhum outro deus. Vão lutar com Cleópatra e ela vendo que vai perder pega uma cobra venenosa deixando-a picar e morre. sábio francês.Depois da morte de Ramsés II começa a chamada Baixa Época. 20 . o faraó. vão acabar todos os templos egípcios. Tinham uma espécie de antibiótico que era quase que a penicilina nossa. até 30 A. consegue decifrar os hieróglifos e com isso ele vai permitir que a arqueologia dê um salto fantástico no século XIX. elas parecem que possuem vida. Entre 332 A. Hoje só ruínas restaram. esculturas que estamos costumadas a ver. última dos Ptolomeus suicida-se depois de ser derrotada pelos romanos. A escultura grega vai ser independente da escultura egípcia. os gregos permanecem no Egito. tanto nas artes e nas ciências. No século XIX. É o primeiro grego que chega a reinar o trono Egípcio. Alexandria vai ser o encontro das culturas ocidentais e orientais. Cleópatra em 30 A. à beira do Mediterrâneo. O Egito foi a primeira nação a centralizar os poderes do Estado em uma só pessoa. No setor cirúrgico as maiores conquistas deles foram fantásticas. quando o Egito vai ser dominado pelos persas. assírios e aí nunca mais durante toda a antigüidade o Egito voltará a ser uma nação tão importante e independente como era. como por exemplo a mumificação que foram se aperfeiçoando durante milênios. mas que infelizmente morreu.

No Egito acontecia exatamente o oposto. Os antigos gregos. excelência. Esses templos famosos eram como se fossem esculturas para eles. Foi nessa civilização que surgiu OMERO. O grego dava muito valor ao Homem. estamos nos referindo a Grécia e Roma e nunca ao Egito. Nenhuma outra Nação no mundo teve tão forte devoção pela liberdade e uma crença tão firme nas realizações humanas. Os gregos glorificavam o homem como a mais importante criatura do universo. Platão falou o seguinte sobre os templos: “O templo deverá ser um ponto visto à distância e em aberto. E. moderação e proporção. A essência do Helenismo era. Os gregos exaltavam a razão de uma forma tal que eles conseguiam superar a fé. social e cultural. simplesmente e sem adornos. ICTINOS. Os deuses gregos tinham feições humanas porque a beleza estava na forma do ser humano. SÓCRATES. Vamos usar o termo “estilo clássico” quando se quer dizer de beleza. PITÁGORAS (dizem que ele deu o nome de “filosofia” à filosofia). pelos costumes ou pela religião deles. na realidade. 21 . é o lema do grego que quer ver tudo claramente. “Nada em excesso”. As casas não eram importantes porque eles não tinham reis e nem governantes. nas Acrópoles (que quer dizer acima das cidades).ARTE GREGA O termo “clássico” surgiu na Grécia. A arquitetura grega é a mais familiar de todas para nós do que qualquer outra arquitetura de qualquer época no mundo. O grego. Fizeram magníficos prédios. é o que realmente vai refletir o espírito do homem ocidental. Os Templos eram fantásticos e super importantes. tanto a escultura quanto a arquitetura encarnavam os ideais de harmonia. ordem. para protegerem as estátuas dos deuses. As casas não tinham a menor pretensão de serem muito suntuosas. proporcional. PLATÃO (que escreveu “A República”). É uma verdadeira elevação à virtude. Os gregos dividiram a humanidade em duas partes: os “Helenos” que eram os habitantes da Grécia e os outros eram chamados de “Bárbaros”. ao amor e ao prazer de ver”. Eles recusavam a se ajoelhar diante de deus porque o homem era considerado mais importante. quando se fala em “antigüidade clássica” . bem feito. O “homem” de hoje é o Grego.seja pelo idioma grego que falavam. E é por causa disso que existem tantos deuses. ARISTÓTELES. se sentiam diferentes dos outros povos. PÉRICLES e muitos outros para quem o homem era a medida para todas as coisas. Os gregos não procuravam nem o paraíso e nem o inferno. Os deuses tinham que ter a forma humana. FIDIAS. O homem é o centro de todas as coisas e do universo. A partir do homem você constrói tudo. e sempre construídos em locais elevados acima das cidades. chamados “templos”. Tudo muito bem organizado. significando “nada em excesso”. Por conseqüência. entre todos os povos do mundo antigo.

Enquanto a arte egípcia é uma arte ligada ao espírito. A estética vai aparecer aqui. dos quais o mais importante é o Partenon de Atenas.Ordem Jônica . As colunas sustentavam um entablamento horizontal formado por três partes: a arquitrave. e a democracia. que era o caminho da virtude. Sendo a mais antiga das ordens arquitetônicas gregas. A característica mais evidente dos templos gregos é a simetria entre o pórtico de entrada e o dos fundos. O capitel era uma almofada de pedra. também. mas seres inteligentes e justos que se dedicavam ao bem-estar do povo. Um exemplo típico é o Teatro de Epidauro. através da arte. para os atores.Ordem Dórica . . a konistra ou orquestra. amor pela beleza. Na sua constante busca da perfeição. pois os seus reis não eram deuses. essa pequena criatura que é “a medida de todas as coisas”. a arte grega liga-se à inteligência. para o coro. interesse pelo homem.o capitel era formado com folhas de acanto e quatro espirais simétricas. O fuste da coluna era monolítico e grosso. empresta uma idéia de solidez e imponência . construído. de um modo a variar e enriquecer aquela ordem. a ordem dórica.representava a graça e o feminino. o friso e a cornija. Os principais monumentos da arquitetura grega: a) Templos. se encontram as Cariátides homenageavam as mulheres de Cária. Eles tem como características: o racionalismo. Ele tinha que ver só beleza. no 22 .era simples e maciça. Contemplando a natureza. jônica e coríntia. O templo era construído sobre uma base de três degraus.Ordem Coríntia . A coluna apresentava fuste mais delgado e não se firmava diretamente sobre o estilóbata. o artista grego cria uma arte de elaboração intelectual em que predominam o ritmo. por sua simplicidade e severidade. .O Grego tinha que se maravilhar com tudo. b) Teatros. o artista se empolga pela vida e tenta. que eram construídos em lugares abertos (encosta) e que compunham de três partes: a skene ou cena. na Grécia. A ordem dórica traduz a forma do homem e a ordem jônica traduz a forma da mulher. nela se expressa o pensamento. ARQUITETURA As edificações que despertaram maior interesse são os templos. a harmonia ideal. Sugere luxo e ostentação. Nascida do sentir do povo grego. para os espectadores. A arte grega volta-se para o gozo da vida presente. O capitel era formado por duas espirais unidas por duas curvas. mas sobre uma base decorada. exprimir suas manifestações. O degrau mais elevado chamava-se estilóbata e sobre ele eram erguidas as colunas. o equilíbrio. As colunas e entablamento eram construídos segundo os modelos da ordem dórica. Na Acrópole. muito usado no lugar do capitel jônico. o koilon ou arquibancada.

Os vasos gregos são também conhecidos não só pelo equilíbrio de sua forma. O maior pintor de figuras negras foi Exéquias. além do equilíbrio e perfeição das formas. Esse tipo de estátua é chamado Kouros (palavra grega: homem jovem). o antropomorfismo . No Período Arcaico os gregos começaram a esculpir. d) Praça . em rigorosa posição frontal. etc. Primeiramente aparecem esculturas simétricas. composto por 55 degraus divididos em duas ordens e calculados de acordo com uma inclinação perfeita. grandes figuras de homens. esses vasos eram usados para armazenar. . azeite e mantimentos. . Por isso.C.(derivado de ydor. servia para misturar água com o vinho (os gregos nunca bebiam vinho puro). 23 . ao ar livre. Chegava a acomodar cerca de 14. Na escultura. o movimento. mas também pela harmonia entre o desenho. PINTURA A pintura grega encontra-se na arte cerâmica. Além de servir para rituais religiosos. vinho.Ânfora . água. As pinturas dos vasos representavam pessoas em suas atividades diárias e cenas da mitologia grega.vasilha em forma de coração. em mármores. edifícios destinados à cultura física. com o peso do corpo igualmente distribuído sobre as duas pernas.000 espectadores e tornou-se famoso por sua acústica perfeita. com o corpo em forma de um sino invertido.foi insuperável. com o gargalo largo ornado com duas asas. As estátuas adquiriram. entre outras coisas.tinha a boca muito larga..Cratera . IV a. as cores e o espaço utilizado para a ornamentação. uma vertical para segurar enquanto corria a água e duas para levantar.esculturas de formas humanas . água) tinha três asas. A pintura grega se divide em três grupos: 1) figuras negras sobre o fundo vermelho 2) figuras vermelhas sobre o fundo negro 3) figuras vermelhas sobre o fundo branco ESCULTURA A estatuária grega representa os mais altos padrões já atingidos pelo homem. entre eles.séc.Hidra .Ágora onde os gregos se reuniam para discutir os mais variados assuntos. c) Ginásios. filosofia. a sua forma correspondia à função para que eram destinados: .

C. Música: Significa a arte das musas. mas de grupos de figuras que mantivessem a sugestão de mobilidade e fossem bonitos de todos os ângulos que pudessem ser observados. Realizou toda a decoração em baixos-relevos do templo Partenon: as esculturas dos frontões. celebrado pela graça das suas esculturas. pois no período arcaico. . Foi Lisipo que introduziu a proporção ideal do corpo humano com a medida de oito vezes a cabeças.Praxíteles. Surge o nu feminino. pela lânguida pose em “S” (Hermes com Dionísio menino).Lisipo. métopas e frisos. se começou a usar o bronze que era mais resistente do que o mármore. talvez o mais famoso de todos. Atenéia: deusa da guerra. . para isto.Miron. em honra a Zeus.Policleto. Os primeiros jogos começaram em 776 a. autor do Discóbolo .condutor da lança. e Atenéia. as figuras de mulher eram esculpidas sempre vestidas. foi o primeiro artista que esculpiu o nu feminino. Entre as mais famosas: Édipo Rei de Sófocles. Período Helenístico podemos observar o crescente naturalismo: os seres humanos não eram representados apenas de acordo com a idade e a personalidade.Fídias. Olimpíadas: Realizavam-se em Olímpia. entre os gregos a lira era o instrumento nacional. . O grande desafio e a grande conquista da escultura do período helenístico foi a representação não de uma figura apenas. 24 . entre outros. Para seu conhecimento: Mitologia: Zeus: senhor dos céus. autor de Zeus Olímpico. As festas olímpicas serviam de base para marcar o tempo. sua obra-prima.No Período Clássico passou-se a procurar movimento nas estátuas. autor de Doríforo . Apolo: deus das artes e da beleza. Os principais mestres da escultura clássica grega são: . mas também segundo as emoções e o estado de espírito de um momento.homem arremessando o disco. cada 4 anos. podendo fixar o movimento sem se quebrar. . Posseidon: deus das águas. Teatro: Foi criada a comédia e a tragédia. representava os homens “tal como se vêem” e “não como são” (verdadeiros retratos). Afrodite: deusa do amor. criou padrões de beleza e equilíbrio através do tamanho das estátuas que deveriam ter sete vezes e meia o tamanho da cabeça.

* energia e sentimento. foi concluída no Império de Otávio Augusto. 2) Comércio e civismo: Basílica A princípio destinada a operações comerciais e a atos judiciários. iniciada no governo de Júlio César. piscina. termas. e a da greco-helenística. o de Saturno. as termas eram o centro social de Roma. a basílica Julia. As mais famosas são as termas de Caracala que. 4) Divertimentos: a) Circo: extremamente afeito aos divertimentos. esse templo romano. de acordo com as funções: 1) Religião: Templos Pouco se conhece deles. anfiteatro. pórticos e jardins. orientada para a expressão de um ideal de beleza. para tribunal e leitura de editos. já com o Cristianismo. Dos jogos praticados temos: 25 . * originais: urbanismo.ARTE ROMANA A arte romana sofreu duas fortes influências: a da arte etrusca popular e voltada para a expressão da realidade vivida. ARQUITETURA As características gerais da arquitetura romana são: * busca do útil imediato. * predomínio do caráter sobre a beleza. a basílica servia para reuniões da bolsa. A basílica apresenta uma característica inconfundível: a planta retangular. passou a designar uma igreja com certos privilégios. com sua planta circular fechada por uma cúpula. eram centro de reuniões sociais e esportes. (de quatro a cinco mil metros) dividida em várias colunatas. cria um local isolado do exterior onde o povo se reunia para o culto. vias de comunicação. 3) Higiene: Termas Constituídas de ginásio. construído em Roma durante o reinado do Imperador Adriano foi planejado para reunir a grande variedade de deuses existentes em todo o Império. além de casas de banho. As construção eram de cinco espécies. foi de Roma que se originou o circo. realçando a idéia de força. Mais tarde. Os mais conhecidos são o templo de Júpiter Stater. O Panteão. Um dos legados culturais mais importantes que os etruscos deixaram aos romanos foi o uso do arco e da abóbada nas construções. senso de realismo. * grandeza material. Para citar uma. o da Concórdia e o de César.

Esse anfiteatro de enormes proporções chegava a acomodar 40. c) Anfiteatro: o povo romano apreciava muito as lutas dos gladiadores. jogos de Tróia . Portanto. com seu característico friso em espiral que possui a narrativa histórica dos feitos do Imperador em baixos-relevos no fuste. que foram soterradas pela erupção do Vesúvio em 79 a. 26 . ginásios . O mais famoso deles é o arco de Tito. 6) Moradia: Casa Era construída ao redor de um pátio chamada Atrio. na verdade eram meias colunas. Os estudiosos da pintura existente em Pompéia classificam a decoração das paredes internas dos edifícios em quatro estilos. certamente o mais belo dos anfiteatros romanos. construído no Forum Romano para comemorar a tomada de Jerusalém.000 pessoas sentadas e mais de 5. PINTURA O Mosaico foi muito utilizado na decoração dos muros e pisos da arquitetura em geral. que ficavam dentro dos arcos.000 em pé.jogos circenses . Pois a palavra anfiteatro significa teatro de um e de outro lado.incluídos neles o pugilato.C. os verdadeiros jogos circenses romanos só surgiram pelo ano 264 a.executados por cavaleiros conduzidos por escravos.corridas de carros. b) Teatro: imitado do teatro grego. A maior parte das pinturas romanas que conhecemos hoje provém das cidades de Pompéia e Herculano. Dos circos romanos. b) Coluna Triunfal: a mais famosa é a coluna de Trajano.aquele em que havia torneios a cavalo. Sob a influência grega. pois ficavam presas à estrutura das arcadas. o mais célebre é o "Circus Maximus". não tinham a função de sustentar a construção. Essas lutas compunham um espetáculo que podia ser apreciado de qualquer ângulo. giratórios e retiráveis. Externamente o edifício era ornamentado por esculturas. que dava impressão de placas de mármore. 5) Monumentos decorativos a) Arco de Triunfo: pórtico monumental feito em homenagem aos imperadores e generais vitoriosos. Foi erguida por ordem do Senado para comemorar a vitória de Trajano sobre os dácios e os partos. Primeiro estilo: recobrir as paredes de uma sala com uma camada de gesso pintado. Tinha cenários versáteis. Essas colunas. todo em mármore. Assim era o Coliseu.C. jogos de escravos . mas apenas de ornamentá-la. O principal teatro é o de Marcelus. ordem jônica e ordem coríntia). e por três andares com as ordens de colunas gregas (de baixo para cima: ordem dórica.

geralmente cópia de obra grega. ESCULTURA Os romanos eram grandes admiradores da arte grega. tornar-se-ão essenciais para medir a ampliação das primeiras igrejas cristãs. a estatuária romana teve seu maior êxito nos retratos.perde o domínio do seu vasto território do Ocidente para os invasores germânicos. formando um grande mural. como fizeram os gregos. Terceiro estilo: representações fiéis da realidade e valorizou a delicadeza dos pequenos detalhes. Mais realista que idealista. adotando soluções de clara matriz decorativa. imitando um cenário teatral. mas por temperamento. Por serem realistas e práticos. Nos séculos seguintes. Era o começo da decadência do Império Romano que. As cores vivas e a possibilidade de colocação sobre qualquer superfície e a duração dos materiais levaram a que os mosaicos viessem a prevalecar sobre a pintura.Segundo estilo: Os artistas começaram então a pintar painéis que criavam a ilusão de janelas abertas por onde eram vistas paisagens com animais. 27 . Com a invasão dos bárbaros as preocupações com as artes diminuíram e poucos monumentos foram realizados pelo Estado. os masaístas chegaram a resultados onde existe uma certa parte de estudo direto da natureza. Quarto estilo: um painel de fundo vermelho. Retratavam os imperadores e os homens da sociedade. aves e pessoas. V precisamente no ano de 476 . tendo ao centro uma pintura. MOSAICO Partidários de um profundo respeito pelo ambiente arquitetônico. eram muito diferentes dos gregos. no séc. suas esculturas são uma representação fiel das pessoas e não a de um ideal de beleza humana.

o imperador Constantino legaliza o cristianismo. mas também a todos aqueles que aceitaram sua condição de profeta e acreditaram nos seus princípios. a pintura é simbólica.Nesses locais. Os cristãos foram perseguidos por três séculos. Tanto os gregos como os romanos. o qual marcou uma nova era e uma nova filosofia. Para entender melhor a simbologia: Jesus Cristo poderia estar simbolizado por um círculo ou por um peixe. Outra forma de simboliza-lo é o desenho do pastor com ovelhas "Jesus Cristo é o Bom Pastor" e também. Eram edifícios com grandes dimensões: um plano retangular de 4 a 5 mil metros quadrados com três naves separadas por colunas e uma única porta na fachada principal. muito utilizado pelos gregos e romanos. 28 . utilizando imagens do Antigo e do Novo Testamento. dando início à 2a fase da arte paleocristã : a fase basilical. pois a palavra peixe. lugar civil destinado ao comércio e assuntos judiciais. Os romanos testemunharam o nascimento de Jesus Cristo. Jonas engolido pelo peixe e Daniel na cova dos leões. os romanos cederam algumas basílicas para eles pudessem usar como local para as suas celebrações.Com o surgimento de um "novo reino" espiritual. Passagens da Bíblia também eram ali simbolizadas. onde os primeiros cristãos secretamente celebravam seus cultos.C. foi o material escolhido para o revestimento interno das basílicas. forma as iniciais da frase: "Jesus Cristo de Deus Filho Salvador". cemitérios subterrâneos em Roma. Esse tratamento artístico também foi dado aos mausoléus e os sarcófagos feitos para os fiéis mais ricos eram decorados com relevos usando imagens de passagens bíblicas. o cordeiro "Jesus Cristo é o Cordeiro de Deus". O mosaico. que recebe este nome devido às catacumbas. Esta perseguição marcou a primeira fase da arte paleocristã: a fase catacumbária. o poder romano viu-se extremamente abalado e teve início um período de perseguição não só a Jesus. até que em 313 d.ARTE PALEOCRISTÃ Enquanto os romanos desenvolviam uma arte colossal e espalhavam seu estilo por toda a Europa e parte da Ásia. adotavam um modelo de edifício denominado "Basílica" (origem do nome: Basileu = Juíz) . os cristãos (aqueles que seguiam os ensinamentos de Jesus Cristo) começaram a criar uma arte simples e simbólica executada por pessoas que não eram grandes artistas. nos arredores de Roma.Surge a arte cristã primitiva. por exemplo: Arca de Noé. em grego ichtus. Com o fim da perseguição aos cristãos. Ainda hoje podemos visitar as catacumbas de Santa Priscila e Santa Domitila.

. marca o fim da Idade Antiga e o início da Idade Média). até que.Honório ficou com o Império Romano do Ocidente. Já o Império Romano do Oriente (onde se desenvolveu a arte bizantina). 29 . O império Romano do Ocidente sofreu várias invasões. apesar das dificuldades financeiras. o Novo e a de São Vital com riquíssimos mosaicos. dos ataques bárbaros e das pestes.Na cidade de Ravena pode-se apreciar o Mausoléu de Gala Placídia e a igreja de Santo Apolinário.. com a capital Constantinopla (antiga Bizâncio e atual Istambul). 476 d. tendo Roma como sua capital .. quando a sua capital Constantinopla foi totalmente dominada pelos muçulmanos (esta data. em 476 d. principalmente de povos bárbaros. 1453. foi completamente dominado(esta data. e Arcádio ficou com o Império Romano do Oriente.C. o imperador Teodósio dividiu o Império Romano entre seus dois filhos: Honório e Arcádio. conseguiu se manter até 1453. marca o fim da Idade Média e o início da Idade Moderna).c. Em 395 d.C.

e. o mosaico bizantino em nada se assemelha aos mosaicos romanos. começou a invasão dos povos bárbaros e que levou Constantino a transferir a capital do Império para Bizâncio. elas eram planejadas sobre uma base circular. Apresenta pinturas nas paredes. O mosaico é expressão máxima da arte bizantina e não se destinava apenas a enfeitar as paredes e abóbadas.Por volta do século IV. facilitou a formação dos Reinos Bárbaros e possibilitou o aparecimento do primeiro estilo de arte cristã . são confeccionados com técnicas diferentes e seguem convenções que regem inclusive os afrescos.Tal método tornou a cúpula extremamente elevada. depois batizada por Constantinopla.O regime era teocrático e o imperador possuía poderes administrativos e espirituais. por exemplo. criando-se prédios enormes e espaçosos totalmente decorados. afasta o gosto pela forma e conseqüentemente a escultura não teve tanto destaque neste período.Plasticamente.Arte Bizantina. ladeando a Virgem Maria e o Menino Jesus. mas instruir os fiéis mostrando-lhes cenas da vida de Cristo. sugerindo. a perspectiva e o volume são ignorados e o dourado é demasiadamente utilizado devido à associação com maior bem existente na terra: o ouro. Toda essa atração por decoração aliada a prevenção que os cristãos tinham contra a estatuária que lembrava de imediato o paganismo romano. octogonal ou quadrada imensas cúpulas. tanto que se convencionou representá-lo com uma auréola sobre a cabeça. Neles. sentimentos de universalidade e poder absoluto. rico tanto na técnica como na cor.A mudança da capital foi um golpe de misericórdia para a já enfraquecida Roma. dos profetas e dos vários imperadores. era o representante de Deus. A Igreja de Santa Sofia (Sofia = Sabedoria). 30 .O que se encontra restringe-se a baixos relevos acoplados à decoração. projetada pelos arquitetos Antêmio de Tralles e Isidoro de Mileto. por associação à abóbada celeste. ao clero cabia. organizar também as artes.ARTE BIZANTINA O cristianismo não foi a única preocupação para o Império Romano nos primeiros séculos de nossa era. Grécia e do Oriente. além das suas funções. foi um dos maiores triunfos da nova técnica bizantina. não raro encontrar um mosaico onde esteja juntamente com a esposa. colunas com capitel ricamente decorado com mosaicos e o chão de mármore polido. ela possui uma cúpula de 55 metros apoiada em quatro arcos plenos. cidade grega. A arte bizantina está dirigida pela religião. Graças a sua localização(Constantinopla) a arte bizantina sofreu influências de Roma. A arquitetura das igrejas foi a que recebeu maior atenção da arte bizantina. tornando os artistas meros executores. na hoje Istambul. as pessoas são representadas de frente e verticalizadas para criar certa espiritualidade. A união de alguns elementos dessa cultura formou um estilo novo.

resplandece a grande cúpula. 31 . pois. logo sucedeu-se um período de crise chamado de Iconoclastia. nos países eslavos.E essa arte extravasou em muito os limites territoriais do império.Constituía na destruição de qualquer imagem santa devido ao conflito entre os imperadores e o clero. a maior igreja de Constantinopla. sobre um solo de mármore.Porém.um claro-escuro admirável quando os raios de sol penetram e iluminam o seu interior". bordada em filigrama de sombras dos candelabros suspensos. mosaicos e afrescos. UM POUCO MAIS DE SANTA SOFIA "A verdadeira beleza de Santa Sofia.Um olhar mais atento permite ao visitante ver o trabalho requintado dos artífices bizantinos no colorido resplandecente dos mosaicos agora restaurados. folhas de acantos envolvem o monograma de Justiniano e de sua mulher Teodora. penetrando. no mármore profundamente talhado dos capitéis das colunas das naves laterais. encontra-se no seu vasto interior. por exemplo. Embora a igreja tenha perdido a maior parte da decoração original de ouro e prata.A arte bizantina teve seu grande apogeu no século VI.No alto. A arte bizantina não se extinguiu em 1453. há uma beleza natural na sua magnificência espacial e nos jogos de sombra e luz . capital do Império Bizantino. a arte daquelas regiões onde ainda florescia a ortodoxia grega permaneceu dentro da arte bizantina. durante a segunda metade do século XV e boa parte do século XVI. durante o reinado do Imperador Justiniano.

no Iraque. as decoraram. Índia. A casa de Maomé era local de reuniões para oração. o profeta Maomé se exilou (hégira) na cidade de Yatrib e para aquela que desde então se conhece como Medina (Madinat al-Nabi. Norte da África e Espanha. enquanto no pátio estavam as fontes para as abluções. esmola. sob a orientação dos califas. na função de governantes e guardiães do povo e conscientes da importância da religião como base para a organização política e social. Síria. cidade do profeta). mausoléus e mosteiros. transformandoos em seus próprios sinais de identidade. a arte islâmica foi na realidade. como exclusividade das classes altas e dos príncipes mecenas. eles realizavam suas obras para a comunidade de acordo com os preceitos muçulmanos: oração. Na complexidade de sua análise. De lá. Ásia Menor. a Cúpula da Roca. a arquitetura sagrada não manteve a simplicidade e a rusticidade dos materiais da casa do profeta. começou a rápida expansão do Islã até a Palestina. De origem nômade. sucessores do profeta. No entanto. e a Grande Mesquita de Damasco. As letras lavradas na parede lembram o neófito. Ao fazer isso. e os esplêndidos tapetes persas. os muçulmanos demoraram certo tempo para estabelecer-se definitivamente e assentar as bases de uma estética própria com a qual se identificassem. persistiu a 32 . No entanto. concentrando-se no geométrico e abstrato. Pérsia. que no entanto souberam adaptar muito bem ao seu modo de pensar e sentir. combinados com os coloridos mosaicos. ARQUITETURA As mesquitas (locais de oração) foram construídas entre os séculos VI e VIII. mais simbólico do que transcendental. A área de oração era coberta. desde seu início. seguindo o modelo da casa de Maomé em Medina: uma planta quadrangular. Essas funções foram herdadas por mesquitas e alguns edifícios públicos.ARTE ISLÂMICA No ano de 622. hospital e refúgio para os mais pobres. Foi assim que as cúpulas bizantinas coroaram suas mesquitas. a arte islâmica se mostra. com um pátio voltado para o sul e duas galerias com teto de palha e colunas de tronco de palmeira. resultado da combinação de traços ornamentais com caligrafia. inevitavelmente devem ter absorvido traços estilísticos dos povos conquistados. centro político. Daí o emprego de formas como os arabescos. A representação figurativa era considerada uma má imitação de uma realidade fugaz e fictícia. no início. que desempenham duas funções: lembrar o verbo divino e alegrar a vista. No âmbito sagrado evitou-se a arte figurativa. que contempla uma obra feita para deus. Aparentemente sensual. Contudo. que eram os únicos economicamente capazes de construir mesquitas. sendo exemplo disso as obras dos primeiros califas: Basora e Kufa. em Jerusalém. jejum e peregrinação. conceitual e religiosa.

era ele quem realmente projetava o edifício. As numerosas variações locais mantiveram a distribuição dos ambientes. era o antigo minarete da cidade. o palácio tinha aspecto de fortaleza. embora se comunicasse com a mesquita por meio de pátios e jardins. Outra das construções mais originais e representativas do Islã foi o minarete. que permite cobrir o quadrado com um círculo. Diferentemente da tecedura dos tecidos. O aposento mais importante era o diwan ou sala do trono. O geômetra era tão importante quanto o arquiteto. Os fabricados antes do século XVI chamam-se arcaicos e possuem uma trama de 80 000 nós por metro quadrado.preocupação com a preservação de certas formas geométricas. com animais e plantas. De planta quadrangular e cercado de muralhas sólidas. de caça. convidando-os à oração. Entre os desenhos mais clássicos estão os de utensílios. as escolas de teologia. em Granada. como povo nômade. e Palermo. já que o muçulmano. em Sevilha. brocados e tapetes passaram a decorar palácios e castelos. esses eram os únicos materiais utilizados para decorar o interior das tendas. de decoração. embora não tenha existido um modelo comum. Seus palácios eram planejados num estilo semelhante. Tabriz e Isfahan. À medida que foram se tornando sedentários. castelos e demais edifícios públicos merece um capítulo à parte. de motivos florais. não deve ficar em contato com a terra. Outras construções representativas foram os mausoléus ou monumentos funerários. Exemplo disso é o Alhambra. TAPETES Os tapetes e tecidos desde sempre tiveram um papel muito importante na cultura e na religião islâmicas. no Oriente. como o quadrado e o cubo. as sedas. enquanto o segundo controlava sua realização. A Giralda. mas nem sempre conservaram sua forma. As oficinas mais importantes foram as de Shiraz. As mesquitas transferiram depois parte de suas funções aos edifícios públicos: por exemplo. As residências dos emires constituíram uma arquitetura de segunda classe em relação às mesquitas. Os mais valiosos são de origem persa e têm 40 000 nós por decímetro quadrado. A cúpula de pendentes. Na realidade. semelhantes às mesquitas na forma e destinados a santos e mártires. e os geométricos. semelhantes àquelas na forma. Para começar. ao rezar. além de cumprir uma função fundamental nas mesquitas. uma espécie de torre cilíndrica ou octogonal situada no exterior da mesquita a uma altura significativa. para que a voz do almuadem ou muezim pudesse chegar até todos os fiéis. no Ocidente. a do tapete constitui uma unidade em si mesma. A construção de palácios. 33 . foi um dos sistemas mais utilizados na construção de mesquitas. pensados como um microcosmo e constituíam o hábitat privativo do governante.

segundo o lugar. mais utilizada a partir do século XII e que atingiu o esplendor na Espanha. onde foram criadas peças de uso cotidiano. semelhantes às antigas. bizantina e inclusive chinesa. como no cristianismo. mas sim nas publicações de divulgação científica. muito poucas chegaram até nossos dias em bom estado de conservação. 34 . O estilo era um tanto estático. Elas eram geralmente usadas para decorar paredes de palácios ou de edifícios públicos e representavam cenas de caça e da vida cotidiana da corte. combinando com a decoração de gesso das cúpulas. calculados com base na simbologia numérica islâmica. Estreitamente ligada à pintura. para tornar mais claro o texto. tornando-se uma das disciplinas mais importantes na decoração de mesquitas e palácios. Caligrafias de incrível preciosidade e formas geométricas multiplicadas até o infinito criaram superfícies de verdadeiro horror ao espaço vazio. encontra-se a arte dos mosaicistas. até se transformarem em folhas e flores misturadas com letras desenhadas artisticamente.PINTURA E GRÁFICA As obras de pintura islâmica são representadas por afrescos e miniaturas. a fim de marcar a organização do texto. Seu estilo era semelhante ao da pintura helênica. e nas literárias. sofresse uma grande influência indiana. Ela foi herdada de Bizâncio e da Pérsia antiga. A miniatura não foi usada. o que é conhecido como arabesco. mas paulatinamente foram se abstraindo. junto com a cerâmica. as representações eram completamente figurativas. para acompanhar a narração. separando um capítulo de outro. por exemplo. com fundo dourado e ausência de perspectiva. O Corão era decorado com figuras geométricas muito precisas. cobriam as paredes internas e externas dos edifícios. A mesma função desempenhava a cerâmica. No início. complexos desenhos multicoloridos. esquematizado. muito parecido com o das miniaturas bizantinas. Das primeiras. Assim. embora. para ilustrar livros religiosos.

* torres. não apresenta formas pesadas. é um estilo essencialmente clerical. * pilares maciços que sustentavam e das paredes espessas. trazendo modificações no comportamento humano. ARQUITETURA No final dos séculos XI e XII. surge a arte românica cuja a estrutura era semelhante às construções dos antigos romanos. A arte desse período passa. que aparecem no cruzamento das naves ou na fachada. com o Cristianismo a arte se voltou para a valorização do espírito.ARTE ROMÂNICA Em 476. o terreno cedeu. com a tomada de Roma pelos povos bárbaros. Elas são sempre grandes e sólidas. Na Itália. Deus é o centro do universo e a medida de todas as coisas. com o passar do tempo. Trata-se da Torre de Pisa que se inclinou porque. tinha poderes ilimitados. * aberturas raras e estreitas usadas como janelas. A mais famosa é a Catedral de Pisa sendo o edifício mais conhecido do seu conjunto o campanário que começou a ser construído em 1. As características mais significativas da arquitetura românica são: * abóbadas em substituição ao telhado das basílicas. diferente do resto da Europa. A concepção de mundo dominada pela figura de Deus proposto pelo cristianismo é chamada de teocentrismo (teos = Deus). A primeira coisa que chama a atenção nas igrejas românicas é o seu tamanho.174. duras e primitivas. Daí serem chamadas: fortalezas de Deus. A igreja como representante de Deus na Terra. A explicação mais aceita para as formas volumosas. estilizadas e duras dessas igrejas é o fato da arte românica não ser fruto do gosto refinado da nobreza nem das idéias desenvolvidas nos centros urbanos. Na Idade Média a arte tem suas raízes na época conhecida como Paleocristã. assim a ser encarada como uma extensão do serviço divino e uma oferenda à divindade. Os valores da religião cristã vão impregnar todos os aspectos da vida medieval. e * arcos que são formados por 180 graus. na Europa. 35 . tem início o período histórico conhecido por Idade Média.

ausência de movimentos naturais. O colorismo realizou-se no emprego de cores chapadas. conheceu seu auge na época do românico. A pintura românica desenvolveu-se sobretudo nas grandes decorações murais. que originalmente era uma técnica de pintar sobre a parede úmida. Imitação de formas rudes. que colocadas lado a lado vão formando o desenho. através da técnica do afresco. de vários formatos e cores. é originária do Oriente onde a técnica bizantina utilizava o azul e dourado. sem preocupação com meios tons ou jogos de luz e sombra. Usado desde a Antigüidade. é sempre maior do que as outras que o cercam. As características essenciais da pintura românica foram a deformação e o colorismo. Na porta. por exemplo. a área mais ocupada pelas esculturas era o tímpano. para representar o próprio céu. 36 . traduz os sentimentos religiosos e a interpretação mística que os artistas faziam da realidade. na verdade. pois não havia a menor intenção de imitar a natureza. a Igreja recorria à pintura e à escultura para narrar histórias bíblicas ou comunicar valores religiosos aos fiéis. A deformação. curtas ou alongadas.PINTURA E ESCULTURA Numa época em que poucas pessoas sabiam ler. pequeninas pedras. Os motivos usados pelos pintores eram de natureza religiosa. Não podemos estudá-las desassociadas da arquitetura. MOSAICO A técnica da decoração com mosaico. nome que recebe a parede semicircular que fica logo abaixo dos arcos que arrematam o vão superior da porta. isto é. A figura de Cristo.

que leva de 200 a 300 anos. A forma de vê-la é fragmentada. Tanto a Catedral Gótica quanto o Templo Grego tem uma arquitetura fantástica. O Gótico Francês é bem diferente do Gótico Italiano. A Catedral Gótica é para o homem rezar dentro. Ao ser construída a Catedral Gótica. é como uma gaiola de vidro e de pedras. enquanto que os templos gregos horizontais. Para ver a Catedral de Notre Dame devemos começar a vê-la de frente. Em 1840 ao redor da Catedral de Notre Dame existia muitas casas medievais que foram retiradas ao seu redor para que ela fosse vista melhor de longe. Inglês. Vai surgir uma coisa fantástica na Idade Média que são as Catedrais Góticas. O peso das paredes cedem o lugar aos vitrais. até o fundo. Espanhol. A Catedral vai ser vertical que é para “levar” você para o céu. mas já começaram a aparecer as primeiras mudanças que conduziram a uma revolução profunda na arte de projetar e construir grandes edifícios. O templo grego é só para ser visto. as cidades começam a nascer ao seu redor devido ao número grande de pessoas que trabalham na construção.ARTE GÓTICA O termo Gótico vem da palavra GODOS que vem de Bárbaros.: A Basílica da Catedral é renascentista. para o lado direito e por último atravessar o rio Sena pela ponte para vêla do outro lado No século XII. A arte Gótica vai nascer com as cidades. tem início uma economia fundamentada no comércio. O Renascimento classifica de “bárbaros” os Góticos. O gótico. A idade Média é a época do Gótico. A cidade de Chartres nasceu com as pessoas que foram chegando e morando ao redor da catedral. Ele são muito diferentes entre si. em seu esplendor. A catedral Gótica é muito grande e não dá para abrangê-la com um só olhar. entre os anos 1150 e 1500. É quase que uma visão cubista. Isso faz com que o centro da vida social se desloque do campo para a cidade e apareça a burguesia urbana. Obs. No começo do século XII. Português. indo depois para o lado esquerdo. As Catedrais Góticas vão ser verticais. CARACTERÍSTICAS DO ESTILO ROMÂNICO: As paredes são grossas Na frente da Catedral românica tem rosáceas (foi quando começou a surgir as rosáceas) Tem vitrais Não tem frontão 37 . dando leveza à construção. a arquitetura predominante ainda é a românica.

Outros elementos característicos da arquitetura gótica são os arcos góticos ou ogivais e os vitrais coloridíssimos que filtram a luminosidade para o interior da igreja. exercendo a função de ilustrar os ensinamentos propostos pela igreja. alongamento exagerado das formas. de modo geral. ILUMINURA Iluminura é a ilustração sobre o pergaminho de livros manuscritos (a gravura não fora ainda inventada. ou então é um privilégio da quase mítica China). os manuscritos também eram encomendados por 38 . Enquanto. A arquitetura expressa a grandiosidade. O Gótico que é do ano de 1100 DC. somente na Europa. Nessa época as Américas não tinham sido descobertas. ESCULTURA As esculturas estão ligadas à arquitetura e se alongam para o alto. como se vê nas pontas agulhadas das torres de algumas igrejas góticas. a igreja românica apresenta um único portal. projetando-se na direção do céu. As catedrais góticas mais conhecidas são: Catedral de Notre Dame de Paris e a Catedral de Notre Dame de Chartres. não vai existir na América.. O desenvolvimento de tal genero está ligado à difusão dos livros ilustrados patrimônio quase exclusivo dos mosteiros: no clima de fervor cultural que caracteriza a arte gótica. A rosácea é um elemento arquitetônico muito característico do estilo gótico e está presente em quase todas as igrejas construídas entre os séculos XII e XIV. ARQUITETURA A primeira diferença que notamos entre a igreja gótica e a românica é a fachada. tudo se volta para o alto. a igreja gótica tem três portais que dão acesso à três naves do interior da igreja: a nave central e as duas naves laterais.CARACTERÍSTICAS DO ESTILO GÓTICO: Tem que ter rosácea Contraforte (é o que segura a Catedral) Arcobotante Gárgulas Janelas vitrais (muitos vitrais) O vitral é fundamental pois vai surgir quando eles descobrem uma técnica de colocar o vidro no meio da parede de pedra não prejudicando a sustentação do prédio. a crença na existência de um Deus que vive num plano superior. demonstrando verticalidade. e as feições são caracterizadas de formas a que o fiel possa reconhecer facilmente a personagem representada.

.a característica principal do seu trabalho foi a identificação da figura dos santos com seres humanos de aparência bem comum. ocupando sempre posição de destaque na pintura. E esses santos com ar de homem comum eram o ser mais importante das cenas que pintava. os títulos ou as letras maiúsculas com que se iniciava um texto. * Jan Van Eyck . XIV e no início do século XV. Assim. Os principais artistas na pintura gótica são os verdadeiros precursores da pintura do Renascimento (Duocento): * Giotto . que vai cada vez mais se firmando até ganhar plenitude no Renascimento. cobertos por muita roupa. apresentava personagens de corpos pouco volumosos. PINTURA A pintura gótica desenvolveu-se nos séculos XII. em direção ao plano celeste. Nota-se em suas pinturas um cuidado com a perspectiva. a pintura de Giotto vem ao encontro de uma visão humanista do mundo. com o olhar voltado para cima.procurava registrar nas suas pinturas os aspectos da vida urbana e da sociedade de sua época. que seus trabalhos acabaram influenciando outros pintores. quase sempre tratando de temas religiosos.particulares. Ao realizar essa tarefa. procurando mostrar os detalhes e as paisagens. a arte ganhou forma de expressão também nos objetos preciosos e nos ricos manuscritos ilustrados. quando começou a ganhar novas características que prenunciam o Renascimento. Sua principal particularidade foi a procura o realismo na representação dos seres que compunham as obras pintadas. É precisamente por esta razão que os grandes livros litúrgicos (a Bíblia e os Evangelhos) eram ilustrados pelos iluministas góticos em formatos manejáveis. deixavam espaços para que os artistas fizessem as ilustrações. Durante o século XII e até o século XV. Os copistas dedicavam-se à transcrição dos textos sobre as páginas. Da observação dos manuscritos ilustrados podemos tirar duas conclusões: a primeira é a compreensão do caráter individualista que a arte da ilustração ganhava. Obras destacadas: O Casal Arnolfini e Nossa Senhora do Chanceler Rolin. os cabeçalhos. Obras destacadas: Afrescos da Igreja de São Francisco de Assis (Itália) e Retiro de São Joaquim entre os Pastores. aristocratas e burgueses. pois destinava-se aos poucos possuidores das obras copiadas. 39 . a segunda é que os artistas ilustradores do período gótico tornaram-se tão habilidosos na representação do espaço tridimensional e na compreensão analítica de uma cena.

facilitando a divulgação e o trabalho. Com o advindo da imprensa.C. Tinham que escrever muitas cópias para fazerem uma divulgação. No regime feudal existia a troca de serviços e mercadorias. Auge do Egito (esfinge. Shakespeare .Shakespeare. Expressão implica consciência daquilo que é expresso. 1 A. APOGEU ----------------------------------------------------------------------------------------------------------40. sem roupa. Passa a ter mais consciência da importância de seu trabalho. Vai sair do regime feudal da Idade Média. 40 . O Renascimento ocorre entre 1400 e 1600 D. Era muito trabalhoso. Renascimento é expansão.RENASCIMENTO “OUSO TUDO QUE UM HOMEM PODE OUSAR.C. QUEM OUSAR MAIS DO QUE ISSO NÃO O É” Lord Macbeth . a 1100 D. A frase acima significa que tudo tem limites.000 A. Anteriormente as coisas eram mais faladas do que escritas. com a linguagem muito diferente. através da imprensa que Gutemberg criou e que permite mandar a informação para o mundo inteiro. Teria o mesmo significado da descoberta da existência de um planeta habitado. Auge da Pré-história 3500 a 2500 A. Emancipação: O trabalhador passa pela primeira vez a ser assalariado. Expressão é uma coisa impressa. que passa a ser muito mais valorizado. expressão e emancipação.pai do renascimento.C. nada a ver com civilização. 1400 a 1600 D.C. praticamente sem organização social.C. 350 A. a máquina vai fazer milhares de cópias.C. É o começo do renascimento quando o homem descobre que tem de ser ousado.C. Expressão: É a invenção da imprensa por Gutemberg. Quando todo mundo tinha uma civilização super organizada na Europa e o homem descobre outro mundo com pessoas primitivas. Expansão: É quando o homem descobre a América.C. já que era muito complicado escrever. mas respeitando os limites. pirâmide) Grécia Clássica ou de Péricles -Construção do Parthenon na Acrópoles Roma Gótico Renascimento 40 D. É lógico que a visão do mundo e da arte foi modificada.

Não inventavam e não criavam nada. estagnada. na Alemanha). O homem passa a ser o centro de todas as coisas e não mais “deus”. anatomia. nada impede que essa criação de Deus seja feita à serviço da humanidade. O “homem” renasce. como ela reage. várias línguas. O homem tinha horror à natureza pois viviam muito mal. É neste momento que surge o conceito do individualismo. que surgirá no futuro. que perdura até hoje. que surge a arte de todos os pintores do mundo. As construções eram demoradas porque não tinham uma tecnologia desenvolvida. Todas as invenções e criações eram feitas em função daquela Igreja. é único. da mesma forma que os gregos faziam. A Idade Média estava muito parada. É um renascer em cima da Grécia Antiga. Durante a Idade Média “Deus” era poderoso e distante. Quando construíam uma Catedral Gótica ficavam 200 anos ao redor daquela Catedral para a sua construção. será uma escola que fará o trabalho em cima do Renascimento (1929. 41 .C. é para melhor aproveitá-la às necessidades do homem. O Renascimento começou em Florença. Vai mudar muito a relação do homem com a natureza. “Deus” existe. O renascimento vai criar uma “nova concepção do homem”. As pessoas morriam de frio e dormiam mal com as casas de madeira. da vontade de mudar a humanidade. O homem tem que entender de literatura. recomeçar. Até agora a natureza não era valorizada. No Renascimento. Viviam muito em função da Igreja. na Itália. É uma necessidade de uma mudança de ver e sentir. porque estão baseados na cultura Grega. renascer. mas as pinturas dos pintores famosos que encontramos nos museus começaremos a conhecer a partir daqui. do homem possuidor de direitos inalienáveis. Surge da Idade Média onde o homem não tinha nenhum valor. Vão aparecer os “Humanistas”. As cidades pegavam fogo.Renascimento é um renovar. mas posso conversar com ele. da antigüidade. Essa busca do conhecimento das leis da natureza. O mundo passa a ser encarado criação de “Deus”. período muito forte. Vai procurar saber sobre a natureza.. pois as casas eram feitas de madeira. Não é o saber pelo saber pela essência como na antiga Grécia. de uma disposição de espírito. A escultura e pintura nós conhecemos desde a Grécia. é o saber para poder usufruí-la melhor. etc. ela passa a ser valorizada. Renascimento é o resultado de um impulso universal. Mas. A medida que a natureza se transforma em uma coisa digna de ser usada. A BAUHAUSS. Tudo isso pode assistido no filme “O nome da Rosa”. É no Renascimento. homens que conhecem tudo profundamente e que jamais serão especialistas. Não impede que Deus sirva à humanidade. No Renascimento a ciência liga-se às técnicas e às artes. renova-se e religa-se. Depois se alastrou por toda Europa Ocidental dominando o mundo completamente entre 1400 a 1600 D. Platão vai ser muito importante para eles. O “especialista” é o homem do século XX. A ciência liga-se à técnica e à arte.

De repente. ao chegar à Igreja. o quadro “Adão” que está na Capela Sixtina. é o símbolo do Renascimento. onde ela deixa de ser natural ao copiar o corpo humano e aperfeiçoá-lo. Vão estudar a água. Não existia o natural por que a Igreja não permitia. o que existia de melhor. As pessoas posavam. As figuras dos santos eram postas uma do lado da outra para que o povo. sem movimento e vestidos completamente. mas complementá-los. apresentando depois uma queda e voltando a aparecer em finais do século XX. Ninguém fazia quadro para ser pendurado em casa. eles percebem que a natureza pode ajudar muito. quando vão desenhar o corpo realmente como ele é. E vão estudar uma série de coisas que até agora não tinham estudado. pudesse reconhecê-los facilmente. Essa pintura não podia existir na Idade Média. vai surgir por volta do século XX. Passam a pintar a natureza nos quadros porque vão valorizá-la e adequar-se à ela. As esculturas das igrejas eram um protótipo do que seriam os “santos”. A natureza era uma coisa muito nefasta. Vão estudar o vento dando o surgimento dos moinhos de vento. o qual se ergue perante Deus. É um renovar em cima da Antigüidade. Os santos eram duros. Em Estética da Arte: a arte pode ser idealizada ou verdadeira (em meados séc. Homens importantes do Renascimento: Giotto Michelangelo Leonardo da Vinci Raphael Ticciano Tintoretto Dante Alighieri Botticelli Colombo Gutemberg Vasco da Gama Bosch William Shakespeare (por volta de 1600. A arte verdadeira. Era uma arte totalmente sacra. sem nenhuma vergonha do seu corpo nu e Deus está apontando com o dedo quase à sua imagem e semelhança. A arte era feita de uma forma que a leitura fosse muito acessível. Era uma história montada.Em locais muito ensolarados as pessoas morriam de calor. 42 . XX). no Renascimento. Para Mali. Eles não vão imitar os antigos. sem imitá-la. A arte idealizada é aquela que nós vimos na Grécia. no final) A arte passa a ser naturalista. Até o Renascimento as pessoas não pintavam nada naturalista. pintado por Michelangelo. aparecendo as represas. mas o estilo é renascentista. Esta obra é o momento em que Deus aponta para o homem que está deitado no chão. Vão se basear nas melhores idéias dos antigos. As pessoas não sabiam ler.

Giotto consegue pintar expressando os sentimentos através dos gestos. Até hoje pintamos baseados no Renascimento. Giotto é que vai receber pela primeira vez na História da Arte o nome “Pintor”. Ao redor de 1394 a peste negra acabou com quase toda a população Toscana (Florença é na região de Toscana). A peste matou quase todos os banqueiros. Giotto foi o primeiro artista dentro da História da Arte que aparece sendo chamado como “PINTOR”. As condições para o aprimoramento na arte já estavam criadas. ainda poderá parecer uma pintura dura. que até então não faziam. os escultores já tinham criado um novo estilo depois do gótico. da Idade Média e Renascentistas. do olhar. O aspecto mais importante era o pintor conseguisse pintar fielmente a figura real. No Museu Metropolitam. vinho ou fruta. a crise financeira foi muito forte. os “Médicis” eram os mais importantes. As cidades onde as primeiras pinturas “acadêmicas” vão aparecer serão Siena e Florença. mas a pintura não. dentre todas as artes do ocidente. um pouquinho idealizada. O estilo que chamamos de Sienês (de Siena) chegou até o século VX (1400) e custou muito a aceitar o estilo renascentista. Ninguém fazia isso. Giotto foi contemporâneo do grande poeta Dante Alighieri que escreveu “A Divina Comédia”. marceneiros. Ele conseguiu iniciar um novo capítulo na História da Arte se impondo na profissão de pintor e sendo respeitado por isso. Um desses importantes pintores é GIOTTO. com essa peste. até então (entre 1400 e 1500). as massas em pouquíssimo tempo controlaram o poder em Florença. Um dos banqueiros mais importantes era o “Bardi”. A pintura ainda era bizantina.Começaram a perceber que o homem podia pintar a natureza tal qual ela se apresenta. pão. 43 . A cidade de Pádua é a que oferece as melhores obras de Giotto para serem vistas. No século XV Florença lançou as bases da pintura Européia dos cinco séculos seguintes. foi a que mais demorou para se afastar dos moldes antigos (bizantinos) da Idade Média. Pouco a pouco tornaram-se “senhores de Florença”. Dante Alighieri se refere ao Giotto na “Divina Comédia” como o “meu amigo pintor Giotto”. Florença era uma cidade muito rica e. que ao ir a bancarrota. Começa aí a pintura acadêmica que nos referimos. Quando dava uma festa ele pedia que o convidado levasse uma ave. É uma profissão que sobe de nível na hierarquia social. que pintou muito À FRESCO em busca de um realismo. Em 1400 o poder voltou de novo aos banqueiros e desta vez. são grandes acadêmicos que fazem a arte exatamente igual a natureza. Em “off”: Dizem que ele era “super pão-duro”. Eram homens ricos que gostavam de beleza e vão investir em arte. As soluções da pintura foram amadurecendo aos poucos. Os pintores até então eram considerados como alfaiates. Para nós hoje. Leonardo da Vinci e outros. mas comparada com o que existia anteriormente na Idade Média era muito mais expressiva e solta. Os arquitetos. Pré Renascimento: A pintura. é importante comparar as pinturas Pré-renascentistas.

O resto do mundo vai copiar essa Cúpula de Brunelleschi. Foi o iniciador da arquitetura da renascença que vai permanecer por mais 500 anos. Raphael vai ser aprendiz do Perugino. a pintura Flamenga Renascentista foi muito importante. A pintura com tinta a óleo era fantástica por permitir ao pintor que pudesse corrigir os erros.Os irmãos VAN EYKES pertencem à pintura FLAMENGA (de Flandres que é hoje a Bélgica). um dos maiores arquitetos de todos os tempos. Ele era ambicioso e queria ser muito conhecido. quando bolou a grande Cúpula da Catedral de Florença que vai ficar para o resto da vida. etc. A arquitetura Renascentista: BRUNELESCHI. Escola Renascentista funcionava assim: Todo grande pintor. Nasceu na cidade de Urbino. Giovani de Santi que era muito amigo do grande pintor Perugino. Quando ele aparece. Eles pintavam admiravelmente bem. e suas obras podem ser vistas hoje nos Museus. arquiteto. O Médicis compraram muita obra do pai de Raphael. Por ser pintor estimulou o filho a ser pintor também. 44 . Obs. O pai de Raphael era um medíocre pintor. escultor. Ele foi para Roma estudar estudar o Pantheon antigo. Eles pintavam o ar. mas que vendia bem. Quase todos os dicionários falam que eles foram os inventores da pintura à óleo. A cúpula do Pantheon tinha muita sustentação. Até 1900 vai ser usada essa Cúpula. Eles estão enterrados em Brujes. : Raphael está enterrado no Pantheon. RAPHAEL DE SANTI nasceu em 1483 e morreu em 1520. era quase Gótica e Brunelleschi vai simplificar essa estrutura criando um novo eixo. mas na verdade eles descobriram que um padre italiano tinha descoberto a fórmula da tinta mas que estava faltando um aglutinante. É bom lembrar que junto com o Renascimento. abria um grande atelier. porque foram os inventores da pintura à óleo. muito badalado na época. vai apresentá-lo a seu filho. Pintavam em paredes ou em madeiras para poderem transportar. Os irmãos VAN EYKES vão descobrir esse aglutinante que era “o óleo de amêndoas”. Os italianos vão copiar a fórmula. a Cúpula da Catedral de Florença não tinha sido construída. Essa Cúpula é anterior ao ano de 1500. Uma região com paz e prosperidade. Os irmãos Van EYKES descobrem que a luz também é muito importante. Eles romperam com tudo. Itália. A pintura flamenga vai reinar em Florença. que se chamava Giovani de Santi. Michelângelo vai se basear na Cúpula de Brunelleschi para fazer a Basílica de São Pedro. na Itália. a luz “condicionados ao momento”. Na realidade eles só aprimoraram a fórmula. o belíssimo “Domus”. encáustica. Volta para Florença onde vai ficar muito rico. em Roma. Até então se pintava à fresco.

Ele era um homem muito bonito. pois tinham recebido uma encomenda para pintar a “Câmara dos Vereadores”. meigo. até hoje. em uma sexta-feira Santa. Eram chamados também de lojas. Ele tinha o quadro mais perfeito em composição de todo o Renascimento. Vai ser muito rodeado por artistas. rico. Raphael vai ser muito querido. Aos 18 anos vai para Florença e começa a receber fama por pintar muito bem e rápido. Rubens tinha 150 ajudantes. Aos 21 anos já estava famoso. Os outros alunos de Perugino só vão conseguir copiá-lo. bissexual (não se sabe ao certo). carinhoso. Dizem que o papa fez dele um Cardeal. Depois disso iria aprender a desenhar. Com isso ele ficou famoso por pintar pela primeira vez “madonas” tão lindas. a qual nunca foi feita. Ela vai ser um clássico de Raphael. Quando você entra na Capela Sixtina você vai passar por vários quartos. Raphael disse que iria aprender com esses pintores. mas já tinham o seu próprio estilo. Raphael chegou em Florença na época em que Leonardo da Vinci e Michelângelo estavam na cidade. 45 . no dia de seu aniversário. Quando chegava a fazer os desenhos com perfeição. Morreu jovem aos 37 anos. badalado. Viveu como um príncipe. podia optar pela escultura ou pintura. O aprendiz comprava as tintas. Raphael foi perfeito no desenho e na composição. Depois passava por um estágio de uns 3 meses onde ele aprendia a montar as telas. simpático. Raphael vai saber descobrir seu estilo. tendo que morar com seus tios maternos. apesar de serem humanas e meio sensuais. tornando-se muito popular rapidamente. Quando Raphael chegou lá. Ela passa uma certa sensualidade. ele vai pintar os quartos. Raphael com 10 anos perdeu sua mãe e o pai vai morrer quando ele tinha 14 anos. criativo e responsável. cordial. em 1504. Em 1509 Raphael foi de Florença para Roma. Fazia o chassis. Não são míticas. Começou a pintar as “madonas” que são muito especiais. com exceção dos rostos que era sempre “Mestre” que terminava. “A Virgem Maria” vai ser adotada por muitos anos depois. salas que são chamadas de “STANZI”. Era muito rápido. começava-se primeiro como se fosse um “office boy”. como se fosse um empregado. Essa técnica de ensino vai ser retomada na BAUHAUSS mais tarde.Quando uma pessoa ia estudar com o grande pintor ou escultor. Vai pintar com mais de 50 ajudantes. apesar de já ser um grande pintor. comida. Entre 1508 e 1509 era a época em que Michelângelo estava pintando a Capela Sixtina. Os grandes artistas podiam aprender uma técnica nova. ele vai receber muita ajuda dos amigos do pai e de Perugino. a Capela Sixtina. famoso. na Capela Sixtina. Os aprendizes pintavam quase toda a obra. Como o pai era um homem muito querido. a pedido do Papa Júlio II. O Papa Júlio II é o mesmo que encomendou para Michelângelo. As “madonas” são belezas idealizadas em cima da Grécia. carismático. quase todos pintados por Raphael. após sua morte.

Leonardo da Vinci. da balística. a Itália não era essa Itália de hoje. já desenhava e pintava muito bem.” LEONARDO DA VINCI nasceu em 1452 e morreu em 1519 . mecânico. tem o “Leonardo da Vinci” que está pintando a Monalisa enquanto ela balança o pé. Leonardo da Vinci. Não apenas por causa de sua beleza física. precursor da aviação. que era enorme. pára-quedas. Ele era o árbitro em todas as questões que diziam respeito a elegância. Leonardo cantava e também escrevia muito bem poesias. Vassari vai ser o Historiador dos Pintores. cansada de esperar ele pintar. Tudo o que existia do Oriente na Grécia passa a não existir mais por muito tempo. isqueiro. Era uma Itália calma e tinha acabado o Império Bizantino. Dizem que sua beleza abriu muito as portas para ele. Era um homem muito vaidoso. Obs: Leonardo da Vinci foi modelo de “David” para o Verocchio. O seu pai disse que já que ele tinha nascido com esse dom ele deveria estudar mais. mas também entre outros dotes numerosos de que a natureza o havia provido e que ele se valia com a perfeita maestria. “ Segundo Gardiano. Leonardo tinha muitas vantagens ao ser tão bem dotado. Ele era arquiteto. mas também serviu de obstáculo. uma perfeita obra de arte. Cantava admiravelmente bem. ponte-pêncil. brinquedos com corda. Leonardo da Vinci vai estudar com Verocchio. Quando ele morreu foi uma aflição para todos os seus amigos. O grande escritor George Vassari. Leonardo da Vinci era considerado em seu tempo uma obra prima da natureza. Era do signo de Áries. tinha 1. Existe em seu túmulo uma frase muito bonita em latim: “Aqui jaz Raphael: quando vivia a natureza temia por ele ser vencida. engenheiro. em Roma. Quando Leonardo da Vinci nasceu.” Obs. matemático. Quando ele tinha 16 anos. Agora que está morto. Os turcos tinham conquistado Constantinopla. porcas e pintor.Raphael está enterrado no Pantheon . químico. 46 . ela própria teme morrer. fazendo ele próprio o acompanhamento na lira que ele havia inventado e com isso deliciava a corte inteira. que era esposa de um comerciante amigo dele. escultor. Verocchio foi um grande pintor. físico. aos 67 anos. urbanista. despertando muita inveja das pessoas. em tudo o que se referia também ao espetáculo.: No Epcot Center. Tem um outro grande escritor que se chama GARDIANO e que escreveu o seguinte sobre Leonardo: “Ele era tão excepcional e tão ricamente dotado que a natureza parecia ter logrado um milagre em sua pessoa. sua generosidade e seu espírito brilhante não eram inferiores à beleza de sua pessoa. Com isso termina a Idade Média. geólogo. escreveu muito sobre Leonardo: “Seu encanto. da hidráulica. e em particular. Além do talento. botânico. inventor do escafandro. lâmina de barbear (ele tinha uma barba muito cerrada). Vai pintar por 5 anos a Monalisa. na cidade de Florença. As rotas da Europa para o Oriente foram fechadas.90 m de altura e era provavelmente bissexual.

deixando muitas obras inacabadas. tudo perfeito. Os historiadores acham que. Os seus escritos só poderiam ser lidos através de um espelho. O ideal de Leonardo da Vinci era atingir a verdade por experiências objetivas. Ele queria saber mais e saber por que as coisas existiam. o helicóptero. Com sua cultura universal. está inacabada. o escafandro. por suas descobertas serem um pouco avançadas para a época. do século XX. Muitas pessoas o elogiavam por ser filósofo. Quase foi preso por causa disso. Ele queria saber por exemplo quantos tons de vermelho ele podia fazer. Tudo o que ele fazia e criava. Ele fez um projeto urbanista fantástico para a cidade de Milão.: A conceito de “tom” só aparece no Renascimento após a invenção da tinta à óleo pelos irmãos Van Eykes. Pintou a Monalisa. ele tinha um pouco de medo de escrever de forma muito legível. que pode ser visto ainda no Museu do Vaticano. Em todos os escritos aparece sempre um dizer “o sol não se move”. etc. Apenas essas 8 obras foram cientificamente comprovadas em sua autenticidade. escultura. enquanto tocava esse órgão. Leonardo da Vinci consegue ser o Mestre da pintura com apenas 8 telas. fazia muitos esboços. outros apreciavam a sua presença. Tinha uma mente extremamente cientista. Leonardo da Vinci era também um músico. que está no Vaticano. Leonardo elaborou projetos que levaram séculos para serem aprovados como a asa delta. 47 . Não foi feito porque cobrava muito caro o que ele fazia. Ele era canhoto e escrevia da direita para a esquerda. desenhava tudo dentro das regras do renascimento. vias elevadas. Leonardo dissecou mais de 30 cadáveres. As outras pinturas existentes não possuem essa certeza. eles o matariam. com calçadões. Ele queria estudar anatomia para poder pintar melhor. O que significava uma antecipação da teoria de Copérnico que diz que “a Terra é que gira ao redor do Sol”. artista. Só que muitas vezes ele não terminava a obra porque tinha muitos outros projetos na cabeça. quiosques. A “Adoração dos Reis Magos “. As duas grandes pinturas que ficaram mais conhecidas foram a “Monalisa” (Gioconda) e a mais reproduzida no mundo todo que é a “Última Ceia”. era desenhado. Muita informação do que se sabe são relatos de seus alunos que o adoravam e escreviam tudo sobre ele. As pessoas posavam para ele e ele também tinha muitos auxiliares. mas era muito pouco para Leonardo. Leonardo da Vinci pintava com requinte. Se a inquisição soubesse disso. Com Verocchio ele aprendeu tudo na pintura. Antes do Renascimento não se falava em “tons”. cientista. Obs.Vassari fala o seguinte: Leonardo tinha um ar tão imponente que só de vê-lo a tristeza desaparecia. mas em cores. segundo os historiadores. Inventou um órgão movido à água. Ele começava a fazer uma coisa e depois parava para fazer outra.

Existem duas obras da “Virgem do Rochedo”. Saía no temporal para ver como aconteciam os relâmpagos. como o metal. portanto uma obra em aberto. . Ele é ainda muito pesquisado pois estava muito à frente de sua época. O que é Sfumato? É coisa indistinta. Leonardo da Vinci estudou muito como os surdos e mudos se comunicam através dos gestos. outra hora parece estar triste. Cada um dos apóstolos tem uma expressão muito forte. inclusive a Monalisa. A obra “Última Ceia” tem 9 metros de largura por 4. Ele pediu que o seu auxiliar a terminasse. ele falava que os rochedos tinham alma. o que é proposital para dar o movimento aos ombros. de pergunta. Uma hora ela parece sorrir. Levou 3 anos para ser feita. onde a única pessoa que está calma é Jesus. A cena é sobre Jesus que estava falando: “Um entre vós me trairás”. não terminada. Começou a pintar cada vez menos. Ela parece mudar toda vez que você a olha. Se for bem observada a obra. A OBRA GIOCONDA: A Monalisa é como se fosse um ser vivo. você é que vai terminar a obra.Uma de suas obras muito importante é “A Virgem dos Rochedos”. “Jesus” vai estar no centro do quadro. Dentro de suas pesquisas tudo é baseado no animismo. No final de sua vida. parecendo sobrenatural. Anima é alma. Não está muito claro porque Leonardo da Vinci foi viver os últimos anos de sua vida no Castelo na cidade de Amboise. em Clos Lucé. que parece estar mais solto. a linha de fundo da direita está em diferente altura da linha da esquerda. Os cantos dos olhos e da boca são esfumaçados. indignação. O rei francês Francisco I admirava muito Leonardo da Vinci. Leonardo começou a pintar quando foi chamado para ir à Milão e teve que interrompê-la.20 m. Quando você olha o lado esquerdo. o ombro parece estar mais alto. de altura.C. uma se encontra no Louvre e outra na National Galery de Londres. Freud estudou muito sobre Leonardo da Vinci. Tem uma intenção muito dramática. Leonardo da Vinci descobre a técnica do “SFUMATO”. Esse estudo era para ele saber passar aquele “espanto” e todas as expressões somente através dos gestos. 48 . O fundo do quadro é completamente impressionista. onde ele vai usar muito claro-escuro. Fazia também muitas outras experiências. Ela tem um sorriso muito enigmático. O horizonte do lado esquerdo parece estar mais baixo que o direito. etc. As duas são de Leonardo da Vinci. Durante séculos as pessoas ficaram se questionando qual era a verdadeira.. O rei Francisco I vai sempre visitá-lo. mais ereto do que o ombro do lado direito. Leonardo da Vinci pintou sozinho. sem contorno definido. já em 1500 D. isto é. A obra que se encontra em Londres. de dúvida. Na obra “Virgem dos Rochedos”. ele não vai terminar nem os olhos e nem a boca. Leonardo falava que tudo para ele tinha alma. Antes de pintar essa obra. ele estava doente e com dificuldade de articulação nas mãos (quase todos os pintores tem problemas de articulação). por ser Renascentista. Leonardo leva consigo quase todas as suas obras. Tudo que é natureza tem alma. Descobriram que a obra que está no Louvre. os vegetais.

Estudava qual a melhor forma de abordar um barco grande através de um pequeno. barcos para a guerra. Esta está muito ruim pois Leonardo da Vinci não se preocupou com o tipo de tinta que usou. Inventou máquinas hidráulicas para limpeza e drenagem de rios e canais. está no Museu de Hermitage. carros de combate. Obs. Fechou os olhos e morreu. A partir do vôo dos pássaros. na Inglaterra. Leonardo vai dizer-lhe que não reconhecia honra maior do que morrer nos braços de um rei. os efeitos do atrito e sobre as condições de equilíbrio num campo inclinado. No dia 2 de Maio o Rei Francisco I vai visitá-lo ao saber que ele não estava passando bem. no Louvre Madona Benois. Leningrado ( ex-Rússia). Deitado na cama. É um afresco que está muito deteriorado. Inventou máquinas de afiar. no Louvre. Estudou. Inventou o compasso de proporção. em Londres. Ele tem um discípulo chamado Francisco Melzi que herdou de Leonardo quase todos os desenhos. nem dos seus alunos. Virgem dos Rochedos.80 m (+/-) A Última Ceia. helicóptero e pára-quedas. Já fizeram até galinheiro nesse refeitório. metralhadoras. perfuratrizes. Ganhou muito dinheiro com desenho de canhões. No campo da física ele trabalhou muito sobre a dinâmica e baseou seus estudos na leitura de Aristóteles. estudos e anotações de Leonardo da Vinci. 49 . Maria e o Menino Jesus. (deve ter 1. São João Batista. São Jerônimo. com várias pessoas ao seu redor. Ele ficou com 1200 desenhos e que isso era a terça parte da produção de Leonardo. sobre a transformação de sólidos. no Louvre em Paris Esboço de “Sant’Ana e a Virgem” que é um desenho que está no National Gallery. planador. Adoração dos Magos. Ele foi um grande projetista militar. está no Museu de Vaticano. inacabado.: Muitos desenhos de Leonardo da Vinci podem ser encontrados no Castelo de Windsor. National Gallery de Washington. Dizem que ele tinha caso com Leonardo da Vinci. está em um refeitório de uma Igreja em Milão. Obras autênticas de Leonardo da Vinci: Monalisa. vários desenhos de como ele fazia a geometria (explicando tudo o que aprendeu de geometria através de suas pesquisas). Entre esses desenhos que ele deixou para Francisco Melzi tem o “Código de Urbino”.Ele fala que não quer receber visita de ninguém. “Código de Atlantis”. Sant’Ana. determinou os princípios para a construção de um aparelho mais pesado que o ar e capaz de voar aproveitando a força do vento: asa-delta. Quer ficar isolado. no Louvre (ao lado da Monalisa) Anunciação. sobre a formulação de teorias sobre o centro de gravidade dos sólidos. Eles eram muito amigos. na física. etc. Leonardo recebe o rei (jovem) que ao se aproximar dele e sustentando a sua cabeça em seus braços. e assim enunciou 2 teoremas fantásticos sobre a geometria. Louvre (Paris) e National Gallery de Londres. sendo usado depois para elaborar a obra “Monalisa”.

hipocondríaco. pois não gostava da arte renascentista (toda centralizada. As suas obras só vão ser destruídas pelos protestantes por volta de 1600 D. As obras que escaparam foram para a Espanha. pintura. Ele era 23 anos mais jovem que Leonardo da Vinci e viveu mais 45 anos após a sua morte. Vai aprender todas as técnicas do ofício em desenho. feia e religiosa. da mesma forma como todos os pintores faziam na escola renascentista. grande pintor da época. Dalí dizia que o grande “Papa” do surrealismo era Bosch. A sua pintura era muito diferenciada e misteriosa. luxúria. levadas pelo Rei Felipe II. aos 89 anos. preguiça. Casou-se com uma órfã muito rica. inveja. Ele nasceu na época do Renascimento. Ele foi estudar com o grande mestre “Domênico Ghirlandaio”. Se Bosch nasceu em 1450 ele deve ter morrido em 1516. Resolve estudar as esculturas gregas da antigüidade da coleção dos Médicis (os mecenas). mas é considerado um grande Surrealista. toda feita com incrustação em pedra.C. descobre ter uma afinidade muito grande com a Grécia e que ele era escultor da “figura humana”. 50 . Tinha uma inesgotável capacidade criadora. gula. Muitas de suas obras foram destruídas pelos protestantes em 1629. ira. ninguém sabe ao certo. muito surrealista e muito simbolista. enfim. não tanto como Leonardo da Vinci que dissecou 33 cadáveres. O seu trabalho na pintura. Era também um grande poeta. Essa seita dizia que o homem tinha que fazer todos os pecados na Terra para ganhar o Céu. Ele não ficou muito satisfeito com o que aprendeu. A inquisição não o impediu porque os Reis o protegeram. Vai revolucionar no campo da pintura com a obra que faz para a “Capela Sixtina”. Ele já tinha uma idéia bem diferente de arte. sobre uma mesa redonda. Bosch cria a SEITA ADAMITA : “os irmãos dos espíritos livres”. Só se sabe que ele nasceu onde seria hoje a Holanda (a cidade tinha o nome Bosch) e viveu 66 anos. Os três são considerados os maiores artistas do Renascimento. Era filho e neto de pintores. incrível como escultor. um gênio. Foi escultor insuperável. escultura e poesia é considerado do mesmo nível dos trabalhos de Leonardo da Vinci e Raphael. Quando ele começa a estudá-las. avareza. dissecar também para conhecer melhor e se aprofundar mais na figura humana. masoquista. escultura. Ele estava a 400 anos adiantados para sua época. MICHELÂNGELO Nasceu em 1475 e morreu no dia 6 de março.. homossexual. É uma pintura sobre “o céu e o inferno”. Com isso todo mundo queria se afiliar à Seita Adamita. Resolve.HYERONYMUS BOSCH Nasceu entre 1450 ou 1516. Michelângelo era neurastênico. um dos maiores pintores e desenhistas de todos os tempos. certinha). onde vai representar todos os pecados capitais: vaidade. mas se ele nasceu em 1516 ele morreu em 1566. Uma dessas obras é a famosa “Os Sete Pecados Capitais”. Outra obra importante é a pintura do “Jardim das Delícias”. em 1564. pois foge completamente do estilo da arte Renascentista.

Vai ficar em Carrara para escolher as peças de mármore (estudando os veios) por mais ou menos 11 meses. Essa paixão. na região de Florença. Sua uma família era aristocrática. Vai pintar e esculpir com perfeição. Era um homem passional (brigava. não saberíamos o que eles iriam fazer. reclamava e ia a fundo com tudo) e solitário. que estudava junto com ele. Michelângelo tinha um amigo chamado Torrigliani. Quando Michelângelo chegou em Roma. da pintura que ele ia executar com Leonardo da Vinci. Michelângelo pediu para ir até a cidade de Carrara (cidade dos mármores) porque iria fazer o túmulo todo em mármore. filósofos e dramaturgos gregos e também sobre os grandes mestres. Estudou muito sobre Platão. ter um nariz torto e ficando muito feio. na casa dos Médicis. estética. De outra forma. O pai de Michelângelo vai intervir pedindo ao “Papa” que fizesse alguma coisa para ajudar o seu filho que estava muito desmotivado. Existe uma cópia em Florença feita por Michelângelo. Aos 30 anos já era conhecido como um dos grandes mestres da escultura. o Papa Júlio II pede à ele que fizesse o maior túmulo do mundo para quando ele morresse. O “Papa” vai chamá-lo novamente em Roma e pede à Michelângelo que pinte uma Capela para 51 . que vai ficar quebrado e torto para o resto de sua vida. narigudo e muito triste. Leonardo da Vinci também fez uma descrição comentando sobre esse episódio. Ao estudar com os Médicis. Ao voltar o “Papa” fala que não vai mais querer que faça o túmulo. ele era um romântico. Michelângelo recebe um soco no nariz. temperamental e dizia que não tinha paciência com a mediocridade alheia. e o pai não admitia que o filho fosse artista. fica muito amigo da família. vão ser muito fortes em sua pintura. Ele era tão bom ou talvez melhor do que os escultores gregos como Fídias (que fez o Parthenon) e Praxiteles. Sugestão: Assistir ao filme “Michelângelo” que tem nas locadoras de vídeo. Michelângelo fica muito desgostoso e decide não voltar mais à Roma.De repente a figura humana não tinha mais segredo para ele. Infelizmente a obra nunca foi executada porque Leonardo da Vinci foi chamado em Milão fazer o projeto ‘’urbanístico” que não deu certo e Michelângelo foi chamado pelo Papa Júlio II em Roma para trabalhar lá. Sófocles. Foi um estigma muito grande para um homem que gostava muito de beleza. Com isso vai fazer esculturas e pinturas belíssimas de seres humanos para compensar a sua feiura. Não conseguiu se relacionar com ninguém por não se aceitar como era. Ao se envolver em uma briga com esse seu amigo. baixo. esse traço violento. Michelângelo era um homem feio. Vai ser um grande mestre da figura humana. etc. conseguindo recriá-la. que foram grandes escultores do classicismo. Teve um pai bastante violento. participando muito dos “Saraus Culturais” onde conversava sobre filosofia. Foi aí que a cidade de Florença convidou Michelângelo e Leonardo da Vinci para pintarem o grande painel na Câmara dos Vereadores. Michelângelo insistiu tanto que conseguiu estudar arte. Sócrates. Tinha um temperamento muito irrequieto. No fundo.

ele. O papa pede que ele pinte o teto e o fundo da Capela. em nicho. deixando o observador na dúvida. Você vai observar “Cristo” irado e “Nossa Senhora” se escondendo atrás Dele. É como se fosse “tromp’oleil”. Pegava outro bloco e começava outra obra. O “Juízo Final” é uma visão terrível do fim do mundo. etc. que em sua homenagem recebeu o nome “Capela Sixtina”. Ele não conhecia muito bem o corpo feminino. dos dois lados. Chegaram à conclusão que criava muita coisa apenas para preencher o espaço vazio que existia. Essa obra foi iniciada em 1508 e terminada em 1512. Vai ser encontrada muita obra incompleta dele nos Museus do Louvre. os “doze apóstolos”. com músculos desenvolvidos e cabeça de mulher. discutindo. O esforço físico para ele fazer a obra era incrível. Essa Capela tinha sido mandada fazer pelo papa “Sixto IV”. volta com o mármore e começa a fazer a figura de Moisés. pelos grandes pintores Boticelli. em diversas atitudes. lendo. Galeria Ufizi (em Florença). Fazia o desenho no chão e depois subia nos andaimes para desenhar tudo novamente lá em cima e pintar. Ele pintava as moças com corpo de homem. Ao terminá-la. Trinta anos após terminar o teto da Capela Sixtina. São episódios que vão desde a criação do homem. Tentaram saber se era alegoria o que ele pintava porque ele fugia muito da história que existia na Bíblia. Guirlandaio e Perugino. pelo grande artista que era. conversando. Michelângelo respondeu: ”Mas eu sou escultor e não pintor”. escrevendo. tinha pena de estragar o mármore da obra que estava esculpindo quando encontrava um veio bonito. Michelângelo vai pintá-la já de uma forma bem diferente da pintura que fez no teto da Capela. Quando ele termina Moisés o Papa Júlio II morre e o túmulo não fica terminado. Essa obra vai ficar incompleta. E. A Capela Sixtina já era decorada. etc. o dilúvio e a embriaguez de Noé. vai parar a obra para não estragar a natureza. Ele fez muitas outras obras incompletas porque. ele volta para pintar o fundo da Capela com a obra “O Juízo Final”. como se fosse a própria arquitetura. Vai pintar no teto da Capela Sixtina. É praticamente impossível um ser humano fazer o que ele fez em apenas 4 anos. alternando isso com Sibilas (são as moças muito bonitas que ele faz). Vai colocar imagens de profetas. mas que durante o trabalho vai brigar com todos eles ficando sozinho para continuar. Teve muitos ajudantes. nas paredes laterais. É uma forma quase expressionista de pintar. Ele deitava e passava dias assim. Michelângelo aceita pintar somente o teto. Michelângelo brigava muito com o “Papa” e seu pai vai pedir à ele que tivesse muita paciência com o seu filho. 52 . Michelângelo vai então à Carrara. não tendo coragem de eliminá-lo. Pintou todas essas figuras de homens e mulheres como se fossem pessoas comuns e não “santos”. o Papa vai pedir de novo para ele fazer o túmulo. baseados no Antigo Testamento. Era o que tinha sobrado de parede sem pintura.

pediram para tirar as roupas novamente. Chamavam-no de “Divino”.: Todas as esculturas do lado de fora da Basílica foram feitas pelo Bernini. Ele desenhou e projetou a Cúpula. as figuras da pintura de Michelângelo na Capela Sixtina foram todas vestidas a pedido dele. vai ser a grande Cúpula na Basílica de São Pedro. e uma obra que está na Galeria de Ufizi em Florença. em vida. A “Pietà” se encontra embaixo dessa Cúpula (onde tem uma clarabóia). vai fazer com menos de 25 anos. Depois em 1559. As outras “Pietà”. na época do Barroco. Era considerado. Obs. algumas esculturas.O teto da Capela é feito em estilo mais acadêmico e o fundo dela de um estilo mais expressionista. Sua grande obra. O final de sua vida ele vai ser muito expressionista. Disse que essa obra ele a fez “À Serviço de Deus porque era um presente dele para Deus e de Deus para ele”. A primeira escultura “Pietà”. já um grande mestre. o resto da Basílica é de estilo Barroco. são completamente expressionistas. Ele só fez a pintura da Capela Sixtina. e esta foi executada por outros. 53 . Michelângelo era muito religioso e apesar dele cobrar muito caro o seu trabalho vai fazer esse projeto sem cobrar um tostão. Entre 1555 e 1559 no Pontificado de Paulo IV. que era um Papa muito chato. Somente a Cúpula será de estilo Renascentista. distorcendo um pouco as formas. que ocupou toda a sua velhice.

espirais e proporções estranhas. iluminadas apenas de ângulos diferentes. sem dúvida. coros com escadas em espiral. Principais características: Nas igrejas: · Naves escuras.MANEIRISMO Paralelamente ao renascimento clássico. Caracóis. arquitetos e escultores são impelidos a deixar Roma com destino a outras cidades. mas toda a Europa estava dividida após a Reforma de Lutero. Pintores. significa maneira). Mais adiante. Uma de suas fontes principais de inspiração é o espírito religioso reinante na Europa nesse momento. é que o maneirismo é uma conseqüência de um renascimento clássico que entra em decadência. que na maior parte das vezes não levam a lugar nenhum. extrapolando assim as rígidas linhas dos cânones clássicos. criam uma arte de labirintos. Não só a Igreja. saqueia e destrói Roma. Os grandes impérios começam a se formar. em italiano. enquanto outros preferem vê-lo como um estilo. típicas do renascimento clássico. que são. mas também na distribuição da luz e na decoração. do ano de 1520 até por volta de 1610. ARQUITETURA A arquitetura maneirista dá prioridade à construção de igrejas de plano longitudinal. depois de derrotar as tropas do sumo pontífice. Carlos V. com a cúpula principal sobre o transepto. a marca inconfundível do estilo maneirista. deixando de lado as de plano centralizado. 54 . porém. conchas e volutas cobrem muros e altares. Valendo-se dos mesmos elementos do renascimento. O certo. · Guirlandas de frutas e flores. lembrando uma exuberante selva de pedra que confunde a vista. Os artistas se vêem obrigados a partir em busca de elementos que lhes permitam renovar e desenvolver todas as habilidades e técnicas adquiridas durante o renascimento. pode-se dizer que as verdadeiras mudanças que este novo estilo introduz refletem-se não somente na construção em si. desenvolve-se em Roma. Alguns historiadores o consideram uma transição entre o renascimento e o barroco. essa arte acabaria cultivada em todas as grandes cidades européias. Reinam a desolação e a incerteza. e o homem já não é a principal e única medida do universo. No entanto. Uma evidente tendência para a estilização exagerada e um capricho nos detalhes começa a ser sua marca. propriamente dito. um movimento artístico afastado conscientemente do modelo da antiguidade clássica: o maneirismo (maniera. produzem uma atmosfera de rara singularidade. com espaços mais longos do que largos. mas agora com um espírito totalmente diferente. balaustradas povoadas de figuras caprichosas são a decoração mais característica desse estilo.

De acordo com os preceitos dos jesuítas. Não se pode dizer que Palladio tenha sido um arquiteto tipicamente maneirista.Nos ricos palácios e casas de campo: · Formas convexas que permitem o contraste entre luz e sombra prevalecem sobre o quadrado disciplinado do renascimento. Vasari é conhecido por sua obra literária Le Vite (As Vidas). legou a eles todos os seus bens. que. o palácio dos Mantova. Autor de vários projetos arquitetônicos por toda a Itália. mas muito interessante sobre os grandes artistas da época. a villa na Porta del Popolo. (1511-1592). reduzido a uma expressão mínima. na década de 30. mais do que marcar a transição entre duas épocas. Suas biografias. conseguiu realizar uma de suas únicas obras significativas: os afrescos do palácio Cornaro. Passou os últimos dias de sua vida em Florença. no entanto. expressa a necessidade de renovação. (1508-1580). Seu interesse pela arquitetura o levou a estudar os tratados de Alberti e Brunelleschi. publicadas em 1550. Somente dez anos depois iria se dedicar à arquitetura sacra em Veneza. fizeram tanto sucesso que se seguiram várias edições. (1511-1574). A obra de Palladio foi uma referência obrigatória para os arquitetos ingleses e franceses do barroco. GIORGIO VASARI. apresenta um relato às vezes pouco fiel. O interesse que tinha pelas teorias de Vitrúvio se reflete na totalidade de sua obra arquitetônica. a fonte da Piazza della Signoria. na qual. Sob a proteção de Aretino. PALLADIO. cujo caráter é rigorosamente clássico e no qual a clareza de linhas e a harmonia das proporções preponderam sobre o decorativo. é um dos mais importantes desse período. tais como: a construção do túmulo do conde de Montefeltro. além de fazer um resumo da arte renascentista. sem deixar de fazer comentários mal-intencionados e elogios exagerados. Vasari também trabalhou em colaboração com Michelangelo em Roma. que proibiam o nu nas obras de arte. 55 . Principais Artistas: BARTOLOMEO AMMANATI . com base nos quais planejou uma cidade ideal. com a construção das igrejas San Giorgio Maggiore e Il Redentore. dedicado à arquitetura. · A decoração de interiores ricamente adornada e os afrescos das abóbadas coroam esse caprichoso e refinado estilo.

· Rostos melancólicos e misteriosos surgem entre as vestes. para os conventos locais e para a nobreza toledana. afastados dos cânones renascentistas. Depois de alguns anos de permanência em Madri ele se estabeleceu na cidade de Toledo. onde o olho atento deve. onde começou a trabalhar no ateliê de Ticiano. com quem realizou algumas obras. Esta última lhe custou a expulsão da corte. · mas em algum ponto da arquitetura. São os pintores da segunda década do século XV que. 56 . não sem certa dificuldade. · Nos corpos. a meio caminho entre o retrato e a espiritualidade mística. De acordo com documentos existentes. Os músculos fazem agora contorsões absolutamente impróprias para os seres humanos. e uma atmosfera de tensão permanente. O resultado é a formação de planos paralelos. · Os verdadeiros protagonistas do quadro já não se posicionam no centro da perspectiva. (1541-1614). Na verdade. no ano de 1567 emigrou para Veneza. de um drapeado minucioso e cores brilhantes. em Cândia. criam esse novo estilo. acredita-se que começou como pintor de ícones no convento de Santa Catarina. onde trabalhou praticamente com exclusividade para a corte de Filipe II. O Sonho de Filipe II e O Martírio de São Maurício. procurando deformar uma realidade que já não os satisfaz e tentando revalorizar a arte pela própria arte.PINTURA É na pintura que o espírito maneirista se manifesta em primeiro lugar. Entre suas obras mais importantes estão O Enterro do Conde de Orgaz. Ao fundir as formas iconográficas bizantinas com o desenho e o colorido da pintura veneziana e a religiosidade espanhola. completamente irreais. produzindo sombras inadmissíveis. Homem com a Mão no Peito. encontrá-lo. Principal Artista: EL GRECO. Principais características : · Composição em que uma multidão de figuras se comprime em espaços arquitetônicos reduzidos. · A luz se detém sobre objetos e figuras. sua obra não foi totalmente compreendida por seus contemporâneos. Nascido em Creta. as formas esguias e alongadas substituem os membros bem-torneados do renascimento.

Jardins à francesa. Ela é também descentralizada. "Eu sou o Poder". ou melhor. pintura de uma cortina na parede que não existe. dão a impressão de levar ao infinito. 57 . Surgiu bem no auge do Renascimento que era muito racional. Começou em Roma e espalhou-se por toda a Europa indo depois para a América. Vai ser o estilo do Barroco. Velásquez.BARROCO O Barroco é um estilo muito ligado a acontecimentos históricos. Tem também muita água e muita luz. Ela tem esculturas Barrocas e. mais que uma pintura. na Itália. Barroco é fazer a arte dos jardins. uma audaciosa mistura de estilos. A luz é fundamental (contrastes da luz). A arte Barroca não pode ser chamada de arte do absolutismo porque ela não é só do absolutismo. Estilos da época do Barroco: Igreja .catedral Palácio da cidade Palácio do campo Vai surgir nessa época a preocupação com o urbanismo. é gosto também. ficando muito bem na América do Sul. fantasias. Ex. emoções. É muito movimentada e dinâmica. Temos a música e o teatro Barroco. Vai aparecer no mundo todo. o "Rei Sol". A Piazza Navona. Vai mostrar o espírito da contra reforma e reforma que vai acontecer na igreja católica. A pintura Barroca é muito teatral. As Igrejas Barrocas tem sempre escadarias. O Barroco surgiu para combater a reforma religiosa. Vamos ver muitos efeitos luminosos como os de: Rubens. É um movimento muito forte. novidade. bem comportado. No Barroco a escada é muito importante porque elas dão movimento. Em todos os países as igrejas vão ter salões pintados com cenas arquitetônicas que levam ao infinito. no centro. Versailles é o protótipo do jardim à francesa. econômicos e sociais. religiosos. um obelisco egípcio. O dourado e o espelho também vão ser muito importantes no Barroco. Você olha e pensa que está vendo uma coisa que na realidade não existe. Como estilo ele é ambíguo. O Barroco atingiu o auge com Luís XIV na França. O Barroco é mais que um estilo de arquitetura. etc. O Barroco apela muito para sensações. É uma atitude de encarar a vida. ansioso. Não era assim no Renascimento. Vão pegar um pouco do renascimento. Caravaggio. mais do que com a fé religiosa. A composição Barroca tem sempre linhas inclinadas. Central. A arquitetura pintada vai ser muito usada. Procuram fazer as ruas de forma a irem todas de encontro com a Igreja. No Barroco vai haver uma fusão de diferentes estilos da arte. Os católicos tinham uma preocupação maior com o esplendor mundano. enfim. A cenografia é muito forte. Essa pintura é chamada de TROMP'OLEIL (engana olho). Ele é movimento. Ex. para os sentidos. O jardim é fundamental. do homem primitivo. encarar a arte.

Artistas mais importantes do Barroco: Caravaggio Rubens (tinha 150 ajudantes em sua oficina de arte) Rembrandt Velásquez Cannaletto Jeorges de La Tour (pintor francês que usava muito a vela como recurso do claro-escuro) Jean Vermeer (holandês) Van Dick Vateaux Reinolds (inglês) Thomás Garburn (inglês) Goya (teve uma fase Barrôca). A escultura Barroca é dinâmica e a Gótica estática. Eles seguem uma disciplina muito rígida. escuro). Nunca poderíamos ter uma catedral gótica porque em 1100 o Brasil não tinha nem sido descoberto. Os jesuítas irão depois para a América do Sul e levarão o Barroco para lá. grandioso e envolvente. Vai aparecer também a ordem dos jesuítas em 1540 (Ignácio de Loyola). o dourado. que significa pérola torta. que mostrar sua supremacia. Os jesuítas se tornaram uma arma eficaz para a igreja católica conseguindo trazer muitos fiéis de volta. Tinham muita disciplina e conseguiram trazer os hereges de volta. podendo fazer parte do seu ser. um grupo de homens piedosos (católicos) fundaram a congregação do oratório que iam purificar a igreja. fez parte do classicismo. como a Notre Dame de Paris. Esses homens é que vão se converter mais tarde e fazer a inquisição. É tão grandiosa que pertence a humanidade. No Brasil só existe o estilo Barroco. A igreja e o estilo Barroco vem junto para as Américas: do Norte. Uma obra Barroca é fantástica com seus contrastes de luz (claro. O nome Barroco vem do nome Barrueco. barroco e depois expressionista Tiepolo No pontificado do Leão X (tem seu retrato pintado por Rafael). A Igreja Gótica. Sendo assim. 58 . O Barroco é afetuoso. Central e Sul. pois inquisição já existia. Ela é afetiva e puxa você para ela.O Barroco não é clássico.começa acadêmico. Esse movimento desenvolveu-se rapidamente e esses homens resolveram que era muito importante criar um novo estilo de pintura para trazer de volta os fiéis que tinham abandonado a igreja. A igreja tinha que se renovar. Renascentista também não. Isso acontece em Roma. ela iria trazer de volta os fiéis. porque aconteceu em 1400. A arte Barroca é afetiva e grandiosa. Vai começar aparecer esse nome em Roma. A igreja Barroca de Ouro Preto já faz parte do dia-a-dia da sua vida. mas nunca poderia ser sua. escadas (subidas e descidas). com suas fontes. muito militar. Quando se entra em uma igreja Barroca você sente aquela sensação intimista. mas é muito ambíguo. sua obridade e autoridade apelarando para um caráter afetivo e grandioso no estilo. O Mosteiro de São Bento em Olinda onde você vê as palmeiras é aconchegante e lembra cenas de casa. Não é fria e nunca deixa você distante. ela tem muito coisa próxima a você. é muito grandiosa.

embora ela seja Barroca. Existia uma concentração de poder muito grande com Luís XIV. e na Itália está ligado a IGREJA. Outro projeto que também não deu certo foi o do Louvre e suas modificações. escultores e pintores do século XVIII. Daí com a chegada de Henrique IV.Temos uma ligação muito forte com o Barroco de Lisboa. O século XVII vai conhecer o seu apogeu com o Luís XIV. Chamou o arquiteto Bernini. A arte vai então tender para o espetáculo. ou ainda . Ficou muito conhecido pelos turistas que queriam levar retratos de Veneza. para depois trazer a capital da França de Paris para Versailles. Vai ser muito fiel à sociedade de sua época pintando os carnavais. O termo "clássico" é usado para obras que suportam a passagem do tempo. ele terminou com as lutas. Barroco na França está muito ligado a ARISTOCRACIA. Ele se torna um pouco cansativo por pintar muito os canais de Veneza. Fazem pintura na abóbada da igreja como se ela fosse aberta para o céu (Tromp’Oleil). Como eles não tinham distração procuravam fazer espetáculos através do estilo barroco. sobriedade e reserva. As casas são só de tijolinhos. 59 . Ele subiu ao trono em 1643 bem criança e só começou a reinar em 1660. O objetivo essencial da arte é provocar o fervor das multidões. Em 1599 Henrique II teve 3 filhos. de Roma. etc. Luís XIV ficou conhecido no mundo inteiro até hoje através de Versailles. para ir a Paris e fazer o projeto do palácio que não deu certo. Ele sempre dizia "o poder sou eu". o Deus sou Eu". A Igreja foi o primeiro cliente dos arquitetos. os quais foram incapazes de manter a unidade do país (França). Aleijadinho é o maior artista barroco mineiro. reorganizou a França e deixou as Bases do Poder Absolutista para Luís XIV. Vai pintar o Palácio dos Dodges. O Barroco é a busca da fé pela emoção dos sentidos. ou para obras influenciadas pela antigüidade. Mandou fazer um palácio. os espetáculos. Ele era totalmente absolutista. o grande canal e toda a panorâmica de Veneza. Ele era muito forte "O estado sou Eu. Sóbria é uma obra clássica. Ao se aplicar o termo "clássico" ao estilo Luís XIV. Um dos principais pintores Barrocos de Veneza foi Canaletto que nasceu em 1697 e morreu em 1768. tanto que seu nome ficou conhecido como Canaletto. A época clássica da arte francesa é a época de Luís XIV. jardim pavilhão de caça. Veneza também foi um grande local de arte Barroca. bem quadradinhas com o telhado em forma de ponta. Escolheu um lugar. A arquitetura era feita de tijolos e pedras. É em Minas Gerais que ocorre o Barroco mais forte no Brasil. Ele modelou a civilização francesa à sua imagem. a arquitetura francesa era muito pobre. morrendo em 1715. A época de Luís XIV é fantástica onde aparecerão apenas 2 grandes pintores: Nicolas Poussin Claude Lorrain Nessa época a vida era totalmente subordinada ao fausto e a majestade dele. vai ter todos esses significados e mais a emoção do Barroco. Na época do Henrique IV. BARROCO NA FRANÇA O Barroco foi um movimento muito forte na época de Luís XIV.

Antes do Barroco. A galeria dos espelhos e os belíssimos jardins assumem grande importância. os que estavam próximos à ele. A mulher vai ser muito importante e muito fútil. tinham que aceitar o que ele determinava. No Barroco vai aparecer a lavanda. houve uma peste onde morreu muita gente. Foi um acontecimento muito para frente. Começam os desfiles de moda na França. Versailles começa a ditar a moda. e ditava o menu para a semana toda. Vai surgir o servir à francesa. E à noite isso era retirado com esponja úmida. A aristocracia. Obs. Os desfiles passam a ser importantes. menu. no imobiliário. A peruca surge na Ópera em Paris. Todos tinham que acordar e deitar quando ele queria. Todos queriam espelhos pela casa como os de Versailles. Quanto mais suja a toalha mais cara era. No grande salão. Como não havia banheiro. na tapeçaria. A arte vai se desenvolver na arquitetura. Foi feito um desfile de espartilho na corte. o guardanapo. Depois os desfiles de perucas (vindos de Paris). Foram morar em Versailles com 11. as pessoas comiam com as mãos. como se o seio fosse pular para fora do decote. o que foi considerado um escândalo na época. A mulher na época do Rei Luís XIV e Luís XV vai ser muito delicada e requintada. Não vai ter grandes pintores. os espelhos são importantes nessa época sendo usados nas casas no mundo inteiro. Eles usavam pó de arroz por todo o corpo para ficar bem brancos. de vanguarda. Eles acharam que foi devido a água resultando um medo grande até hoje e consequentemente ao banho também. 60 . sapatos. brancas e douradas.000 pessoas. sendo importante por causa do problema do banho. As estátuas do lado de fora do palácio são imitações da antigüidade. A comida era muito importante e feita como se fosse uma arte. Existia uma escala onde as pessoas tomavam banho de 6 em 6 meses. Os escravos passavam uma esponja úmida no corpo deles à noite. Não surge nenhum grande escultor. Os nobres desfilavam com essas toalhas ostentadas sobre os ombros.A planta inteira de Versailles se concentra no quarto dele. o rei e a rainha iam para o mato e se limpavam com toalhinhas que eram vendidas para a corte. Não tinha banheiro. Um pouco antes na época de Henrique IV. O Filme "Ligações perigosas" mostra esses rituais. Luís XIV deixou que o desfile acontecesse. fingindo não tomar conhecimento. Como na ópera as perucas eram prateadas. as rendas nas roupas. Não tem nenhuma criatividade. vão receber os grandes convidados de Luís XIV. Surge a langerie da mulher. O "se mostrar". Surge também o perfume. Os decotes eram generosos e a lingerie levantava o busto. Eles trocavam muito de roupa. não tinha faca. Queria que todos esperassem ele passar quando fosse para a igreja com a família. espartilhos. Tudo é imitação de Roma e Grécia. Vão aparecer festas de “Petit Comittee” em Versailles. calças. todos queriam ter um “Versailles”. Só se comia o que ele gostava. eles passam também a usá-las em Versailles. Resolve depois receber só para os almoços aos domingos.

vestidos e sem peruca. Tanto os móveis como a tapeçaria são assimétricas. nunca vulgar. Muito requinte. Foi tornando-se extremamente 61 . Foi na Espanha a época em que conquistaram quase o mundo todo. fazia um regime de engorda. Era como se fosse um "Spa" para engordar. Ter um quadro nu em casa também era muito importante para ser contemplado. Fizeram muitas tapeçarias lindíssimas. conforme estudo feito em “Estética da Arte”. O sujeito é subjetivo. Na Arte Barroca existe muita liberdade com muitas curvas e diagonais. e o rosto branco (o carmim que era o rouge). Vão usar incrustações de todas as espécies nos móveis de madeira como laca. Foi uma época licenciosa. Vão fazer muito "quadro vivo". Vão pintar muita porcelana. Isso refletiu na arte onde irão pintar muito o “nu”. Os espanhóis depois perderam muito. Para organizar o poder realizou-se a contra-reforma. Antes dessa idade elas tinham que ser muito magras. e até porcelanas para enfeitar os móveis. a ordem dos Jesuítas em 1534 com Ignácio de Loyola. rígidas e bem definidas. A mulher com 25 anos já era considerada madura. Sempre homens e mulheres com seios descobertos. Ex. O nu passou a ser visto também no gobelain. Por sua vez a Holanda cresceu tanto que as perspectivas econômicas eram grandes. O pensamento ou conteúdo é poético. Quando ela encontrava um pretendente. Tem que ter emoção e sensação. namorado (eles não tinham o que fazer). O ideal de peso para a mulher era 75 quilos. no auge do Renascimento. usava formas lineares. O Rococó na Europa é o Barroco no Brasil. Tinha conteúdo espiritual. Até a libertinagem deles era galante. São extravagantes. Ninguém aparecia sem pintar os lábios. e chega ao seu apogeu no século XVII finalizando no século XVIII com o nome de Rococó. O pensamento na época era científico e objetivo. a igreja católica teve que rever suas atitudes com o Conselho de Trento. Não apareciam nunca para ninguém sem estarem pintados. inclusive a Holanda. BAROS= vem do grego e significa pesado.: Colocavam uma música de fundo e pessoas imitando um quadro de Velásquez ou Rembrandt. BARRUECO= vem do espanhol que significa uma pérola com reentrâncias. E para isso precisavam de lacaios para ajudar (de 6 a 8). As mulheres tinham um hábito de se pintar que era quase uma paixão. É uma arte que engloba outra série de estilos. nunca ordinária. Rococó é o excesso do Barroco. que vai ser também muito importante nessa época. peças de teatro de amadores (em Versailles). nunca simétricas (uma forma de identificar o estilo Barroco). O Barroco vai desde o século XVI. irregular. nas porcelanas e antecamas. Houve um naufrágio daquela invencível armada. braços e pernas enroscados. Com a revolta de Lutero. madrepérolas. O homem queria sentir a "carne" da mulher.Tinham liberdade muito grande. Todo mundo aprendia a bordar. Vão acontecer muitos espetáculos com máscaras. A Arte Clássica que é anterior ao Renascimento. Era violenta a troca de marido. com a figura centralizada. Ela tinha que ter muito leite. na reforma protestante. O ideal de beleza da época era moça gorda a partir dos 25 anos. denso.

burguesa. A França, Áustria e Alemanha vão se tornar totalmente absolutistas. A ostentação toma conta da Europa. A França será o auge da ostentação com Luís XIV (rei-sol). Essa época vai ser marcada por sua dramaticidade e tragédia. A Igreja Católica irá dividir tudo entre o céu e o inferno. Nessa época vai haver muito medo do inferno. Eles chamam o homem para o igreja (o lado bom, o céu) através da arte espetaculosa, trágica, da emoção, sensação. Como naquela época não existia a mídia, essa era a sua forma de divulgação, o seu recurso. A própria arte trará de volta os hereges. Na Holanda, Bélgica e Espanha o Barroco vai atender muito bem os interesses da burguesia. PRINCIPAIS CARACTERÍSTICAS DO BARROCO: 1. Predomínio sempre do emocional sobre o racional.

2. Liberdade completa de criação no conteúdo, mais do que na forma. O artista se emancipa de qualquer regra ou padrão. 3. A inspiração é muitas vezes popular. Ex.: a representação da sagrada família é feita como se fosse uma família comum. É o oposto do renascimento onde a representação da santa é diferenciada, com raras exceções. 4. Dinamismo muito grande na composição com diagonal. verticais

5. A linha vertical vai dominar a linha horizontal. Vai haver muito mais linhas do que horizontais, além da diagonal. 6.

Existe uma fuga do geométrico. Nada é muito concentrado. Vai haver um entrelaçamento da arte, da escultura e arquitetura. Na Igreja barroca vai ter muita escultura na parte externa. No renascimento as Igrejas quase não apresentarão esculturas externas. 7. Valorização do entalhe na pedra e na madeira. As construções de altares e retábulos vão ser luxuosamente decorados com aplicações em ouro e muita policromia (muitas cores). Retábulo - é o que fica na frente do altar, feito de madeira toda trabalhada. É o que divide o altar do resto da igreja. Tripo-retábulo, abre e fecha para ser transportado. É para rezar. Como os escravos não podiam freqüentar a igreja, eles construíam o seus retábulos para rezar, transportando-o facilmente para suas casas. Os retábulos existem desde a época do bronze, com características diferentes. Volutas (origem grega). Quase todas as igrejas Barrocas tem volutas. . 62

8.

9.

A igreja Santa Maria Maggiore em Veneza tem 8 cúpulas ligadas a 8 grandes 10. Frontão. Existe também sempre um grande frontão ladeado por 2 torres.

volutas.

11. antes.

A pintura tem violentos contrastes de claro-escuro. Inovaram o espaço pictórico através do claro-escuro. Nunca ninguém fez isso em arte

12. Faziam tentativas de sugerir o infinito através de Tromp'Oleil (engana olho), com perspectiva e profundidade ilusórios. Tinha a função de aumentar ilusoriamente os espaços e conseguir o infinito. Os palácios pareciam imensos e redondos. Eles faziam pinturas nas quinas das paredes para dar a impressão de serem arredondadas. 13. Usavam muitas escadas, jogos de luz e muitas fontes. Tinham gosto pelo teatral. Era como se fosse um cenário.

O Barroco tem muito exagero, muito fausto, muita riqueza. Libera muita emoção na gente. O Barroco abraçou tantas ramificações artísticas que somente 200 anos atrás é que os historiadores chamaram esse acontecimento, no seu conjunto, de arte Barroca. Era uma mistura tão grande de estilo renascentista, egípcio, grego, etc, que ficou difícil definir na época o estilo Barroco. Temos os Barroco da Corte, das comunidades católicas e protestantes. O Barroco foi uma reforma na contra-reforma. Os países protestantes também a incorporaram por ter sido um movimento muito forte e bonito. O Barroco surgiu após a teoria de Copérnico que vai mudar para sempre o lugar do Homem no universo. A Terra, segundo Copérnico, é que se move ao redor do sol, não é mais o centro do universo. O Homem não é mais o único propósito da criação. O Barroco vai surgir nessa época com essa nova concepção, com novo sentimento de autorespeito, de orgulho. Isso tudo refletirá na arte ao saber que o Homem fazia parte de um mundo infinito, mostrando assim essas idéias através de luzes exageradas, impetuosas, em diagonal, como se realmente estivessem exprimindo o infinito. A História da arte mostra sempre o contexto do momento em que se está vivenciando. Ela abrange o campo científico, histórico, econômico e social. A época Barroca foi a de maior liberação do ver, do sentir e da intuição. A arte Barroca é a arte que passa a reconhecer que “A regra é apenas uma norma, jamais uma lei". Picasso séculos mais tarde disse: "Na arte não existe regra de beleza. Beleza é o que o instinto e o cérebro vai reconhecer como belo". 63

Fatos importantes que marcaram na época do Barroco A Inglaterra faz tratado de defesa com a Holanda em 1608 Em 1609- A Espanha reconhece a independência da Holanda. (A Espanha perde a Holanda). Em 1650- A Inglaterra importa chá da Índia, quebrando uma série de monopólios. Em 1656- começa a fabricação de meias (bem trabalhadas) em Paris. A Europa comprar meias só em Paris. Em 1626 a 1648- Acontece a guerra dos 30 anos que vai mudar muito a Europa. Em 1694- Estabelecimento do banco mais importante da Europa, o Banco da Inglaterra. Em 1675- surge o observatório de Greenwitch. Em 1678- vai ser reconhecido na França a profissão de cozinheiro-mor (tão importante como advogado). Depois cai a lei e retorna só em 1900. O cozinheiromor e confeiteiro-mor trabalham para o rei. Em 1679, na Inglaterra é criada a lei "ABIAS CORPUS" . BARROCO EM FLANDRES (Bélgica e Antuérpia) Pintura Flamenga é uma pintura de Flandres, jamais Espanhola. Na Bélgica se fala flamengo e francês. A pintura de Flandres vai ser muito importante no início do século XVII. O sul dos países baixos (Bélgica) continuava sobre o domínio Espanhol. É por esse fato que se usou o nome Flamengo, devido ao domínio espanhol que existia lá. Era o território mais rico dos espanhóis e que por ser espanhol continuava no seio da igreja católica. A pintura vai ser sobre a religião católica. A Aristocracia e a Igreja patrocinaram muito as artes e contribuíram muito para o surgimento do estilo Flamengo. Flandres recebeu muito bem o Barroco na pintura, menos na arquitetura. Os Flamengos viam no Barroco um pretexto para os ornamentos. Sendo assim, os edifícios na praça principal de Bruxelas é gótica na arquitetura, estrutura. Os ornamentos e a decoração externa é 64 passa a

Barroca. Para não demolir a estrutura, eles a deixavam por trás e enfeitavam com dourados e volutas na frente. As casas da Holanda também tem estrutura gótica e barroco nos ornamentos da frente. A arquitetura belga e holandesa é gótica e a decoração tanto externa como interna Barroca. BARROCO NA HOLANDA As províncias do norte dos países Baixos (Holanda), também tinham pintura Flamenga. Eram os países pobres da escola Flamenga. No século XVII os Holandeses eram protestantes quase não vai aparecendo pintura religiosa. É uma enorme mudança que ocorre na História da Arte. Rembrandt, por exemplo, sempre teve sua inspiração nas escrituras. Só que os temas que escolhia eram baseados no que ele via. Ele tinha que colocar o contexto das escrituras mas sempre no que ele via. O tema vai ter liberdade total. Vai pintar sobre as pessoas que convive no dia a dia. Caravaggio vai usar o "santo" enquanto que Rembrandt vai usar o homem do povo. Os Holandeses guerrearam contra a Espanha para não aceitar o catolicismo. Eles venceram e permaneceram protestantes. Eles tanto lutaram que ilustraram mais sobre essas guerras, combates do que a fé protestante. O tema da pintura Holandesa portanto será sobre essa guerra que participaram. Vermeer pintou muito também sobre a realidade do cotidiano. Jamais veremos uma pintura Holandesa com cenas mitológicas, cenas históricas ou abstratas (liberdade, fé). As pinturas de Rubens sobre a religião católica, idéias abstratas sobre a fé e liberdade, só foram feitas sob encomenda. O Holandês não vai pintar nada mitológico. Pintavam retratos das pessoas e tudo o que fazia parte da vida daquela pessoa na obra. Os burgueses viviam em casas confortáveis mas bem menores que as nossas. Não gostavam de viver em palácios. É por isso que não se encontra muitos palácios na Holanda. Não eram faustosos e a obra de arte tinha que ser pequena para caber nas casas em que viviam. Eram portanto pinturas pequenas que retratavam o cotidiano da época. A Holanda era um país próspero, o povo era muito trabalhador e tinha uma imensa indústria leiteira que abastecia toda a Europa. Sabiam construir muito bem barcos os quais eram vendidos e utilizados para navegar por todo o mundo. Tinham também monopólio do comércio das especiarias. Essas especiarias é que conservavam os gêneros alimentícios. Quando os navios faziam longas viagens a carne era conservada através desses condimentos. Era considerado fino ter um boi em casa conservado por condimentos. Rembrandt tem uma obra que mostra uma moça abrindo a porta e olhando para o boi pendurado. RESUMO: . Barroco na França - faustoso . Barroco na Itália - ligado ao catolicismo 65

volutas. PRINCIPAIS OBRAS ARQUITETÔNICAS DO ESTILO BARROCO NA EUROPA E NA AMÉRICA: Itália Roma . colunas. Igreja de 4 andares. frontão grego. Igreja de Santo André do Quirinau em Roma . na praça do Mercado as casas tem frontões pontiagudos.: A parte central da fachada nas Igrejas barrocas são sempre mais ricas que as laterais. Praça de São Pedro e colunatas em frente a Basílica . com suas fontes. Antigo colégio dos Jesuítas.Igreja "Il Gesú" construída entre 1568 até 1577. Capela dos inválidos em Paris .na Bélgica (chamada de Veneza do Norte). Áustria. na arte de Fídeas. Palácio de Brera. É cenográfica com sua ampla escadaria na frente. árvores em diagonal. Amsterdã também é igual. frisos. É barroco mais tardio. construído em 1668. em Milão.: A arte Barroca Francesa é muito inspirada no classicismo. Igreja de São Carlos das 4 pontes .Roma.: A catedral de Milão é gótica e não barroca e a catedral de São Pedro é da época do renascimento. Roma. escadarias. Holanda A grande praça em Bruxelas tem estrutura gótica e a decoração barroca. repleta de ouro. França Versailles. Igreja de Santa Maria da Saúde em Veneza. inclusive a decoração é quase Rococó. Igreja de São Carlos Borromeu em Viena.planta de Borromini em 1667 . Petit Trianon. Tem reentrâncias e muita forma côncavo-convexo. Espanha Palácio Real de Madrid é interno e externamente barroco. A primeira igreja católica barroca foi construída em Roma e recebeu o nome "Il Gesú". Palácio principal de Viena.construída por Bernini.Construídos entre 1656 a 1665. lagos. Igreja de Santo Inácio . A Praça Maior em Salamanca. sua construção começou em 1717 e terminou em 1737. Parece dourada. portais ricamente esculpidos no estilo barroco. volutas. na Espanha. Vão ter colunas.. Monastério de Melk. Igreja de São Lourenço em Turim.de 1680. Obs. à beira do Danúbio. é de 1630.Em 1645. arcos. na Itália. Brujes. na fachada tem frontões. 66 . A galeria dos espelhos e o imenso pátio com esculturas que não eram famosas. Obs. próximo de Viena. Obs. escultor e arquiteto grego da época clássica.

Caravaggio foi muito briguento. Não tinha o menor respeito pela beleza idealizada pois ela tinha que ser verdadeira. Era pintado de forma muito real. No século XVIII Caravaggio "saiu de moda". em João Pessoa Igreja e Mosteiro de São Bento. Queria pintar a realidade tal como ele a via. em Vitória Igreja da Ordem Terceira do Carmo. trabalhadores braçais. no Rio de Janeiro MICHELÂNGELO DE CARAVAGGIO Nasceu em Milão no ano de 1573 e morreu em 1610. Era como se os eventos sagrados acontecessem naquele momento. Após seu falecimento. achavam que sua pintura era estranha e a sua fama só voltou no século XIX quando foi considerado um dos maiores pintores Barrocos. com sífilis.Portugal Santuário de Bom Jesus de Monte Braga. mulheres e bebidas. Igreja de São Domingos no México. apesar do seu estilo barroco. BRASIL: Igreja de São Francisco de Salvador Ordem Terceira de Salvador Catedral de Belém Igreja do Rosário. em Recife Igreja Nossa Senhora das Neves. Tinha um temperamento muito impetuoso e mulherengo. porque pintava o natural e não o idealizado. É chamado pintor naturalista do estilo barroco. em Olinda Convento e Igreja de Santo Antônio. Pintou muitas encomendas religiosas de uma forma nada convencional para a época. Estudou muito sobre a Bíblia. 67 . Ficou muito pobre e muito doente. México Catedral do México City. Ele cobrava seus quadros muito caro e gastava fácil o dinheiro com presentes. Brigou com padres e bispos se indispondo com a igreja católica. Igreja da Companhia de Jesus em Cusco. É hoje considerado pela "estética da arte" como pintor naturalista. Não soube quem era seu pai. Caravaggio praticamente fechou o ciclo dos pintores italianos não aparecendo depois nenhum outro pintor importante. Ex.: os apóstolos eram representados como trabalhadores comuns (o que eles realmente eram).

mas não tinha tempo para se dedicar. cabelos. No primeiro casamento sua esposa morreu quando ele tinha 52 anos. É um dos maiores pintores da história da arte. Era especialista em fazer o tom de pele (carnação) que parecia verdadeira. O rei da Inglaterra deu a ele o grau de cavalheiro "SIR". Morreu rico. Comprou uma belíssima casa. porisso ficava atualizado com as descobertas através das correspondências. Foi quase um diplomata. ele se pintava como se tivesse somente 30 anos. Era um homem interessante e se relacionava muito bem com os católicos e com os protestantes. Ele não fazia anotações como Leonardo da Vinci e nem era diplomata como Rubens. Era como se fosse um cônsul belga. muito bonitas e cheias de vitalidade. Cada um era encarregado de uma especialidade na pintura como. Classe média bem situada. Pintava o que era faustoso. Foi um homem muito feliz deixando também feliz todos os que viviam ao seu redor. saúde e força. Tudo o que pintava era com perfeição. Era arqueólogo. onde só formava pintores. Durante sua vida artística sempre retratou a si mesmo por diversas vezes em várias épocas de sua vida.PETER PAUL RUBENS (1577/1640). Não fez nenhuma mulher magra. etc. roupas. Volta à Antuérpia com 30 anos. não muito cedo. Rubens pintava os palácios e as igrejas. jóias. Com isso ele teve milhões de obras. Sofreu influência no começo de sua carreira do pintor Michelângelo de Caravaggio. No Louvre ele tem uma sala só com seus quadros. Foi morar em Amsterdã. Chegou a colecionar obras de arte e até antigüidades. Ele fazia o desenho e depois terminava o quadro pintando o rosto e as mãos dando uma unidade geral da obra. com uma alegria muito grande de viver. As suas telas são cheias de vitalidade e reais. Foi o protótipo do pintor barroco. maltratada. não tendo nada de misticismo. na universidade de Leyden. Sua pintura era bem vigorosa. sensual. Casou-se com uma jovem muito rica e feia. Todos os quadros que ele pintou retratando os dois. Pintou muito e prosperou bastante. recebendo um belo dote. Tinha muita facilidade com cores e com isso vai pintar muito bem o "nu". Nasceu na Antuérpia. Foi considerado o maior pintor holandês. Fazia amizade com todos. ainda em vida. Era muito intelectual e mantinha correspondência em latim com todos os intelectuais da Europa. No segundo casamento sua esposa tinha somente 16 anos e foi uma paixão que durou até a sua morte. etc. Fazia as mulheres bem arredondadas. Bélgica. como ele mesmo dizia. Abriu uma oficina de arte com 200 auxiliares. Era muito mais sensual do que místico. jóias. decorativa e teatral. Aprendeu logo a pintar e aos 23 anos em 1600 foi para Roma (paraíso dos pintores) onde ficou estudando por 8 anos. roupagem. Teve fama em vida como nenhum pintor já tivera. e passava isso para sua pintura. Ganhou muito dinheiro. na Holanda. 68 . Era um homem iluminado. Rubens casou-se 2 vezes. REMBRANDT VAN RIJN (1606-1669) Nasceu na cidade de Leyden (cidade das tulipas e da porcelana azul e branca). Começou a pintar. Tinha mais encomenda do que podia dar conta. Era uma arte que estimulava a pompa e o esplendor dos palácios barrocos.

Os personagens tinham importância de acordo com a luz.: Ticciano e Raphael também assinavam as obras de seus alunos. Já tem o volumes 2. Perdendo o mercado e ficando pobre. Existe muito Rembrandt falsificado como o do MASP e o do Metropolitan. Lembrete: Barroco Católico: A pintura torna-se instrumento para a Igreja. Em 1982 foi publicado o primeiro volume sobre as obras de Rembrandt e se refere as obras do período de 1625 a 1631. A tinta à óleo utilizada era bem mais oleosa do que a de hoje. As vezes ele assinava o quadro de seus alunos para que fosse vendido mais facilmente. o que causa muita polêmica hoje em dia em seus quadros. tintas. o sofrimento. Obs. começa a namorar uma moça mais pobre ainda. Naquela época todos pintavam igual ao mestre e hoje o objetivo é cada um ter que encontrar seu caminho na pintura.Em 1642 morre sua esposa e fica viúvo com muito dinheiro. Cada aluno só pintava com uma cor. O projeto de pesquisa Rembrandt chama-se PPR. depois os marrons. É estabelecer o conjunto de obras autênticas dos artistas. Os seus alunos pintavam igual à ele. Vai pintar os olhos penetrantes e fundos e utiliza muito os tons de sépia. Naquela época ele tinha muitos ajudantes para pintar suas obras. No final do trabalho ele integrava as cores e as pinceladas. o calor humano. Deixa de pintar para vender pincéis. no rigor de suas linhas retas. mais condizente com o puritanismo protestante ou com a mentalidade burguesa. tem o Vermeer na Holanda um companheiro. Ele retrata a essência da pessoa. Sua popularidade como pintor cai após a sua obra "Ronda da Noite". É uma história de persuasão para “ganhar o paraíso ou padecer no inferno”. 69 . muito limpo e arrumado. a dor. etc. Todos esses artistas constituíram no Barroco uma tendência construtiva. Rembrandt pintou muito retrato de grupo de pessoas. Na realidade seria muita obra pelo seu tempo de vida. os amarelos. Isso determinava aquela luminosidade. Não importava em saber quais os personagens que iriam ficar no escuro. Ele fazia o desenho antes e marcava onde ia ter os pontos de luz. Vermeer teve pouquíssimas obras e não se sabe nada sobre sua vida. Pintou cenas de batalhas e voluntários da guerra. além dos seus alunos que pintavam como ele. Rembrandt tinha muitos alunos talentosos. Não vai idealizar. É por isso que encontramos hoje muitos quadros que não são realmente de Rembrandt. Ele pinta seus auto-retratos como se fosse um ser humano bem real. Apareceram 600 obras de Rembrandt. Foi um péssimo administrador e acabou logo com sua fortuna. por exemplo o ocre ou o marrom. Buscou a ordem no interior. Sistema de pintura de Rembrandt: Colocava primeiro todos os ocres. É um meio de propagação e ação. Foi descoberto 15 anos atrás que muitas obras de Ticciano e Raphael eram de seus alunos. Barroco Protestante: Poussin. Fica tão pobre e doente que vai parar em um asilo.

bem mais sensual (como o de Vermeer) e bem mais contemplado. Os historiadores achavam que o Renascimento por ser organizado. Barroco Clássico: É quando o Barroco mistura as artes da Grécia. Ele vai surgir no auge do Renascimento. era melhor que o Barroco. em São Paulo. Obs. Roma.A existência de tal grupo de artistas levou a reconsideração de toda uma linha interpretativa no Barroco. ao genes social do estilo.: O Museu do Louvre é em parte barroco com suas colunas gregas. com efeito. sem excessos e perfeito. Vão retratar a arquitetura do campo. na França. O BARROCO. Esse sim. na Itália (Florença). Na arquitetura predominava o maneirismo. (As missões) dos Jesuítas. em São Roque (séc. em São Paulo. o povoamento se concentrou em Curitiba (Paranaguá). Gente sedentária de pouca iniciativa. Entre esses artistas. gênio da musicalidade da luz. Egito. Passou-se a considerar a existência de um barroco protestante e em seu aspecto genérico formal. Vão retratar cozinhas. destaca-se Vermeer. XVII). Matriz de São Miguel. Capela de Iporanga. século XVIII. lojas. que não as religiosas. quartos. OBRAS BARROCAS BRASILEIRAS: Algumas ruínas na igreja de São Miguel. tavernas. de um classicismo dentro do próprio barroco. em São Paulo. Barroco no Sul do Brasil: Com o ouro e a prata. não de tensão nos contrastes. O barroco protestante é bem mais contido. no tocante. porque vai ter muita ligação com Roma e Grécia. Barroco no Campo: Vai ter outras expressões. Depois ele vai chegar ao excesso sendo chamado de "ROCOCÓ". Matriz de Santana do Parnaíba. não proporcionou possibilidades de atividades artísticas. traria seu sentido. em Embú. O nomadismo. 70 . é chamado pelos historiadores de "BARROCO CLÁSSICO". É assim chamado de barroco clássico. O mesmo se dava em São Paulo. Nossa Senhora do Rosário. Vai ter uma conotação muito forte principalmente na arquitetura que vai ser muito clássica. incentivado pelo espirito bandeirístico. mas de harmonia nos contrastes. Descobre o retrato dos camponeses e de suas vidas íntimas. Capela da Fazenda de Santo Antônio.

São burgueses e muito práticos. Igreja de São Vicente. Moram em casas pequenas. Foi mal restaurada. Galpões das fazendas também são do estilo barroco. de 1554. Eles queriam enfeitar mais ainda as igrejas (as últimas que foram construídas) se inspirando muito no gótico. um pouco antes do Rococó. O ROCOCÓ só vai ocorrer na França. O arco botante e contra forte utilizados nas igrejas barrocas não são para dar auxílio a arquitetura. Estilo colonial significa que vem das colônias portuguesas. Roma não vai ter Rococó nem em igrejas e nem em lugares públicos. 71 . é uma versão muito mal interpretada do estilo barroco. Igreja de São Francisco. Na Áustria e na Alemanha não chegou a ter o barroco clássico. Áustria e Alemanha vão estilo Rococó na parte interna das casas. em São Paulo. Ruínas da igreja "Missiones". em São Paulo. Barroco Flamejante: O auge do Flamejante é no Gótico. (Ler o livro "O tempo e o vento" de Érico Veríssimo. em Itanhaém. Não existe a pintura Rococó porque este estilo só vai aparecer na decoração e no interior das casas. Igreja de Nossa Senhora. com raras exceções. Pátio do Colégio. na arte decorativa dos mobiliários e tapeçarias. Obs. em adornos. O Flamejante surge no final do barroco em Roma.Município de Santo Ângelo no Rio Grande do Sul. em São Paulo. mas sim para decorar. porque é limpo.: Colonial e Barroco é a mesma coisa. O móvel colonial aveludado. Só vai acontecer em Roma. “clean”. Toda igreja gótica tem contraforte e arco botante. Igreja de Embú. Parati é toda barroca. que vai relatar sobre as Missiones). Países Baixos não usam Rococó. Versailles é de estilo Rococó por dentro e tem por fora uma arquitetura clássica barroca.

Borromini fica tão deprimido que acaba suicidando-se. Nesta mesma praça se encontra a Embaixada Brasileira. Tem no centro um obelisco egípcio e muitas luzes. É plasticamente perfeito. Emocionalmente instável o que o levou ao suicídio. Trabalhou muito na Basílica de São Pedro. Quem trabalhou na cúpula foi Michelângelo. o rei dos reis. bonitão. Bernini fez o Tabernáculo que se encontra no fundo da Basílica de São Pedro. A decoração é barroca. É muito diferente do David de Michelângelo. Embaixo do tabernáculo se encontra o Túmulo de São Pedro. fechado. Bernini era um homem simpático. muito reservado. pois a obra é perfeita e não tem o que terminar. Obra prima de Bernini: Capela Carnaro onde está o "Êxtase de Santa Teresa". BORROMINI Era o oposto de Bernini. Não tinham ciúmes um do outro. No renascimento não existe essa abertura. Bernini também fez a escultura de David sem o “Golias” de forma tão perfeita que você percebe a falta dele. O barroco deixa a obra em aberto para que você a conclua. Tem arcabouço e cúpula renascentistas. Não interfere com o resto. 72 . mulherengo. São 4 colunas Salomônicas de Bronze. Grande projeto de Borromini: Igreja de São Carlos (com 4 fontes). em Roma. O telhado dessa igreja é côncava e convexa. impávido. Bernini e Borromini são o auge da escultura e arquitetura barroca em Roma. Todas as construções em Roma eram feitas eles. em Roma. “Santa Teresa” foi uma grande santa na época da contra-reforma. É uma obra em aberto. que é renascentista e barroca. na Igreja de Santa Maria de La Vitória. Já o David de Bernini é humano. Como essa igreja demorou muito para ser construída ela passou por diversos artistas em diferentes épocas. charmoso. Outra obra: Piazza Navona com uma fonte maravilhosa. mal-humorado. como se fosse de borracha. também de estilo barroco. falante e conquistava a todos. sozinho. É uma arquitetura fantástica e difícil para ser executada com a tecnologia da época. Quieto. Nos quatro cantos tem muita escultura de anjos e atrás tem um vitral iluminado. Borromini depressivo foi distanciando-se de Bernini.DOIS ARQUITETOS MUITO IMPORTANTES DA ITÁLIA: BERNINI (1598-1680) Foi o maior arquiteto e escultor do seu tempo. Borromini e Bernini eram amigos e confidentes.

PINTORES BARROCOS JAN VERMEER VAN DELT (1632 a 1675) Nasceu no Delta. Morreu cedo aos 43 anos. Não pintou muitos quadros, mas o que pintou foi considerado obra-prima. Pintou figuras bem simples com tarefas singelas como: limpar, tocar, varrer, olhar. Mulheres em seus afazeres domésticos e sempre no interior das casas holandesas. Consegue o milagre de transformar essas cenas através de texturas, cores e formas, como se fossem velhos retratos. Ele suaviza os contornos, dá muita luz e serenidade nas suas obras. Dá muito Recollection. Pinta o que ele vê. Não se sabe sobre a vida do Vermeer os livros não chegaram à um consenso. Usavam óleo e têmpera no Barroco. DIEGO RODRIGUES DA SILVA Y VELÁSQUEZ Sofreu grande influência do Caravaggio. Quando ele tinha 20 anos pintou sua famosa tela "O Aguadeiro de Sevilla". Perceberam daí que ele era um gênio por ser tão jovem e pintar tão bem. Fica muito amigo de Rubens que percebe o seu talento sugere a ele então que vá estudar em Roma. Visitou os museus de pintura em Roma para estudar os grandes mestres. Foi ver o que Michelângelo e Raphael tinham feito. Descobre que não tem muito o que aprender lá. Em 1630 passou 1 ano em Roma e voltou logo à Madri. Em Madri é nomeado pintor da Corte de Felipe IV. Vai ficar em Madri até o fim de sua vida. Sua tarefa era pintar os membros da corte de Felipe IV cuja família era muito feia e se vestiam muito mal. Eram considerados "cafonas". Ele transforma esses retratos em pinturas fascinantes, captando até a personalidade das pessoas retratadas. Vai empregar muita luz em seus quadros. Sua pintura tem um realismo visual muito diferente da pintura do Renascimento. Realismo visual é a impressão geral de um objeto e não só de um detalhe. Ex.: Com uma só pincelada dava a impressão dos pelos de um cão. Vai ser o gurú dos impressionistas mais tarde. Sua pintura tem pinceladas bem largas e soltas. Seu quadro mais famoso é "As Meninas", o qual se encontra no Museu do Prado. Ele consegue retratar o momento real do tempo muito antes de inventarem a máquina fotográfica. Essa obra “As Meninas” será muito ambígua. Você não sabe se Velásquez está pintando o Rei e a Rainha ou se está pintando as meninas. Ele deixa essa dúvida de propósito. O termo "As Meninas" era usado para se referir as damas de honra na época. Esse título foi dado pelos historiadores. Após sua morte foi pintado, no peito de seu retrato, uma condecoração em sua homenagem. JORGES DE LA TOUR (1593-1652) É um pintor francês. Mestre dos efeitos luminosos. Sua pintura é muito original. Vai usar muito claro-escuro utilizando-se do efeito da vela, pintando muito rápido. Vai passar a narrativa suave do caráter transitório. Muita ternura e intimidade. Muito recollection. 73

FRANCISCO GOYA (1746-1828) Nasceu em Saragosa, na Espanha Um dos grandes pintores de todos os tempos. Obs.: A Espanha é riquíssima por pintores famosos: Ex.: Velásquez, Murilo, Goya, Dali, Picasso, Miró. Aos 13 anos foi estudar com um pintor que se chamava Don Lusar. Ele não gostava de pintar, desenhar ou fazer tintas. Decidiu participar mais das touradas não deixando a pintura. Mais tarde tentou entrar na Academia de Artes em Madri não passando nos exames. O pai fica arrasado. Tenta novamente três anos mais tarde e novamente fracassa. Arrasado e frustrado, resolve ser toureiro. Recebeu uma chifrada no joelho ficando manco por muito tempo o que impedia essa atividade. Resolveu ser pintor na Itália. Lá, passeando num campo, em frente a um convento, vai conhecer 2 freiras e se apaixona por uma delas. Vão se corresponder por carta até que resolve raptá-la. A freira amarrou um monte de lençóis e jogou por cima do muro para que ele pudesse subir. Como ele estava manco e bateu com o joelho no muro, Goya cai ao chão machucando muito a cabeça. Depois dessa tragédia toda o romance acaba por aí. Vai para a cidade de Parma, na Itália, conseguindo entrar na Academia Real da Itália. Começa a pintar já com uma certa idade. Vende muito bem as suas obras. Escreve para seu pai comunicando que estava pintando muito e ganhando dinheiro. O pai pede que ele retorne a Saragosa. Lá em Saragosa vai ter muitas encomendas como pintor. Vai à Madri onde receberá uma encomenda muito grande de pintar uma série de canvas (cartões desenhados para que as pessoas pudessem depois bordar). Era quase que industrializado, Vai pintar o povo, os jovens que eram chamados de najas (ricos da época) e que mudariam muito o comportamento social da época. Esses najas vão ditar muito a moda na época. Em 1780 ele foi eleito por unanimidade Membro da Academia de Arte de Madri (que o havia rejeitado 2 vezes). Casa-se com Josefa e começa a ter uma vida de luxo e de riqueza. Compra um cabriolé (seria um carro conversível hoje) para sua esposa desfilar. Vai comprar também muitas jóias e ações para o futuro. Tem um filho chamado Francisco Xavier Pedro. Vai ser nomeado mais tarde Pintor da Corte do Rei (título máximo). O rei da época era Carlos IV. Goya vai ter uma doença infecciosa ficando à beira da morte. Nessa época não existia a penicilina. Consegue sobreviver mas fica surdo para o resto de sua vida. Essa surdez torna-o visualmente mais agudo. Vai pintar também a Corte Espanhola. Será uma releitura de Velásquez, pintando sem compaixão toda a família do rei. A rainha parecia um abutre, as condecorações dos condecorados eram como se fossem teias de aranhas. Toda a Corte tinha olhos lacrimejantes e boca murcha. Mesmo assim eles vão adorar porque vai ter muito luxo nas roupas, muita esmeralda, muito veludo, enfim, muita suntuosidade. Eles só se importavam com o luxo. Góya acaba recebendo muitas encomendas e ganhando muito dinheiro.

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MÚSICA BARROCA:
Apareceram muitos instrumentos novos na época do barroco o que fez com que a música ficasse muito mais rica. Apareceram os conjuntos de Câmara e a Ópera que conhecemos hoje. O conjunto de Câmara tinha a mesma função que um aparelho de som tem nos dias de hoje. O instrumento mais importante que vai surgir é o violino e é com ele que vai se enriquecer a partitura. Antônio VIVALDI teve um gênero inovador, além de ter sido excelente compositor e muito habilidoso para tocar. Suas obras mais conhecidas são: Ex.: As quatro estações de Vivaldi Concerto La Stravaganzza Muitas cantatas Foi considerado, pelos críticos no século XX, o “Caravaggio” da música Barroca. É praticamente o primeiro grande compositor que surge e que vai influenciar muito os compositores posteriores de sua época. Joan Sebastian Bach, protestante, tinha paixão pelas igrejas góticas católicas e seus detalhes. É onde vai buscar inspiração para compor nesse estilo gótico (como as rosáceas, vitrais e sobre as minúcias). Foi mestre de capela, que era tão importante quanto pintor da corte. É o homem que vai reger, o maestro, o diretor. Deixou cantatas, missas, corais, "Paixão Segundo São Mateus", "A Grande Missa", "Cravo Bem Temperado", os "Concertos Braudenburguer", as "Fugas". As fugas tem um conteúdo psicológico, não significando uma fuga dos problemas, mas sim uma fuga da perda de um sentimento, uma emoção, com inteligência, com consciência. Uma fuga dos empecilhos emocionais. É a consciência livre, solta, uma fuga sem perdas, "deixando tudo para trás numa boa". Haendel, alemão, é o próprio compositor barroco. A sua obra é monumental, forte. Fez a obra "Doze Concertos de Gross". Hayden, compositor refinadíssimo que compôs sonatas, quartetos, sinfonias. Começou a tocar em Conjunto de Câmaras nas casas dos nobres, como mero tocador. Fez a "Sinfonia de Londres" e o "Quarteto do Imperador" que foi utilizado, em parte, no Hino Nacional da Alemanha.

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foram muitas delas restauradas pelos brasileiros. a "Ópera Don Giovanni". É uma busca do tempo perdido onde cada 50 anos vai valer 500. Naquela época onde existia tempo para pintar a Capela Sixtina em 5 anos ou Velásquez 4 anos para pintar "As meninas". Sua composição começa a sugerir um mundo que começa e uma outra forma de viver. A Igreja da Bahia. "Em busca do tempo perdido". para serem artistas também. 76 . Nessa época o mundo perde as coisas fortes como o prazer. Frei Agostinho de Jesus (1600-1661) O museu de Arte Sacra de São Paulo tem suas obras. trabalhou muito com barro.de Prússel (?) vai ser descrito sobre os séculos XVII. Os missionários aqui no Brasil traziam artistas da Europa ou treinavam a mão de obra escrava. Tem gênero melancólico. XVIII.Mozart. Era Austríaco e tocava desde os 5 anos. a doçura de viver. Dois grandes escultores Brasileiros do século XVII são: Frei Agostinho da Piedade (1620-1661). indústrias. Criou tudo o que foi possível em música. quando houve a mudança da capital do Brasil para o Rio de Janeiro. O que existia em madeira vinha de Portugal. gênio que apareceu no Rococó (final do barroco). XX e XXI. o prazer de viver. A mão de obra vai ser brasileira. "Concerto em Dó Menor". A música de Mozart foi elaborada numa época de despedida. dos próprios índios. com a independência do Brasil. Frei Agostinho de Jesus nasceu na Bahia e foi educado em Portugal. esculturas. Vai ser uma busca para novos estilos. depois que os Holandeses foram expulsos do nordeste (Pernambuco) e as igrejas destruídas pela invasão. Frei Agostinho de Jesus circulou muito no Rio de Janeiro e São Paulo. Obras: Sinfonias. XIX. "Concerto em Ré Menor". etc. o barroco que estava no auge já estava sendo abandonado e estavam começando o neoclassicismo. As esculturas de barro eram cozidas em forno de pão. É o final de Versailles. porque os índios e os negros vão construir igrejas. "Requiém" que é muito lindo e triste. Fez muita escultura em madeira que aprendeu em Portugal. enquanto os brasileiros em barro. para depois começar a corrida no século XX pelas máquinas. porque Rococó é o final do barroco. Em 1822. BARROCO BRASILEIRO O Barroco no Brasil atingiu seu apogeu em 1763. volta ao passado. Nessa época os portugueses esculpiam em madeira.

Ao redor do Porto. A Igreja de São Francisco. A cidade vai se tornar o centro cultural do país. Às vezes traziam uma igreja quase inteira. Com isso o barroco nordestino vai ter uma influência muito grande de Portugal. Outras levaram quase 50 anos para ficarem prontas por falta de mão de obra qualificada. músicos e intelectuais começaram a chegar no porto do Rio de Janeiro. principalmente o mineiro. Quase todas as construções grandes foram feitas no Rio de Janeiro. arquitetos. com muitos entalhes. Quase todos os materiais de construção eram importados. A Igreja da Ordem Terceira de São Francisco. de navio. vai ter no seu trabalho. As primeiras construções barrocas tinham linhas mais estilizadas devido ao pouco material que conseguiam para a construção. Tudo é bem pensado para que você sinta emoção. Às 6 hs. 77 . do ano de 1554. Barroco no Rio de Janeiro: no princípio o Rio de Janeiro era quase um vilarejo e quando abriram a estrada do caminho novo que ligou Minas Gerais ao Porto do Rio de Janeiro. as igrejas barrocas começaram a serem construídas de forma diferente do barroco mineiro. com muitas luzes. que é um povo diferente. Artistas plásticos. não existia essa dificuldade.Ex. O exterior é simples e o interior é riquíssimo. É dramática.: A primeira Igreja do Brasil é a do Pátio do Colégio em São Paulo. começou a escoar todo o ouro pelo porto. O mineiro. onde o material chegava de navio. interessante e se diferencia completamente dos outros. resultando em construções mais ricas na região. em Salvador é toda barroca (de Lisboa). é lindíssima e levou quase 100 anos para ser feita. em Santos. Livro recomendado: "A Muralha" de Inácio de Queirós. Tinham uma dificuldade muito grande no transporte do material de São Vicente para São Paulo. cheia de movimento como todo estilo barroco. Ela começa bem simples e vai se sofisticando a medida que chega material. mudando completamente a vila. AS 3 FASES BARROCAS COLONIAIS: A primeira fase ocorre na descoberta do Brasil. como pode ser visto na Igreja Nossa Senhora do Carmo. na sua pintura e arquitetura um estilo diferenciado. O escritor Fernando Sabino (mineiro) escreveu para Carlos Drummond de Andrade um texto sobre o povo mineiro. da tarde tem um coral cantando. Nesse livro ele explica tudo isso e se refere sobre a mata atlântica como uma “muralha”. Nosso estilo forte é o feito em barro. Entre os anos 1600 a 1800. Ex. feita por um arquiteto português chamado Francisco Xavier de Brito. que era montada aqui. Mostra a dificuldade dos bandeirantes no transporte do material. O Barroco Mineiro é forte.: A igreja de Olinda foi restaurada na época (+/-) 400 anos atrás.

O nosso barroco é diferente dos das Américas Central e Sul. O assunto do sermão abordava os problemas atuais do momento e do local. Moucharabi. era feito em uma linguagem acessível. eram levadas para a igreja com o véu ou lenço sobre seus rostos. Dominicanas. Existia uma hierarquia. Influência política que ocorre no barroco na construção ou arquitetura: Com o processo revolucionário da Inconfidência Mineira. mas não podiam ser vistas. Em Minas Gerais o "negro" só entrava na igreja para acender as lamparinas. na tentativa de harmonizar a vida naquele vilarejo. das imagens. A divisão física da igreja mineira também difere do resto das igrejas brasileiras. Foi confiada a mão de obra local dos mulatos e negros. Tudo acontecia em função do ouro. Tinha uma conotação social. significava a influência moura ou árabe. Por esse motivo o negro vai construir sua própria igreja. que o barroco brasileiro mineiro é num todo mais rural. menos rebuscado que o barroco do resto do Brasil. a grosso modo. para todas as classes sociais. antes dos 14 anos. pode-se dizer. Franciscanas. ocorre uma vontade de dominação do povo através do ouro. colocava no altar mor a irmandade. Isso deu 78 . Eram venezianas "quadradinhas" que avançavam um pouco para frente como se fossem "Bay window". Assim. de um modo geral a irmandade Franciscana.: A Igreja mineira. Era muito importante ter um lugar para ser feito o “sermão”. Sabará. Mariana. por sua vez. não rebuscada. resultado da cobiça do ouro. Na América Latina coexistem 2 tipos de barroco: O Luso-Brasileiro e o Hispânico-Americano. As jovens dentro de casa podiam ver através dessas janelas. As classes sociais vão ocupar espaços diferentes na igreja. As ordens religiosas Carmelitas. Por vezes os dois se aproximam.O auge do barroco mineiro ocorre com a descoberta de pedras preciosas e ouro em uma grande região que vai ser denominada Minas Gerais. mas nunca se confunde um com o outro. É justamente dessa simplicidade. Outra característica é que ele vai pouco a pouco se transformando num estilo representativo dos anseios do povo. dessa sóbria elegância. Na Nave. das pinturas. Elas se comunicavam através de bilhetes que passavam pelas frestas da janela. Essas janelas vão aparecer até no nordeste. tendo grande influência entre eles. Outro aspecto importante era o realismo das esculturas. que o barroco mineiro extrai sua força e originalidade. As jovens. desse senso de medida e proporção. os homens ficavam separados das mulheres e os Balcões Laterais eram reservados para as autoridades e seus familiares. cada uma tinha sua maneira de distribuir os fiéis na igreja. que vai aparecer nas casas de Ouro Preto. O sermão. na igreja mineira. Obs. Ex. O católico mineiro posicionou a igreja como sendo a localização geográfica mais importante do vilarejo. menos monumental. Depois dos 14 anos elas podiam ir sem véu e com o cabelo solto para poder arrumar pretendentes. desse despojamento.

Era mulato. Isso é feito na época em que Tiradentes foi decepado e esquartejado. Deve provavelmente ter sido reumatismo deformante. Satanás será o malfeitor da zona de prostituição. Tudo era baseado no povo. não premeditado. Duas obras arquitetônicas de Ouro Preto são fundamentais para conhecer a arte de Aleijadinho: São Francisco de Assis: Início em 1776 e término em 1794.: a Bíblia Ele esculpia com o instrumento amarrado à sua mão. Era o que eles viam. sonhos e fantasias. Suas faces são castigadas sem piedade pelo Aleijadinho. construída e decorada somente por Aleijadinho. Era um fazer a arte quase que irracional. Aleijadinho vai trabalhar muito com o tema Inconfidência Mineira. Os evangelistas que Aleijadinho vai esculpir tinha as feições do mandachuva da cidade. em Mariana (cidade vizinha de Ouro Preto) e vai morrer em 1837. Cristo aparece com as mãos e pés decepados. foi considerado o maior estilo e artista brasileiro da época barroca. tal qual dos escravos fujões. Esses artistas são: Antônio Francisco Lisboa (Aleijadinho) que nasceu no ano de 1774. Seus dedos não caíram. Viveu 26 anos em Congonhas do Campo. em Vila Rica. Manuel da Costa Athaíde que nasceu no ano de 1762. tem na garganta uma corda e o coração está sangrando. Era o oposto da Europa. 79 . O altar-mor foi feito na época da Inconfidência Mineira. Seu estilo que é do tipo “expressionista". Nunca estudou e nunca foi a Portugal mas era auto didata e aproveitava tudo o que existia de informações ao seu redor como ex. Os flageladores e perseguidores de Cristo são ridicularizados por pobres e ignorantes. Quem pintava era Athaíde (grande arquiteto também). A igreja foi desenhada. porque deformava com apelo à emoção. Na época usava-se o termo "encarnar" que significava o mesmo que pintar.oportunidade aos artistas de trabalharem com esse material e utilizar o barroco como forma criativa e original para expor seus desejos. São caras bem distorcidas. Ele somente não a pintou. Os púlpitos são colocados na entrada da capela-mor. Jeremias tem os pés presos no grilhão. Teve esse apelido aos 50 anos de idade devido a uma doença que atrofiou e deformou os seus dedos. As pilastras são substituídas por colunas nas fachadas. A pintura da Madona (que é parecida com a namorada dele) e os anjos são mulatos. O teto foi pintado por Manuel da Costa Athaíde que vai fazer uma pintura lindíssima com pássaros. Athaíde também era mulato e Aleijadinho era filho de escravo com Português. A arte de um povo tão jovem tinha que mostrar atrevimento. Esculpia em cedro e em pedra sabão. Os anjos vão ser os meninos robustos que trabalhavam nas ladeiras. onde executou a maior parte de suas obras.

porque Aleijadinho é no tempo e na história. Muda as linhas de fuga para conseguir esse efeito. Nossa Senhora do Carmo é uma Igreja muito importante. Santo Ambrósio e São Jerônimo. o seio bem modelado e não sensual. Essa igreja foi desenhada por Manuel Francisco Lisboa. A pintura é de Athaíde. Você a vê como uma mulher do povo. Foi toda pintada por Manuel da Costa Athaíde.A Nossa Senhora é vista por vários ângulos. Ele também não tinha dinheiro para investir tanto. É uma igreja que recebeu mais pintura do que as outras e os azulejos foram pintados por Athaíde imitando os de Portugal. Aleijadinho não detalhava os pés e nada da cintura para baixo. São os doze profetas feitos em pedra-sabão. é sereno. Ele é o símbolo dessa verdade simples. de Athaíde. tem doçura na carne. Essas pedras são todas de tonalidade cinza. Ele vai mudar até a perspectiva para que pudesse ser vista por todos. pois era uma arte barroca. O expressionismo tradicional no Brasil. etc. O rosto da Santa. com apelo maternal. que escreveu o Barroco Mineiro: Trecho onde se refere a entrada da Igreja em Congonhas do Campo: "Não entrarei Senhor no Templo Seu Frontispício me basta Vossas flores e querubins Já são matéria de muito amar". segundo a sugestão de Aleijadinho. São de tamanho natural e "encarnados" (pintados) por Athaíde. em qualquer ponto da igreja. acabava às vezes num caricatural do expressionismo. pai de Aleijadinho e terminada pelo próprio Aleijadinho. O Arco-cruzeiro que está na frente é atribuído também a Aleijadinho. tem uma grande figura como São Agostinho. a afirmação austera e firme do poder da grandeza dos povos humildes e porque ele é universal na sua arte. carnudo. Eles foram portanto refeitos. É como se fosse uma mãe. 80 . Conjunto de 66 figuras de madeira: São os Passos da Paixão e ficam em capelinhas de madeira também ao relento. Desenhada pelo pai de Aleijadinho. Não tinha importância. tem banco para sentar e namorar. em que o artista (sem escola) se improvisava no esforço de alcançar o jeito de exprimir um sentimento. Matriz Nossa Senhora do Pilar: Situada em Ouro Preto. da Ponte. no Adro da igreja (entrada). Aleijadinho achava que a pintura deveria ser diferente da pintura Portuguesa. por falta de tempo. No plano da arte não existe homens pequenos e grandes. toda feita de pedra cantareira. Quem fez o projeto foi Aleijadinho que somente iria orientar a obra. nações fortes e fracas. de Dirceu e Marília (recebe este nome por estar em frente a casa do casal). pedrasabão e itacolomi. Chafariz do Conto. São Gregório. A cada canto da abóbada dessa igreja. Congonhas do Campo: Guarda o maior conjunto artístico criado pelo mestre Aleijadinho. Este era o modo típico de expressão de Aleijadinho. Existem cupins (que atacam pedras) e estão destruindo tudo. Este trabalho se encontra ao relento. Todos são expressionistas e feitos em madeira pelo Aleijadinho. no Santuário do Senhor Bom Jesus do Matosinho. Chafariz de Ouro Preto: Não se encontra na Europa. belíssima. Outro mestre mineiro: Carlos Drummond de Andrade. sugerindo a Athaíde que mudasse os azulejos.

ROCOCÓ Rococó é o estilo artístico que surgiu na França como desdobramento do barroco. alegria. Características gerais: · Uso abundante de formas curvas e pela profusão de elementos decorativos. Surgido na França com a obra do decorador Pierre Lepautre. Vigoroso até o advento da reação neoclássica. mosteiros e palácios. O termo deriva do francês rocaille. Principal Artista: Johann Michael Fischer. · Possui leveza. Restaurou dezenas de igrejas. alusões ao teatro italiano da época. e da arquitetura disseminou-se para todas as artes. Principais características: · Cores vivas foram substituídas por tons pastéis. motivos religiosos e farta estilização naturalista do mundo vegetal em ornatos e molduras. Desenvolveu-se na Europa do século XVIII. com maior graça e intimidade. · A estrutura das construções ganhou leveza e o espaço interno foi unificado. mais leve e intimista que aquele e usado inicialmente em decoração de interiores. caráter intimista. técnica de incrustação de conchas e fragmentos de vidro utilizadas originariamente na decoração de grutas artificiais. tais como conchas. responsável pela abadia beneditina de Ottobeuren. na Prússia e em Portugal. que significa "embrechado". 81 . bizarro. o centro artístico da Europa transferiu-se de Roma para Paris. Na França. entre 1700 e 1780. (1692-1766). por volta de 1770. o rococó é também chamado estilo Luís XV e Luís XVI. Nos primeiros anos do século XVIII. difundiu-se principalmente na parte católica da Alemanha. elegância. responsável por vários edifícios na Baviera. marco do rococó bávaro. ARQUITETURA Durante o Iluminismo. o rococó era a princípio apenas um novo estilo decorativo. frivolidade e exuberante. laços e flores. Grande mestre do estilo rococó. pastorais. Os temas utilizados eram cenas eróticas ou galantes da vida cortesã (as fêtes galantes) e da mitologia. o rococó foi a principal corrente da arte e da arquitetura pós-barroca. a luz difusa inundou os interiores por meio de numerosas janelas e o relevo abrupto das superfícies deu lugar a texturas suaves.

distinguiu-se pela criação de santos e anjos de grande tamanho. de cenas galantes em paisagens idílicas. o rococó francês ficou restrito às artes decorativas e teve pequeno impacto na escultura e pintura francesas. é em sua disposição dentro da arquitetura que se manifesta o espírito rococó. desenhista e retratista de talento. (1732-1806). membro de um grupo de famílias de mestres da moldagem no estuque. quer cronológica. Jean-Honoré Fragonard . mas a alegre descontração do estilo rococó. François Boucher. "Pietà". escultor alemão. Ignaz Günther. paisagens ("O casario de Issei") e cenas de interior ("O pintor em seu estúdio"). Principais Artistas: Antoine Watteau. "Anunciação". PINTURA Durante muito tempo. caracterizado por uma arte alegre e sensual. (1684-1721). (1703-1770). No final do reinado de Luís XIV. obras-primas dos interiores rococós. Além dos quadros de caráter mitológico. quer estilisticamente. (1709-1772). ao contrário do que ocorreu na arquitetura. não é possível traçar uma clara linha divisória entre o barroco e o rococó. 82 . Principais Artistas: Johann Michael Feichtmayr.ESCULTURA Na escultura e na pintura da Europa oriental e central. "Anjo da guarda". alguns retratos. Mais do que nas peças esculpidas. Foi um dos últimos expoentes do período rococó. em que se afirmou o predomínio político e cultural da França sobre o resto da Europa. Fragonard destacou-se principalmente como pintor do amor e da natureza. escultor alemão. sempre com grande perfeição no desenho. apareceram as primeiras pinturas rococós sob influência da técnica de Rubens. Os grandes grupos coordenados dão lugar a figuras isoladas. que durante muito tempo obscureceu a verdadeira contribuição do artista para a pintura do século XIX. as expressões ingênuas e maliciosas de suas numerosas figuras de deusas e ninfas em trajes sugestivos e atitudes graciosas e sensuais não evocavam a solenidade clássica. cada uma com existência própria e individual. que dessa maneira contribuem para o equilíbrio geral da decoração interior das igrejas. Suas esculturas eram em geral feitas em madeira e a seguir policromadas. pintou. as figuras e cenas de Watteau se converteram em modelos de um estilo bastante copiado. e um dos mais antigos precursores do impressionismo. (1725-1775). um dos maiores representantes do estilo rococó na Alemanha.

que vai aparecer no mobiliário. de comer. que dessem brioches à eles. vai surgir o espírito dos tempos modernos. o povo são os vencedores. Com o passar dos tempos os cristãos tiraram as pedras preciosas dos olhos das esculturas que então ficaram sem o olhar. * arte entendida como imitação da natureza. pintou Napoleão sem os olhos. que estava morrendo de fome.NEOCLASSICISMO No final do século XVIII. Napoleão pede para ser pintado com a mão no bolso. sobre a literatura medieval e sobre a mitologia. o "Arco do Triunfo" (mandado ser construído por Napoleão). Os pintores achavam que as esculturas gregas não tinham olhar de propósito e não que fosse devido a uma destruição do tempo. Por esse motivo temos o néo-classicismo. É o começo dos tempos modernos da história da Arte. O néo-clássico vai copiar o clássico e ao adaptar à sua época. Na época do néo-classicismo. Em Paris vão construir a Igreja "La Madeleine". um recomeçar. Surge o estilo Império. 83 . à base de cera. pela imitação dos modelos antigos greco-latinos. num verdadeiro culto à teoria de Aristóteles. Todos ficam muito ligados a Roma. Começam a usar as formas gregas e góticas nas construções. quase que caricaturista. Abandonando o estilo barroco que era trabalhoso. Os pintores imitam as esculturas na suas pinturas. levando-o a uma pintura pejorativa. temos como conseqüência a mudança do estilo na arte. isto é. onde a burguesia. com suas virtudes. Grécia. o néo-gótico. por toda Europa e resto do mundo. Todos são néo-clássicos. nas roupas. isto é. foi derretendo com o tempo. O pintor néo-clássico. Obs. As pinturas que eram "encáusticas". piora um pouco a arte. Principais características: * retorno ao passado. A escultura grega na Itália era feita sem os olhos. Tudo isso vem como conseqüência da revolução. com a Revolução Francesa. através das escavações. Vai cair a "Maria Antonieta" quando diz ao povo. como se fosse um grego. Como exemplo vai surgir o Néo-classicismo na Inglaterra com as construções de castelos néo-góticos. * academicismo nos temas e nas técnicas.: As esculturas gregas originais quando feitas em mármore tinham os olhos pintados e quando feitas em bronze tinham pedras para decorar os olhos. Pintam cenas de arqueologia e cenas heróicas. etc. sujeição aos modelos e às regras ensinadas nas escolas ou academias de belas-artes. por sua vez. que esquecem dos detalhes. as cidades de Pompéia e Herculano. Pintam fatos históricos. Foram descobertas nessa época. No renascimento existe uma renovação da antigüidade. O pintor néo-clássico fica tão ligado ao clássico. Com a revolução francesa eles se achavam a própria encarnação dos heróis gregos e romanos. depois o gosto geral de se vestir.

os historiadores de arte acreditavam que os edifícios gregos eram recobertos com mármore branco. Amante declarado da tradição. Diante daquelas construções. a arquitetura neoclássica seguiu o modelo dos templos greco-romanos ou o das edificações do Renascimento italiano. em Paris. o pintor foi uma espécie de cronista visual da sociedade de seu tempo. sem dúvida. Ingres passou a vida brigando contra a vanguarda artística francesa representada pelo pintor romântico Eugène Delacroix. Para seu conhecimento: Forte influência da arquitetura neoclássica foi a descoberta arqueológica das cidades italianas de Pompéia e Herculano que. Jacques-Louis David . A modernidade de Ingres está justamente na visão distanciada que tinha de sue retratados. Ardoroso defensor da pureza das formas. mestre inegável do equilíbrio da composição. contudo foi Ingres. repetia a seus alunos. retratos e paisagens. Exemplos dessa arquitetura são a igreja de Santa Genoveva. Exemplo: Casa Branca dos Estados Unidos. Características da pintura: * Formalismo na composição. Durante o governo de Napoleão. ele afirmava. Suas obras geralmente expressam um vibrante realismo.foi considerado o pintor da Revolução Francesa. Seus retratos são invariavelmente enriquecidos com mantos aveludados. em Berlim. transformada depois no Panteão Nacional. Ingres acreditava qua a tarefa primordial da arte era produzir quadros históricos. refletindo racionalismo dominante. mas a crítica moderna vê nos retratos e nus o seu trabalho mais admirável. * Exatidão nos contornos * Harmonia do colorido Os maiores representantes da pintura neoclássica são.. O detalhismo também é uma das suas marcas registradas. que desenhar uma linha perfeita era muito mais importante do que colorir. registrou fatos históricos ligados à vida do imperador. sobretudo em Rafael. 84 . Sua obra abrange. e a Porta do Brandemburgo. numa época em que se consumava o processo de aliança entre a nobreza e a burguesia. Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867). no ano de 79 a. mas algumas delas exprimem fortes emoções. na recusa a produzir qualquer julgamento moral a respeito deles. além de composições mitológicas e literárias. num erro de interpretação. PINTURA A pintura desse período foi inspirada principalmente na escultura clássica grega e na pintura renascentista italiana. e não o retórico e inflamado Delacroix. foram cobertas pelas lavas do vulcão Vesúvio. tornou-se o pintor oficial do Império de Napoleão. ocasionando a construção de tantos edifícios brancos. flores e jóias. Obra destacada: Bonaparte atravessando os Alpes e Morte de Marat. " A pincelada deve ser tão fina como a casca de uma cebola".ARQUITETURA Tanto nas construções civis quanto nas religiosas. principalmente no gosto pelo poder e na sua confiança na individualidade. rendas. o mais revolucionário dos dois. Ingres soube registrar a fisionomia da classe burguesa do seu tempo.C. mais tarde. nus. por exemplo.

e pela Revolução Francesa que lutava por uma sociedade mais harmônica. Vão escrever muito sobre a lenda do Rei Artur. Do mesmo modo. forte. Escreviam não em latim. a permanência do estilo anterior. e * Dramaticidade 85 . traduziu-se essa expectativa na Declaração dos Direitos do Homem e do Cidadão.ROMANTISMO A palavra vem de romance. mas em língua românica. Obra Destacada: Edifício do Parlamento Inglês PINTURA Características da pintura: * Aproximação das formas barrocas. Observa-se. Pintam muitas paisagens. Pregam a liberdade individual acima de regras e de normas. A essência do romantismo é a glorificação dos instintos. Igualdade e Fraternidade. O pintor vai ser muito dramático e emotivo. * Valorização das cores e do claro-escuro. provocando a divisão do trabalho e o início da especialização da mão-deobra. políticas e culturais causadas por acontecimentos do final do século XVIII que foram a Revolução Industrial que gerou novos inventos com o objetivo de solucionar os problemas técnicos decorrentes do aumento de produção. História das aventuras medievais. * o nacionalismo. Em nome do romance. a atividade artística tornou-se complexa. Amam os gregos também. e * os sentimentos do presente tais como: Liberdade. Os artistas românticos procuraram se libertar das convenções acadêmicas em favor da livre expressão da personalidade do artista. Tem mais liberdade e menos regras que o néo-clássico. em que os direitos individuais fossem respeitados. * a valorização da natureza como princípios da criação artística. Vez por outra retomou-se o estilo gótico da época medieval. Mais sentimentos. profunda veneração à natureza. gerando o neogótico. O belo para eles é muito relativo e individual. a violência. O propósito dos artistas românticos era a volta à natureza sublime. grosso modo. o poder. ARQUITETURA E ESCULTURA A escultura e a arquitetura registram pouca novidade. eles adoram a liberdade. o amor. Mais cor e menos desenho. pitoresca. Tudo é muito romântico e assim lidam com a emoção pela emoção. * Composição em diagonal sugerindo instabilidade e dinamismo ao observador. Características gerais: * a valorização dos sentimentos e da imaginação.O século XIX foi agitado por fortes mudanças sociais. menos razão. o neoclássico.

em 1828. seres deformados. das luzes e das sombras. * Natureza revelando um dinamismo equivalente as emoções humanas. de interpretar a realidade. por uma atitude emotiva diante das coisas e esse comportamento pode ocorrer em qualquer tempo da história.representou grandes movimentos da natureza. em 1830. Obra destacada: Os Fuzilamentos de 3 de maio de 1808. inimigo do romancista Honoré de Balzac. dono de uma língua ferina. O comportamento romântico caracteriza-se pelo sonho. cenas históricas e as lutas pela liberdade. "A principal qualidade de um quadro é ser uma festa para os olhos".Nasceu no pequeno povoado de Fuendetodos. Para seu conhecimento: A palavra romantismo designa uma maneira de se comportar. e * Mitologia Grega Principais artistas: Goya . Espanha. Assistiu à ascensão e queda de Napoleão Bonaparte. admirado pelo poeta Charles Baudelaire e indiferente às demais celebridades de seu tempo. 86 . Delacroix tinha noção da própria grandeza. procurou descrever certa atmosfera da paisagem. em 1963. rico e namorador. Turner . foi feito por inspiração do movimento que levou Luís Felipe ao trono da França. finalmente. Culto. os horrores da guerra. Seu quadro mais conhecido A Liberdade Guiando o Povo. Vapor e Velocidade e O Grande Canal. menos de dois meses antes de morrer. Nascido num momento crucial da História da França.Temas da pintura: * Fatos reais da história nacional e contemporânea da vida dos artistas. dando-nos a sensação de grande movimentação. em 1746. tons opressivos. a restauração da dinastia dos Bourbon e. a entronização do rei Luís Felipe. Senhor absoluto da caricatura do seu tempo. suas obras apresentam forte comprometimento político e o valor da pintura é assegurado pelo uso das cores. o pintor viveu a maior parte da vida jovem e adulta num mundo que voltava aos poucos à antiga ordem natural das coisas. muitas vezes tomado como um símbolo das lutas populares e republicanas. Representava assuntos abstratos personificando-os (alegorias). a ação incompreensível de monstros. Obras destacadas: Chuva. aquele em que a burguesia revolucionária colhia os frutos de seu triunfo sobre a monarquia dos reis Capeto. de agir. escreveu na derradeira nota de seus famosos diários. Trabalhou temas diversos: retratos de personalidades da corte espanhola e de pessoas do povo. mas por meio do estudo da luz que a natureza reflete. Eugène Delacroix (1798-1863). Morreu em Bordeaux. Goya e sua mitologia povoada por sonhos e pesadelos. Uma das primeiras vezes que a arte registra a presença da máquina (locomotiva). Veneza. Amigo do compositor Frèderic Chopin.

assumindo muitas vezes uma intenção política em suas obras. tanto para os operários quanto para a nova burguesia. Gustavo Eiffel levanta. REALISMO Aparece quando o romantismo está no auge. lojas. nomeia um sistema. armazéns. inclusive em suas criações artísticas. criadas pela industrialização. Obras destacadas: Balzac. a Torre Eiffel. Além disso. etc. os escultores preferiam os temas contemporâneos. Não existem temas abstratos para o realista. em Paris. PINTURA Características da pintura: * Representação da realidade com a mesma objetividade com que um cientista estuda um 87 . uma nova tendência estética chamada Realismo. que se desenvolveu ao lado da crescente industrialização das sociedades. Ao contrário. O Beijo e O Pensador. Em 1889. procurou recriar os seres tais como eles são.Romantismo designa uma tendência geral da vida e da arte. Os Burgueses de Calais. hoje logotipo da "Cidade Luz". O homem europeu. ESCULTURA Auguste Rodin .não se preocupou com a idealização da realidade. As cidades não exigem mais ricos palácios e templos. portanto. como a mitologia. hospitais e moradias. Sua característica principal é a fixação do momento significativo de um gesto humano. Elas precisam de fábricas. um estilo delimitado no tempo. sobretudo na pintura francesa. que tinha aprendido a utilizar o conhecimento científico e a técnica para interpretar e dominar a natureza convenceu-se de que precisava ser realista. Entre 1850 e 1900 surge nas artes européias. São características gerais: * o cientificismo * a valorização do objeto * o sóbrio e o minucioso * a expressão da realidade e dos aspectos descritivos ARQUITETURA Os arquitetos e engenheiros procuram responder adequadamente às novas necessidades urbanas. deixando de lado as visões subjetivas e emotivas da realidade. escolas. estações. bibliotecas. ferroviárias.

* Ao artista não cabe "melhorar" artisticamente a natureza. pois procurou retratar em suas telas temas da vida cotidiana. próximo à Paris. principalmente das classes populares. etc. As pessoas das classes menos favorecidas . Pintam muito o outono com sua luz dourada fantástica. Jean-François Millet. Todos os artistas de Barbizon admiram profundamente a arte Holandesa (da época barroca. Os artistas incorporavam a rudeza. sendo quase que científica a sua forma de pensar. 88 . pois a beleza está na realidade tal qual ela é. a chuva. Manifesta sua simpatia particular pelos trabalhadores e pelos homens mais pobres da sociedade no século XIX. Seus numerosos desenhos de paisagens influenciaram. Vermeer. Trabalhou na lavoura desde muito cedo. por exemplo. a arte manifesta um protesto em favor dos oprimidos. Em arte. elevando esses tipos à categoria de heróis. tem um duplo movimento. Foi educado num meio de profunda religiosidade e respeito pela natureza. ou seja o pintor buscava representar o mundo de maneira documental. a fealdade. A escola de Barbizon é muito importante porque vai ser a primeira vez que vão pintar ao ar livre antes do impressionismo. Obra destacada: Moças Peneirando o Trigo. Rembrandt. em resumo . Temas da pintura: * Politização: a arte passa a ser um meio para denunciar uma ordem social que consideram injusta. Essa obra vai ser reproduzida muitas vezes. Pintam muitas paisagens modestas. Heróis que nada têm a ver com os idealizados heróis da pintura romântica. "Angelus". sensível observador da vida campestre. Principais pintores: Courbet . Barbizon vai querer empregar a luz pela primeira vez. e. como era a natureza.o povo. que são duas pessoas rezando à tarde. É o caso. criou uma obra realista na qual o principal elemento é a ligação atávica do homem com a terra.) e também gostam muito da burguesia e quase todos os artistas também são burgueses.foi considerado o criador do realismo social na pintura. Pissarro e Van Gogh. Passam o dia pintando na floresta. O grande pilar dessa escola é MILLET que vai pintar "Angelus". ESCOLA DE BARBIZON Barbizon era um vilarejo nas bordas da floresta de Fontaineblaux. * Pintura social denunciando as injustiças e as imensas desigualdades entre a miséria dos trabalhadores e a opulência da burguesia. o relâmpago.fenômeno da natureza. a vulgaridade dos tipos que pintavam. final de dia. * Revelação dos aspectos mais característicos e expressivos da realidade. mais tarde. Alguns pintores do romantismo vão pintar ao ar livre para ver como cai o granizo.tornaram-se assunto freqüente da pintura realista.

Vão pintar paisagens e são aceitos na exposição universal em Paris. mas sendo o personagem em segundo plano e a paisagem em primeiro. não só por encomenda. Pinta paisagens. de interpretar a realidade. romantismo e realismo. ocorreram bem próximos num movimento de 100 anos. realista. A paisagem barroca era encomendada aqui na escola de Barbizon. por uma atitude racional das coisas pode ocorrer em qualquer tempo da história. COROT: Outro grande pintor da escola. O néo-classicismo. O termo Realismo significa um estilo de época que predominou na segunda metade do século XIX. republicano. às vezes introduzindo um cachorro ou uma pessoa no meio da paisagem. amigo da verdade e verdadeiro" A palavra realismo designa uma maneira de agir.Millet nasceu camponês e vai pintar semeadores. Esses pintores vão participar de uma exposição universal em 1855. seivadores. Esse comportamento caracteriza-se pela objetividade. É considerado o pintor mais importante da Escola de Barbizon. A escola de Barbizon é um estilo que significa "ao ar livre". É a primeira vez que a paisagem é reconhecida como obra de arte. 89 . Para seu conhecimento Courbet dizia: "Sou democrata. socialista. A partir de 1855 é que o pintor começa a pintar o que sente. bem próximo ao impressionismo cujo primeiro quadro surgiria em 1874. Vai pintar o rio. como a água corre. DAUMIER: Também pinta camponeses.

Fez duas telas: "Olimpiá" (sobre as prostitutas) e cujo tema chocava o público e "O almoço na relva" (onde os homens se encontravam com as mulheres) causando um escândalo na época. Pelo contrário. e não escuras ou pretas. foi eleito o chefe desse movimento que estava se iniciando. Mas o público e a crítica reagiram muito mal ao novo movimento. discutir suas idéias. * Os contrastes de luz e sombra devem ser obtidos de acordo com a lei das cores complementares. combina as várias cores. * As cores e tonalidades não devem ser obtidas pela mistura das tintas na paleta do pintor. 90 . A mistura deixa. que os artistas seguiam em seus procedimentos técnicos para obter os resultados que caracterizaram a pintura impressionista. É o observador que. pois ainda se mantinham fiéis aos princípios acadêmicos da pintura. A primeira vez que o público teve contato com a obra dos impressionistas foi numa exposição coletiva realizada em Paris. tal como é a impressão visual que nos causam. dentre os pintores impressionistas. pois as cores da natureza se modificam constantemente. de ser técnica para se óptica. em abril de 1874. Havia algumas considerações gerais. definir suas metas. HISTÓRIA DO IMPRESSIONISMO O Café Guerbois era o local onde os impressionistas se encontravam para bater papo.IMPRESSIONISMO O Impressionismo foi um movimento artístico que revolucionou profundamente a pintura e deu início às grandes tendências da arte do século XX. devem ser puras e dissociadas nos quadros em pequenas pinceladas. como os pintores costumavam representá-las no passado. portanto. um amarelo próximo a um violeta produz uma impressão de luz e de sombra muito mais real do que o claro-escuro tão valorizado pelos pintores barrocos. pois a linha é uma abstração do ser humano para representar imagens. que era o mais tradicionalista. ao admirar a pintura. muito mais práticas do que teóricas. * As sombras devem ser luminosas e coloridas. * As figuras não devem ter contornos nítidos. Principais características da pintura: * A pintura deve registrar as tonalidades que os objetos adquirem ao refletir a luz solar num determinado momento. dependendo da incidência da luz do sol. Edward Manet. Ele foi o mais atacado pela crítica e pelo público. Assim. obtendo o resultado final.

de substituir tudo por coisas novas e industrializadas. O maior pintor Impressionista é Claude Monet. 10. Desaparecem os contornos das figuras. O pintor sai do atelier e vai pintar ao ar livre (acaba o “posar”). foi a solução que abriu definitivamente novos horizontes para a Arte Moderna. 9. Eles nunca tiveram a pretensão de descobrir a luz. Resolvem fazer um salão só para eles que vai ser denominado de "O salão dos recusados". O impressionismo é inovador não só da prática ao ar livre. Eles começam a pintar mais o que SENTEM do que o que eles VÊEM. 12. pois provocaram uma verdadeira revolução na Arte. 6. mas também no seu método de trabalho. 5. A forma é dada pela cor. Uso da temática japonesa. Muita luz e amarelo. Pinceladas bem amplas porque o tempo é escasso. Ele passa a ter consciência do caráter transitório. É retirado o preto da palheta. Liberdade para captar. Muita luz e sombra. 3. Os Impressionistas captam esse aspecto transitório da vida e do mundo. Vão inventar a máquina fotográfica portátil.O aprimoramento técnico em todos os setores do desenvolvimento industrial imperava o desejo do novo. Diante disso o artista teve que repensar seu momento para mudar sua arte. as impressões do momento. Os valores mudam completamente. Nas suas pinturas vão empregar o caráter inacabado. mutável das coisas. 91 . Passaram a fotografar tudo ao ar livre. Vão fazer poucos detalhes. 2. sem qualquer regra. Vão lutar 30 anos para serem aceitos. Tentam entrar nos salões e são impedidos. Imperava a máquina fotográfica. Para os impressionistas a natureza não é um material de reflexão. 8. o fugaz. O Impressionismo é definido como tentativa inédita de pegar a realidade da luz. O efêmero. O homem percebe que sua existência é uma luta. com todos esses conceitos. os barrocos é que a descobriram. O Impressionismo. o reflexo como a luz e a fumaça e as nuvens são usadas constantemente. 11. PRINCIPAIS CONCEITOS DO IMPRESSIONISMO 1. 7. A fotografia vai ser importante nesse momento. uma competição. Mistura ótica das cores. 4. é fonte imediata de sensações.

Como os impressionistas eram artistas de vanguarda. Para a pintura japonesa o tema não é tão importante. uma cultura nova. Achavam que o Japão era um povo diferenciado. etc. A paisagem torna-se aquele "pega no ar". Eles achavam que os japoneses tinham uma arte mais decorativa do que considerada como um estilo. Monet. É uma simplificação idealista das perspectivas na superfície do quadro. por exemplo. também colocou elementos da pintura japonesa como o biombo japonês com pássaros e flores. Degas e Van Gogh.Eles renunciaram a visão das formas que nós temos e a substituíram por um método em que o imaginário tem sempre um papel a desempenhar. aquele olhar que capta tudo. pelos impressionistas. A forma de perspectiva japonesa “perspectiva em corte de viés” vai ser usada algumas vezes por Van Gogh e Degas. em sua pintura. Os impressionistas já tinham a técnica inovadora. ele apenas a sugere. onde os navios começaram a chegar com as mercadorias estrangeiras. popular. Os impressionistas vão extrair.). Os portos do Japão foram abertos e começou a chegar muitos produtos japoneses. Em 1862 foram abertos os armazéns do Porto de Desoye. O motivo é captado quase que anarquicamente pelo primeiro olhar. A originalidade impressionista de captar o instante é chamada de "A Impressão Primeira". que foram os que mais sofreram influência japonesa. uma técnica nova. acinzentadas e muita montanha. na história da arte. Foi um modismo da época. O impressionismo não é uma reprodução servil da realidade. O tempo é o que importa e o que pela primeira vez foi representado. (maçãs embaladas em papel. É uma obra em aberto. que é transitório. Esta arte japonesa vai influenciar pintores como Manet. etc. De um modo geral. eles ficavam muito impressionados pelo novo. Os artistas impressionistas descobriram o Japão por eles próprios. JAPONISMO NO IMPRESSIONISMO: A casa de Claude Monet era inteirinha decorada pela pintura japonesa que estava no auge. etc. O imaginário é super importante. 92 . eles retiraram todos os conhecimentos dos japoneses. Ele vão fazer a composição com o objetivo de registrar o momento. A arte japonesa era uma arte pitoresca. requintada e lendária (de muitos séculos). é o "Triunfo do Espírito de Análise". Eles utilizam cores leves. a montanha da pintura japonesa e colocar na pintura deles como uma recordação. um Samurai. Manet. através de uma série de coisas.

como aprendiz de piloto. traduzidas e comentadas por Afonso de E. Taunay no livro No Rio de Janeiro de Dom Pedro II (1947). então. Nasceu em Paris. obra revolucionária para os padrões da época. entre elas "As corridas de Longchamp". Manet casou-se com Suzanne Leenhoff em 1863. após seis anos. começou a pintar cenas de hipódromos. no Salon des Refusés (Salão dos Recusados). Tinha uma relação muito ativa e dinâmica com a obra de arte. ingressou no ateliê de Thomas Couture e. instalou seu próprio ateliê. em junho de 1849. embarcou com destino ao Rio de Janeiro. Na época. Após a exposição realizada em sua memória. Foi aí que aconteceu a segunda guerra mundial. com a liberdade. Manet morreu em Paris em 30 de abril de 1883. Manet se alistou na guarda nacional. No Salão de 1865. onde provocou a admiração dos jovens pintores que mais tarde integrariam o grupo impressionista. a água. "Música nas Tulherias". onde fez os primeiros estudos. foi exposto no ateliê de Manet. preferia ficar na praia. em 23 de janeiro de 1832. a tela "Olympia" provocou novo escândalo.PRINCIPAIS ARTISTAS ÉDOUARD MANET Édouard Manet nasceu em Paris. A liberdade. Tinha uma mania de fazer caricaturas em seu caderno desde os 7 anos de idade. No ano seguinte. o júri do Salão da Academia Real rejeitou o quadro "Déjeuner sur l'herbe". A breve passagem pela cidade está documentada nas cartas que enviou do Brasil a seus familiares na França. No ano seguinte. No início da guerra franco-prussiana de 1870. A preocupação dele foi sempre reter na tela o sol. Manet a expôs. onde o mar vai assumir muita importância para ele. seus pais finalmente aceitaram sua carreira de pintor. pintou "O bebedor de absinto" e. Jamais teve uma contemplação passiva com a natureza. chocados com a presença de uma mulher nua em meio a homens vestidos. cena ao ar livre que reúne figuras da sociedade parisiense do segundo império. no instante em que isso acontecia e da maneira como o olho percebia. o infinito do mar. com o instante. mas a família rejeitou sua pretensão de tornar-se pintor. a obra do pintor finalmente obteve reconhecimento. o vento. "O pífaro". o quadro provocou violenta reação dos críticos. Aprendeu a vibrar com a paisagem. Foi então melhorando seu desenho e 93 . com o momento. Não foi aluno brilhante na escola. Émile Zola publicou então um artigo em que o elogiava. Quando ele tinha 5 anos a família foi morar no porto de Le Havre. tornou-se amigo de Claude Monet e outros pintores impressionistas. filho de um comerciante de especiarias (que hoje seria um empresário). Já no colégio Rollin. Em 1859. o horizonte foi muito importante na sua formação. em 1862. CLAUDE MONET: Nasceu em 1840 e morreu em 1926. Após regressar à França. Tinha uma forma de ver e sentir a dinâmica do tempo como nenhum outro pintor impressionista teve. Em 1874. Em dezembro de 1848. rejeitado pelo Salão. Em 1863. demonstrou interesse pelo desenho. Embora inspirado em obras de antigos mestres como Giorgione e Rafael.

Manet se reuniam para pintar na casa de Monet. Os seus amigos ajudavam dando comida para ele sobreviver. Lá ele conheceu Pissarro que foram pintar juntos em Mont Martre (onde os pintores pintavam muito). O dinheiro que arrecadava comprava mais material para sua pintura. Renoir. conseguiu entrar. Prestou um exame. azul e vermelho (cores primárias) e as cores complementares (roxo. O fundamental para os impressionistas era usar as cores amarelo. Os pais não gostando dessa situação vai cortar novamente a ajuda financeira. E. como Monet já tinha lutado na guerra anteriormente. Conheceu também Coubert (pintor Realista). messenas. O “Atelier Suíço” era uma escola de vanguarda.passando a receber encomendas de mais caricaturas. onde ficou super depressivo. Ele ficou tão desesperado que tentou o suicídio para que a sua família percebesse o seu problema. Nessa época aconteceu a guerra franco-prussiana. pato. queijo e uma plantinha para fazer o seu jardim. para o próximo encontro. crítico. sem exames e de ensino muito informal. Cada um levava uma alimento como: pão. Em 1866 pintou uma moça que achou muito bonita chamada Camille e expôs o quadro obtendo muito sucesso. costume que os franceses não tinham. Vai praticamente sustentar Monet que vai pinta muitos quadros para ele. ele resolve então casar com Camille. Em Paris volta a pintar e nessa época vai conhecer Renoir e Sisley. Criava galinhas. em Argenteuil. para estudar na escola de Belas Artes de Paris. etc. Todos os domingos os chamados rebeldes como: Pissarro. chamado Paul Duran Ruel. Desta vez Monet passa a cobrar dos marinheiros pois não os conhecia (10 a 20 francos por caricatura). Não cobrava dos amigos. Em 1859 Monet leva uma carta de apresentação de uma tia (que pintava mal). muito aberta e livre. Monet passa por dificuldades financeiras quando nasce nessa época o seu primeiro filho Jean. Vai decidir estudar no "Atelier Suíço". O pai incentiva-o a ir estudar em Paris. Não quis seguir nenhuma profissão que o pai escolhera para ele. Vai pintar o Parlamento em Londres (Renoir também pintou o parlamento). laranja e verde). Monet vai pedir para que todos levassem flores. Monet estava tão pobre a ponto de quase não ter o que comer. mas achou uma escola muito acadêmica. Começa a construir seu primeiro jardim. Com 17 anos decidiu ser pintor. vai pegar sua esposa e filho e fugir para Londres. Vai conhecer um comerciante de arte riquíssimo. Na França vai morar as margens do Sena a poucos quilômetros de Paris. cada uma de uma cor. Ele é banqueiro. Monet antes de voltar à Paris passará pela Bélgica. onde vai passar frio e fome. Na Bélgica vai gostar mais do trabalho de Rubens. Monet passa a convidar gente para ir à casa dele. não ter dinheiro para pegar uma condução para visitar a esposa no Hospital que tinha dado a luz. que vai dar apoio substancial aos impressionistas. francês. Quando seu pai descobriu cortou sua mesada. A partir daí eles começaram a trabalhar “o que era impressionismo”. Os pais voltam a dar ajuda financeira até que Monet (de classe média alta) vai viver com uma modelo de classe social bem modesta. Holanda com o trem Maria-fumaça. Sisley. Foi nessa época interrompido pelo serviço militar tendo que ir para Argélia. Passa a fazer até caricaturas nos bares. 94 . No cais de Le Havre. com exceção de Basile que morreu na guerra da Prússia. Como não deram atenção. Voltando da Argélia foi para a casa dos pais para se recuperar e onde decidiu voltar logo à Paris. os marinheiros também se interessaram e pediram então a ele que também fizesse caricaturas. onde se empolga muito com o trabalho de Rembrandt. Vai estudar muito as obras de Constable e Turner.

do momento. O que importa para Monet é ver a luminosidade. O que a pouco tinha uma forma volumosa. Em 1875 conheceu um milionário chamado Hoscheder que vai ajudá-lo muito. Constrói um jardim de estilo normando maravilhoso. Monet faz uma série de quadros de feno e outra série de pinturas. e todo aquele envolvimento que o trem faz. em uma exposição na Rússia. obras bem claras. Monet passa a pintar mais em Giverny e a ganhar mais. Quando vai ao campo. A atmosfera muda o tempo todo conforme a hora. "Quando o artista Monet toma plena consciência da importância da atmosfera. Pinta cada vez mais e vai visitar Cezanne em L'Staque e depois Renoir. O seu trabalho mais importante dessa época chama-se "Rua da Aldeia". Ele vai expor 56 telas na galeria do Duran Ruel sendo quando quase um sucesso (pois não vendeu todas as telas). festivas. Vai ser uma característica muito típica da linguagem impressionista. onde é inverno e de uma tristeza profunda. Ao ar livre a cor do objeto muda muito em função da atmosfera que filtra a luz e permite o reflexo. o lugar. ou as pessoas. Depois de deixar o trem. mas sombras com tonalidades diferentes e não mais só de uma cor. Resolve comprar o terreno do outro lado da estrada em frente a casa. a temperatura. Monet vai sair de Paris e Hoscheder e sua família. quando suas obras são mais alegres. as brumas. ele prefere focalizar o mesmo ambiente nas diferentes horas do dia". pois vai refletir a tristeza que sentia pela morte de sua esposa. Monet vai deixar de escurecer as sombras. Começa a viver lá com os filhos que tinha e com a mulher e filhos de Hoscheder. Só que 1 ano depois em 1879 morre sua esposa. de repente pode ser uma leve sugestão. que eram amigos da família de Monet. É a busca do tempo perdido. deixa de viajar ao longo do espaço para viajar ao longo do tempo. O artista vai se ligar muito na atmosfera. Constrói um jardim oriental aquático do lado de lá. Passa a ser muito mais interessante a atmosfera do que a paisagem. Já não interessa tanto percorrer o rio Sena a fim de pintar as diversas situações que aconteciam as suas margens. Resolvem pintar também em outros lugares como na Cote d'Arzur. deixando-o muito deprimido. etc. Eles vêem a natureza com a mente além dos olhos. As sombras vão ser obtidas mediante o emprego das cores complementares. bem iluminadas. Vai pintar em uma plataforma numa estação de trem para ver o trem sair e chegar.As cores complementares vão ser um dogma para os impressionistas. as Ninféias. Vai melhorando e aumentando a casa. Durante 30 anos Monet vai morar em Giverny pintando a mesma coisa. Monet percebeu que as sombras não eram simplesmente áreas mais escuras. pintando ao contrário. Fica muito encantado com aquela pintura que dava a impressão de feno. pega uma charrete e volta para Giverny onde vai compra aquela casa. Kandinski com essa influência do Monet consegue se desenvolver para o abstrato. Todos moravam ali por perto. Hoje você passa por baixo dessa estrada por um túnel. Vai pintar muito pouco e obras bem tristes. vai a falência. Kandinski fica muito encantado ao ver os quadros de feno de Monet. que tinha sumido. As cores complementares virão sempre ao lado das cores primárias. Em 1878 nasce seu segundo filho Michael. Percebe que tem que viajar ao longo do tempo. A situação pessoal dele tinha altos e baixos. Fica feliz com o nascimento de seu segundo filho e nesta época também está ganhando melhor. comprando muitas obras durante 3 anos. Vão tirar da paleta o preto e quase todas as terras como: terra-de-siena. Essa obsessão das cores complementares vai acontecer quando vão pintar ao ar livre. sendo quase que uma abstração do conteúdo. Um dia passando por Rouen encontra uma casinha encantadora em Giverny. Vai 95 . bonitas e suas composições são melhores.

por sua beleza e sensualidade. teve um período de rebeldia diante das obras de seus amigos. outono. São inesquecíveis poesias cromáticas. Renoir nunca deixou de dar importância à forma . na cidade de Cagnes-sur-Mer. buscando o impressionismo por toda a sua vida e por esse aspecto vai ser muito mais bem aceito do que o próprio Renoir. Mais tarde retomaria a plenitude da cor e recuperaria sua pincelada enérgica e ligeira. inverno. com motivos que lembram o mestre Ingres. telas. Apesar de sua técnica ser essencialmente impressionista. evidente na longa série Banhistas. Em 1896 vai expor essas pinturas na Galeria Duran Ruel. etc. como ele próprio afirmava. Um político francês fica encantado com seu trabalho e a partir de 1896 Monet é considerado o mais famoso pintor dos impressionistas. Começou a pintar a série das ninféias no ano de 1899.de fato. ganhando muito bem. ofício que aprendeu numa escola noturna. Morreu no sul da França.pintar a Catedral de Rouen em 20 variantes no verão. Renoir vai pintar as encomendas da família do banqueiro e as meninas no piano. Seu principal objetivo. era conseguir realizar uma obra agradável aos olhos. Aluga uma casinha em frente a Catedral para pintá-la em suas variações durante o dia. Monet era mais aberto e por isso vai ser um pintor quase que contemporâneo. Sua obra de maior impacto é O Baile no Moulin de la Galette. Renoir (1841-1919) começou muito cedo a ganhar a vida como pintor de porcelana. no qual se voltou para uma pintura mais figurativa. Enquanto Renoir trabalhava por encomenda. pintando ao ar livre. além de aperfeiçoar sua técnica. 96 . onde faz o maior sucesso. Mesmo doente. Em 1900 Renoir foi nomeado Cavalheiro da Legião de Honra. Monet e Bazille. “Monet buscou sempre a luz em movimento em uma atmosfera mágica”. aqui e ali intensamente azuis. São dezenas de trabalhos em estudos. Monet pintava o que gostava. com quem compartilhou dias de muita conversa e teorização em Paris e de árduo trabalho em Argenteuil. em que conseguiu elaborar uma atmosfera de vivacidade e alegria à sombra refrescante de algumas árvores. conquistou a amizade de Sisley. Ele fica muito rico. Desde o princípio sua obra foi influenciada pelo sensualismo e pela elegância do rococó. embora não faltasse um pouco da delicadeza de seu ofício anterior como decorador de porcelana. Monet pintava o que queria. Teve uma espécie de malária o que não diminuiu o seu trabalho. idoso. aceito publicamente antes de todos os outros pintores. Assistindo às aulas no ateliê de Gleyre. nada o afasta de seu trabalho. Morreu em 05 de dezembro em 1926. AUGUSTE RENOIR De origem humilde. conseguindo expor e vender.

quase cegas. Degas (1834-1917). Entre 1875 e 1877 Seurat freqüenta o Curso de Desenho numa escola estatal noturna. com a força descritiva do traço. Então iniciou uma amizade com Edmond Aman-Jean. quando. embora tivesse continuado a se dedicar aos quadros históricos e de gênero. que morava desde 1862 na Boulevard Magenta. não hesitou em aplicar todas as teorias renascentistas sobre espaço e perspectiva. Chrysostome-Antoine Seurat. Entre os anos de 1856 e 1857. ópera e corrida de cavalos. Degas foi. o comerciante de tecidos Paul Haumonté-Faivre.EDGAR DEGAS Nascido em uma família rica. tinha sido antes oficial de diligências em La Villette. em 19 de março. cujo pai era banqueiro. Monet e Renoir. ou numa casa na La Villette. Também se interessou vivamente pelos quadros de Ukiyo-e japoneses. O tema principal de suas obras se concentrou nas cenas cotidianas e íntimas do mundo feminino. fato que se reflete ainda mais em suas últimas obras. A mãe. Depois inscreveuse na Academia de Belas-Artes. Seurat é introduzido na pintura pelo seu tio materno. O filho tinha uma relação estreita e afetuosa com ela. tendentes à desmitificação da mulher. nº 110. Nos primeiros quadros. principalmente. fazendo tentativas com planos e pontos de vista inusitados. GEOGES SEURAT Georges Pierre Seurat nasceu em 2 de dezembro de 1859 na Rue de Bondy. interessado nas teorias de seus amigos do café Guerbois. descendia de uma família abastada da classe média Parisiense. A partir de 1870. 97 . ele também era um pintor amador. um aluno de Jean Auguste Dominique Ingres. em Paris. Seurat é admitido. Visitava a família. Durante o tempo da instrução escolar (1869-1876). só podia pintar com pastel. o que melhor se utilizou da fotografia. Ernestine Faivre. que o escultor Justin Lequien dirigia. na École des Beaux-Arts e ingressou. Ele estuda os antigos mestres no Louvre. em Le Raincy. que foi aluno de Ingres. Tinha reunido uma pequena fortuna e levou uma vida solitária como reformado na sua casa de Verão. Em 1876 estudou a Gramática das Artes do Desenho de Charles Blanc. fez uma viagem à Itália. Todos esses temas lhe permitiram fazer experiências com a cor e o movimento e. De todos os impressionistas. mas ampliou depois esses critérios. fez uma série de quadros de balé. onde assistia às aulas de Lamothe. juntamente com Aman-Jean. para estudar a obra dos mestres do cinquecento. algo que Degas admirava em Ingres. Em fevereiro de 1878. tecnicamente falando. Voltando à França entrou em contato com o grupo de impressionistas. entre outros. apenas uma vez por semana. freqüentou os melhores colégios de Paris e concluiu seus estudos de direito sem dificuldade. na turma de pintura de Henri Lehmann. nº 60. Isso lhe valeu críticas e o apelido de solteirão misógino. O pai. Suas obras se encontram nos museus mais importantes do mundo.

foi tão singular como a de seus amigos Van Gogh ou Cézanne. em busca de novos temas. à miséria humana. em oposição a qualquer naturalismo. que resultou numa produção artística singular e determinante das vanguardas do século XX. * preferência pelo patético.PÓS-IMPRESSIONISMO O Expressionismo é a arte do instinto. No ano de 1891. Apesar disso. fazendo e refazendo. que. fundidas ou separadas. de 98 . inesperado. vibrantes. Predominância dos valores emocionais sobre os intelectuais. Deforma-se a figura. segundo conhecidos do pintor. * pasta grossa. dá forma plástica ao amor. ao ciúme. à prostituição. Suas primeiras obras tentavam captar a simplicidade da vida no campo. martelada. Gauguin voltou com os pais para a França. * dinamismo improvisado. * técnica violenta: o pincel ou espátula vai e vem. Aos 35 anos tomou a decisão mais importante de sua vida: dedicar-se totalmente à pintura. Corrente artística concentrada especialmente na Alemanha entre 1905 e 1930. quase decorativamente. Suas telas surgem carregadas da iconografia exótica do lugar. Os pintores não queriam destruir os efeitos impressionistas. para se libertar dos condicionamentos da Europa. As cores se estendem planas e puras sobre a superfície. Em 1887 entrou para a marinha e mais tarde trabalhou na bolsa de valores. * cores resplandecentes. trágico e sombrio OBSERVAÇÃO: Alguns historiadores determinam para esses pintores o movimento ”Pós Impressionista”. fruto. para ressaltar o sentimento. abrupto. ao medo. é verdade que teve seguidores e que pode ser considerado o fundador do grupo Navis. Utilizando cores irreais. e não faltam cenas que mostram um erotismo natural. Os três primeiros pintores abaixo estão incluídos nessa designação. à solidão. Principais características: * pesquisa no domínio psicológico. Começou assim uma vida de viagens e boemia. trata-se de uma pintura dramática. empastando ou provocando explosões. mais precisamente para Orléans. o pintor parte para o Taiti. mas queriam leválos mais longe. longe de poder ser enquadrada em algum movimento. áspera. como demonstra o seu famoso Cristo Amarelo. “expressando” sentimentos humanos. mais do que um conceito artístico. Sua obra. Principais artistas : PAUL GAUGUIN (1848-1903) Depois de passar a infância no Peru. representava uma forma de pensar a pintura como filosofia de vida. algo que ele consegue com a aplicação arbitrária das cores. subjetiva.

Essa loja chamava-se Galeria Gropil com filiais em Haia. o que deixou-o muito perturbado. teologia. A cor adquire mais preponderância representada pelos vermelhos intensos. Cresceu sob o estigma do seu irmão morto. filosofia. É por isso que foi um grande acontecimento em sua vida. Foi a primeira grande desilusão amorosa de sua vida.sua paixão pelas nativas. Ele vai primeiro para Haia trabalhar como empacotador de livros e despachos também. Van Gogh começa a falar de arte com o irmão. apaixonando-se por arte. Era um homem muito culto. Nasceu um ano depois que sua mãe perdeu o primeiro filho. A sede principal era em Haia. pensando. Vicent Van Gogh foi uma criança muito difícil. seu confidente. Em 1872 Théo (com apenas 15 anos) vai se encontrar com Van Gogh em Haia. Tem um livro chamado "As cartas de Van Gogh para Théo" (para quem quiser saber muito sobre sua vida). Quando voltou a Paris. na aldeia holandesa de Brabant. Obra Destacada: Jovens Taitianas com Flores de Manga. o qual tinha o mesmo nome de Vicent Van Gogh. A família se preocupava com ele. Os dois sempre vão ser muito leais e amigos um com o outro. Em 1873 após esse encontro Van Gogh sai de Haia e vai trabalhar em Londres com o tio. Van Gogh tinha um tio que era próspero negociante em Haia. ficando alguns dias com ele. problemática. em quem podia confiar. Essa criança nasceu e morreu logo após o seu nascimento e a mãe o enterrou atrás de sua casa. não se dava com ninguém. Achava que tinha condições para se desenvolver como pintor. Amsterdã e Paris. Tudo o que se sabe sobre Van Gogh foi obtido através dessas cartas. próximo a fronteira da Bélgica. Quando eles se separam começam a se corresponder por sentirem muito a falta um do outro. extremamente solitário. com cabelo espetado. Van Gogh foi morar e trabalhar com esse tio. Ele sempre andava vagando sozinho pelos bosques. Van Gogh vê no Théo sua alma gêmea. Van Gogh nessa época tinha 19 anos. sua cultura vem de sua autoinstrução. mas não de escrever. realizou uma exposição individual na galeria de Durand-Ruel. as cartas que escreveu. a quem escreveu mais de 650 cartas. estudando essas gravuras. etc. Van Gogh passou a sua vida toda vendo a lápide atrás de sua casa com seu nome. Esse tio teve um papel muito importante na sua vida. VINCENT VAN GOGH Nasceu em 30 de março em 1853 e morreu em 1890. por que não deu certo e fica nervoso. Em primeiro de março de 1857 nasceu seu irmão mais moço chamado Théo que vai ser o protetor de Van Gogh por toda sua vida. Théo é o seu irmão. Nasceu em Zundert. Ele se achava também muito feio. mas fixou-se definitivamente na ilha Dominique. sobre os problemas da família. Van Gogh começa a ver as reproduções dos grandes pintores. tinha uma cadeia de lojas de livros de arte. amarelos. Resolve não se apaixonar mais por ninguém. A sua vida escolar foi muito fraca. vivendo só 37 anos. A moça dizia para ele que era horroroso. e que o entendia plenamente como se fosse o outro "eu" dele. Outra coisa que detesta em 99 . verdes e violetas. e a partir daí eles permanecem ligados para o resto da vida. voltou ao Taiti. Queria que ele se desse bem em alguma coisa na vida. filha do senhorio da casa onde ele está hospedado. Vai se apaixonar por uma moça loira muito bonita. o seu outro “eu”. Embora tenha estudado muito pouco. Lia muito Platão. Gostava muito de ler. de gravuras e de pinturas. não sendo nada correspondido.

Chega a passar uma noite em Paris. Devido a sua crise espiritual. A impressão sofrida fortaleceu o desejo de trabalhar com os pobres e os humildes. julho e agosto). à parte: A obsessão pela religião parecia uma fuga da sociedade. reprovado nos exames de admissão.Londres é a falta de sol. Tudo encanta. em uma escola infantil. Em Paris vai ler muito sobre os grandes escritores da época como "Floubert. Em 1878 volta à Holanda. O irmão fica horrorizado. Fica quase com pneumonia e Théo. 100 . Tinha a alma muito parecida com a dos pintores latinos. Ao invés de desistir. ele tinha que visitar as famílias dos estudantes. Incumbido de cobrar taxas da escola. pois o tio era bom e só tentou ajudá-lo. Escreve uma carta para o irmão dizendo que a miséria o atraía. Boudelert". Tudo o que ele fazia era extremamente exagerado. Vai à Paris em 1875. Fica muito deslumbrado com a luz de Paris e suas ruas movimentadas. seu irmão. no Boulevard do Capuccino. vai socorrê-lo. Obs. enquanto trabalhava vendendo gravuras na loja do seu tio. só para ver a água da chuva batendo na luz e caindo nas poças. portanto. da família. Passa a brigar com a clientela querendo impor o que ele achava. O tio exige que ele freqüente somente a galeria dele ou que então Van Gogh vá embora. Só que Van Gogh falava para os fregueses que comprassem as pinturas de outros pintores. Adora Paris e odeia o seu emprego. Foi. tudo o seduz. Quer ser pastor de pobre e não de rico. perto de Zundert. Van Gogh era muito inconstante. das suas frustrações amorosas. Só que o seu conhecimento por línguas era deficiente. mas não adiantava dizer nada. Começa então a desavença com o tio. Resolve voltar para a Inglaterra. onde é muito mal recebido. porque nasceu num país que tem somente 3 meses de sol por ano (junho. Só Théo o compreende. ficando muito frustado e sem perspectiva para o futuro. O seu pai era pastor. Em 1876 ele sofre sua primeira grande crise nervosa depressiva. muitas vezes em seus sermões. A partir dessa sua primeira crise. fez um curso de pastor leigo em Bruxelas. ver o sol e os impressionistas que estavam acontecendo. Em Paris. que não eram vendidas na galeria de seu tio. Van Gogh falava que apreciava muito as outras galerias por ter outras pinturas bem diferentes e que o tio só tinha pintura acadêmica. em Etten. suas palavras acabavam mais perturbando do que confortando os ouvintes. Tornou-se assistente de um pastor metodista e começou a pregar. tinha crises fortes de rolar no chão (epilepsia). ele vai ficar extremamente místico e fervorosamente religioso. Resolve ensinar francês e alemão num bairro pobre da metrópole. onde viviam os operários. Fica frustado por querer ser pastor e o seu pai não o entender. para passar o Natal com os pais. A família resolve ajudá-lo a estudar teologia em Amsterdã. pois poderia seguir a carreira do pai e do avô. Resolve voltar para a casa dos pais. Van Gogh resolve ficar na galeria. faltava do emprego para ir visitar as outras galerias. Não gostava dos países nórdicos porque era anglo-saxão. Era maníaco-depressivo. O pai fica indignado com Van Gogh. levando-o a conhecer as condições miseráveis da zona leste de Londres. mas achava que era impossível que ele fosse tão maníaco por religião. Com 22 anos briga com o tio. Seu tio ficava muito aborrecido por ele ir visitar as galerias concorrentes. Vai pensar o que fazer da vida.

distrito belga de mineração de carvão.Três meses depois. 101 . Vai pintar obras fantásticas dessa prostituta. onde passou a conviver com os mineiros. Quando a família ficou em cima. pobre e seus pais resolvem não ajudá-lo mais. em novembro de 1878. fez uma mala farta de roupas. ela pulou fora do relacionamento indo morar com os seus pais em Amsterdã. como Cristo deu tudo aos pobres. Ele sempre sabia que seria e se considerava um grande pintor. que era uma prima afastada. meias. Passou a desenhar seus pais. Quando ele ficou péssimo. a vida daquela gente. Resolve voltar para Haia. Passa dias sem comer porque o que recebia dos pais ele dava aos pobres. também. os homens que trabalhavam na terra quase só para comer e. Vendo aquela pobreza. que o adorava. Mais uma vez não deu certo sua vida amorosa. mudou-se para Borinage na Bélgica. Por 2 anos não tem nada escrito que fale como ele sobreviveu esse tempo. A ligação não durou muito. etc. as suas roupas para os pobres. Em 1883 Van Gogh vai à Holanda ver seu pai que tinha uma nova paróquia e sentindo-se incompreendido foi viver em dois quartos alugados nas proximidades. Acolhido como amigo. ele começa a dar tudo o que ele tem. Christine não o acompanhou. aprendeu. Em 1882 vai morar num quarto horrível em uma casa. Vai pintar muito o que tinha visto em Borinage. mas sabia que seria um grande pintor. foi buscá-lo de volta para a casa. Ele queria viver e casar com ela. quase não toma banho e muito sujo. distrito mineiro do norte da França. volta a pintar com a mesma paixão que ele teve no misticismo. o de desenhar diretamente temas da natureza. Anthon Von Rappard. Quando ele decidiu mudar-se para o campo. Perto de sua casa tinha uma viúva muito bonita chamada Kee Vos. Multiplicaram-se nesse período os desenhos com que retratava. Ele estava tão pobre que o dinheiro que recebia do irmão era pouco para comprar o material de pintura. etc. porque estava afastando os pobres da Igreja. em seu estúdio. Passou a estudar desenho em Bruxelas com um jovem estudante da Academia. Depois do parto ela voltou a beber e Van Gogh não teve mais como ajudá-la. agasalhos. Théo vai escrever que se ele continuar com essa mulher ele vai parar de mandar dinheiro para sustentá-lo. Apaixona-se perdidamente por ela. em suas cartas. perspectiva e anatomia humana. "Natureza Morta com Cinco Garrafas e Tigela". em sua casa. Quando ele foi para lá a sua mãe. Em abril de 1881 foi visitar Théo em Etten. Estava em uma profunda crise mística. Só que a miséria que ele achou na região era muito pior do que ele pensava. Fica praticamente sem roupas. Ela o aceitou. mas estava doente com tuberculose. dizendo que iria pegar mal na sociedade. Viajou a Courrières. Pintou também "Camponesa Varrendo". sua irmã e camponeses em seus afazeres. Seu pai preocupado com as condições que o filho vivia. Théo começa a sustentá-lo a partir daí. Um deles era o seu estúdio onde em 1885 vai pintar uma de suas mais famosas obras "Os Comedores de Batatas". dividindo o quarto com uma prostituta chamada Christine Sien. Mas a família foi contra o relacionamento porque ela era viúva recente e prima. a congregação o despede. Ela tinha um bebê e estava grávida de outro. Van Gogh. Ela estava começando a gostar dele. Um dos quadros mais bonitos que vai pintar sobre ela chama-se "Tristeza". Em Haia recebe um conselho de um primo artista também.

eu quero que as cores representem as minhas emoções. quero que as cores representem o meu coração". O sol do sul da França parecia explodir de tão forte e era o sol que ele chegou a pintar exatamente como era mais tarde. Lá ele faz amizade com todo mundo. Expor para os impressionistas ainda era um obstáculo quase intransponível. Van Gogh e Toulouse Lautrec que também tinha uma vida bem à parte. os grandes cafés e ele não. Aluga um sobrado amarelo numa praça chamada "La Martine". Resolve se matricular em uma Academia de pintura acadêmica. que gerenciava uma galeria em Mont Martre. É aí que vai pintar seu primeiro auto-retrato. Fica íntimo da família do carteiro. Disse para o seu irmão que aquela era a pátria dele e que gostaria de viver para sempre lá. Mas. Antes de seguir para Paris. já que não consegue vender. viviam bem. Não chega a ficar íntimo. que ele não tinha. ficou em Antuérpia alguns meses. As pinturas de Rubens estavam espalhadas pelas igrejas e museus da cidade. em um apartamento muito bonito. Descobre a cor e escreve para o Théo: "A cor expressa algo em si. Van Gogh destoava dos outros artistas porque os outros eram de família rica. Não acreditava que não tivesse vivido lá anteriormente. freqüentavam as grandes galerias. Pinta a família Rolan. Em seguida fica muito amigo de Pissarro e Paul Gauguim. Fica impressionado com essas obras. porém. Teve uma paixão por Paul Gauguin onde via a coragem nele. Vai conhecer Manet. só serviu para ele fazer desenhos sobre nus. Continua a pintar como impressionista. Vai convidar todo mundo para viver com ele ali. Van Gogh fica apaixonado pelo sol que era tão forte a ponto de perturbar as vistas. mudou-se novamente para França. Vai de qualquer modo deixar a Holanda para sempre. no bairro dos intelectuais e dos artistas. Em outubro chega Paul Gauguin para trabalhar com Van Gogh. O primeiro que quis que morasse com ele foi Gauguin. Pelo histórico Van Gogh deve ter sido bissexual devido a tendência de gostar de mulheres e homens. simplesmente porque ela existe. Pede a Théo. onde fará as pinturas que mais conhecemos hoje. Van Gogh não conseguia expor o que pintava. Fica muito amigo do proprietário do café e do tenente do exército. Vai morar com seu irmão. 102 . o padeiro. O sul da França para ele tinha uma equivalência com o Japão. Vai pintar o carteiro. Volta a Paris onde passará dois anos frutíferos entre 1886 e 1888. O motivo talvez tenha sido a morte do seu pai ou então o desejo de estar perto do irmão que se mudara para Paris. Vai escrever: "Eu quero a luz que vem de dentro. Fica encantado com a luz do impressionismo e pinta algumas obras totalmente impressionistas. Nessa época ainda não tinha crise nenhuma e estava pintando muitos quadros impressionistas em Arles. Cidade próxima de Marsseilles. Deve-se aproveitar sempre isso.Em 1884. Quando chega o verão. Renoir. Van Gogh sai de Paris e vai para uma cidade no sul da França chamada Arles. A luz vai iluminar os girassóis que pinta. pinta todo mundo. Vai começar a pintar cada vez mais rápido. de ter abandonado toda a família e tudo para morar em Taiti (?). que dê ajuda financeira à ele. eram mais boêmios. pois a cor é bela e o belo é sempre verdadeiro". Van Gogh entra numa fase furiosa de pintar onde vai fazer uns 300 quadros em menos de 4 meses. Degas e achava que todos eram antipáticos e metidos. Monet. O impressionismo estava no auge. Resolve fazer uma colônia de artistas.

Cada vez que tinha uma crise e voltava muito fraco e abatido. Vê anjos e demônios. Eles eram completamente diferentes. de mágoa. Pintava. enfim. todas as pessoas de Arles passam a detestá-lo por isso. com as tintas. Isso perturbou mais Gauguin dizendo que jamais pisaria ali novamente. Vai visitar Van Gogh e faz com que um amigo seu. irritando-se muito com Van Gogh. Gauguin jogou vinho na cara do Van Gogh e foi embora para morar em um prostíbulo. Eles brigavam o tempo todo. Vai para um outro hospital chamado Saint Rémy. Théo vai acumulando seus quadros. Cria um clima muito negativo para ele. Ele já estava completamente expressionista distorcendo a imagem por vê-la também distorcida. a morte talvez não seja a coisa mais difícil" (já começa daí a ter idéias sobre a morte). Van Gogh pede ao irmão que o leve para um hospital psiquiátrico (não para completamente loucos) chamado Saint Paul. Vivia intensamente cada momento de sua vida. O seu olhar era de espanto. Ao sair do hospital. Van Gogh queria que Gauguin pintasse a mesma figura que ele e ficava discutindo sobre a pintura que saía diferente uma da outra. monótona. os pincéis e muito cheio de vida. ao redor do hospital até ao anoitecer. após suas crises. Mandava seus quadros para Théo que não conseguia vendêlos. na casa de Théo. publique sua primeira e única crítica. achando que era "Deus" e que podia reformar o mundo. Van Gogh achava que tinha perdido muito tempo durante sua crise sem pintar que fora dela passava a pintar tudo muito rápido em busca do tempo perdido. É nesse momento então que vai pintar. No meio a uma discussão feia. Tinha uma consciência muito grande do que tinha. onde irá pintar o seu quarto. Estando tão bem no hospital em Saint Rémy. 103 .Gauguin era muito organizado com tudo. ainda em Arles. Um dia um pintor pontilhista chamado Signac vendo um quadro de Van Gogh. passava a pintar muitas paisagens que agrediam pela sua violência. do seu trabalho. Gauguin ficou muito nervoso e Van Gogh ameaçou ele com uma navalha. Théo pergunta para o Van Gogh o que achava que deveria fazer. Van Gogh desesperado declara que gostava muito dele e de todas as formas. Não gostou da cidade achando-a muito parada. Acham que Van Gogh era louco e pedem para que o prefeito de Arles expulsem-no da cidade. volta para sua casa amarela. Van Gogh jogou na cara do Gauguin que o Théo estava sustentando ele também. Gauguin era muito macho. tem uma melancolia muito forte. Começou a ter outra vez uma série de crises místicas. Em maio de 1889 ele fala para o Théo que não dava para viver assim e que precisava ficar um tempo maior internado para melhorar e tomar remédio. todo o hospital. Van Gogh corta o lóbulo da orelha e o embrulha pedindo para entregarem à Gauguin. Volta a trabalhar com muita fúria. Ele se achava um grande pintor e por isso não acreditava porque não conseguia vender nada. a janela. fica encantado. Vai querer sair para pintar lá fora também. muito elogiosa. Os médicos consentiram mas com a condição de que fosse vigiado por um guarda. em frente ao espelho. próximo a Arles onde vai ficar 10 dias internado. no prostíbulo. dono de um jornal da França. Ele adorava pintar lá. o seu quadro onde aparece com a orelha cortada. Nesse momento escreve novamente para Théo: "Na vida de um artista. Os médicos deixaram que ele transformasse o seu quanto em um atelier.

tentando socorrê-lo. entrevista Van Gogh. Dr. no sul da França. amigo dos artistas e que tinha uma visão muito moderna da psiquiatria. mas Lautrec conversa com o médico pois o acha muito perturbado. que era próximo a Saint Rémy. O médico achou que ele não devia ir sozinho e resolve acompanhá-lo até Paris onde vai encontrar Toulouse Lautrec. que ele está muito feliz. fazendo um preço especial. descobre que era epiléptico (devido às crises em que rolava no chão) ou esquizofrênico.Gachet perguntou para onde gostaria de ir e ele respondeu à “Paris”. estando muito tranqüilo e lúcido. Pissarro. Gachet. No dia 29. Van Gogh vai gostar muito dele. Não se sabe onde se encontra esse quadro. Dr. Foi o único quadro de Van Gogh vendido durante toda sua vida. Van Gogh tinha que ter a liberdade de trabalhar ao ar livre e pintar o que quisesse para depois voltar para casa. Diz a Théo que o Dr. Disse que não adiantava prendê-lo. sem guarda para tomar conta dele. O médico consegue explicar que ele estava passando por uma crise dificílima e que tinha que fazer isso. E ele consegue colocar na tela todo aquele desespero interior. acham que ele deve ter tido uma lesão cerebral ocorrida no parto. que era muito amigo de Théo. Nesse período. notável e cheio de problemas.Pensou que essa crítica fosse ajudar a vender algum quadro. "O Trigal com Corvos". céu incrivelmente azul. sozinho. psiquiatra muito famoso na Europa. Pinta mais de 200 desenhos e mais de 40 quadros a óleo em menos de 2 meses. pincéis. Gachet". Toulouse Lautrec. ainda vivo. Pinta seus últimos trabalhos e começa a aceitar a sua doença achando que não tinha mais jeito. quando começa a ter mania de perseguição. É carregado para a casa do Dr. O sol e os grãos estavam bem dourados. escreve para Théo. Gachet estava querendo matá-lo e depois voltando atrás dizendo que não. no final de sua vida. Van Gogh não quer ver o irmão e Théo fica muito magoado. dois dias depois. Dr. Van Gogh. Ele dizia que não poderia morrer enquanto seu irmão não chegasse. Em 27 de julho de 1890. Van Gogh é bem recebido por ele. Falava que gostava do Dr. Todos violentos. ficando em uma casa bem próxima a do Dr. Vai confiar muito no médico. Gachet fala para o Théo que a situação de Van Gogh era grave e que estava no limite da loucura. morre na presença do Dr. Diz a Théo que vai cuidar dele. Gachet e que precisava sair para respirar. Somente seis meses após essa publicação alguém resolve comprar o quadro "A vinha vermelha". Acaba então o momento de Paris onde ficou apenas 10 dias e volta com o médico para "Anvers". Em outro dia ele entra numa crise horrível. Nessa fase Van Gogh consegue uma certa paz interior ao encontrar alguém que o compreende. porque além de ser maníaco-depressivo. telas. Hoje em dia. vai para um campo de trigo bem próximo a sua casa. Gachet onde passa a noite fumando cachimbo esperando por seu irmão Théo. pinta seu último quadro e dá um tiro no seu peito. Gachet e dizendo ao seu irmão: "A miséria teve fim". "Retrato do Dr. retorcidos. Ele tinha 37 anos. Ele não morre na hora. Um dia. O filho do Dr. fazem uma estrutura para ele pintar um pouco melhor. Gachet houve o tiro e sai correndo. achando-o fantástico. num domingo ensolarado (detestava domingos onde o tempo parava e ele era muito ativo). Gachet toda vez que ia a Paris trazia tintas. 104 . com Théo segurando sua mão. além do seu irmão. Gachet. já que é um grande artista. com um revólver na mão. toda estrutura para que ele pudesse pintar. ele pinta os seus famosos quadros: "Os Ciprestes". Sisley. Dr. mas isso não ocorre.

e ficará fascinado com a personalidade arrebatadora desse artista aventureiro que acabava de voltar do Panamá e da Martinica com uns quadros cheios de luz e de vida primitiva. Vermeer. Gauguin a dirigiria e novos pintores chegariam para integrar essa confraria ou comuna fraternal. homem incomum. existiam 700 quadros de Van Gogh sem comprador. somente ele. Corre-se o risco de se fazer dele um herói e de se fazer dele distante. Teve uma fase impressionista bem curta. Isso é o que eu chamo de simplicidade técnica". Pinta a sua realidade e o que vive. É um grande pintor de todos os séculos. uma reflexão profunda do seu ser. pelo homem ou se pelo seu trabalho. Gostava demais de Millet. em Paris. dominado pela doença. O seu apelo era para ele mesmo e não para a pessoa que estivesse vendo a sua pintura. As vezes pintava com o dedo. dava uma textura muito grande à sua tela. Mas. Nunca concordou quando Théo pedia para ele distorcer menos para que suas obras fossem vendáveis. Deve ter pintado mais de 1000 obras. procuro uma técnica simples que não é impressionismo e nem pontilhismo.No sótão da galeria Gropil de Paris. Não procurou agradar nunca os outros. nessa casa amarela. um expressionista sempre deforma com apelo à emoção e apelo social. como a que ele reclamava para contra balançar "a decadência do Ocidente". onde Théo tomava conta dessa galeria. mas que sobreviveu através de sua pintura. Muitas vezes pegava o tubo e colocava a tinta diretamente na tela. Passa para sua pintura toda a sua perturbação e toda a sua tristeza. fundariam uma comunidade de artistas. Ele pintava muito para ele próprio. onde tudo seria partilhado. Ali. Técnicas de pinturas utilizadas por Van Gogh: Suas primeiras influências foram os pintores holandeses como Rembrandt. Então pedira a seu irmão Theo que o ajudasse a convencer Gauguin que fosse à Provença morar com ele. A HISTÓRIA DE DOIS AMIGOS Van Gogh conheceu Gauguin poucos meses antes. Pinta muita figura humana e fala para o Théo: "Amo mais pintar os olhos dos homens do que as catedrais. embatido pelos sintomas da doença. Sua pintura é como um diário. Ele queria pintar somente o que ele sentia. telas pequenas. O seu apelo social ocorreu antes dele entrar nessa fase. Van Gogh não vai deformar com um apelo social em sua fase expressionista. E corre-se o risco de cada vez mais entender Van Gogh” Van Gogh era um homem de uma riqueza interior genial." Exagerou muito nas cores. Escreve para o Théo: "Quando eu começo a pintar. Eu quero pintar de uma forma que todo mundo que tenha dois olhos possa ver claro. Corre-se o risco de se perder no turbilhão confuso de sua pintura. É chamado de pintor expressionista. muita espátula. Essa distorção era feita para ele e não importava se você entendesse ou não. por que nos olhos deles há o que não existe em nenhuma catedral e em nenhuma construção. "Quando se estuda Van Gogh corre-se o risco de se apaixonar. Essa técnica chama-se "empaste". Não se sabe bem se pelo pintor. da qual seriam os pioneiros. Os olhos dos homens são imponentes e majestosos. 105 . pintava com grossas camadas de tintas. se viveria pela e para a beleza e não existiriam a propriedade privada nem o dinheiro. depois os pintores franceses como Delacroix.

no bordel de madame Virginie. Punaauia. Gauguin e os policias o transferem para o Hotel Dieu e Gauguin parte para Paris na mesma noite. foge. como gostava de se chamar. No dia seguinte lhe comunica a intenção de mudar-se para um hotel pois. ele poderia reagir com igual violência e apertarlhe o pescoço. Volta-se e vê Van Gogh com uma navalha na mão. os amigos de Arles trocaram algumas cartas. como se tratasse de alguém muito alheio a ele ("Foi uma sorte para ele. Gauguin fará um comentário brevíssimo e ríspido. quando todo mundo lhe garantira que essa flor exótica nunca havia conseguido aclimatar-se na Polinésia? Mas o "selvagem peruano". entre outubro e dezembro de 1888. e trabalhou a terra com tal perseverança que afinal seus vizinhos indígenas e os missionários daquele lugar perdido. como que assediado por um incômodo permanente. Guaguin vai passar a noite num hotelzinho próximo. Depois havia voltado ao seu quarto e ido dormir em meio a um mar de sangue. 'Quando do suicídio de Van Gogh. em Auvers-sur-Oise. cones e esferas . que. puderam deleitar-se com aquelas estranhas flores amarelas que acompanhavam a trajetória do Sol. embrulhada num jornal a Rachel. Às 7 da manhã volta à Casa Amarela. Gauguin sente passos às suas costas. de tal forma que se torna impossível para ele recriar a realidade segundo “impressões” captadas pelos sentidos. prostituta com quem Van Gogh saia. talvez de um modo que nem sequer foi sempre consciente. E nos anos seguintes evitará falar do holandês. Embora nunca voltassem a ver-se. nos meses seguintes. termina de modo abrupto: o holandês lança sua taça contra o amigo.acentua-se cada vez mais. enquanto Van Gogh permanecia um ano inteiro no sanatório de Saint Rémy. que mal se desvia dela. Véspera de Natal de 1888. nas quais o episódio da mutilação da orelha e suas experiências em Arles primam pela ausência.Os dois meses que Van Gogh e Gauguin passaram em Arles. ao se sentir descoberto.como cilindros. é óbvio que não o esqueceu. era teimoso e pediu sementes a seu amigo Daniel de Monfreid. Van Gogh havia cortado parte da orelha esquerda. no Taiti. um ano e meio depois. Obras Destacadas: Castelo de Médan e Madame Cézanne 106 . levando-a. quando está atravessando o Parque Victor Hugo. Ao anoitecer. Na véspera. são os mais misteriosos de suas biografias. PAUL CÈZANNE (1839-1906) Sua tendência foi converter os elementos naturais em figuras geométricas . que essa ausência esteve muito presente nos 15 anos de vida que lhe restavam. Por que se empenhou em semear girassóis diante de sua cabana em Punaauia. enquanto bebiam absinto. depois do incidente no parque. caso o episódio se repetisse. com uma bala de revólver no estômago. lhe diz. em Arles e a descobre rodeada de vizinhos e policiais. o fim de seus sofrimentos."). uma discussão no Café Estação. No entanto.

La Goulue". onde conheceu Van Gogh e Émile Bernard. gênero a que conferiu incomum aprofundamento psicológico com grande economia de meios. Entregouse ao alcoolismo e seus modos irônicos não disfarçavam o sofrimento decorrente de sua deformidade. depois de bacharelar-se. quando sofreu um acidente e quebrou o fêmur esquerdo. O surgimento da série coincidiu com a deterioração de seu estado físico e mental.TOULOUSE-LAUTREC (1864-1901) Henry Marie Raymond de Toulouse Lautrec “A idéia da pintura como obra de arte elevada. demonstrou pouco interesse pelas paisagens e dedicou-se aos interiores. São famosos "Moulin Rouge". Menos de um ano depois. Apesar do apoio do novo mestre. voltou a beber. Entre as mais de 300 que produziu. As prostitutas. que foi afixado nos muros de Paris. de linhas livres e onduladas. ingressou no Liceu Fontanes (posterior Liceu Condorcet) e. "Moulin Rouge -. sensível panorama da vida nos bordéis. em combinações rítmicas. sugerem movimento. De família aristocrática. sentia a estética acadêmica como algo cada vez mais restritivo e insuportável. quebrou o direito.veemente defensor das normas acadêmicas e contrário aos impressionistas --. Ao contrário dos impressionistas. que tornaria célebres em sua obra. 107 .” Henri-Marie-Raymonde de Toulouse-Lautrec-Monfa nasceu em Albi. França. Em 1883. Interpretada como reação à condição física do próprio artista. abominava os desenhos do aluno. A partir de 1892. Em 1872. desagradava a Toulouse-Lautrec. em Paris. em 1881. destaca-se a série Elles. que estão entre suas obras mais significativas. executada necessariamente em óleo sobre tela. em 24 de novembro de 1864. transgride freqüentemente as proporções anatômicas e as leis da perspectiva em favor da expressividade. essa característica elimina a obviedade do movimento. Toulouse-Lautrec passou ao estúdio de Fernand Cormon. após grave colapso nervoso. Montou um estúdio particular em meados da década de 1880 e passou a freqüentar os teatros e cabarés do bairro parisiense de Montmartre. Dedicou então cada vez mais tempo à pintura. dançarinas de cancã dos cabarés e outros personagens da vida noturna parisiense da década de 1890 eram seus modelos prediletos. recebeu educação artística e praticou esportes até os 14 anos. A simplificação do contorno e o uso de grandes áreas em uma só cor caracterizam os cartazes. Nunca pôde se restabelecer e suas pernas atrofiadas e disformes dificultavam-lhe a locomoção. enfrentou a oposição familiar e decidiu tornar-se pintor. no ano seguinte. "Au salon de la rue des Moulins" e inúmeros retratos. As figuras são situadas na tela de forma a que as pernas não fiquem visíveis. O estilo pessoal de Toulouse-Lautrec. Toulouse-Lautrec dedicou-se à litografia. passou alguns meses num sanatório mas. As cores intensas. Em 1899. Léon-Joseph-Florentin Bonnat -. Um de seus primeiros mestres profissionais. Em 1891 ele criou seu primeiro cartaz de propaganda. que passa a ser apenas sugerido.

que prefigurou revolucionários movimentos artísticos do Século 20. May Belfort e outros artistas. a partir de então. retornou à pintura. além das numerosas litografias. Em 1906 mudou-se para Paris e. Por causa da saúde precária não recebeu educação formal e voltou-se para o estudo da pintura. França. que se destacam pelo despojamento e pela estilização. sobretudo das esculturas do Congo e do Gabão. Influenciado pelo cubismo e fauvismo. que expôs no Salão dos Independentes de 1909. Apesar da excepcional popularidade de seus cartazes publicitários. executou uma de suas obras mais importantes: "O violoncelista". os retratos e os nus femininos com modelos que. que iniciou na cidade natal e prosseguiu em Veneza e Florença. Modigliani marcou a pintura da primeira metade do século XX com suas figuras alongadas. o pintor alemão deu formas geométricas às cores e despojou-as de sua função decorativa por meio de contrastes agressivos. que por um longo período abandonou a pintura pela escultura. quando o artista. com o fim de manifestar sua verdadeira 108 . como os que fez para Aristide Bruant. na tentativa de preservar a unidade plástica do bloco. Essa breve fase final do artista foi a mais importante de sua obra. Os temas preferidos de Modigliani foram. AMEDEO MODIGLIANI (1884-1920) Um dos principais integrantes da escola de Paris.Henri de Toulouse-Lautrec morreu no castelo de Malromé. mas pelo movimento e pelo alongamento dos traços. o cubismo e o expressionismo. Toulouse-Lautrec e Picasso. KIRCHNER (1880-1938) Foi um dos fundadores do grupo de pintura expressionista Die Brücke. expressavam "a muda aceitação da vida". Amedeo Clemente Modigliani nasceu na cidade italiana de Livorno. que Modigliani esculpia sempre diretamente na pedra. o artista executou nesse período esculturas nas quais se misturam influências da escola de Siena e da arte da África negra. Também a influência dos kouroi (esculturas gregas que representam jovens atletas desnudos) se faz sentir nesses trabalhos. muito influenciado por Cézanne. sem dispor dos recursos necessários à produção de esculturas. Impressionado pelo cubismo. em 12 de julho de 1884. ao fim de três anos de vida boêmia. Com o raro dom de conseguir uma imediata empatia entre seus retratos e o observador. como o fauvismo. em 24 de janeiro de 1920. em 9 de setembro de 1901. filho de abastada família judia. Jane Avril. Modigliani morreu em Paris. Gironde. O encontro com o escultor Constantin Brancusi marcou a carreira de Modigliani. segundo o artista. dotou suas figuras de uma sensualidade que se transmite não pela nudez. caracterizada por um despojamento que alguns críticos creditaram a sua inclinação para a escultura. só posteriormente reconheceu-se a importância de sua obra. Essa fase se prolongou até 1914.

As formas cúbicas da arquitetura e os graciosos arabescos na terracota deixaram sua marca na obra do pintor. começou a trabalhar como professor em Dusseldorf e mais tarde na escola da Bauhaus em Weimar. pode expressar ritmo e movimento". Em 1912 viajou para Paris. Sua última exposição em vida aconteceu em Basiléia. bem como cenas circenses e de variedades. Quando suas mãos se recuperaram do ferimento. fundou o grupo Die Brücke (A Ponte. seus quadros se transformaram num amontoado neurótico de cores contrastantes e agressivas. Flores Noturnas e Villa R. Veio então a época em que os pintores se reuniam numa casa de veraneio em Moritzburg e se dedicavam apenas ao que mais lhes interessava: pintar. Klee estudou com o mestre Von Stuck em Munique. durante o nazismo. Quando finalmente sua contribuição para a arte alemã foi reconhecida. segundo o pintor. criados. onde se encontrou com Delaunay. Sensivelmente influenciado pelos desastres da guerra. Tendo concluído seus estudos de arquitetura na cidade de Dresden. numa referência à frase do escritor: “. Klee deixou vários trabalhos escritos que resumem seu pensamento artístico. em 1940. 109 . Em 1933. foi nomeado membro da academia de Berlim. Demônios. A exemplo de Kandinski.No final de 1938 o pintor pôs fim à própria vida. em 1931. em sua primeira viagem a Túnis. Em 1914 Kirchner foi convocado para a guerra. na primeira exposição dos surrealistas. Mas a grande descoberta ocorreria dois anos depois.. Convencido de que a realidade artística era totalmente diferente da observada na natureza. entrou em contato com os pintores da Nova Associação de Artistas e finalmente uniu-se ao grupo de artistas do Der Blaue Reiter. Klee juntou-se em 1924 ao grupo Die vier Blauen. Klee emigrou para a Suíça. Paralelamente.visão da realidade. como a forma. em sua casa ao pé dos Alpes. Entre eles merecem ser mencionados Anatomia de Afrodite. produto de uma profunda tristeza. PAUL KLEE (1879-1940) Considerado um dos artistas mais originais do movimento expressionista. Suas obras mais importantes estão dispersas pelos museus de arte moderna mais importantes da Alemanha. e um ano depois tentou o suicídio. com quadros de caráter quase surrealista. Kirchner continuou sua formação na cidade de Munique. Depois de lutar durante dois anos na Primeira Guerra.. Dessa época são os quadros mais ousados de paisagens e nus. este pintor dedicou-se durante a toda sua carreira a buscar o ponto de encontro entre realidade e espírito. com os quais.a ponte que conduz ao super-homem”). motivados pela leitura de Nietzsche. ver sua obra ser destruída e desprestigiada pelos órgãos de censura. para seis anos mais tarde. Kirchner tentou mostrar em toda a sua produção pictórica uma realidade de pesadelo e decadência. em cima de "matéria e sonhos". Depois de uma viagem pela Itália. Pouco tempo depois reuniu-se com os pintores Heckel e Schmidt-Rottluf em Berlim. Além de sua obra pictórica. voltou a pintar ao ar livre. mas antes apresentou suas obras em Paris. Iniciou uma fase de grande produtividade. que seria de vital importância para suas obras posteriores. Klee escreveu: "A cor.

Artistas alemães do princípio do século: Edward Münch (papa dos expressionistas) 110 . Normalmente usam cores puras. Desde a pré história. registrar a dor humana. Lá existe uma falta de comunicação muito grande. Essa revista veio a comentar que aqueles artistas expressavam só dor. Tanto o abstracionismo quanto o expressionismo estão muito fortes ainda no século XX. a belle epoque. Vem do comportamento introvertido do homem. de não facilidade para se expandir e falar com o próximo é que faz com que surja o expressionismo. Deformava em uma busca muito forte. Essa falta de comunicação. O aspecto técnico é aquela acentuação bem forte. O expressionismo. não tem mais sentido de pintar o impressionismo hoje com o conteúdo do século passado. quando o homem deformava um bisonte ou abutre. etc. Pode ser preto. O expressionismo nunca vai pintar sobre aquela emoção gostosa que se observa nos quadros impressionistas. filmes. no princípio do século XX. mas com conteúdo atual. do que estava acontecendo no seu país. mas sempre vai ter contrastes violentos no interior da figura. vermelho. muito violento. roxo. O expressionismo vai surgir. ele já era expressionista deformando por necessidade própria. não pode ser chamado de um simples estilo. Desde que o homem é homem ele faz expressionismo embora não fosse consciente dessa denominação. fotos. não importa a cor. amargura. no final de sua vida.O EXPRESSIONISMO O expressionismo sempre existiu e sempre vai denunciar. No aspecto psicológico é uma arte quase que de instinto. Existem dois aspectos no expressionismo: o aspecto técnico e o psicológico. Ex. É uma constante na história da arte. etc. Ninguém vai pintar mais sobre a “belle epoque” pois. porque as pinceladas são muito nervosas. solidão interior. quando ocorre uma grande catarse que se projetará na pintura. Esse termo vai existir também na música.: Quase todas as principais correntes expressionistas são nórdicas. como corrente artística. um apelo a sua emoção.: música expressionista. bem preta dos contornos ao redor das figuras. o tempo é ruim com pouco sol. O expressionismo vai surgir entre 1904 a 1909. É muito forte na Alemanha e nos países nórdicos. muito rápidas. mudando tudo sobre a estética grega que estávamos acostumados a ter como padrão ou ideal de beleza. já era expressionista sem saber. Foi publicada pela primeira vez em uma revista alemã chamada de "A tempestade". ao redor de tudo. música. que sempre existiu. Pode-se usar a mesma técnica hoje. Goya. O impressionismo continua forte somente na forma e não mais no conteúdo. Obs. ficando meses trancados em casa por causa das tempestades de neve. o oposto da pincelada delicada do impressionista. É muito forte. Os primeiros artistas plásticos que foram chamados de expressionistas foram os alemães.

abstrata) O realismo é quando o pintor representa o mundo exatamente como é. dadaísmo. Tudo é exagerado e tudo é distorcido para retratar "aquela emoção. Dentro da estética da arte existem 3 formas para representar o mundo: Realismo (Pintura hiper-realista) Idealismo (Pintura clássica grega. Karl Schimt Rotluff Otto Muller Emil Nolde Esses alemães vão fazer um trabalho chamado "A Ponte".Kirchiner. acadêmica. Normalmente a Arte Selvagem está muito ligada principalmente à arte da Polinésia Francesa. etc. fantástica e onde colocam tudo o que eles sentem e sem muitos parâmetros com a arte acadêmica. É uma arte muito instintiva. Portanto. Os principais enfoques do expressionismo são: No aspecto social. É a representação mais usada no mundo todo. Todo o classicismo grego é idealista. Essa influência "exótica" foi muito forte para os franceses e para os nórdicos. A arte da Polinésia é muito expressionista. "A Ponte" também vai ter alguma coisa de arte selvagem. Ernest L. expressionismo. abstracionismo. contra a burguesia (o expressionismo sempre vai ser um protesto). Todas essa correntes do principio do século vão ter influência da arte selvagem (dos africanos). Como o Picasso. o interesse pelo drama individual (oposto do impressionismo que só retratava o belo). como todas essas correntes do princípio do século que ficam encantadas com essa arte. Eles vão pensar que o homem é livre. fovismo. É a própria deformação da figura. Registra fielmente possível aquilo que os sentidos percebe. Os impressionistas eram muito “doces” para esse “amargo” nórdico. Esse grupo é fantástico formado por três artistas citados anteriormente excluindo-se Edward Münch e Emil Nolde. com perfeição. renascentista. parecendo uma fotografia. Protesto contra tudo. que se encontra dentro da própria pessoa. aquela dor". o expressionismo tem a ver com a arte selvagem. Expressionista é a emoção e o Impressionista a sensação. É lógico que essas correntes vão ter influências entre si. Nesse principio do século XX vai aparecer todos os “ismos” como: cubismo. Quando o artista deforma a figura ele obedece a um desejo de fazer um apelo à emoção com muito vigor até mesmo na alegria. O idealismo é a busca da beleza ideal superior a beleza. todos os pintores expressionistas vão descobri-la. néo-clássica) Expressionismo (Pintura barroca. 111 . impressionismo. como também é no renascimento. realista. primitiva. “Arte selvagem” é a arte da descoberta da existência da África. cubista. "A Ponte" significa a ligação entre o visível e o invisível.

porque distorce para representar algo interessante e tem humor. uso de cores fortes. que é um assunto brasileiro. do leão. A corrente expressionista tem uma forte distorção. no barroco (com a diagonal e sem uma figura no centro). a dor é bonita. "A Ponte". Uma obra expressionista é um golpe para quem a vê. Vai pegar uma santa que jamais será tema dos expressionistas nórdicos alemães. Rotluff. O homem do século XX é extremamente individualista. O impressionista vivia sempre em grupos. com as emoções. dolorido. Não tem nenhuma aberração. mas o estado mental difere de cada um que pinta. É um pintor de 1885 ou 1886. mas pegou um livro de estória de seu filho e de lá tirou a imagem do macaco. mas cada um tem o seu estado mental que pode colocar no seu trabalho. na Alemanha. só que vai pintar de forma primitiva. da época dos impressionistas. Tudo é possível. Existia uma diferença de conteúdo entre os pintores expressionistas nórdicos alemães e os pintores nórdicos franceses. Não existe uma regra ou característica muito unida. “Naífe” é o homem civilizado que sabe ler. Primitivo é o homem que nasce na selva. é latino e vai pintar muito a igreja católica. 112 . Rousseau é um pintor primitivo. como no renascimento. nasceu na cidade e vai pintar de uma forma primitiva. os pintores se dispersaram tanto que quase acabaram com a corrente. Com a guerra. acabou em 1913 por causa da guerra. pois seu pai era médico e Münch presenciou esse assunto. como se fossem vitrais e a Joana D'Arc (que vai fazer um contorno preto na figura da Joana D'Arc como se fosse vitral). etc. Guerra Mundial. O expressionismo vai expandir fortemente antes da 1a. Jamais seria um conteúdo dos países nórdicos. nascido no Brasil. O seu conteúdo será sobre os retirantes. O conteúdo é muito de cada um. etc. Só pode ser colocado que se caracteriza pela distorção. ressurgindo novamente mais tarde. Mexe com a cabeça.O expressionismo é praticamente o século XX. ou melhor "Naífe" (porque não nasceu na floresta e sim na França) vai pintar muito sobre a selva. Rousseau nunca tinha visto uma floresta na vida. O expressionismo não é belo no sentido da estética. fragmentado. Ex. os santos.: Edward Münch pintou muito sobre a morte. Existe uma abertura muito maior que no impressionismo. Os pintores expressionistas não eram muito unidos. A personalidade do pintor expressionista tem como característica a necessidade de se isolar para criar uma técnica própria adequada para os seus fins pessoais expressivos. amargo. O nome expressionismo surgiu em 1912. “Primitivo” é o homem que nasce na selva. A caricatura também é expressionista. O individualismo em um pintor expressionista é muito forte. separando esses pintores. pintor francês expressionista. Um assunto expressionista é sempre distorcido. que surgira no início do século XX (1905-1906) e queria ligar os 2 mundos. Portinari é expressionista.

uma fauna estranha. Hitler. Um pintor chamado Franz Marc pintou um quadro chamado "Cavaleiro Azul". Obs. de gente louca. Entre os artistas modernos ele é o mais individualista. nasceu em Berna. Eles eram partidários do abstracionismo. na Suíça. às vezes primitivo e louco. vai expulsar todos eles porque achava que pintavam uma arte degenerada. Não segue nenhuma corrente artística. horrível. etc. Esses pintores desse grupo foram: Paul Klee. vão ressurgir em várias partes do mundo como no Brasil. Exilados. Kandinsky (grande paixão deles) e Franz Marc. Tinha um mundo próprio por criar leis próprias de perspectiva e de lógica.: Jackson Pollock. Para ele tudo era normal e tinha lógica. acabou deixando de ser para se tornar Paul Klee mesmo. quando era jovem e foi pintar em Nova York. Embora tenha pertencido ao grupo do "Cavaleiro Azul". ele tem que ser separado dos expressionistas por ter uma pintura diferenciada. Ele era um homem extremamente intelectual. que surgiu no expressionismo. Tudo era religioso e mágico. Era desenhista supremo.Surge um outro grupo de expressionismo chamado de "O cavaleiro azul". expressionista. Em 1921 foi professor de desenho da Bauhauss. Expressionistas brasileiros: Mário Gruber Anita Malfati Portinari Grassmann. Outros pintores acharam fantástico o seu trabalho e se reuniram ao seu redor formando um grupo chamado Cavaleiro Azul (devido a esse quadro). em 1933. Pollock acabou ajudando no trabalho de 113 . muralista. No Rockfeler Center também se encontra um grande mural dele. Paul Klee. Criou flores. Expressionistas mexicanos: Diego Rivera Orosco Siqueiros Diego Rivera pintor mexicano. Paul Klee. Paul Klee nega a realidade da percepção normal transformando tudo o que você acha que é certo e normal. os expressionistas ressurgem com grande energia na Alemanha. No pós-guerra. É considerado um dos grandes artistas do século XX. Nova York. Alguns críticos acham-no um pouco infantil. detalhista e sua arte se desdobra até o infinito. ficou impressionado pelo mural de Diego Rivera pedindo para que fosse ajudante dele. viveu muitos anos na Europa e escreveu que teve muita influência de Giotto e Velásquez. Voltou ao México fazendo grandes murais em edifícios públicos da cidade do México. etc. na Alemanha. Os expressionistas usam muita gravura em metal.

É também muralista. Ele era um homem de personalidade muito forte. Mas. Diego Rivera vai pintar muito o seu folclore. mesmo assim ele se tornou um pintor de peso. Zapotecas. mas a realidade e por isso sua vida foi difícil por quererem que ele pintasse a beleza. ele jamais modificou o seu trabalho por causa disso. O governo mexicano pedia que ele fizesse sua pintura de determinado forma por precisar do dinheiro americano mas. na figura do artista. Esse encontro dos dois não chegou a influenciar na pintura de Pollock. Aquela revolução mexicana. gerou uma pintura muito forte. Astecas. do que na própria técnica. muito dolorida. Tem uma linguagem de expressividade muito forte. a tradição dos Maias. muito forte. episódios da mitologia mexicana.Diego Rivera. Ele não pintava a beleza. Vai ter a coragem de pintar numa época muito difícil da realidade mexicana. 114 . Sua influência se deu mais na “força do homem".

em arte. Seu estilo. dizia: "As cores chegaram a ser para nós cartuchos de dinamite. como saem das bisnagas.FOVISMO Em 1905." Adotou mais tarde estilo entre expressionista e realista. com os quais se tornou um dos principais pintores fovistas. as sensações primárias. em Paris. em 1908. · Criar é seguir os impulsos do instinto. alguns artistas foram chamados de fauves (em português significa feras). Os princípios deste movimento artístico eram: · Criar. Quem lhes deu este nome foi o crítico Louis Vauxcelles. em virtude da intensidade com que usavam as cores puras. Características da pintura: · Pincelada violente. com o gradual desaparecimento da gestualidade espontânea das primeiras obras. sem misturá-las ou matizá-las. ANDRÉ DERAIN (1880-1954) Pintor francês. foi o mais autêntico fovista. seus nus. no mesmo estado de graça das crianças e dos selvagens. Principais Artistas: MAURICE DE VLAMINCK (1876-1958) Pintor francês. · As linhas e as cores devem nascer impulsivamente e traduzir as sensações elementares. pintou figuras e paisagens em brilhantes cores chapadas. · Pintura por manchas largas." Por volta de 1900. não mudou. espontânea e definitiva. formando grandes planos. · Uso exclusivo das cores puras. · Colorido brutal. não tem relação com o intelecto e nem com sentimentos. · Ausência de ar livre. ligou-se a Maurice de Vlaminck e a Matisse. não correspondendo à realidade. · A cor pura deve ser exaltada. Nessa fase. Na década de 1920. pretendendo a sensação física da cor que é subjetiva. Após romper com o fovismo. dizia: "Quero incendiar a Escola de Belas Artes com meus vermelhos e azuis. retratos e naturezas-mortas haviam adquirido uma entonação neoclássica. recorrendo a traços impulsivos e a pinceladas descontínuas para obter suas composições espontâneas. desde então. pois estavam expostas um conjunto de pinturas modernas ao lado de uma estatueta renascentista. sofreu influências de Cézanne e depois do cubismo. no Salão de Outono. 115 .

RAOUL DUFY (1877-1953) Pintor. gravador e decorador francês. Contrastes tonais e a geometrização da forma caracterizaram sua obra. tanto das figuras como das suas cores. Abandonou assim a perspectiva. Dos pintores fovistas. sem profundidade. evoluiu gradativamente para o fovismo. escultor. como de pessoas ou de naturezas-mortas. Impressionista a princípio. ele foi o único a evoluir para o equilíbrio entre a cor e o traço em composições planas. Morreu um ano depois de receber o prêmio de pintura da bienal de Veneza. Nas suas pinturas ele não se preocupa como realismo.HENRI MATISSE (1869-1954) Pintor francês. ilustrador e litógrafo. também. as técnicas do desenho e o efeito de claro-escuro para tratar a cor como valor em si mesma. que exploraram o sensualismo das cores fortes. depois de travar contato com Matisse. O que interessa é a composição e não as figuras em si. 116 . Foi.

Os cubistas vão pintar e representar um objeto através do lado que nós vemos e do lado que nós não vemos desse objeto. do que emoçional e de sensação. A arte Cubista é muito mais conceitual. No ano de 1904 Einstein escreve sobre a teoria da relatividade que vai mudar totalmente o conceito do universo. Durante cinco séculos. Ele vai imaginar. desde o pré-renascimento até hoje. foram muito apoiados na imprensa pelos escritores que publicavam sobre essa nova arte muito intelectual. O Cubismo vai ser uma reação contra a afirmação de que o mundo que nos cerca é acadêmico. Quando se fala em mudança precisamos falar de um estilo que mudou muito a arte no mundo e provocou uma revolução na estética. por exemplo. O Cubismo procura a essência da visão humana. Essa mudança foi realizada em 1906. Em uma pintura Cubista. É extremamente conceitual muito mais que perceptual. Freud estava publicando a interpretação dos sonhos. etc. O cubismo não aceita nunca o momento estático. criar fragmentos para representar todos os lados do objeto. A arte Cubista é uma arte muito elaborada. O cubismo virou 400 anos de arte de pernas para o ar. o surgimento de muitas dúvidas e interrogações. Dúvidas.CUBISMO É o início da idade moderna do mundo. os mais famosos. da razão. ano em que Picasso chegou à Paris em sua primeira visita. 117 . A minha memória é que vai ter que olhar essas partes e montar novamente o objeto. a partir de 1900. O Cubismo se vale muito da memória do fruidor do que dos objetos concretamente vistos pelos olhos. Vai ser uma nova forma de ver e representar o mundo. no início do século XX. a particularidade cultural de cada objeto. os artistas vão buscar em suas pinturas as aparências externas e o bom pintor será aquele que vai pintar realmente o objeto como ele é. Ele é totalmente dinâmico. Já em uma pintura como a Barroca ou Impressionista o fruidor vai usar o que sente para entendê-las. Para ser um bom pintor cubista na essência certamente será um homem culto. Juan Griss. De repente. vão pintar muito mais o que sentem do que o que vêem. É por isso que é muito racional. 1907 pelo Picasso quando ele pintou "Le Mademoiseille D'Avignon". O pintor cubista vai pegar um objeto e quebrá-lo em partes. Na arte também houve uma série de mudanças. Braque. Os pintores Cubistas como Picasso. da arte. Fernando Leger. É a recuperação da nova visão da arte através de um conceito intelectual. segundo o conhecimento intelectual que ele tem dessa representação. Essa revolução foi fantástica. Em 1900. racional. É preciso muito estudo e intelectualidade. Vai depender muito da minha memória. os pintores. Pode também ser notado. o fruidor vai ter que usar muito o raciocínio para entender a obra. sobre o consciente e inconsciente.

Antes de falar sobre sua vida é preciso deixar registrado a soberba vitalidade de um artista continuamente dedicado à criação até seus últimos momentos de vida. O objeto nunca vai ser representado como foi visto. Quando morre sua cabra. No museu Gugueheim. A sua memória é que vai ter que montar a figura. Sempre numa constante busca e inovação. Foi um homem artista em perene evolução. os aliados pediam que colocassem panos escuros roxos nas janelas para que os aviões não avistassem as luzes das casas. Você tem que montar a figura toda como em um quebra-cabeça. Essas obras são as melhores de cada fase. inclusive broches. Nessa fase toda sua pintura terá panos roxos. a do Museu Gugueheim é a melhor. FASE SINTÉTICA. É muito importante conhecer Picasso porque todas as fases de sua pintura tem muito a ver com a retratação de sua própria vida e da época em que viveu. sua obra é inconfundível. quando começaram a fazer “colagens”. por ex. 118 . Para que possamos entender Picasso. ele vai pintar tudo com cabra. Eles constróem espaços pictóricos onde eles determinam as representações. quando os artistas e principalmente Picasso e Braque se interessam e estudam muito as obras de Cezanne. Picasso sempre esteve em movimento criando e deixando estilos e frases de forma a garantir uma obra cuja característica básica era a busca de sua individualidade. esculturas. no Museu Moma mas. é procura. Foi cubista somente 5 anos e depois foi “Picasso”. Na estética da arte. FASE ANALÍTICA. por ex. Tem aspectos extremamente renovadores para a época. o artista fragmenta e decompõe. Dificilmente houve alguém que tivesse superado Picasso no sentido do que seria arte do século XX. em New York. no próprio rosto. Dizem que foi Matisse que ao olhar o quadro do Picasso com Braque disse: "Você está pintando só cubo! Mas isso é cubismo!" Muitos outros também tiveram a mesma opinião. etc. Ele é extremamente individualista. o que marcou sua obra. temos que conhecer o homem e o artista. o Cubismo é considerado uma arte bastante intelectualizada. quando é totalmente fragmentado.Os Cubistas não dão valor à perspectiva.: o artista vai representar um olho no lugar da testa e o outro na orelha. Nunca irá colocar o olho no joelho. A técnica cubista apresenta várias texturas. mas como foi pensado pelo artista. seu bichinho de estimação. Tem muita obra de Picasso em Barcelona. como exemplo: Durante a segunda guerra mundial quando os alemães bombardeavam Paris e ocorria o black-out. É busca.: um olho pode estar localizado no dedo do pé. O movimento cubista se divide em várias fases: FASE CEZANEANA. Dono de uma dinâmica constante. “Arte” é uma perene evolução. na região a que pertence. É um espaço pictórico que não tem nada a ver com a representação da realidade. tem 8 obras dele.

Houve muita confusão para que os historiadores identificassem a obra de um e de outro. areia. Esse tio sem querer deu uma baforada no rosto da criança que começou a chorar. cada um escolhendo seu pedaço de jornal. Os dois quadros ficaram idênticos. Braque.” Isso vai mudar muito a visão da arte. Uma obra cubista tem que ser vista pela razão para depois sentir a emoção. já que era um estudo. O jornal vai ser muito usado na colagem. triste. Um tio chamado Salvador Ruiz. a vida.Picasso falou o seguinte: "Para que vou pintar um pedaço de madeira. sobre perdas. Quanto mais você sabe. entender. você tem primeiro que saber. na National Gallery de Londres. mas também pode ser abstrato. Teve uma exposição somente com esses trabalhos. Esse hábito vai ser registrado historicamente nas obras de Picasso. Braque e Picasso vão pintar juntos na montanha (onde Cezanne pintava). Por esse fato ele recebeu o nome do tio em 119 . para que as pessoas soubessem distinguir entre Picasso e Braque. entrou no quarto e achou que o nenê não estava respirando. Obs. morte e sempre de circunstâncias do cotidiano como alguém que perdeu uma cadeira. etc. mais sentirá essa emoção. de forma muito parecida e não vão assinar seus nomes. Picasso jamais iria fazer isso. exatamente nessa época que ocorre o cubismo. Picasso vai assinar o nome no meio da obra como que fazendo parte dela. O mesmo com o jornal. que era introspectivo. É o cotidiano. Tinha 2 irmãs e como filho único foi muito mimado. somente recortava assuntos fúnebres. PICASSO (1881-1973) Nasceu em 25 de outubro de 1881. que parecia um cone. etc. na Espanha. No cubismo analítico. que fumava charuto. festas. para depois sentir a emoção. Na verdade o abstracionismo tem muito a ver com o cubismo. Quando o cubismo fragmenta tudo chega a ser quase um abstrato. Uma obra de arte do século XX. em "off": Picasso não chorou ao nascer. Essa exposição mostrava a diferença entre os dois: Picasso tinha recortes de jornal somente de assuntos alegres sobre touradas. a mulher. Málaga. O cubismo sempre vai ser figurativo de um modo geral. etc. se posso colar a própria madeira na pintura?. Eles voltaram e surgiram com a idéia da colagem. As letras gráficas vão aparecer com Picasso e Braque. É o novo homem que vai pegar esse hábito de ler jornal. a imagem já é quase um abstrato. Seu nome completo é Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remédios Cipriano de La Santíssima Trinidad Ruiz y Picasso. nesse começo de século.

Nessa época ele vai pintar uma obra chamada "Ciência e Caridade" e o seu pai vai posar como médico para ele. etc. muita elegância e também muita crueldade. da estética da cor. um marchand vai se oferecer para cuidar de seus quadros. mas ele não vai aceitar. falante. principalmente porque ele era o único menino daquela família que só tinha menina. onde Picasso fará cópias das obras de El Greco. Nessa época Monet também estava vivo (vai viver até 1910). Aos 23 anos Picasso começa a ser famoso em um lugar fora de sua pátria. Foi morar em Mont Martre que era mais barato e onde só vivia os intelectuais. dos odores. O atelier dele. Picasso conseguiu manter sua importância desde jovem até os 92 anos. Não queria que ninguém cobrasse ou controlasse a sua vida. da crueldade. As pessoas admiravam o fato dele ser tão novo e ter um estúdio montado pelo pai para ele. Cada parente que chegava e adorava a criança os pais colocavam o sobrenome no filho. Ele disse que não iria querer nunca estar preso a nenhum marchand na sua vida e que queria ser um homem livre. carismático. onde os toureiros vão mostrar muita habilidade. O prédio em que morava parecia um barco e era tão feio que o pessoal da região apelidou de "le bateaux larvoir".seu sobrenome. Essa obra vai ser premiada em Madri em uma exposição muito importante. quando Picasso saiu da Espanha. Fica então enlouquecido com o trabalho de Van Gogh e Toulouse Lautrec. 120 . de escritores. nesse "Bateaux". da beleza. Em "off": Em 1900. O marchand chegou a oferecer até um fixo mensal mesmo se ele fizesse somente uma obra por mês. Ele disse que fazia até dez por mês mas que não queria ficar preso a esse tipo de compromisso. muito sangue. Alguns dos grandes pintores da Espanha: Velásquez (barroco) Goya (no final da vida era expressionista) Murillo (barroco) Miró Gaudi (grande arquiteto) Salvador Dali Picasso Em 1900 Picasso vai à Paris em uma grande aventura para visitar a exposição internacional. O pai ao saber que o filho ganhou uma medalha de ouro resolve incentivá-lo a estudar em Madri. Foi auto-didata. Picasso adorava o pai que sempre o levava às touradas. Essa atitude de se colocar o sobrenome de todos os parentes na criança é muito comum na Espanha. Tanto Van Gogh como Toulouse Lautrec vão influenciar o trabalho de Picasso por pelo menos uns quatro meses. Picasso era um homem cheio de vida. Quando Picasso tinha 14 anos já pintava com perfeição. Essa mescla do brilho. fazer exposições. muito requisitada. vai ser o ponto de encontro de artistas. Velásquez. Goya. Numa praça de touros ocorre um espetáculo brilhante com cores vivas. Ele não tinha como pagar um lugar melhor para se viver. Com 15 anos o pai já o considerava pintor e resolve alugar um espaço para montar o seu atelier. da doçura. tudo vai influenciar Picasso para o resto de sua vida. no Museu do Prado.

Passa a pintar só de "rosa". Ele vai pintar o que ele sente. Nessa fase ele vai retratar seres cruéis. vista como arte do século XX. vão fazer surgir no século XX uma das tendências mais importantes que é o CUBISMO. que são as histórias folclóricas e a arte negra. Mudou-se para Mont Parnasse. sobrenaturais. Roma. Ele vai entrar e sair dessa “fase negra”. fascinantes. Ele vai acabar com 30 séculos de arte ocidental. inspirando-se na cultura espanhola cheia de superstições. As fases “azul” e “rosa” são as únicas que ele não vai voltar nunca mais. Conhece Braque. Em 1906 ele já era o jovem pintor mais conhecido de Paris. As máscaras que ele mais vai gostar são as máscaras da Polinésia. Nesse momento de pesquisa. Obs. de um modo geral. você vai encontrar muitas máscaras africanas de várias origens. badalados e ricos. Picasso percebe que o artista negro não pinta raciocinando porque ele não conhece os cânones da arte (regras de beleza da arte).Entre 1901 e 1904 ocorre a sua "Fase Azul". O cubismo para Picasso foi uma paixão exploratória que durou somente 5 anos. histórias fantasmagóricas e folclores. A partir de 1908 Picasso lidera o movimento cubista da Europa. o "triste". onde até hoje moram os artistas. Esse encontro vai ser decisivo para ele. A arte africana vai ser o momento decisivo no entendimento da arte. muito felizes. eu acho". lugar onde Picasso vai viver até o começo da 2a. É uma nova visão de compreender a arte. começa a vender bastante. não conhece Fídeas. voltando somente após o Cubismo.guerra mundial. Grécia. A sua vida se torna "rosa". É chamado de fase azul porque o azul é que predomina em todos os tons. figuras que vivem à margem da sociedade. Nunca mais no futuro vai retornar a essa fase azul. que apelidou de "Rose Bombom". atraía muito os intelectuais. Conhece 2 marchands: os irmãos Léo e Gertrudes Stein. o azul é o "Bleu". Começou a freqüentar lugares muito alegres. fica amigo de muitos marchands. Obs. que o colocam na alta sociedade onde irão comprar muito suas obras. A partir daí vai começar a “Fase Negra”. A mudança foi radical. vai ter um encontro com a Arte Primitiva Africana. De repente ele se liberta dessa melancolia ao conhecer uma moça chamada Rose. Ao parar de produzir a sua “fase rosa” ele vai falar: "Eu não procuro. Ele vendia tudo o que pintava. Mont Parnasse. Vai morar lá durante a sua “fase rosa” e onde começa a refletir sobre o seu trabalho que já estava cansado de fazer. A fusão de dois mundos mágicos. O azul tem uma ligação muito grande com o melancólico. Picasso vai pintar entre 1906 e 1907 a famosa obra "Les Mademoiselle D'Avignon". as figuras solitárias e melancólicas. Quando se fala de tristeza. Foi um escândalo tão marcante que Braque ficou sem falar com ele por 6 meses. dançarinas sem olho (irreais).: No mercado das pulgas de Paris. sendo conhecido como "O centro de arte moderna do mundo". quando ele vai pintar sobre as ruas pobres de Mont Martre. 121 .

é reveladora. No dia 26 de abril de 1937 ninguém falava de guerra. O touro de perfil que personifica a brutalidade. era um dia de feira. traspassado com uma lança nas costas. A arte é perigosa. Teve caso com as duas ao mesmo tempo e permaneceu com elas por algum tempo. uno e mutilado. mostrando que é um pintor consciente e engajado socialmente na luta contra os mais fracos. A cidade tinha somente 6. Guernica era um vilarejo Basco na província de Biscaia. Fez o cavalo agonizante. 2 se suicidaram porque ele as deixou. Ele precisava voltar para se ordenar novamente interiormente. De repente. Isso é estilo pessoal de um gênio.Em 1915 ele volta à um realismo mais sutil até 1925. tendo muito a ver com a arte do século XX: "A arte não é casta. Picasso 24 horas depois do acontecido começa a esboçar Guernica. Picasso tinha uma personalidade muito forte que vai ser muito importante para sua obra. A Dora Maar (que era fotógrafa) fotografou todas as etapas. Não esconde sua obsessão pelo sexo. Só gênio consegue pode pintar uma coisa que é real e irreal. 3o. Começou a pintar em cores. Vai pintar sua obra prima "Guernica". objetivo e subjetivo. Guernica era uma obra que tinha as cores preto. Em 1931 essa bailarina foi substituída por Maria Teresa Walker. Ele chegou a pintar as duas no mesmo dia. Em 1936 ele vai ser nomeado diretor do Museu do Prado. que vai ser o símbolo da justiça. Fica o tempo todo morando na França e saudoso de seu país. Ele fez três coisas de imediato: 1o. que representa o povo. Foi pintada com paixão. Dois dias depois a Europa toda sabia da história. é um jogo. Ele disse o seguinte: “o retorno periódico à determinadas fases era como uma volta a obra à ordem dele”. 122 . desistindo depois. Foi então o primeiro bombardeio aéreo da história da humanidade de uma cidade inteiramente civil. bombardearam a cidade. Nunca mais vai voltar à Espanha até o Franco morrer." Segundo Mali: Tudo o que Picasso pintava era realista e irreal. uno e mutilado. quando acontece a guerra civil espanhola. além dos casos que tinha por fora. Vai buscar a luz. Nesse período ele não vai querer voltar à Espanha para assumir a direção do Museu do Prado. Ninguém falava de guerra. Vai casar com Dora Maar e pintar muitos retratos dela. trabalhando sem cessar.000 habitantes. Casou-se 5 vezes. Levou mais ou menos uns 4 meses para elaborar a obra. A mulher sustentando uma lâmpada na mão. Em 1920 se casou com uma bailarina russa chamada Olga. mas sua pintura não é difícil de ser reconhecida. Das 5 esposas. convicção e com inúmeros desenhos preparatórios. Picasso tem muitas fases. não é arte. objetivo e subjetivo ao mesmo tempo. esquadrilhas de aviões das forças nazistas aliadas à Franco. Ele tinha uma boa organização e um sistema de trabalho. não tinha o porquê. 2o. período onde sua pintura fica mais calma. branco e cinza. Se é casta ou não se revela. Guernica é um mural bem trágico onde vai mostrar a tragédia humana. à 1 hora da tarde. As pessoas saíram da feira e foram fazer a sesta. Vai escrever o seguinte. Durante 3 horas jogaram bombas matando cerca de 1765 pessoas.

Mas. que eram judeus. Picasso recebeu muito apoio dos pais. Em 1946 Picasso vai casar com a 4a. Estava em Cap D'Antibes. bem na ponta do cabo. É o pior do retrato do sofrimento humano. De repente a Gestapo surgiu em seu Atelier quando Picasso estava pintando. Vai morar e pintar muito. Picasso pertencia a Resistência ajudando muito os espanhóis. além de ter muito mais esboços específicos. em Madri. Picasso ao terminar Guernica em 1939. Picasso sempre pintava sozinho. com animais. Fofoca: Quando a Brigite Bardot foi visitá-lo e ele se encontrava com 60 anos aproximadamente. aos 55 anos. sem nunca ter se naturalizado. ao mesmo tempo que revela o palpitar da vida. em “off”: Salvador Dali conseguiu conquistar a mulher de Paul Edward. não usando cores. Fazendo uma análise da forma pode-se notar uma composição de estilo piramidal. Além de transmitir uma grande emoção. mulher e filhos. escultura e jóias. Nessa época vai morar na Cote D'Azur. Guernica tem 7. se fores frade acabarás a papa. 123 . Nessa época ele já tinha 68 anos e vai trabalhar com cerâmica. Em termos de conteúdo vai mostrar sempre o palpitar da vida e a quietude da morte. Ele resolve não esconder nada. Obs. Paul Edward entrassem para ver a sua obra. Picasso disse que tinha repúdio a toda regra e convenções e com isso ele permanece um criador inesgotável. fez um monte de cerâmica terracota para ela. Chega o embaixador espanhol nazista que verá uma fotografia bem grande de “Guernica”. ficando com ela. em um castelo do século XVII que foi adquirido por ele. foi você quem fez isso!".80 m de comprimento e 3. com muita fama. Em "off": Na segunda guerra mundial quando os nazistas entraram na França e acabaram com Paris. etc. mulher “François Gilot”. mas quando fez Guernica deixou que André Morrow (?). Por isso seu trabalho é tão polivalente. baseada nos pintores clássicos. Esta obra se encontrava no Museu do Prado e agora está no Museu da Rainha Sofia. Então o embaixador sai de seu atelier sem falar nada. a sua forma é extremamente racional. Picasso inventa e cria formas que ele abandona e depois volta a pintar novamente. Essas esculturas ajudaram-na futuramente quando arrecada um bom dinheiro ao leiloá-las para ajudar financeiramente a sua obra de “proteção aos animais”. Quis ser pintor e tornei-me Picasso". gravura. ele fez 57 esboços gerais diferentes antes da composição final. Ele continuou estrangeiro na França.50 de altura. É uma fantástica mistura de processos de composição. com quem ele vai ter os filhos Claude e Paloma. a fugir. Disse: "Quando eu era criança minha mãe me dizia: se fores soldado chegarás a general.Nessa época. a sua força criadora não pára. tinha a Gestapo e a Resistência. O embaixador pergunta a Picasso: "Foi você que pintou isso?" Picasso responde: "Não. está rico. Eram esculturas parecidas com ela. Guernica é trágica.

outro diretor. dizendo: "Concordo com Dom Quixote: meu repouso é a batalha". Atraído por Matisse e por seu movimento. era um consagrado pintor aficionado. A posterior admiração por Cézanne e o deslumbramento causado pelo autor das Les demoiselles d' Avigon. convidou-o para ser padrinho da filha levando-a para a França. influência à qual temos que acrescentar a de Renoir com sua Moulin da Galette. Por isso a filha de Jorge Amado chama-se Paloma Amado. Um apartamento duplex em Paris. não teve e nem tem seguidores. a ocasião. Compra também em Málaga uma fazenda imensa. Picasso compra um castelo na França e uma casa da Idade Média também. o mistério e o risco de ousar. Em seguida fez experiências com colagem até 1914. Contudo.Em 1954 ele vai viver uma paixão muito forte com Jaqueline Roque. ele mostrou a aventura do olhar. Mais de 30 filmes foram feitos sobre sua vida além de mais de 1400 livros em 40 línguas. do encontro. pintor francês. Eu tento achar influências do mestre. Um exemplo desse estilo é Violino e jarro (1910). o imprevisto. a influência decisiva que Paris exerceu sobre ele foi através das salas do Louvre dedicadas à escultura egípcia e grega primitiva.” BRAQUE Georges Braque (1882-1963). Vai adquirir muito mais imóveis também. o mural "Guerra e Paz". se uniu ao Fauvismo durante dois anos (1905/7). por sua vez. a festa da revelação. iniciou-se também como rotulista. o conduzem para a experiência cubista. seu pai negociava com a pintura e a decoração e. Vai então desenvolver uma série de trabalhos nessa época. que ele nunca foi e onde mora hoje sua filha Paloma. 124 . Para terminar. essas coisas tão humanas. Na Itália. realizou as obras que hoje são conhecidas como cubismo analítico. com quem tinha estabelecido uma sólida amizade. A aprendizagem técnica lhe fez entrar adulto na escola de Belas Artes do Havre e posteriormente no ateliê do pintor Lécin Bonnat . Em "Off": Jorge Amado que tinha adoração e muita amizade por Picasso. etc. Pintando o que nunca se viu. Foi filmado por Clouseaux. Georges introduziu-se na tradição familiar graças a seu próprio pai. mas ninguém pode querer pintar como Picasso. em aprendiz de decorador: tinha que imitar o mármore. à vez. convertendo-se. Morreu aos 92 anos em 09 de abril. porque ele foi o único. quando começou a I Guerra Mundial. pintura que admirou e saboreou até saciar-se. Mali descreve em seu livro: "Por estranho que pareça esse grande e talvez o maior artista plástico de nosso século. próximo à Capri. entre eles a “releitura das meninas de Velásquez”. uma outra fazenda em Marbela. fantástico diretor francês e por Alan Ransmie. a superfície da madeira e as superfícies douradas. um bom retratista de personagens famosos. vai comprar também uma ilha enorme onde vai construir um castelo como o da Espanha que tinha. De 1910 a 1912. um duplex no Central Park. o "Pombo" (Paloma) que para ele é o símbolo da paz.

sob a orientação de Émile Renard. percorreu as cidades históricas mineiras em companhia do escritor francês Blaise Cendrars. Estudou com Pedro Alexandrino. Entrou em contato com Fernand Léger. a partir de 1917. Presente na I e II Bienais de São Paulo. na Pinacoteca do Estado de São Paulo. em suas produções posteriores aparecem paisagens e temas normandos. cujo estilo a marcou sobremodo. no Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo.A I Guerra Mundial separou a ambos artistas. Mobilizado. da fase social. o chamado Grupo dos Cinco. TARSILA DO AMARAL Tarsila participou ativamente da renovação da arte brasileira que se processou na década de 1920. Concluído o conflito. e "São Paulo". e influenciou Portinari. Mário de Andrade e Oswald de Andrade. com quem se casou em 1924. com Anita Malfatti. sala especial foi dedicada à retrospectiva de sua obra. Foram apresentadas suas diversas fases e deu-se destaque ao quadro "Operários" (1933). Tarsila morreu em São Paulo SP em 17 de janeiro de 1973. Em 1960 o Museu de Arte Moderna de São Paulo organizou retrospectiva de sua obra. uma localidade na Normandia francesa cuja fria luminosidade parecia adaptar-se muito bem a seu próprio temperamento. Iniciou-se então sua fase antropofágica. na XXXII Bienal de Veneza (1964) e na mostra Arte da América Latina desde a Independência (1966). Retornando ao Brasil em 1924. foi premiada na primeira. Tarsila esteve ainda representada na mostra Arte Moderna no Brasil (1957). embora lentamente conseguiu recuperar a vista. assimilou a tradição barroca brasileira às recém-adquiridas teorias e práticas cubistas e criou uma pintura que foi denominada Pau-Brasil. Em 1926 Tarsila expôs na galeria Percier em Paris. Integrou-se ao movimento modernista e ligou-se com especial interesse à questão da brasilidade. e estruturou sua personalidade artística a partir das influências cubistas. variante brasileira do cubismo. em São Paulo. Deslumbrada com a decoração popular das casas dessas cidades. Entre suas demais telas destacam-se "A negra". continuou sua amizade com Picasso. Na Bienal de São Paulo de 1963. Braque recebeu uma séria ferida na cabeça que deixou cego. de retorno ao primitivo. Recebeu a Cruz de Guerra e da Legião de Honra. Desta forma. Morreu no dia 31 de agosto com oitenta e um anos. mas não seu vínculo artístico. em que as cores são mais sombrias mas a nitidez anterior é conservada. Em 1922 participou em Paris do Salão dos Artistas Franceses. Braque seguiu o seu próprio caminho. Em Paris freqüentou a Académie Julien. Menotti del Picchia. da qual o exemplo mais notável é o quadro "Abaporu". Formou. Outra obra do mesmo período é "Segunda classe". Essa pintura inspirou um movimento. e depois com George Fischer Elphons. que com o passar do tempo o levou a freqüentar Varengeville. André Lhote e Albert Gleisse. 125 . Tarsila do Amaral nasceu em Capivari SP em 1886.

Dissolvido o movimento. O segundo manifesto. os objetos não se esgotam no contorno aparente e seus aspectos se interpenetram continuamente a um só tempo. registrando a velocidade descrita pelas figuras em movimento no espaço. Um automóvel de carreira é mais belo que a Vitória de Samotrácia".Mesmo assim. Os futuristas saúdam a era moderna. Cinco anos mais tarde. Boccioni e Severini. Para Balla. e nele. Um ano mais tarde. "é mais belo um ferro elétrico que uma escultura". em sua obra o pintor italiano tentou endeusar os novos avanços científicos e técnicos por meio de representações totalmente desnaturalizadas. ou desintegração das formas. na Academia Albertina de Turim. numa repetição quase infinita. onde entrou em contato com a obra dos impressionistas e neo-impressionistas e participou de várias exposições. com a situação da luz e a integração do espectro cromático. resultou do encontro do poeta com os pintores Carlo Carra. Principais artistas: GIACOMO BALLA .FUTURISMO O primeiro manifesto foi publicado no Le Fígaro de Paris. aderindo entusiasticamente à máquina. Para os futuristas. CARLO CARRA (1881-1966). apresentou em 1912 seu primeiro quadro futurista intitulado Cão na Coleira ou Cão Atrelado. A formação acadêmica de Balla restringiu-se a um curso noturno de desenho. de 1910. Na volta a Roma. em encontrar uma maneira de visualizar as teorias do movimento. em 22/02/1909. de dois meses de duração. Em 1895 o pintor mudouse para Roma. O artista futurista não está interessado em pintar um automóvel. que permitia ao observador captar de uma só vez todas as seqüências do movimento. mostrou grande preocupação com o dinamismo das formas. onde apresentou regularmente suas primeiras obras em todas as exposições da Sociedade dos Amadores e Cultores das Belas-Artes. dizendo que "o esplendor do mundo enriqueceu-se com uma nova beleza: a beleza da velocidade. o poeta italiano Marinetti. embora sem chegar a uma total abstração.. Boccioni e Giacomo Balla. ou vários tempos num só espaço. Severini. fez uma viagem a Paris. Um recurso dos mais originais que ele usou para representar o dinamismo foi a simultaneidade. Procura-se neste estilo expressar o movimento real. Balla retornou às suas pinturas realistas e se voltou para a escultura e a cenografia. ele se separaria finalmente do futurismo para se dedicar àquilo que eles próprios dariam o nome de Pintura Metafísica. Embora em princípio Balla continuasse influenciado pelos divisionistas. conheceu Marinetti. como seus companheiros. junto com Giorgio De Chirico. Russolo. juntava-se a eles para assinar o Manifesto Técnico da Pintura Futurista. O futurismo é a concretização desta pesquisa no espaço bidimensional. sua cidade natal. Preocupado. O grupo pretendia fortalecer a sociedade italiana através de uma pregação patriótica que incluía a aceitação e exaltação da tecnologia. mas captar a forma plástica a velocidade descrita por ele no espaço. não demorou a encontrar uma maneira de se ajustar à nova linguagem do movimento a que pertencia. 126 .

por definição suas obras mais futuristas. Ao retornar. Morreu dois anos depois. entrou em contato com Carrà e Marinetti e um ano depois se encontrava entre os autores do Manifesto Futurista de Pintura. Em suas últimas obras retornou ao cubismo. 127 . principalmente na obra de Cézanne. Carrà não deixou de comparecer às exposições futuristas de Paris. Fez então algumas viagens a Paris. Escultura Futurista. em Milão. mas já em 1915 separou-se definitivamente do grupo. Numa segunda viagem a Paris entrou em contato com Apollinaire. influenciou a arte de seu país nas décadas de 1920 e 1930. Logo fez amizade com os pintores Balla e Severini. Boccioni conseguiu finalmente fazer a representação do movimento por meio de cores e planos desordenados. onde estudou em diferentes academias. Juntou-se a Giorgio De Chirico e realizou sua primeira pintura metafísica. indiferença em relação aos críticos de arte e rejeição dos conceitos de harmonia e bom gosto aplicados à pintura. sua obra se manteve sob a influência do cubismo. participou da primeira exposição futurista. Dinâmico Plástico (Pintura.Enquanto ganhava seu sustento como pintor-decorador freqüentava as aulas de pintura na Academia Brera. Em 1900 fez sua primeira viagem a Paris. Londres e Berlim.Publicou vários trabalhos. em 1916. mas incorporando os conceitos de dinamismo e simultaneidade: formas e espaços que se movem ao mesmo tempo e em direções contrárias. Modigliani e Picasso. Representante do futurismo e mais tarde da pintura metafísica. Nascido em Reggio di Calábria. Durante a Primeira Guerra Mundial. entre eles La Pittura Metafísica (1919) e La Mia Vita (1943). publicou o Manifesto Técnico da Pintura Futurista. A partir desse momento começaram a aparecer as referências cubistas em suas obras. contratado para a decoração da Exposição Mundial. o pintor se alistou como voluntário e ao voltar publicou o livro Pittura. No início. Scultura Futurista. onde se encontrou com Picasso e Braque. Ao voltar. do qual foi um dos principais teóricos. desprezo pela representação naturalista. como num pseudofotograma. Em 1912. Suas obras ainda deixavam transparecer a preocupação do artista com os conceitos propostos pelo cubismo. no qual foram registrados os princípios teóricos da arte futurista: condenação do passado. Ao voltar. Dinamismo Plástico). com sua obra Dinamismo de um Jogador de Futebol. Os retratos deformados pelas superposições de planos ainda não conseguiam expressar com clareza sua concepção teórica. De lá mudouse para Londres. pintor italiano. Foi com a intenção de procurar as bases dessa nova estética que ele viajou a Paris. na cidade de Verona. São Petersburgo e Milão. UMBERTO BOCCIONI (1882-1916). redigido pelo poeta italiano e publicado no jornal Le Figaro. Nessa época iniciou seus primeiros estudos e esboços de Ritmo dos Objetos e Trens. mostrou-se interessado na pintura impressionista. retomou as aulas na Academia Brera e conheceu Boccioni e o poeta Marinetti. Boccioni mudou-se ainda muito jovem para Roma. Um ano mais tarde. Um ano mais tarde assinou o Primeiro Manifesto Futurista.

Queremos cantar o amor do perigo. arqueólogos. publicado em 1909. Queremos glorificar a guerra . Queremos destruir os museus.. o militarismo. A coragem. as pontes semelhantes a ginastas gigantes que transpõem as fumaças. Cantaremos as grandes multidões agitadas pelo trabalho. o hábito da energia e da temeridade. cujas hélices se agitam ao vento como bandeiras e parecem aplaudir como uma multidão entusiasta. pois criamos a eterna velocidade onipresente. 1908. o patriotismo. as academias de todo tipo. Queremos celebrar o homem que segura o volante. Queremos exaltar o movimento agressivo.Fragmento "Fundação e manifesto do futurismo". contundidos e enfaixados os braços. o feminismo e toda vileza oportunista e utilitária. 9. de suores inúteis. é mais belo que a Vitória de Samotrácia.empaste de escórias metálicas. 11. "Então. as locomotivas de amplo peito que se empertigam sobre os trilhos como enormes cavalos de aço refreados por tubos e o vôo deslizante dos aeroplanos. se queremos arrombar as misteriosas portas do Impossível? O Tempo e o Espaço morreram ontem. com o vulto coberto pela boa lama das fábricas . Vivemos já o absoluto.. e combater o moralismo. Um carro de corrida adornado de grossos tubos semelhantes a serpentes de hálito explosivo. que parece correr sobre a metralha. cicerones e antiquários. 128 . o gesto destruidor dos anarquistas. de fuliges celestes -.única higiene do mundo -. porque queremos libertar este país de sua fétida gangrena de professores. Até hoje a literatura tem exaltado a imobilidade pensativa. lançada a toda velocidade no circuito de sua própria órbita. devoradoras de serpentes fumegantes: as fábricas suspensas das nuvens pelos contorcidos fios de suas fumaças. 2.. a insônia febril. cantaremos o vibrante fervor noturno dos arsenais e dos estaleiros incendiados por violentas luas elétricas: as estações insaciáveis. um automóvel rugidor. 5. as belas idéias pelas quais se morre e o desprezo da mulher. as bibliotecas. Nenhuma obra que não tenha um caráter agressivo pode ser uma obra-prima. fausto e munificência. pelo prazer ou pela sublevação. É da Itália que lançamos ao mundo este manifesto de violência arrebatadora e incendiária com o qual fundamos o nosso Futurismo. 3. A poesia deve ser concebida como um violento assalto contra as forças ignotas para obrigá-las a prostrar-se ante o homem. 6. os navios a vapor aventurosos que farejam o horizonte. 4. Por que haveremos de olhar para trás. cantaremos a maré multicor e polifônica das revoluções nas capitais modernas. 7. ditamos nossas primeiras vontades a todos os homens vivos da terra: 1. a audácia e a rebelião serão elementos essenciais da nossa poesia. a velocidade.. o êxtase e o sono. Afirmamos que a magnificência do mundo se enriqueceu de uma beleza nova: a beleza da velocidade. a bofetada e o murro. O poeta deve prodigalizar-se com ardor. o salto mortal. mas impávidos. 8. cintilantes ao sol com um fulgor de facas. a fim de aumentar o entusiástico fervor dos elementos primordiais. cuja haste ideal atravessa a Terra. Já não há beleza senão na luta. Estamos no promontório extremo dos séculos!. 10.

da qual saís fatalmente exaustos. em violentos arremessos de criação e de ação. diminuídos e espezinhados? Em verdade eu vos digo que a frequentação cotidiana dos museus. Desviem o curso dos canais para inundar os museus!. como manuscritos inúteis.. Queremos libertá-la dos incontáveis museus que a cobrem de cemitérios inumeráveis. calvários de sonhos crucificados. pelo menos um decênio mais jovens e válidos que nós jogarão no cesto de papéis. Oh. como se visita o cemitério no dos dos mortos. Idênticos..Há muito tempo a Itália vem sendo um mercado de belchiores. para os artistas.. das bibliotecas e das academias (cemitérios de esforços vãos. . pela sinistra promiscuidade de tantos corpos que não se conhecem.. vá lá. jovens e fortes futuristas! Bem-vindos.. Que uma vez por ano se desponta uma coroa de flores diante da Gioconda.. os martelos e destruam sem piedade as cidades veneradas! Os mais velhos dentre nós têm 30 anos: resta-nos assim.. nossa mórbida inquietude. Quereis.... realmente. Aqui!. Empunhem as picaretas. de toda parte. Admirar um quadro antigo equivalente a verter a nossa sensibilidade numa urna funerária. desperdiçar todas as vossas melhores forças nessa eterna e inútil admiração do passado. pois. Mas nós não queremos saber dele.. os alegres incendiários com seus dedos carbonizados! Ei-los!. estendendo os dedos aduncos de predadores e farejando 129 .. Museus: dormitórios públicos onde se repousa sempre ao lado de seres odiados ou desconhecidos! Museus: absurdos dos matadouros dos pintores e escultores que se trucidam ferozmente a golpes de cores e linhas ao longo de suas paredes! Que os visitemos em peregrinação uma vez por ano. vá lá: o admirável passado é talvez um bálsamo para tantos os seus males.. Museus: cemitérios!. tudo bem. rasgadas e descoradas sobre as águas.. em vez de projetá-la para longe. os machados. do passado. tão ruinosa quanto a tutela prolongada dos pais para certos jovens embriagados por seu os prisioneiros. registros de lances truncados!.) é. dançando à cadência alada dos seus primeiros cantos. nós. nossa frágil coragem.. Ponham fogo nas estantes das bibliotecas!. pois. Por que devemos nos envenenar? Por que devemos apodrecer? E que se pode ver num velho quadro senão a fatigante contorção do artista que se empenhou em infringir as insuperáveis barreiras erguidas contra o desejo de exprimir inteiramente o seu sonho?..Pois é isso que queremos! Nossos sucessores virão de longe contra nós. a alegria de ver flutuar à deriva. já que para eles o futuro está barrado.. as velhas telas gloriosas!. Mas não admitimos passear diariamente pelos museus nossas tristezas..

. não pode ser senão violência. Olhai para nós! Ainda não estamos exaustos! Nossos corações não sentem nenhuma fadiga.. Seja!.. de ódio e de velocidade!.. Por fim eles nos encontrarão . aquecendo as mãos ao fogo mesquinho proporcionado pelos nossos livros de hoje flamejando sob o vôo das nossas imagens. pois não vos recordais sequer de ter vivido! Eretos sobre o pináculo do mundo. porque estão nutridos de fogo..... Mas nós não estaremos lá. Cabeça erguida!.B. às portas das academias..uma noite de inverno . ofegantes de angústia e despeito. sem jamais repousar... de amor. o bom cheiro das nossas mentes em putrefação. 1993) 130 .. sem calcular. sem jamais hesitar. Estais admirados? É lógico. de astúcia e de vontade rude.em campo aberto. mil tesouros de força. temos já esbanjado tesouros. crueldade e injustiça.. de fato.. Nossa bela e mendaz inteligência nos afirma que somos o resultado e o prolongamento dos nossos ancestrais. exasperados pela nossa soberba. H. A forte e sã Injustiça explodirá radiosa em seus olhos .. mais uma vez lançamos o nosso desafio às estrelas. precipitadamente. inestancável audácia. e nos verão agachados junto aos nossos aeroplanos trepidantes. Já entendemos!.caninamente... Os mais velhos dentre nós têm 30 anos: no entanto. Ai de quem nos repetir essas palavras infames!.." (Teorias da Arte Moderna. Mas que importa? Não queremos entender!. mais uma vez lançamos o nosso desafio às estrelas! Vós nos opondes objeções?. Basta! Basta! Já as conhecemos. sob um triste galpão tamborilado por monótona chuva..Chipp. se precipitarão para matar-nos.. delirantemente. Eretos sobre o pináculo do mundo. Eles se amotinarão à nossa volta. e todos. de audácia. até perder o fôlego.A arte. Martins Fontes. impelidos por um ódio tanto mais mais implacável quanto seus corações estiverem ébrios de amor e admiração por nós... .Talvez!. já prometidas às catacumbas das bibliotecas.

nascido na Grécia. em que buscava a unidade das coisas do universo. manequins. pintor italiano. Conferiu imobilidade e transparência de formas. onde colocava objetos heterogêneos para revelar um mundo onírico e subconsciente. 131 . em arcadas e arquiteturas puras. em curiosas perspectivas divergentes. sombras sedutoras e cores ricas e profundas. Principais Artistas: GIORGIO DE CHIRICO (1888-1978). GIORGIO MORANDI (1890-1964). irreais e enigmáticos. nus ou vestidos à moda clássica. através de associações pouco comuns de objetos totalmente imprevistos. numa transfiguração toda especial. As suas obras retratam cenários arquitetônicos. caixas e lâmpadas velhas. muitas vezes com a inclusão de estátuas. que pareciam simbolizar a estranheza do ser humano diante do seu meio ambiente. enigmáticos e sem rosto. principal representante da "pintura metafísica". ciência que estuda tudo quanto se manifesta de maneira sobrenatural.PINTURA METAFÍSICA A pintura deve criar um impressão de mistério. Também usada nas suas obras manequins. recorte intimista e atmosfera de luz cinza-clara às naturezas-mortas que pintou usando como modelos frascos. Notável por suas naturezas-mortas. frutas. solitários. de plástica despojada e escultural. idealizadas. pintor italiano. A pintura metafísica explora os efeitos de luzes misteriosas. perpassado de inquietações metafísicas. Tem inspiração na Metafísica. garrafas. legumes. Giorgio De Chirico constitui um caso singular: poucas vezes um artista alcançou tão rapidamente a fama para em seguida renegar o estilo que o celebrizara e cair em um esquecimento quase absoluto.

após leve intervenção e receberem um título. Colaborou com Tristan Tzara na revista Dada. objetos escolhidos ao acaso. selecionado e combinando elementos por acaso. o Dada foi um movimento de negação. Esse nome escolhido não fazia sentido. inventou mecanismos ópticos. Fundaram um movimento literário para expressar suas decepções em relação a incapacidade da ciências. Depois fez interferências (pintou bigodes na Mona Lisa. a incoerência. Ready-Made significa confeccionado. Sua proposta é que a arte ficasse solta das amarras racionalistas e fosse apenas o resultado do automatismo psíquico. exilados na Suíça.DADAÍSMO Formado em 1916 em Zurique por jovens franceses e alemães que. pronto. artistas de várias nacionalidades. A palavra Dada foi descoberta acidentalmente por Hugo Ball e por Tzara Tristan num dicionário alemão-francês. pintor e escritor francês. se tivessem permanecido em seus respectivos países. Durante a Primeira Guerra Mundial. Sendo a negação total da cultura. o Dadaísmo defende o absurdo. Politicamente . a desordem. adquiriam a condição de objeto de arte. François Picabia (1879-1953). Reinterpretou o cubismo a sua maneira. assim como a arte que perdera todo o sentido diante da irracionalidade da guerra. eram contrários ao envolvimento dos seus próprios países na guerra. pintor e escultor francês. 1916). para demonstrar seu desprezo pela arte tradicional). tratado como objeto de arte por opção do artista. religião. filosofia que se revelaram pouco eficazes em evitar a destruição da Europa. antes do surgimento do grupo Dada (Zurique. Principais artistas: Marcel Duchamp (1887-1968). Envolveu-se sucessivamente com os principais movimentos estéticos do início do século XX. sua arte abriu caminho para movimentos como a pop art e a op art das décadas de 1950 e 1960. Dada é uma palavra francesa que significa na linguagem infantil "cavalo de pau". Criou os ready-mades. Expressão criada em 1913 pelo artista francês Marcel Duchamp para designar qualquer objeto manufaturado de consumo popular. O fim do Dada como atividade de grupo ocorreu por volta de 1921. como cubismo. Em 1917 foi rejeitado ao enviar a uma mostra um urinol de louça que chamou de "Fonte". interessando-se pelo movimento das formas. O experimentalismo e a provocação o conduziram a idéias radicais em arte. firma-se como um protesto contra uma civilização que não conseguiria evitar a guerra. surrealismo e dadaísmo. o caos. 132 . e que. teriam sido convocados para o serviço militar.

Inventou técnicas como a decalcomania e o frottage. Max Ernest (1891-1976). como a madeira de veios salientes. criando técnicas em pintura e escultura. Formas e cores tornaram-se a seguir mais discretas. Man Ray (1890-1976). são exuberantes nas cores e sugerem formas metálicas que se encaixam umas nas outras. composições que sugerem a múltipla identidade dos objetos por ele escolhidos para tema. em 1915 conhece o pintor francês Marcel Duchamp. com quem funda o grupo dadá nova-iorquino. com a nova atividade. adepto do irracional e do onírico e do inconsciente. pintor alemão. Trabalha como fotógrafo para financiar a pintura e. ou fotograma. criando imagens abstratas (obtidas sem o auxílio da câmara) mas com a exposição à luz de objetos previamente dispersos sobre o papel fotográfico. até que por volta de 1916 o artista se concentrou nos engenhos mecânicos do dadaísmo. de modo que o papel adquira o aspecto da superfície posta debaixo dele.Suas primeiras pinturas cubistas. com a superposição de formas lineares e transparentes. 133 . de índole satírica. No Dadaímo contribuiu com colagens e fotomontagens. fotógrafo e pintor norte-americano. desenvolve a sua arte. e esfregar um lápis de cor ou grafita. o frottage também era considerado um método que dava acesso ao inconsciente. a raiografia. abandonou a abstração pura que praticara por anos e criou pinturas baseadas na figura humana. que consiste em aplicar uma folha de papel sobre uma superfície rugosa. eram mais próximas de Léger do que de Picasso. esteve envolvido em outros movimentos artísticos. Em 1921 contata com o movimento surrealista na pintura. Depois de 1927. Como o artista não tinha controle sobre o quadro que estava criando.

O abstracionismo acompanha o homem desde a época pré-histórica. e retiradas do mundo externo. essas combinações levaram a surgir outros momentos e não movimentos de pintura. 134 . Próximos da segunda guerra mundial. sem medidas. passa a ter uma linguagem muito diferente chamada de linguagem geométrica. Ex. Ex.ABSTRACIONISMO O período do abstracionismo começou em mais ou menos 1911. vivendo em um clima tenso. Nos dias de hoje. Você pode se envolver ou se inspirar em alguma coisa existente mas não vai retratar fielmente aquela figura. Esses desenhos se desprendem da realidade enquanto formas. Quando se fala de abstracionismo falamos também de representar formas. A revolução Russa também influenciou muito no abstracionismo. Aos poucos. Mandalas. Essa época coincide quando Kandinsky vira uma tela de aquarela de ponta cabeça. quando o homem vai ter que lutar por aquilo que precisa sem ter que depender tanto de suas magias. que são criadas por um processo muito interior. Como exemplo temos as "gregas" que foram usadas. Ele pode ter uma somatória de características além do abstrato. É uma linguagem completamente abstrata. Outro motivo seria uma nova visão decorrente do impressionismo (pinceladas soltas que se parecem com manchas abstratas). Quando você cria um desenho livre pode até ser um trabalho abstrato. Existem muitas outras formas geométricas que foram usadas por eles e que de forma nenhuma estão inspirados na realidade. o homem tentava negar a realidade em que vivia. mas pode também ser um símbolo além do abstrato. mas que ninguém sabe ao certo se foram eles que a criaram. O grego também foi um povo que usou muito do abstracionismo. surgindo uma série de borrões que vão ser admirados. É uma ausência da realidade. no período da pedra polida. abstrato puro ou outras combinações. A Alemanha foi o país que participou mais intensamente desse movimento e uma boa parte da Europa também teve participações mais irregulares. no período da pedra lascada quando o homem fazia desenhos figurativos. São formas criadas pelo homem. Esse movimento foi muito forte na pintura e na arquitetura. No aspecto social seria a previsão do início de guerra. abstrato colorido. Abstrato preto-branco. cores e texturas. Abstracionismo não se prende a realidade existente. O abstracionismo surgiu por vários fatores sendo um deles o cansaço do realismo.

foi considerado um marco dentro da chamada arte moderna. Uma pintura irracional é colocar as cores e formas simplesmente por acaso. As formas. Existe uma série de regras que determina cada estilo de arte. o abstracionismo dificilmente passa a ser aceito pelo mundo. O abstracionismo não é um processo racional. No abstracionismo não existe a obrigatoriedade de se combinar cores. Ex. são criadas pelo artista. enquanto movimento. O pintor abstracionista sempre tem uma representação muito pessoal que envolve os aspectos de técnicas de sua pintura como também o do contexto onde o artista vive. A arte abstrata é livre de contexto. Os artistas abstracionistas. Outra forma é programar a distribuição de cores e formas sem estar reproduzindo uma realidade. Em pleno período de conflitos mundiais vão pensar em contestar tudo isso com uma arte que não era fácil de ser entendida. O abstrato é um dos tipos de trabalho que faz parte da arte moderna. Ao fazer negações desse tipo. Um trabalho pode ser completamente abstrato e só ter tons pastéis e sem nenhum contraste. Temos dois tipos de trabalhos abstracionistas: Abstracionismo gestual e geométrico. Um trabalho abstrato não tem essa limitação. intuitivamente. O Gestual é o abstracionismo no qual a pintura é muito livre. equilíbrio e de formas que estão ligados ao conceito de geometria. Cores contrastantes são comuns aparecerem em trabalhos abstratos. quando o abstracionismo começou. tanto no gestual como no geométrico. Todos os dois podem provocar emoções. Um trabalho abstracionista está dentro de um contexto de arte moderna. mas não é obrigatório. no qual a movimentação da mão vai determinar o trabalho com pinceladas (no caso utilizando-se pincel) mais fortes ou mais suaves. Optar por colocar uma cor quente ou fria em determinado espaço para dar impressão de proximidade. hoje em dia. O abstracionismo. ele pode ser irracional. O abstracionismo Geométrico é muito preso a aspectos de simetria. Da mesma forma que você representa uma forma real você pode representar uma forma irreal dando volumetria. tem buscado estabelecer planos diferenciados na pintura através da cor e da forma. No abstracionismo não se respeita nenhuma regra é uma negação completa a qualquer outro momento da arte. mas produzindo uma distribuição racional dessas cores e formas. As formas geométricas são precisas dentro do trabalho. é enquadrado na arte moderna. mas nem todo trabalho de arte moderna será um trabalho abstrato.: Preto-vermelho. Muitas vezes é um porquê racional que pertence só ao artista. mas ele vem acompanhando o homem desde a pré história e em vários momentos da sua vida. Ex. Se você fizer hoje um trabalho impressionista será chamado de néo-impressionista. 135 . amarelo-vermelho. distanciamento ou efeito de volume. pois ele será abstrato em qualquer época. sem medidas e técnicas precisas.Em 1911. não existindo nenhum compromisso com a realidade. As cores que mais sofrem destaques normalmente são cores que provocam contrastes entre elas mesmas.

Quanto mais simbologias ele tiver é mais fácil as pessoas se identificarem com ele. é preciso ver o quanto aquela obra oferece de informações inovadoras. Essa escola tem um destaque muito importante dentro da história da arte e da arquitetura. Algumas obras abstratas passam algum conteúdo. não tem necessidade de passar algum tipo de informação. 136 . Eles buscavam. A obra abstrata não precisa ter conteúdo. não do abstracionismo que aparece desde o período da pedra polida. A falta de intimidade com a arte abstrata é que leva o homem a não apreciá-la. conhecer novos materiais. Artistas abstratos: Vassily Kandinsky (1866-1944) Nasceu em Moscou e morreu em Paris. precisa de símbolos que tenha alguma informação já conhecida antes. O fato de utilizarse só da cor demonstra uma negação da realidade. que integrou a BAUHAUS (escola de arte). outras não. Quando se observa uma obra de arte. sem se preocupar com a forma e o conteúdo. Eles tinham todo um aspecto filosófico que faziam com que os alunos tivessem que passar por diversos estágios de evolução. etc. principalmente a abstrata. O lado esquerdo do cérebro é o lado racional. etc. Essa escola foi criada (+/-) 1919/1920 em Weimar. Vassily Kandinsky foi um dos professores. Não existe essa mesma liberdade na pintura acadêmica. A partir dai começa a pesquisar e fazer uma série de testes em cima de cor e textura. deixando de ter toda essa abstração e ganhando um significado que você tenha descoberto e não necessariamente tenha sido criado pelo artista. O abstracionismo levou uma série de discussões em cima do que era chamado de simbologia. desafiando-se perante o novo. Porque um quadro precisa ter forma explícita para agradar?". cores. que representava um monte de feno. cidade alemã. e vai ficar encantado com as cores e a textura. de pintura e desenho. técnicas diferenciadas ou não. passando depois para Dessau. A simbologia é uma representação criada pelo homem baseada nas formas abstratas. evoluir todos os sistemas industriais possíveis que tinham sidos retomados durante a revolução industrial. É considerado o iniciador da pintura moderna abstrata. principalmente se for uma simbologia mais evidente. não dá para estabelecer parâmetros racionais. O lado direito é o lado sensitivo. As obras podem ser bem diferenciadas umas das outras pela infinidade de possibilidades de representações através de texturas. Vassily Kandinsky tinha por característica usar cores fortes e apelativas. Um trabalho abstrato pode ser rico ou não em simbologias. Kandinsky passou por várias fases da pintura e na sua primeira visita à Paris viu o quadro de Monet.Comentário: "A música existe por ela mesma sem ter a letra.

Em algumas etapas de seu trabalho ele se utiliza propositadamente da geometria de forma intensa. de utensílios e vai se tornar muito conhecida mundialmente. os trabalhos de Kandinsky foram se tornando cada vez mais introspectivos. Como por ex. da negação do prazer ou do êxtase com relação a obra. no sentido de que ele não é preso ao geometrismo. artista brasileiro. Ele inclusive vai pegar você pela emoção do prazer ou não prazer. ou seja. Influenciou realmente o design de peças das mais diversas que encontramos hoje. diminui a beleza que as formas e as cores possuem em si mesmas. tristeza. Na sua fase final ele está completamente abstrato. uma composição que não interfere o nosso lado sentimental. Não é aquele tipo de abstracionismo que você comenta sobre se a composição está muito bem equilibrada. O abstracionismo está muito ligado em algumas coisas com o expressionismo. Neste livro filosófico vai questionar muito sobre o aspecto de conteúdo da arte. Bandeira. Kandinsky escreveu um livro neste período chamado "O Espiritual da Arte".Obs. o que é abstracionismo. o que é figurativismo. e que seriam aspectos ligados a parte sensitiva de cada um de nós. Ele cria formas livremente que não são definidas pela natureza ou geometria. A Bauhaus é uma escola que vai aprimorar os designs dos objetos de uso do dia a dia. O pintor é abstrato é que é um realista. No seu trabalho vai predominar uma idéia de sentimento. e sendo assim. Vai dizer também que nós temos uma mentalidade muito ligada a dos renascentistas. as linhas e cores adquirem novos valores expressivos e uma nova vida própria despertando no observador emoções e sugestões de acordo com a sua sensibilidade". plástico. também trabalhou em cima do abstracionismo com um caráter sentimental. extremamente desenvolvido e a combinação de materiais.: ferro. De um modo geral. Foi nomeado um tipo de assessor cultural. distribuída. etc. alegria. 137 .: A revolução industrial não significa somente invenções industriais. as cores e as formas acontecem livremente. Em dois anos ele fundou 22 entidades entre galerias de artes e museus. O seu trabalho é informal. laminado melanínico (que significa fórmica) Obs. : A palavra fórmica é nome de uma marca. Chega a provar que a arte acadêmica é que é abstrata. mas sim um aprimoramento das invenções. Tem uma frase interessante que ele comenta sobre o conteúdo em uma obra de arte: " A presença de uma imagem visual ou a representação da realidade. Fala que temos que negar o que é a realidade para representar a realidade. mas estando sempre associadas a alguma coisa que passa sensações para nós. soltando-se por completo. Adorava criar entidades que pudessem apoiar a arte. independente de qualquer representação. Vai mexer com nosso emocional proporcionando-nos sensações do tipo exuberante. Design: significa desenho Designer: significa desenhista Kandinsky se preocupava mais com a evolução do desenho junto a seus alunos. que se baseavam no belo e no real.

A.". estanques. sendo rigorosamente aplicado à arquitetura. Onde as cores e as formas são organizadas de maneira que a composição resulte apenas na expressão de uma concepção geométrica. Principal artista: Sonia Delaunay.: A obra "O grito" por pouco não é abstrato pela deformação. elas não possuem parâmetro definido pelo braço do artista como no Tachismo. deslizes e riscos com luminosidade. e que também.: Quando você encontra uma obra com o símbolo "P. ou de alguma coisa própria do artista. São manchas criadas impulsivamente com toda a liberdade ou efusão emocional do artista. porém. Este trabalho não deixa de ser um teste do artista que pode ter ido adiante para um trabalho final ou não. mais provável. as formas e as cores devem ser organizadas de tal maneira que a composição resultante seja apenas a expressão de uma concepção geométrica. Formado por manchas coloridas colocadas lado a lado em um certo parâmetro ou limite. Trabalhos bem conhecidos de Kandinsky: Série de "Improvisações" "A Tela Amarela" "A Pintura com Três Manchas" Obs. Orfismo tem ligação com a música. do cubismo. O ângulo reto é o símbolo do movimento. Neoplasticismo. É muito comum que os vários artistas que passaram pelo abstracionismo tenham participado do expressionismo. conhecido como Cavaleiro Branco. no mínimo o braço do artista. Principal artista: Larionov/Gontcharova Abstracionismo Geométrico ou Formal. Resulta às linhas verticais e horizontais e às cores puras (vermelho. seu criador e princiapl teórico foi Piet Mondrian. Também existe um tipo de abstrato informal formado por manchas. ou de outros momentos que “tem um pé dentro e outro fora realidade”. Raionismo formado por raios. azul e amarelo). significa prova de artista.Ex. Grafismo é todo abstracionismo formado por uma grafia não cognificada. pode ser Cavaleiro Azul. 138 . Consegue nos convencer da dor que o homem está sentindo e que estava ligado ao aspecto da guerra. Curiosidades: Tachismo (de tache = mancha). Um dos grupos que ele fundou foi chamado de DÉR BLAUE REITER. Kandinsky foi considerado um “expert” do abstracionismo informal.

: A obra de abstração da "Árvore". Suas características são rígidas e se baseiam nas relações formais e perceptivas entre a forma e a cor. é uma pintura com base nas formas geométricas planas. no início de seu trabalho. sempre buscando um equilíbrio. obtendo formas extremamente definidas e geométricas. mas sempre tem um apelo forte a emoção. reduz as formas. Ele usou. 139 . assinado por Malevitch e Maiakovski. Tinha o objetivo de desenvolver um abstracionismo geométrico onde as formas e as cores eram organizadas de tal maneira que a composição resultante fosse uma expressão de uma concepção geométrica. Apesar de ele ter uma obra extremamente geométrica. círculo. não de contorno. Curiosidades: Suprematismo. como quiser. foi um dos principais integrantes do movimento futurista em seu país. Teve uma evolução bastante gradual e oposta a de Kandinsky.Piet Mondrian (1872-1944 . sem qualquer preocupação de representação. mas pode ser notado um aspecto expressionista nele. à pureza geométrica do quadrado. Ele teve uma evolução bastante progressiva. Ele não usa figuras explícitas. A maioria dos americanos não estuda história da arte em seu currículo escolar. Pesquisa os efeitos perceptivos do quadrado negro sobre o campo branco. Mais racional que as obras abstratas de Kandisky e Paul Klee. de ponta cabeça. Buscava uma definição. mas de colocação de uma cor ao lado da outra. poeta russo. triângulo e a cruz. que foi e voltou e passou por várias fases. Os elementos principais são: retângulo. cores mais fortes e depois foi usando cada vez mais tonalidades pastéis. Antes de ser um pintor era um conhecedor de arte. Ele transformava as formas e cores e purificava tudo em uma visão bem geométrica. Ex. Outro trabalho muito conhecido é "Pier e o Oceano". É um trabalho que lembra uma marina. de longe. Quando fazia o seu trabalho já tinha uma preocupação de distribuir tanto as formas como as cores na tela. O manifesto do Suprematismo. Ele é bastante movimentado. Sua obra deve ser vista de perto. tinha um componente emocional que sempre se inspirava naquilo que ele via. holandês) Piet Mondrian desenvolveu uma série de pesquisas em cima do abstracionismo. Ele é bastante expressivo. Seu trabalho é abstrato. cores e formas que obtém. Jackson Pollock Pintor americano. de pé. Ele influenciou muito os artistas alemães da geração atual. defendia a supremacia da sensibilidade sobre o próprio objeto. A maioria de suas obras estão no Museu "MOMA". um estacionamento de barcos e o oceano. em Nova York. nas variações ambíguas de fundo e forma. de técnica. informal e o apelo de seu trabalho está num conjunto de tudo. já para o europeu a arte faz parte de sua formação acadêmica. A sua obra mais conhecida chama-se "Boogie Odgie na Broadway". que ao olhar o seu trabalho visualizamos às vezes figuras que transferimos para a nossa realidade.

ou inclinada para que a tinta jogada pudesse escorrer. utilizando tinta à óleo. criada por Jackson Pollock nos anos de 1947 a 1950 faz parte da Arte Abstrata Americana. Participou do grupo de Kandinsky "Cavaleiro Azul". formas extremamente rígidas. · Técnica: pintura direta na parede ou no chão. Ele deixava a tela de pé. na Holanda. Obs. a Sociedade dos Artistas Abstratos. Toda viagem que fazia recebia muita influência. Em 1937. mas sempre utilizando quadrados e retângulos na sua maioria. Raríssimas obras não serão geométricas. etc. Ele soube colocar a sua própria expressão. Ele escolhia a posição que ia colocar a tela. que faz o que ela quer. A natureza também é uma arte.Usou muito a técnica de jogar a tinta sobre a tela deixando que ela agisse por conta dela mesma. · Destruição dos meios tradicionais de execução . deixava secar e depois fazia intervenções sobre esse trabalho. Ele pintou inúmeros trabalhos só com cor e retângulo. A sua composição é bastante variada. Curiosidades: Action Painting ou pintura de ação gestual. Uma de suas obras feitas pelo processo "Action Painting" chama-se "Ritmo Autônomo". etc. Essas figuras geométricas são na maioria das vezes chapadas também. geométricas e perfeitas em cima de um fundo extremamente chapado. Paul Klee demorou para muito para decidir ser pintor devido as influências recebidas de seus pais que eram músicos. espontaneidade e automatismo. Essa técnica de pintura chama-se Action Painting que significa “pintura por ação”. Teve uma formação acadêmica tradicional que rejeitava. Passou por diversas fases sem precisar voltar a nenhuma delas. fundou-se nos Estados Unidos. Foi o que mais se desvinculou da idéia de realidade. Nem sempre trabalhava com esse processo "Action Painting". no chão. vidro moído. Ele não quer passar nenhum sentimentalismo através de sua obra. Kasimir Malevich Artista russo. Não teve muitas obras. · Execução cheia de violenta agressividade. assim como a natureza. Viveu sua vida artística quase que inteira no abstracionismo geométrico. chegando à criação de um estilo original. O abstracionismo cresce e se desenvolve nas Américas. Tem trabalhos em Amsterdã. Jackson Pollock usava dois processos para jogar a tinta na tela. 140 . Paul Klee Nasceu em 1878 e morreu em 1940.: Lançar a tinta pode ser um processo de jogar a tinta com um balde. Características da Pintura: · Compreensão da pintura como meio de emoções intensas. espátulas.pincéis. Não existiu nenhum artista que tivesse influenciado Paul Klee diretamente. Jackson Pollock deixava que a tinta agisse por si só. Rússia e outros dispersos. em telas enormes. pasta espessa de areia. balançar o pincel para respingar sobre a tela. Teve um processo bastante evolutivo. lançava a tinta. trincha. insistindo sempre no geometrismo.

De Kooning herdaria o apreço ela arte figurativa. não de excluí-las". Com seus borrões e respingos de tinta atirados contra ela a tela. expressionismo e primitivismo. Pollock. Ele tinha uma visão muito espiritual. traçados e pinceladas em seus trabalhos.: É conceituado como arte primitivista todo o desenho folclórico. Willem de Kooning (1904-1997) Nos anos 20 e 30. Para Paul Klee "O ilógico coexiste com o lógico. Paul Klee explorava esse tipo de arte. às vezes só a título de experiência. que aboliram a representação figurativa de seus quadros. ela torna-o visível". "Minha obra vive de incluir as coisas. aquele que todos fazem (casinha. florzinha). que abandonou a Holanda aos 22 anos a bordo de um cargueiro. Ele não se prendeu só a pintura à óleo. a vanguarda expressionista ianque tratou de banir a política de seus quadros. Teve uma variedade muito grande de estilos. Segundo Paul Klee: "A arte não restitui o visível. Obs. deslocou de Paris para Nova York a capital mundial das artes. Assimilou muita coisa do cubismo. Você reconhecerá a sua obra através de sua essência. e o irreal com o real" O desenho de "setas" vai aparecer muito em seus trabalhos. pastel e outros materiais. De cultura européia. do mesmo modo que explorou o expressionismo e o cubismo. Arshile Gorky e Mark Rothko. 141 . Morreu vítima do mal de Alzheimer em sua casa-ateliê em Long Island. Ao contrário de seus colegas de vanguarda.a marca da diferença em seu trabalho. apesar dos contextos racionais da arte. De Konning fez das figuras femininas . Diversamente dos expressionistas europeus. antes de atacar suas telas. costumava afirmar. preferindo expremir as misérias da condição humana nos limites da existência individual. que no começo do século converteram sua arte numa forma de panfletagem político-social.Paul Klee também foi um dos professores da Bauhaus. revolucionaria a pintura americana. tornando-se um admirador da obra de seu conterrâneo Rembrandt e do francês Cèzanne. começou a vida como carpinteiro e pintor de paredes. junto com Jackson Pollock. secundado por De Koonning e companhia. o jovem De Kooning. perto de Nova York. Ao final dos anos 40. o maior de todos. usou também aquarela. fundando a vanguarda expressionista abstrata. como todos os outros abstracionistas.

SURREALISMO
Em 1924 surge um grupo de pintores que vai se interessar muito pelo subconsciente, onde ocorre aí a falta de lógica. Eles se interessavam demais pelo sonho, pelo fantástico, pelo irreal, pela loucura, tudo que contrariasse a lógica. • Loucura • Sonho • Irreal • Ilógico A forma que eles pintavam é muito realística, mas o conteúdo é sem lógica. Freud estava em moda. A arte que é muito lógica, como iria acompanhar o ritmo se este já não é mais lógico? A arte tem que acompanhar a época. Vai haver, portanto, uma série de trabalhos que chamamos de surrealista. É uma arte do inconsciente. O surrealismo não é uma arte só do inconsciente, é também uma arte sem limites de qualquer espécie no conteúdo. O surrealismo vai surgir na pintura, na poesia, na música, no tipo humano (aquela pessoa surreal). O pintor, o poeta e todos os outros artistas procuram dois mundos: um visível e o outro submerso, vago, indeterminado, que é o subconsciente da gente. Vão procurar pintar esse subconsciente que não é fácil. Nós vivemos hoje, segundo Mali, em um mundo com métodos muito lógicos. Isso dificulta o entendimento do mundo surreal. O surreal não tem lógica nenhuma. É o nonsense total. Os fins lógicos não escapam de nós, mas os fins ilógicos sim. Tudo que não tem lógica e que foge do nosso controle, nós não gostamos. O surreal passa a ser a arte pura do sonho e da fantasia. Vão usar muito álcool, excitantes, hipnose, símbolos esotéricos, alquimia. Na arte surrealista não vai haver uma lógica discursiva. Ela não vai ter começo, meio e fim. O surrealista vai usar primeiro elementos justapostos, quer dizer, elementos que podem estar no mesmo tempo no mesmo lugar e podem ou não estar mesmo espaço. Ex.: Quando Paul Delvaux vai pintar uma moça nua em uma estação de trem com uma vela na mão como se fosse uma sonâmbula, isso incomoda muita gente, porque não tem lógica. Surrealismo tem muito recollection. É o sonho mal resolvido que agente tem. Paul Delvaux é um pintor surrealista que vai pintar muito estação de trem. Coloca uma mulher da época barroca fazendo justaposição de tempo e de elementos com mulheres mais clássicas no plano de trás. A forma é perfeita como uma fotografia mas a história ou o conteúdo é estranho. Paul Delvaux é belga e morreu em 1994. Em "off": Quando ele era mocinho, tinha paixão por trem, morava em uma casa próximo à uma estação ferroviária. Seu pai resolveu então levá-lo para uma viagem de trem. Quando eles chegaram lá o trem já tinha saído. Isso vai marcar muito pelo resto de sua vida, influenciando sua pintura. 142

O "acaso" para os surrealistas é uma coisa muito importante. Vai funcionar como uma "mis en cene" = "fundo" Ex: Dali pegava um papel e colocava ao ar livre por 3, 4 dias. O que acontecesse com aquele papel ele ia aproveitar para fazer em suas obras, como borrões. É o acaso. Na pintura surrealista, a técnica é ligada à criatividade. Vai ter que pintar muito bem a forma para que seja muito fácil de entender. Não pode pintar uma coisa muito complicada porque senão o fruidor não vai conseguir ler a obra. Se a forma não for perfeita e a história complicada, vai ser impossível de entender a obra. Pintores Bélgas importantes: Paul Delvaux, surrealista René Magritte, surrealista Rubens, barroco Para os surrealistas o acaso, a técnica, a decalcmania, fotomontagens, vão ser muito importantes. Vai atingir até a literatura e o cinema. Na literatura brasileira nós temos: João Cabral de Mello Neto Ariano Suassuna Júlio Cortasa Filme Surrealista: Filme inglês "Spell Bound", com Ingrid Bergmann. A cenografia é do Salvador Dali. O diretor é o Hitchcock (??). Surrealismo é um estado de espírito, é um propósito, é uma arte de sonho. Principais pintores surrealistas: Salvador Dali René Magritte Paul Delvaux Marx Hess, tem uma fase pequena surrealista. Foi cubista também.

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SALVADOR FILIPE JACINTO DALI ERA O NOME COMPLETO DE DALÍ.
Nasceu em 11 de maio de 1904. Em Figueiras, espanhol da Catalônia. Nasceu de família rica. Já era excêntrico desde que fez escola de Belas Artes. Em 1927 Dalí fez sua primeira visita à Paris. Picasso já tinha feito em 1900. Dalí começou pintando como impressionista. Ficou amigo de Garcia Lorca e Brunuel (diretor de cinema espanhol famoso). Os três eram muito amigos. Dalí vai ter muita influência de Picasso, em uma de suas fases. Ele teve um caso com Garcia Lorca. Brunuel não se conformava pois era muito machista. Dalí vai se tornar um grande surrealista. Em 1929, Dalí conhece Gala, que é Helena, e vai ser sua musa inspiradora e sua paixão até ele morrer. Ela foi uma dançarina russa. Quando Dalí a conheceu ela era esposa de Paul Edward (grande poeta francês). Quando Dalí viu Gala, numa festa na casa de Brunuel, ela estava de costas para o sol e com os ombros de fora. Ele se apaixonou pelo ombro dela e disse que ia casar com aquela mulher. Conseguiu tirá-la de Paul Edward e vão ficar juntos até ela morrer. Fofoca: Dali tinha um problema físico. Tinha o “elemento” pequeno que não funcionava muito. Gala conseguiu resolver essa situação. Ele devia isso a Gala. Foi a primeira mulher realmente que ele se resolveu. Ele era bissexual e tinha muitos casos. Nunca mais vai largar Gala na sua vida. Ela teve também muitos casos com marinheiros que Dalí sabia e aceitava numa boa. Dalí é o protótipo do homem surrealista. Ele é escandaloso e só pintou o irreal. É um cabotino (aquele indivíduo de maneira afetada, que procura chamar a atenção, ostentando qualidades reais ou fictícias) e só pensava em dinheiro. Adorava Picasso como artista e como pessoa. Picasso nunca deu bola para Dalí. Eles nunca foram amigos. Picasso não admitia a forma de viver de Dalí, apesar dele também ser extravagante. Dalí vai pintar muitos símbolos fálicos, como os ciprestes pontudos. Vai pintar muito costeletas penduradas em Gala, significando que gosta de “comer” Gala. Ele pinta também muitas muletas. Acha que todo mundo tem muletas. A sua muleta era Gala. Ele representa a muleta como se fosse forquilha (tipo muleta para segurar as oliveiras) A religião para Dalí é um campo de investigação. Ele foi muito místico. Ele fez coisas muito loucas, como a "Apoteose do Dólar". Era um quadro cheio de dólar assinado com um cifrão. Ele ficou muito rico. Quando a Gala morreu em 1982 ele estava sofrendo o mal de Parkinson. Dalí vai viver até o fim de sua vida de forma muito extravagante. Morre em 1986.

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onde conheceu a obra dos impressionistas e fauvistas franceses. RENÉ MAGRITTE (1898-1967) É também pintor belga. PAUL DELVAUX (1898-1994) É pintor belga. Ele é um campo muito vasto para a nossa imaginação. Breton falava dela como o máximo do surrealismo e se permitiu destacar o artista como um dos grandes gênios solitários do século XX e da história da arte. Dois anos depois adquiriu forma La masía. Em 1920 Miró instalou-se em Paris (embora no verão voltasse para Montroig). Artaud e Lial. onde se formara um grupo de amigos pintores. Tinha obsessão pelo rosto de mulher e estações de trem. É o pintor surrealista do absurdo. nas quais extravasou suas inquietações pictóricas. Em 1912 entrou para a escola de arte de Francisco Gali. A famosa magia de Miró se manifesta nessas telas de traços nítidos e formas sinceras na aparência. Usa metáfora em todos os quadros.JOAN MIRÓ iniciou sua formação como pintor na escola de La Lonja. em cujo grupo militou durante algum tempo. Ele vai fazer sobreposições até o infinito. mas difíceis de serem elucidadas. Toda obra que você vê. fez amizade com Picabia e pouco depois com Picasso e seus amigos cubistas. Ele investe em você o tempo todo. Miró também se dedicou à cerâmica e à escultura. Nessa época. Pinta o irreal. Tudo dele é fantasticamente absurdo. embora se apresentem de forma amistosa ao observador. em Barcelona. obra fundamental em seu desenvolvimento estilístico posterior e na qual Miró demonstrou uma grande precisão gráfica. você se questiona se é ou não real. entre os quais estavam Masson. A partir daí sua pintura mudou radicalmente. a desconfiança do irreal. Leiris. 145 .

Rauschenberg criou as pinturas "combinadas". com garrafas de Coca-Cola. e aproximou a arte das massas. tinta acrílica. Sua iconografia era a da televisão. um dos principais artistas da Pop Art. a Pop Art proporcionou a transformação do que era considerado vulgar. os componentes mais ostensivos da cultura popular. tinta acrílica. assim. ela operava com signos estéticos massificados da publicidade. que realizou em 1960 para 146 . em refinado. poliéster. para designar os produtos da cultura popular da civilização ocidental. embalagens de produtos industrializados e pássaros empalhados. sua denominação foi empregada pela primeira vez em 1954. Esses trabalhos tiveram como temas episódios da história americana moderna e da cultura popular. Por volta de 1962. ilustrações e designs. Seu interesse pelas histórias em quadrinhos como tema artístico começou provavelmente com uma pintura do camundongo Mickey. Representavam. em oposição ao expressionismo abstrato que dominava a cena estética desde o final da segunda guerra. muito do que era considerado brega. a arte para poucos. nos quais se inspirava e muitas vezes o próprio aumento do consumo. Com raízes no dadaísmo de Marcel Duchamp. usando como materiais. Principais Artistas: Robert Rauschenberg (1925) Depois das séries de superfícies brancas ou pretas reforçadas com jornal amassado do início da década de 1950. Era a volta a uma arte figurativa. após estudar os símbolos e produtos do mundo da propaganda nos Estados Unidos. Com o objetivo da crítica irônica do bombardeamento da sociedade pelos objetos de consumo. a Pop Art se apoiava e necessitava dos objetivos de consumo. adotou a técnica de impressão em silk-screen para aplicar imagens fotográficas a grandes extensões da tela e unificava a composição por meio de grossas pinceladas de tinta. ilustrações e designam. transformando o real em hiper-real. Além disso. o pop art começou a tomar forma no final da década de 1950. desmitificando. da fotografia. Mas ao mesmo tempo que produzia a crítica. de Andy Warhol. com as Sopas Campbell. passaram a transformá-los em tema de suas obras. látex. dos quadrinhos. virou moda. usando como materiais principais.POP-ART Movimento principalmente americano e britânico. brilhantes e vibrantes. reproduzindo objetos do cotidiano em tamanho consideravelmente grande. Roy Lichtenstein (1923-1997). de poderosa influência na vida cotidiana na segunda metade do século XX. usando como materiais principais. pelo crítico inglês Lawrence Alloway. quadrinhos. quando alguns artistas. sobretudo os que eram provenientes dos Estados Unidos. como aconteceu por exemplo. como a arte tem um determinado valor e significado conforme o contexto histórico em que se realiza. do cinema e da publicidade. já que se utilizava de objetos próprios delas. produtos com cores intensas. e já que tanto o gosto.

as latas de sopa Campbell. como garrafas de Coca-Cola. uma técnica pontilhista para simular os pontos reticulados das historietas. símbolos ambíguos do mundo moderno. Cores brilhantes. planas e limitadas. contribuíam para o intenso impacto visual. Empregou. o artista pretendia oferecer uma reflexão sobre a linguagem e as formas artísticas. como Elvis Presley e Marilyn Monroe. Da mesma forma. aparecem como imagens frias. Warhol entendia as personalidades públicas como figuras impessoais e vazias. crucifixos e dinheiro. e usando sobretudo a técnica de serigrafia. Em seus quadros a óleo e tinta acrílica. e reproduziu a mão. Com essas obras. ampliou as características das histórias em quadrinhos e dos anúncios comerciais. delineadas por um traço negro. automóveis. por exemplo. apesar da ascensão social e da celebridade. Ele foi figura mais conhecida e mais controvertida do pop art. os procedimentos gráficos. intelectuais. Seus quadros. Produziu filmes e discos de um grupo musical. com fidelidade. O resultado é a combinação de arte comercial e abstração.os filhos. incentivou o trabalho de outros artistas e uma revista mensal 147 . destacou a impessoalidade do objeto produzido em massa para o consumo. Andy Warhol (1927-1987). desvinculados do contexto de uma história. Warhol mostrou sua concepção da produção mecânica da imagem em substituição ao trabalho manual numa série de retratos de ídolos da música popular e do cinema.

Mas. Os seus primeiros trabalhos eram movidos manualmente pelo observador. solicitar ou exigir a participação ativa do contemplador para que a composição se realize completamente como "obra aberta". depois de 1932. mesmo quando em preto e branco. pois exige um sistema de peso e contrapeso muito bem estudado para que o movimento tenha ritmo e sua duração se prolongue. sua montagem é muito complexa. os móbiles pareçam simples. 148 . em preto e branco ou coloridas. em comparação. mais próxima das ciências do que das humanidades. Por outro lado. parece obedecer a duas finalidades. Embora. suas possibilidades parecem ser tão ilimitadas quanto as da ciência e da tecnologia. simboliza um mundo precário e instável.criou a plástica cinética que se funda em pesquisas e experiências dos fenômenos de percepção ótica. Defendia para arte "menos expressão e mais visualização". O geometrismo da composição. que se modificam desde que o contemplador mude de posição. por outro lado. parece excessivamente cerebral e sistemática. São engenhosamente combinadas. que se modifica a cada instante. a Op Art passou por um desenvolvimento relativamente lento. ele verificou que se mantivesse as formas suspensas. Apesar do rigor com que é construída. ao qual não são estranhos efeitos luminosos.OP-ART A expressão “op-art” vem do inglês (optical art) e significa “arte óptica”. Ela não tem o ímpeto atual e o apelo emocional da Pop Art. Victor Vassarely . Sugerir facilidades de racionalização para a produção mecânica ou para a multiplicidade. elas se movimentariam pela simples ação das correntes de ar. As suas composições se constituem de diferentes figuras geométricas. Apesar de ter ganho força na metade da década de 1950.Criou os móbiles associando os retângulos coloridos das telas de Mondrian à idéia do movimento. Principais artistas: Alexander Calder (1898-1976) . de modo que através de constantes excitações ou acomodações retinianas provocam sensações de velocidade e sugestões de dinamismo. como diz o artista.

Seus grafites mostravam símbolos de variadas culturas. Boleta.o grafiteiro utiliza um cartão com formas recortadas que. só deixa passar a tinta pelos orifícios determinados. no PS 1. de Nova York. No Brasil. Principal artista: Jean Michel Basquiat . e principalmente ícones da cultura e consumo americanos.(1960-1988). instalando-se em coleções privadas e cobrindo com seus rabiscos e signos os mais variados objetos de consumo. como "violação. nascido no Haiti. com apresentação de Peter Schjeldahl. existe a valorização do desenho.e das ruas das galerias e museus de arte. principalmente no contexto político e social. As temáticas do seu trabalho refletem suas preocupações. vandalismo puro e simples". Tikka e T. um dos principais espaços de vanguarda de Nova York. ao receber o jato de spray. Foi patrocinado por Andy Warhol (Pop Art). o Grafite saiu do seu gueto . de obras famosas. iniciou sua carreira grafitando as paredes e muros de Nova York. palavras ou frases de humor rápido. por outros. Speto. Morreu prematuramente em virtude de depressão e drogas. Freak. Nunca. Waldemar Zaidler e Carlos Matuck. Com 21 anos participou da sua primeira coletiva em Nova York. destruição moral. A primeira grande exposição de Grafite foi realizada em 1975 no "Artist's Space". Características gerais: * Spray art . em 1981. Nina. mas a consagração veio com a mostra "New York/New Wave" organizada por Diego Cortez.pixação de signos. a partir daí virou celebridade. como o genocídio. destacam-se os artistas: Alex Vallauri. 149 . anarquia social. também se destacam artistas de vanguarda como: Os Gêmeos: Otávio e Gustavo. * Stencil art . valoriza-se a cor.GRAFFITI Definido por Norman Mailler como" uma rebelião tribal contra a opressora civilização industrial" e. a opressão e o racismo.o metrô .

muito embora. Obras Destacadas:: Cortina no Vale. da arte do doente mental e da arte primitiva. da criatividade autêntica. INSTALAÇÃO São ampliações de ambientes que são transformados em cenários do tamanho de uma sala. Ponte Neuf (Paris) embrulhada para presente. guardasóis.Berlim). Atualmente.INTERFERÊNCIA Como a pintura já não é claramente definível e deixou de ser a única fornecedora de memoráveis imagens visuais. existem os realmente marcantes e outros nem tanto. Obra Destacada: Homenagem a Chico Mendes do artista Roberto Evangelista. ressaltamos Christo. das folhinhas suburbanas ou das imagens de santos. mesmo nesses casos. o único artista que se destaca com suas interferências. ARTE NAÏF É a arte da espontaniedade. Esse isolamento situa o art naïf numa faixa próxima à da arte infantil. Art naïf (arte ingênua) é o estilo a que pertence a pintura de artistas sem formação sistemática. portanto. do fazer artístico sem escola nem orientação. como numa arte mais intelectualizada. Trata-se de um tipo de expressão que não se enquadra nos moldes acadêmicos. sem que. bidimensional. É utilizada a pintura. Claro que. para ativar o espaço arquitetônico. que foi envolvido em tecido sintético com duração de duas semanas. embrulhos em locais públicos. nem nas tendências modernistas. Alguns artistas interferem na paisagem. O artista naïf não se preocupa em preservar as proporções naturais nem os dados anatômicos corretos das figuras que representa. juntamente com a escultura e outros materiais. se confunda com elas. o artista naïf é marcadamente individualista em suas manifestações mais puras. Características gerais: · Composição plana. de uma criação totalmente subjetiva. e não somente à aprecia. Assim. Não se trata. no entanto. colocam cortinas. Guarda-sóis colocados em um vale da Califórnia e mais recentemente o Reichstag ( Parlamento Germânico em 1988 . seja quase sempre possível descobrir-lhes a fonte de inspiração na iconografia popular das ilustrações dos velhos livros. tende à simetria e a linha é sempre figurativa 150 . O espectador participa da obra. portanto é instintiva e onde o artista expande seu universo particular. sem nenhuma referência cultural. nem tampouco no conceito de arte popular.

homem de pouca instrução geral e quase nenhuma formação em pintura. composição e perspectiva. Em sua primeira exposição foi acusado pela crítica de ignorar regras elementares de desenho. Estreou com uma original obra-prima. seu trabalho foi reconhecido em Paris e posteriormente influenciou o surrealismo. no Salão dos Independentes. Principal Artista: Henri Rousseau (1844-1910). após despertar a admiração de Alfred Jarry.· Não existe perspectiva geométrica linear. · Pinceladas contidas com muitas cores. Criou exóticas paisagens de selva que lembram tramas de sonho e parecem motivadas pelos sentimentos mais puros. "Um dia de carnaval". e de empregar as cores de modo arbitrário. Nos primeiros anos do século XX. Pablo Picasso. 151 . Guillaume Apollinaire. Robert Delaunay e outros intelectuais e artistas.

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