APOSTILA HISTÓRIA DA ARTE

PROFESSORA: MEIRE DE FALCO
1

História da Arte  Linha do Tempo o Pré-História  Arte Pré-histórica o Idade Antiga  Arte Egípcia  Arte Grega  Arte Romana  Arte Paleocristã  Arte Bizantina  Arte Islâmica o Idade Média  Arte Românica  Arte Gótica o Idade Moderna  Renascimento  Maneirismo  Barroco  Rococó o Idade Contemporânea  Neoclássico  Arte Romântica  Realista  Impressionismo  Expressionismo  Cubismo  Abstracionismo

           

Fauvismo Construtivismo Surrealismo Dadaísmo Op Art Pop Art Instalação Interferência Cobra Futurismo Arte Naif Pintura Metafísica

o Arte Brasileira  Pré-História  Arte Indígena  Arte Colonial  Arte Holandesa  Barroco  Missão Francesa  Arte Acadêmica  Semana de 22  Expressionismo  Arte Naif

1

PRÉ HISTÓRIA
A arte nasceu com o homem e deu-lhe a consciência de sua capacidade criadora, a possibilidade de imaginar. É muito importante lembrar que a arte revela o ser, independente de cor, religião, locais geográficos, independente de qualquer coisa. Se a arte não revela o ser ela não será arte. A arte é comunicação. Esse sistema de comunicação é sempre ligado a um processo histórico. A arte pressupõe um público. Mesmo que ela não seja feita para o público sempre haverá um que irá olhar. A arte é emissora e receptora, ela emite e recebe ao mesmo tempo. Na pré-história, o homem se tornou artista há 400 séculos ou 40.000 anos. Esse homem apareceu na fase da Pedra Lascada, em um período chamado PALEOLÍTICO (Paleo=Velho, Litico=Pedra). Esses homens tinham uma sensibilidade criadora incrível, habilidade e inteligência para a arte quase como os homens de hoje. Homens da pedra-lascada, homens primitivos, homens das cavernas tem o mesmo significado. Ha 4 milhões de anos antes dos homens paleolíticos já existia homem na terra quase como macaco. Dessa época não temos nenhum registro. Não sabemos o que eles fizeram, apenas que eles sobreviveram. De arte só sabemos a partir de 400 séculos atrás. Nesses 2 últimos milhões dos 4 milhões de anos agente já sabe que o homem se utilizava de pedras e de paus. O homem, com certeza, desde 4 milhões de anos atrás já usava um instrumento, porque o macaco como exemplo pega uma planta ou uma pedra para jogar em outro macaco. Então tudo isso o homem já devia usar. Só que transformar pedras em utensílios levou séculos. Primeiro ele pensou o que fazia com os seixos (pedras lascadas) ou com gravetos. A partir dai ele vai associar forma à função, criando assim o utensílio. A madeira por não ser resistente não durou para que pudéssemos ter como prova mas, os objetos de pedra permanecem até hoje. Esse objetos pessoais foram se aperfeiçoando. Com o aperfeiçoamento desses objetos iremos entrar no Paleolítico, época da pedra lascada. O mundo era totalmente diferente, os homens viviam em cavernas, a temperatura era baixa, sempre no gelo. Viviam em regiões que correspondem hoje a França, Espanha, Inglaterra, Alpes, Síria, Palestina, Norte da África, em plena Ásia, no Himalaia. Viviam em grupos bem grandes para se protegerem. A caça era abundante nessas regiões. Apesar de se chamarem homens das cavernas, eles pouco habitavam nelas. Ficavam muito mais do lado de fora, por serem sufocantes, malcheirosas, sem luz,e feias. Do lado de fora eles podiam ver a mudança do dia e noite, o que achavam fantástico e completamente inexplicável para eles. As cavernas eram mais usadas como abrigos das intempéries do que como moradas. Esses homens são chamados de primitivos, não por serem mais simples do que nós, porque eles foram os primeiros do local mais próximo de onde começou a humanidade. O processo de pensamento deles era muito complicado, muito complexo. 2

É uma história de artistas. São cavernas lotadas de pinturas rupestres. Não existia requinte por não haver intenção de fazer arte. O que difere são as idéias. não distinguindo o real do irreal. A magia propiciatória era o pintar e o matar o animal através do desenho. bisontes (era como avô do elefante ou do boi). sangue. Ele pintava o que via. idéias (conteúdo e formas. bisontes. Não separavam o visível do invisível. como se fosse uma mágica. do mesmo jeito que não pintava a flora. O animal dava a carne para ele se alimentar. sépia. com criações. Séculos depois ele vai pegar um osso e soprar o pó sobre sua mão na parede da caverna deixando a marca do contorno de sua mão nela. Mesmo hoje vai ser chamada de “pintura rupestre” aquela pintura feita em tons crus. ele morria. Não iríamos pintar hoje com a finalidade de fazer magia propiciatória. marrons. bem escondidos. ocres. É a primeira vez que existe um estilo na história da arte. ele passava o dedo no pó da caverna e este nas paredes. Foram descobertos vestígios de luz artificial. Ele não desenhou nunca homens porque ele não queria matar outro homem dessa forma. Esses locais eram bem inacessíveis e provavelmente subiam um em cima do outro para alcançarem. Não sabiam a diferença do mundo material do espiritual. As ferramentas rudimentares que usaram foram feitas com a mão. Depois começaram a pintar os animais sempre no fundo da caverna. A história da arte não é uma história de progressos de técnicas. O domínio técnico dos homens da caverna é surpreendente. 3 . A explicação disso tudo é “a magia propiciatória”. Essas cores eram devido aos materiais orgânicos de que eram feitas como: fibras. ossos carbonizados.e os ossos para ele usar. carvão vegetal (que usamos até hoje). Pintavam mamutes. Ele precisava do outro homem para preencher aquela imensidão do mundo que estava totalmente vazia. e não de técnicas. quer dizer. Primeiro utilizou o dedo como pincel. Se ele tivesse um poder sobre outro homem isso iria causar muito medo. depois o pincel bem rudimentar feito de pêlos e penas de animais. Não sabia a diferença do real para o irreal. a pele para ele se vestir. As mais importantes cavernas citadas na História da Arte são: Altamira na Espanha e Lascaux na França. para poder iluminar o fundo da caverna. vermelho. Se ele não matasse o animal. de pessoas em mutações. O homem pré-histórico desenhou muito bem os animais. Antes do homem pintar os mamutes. tochas recobertas de gordura animal. em locais inóspitos. Essa pintura vai ser uma “pintura realística e figurativa” porque ele vai pintar tal qual ele vê. As cores empregadas eram ocre. Ele precisava do animal para sobreviver e não do homem. O padrão de qualidade não difere do nosso hoje. sementes.Existem milhares de pinturas rupestres (como são chamadas as pinturas das cavernas). mas mais de conteúdo). Você pode ter muita técnica mas se não tiver uma concepção artística dificilmente fará alguma coisa. É tão bom quanto os de hoje. o mundo para eles era uma realidade só e única. O homem era monista. decorar.

Eles então largavam tudo lá e escolhiam outro lugar. Eram pinturas sobre a caça. Ela corre para avisar o pai e esse chama os peritos para estudar a caverna. ventre saltado e nádegas enormes. Tem uma ordem entre as figuras que parecem um código de composição. É um estudo muito sério e não se sabe a realidade. só da fêmea. Tem dezenas de representações de animais como: cavalos. na pedra-polida. Obs. não saberíamos nada sobre esses “museus do mundo”. vacas. como “deusas da fertilidade”. Os retângulos. etc. Nunca ele fizeram representação escultórica de macho. Na época do paleolítico ficavam pouco tempo na caverna. pois esta começava a deteriorar. sem deixar espaço para andar. Os homens abandonaram a vida nômade. amontoar um monte de ossos. Eles acham que podem ser desenhos referentes a extra-terrestres. que não existe na natureza. Pintam do lado de fora mostrando os atos da vida coletiva deles. A arte passa a ser feita do lado de fora na entrada das cavernas com o objetivo de serem vistas. Os cientistas não gostam de que sejam fotografados esses desenhos. que seria a representação de mulheres grávidas. na Espanha. mulheres de seios enormes. triângulos. ao acaso. há pouco tempo. Não é mais uma magia propiciatória. quando um pai fazendo um picnic com sua filha. Com o tempo mais estável eles passam a ter uma vida sedentária. bisontes. mamutes. essa descobre um buraco que a leva a outras salas com muitos desenhos. a cultivar e se organizar socialmente formando aldeias. Eles fazem incisões nas cavernas aproveitando os relevos para dar volume nos desenhos. O pré-histórico da era paleolítica fez esculturas de figuras femininas em pedra. Outras formas de arte são as gravuras. Se não fossem os terremotos e os deslocamentos de terra que tamparam essas cavernas. porque com a temperatura amena podiam ficar mais tempo no mesmo local. E. Nas cavernas do período paleolítico foram descobertas algumas simbologias inexplicáveis como o “quadrado”.000). Começa a plantar. como as tintas foram feitas com materiais orgânicos. A temperatura era mais amena. nem rei por não haver ainda uma hierarquia. A arte é feita pela arte. como eles pintavam. Nessas aldeias não tinha chefe. O homem neolítico consegue o controle sobre a sua alimentação. porque não existe na natureza. quadrados. não se sabe como eles tinham conhecimento dessas formas. como uma forma de leitura de suas vidas.A caverna de Lascaux foi descoberta em 1940. paleolítica. touros pintados de tamanho natural e de corpo inteiro. É a conquista do pré-histórico de sua capacidade de representar as três dimensões. O auge do abstracionismo é fazer quadrado. O homem será representado mais forte e mais alto do que a mulher. Assim vão documentar para as vidas futuras o que a sua comunidade fazia. 8000 anos depois (dos 40. Vai surgir as primeiras figuras masculinas. tem 2 metros de altura. É através do carbono 14 que se constata tudo da época pré-histórica. 18 metros de comprimento e 9 metros de largura. elas permaneceram até hoje. A arte é realmente a expressão de uma época. Foi descoberta em 1879. entrar água. Altamira. Deve ser por causa da fertilidade. e é chamada a catedral das cavernas. Começa o período neolítico. Eles também começaram a dançar e a cantar. 4 .

Com certeza esse cultivo começou no oriente médio por causa do clima muito seco. e feito na posição (por trás) como os animais. O cavalo como besta de carga só vai aparecer na idade do bronze e como montaria só no final da idade do bronze quase na Idade Média. Ele auxiliava na caça. alguma a coisa a mais que é dono de tudo isso e que precisa tomar cuidado. Vão surgir também mitos. artística econômica e política. Ele percebe que quem rege o destino do solo é a natureza. Depois da cerâmica é que vai surgir a madeira. As suas preocupações são outras. A mulher só poderia ter outro homem quando o dela morria. Passa a ser um ser social. mas de alguma coisa além dele. era fiel. Ele tem a concepção que existe um ser. O primeiro animal domesticado pelo homem foi o cão. cevada. Ele pode cultivar e. Vai pintar de uma forma muito esquematizada e muito pior que o homem paleolítico. que é a natureza. A arte neolítica dá um passo atrás pintando da mesma forma que a criança pinta hoje. A partir da consciência desse ser vai surgir a necessidade da crença e do culto. Restaram apenas pedaços dessas peças e muitos desenhos desse período neolítico documentando isso tudo. A cerâmica cozida era feita mais no período neolítico. ervilhas. tecendo e fazendo tarefas domésticas. Ele percebe que a colheita não depende dele. O homem passa de figurativo realista para a pintura geométrica. sepultamento. É a primeira mudança de estilo na história da arte. papoulas. cerimônias fúnebres. Começa então a surgir a religião para protegê-lo. cenouras e nozes. uvas. Ex. leite e fibra para tecido. Eram muito primitivos. lentilhas. Depois domesticou o boi. Ex. A última animal a ser domesticado foi o cavalo porque eles se alimentavam dele. Acha-se que a primeira plantação foi feita na região Mesopotâmica indo depois para o resto da Europa. maçãs. O 5 . Vai acontecer uma revolução social. amigo. benéfico ou maléfico. o porco e a cabra que abastecia de carne. Uma das coisas muito interessantes do homem pré histórico é quando ele toma consciência da dependência que vivia do bem e do mal. Vai existir a cerâmica crua e cozida. Eles guardavam as coisas nas cerâmicas porque elas conservam a quentura. O sexo era um ato animal. linho. A cerâmica era super importante porque utilizavam-na para tudo. Eles cultivavam trigo.O cantar era um ajuntamento de sons para cultivar os trabalhos coletivos do plantio e da colheita. A mulher fica em casa cozinhando. No período neolítico é que o homem podia ter quantas mulheres quisesse e a mulher não. não ter essa colheita por causa de uma chuva de granizo ou de uma tempestade. Vai aparecer tudo.: prato. ajudá-lo. Eles faziam para dormir uma grande cama de cerâmica em formato de barco para segurar o calor. Tudo é geometrizado e certinho. de repente. símbolos sagrados.: “deus da colheita” Não tinha ainda a definição de uma mulher para um homem. Ele percebe que tem uma coisa que domina e toma conta dele. Vão aparecer as primeiras esculturas dos “deuses”. Eles percebem que se derem as mãos e saírem cantando a colheita iria ser muito mais interessante. Uma das atividades artísticas mais importantes do neolítico é a cerâmica.

Uma grande descoberta sempre leva a outra grande descoberta. Vários pintores do século XX vão trabalhar em cima da história da arte primitiva. 6 . Esses minérios derretidos formaram o bronze que quando esfriava endurecia rapidamente. derreteram uma pedra que tinha cobre e estanho. E. etc. Essa liga possibilitou modelar uma infinidade de coisas. Obs. O homem não cozinhava. é o caso de Picasso. O único homem que cozinhava era o mágico da tribo para ele fazer rituais. mais do que com a beleza. a Idade do bronze foi muito pobre artisticamente. Na hora de colher a colheita a mulher e os filhos participavam. Somente depois na Idade Média é que o homem vai aparecer cozinhando. Eles passam a cozinhar a carne. Os grandes cozinheiros vão ser na época de Luís XIV. A preocupação do homem na idade do bronze era em cima das descobertas técnicas. Durante séculos o homem vai ser proibido de cozinhar. e utilitárias para a época. Não vai cozinhar comida. de repente. Os utensílios ficaram bem melhores. No final da idade do bronze já não é mais considerado pré história.homem sai para o campo para caçar e fazer a plantação. não comendo mais carne crua e vão usar sal pela primeira vez. carros. para finalizar. quando estavam fazendo uma fogueira em um acampamento quando. no Barroco. Eles achavam que se o homem cozinhasse a comida seria uma comida envenenada. É quando eles fazem rodas. A idade do Bronze também foi descoberta por acaso.

C.. colocavam para secar e depois construíam palácios. fenícios. na Mesopotâmia. Durante 3. Quando as civilizações européias ainda estavam na pedra polida.000 A. acharam a cidade de “Hur” que começou 5000 A. Com o passar do tempo essas construções não resistiram às mudanças e nada restou. etc. Os rios Tigre e Eufrades inundaram toda a Mesopotâmia. Existia uma cidade chamada Uruqui. Isso ocorre 5. Tinha também só uma porta com uma escadaria que conduzia o povo a subir para rezar lá em cima.MESOPOTÂMIA MESOPOTÂMIA: quer dizer em grego região entre os rios Tigre e Eufrates. ninguém se entendia. A Mesopotâmia foi uma civilização fantástica como a Egípcia. Esse templo enorme que era equivalente a um prédio de 20 andares. No interior tinha tijolos bem pequenos e coloridos. Aparece Noé com seu barco e os animais para se salvar do dilúvio. ou seja até 2. Entre os muitos povos que faziam parte da Mesopotâmia. Os templos da Mesopotâmia que tinham esse formato chamavam-se Zigurat. lindíssimo.. ajudaram na construção. Em 1927 os arqueólogos. no interior do Zigurat.000 A. a Mesopotâmia já era uma civilização. fenícios. os Sumerianos foram os primeiros a dominá-la. Todos. As cidades eram independentes umas das outras. etc. assírios. Eles eram muitos povos como: caldeus. escravos e não escravos. etc. somente a força da religião era que unia todas elas.000 anos. Havia. Os templos para os sacerdotes era a construção mais bem organizada. foram convidados para construir esse templo imenso. babilônios. sepulturas. onde estaria mais próximo de “deus”. Todos tinham uma forma muito diferenciada de falar. eles trabalhavam com adornos (que são tijolos pequenos de terra). Foi o local onde todos os povos como sumerianos.C. os mosaicos. Faziam tijolos pequenos um a um à mão. O Museu do Louvre está lotado sobre as peças da cultura Mesopotâmica. pintar. Foi chamada de “TORRE de BABEL”. surgindo aí a técnica dos mosaicos. O sumeriano é o protótipo mais antigo das construções de dentro de casa.Tinham tesouros soberbos como os dos egípcios. só que eles não faziam como os egípcios que trabalhavam em pedras. escrever.C. do lado de fora. Foi o dilúvio que a Bíblia comenta. depois de muita procura. Em 1927 eles escavaram os montes e descobriram as cidades da Mesopotâmia. Foi tão importante quanto o Egito. O culto aos deuses era muito forte. todos os povos da Mesopotâmia fizeram as construções assim. etc. A religião era magia. Até a metade do século XIX pouco se sabia da Mesopotâmia. tinha força de lei. Situada no Oriente Antigo. A arte Egípcia teve poucas variações.. enquanto a arte da Mesopotâmia teve muitas. Cada povo falava uma língua. Os arqueólogos descobriram vários montes chamados tells (téus) e que tinham lá no fundo tinham a civilização. dos sumerianos. Nessa cidade tinha um templo fantástico todo branco. Tudo o que sabíamos sobre a Mesopotâmia era através da Bíblia. 7 . Era como se tivesse acabado o mundo.

Descobriram que por baixo dos “tells” (montes) existia uma civilização fantástica. Dominam toda a Mesopotâmia e toda a Síria.000 A.. A escultura era super importante. É um povo interessante. Os olhos eram enormes e bem expressivos. foram gravados na argila. Eles utilizavam pedras. É por isso chamado de cunheiforme. escreverem. A escrita chamava-se cuneiforme por ser em forma de cunha. São guerreadores mas não são grandes artistas.000 A. 8 . Eles chegaram a dominar o Egito e a Fenícia. enquanto o corpo eles nem ligavam. Era como os contratos de doações de terras. A arquitetura era pomposa. Os sinais da escrita ao invés de serem desenhados.3. Ex..C. sendo completamente diferentes um do outro. O que eles produziram de arte era somente ligado às guerras e aos reis. e falarem. concha marítima.C. eles pegavam um estilete em forma de cunha e gravavam na parede.C. até 612 A. É um passo enorme da Humanidade.) vai bater mais ou menos com os hieróglifos egípcios. O poder deles chegou até o Egito. chamada Zigurat para que as pessoas rezassem mais próximas de “deus”.: A civilização mexicana aparece bem depois de Cristo. Kudurros eram os contratos feitos em pedra e escritos em cuneiforme. gravadas ou esculpidas. Eles só não acabam com a cultura babilônica pois vão adquiri-la através da forma deles pintarem. Relembrando: Vão construir uma torre na Babilônia. A arte era feita para “deus”. A cabeça era cuidadosamente elaborada. grandiosa. gigantescas. bem feita. A Mesopotâmia fica hoje mais ou menos onde estão os países Irã. especialmente para os sumerianos. a alma das pessoas. Era uma cerâmica muito ruim.000 a 2. imperial. guiados pelo rei Sargão. Assur é uma cidade muito famosa. O branco dos olhos era feito de conchas.A invenção da escrita aparece na Mesopotâmia em +/. O material usado para fazer as esculturas era muito variado. cantarem. O azul era feito lápis-lasure. prendendo as pessoas e fazendo atrocidades com elas. estava no rosto e o corpo servia só de suporte.C. Vão acabar com o primeiro Império Babilônico. mármore. Iraque. A Mesopotâmia não ficou tão famosa porque o material usado nas construções não resistiu ao tempo por serem feitos de adobe (tijolinhos de pedra). Vão implantar o terror na Babilônia. Quando a argila estava mole. Eram povos unidos só pela religião. Os assírios eram tremendamente guerreiros e tinham um exército muito poderoso. Era uma civilização tão rica quanto a do Egito. Os acarianos vão aparecer em 3. Tinha um curioso detalhe: a desproporção entre a cabeça e o corpo. O que vai ter de diferente são as famosas “estrelas” ou “estelas” que são as pedras desenhadas. Assurbanipal era o guerreiro imperador. Portanto a arte acariana é muito parecida com a arte sumeriana. principalmente a escultura. A fase histórica é praticamente a mesma. dando expressão de fé e serenidade. Os assírios permaneceram na Babilônia de 1100 A. principalmente o caráter. Obs. Isso acontece porque para o povo sumeriano. gesso.C. A escrita da Mesopotâmia (3. Eles copiam a arte sumeriana.500 A.: os Maias. sendo que estes dois últimos não duraram com o tempo. Para construí-las pegavam cidades inteiras. Fizeram desses escravos os construtores das grandes cidades.

Deixaram tudo por escrito. celeiros. Tinha 97 pátios. vai aparecer a primeira propaganda onde o rei sempre aparece vencendo e os povos caindo e morrendo. Eles quase não pintavam. lagos. Eles utilizavam números cabalísticos como o 7 e o 14. cativeiro. Eles colocam só os assírios como vencedores. Quando não resistiam mais substituíam por outros. Depois testavam a resistência sem dar comida e depois sem dar água também. Essa muralha tinha sete portas e era ao redor do palácio medindo 300 hectares. Essas 37 moças desse harém não eram as preferidas. onde tudo parecia ser bem tranqüilo. o que seria mais ou menos 10. Tinha o super harém com 7 preferidas. Tem uma maquete no British Museum. Tem um relevo famoso que é “A leoa ferida”. A cabala vai aparecer muito na Mesopotâmia e no Egito. Na síria. Não acreditavam em outra vida. matança em massa. No museu do Louvre você poderá ver esses relevos.000 m2. 77 quartos. Nos próprios registros das esculturas é que constatam que eram guerreiros e cruéis. para seu descanso. somente o Zigurat. Eles não escondiam essa crueldade. O rei Sargão da Síria. mulheres passeando. embora 9 . Fizeram imensos tambores de cerâmica cheios de água para testar também a resistência das pessoas sob o sol fortíssimo com a água subindo. As outras 37 ficavam na expectativa de algum dia serem chamadas. Nesse palácio eles faziam rituais para o demônio. mortandade. Tudo isso foi erguido em apenas 6 anos por causa do trabalho escravo. Através dos escravos eles sabiam a resistência que eles precisavam ter. Ajudava os seus sacerdotes a cultuar o mal. O palácio do Sargão tinha 300 salas. 10 salas de tronos. trabalho forçado. A moradia dos monarcas eram obras arquitetônicas fantásticas só que construídas com tijolinhos de barro. Os egípcios ao contrário do que se pensa não só tinha os escravos como pessoas do próprio povo que ajudavam nas construções faraônicas. músicos tocando. O Rei Sargão cultuava essa coisa do mal. Somente em Ninive é que Assurbanípal mandou fazer baixos relevos. Fizeram transplante de córnea. principalmente. Muito do que sabemos vêm de pergaminhos desenhados. 17 dormitórios de empregados e 7 banheiros. Tinha um enorme harém com 37 camas. Pegavam milhares de escravos até eles resistirem. armazéns. auxiliando séculos mais tarde com esses conhecimentos. O mal era que ajudava e não o bem. Tudo isso para estudarem a ciência. Não sobrou um monumento pronto. construiu um palácio com uma muralha. Na arte assíria o que mais se destacou foi o relevo. No grande Zigurat eles rezavam para que suas conquistas fossem sempre maiores. tortura. está no museu do Louvre e era do Palácio do Assurbanípal. 22 salas de recepção.O assírio foi o pior povo da antigüidade. eles faziam relevo e arquitetura. A muralha tinha a altura de um prédio de 8 andares. Não fazia o povo de escravo só para construir para eles. Sempre mostra o horror. pássaros. Isso também vai aparecer no Egito. Os assírios pegavam a população e testavam a resistência dos velhos e crianças para ver quem conseguiria ficar mais tempo sem comer. Ele realmente ele vai colocar essa tranqüilidade através dos relevos de árvores frondosas.: pegavam 2 irmãos e arrancavam o olho de um para colocar no olho do outro. por ex.

Só na Idade Média é que surgiu o cinto de castidade do jeito que conhecemos. Quando o homem era solteiro (mas noivo) ele tinha um grande anel no dedo anular. a folha e flor eram azuis também. na época da Néo-Babilônia. bem mais tarde dominou a Babilônia. Quando essas moças casavam elas passavam a usar somente o bracelete no braço com ouro de 2 tons sem rubis e esmeraldas. Todos os povos tinham medo deles. misturando também com outras substâncias. inóspito. rei da Pérsia. No patamar azul. e ouro vermelho que mandavam buscar no mundo inteiro. o caule. para indicar que o homem não estava em casa. O rei é o vencedor e todo o resto da humanidade perdedor. Quando eles casavam passava para o outro dedo anular da mão esquerda. os assírios foram destruídos pelos MEDOS (médos). Eles obrigavam as mulheres a usar ouro. Todo homem e mulher casada tinham que usar nos pés e nas mãos. A flores e folhas eram da mesma cor. Ficava na unha por um ano. Não era um cinto como o de castidade ainda. um grande colar e uma pulseira também na perna. sendo portanto tiradas dos cintos. Elas colocavam um cinto no quadril. Mais tarde os judeus foram estudar como eles fizeram essa irrigação para resolver esse problema na terra deles. Eram sete patamares. feito também em ouro. Tiravam o colar do pescoço porque elas não estavam mais presas aos pais e sim ao marido. Eles vieram da Ásia e junto com os babilônios que ainda restavam eles destruíram os assírios e reconstruíram a Babilônia que é chamada depois de Néo-Babilônia. 10 . Tinha um platô na parte lateral. eram distribuídas por vários patamares debaixo para cima. violeta. Depois é que vai surgir mais tarde a aliança. Era uma substância orgânica que eles maceravam até conseguir o vermelho. Os jardins suspensos da Babilônia vão ser reconstruídos. Aí começou o cinto da castidade. Após casar o marido é que representava as pedras preciosas. era só apoiado no quadril e não tinham pedras preciosas.muitas vezes eles fossem os perdedores. ou outro motivo. Daí a Babilônia vai ser mais uma vez a mais esplêndida cidade do Oriente. Em todos os museus do mundo você vai encontrar essas jóias.C. esmeralda. Em UR eles gostavam tanto de ouro que faziam muita jóia usando também muito rubi. Tinha um sistema de irrigação no qual a água passava por todos os patamares. graças a irrigação. Quando Siro. Em 612 A. destruiu tudo com exceção do Zigurat por considera-lo um marco muito forte. As pedras eram usadas só nas solteiras. pois só hoje é que denominamos esmalte. azul. Era uma árvore parecida com romã. quando os maridos saiam de casa para guerrear. Ex. Eles usavam uma substância vermelha que eles tiravam de uma árvore que hoje não existe mais. onde eles plantaram grama e flores em um lugar completamente árido. O anel era tão grande que ocupava o dedo todo sem poder dobrá-lo. Na realidade era uma tinta. Foi o fim do esplendor da Babilônia. As solteiras usavam um bracelete no braço. A única pintura que foi registrada da Mesopotâmia é a cidade de Ur. Na Mesopotâmia é que vai aparecer o esmalte pela primeira vez. amarela e branca. Os jardins da Babilônia eram feitos de flores de várias cores sendo que.

11 . mas não podiam ter nada. A casta da Mesopotâmia. Ela é que iria decidir se dava ou não a herança para os filhos. O homem viúvo não tinha que cumprir essa lei. A mulher não tinha direito sobre a herança enquanto o marido estava vivo. Essa lei vai vigorar todo o tempo na Mesopotâmia. qualquer povo. Obs. qualquer um caldeu. Tinha uma fila de homens esperando porque o marido deixava toda a herança para a mulher e não para os filhos. assírio.Quando ficavam viúvos tinham que pintar as unhas de preto.: Na antiga Babilônia é onde se encontra Saddam Hussein hoje. As mulheres viúvas tinham que casar 3 meses depois que o marido morria. dependendo se estes eram bons ou não. Todos esses povos de uma forma ou de outra eram guerreiros. as viúvas tinham que casar. Até 18 anos os filhos eram considerados crianças só podendo guerrear.

Não podia existir nada fora do domínio do faraó ou dos sacerdotes. As dinastias vão surgir depois desses grandes clãs.C. anterior às dinastias dos faraós eram divididos em clãs familiares. as cerâmicas. Só os sacerdotes ou amigos dos sacerdotes é podiam exercê-las. Os mais pobres eram enterrados em uma vala comum. Os mestres gregos estudaram no Egito. os moldes belíssimos. Os Templos também são monumentos colossais. São todos monumentos faraônicos e todos de pedra para durarem para a eternidade. Dos lados tem dois dos maiores desertos do mundo Saara e Núbia. Para controlar as águas do Nilo foram erguidas obras hidráulicas de represamento e irrigação. as jóias eram todas concentradas no domínio real ou dos templos. culturais e religiosos eram o seguinte: O comércio. mas como civilização forte até 30 A. “rio deus”.000 A. A arte é totalmente feita para a eternidade. simétrica. e chegou ainda como civilização organizada egípcia até 30 A. cereais. Ela continuou depois. mas de todo o povo.C. O Egito é uma espécie de oásis no centro de uma região desértica. A alma do Egito era o Nilo. O Egito tem sido considerado desde a mais remota antigüidade o berço da civilização. A arte e a ciência eram muito avançadas para a época. A arte egípcia é extremamente regular. A arte e civilização Egípcia duraram 40 séculos. as armas. os mortos. os aspectos sociais. Era uma organização social simples. que tornava as terras férteis graças às inundações periódicas. A arte egípcia é toda dirigida para a religião. A indústria da época como: manufatura de papiros. passando do Paleolítico para o Bronze. A primeira civilização egípcia no 5o. era exercido pelos faraós e seus funcionários. os tecidos. sendo uma arte simbólica e convencional. O Egito foi dividido em Alto e Baixo. milênio. As Pirâmides e as Mastabas são túmulos onde residem os mortos. E nas Pirâmides. Toda construção do Egito é feita de pedra proveniente das abundantes jazidas que existem no Egito. Nessas terras férteis eram cultivados os cereais. o Egito já estava totalmente com a civilização feita.EGITO Tudo no Egito é feito para a eternidade. É um vale estreito cheio de montanhas nos dois lados. Enquanto a Europa era completamente bárbara. 12 . Durante a época das inundações. Na arte egípcia sempre vai ser exaltado o sentimento de morte e eternidade. equilibrada e geométrica. Quem vivia nos templos eram os ricos Sacerdotes e Faraós. mas sempre para os faraós ou pessoas da família dele. quando surgem os faraós. Não tinha dinastias e nem faraós. do qual viviam muito da venda do ouro. todo mundo se matando. os trabalhadores interrompiam o trabalho agrícola quando grande parte da população estava disponível para as grandes construções. Ela começou mesmo como civilização em 5. econômicos. Após se formarem as dinastias. especialmente o trigo que fazia daquele país no meio desértico o celeiro da antigüidade.C. Não era só trabalho do escravo.

Ficou 5.onde colocavam os produtos sobre as mesinhas. em hieróglifos. Sei toda a magia que pratiquei sem que nada me escapasse. prateleiras para vender ou trocar por comida. É a lei do ver melhor. Elas tomavam banho de leite de cabra para ficarem bem brancas. joalheiros que faziam jóias fantásticas. os braços e pés de perfil para melhor representar as características da pessoa. Os homens tinham que ter a pele mais escura que a da mulher. As regras passavam de geração a geração sem nenhuma renovação. bebida. Conheço a pose da mulher. As mãos eles fazem sempre sobre o joelho. Nada do que se refere à esse assunto de magia me é oculto. não podia criar nada. Só que eles tinham que aprender tudo: anatomia. porque não era permitido. 13 . A arte egípcia estava tão ligada ao país que. O egípcio tem uma mistura com preto. Até 30 A. O artista tinha que saber mitologia e ser anônimo. Os artistas tinham que aprender bem cedo o estilo. tronco de frente. a postura de quem lança o arpão. No estilo egípcio existiam leis muito rigorosas que não podiam nunca ser mudadas.. Toda pintura egípcia tem a lei da frontalidade. os filhos e os criados. Quanto mais branca. anéis e miniaturas de jóias vistas só com lupa. Depois vinham os trabalhadores do campo que tinham uma casa razoável. lidar com tintas. o olhar de alguém à seu auxiliar. conheço o amor. olho de frente. Era uma demonstração de revolta. conheço a flor. Vejo Ra em suas manifestações. o Egito vale a pena enquanto arte e civilização. braceletes. e os escravos que moravam em palhoças como se fossem animais. sobre uma pedra. A partir daí começa a decadência do estilo e arte Egípcia. O artista tinha que aprender que sempre que fosse pintado o homem e a mulher. Um homem acima do comum por meus conhecimentos. até fazer hieróglifos. No Egito existiam escolas de arte cuja função era formar artistas. lei da frontalidade. Eles tinham paixão por pele clara.As habitações da classe média eram na periferia. Um texto escrito por um artista. sou um artista!” Ele se valorizava. assim que o Egito começa a acabar a sua arte acaba também. o que quer dizer que sempre a figura humana vai ser representada com o rosto de perfil. etc. conheço a conduta das festas.C. sobre o que achava dele próprio como artista do novo império: “Conheço o segredos das palavras divinas. Existiam muitos ofícios no Egito: escultores que faziam esculturas em pedra e madeira. A arte egípcia ficou 3000 anos sem mudar nada.000 anos sem mudar nada na escultura. feitas de pedra e o telhado de palha. com cores. Conhecia tudo. mais valiosa ela era. mas era um mero artista ignorado. o homem tinha que ser mais alto que a mulher. Sou chefe de todos os segredos dos rituais cabalísticos. Existe um estilo egípcio tão forte que durante milênios não vai mudar nada. É uma demonstração que o pintor estava insatisfeito. o que significava a força que a pessoa tinha. Ninguém podia saber quem tinha feito o trabalho pois o artista não podia assinar. foi descoberto mais tarde. O patrão tinha que ser maior que a esposa. Sou um artista excelente em minha arte. pintura. onde seria o Cairo hoje. Eles tinham uma espécie de feira. Mas o artista não podia passar disso. sem exagero.

Eles também esculpiam um outro corpo. O corpo do morto não podia ser tocado. mais jovem. seria colocada na pirâmide e esta bem fechada. comidas. Nos primeiros 2 milênios iam todos juntos. algodão. Na mumificação era cortada a cabeça. Se esta fosse violada o faraó teria um outro corpo. também era colocado junto ao morto. vivas. Elas iam com vontade pois significava uma honra. Eles acreditavam profundamente na imortalidade da alma. A parte política e econômica do faraó era também muito importante para que a mulher do faraó desse continuidade. só que com as mesmas necessidades terrenas. Nas primeiras dinastias. não daria continuidade a sua dinastia. ou o faraó com a filha. que ficava ao lado da múmia. Acreditavam na vida eterna. feito em pedra. Ela então.Desde o começo da pré-dinastia a arte egípcia era completamente ligada à morte. mas com as características do faraó. Os escravos e os trabalhadores não eram mumificados porque era muito caro fazer a mumificação. igual ao do faraó. Obs: No Vaticano tem uma múmia egípcia que está parte desenrolada podendo ver até a carne e um pouco do cabelo. Elas tinham que continuar casando com o filho. O faraó era convicto de que se a mulher dele fosse enterrada junto. Jóias. roubadas e profanadas é que iriam ser colocadas em monumentos colossais que seriam as 14 . Eles não tinham a mesma concepção moral que nós temos. é meramente uma transição para uma outra dimensão. pernas) deixando só o tronco. até nos ajudantes dele. para depois fechar a pirâmide. só que um pouco mais idealizado. surgindo com isso a mumificação. Só depois é que tiram o corpo dessa solução e não se sabe como secavam esse corpo. A múmia depois de pronta nunca mais poderia ser vista e nem tocada. Para evitar que fossem tocadas. nas outras dinastias não era levado ninguém mais vivo para ser enterrado. bonito. Eles limpam tudo o que tem dentro do tronco e enchem de bucha. Esta escultura sempre vai ter o rosto esculpido idealizado. etc. O faraó era mumificado e em seguida colocado na pirâmide junto com as pessoas que gostava. Daí eles costuram tudo novamente. Para o egípcio a morte não é um acontecimento triste. na sua plenitude. Os egípcios levavam tudo aquilo que o morto gostava para o túmulo a fim de que a alma continuasse a gozar de tudo o que eles gostavam enquanto vivos. Dentro da pirâmide o morto iria “ascender” para se encontrar com “deus”. ou outro parente. Ex: Um faraó que ia ser enterrado e que gostasse de bailarinas. A mumificação era feita em toda casta do faraó. Na realidade ninguém nunca mais conseguiu fazer mumificação. É porisso que existia muita riqueza nos túmulos. Era uma continuação da vida terrena. os membros ( braços. Com o passar do tempo. Eles acreditavam que a alma continuava a viver. Se ela fosse profanada a alma iria ficar sofrendo pelo resto da eternidade. Eles tinham uma obsessão pela imortalidade da alma. de trapo. estas iriam ser enterradas vivas junto com ele. eles sabiam que a pessoa que morria só ficaria contente se tivesse tudo o que tinha em vida e que gostasse junto com ele. Colocam uma solução de ácidos e sais aromáticos deixando o corpo banhado nisso por (+/-) 6 meses a 1 ano. Depois da mumificação não podiam mais tocar no morto pois a sua alma poderia ficar perambulando por milhares de séculos. Depois eles montam tudo novamente e estará pronto para ser enterrado nas pirâmides.

Peru. Esse local onde existiam pedras se chamava Assuã. e a estátua do morto que era colocada ao lado da múmia é chamada hoje em dia de “o duplo”. Existem muitas portas falsas e corredores falsos que não levam a nada para.C. tendo 146 metros de altura. local onde foram construídas as pirâmides. Cada bloco pesa de 2 a 20 toneladas. e em alguns lugares da terra também. Em todo o mundo aparece pirâmides feitas em épocas diferentes. Onde hoje tem a famosa represa de Assuã.pirâmides. México. Esses blocos eram trazidos de uma região há 1000 km de distância. Ela tem 121 metros de base e 60 metros de altura.000 blocos de granito e calcário. Está tudo perfeito até hoje. Não tinha nenhuma gravidade. A pirâmide é um tipo de construção que proliferou no Egito muito mais do que se pensa. que é a primeira pirâmide dos degraus. que os franceses fizeram um buraco próximo à base. Após muitas pesquisas descobriram que em Maio a cada dois anos naquele local não tem gravidade. a qual flutuou. até hoje não houve nenhum terremoto. A etimologia da palavra pirâmide: É uma palavra de origem grega onde “piro” quer dizer fogo e “amid” quer dizer está no centro. Essas pirâmides eram totalmente racionais. Os blocos eram sobrepostos somente através de cálculos matemáticos absolutamente precisos. Não há um consenso de como foram construídas as pirâmides. Na terceira dinastia. pois já tinha sido violada. Quefrém e Miquerinos. Eles pensaram muito antes de construírem as pirâmides. Tem pirâmide na China. só para proteger o faraó. Para esses blocos ficarem sobrepostos perfeitamente encaixados. Quando descobriram a pirâmide de Quéops já não tinha mais nada dentro. Dois séculos depois foram construídas as famosas pirâmides de Quéops. Gisé. é um altiplano rochoso (que não se mexe). isto é. Obs: Há 6 anos atrás saiu na Geográfica Universal. Na construção foram empregadas 2. eles tinham que ser polidos de uma forma manual. Desde 3500 A. “O vértice da grande pirâmide corresponde ao polo e o perímetro do Equador. na América do Sul. no Egito (que hoje é o Cairo). na escala exata. O túmulo é a pirâmide. onde cada barcaça levaria 2 pedras amarradas embaixo da água para que ficassem mais leves. Central.” Algumas pirâmides eram fechadas no topo e outras abertas.600. e deixaram cair uma ferramenta. Só que durante todos esses séculos nenhuma pedra foi encontrada no Rio Nilo. 15 . Cada lado da pirâmide foi projetada para corresponder a curvatura de 1/4 do hemisfério norte. Não existe nenhum elemento de ligação como o cimento ou argamassa para unir ou sustentar essas colunas de pedras nas pirâmides. A pirâmide de Quéops é a maior das 3. foi construída a primeira pirâmide. construção. na lateral. Os historiadores acham que a forma mais certa daquelas pedras chegarem seria através de barcos pelo Rio Nilo. Na região não haviam pedras. fogo está no centro. na planície de Gisé. Hoje somente o raio lazer conseguiria deixar a superfície tão lisa. Foi construída em Sacara. etc. a base é do tamanho do “Maracanã”. no Egito.

Os deuses que tem a ligação com a lua vão ser iluminados pela luz da lua. É um calor infernal. Esses templos foram construídos através de 3000 anos. Pegavam um pincel fino feito de bambu e desenhavam no gesso ainda úmido. Até hoje as construções são um mistério. Se for colocado água quente sob o sol. cantando. clara e um pouco de óleo de amêndoa. A cor vermelha era dada pelo óxido de ferro. O sol era o divino. são dois templos ligados entre si localizados na cidade de Tebas. A organização da iluminação inteira dos templos era um verdadeiro “mis en cène”. Depois das pirâmides o que existe de mais fantástico é Karnak e Luxor. 16 . Não chovia nunca. esta ficará gelada. O templo é do tamanho de Manhattan. quase nada restou até hoje.Todas as 3 maiores pirâmides e as outras 70 que tinham no Egito já tinham sido violadas e roubadas. Técnica da pintura Egípcia: Tudo o que os egípcios desenhavam. da manhã até Tebas. madeira. A pintura não tem nenhum efeito de luz e sombra. 150 leitos para os maridos. Na iluminação da arquitetura egípcia não há quase janela. porque era feito para a eternidade. era chapada. ela só aparece excepcionalmente. Ela era uma rainha faraó. Elas não eram tão importantes quanto os templos. As construções civis perto das pirâmides. não apodrece. Após secar colocavam a cor. A partir desse esboço eles elaboravam a obra definitiva sobre a parede. que estão dentro da pirâmide e que tem ligação com o sol. ele é que vai deixar iluminar o que ele quer. Os historiadores acham que as pirâmides foram construídas através de montes de terra ao lado da construção para apoiar as pedras para serem erguidas. O que ficou de melhor está localizado perto das pirâmides. A luz vai ser feita pela mão do homem. cores planas. Estando no Cairo pega-se um avião às 5hs. Foi uma rainha poderosa que conseguiu unir o alto e o baixo Egito. Nos templos egípcios a iluminação é importante porque vai haver uma abertura para passar a luz do sol somente no que for divino. A pirâmide de Quéops tem uma força. A mitologia egípcia lida muito com o demônio. faziam primeiro o esboço em pedras arenosas chamadas de ostrakas (porque a pedra parecia com uma concha). Do outro lado do Nilo está o outro templo da rainha Hasétsud. As esculturas estão sempre fechadas no escuro e só vão ser clareadas naquele momento quando a luz passa por aquela abertura. As janelas eram abertas para o pátio interno. Uma distância como se fosse de São Paulo à Salvador. mumifica. por assim dizer. Tinha silos de cajal. Todas tinham terraço com cobertura. O azul era feito com o pó raspado do lápis lázure e misturavam também com goma arábica. A lua era o demônio para eles. Os moradores passavam a noite no terraço tocando música. propositadamente. depois passavam uma massa fina de gesso sobre o reboco. As moradias descobertas próximas às pirâmides eram construídas em alvenaria e pedra. O palácio era fantástico. Faziam com goma arábica e clara de ovo. uma energia. muro. sobre as esculturas dos deuses. que tudo que está localizado próximo num raio de 200 metros não morre. Primeiro eles faziam um reboco grosso sobre a parede. Eram todos de classe média.

ou foram destruídos por terremotos. colocados sobrepostos sem andaime. Em Karnak 10 obeliscos foram destruídos. em cima do que eles quisessem. Tingiam o cabelo de Rena. ou então o nome do deus a quem tinha dedicado o obelisco. Teve mais de 7 maridos. ou afundados em solo. sandálias. mas era feito como precaução para o dia que chovesse. da rainha HATSEPSUT. também para a pele. feitos de mármore. que foi feito em sua homenagem medindo 42 metros de altura e nele está escrito tudo sobre a sua vida. Eles faziam buracos nas paredes. cavalos. sem muita divisão. que vem da palavra grega “obelos” que quer dizer coluna terminada em ponta. mesmo sendo faraó. não tinha andaime. Só que lá não chovia. só tem quatro obeliscos. O seu palácio fica no Vale das Rainhas.“o sol”. Muitas vezes aparece a rainha abraçando o faraó como se estivesse protegendo-o. Obs: O Shampoo apareceu no Egito para a Hatsepsut que tinha um cabelo muito feio (por ser descendente de preto). e com madeira para arrematar. Todo o resto foi retirado. Tinha mais de 200 pares de sapatos. Os maridos dividiam as tarefas. no Egito. Nunca foi compreendido como eles foram construídos. etc. de peruca. Ela foi sucessora do seu pai. Tem um obelisco muito bonito em Karnak. Geralmente todos os obeliscos vão ser para comemorar algum feito político ou alguma homenagem que o faraó desejava celebrar. O rei e a rainha apareciam abraçados. Também tem um obelisco na praça Navona. atingindo equivalente a um prédio de 10 ou 12 andares. Tinham cremes feitos de leite de cabra. Quando Napoleão foi ao Egito ele pegou aquele obelisco de Karnak e Luxor e levou até a praça da Concórdia. Hoje . Alguns foram levados por estrangeiros conquistadores. A mulher realmente era muito bem conceituada na vida privada. na França. abatidos congelados em conservação. ou uma espécie de catapulta para erguê-lo. para iluminar os outros deuses. Os historiadores acham que construíam rampas de areia ao lado até chegar na altura. Alguns maridos ela mandou matar e casou também com o filho dela. Tomavam banho de leite para clarear a pele e a gordura era acondicionada em potes feitos de lápis lázure. Tudo era muito sofisticado. Os Obeliscos vão ser importantes no Egito. Existia entalhes para o escoamento de águas pluviais. Viveu até mais ou menos 70 anos. bois.Os gregos foram estudar a iluminação dos teatros com os egípcios. Hoje em dia quase em todos os países tem obelisco do Egito. Tinham sombra azul para os olhos e cajal para o contorno. O faraó mandava fazer o obelisco de mandava deixar gravado o nome dele. onde aparece pela primeira vez. 150 leitos para os seus maridos. Ela era uma faraó muito poderosa que uniu o alto e o baixo Egito. Os buracos seriam as janelas com a função de projetar o canhão de luz . Existia muito pouca madeira. Tinha câmaras frigoríficas embaixo com mais de 200 animais. Era uma rainha que tinha Silos de Cajal. Eles eram altíssimos. A água do Rio Nilo vinha canalizada e quando chegava lá estava gelada conservando assim esses animais para o futuro da vida dela. Descobriram um shampoo e condicionador feito de papiro (que solta um sebo) e adicionaram flores para perfumar. Eles erguiam o obelisco quando ganhavam uma guerra como se fosse um troféu. E durante a noite eles tem outros buracos para passar a luz da lua. Isso é uma característica do antigo império. 17 . no meio daquele deserto.

até então nunca visto. Essas cenas em outros impérios eram consideradas um desrespeito com a família real e. foi ser rei aos 9 anos de idade. se abraçando. somente no Novo Império. Vasos de 18 . Até ele chegar na última sala levou 6 anos cavando e descobrindo só maravilhas e riquezas.Tinha ourives que só faziam jóias para as mulheres. Não vai ser um faraó muito rico por ter sido faraó por pouco tempo. Esta arte vai ser de cunho realístico que vai durar por todo o reinado dele. Ele disse que deus tem que ser só um. Esse túmulo dele no Vale dos Reis foi a maior descoberta arqueológica do Egito. sucessor de AMINOFIS. Aminofis teve quase todas as filhas doentes. E ele vai querer que o pintem sem idealizá-lo. O parente mais próximo vai ser Tutankamon com 9 anos e que irá morrer aos 18 anos. ele e sua esposa ficassem bem natural nas esculturas. considerada “A BELA”. misterioso. Tinha 2 estátuas de 2 metros de altura de ouro maciço. Eles casavam muito entre parentes. no colo. Vai aparecer o FARAÓ AMENOFIS IV no novo Império que vai mudar completamente a religião e a arte. Faziam muita coisa para o cabelo e usavam muito pente. A NEFERTITE. É a primeira tentativa do monoteísmo. Só na antecâmara encontrou 700 peças. carruagens de ouro e prata. TUTANKAMON. Então ele vai mudar o seu nome para AQUENATON (onde sufixo aton é “deus do sol”) . Em 1922 Haward Carter chegou perto do Cairo e descobriu um sepulcro. Quando ele entrou na ante-sala com mais 3 britânicos e uns 20 egípcios. São cenas domésticas. deus do sol. inscrições para a vida eterna. O rei. Antigamente isso jamais seria feito. vai ter seu rosto muitas vezes esculpido. Muito metal. A mulher dele era belíssima e se chamava NEFERTITE. Chegou lá. ouro. Assim que ele morre tudo volta a ser como era. Ele briga com os sacerdotes porque estes estavam ganhando dinheiro vendendo fórmulas. uma nova maneira de ser. para ele. Então Amenofis IV disse que para ele só um deus era supremo o “ATON”. Ele não vai ser reverenciado como um deus. Os filhos não tinham condições físicas de serem faraós.: Tem um filme que conta essa história “A maldição da múmia”(?). livros dos mortos. Mostra a sua fragilidade humana. a corte e a rainha foram esculpidos de forma realista. Era uma indulgência daquela época. Faziam muita coisa com formato de gato porque era um animal muito forte. teve que escrever para a Inglaterra para saber se podia abri-lo ou não. era uma porta lacrada e ficou esperando naquela época por mais ou menos 18 meses por uma resposta em carta vinda de navio pois não havia avião naquela época. Obs. cheiroso para eles. inclusive um rico trono de ouro. Como ele era inglês. bonito. esperto. o respeito era mostrar a realidade como ela era. prata. Vai ter um refinamento de etiquetas de como se portar socialmente. Vai mudar também a arte não querendo que sigam mais a lei da frontalidade. de cabeça comprida e eram bem magras. No Metropolitan tem uma escultura de um homem egípcio com uma argola na orelha e pendurado nela um gatinho. Ele tinha uma cabeça bem comprida. Ele vai ser um revolucionário inovador que muita gente não vai gostar. Ele conseguiu a permissão e abriu a porta. mas como um homem. descobriram o maior sepulcro do século. sendo pintado com bengala para se apoiar. sem “endeusar” ou idealizar. O homem egípcio usava brinco de argola na orelha. Vai querer que suas filhas. A religião estava virando um comércio. Vai ser a única vez que poderá ser visto isso no Egito.

a faraó. perto da represa de Assuã. Todos da expedição morreram. Lá eles ficavam trancados sempre (com números de final 7) como 17 semanas. Depois de acabar toda essa reunião. Começavam as pesquisas de sexo. na segunda sala o povo ficava do lado de fora e entravam só os iniciados e na terceira sala entravam os iniciados. RAMSÉS II. Muitas vezes eles iam para Karnak e Luxor através do Nilo como se fosse uma imensa apoteose.2 metros. Após tomar banho no lago eles deixavam a roupa suja lá e vestiam outra roupa branca. onde ele após morto passearia até o seu túmulo. eles saíam e iam se limpar nesse lago. Na busca de uma coisa que fosse melhor para eles.1. Faziam testes de mistura de sangue. Teria mais ou menos 12 km. a múmia e algumas coisas ficaram no Egito. após ficarem também um tempo em jejum. Levaram séculos para serem construídos e passava de faraó para faraó. ou 27 semanas. Estátuas de proporções gigantescas. Os valores morais eram outros. Muita gente começou a morrer de maneira estranha. Os gregos vão até o Egito para aprender sobre as construções. é um grande faraó que vai ter uma grande autoridade imperial. Ele foi o último a morrer. O estudo dos deuses do bem e do mau era feito em Karnak e Luxor. Está no museu do Cairo. sendo a última de ouro maciço. É aqui que vai aparecer pela primeira vez no mundo as colunas. sexo de todas as formas. como uma busca ou necessidade de se saber tudo. Ele vai fazer uma avenida como uma via expressa. Arcas repletas de roupas do tamanho de um container. sucessor de Tutankamon. na lua cheia. 90 % foram violados. Muita coisa de coral. mas uma pesquisa séria. Ele é um grande arquiteto e tudo o que construía era o mais alto.5m de alabastro. Eles faziam até oferenda de crianças e de seus próprios filhos. dependendo do que fossem fazer. Karnak e Luxor tem vários templos. Os dois templos mais importantes de Karnak e Luxor eram destinados aos deuses Amon e Rá e ligados entre si por uma monumental avenida. As colunas mais importantes do Egito são as de Karnak e Luxor. Na primeira sala entrava o povo todo. Quase todos os túmulos. A múmia real Tutankamon era protegido por 3 sarcófagos. Eles entravam no templo como uma procissão. os mais importantes foram construídos por Ramsés e Amenofis. e 86 esculturas de aproximadamente 2 metros de altura cada ladeando a represa com um espaço entre elas de 1. Só quem podia entrar no templo de Karnak e Luxor eram os iniciados. os sacerdotes e a família toda. outros de doença que mais tarde foi constatado fungo (manchas na pele que degenerava o tecido) por ter ficado 5000 anos fechado. Haward Carter ficou muito rico e muita coisa foi para a Inglaterra. porque todos sabiam que tinha uma grande riqueza. turquesa. São esculturas todas em pedra. o faraó. magia. O sarcófago. A pintura de Karnak e Luxor é o auge da pintura Egípcia. Não são bacanais. 19 . voltando novamente para o templo para dormir e no dia seguinte sairem de lá. onde todos estavam trajados de branco. Ao lado de Karnak e Luxor tinha um grande lago. como ocorria na Grécia. Ele é da época do Novo império e depois Baixa Época. Karnak e Luxor são ricas em obeliscos. Era uma época de esplendor da civilização egípcia.

o faraó. e o grego com aquele escândalo artístico. Aos poucos as formas artísticas passam a conviver cada uma com seu mundo próprio. esculturas que estamos costumadas a ver. sábio francês. consegue decifrar os hieróglifos e com isso ele vai permitir que a arqueologia dê um salto fantástico no século XIX. como por exemplo a mumificação que foram se aperfeiçoando durante milênios. fizeram um calendário solar.Depois da morte de Ramsés II começa a chamada Baixa Época. Numa visão retrospectiva da história de civilização e da cultura que esse povo alcançou. até 30 A. A escultura grega vai ser independente da escultura egípcia. Vão lutar com Cleópatra e ela vendo que vai perder pega uma cobra venenosa deixando-a picar e morre. Eles não vão aceitar nenhum outro deus. vai ocorrer no IV século da nossa era quando o Cristianismo está no auge. A ruptura final da tradição egípcia cultural. Cleópatra em 30 A.C. Tudo o que eles fizeram foi para a eternidade. tanto nas artes e nas ciências.C. Surge então esculturas híbridas com rosto grego e corpo egípcio. único. à beira do Mediterrâneo. pois “Cristo” é um só deus. Entre 332 A.. Aí vai aparecer o Marco Antônio. quando o Egito vai ser dominado pelos persas. Alexandria vai ser o encontro das culturas ocidentais e orientais.C. 20 . com toda a sua beleza. elas parecem que possuem vida. No setor cirúrgico as maiores conquistas deles foram fantásticas. Champollion. como na organização política e social. Não deixaram a fórmula. mas que infelizmente morreu. a Cleópatra. a cidade de Alexandria. É o primeiro grego que chega a reinar o trono Egípcio. assírios e aí nunca mais durante toda a antigüidade o Egito voltará a ser uma nação tão importante e independente como era. porém para “Mali”. que são a grega e a egípcia. É a tentativa de uma coexistência entre o estilo egípcio que é próprio. a astronomia. Tinham uma espécie de antibiótico que era quase que a penicilina nossa. Quando o Cristianismo chega para valer no IV século.. o fim do Egito como civilização. No século XIX. última dos Ptolomeus suicida-se depois de ser derrotada pelos romanos. mostra o legado para o mundo futuro. O Egito foi a primeira nação a centralizar os poderes do Estado em uma só pessoa. um mapa dos céus. Estes brigam com os gregos e com os egípcios. Ele vai fundar. como essas pinturas. vindo da Macedônia. Hoje só ruínas restaram. vão quebrar quase tudo o que existia aí e na Grécia. Elas nos falam da glória de uma nação de um povo que não queria morrer. vão acabar todos os templos egípcios. Na medicina. a química. os gregos permanecem no Egito. Eles desenvolveram a matemática. os médicos egípcios especializaram em realizar um trabalho de grande valor na descoberta de droga para dor e nas doenças. Depois dos persas chegam os gregos chefiados por Alexandre Magno.

se sentiam diferentes dos outros povos. Fizeram magníficos prédios. Eles recusavam a se ajoelhar diante de deus porque o homem era considerado mais importante. FIDIAS. pelos costumes ou pela religião deles. PITÁGORAS (dizem que ele deu o nome de “filosofia” à filosofia). É uma verdadeira elevação à virtude. ICTINOS. As casas não tinham a menor pretensão de serem muito suntuosas. Foi nessa civilização que surgiu OMERO. Os antigos gregos. nas Acrópoles (que quer dizer acima das cidades). Nenhuma outra Nação no mundo teve tão forte devoção pela liberdade e uma crença tão firme nas realizações humanas. Por conseqüência. Tudo muito bem organizado. A arquitetura grega é a mais familiar de todas para nós do que qualquer outra arquitetura de qualquer época no mundo. SÓCRATES. O “homem” de hoje é o Grego. social e cultural. ARISTÓTELES. Os gregos não procuravam nem o paraíso e nem o inferno.ARTE GREGA O termo “clássico” surgiu na Grécia. Os gregos dividiram a humanidade em duas partes: os “Helenos” que eram os habitantes da Grécia e os outros eram chamados de “Bárbaros”. Os gregos exaltavam a razão de uma forma tal que eles conseguiam superar a fé. Platão falou o seguinte sobre os templos: “O templo deverá ser um ponto visto à distância e em aberto. entre todos os povos do mundo antigo. 21 . O grego. moderação e proporção.seja pelo idioma grego que falavam. proporcional. PLATÃO (que escreveu “A República”). Esses templos famosos eram como se fossem esculturas para eles. O grego dava muito valor ao Homem. excelência. Vamos usar o termo “estilo clássico” quando se quer dizer de beleza. é o lema do grego que quer ver tudo claramente. ao amor e ao prazer de ver”. quando se fala em “antigüidade clássica” . bem feito. As casas não eram importantes porque eles não tinham reis e nem governantes. ordem. simplesmente e sem adornos. Os Templos eram fantásticos e super importantes. Os deuses tinham que ter a forma humana. A essência do Helenismo era. para protegerem as estátuas dos deuses. E. chamados “templos”. E é por causa disso que existem tantos deuses. O homem é o centro de todas as coisas e do universo. Os gregos glorificavam o homem como a mais importante criatura do universo. na realidade. No Egito acontecia exatamente o oposto. é o que realmente vai refletir o espírito do homem ocidental. tanto a escultura quanto a arquitetura encarnavam os ideais de harmonia. A partir do homem você constrói tudo. Os deuses gregos tinham feições humanas porque a beleza estava na forma do ser humano. significando “nada em excesso”. “Nada em excesso”. e sempre construídos em locais elevados acima das cidades. PÉRICLES e muitos outros para quem o homem era a medida para todas as coisas. estamos nos referindo a Grécia e Roma e nunca ao Egito.

b) Teatros. jônica e coríntia. Nascida do sentir do povo grego. se encontram as Cariátides homenageavam as mulheres de Cária. a konistra ou orquestra. mas sobre uma base decorada.representava a graça e o feminino. Sendo a mais antiga das ordens arquitetônicas gregas. a arte grega liga-se à inteligência. a harmonia ideal. A coluna apresentava fuste mais delgado e não se firmava diretamente sobre o estilóbata. O templo era construído sobre uma base de três degraus. A característica mais evidente dos templos gregos é a simetria entre o pórtico de entrada e o dos fundos. através da arte. O fuste da coluna era monolítico e grosso. para os atores. As colunas e entablamento eram construídos segundo os modelos da ordem dórica. a ordem dórica. Enquanto a arte egípcia é uma arte ligada ao espírito. o equilíbrio. dos quais o mais importante é o Partenon de Atenas. . . de um modo a variar e enriquecer aquela ordem. As colunas sustentavam um entablamento horizontal formado por três partes: a arquitrave. interesse pelo homem. Sugere luxo e ostentação. exprimir suas manifestações. empresta uma idéia de solidez e imponência . Um exemplo típico é o Teatro de Epidauro.Ordem Dórica . o friso e a cornija. Contemplando a natureza. para o coro. mas seres inteligentes e justos que se dedicavam ao bem-estar do povo. para os espectadores. Os principais monumentos da arquitetura grega: a) Templos. A arte grega volta-se para o gozo da vida presente.O Grego tinha que se maravilhar com tudo. O capitel era formado por duas espirais unidas por duas curvas. que era o caminho da virtude. O degrau mais elevado chamava-se estilóbata e sobre ele eram erguidas as colunas. O capitel era uma almofada de pedra. o artista grego cria uma arte de elaboração intelectual em que predominam o ritmo. Eles tem como características: o racionalismo. por sua simplicidade e severidade. ARQUITETURA As edificações que despertaram maior interesse são os templos.Ordem Coríntia . também. A estética vai aparecer aqui. e a democracia.era simples e maciça. na Grécia.o capitel era formado com folhas de acanto e quatro espirais simétricas. A ordem dórica traduz a forma do homem e a ordem jônica traduz a forma da mulher. o koilon ou arquibancada. que eram construídos em lugares abertos (encosta) e que compunham de três partes: a skene ou cena. muito usado no lugar do capitel jônico. Na sua constante busca da perfeição. essa pequena criatura que é “a medida de todas as coisas”. Ele tinha que ver só beleza. Na Acrópole. nela se expressa o pensamento. pois os seus reis não eram deuses. o artista se empolga pela vida e tenta. amor pela beleza. construído. no 22 .Ordem Jônica .

No Período Arcaico os gregos começaram a esculpir. ao ar livre. edifícios destinados à cultura física. 23 . com o gargalo largo ornado com duas asas. As pinturas dos vasos representavam pessoas em suas atividades diárias e cenas da mitologia grega.(derivado de ydor.C. Na escultura. entre outras coisas.Ânfora . vinho. além do equilíbrio e perfeição das formas. azeite e mantimentos. a sua forma correspondia à função para que eram destinados: . mas também pela harmonia entre o desenho. Primeiramente aparecem esculturas simétricas. PINTURA A pintura grega encontra-se na arte cerâmica. com o corpo em forma de um sino invertido. As estátuas adquiriram. . filosofia. IV a.. Chegava a acomodar cerca de 14. Os vasos gregos são também conhecidos não só pelo equilíbrio de sua forma. em rigorosa posição frontal. em mármores.000 espectadores e tornou-se famoso por sua acústica perfeita. d) Praça . entre eles. composto por 55 degraus divididos em duas ordens e calculados de acordo com uma inclinação perfeita. água. c) Ginásios. etc. grandes figuras de homens. água) tinha três asas. as cores e o espaço utilizado para a ornamentação. o antropomorfismo . A pintura grega se divide em três grupos: 1) figuras negras sobre o fundo vermelho 2) figuras vermelhas sobre o fundo negro 3) figuras vermelhas sobre o fundo branco ESCULTURA A estatuária grega representa os mais altos padrões já atingidos pelo homem.Ágora onde os gregos se reuniam para discutir os mais variados assuntos. esses vasos eram usados para armazenar. servia para misturar água com o vinho (os gregos nunca bebiam vinho puro). Por isso. .Cratera . Esse tipo de estátua é chamado Kouros (palavra grega: homem jovem). com o peso do corpo igualmente distribuído sobre as duas pernas. o movimento.vasilha em forma de coração.esculturas de formas humanas .séc.Hidra . O maior pintor de figuras negras foi Exéquias.tinha a boca muito larga. Além de servir para rituais religiosos. uma vertical para segurar enquanto corria a água e duas para levantar.foi insuperável.

pela lânguida pose em “S” (Hermes com Dionísio menino). Olimpíadas: Realizavam-se em Olímpia. mas de grupos de figuras que mantivessem a sugestão de mobilidade e fossem bonitos de todos os ângulos que pudessem ser observados. as figuras de mulher eram esculpidas sempre vestidas. pois no período arcaico.Lisipo. Os principais mestres da escultura clássica grega são: .Praxíteles. autor de Doríforo .Fídias. mas também segundo as emoções e o estado de espírito de um momento. Posseidon: deus das águas. . se começou a usar o bronze que era mais resistente do que o mármore. em honra a Zeus. foi o primeiro artista que esculpiu o nu feminino. 24 . .Miron. Foi Lisipo que introduziu a proporção ideal do corpo humano com a medida de oito vezes a cabeças. Apolo: deus das artes e da beleza.C.Policleto. criou padrões de beleza e equilíbrio através do tamanho das estátuas que deveriam ter sete vezes e meia o tamanho da cabeça. Realizou toda a decoração em baixos-relevos do templo Partenon: as esculturas dos frontões.homem arremessando o disco. Teatro: Foi criada a comédia e a tragédia. As festas olímpicas serviam de base para marcar o tempo. talvez o mais famoso de todos. e Atenéia. autor de Zeus Olímpico. Entre as mais famosas: Édipo Rei de Sófocles. Afrodite: deusa do amor. para isto. Para seu conhecimento: Mitologia: Zeus: senhor dos céus. O grande desafio e a grande conquista da escultura do período helenístico foi a representação não de uma figura apenas. entre outros. . cada 4 anos. Música: Significa a arte das musas. autor do Discóbolo . entre os gregos a lira era o instrumento nacional. métopas e frisos. sua obra-prima. .No Período Clássico passou-se a procurar movimento nas estátuas. Período Helenístico podemos observar o crescente naturalismo: os seres humanos não eram representados apenas de acordo com a idade e a personalidade. Atenéia: deusa da guerra.condutor da lança. podendo fixar o movimento sem se quebrar. celebrado pela graça das suas esculturas. representava os homens “tal como se vêem” e “não como são” (verdadeiros retratos). Surge o nu feminino. Os primeiros jogos começaram em 776 a.

anfiteatro. foi de Roma que se originou o circo. para tribunal e leitura de editos. Dos jogos praticados temos: 25 . esse templo romano. passou a designar uma igreja com certos privilégios. piscina. * originais: urbanismo. a basílica servia para reuniões da bolsa. 2) Comércio e civismo: Basílica A princípio destinada a operações comerciais e a atos judiciários. * energia e sentimento. 4) Divertimentos: a) Circo: extremamente afeito aos divertimentos. iniciada no governo de Júlio César. 3) Higiene: Termas Constituídas de ginásio. a basílica Julia. O Panteão. A basílica apresenta uma característica inconfundível: a planta retangular. orientada para a expressão de um ideal de beleza. termas. Um dos legados culturais mais importantes que os etruscos deixaram aos romanos foi o uso do arco e da abóbada nas construções. vias de comunicação. senso de realismo. as termas eram o centro social de Roma. Os mais conhecidos são o templo de Júpiter Stater. Mais tarde. eram centro de reuniões sociais e esportes. já com o Cristianismo. o da Concórdia e o de César. As mais famosas são as termas de Caracala que. pórticos e jardins. As construção eram de cinco espécies. construído em Roma durante o reinado do Imperador Adriano foi planejado para reunir a grande variedade de deuses existentes em todo o Império. com sua planta circular fechada por uma cúpula. * predomínio do caráter sobre a beleza. * grandeza material. além de casas de banho. ARQUITETURA As características gerais da arquitetura romana são: * busca do útil imediato. realçando a idéia de força. cria um local isolado do exterior onde o povo se reunia para o culto.ARTE ROMANA A arte romana sofreu duas fortes influências: a da arte etrusca popular e voltada para a expressão da realidade vivida. Para citar uma. e a da greco-helenística. o de Saturno. (de quatro a cinco mil metros) dividida em várias colunatas. de acordo com as funções: 1) Religião: Templos Pouco se conhece deles. foi concluída no Império de Otávio Augusto.

o mais célebre é o "Circus Maximus". Primeiro estilo: recobrir as paredes de uma sala com uma camada de gesso pintado.jogos circenses . Externamente o edifício era ornamentado por esculturas. 26 . ginásios . jogos de Tróia . Assim era o Coliseu. giratórios e retiráveis. Pois a palavra anfiteatro significa teatro de um e de outro lado. b) Coluna Triunfal: a mais famosa é a coluna de Trajano. que ficavam dentro dos arcos. construído no Forum Romano para comemorar a tomada de Jerusalém. Dos circos romanos. certamente o mais belo dos anfiteatros romanos. mas apenas de ornamentá-la.incluídos neles o pugilato. b) Teatro: imitado do teatro grego.C. Esse anfiteatro de enormes proporções chegava a acomodar 40. Os estudiosos da pintura existente em Pompéia classificam a decoração das paredes internas dos edifícios em quatro estilos. Essas colunas. na verdade eram meias colunas. ordem jônica e ordem coríntia). jogos de escravos . Sob a influência grega.executados por cavaleiros conduzidos por escravos. A maior parte das pinturas romanas que conhecemos hoje provém das cidades de Pompéia e Herculano. Portanto. 5) Monumentos decorativos a) Arco de Triunfo: pórtico monumental feito em homenagem aos imperadores e generais vitoriosos.C. não tinham a função de sustentar a construção. 6) Moradia: Casa Era construída ao redor de um pátio chamada Atrio.aquele em que havia torneios a cavalo. Essas lutas compunham um espetáculo que podia ser apreciado de qualquer ângulo. que foram soterradas pela erupção do Vesúvio em 79 a. que dava impressão de placas de mármore. os verdadeiros jogos circenses romanos só surgiram pelo ano 264 a.000 em pé. PINTURA O Mosaico foi muito utilizado na decoração dos muros e pisos da arquitetura em geral. O principal teatro é o de Marcelus. c) Anfiteatro: o povo romano apreciava muito as lutas dos gladiadores. todo em mármore. e por três andares com as ordens de colunas gregas (de baixo para cima: ordem dórica. Tinha cenários versáteis.000 pessoas sentadas e mais de 5.corridas de carros. Foi erguida por ordem do Senado para comemorar a vitória de Trajano sobre os dácios e os partos. pois ficavam presas à estrutura das arcadas. O mais famoso deles é o arco de Tito. com seu característico friso em espiral que possui a narrativa histórica dos feitos do Imperador em baixos-relevos no fuste.

suas esculturas são uma representação fiel das pessoas e não a de um ideal de beleza humana. 27 . Terceiro estilo: representações fiéis da realidade e valorizou a delicadeza dos pequenos detalhes. como fizeram os gregos. eram muito diferentes dos gregos. tornar-se-ão essenciais para medir a ampliação das primeiras igrejas cristãs. Mais realista que idealista. Era o começo da decadência do Império Romano que. imitando um cenário teatral. ESCULTURA Os romanos eram grandes admiradores da arte grega. As cores vivas e a possibilidade de colocação sobre qualquer superfície e a duração dos materiais levaram a que os mosaicos viessem a prevalecar sobre a pintura. formando um grande mural. a estatuária romana teve seu maior êxito nos retratos.perde o domínio do seu vasto território do Ocidente para os invasores germânicos. tendo ao centro uma pintura. Com a invasão dos bárbaros as preocupações com as artes diminuíram e poucos monumentos foram realizados pelo Estado. mas por temperamento. Por serem realistas e práticos. Nos séculos seguintes. adotando soluções de clara matriz decorativa. aves e pessoas.Segundo estilo: Os artistas começaram então a pintar painéis que criavam a ilusão de janelas abertas por onde eram vistas paisagens com animais. V precisamente no ano de 476 . os masaístas chegaram a resultados onde existe uma certa parte de estudo direto da natureza. no séc. geralmente cópia de obra grega. Quarto estilo: um painel de fundo vermelho. MOSAICO Partidários de um profundo respeito pelo ambiente arquitetônico. Retratavam os imperadores e os homens da sociedade.

Esta perseguição marcou a primeira fase da arte paleocristã: a fase catacumbária. Outra forma de simboliza-lo é o desenho do pastor com ovelhas "Jesus Cristo é o Bom Pastor" e também. foi o material escolhido para o revestimento interno das basílicas. por exemplo: Arca de Noé. o cordeiro "Jesus Cristo é o Cordeiro de Deus". forma as iniciais da frase: "Jesus Cristo de Deus Filho Salvador". até que em 313 d. mas também a todos aqueles que aceitaram sua condição de profeta e acreditaram nos seus princípios. O mosaico. Esse tratamento artístico também foi dado aos mausoléus e os sarcófagos feitos para os fiéis mais ricos eram decorados com relevos usando imagens de passagens bíblicas. em grego ichtus. os romanos cederam algumas basílicas para eles pudessem usar como local para as suas celebrações. nos arredores de Roma. a pintura é simbólica. lugar civil destinado ao comércio e assuntos judiciais. Tanto os gregos como os romanos. onde os primeiros cristãos secretamente celebravam seus cultos.C. Eram edifícios com grandes dimensões: um plano retangular de 4 a 5 mil metros quadrados com três naves separadas por colunas e uma única porta na fachada principal. Ainda hoje podemos visitar as catacumbas de Santa Priscila e Santa Domitila. Os cristãos foram perseguidos por três séculos.Nesses locais. Passagens da Bíblia também eram ali simbolizadas. 28 . o qual marcou uma nova era e uma nova filosofia. utilizando imagens do Antigo e do Novo Testamento. Os romanos testemunharam o nascimento de Jesus Cristo. o poder romano viu-se extremamente abalado e teve início um período de perseguição não só a Jesus. os cristãos (aqueles que seguiam os ensinamentos de Jesus Cristo) começaram a criar uma arte simples e simbólica executada por pessoas que não eram grandes artistas. dando início à 2a fase da arte paleocristã : a fase basilical. Com o fim da perseguição aos cristãos. cemitérios subterrâneos em Roma. Para entender melhor a simbologia: Jesus Cristo poderia estar simbolizado por um círculo ou por um peixe. Jonas engolido pelo peixe e Daniel na cova dos leões. adotavam um modelo de edifício denominado "Basílica" (origem do nome: Basileu = Juíz) .Com o surgimento de um "novo reino" espiritual. o imperador Constantino legaliza o cristianismo.ARTE PALEOCRISTÃ Enquanto os romanos desenvolviam uma arte colossal e espalhavam seu estilo por toda a Europa e parte da Ásia. muito utilizado pelos gregos e romanos.Surge a arte cristã primitiva. pois a palavra peixe. que recebe este nome devido às catacumbas.

.. tendo Roma como sua capital . 1453. O império Romano do Ocidente sofreu várias invasões.Na cidade de Ravena pode-se apreciar o Mausoléu de Gala Placídia e a igreja de Santo Apolinário. e Arcádio ficou com o Império Romano do Oriente. conseguiu se manter até 1453. o imperador Teodósio dividiu o Império Romano entre seus dois filhos: Honório e Arcádio. principalmente de povos bárbaros. até que.. 476 d. o Novo e a de São Vital com riquíssimos mosaicos. 29 . foi completamente dominado(esta data.C. dos ataques bárbaros e das pestes. Já o Império Romano do Oriente (onde se desenvolveu a arte bizantina).C. marca o fim da Idade Antiga e o início da Idade Média). quando a sua capital Constantinopla foi totalmente dominada pelos muçulmanos (esta data. Em 395 d. em 476 d.Honório ficou com o Império Romano do Ocidente. apesar das dificuldades financeiras. com a capital Constantinopla (antiga Bizâncio e atual Istambul).c. marca o fim da Idade Média e o início da Idade Moderna).

criando-se prédios enormes e espaçosos totalmente decorados. A Igreja de Santa Sofia (Sofia = Sabedoria). O mosaico é expressão máxima da arte bizantina e não se destinava apenas a enfeitar as paredes e abóbadas. afasta o gosto pela forma e conseqüentemente a escultura não teve tanto destaque neste período. na hoje Istambul. a perspectiva e o volume são ignorados e o dourado é demasiadamente utilizado devido à associação com maior bem existente na terra: o ouro. as pessoas são representadas de frente e verticalizadas para criar certa espiritualidade. Neles.Plasticamente. sugerindo. depois batizada por Constantinopla. A arquitetura das igrejas foi a que recebeu maior atenção da arte bizantina. tornando os artistas meros executores. elas eram planejadas sobre uma base circular. foi um dos maiores triunfos da nova técnica bizantina. sentimentos de universalidade e poder absoluto. são confeccionados com técnicas diferentes e seguem convenções que regem inclusive os afrescos. tanto que se convencionou representá-lo com uma auréola sobre a cabeça. A arte bizantina está dirigida pela religião. Toda essa atração por decoração aliada a prevenção que os cristãos tinham contra a estatuária que lembrava de imediato o paganismo romano. era o representante de Deus. e. Apresenta pinturas nas paredes. projetada pelos arquitetos Antêmio de Tralles e Isidoro de Mileto.ARTE BIZANTINA O cristianismo não foi a única preocupação para o Império Romano nos primeiros séculos de nossa era. mas instruir os fiéis mostrando-lhes cenas da vida de Cristo. octogonal ou quadrada imensas cúpulas. dos profetas e dos vários imperadores. A união de alguns elementos dessa cultura formou um estilo novo. ao clero cabia.A mudança da capital foi um golpe de misericórdia para a já enfraquecida Roma. Grécia e do Oriente.O regime era teocrático e o imperador possuía poderes administrativos e espirituais. organizar também as artes. ladeando a Virgem Maria e o Menino Jesus. colunas com capitel ricamente decorado com mosaicos e o chão de mármore polido. cidade grega.Por volta do século IV. não raro encontrar um mosaico onde esteja juntamente com a esposa. começou a invasão dos povos bárbaros e que levou Constantino a transferir a capital do Império para Bizâncio.Tal método tornou a cúpula extremamente elevada. ela possui uma cúpula de 55 metros apoiada em quatro arcos plenos.Arte Bizantina. por associação à abóbada celeste. por exemplo. além das suas funções. 30 . rico tanto na técnica como na cor. facilitou a formação dos Reinos Bárbaros e possibilitou o aparecimento do primeiro estilo de arte cristã .O que se encontra restringe-se a baixos relevos acoplados à decoração. o mosaico bizantino em nada se assemelha aos mosaicos romanos. Graças a sua localização(Constantinopla) a arte bizantina sofreu influências de Roma.

nos países eslavos. UM POUCO MAIS DE SANTA SOFIA "A verdadeira beleza de Santa Sofia. resplandece a grande cúpula.Constituía na destruição de qualquer imagem santa devido ao conflito entre os imperadores e o clero. folhas de acantos envolvem o monograma de Justiniano e de sua mulher Teodora. por exemplo. durante o reinado do Imperador Justiniano. logo sucedeu-se um período de crise chamado de Iconoclastia.um claro-escuro admirável quando os raios de sol penetram e iluminam o seu interior".A arte bizantina teve seu grande apogeu no século VI.Porém. a maior igreja de Constantinopla. penetrando. Embora a igreja tenha perdido a maior parte da decoração original de ouro e prata. durante a segunda metade do século XV e boa parte do século XVI. a arte daquelas regiões onde ainda florescia a ortodoxia grega permaneceu dentro da arte bizantina. encontra-se no seu vasto interior.E essa arte extravasou em muito os limites territoriais do império. no mármore profundamente talhado dos capitéis das colunas das naves laterais.Um olhar mais atento permite ao visitante ver o trabalho requintado dos artífices bizantinos no colorido resplandecente dos mosaicos agora restaurados. capital do Império Bizantino. A arte bizantina não se extinguiu em 1453. bordada em filigrama de sombras dos candelabros suspensos. há uma beleza natural na sua magnificência espacial e nos jogos de sombra e luz . mosaicos e afrescos. pois. 31 . sobre um solo de mármore.No alto.

Daí o emprego de formas como os arabescos. Contudo. A representação figurativa era considerada uma má imitação de uma realidade fugaz e fictícia. Síria. as decoraram. sendo exemplo disso as obras dos primeiros califas: Basora e Kufa. De origem nômade. a arte islâmica se mostra. ARQUITETURA As mesquitas (locais de oração) foram construídas entre os séculos VI e VIII. os muçulmanos demoraram certo tempo para estabelecer-se definitivamente e assentar as bases de uma estética própria com a qual se identificassem.ARTE ISLÂMICA No ano de 622. Ao fazer isso. mausoléus e mosteiros. centro político. persistiu a 32 . Aparentemente sensual. transformandoos em seus próprios sinais de identidade. inevitavelmente devem ter absorvido traços estilísticos dos povos conquistados. esmola. o profeta Maomé se exilou (hégira) na cidade de Yatrib e para aquela que desde então se conhece como Medina (Madinat al-Nabi. No entanto. cidade do profeta). Índia. sob a orientação dos califas. seguindo o modelo da casa de Maomé em Medina: uma planta quadrangular. conceitual e religiosa. combinados com os coloridos mosaicos. que no entanto souberam adaptar muito bem ao seu modo de pensar e sentir. no início. que desempenham duas funções: lembrar o verbo divino e alegrar a vista. a arte islâmica foi na realidade. que eram os únicos economicamente capazes de construir mesquitas. e os esplêndidos tapetes persas. a arquitetura sagrada não manteve a simplicidade e a rusticidade dos materiais da casa do profeta. Foi assim que as cúpulas bizantinas coroaram suas mesquitas. começou a rápida expansão do Islã até a Palestina. como exclusividade das classes altas e dos príncipes mecenas. De lá. enquanto no pátio estavam as fontes para as abluções. Norte da África e Espanha. na função de governantes e guardiães do povo e conscientes da importância da religião como base para a organização política e social. sucessores do profeta. jejum e peregrinação. resultado da combinação de traços ornamentais com caligrafia. em Jerusalém. Na complexidade de sua análise. A área de oração era coberta. Essas funções foram herdadas por mesquitas e alguns edifícios públicos. hospital e refúgio para os mais pobres. mais simbólico do que transcendental. a Cúpula da Roca. desde seu início. No âmbito sagrado evitou-se a arte figurativa. Ásia Menor. no Iraque. concentrando-se no geométrico e abstrato. com um pátio voltado para o sul e duas galerias com teto de palha e colunas de tronco de palmeira. que contempla uma obra feita para deus. A casa de Maomé era local de reuniões para oração. Pérsia. eles realizavam suas obras para a comunidade de acordo com os preceitos muçulmanos: oração. No entanto. e a Grande Mesquita de Damasco. As letras lavradas na parede lembram o neófito.

Para começar. Tabriz e Isfahan. pensados como um microcosmo e constituíam o hábitat privativo do governante. As mesquitas transferiram depois parte de suas funções aos edifícios públicos: por exemplo. não deve ficar em contato com a terra. Diferentemente da tecedura dos tecidos. A construção de palácios. o palácio tinha aspecto de fortaleza. embora não tenha existido um modelo comum. Entre os desenhos mais clássicos estão os de utensílios. semelhantes às mesquitas na forma e destinados a santos e mártires. A Giralda. As numerosas variações locais mantiveram a distribuição dos ambientes. e os geométricos. enquanto o segundo controlava sua realização. mas nem sempre conservaram sua forma. em Sevilha. que permite cobrir o quadrado com um círculo. era ele quem realmente projetava o edifício. com animais e plantas. embora se comunicasse com a mesquita por meio de pátios e jardins. no Oriente. a do tapete constitui uma unidade em si mesma. além de cumprir uma função fundamental nas mesquitas. já que o muçulmano. Seus palácios eram planejados num estilo semelhante. Os mais valiosos são de origem persa e têm 40 000 nós por decímetro quadrado. Outra das construções mais originais e representativas do Islã foi o minarete. 33 . de decoração. Os fabricados antes do século XVI chamam-se arcaicos e possuem uma trama de 80 000 nós por metro quadrado. A cúpula de pendentes. e Palermo. TAPETES Os tapetes e tecidos desde sempre tiveram um papel muito importante na cultura e na religião islâmicas. as escolas de teologia. era o antigo minarete da cidade.preocupação com a preservação de certas formas geométricas. em Granada. À medida que foram se tornando sedentários. de caça. Exemplo disso é o Alhambra. As residências dos emires constituíram uma arquitetura de segunda classe em relação às mesquitas. como o quadrado e o cubo. As oficinas mais importantes foram as de Shiraz. no Ocidente. semelhantes àquelas na forma. como povo nômade. de motivos florais. as sedas. O geômetra era tão importante quanto o arquiteto. brocados e tapetes passaram a decorar palácios e castelos. Outras construções representativas foram os mausoléus ou monumentos funerários. esses eram os únicos materiais utilizados para decorar o interior das tendas. O aposento mais importante era o diwan ou sala do trono. Na realidade. para que a voz do almuadem ou muezim pudesse chegar até todos os fiéis. ao rezar. De planta quadrangular e cercado de muralhas sólidas. foi um dos sistemas mais utilizados na construção de mesquitas. castelos e demais edifícios públicos merece um capítulo à parte. uma espécie de torre cilíndrica ou octogonal situada no exterior da mesquita a uma altura significativa. convidando-os à oração.

Seu estilo era semelhante ao da pintura helênica. Estreitamente ligada à pintura. O Corão era decorado com figuras geométricas muito precisas. embora. Ela foi herdada de Bizâncio e da Pérsia antiga. complexos desenhos multicoloridos. como no cristianismo. bizantina e inclusive chinesa. o que é conhecido como arabesco. O estilo era um tanto estático. a fim de marcar a organização do texto. Das primeiras. A miniatura não foi usada. com fundo dourado e ausência de perspectiva. para tornar mais claro o texto. muito parecido com o das miniaturas bizantinas. encontra-se a arte dos mosaicistas. para acompanhar a narração. 34 . calculados com base na simbologia numérica islâmica. até se transformarem em folhas e flores misturadas com letras desenhadas artisticamente. onde foram criadas peças de uso cotidiano. sofresse uma grande influência indiana. Elas eram geralmente usadas para decorar paredes de palácios ou de edifícios públicos e representavam cenas de caça e da vida cotidiana da corte.PINTURA E GRÁFICA As obras de pintura islâmica são representadas por afrescos e miniaturas. cobriam as paredes internas e externas dos edifícios. mas paulatinamente foram se abstraindo. segundo o lugar. mas sim nas publicações de divulgação científica. combinando com a decoração de gesso das cúpulas. A mesma função desempenhava a cerâmica. esquematizado. semelhantes às antigas. muito poucas chegaram até nossos dias em bom estado de conservação. para ilustrar livros religiosos. Caligrafias de incrível preciosidade e formas geométricas multiplicadas até o infinito criaram superfícies de verdadeiro horror ao espaço vazio. as representações eram completamente figurativas. tornando-se uma das disciplinas mais importantes na decoração de mesquitas e palácios. mais utilizada a partir do século XII e que atingiu o esplendor na Espanha. separando um capítulo de outro. e nas literárias. por exemplo. No início. junto com a cerâmica. Assim.

A concepção de mundo dominada pela figura de Deus proposto pelo cristianismo é chamada de teocentrismo (teos = Deus). diferente do resto da Europa. Deus é o centro do universo e a medida de todas as coisas. * aberturas raras e estreitas usadas como janelas. A igreja como representante de Deus na Terra. ARQUITETURA No final dos séculos XI e XII. A explicação mais aceita para as formas volumosas. com o passar do tempo. Trata-se da Torre de Pisa que se inclinou porque. o terreno cedeu. e * arcos que são formados por 180 graus. Na Idade Média a arte tem suas raízes na época conhecida como Paleocristã. A primeira coisa que chama a atenção nas igrejas românicas é o seu tamanho. * pilares maciços que sustentavam e das paredes espessas. tem início o período histórico conhecido por Idade Média. As características mais significativas da arquitetura românica são: * abóbadas em substituição ao telhado das basílicas. A arte desse período passa.ARTE ROMÂNICA Em 476. Daí serem chamadas: fortalezas de Deus. Na Itália. 35 . tinha poderes ilimitados. com a tomada de Roma pelos povos bárbaros. A mais famosa é a Catedral de Pisa sendo o edifício mais conhecido do seu conjunto o campanário que começou a ser construído em 1. estilizadas e duras dessas igrejas é o fato da arte românica não ser fruto do gosto refinado da nobreza nem das idéias desenvolvidas nos centros urbanos.174. não apresenta formas pesadas. Elas são sempre grandes e sólidas. com o Cristianismo a arte se voltou para a valorização do espírito. Os valores da religião cristã vão impregnar todos os aspectos da vida medieval. surge a arte românica cuja a estrutura era semelhante às construções dos antigos romanos. assim a ser encarada como uma extensão do serviço divino e uma oferenda à divindade. é um estilo essencialmente clerical. que aparecem no cruzamento das naves ou na fachada. na Europa. * torres. duras e primitivas. trazendo modificações no comportamento humano.

na verdade. Os motivos usados pelos pintores eram de natureza religiosa. pois não havia a menor intenção de imitar a natureza. pequeninas pedras. O colorismo realizou-se no emprego de cores chapadas. que originalmente era uma técnica de pintar sobre a parede úmida.PINTURA E ESCULTURA Numa época em que poucas pessoas sabiam ler. conheceu seu auge na época do românico. traduz os sentimentos religiosos e a interpretação mística que os artistas faziam da realidade. nome que recebe a parede semicircular que fica logo abaixo dos arcos que arrematam o vão superior da porta. através da técnica do afresco. é sempre maior do que as outras que o cercam. As características essenciais da pintura românica foram a deformação e o colorismo. isto é. MOSAICO A técnica da decoração com mosaico. ausência de movimentos naturais. a área mais ocupada pelas esculturas era o tímpano. Usado desde a Antigüidade. de vários formatos e cores. é originária do Oriente onde a técnica bizantina utilizava o azul e dourado. A pintura românica desenvolveu-se sobretudo nas grandes decorações murais. A figura de Cristo. para representar o próprio céu. por exemplo. curtas ou alongadas. sem preocupação com meios tons ou jogos de luz e sombra. a Igreja recorria à pintura e à escultura para narrar histórias bíblicas ou comunicar valores religiosos aos fiéis. Não podemos estudá-las desassociadas da arquitetura. Na porta. 36 . que colocadas lado a lado vão formando o desenho. Imitação de formas rudes. A deformação.

Para ver a Catedral de Notre Dame devemos começar a vê-la de frente. Isso faz com que o centro da vida social se desloque do campo para a cidade e apareça a burguesia urbana. Obs. que leva de 200 a 300 anos. a arquitetura predominante ainda é a românica. O Renascimento classifica de “bárbaros” os Góticos. É quase que uma visão cubista. A arte Gótica vai nascer com as cidades. Inglês. No começo do século XII. A cidade de Chartres nasceu com as pessoas que foram chegando e morando ao redor da catedral. é como uma gaiola de vidro e de pedras. O peso das paredes cedem o lugar aos vitrais. até o fundo. A forma de vê-la é fragmentada. Espanhol. em seu esplendor. Vai surgir uma coisa fantástica na Idade Média que são as Catedrais Góticas. Ao ser construída a Catedral Gótica. A catedral Gótica é muito grande e não dá para abrangê-la com um só olhar. Português. Ele são muito diferentes entre si. As Catedrais Góticas vão ser verticais. O gótico.ARTE GÓTICA O termo Gótico vem da palavra GODOS que vem de Bárbaros. A idade Média é a época do Gótico. Tanto a Catedral Gótica quanto o Templo Grego tem uma arquitetura fantástica. O templo grego é só para ser visto. A Catedral Gótica é para o homem rezar dentro. indo depois para o lado esquerdo.: A Basílica da Catedral é renascentista. tem início uma economia fundamentada no comércio. Em 1840 ao redor da Catedral de Notre Dame existia muitas casas medievais que foram retiradas ao seu redor para que ela fosse vista melhor de longe. as cidades começam a nascer ao seu redor devido ao número grande de pessoas que trabalham na construção. enquanto que os templos gregos horizontais. entre os anos 1150 e 1500. para o lado direito e por último atravessar o rio Sena pela ponte para vêla do outro lado No século XII. A Catedral vai ser vertical que é para “levar” você para o céu. O Gótico Francês é bem diferente do Gótico Italiano. CARACTERÍSTICAS DO ESTILO ROMÂNICO: As paredes são grossas Na frente da Catedral românica tem rosáceas (foi quando começou a surgir as rosáceas) Tem vitrais Não tem frontão 37 . dando leveza à construção. mas já começaram a aparecer as primeiras mudanças que conduziram a uma revolução profunda na arte de projetar e construir grandes edifícios.

não vai existir na América. ARQUITETURA A primeira diferença que notamos entre a igreja gótica e a românica é a fachada. Enquanto. ou então é um privilégio da quase mítica China). tudo se volta para o alto. e as feições são caracterizadas de formas a que o fiel possa reconhecer facilmente a personagem representada. O Gótico que é do ano de 1100 DC. projetando-se na direção do céu. a crença na existência de um Deus que vive num plano superior. ESCULTURA As esculturas estão ligadas à arquitetura e se alongam para o alto. demonstrando verticalidade. de modo geral. exercendo a função de ilustrar os ensinamentos propostos pela igreja. a igreja gótica tem três portais que dão acesso à três naves do interior da igreja: a nave central e as duas naves laterais. a igreja românica apresenta um único portal. As catedrais góticas mais conhecidas são: Catedral de Notre Dame de Paris e a Catedral de Notre Dame de Chartres. ILUMINURA Iluminura é a ilustração sobre o pergaminho de livros manuscritos (a gravura não fora ainda inventada. O desenvolvimento de tal genero está ligado à difusão dos livros ilustrados patrimônio quase exclusivo dos mosteiros: no clima de fervor cultural que caracteriza a arte gótica. Outros elementos característicos da arquitetura gótica são os arcos góticos ou ogivais e os vitrais coloridíssimos que filtram a luminosidade para o interior da igreja. alongamento exagerado das formas. somente na Europa. os manuscritos também eram encomendados por 38 . como se vê nas pontas agulhadas das torres de algumas igrejas góticas. Nessa época as Américas não tinham sido descobertas. A arquitetura expressa a grandiosidade.CARACTERÍSTICAS DO ESTILO GÓTICO: Tem que ter rosácea Contraforte (é o que segura a Catedral) Arcobotante Gárgulas Janelas vitrais (muitos vitrais) O vitral é fundamental pois vai surgir quando eles descobrem uma técnica de colocar o vidro no meio da parede de pedra não prejudicando a sustentação do prédio. A rosácea é um elemento arquitetônico muito característico do estilo gótico e está presente em quase todas as igrejas construídas entre os séculos XII e XIV..

Da observação dos manuscritos ilustrados podemos tirar duas conclusões: a primeira é a compreensão do caráter individualista que a arte da ilustração ganhava. quase sempre tratando de temas religiosos. os títulos ou as letras maiúsculas com que se iniciava um texto.procurava registrar nas suas pinturas os aspectos da vida urbana e da sociedade de sua época. a arte ganhou forma de expressão também nos objetos preciosos e nos ricos manuscritos ilustrados. apresentava personagens de corpos pouco volumosos. deixavam espaços para que os artistas fizessem as ilustrações. pois destinava-se aos poucos possuidores das obras copiadas. cobertos por muita roupa. quando começou a ganhar novas características que prenunciam o Renascimento. Durante o século XII e até o século XV. XIV e no início do século XV.a característica principal do seu trabalho foi a identificação da figura dos santos com seres humanos de aparência bem comum. É precisamente por esta razão que os grandes livros litúrgicos (a Bíblia e os Evangelhos) eram ilustrados pelos iluministas góticos em formatos manejáveis. Sua principal particularidade foi a procura o realismo na representação dos seres que compunham as obras pintadas.. aristocratas e burgueses. em direção ao plano celeste. a pintura de Giotto vem ao encontro de uma visão humanista do mundo. a segunda é que os artistas ilustradores do período gótico tornaram-se tão habilidosos na representação do espaço tridimensional e na compreensão analítica de uma cena. com o olhar voltado para cima. PINTURA A pintura gótica desenvolveu-se nos séculos XII. que vai cada vez mais se firmando até ganhar plenitude no Renascimento. E esses santos com ar de homem comum eram o ser mais importante das cenas que pintava. 39 . Obras destacadas: O Casal Arnolfini e Nossa Senhora do Chanceler Rolin. ocupando sempre posição de destaque na pintura. procurando mostrar os detalhes e as paisagens. Ao realizar essa tarefa. os cabeçalhos. Nota-se em suas pinturas um cuidado com a perspectiva. Assim. * Jan Van Eyck . Os copistas dedicavam-se à transcrição dos textos sobre as páginas.particulares. que seus trabalhos acabaram influenciando outros pintores. Os principais artistas na pintura gótica são os verdadeiros precursores da pintura do Renascimento (Duocento): * Giotto . Obras destacadas: Afrescos da Igreja de São Francisco de Assis (Itália) e Retiro de São Joaquim entre os Pastores.

C. O Renascimento ocorre entre 1400 e 1600 D.pai do renascimento. através da imprensa que Gutemberg criou e que permite mandar a informação para o mundo inteiro. Passa a ter mais consciência da importância de seu trabalho. praticamente sem organização social. Expansão: É quando o homem descobre a América. A frase acima significa que tudo tem limites.000 A. Vai sair do regime feudal da Idade Média. Shakespeare . QUEM OUSAR MAIS DO QUE ISSO NÃO O É” Lord Macbeth . 1400 a 1600 D.C. nada a ver com civilização. Tinham que escrever muitas cópias para fazerem uma divulgação.C. já que era muito complicado escrever. Emancipação: O trabalhador passa pela primeira vez a ser assalariado. Com o advindo da imprensa. com a linguagem muito diferente. expressão e emancipação.C. mas respeitando os limites. Quando todo mundo tinha uma civilização super organizada na Europa e o homem descobre outro mundo com pessoas primitivas. a 1100 D. Expressão é uma coisa impressa. Auge da Pré-história 3500 a 2500 A. No regime feudal existia a troca de serviços e mercadorias. 350 A.RENASCIMENTO “OUSO TUDO QUE UM HOMEM PODE OUSAR. É o começo do renascimento quando o homem descobre que tem de ser ousado. APOGEU ----------------------------------------------------------------------------------------------------------40.Shakespeare. Teria o mesmo significado da descoberta da existência de um planeta habitado.C. 1 A. Renascimento é expansão.C. Expressão implica consciência daquilo que é expresso. pirâmide) Grécia Clássica ou de Péricles -Construção do Parthenon na Acrópoles Roma Gótico Renascimento 40 D. 40 .C. Expressão: É a invenção da imprensa por Gutemberg. Era muito trabalhoso. facilitando a divulgação e o trabalho. sem roupa.C. É lógico que a visão do mundo e da arte foi modificada. Auge do Egito (esfinge. que passa a ser muito mais valorizado. a máquina vai fazer milhares de cópias. Anteriormente as coisas eram mais faladas do que escritas.

Durante a Idade Média “Deus” era poderoso e distante. É uma necessidade de uma mudança de ver e sentir. da antigüidade. que surge a arte de todos os pintores do mundo. nada impede que essa criação de Deus seja feita à serviço da humanidade. A medida que a natureza se transforma em uma coisa digna de ser usada. do homem possuidor de direitos inalienáveis. será uma escola que fará o trabalho em cima do Renascimento (1929. é único. O homem passa a ser o centro de todas as coisas e não mais “deus”. que surgirá no futuro. Platão vai ser muito importante para eles. O Renascimento começou em Florença. Depois se alastrou por toda Europa Ocidental dominando o mundo completamente entre 1400 a 1600 D. pois as casas eram feitas de madeira. é para melhor aproveitá-la às necessidades do homem. ela passa a ser valorizada. As construções eram demoradas porque não tinham uma tecnologia desenvolvida. Vai procurar saber sobre a natureza. várias línguas. Viviam muito em função da Igreja. O “especialista” é o homem do século XX. Não inventavam e não criavam nada. Surge da Idade Média onde o homem não tinha nenhum valor. mas as pinturas dos pintores famosos que encontramos nos museus começaremos a conhecer a partir daqui. etc. As pessoas morriam de frio e dormiam mal com as casas de madeira. A escultura e pintura nós conhecemos desde a Grécia. como ela reage. Todas as invenções e criações eram feitas em função daquela Igreja.. O renascimento vai criar uma “nova concepção do homem”. Até agora a natureza não era valorizada. Quando construíam uma Catedral Gótica ficavam 200 anos ao redor daquela Catedral para a sua construção. A ciência liga-se à técnica e à arte. na Itália. recomeçar. da mesma forma que os gregos faziam. Essa busca do conhecimento das leis da natureza. anatomia. É no Renascimento. O homem tem que entender de literatura. “Deus” existe. 41 . renascer. As cidades pegavam fogo. renova-se e religa-se. estagnada. Não impede que Deus sirva à humanidade. No Renascimento a ciência liga-se às técnicas e às artes. Tudo isso pode assistido no filme “O nome da Rosa”. é o saber para poder usufruí-la melhor. O homem tinha horror à natureza pois viviam muito mal. Não é o saber pelo saber pela essência como na antiga Grécia. homens que conhecem tudo profundamente e que jamais serão especialistas. de uma disposição de espírito. mas posso conversar com ele. O “homem” renasce. na Alemanha). Vai mudar muito a relação do homem com a natureza. O mundo passa a ser encarado criação de “Deus”. que perdura até hoje. período muito forte. Vão aparecer os “Humanistas”. No Renascimento. da vontade de mudar a humanidade. A BAUHAUSS. A Idade Média estava muito parada. Renascimento é o resultado de um impulso universal.C. Mas. É um renascer em cima da Grécia Antiga.Renascimento é um renovar. É neste momento que surge o conceito do individualismo. porque estão baseados na cultura Grega.

A arte era feita de uma forma que a leitura fosse muito acessível. sem movimento e vestidos completamente. mas o estilo é renascentista. o que existia de melhor. XX). Em Estética da Arte: a arte pode ser idealizada ou verdadeira (em meados séc. Eles não vão imitar os antigos. pudesse reconhecê-los facilmente. Essa pintura não podia existir na Idade Média. 42 . Não existia o natural por que a Igreja não permitia. vai surgir por volta do século XX. sem imitá-la. quando vão desenhar o corpo realmente como ele é. Homens importantes do Renascimento: Giotto Michelangelo Leonardo da Vinci Raphael Ticciano Tintoretto Dante Alighieri Botticelli Colombo Gutemberg Vasco da Gama Bosch William Shakespeare (por volta de 1600. As figuras dos santos eram postas uma do lado da outra para que o povo. É um renovar em cima da Antigüidade. ao chegar à Igreja. Vão estudar a água. Para Mali. Os santos eram duros. A arte verdadeira. As pessoas não sabiam ler. no final) A arte passa a ser naturalista.Em locais muito ensolarados as pessoas morriam de calor. apresentando depois uma queda e voltando a aparecer em finais do século XX. eles percebem que a natureza pode ajudar muito. Vão estudar o vento dando o surgimento dos moinhos de vento. pintado por Michelangelo. Era uma história montada. sem nenhuma vergonha do seu corpo nu e Deus está apontando com o dedo quase à sua imagem e semelhança. é o símbolo do Renascimento. Passam a pintar a natureza nos quadros porque vão valorizá-la e adequar-se à ela. De repente. onde ela deixa de ser natural ao copiar o corpo humano e aperfeiçoá-lo. o quadro “Adão” que está na Capela Sixtina. Era uma arte totalmente sacra. A arte idealizada é aquela que nós vimos na Grécia. As esculturas das igrejas eram um protótipo do que seriam os “santos”. Até o Renascimento as pessoas não pintavam nada naturalista. Ninguém fazia quadro para ser pendurado em casa. E vão estudar uma série de coisas que até agora não tinham estudado. Esta obra é o momento em que Deus aponta para o homem que está deitado no chão. aparecendo as represas. mas complementá-los. As pessoas posavam. o qual se ergue perante Deus. Vão se basear nas melhores idéias dos antigos. no Renascimento. A natureza era uma coisa muito nefasta.

O aspecto mais importante era o pintor conseguisse pintar fielmente a figura real. mas a pintura não. até então (entre 1400 e 1500). Para nós hoje. Eram homens ricos que gostavam de beleza e vão investir em arte. Um dos banqueiros mais importantes era o “Bardi”. ainda poderá parecer uma pintura dura. Pré Renascimento: A pintura. Ninguém fazia isso. Começa aí a pintura acadêmica que nos referimos. é importante comparar as pinturas Pré-renascentistas. No Museu Metropolitam. A pintura ainda era bizantina. os escultores já tinham criado um novo estilo depois do gótico. As cidades onde as primeiras pinturas “acadêmicas” vão aparecer serão Siena e Florença. um pouquinho idealizada. Um desses importantes pintores é GIOTTO. marceneiros. O estilo que chamamos de Sienês (de Siena) chegou até o século VX (1400) e custou muito a aceitar o estilo renascentista. pão. da Idade Média e Renascentistas. os “Médicis” eram os mais importantes. Giotto foi o primeiro artista dentro da História da Arte que aparece sendo chamado como “PINTOR”. Leonardo da Vinci e outros. A cidade de Pádua é a que oferece as melhores obras de Giotto para serem vistas. Giotto é que vai receber pela primeira vez na História da Arte o nome “Pintor”. Em “off”: Dizem que ele era “super pão-duro”. A peste matou quase todos os banqueiros. Em 1400 o poder voltou de novo aos banqueiros e desta vez. É uma profissão que sobe de nível na hierarquia social. com essa peste. que até então não faziam. vinho ou fruta. Ele conseguiu iniciar um novo capítulo na História da Arte se impondo na profissão de pintor e sendo respeitado por isso. as massas em pouquíssimo tempo controlaram o poder em Florença. foi a que mais demorou para se afastar dos moldes antigos (bizantinos) da Idade Média. dentre todas as artes do ocidente. Os arquitetos. que ao ir a bancarrota. Giotto consegue pintar expressando os sentimentos através dos gestos. As soluções da pintura foram amadurecendo aos poucos. Quando dava uma festa ele pedia que o convidado levasse uma ave. a crise financeira foi muito forte. No século XV Florença lançou as bases da pintura Européia dos cinco séculos seguintes.Começaram a perceber que o homem podia pintar a natureza tal qual ela se apresenta. Pouco a pouco tornaram-se “senhores de Florença”. Até hoje pintamos baseados no Renascimento. Giotto foi contemporâneo do grande poeta Dante Alighieri que escreveu “A Divina Comédia”. são grandes acadêmicos que fazem a arte exatamente igual a natureza. do olhar. Os pintores até então eram considerados como alfaiates. Dante Alighieri se refere ao Giotto na “Divina Comédia” como o “meu amigo pintor Giotto”. As condições para o aprimoramento na arte já estavam criadas. mas comparada com o que existia anteriormente na Idade Média era muito mais expressiva e solta. Florença era uma cidade muito rica e. 43 . que pintou muito À FRESCO em busca de um realismo. Ao redor de 1394 a peste negra acabou com quase toda a população Toscana (Florença é na região de Toscana).

A arquitetura Renascentista: BRUNELESCHI. Volta para Florença onde vai ficar muito rico. Eles estão enterrados em Brujes. o belíssimo “Domus”. Eles romperam com tudo. mas que vendia bem. porque foram os inventores da pintura à óleo. em Roma. Quase todos os dicionários falam que eles foram os inventores da pintura à óleo. Pintavam em paredes ou em madeiras para poderem transportar. vai apresentá-lo a seu filho. 44 . Michelângelo vai se basear na Cúpula de Brunelleschi para fazer a Basílica de São Pedro. a pintura Flamenga Renascentista foi muito importante. e suas obras podem ser vistas hoje nos Museus. Ele era ambicioso e queria ser muito conhecido. A pintura com tinta a óleo era fantástica por permitir ao pintor que pudesse corrigir os erros. muito badalado na época. Obs. Na realidade eles só aprimoraram a fórmula. A cúpula do Pantheon tinha muita sustentação. escultor. O resto do mundo vai copiar essa Cúpula de Brunelleschi.Os irmãos VAN EYKES pertencem à pintura FLAMENGA (de Flandres que é hoje a Bélgica). A pintura flamenga vai reinar em Florença. : Raphael está enterrado no Pantheon. Raphael vai ser aprendiz do Perugino. um dos maiores arquitetos de todos os tempos. Os irmãos VAN EYKES vão descobrir esse aglutinante que era “o óleo de amêndoas”. Eles pintavam admiravelmente bem. arquiteto. encáustica. na Itália. O Médicis compraram muita obra do pai de Raphael. que se chamava Giovani de Santi. É bom lembrar que junto com o Renascimento. a luz “condicionados ao momento”. mas na verdade eles descobriram que um padre italiano tinha descoberto a fórmula da tinta mas que estava faltando um aglutinante. Quando ele aparece. Os italianos vão copiar a fórmula. RAPHAEL DE SANTI nasceu em 1483 e morreu em 1520. Foi o iniciador da arquitetura da renascença que vai permanecer por mais 500 anos. Eles pintavam o ar. a Cúpula da Catedral de Florença não tinha sido construída. quando bolou a grande Cúpula da Catedral de Florença que vai ficar para o resto da vida. Os irmãos Van EYKES descobrem que a luz também é muito importante. Itália. Escola Renascentista funcionava assim: Todo grande pintor. Uma região com paz e prosperidade. O pai de Raphael era um medíocre pintor. etc. Até 1900 vai ser usada essa Cúpula. Por ser pintor estimulou o filho a ser pintor também. abria um grande atelier. era quase Gótica e Brunelleschi vai simplificar essa estrutura criando um novo eixo. Ele foi para Roma estudar estudar o Pantheon antigo. Essa Cúpula é anterior ao ano de 1500. Giovani de Santi que era muito amigo do grande pintor Perugino. Nasceu na cidade de Urbino. Até então se pintava à fresco.

no dia de seu aniversário. em uma sexta-feira Santa. Dizem que o papa fez dele um Cardeal. bissexual (não se sabe ao certo). 45 . na Capela Sixtina. O aprendiz comprava as tintas. Os grandes artistas podiam aprender uma técnica nova. Aos 21 anos já estava famoso. Quando Raphael chegou lá. meigo. tornando-se muito popular rapidamente. salas que são chamadas de “STANZI”. tendo que morar com seus tios maternos. Raphael vai ser muito querido. ele vai pintar os quartos. Em 1509 Raphael foi de Florença para Roma. Quando você entra na Capela Sixtina você vai passar por vários quartos. Ele tinha o quadro mais perfeito em composição de todo o Renascimento. Vai ser muito rodeado por artistas. carismático. As “madonas” são belezas idealizadas em cima da Grécia. simpático. Raphael chegou em Florença na época em que Leonardo da Vinci e Michelângelo estavam na cidade. “A Virgem Maria” vai ser adotada por muitos anos depois. Como o pai era um homem muito querido. após sua morte. em 1504. Ela vai ser um clássico de Raphael. podia optar pela escultura ou pintura. começava-se primeiro como se fosse um “office boy”. Rubens tinha 150 ajudantes. Ela passa uma certa sensualidade. Ele era um homem muito bonito. Raphael vai saber descobrir seu estilo. Depois passava por um estágio de uns 3 meses onde ele aprendia a montar as telas. Essa técnica de ensino vai ser retomada na BAUHAUSS mais tarde. rico. Começou a pintar as “madonas” que são muito especiais. comida. a pedido do Papa Júlio II. carinhoso. Raphael foi perfeito no desenho e na composição. Depois disso iria aprender a desenhar. quase todos pintados por Raphael. badalado. com exceção dos rostos que era sempre “Mestre” que terminava. Eram chamados também de lojas.Quando uma pessoa ia estudar com o grande pintor ou escultor. apesar de serem humanas e meio sensuais. Os outros alunos de Perugino só vão conseguir copiá-lo. a Capela Sixtina. mas já tinham o seu próprio estilo. criativo e responsável. Aos 18 anos vai para Florença e começa a receber fama por pintar muito bem e rápido. Com isso ele ficou famoso por pintar pela primeira vez “madonas” tão lindas. Era muito rápido. Raphael com 10 anos perdeu sua mãe e o pai vai morrer quando ele tinha 14 anos. O Papa Júlio II é o mesmo que encomendou para Michelângelo. Os aprendizes pintavam quase toda a obra. famoso. Viveu como um príncipe. Não são míticas. como se fosse um empregado. até hoje. a qual nunca foi feita. Raphael disse que iria aprender com esses pintores. Morreu jovem aos 37 anos. Vai pintar com mais de 50 ajudantes. apesar de já ser um grande pintor. Entre 1508 e 1509 era a época em que Michelângelo estava pintando a Capela Sixtina. ele vai receber muita ajuda dos amigos do pai e de Perugino. cordial. Fazia o chassis. Quando chegava a fazer os desenhos com perfeição. pois tinham recebido uma encomenda para pintar a “Câmara dos Vereadores”.

a Itália não era essa Itália de hoje. Dizem que sua beleza abriu muito as portas para ele. tinha 1. Leonardo tinha muitas vantagens ao ser tão bem dotado.Raphael está enterrado no Pantheon . ponte-pêncil. 46 . despertando muita inveja das pessoas. geólogo. Leonardo cantava e também escrevia muito bem poesias. “ Segundo Gardiano. e em particular. em Roma. O seu pai disse que já que ele tinha nascido com esse dom ele deveria estudar mais. Vassari vai ser o Historiador dos Pintores. aos 67 anos. já desenhava e pintava muito bem. isqueiro. químico. tem o “Leonardo da Vinci” que está pintando a Monalisa enquanto ela balança o pé. Ele era arquiteto. cansada de esperar ele pintar. Obs: Leonardo da Vinci foi modelo de “David” para o Verocchio. Era um homem muito vaidoso. Tem um outro grande escritor que se chama GARDIANO e que escreveu o seguinte sobre Leonardo: “Ele era tão excepcional e tão ricamente dotado que a natureza parecia ter logrado um milagre em sua pessoa. Não apenas por causa de sua beleza física. Leonardo da Vinci. mas também serviu de obstáculo. Ele era o árbitro em todas as questões que diziam respeito a elegância. uma perfeita obra de arte. O grande escritor George Vassari. Quando ele tinha 16 anos. ela própria teme morrer. botânico. Leonardo da Vinci era considerado em seu tempo uma obra prima da natureza. Leonardo da Vinci vai estudar com Verocchio. Era uma Itália calma e tinha acabado o Império Bizantino. Verocchio foi um grande pintor. na cidade de Florença. que era esposa de um comerciante amigo dele.” LEONARDO DA VINCI nasceu em 1452 e morreu em 1519 . inventor do escafandro. escreveu muito sobre Leonardo: “Seu encanto. pára-quedas. Além do talento. precursor da aviação. Existe em seu túmulo uma frase muito bonita em latim: “Aqui jaz Raphael: quando vivia a natureza temia por ele ser vencida.: No Epcot Center. Cantava admiravelmente bem. lâmina de barbear (ele tinha uma barba muito cerrada). em tudo o que se referia também ao espetáculo. que era enorme. Era do signo de Áries. sua generosidade e seu espírito brilhante não eram inferiores à beleza de sua pessoa. fazendo ele próprio o acompanhamento na lira que ele havia inventado e com isso deliciava a corte inteira. Com isso termina a Idade Média. brinquedos com corda. mas também entre outros dotes numerosos de que a natureza o havia provido e que ele se valia com a perfeita maestria. porcas e pintor. mecânico. Tudo o que existia do Oriente na Grécia passa a não existir mais por muito tempo. da balística. Agora que está morto. As rotas da Europa para o Oriente foram fechadas. engenheiro.” Obs. Quando ele morreu foi uma aflição para todos os seus amigos. escultor. Os turcos tinham conquistado Constantinopla. urbanista.90 m de altura e era provavelmente bissexual. Vai pintar por 5 anos a Monalisa. da hidráulica. Quando Leonardo da Vinci nasceu. físico. matemático. Leonardo da Vinci.

Apenas essas 8 obras foram cientificamente comprovadas em sua autenticidade. Quase foi preso por causa disso. O que significava uma antecipação da teoria de Copérnico que diz que “a Terra é que gira ao redor do Sol”. As pessoas posavam para ele e ele também tinha muitos auxiliares. Os historiadores acham que. que está no Vaticano. 47 . está inacabada. Ele queria estudar anatomia para poder pintar melhor. que pode ser visto ainda no Museu do Vaticano. Em todos os escritos aparece sempre um dizer “o sol não se move”. o helicóptero. As outras pinturas existentes não possuem essa certeza. cientista. o escafandro. Ele queria saber mais e saber por que as coisas existiam. O ideal de Leonardo da Vinci era atingir a verdade por experiências objetivas. Ele fez um projeto urbanista fantástico para a cidade de Milão. Tinha uma mente extremamente cientista. deixando muitas obras inacabadas. segundo os historiadores. Inventou um órgão movido à água. artista. mas era muito pouco para Leonardo. por suas descobertas serem um pouco avançadas para a época. As duas grandes pinturas que ficaram mais conhecidas foram a “Monalisa” (Gioconda) e a mais reproduzida no mundo todo que é a “Última Ceia”. Leonardo da Vinci era também um músico. mas em cores.Vassari fala o seguinte: Leonardo tinha um ar tão imponente que só de vê-lo a tristeza desaparecia. Pintou a Monalisa. Muitas pessoas o elogiavam por ser filósofo. A “Adoração dos Reis Magos “. Ele era canhoto e escrevia da direita para a esquerda. Não foi feito porque cobrava muito caro o que ele fazia. Leonardo dissecou mais de 30 cadáveres.: A conceito de “tom” só aparece no Renascimento após a invenção da tinta à óleo pelos irmãos Van Eykes. Antes do Renascimento não se falava em “tons”. fazia muitos esboços. quiosques. era desenhado. do século XX. Com sua cultura universal. outros apreciavam a sua presença. Os seus escritos só poderiam ser lidos através de um espelho. com calçadões. enquanto tocava esse órgão. etc. vias elevadas. Muita informação do que se sabe são relatos de seus alunos que o adoravam e escreviam tudo sobre ele. Ele começava a fazer uma coisa e depois parava para fazer outra. Obs. Leonardo elaborou projetos que levaram séculos para serem aprovados como a asa delta. Ele queria saber por exemplo quantos tons de vermelho ele podia fazer. tudo perfeito. escultura. Tudo o que ele fazia e criava. eles o matariam. Com Verocchio ele aprendeu tudo na pintura. desenhava tudo dentro das regras do renascimento. Se a inquisição soubesse disso. Leonardo da Vinci pintava com requinte. Leonardo da Vinci consegue ser o Mestre da pintura com apenas 8 telas. Só que muitas vezes ele não terminava a obra porque tinha muitos outros projetos na cabeça. ele tinha um pouco de medo de escrever de forma muito legível.

Leonardo da Vinci pintou sozinho. A obra que se encontra em Londres. Leonardo começou a pintar quando foi chamado para ir à Milão e teve que interrompê-la. Antes de pintar essa obra. Tudo que é natureza tem alma. Descobriram que a obra que está no Louvre. a linha de fundo da direita está em diferente altura da linha da esquerda. Levou 3 anos para ser feita. de pergunta. Fazia também muitas outras experiências. Na obra “Virgem dos Rochedos”. O rei Francisco I vai sempre visitá-lo. portanto uma obra em aberto. O fundo do quadro é completamente impressionista.. Ela tem um sorriso muito enigmático. “Jesus” vai estar no centro do quadro. Uma hora ela parece sorrir. 48 . sem contorno definido. o que é proposital para dar o movimento aos ombros. Ele é ainda muito pesquisado pois estava muito à frente de sua época. já em 1500 D. em Clos Lucé. Tem uma intenção muito dramática. de dúvida. Leonardo falava que tudo para ele tinha alma. Começou a pintar cada vez menos. Freud estudou muito sobre Leonardo da Vinci. onde a única pessoa que está calma é Jesus. Leonardo leva consigo quase todas as suas obras.C. A cena é sobre Jesus que estava falando: “Um entre vós me trairás”. parecendo sobrenatural. etc. Esse estudo era para ele saber passar aquele “espanto” e todas as expressões somente através dos gestos. indignação. como o metal.Uma de suas obras muito importante é “A Virgem dos Rochedos”. que parece estar mais solto. ele falava que os rochedos tinham alma. O rei francês Francisco I admirava muito Leonardo da Vinci. Ela parece mudar toda vez que você a olha. Os cantos dos olhos e da boca são esfumaçados. isto é. O que é Sfumato? É coisa indistinta. O horizonte do lado esquerdo parece estar mais baixo que o direito. ele estava doente e com dificuldade de articulação nas mãos (quase todos os pintores tem problemas de articulação). . inclusive a Monalisa. A obra “Última Ceia” tem 9 metros de largura por 4. ele não vai terminar nem os olhos e nem a boca. Leonardo da Vinci descobre a técnica do “SFUMATO”. por ser Renascentista. No final de sua vida. Ele pediu que o seu auxiliar a terminasse. Anima é alma. Quando você olha o lado esquerdo. As duas são de Leonardo da Vinci. Se for bem observada a obra. Durante séculos as pessoas ficaram se questionando qual era a verdadeira. Dentro de suas pesquisas tudo é baseado no animismo. A OBRA GIOCONDA: A Monalisa é como se fosse um ser vivo. de altura. você é que vai terminar a obra. onde ele vai usar muito claro-escuro. Existem duas obras da “Virgem do Rochedo”. não terminada. Cada um dos apóstolos tem uma expressão muito forte. outra hora parece estar triste. mais ereto do que o ombro do lado direito. uma se encontra no Louvre e outra na National Galery de Londres. Saía no temporal para ver como aconteciam os relâmpagos. Não está muito claro porque Leonardo da Vinci foi viver os últimos anos de sua vida no Castelo na cidade de Amboise. os vegetais.20 m. o ombro parece estar mais alto. Leonardo da Vinci estudou muito como os surdos e mudos se comunicam através dos gestos.

: Muitos desenhos de Leonardo da Vinci podem ser encontrados no Castelo de Windsor. no Louvre Madona Benois. Entre esses desenhos que ele deixou para Francisco Melzi tem o “Código de Urbino”. carros de combate. helicóptero e pára-quedas. 49 . metralhadoras. inacabado. sobre a formulação de teorias sobre o centro de gravidade dos sólidos. Estudou. Quer ficar isolado. Inventou o compasso de proporção. estudos e anotações de Leonardo da Vinci. está no Museu de Vaticano. etc. Ele ficou com 1200 desenhos e que isso era a terça parte da produção de Leonardo. Louvre (Paris) e National Gallery de Londres. na física. no Louvre (ao lado da Monalisa) Anunciação. “Código de Atlantis”. No dia 2 de Maio o Rei Francisco I vai visitá-lo ao saber que ele não estava passando bem. está no Museu de Hermitage. Leonardo vai dizer-lhe que não reconhecia honra maior do que morrer nos braços de um rei. Ele tem um discípulo chamado Francisco Melzi que herdou de Leonardo quase todos os desenhos. determinou os princípios para a construção de um aparelho mais pesado que o ar e capaz de voar aproveitando a força do vento: asa-delta. Obs. (deve ter 1. vários desenhos de como ele fazia a geometria (explicando tudo o que aprendeu de geometria através de suas pesquisas). sobre a transformação de sólidos. nem dos seus alunos. Estudava qual a melhor forma de abordar um barco grande através de um pequeno.Ele fala que não quer receber visita de ninguém. Ele foi um grande projetista militar. barcos para a guerra. na Inglaterra. está em um refeitório de uma Igreja em Milão. Leningrado ( ex-Rússia). A partir do vôo dos pássaros. Obras autênticas de Leonardo da Vinci: Monalisa. os efeitos do atrito e sobre as condições de equilíbrio num campo inclinado. Virgem dos Rochedos. Maria e o Menino Jesus. Eles eram muito amigos. É um afresco que está muito deteriorado. em Londres. Adoração dos Magos. Inventou máquinas hidráulicas para limpeza e drenagem de rios e canais. Ganhou muito dinheiro com desenho de canhões. perfuratrizes. no Louvre. Leonardo recebe o rei (jovem) que ao se aproximar dele e sustentando a sua cabeça em seus braços.80 m (+/-) A Última Ceia. com várias pessoas ao seu redor. sendo usado depois para elaborar a obra “Monalisa”. Esta está muito ruim pois Leonardo da Vinci não se preocupou com o tipo de tinta que usou. Inventou máquinas de afiar. No campo da física ele trabalhou muito sobre a dinâmica e baseou seus estudos na leitura de Aristóteles. Já fizeram até galinheiro nesse refeitório. e assim enunciou 2 teoremas fantásticos sobre a geometria. Dizem que ele tinha caso com Leonardo da Vinci. Fechou os olhos e morreu. National Gallery de Washington. São João Batista. Sant’Ana. no Louvre em Paris Esboço de “Sant’Ana e a Virgem” que é um desenho que está no National Gallery. São Jerônimo. planador. Deitado na cama.

Ele já tinha uma idéia bem diferente de arte.C. pintura. pois foge completamente do estilo da arte Renascentista. É uma pintura sobre “o céu e o inferno”. certinha). Os três são considerados os maiores artistas do Renascimento. Uma dessas obras é a famosa “Os Sete Pecados Capitais”. Michelângelo era neurastênico. Foi escultor insuperável. Ele estava a 400 anos adiantados para sua época. pois não gostava da arte renascentista (toda centralizada. toda feita com incrustação em pedra. Se Bosch nasceu em 1450 ele deve ter morrido em 1516. inveja. descobre ter uma afinidade muito grande com a Grécia e que ele era escultor da “figura humana”. As suas obras só vão ser destruídas pelos protestantes por volta de 1600 D. Essa seita dizia que o homem tinha que fazer todos os pecados na Terra para ganhar o Céu. Ele foi estudar com o grande mestre “Domênico Ghirlandaio”. grande pintor da época. Tinha uma inesgotável capacidade criadora. mas é considerado um grande Surrealista. escultura e poesia é considerado do mesmo nível dos trabalhos de Leonardo da Vinci e Raphael. hipocondríaco. feia e religiosa. levadas pelo Rei Felipe II. Casou-se com uma órfã muito rica. 50 . MICHELÂNGELO Nasceu em 1475 e morreu no dia 6 de março. um gênio. ninguém sabe ao certo. não tanto como Leonardo da Vinci que dissecou 33 cadáveres. em 1564. preguiça. Era filho e neto de pintores. Muitas de suas obras foram destruídas pelos protestantes em 1629. O seu trabalho na pintura. um dos maiores pintores e desenhistas de todos os tempos. ira. Outra obra importante é a pintura do “Jardim das Delícias”. Ele era 23 anos mais jovem que Leonardo da Vinci e viveu mais 45 anos após a sua morte. mas se ele nasceu em 1516 ele morreu em 1566. sobre uma mesa redonda. Era também um grande poeta. dissecar também para conhecer melhor e se aprofundar mais na figura humana. Com isso todo mundo queria se afiliar à Seita Adamita. gula. Só se sabe que ele nasceu onde seria hoje a Holanda (a cidade tinha o nome Bosch) e viveu 66 anos. avareza.HYERONYMUS BOSCH Nasceu entre 1450 ou 1516. masoquista. Quando ele começa a estudá-las. A inquisição não o impediu porque os Reis o protegeram. aos 89 anos. homossexual. Vai aprender todas as técnicas do ofício em desenho. escultura.. onde vai representar todos os pecados capitais: vaidade. Resolve estudar as esculturas gregas da antigüidade da coleção dos Médicis (os mecenas). da mesma forma como todos os pintores faziam na escola renascentista. As obras que escaparam foram para a Espanha. Ele não ficou muito satisfeito com o que aprendeu. muito surrealista e muito simbolista. Vai revolucionar no campo da pintura com a obra que faz para a “Capela Sixtina”. Bosch cria a SEITA ADAMITA : “os irmãos dos espíritos livres”. enfim. incrível como escultor. Dalí dizia que o grande “Papa” do surrealismo era Bosch. A sua pintura era muito diferenciada e misteriosa. luxúria. Ele nasceu na época do Renascimento. Resolve.

Michelângelo recebe um soco no nariz. Vai pintar e esculpir com perfeição. De outra forma. Vai ficar em Carrara para escolher as peças de mármore (estudando os veios) por mais ou menos 11 meses. reclamava e ia a fundo com tudo) e solitário. No fundo. Michelângelo pediu para ir até a cidade de Carrara (cidade dos mármores) porque iria fazer o túmulo todo em mármore. Essa paixão. Tinha um temperamento muito irrequieto. na casa dos Médicis. que estudava junto com ele. da pintura que ele ia executar com Leonardo da Vinci. Foi um estigma muito grande para um homem que gostava muito de beleza. participando muito dos “Saraus Culturais” onde conversava sobre filosofia. Ao estudar com os Médicis. Vai ser um grande mestre da figura humana. que foram grandes escultores do classicismo. Michelângelo insistiu tanto que conseguiu estudar arte. Ao voltar o “Papa” fala que não vai mais querer que faça o túmulo. Sugestão: Assistir ao filme “Michelângelo” que tem nas locadoras de vídeo. etc. baixo. Foi aí que a cidade de Florença convidou Michelângelo e Leonardo da Vinci para pintarem o grande painel na Câmara dos Vereadores. Não conseguiu se relacionar com ninguém por não se aceitar como era. Com isso vai fazer esculturas e pinturas belíssimas de seres humanos para compensar a sua feiura. Michelângelo tinha um amigo chamado Torrigliani. Sócrates. que vai ficar quebrado e torto para o resto de sua vida. Infelizmente a obra nunca foi executada porque Leonardo da Vinci foi chamado em Milão fazer o projeto ‘’urbanístico” que não deu certo e Michelângelo foi chamado pelo Papa Júlio II em Roma para trabalhar lá. Michelângelo fica muito desgostoso e decide não voltar mais à Roma. Estudou muito sobre Platão. esse traço violento. e o pai não admitia que o filho fosse artista. estética. Michelângelo era um homem feio. narigudo e muito triste. na região de Florença. Existe uma cópia em Florença feita por Michelângelo. vão ser muito fortes em sua pintura. Quando Michelângelo chegou em Roma. Sua uma família era aristocrática. ter um nariz torto e ficando muito feio. Teve um pai bastante violento. Ele era tão bom ou talvez melhor do que os escultores gregos como Fídias (que fez o Parthenon) e Praxiteles. Era um homem passional (brigava. o Papa Júlio II pede à ele que fizesse o maior túmulo do mundo para quando ele morresse. filósofos e dramaturgos gregos e também sobre os grandes mestres. O pai de Michelângelo vai intervir pedindo ao “Papa” que fizesse alguma coisa para ajudar o seu filho que estava muito desmotivado. conseguindo recriá-la.De repente a figura humana não tinha mais segredo para ele. não saberíamos o que eles iriam fazer. Aos 30 anos já era conhecido como um dos grandes mestres da escultura. fica muito amigo da família. Sófocles. O “Papa” vai chamá-lo novamente em Roma e pede à Michelângelo que pinte uma Capela para 51 . temperamental e dizia que não tinha paciência com a mediocridade alheia. ele era um romântico. Ao se envolver em uma briga com esse seu amigo. Leonardo da Vinci também fez uma descrição comentando sobre esse episódio.

Essa obra foi iniciada em 1508 e terminada em 1512. A Capela Sixtina já era decorada. dos dois lados. O “Juízo Final” é uma visão terrível do fim do mundo. Galeria Ufizi (em Florença). escrevendo. etc. É praticamente impossível um ser humano fazer o que ele fez em apenas 4 anos. Ele fez muitas outras obras incompletas porque. Michelângelo respondeu: ”Mas eu sou escultor e não pintor”. Ele deitava e passava dias assim. volta com o mármore e começa a fazer a figura de Moisés. alternando isso com Sibilas (são as moças muito bonitas que ele faz). com músculos desenvolvidos e cabeça de mulher. lendo. Essa obra vai ficar incompleta. Pintou todas essas figuras de homens e mulheres como se fossem pessoas comuns e não “santos”. o Papa vai pedir de novo para ele fazer o túmulo. Vai ser encontrada muita obra incompleta dele nos Museus do Louvre. Você vai observar “Cristo” irado e “Nossa Senhora” se escondendo atrás Dele. 52 . vai parar a obra para não estragar a natureza. Guirlandaio e Perugino. É uma forma quase expressionista de pintar. Quando ele termina Moisés o Papa Júlio II morre e o túmulo não fica terminado. baseados no Antigo Testamento. Michelângelo brigava muito com o “Papa” e seu pai vai pedir à ele que tivesse muita paciência com o seu filho.ele. em nicho. Vai colocar imagens de profetas. Ao terminá-la. Michelângelo aceita pintar somente o teto. Chegaram à conclusão que criava muita coisa apenas para preencher o espaço vazio que existia. que em sua homenagem recebeu o nome “Capela Sixtina”. Fazia o desenho no chão e depois subia nos andaimes para desenhar tudo novamente lá em cima e pintar. os “doze apóstolos”. Ele pintava as moças com corpo de homem. nas paredes laterais. Ele não conhecia muito bem o corpo feminino. etc. E. Michelângelo vai pintá-la já de uma forma bem diferente da pintura que fez no teto da Capela. mas que durante o trabalho vai brigar com todos eles ficando sozinho para continuar. Vai pintar no teto da Capela Sixtina. tinha pena de estragar o mármore da obra que estava esculpindo quando encontrava um veio bonito. Teve muitos ajudantes. Trinta anos após terminar o teto da Capela Sixtina. Era o que tinha sobrado de parede sem pintura. O papa pede que ele pinte o teto e o fundo da Capela. São episódios que vão desde a criação do homem. O esforço físico para ele fazer a obra era incrível. conversando. Pegava outro bloco e começava outra obra. discutindo. Michelângelo vai então à Carrara. Tentaram saber se era alegoria o que ele pintava porque ele fugia muito da história que existia na Bíblia. Essa Capela tinha sido mandada fazer pelo papa “Sixto IV”. como se fosse a própria arquitetura. o dilúvio e a embriaguez de Noé. não tendo coragem de eliminá-lo. ele volta para pintar o fundo da Capela com a obra “O Juízo Final”. deixando o observador na dúvida. É como se fosse “tromp’oleil”. em diversas atitudes. pelo grande artista que era. pelos grandes pintores Boticelli.

Somente a Cúpula será de estilo Renascentista. em vida. Era considerado.O teto da Capela é feito em estilo mais acadêmico e o fundo dela de um estilo mais expressionista. Entre 1555 e 1559 no Pontificado de Paulo IV. já um grande mestre. e esta foi executada por outros. As outras “Pietà”. algumas esculturas. que ocupou toda a sua velhice. que era um Papa muito chato. A “Pietà” se encontra embaixo dessa Cúpula (onde tem uma clarabóia). Ele só fez a pintura da Capela Sixtina. Ele desenhou e projetou a Cúpula. Obs. Depois em 1559. Disse que essa obra ele a fez “À Serviço de Deus porque era um presente dele para Deus e de Deus para ele”. pediram para tirar as roupas novamente. O final de sua vida ele vai ser muito expressionista. A primeira escultura “Pietà”. o resto da Basílica é de estilo Barroco. vai ser a grande Cúpula na Basílica de São Pedro. Chamavam-no de “Divino”. vai fazer com menos de 25 anos. Sua grande obra. 53 . são completamente expressionistas. e uma obra que está na Galeria de Ufizi em Florença. na época do Barroco. Michelângelo era muito religioso e apesar dele cobrar muito caro o seu trabalho vai fazer esse projeto sem cobrar um tostão. distorcendo um pouco as formas. as figuras da pintura de Michelângelo na Capela Sixtina foram todas vestidas a pedido dele.: Todas as esculturas do lado de fora da Basílica foram feitas pelo Bernini.

em italiano. 54 . mas também na distribuição da luz e na decoração. deixando de lado as de plano centralizado. essa arte acabaria cultivada em todas as grandes cidades européias. Carlos V. que na maior parte das vezes não levam a lugar nenhum. com espaços mais longos do que largos. sem dúvida. criam uma arte de labirintos. enquanto outros preferem vê-lo como um estilo. lembrando uma exuberante selva de pedra que confunde a vista. Os artistas se vêem obrigados a partir em busca de elementos que lhes permitam renovar e desenvolver todas as habilidades e técnicas adquiridas durante o renascimento. porém. saqueia e destrói Roma. que são. a marca inconfundível do estilo maneirista. pode-se dizer que as verdadeiras mudanças que este novo estilo introduz refletem-se não somente na construção em si. do ano de 1520 até por volta de 1610. conchas e volutas cobrem muros e altares. · Guirlandas de frutas e flores. coros com escadas em espiral. Pintores. Alguns historiadores o consideram uma transição entre o renascimento e o barroco. Caracóis. Uma de suas fontes principais de inspiração é o espírito religioso reinante na Europa nesse momento. extrapolando assim as rígidas linhas dos cânones clássicos. propriamente dito. espirais e proporções estranhas. mas toda a Europa estava dividida após a Reforma de Lutero. O certo. Mais adiante. Reinam a desolação e a incerteza. típicas do renascimento clássico. um movimento artístico afastado conscientemente do modelo da antiguidade clássica: o maneirismo (maniera. Os grandes impérios começam a se formar. Valendo-se dos mesmos elementos do renascimento. depois de derrotar as tropas do sumo pontífice. significa maneira). mas agora com um espírito totalmente diferente. Uma evidente tendência para a estilização exagerada e um capricho nos detalhes começa a ser sua marca. No entanto. com a cúpula principal sobre o transepto. ARQUITETURA A arquitetura maneirista dá prioridade à construção de igrejas de plano longitudinal. Principais características: Nas igrejas: · Naves escuras. Não só a Igreja. balaustradas povoadas de figuras caprichosas são a decoração mais característica desse estilo. produzem uma atmosfera de rara singularidade. iluminadas apenas de ângulos diferentes.MANEIRISMO Paralelamente ao renascimento clássico. é que o maneirismo é uma conseqüência de um renascimento clássico que entra em decadência. e o homem já não é a principal e única medida do universo. desenvolve-se em Roma. arquitetos e escultores são impelidos a deixar Roma com destino a outras cidades.

expressa a necessidade de renovação. dedicado à arquitetura. apresenta um relato às vezes pouco fiel. Sob a proteção de Aretino. é um dos mais importantes desse período.Nos ricos palácios e casas de campo: · Formas convexas que permitem o contraste entre luz e sombra prevalecem sobre o quadrado disciplinado do renascimento. GIORGIO VASARI. conseguiu realizar uma de suas únicas obras significativas: os afrescos do palácio Cornaro. cujo caráter é rigorosamente clássico e no qual a clareza de linhas e a harmonia das proporções preponderam sobre o decorativo. A obra de Palladio foi uma referência obrigatória para os arquitetos ingleses e franceses do barroco. mas muito interessante sobre os grandes artistas da época. 55 . com a construção das igrejas San Giorgio Maggiore e Il Redentore. O interesse que tinha pelas teorias de Vitrúvio se reflete na totalidade de sua obra arquitetônica. na qual. Seu interesse pela arquitetura o levou a estudar os tratados de Alberti e Brunelleschi. além de fazer um resumo da arte renascentista. que proibiam o nu nas obras de arte. a villa na Porta del Popolo. Autor de vários projetos arquitetônicos por toda a Itália. que. PALLADIO. Passou os últimos dias de sua vida em Florença. Não se pode dizer que Palladio tenha sido um arquiteto tipicamente maneirista. Suas biografias. Vasari é conhecido por sua obra literária Le Vite (As Vidas). na década de 30. tais como: a construção do túmulo do conde de Montefeltro. reduzido a uma expressão mínima. a fonte da Piazza della Signoria. (1511-1592). no entanto. Vasari também trabalhou em colaboração com Michelangelo em Roma. Principais Artistas: BARTOLOMEO AMMANATI . mais do que marcar a transição entre duas épocas. · A decoração de interiores ricamente adornada e os afrescos das abóbadas coroam esse caprichoso e refinado estilo. publicadas em 1550. legou a eles todos os seus bens. (1508-1580). sem deixar de fazer comentários mal-intencionados e elogios exagerados. fizeram tanto sucesso que se seguiram várias edições. Somente dez anos depois iria se dedicar à arquitetura sacra em Veneza. De acordo com os preceitos dos jesuítas. (1511-1574). com base nos quais planejou uma cidade ideal. o palácio dos Mantova.

afastados dos cânones renascentistas. O resultado é a formação de planos paralelos. Principais características : · Composição em que uma multidão de figuras se comprime em espaços arquitetônicos reduzidos. onde o olho atento deve. onde trabalhou praticamente com exclusividade para a corte de Filipe II. De acordo com documentos existentes. para os conventos locais e para a nobreza toledana. · A luz se detém sobre objetos e figuras. Nascido em Creta. onde começou a trabalhar no ateliê de Ticiano. Principal Artista: EL GRECO. São os pintores da segunda década do século XV que. Homem com a Mão no Peito. e uma atmosfera de tensão permanente. Na verdade. completamente irreais. as formas esguias e alongadas substituem os membros bem-torneados do renascimento. 56 . Entre suas obras mais importantes estão O Enterro do Conde de Orgaz. Esta última lhe custou a expulsão da corte.PINTURA É na pintura que o espírito maneirista se manifesta em primeiro lugar. a meio caminho entre o retrato e a espiritualidade mística. com quem realizou algumas obras. (1541-1614). Depois de alguns anos de permanência em Madri ele se estabeleceu na cidade de Toledo. em Cândia. no ano de 1567 emigrou para Veneza. O Sonho de Filipe II e O Martírio de São Maurício. acredita-se que começou como pintor de ícones no convento de Santa Catarina. procurando deformar uma realidade que já não os satisfaz e tentando revalorizar a arte pela própria arte. · Nos corpos. · Os verdadeiros protagonistas do quadro já não se posicionam no centro da perspectiva. produzindo sombras inadmissíveis. sua obra não foi totalmente compreendida por seus contemporâneos. não sem certa dificuldade. Os músculos fazem agora contorsões absolutamente impróprias para os seres humanos. · Rostos melancólicos e misteriosos surgem entre as vestes. encontrá-lo. criam esse novo estilo. · mas em algum ponto da arquitetura. de um drapeado minucioso e cores brilhantes. Ao fundir as formas iconográficas bizantinas com o desenho e o colorido da pintura veneziana e a religiosidade espanhola.

No Barroco a escada é muito importante porque elas dão movimento. Vai mostrar o espírito da contra reforma e reforma que vai acontecer na igreja católica. Procuram fazer as ruas de forma a irem todas de encontro com a Igreja. "Eu sou o Poder". no centro. na Itália. A Piazza Navona. A arquitetura pintada vai ser muito usada. Vai aparecer no mundo todo. novidade. ansioso. uma audaciosa mistura de estilos. Temos a música e o teatro Barroco. O jardim é fundamental. A arte Barroca não pode ser chamada de arte do absolutismo porque ela não é só do absolutismo. Vão pegar um pouco do renascimento. Versailles é o protótipo do jardim à francesa. Ela é também descentralizada.catedral Palácio da cidade Palácio do campo Vai surgir nessa época a preocupação com o urbanismo. encarar a arte. fantasias. 57 . o "Rei Sol". O Barroco é mais que um estilo de arquitetura. Velásquez. Os católicos tinham uma preocupação maior com o esplendor mundano. Ex. Você olha e pensa que está vendo uma coisa que na realidade não existe. O Barroco apela muito para sensações. Essa pintura é chamada de TROMP'OLEIL (engana olho). Caravaggio. um obelisco egípcio. A pintura Barroca é muito teatral. Ele é movimento. Jardins à francesa. Tem também muita água e muita luz. Em todos os países as igrejas vão ter salões pintados com cenas arquitetônicas que levam ao infinito. mais do que com a fé religiosa. No Barroco vai haver uma fusão de diferentes estilos da arte. enfim. Ex. religiosos.BARROCO O Barroco é um estilo muito ligado a acontecimentos históricos. é gosto também. dão a impressão de levar ao infinito. É muito movimentada e dinâmica. Central. mais que uma pintura. As Igrejas Barrocas tem sempre escadarias. Vamos ver muitos efeitos luminosos como os de: Rubens. É uma atitude de encarar a vida. ou melhor. para os sentidos. Estilos da época do Barroco: Igreja . A composição Barroca tem sempre linhas inclinadas. econômicos e sociais. Surgiu bem no auge do Renascimento que era muito racional. Não era assim no Renascimento. O Barroco atingiu o auge com Luís XIV na França. Começou em Roma e espalhou-se por toda a Europa indo depois para a América. pintura de uma cortina na parede que não existe. Barroco é fazer a arte dos jardins. Vai ser o estilo do Barroco. ficando muito bem na América do Sul. Ela tem esculturas Barrocas e. O Barroco surgiu para combater a reforma religiosa. A cenografia é muito forte. emoções. Como estilo ele é ambíguo. bem comportado. A luz é fundamental (contrastes da luz). É um movimento muito forte. do homem primitivo. O dourado e o espelho também vão ser muito importantes no Barroco. etc.

podendo fazer parte do seu ser. mas nunca poderia ser sua. A igreja tinha que se renovar. mas é muito ambíguo. Ela é afetiva e puxa você para ela.começa acadêmico. Não é fria e nunca deixa você distante. Os jesuítas irão depois para a América do Sul e levarão o Barroco para lá. sua obridade e autoridade apelarando para um caráter afetivo e grandioso no estilo. Vai começar aparecer esse nome em Roma. Uma obra Barroca é fantástica com seus contrastes de luz (claro. que mostrar sua supremacia. ela tem muito coisa próxima a você. escadas (subidas e descidas). O Barroco é afetuoso. Isso acontece em Roma. Nunca poderíamos ter uma catedral gótica porque em 1100 o Brasil não tinha nem sido descoberto. Artistas mais importantes do Barroco: Caravaggio Rubens (tinha 150 ajudantes em sua oficina de arte) Rembrandt Velásquez Cannaletto Jeorges de La Tour (pintor francês que usava muito a vela como recurso do claro-escuro) Jean Vermeer (holandês) Van Dick Vateaux Reinolds (inglês) Thomás Garburn (inglês) Goya (teve uma fase Barrôca). fez parte do classicismo. o dourado. escuro). como a Notre Dame de Paris. Os jesuítas se tornaram uma arma eficaz para a igreja católica conseguindo trazer muitos fiéis de volta. O Mosteiro de São Bento em Olinda onde você vê as palmeiras é aconchegante e lembra cenas de casa. A igreja e o estilo Barroco vem junto para as Américas: do Norte. Tinham muita disciplina e conseguiram trazer os hereges de volta. muito militar. Renascentista também não. A igreja Barroca de Ouro Preto já faz parte do dia-a-dia da sua vida. Esse movimento desenvolveu-se rapidamente e esses homens resolveram que era muito importante criar um novo estilo de pintura para trazer de volta os fiéis que tinham abandonado a igreja. Sendo assim. Central e Sul. 58 . grandioso e envolvente. com suas fontes. A arte Barroca é afetiva e grandiosa.O Barroco não é clássico. É tão grandiosa que pertence a humanidade. Esses homens é que vão se converter mais tarde e fazer a inquisição. Quando se entra em uma igreja Barroca você sente aquela sensação intimista. é muito grandiosa. A escultura Barroca é dinâmica e a Gótica estática. A Igreja Gótica. Vai aparecer também a ordem dos jesuítas em 1540 (Ignácio de Loyola). O nome Barroco vem do nome Barrueco. barroco e depois expressionista Tiepolo No pontificado do Leão X (tem seu retrato pintado por Rafael). porque aconteceu em 1400. que significa pérola torta. um grupo de homens piedosos (católicos) fundaram a congregação do oratório que iam purificar a igreja. No Brasil só existe o estilo Barroco. Eles seguem uma disciplina muito rígida. ela iria trazer de volta os fiéis. pois inquisição já existia.

Chamou o arquiteto Bernini. Vai ser muito fiel à sociedade de sua época pintando os carnavais. o Deus sou Eu". Existia uma concentração de poder muito grande com Luís XIV. A época de Luís XIV é fantástica onde aparecerão apenas 2 grandes pintores: Nicolas Poussin Claude Lorrain Nessa época a vida era totalmente subordinada ao fausto e a majestade dele. Como eles não tinham distração procuravam fazer espetáculos através do estilo barroco. O objetivo essencial da arte é provocar o fervor das multidões. de Roma. A época clássica da arte francesa é a época de Luís XIV. Luís XIV ficou conhecido no mundo inteiro até hoje através de Versailles. escultores e pintores do século XVIII. e na Itália está ligado a IGREJA. É em Minas Gerais que ocorre o Barroco mais forte no Brasil. Escolheu um lugar. Fazem pintura na abóbada da igreja como se ela fosse aberta para o céu (Tromp’Oleil). Ficou muito conhecido pelos turistas que queriam levar retratos de Veneza. bem quadradinhas com o telhado em forma de ponta. Daí com a chegada de Henrique IV. ele terminou com as lutas. embora ela seja Barroca. Ele subiu ao trono em 1643 bem criança e só começou a reinar em 1660. etc. Sóbria é uma obra clássica. A arquitetura era feita de tijolos e pedras. para depois trazer a capital da França de Paris para Versailles. 59 . Ele era totalmente absolutista. ou ainda . Na época do Henrique IV. O termo "clássico" é usado para obras que suportam a passagem do tempo. os espetáculos. Ele era muito forte "O estado sou Eu. ou para obras influenciadas pela antigüidade. o grande canal e toda a panorâmica de Veneza. Mandou fazer um palácio. para ir a Paris e fazer o projeto do palácio que não deu certo. reorganizou a França e deixou as Bases do Poder Absolutista para Luís XIV. A Igreja foi o primeiro cliente dos arquitetos. tanto que seu nome ficou conhecido como Canaletto. Vai pintar o Palácio dos Dodges. morrendo em 1715. O Barroco é a busca da fé pela emoção dos sentidos. os quais foram incapazes de manter a unidade do país (França). Outro projeto que também não deu certo foi o do Louvre e suas modificações. jardim pavilhão de caça. sobriedade e reserva. Um dos principais pintores Barrocos de Veneza foi Canaletto que nasceu em 1697 e morreu em 1768. O século XVII vai conhecer o seu apogeu com o Luís XIV. Veneza também foi um grande local de arte Barroca. A arte vai então tender para o espetáculo. Ele sempre dizia "o poder sou eu". Ele se torna um pouco cansativo por pintar muito os canais de Veneza. vai ter todos esses significados e mais a emoção do Barroco. BARROCO NA FRANÇA O Barroco foi um movimento muito forte na época de Luís XIV. Aleijadinho é o maior artista barroco mineiro. Barroco na França está muito ligado a ARISTOCRACIA. Ao se aplicar o termo "clássico" ao estilo Luís XIV.Temos uma ligação muito forte com o Barroco de Lisboa. As casas são só de tijolinhos. a arquitetura francesa era muito pobre. Ele modelou a civilização francesa à sua imagem. Em 1599 Henrique II teve 3 filhos.

houve uma peste onde morreu muita gente. o guardanapo. Os nobres desfilavam com essas toalhas ostentadas sobre os ombros. Não vai ter grandes pintores. sapatos. menu.A planta inteira de Versailles se concentra no quarto dele. Eles acharam que foi devido a água resultando um medo grande até hoje e consequentemente ao banho também. Versailles começa a ditar a moda. O "se mostrar". O Filme "Ligações perigosas" mostra esses rituais. e ditava o menu para a semana toda. não tinha faca. 60 . vão receber os grandes convidados de Luís XIV. o que foi considerado um escândalo na época. o rei e a rainha iam para o mato e se limpavam com toalhinhas que eram vendidas para a corte. as rendas nas roupas. A aristocracia. no imobiliário. Um pouco antes na época de Henrique IV. tinham que aceitar o que ele determinava. as pessoas comiam com as mãos. Só se comia o que ele gostava. E à noite isso era retirado com esponja úmida. Vão aparecer festas de “Petit Comittee” em Versailles. Começam os desfiles de moda na França. Vai surgir o servir à francesa. A peruca surge na Ópera em Paris. Antes do Barroco. Como na ópera as perucas eram prateadas. Surge a langerie da mulher. eles passam também a usá-las em Versailles. Os decotes eram generosos e a lingerie levantava o busto. Os escravos passavam uma esponja úmida no corpo deles à noite. A mulher na época do Rei Luís XIV e Luís XV vai ser muito delicada e requintada. brancas e douradas. sendo importante por causa do problema do banho. espartilhos. Luís XIV deixou que o desfile acontecesse. A comida era muito importante e feita como se fosse uma arte. Tudo é imitação de Roma e Grécia. os que estavam próximos à ele. calças. Depois os desfiles de perucas (vindos de Paris). Foram morar em Versailles com 11. Foi um acontecimento muito para frente. na tapeçaria. Obs. Surge também o perfume. Não tinha banheiro. Não tem nenhuma criatividade. Como não havia banheiro. Existia uma escala onde as pessoas tomavam banho de 6 em 6 meses. A mulher vai ser muito importante e muito fútil. Foi feito um desfile de espartilho na corte. No Barroco vai aparecer a lavanda. Não surge nenhum grande escultor. A galeria dos espelhos e os belíssimos jardins assumem grande importância. Eles usavam pó de arroz por todo o corpo para ficar bem brancos. fingindo não tomar conhecimento. os espelhos são importantes nessa época sendo usados nas casas no mundo inteiro. Queria que todos esperassem ele passar quando fosse para a igreja com a família. Quanto mais suja a toalha mais cara era. Resolve depois receber só para os almoços aos domingos. Eles trocavam muito de roupa. de vanguarda. Todos tinham que acordar e deitar quando ele queria. todos queriam ter um “Versailles”. No grande salão. como se o seio fosse pular para fora do decote. As estátuas do lado de fora do palácio são imitações da antigüidade.000 pessoas. A arte vai se desenvolver na arquitetura. Todos queriam espelhos pela casa como os de Versailles. Os desfiles passam a ser importantes.

nunca vulgar. Para organizar o poder realizou-se a contra-reforma. O Barroco vai desde o século XVI. Isso refletiu na arte onde irão pintar muito o “nu”. Por sua vez a Holanda cresceu tanto que as perspectivas econômicas eram grandes. Com a revolta de Lutero. Todo mundo aprendia a bordar.Tinham liberdade muito grande. Rococó é o excesso do Barroco. a igreja católica teve que rever suas atitudes com o Conselho de Trento. Na Arte Barroca existe muita liberdade com muitas curvas e diagonais. Era violenta a troca de marido. Até a libertinagem deles era galante. madrepérolas. A Arte Clássica que é anterior ao Renascimento. fazia um regime de engorda. conforme estudo feito em “Estética da Arte”. Vão fazer muito "quadro vivo". Ela tinha que ter muito leite. O sujeito é subjetivo. O homem queria sentir a "carne" da mulher. São extravagantes. Não apareciam nunca para ninguém sem estarem pintados. Sempre homens e mulheres com seios descobertos. usava formas lineares.: Colocavam uma música de fundo e pessoas imitando um quadro de Velásquez ou Rembrandt. a ordem dos Jesuítas em 1534 com Ignácio de Loyola. nunca ordinária. Vão usar incrustações de todas as espécies nos móveis de madeira como laca. Houve um naufrágio daquela invencível armada. namorado (eles não tinham o que fazer). e chega ao seu apogeu no século XVII finalizando no século XVIII com o nome de Rococó. denso. O Rococó na Europa é o Barroco no Brasil. Antes dessa idade elas tinham que ser muito magras. Ninguém aparecia sem pintar os lábios. irregular. O nu passou a ser visto também no gobelain. A mulher com 25 anos já era considerada madura. na reforma protestante. e até porcelanas para enfeitar os móveis. nunca simétricas (uma forma de identificar o estilo Barroco). O pensamento na época era científico e objetivo. Tem que ter emoção e sensação. As mulheres tinham um hábito de se pintar que era quase uma paixão. Ex. com a figura centralizada. Era como se fosse um "Spa" para engordar. Ter um quadro nu em casa também era muito importante para ser contemplado. Foi na Espanha a época em que conquistaram quase o mundo todo. É uma arte que engloba outra série de estilos. peças de teatro de amadores (em Versailles). Foi tornando-se extremamente 61 . E para isso precisavam de lacaios para ajudar (de 6 a 8). no auge do Renascimento. nas porcelanas e antecamas. O ideal de beleza da época era moça gorda a partir dos 25 anos. Os espanhóis depois perderam muito. Fizeram muitas tapeçarias lindíssimas. braços e pernas enroscados. inclusive a Holanda. e o rosto branco (o carmim que era o rouge). Quando ela encontrava um pretendente. Vão acontecer muitos espetáculos com máscaras. rígidas e bem definidas. que vai ser também muito importante nessa época. O pensamento ou conteúdo é poético. O ideal de peso para a mulher era 75 quilos. Muito requinte. Vão pintar muita porcelana. BARRUECO= vem do espanhol que significa uma pérola com reentrâncias. Tinha conteúdo espiritual. Foi uma época licenciosa. vestidos e sem peruca. Tanto os móveis como a tapeçaria são assimétricas. BAROS= vem do grego e significa pesado.

burguesa. A França, Áustria e Alemanha vão se tornar totalmente absolutistas. A ostentação toma conta da Europa. A França será o auge da ostentação com Luís XIV (rei-sol). Essa época vai ser marcada por sua dramaticidade e tragédia. A Igreja Católica irá dividir tudo entre o céu e o inferno. Nessa época vai haver muito medo do inferno. Eles chamam o homem para o igreja (o lado bom, o céu) através da arte espetaculosa, trágica, da emoção, sensação. Como naquela época não existia a mídia, essa era a sua forma de divulgação, o seu recurso. A própria arte trará de volta os hereges. Na Holanda, Bélgica e Espanha o Barroco vai atender muito bem os interesses da burguesia. PRINCIPAIS CARACTERÍSTICAS DO BARROCO: 1. Predomínio sempre do emocional sobre o racional.

2. Liberdade completa de criação no conteúdo, mais do que na forma. O artista se emancipa de qualquer regra ou padrão. 3. A inspiração é muitas vezes popular. Ex.: a representação da sagrada família é feita como se fosse uma família comum. É o oposto do renascimento onde a representação da santa é diferenciada, com raras exceções. 4. Dinamismo muito grande na composição com diagonal. verticais

5. A linha vertical vai dominar a linha horizontal. Vai haver muito mais linhas do que horizontais, além da diagonal. 6.

Existe uma fuga do geométrico. Nada é muito concentrado. Vai haver um entrelaçamento da arte, da escultura e arquitetura. Na Igreja barroca vai ter muita escultura na parte externa. No renascimento as Igrejas quase não apresentarão esculturas externas. 7. Valorização do entalhe na pedra e na madeira. As construções de altares e retábulos vão ser luxuosamente decorados com aplicações em ouro e muita policromia (muitas cores). Retábulo - é o que fica na frente do altar, feito de madeira toda trabalhada. É o que divide o altar do resto da igreja. Tripo-retábulo, abre e fecha para ser transportado. É para rezar. Como os escravos não podiam freqüentar a igreja, eles construíam o seus retábulos para rezar, transportando-o facilmente para suas casas. Os retábulos existem desde a época do bronze, com características diferentes. Volutas (origem grega). Quase todas as igrejas Barrocas tem volutas. . 62

8.

9.

A igreja Santa Maria Maggiore em Veneza tem 8 cúpulas ligadas a 8 grandes 10. Frontão. Existe também sempre um grande frontão ladeado por 2 torres.

volutas.

11. antes.

A pintura tem violentos contrastes de claro-escuro. Inovaram o espaço pictórico através do claro-escuro. Nunca ninguém fez isso em arte

12. Faziam tentativas de sugerir o infinito através de Tromp'Oleil (engana olho), com perspectiva e profundidade ilusórios. Tinha a função de aumentar ilusoriamente os espaços e conseguir o infinito. Os palácios pareciam imensos e redondos. Eles faziam pinturas nas quinas das paredes para dar a impressão de serem arredondadas. 13. Usavam muitas escadas, jogos de luz e muitas fontes. Tinham gosto pelo teatral. Era como se fosse um cenário.

O Barroco tem muito exagero, muito fausto, muita riqueza. Libera muita emoção na gente. O Barroco abraçou tantas ramificações artísticas que somente 200 anos atrás é que os historiadores chamaram esse acontecimento, no seu conjunto, de arte Barroca. Era uma mistura tão grande de estilo renascentista, egípcio, grego, etc, que ficou difícil definir na época o estilo Barroco. Temos os Barroco da Corte, das comunidades católicas e protestantes. O Barroco foi uma reforma na contra-reforma. Os países protestantes também a incorporaram por ter sido um movimento muito forte e bonito. O Barroco surgiu após a teoria de Copérnico que vai mudar para sempre o lugar do Homem no universo. A Terra, segundo Copérnico, é que se move ao redor do sol, não é mais o centro do universo. O Homem não é mais o único propósito da criação. O Barroco vai surgir nessa época com essa nova concepção, com novo sentimento de autorespeito, de orgulho. Isso tudo refletirá na arte ao saber que o Homem fazia parte de um mundo infinito, mostrando assim essas idéias através de luzes exageradas, impetuosas, em diagonal, como se realmente estivessem exprimindo o infinito. A História da arte mostra sempre o contexto do momento em que se está vivenciando. Ela abrange o campo científico, histórico, econômico e social. A época Barroca foi a de maior liberação do ver, do sentir e da intuição. A arte Barroca é a arte que passa a reconhecer que “A regra é apenas uma norma, jamais uma lei". Picasso séculos mais tarde disse: "Na arte não existe regra de beleza. Beleza é o que o instinto e o cérebro vai reconhecer como belo". 63

Fatos importantes que marcaram na época do Barroco A Inglaterra faz tratado de defesa com a Holanda em 1608 Em 1609- A Espanha reconhece a independência da Holanda. (A Espanha perde a Holanda). Em 1650- A Inglaterra importa chá da Índia, quebrando uma série de monopólios. Em 1656- começa a fabricação de meias (bem trabalhadas) em Paris. A Europa comprar meias só em Paris. Em 1626 a 1648- Acontece a guerra dos 30 anos que vai mudar muito a Europa. Em 1694- Estabelecimento do banco mais importante da Europa, o Banco da Inglaterra. Em 1675- surge o observatório de Greenwitch. Em 1678- vai ser reconhecido na França a profissão de cozinheiro-mor (tão importante como advogado). Depois cai a lei e retorna só em 1900. O cozinheiromor e confeiteiro-mor trabalham para o rei. Em 1679, na Inglaterra é criada a lei "ABIAS CORPUS" . BARROCO EM FLANDRES (Bélgica e Antuérpia) Pintura Flamenga é uma pintura de Flandres, jamais Espanhola. Na Bélgica se fala flamengo e francês. A pintura de Flandres vai ser muito importante no início do século XVII. O sul dos países baixos (Bélgica) continuava sobre o domínio Espanhol. É por esse fato que se usou o nome Flamengo, devido ao domínio espanhol que existia lá. Era o território mais rico dos espanhóis e que por ser espanhol continuava no seio da igreja católica. A pintura vai ser sobre a religião católica. A Aristocracia e a Igreja patrocinaram muito as artes e contribuíram muito para o surgimento do estilo Flamengo. Flandres recebeu muito bem o Barroco na pintura, menos na arquitetura. Os Flamengos viam no Barroco um pretexto para os ornamentos. Sendo assim, os edifícios na praça principal de Bruxelas é gótica na arquitetura, estrutura. Os ornamentos e a decoração externa é 64 passa a

Barroca. Para não demolir a estrutura, eles a deixavam por trás e enfeitavam com dourados e volutas na frente. As casas da Holanda também tem estrutura gótica e barroco nos ornamentos da frente. A arquitetura belga e holandesa é gótica e a decoração tanto externa como interna Barroca. BARROCO NA HOLANDA As províncias do norte dos países Baixos (Holanda), também tinham pintura Flamenga. Eram os países pobres da escola Flamenga. No século XVII os Holandeses eram protestantes quase não vai aparecendo pintura religiosa. É uma enorme mudança que ocorre na História da Arte. Rembrandt, por exemplo, sempre teve sua inspiração nas escrituras. Só que os temas que escolhia eram baseados no que ele via. Ele tinha que colocar o contexto das escrituras mas sempre no que ele via. O tema vai ter liberdade total. Vai pintar sobre as pessoas que convive no dia a dia. Caravaggio vai usar o "santo" enquanto que Rembrandt vai usar o homem do povo. Os Holandeses guerrearam contra a Espanha para não aceitar o catolicismo. Eles venceram e permaneceram protestantes. Eles tanto lutaram que ilustraram mais sobre essas guerras, combates do que a fé protestante. O tema da pintura Holandesa portanto será sobre essa guerra que participaram. Vermeer pintou muito também sobre a realidade do cotidiano. Jamais veremos uma pintura Holandesa com cenas mitológicas, cenas históricas ou abstratas (liberdade, fé). As pinturas de Rubens sobre a religião católica, idéias abstratas sobre a fé e liberdade, só foram feitas sob encomenda. O Holandês não vai pintar nada mitológico. Pintavam retratos das pessoas e tudo o que fazia parte da vida daquela pessoa na obra. Os burgueses viviam em casas confortáveis mas bem menores que as nossas. Não gostavam de viver em palácios. É por isso que não se encontra muitos palácios na Holanda. Não eram faustosos e a obra de arte tinha que ser pequena para caber nas casas em que viviam. Eram portanto pinturas pequenas que retratavam o cotidiano da época. A Holanda era um país próspero, o povo era muito trabalhador e tinha uma imensa indústria leiteira que abastecia toda a Europa. Sabiam construir muito bem barcos os quais eram vendidos e utilizados para navegar por todo o mundo. Tinham também monopólio do comércio das especiarias. Essas especiarias é que conservavam os gêneros alimentícios. Quando os navios faziam longas viagens a carne era conservada através desses condimentos. Era considerado fino ter um boi em casa conservado por condimentos. Rembrandt tem uma obra que mostra uma moça abrindo a porta e olhando para o boi pendurado. RESUMO: . Barroco na França - faustoso . Barroco na Itália - ligado ao catolicismo 65

Igreja de 4 andares.construída por Bernini. Holanda A grande praça em Bruxelas tem estrutura gótica e a decoração barroca. Capela dos inválidos em Paris .: A catedral de Milão é gótica e não barroca e a catedral de São Pedro é da época do renascimento. escultor e arquiteto grego da época clássica. A primeira igreja católica barroca foi construída em Roma e recebeu o nome "Il Gesú". Brujes. Igreja de Santa Maria da Saúde em Veneza. Antigo colégio dos Jesuítas. Palácio principal de Viena. Obs. na fachada tem frontões. próximo de Viena. Igreja de São Carlos Borromeu em Viena. escadarias. colunas.na Bélgica (chamada de Veneza do Norte). em Milão. arcos. repleta de ouro. portais ricamente esculpidos no estilo barroco. na Itália.planta de Borromini em 1667 . A galeria dos espelhos e o imenso pátio com esculturas que não eram famosas. Igreja de Santo Inácio . Vão ter colunas. sua construção começou em 1717 e terminou em 1737. É cenográfica com sua ampla escadaria na frente. Petit Trianon. Praça de São Pedro e colunatas em frente a Basílica . Tem reentrâncias e muita forma côncavo-convexo. Parece dourada. na arte de Fídeas. à beira do Danúbio. lagos. Obs. Igreja de São Lourenço em Turim. França Versailles. na Espanha.Igreja "Il Gesú" construída entre 1568 até 1577.Em 1645. árvores em diagonal. frisos. PRINCIPAIS OBRAS ARQUITETÔNICAS DO ESTILO BARROCO NA EUROPA E NA AMÉRICA: Itália Roma . Igreja de São Carlos das 4 pontes . Roma. Amsterdã também é igual. é de 1630. Obs.: A arte Barroca Francesa é muito inspirada no classicismo.. com suas fontes. Palácio de Brera. volutas. 66 . construído em 1668.Roma.: A parte central da fachada nas Igrejas barrocas são sempre mais ricas que as laterais. Áustria. frontão grego. Monastério de Melk. É barroco mais tardio.Construídos entre 1656 a 1665. volutas. na praça do Mercado as casas tem frontões pontiagudos. inclusive a decoração é quase Rococó.de 1680. Espanha Palácio Real de Madrid é interno e externamente barroco. Igreja de Santo André do Quirinau em Roma . A Praça Maior em Salamanca.

67 . É chamado pintor naturalista do estilo barroco. Estudou muito sobre a Bíblia. Tinha um temperamento muito impetuoso e mulherengo. trabalhadores braçais. México Catedral do México City. BRASIL: Igreja de São Francisco de Salvador Ordem Terceira de Salvador Catedral de Belém Igreja do Rosário. em Olinda Convento e Igreja de Santo Antônio. É hoje considerado pela "estética da arte" como pintor naturalista. Caravaggio praticamente fechou o ciclo dos pintores italianos não aparecendo depois nenhum outro pintor importante. Ex. Queria pintar a realidade tal como ele a via. em João Pessoa Igreja e Mosteiro de São Bento. Era como se os eventos sagrados acontecessem naquele momento. Igreja da Companhia de Jesus em Cusco. Pintou muitas encomendas religiosas de uma forma nada convencional para a época. achavam que sua pintura era estranha e a sua fama só voltou no século XIX quando foi considerado um dos maiores pintores Barrocos. Ficou muito pobre e muito doente. Após seu falecimento. porque pintava o natural e não o idealizado. Não soube quem era seu pai. em Recife Igreja Nossa Senhora das Neves. com sífilis.Portugal Santuário de Bom Jesus de Monte Braga. em Vitória Igreja da Ordem Terceira do Carmo. Brigou com padres e bispos se indispondo com a igreja católica. Caravaggio foi muito briguento. Não tinha o menor respeito pela beleza idealizada pois ela tinha que ser verdadeira. Igreja de São Domingos no México. no Rio de Janeiro MICHELÂNGELO DE CARAVAGGIO Nasceu em Milão no ano de 1573 e morreu em 1610. No século XVIII Caravaggio "saiu de moda".: os apóstolos eram representados como trabalhadores comuns (o que eles realmente eram). Ele cobrava seus quadros muito caro e gastava fácil o dinheiro com presentes. apesar do seu estilo barroco. mulheres e bebidas. Era pintado de forma muito real.

Aprendeu logo a pintar e aos 23 anos em 1600 foi para Roma (paraíso dos pintores) onde ficou estudando por 8 anos. na universidade de Leyden. Era especialista em fazer o tom de pele (carnação) que parecia verdadeira. não muito cedo. maltratada. Fazia as mulheres bem arredondadas. Com isso ele teve milhões de obras. Nasceu na Antuérpia. Rubens pintava os palácios e as igrejas. No Louvre ele tem uma sala só com seus quadros. ele se pintava como se tivesse somente 30 anos. Era muito mais sensual do que místico. não tendo nada de misticismo. Foi um homem muito feliz deixando também feliz todos os que viviam ao seu redor. ainda em vida. Chegou a colecionar obras de arte e até antigüidades. Foi morar em Amsterdã. Era arqueólogo. Volta à Antuérpia com 30 anos. Era muito intelectual e mantinha correspondência em latim com todos os intelectuais da Europa. 68 . Não fez nenhuma mulher magra. No primeiro casamento sua esposa morreu quando ele tinha 52 anos. Classe média bem situada. Tinha mais encomenda do que podia dar conta. Pintou muito e prosperou bastante. recebendo um belo dote. Rubens casou-se 2 vezes. jóias. As suas telas são cheias de vitalidade e reais. onde só formava pintores. No segundo casamento sua esposa tinha somente 16 anos e foi uma paixão que durou até a sua morte. Foi o protótipo do pintor barroco. O rei da Inglaterra deu a ele o grau de cavalheiro "SIR". Foi quase um diplomata. muito bonitas e cheias de vitalidade. Pintava o que era faustoso. Era como se fosse um cônsul belga. Foi considerado o maior pintor holandês. Todos os quadros que ele pintou retratando os dois. Cada um era encarregado de uma especialidade na pintura como. roupas. mas não tinha tempo para se dedicar. Durante sua vida artística sempre retratou a si mesmo por diversas vezes em várias épocas de sua vida. sensual. Ganhou muito dinheiro. Teve fama em vida como nenhum pintor já tivera. porisso ficava atualizado com as descobertas através das correspondências. Morreu rico. saúde e força. Começou a pintar. e passava isso para sua pintura. decorativa e teatral. na Holanda. etc. jóias. como ele mesmo dizia. Casou-se com uma jovem muito rica e feia. Tinha muita facilidade com cores e com isso vai pintar muito bem o "nu". com uma alegria muito grande de viver. Abriu uma oficina de arte com 200 auxiliares. Sofreu influência no começo de sua carreira do pintor Michelângelo de Caravaggio. Sua pintura era bem vigorosa. cabelos. Era um homem interessante e se relacionava muito bem com os católicos e com os protestantes. etc. Fazia amizade com todos. Comprou uma belíssima casa. Era uma arte que estimulava a pompa e o esplendor dos palácios barrocos. Bélgica. Tudo o que pintava era com perfeição. roupagem. É um dos maiores pintores da história da arte. Ele não fazia anotações como Leonardo da Vinci e nem era diplomata como Rubens. REMBRANDT VAN RIJN (1606-1669) Nasceu na cidade de Leyden (cidade das tulipas e da porcelana azul e branca).PETER PAUL RUBENS (1577/1640). Era um homem iluminado. Ele fazia o desenho e depois terminava o quadro pintando o rosto e as mãos dando uma unidade geral da obra.

a dor. Rembrandt tinha muitos alunos talentosos. tem o Vermeer na Holanda um companheiro. É estabelecer o conjunto de obras autênticas dos artistas. Todos esses artistas constituíram no Barroco uma tendência construtiva. Deixa de pintar para vender pincéis. tintas. mais condizente com o puritanismo protestante ou com a mentalidade burguesa. Lembrete: Barroco Católico: A pintura torna-se instrumento para a Igreja. A tinta à óleo utilizada era bem mais oleosa do que a de hoje.: Ticciano e Raphael também assinavam as obras de seus alunos. o calor humano. Sistema de pintura de Rembrandt: Colocava primeiro todos os ocres. Foi descoberto 15 anos atrás que muitas obras de Ticciano e Raphael eram de seus alunos. Ele retrata a essência da pessoa. As vezes ele assinava o quadro de seus alunos para que fosse vendido mais facilmente. os amarelos.Em 1642 morre sua esposa e fica viúvo com muito dinheiro. Buscou a ordem no interior. Vermeer teve pouquíssimas obras e não se sabe nada sobre sua vida. Naquela época ele tinha muitos ajudantes para pintar suas obras. Já tem o volumes 2. começa a namorar uma moça mais pobre ainda. Ele pinta seus auto-retratos como se fosse um ser humano bem real. Cada aluno só pintava com uma cor. Perdendo o mercado e ficando pobre. No final do trabalho ele integrava as cores e as pinceladas. Ele fazia o desenho antes e marcava onde ia ter os pontos de luz. Obs. muito limpo e arrumado. por exemplo o ocre ou o marrom. no rigor de suas linhas retas. Foi um péssimo administrador e acabou logo com sua fortuna. Naquela época todos pintavam igual ao mestre e hoje o objetivo é cada um ter que encontrar seu caminho na pintura. Não importava em saber quais os personagens que iriam ficar no escuro. o sofrimento. É por isso que encontramos hoje muitos quadros que não são realmente de Rembrandt. Os personagens tinham importância de acordo com a luz. Sua popularidade como pintor cai após a sua obra "Ronda da Noite". Apareceram 600 obras de Rembrandt. Barroco Protestante: Poussin. Pintou cenas de batalhas e voluntários da guerra. Na realidade seria muita obra pelo seu tempo de vida. 69 . além dos seus alunos que pintavam como ele. Os seus alunos pintavam igual à ele. É um meio de propagação e ação. Isso determinava aquela luminosidade. Em 1982 foi publicado o primeiro volume sobre as obras de Rembrandt e se refere as obras do período de 1625 a 1631. Não vai idealizar. É uma história de persuasão para “ganhar o paraíso ou padecer no inferno”. Existe muito Rembrandt falsificado como o do MASP e o do Metropolitan. Rembrandt pintou muito retrato de grupo de pessoas. O projeto de pesquisa Rembrandt chama-se PPR. depois os marrons. Fica tão pobre e doente que vai parar em um asilo. Vai pintar os olhos penetrantes e fundos e utiliza muito os tons de sépia. o que causa muita polêmica hoje em dia em seus quadros. etc.

Vão retratar cozinhas. Capela da Fazenda de Santo Antônio. sem excessos e perfeito. OBRAS BARROCAS BRASILEIRAS: Algumas ruínas na igreja de São Miguel. incentivado pelo espirito bandeirístico. O BARROCO. Ele vai surgir no auge do Renascimento. Matriz de Santana do Parnaíba. Passou-se a considerar a existência de um barroco protestante e em seu aspecto genérico formal. destaca-se Vermeer. Vão retratar a arquitetura do campo. em São Paulo. tavernas. em São Roque (séc. gênio da musicalidade da luz. de um classicismo dentro do próprio barroco. não proporcionou possibilidades de atividades artísticas. em Embú. bem mais sensual (como o de Vermeer) e bem mais contemplado. não de tensão nos contrastes. Barroco Clássico: É quando o Barroco mistura as artes da Grécia. É assim chamado de barroco clássico. é chamado pelos historiadores de "BARROCO CLÁSSICO". século XVIII. em São Paulo. O nomadismo. mas de harmonia nos contrastes. XVII). Depois ele vai chegar ao excesso sendo chamado de "ROCOCÓ". ao genes social do estilo.: O Museu do Louvre é em parte barroco com suas colunas gregas. Matriz de São Miguel. Vai ter uma conotação muito forte principalmente na arquitetura que vai ser muito clássica. Descobre o retrato dos camponeses e de suas vidas íntimas. Na arquitetura predominava o maneirismo. 70 . o povoamento se concentrou em Curitiba (Paranaguá). lojas. Obs.A existência de tal grupo de artistas levou a reconsideração de toda uma linha interpretativa no Barroco. porque vai ter muita ligação com Roma e Grécia. com efeito. O barroco protestante é bem mais contido. (As missões) dos Jesuítas. em São Paulo. na Itália (Florença). Egito. era melhor que o Barroco. na França. quartos. Barroco no Campo: Vai ter outras expressões. Gente sedentária de pouca iniciativa. no tocante. Barroco no Sul do Brasil: Com o ouro e a prata. que não as religiosas. Nossa Senhora do Rosário. Entre esses artistas. traria seu sentido. Roma. Esse sim. Capela de Iporanga. Os historiadores achavam que o Renascimento por ser organizado. O mesmo se dava em São Paulo.

Estilo colonial significa que vem das colônias portuguesas. (Ler o livro "O tempo e o vento" de Érico Veríssimo. Obs. Na Áustria e na Alemanha não chegou a ter o barroco clássico. é uma versão muito mal interpretada do estilo barroco. Não existe a pintura Rococó porque este estilo só vai aparecer na decoração e no interior das casas. Galpões das fazendas também são do estilo barroco. São burgueses e muito práticos. em São Paulo. Só vai acontecer em Roma.Município de Santo Ângelo no Rio Grande do Sul. em São Paulo. em São Paulo. Igreja de Nossa Senhora. Parati é toda barroca. Áustria e Alemanha vão estilo Rococó na parte interna das casas. em adornos. Pátio do Colégio. com raras exceções. um pouco antes do Rococó. Países Baixos não usam Rococó. Barroco Flamejante: O auge do Flamejante é no Gótico. Moram em casas pequenas. Roma não vai ter Rococó nem em igrejas e nem em lugares públicos. 71 . “clean”. O Flamejante surge no final do barroco em Roma. Igreja de São Vicente. em Itanhaém. Igreja de São Francisco. Foi mal restaurada. na arte decorativa dos mobiliários e tapeçarias. O móvel colonial aveludado. O arco botante e contra forte utilizados nas igrejas barrocas não são para dar auxílio a arquitetura. O ROCOCÓ só vai ocorrer na França. Ruínas da igreja "Missiones". Eles queriam enfeitar mais ainda as igrejas (as últimas que foram construídas) se inspirando muito no gótico. de 1554. Toda igreja gótica tem contraforte e arco botante.: Colonial e Barroco é a mesma coisa. Igreja de Embú. porque é limpo. Versailles é de estilo Rococó por dentro e tem por fora uma arquitetura clássica barroca. que vai relatar sobre as Missiones). mas sim para decorar.

Nos quatro cantos tem muita escultura de anjos e atrás tem um vitral iluminado. pois a obra é perfeita e não tem o que terminar. na Igreja de Santa Maria de La Vitória. Não tinham ciúmes um do outro. Embaixo do tabernáculo se encontra o Túmulo de São Pedro. como se fosse de borracha. É uma arquitetura fantástica e difícil para ser executada com a tecnologia da época. 72 .DOIS ARQUITETOS MUITO IMPORTANTES DA ITÁLIA: BERNINI (1598-1680) Foi o maior arquiteto e escultor do seu tempo. O telhado dessa igreja é côncava e convexa. Trabalhou muito na Basílica de São Pedro. “Santa Teresa” foi uma grande santa na época da contra-reforma. É uma obra em aberto. Emocionalmente instável o que o levou ao suicídio. É plasticamente perfeito. Já o David de Bernini é humano. Bernini também fez a escultura de David sem o “Golias” de forma tão perfeita que você percebe a falta dele. A decoração é barroca. mal-humorado. em Roma. que é renascentista e barroca. falante e conquistava a todos. Quem trabalhou na cúpula foi Michelângelo. No renascimento não existe essa abertura. É muito diferente do David de Michelângelo. Borromini fica tão deprimido que acaba suicidando-se. bonitão. Nesta mesma praça se encontra a Embaixada Brasileira. BORROMINI Era o oposto de Bernini. charmoso. Não interfere com o resto. Borromini depressivo foi distanciando-se de Bernini. impávido. O barroco deixa a obra em aberto para que você a conclua. Obra prima de Bernini: Capela Carnaro onde está o "Êxtase de Santa Teresa". muito reservado. Todas as construções em Roma eram feitas eles. Quieto. Bernini e Borromini são o auge da escultura e arquitetura barroca em Roma. Tem no centro um obelisco egípcio e muitas luzes. Bernini fez o Tabernáculo que se encontra no fundo da Basílica de São Pedro. mulherengo. também de estilo barroco. o rei dos reis. Bernini era um homem simpático. Tem arcabouço e cúpula renascentistas. sozinho. fechado. em Roma. Como essa igreja demorou muito para ser construída ela passou por diversos artistas em diferentes épocas. Outra obra: Piazza Navona com uma fonte maravilhosa. Grande projeto de Borromini: Igreja de São Carlos (com 4 fontes). Borromini e Bernini eram amigos e confidentes. São 4 colunas Salomônicas de Bronze.

PINTORES BARROCOS JAN VERMEER VAN DELT (1632 a 1675) Nasceu no Delta. Morreu cedo aos 43 anos. Não pintou muitos quadros, mas o que pintou foi considerado obra-prima. Pintou figuras bem simples com tarefas singelas como: limpar, tocar, varrer, olhar. Mulheres em seus afazeres domésticos e sempre no interior das casas holandesas. Consegue o milagre de transformar essas cenas através de texturas, cores e formas, como se fossem velhos retratos. Ele suaviza os contornos, dá muita luz e serenidade nas suas obras. Dá muito Recollection. Pinta o que ele vê. Não se sabe sobre a vida do Vermeer os livros não chegaram à um consenso. Usavam óleo e têmpera no Barroco. DIEGO RODRIGUES DA SILVA Y VELÁSQUEZ Sofreu grande influência do Caravaggio. Quando ele tinha 20 anos pintou sua famosa tela "O Aguadeiro de Sevilla". Perceberam daí que ele era um gênio por ser tão jovem e pintar tão bem. Fica muito amigo de Rubens que percebe o seu talento sugere a ele então que vá estudar em Roma. Visitou os museus de pintura em Roma para estudar os grandes mestres. Foi ver o que Michelângelo e Raphael tinham feito. Descobre que não tem muito o que aprender lá. Em 1630 passou 1 ano em Roma e voltou logo à Madri. Em Madri é nomeado pintor da Corte de Felipe IV. Vai ficar em Madri até o fim de sua vida. Sua tarefa era pintar os membros da corte de Felipe IV cuja família era muito feia e se vestiam muito mal. Eram considerados "cafonas". Ele transforma esses retratos em pinturas fascinantes, captando até a personalidade das pessoas retratadas. Vai empregar muita luz em seus quadros. Sua pintura tem um realismo visual muito diferente da pintura do Renascimento. Realismo visual é a impressão geral de um objeto e não só de um detalhe. Ex.: Com uma só pincelada dava a impressão dos pelos de um cão. Vai ser o gurú dos impressionistas mais tarde. Sua pintura tem pinceladas bem largas e soltas. Seu quadro mais famoso é "As Meninas", o qual se encontra no Museu do Prado. Ele consegue retratar o momento real do tempo muito antes de inventarem a máquina fotográfica. Essa obra “As Meninas” será muito ambígua. Você não sabe se Velásquez está pintando o Rei e a Rainha ou se está pintando as meninas. Ele deixa essa dúvida de propósito. O termo "As Meninas" era usado para se referir as damas de honra na época. Esse título foi dado pelos historiadores. Após sua morte foi pintado, no peito de seu retrato, uma condecoração em sua homenagem. JORGES DE LA TOUR (1593-1652) É um pintor francês. Mestre dos efeitos luminosos. Sua pintura é muito original. Vai usar muito claro-escuro utilizando-se do efeito da vela, pintando muito rápido. Vai passar a narrativa suave do caráter transitório. Muita ternura e intimidade. Muito recollection. 73

FRANCISCO GOYA (1746-1828) Nasceu em Saragosa, na Espanha Um dos grandes pintores de todos os tempos. Obs.: A Espanha é riquíssima por pintores famosos: Ex.: Velásquez, Murilo, Goya, Dali, Picasso, Miró. Aos 13 anos foi estudar com um pintor que se chamava Don Lusar. Ele não gostava de pintar, desenhar ou fazer tintas. Decidiu participar mais das touradas não deixando a pintura. Mais tarde tentou entrar na Academia de Artes em Madri não passando nos exames. O pai fica arrasado. Tenta novamente três anos mais tarde e novamente fracassa. Arrasado e frustrado, resolve ser toureiro. Recebeu uma chifrada no joelho ficando manco por muito tempo o que impedia essa atividade. Resolveu ser pintor na Itália. Lá, passeando num campo, em frente a um convento, vai conhecer 2 freiras e se apaixona por uma delas. Vão se corresponder por carta até que resolve raptá-la. A freira amarrou um monte de lençóis e jogou por cima do muro para que ele pudesse subir. Como ele estava manco e bateu com o joelho no muro, Goya cai ao chão machucando muito a cabeça. Depois dessa tragédia toda o romance acaba por aí. Vai para a cidade de Parma, na Itália, conseguindo entrar na Academia Real da Itália. Começa a pintar já com uma certa idade. Vende muito bem as suas obras. Escreve para seu pai comunicando que estava pintando muito e ganhando dinheiro. O pai pede que ele retorne a Saragosa. Lá em Saragosa vai ter muitas encomendas como pintor. Vai à Madri onde receberá uma encomenda muito grande de pintar uma série de canvas (cartões desenhados para que as pessoas pudessem depois bordar). Era quase que industrializado, Vai pintar o povo, os jovens que eram chamados de najas (ricos da época) e que mudariam muito o comportamento social da época. Esses najas vão ditar muito a moda na época. Em 1780 ele foi eleito por unanimidade Membro da Academia de Arte de Madri (que o havia rejeitado 2 vezes). Casa-se com Josefa e começa a ter uma vida de luxo e de riqueza. Compra um cabriolé (seria um carro conversível hoje) para sua esposa desfilar. Vai comprar também muitas jóias e ações para o futuro. Tem um filho chamado Francisco Xavier Pedro. Vai ser nomeado mais tarde Pintor da Corte do Rei (título máximo). O rei da época era Carlos IV. Goya vai ter uma doença infecciosa ficando à beira da morte. Nessa época não existia a penicilina. Consegue sobreviver mas fica surdo para o resto de sua vida. Essa surdez torna-o visualmente mais agudo. Vai pintar também a Corte Espanhola. Será uma releitura de Velásquez, pintando sem compaixão toda a família do rei. A rainha parecia um abutre, as condecorações dos condecorados eram como se fossem teias de aranhas. Toda a Corte tinha olhos lacrimejantes e boca murcha. Mesmo assim eles vão adorar porque vai ter muito luxo nas roupas, muita esmeralda, muito veludo, enfim, muita suntuosidade. Eles só se importavam com o luxo. Góya acaba recebendo muitas encomendas e ganhando muito dinheiro.

74

MÚSICA BARROCA:
Apareceram muitos instrumentos novos na época do barroco o que fez com que a música ficasse muito mais rica. Apareceram os conjuntos de Câmara e a Ópera que conhecemos hoje. O conjunto de Câmara tinha a mesma função que um aparelho de som tem nos dias de hoje. O instrumento mais importante que vai surgir é o violino e é com ele que vai se enriquecer a partitura. Antônio VIVALDI teve um gênero inovador, além de ter sido excelente compositor e muito habilidoso para tocar. Suas obras mais conhecidas são: Ex.: As quatro estações de Vivaldi Concerto La Stravaganzza Muitas cantatas Foi considerado, pelos críticos no século XX, o “Caravaggio” da música Barroca. É praticamente o primeiro grande compositor que surge e que vai influenciar muito os compositores posteriores de sua época. Joan Sebastian Bach, protestante, tinha paixão pelas igrejas góticas católicas e seus detalhes. É onde vai buscar inspiração para compor nesse estilo gótico (como as rosáceas, vitrais e sobre as minúcias). Foi mestre de capela, que era tão importante quanto pintor da corte. É o homem que vai reger, o maestro, o diretor. Deixou cantatas, missas, corais, "Paixão Segundo São Mateus", "A Grande Missa", "Cravo Bem Temperado", os "Concertos Braudenburguer", as "Fugas". As fugas tem um conteúdo psicológico, não significando uma fuga dos problemas, mas sim uma fuga da perda de um sentimento, uma emoção, com inteligência, com consciência. Uma fuga dos empecilhos emocionais. É a consciência livre, solta, uma fuga sem perdas, "deixando tudo para trás numa boa". Haendel, alemão, é o próprio compositor barroco. A sua obra é monumental, forte. Fez a obra "Doze Concertos de Gross". Hayden, compositor refinadíssimo que compôs sonatas, quartetos, sinfonias. Começou a tocar em Conjunto de Câmaras nas casas dos nobres, como mero tocador. Fez a "Sinfonia de Londres" e o "Quarteto do Imperador" que foi utilizado, em parte, no Hino Nacional da Alemanha.

75

É uma busca do tempo perdido onde cada 50 anos vai valer 500. depois que os Holandeses foram expulsos do nordeste (Pernambuco) e as igrejas destruídas pela invasão. a doçura de viver. XIX. para depois começar a corrida no século XX pelas máquinas. trabalhou muito com barro. Frei Agostinho de Jesus circulou muito no Rio de Janeiro e São Paulo. Dois grandes escultores Brasileiros do século XVII são: Frei Agostinho da Piedade (1620-1661). É o final de Versailles. Os missionários aqui no Brasil traziam artistas da Europa ou treinavam a mão de obra escrava. Criou tudo o que foi possível em música. o barroco que estava no auge já estava sendo abandonado e estavam começando o neoclassicismo. "Em busca do tempo perdido". com a independência do Brasil. Fez muita escultura em madeira que aprendeu em Portugal. As esculturas de barro eram cozidas em forno de pão. foram muitas delas restauradas pelos brasileiros. Obras: Sinfonias. Nessa época o mundo perde as coisas fortes como o prazer. BARROCO BRASILEIRO O Barroco no Brasil atingiu seu apogeu em 1763. A música de Mozart foi elaborada numa época de despedida. "Concerto em Ré Menor". esculturas. porque Rococó é o final do barroco. O que existia em madeira vinha de Portugal. Em 1822. porque os índios e os negros vão construir igrejas. Frei Agostinho de Jesus (1600-1661) O museu de Arte Sacra de São Paulo tem suas obras. Sua composição começa a sugerir um mundo que começa e uma outra forma de viver. dos próprios índios. "Concerto em Dó Menor". Era Austríaco e tocava desde os 5 anos. Nessa época os portugueses esculpiam em madeira. Tem gênero melancólico. a "Ópera Don Giovanni". Vai ser uma busca para novos estilos. quando houve a mudança da capital do Brasil para o Rio de Janeiro. Frei Agostinho de Jesus nasceu na Bahia e foi educado em Portugal. o prazer de viver. A mão de obra vai ser brasileira. XX e XXI. Naquela época onde existia tempo para pintar a Capela Sixtina em 5 anos ou Velásquez 4 anos para pintar "As meninas". "Requiém" que é muito lindo e triste. etc. indústrias. para serem artistas também.Mozart. volta ao passado. A Igreja da Bahia.de Prússel (?) vai ser descrito sobre os séculos XVII. 76 . XVIII. enquanto os brasileiros em barro. gênio que apareceu no Rococó (final do barroco).

começou a escoar todo o ouro pelo porto. que era montada aqui. arquitetos. Quase todas as construções grandes foram feitas no Rio de Janeiro. da tarde tem um coral cantando.: A igreja de Olinda foi restaurada na época (+/-) 400 anos atrás. em Salvador é toda barroca (de Lisboa). Ex. Entre os anos 1600 a 1800. principalmente o mineiro. O escritor Fernando Sabino (mineiro) escreveu para Carlos Drummond de Andrade um texto sobre o povo mineiro. Às vezes traziam uma igreja quase inteira. Artistas plásticos. 77 . feita por um arquiteto português chamado Francisco Xavier de Brito. Às 6 hs. com muitas luzes. não existia essa dificuldade. Livro recomendado: "A Muralha" de Inácio de Queirós. A Igreja de São Francisco. Mostra a dificuldade dos bandeirantes no transporte do material. Ela começa bem simples e vai se sofisticando a medida que chega material. com muitos entalhes. Nesse livro ele explica tudo isso e se refere sobre a mata atlântica como uma “muralha”. Nosso estilo forte é o feito em barro. Quase todos os materiais de construção eram importados. Outras levaram quase 50 anos para ficarem prontas por falta de mão de obra qualificada. A Igreja da Ordem Terceira de São Francisco. Com isso o barroco nordestino vai ter uma influência muito grande de Portugal. cheia de movimento como todo estilo barroco. interessante e se diferencia completamente dos outros. Tudo é bem pensado para que você sinta emoção. em Santos. onde o material chegava de navio. As primeiras construções barrocas tinham linhas mais estilizadas devido ao pouco material que conseguiam para a construção. de navio. O Barroco Mineiro é forte. Ao redor do Porto. do ano de 1554. AS 3 FASES BARROCAS COLONIAIS: A primeira fase ocorre na descoberta do Brasil. O mineiro.: A primeira Igreja do Brasil é a do Pátio do Colégio em São Paulo. como pode ser visto na Igreja Nossa Senhora do Carmo. as igrejas barrocas começaram a serem construídas de forma diferente do barroco mineiro.Ex. que é um povo diferente. resultando em construções mais ricas na região. vai ter no seu trabalho. O exterior é simples e o interior é riquíssimo. Tinham uma dificuldade muito grande no transporte do material de São Vicente para São Paulo. é lindíssima e levou quase 100 anos para ser feita. É dramática. na sua pintura e arquitetura um estilo diferenciado. músicos e intelectuais começaram a chegar no porto do Rio de Janeiro. A cidade vai se tornar o centro cultural do país. mudando completamente a vila. Barroco no Rio de Janeiro: no princípio o Rio de Janeiro era quase um vilarejo e quando abriram a estrada do caminho novo que ligou Minas Gerais ao Porto do Rio de Janeiro.

Por esse motivo o negro vai construir sua própria igreja. Mariana. Eram venezianas "quadradinhas" que avançavam um pouco para frente como se fossem "Bay window". ocorre uma vontade de dominação do povo através do ouro. O nosso barroco é diferente dos das Américas Central e Sul. O assunto do sermão abordava os problemas atuais do momento e do local. O católico mineiro posicionou a igreja como sendo a localização geográfica mais importante do vilarejo. Elas se comunicavam através de bilhetes que passavam pelas frestas da janela. É justamente dessa simplicidade. a grosso modo. Sabará. menos rebuscado que o barroco do resto do Brasil. Na América Latina coexistem 2 tipos de barroco: O Luso-Brasileiro e o Hispânico-Americano. que o barroco mineiro extrai sua força e originalidade. dessa sóbria elegância. Isso deu 78 . pode-se dizer. Essas janelas vão aparecer até no nordeste. As ordens religiosas Carmelitas. Obs. significava a influência moura ou árabe. das pinturas. A divisão física da igreja mineira também difere do resto das igrejas brasileiras. que o barroco brasileiro mineiro é num todo mais rural. Influência política que ocorre no barroco na construção ou arquitetura: Com o processo revolucionário da Inconfidência Mineira. na tentativa de harmonizar a vida naquele vilarejo. Outro aspecto importante era o realismo das esculturas. não rebuscada. Moucharabi. Por vezes os dois se aproximam. cada uma tinha sua maneira de distribuir os fiéis na igreja. Dominicanas. mas não podiam ser vistas. Assim.: A Igreja mineira. das imagens. menos monumental. desse senso de medida e proporção. desse despojamento. Era muito importante ter um lugar para ser feito o “sermão”. eram levadas para a igreja com o véu ou lenço sobre seus rostos. mas nunca se confunde um com o outro. Ex. tendo grande influência entre eles. As jovens dentro de casa podiam ver através dessas janelas. os homens ficavam separados das mulheres e os Balcões Laterais eram reservados para as autoridades e seus familiares. Franciscanas. de um modo geral a irmandade Franciscana. O sermão. Em Minas Gerais o "negro" só entrava na igreja para acender as lamparinas.O auge do barroco mineiro ocorre com a descoberta de pedras preciosas e ouro em uma grande região que vai ser denominada Minas Gerais. por sua vez. Na Nave. resultado da cobiça do ouro. que vai aparecer nas casas de Ouro Preto. Tinha uma conotação social. As classes sociais vão ocupar espaços diferentes na igreja. na igreja mineira. As jovens. Depois dos 14 anos elas podiam ir sem véu e com o cabelo solto para poder arrumar pretendentes. antes dos 14 anos. era feito em uma linguagem acessível. Foi confiada a mão de obra local dos mulatos e negros. Tudo acontecia em função do ouro. colocava no altar mor a irmandade. para todas as classes sociais. Outra característica é que ele vai pouco a pouco se transformando num estilo representativo dos anseios do povo. Existia uma hierarquia.

onde executou a maior parte de suas obras.oportunidade aos artistas de trabalharem com esse material e utilizar o barroco como forma criativa e original para expor seus desejos. em Mariana (cidade vizinha de Ouro Preto) e vai morrer em 1837. Deve provavelmente ter sido reumatismo deformante. não premeditado. Teve esse apelido aos 50 anos de idade devido a uma doença que atrofiou e deformou os seus dedos. Tudo era baseado no povo. foi considerado o maior estilo e artista brasileiro da época barroca. Ele somente não a pintou. Jeremias tem os pés presos no grilhão. sonhos e fantasias. Cristo aparece com as mãos e pés decepados. Athaíde também era mulato e Aleijadinho era filho de escravo com Português. Era um fazer a arte quase que irracional. Satanás será o malfeitor da zona de prostituição. Era o oposto da Europa. O altar-mor foi feito na época da Inconfidência Mineira. Era mulato. tal qual dos escravos fujões. Seu estilo que é do tipo “expressionista". Os evangelistas que Aleijadinho vai esculpir tinha as feições do mandachuva da cidade. Esses artistas são: Antônio Francisco Lisboa (Aleijadinho) que nasceu no ano de 1774. A igreja foi desenhada. A pintura da Madona (que é parecida com a namorada dele) e os anjos são mulatos. Manuel da Costa Athaíde que nasceu no ano de 1762. São caras bem distorcidas. Os púlpitos são colocados na entrada da capela-mor. Quem pintava era Athaíde (grande arquiteto também). Os anjos vão ser os meninos robustos que trabalhavam nas ladeiras. Os flageladores e perseguidores de Cristo são ridicularizados por pobres e ignorantes.: a Bíblia Ele esculpia com o instrumento amarrado à sua mão. O teto foi pintado por Manuel da Costa Athaíde que vai fazer uma pintura lindíssima com pássaros. tem na garganta uma corda e o coração está sangrando. porque deformava com apelo à emoção. Duas obras arquitetônicas de Ouro Preto são fundamentais para conhecer a arte de Aleijadinho: São Francisco de Assis: Início em 1776 e término em 1794. Isso é feito na época em que Tiradentes foi decepado e esquartejado. Aleijadinho vai trabalhar muito com o tema Inconfidência Mineira. construída e decorada somente por Aleijadinho. Viveu 26 anos em Congonhas do Campo. em Vila Rica. As pilastras são substituídas por colunas nas fachadas. Na época usava-se o termo "encarnar" que significava o mesmo que pintar. Suas faces são castigadas sem piedade pelo Aleijadinho. A arte de um povo tão jovem tinha que mostrar atrevimento. Era o que eles viam. Nunca estudou e nunca foi a Portugal mas era auto didata e aproveitava tudo o que existia de informações ao seu redor como ex. Seus dedos não caíram. Esculpia em cedro e em pedra sabão. 79 .

Ele vai mudar até a perspectiva para que pudesse ser vista por todos. belíssima. Ele também não tinha dinheiro para investir tanto. São de tamanho natural e "encarnados" (pintados) por Athaíde. Eles foram portanto refeitos. Este trabalho se encontra ao relento. tem doçura na carne. São os doze profetas feitos em pedra-sabão. nações fortes e fracas. a afirmação austera e firme do poder da grandeza dos povos humildes e porque ele é universal na sua arte. Todos são expressionistas e feitos em madeira pelo Aleijadinho. da Ponte. é sereno. O expressionismo tradicional no Brasil. que escreveu o Barroco Mineiro: Trecho onde se refere a entrada da Igreja em Congonhas do Campo: "Não entrarei Senhor no Templo Seu Frontispício me basta Vossas flores e querubins Já são matéria de muito amar". Congonhas do Campo: Guarda o maior conjunto artístico criado pelo mestre Aleijadinho. pois era uma arte barroca. Santo Ambrósio e São Jerônimo. A cada canto da abóbada dessa igreja. O Arco-cruzeiro que está na frente é atribuído também a Aleijadinho. em qualquer ponto da igreja. Ele é o símbolo dessa verdade simples. São Gregório. tem banco para sentar e namorar. de Athaíde. porque Aleijadinho é no tempo e na história. Quem fez o projeto foi Aleijadinho que somente iria orientar a obra. tem uma grande figura como São Agostinho. Chafariz de Ouro Preto: Não se encontra na Europa.A Nossa Senhora é vista por vários ângulos. É uma igreja que recebeu mais pintura do que as outras e os azulejos foram pintados por Athaíde imitando os de Portugal. Existem cupins (que atacam pedras) e estão destruindo tudo. Desenhada pelo pai de Aleijadinho. em que o artista (sem escola) se improvisava no esforço de alcançar o jeito de exprimir um sentimento. Essas pedras são todas de tonalidade cinza. Nossa Senhora do Carmo é uma Igreja muito importante. etc. Conjunto de 66 figuras de madeira: São os Passos da Paixão e ficam em capelinhas de madeira também ao relento. de Dirceu e Marília (recebe este nome por estar em frente a casa do casal). O rosto da Santa. 80 . Este era o modo típico de expressão de Aleijadinho. Essa igreja foi desenhada por Manuel Francisco Lisboa. acabava às vezes num caricatural do expressionismo. Não tinha importância. toda feita de pedra cantareira. Aleijadinho não detalhava os pés e nada da cintura para baixo. segundo a sugestão de Aleijadinho. Você a vê como uma mulher do povo. A pintura é de Athaíde. pedrasabão e itacolomi. No plano da arte não existe homens pequenos e grandes. Muda as linhas de fuga para conseguir esse efeito. carnudo. Aleijadinho achava que a pintura deveria ser diferente da pintura Portuguesa. no Santuário do Senhor Bom Jesus do Matosinho. Chafariz do Conto. É como se fosse uma mãe. pai de Aleijadinho e terminada pelo próprio Aleijadinho. no Adro da igreja (entrada). Matriz Nossa Senhora do Pilar: Situada em Ouro Preto. Foi toda pintada por Manuel da Costa Athaíde. com apelo maternal. o seio bem modelado e não sensual. por falta de tempo. sugerindo a Athaíde que mudasse os azulejos. Outro mestre mineiro: Carlos Drummond de Andrade.

com maior graça e intimidade. Surgido na França com a obra do decorador Pierre Lepautre. bizarro. elegância. Desenvolveu-se na Europa do século XVIII. Principais características: · Cores vivas foram substituídas por tons pastéis. frivolidade e exuberante. por volta de 1770. O termo deriva do francês rocaille. Vigoroso até o advento da reação neoclássica. Restaurou dezenas de igrejas. mosteiros e palácios. mais leve e intimista que aquele e usado inicialmente em decoração de interiores. · A estrutura das construções ganhou leveza e o espaço interno foi unificado. o rococó é também chamado estilo Luís XV e Luís XVI. que significa "embrechado". ARQUITETURA Durante o Iluminismo. Grande mestre do estilo rococó. (1692-1766).ROCOCÓ Rococó é o estilo artístico que surgiu na França como desdobramento do barroco. o centro artístico da Europa transferiu-se de Roma para Paris. na Prússia e em Portugal. difundiu-se principalmente na parte católica da Alemanha. e da arquitetura disseminou-se para todas as artes. Na França. técnica de incrustação de conchas e fragmentos de vidro utilizadas originariamente na decoração de grutas artificiais. entre 1700 e 1780. Os temas utilizados eram cenas eróticas ou galantes da vida cortesã (as fêtes galantes) e da mitologia. 81 . o rococó foi a principal corrente da arte e da arquitetura pós-barroca. responsável pela abadia beneditina de Ottobeuren. Principal Artista: Johann Michael Fischer. Características gerais: · Uso abundante de formas curvas e pela profusão de elementos decorativos. caráter intimista. laços e flores. pastorais. responsável por vários edifícios na Baviera. o rococó era a princípio apenas um novo estilo decorativo. alegria. Nos primeiros anos do século XVIII. tais como conchas. alusões ao teatro italiano da época. a luz difusa inundou os interiores por meio de numerosas janelas e o relevo abrupto das superfícies deu lugar a texturas suaves. motivos religiosos e farta estilização naturalista do mundo vegetal em ornatos e molduras. · Possui leveza. marco do rococó bávaro.

Principais Artistas: Antoine Watteau. quer cronológica. (1709-1772). é em sua disposição dentro da arquitetura que se manifesta o espírito rococó. um dos maiores representantes do estilo rococó na Alemanha. obras-primas dos interiores rococós. Fragonard destacou-se principalmente como pintor do amor e da natureza. escultor alemão. quer estilisticamente. membro de um grupo de famílias de mestres da moldagem no estuque. sempre com grande perfeição no desenho. (1684-1721). alguns retratos. Jean-Honoré Fragonard . distinguiu-se pela criação de santos e anjos de grande tamanho. "Pietà". e um dos mais antigos precursores do impressionismo. o rococó francês ficou restrito às artes decorativas e teve pequeno impacto na escultura e pintura francesas. Principais Artistas: Johann Michael Feichtmayr. caracterizado por uma arte alegre e sensual. não é possível traçar uma clara linha divisória entre o barroco e o rococó. escultor alemão. PINTURA Durante muito tempo. Foi um dos últimos expoentes do período rococó. Além dos quadros de caráter mitológico. desenhista e retratista de talento. "Anjo da guarda". Suas esculturas eram em geral feitas em madeira e a seguir policromadas. François Boucher. 82 . (1732-1806). Os grandes grupos coordenados dão lugar a figuras isoladas. Mais do que nas peças esculpidas. mas a alegre descontração do estilo rococó. cada uma com existência própria e individual. apareceram as primeiras pinturas rococós sob influência da técnica de Rubens. (1725-1775). paisagens ("O casario de Issei") e cenas de interior ("O pintor em seu estúdio"). que durante muito tempo obscureceu a verdadeira contribuição do artista para a pintura do século XIX. em que se afirmou o predomínio político e cultural da França sobre o resto da Europa. (1703-1770). as expressões ingênuas e maliciosas de suas numerosas figuras de deusas e ninfas em trajes sugestivos e atitudes graciosas e sensuais não evocavam a solenidade clássica. "Anunciação". No final do reinado de Luís XIV. Ignaz Günther. as figuras e cenas de Watteau se converteram em modelos de um estilo bastante copiado. pintou.ESCULTURA Na escultura e na pintura da Europa oriental e central. ao contrário do que ocorreu na arquitetura. que dessa maneira contribuem para o equilíbrio geral da decoração interior das igrejas. de cenas galantes em paisagens idílicas.

Surge o estilo Império. Foram descobertas nessa época.NEOCLASSICISMO No final do século XVIII. Principais características: * retorno ao passado. sujeição aos modelos e às regras ensinadas nas escolas ou academias de belas-artes. de comer.: As esculturas gregas originais quando feitas em mármore tinham os olhos pintados e quando feitas em bronze tinham pedras para decorar os olhos. Por esse motivo temos o néo-classicismo. o "Arco do Triunfo" (mandado ser construído por Napoleão). O pintor néo-clássico fica tão ligado ao clássico. Napoleão pede para ser pintado com a mão no bolso. Pintam fatos históricos. quase que caricaturista. como se fosse um grego. Obs. O pintor néo-clássico. onde a burguesia. através das escavações. depois o gosto geral de se vestir. vai surgir o espírito dos tempos modernos. * arte entendida como imitação da natureza. As pinturas que eram "encáusticas". à base de cera. Todos ficam muito ligados a Roma. * academicismo nos temas e nas técnicas. nas roupas. Abandonando o estilo barroco que era trabalhoso. Grécia. A escultura grega na Itália era feita sem os olhos. pela imitação dos modelos antigos greco-latinos. etc. o povo são os vencedores. Com o passar dos tempos os cristãos tiraram as pedras preciosas dos olhos das esculturas que então ficaram sem o olhar. por sua vez. que estava morrendo de fome. Os pintores achavam que as esculturas gregas não tinham olhar de propósito e não que fosse devido a uma destruição do tempo. sobre a literatura medieval e sobre a mitologia. Os pintores imitam as esculturas na suas pinturas. que vai aparecer no mobiliário. É o começo dos tempos modernos da história da Arte. um recomeçar. No renascimento existe uma renovação da antigüidade. Com a revolução francesa eles se achavam a própria encarnação dos heróis gregos e romanos. isto é. as cidades de Pompéia e Herculano. Como exemplo vai surgir o Néo-classicismo na Inglaterra com as construções de castelos néo-góticos. Em Paris vão construir a Igreja "La Madeleine". O néo-clássico vai copiar o clássico e ao adaptar à sua época. temos como conseqüência a mudança do estilo na arte. piora um pouco a arte. Tudo isso vem como conseqüência da revolução. Vai cair a "Maria Antonieta" quando diz ao povo. foi derretendo com o tempo. Pintam cenas de arqueologia e cenas heróicas. que dessem brioches à eles. isto é. que esquecem dos detalhes. o néo-gótico. com a Revolução Francesa. levando-o a uma pintura pejorativa. Na época do néo-classicismo. por toda Europa e resto do mundo. Todos são néo-clássicos. 83 . Começam a usar as formas gregas e góticas nas construções. pintou Napoleão sem os olhos. com suas virtudes. num verdadeiro culto à teoria de Aristóteles.

Durante o governo de Napoleão. e não o retórico e inflamado Delacroix. Seus retratos são invariavelmente enriquecidos com mantos aveludados.ARQUITETURA Tanto nas construções civis quanto nas religiosas. mas a crítica moderna vê nos retratos e nus o seu trabalho mais admirável. mais tarde.foi considerado o pintor da Revolução Francesa. o mais revolucionário dos dois. PINTURA A pintura desse período foi inspirada principalmente na escultura clássica grega e na pintura renascentista italiana. em Paris. além de composições mitológicas e literárias. os historiadores de arte acreditavam que os edifícios gregos eram recobertos com mármore branco. 84 . Ingres soube registrar a fisionomia da classe burguesa do seu tempo. foram cobertas pelas lavas do vulcão Vesúvio. refletindo racionalismo dominante. Diante daquelas construções. e a Porta do Brandemburgo. flores e jóias. Exemplo: Casa Branca dos Estados Unidos. rendas. Características da pintura: * Formalismo na composição. Jacques-Louis David . na recusa a produzir qualquer julgamento moral a respeito deles. sem dúvida. tornou-se o pintor oficial do Império de Napoleão. mas algumas delas exprimem fortes emoções. * Exatidão nos contornos * Harmonia do colorido Os maiores representantes da pintura neoclássica são. o pintor foi uma espécie de cronista visual da sociedade de seu tempo. repetia a seus alunos. Para seu conhecimento: Forte influência da arquitetura neoclássica foi a descoberta arqueológica das cidades italianas de Pompéia e Herculano que. ele afirmava. numa época em que se consumava o processo de aliança entre a nobreza e a burguesia. contudo foi Ingres. em Berlim. que desenhar uma linha perfeita era muito mais importante do que colorir. Exemplos dessa arquitetura são a igreja de Santa Genoveva. retratos e paisagens. nus. Obra destacada: Bonaparte atravessando os Alpes e Morte de Marat. registrou fatos históricos ligados à vida do imperador. Amante declarado da tradição. a arquitetura neoclássica seguiu o modelo dos templos greco-romanos ou o das edificações do Renascimento italiano. transformada depois no Panteão Nacional. Ardoroso defensor da pureza das formas. Suas obras geralmente expressam um vibrante realismo. mestre inegável do equilíbrio da composição. principalmente no gosto pelo poder e na sua confiança na individualidade. O detalhismo também é uma das suas marcas registradas. sobretudo em Rafael.C. Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867). ocasionando a construção de tantos edifícios brancos.. no ano de 79 a. Sua obra abrange. Ingres passou a vida brigando contra a vanguarda artística francesa representada pelo pintor romântico Eugène Delacroix. por exemplo. num erro de interpretação. Ingres acreditava qua a tarefa primordial da arte era produzir quadros históricos. " A pincelada deve ser tão fina como a casca de uma cebola". A modernidade de Ingres está justamente na visão distanciada que tinha de sue retratados.

O belo para eles é muito relativo e individual. pitoresca. a atividade artística tornou-se complexa. a permanência do estilo anterior. provocando a divisão do trabalho e o início da especialização da mão-deobra. Obra Destacada: Edifício do Parlamento Inglês PINTURA Características da pintura: * Aproximação das formas barrocas. menos razão. * Composição em diagonal sugerindo instabilidade e dinamismo ao observador. mas em língua românica. * a valorização da natureza como princípios da criação artística. Do mesmo modo. Características gerais: * a valorização dos sentimentos e da imaginação.ROMANTISMO A palavra vem de romance. Escreviam não em latim. o neoclássico. Observa-se. O propósito dos artistas românticos era a volta à natureza sublime. políticas e culturais causadas por acontecimentos do final do século XVIII que foram a Revolução Industrial que gerou novos inventos com o objetivo de solucionar os problemas técnicos decorrentes do aumento de produção. Tem mais liberdade e menos regras que o néo-clássico. e pela Revolução Francesa que lutava por uma sociedade mais harmônica. e * os sentimentos do presente tais como: Liberdade. Tudo é muito romântico e assim lidam com a emoção pela emoção. e * Dramaticidade 85 . Igualdade e Fraternidade. traduziu-se essa expectativa na Declaração dos Direitos do Homem e do Cidadão. a violência. A essência do romantismo é a glorificação dos instintos. Pregam a liberdade individual acima de regras e de normas. eles adoram a liberdade. Os artistas românticos procuraram se libertar das convenções acadêmicas em favor da livre expressão da personalidade do artista. o poder. o amor. Vez por outra retomou-se o estilo gótico da época medieval. Mais cor e menos desenho. O pintor vai ser muito dramático e emotivo. Mais sentimentos.O século XIX foi agitado por fortes mudanças sociais. grosso modo. Vão escrever muito sobre a lenda do Rei Artur. Em nome do romance. Amam os gregos também. Pintam muitas paisagens. História das aventuras medievais. * Valorização das cores e do claro-escuro. gerando o neogótico. ARQUITETURA E ESCULTURA A escultura e a arquitetura registram pouca novidade. forte. profunda veneração à natureza. * o nacionalismo. em que os direitos individuais fossem respeitados.

de agir. seres deformados.Temas da pintura: * Fatos reais da história nacional e contemporânea da vida dos artistas. Veneza. e * Mitologia Grega Principais artistas: Goya . Nascido num momento crucial da História da França. cenas históricas e as lutas pela liberdade. Turner . Uma das primeiras vezes que a arte registra a presença da máquina (locomotiva). procurou descrever certa atmosfera da paisagem. O comportamento romântico caracteriza-se pelo sonho. 86 . inimigo do romancista Honoré de Balzac. Seu quadro mais conhecido A Liberdade Guiando o Povo. Eugène Delacroix (1798-1863). Goya e sua mitologia povoada por sonhos e pesadelos. Assistiu à ascensão e queda de Napoleão Bonaparte. admirado pelo poeta Charles Baudelaire e indiferente às demais celebridades de seu tempo. suas obras apresentam forte comprometimento político e o valor da pintura é assegurado pelo uso das cores. Amigo do compositor Frèderic Chopin. rico e namorador. o pintor viveu a maior parte da vida jovem e adulta num mundo que voltava aos poucos à antiga ordem natural das coisas. finalmente. Morreu em Bordeaux. os horrores da guerra. a restauração da dinastia dos Bourbon e. a entronização do rei Luís Felipe. em 1963. em 1746. Para seu conhecimento: A palavra romantismo designa uma maneira de se comportar. de interpretar a realidade. * Natureza revelando um dinamismo equivalente as emoções humanas. Vapor e Velocidade e O Grande Canal. das luzes e das sombras. tons opressivos. em 1828. em 1830. Senhor absoluto da caricatura do seu tempo. dono de uma língua ferina. Trabalhou temas diversos: retratos de personalidades da corte espanhola e de pessoas do povo. Delacroix tinha noção da própria grandeza. mas por meio do estudo da luz que a natureza reflete. foi feito por inspiração do movimento que levou Luís Felipe ao trono da França. Espanha. Culto.representou grandes movimentos da natureza. muitas vezes tomado como um símbolo das lutas populares e republicanas. aquele em que a burguesia revolucionária colhia os frutos de seu triunfo sobre a monarquia dos reis Capeto. escreveu na derradeira nota de seus famosos diários.Nasceu no pequeno povoado de Fuendetodos. Representava assuntos abstratos personificando-os (alegorias). por uma atitude emotiva diante das coisas e esse comportamento pode ocorrer em qualquer tempo da história. menos de dois meses antes de morrer. Obra destacada: Os Fuzilamentos de 3 de maio de 1808. a ação incompreensível de monstros. "A principal qualidade de um quadro é ser uma festa para os olhos". Obras destacadas: Chuva. dando-nos a sensação de grande movimentação.

ferroviárias. Em 1889. nomeia um sistema. Sua característica principal é a fixação do momento significativo de um gesto humano. Além disso. REALISMO Aparece quando o romantismo está no auge. assumindo muitas vezes uma intenção política em suas obras. tanto para os operários quanto para a nova burguesia. como a mitologia. armazéns. lojas. em Paris. os escultores preferiam os temas contemporâneos. Gustavo Eiffel levanta.não se preocupou com a idealização da realidade. que tinha aprendido a utilizar o conhecimento científico e a técnica para interpretar e dominar a natureza convenceu-se de que precisava ser realista. PINTURA Características da pintura: * Representação da realidade com a mesma objetividade com que um cientista estuda um 87 . uma nova tendência estética chamada Realismo. etc. hospitais e moradias. sobretudo na pintura francesa. Os Burgueses de Calais. As cidades não exigem mais ricos palácios e templos. a Torre Eiffel. um estilo delimitado no tempo.Romantismo designa uma tendência geral da vida e da arte. São características gerais: * o cientificismo * a valorização do objeto * o sóbrio e o minucioso * a expressão da realidade e dos aspectos descritivos ARQUITETURA Os arquitetos e engenheiros procuram responder adequadamente às novas necessidades urbanas. Obras destacadas: Balzac. hoje logotipo da "Cidade Luz". inclusive em suas criações artísticas. escolas. portanto. que se desenvolveu ao lado da crescente industrialização das sociedades. Ao contrário. estações. criadas pela industrialização. Elas precisam de fábricas. O homem europeu. ESCULTURA Auguste Rodin . bibliotecas. Não existem temas abstratos para o realista. O Beijo e O Pensador. procurou recriar os seres tais como eles são. Entre 1850 e 1900 surge nas artes européias. deixando de lado as visões subjetivas e emotivas da realidade.

por exemplo. Rembrandt. Principais pintores: Courbet . Essa obra vai ser reproduzida muitas vezes. Pintam muito o outono com sua luz dourada fantástica. pois procurou retratar em suas telas temas da vida cotidiana. como era a natureza. Heróis que nada têm a ver com os idealizados heróis da pintura romântica. Jean-François Millet. a chuva. criou uma obra realista na qual o principal elemento é a ligação atávica do homem com a terra. A escola de Barbizon é muito importante porque vai ser a primeira vez que vão pintar ao ar livre antes do impressionismo. Temas da pintura: * Politização: a arte passa a ser um meio para denunciar uma ordem social que consideram injusta. a fealdade. etc. As pessoas das classes menos favorecidas . em resumo . Pissarro e Van Gogh. Em arte. O grande pilar dessa escola é MILLET que vai pintar "Angelus". o relâmpago. ESCOLA DE BARBIZON Barbizon era um vilarejo nas bordas da floresta de Fontaineblaux. e. Alguns pintores do romantismo vão pintar ao ar livre para ver como cai o granizo. a arte manifesta um protesto em favor dos oprimidos. Manifesta sua simpatia particular pelos trabalhadores e pelos homens mais pobres da sociedade no século XIX. pois a beleza está na realidade tal qual ela é.fenômeno da natureza. a vulgaridade dos tipos que pintavam.foi considerado o criador do realismo social na pintura. sendo quase que científica a sua forma de pensar. "Angelus". * Revelação dos aspectos mais característicos e expressivos da realidade. Passam o dia pintando na floresta. Foi educado num meio de profunda religiosidade e respeito pela natureza.tornaram-se assunto freqüente da pintura realista.) e também gostam muito da burguesia e quase todos os artistas também são burgueses. * Pintura social denunciando as injustiças e as imensas desigualdades entre a miséria dos trabalhadores e a opulência da burguesia. próximo à Paris. principalmente das classes populares. mais tarde. * Ao artista não cabe "melhorar" artisticamente a natureza. Trabalhou na lavoura desde muito cedo.o povo. Seus numerosos desenhos de paisagens influenciaram. É o caso. Obra destacada: Moças Peneirando o Trigo. ou seja o pintor buscava representar o mundo de maneira documental. que são duas pessoas rezando à tarde. final de dia. elevando esses tipos à categoria de heróis. 88 . Os artistas incorporavam a rudeza. tem um duplo movimento. sensível observador da vida campestre. Barbizon vai querer empregar a luz pela primeira vez. Todos os artistas de Barbizon admiram profundamente a arte Holandesa (da época barroca. Pintam muitas paisagens modestas. Vermeer.

republicano. É a primeira vez que a paisagem é reconhecida como obra de arte. mas sendo o personagem em segundo plano e a paisagem em primeiro. Pinta paisagens. ocorreram bem próximos num movimento de 100 anos. Esses pintores vão participar de uma exposição universal em 1855. amigo da verdade e verdadeiro" A palavra realismo designa uma maneira de agir. O néo-classicismo. COROT: Outro grande pintor da escola.Millet nasceu camponês e vai pintar semeadores. bem próximo ao impressionismo cujo primeiro quadro surgiria em 1874. às vezes introduzindo um cachorro ou uma pessoa no meio da paisagem. romantismo e realismo. realista. socialista. de interpretar a realidade. Vai pintar o rio. O termo Realismo significa um estilo de época que predominou na segunda metade do século XIX. como a água corre. Para seu conhecimento Courbet dizia: "Sou democrata. A partir de 1855 é que o pintor começa a pintar o que sente. seivadores. por uma atitude racional das coisas pode ocorrer em qualquer tempo da história. A paisagem barroca era encomendada aqui na escola de Barbizon. A escola de Barbizon é um estilo que significa "ao ar livre". Esse comportamento caracteriza-se pela objetividade. não só por encomenda. DAUMIER: Também pinta camponeses. É considerado o pintor mais importante da Escola de Barbizon. 89 . Vão pintar paisagens e são aceitos na exposição universal em Paris.

90 . Havia algumas considerações gerais. muito mais práticas do que teóricas. Edward Manet. em abril de 1874. ao admirar a pintura. discutir suas idéias. É o observador que. portanto. pois a linha é uma abstração do ser humano para representar imagens. que era o mais tradicionalista. * Os contrastes de luz e sombra devem ser obtidos de acordo com a lei das cores complementares. e não escuras ou pretas. HISTÓRIA DO IMPRESSIONISMO O Café Guerbois era o local onde os impressionistas se encontravam para bater papo. A mistura deixa. Principais características da pintura: * A pintura deve registrar as tonalidades que os objetos adquirem ao refletir a luz solar num determinado momento. devem ser puras e dissociadas nos quadros em pequenas pinceladas. foi eleito o chefe desse movimento que estava se iniciando. um amarelo próximo a um violeta produz uma impressão de luz e de sombra muito mais real do que o claro-escuro tão valorizado pelos pintores barrocos. pois as cores da natureza se modificam constantemente. * As figuras não devem ter contornos nítidos. Assim. * As cores e tonalidades não devem ser obtidas pela mistura das tintas na paleta do pintor. de ser técnica para se óptica. tal como é a impressão visual que nos causam. que os artistas seguiam em seus procedimentos técnicos para obter os resultados que caracterizaram a pintura impressionista. A primeira vez que o público teve contato com a obra dos impressionistas foi numa exposição coletiva realizada em Paris. Fez duas telas: "Olimpiá" (sobre as prostitutas) e cujo tema chocava o público e "O almoço na relva" (onde os homens se encontravam com as mulheres) causando um escândalo na época. pois ainda se mantinham fiéis aos princípios acadêmicos da pintura. combina as várias cores. Ele foi o mais atacado pela crítica e pelo público. dependendo da incidência da luz do sol. Pelo contrário. dentre os pintores impressionistas. definir suas metas.IMPRESSIONISMO O Impressionismo foi um movimento artístico que revolucionou profundamente a pintura e deu início às grandes tendências da arte do século XX. obtendo o resultado final. como os pintores costumavam representá-las no passado. * As sombras devem ser luminosas e coloridas. Mas o público e a crítica reagiram muito mal ao novo movimento.

Pinceladas bem amplas porque o tempo é escasso. 2. 6. uma competição. de substituir tudo por coisas novas e industrializadas. Vão fazer poucos detalhes. 7. Eles nunca tiveram a pretensão de descobrir a luz. Os valores mudam completamente. o fugaz. Vão inventar a máquina fotográfica portátil. o reflexo como a luz e a fumaça e as nuvens são usadas constantemente. Mistura ótica das cores. 91 . Diante disso o artista teve que repensar seu momento para mudar sua arte. Liberdade para captar. Tentam entrar nos salões e são impedidos. Desaparecem os contornos das figuras. mutável das coisas. Nas suas pinturas vão empregar o caráter inacabado. A forma é dada pela cor. A fotografia vai ser importante nesse momento. sem qualquer regra. É retirado o preto da palheta. 10. PRINCIPAIS CONCEITOS DO IMPRESSIONISMO 1. foi a solução que abriu definitivamente novos horizontes para a Arte Moderna. Eles começam a pintar mais o que SENTEM do que o que eles VÊEM. com todos esses conceitos. é fonte imediata de sensações. Muita luz e sombra. Vão lutar 30 anos para serem aceitos. O Impressionismo é definido como tentativa inédita de pegar a realidade da luz. mas também no seu método de trabalho. 8. Muita luz e amarelo. os barrocos é que a descobriram. O homem percebe que sua existência é uma luta. 5. 4. 11. Uso da temática japonesa. O pintor sai do atelier e vai pintar ao ar livre (acaba o “posar”). Para os impressionistas a natureza não é um material de reflexão. 9. 12. as impressões do momento. Os Impressionistas captam esse aspecto transitório da vida e do mundo. pois provocaram uma verdadeira revolução na Arte. Imperava a máquina fotográfica. O maior pintor Impressionista é Claude Monet. O impressionismo é inovador não só da prática ao ar livre. O efêmero. Resolvem fazer um salão só para eles que vai ser denominado de "O salão dos recusados". Passaram a fotografar tudo ao ar livre. 3. Ele passa a ter consciência do caráter transitório. O Impressionismo.O aprimoramento técnico em todos os setores do desenvolvimento industrial imperava o desejo do novo.

uma técnica nova. um Samurai. etc.Eles renunciaram a visão das formas que nós temos e a substituíram por um método em que o imaginário tem sempre um papel a desempenhar. É uma simplificação idealista das perspectivas na superfície do quadro. que foram os que mais sofreram influência japonesa. Os artistas impressionistas descobriram o Japão por eles próprios. pelos impressionistas. A paisagem torna-se aquele "pega no ar". eles retiraram todos os conhecimentos dos japoneses. A originalidade impressionista de captar o instante é chamada de "A Impressão Primeira".). em sua pintura. Os impressionistas já tinham a técnica inovadora. 92 . A forma de perspectiva japonesa “perspectiva em corte de viés” vai ser usada algumas vezes por Van Gogh e Degas. Os impressionistas vão extrair. Foi um modismo da época. uma cultura nova. Manet. Os portos do Japão foram abertos e começou a chegar muitos produtos japoneses. É uma obra em aberto. a montanha da pintura japonesa e colocar na pintura deles como uma recordação. O motivo é captado quase que anarquicamente pelo primeiro olhar. requintada e lendária (de muitos séculos). acinzentadas e muita montanha. ele apenas a sugere. também colocou elementos da pintura japonesa como o biombo japonês com pássaros e flores. Eles achavam que os japoneses tinham uma arte mais decorativa do que considerada como um estilo. eles ficavam muito impressionados pelo novo. Em 1862 foram abertos os armazéns do Porto de Desoye. Achavam que o Japão era um povo diferenciado. Monet. através de uma série de coisas. etc. Degas e Van Gogh. aquele olhar que capta tudo. Para a pintura japonesa o tema não é tão importante. De um modo geral. Ele vão fazer a composição com o objetivo de registrar o momento. O imaginário é super importante. onde os navios começaram a chegar com as mercadorias estrangeiras. A arte japonesa era uma arte pitoresca. (maçãs embaladas em papel. O tempo é o que importa e o que pela primeira vez foi representado. é o "Triunfo do Espírito de Análise". que é transitório. na história da arte. O impressionismo não é uma reprodução servil da realidade. por exemplo. etc. Esta arte japonesa vai influenciar pintores como Manet. popular. Como os impressionistas eram artistas de vanguarda. Eles utilizam cores leves. JAPONISMO NO IMPRESSIONISMO: A casa de Claude Monet era inteirinha decorada pela pintura japonesa que estava no auge.

no Salon des Refusés (Salão dos Recusados). a água. "O pífaro". o vento. No ano seguinte. Em 1874. traduzidas e comentadas por Afonso de E. o júri do Salão da Academia Real rejeitou o quadro "Déjeuner sur l'herbe". Taunay no livro No Rio de Janeiro de Dom Pedro II (1947). após seis anos. Em 1863. Quando ele tinha 5 anos a família foi morar no porto de Le Havre. obra revolucionária para os padrões da época. Foi então melhorando seu desenho e 93 . chocados com a presença de uma mulher nua em meio a homens vestidos. Após regressar à França. A breve passagem pela cidade está documentada nas cartas que enviou do Brasil a seus familiares na França. foi exposto no ateliê de Manet. a obra do pintor finalmente obteve reconhecimento. onde provocou a admiração dos jovens pintores que mais tarde integrariam o grupo impressionista. rejeitado pelo Salão. em 1862. com a liberdade. Em dezembro de 1848. "Música nas Tulherias". A liberdade. ingressou no ateliê de Thomas Couture e. entre elas "As corridas de Longchamp". A preocupação dele foi sempre reter na tela o sol. Manet morreu em Paris em 30 de abril de 1883. o infinito do mar. Embora inspirado em obras de antigos mestres como Giorgione e Rafael. Nasceu em Paris. No ano seguinte. Tinha uma mania de fazer caricaturas em seu caderno desde os 7 anos de idade. como aprendiz de piloto. Tinha uma relação muito ativa e dinâmica com a obra de arte. pintou "O bebedor de absinto" e. no instante em que isso acontecia e da maneira como o olho percebia. demonstrou interesse pelo desenho. Já no colégio Rollin. Não foi aluno brilhante na escola. Após a exposição realizada em sua memória. Foi aí que aconteceu a segunda guerra mundial. Na época. Tinha uma forma de ver e sentir a dinâmica do tempo como nenhum outro pintor impressionista teve. onde o mar vai assumir muita importância para ele. com o instante. com o momento. o quadro provocou violenta reação dos críticos. preferia ficar na praia. a tela "Olympia" provocou novo escândalo. No Salão de 1865. onde fez os primeiros estudos. Manet casou-se com Suzanne Leenhoff em 1863. então. Aprendeu a vibrar com a paisagem. tornou-se amigo de Claude Monet e outros pintores impressionistas. em junho de 1849. CLAUDE MONET: Nasceu em 1840 e morreu em 1926. mas a família rejeitou sua pretensão de tornar-se pintor.PRINCIPAIS ARTISTAS ÉDOUARD MANET Édouard Manet nasceu em Paris. Em 1859. Manet se alistou na guarda nacional. começou a pintar cenas de hipódromos. seus pais finalmente aceitaram sua carreira de pintor. o horizonte foi muito importante na sua formação. instalou seu próprio ateliê. Jamais teve uma contemplação passiva com a natureza. No início da guerra franco-prussiana de 1870. embarcou com destino ao Rio de Janeiro. filho de um comerciante de especiarias (que hoje seria um empresário). cena ao ar livre que reúne figuras da sociedade parisiense do segundo império. Émile Zola publicou então um artigo em que o elogiava. em 23 de janeiro de 1832. Manet a expôs.

O dinheiro que arrecadava comprava mais material para sua pintura. muito aberta e livre. 94 . laranja e verde). que vai dar apoio substancial aos impressionistas. Em 1866 pintou uma moça que achou muito bonita chamada Camille e expôs o quadro obtendo muito sucesso. conseguiu entrar. onde ficou super depressivo. etc. O pai incentiva-o a ir estudar em Paris. Monet estava tão pobre a ponto de quase não ter o que comer. Em Paris volta a pintar e nessa época vai conhecer Renoir e Sisley. Monet passa por dificuldades financeiras quando nasce nessa época o seu primeiro filho Jean. Ele ficou tão desesperado que tentou o suicídio para que a sua família percebesse o seu problema. os marinheiros também se interessaram e pediram então a ele que também fizesse caricaturas. Os seus amigos ajudavam dando comida para ele sobreviver. Monet antes de voltar à Paris passará pela Bélgica. Ele é banqueiro. Vai estudar muito as obras de Constable e Turner. Como não deram atenção. Passa a fazer até caricaturas nos bares. E. mas achou uma escola muito acadêmica. queijo e uma plantinha para fazer o seu jardim. Os pais não gostando dessa situação vai cortar novamente a ajuda financeira. sem exames e de ensino muito informal. como Monet já tinha lutado na guerra anteriormente. Prestou um exame. O “Atelier Suíço” era uma escola de vanguarda. Vai praticamente sustentar Monet que vai pinta muitos quadros para ele. cada uma de uma cor.passando a receber encomendas de mais caricaturas. Cada um levava uma alimento como: pão. para estudar na escola de Belas Artes de Paris. Vai decidir estudar no "Atelier Suíço". Criava galinhas. Nessa época aconteceu a guerra franco-prussiana. A partir daí eles começaram a trabalhar “o que era impressionismo”. messenas. vai pegar sua esposa e filho e fugir para Londres. Holanda com o trem Maria-fumaça. Começa a construir seu primeiro jardim. Voltando da Argélia foi para a casa dos pais para se recuperar e onde decidiu voltar logo à Paris. Na França vai morar as margens do Sena a poucos quilômetros de Paris. Na Bélgica vai gostar mais do trabalho de Rubens. Monet passa a convidar gente para ir à casa dele. Foi nessa época interrompido pelo serviço militar tendo que ir para Argélia. Lá ele conheceu Pissarro que foram pintar juntos em Mont Martre (onde os pintores pintavam muito). Em 1859 Monet leva uma carta de apresentação de uma tia (que pintava mal). Conheceu também Coubert (pintor Realista). chamado Paul Duran Ruel. ele resolve então casar com Camille. francês. Quando seu pai descobriu cortou sua mesada. Com 17 anos decidiu ser pintor. azul e vermelho (cores primárias) e as cores complementares (roxo. Monet vai pedir para que todos levassem flores. em Argenteuil. crítico. Renoir. Todos os domingos os chamados rebeldes como: Pissarro. Os pais voltam a dar ajuda financeira até que Monet (de classe média alta) vai viver com uma modelo de classe social bem modesta. Não cobrava dos amigos. Vai conhecer um comerciante de arte riquíssimo. Desta vez Monet passa a cobrar dos marinheiros pois não os conhecia (10 a 20 francos por caricatura). Sisley. pato. O fundamental para os impressionistas era usar as cores amarelo. não ter dinheiro para pegar uma condução para visitar a esposa no Hospital que tinha dado a luz. Vai pintar o Parlamento em Londres (Renoir também pintou o parlamento). para o próximo encontro. Manet se reuniam para pintar na casa de Monet. onde se empolga muito com o trabalho de Rembrandt. onde vai passar frio e fome. No cais de Le Havre. Não quis seguir nenhuma profissão que o pai escolhera para ele. com exceção de Basile que morreu na guerra da Prússia. costume que os franceses não tinham.

Constrói um jardim oriental aquático do lado de lá. deixa de viajar ao longo do espaço para viajar ao longo do tempo. e todo aquele envolvimento que o trem faz. as brumas. Vai pintar em uma plataforma numa estação de trem para ver o trem sair e chegar. mas sombras com tonalidades diferentes e não mais só de uma cor. Constrói um jardim de estilo normando maravilhoso. O que importa para Monet é ver a luminosidade. Durante 30 anos Monet vai morar em Giverny pintando a mesma coisa. festivas. que eram amigos da família de Monet. comprando muitas obras durante 3 anos. deixando-o muito deprimido. de repente pode ser uma leve sugestão. do momento. Monet faz uma série de quadros de feno e outra série de pinturas. Hoje você passa por baixo dessa estrada por um túnel. quando suas obras são mais alegres. bem iluminadas. vai a falência. Depois de deixar o trem. O artista vai se ligar muito na atmosfera. Monet vai deixar de escurecer as sombras. Vai pintar muito pouco e obras bem tristes. Vão tirar da paleta o preto e quase todas as terras como: terra-de-siena. Só que 1 ano depois em 1879 morre sua esposa. as Ninféias. Fica muito encantado com aquela pintura que dava a impressão de feno. As cores complementares virão sempre ao lado das cores primárias. Monet percebeu que as sombras não eram simplesmente áreas mais escuras. É a busca do tempo perdido. Um dia passando por Rouen encontra uma casinha encantadora em Giverny. Ao ar livre a cor do objeto muda muito em função da atmosfera que filtra a luz e permite o reflexo. A atmosfera muda o tempo todo conforme a hora. "Quando o artista Monet toma plena consciência da importância da atmosfera. Essa obsessão das cores complementares vai acontecer quando vão pintar ao ar livre. Ele vai expor 56 telas na galeria do Duran Ruel sendo quando quase um sucesso (pois não vendeu todas as telas). a temperatura. obras bem claras. Passa a ser muito mais interessante a atmosfera do que a paisagem. O que a pouco tinha uma forma volumosa. Quando vai ao campo. ele prefere focalizar o mesmo ambiente nas diferentes horas do dia".As cores complementares vão ser um dogma para os impressionistas. Fica feliz com o nascimento de seu segundo filho e nesta época também está ganhando melhor. Todos moravam ali por perto. Monet vai sair de Paris e Hoscheder e sua família. A situação pessoal dele tinha altos e baixos. Pinta cada vez mais e vai visitar Cezanne em L'Staque e depois Renoir. Monet passa a pintar mais em Giverny e a ganhar mais. sendo quase que uma abstração do conteúdo. pega uma charrete e volta para Giverny onde vai compra aquela casa. Começa a viver lá com os filhos que tinha e com a mulher e filhos de Hoscheder. bonitas e suas composições são melhores. que tinha sumido. Vai ser uma característica muito típica da linguagem impressionista. Já não interessa tanto percorrer o rio Sena a fim de pintar as diversas situações que aconteciam as suas margens. Eles vêem a natureza com a mente além dos olhos. Resolvem pintar também em outros lugares como na Cote d'Arzur. pois vai refletir a tristeza que sentia pela morte de sua esposa. As sombras vão ser obtidas mediante o emprego das cores complementares. pintando ao contrário. Resolve comprar o terreno do outro lado da estrada em frente a casa. O seu trabalho mais importante dessa época chama-se "Rua da Aldeia". Kandinski com essa influência do Monet consegue se desenvolver para o abstrato. o lugar. Vai melhorando e aumentando a casa. em uma exposição na Rússia. Vai 95 . Em 1878 nasce seu segundo filho Michael. Percebe que tem que viajar ao longo do tempo. onde é inverno e de uma tristeza profunda. Em 1875 conheceu um milionário chamado Hoscheder que vai ajudá-lo muito. ou as pessoas. Kandinski fica muito encantado ao ver os quadros de feno de Monet. etc.

embora não faltasse um pouco da delicadeza de seu ofício anterior como decorador de porcelana. Sua obra de maior impacto é O Baile no Moulin de la Galette. aqui e ali intensamente azuis. São inesquecíveis poesias cromáticas. por sua beleza e sensualidade. Renoir vai pintar as encomendas da família do banqueiro e as meninas no piano. Monet pintava o que queria. Começou a pintar a série das ninféias no ano de 1899. onde faz o maior sucesso. outono. evidente na longa série Banhistas. Em 1896 vai expor essas pinturas na Galeria Duran Ruel. Um político francês fica encantado com seu trabalho e a partir de 1896 Monet é considerado o mais famoso pintor dos impressionistas. Aluga uma casinha em frente a Catedral para pintá-la em suas variações durante o dia. Seu principal objetivo. Renoir nunca deixou de dar importância à forma . Enquanto Renoir trabalhava por encomenda. com motivos que lembram o mestre Ingres. conquistou a amizade de Sisley. nada o afasta de seu trabalho. Renoir (1841-1919) começou muito cedo a ganhar a vida como pintor de porcelana. com quem compartilhou dias de muita conversa e teorização em Paris e de árduo trabalho em Argenteuil. no qual se voltou para uma pintura mais figurativa. ganhando muito bem. como ele próprio afirmava. Monet e Bazille. na cidade de Cagnes-sur-Mer. conseguindo expor e vender. idoso. além de aperfeiçoar sua técnica. 96 .pintar a Catedral de Rouen em 20 variantes no verão. Em 1900 Renoir foi nomeado Cavalheiro da Legião de Honra. Assistindo às aulas no ateliê de Gleyre. Teve uma espécie de malária o que não diminuiu o seu trabalho. Monet pintava o que gostava. era conseguir realizar uma obra agradável aos olhos. etc. Desde o princípio sua obra foi influenciada pelo sensualismo e pela elegância do rococó. inverno. em que conseguiu elaborar uma atmosfera de vivacidade e alegria à sombra refrescante de algumas árvores. Ele fica muito rico. Mais tarde retomaria a plenitude da cor e recuperaria sua pincelada enérgica e ligeira.de fato. Morreu em 05 de dezembro em 1926. telas. Mesmo doente. Apesar de sua técnica ser essencialmente impressionista. Monet era mais aberto e por isso vai ser um pintor quase que contemporâneo. AUGUSTE RENOIR De origem humilde. buscando o impressionismo por toda a sua vida e por esse aspecto vai ser muito mais bem aceito do que o próprio Renoir. pintando ao ar livre. Morreu no sul da França. ofício que aprendeu numa escola noturna. aceito publicamente antes de todos os outros pintores. “Monet buscou sempre a luz em movimento em uma atmosfera mágica”. teve um período de rebeldia diante das obras de seus amigos. São dezenas de trabalhos em estudos.

tecnicamente falando. Entre os anos de 1856 e 1857. Visitava a família. principalmente. Durante o tempo da instrução escolar (1869-1876). para estudar a obra dos mestres do cinquecento. fez uma viagem à Itália. quase cegas. Nos primeiros quadros. Todos esses temas lhe permitiram fazer experiências com a cor e o movimento e. embora tivesse continuado a se dedicar aos quadros históricos e de gênero. que foi aluno de Ingres. GEOGES SEURAT Georges Pierre Seurat nasceu em 2 de dezembro de 1859 na Rue de Bondy. Degas (1834-1917). com a força descritiva do traço. ele também era um pintor amador. onde assistia às aulas de Lamothe. Tinha reunido uma pequena fortuna e levou uma vida solitária como reformado na sua casa de Verão. Degas foi. Então iniciou uma amizade com Edmond Aman-Jean. fez uma série de quadros de balé. o que melhor se utilizou da fotografia. um aluno de Jean Auguste Dominique Ingres. fato que se reflete ainda mais em suas últimas obras. Chrysostome-Antoine Seurat. Suas obras se encontram nos museus mais importantes do mundo. descendia de uma família abastada da classe média Parisiense. Entre 1875 e 1877 Seurat freqüenta o Curso de Desenho numa escola estatal noturna. Isso lhe valeu críticas e o apelido de solteirão misógino. Em fevereiro de 1878. nº 110. Em 1876 estudou a Gramática das Artes do Desenho de Charles Blanc. tendentes à desmitificação da mulher. freqüentou os melhores colégios de Paris e concluiu seus estudos de direito sem dificuldade. que o escultor Justin Lequien dirigia. fazendo tentativas com planos e pontos de vista inusitados. Monet e Renoir. A mãe. O pai. tinha sido antes oficial de diligências em La Villette. só podia pintar com pastel. Voltando à França entrou em contato com o grupo de impressionistas. em Le Raincy. algo que Degas admirava em Ingres. quando. A partir de 1870. Também se interessou vivamente pelos quadros de Ukiyo-e japoneses. Seurat é admitido. na École des Beaux-Arts e ingressou. ópera e corrida de cavalos. juntamente com Aman-Jean. na turma de pintura de Henri Lehmann. 97 . O filho tinha uma relação estreita e afetuosa com ela. que morava desde 1862 na Boulevard Magenta. ou numa casa na La Villette. interessado nas teorias de seus amigos do café Guerbois. entre outros. De todos os impressionistas. em Paris. Ernestine Faivre. cujo pai era banqueiro. em 19 de março.EDGAR DEGAS Nascido em uma família rica. não hesitou em aplicar todas as teorias renascentistas sobre espaço e perspectiva. Ele estuda os antigos mestres no Louvre. mas ampliou depois esses critérios. Seurat é introduzido na pintura pelo seu tio materno. Depois inscreveuse na Academia de Belas-Artes. apenas uma vez por semana. O tema principal de suas obras se concentrou nas cenas cotidianas e íntimas do mundo feminino. o comerciante de tecidos Paul Haumonté-Faivre. nº 60.

para ressaltar o sentimento. como demonstra o seu famoso Cristo Amarelo. inesperado. trágico e sombrio OBSERVAÇÃO: Alguns historiadores determinam para esses pintores o movimento ”Pós Impressionista”. * técnica violenta: o pincel ou espátula vai e vem. “expressando” sentimentos humanos. mais do que um conceito artístico. * pasta grossa. vibrantes. segundo conhecidos do pintor. mas queriam leválos mais longe. mais precisamente para Orléans. * cores resplandecentes. trata-se de uma pintura dramática. algo que ele consegue com a aplicação arbitrária das cores. fundidas ou separadas. abrupto. e não faltam cenas que mostram um erotismo natural. Em 1887 entrou para a marinha e mais tarde trabalhou na bolsa de valores. é verdade que teve seguidores e que pode ser considerado o fundador do grupo Navis. que resultou numa produção artística singular e determinante das vanguardas do século XX. à solidão. subjetiva. Apesar disso. representava uma forma de pensar a pintura como filosofia de vida. para se libertar dos condicionamentos da Europa. Corrente artística concentrada especialmente na Alemanha entre 1905 e 1930. Principais artistas : PAUL GAUGUIN (1848-1903) Depois de passar a infância no Peru. quase decorativamente. empastando ou provocando explosões. martelada. Deforma-se a figura. Suas telas surgem carregadas da iconografia exótica do lugar. fruto. à miséria humana. As cores se estendem planas e puras sobre a superfície. em oposição a qualquer naturalismo. longe de poder ser enquadrada em algum movimento. Os pintores não queriam destruir os efeitos impressionistas. No ano de 1891. Predominância dos valores emocionais sobre os intelectuais. dá forma plástica ao amor. foi tão singular como a de seus amigos Van Gogh ou Cézanne. que.PÓS-IMPRESSIONISMO O Expressionismo é a arte do instinto. em busca de novos temas. ao medo. Gauguin voltou com os pais para a França. Principais características: * pesquisa no domínio psicológico. à prostituição. Aos 35 anos tomou a decisão mais importante de sua vida: dedicar-se totalmente à pintura. áspera. Utilizando cores irreais. Os três primeiros pintores abaixo estão incluídos nessa designação. Sua obra. Suas primeiras obras tentavam captar a simplicidade da vida no campo. * dinamismo improvisado. Começou assim uma vida de viagens e boemia. fazendo e refazendo. de 98 . ao ciúme. o pintor parte para o Taiti. * preferência pelo patético.

Essa loja chamava-se Galeria Gropil com filiais em Haia. sua cultura vem de sua autoinstrução. verdes e violetas. Amsterdã e Paris. A cor adquire mais preponderância representada pelos vermelhos intensos. Os dois sempre vão ser muito leais e amigos um com o outro. o que deixou-o muito perturbado. ficando alguns dias com ele. Van Gogh nessa época tinha 19 anos. estudando essas gravuras. Essa criança nasceu e morreu logo após o seu nascimento e a mãe o enterrou atrás de sua casa. o seu outro “eu”. Queria que ele se desse bem em alguma coisa na vida. Nasceu um ano depois que sua mãe perdeu o primeiro filho. Gostava muito de ler. realizou uma exposição individual na galeria de Durand-Ruel. Era um homem muito culto.sua paixão pelas nativas. Resolve não se apaixonar mais por ninguém. Embora tenha estudado muito pouco. mas não de escrever. VINCENT VAN GOGH Nasceu em 30 de março em 1853 e morreu em 1890. com cabelo espetado. Quando eles se separam começam a se corresponder por sentirem muito a falta um do outro. A sede principal era em Haia. as cartas que escreveu. Nasceu em Zundert. mas fixou-se definitivamente na ilha Dominique. Vicent Van Gogh foi uma criança muito difícil. por que não deu certo e fica nervoso. extremamente solitário. Van Gogh vê no Théo sua alma gêmea. Van Gogh foi morar e trabalhar com esse tio. filosofia. Obra Destacada: Jovens Taitianas com Flores de Manga. A família se preocupava com ele. Em 1873 após esse encontro Van Gogh sai de Haia e vai trabalhar em Londres com o tio. Cresceu sob o estigma do seu irmão morto. Lia muito Platão. Ele se achava também muito feio. não sendo nada correspondido. Tem um livro chamado "As cartas de Van Gogh para Théo" (para quem quiser saber muito sobre sua vida). próximo a fronteira da Bélgica. Van Gogh passou a sua vida toda vendo a lápide atrás de sua casa com seu nome. voltou ao Taiti. Em primeiro de março de 1857 nasceu seu irmão mais moço chamado Théo que vai ser o protetor de Van Gogh por toda sua vida. Esse tio teve um papel muito importante na sua vida. Em 1872 Théo (com apenas 15 anos) vai se encontrar com Van Gogh em Haia. Ele sempre andava vagando sozinho pelos bosques. A moça dizia para ele que era horroroso. amarelos. na aldeia holandesa de Brabant. Vai se apaixonar por uma moça loira muito bonita. em quem podia confiar. Achava que tinha condições para se desenvolver como pintor. Van Gogh começa a falar de arte com o irmão. Théo é o seu irmão. É por isso que foi um grande acontecimento em sua vida. Foi a primeira grande desilusão amorosa de sua vida. de gravuras e de pinturas. pensando. e que o entendia plenamente como se fosse o outro "eu" dele. tinha uma cadeia de lojas de livros de arte. teologia. filha do senhorio da casa onde ele está hospedado. A sua vida escolar foi muito fraca. Ele vai primeiro para Haia trabalhar como empacotador de livros e despachos também. Quando voltou a Paris. e a partir daí eles permanecem ligados para o resto da vida. Tudo o que se sabe sobre Van Gogh foi obtido através dessas cartas. seu confidente. vivendo só 37 anos. a quem escreveu mais de 650 cartas. Van Gogh tinha um tio que era próspero negociante em Haia. problemática. apaixonando-se por arte. etc. não se dava com ninguém. Outra coisa que detesta em 99 . Van Gogh começa a ver as reproduções dos grandes pintores. sobre os problemas da família. o qual tinha o mesmo nome de Vicent Van Gogh.

Van Gogh falava que apreciava muito as outras galerias por ter outras pinturas bem diferentes e que o tio só tinha pintura acadêmica. Chega a passar uma noite em Paris. Tornou-se assistente de um pastor metodista e começou a pregar. Em 1876 ele sofre sua primeira grande crise nervosa depressiva. Em Paris vai ler muito sobre os grandes escritores da época como "Floubert. reprovado nos exames de admissão.Londres é a falta de sol. ele vai ficar extremamente místico e fervorosamente religioso. porque nasceu num país que tem somente 3 meses de sol por ano (junho. O seu pai era pastor. onde viviam os operários. mas não adiantava dizer nada. seu irmão. portanto. 100 . em Etten. pois o tio era bom e só tentou ajudá-lo. Começa então a desavença com o tio. onde é muito mal recebido. Passa a brigar com a clientela querendo impor o que ele achava. Obs. só para ver a água da chuva batendo na luz e caindo nas poças. Foi. Quer ser pastor de pobre e não de rico. A partir dessa sua primeira crise. ele tinha que visitar as famílias dos estudantes. em uma escola infantil. Com 22 anos briga com o tio. Vai à Paris em 1875. Boudelert". mas achava que era impossível que ele fosse tão maníaco por religião. tudo o seduz. ficando muito frustado e sem perspectiva para o futuro. Escreve uma carta para o irmão dizendo que a miséria o atraía. Vai pensar o que fazer da vida. perto de Zundert. Era maníaco-depressivo. Resolve voltar para a Inglaterra. A família resolve ajudá-lo a estudar teologia em Amsterdã. Fica quase com pneumonia e Théo. Tudo o que ele fazia era extremamente exagerado. para passar o Natal com os pais. Van Gogh era muito inconstante. O tio exige que ele freqüente somente a galeria dele ou que então Van Gogh vá embora. Tinha a alma muito parecida com a dos pintores latinos. levando-o a conhecer as condições miseráveis da zona leste de Londres. Não gostava dos países nórdicos porque era anglo-saxão. Van Gogh resolve ficar na galeria. Tudo encanta. Resolve ensinar francês e alemão num bairro pobre da metrópole. da família. que não eram vendidas na galeria de seu tio. Em 1878 volta à Holanda. das suas frustrações amorosas. faltava do emprego para ir visitar as outras galerias. Resolve voltar para a casa dos pais. vai socorrê-lo. O irmão fica horrorizado. Fica muito deslumbrado com a luz de Paris e suas ruas movimentadas. Ao invés de desistir. ver o sol e os impressionistas que estavam acontecendo. no Boulevard do Capuccino. Só que Van Gogh falava para os fregueses que comprassem as pinturas de outros pintores. enquanto trabalhava vendendo gravuras na loja do seu tio. Só que o seu conhecimento por línguas era deficiente. Seu tio ficava muito aborrecido por ele ir visitar as galerias concorrentes. à parte: A obsessão pela religião parecia uma fuga da sociedade. O pai fica indignado com Van Gogh. Fica frustado por querer ser pastor e o seu pai não o entender. pois poderia seguir a carreira do pai e do avô. Em Paris. muitas vezes em seus sermões. suas palavras acabavam mais perturbando do que confortando os ouvintes. fez um curso de pastor leigo em Bruxelas. Só Théo o compreende. Adora Paris e odeia o seu emprego. tinha crises fortes de rolar no chão (epilepsia). Incumbido de cobrar taxas da escola. julho e agosto). A impressão sofrida fortaleceu o desejo de trabalhar com os pobres e os humildes. Devido a sua crise espiritual.

Mais uma vez não deu certo sua vida amorosa. mas sabia que seria um grande pintor. Passou a desenhar seus pais. "Natureza Morta com Cinco Garrafas e Tigela". Ela o aceitou. aprendeu. Quando ele decidiu mudar-se para o campo. distrito belga de mineração de carvão. meias. agasalhos. a congregação o despede. dividindo o quarto com uma prostituta chamada Christine Sien.Três meses depois. Mas a família foi contra o relacionamento porque ela era viúva recente e prima. Em 1882 vai morar num quarto horrível em uma casa. Apaixona-se perdidamente por ela. distrito mineiro do norte da França. em novembro de 1878. as suas roupas para os pobres. Por 2 anos não tem nada escrito que fale como ele sobreviveu esse tempo. Ele estava tão pobre que o dinheiro que recebia do irmão era pouco para comprar o material de pintura. foi buscá-lo de volta para a casa. os homens que trabalhavam na terra quase só para comer e. Vai pintar muito o que tinha visto em Borinage. Só que a miséria que ele achou na região era muito pior do que ele pensava. também. Quando ele foi para lá a sua mãe. Um dos quadros mais bonitos que vai pintar sobre ela chama-se "Tristeza". Vai pintar obras fantásticas dessa prostituta. sua irmã e camponeses em seus afazeres. Ele queria viver e casar com ela. que era uma prima afastada. perspectiva e anatomia humana. dizendo que iria pegar mal na sociedade. Ela tinha um bebê e estava grávida de outro. Seu pai preocupado com as condições que o filho vivia. Perto de sua casa tinha uma viúva muito bonita chamada Kee Vos. Ele sempre sabia que seria e se considerava um grande pintor. em sua casa. Resolve voltar para Haia. Théo começa a sustentá-lo a partir daí. Estava em uma profunda crise mística. em seu estúdio. Vendo aquela pobreza. A ligação não durou muito. Van Gogh. em suas cartas. Acolhido como amigo. onde passou a conviver com os mineiros. Ela estava começando a gostar dele. Um deles era o seu estúdio onde em 1885 vai pintar uma de suas mais famosas obras "Os Comedores de Batatas". volta a pintar com a mesma paixão que ele teve no misticismo. ele começa a dar tudo o que ele tem. 101 . Em Haia recebe um conselho de um primo artista também. Pintou também "Camponesa Varrendo". Depois do parto ela voltou a beber e Van Gogh não teve mais como ajudá-la. o de desenhar diretamente temas da natureza. quase não toma banho e muito sujo. Viajou a Courrières. mudou-se para Borinage na Bélgica. a vida daquela gente. etc. mas estava doente com tuberculose. Quando ele ficou péssimo. etc. ela pulou fora do relacionamento indo morar com os seus pais em Amsterdã. Em 1883 Van Gogh vai à Holanda ver seu pai que tinha uma nova paróquia e sentindo-se incompreendido foi viver em dois quartos alugados nas proximidades. Em abril de 1881 foi visitar Théo em Etten. Christine não o acompanhou. porque estava afastando os pobres da Igreja. como Cristo deu tudo aos pobres. que o adorava. Passou a estudar desenho em Bruxelas com um jovem estudante da Academia. Quando a família ficou em cima. pobre e seus pais resolvem não ajudá-lo mais. Théo vai escrever que se ele continuar com essa mulher ele vai parar de mandar dinheiro para sustentá-lo. Anthon Von Rappard. Passa dias sem comer porque o que recebia dos pais ele dava aos pobres. Multiplicaram-se nesse período os desenhos com que retratava. Fica praticamente sem roupas. fez uma mala farta de roupas.

os grandes cafés e ele não. Vai pintar o carteiro. Monet. Expor para os impressionistas ainda era um obstáculo quase intransponível. Fica íntimo da família do carteiro. O motivo talvez tenha sido a morte do seu pai ou então o desejo de estar perto do irmão que se mudara para Paris. O impressionismo estava no auge. pois a cor é bela e o belo é sempre verdadeiro". O sul da França para ele tinha uma equivalência com o Japão. O primeiro que quis que morasse com ele foi Gauguin. pinta todo mundo. Vai conhecer Manet. no bairro dos intelectuais e dos artistas. Pinta a família Rolan. Lá ele faz amizade com todo mundo. já que não consegue vender. Van Gogh destoava dos outros artistas porque os outros eram de família rica. Disse para o seu irmão que aquela era a pátria dele e que gostaria de viver para sempre lá. só serviu para ele fazer desenhos sobre nus. em um apartamento muito bonito. Não chega a ficar íntimo. Fica impressionado com essas obras. Vai convidar todo mundo para viver com ele ali. Van Gogh e Toulouse Lautrec que também tinha uma vida bem à parte. Aluga um sobrado amarelo numa praça chamada "La Martine". viviam bem. Van Gogh entra numa fase furiosa de pintar onde vai fazer uns 300 quadros em menos de 4 meses. Vai escrever: "Eu quero a luz que vem de dentro. Vai de qualquer modo deixar a Holanda para sempre. A luz vai iluminar os girassóis que pinta. Quando chega o verão. que gerenciava uma galeria em Mont Martre. de ter abandonado toda a família e tudo para morar em Taiti (?). Van Gogh fica apaixonado pelo sol que era tão forte a ponto de perturbar as vistas.Em 1884. mudou-se novamente para França. Pelo histórico Van Gogh deve ter sido bissexual devido a tendência de gostar de mulheres e homens. Não acreditava que não tivesse vivido lá anteriormente. simplesmente porque ela existe. que dê ajuda financeira à ele. Renoir. O sol do sul da França parecia explodir de tão forte e era o sol que ele chegou a pintar exatamente como era mais tarde. Vai morar com seu irmão. Em seguida fica muito amigo de Pissarro e Paul Gauguim. Pede a Théo. o padeiro. eram mais boêmios. As pinturas de Rubens estavam espalhadas pelas igrejas e museus da cidade. Resolve se matricular em uma Academia de pintura acadêmica. É aí que vai pintar seu primeiro auto-retrato. freqüentavam as grandes galerias. Vai começar a pintar cada vez mais rápido. Descobre a cor e escreve para o Théo: "A cor expressa algo em si. Degas e achava que todos eram antipáticos e metidos. porém. Fica muito amigo do proprietário do café e do tenente do exército. Fica encantado com a luz do impressionismo e pinta algumas obras totalmente impressionistas. Cidade próxima de Marsseilles. que ele não tinha. Nessa época ainda não tinha crise nenhuma e estava pintando muitos quadros impressionistas em Arles. onde fará as pinturas que mais conhecemos hoje. Continua a pintar como impressionista. Van Gogh sai de Paris e vai para uma cidade no sul da França chamada Arles. ficou em Antuérpia alguns meses. Van Gogh não conseguia expor o que pintava. Resolve fazer uma colônia de artistas. 102 . Deve-se aproveitar sempre isso. Antes de seguir para Paris. Mas. quero que as cores representem o meu coração". Volta a Paris onde passará dois anos frutíferos entre 1886 e 1888. Em outubro chega Paul Gauguin para trabalhar com Van Gogh. eu quero que as cores representem as minhas emoções. Teve uma paixão por Paul Gauguin onde via a coragem nele.

Em maio de 1889 ele fala para o Théo que não dava para viver assim e que precisava ficar um tempo maior internado para melhorar e tomar remédio. Volta a trabalhar com muita fúria. O seu olhar era de espanto. Van Gogh pede ao irmão que o leve para um hospital psiquiátrico (não para completamente loucos) chamado Saint Paul. passava a pintar muitas paisagens que agrediam pela sua violência. Cria um clima muito negativo para ele. Não gostou da cidade achando-a muito parada. Tinha uma consciência muito grande do que tinha. Ao sair do hospital. Estando tão bem no hospital em Saint Rémy. tem uma melancolia muito forte. muito elogiosa. Ele adorava pintar lá. Vê anjos e demônios. no prostíbulo. Eles eram completamente diferentes. Eles brigavam o tempo todo. na casa de Théo. Van Gogh queria que Gauguin pintasse a mesma figura que ele e ficava discutindo sobre a pintura que saía diferente uma da outra. 103 . Ele já estava completamente expressionista distorcendo a imagem por vê-la também distorcida. onde irá pintar o seu quarto. dono de um jornal da França. Pintava. Cada vez que tinha uma crise e voltava muito fraco e abatido. Os médicos deixaram que ele transformasse o seu quanto em um atelier. Isso perturbou mais Gauguin dizendo que jamais pisaria ali novamente. Vai para um outro hospital chamado Saint Rémy. Nesse momento escreve novamente para Théo: "Na vida de um artista. No meio a uma discussão feia. Van Gogh corta o lóbulo da orelha e o embrulha pedindo para entregarem à Gauguin. publique sua primeira e única crítica. enfim. Um dia um pintor pontilhista chamado Signac vendo um quadro de Van Gogh. Théo vai acumulando seus quadros. ainda em Arles. após suas crises. fica encantado. Começou a ter outra vez uma série de crises místicas. Vivia intensamente cada momento de sua vida. todo o hospital. Ele se achava um grande pintor e por isso não acreditava porque não conseguia vender nada. o seu quadro onde aparece com a orelha cortada. ao redor do hospital até ao anoitecer. próximo a Arles onde vai ficar 10 dias internado. de mágoa. Gauguin jogou vinho na cara do Van Gogh e foi embora para morar em um prostíbulo. Théo pergunta para o Van Gogh o que achava que deveria fazer. Vai visitar Van Gogh e faz com que um amigo seu. achando que era "Deus" e que podia reformar o mundo. Van Gogh achava que tinha perdido muito tempo durante sua crise sem pintar que fora dela passava a pintar tudo muito rápido em busca do tempo perdido. a morte talvez não seja a coisa mais difícil" (já começa daí a ter idéias sobre a morte). os pincéis e muito cheio de vida. do seu trabalho. a janela. Van Gogh desesperado declara que gostava muito dele e de todas as formas. Gauguin ficou muito nervoso e Van Gogh ameaçou ele com uma navalha.Gauguin era muito organizado com tudo. volta para sua casa amarela. irritando-se muito com Van Gogh. em frente ao espelho. Van Gogh jogou na cara do Gauguin que o Théo estava sustentando ele também. Gauguin era muito macho. Mandava seus quadros para Théo que não conseguia vendêlos. com as tintas. todas as pessoas de Arles passam a detestá-lo por isso. Vai querer sair para pintar lá fora também. Acham que Van Gogh era louco e pedem para que o prefeito de Arles expulsem-no da cidade. Os médicos consentiram mas com a condição de que fosse vigiado por um guarda. monótona. É nesse momento então que vai pintar.

Hoje em dia. "Retrato do Dr. Van Gogh não quer ver o irmão e Théo fica muito magoado. Dr. Gachet e que precisava sair para respirar. O sol e os grãos estavam bem dourados. no final de sua vida. mas isso não ocorre. estando muito tranqüilo e lúcido. Somente seis meses após essa publicação alguém resolve comprar o quadro "A vinha vermelha". O médico consegue explicar que ele estava passando por uma crise dificílima e que tinha que fazer isso. Gachet fala para o Théo que a situação de Van Gogh era grave e que estava no limite da loucura. Um dia.Gachet perguntou para onde gostaria de ir e ele respondeu à “Paris”. Dr. Gachet houve o tiro e sai correndo. Pinta seus últimos trabalhos e começa a aceitar a sua doença achando que não tinha mais jeito. Gachet onde passa a noite fumando cachimbo esperando por seu irmão Théo. Pissarro. telas. toda estrutura para que ele pudesse pintar. ainda vivo. Gachet e dizendo ao seu irmão: "A miséria teve fim". já que é um grande artista. vai para um campo de trigo bem próximo a sua casa. escreve para Théo. Diz a Théo que o Dr. entrevista Van Gogh. 104 . achando-o fantástico. fazem uma estrutura para ele pintar um pouco melhor. sozinho. que ele está muito feliz. Gachet. no sul da França. Ele dizia que não poderia morrer enquanto seu irmão não chegasse. além do seu irmão. O médico achou que ele não devia ir sozinho e resolve acompanhá-lo até Paris onde vai encontrar Toulouse Lautrec. Van Gogh é bem recebido por ele. que era muito amigo de Théo. Van Gogh. psiquiatra muito famoso na Europa. Dr. notável e cheio de problemas. Toulouse Lautrec. com um revólver na mão. dois dias depois. Nesse período. porque além de ser maníaco-depressivo. ficando em uma casa bem próxima a do Dr. No dia 29. Foi o único quadro de Van Gogh vendido durante toda sua vida.Pensou que essa crítica fosse ajudar a vender algum quadro. Todos violentos. descobre que era epiléptico (devido às crises em que rolava no chão) ou esquizofrênico. Em 27 de julho de 1890. Sisley. amigo dos artistas e que tinha uma visão muito moderna da psiquiatria. pincéis. sem guarda para tomar conta dele. pinta seu último quadro e dá um tiro no seu peito. quando começa a ter mania de perseguição. fazendo um preço especial. céu incrivelmente azul. retorcidos. Ele tinha 37 anos. Gachet. Disse que não adiantava prendê-lo. E ele consegue colocar na tela todo aquele desespero interior. É carregado para a casa do Dr. O filho do Dr. Van Gogh vai gostar muito dele. Não se sabe onde se encontra esse quadro. Gachet estava querendo matá-lo e depois voltando atrás dizendo que não. Acaba então o momento de Paris onde ficou apenas 10 dias e volta com o médico para "Anvers". Pinta mais de 200 desenhos e mais de 40 quadros a óleo em menos de 2 meses. mas Lautrec conversa com o médico pois o acha muito perturbado. Dr. Diz a Théo que vai cuidar dele. Falava que gostava do Dr. Vai confiar muito no médico. Em outro dia ele entra numa crise horrível. Ele não morre na hora. acham que ele deve ter tido uma lesão cerebral ocorrida no parto. num domingo ensolarado (detestava domingos onde o tempo parava e ele era muito ativo). ele pinta os seus famosos quadros: "Os Ciprestes". Gachet toda vez que ia a Paris trazia tintas. que era próximo a Saint Rémy. Nessa fase Van Gogh consegue uma certa paz interior ao encontrar alguém que o compreende. Van Gogh tinha que ter a liberdade de trabalhar ao ar livre e pintar o que quisesse para depois voltar para casa. Gachet". morre na presença do Dr. tentando socorrê-lo. com Théo segurando sua mão. "O Trigal com Corvos".

dava uma textura muito grande à sua tela. onde tudo seria partilhado. Isso é o que eu chamo de simplicidade técnica". nessa casa amarela. Técnicas de pinturas utilizadas por Van Gogh: Suas primeiras influências foram os pintores holandeses como Rembrandt. Escreve para o Théo: "Quando eu começo a pintar. pelo homem ou se pelo seu trabalho. Eu quero pintar de uma forma que todo mundo que tenha dois olhos possa ver claro. Muitas vezes pegava o tubo e colocava a tinta diretamente na tela. homem incomum. Sua pintura é como um diário. Pinta a sua realidade e o que vive. O seu apelo era para ele mesmo e não para a pessoa que estivesse vendo a sua pintura. Ali. mas que sobreviveu através de sua pintura. Ele pintava muito para ele próprio. telas pequenas. As vezes pintava com o dedo. O seu apelo social ocorreu antes dele entrar nessa fase. Essa técnica chama-se "empaste". somente ele. É chamado de pintor expressionista. Passa para sua pintura toda a sua perturbação e toda a sua tristeza. Ele queria pintar somente o que ele sentia. 105 . da qual seriam os pioneiros. Pinta muita figura humana e fala para o Théo: "Amo mais pintar os olhos dos homens do que as catedrais. por que nos olhos deles há o que não existe em nenhuma catedral e em nenhuma construção. Essa distorção era feita para ele e não importava se você entendesse ou não. Vermeer. Corre-se o risco de se perder no turbilhão confuso de sua pintura. como a que ele reclamava para contra balançar "a decadência do Ocidente". depois os pintores franceses como Delacroix. existiam 700 quadros de Van Gogh sem comprador. fundariam uma comunidade de artistas. É um grande pintor de todos os séculos. E corre-se o risco de cada vez mais entender Van Gogh” Van Gogh era um homem de uma riqueza interior genial. e ficará fascinado com a personalidade arrebatadora desse artista aventureiro que acabava de voltar do Panamá e da Martinica com uns quadros cheios de luz e de vida primitiva. Van Gogh não vai deformar com um apelo social em sua fase expressionista. pintava com grossas camadas de tintas. Teve uma fase impressionista bem curta. Gauguin a dirigiria e novos pintores chegariam para integrar essa confraria ou comuna fraternal. Gostava demais de Millet. Deve ter pintado mais de 1000 obras. procuro uma técnica simples que não é impressionismo e nem pontilhismo. muita espátula. onde Théo tomava conta dessa galeria. Os olhos dos homens são imponentes e majestosos. se viveria pela e para a beleza e não existiriam a propriedade privada nem o dinheiro. A HISTÓRIA DE DOIS AMIGOS Van Gogh conheceu Gauguin poucos meses antes. Então pedira a seu irmão Theo que o ajudasse a convencer Gauguin que fosse à Provença morar com ele. Corre-se o risco de se fazer dele um herói e de se fazer dele distante. um expressionista sempre deforma com apelo à emoção e apelo social.No sótão da galeria Gropil de Paris. dominado pela doença. "Quando se estuda Van Gogh corre-se o risco de se apaixonar. Nunca concordou quando Théo pedia para ele distorcer menos para que suas obras fossem vendáveis. uma reflexão profunda do seu ser. em Paris." Exagerou muito nas cores. embatido pelos sintomas da doença. Não se sabe bem se pelo pintor. Mas. Não procurou agradar nunca os outros.

Por que se empenhou em semear girassóis diante de sua cabana em Punaauia. Punaauia. em Auvers-sur-Oise. com uma bala de revólver no estômago. no Taiti. enquanto Van Gogh permanecia um ano inteiro no sanatório de Saint Rémy. talvez de um modo que nem sequer foi sempre consciente. Embora nunca voltassem a ver-se. prostituta com quem Van Gogh saia. levando-a. foge. Gauguin fará um comentário brevíssimo e ríspido."). embrulhada num jornal a Rachel. são os mais misteriosos de suas biografias. Van Gogh havia cortado parte da orelha esquerda. nas quais o episódio da mutilação da orelha e suas experiências em Arles primam pela ausência. ao se sentir descoberto. era teimoso e pediu sementes a seu amigo Daniel de Monfreid. quando todo mundo lhe garantira que essa flor exótica nunca havia conseguido aclimatar-se na Polinésia? Mas o "selvagem peruano". em Arles e a descobre rodeada de vizinhos e policiais. Volta-se e vê Van Gogh com uma navalha na mão.como cilindros. Gauguin sente passos às suas costas. Véspera de Natal de 1888. Ao anoitecer. termina de modo abrupto: o holandês lança sua taça contra o amigo. como gostava de se chamar. e trabalhou a terra com tal perseverança que afinal seus vizinhos indígenas e os missionários daquele lugar perdido. como que assediado por um incômodo permanente. Na véspera. Obras Destacadas: Castelo de Médan e Madame Cézanne 106 . lhe diz. uma discussão no Café Estação. Depois havia voltado ao seu quarto e ido dormir em meio a um mar de sangue. Gauguin e os policias o transferem para o Hotel Dieu e Gauguin parte para Paris na mesma noite. No entanto. 'Quando do suicídio de Van Gogh. cones e esferas . entre outubro e dezembro de 1888. quando está atravessando o Parque Victor Hugo. puderam deleitar-se com aquelas estranhas flores amarelas que acompanhavam a trajetória do Sol. PAUL CÈZANNE (1839-1906) Sua tendência foi converter os elementos naturais em figuras geométricas . que essa ausência esteve muito presente nos 15 anos de vida que lhe restavam. no bordel de madame Virginie.Os dois meses que Van Gogh e Gauguin passaram em Arles. que mal se desvia dela. E nos anos seguintes evitará falar do holandês. um ano e meio depois. No dia seguinte lhe comunica a intenção de mudar-se para um hotel pois. depois do incidente no parque. o fim de seus sofrimentos. Guaguin vai passar a noite num hotelzinho próximo. nos meses seguintes. é óbvio que não o esqueceu. Às 7 da manhã volta à Casa Amarela. caso o episódio se repetisse. enquanto bebiam absinto. de tal forma que se torna impossível para ele recriar a realidade segundo “impressões” captadas pelos sentidos.acentua-se cada vez mais. os amigos de Arles trocaram algumas cartas. que. ele poderia reagir com igual violência e apertarlhe o pescoço. como se tratasse de alguém muito alheio a ele ("Foi uma sorte para ele.

veemente defensor das normas acadêmicas e contrário aos impressionistas --. "Moulin Rouge -. Interpretada como reação à condição física do próprio artista. em 24 de novembro de 1864.La Goulue". em Paris. Nunca pôde se restabelecer e suas pernas atrofiadas e disformes dificultavam-lhe a locomoção. A partir de 1892. As figuras são situadas na tela de forma a que as pernas não fiquem visíveis. Em 1891 ele criou seu primeiro cartaz de propaganda. desagradava a Toulouse-Lautrec. Entregouse ao alcoolismo e seus modos irônicos não disfarçavam o sofrimento decorrente de sua deformidade. Menos de um ano depois. transgride freqüentemente as proporções anatômicas e as leis da perspectiva em favor da expressividade. 107 . Em 1872. após grave colapso nervoso. de linhas livres e onduladas. O surgimento da série coincidiu com a deterioração de seu estado físico e mental. O estilo pessoal de Toulouse-Lautrec. Entre as mais de 300 que produziu. "Au salon de la rue des Moulins" e inúmeros retratos. A simplificação do contorno e o uso de grandes áreas em uma só cor caracterizam os cartazes. quebrou o direito. Dedicou então cada vez mais tempo à pintura. Um de seus primeiros mestres profissionais. que tornaria célebres em sua obra. ingressou no Liceu Fontanes (posterior Liceu Condorcet) e. abominava os desenhos do aluno. em combinações rítmicas. que estão entre suas obras mais significativas. essa característica elimina a obviedade do movimento. onde conheceu Van Gogh e Émile Bernard. quando sofreu um acidente e quebrou o fêmur esquerdo. dançarinas de cancã dos cabarés e outros personagens da vida noturna parisiense da década de 1890 eram seus modelos prediletos. voltou a beber. no ano seguinte. sensível panorama da vida nos bordéis. Montou um estúdio particular em meados da década de 1880 e passou a freqüentar os teatros e cabarés do bairro parisiense de Montmartre. enfrentou a oposição familiar e decidiu tornar-se pintor. em 1881. executada necessariamente em óleo sobre tela.TOULOUSE-LAUTREC (1864-1901) Henry Marie Raymond de Toulouse Lautrec “A idéia da pintura como obra de arte elevada. que passa a ser apenas sugerido. sugerem movimento. Em 1883. França. Ao contrário dos impressionistas. sentia a estética acadêmica como algo cada vez mais restritivo e insuportável. Toulouse-Lautrec passou ao estúdio de Fernand Cormon.” Henri-Marie-Raymonde de Toulouse-Lautrec-Monfa nasceu em Albi. depois de bacharelar-se. gênero a que conferiu incomum aprofundamento psicológico com grande economia de meios. São famosos "Moulin Rouge". Em 1899. De família aristocrática. que foi afixado nos muros de Paris. As prostitutas. As cores intensas. destaca-se a série Elles. passou alguns meses num sanatório mas. Léon-Joseph-Florentin Bonnat -. Apesar do apoio do novo mestre. recebeu educação artística e praticou esportes até os 14 anos. demonstrou pouco interesse pelas paisagens e dedicou-se aos interiores. Toulouse-Lautrec dedicou-se à litografia.

retornou à pintura. KIRCHNER (1880-1938) Foi um dos fundadores do grupo de pintura expressionista Die Brücke. Impressionado pelo cubismo. que por um longo período abandonou a pintura pela escultura. o cubismo e o expressionismo. Essa fase se prolongou até 1914. Em 1906 mudou-se para Paris e. como o fauvismo. sobretudo das esculturas do Congo e do Gabão. em 12 de julho de 1884. Toulouse-Lautrec e Picasso. Jane Avril. segundo o artista. que prefigurou revolucionários movimentos artísticos do Século 20. Por causa da saúde precária não recebeu educação formal e voltou-se para o estudo da pintura.Henri de Toulouse-Lautrec morreu no castelo de Malromé. o pintor alemão deu formas geométricas às cores e despojou-as de sua função decorativa por meio de contrastes agressivos. só posteriormente reconheceu-se a importância de sua obra. Apesar da excepcional popularidade de seus cartazes publicitários. que se destacam pelo despojamento e pela estilização. muito influenciado por Cézanne. AMEDEO MODIGLIANI (1884-1920) Um dos principais integrantes da escola de Paris. França. o artista executou nesse período esculturas nas quais se misturam influências da escola de Siena e da arte da África negra. Influenciado pelo cubismo e fauvismo. quando o artista. com o fim de manifestar sua verdadeira 108 . dotou suas figuras de uma sensualidade que se transmite não pela nudez. mas pelo movimento e pelo alongamento dos traços. na tentativa de preservar a unidade plástica do bloco. que iniciou na cidade natal e prosseguiu em Veneza e Florença. Os temas preferidos de Modigliani foram. Gironde. que expôs no Salão dos Independentes de 1909. além das numerosas litografias. expressavam "a muda aceitação da vida". Modigliani morreu em Paris. O encontro com o escultor Constantin Brancusi marcou a carreira de Modigliani. Com o raro dom de conseguir uma imediata empatia entre seus retratos e o observador. May Belfort e outros artistas. ao fim de três anos de vida boêmia. sem dispor dos recursos necessários à produção de esculturas. Amedeo Clemente Modigliani nasceu na cidade italiana de Livorno. os retratos e os nus femininos com modelos que. que Modigliani esculpia sempre diretamente na pedra. em 24 de janeiro de 1920. Modigliani marcou a pintura da primeira metade do século XX com suas figuras alongadas. em 9 de setembro de 1901. Essa breve fase final do artista foi a mais importante de sua obra. filho de abastada família judia. caracterizada por um despojamento que alguns críticos creditaram a sua inclinação para a escultura. executou uma de suas obras mais importantes: "O violoncelista". como os que fez para Aristide Bruant. Também a influência dos kouroi (esculturas gregas que representam jovens atletas desnudos) se faz sentir nesses trabalhos. a partir de então.

e um ano depois tentou o suicídio. motivados pela leitura de Nietzsche. ver sua obra ser destruída e desprestigiada pelos órgãos de censura. Kirchner continuou sua formação na cidade de Munique. Iniciou uma fase de grande produtividade. em sua casa ao pé dos Alpes. Além de sua obra pictórica. Depois de lutar durante dois anos na Primeira Guerra. na primeira exposição dos surrealistas. entrou em contato com os pintores da Nova Associação de Artistas e finalmente uniu-se ao grupo de artistas do Der Blaue Reiter. com os quais. Suas obras mais importantes estão dispersas pelos museus de arte moderna mais importantes da Alemanha. Em 1912 viajou para Paris. Klee estudou com o mestre Von Stuck em Munique. Klee emigrou para a Suíça. para seis anos mais tarde.visão da realidade. Klee juntou-se em 1924 ao grupo Die vier Blauen. este pintor dedicou-se durante a toda sua carreira a buscar o ponto de encontro entre realidade e espírito.a ponte que conduz ao super-homem”). Veio então a época em que os pintores se reuniam numa casa de veraneio em Moritzburg e se dedicavam apenas ao que mais lhes interessava: pintar. com quadros de caráter quase surrealista. Em 1914 Kirchner foi convocado para a guerra. As formas cúbicas da arquitetura e os graciosos arabescos na terracota deixaram sua marca na obra do pintor. Quando finalmente sua contribuição para a arte alemã foi reconhecida. começou a trabalhar como professor em Dusseldorf e mais tarde na escola da Bauhaus em Weimar. PAUL KLEE (1879-1940) Considerado um dos artistas mais originais do movimento expressionista. Convencido de que a realidade artística era totalmente diferente da observada na natureza. criados. Pouco tempo depois reuniu-se com os pintores Heckel e Schmidt-Rottluf em Berlim. foi nomeado membro da academia de Berlim. voltou a pintar ao ar livre.. Mas a grande descoberta ocorreria dois anos depois. fundou o grupo Die Brücke (A Ponte. Kirchner tentou mostrar em toda a sua produção pictórica uma realidade de pesadelo e decadência. em sua primeira viagem a Túnis. numa referência à frase do escritor: “. em cima de "matéria e sonhos".No final de 1938 o pintor pôs fim à própria vida. segundo o pintor. Sensivelmente influenciado pelos desastres da guerra. A exemplo de Kandinski. Em 1933. Depois de uma viagem pela Itália. seus quadros se transformaram num amontoado neurótico de cores contrastantes e agressivas. que seria de vital importância para suas obras posteriores. Paralelamente. Demônios. Klee escreveu: "A cor. Tendo concluído seus estudos de arquitetura na cidade de Dresden.. em 1931. onde se encontrou com Delaunay. bem como cenas circenses e de variedades. pode expressar ritmo e movimento". como a forma. mas antes apresentou suas obras em Paris. Dessa época são os quadros mais ousados de paisagens e nus. Klee deixou vários trabalhos escritos que resumem seu pensamento artístico. Entre eles merecem ser mencionados Anatomia de Afrodite. em 1940. Flores Noturnas e Villa R. produto de uma profunda tristeza. durante o nazismo. 109 . Sua última exposição em vida aconteceu em Basiléia. Quando suas mãos se recuperaram do ferimento.

ele já era expressionista deformando por necessidade própria. filmes. muito rápidas. É muito forte na Alemanha e nos países nórdicos. bem preta dos contornos ao redor das figuras. Vem do comportamento introvertido do homem. solidão interior. amargura. a belle epoque. não importa a cor. do que estava acontecendo no seu país. O expressionismo. É uma constante na história da arte. Deformava em uma busca muito forte. Desde que o homem é homem ele faz expressionismo embora não fosse consciente dessa denominação.: música expressionista. O expressionismo vai surgir. fotos. ao redor de tudo. um apelo a sua emoção. No aspecto psicológico é uma arte quase que de instinto. música. É muito forte. mas sempre vai ter contrastes violentos no interior da figura. mas com conteúdo atual. quando ocorre uma grande catarse que se projetará na pintura. já era expressionista sem saber. etc. Ninguém vai pintar mais sobre a “belle epoque” pois. quando o homem deformava um bisonte ou abutre. Ex.: Quase todas as principais correntes expressionistas são nórdicas. Existem dois aspectos no expressionismo: o aspecto técnico e o psicológico. não pode ser chamado de um simples estilo. Os primeiros artistas plásticos que foram chamados de expressionistas foram os alemães. Essa revista veio a comentar que aqueles artistas expressavam só dor. que sempre existiu. ficando meses trancados em casa por causa das tempestades de neve. Goya. no final de sua vida. o oposto da pincelada delicada do impressionista. de não facilidade para se expandir e falar com o próximo é que faz com que surja o expressionismo. Normalmente usam cores puras. etc. Desde a pré história. Tanto o abstracionismo quanto o expressionismo estão muito fortes ainda no século XX. vermelho. O impressionismo continua forte somente na forma e não mais no conteúdo. Artistas alemães do princípio do século: Edward Münch (papa dos expressionistas) 110 . Lá existe uma falta de comunicação muito grande. porque as pinceladas são muito nervosas. como corrente artística. mudando tudo sobre a estética grega que estávamos acostumados a ter como padrão ou ideal de beleza. O expressionismo nunca vai pintar sobre aquela emoção gostosa que se observa nos quadros impressionistas.O EXPRESSIONISMO O expressionismo sempre existiu e sempre vai denunciar. O expressionismo vai surgir entre 1904 a 1909. Essa falta de comunicação. no princípio do século XX. Foi publicada pela primeira vez em uma revista alemã chamada de "A tempestade". não tem mais sentido de pintar o impressionismo hoje com o conteúdo do século passado. registrar a dor humana. O aspecto técnico é aquela acentuação bem forte. Pode ser preto. muito violento. Esse termo vai existir também na música. roxo. Pode-se usar a mesma técnica hoje. Obs. o tempo é ruim com pouco sol.

É lógico que essas correntes vão ter influências entre si. como também é no renascimento. Eles vão pensar que o homem é livre. Protesto contra tudo. o interesse pelo drama individual (oposto do impressionismo que só retratava o belo). Karl Schimt Rotluff Otto Muller Emil Nolde Esses alemães vão fazer um trabalho chamado "A Ponte". Expressionista é a emoção e o Impressionista a sensação. O idealismo é a busca da beleza ideal superior a beleza. que se encontra dentro da própria pessoa. renascentista. "A Ponte" significa a ligação entre o visível e o invisível. É a representação mais usada no mundo todo. Registra fielmente possível aquilo que os sentidos percebe. Tudo é exagerado e tudo é distorcido para retratar "aquela emoção. dadaísmo. parecendo uma fotografia. o expressionismo tem a ver com a arte selvagem. Essa influência "exótica" foi muito forte para os franceses e para os nórdicos. Nesse principio do século XX vai aparecer todos os “ismos” como: cubismo. Normalmente a Arte Selvagem está muito ligada principalmente à arte da Polinésia Francesa. primitiva. É uma arte muito instintiva. néo-clássica) Expressionismo (Pintura barroca. Portanto. aquela dor". Esse grupo é fantástico formado por três artistas citados anteriormente excluindo-se Edward Münch e Emil Nolde. Todo o classicismo grego é idealista.Kirchiner. fovismo. Os principais enfoques do expressionismo são: No aspecto social. fantástica e onde colocam tudo o que eles sentem e sem muitos parâmetros com a arte acadêmica. impressionismo. realista. Os impressionistas eram muito “doces” para esse “amargo” nórdico. Como o Picasso. contra a burguesia (o expressionismo sempre vai ser um protesto). Todas essa correntes do principio do século vão ter influência da arte selvagem (dos africanos). com perfeição. como todas essas correntes do princípio do século que ficam encantadas com essa arte. Quando o artista deforma a figura ele obedece a um desejo de fazer um apelo à emoção com muito vigor até mesmo na alegria. Dentro da estética da arte existem 3 formas para representar o mundo: Realismo (Pintura hiper-realista) Idealismo (Pintura clássica grega. É a própria deformação da figura. Ernest L. expressionismo. abstracionismo. cubista. acadêmica. abstrata) O realismo é quando o pintor representa o mundo exatamente como é. “Arte selvagem” é a arte da descoberta da existência da África. "A Ponte" também vai ter alguma coisa de arte selvagem. etc. todos os pintores expressionistas vão descobri-la. A arte da Polinésia é muito expressionista. 111 .

porque distorce para representar algo interessante e tem humor. a dor é bonita. Rotluff. O impressionista vivia sempre em grupos. que é um assunto brasileiro. mas pegou um livro de estória de seu filho e de lá tirou a imagem do macaco. ou melhor "Naífe" (porque não nasceu na floresta e sim na França) vai pintar muito sobre a selva. com as emoções. os pintores se dispersaram tanto que quase acabaram com a corrente. do leão. Portinari é expressionista. só que vai pintar de forma primitiva. Tudo é possível. Rousseau nunca tinha visto uma floresta na vida. nasceu na cidade e vai pintar de uma forma primitiva. na Alemanha. ressurgindo novamente mais tarde. etc. etc. É um pintor de 1885 ou 1886. amargo. O seu conteúdo será sobre os retirantes. fragmentado. nascido no Brasil. Primitivo é o homem que nasce na selva. Um assunto expressionista é sempre distorcido. Existia uma diferença de conteúdo entre os pintores expressionistas nórdicos alemães e os pintores nórdicos franceses. Ex. Guerra Mundial. 112 . que surgira no início do século XX (1905-1906) e queria ligar os 2 mundos. como no renascimento. no barroco (com a diagonal e sem uma figura no centro). A caricatura também é expressionista. da época dos impressionistas. Mexe com a cabeça. como se fossem vitrais e a Joana D'Arc (que vai fazer um contorno preto na figura da Joana D'Arc como se fosse vitral). Com a guerra.O expressionismo é praticamente o século XX. O conteúdo é muito de cada um. A corrente expressionista tem uma forte distorção. separando esses pintores. mas cada um tem o seu estado mental que pode colocar no seu trabalho. os santos. Não existe uma regra ou característica muito unida. A personalidade do pintor expressionista tem como característica a necessidade de se isolar para criar uma técnica própria adequada para os seus fins pessoais expressivos. “Naífe” é o homem civilizado que sabe ler. acabou em 1913 por causa da guerra. pois seu pai era médico e Münch presenciou esse assunto. O individualismo em um pintor expressionista é muito forte. Vai pegar uma santa que jamais será tema dos expressionistas nórdicos alemães. “Primitivo” é o homem que nasce na selva. Não tem nenhuma aberração. O homem do século XX é extremamente individualista. pintor francês expressionista. O expressionismo vai expandir fortemente antes da 1a. é latino e vai pintar muito a igreja católica. Existe uma abertura muito maior que no impressionismo. Jamais seria um conteúdo dos países nórdicos. Uma obra expressionista é um golpe para quem a vê. Só pode ser colocado que se caracteriza pela distorção. Os pintores expressionistas não eram muito unidos. "A Ponte".: Edward Münch pintou muito sobre a morte. O expressionismo não é belo no sentido da estética. dolorido. Rousseau é um pintor primitivo. uso de cores fortes. O nome expressionismo surgiu em 1912. mas o estado mental difere de cada um que pinta.

acabou deixando de ser para se tornar Paul Klee mesmo. Em 1921 foi professor de desenho da Bauhauss.Surge um outro grupo de expressionismo chamado de "O cavaleiro azul". Tinha um mundo próprio por criar leis próprias de perspectiva e de lógica. detalhista e sua arte se desdobra até o infinito. Expressionistas brasileiros: Mário Gruber Anita Malfati Portinari Grassmann. Entre os artistas modernos ele é o mais individualista. Embora tenha pertencido ao grupo do "Cavaleiro Azul". Paul Klee. Esses pintores desse grupo foram: Paul Klee. vão ressurgir em várias partes do mundo como no Brasil. Os expressionistas usam muita gravura em metal. etc. Tudo era religioso e mágico. na Suíça. No Rockfeler Center também se encontra um grande mural dele. muralista. No pós-guerra. Paul Klee nega a realidade da percepção normal transformando tudo o que você acha que é certo e normal. que surgiu no expressionismo. Outros pintores acharam fantástico o seu trabalho e se reuniram ao seu redor formando um grupo chamado Cavaleiro Azul (devido a esse quadro). Paul Klee. ficou impressionado pelo mural de Diego Rivera pedindo para que fosse ajudante dele. quando era jovem e foi pintar em Nova York. Kandinsky (grande paixão deles) e Franz Marc. Hitler. Um pintor chamado Franz Marc pintou um quadro chamado "Cavaleiro Azul". Obs. Criou flores. Era desenhista supremo. em 1933. Pollock acabou ajudando no trabalho de 113 . Expressionistas mexicanos: Diego Rivera Orosco Siqueiros Diego Rivera pintor mexicano. horrível. Para ele tudo era normal e tinha lógica. nasceu em Berna. viveu muitos anos na Europa e escreveu que teve muita influência de Giotto e Velásquez. Nova York.: Jackson Pollock. vai expulsar todos eles porque achava que pintavam uma arte degenerada. uma fauna estranha. às vezes primitivo e louco. ele tem que ser separado dos expressionistas por ter uma pintura diferenciada. de gente louca. Exilados. os expressionistas ressurgem com grande energia na Alemanha. Ele era um homem extremamente intelectual. Não segue nenhuma corrente artística. Voltou ao México fazendo grandes murais em edifícios públicos da cidade do México. Alguns críticos acham-no um pouco infantil. na Alemanha. Eles eram partidários do abstracionismo. expressionista. etc. É considerado um dos grandes artistas do século XX.

gerou uma pintura muito forte. O governo mexicano pedia que ele fizesse sua pintura de determinado forma por precisar do dinheiro americano mas. Aquela revolução mexicana. Diego Rivera vai pintar muito o seu folclore. a tradição dos Maias. Ele era um homem de personalidade muito forte. muito dolorida. mesmo assim ele se tornou um pintor de peso. episódios da mitologia mexicana. Astecas. muito forte. Vai ter a coragem de pintar numa época muito difícil da realidade mexicana. Zapotecas. Ele não pintava a beleza. É também muralista. na figura do artista. Sua influência se deu mais na “força do homem". Tem uma linguagem de expressividade muito forte.Diego Rivera. ele jamais modificou o seu trabalho por causa disso. Mas. Esse encontro dos dois não chegou a influenciar na pintura de Pollock. 114 . do que na própria técnica. mas a realidade e por isso sua vida foi difícil por quererem que ele pintasse a beleza.

no Salão de Outono. em 1908. Características da pintura: · Pincelada violente. Seu estilo. não correspondendo à realidade. espontânea e definitiva. · Pintura por manchas largas. sofreu influências de Cézanne e depois do cubismo. Quem lhes deu este nome foi o crítico Louis Vauxcelles. alguns artistas foram chamados de fauves (em português significa feras). · Criar é seguir os impulsos do instinto. ligou-se a Maurice de Vlaminck e a Matisse. Nessa fase. não tem relação com o intelecto e nem com sentimentos. recorrendo a traços impulsivos e a pinceladas descontínuas para obter suas composições espontâneas. com o gradual desaparecimento da gestualidade espontânea das primeiras obras. retratos e naturezas-mortas haviam adquirido uma entonação neoclássica. Os princípios deste movimento artístico eram: · Criar. em virtude da intensidade com que usavam as cores puras. pois estavam expostas um conjunto de pinturas modernas ao lado de uma estatueta renascentista. como saem das bisnagas. em Paris. · As linhas e as cores devem nascer impulsivamente e traduzir as sensações elementares.FOVISMO Em 1905. ANDRÉ DERAIN (1880-1954) Pintor francês. pintou figuras e paisagens em brilhantes cores chapadas. sem misturá-las ou matizá-las. foi o mais autêntico fovista. dizia: "As cores chegaram a ser para nós cartuchos de dinamite. Na década de 1920. · Colorido brutal. seus nus. · Ausência de ar livre. Após romper com o fovismo. Principais Artistas: MAURICE DE VLAMINCK (1876-1958) Pintor francês. dizia: "Quero incendiar a Escola de Belas Artes com meus vermelhos e azuis." Por volta de 1900. pretendendo a sensação física da cor que é subjetiva. as sensações primárias. · A cor pura deve ser exaltada. com os quais se tornou um dos principais pintores fovistas." Adotou mais tarde estilo entre expressionista e realista. · Uso exclusivo das cores puras. desde então. não mudou. em arte. formando grandes planos. 115 . no mesmo estado de graça das crianças e dos selvagens.

Contrastes tonais e a geometrização da forma caracterizaram sua obra. gravador e decorador francês. O que interessa é a composição e não as figuras em si. Nas suas pinturas ele não se preocupa como realismo. Morreu um ano depois de receber o prêmio de pintura da bienal de Veneza. que exploraram o sensualismo das cores fortes. as técnicas do desenho e o efeito de claro-escuro para tratar a cor como valor em si mesma. também. Dos pintores fovistas. Foi. ele foi o único a evoluir para o equilíbrio entre a cor e o traço em composições planas. depois de travar contato com Matisse. Abandonou assim a perspectiva. RAOUL DUFY (1877-1953) Pintor. como de pessoas ou de naturezas-mortas. evoluiu gradativamente para o fovismo. Impressionista a princípio. escultor. 116 . ilustrador e litógrafo. sem profundidade.HENRI MATISSE (1869-1954) Pintor francês. tanto das figuras como das suas cores.

A arte Cubista é uma arte muito elaborada. do que emoçional e de sensação. Dúvidas. 1907 pelo Picasso quando ele pintou "Le Mademoiseille D'Avignon". Juan Griss. Essa mudança foi realizada em 1906. o fruidor vai ter que usar muito o raciocínio para entender a obra. Quando se fala em mudança precisamos falar de um estilo que mudou muito a arte no mundo e provocou uma revolução na estética. Essa revolução foi fantástica. Os cubistas vão pintar e representar um objeto através do lado que nós vemos e do lado que nós não vemos desse objeto. A minha memória é que vai ter que olhar essas partes e montar novamente o objeto. da arte. o surgimento de muitas dúvidas e interrogações. no início do século XX. Na arte também houve uma série de mudanças. No ano de 1904 Einstein escreve sobre a teoria da relatividade que vai mudar totalmente o conceito do universo. vão pintar muito mais o que sentem do que o que vêem. O pintor cubista vai pegar um objeto e quebrá-lo em partes. Para ser um bom pintor cubista na essência certamente será um homem culto. É extremamente conceitual muito mais que perceptual. sobre o consciente e inconsciente. Pode também ser notado. É preciso muito estudo e intelectualidade. Ele vai imaginar. O cubismo não aceita nunca o momento estático. O Cubismo procura a essência da visão humana. por exemplo. foram muito apoiados na imprensa pelos escritores que publicavam sobre essa nova arte muito intelectual. Ele é totalmente dinâmico. Freud estava publicando a interpretação dos sonhos. De repente. a partir de 1900. os artistas vão buscar em suas pinturas as aparências externas e o bom pintor será aquele que vai pintar realmente o objeto como ele é. A arte Cubista é muito mais conceitual. os mais famosos. da razão. O Cubismo se vale muito da memória do fruidor do que dos objetos concretamente vistos pelos olhos. Fernando Leger. O Cubismo vai ser uma reação contra a afirmação de que o mundo que nos cerca é acadêmico. É a recuperação da nova visão da arte através de um conceito intelectual. segundo o conhecimento intelectual que ele tem dessa representação. Vai ser uma nova forma de ver e representar o mundo. ano em que Picasso chegou à Paris em sua primeira visita. a particularidade cultural de cada objeto. criar fragmentos para representar todos os lados do objeto.CUBISMO É o início da idade moderna do mundo. É por isso que é muito racional. Braque. Em uma pintura Cubista. Vai depender muito da minha memória. Já em uma pintura como a Barroca ou Impressionista o fruidor vai usar o que sente para entendê-las. etc. Durante cinco séculos. O cubismo virou 400 anos de arte de pernas para o ar. os pintores. desde o pré-renascimento até hoje. racional. Em 1900. 117 . Os pintores Cubistas como Picasso.

o Cubismo é considerado uma arte bastante intelectualizada. por ex. a do Museu Gugueheim é a melhor. na região a que pertence. Tem aspectos extremamente renovadores para a época. Tem muita obra de Picasso em Barcelona. Ele é extremamente individualista. tem 8 obras dele. é procura. esculturas. O movimento cubista se divide em várias fases: FASE CEZANEANA. Dificilmente houve alguém que tivesse superado Picasso no sentido do que seria arte do século XX. Dizem que foi Matisse que ao olhar o quadro do Picasso com Braque disse: "Você está pintando só cubo! Mas isso é cubismo!" Muitos outros também tiveram a mesma opinião. quando começaram a fazer “colagens”. 118 . Você tem que montar a figura toda como em um quebra-cabeça.: o artista vai representar um olho no lugar da testa e o outro na orelha. A sua memória é que vai ter que montar a figura. sua obra é inconfundível. por ex. Sempre numa constante busca e inovação. no próprio rosto. mas como foi pensado pelo artista.: um olho pode estar localizado no dedo do pé. Eles constróem espaços pictóricos onde eles determinam as representações. temos que conhecer o homem e o artista. Para que possamos entender Picasso. Na estética da arte. ele vai pintar tudo com cabra. Essas obras são as melhores de cada fase. o artista fragmenta e decompõe. No museu Gugueheim. como exemplo: Durante a segunda guerra mundial quando os alemães bombardeavam Paris e ocorria o black-out. Foi cubista somente 5 anos e depois foi “Picasso”. em New York. quando é totalmente fragmentado. Dono de uma dinâmica constante. quando os artistas e principalmente Picasso e Braque se interessam e estudam muito as obras de Cezanne. É busca. FASE ANALÍTICA. É muito importante conhecer Picasso porque todas as fases de sua pintura tem muito a ver com a retratação de sua própria vida e da época em que viveu. etc. O objeto nunca vai ser representado como foi visto. Nessa fase toda sua pintura terá panos roxos. Nunca irá colocar o olho no joelho. no Museu Moma mas. seu bichinho de estimação. inclusive broches. “Arte” é uma perene evolução. Picasso sempre esteve em movimento criando e deixando estilos e frases de forma a garantir uma obra cuja característica básica era a busca de sua individualidade. FASE SINTÉTICA. É um espaço pictórico que não tem nada a ver com a representação da realidade. A técnica cubista apresenta várias texturas. Antes de falar sobre sua vida é preciso deixar registrado a soberba vitalidade de um artista continuamente dedicado à criação até seus últimos momentos de vida. o que marcou sua obra. Foi um homem artista em perene evolução.Os Cubistas não dão valor à perspectiva. os aliados pediam que colocassem panos escuros roxos nas janelas para que os aviões não avistassem as luzes das casas. Quando morre sua cabra.

Esse tio sem querer deu uma baforada no rosto da criança que começou a chorar. a vida. Uma obra de arte do século XX. que parecia um cone. triste. na Espanha. Na verdade o abstracionismo tem muito a ver com o cubismo. na National Gallery de Londres. etc. para depois sentir a emoção.Picasso falou o seguinte: "Para que vou pintar um pedaço de madeira. de forma muito parecida e não vão assinar seus nomes. Um tio chamado Salvador Ruiz. É o novo homem que vai pegar esse hábito de ler jornal. Esse hábito vai ser registrado historicamente nas obras de Picasso.” Isso vai mudar muito a visão da arte. a mulher. etc. Tinha 2 irmãs e como filho único foi muito mimado. em "off": Picasso não chorou ao nascer. Seu nome completo é Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remédios Cipriano de La Santíssima Trinidad Ruiz y Picasso. mas também pode ser abstrato. entrou no quarto e achou que o nenê não estava respirando. areia. mais sentirá essa emoção. Picasso jamais iria fazer isso. festas. Quando o cubismo fragmenta tudo chega a ser quase um abstrato. entender. você tem primeiro que saber. É o cotidiano. As letras gráficas vão aparecer com Picasso e Braque. Os dois quadros ficaram idênticos. PICASSO (1881-1973) Nasceu em 25 de outubro de 1881. Picasso vai assinar o nome no meio da obra como que fazendo parte dela. somente recortava assuntos fúnebres. Braque. se posso colar a própria madeira na pintura?. exatamente nessa época que ocorre o cubismo. que era introspectivo. Eles voltaram e surgiram com a idéia da colagem. cada um escolhendo seu pedaço de jornal. Obs. Quanto mais você sabe. sobre perdas. Braque e Picasso vão pintar juntos na montanha (onde Cezanne pintava). a imagem já é quase um abstrato. Houve muita confusão para que os historiadores identificassem a obra de um e de outro. Essa exposição mostrava a diferença entre os dois: Picasso tinha recortes de jornal somente de assuntos alegres sobre touradas. nesse começo de século. Por esse fato ele recebeu o nome do tio em 119 . morte e sempre de circunstâncias do cotidiano como alguém que perdeu uma cadeira. etc. que fumava charuto. para que as pessoas soubessem distinguir entre Picasso e Braque. Málaga. Teve uma exposição somente com esses trabalhos. O cubismo sempre vai ser figurativo de um modo geral. O mesmo com o jornal. No cubismo analítico. O jornal vai ser muito usado na colagem. já que era um estudo. Uma obra cubista tem que ser vista pela razão para depois sentir a emoção.

Picasso adorava o pai que sempre o levava às touradas. Foi morar em Mont Martre que era mais barato e onde só vivia os intelectuais. da beleza. Aos 23 anos Picasso começa a ser famoso em um lugar fora de sua pátria. etc. Ele disse que não iria querer nunca estar preso a nenhum marchand na sua vida e que queria ser um homem livre. Quando Picasso tinha 14 anos já pintava com perfeição. muito sangue. falante. da crueldade. Essa obra vai ser premiada em Madri em uma exposição muito importante. Cada parente que chegava e adorava a criança os pais colocavam o sobrenome no filho. fazer exposições. O atelier dele. O marchand chegou a oferecer até um fixo mensal mesmo se ele fizesse somente uma obra por mês. da estética da cor. Essa mescla do brilho. Nessa época Monet também estava vivo (vai viver até 1910). Em "off": Em 1900. onde os toureiros vão mostrar muita habilidade. nesse "Bateaux". Numa praça de touros ocorre um espetáculo brilhante com cores vivas. Tanto Van Gogh como Toulouse Lautrec vão influenciar o trabalho de Picasso por pelo menos uns quatro meses. As pessoas admiravam o fato dele ser tão novo e ter um estúdio montado pelo pai para ele. dos odores. no Museu do Prado. O prédio em que morava parecia um barco e era tão feio que o pessoal da região apelidou de "le bateaux larvoir". muita elegância e também muita crueldade. Fica então enlouquecido com o trabalho de Van Gogh e Toulouse Lautrec. 120 . Picasso conseguiu manter sua importância desde jovem até os 92 anos. principalmente porque ele era o único menino daquela família que só tinha menina. Essa atitude de se colocar o sobrenome de todos os parentes na criança é muito comum na Espanha. Goya. Não queria que ninguém cobrasse ou controlasse a sua vida. onde Picasso fará cópias das obras de El Greco. Nessa época ele vai pintar uma obra chamada "Ciência e Caridade" e o seu pai vai posar como médico para ele. de escritores. Velásquez. mas ele não vai aceitar. Alguns dos grandes pintores da Espanha: Velásquez (barroco) Goya (no final da vida era expressionista) Murillo (barroco) Miró Gaudi (grande arquiteto) Salvador Dali Picasso Em 1900 Picasso vai à Paris em uma grande aventura para visitar a exposição internacional. O pai ao saber que o filho ganhou uma medalha de ouro resolve incentivá-lo a estudar em Madri. Com 15 anos o pai já o considerava pintor e resolve alugar um espaço para montar o seu atelier. vai ser o ponto de encontro de artistas. tudo vai influenciar Picasso para o resto de sua vida. muito requisitada.seu sobrenome. da doçura. quando Picasso saiu da Espanha. Ele não tinha como pagar um lugar melhor para se viver. Foi auto-didata. carismático. Picasso era um homem cheio de vida. Ele disse que fazia até dez por mês mas que não queria ficar preso a esse tipo de compromisso. um marchand vai se oferecer para cuidar de seus quadros.

O azul tem uma ligação muito grande com o melancólico. vista como arte do século XX.Entre 1901 e 1904 ocorre a sua "Fase Azul". Conhece 2 marchands: os irmãos Léo e Gertrudes Stein.: No mercado das pulgas de Paris. Obs. que são as histórias folclóricas e a arte negra. sendo conhecido como "O centro de arte moderna do mundo". Ele vendia tudo o que pintava. Roma. inspirando-se na cultura espanhola cheia de superstições. O cubismo para Picasso foi uma paixão exploratória que durou somente 5 anos. A partir daí vai começar a “Fase Negra”. o azul é o "Bleu". badalados e ricos. figuras que vivem à margem da sociedade. Picasso vai pintar entre 1906 e 1907 a famosa obra "Les Mademoiselle D'Avignon". É chamado de fase azul porque o azul é que predomina em todos os tons. vai ter um encontro com a Arte Primitiva Africana. não conhece Fídeas. Ele vai entrar e sair dessa “fase negra”. A sua vida se torna "rosa". Ele vai acabar com 30 séculos de arte ocidental. Mont Parnasse. vão fazer surgir no século XX uma das tendências mais importantes que é o CUBISMO. As máscaras que ele mais vai gostar são as máscaras da Polinésia. Picasso percebe que o artista negro não pinta raciocinando porque ele não conhece os cânones da arte (regras de beleza da arte). A fusão de dois mundos mágicos. Obs. As fases “azul” e “rosa” são as únicas que ele não vai voltar nunca mais. que o colocam na alta sociedade onde irão comprar muito suas obras. A arte africana vai ser o momento decisivo no entendimento da arte. o "triste". Ele vai pintar o que ele sente.guerra mundial. você vai encontrar muitas máscaras africanas de várias origens. lugar onde Picasso vai viver até o começo da 2a. Grécia. Nessa fase ele vai retratar seres cruéis. Mudou-se para Mont Parnasse. começa a vender bastante. Nesse momento de pesquisa. atraía muito os intelectuais. Vai morar lá durante a sua “fase rosa” e onde começa a refletir sobre o seu trabalho que já estava cansado de fazer. onde até hoje moram os artistas. Começou a freqüentar lugares muito alegres. as figuras solitárias e melancólicas. Em 1906 ele já era o jovem pintor mais conhecido de Paris. quando ele vai pintar sobre as ruas pobres de Mont Martre. que apelidou de "Rose Bombom". histórias fantasmagóricas e folclores. É uma nova visão de compreender a arte. A partir de 1908 Picasso lidera o movimento cubista da Europa. fascinantes. de um modo geral. Ao parar de produzir a sua “fase rosa” ele vai falar: "Eu não procuro. sobrenaturais. eu acho". Quando se fala de tristeza. Conhece Braque. Passa a pintar só de "rosa". voltando somente após o Cubismo. 121 . Nunca mais no futuro vai retornar a essa fase azul. muito felizes. fica amigo de muitos marchands. Esse encontro vai ser decisivo para ele. Foi um escândalo tão marcante que Braque ficou sem falar com ele por 6 meses. A mudança foi radical. dançarinas sem olho (irreais). De repente ele se liberta dessa melancolia ao conhecer uma moça chamada Rose.

Em 1920 se casou com uma bailarina russa chamada Olga. era um dia de feira. mas sua pintura não é difícil de ser reconhecida. A arte é perigosa. Vai escrever o seguinte. A cidade tinha somente 6. Isso é estilo pessoal de um gênio. além dos casos que tinha por fora. Só gênio consegue pode pintar uma coisa que é real e irreal. 2 se suicidaram porque ele as deixou. Nesse período ele não vai querer voltar à Espanha para assumir a direção do Museu do Prado. traspassado com uma lança nas costas. Em 1936 ele vai ser nomeado diretor do Museu do Prado. não é arte. Vai casar com Dora Maar e pintar muitos retratos dela. 3o. A mulher sustentando uma lâmpada na mão. Começou a pintar em cores. é um jogo. Se é casta ou não se revela. Foi pintada com paixão. A Dora Maar (que era fotógrafa) fotografou todas as etapas. Picasso tem muitas fases. Teve caso com as duas ao mesmo tempo e permaneceu com elas por algum tempo. tendo muito a ver com a arte do século XX: "A arte não é casta.000 habitantes. Ele disse o seguinte: “o retorno periódico à determinadas fases era como uma volta a obra à ordem dele”. Fica o tempo todo morando na França e saudoso de seu país. não tinha o porquê. trabalhando sem cessar. uno e mutilado. Dois dias depois a Europa toda sabia da história. é reveladora. No dia 26 de abril de 1937 ninguém falava de guerra. convicção e com inúmeros desenhos preparatórios. Guernica é um mural bem trágico onde vai mostrar a tragédia humana. Durante 3 horas jogaram bombas matando cerca de 1765 pessoas. que vai ser o símbolo da justiça. Das 5 esposas. Vai buscar a luz. Ele chegou a pintar as duas no mesmo dia. bombardearam a cidade. Foi então o primeiro bombardeio aéreo da história da humanidade de uma cidade inteiramente civil. esquadrilhas de aviões das forças nazistas aliadas à Franco. objetivo e subjetivo ao mesmo tempo. Não esconde sua obsessão pelo sexo. branco e cinza. quando acontece a guerra civil espanhola. Casou-se 5 vezes. Fez o cavalo agonizante. Ele fez três coisas de imediato: 1o. De repente. Ele precisava voltar para se ordenar novamente interiormente. mostrando que é um pintor consciente e engajado socialmente na luta contra os mais fracos. 2o. Guernica era um vilarejo Basco na província de Biscaia. As pessoas saíram da feira e foram fazer a sesta. à 1 hora da tarde. Em 1931 essa bailarina foi substituída por Maria Teresa Walker. 122 . período onde sua pintura fica mais calma. que representa o povo. objetivo e subjetivo. desistindo depois. Levou mais ou menos uns 4 meses para elaborar a obra. Ninguém falava de guerra. O touro de perfil que personifica a brutalidade.Em 1915 ele volta à um realismo mais sutil até 1925. Picasso tinha uma personalidade muito forte que vai ser muito importante para sua obra." Segundo Mali: Tudo o que Picasso pintava era realista e irreal. Picasso 24 horas depois do acontecido começa a esboçar Guernica. Nunca mais vai voltar à Espanha até o Franco morrer. Ele tinha uma boa organização e um sistema de trabalho. Vai pintar sua obra prima "Guernica". Guernica era uma obra que tinha as cores preto. uno e mutilado.

a sua força criadora não pára. Ele resolve não esconder nada. em “off”: Salvador Dali conseguiu conquistar a mulher de Paul Edward. etc. Eram esculturas parecidas com ela. Em 1946 Picasso vai casar com a 4a. 123 . mas quando fez Guernica deixou que André Morrow (?). É uma fantástica mistura de processos de composição. Obs. Paul Edward entrassem para ver a sua obra. a sua forma é extremamente racional. Em termos de conteúdo vai mostrar sempre o palpitar da vida e a quietude da morte. Picasso sempre pintava sozinho. Guernica é trágica. foi você quem fez isso!".80 m de comprimento e 3. Estava em Cap D'Antibes. que eram judeus. a fugir. Picasso ao terminar Guernica em 1939. ele fez 57 esboços gerais diferentes antes da composição final. está rico. mulher e filhos. não usando cores. bem na ponta do cabo. Mas. Vai morar e pintar muito. ao mesmo tempo que revela o palpitar da vida. Picasso inventa e cria formas que ele abandona e depois volta a pintar novamente. Guernica tem 7. Além de transmitir uma grande emoção. Essas esculturas ajudaram-na futuramente quando arrecada um bom dinheiro ao leiloá-las para ajudar financeiramente a sua obra de “proteção aos animais”. Fofoca: Quando a Brigite Bardot foi visitá-lo e ele se encontrava com 60 anos aproximadamente. Picasso pertencia a Resistência ajudando muito os espanhóis. se fores frade acabarás a papa. com quem ele vai ter os filhos Claude e Paloma. Fazendo uma análise da forma pode-se notar uma composição de estilo piramidal. mulher “François Gilot”. com animais. gravura. em um castelo do século XVII que foi adquirido por ele. com muita fama. Em "off": Na segunda guerra mundial quando os nazistas entraram na França e acabaram com Paris. Chega o embaixador espanhol nazista que verá uma fotografia bem grande de “Guernica”. ficando com ela. Ele continuou estrangeiro na França. Picasso recebeu muito apoio dos pais. tinha a Gestapo e a Resistência. escultura e jóias. Quis ser pintor e tornei-me Picasso". De repente a Gestapo surgiu em seu Atelier quando Picasso estava pintando. fez um monte de cerâmica terracota para ela. É o pior do retrato do sofrimento humano.50 de altura. Então o embaixador sai de seu atelier sem falar nada.Nessa época. além de ter muito mais esboços específicos. Disse: "Quando eu era criança minha mãe me dizia: se fores soldado chegarás a general. aos 55 anos. O embaixador pergunta a Picasso: "Foi você que pintou isso?" Picasso responde: "Não. baseada nos pintores clássicos. Por isso seu trabalho é tão polivalente. Picasso disse que tinha repúdio a toda regra e convenções e com isso ele permanece um criador inesgotável. Esta obra se encontrava no Museu do Prado e agora está no Museu da Rainha Sofia. sem nunca ter se naturalizado. em Madri. Nessa época ele já tinha 68 anos e vai trabalhar com cerâmica. Nessa época vai morar na Cote D'Azur.

do encontro. era um consagrado pintor aficionado. pintura que admirou e saboreou até saciar-se. essas coisas tão humanas. Mali descreve em seu livro: "Por estranho que pareça esse grande e talvez o maior artista plástico de nosso século. vai comprar também uma ilha enorme onde vai construir um castelo como o da Espanha que tinha. realizou as obras que hoje são conhecidas como cubismo analítico. Na Itália. que ele nunca foi e onde mora hoje sua filha Paloma. o conduzem para a experiência cubista. um bom retratista de personagens famosos. mas ninguém pode querer pintar como Picasso. Vai adquirir muito mais imóveis também. à vez. Um exemplo desse estilo é Violino e jarro (1910). entre eles a “releitura das meninas de Velásquez”. influência à qual temos que acrescentar a de Renoir com sua Moulin da Galette. Um apartamento duplex em Paris. A posterior admiração por Cézanne e o deslumbramento causado pelo autor das Les demoiselles d' Avigon. iniciou-se também como rotulista. seu pai negociava com a pintura e a decoração e. Georges introduziu-se na tradição familiar graças a seu próprio pai. convertendo-se. Para terminar. se uniu ao Fauvismo durante dois anos (1905/7). pintor francês. Pintando o que nunca se viu.Em 1954 ele vai viver uma paixão muito forte com Jaqueline Roque. a influência decisiva que Paris exerceu sobre ele foi através das salas do Louvre dedicadas à escultura egípcia e grega primitiva. etc. Eu tento achar influências do mestre. em aprendiz de decorador: tinha que imitar o mármore. ele mostrou a aventura do olhar. Picasso compra um castelo na França e uma casa da Idade Média também. a superfície da madeira e as superfícies douradas. Morreu aos 92 anos em 09 de abril. 124 . Em seguida fez experiências com colagem até 1914. Foi filmado por Clouseaux. Contudo. dizendo: "Concordo com Dom Quixote: meu repouso é a batalha".” BRAQUE Georges Braque (1882-1963). A aprendizagem técnica lhe fez entrar adulto na escola de Belas Artes do Havre e posteriormente no ateliê do pintor Lécin Bonnat . a ocasião. o "Pombo" (Paloma) que para ele é o símbolo da paz. outro diretor. convidou-o para ser padrinho da filha levando-a para a França. o mural "Guerra e Paz". Vai então desenvolver uma série de trabalhos nessa época. Atraído por Matisse e por seu movimento. o mistério e o risco de ousar. fantástico diretor francês e por Alan Ransmie. Compra também em Málaga uma fazenda imensa. próximo à Capri. uma outra fazenda em Marbela. a festa da revelação. porque ele foi o único. por sua vez. o imprevisto. com quem tinha estabelecido uma sólida amizade. De 1910 a 1912. Por isso a filha de Jorge Amado chama-se Paloma Amado. Em "Off": Jorge Amado que tinha adoração e muita amizade por Picasso. não teve e nem tem seguidores. Mais de 30 filmes foram feitos sobre sua vida além de mais de 1400 livros em 40 línguas. quando começou a I Guerra Mundial. um duplex no Central Park.

em que as cores são mais sombrias mas a nitidez anterior é conservada. Tarsila morreu em São Paulo SP em 17 de janeiro de 1973. Retornando ao Brasil em 1924. Recebeu a Cruz de Guerra e da Legião de Honra. da fase social. com quem se casou em 1924. André Lhote e Albert Gleisse. Na Bienal de São Paulo de 1963. Em Paris freqüentou a Académie Julien. Concluído o conflito. Tarsila esteve ainda representada na mostra Arte Moderna no Brasil (1957). Em 1926 Tarsila expôs na galeria Percier em Paris. mas não seu vínculo artístico. no Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo. e influenciou Portinari. na Pinacoteca do Estado de São Paulo. Braque recebeu uma séria ferida na cabeça que deixou cego. Integrou-se ao movimento modernista e ligou-se com especial interesse à questão da brasilidade. Deslumbrada com a decoração popular das casas dessas cidades. da qual o exemplo mais notável é o quadro "Abaporu". percorreu as cidades históricas mineiras em companhia do escritor francês Blaise Cendrars. Presente na I e II Bienais de São Paulo. Outra obra do mesmo período é "Segunda classe". Iniciou-se então sua fase antropofágica. Mobilizado. em São Paulo. Foram apresentadas suas diversas fases e deu-se destaque ao quadro "Operários" (1933). Menotti del Picchia. TARSILA DO AMARAL Tarsila participou ativamente da renovação da arte brasileira que se processou na década de 1920. Entre suas demais telas destacam-se "A negra". Tarsila do Amaral nasceu em Capivari SP em 1886. Em 1960 o Museu de Arte Moderna de São Paulo organizou retrospectiva de sua obra. 125 . e estruturou sua personalidade artística a partir das influências cubistas. cujo estilo a marcou sobremodo. com Anita Malfatti. na XXXII Bienal de Veneza (1964) e na mostra Arte da América Latina desde a Independência (1966). Morreu no dia 31 de agosto com oitenta e um anos. assimilou a tradição barroca brasileira às recém-adquiridas teorias e práticas cubistas e criou uma pintura que foi denominada Pau-Brasil. Desta forma. Em 1922 participou em Paris do Salão dos Artistas Franceses. e depois com George Fischer Elphons.A I Guerra Mundial separou a ambos artistas. sala especial foi dedicada à retrospectiva de sua obra. continuou sua amizade com Picasso. Essa pintura inspirou um movimento. Entrou em contato com Fernand Léger. sob a orientação de Émile Renard. o chamado Grupo dos Cinco. em suas produções posteriores aparecem paisagens e temas normandos. variante brasileira do cubismo. embora lentamente conseguiu recuperar a vista. a partir de 1917. e "São Paulo". de retorno ao primitivo. Mário de Andrade e Oswald de Andrade. foi premiada na primeira. uma localidade na Normandia francesa cuja fria luminosidade parecia adaptar-se muito bem a seu próprio temperamento. Estudou com Pedro Alexandrino. Braque seguiu o seu próprio caminho. que com o passar do tempo o levou a freqüentar Varengeville. Formou.

Os futuristas saúdam a era moderna. embora sem chegar a uma total abstração. O futurismo é a concretização desta pesquisa no espaço bidimensional. que permitia ao observador captar de uma só vez todas as seqüências do movimento. sua cidade natal. onde apresentou regularmente suas primeiras obras em todas as exposições da Sociedade dos Amadores e Cultores das Belas-Artes.Mesmo assim. O artista futurista não está interessado em pintar um automóvel. como seus companheiros. ou desintegração das formas. Um ano mais tarde. 126 . de 1910. apresentou em 1912 seu primeiro quadro futurista intitulado Cão na Coleira ou Cão Atrelado. Severini. juntava-se a eles para assinar o Manifesto Técnico da Pintura Futurista. O segundo manifesto. A formação acadêmica de Balla restringiu-se a um curso noturno de desenho. Para Balla. Um recurso dos mais originais que ele usou para representar o dinamismo foi a simultaneidade. mas captar a forma plástica a velocidade descrita por ele no espaço. ou vários tempos num só espaço. não demorou a encontrar uma maneira de se ajustar à nova linguagem do movimento a que pertencia. Boccioni e Giacomo Balla. Balla retornou às suas pinturas realistas e se voltou para a escultura e a cenografia.. resultou do encontro do poeta com os pintores Carlo Carra. Na volta a Roma. "é mais belo um ferro elétrico que uma escultura". Para os futuristas. em encontrar uma maneira de visualizar as teorias do movimento. Preocupado. junto com Giorgio De Chirico. em 22/02/1909. na Academia Albertina de Turim. numa repetição quase infinita. registrando a velocidade descrita pelas figuras em movimento no espaço. aderindo entusiasticamente à máquina. Principais artistas: GIACOMO BALLA . conheceu Marinetti. onde entrou em contato com a obra dos impressionistas e neo-impressionistas e participou de várias exposições. Dissolvido o movimento. ele se separaria finalmente do futurismo para se dedicar àquilo que eles próprios dariam o nome de Pintura Metafísica. Cinco anos mais tarde. com a situação da luz e a integração do espectro cromático. CARLO CARRA (1881-1966). Um automóvel de carreira é mais belo que a Vitória de Samotrácia". Em 1895 o pintor mudouse para Roma. Embora em princípio Balla continuasse influenciado pelos divisionistas. dizendo que "o esplendor do mundo enriqueceu-se com uma nova beleza: a beleza da velocidade. de dois meses de duração. fez uma viagem a Paris. Boccioni e Severini. em sua obra o pintor italiano tentou endeusar os novos avanços científicos e técnicos por meio de representações totalmente desnaturalizadas. Russolo. os objetos não se esgotam no contorno aparente e seus aspectos se interpenetram continuamente a um só tempo. o poeta italiano Marinetti. O grupo pretendia fortalecer a sociedade italiana através de uma pregação patriótica que incluía a aceitação e exaltação da tecnologia. Procura-se neste estilo expressar o movimento real. e nele. mostrou grande preocupação com o dinamismo das formas.FUTURISMO O primeiro manifesto foi publicado no Le Fígaro de Paris.

Numa segunda viagem a Paris entrou em contato com Apollinaire. mostrou-se interessado na pintura impressionista. na cidade de Verona. Foi com a intenção de procurar as bases dessa nova estética que ele viajou a Paris. Um ano mais tarde assinou o Primeiro Manifesto Futurista. Nessa época iniciou seus primeiros estudos e esboços de Ritmo dos Objetos e Trens. em Milão. Boccioni mudou-se ainda muito jovem para Roma. entrou em contato com Carrà e Marinetti e um ano depois se encontrava entre os autores do Manifesto Futurista de Pintura. retomou as aulas na Academia Brera e conheceu Boccioni e o poeta Marinetti. Londres e Berlim. onde estudou em diferentes academias. Morreu dois anos depois. indiferença em relação aos críticos de arte e rejeição dos conceitos de harmonia e bom gosto aplicados à pintura. Dinamismo Plástico). no qual foram registrados os princípios teóricos da arte futurista: condenação do passado.Publicou vários trabalhos. em 1916. Suas obras ainda deixavam transparecer a preocupação do artista com os conceitos propostos pelo cubismo. Representante do futurismo e mais tarde da pintura metafísica. Em 1912. Em 1900 fez sua primeira viagem a Paris. mas já em 1915 separou-se definitivamente do grupo. Ao voltar. por definição suas obras mais futuristas. De lá mudouse para Londres. pintor italiano. Escultura Futurista. Durante a Primeira Guerra Mundial. 127 . Ao retornar. Scultura Futurista. redigido pelo poeta italiano e publicado no jornal Le Figaro. A partir desse momento começaram a aparecer as referências cubistas em suas obras. Ao voltar. Modigliani e Picasso. contratado para a decoração da Exposição Mundial. publicou o Manifesto Técnico da Pintura Futurista. Fez então algumas viagens a Paris. Em suas últimas obras retornou ao cubismo. desprezo pela representação naturalista. Um ano mais tarde. o pintor se alistou como voluntário e ao voltar publicou o livro Pittura. principalmente na obra de Cézanne. No início. entre eles La Pittura Metafísica (1919) e La Mia Vita (1943). Os retratos deformados pelas superposições de planos ainda não conseguiam expressar com clareza sua concepção teórica. Logo fez amizade com os pintores Balla e Severini. Carrà não deixou de comparecer às exposições futuristas de Paris. participou da primeira exposição futurista. do qual foi um dos principais teóricos. Dinâmico Plástico (Pintura. UMBERTO BOCCIONI (1882-1916). como num pseudofotograma. Nascido em Reggio di Calábria. Juntou-se a Giorgio De Chirico e realizou sua primeira pintura metafísica. com sua obra Dinamismo de um Jogador de Futebol. onde se encontrou com Picasso e Braque. influenciou a arte de seu país nas décadas de 1920 e 1930. mas incorporando os conceitos de dinamismo e simultaneidade: formas e espaços que se movem ao mesmo tempo e em direções contrárias. sua obra se manteve sob a influência do cubismo. Boccioni conseguiu finalmente fazer a representação do movimento por meio de cores e planos desordenados.Enquanto ganhava seu sustento como pintor-decorador freqüentava as aulas de pintura na Academia Brera. São Petersburgo e Milão.

pelo prazer ou pela sublevação. A coragem. as academias de todo tipo. a insônia febril.. 9. e combater o moralismo. a velocidade. Queremos glorificar a guerra . fausto e munificência. 1908. Queremos celebrar o homem que segura o volante. Por que haveremos de olhar para trás. Nenhuma obra que não tenha um caráter agressivo pode ser uma obra-prima. o gesto destruidor dos anarquistas. o êxtase e o sono. A poesia deve ser concebida como um violento assalto contra as forças ignotas para obrigá-las a prostrar-se ante o homem. Vivemos já o absoluto. o patriotismo. cicerones e antiquários. 3. a audácia e a rebelião serão elementos essenciais da nossa poesia. mas impávidos. as pontes semelhantes a ginastas gigantes que transpõem as fumaças. o hábito da energia e da temeridade.única higiene do mundo -. arqueólogos. o salto mortal. Queremos destruir os museus. contundidos e enfaixados os braços. O poeta deve prodigalizar-se com ardor. 8. as bibliotecas. 6. com o vulto coberto pela boa lama das fábricas . 11. as belas idéias pelas quais se morre e o desprezo da mulher. de suores inúteis. "Então. lançada a toda velocidade no circuito de sua própria órbita. É da Itália que lançamos ao mundo este manifesto de violência arrebatadora e incendiária com o qual fundamos o nosso Futurismo. cantaremos o vibrante fervor noturno dos arsenais e dos estaleiros incendiados por violentas luas elétricas: as estações insaciáveis.. Afirmamos que a magnificência do mundo se enriqueceu de uma beleza nova: a beleza da velocidade. devoradoras de serpentes fumegantes: as fábricas suspensas das nuvens pelos contorcidos fios de suas fumaças.empaste de escórias metálicas. se queremos arrombar as misteriosas portas do Impossível? O Tempo e o Espaço morreram ontem. 128 . Um carro de corrida adornado de grossos tubos semelhantes a serpentes de hálito explosivo. cuja haste ideal atravessa a Terra. 10.Fragmento "Fundação e manifesto do futurismo". cujas hélices se agitam ao vento como bandeiras e parecem aplaudir como uma multidão entusiasta. Queremos cantar o amor do perigo. cantaremos a maré multicor e polifônica das revoluções nas capitais modernas. os navios a vapor aventurosos que farejam o horizonte. Até hoje a literatura tem exaltado a imobilidade pensativa. Queremos exaltar o movimento agressivo. Estamos no promontório extremo dos séculos!. é mais belo que a Vitória de Samotrácia. Já não há beleza senão na luta. de fuliges celestes -. cintilantes ao sol com um fulgor de facas. publicado em 1909.. que parece correr sobre a metralha. a fim de aumentar o entusiástico fervor dos elementos primordiais.. as locomotivas de amplo peito que se empertigam sobre os trilhos como enormes cavalos de aço refreados por tubos e o vôo deslizante dos aeroplanos. pois criamos a eterna velocidade onipresente. 7. porque queremos libertar este país de sua fétida gangrena de professores. ditamos nossas primeiras vontades a todos os homens vivos da terra: 1. Cantaremos as grandes multidões agitadas pelo trabalho. o militarismo. 2. 4. um automóvel rugidor. o feminismo e toda vileza oportunista e utilitária. 5. a bofetada e o murro.

como manuscritos inúteis.. Empunhem as picaretas. vá lá: o admirável passado é talvez um bálsamo para tantos os seus males.) é. do passado. dançando à cadência alada dos seus primeiros cantos.. pela sinistra promiscuidade de tantos corpos que não se conhecem. nossa mórbida inquietude.... em violentos arremessos de criação e de ação. os alegres incendiários com seus dedos carbonizados! Ei-los!. desperdiçar todas as vossas melhores forças nessa eterna e inútil admiração do passado.. Desviem o curso dos canais para inundar os museus!. tudo bem. rasgadas e descoradas sobre as águas. já que para eles o futuro está barrado. os martelos e destruam sem piedade as cidades veneradas! Os mais velhos dentre nós têm 30 anos: resta-nos assim. como se visita o cemitério no dos dos mortos. registros de lances truncados!. a alegria de ver flutuar à deriva.Pois é isso que queremos! Nossos sucessores virão de longe contra nós. as velhas telas gloriosas!.... Mas não admitimos passear diariamente pelos museus nossas tristezas. Museus: dormitórios públicos onde se repousa sempre ao lado de seres odiados ou desconhecidos! Museus: absurdos dos matadouros dos pintores e escultores que se trucidam ferozmente a golpes de cores e linhas ao longo de suas paredes! Que os visitemos em peregrinação uma vez por ano. Museus: cemitérios!.. diminuídos e espezinhados? Em verdade eu vos digo que a frequentação cotidiana dos museus.. Quereis. Idênticos. calvários de sonhos crucificados. nossa frágil coragem.. . em vez de projetá-la para longe. Por que devemos nos envenenar? Por que devemos apodrecer? E que se pode ver num velho quadro senão a fatigante contorção do artista que se empenhou em infringir as insuperáveis barreiras erguidas contra o desejo de exprimir inteiramente o seu sonho?. realmente.. Ponham fogo nas estantes das bibliotecas!. Que uma vez por ano se desponta uma coroa de flores diante da Gioconda.. pelo menos um decênio mais jovens e válidos que nós jogarão no cesto de papéis. Admirar um quadro antigo equivalente a verter a nossa sensibilidade numa urna funerária. pois. estendendo os dedos aduncos de predadores e farejando 129 . nós. os machados. Aqui!. para os artistas. pois. das bibliotecas e das academias (cemitérios de esforços vãos.Há muito tempo a Itália vem sendo um mercado de belchiores. da qual saís fatalmente exaustos. tão ruinosa quanto a tutela prolongada dos pais para certos jovens embriagados por seu os prisioneiros. jovens e fortes futuristas! Bem-vindos. vá lá. Oh... Mas nós não queremos saber dele... de toda parte. Queremos libertá-la dos incontáveis museus que a cobrem de cemitérios inumeráveis.

Cabeça erguida!. mais uma vez lançamos o nosso desafio às estrelas. não pode ser senão violência.. inestancável audácia. Por fim eles nos encontrarão . Basta! Basta! Já as conhecemos.. precipitadamente. 1993) 130 .. ofegantes de angústia e despeito. mais uma vez lançamos o nosso desafio às estrelas! Vós nos opondes objeções?. Seja!. porque estão nutridos de fogo. de fato. Os mais velhos dentre nós têm 30 anos: no entanto.. aquecendo as mãos ao fogo mesquinho proporcionado pelos nossos livros de hoje flamejando sob o vôo das nossas imagens. crueldade e injustiça. e todos. H. sem jamais repousar. sem jamais hesitar. Ai de quem nos repetir essas palavras infames!. pois não vos recordais sequer de ter vivido! Eretos sobre o pináculo do mundo. temos já esbanjado tesouros.. mil tesouros de força. sem calcular.Chipp. já prometidas às catacumbas das bibliotecas.B. Olhai para nós! Ainda não estamos exaustos! Nossos corações não sentem nenhuma fadiga..... de astúcia e de vontade rude... sob um triste galpão tamborilado por monótona chuva. de amor.. Mas nós não estaremos lá... Martins Fontes. impelidos por um ódio tanto mais mais implacável quanto seus corações estiverem ébrios de amor e admiração por nós. o bom cheiro das nossas mentes em putrefação. Estais admirados? É lógico. Nossa bela e mendaz inteligência nos afirma que somos o resultado e o prolongamento dos nossos ancestrais. delirantemente. exasperados pela nossa soberba.uma noite de inverno ..caninamente." (Teorias da Arte Moderna..Talvez!.A arte. se precipitarão para matar-nos. Eles se amotinarão à nossa volta. até perder o fôlego.. A forte e sã Injustiça explodirá radiosa em seus olhos . . e nos verão agachados junto aos nossos aeroplanos trepidantes.. Mas que importa? Não queremos entender!.... de audácia.. às portas das academias.em campo aberto. de ódio e de velocidade!. Eretos sobre o pináculo do mundo. Já entendemos!.

idealizadas. numa transfiguração toda especial. muitas vezes com a inclusão de estátuas. legumes. através de associações pouco comuns de objetos totalmente imprevistos. GIORGIO MORANDI (1890-1964). perpassado de inquietações metafísicas. pintor italiano.PINTURA METAFÍSICA A pintura deve criar um impressão de mistério. garrafas. nus ou vestidos à moda clássica. A pintura metafísica explora os efeitos de luzes misteriosas. Conferiu imobilidade e transparência de formas. nascido na Grécia. As suas obras retratam cenários arquitetônicos. Tem inspiração na Metafísica. em arcadas e arquiteturas puras. sombras sedutoras e cores ricas e profundas. principal representante da "pintura metafísica". que pareciam simbolizar a estranheza do ser humano diante do seu meio ambiente. Notável por suas naturezas-mortas. caixas e lâmpadas velhas. Principais Artistas: GIORGIO DE CHIRICO (1888-1978). frutas. manequins. irreais e enigmáticos. recorte intimista e atmosfera de luz cinza-clara às naturezas-mortas que pintou usando como modelos frascos. Giorgio De Chirico constitui um caso singular: poucas vezes um artista alcançou tão rapidamente a fama para em seguida renegar o estilo que o celebrizara e cair em um esquecimento quase absoluto. Também usada nas suas obras manequins. enigmáticos e sem rosto. em que buscava a unidade das coisas do universo. ciência que estuda tudo quanto se manifesta de maneira sobrenatural. onde colocava objetos heterogêneos para revelar um mundo onírico e subconsciente. 131 . de plástica despojada e escultural. solitários. em curiosas perspectivas divergentes. pintor italiano.

Reinterpretou o cubismo a sua maneira. Depois fez interferências (pintou bigodes na Mona Lisa. pintor e escultor francês. o Dadaísmo defende o absurdo.DADAÍSMO Formado em 1916 em Zurique por jovens franceses e alemães que. Sua proposta é que a arte ficasse solta das amarras racionalistas e fosse apenas o resultado do automatismo psíquico. a incoerência. tratado como objeto de arte por opção do artista. exilados na Suíça. o Dada foi um movimento de negação. interessando-se pelo movimento das formas. religião. 1916). inventou mecanismos ópticos. Colaborou com Tristan Tzara na revista Dada. 132 . a desordem. assim como a arte que perdera todo o sentido diante da irracionalidade da guerra. O fim do Dada como atividade de grupo ocorreu por volta de 1921. artistas de várias nacionalidades. Fundaram um movimento literário para expressar suas decepções em relação a incapacidade da ciências. adquiriam a condição de objeto de arte. eram contrários ao envolvimento dos seus próprios países na guerra. Principais artistas: Marcel Duchamp (1887-1968). O experimentalismo e a provocação o conduziram a idéias radicais em arte. filosofia que se revelaram pouco eficazes em evitar a destruição da Europa. objetos escolhidos ao acaso. surrealismo e dadaísmo. Ready-Made significa confeccionado. após leve intervenção e receberem um título. e que. Envolveu-se sucessivamente com os principais movimentos estéticos do início do século XX. Expressão criada em 1913 pelo artista francês Marcel Duchamp para designar qualquer objeto manufaturado de consumo popular. como cubismo. Criou os ready-mades. teriam sido convocados para o serviço militar. se tivessem permanecido em seus respectivos países. para demonstrar seu desprezo pela arte tradicional). A palavra Dada foi descoberta acidentalmente por Hugo Ball e por Tzara Tristan num dicionário alemão-francês. Sendo a negação total da cultura. antes do surgimento do grupo Dada (Zurique. Politicamente . Durante a Primeira Guerra Mundial. pintor e escritor francês. firma-se como um protesto contra uma civilização que não conseguiria evitar a guerra. François Picabia (1879-1953). sua arte abriu caminho para movimentos como a pop art e a op art das décadas de 1950 e 1960. Esse nome escolhido não fazia sentido. Dada é uma palavra francesa que significa na linguagem infantil "cavalo de pau". selecionado e combinando elementos por acaso. Em 1917 foi rejeitado ao enviar a uma mostra um urinol de louça que chamou de "Fonte". o caos. pronto.

Formas e cores tornaram-se a seguir mais discretas. Max Ernest (1891-1976). como a madeira de veios salientes. Em 1921 contata com o movimento surrealista na pintura. que consiste em aplicar uma folha de papel sobre uma superfície rugosa. Como o artista não tinha controle sobre o quadro que estava criando. adepto do irracional e do onírico e do inconsciente. de índole satírica. esteve envolvido em outros movimentos artísticos.Suas primeiras pinturas cubistas. 133 . com a nova atividade. em 1915 conhece o pintor francês Marcel Duchamp. e esfregar um lápis de cor ou grafita. desenvolve a sua arte. eram mais próximas de Léger do que de Picasso. abandonou a abstração pura que praticara por anos e criou pinturas baseadas na figura humana. fotógrafo e pintor norte-americano. a raiografia. criando técnicas em pintura e escultura. de modo que o papel adquira o aspecto da superfície posta debaixo dele. criando imagens abstratas (obtidas sem o auxílio da câmara) mas com a exposição à luz de objetos previamente dispersos sobre o papel fotográfico. com a superposição de formas lineares e transparentes. pintor alemão. Inventou técnicas como a decalcomania e o frottage. com quem funda o grupo dadá nova-iorquino. ou fotograma. No Dadaímo contribuiu com colagens e fotomontagens. composições que sugerem a múltipla identidade dos objetos por ele escolhidos para tema. o frottage também era considerado um método que dava acesso ao inconsciente. são exuberantes nas cores e sugerem formas metálicas que se encaixam umas nas outras. Man Ray (1890-1976). até que por volta de 1916 o artista se concentrou nos engenhos mecânicos do dadaísmo. Depois de 1927. Trabalha como fotógrafo para financiar a pintura e.

quando o homem vai ter que lutar por aquilo que precisa sem ter que depender tanto de suas magias. São formas criadas pelo homem. O abstracionismo surgiu por vários fatores sendo um deles o cansaço do realismo. essas combinações levaram a surgir outros momentos e não movimentos de pintura. A revolução Russa também influenciou muito no abstracionismo. Quando se fala de abstracionismo falamos também de representar formas. A Alemanha foi o país que participou mais intensamente desse movimento e uma boa parte da Europa também teve participações mais irregulares. Nos dias de hoje. e retiradas do mundo externo. no período da pedra polida. sem medidas. cores e texturas. Outro motivo seria uma nova visão decorrente do impressionismo (pinceladas soltas que se parecem com manchas abstratas). Ex. no período da pedra lascada quando o homem fazia desenhos figurativos. abstrato colorido. abstrato puro ou outras combinações. Você pode se envolver ou se inspirar em alguma coisa existente mas não vai retratar fielmente aquela figura. O grego também foi um povo que usou muito do abstracionismo. vivendo em um clima tenso. 134 . Ex. Mandalas. Existem muitas outras formas geométricas que foram usadas por eles e que de forma nenhuma estão inspirados na realidade. É uma ausência da realidade. Essa época coincide quando Kandinsky vira uma tela de aquarela de ponta cabeça. Quando você cria um desenho livre pode até ser um trabalho abstrato. Abstrato preto-branco. O abstracionismo acompanha o homem desde a época pré-histórica.ABSTRACIONISMO O período do abstracionismo começou em mais ou menos 1911. o homem tentava negar a realidade em que vivia. mas pode também ser um símbolo além do abstrato. Esses desenhos se desprendem da realidade enquanto formas. No aspecto social seria a previsão do início de guerra. Próximos da segunda guerra mundial. Esse movimento foi muito forte na pintura e na arquitetura. que são criadas por um processo muito interior. surgindo uma série de borrões que vão ser admirados. É uma linguagem completamente abstrata. Como exemplo temos as "gregas" que foram usadas. Abstracionismo não se prende a realidade existente. Aos poucos. mas que ninguém sabe ao certo se foram eles que a criaram. Ele pode ter uma somatória de características além do abstrato. passa a ter uma linguagem muito diferente chamada de linguagem geométrica.

não existindo nenhum compromisso com a realidade. A arte abstrata é livre de contexto. As cores que mais sofrem destaques normalmente são cores que provocam contrastes entre elas mesmas. pois ele será abstrato em qualquer época. Os artistas abstracionistas. sem medidas e técnicas precisas. Uma pintura irracional é colocar as cores e formas simplesmente por acaso. enquanto movimento. Se você fizer hoje um trabalho impressionista será chamado de néo-impressionista. distanciamento ou efeito de volume. Um trabalho pode ser completamente abstrato e só ter tons pastéis e sem nenhum contraste.Em 1911. Cores contrastantes são comuns aparecerem em trabalhos abstratos. Ex. Um trabalho abstracionista está dentro de um contexto de arte moderna. Um trabalho abstrato não tem essa limitação. O abstrato é um dos tipos de trabalho que faz parte da arte moderna. No abstracionismo não se respeita nenhuma regra é uma negação completa a qualquer outro momento da arte. foi considerado um marco dentro da chamada arte moderna. As formas. hoje em dia. Outra forma é programar a distribuição de cores e formas sem estar reproduzindo uma realidade. Temos dois tipos de trabalhos abstracionistas: Abstracionismo gestual e geométrico. O pintor abstracionista sempre tem uma representação muito pessoal que envolve os aspectos de técnicas de sua pintura como também o do contexto onde o artista vive. No abstracionismo não existe a obrigatoriedade de se combinar cores.: Preto-vermelho. Em pleno período de conflitos mundiais vão pensar em contestar tudo isso com uma arte que não era fácil de ser entendida. quando o abstracionismo começou. O abstracionismo não é um processo racional. são criadas pelo artista. no qual a movimentação da mão vai determinar o trabalho com pinceladas (no caso utilizando-se pincel) mais fortes ou mais suaves. equilíbrio e de formas que estão ligados ao conceito de geometria. tanto no gestual como no geométrico. Existe uma série de regras que determina cada estilo de arte. mas não é obrigatório. O Gestual é o abstracionismo no qual a pintura é muito livre. As formas geométricas são precisas dentro do trabalho. amarelo-vermelho. Optar por colocar uma cor quente ou fria em determinado espaço para dar impressão de proximidade. Muitas vezes é um porquê racional que pertence só ao artista. intuitivamente. mas nem todo trabalho de arte moderna será um trabalho abstrato. Ex. mas ele vem acompanhando o homem desde a pré história e em vários momentos da sua vida. Ao fazer negações desse tipo. o abstracionismo dificilmente passa a ser aceito pelo mundo. ele pode ser irracional. O abstracionismo Geométrico é muito preso a aspectos de simetria. mas produzindo uma distribuição racional dessas cores e formas. O abstracionismo. tem buscado estabelecer planos diferenciados na pintura através da cor e da forma. Da mesma forma que você representa uma forma real você pode representar uma forma irreal dando volumetria. 135 . é enquadrado na arte moderna. Todos os dois podem provocar emoções.

Quanto mais simbologias ele tiver é mais fácil as pessoas se identificarem com ele. Eles buscavam. precisa de símbolos que tenha alguma informação já conhecida antes. outras não. 136 . não do abstracionismo que aparece desde o período da pedra polida. O lado direito é o lado sensitivo. Artistas abstratos: Vassily Kandinsky (1866-1944) Nasceu em Moscou e morreu em Paris. não tem necessidade de passar algum tipo de informação. É considerado o iniciador da pintura moderna abstrata. Um trabalho abstrato pode ser rico ou não em simbologias. cores. Algumas obras abstratas passam algum conteúdo. de pintura e desenho.Comentário: "A música existe por ela mesma sem ter a letra. desafiando-se perante o novo. O abstracionismo levou uma série de discussões em cima do que era chamado de simbologia. passando depois para Dessau. Vassily Kandinsky tinha por característica usar cores fortes e apelativas. Porque um quadro precisa ter forma explícita para agradar?". evoluir todos os sistemas industriais possíveis que tinham sidos retomados durante a revolução industrial. conhecer novos materiais. A partir dai começa a pesquisar e fazer uma série de testes em cima de cor e textura. que integrou a BAUHAUS (escola de arte). Essa escola foi criada (+/-) 1919/1920 em Weimar. principalmente se for uma simbologia mais evidente. cidade alemã. A falta de intimidade com a arte abstrata é que leva o homem a não apreciá-la. principalmente a abstrata. técnicas diferenciadas ou não. A obra abstrata não precisa ter conteúdo. que representava um monte de feno. é preciso ver o quanto aquela obra oferece de informações inovadoras. deixando de ter toda essa abstração e ganhando um significado que você tenha descoberto e não necessariamente tenha sido criado pelo artista. O fato de utilizarse só da cor demonstra uma negação da realidade. A simbologia é uma representação criada pelo homem baseada nas formas abstratas. Quando se observa uma obra de arte. Eles tinham todo um aspecto filosófico que faziam com que os alunos tivessem que passar por diversos estágios de evolução. etc. etc. sem se preocupar com a forma e o conteúdo. Essa escola tem um destaque muito importante dentro da história da arte e da arquitetura. Kandinsky passou por várias fases da pintura e na sua primeira visita à Paris viu o quadro de Monet. Não existe essa mesma liberdade na pintura acadêmica. Vassily Kandinsky foi um dos professores. e vai ficar encantado com as cores e a textura. As obras podem ser bem diferenciadas umas das outras pela infinidade de possibilidades de representações através de texturas. não dá para estabelecer parâmetros racionais. O lado esquerdo do cérebro é o lado racional.

tristeza. mas estando sempre associadas a alguma coisa que passa sensações para nós. que se baseavam no belo e no real.: A revolução industrial não significa somente invenções industriais. Vai mexer com nosso emocional proporcionando-nos sensações do tipo exuberante. Como por ex. Em algumas etapas de seu trabalho ele se utiliza propositadamente da geometria de forma intensa. os trabalhos de Kandinsky foram se tornando cada vez mais introspectivos. Bandeira. mas sim um aprimoramento das invenções. Adorava criar entidades que pudessem apoiar a arte. distribuída. Fala que temos que negar o que é a realidade para representar a realidade. : A palavra fórmica é nome de uma marca. A Bauhaus é uma escola que vai aprimorar os designs dos objetos de uso do dia a dia. de utensílios e vai se tornar muito conhecida mundialmente. Influenciou realmente o design de peças das mais diversas que encontramos hoje. uma composição que não interfere o nosso lado sentimental. da negação do prazer ou do êxtase com relação a obra. Foi nomeado um tipo de assessor cultural. Não é aquele tipo de abstracionismo que você comenta sobre se a composição está muito bem equilibrada. Ele cria formas livremente que não são definidas pela natureza ou geometria. Chega a provar que a arte acadêmica é que é abstrata.: ferro. independente de qualquer representação. Em dois anos ele fundou 22 entidades entre galerias de artes e museus. soltando-se por completo. Design: significa desenho Designer: significa desenhista Kandinsky se preocupava mais com a evolução do desenho junto a seus alunos. extremamente desenvolvido e a combinação de materiais. também trabalhou em cima do abstracionismo com um caráter sentimental. Neste livro filosófico vai questionar muito sobre o aspecto de conteúdo da arte. O abstracionismo está muito ligado em algumas coisas com o expressionismo. as cores e as formas acontecem livremente. Ele inclusive vai pegar você pela emoção do prazer ou não prazer. 137 .Obs. e que seriam aspectos ligados a parte sensitiva de cada um de nós. o que é figurativismo. Na sua fase final ele está completamente abstrato. No seu trabalho vai predominar uma idéia de sentimento. Kandinsky escreveu um livro neste período chamado "O Espiritual da Arte". no sentido de que ele não é preso ao geometrismo. as linhas e cores adquirem novos valores expressivos e uma nova vida própria despertando no observador emoções e sugestões de acordo com a sua sensibilidade". diminui a beleza que as formas e as cores possuem em si mesmas. O seu trabalho é informal. e sendo assim. Vai dizer também que nós temos uma mentalidade muito ligada a dos renascentistas. Tem uma frase interessante que ele comenta sobre o conteúdo em uma obra de arte: " A presença de uma imagem visual ou a representação da realidade. etc. o que é abstracionismo. laminado melanínico (que significa fórmica) Obs. artista brasileiro. plástico. ou seja. De um modo geral. O pintor é abstrato é que é um realista. alegria.

Onde as cores e as formas são organizadas de maneira que a composição resulte apenas na expressão de uma concepção geométrica. 138 . Consegue nos convencer da dor que o homem está sentindo e que estava ligado ao aspecto da guerra. deslizes e riscos com luminosidade. azul e amarelo). ou de outros momentos que “tem um pé dentro e outro fora realidade”.". sendo rigorosamente aplicado à arquitetura. mais provável. significa prova de artista. Também existe um tipo de abstrato informal formado por manchas. conhecido como Cavaleiro Branco.Ex. Neoplasticismo. elas não possuem parâmetro definido pelo braço do artista como no Tachismo. São manchas criadas impulsivamente com toda a liberdade ou efusão emocional do artista. É muito comum que os vários artistas que passaram pelo abstracionismo tenham participado do expressionismo. O ângulo reto é o símbolo do movimento. Principal artista: Larionov/Gontcharova Abstracionismo Geométrico ou Formal. Principal artista: Sonia Delaunay. do cubismo.: A obra "O grito" por pouco não é abstrato pela deformação.: Quando você encontra uma obra com o símbolo "P. Grafismo é todo abstracionismo formado por uma grafia não cognificada. Curiosidades: Tachismo (de tache = mancha). e que também.A. Este trabalho não deixa de ser um teste do artista que pode ter ido adiante para um trabalho final ou não. as formas e as cores devem ser organizadas de tal maneira que a composição resultante seja apenas a expressão de uma concepção geométrica. estanques. Um dos grupos que ele fundou foi chamado de DÉR BLAUE REITER. Resulta às linhas verticais e horizontais e às cores puras (vermelho. no mínimo o braço do artista. seu criador e princiapl teórico foi Piet Mondrian. ou de alguma coisa própria do artista. Trabalhos bem conhecidos de Kandinsky: Série de "Improvisações" "A Tela Amarela" "A Pintura com Três Manchas" Obs. Formado por manchas coloridas colocadas lado a lado em um certo parâmetro ou limite. Raionismo formado por raios. pode ser Cavaleiro Azul. porém. Kandinsky foi considerado um “expert” do abstracionismo informal. Orfismo tem ligação com a música.

como quiser. Curiosidades: Suprematismo. triângulo e a cruz. tinha um componente emocional que sempre se inspirava naquilo que ele via.Piet Mondrian (1872-1944 . poeta russo. Os elementos principais são: retângulo. Ele é bastante movimentado. Apesar de ele ter uma obra extremamente geométrica. Ele transformava as formas e cores e purificava tudo em uma visão bem geométrica. sem qualquer preocupação de representação. que ao olhar o seu trabalho visualizamos às vezes figuras que transferimos para a nossa realidade. que foi e voltou e passou por várias fases. Outro trabalho muito conhecido é "Pier e o Oceano". Antes de ser um pintor era um conhecedor de arte. círculo. de longe. mas sempre tem um apelo forte a emoção. Sua obra deve ser vista de perto. não de contorno.: A obra de abstração da "Árvore". de ponta cabeça. 139 . Buscava uma definição. à pureza geométrica do quadrado. cores mais fortes e depois foi usando cada vez mais tonalidades pastéis. Suas características são rígidas e se baseiam nas relações formais e perceptivas entre a forma e a cor. Teve uma evolução bastante gradual e oposta a de Kandinsky. Tinha o objetivo de desenvolver um abstracionismo geométrico onde as formas e as cores eram organizadas de tal maneira que a composição resultante fosse uma expressão de uma concepção geométrica. Mais racional que as obras abstratas de Kandisky e Paul Klee. em Nova York. um estacionamento de barcos e o oceano. A sua obra mais conhecida chama-se "Boogie Odgie na Broadway". Ele é bastante expressivo. Quando fazia o seu trabalho já tinha uma preocupação de distribuir tanto as formas como as cores na tela. A maioria dos americanos não estuda história da arte em seu currículo escolar. reduz as formas. Ele usou. é uma pintura com base nas formas geométricas planas. já para o europeu a arte faz parte de sua formação acadêmica. assinado por Malevitch e Maiakovski. holandês) Piet Mondrian desenvolveu uma série de pesquisas em cima do abstracionismo. obtendo formas extremamente definidas e geométricas. Jackson Pollock Pintor americano. Ele teve uma evolução bastante progressiva. sempre buscando um equilíbrio. A maioria de suas obras estão no Museu "MOMA". cores e formas que obtém. nas variações ambíguas de fundo e forma. de pé. Seu trabalho é abstrato. O manifesto do Suprematismo. defendia a supremacia da sensibilidade sobre o próprio objeto. Pesquisa os efeitos perceptivos do quadrado negro sobre o campo branco. foi um dos principais integrantes do movimento futurista em seu país. no início de seu trabalho. mas pode ser notado um aspecto expressionista nele. informal e o apelo de seu trabalho está num conjunto de tudo. Ex. de técnica. mas de colocação de uma cor ao lado da outra. Ele influenciou muito os artistas alemães da geração atual. É um trabalho que lembra uma marina. Ele não usa figuras explícitas.

Não teve muitas obras. etc. espontaneidade e automatismo. chegando à criação de um estilo original. Tem trabalhos em Amsterdã. deixava secar e depois fazia intervenções sobre esse trabalho. vidro moído. Em 1937.Usou muito a técnica de jogar a tinta sobre a tela deixando que ela agisse por conta dela mesma. 140 . Participou do grupo de Kandinsky "Cavaleiro Azul". utilizando tinta à óleo. pasta espessa de areia. assim como a natureza. Curiosidades: Action Painting ou pintura de ação gestual. Jackson Pollock usava dois processos para jogar a tinta na tela. Não existiu nenhum artista que tivesse influenciado Paul Klee diretamente.pincéis. Teve uma formação acadêmica tradicional que rejeitava. Ele soube colocar a sua própria expressão. que faz o que ela quer. Características da Pintura: · Compreensão da pintura como meio de emoções intensas. · Execução cheia de violenta agressividade. Essas figuras geométricas são na maioria das vezes chapadas também. etc. O abstracionismo cresce e se desenvolve nas Américas. insistindo sempre no geometrismo. no chão. A sua composição é bastante variada. · Destruição dos meios tradicionais de execução . fundou-se nos Estados Unidos. Ele escolhia a posição que ia colocar a tela. Jackson Pollock deixava que a tinta agisse por si só. A natureza também é uma arte. Paul Klee demorou para muito para decidir ser pintor devido as influências recebidas de seus pais que eram músicos. balançar o pincel para respingar sobre a tela. espátulas. criada por Jackson Pollock nos anos de 1947 a 1950 faz parte da Arte Abstrata Americana. formas extremamente rígidas. Ele pintou inúmeros trabalhos só com cor e retângulo. Essa técnica de pintura chama-se Action Painting que significa “pintura por ação”. Teve um processo bastante evolutivo. Ele não quer passar nenhum sentimentalismo através de sua obra. Viveu sua vida artística quase que inteira no abstracionismo geométrico. Passou por diversas fases sem precisar voltar a nenhuma delas. a Sociedade dos Artistas Abstratos. · Técnica: pintura direta na parede ou no chão. Toda viagem que fazia recebia muita influência. Nem sempre trabalhava com esse processo "Action Painting". trincha. Uma de suas obras feitas pelo processo "Action Painting" chama-se "Ritmo Autônomo". geométricas e perfeitas em cima de um fundo extremamente chapado. Rússia e outros dispersos. na Holanda. Obs. Raríssimas obras não serão geométricas. Paul Klee Nasceu em 1878 e morreu em 1940. Kasimir Malevich Artista russo. Ele deixava a tela de pé. ou inclinada para que a tinta jogada pudesse escorrer. Foi o que mais se desvinculou da idéia de realidade. em telas enormes.: Lançar a tinta pode ser um processo de jogar a tinta com um balde. mas sempre utilizando quadrados e retângulos na sua maioria. lançava a tinta.

Com seus borrões e respingos de tinta atirados contra ela a tela. Para Paul Klee "O ilógico coexiste com o lógico. do mesmo modo que explorou o expressionismo e o cubismo. Ao contrário de seus colegas de vanguarda. que aboliram a representação figurativa de seus quadros. De Kooning herdaria o apreço ela arte figurativa. traçados e pinceladas em seus trabalhos. que no começo do século converteram sua arte numa forma de panfletagem político-social.Paul Klee também foi um dos professores da Bauhaus. Pollock. antes de atacar suas telas. Ele não se prendeu só a pintura à óleo. preferindo expremir as misérias da condição humana nos limites da existência individual. revolucionaria a pintura americana. usou também aquarela. tornando-se um admirador da obra de seu conterrâneo Rembrandt e do francês Cèzanne.a marca da diferença em seu trabalho.: É conceituado como arte primitivista todo o desenho folclórico. Você reconhecerá a sua obra através de sua essência. De cultura européia. o jovem De Kooning. a vanguarda expressionista ianque tratou de banir a política de seus quadros. Morreu vítima do mal de Alzheimer em sua casa-ateliê em Long Island. que abandonou a Holanda aos 22 anos a bordo de um cargueiro. Ele tinha uma visão muito espiritual. Segundo Paul Klee: "A arte não restitui o visível. costumava afirmar. "Minha obra vive de incluir as coisas. como todos os outros abstracionistas. secundado por De Koonning e companhia. não de excluí-las". florzinha). o maior de todos. Obs. Willem de Kooning (1904-1997) Nos anos 20 e 30. ela torna-o visível". Diversamente dos expressionistas europeus. junto com Jackson Pollock. pastel e outros materiais. Arshile Gorky e Mark Rothko. perto de Nova York. Paul Klee explorava esse tipo de arte. às vezes só a título de experiência. e o irreal com o real" O desenho de "setas" vai aparecer muito em seus trabalhos. De Konning fez das figuras femininas . expressionismo e primitivismo. Teve uma variedade muito grande de estilos. Assimilou muita coisa do cubismo. aquele que todos fazem (casinha. Ao final dos anos 40. apesar dos contextos racionais da arte. 141 . fundando a vanguarda expressionista abstrata. deslocou de Paris para Nova York a capital mundial das artes. começou a vida como carpinteiro e pintor de paredes.

SURREALISMO
Em 1924 surge um grupo de pintores que vai se interessar muito pelo subconsciente, onde ocorre aí a falta de lógica. Eles se interessavam demais pelo sonho, pelo fantástico, pelo irreal, pela loucura, tudo que contrariasse a lógica. • Loucura • Sonho • Irreal • Ilógico A forma que eles pintavam é muito realística, mas o conteúdo é sem lógica. Freud estava em moda. A arte que é muito lógica, como iria acompanhar o ritmo se este já não é mais lógico? A arte tem que acompanhar a época. Vai haver, portanto, uma série de trabalhos que chamamos de surrealista. É uma arte do inconsciente. O surrealismo não é uma arte só do inconsciente, é também uma arte sem limites de qualquer espécie no conteúdo. O surrealismo vai surgir na pintura, na poesia, na música, no tipo humano (aquela pessoa surreal). O pintor, o poeta e todos os outros artistas procuram dois mundos: um visível e o outro submerso, vago, indeterminado, que é o subconsciente da gente. Vão procurar pintar esse subconsciente que não é fácil. Nós vivemos hoje, segundo Mali, em um mundo com métodos muito lógicos. Isso dificulta o entendimento do mundo surreal. O surreal não tem lógica nenhuma. É o nonsense total. Os fins lógicos não escapam de nós, mas os fins ilógicos sim. Tudo que não tem lógica e que foge do nosso controle, nós não gostamos. O surreal passa a ser a arte pura do sonho e da fantasia. Vão usar muito álcool, excitantes, hipnose, símbolos esotéricos, alquimia. Na arte surrealista não vai haver uma lógica discursiva. Ela não vai ter começo, meio e fim. O surrealista vai usar primeiro elementos justapostos, quer dizer, elementos que podem estar no mesmo tempo no mesmo lugar e podem ou não estar mesmo espaço. Ex.: Quando Paul Delvaux vai pintar uma moça nua em uma estação de trem com uma vela na mão como se fosse uma sonâmbula, isso incomoda muita gente, porque não tem lógica. Surrealismo tem muito recollection. É o sonho mal resolvido que agente tem. Paul Delvaux é um pintor surrealista que vai pintar muito estação de trem. Coloca uma mulher da época barroca fazendo justaposição de tempo e de elementos com mulheres mais clássicas no plano de trás. A forma é perfeita como uma fotografia mas a história ou o conteúdo é estranho. Paul Delvaux é belga e morreu em 1994. Em "off": Quando ele era mocinho, tinha paixão por trem, morava em uma casa próximo à uma estação ferroviária. Seu pai resolveu então levá-lo para uma viagem de trem. Quando eles chegaram lá o trem já tinha saído. Isso vai marcar muito pelo resto de sua vida, influenciando sua pintura. 142

O "acaso" para os surrealistas é uma coisa muito importante. Vai funcionar como uma "mis en cene" = "fundo" Ex: Dali pegava um papel e colocava ao ar livre por 3, 4 dias. O que acontecesse com aquele papel ele ia aproveitar para fazer em suas obras, como borrões. É o acaso. Na pintura surrealista, a técnica é ligada à criatividade. Vai ter que pintar muito bem a forma para que seja muito fácil de entender. Não pode pintar uma coisa muito complicada porque senão o fruidor não vai conseguir ler a obra. Se a forma não for perfeita e a história complicada, vai ser impossível de entender a obra. Pintores Bélgas importantes: Paul Delvaux, surrealista René Magritte, surrealista Rubens, barroco Para os surrealistas o acaso, a técnica, a decalcmania, fotomontagens, vão ser muito importantes. Vai atingir até a literatura e o cinema. Na literatura brasileira nós temos: João Cabral de Mello Neto Ariano Suassuna Júlio Cortasa Filme Surrealista: Filme inglês "Spell Bound", com Ingrid Bergmann. A cenografia é do Salvador Dali. O diretor é o Hitchcock (??). Surrealismo é um estado de espírito, é um propósito, é uma arte de sonho. Principais pintores surrealistas: Salvador Dali René Magritte Paul Delvaux Marx Hess, tem uma fase pequena surrealista. Foi cubista também.

143

SALVADOR FILIPE JACINTO DALI ERA O NOME COMPLETO DE DALÍ.
Nasceu em 11 de maio de 1904. Em Figueiras, espanhol da Catalônia. Nasceu de família rica. Já era excêntrico desde que fez escola de Belas Artes. Em 1927 Dalí fez sua primeira visita à Paris. Picasso já tinha feito em 1900. Dalí começou pintando como impressionista. Ficou amigo de Garcia Lorca e Brunuel (diretor de cinema espanhol famoso). Os três eram muito amigos. Dalí vai ter muita influência de Picasso, em uma de suas fases. Ele teve um caso com Garcia Lorca. Brunuel não se conformava pois era muito machista. Dalí vai se tornar um grande surrealista. Em 1929, Dalí conhece Gala, que é Helena, e vai ser sua musa inspiradora e sua paixão até ele morrer. Ela foi uma dançarina russa. Quando Dalí a conheceu ela era esposa de Paul Edward (grande poeta francês). Quando Dalí viu Gala, numa festa na casa de Brunuel, ela estava de costas para o sol e com os ombros de fora. Ele se apaixonou pelo ombro dela e disse que ia casar com aquela mulher. Conseguiu tirá-la de Paul Edward e vão ficar juntos até ela morrer. Fofoca: Dali tinha um problema físico. Tinha o “elemento” pequeno que não funcionava muito. Gala conseguiu resolver essa situação. Ele devia isso a Gala. Foi a primeira mulher realmente que ele se resolveu. Ele era bissexual e tinha muitos casos. Nunca mais vai largar Gala na sua vida. Ela teve também muitos casos com marinheiros que Dalí sabia e aceitava numa boa. Dalí é o protótipo do homem surrealista. Ele é escandaloso e só pintou o irreal. É um cabotino (aquele indivíduo de maneira afetada, que procura chamar a atenção, ostentando qualidades reais ou fictícias) e só pensava em dinheiro. Adorava Picasso como artista e como pessoa. Picasso nunca deu bola para Dalí. Eles nunca foram amigos. Picasso não admitia a forma de viver de Dalí, apesar dele também ser extravagante. Dalí vai pintar muitos símbolos fálicos, como os ciprestes pontudos. Vai pintar muito costeletas penduradas em Gala, significando que gosta de “comer” Gala. Ele pinta também muitas muletas. Acha que todo mundo tem muletas. A sua muleta era Gala. Ele representa a muleta como se fosse forquilha (tipo muleta para segurar as oliveiras) A religião para Dalí é um campo de investigação. Ele foi muito místico. Ele fez coisas muito loucas, como a "Apoteose do Dólar". Era um quadro cheio de dólar assinado com um cifrão. Ele ficou muito rico. Quando a Gala morreu em 1982 ele estava sofrendo o mal de Parkinson. Dalí vai viver até o fim de sua vida de forma muito extravagante. Morre em 1986.

144

em cujo grupo militou durante algum tempo. Nessa época. Dois anos depois adquiriu forma La masía. onde conheceu a obra dos impressionistas e fauvistas franceses. Ele é um campo muito vasto para a nossa imaginação. Usa metáfora em todos os quadros. A partir daí sua pintura mudou radicalmente. Miró também se dedicou à cerâmica e à escultura. entre os quais estavam Masson. A famosa magia de Miró se manifesta nessas telas de traços nítidos e formas sinceras na aparência. 145 . Tudo dele é fantasticamente absurdo. Pinta o irreal. você se questiona se é ou não real. nas quais extravasou suas inquietações pictóricas. RENÉ MAGRITTE (1898-1967) É também pintor belga. PAUL DELVAUX (1898-1994) É pintor belga. Toda obra que você vê. Breton falava dela como o máximo do surrealismo e se permitiu destacar o artista como um dos grandes gênios solitários do século XX e da história da arte. Artaud e Lial. Em 1920 Miró instalou-se em Paris (embora no verão voltasse para Montroig). Tinha obsessão pelo rosto de mulher e estações de trem. a desconfiança do irreal. onde se formara um grupo de amigos pintores. Leiris. É o pintor surrealista do absurdo. Em 1912 entrou para a escola de arte de Francisco Gali. embora se apresentem de forma amistosa ao observador. fez amizade com Picabia e pouco depois com Picasso e seus amigos cubistas. mas difíceis de serem elucidadas. obra fundamental em seu desenvolvimento estilístico posterior e na qual Miró demonstrou uma grande precisão gráfica.JOAN MIRÓ iniciou sua formação como pintor na escola de La Lonja. Ele vai fazer sobreposições até o infinito. Ele investe em você o tempo todo. em Barcelona.

para designar os produtos da cultura popular da civilização ocidental. ilustrações e designs. com as Sopas Campbell. tinta acrílica. Com o objetivo da crítica irônica do bombardeamento da sociedade pelos objetos de consumo. quadrinhos. pelo crítico inglês Lawrence Alloway. nos quais se inspirava e muitas vezes o próprio aumento do consumo. com garrafas de Coca-Cola. Rauschenberg criou as pinturas "combinadas". Representavam. da fotografia. reproduzindo objetos do cotidiano em tamanho consideravelmente grande. e já que tanto o gosto. assim. já que se utilizava de objetos próprios delas. como a arte tem um determinado valor e significado conforme o contexto histórico em que se realiza. muito do que era considerado brega.POP-ART Movimento principalmente americano e britânico. Principais Artistas: Robert Rauschenberg (1925) Depois das séries de superfícies brancas ou pretas reforçadas com jornal amassado do início da década de 1950. Sua iconografia era a da televisão. desmitificando. Era a volta a uma arte figurativa. a arte para poucos. Além disso. brilhantes e vibrantes. ela operava com signos estéticos massificados da publicidade. usando como materiais principais. após estudar os símbolos e produtos do mundo da propaganda nos Estados Unidos. tinta acrílica. dos quadrinhos. um dos principais artistas da Pop Art. Mas ao mesmo tempo que produzia a crítica. Com raízes no dadaísmo de Marcel Duchamp. o pop art começou a tomar forma no final da década de 1950. que realizou em 1960 para 146 . poliéster. Seu interesse pelas histórias em quadrinhos como tema artístico começou provavelmente com uma pintura do camundongo Mickey. em refinado. de poderosa influência na vida cotidiana na segunda metade do século XX. Roy Lichtenstein (1923-1997). adotou a técnica de impressão em silk-screen para aplicar imagens fotográficas a grandes extensões da tela e unificava a composição por meio de grossas pinceladas de tinta. a Pop Art proporcionou a transformação do que era considerado vulgar. quando alguns artistas. de Andy Warhol. transformando o real em hiper-real. sobretudo os que eram provenientes dos Estados Unidos. Esses trabalhos tiveram como temas episódios da história americana moderna e da cultura popular. e aproximou a arte das massas. usando como materiais. do cinema e da publicidade. produtos com cores intensas. látex. virou moda. passaram a transformá-los em tema de suas obras. embalagens de produtos industrializados e pássaros empalhados. Por volta de 1962. a Pop Art se apoiava e necessitava dos objetivos de consumo. em oposição ao expressionismo abstrato que dominava a cena estética desde o final da segunda guerra. usando como materiais principais. como aconteceu por exemplo. ilustrações e designam. os componentes mais ostensivos da cultura popular. sua denominação foi empregada pela primeira vez em 1954.

Ele foi figura mais conhecida e mais controvertida do pop art. as latas de sopa Campbell. Warhol entendia as personalidades públicas como figuras impessoais e vazias. destacou a impessoalidade do objeto produzido em massa para o consumo. e reproduziu a mão. Cores brilhantes. delineadas por um traço negro.os filhos. automóveis. ampliou as características das histórias em quadrinhos e dos anúncios comerciais. com fidelidade. por exemplo. como Elvis Presley e Marilyn Monroe. Andy Warhol (1927-1987). uma técnica pontilhista para simular os pontos reticulados das historietas. como garrafas de Coca-Cola. aparecem como imagens frias. Com essas obras. Em seus quadros a óleo e tinta acrílica. crucifixos e dinheiro. planas e limitadas. Warhol mostrou sua concepção da produção mecânica da imagem em substituição ao trabalho manual numa série de retratos de ídolos da música popular e do cinema. Da mesma forma. desvinculados do contexto de uma história. Seus quadros. o artista pretendia oferecer uma reflexão sobre a linguagem e as formas artísticas. Empregou. Produziu filmes e discos de um grupo musical. O resultado é a combinação de arte comercial e abstração. incentivou o trabalho de outros artistas e uma revista mensal 147 . e usando sobretudo a técnica de serigrafia. intelectuais. apesar da ascensão social e da celebridade. símbolos ambíguos do mundo moderno. os procedimentos gráficos. contribuíam para o intenso impacto visual.

como diz o artista. As suas composições se constituem de diferentes figuras geométricas. de modo que através de constantes excitações ou acomodações retinianas provocam sensações de velocidade e sugestões de dinamismo. Apesar do rigor com que é construída. parece obedecer a duas finalidades. Principais artistas: Alexander Calder (1898-1976) . Sugerir facilidades de racionalização para a produção mecânica ou para a multiplicidade. solicitar ou exigir a participação ativa do contemplador para que a composição se realize completamente como "obra aberta". que se modifica a cada instante. São engenhosamente combinadas. por outro lado. Mas. os móbiles pareçam simples. 148 . pois exige um sistema de peso e contrapeso muito bem estudado para que o movimento tenha ritmo e sua duração se prolongue. Ela não tem o ímpeto atual e o apelo emocional da Pop Art. Por outro lado. mais próxima das ciências do que das humanidades. mesmo quando em preto e branco. Apesar de ter ganho força na metade da década de 1950. que se modificam desde que o contemplador mude de posição. sua montagem é muito complexa. depois de 1932. O geometrismo da composição. suas possibilidades parecem ser tão ilimitadas quanto as da ciência e da tecnologia. ao qual não são estranhos efeitos luminosos.criou a plástica cinética que se funda em pesquisas e experiências dos fenômenos de percepção ótica. em comparação. Embora. em preto e branco ou coloridas. ele verificou que se mantivesse as formas suspensas. Os seus primeiros trabalhos eram movidos manualmente pelo observador. a Op Art passou por um desenvolvimento relativamente lento.OP-ART A expressão “op-art” vem do inglês (optical art) e significa “arte óptica”. Victor Vassarely . parece excessivamente cerebral e sistemática.Criou os móbiles associando os retângulos coloridos das telas de Mondrian à idéia do movimento. Defendia para arte "menos expressão e mais visualização". simboliza um mundo precário e instável. elas se movimentariam pela simples ação das correntes de ar.

e principalmente ícones da cultura e consumo americanos. As temáticas do seu trabalho refletem suas preocupações.o grafiteiro utiliza um cartão com formas recortadas que. principalmente no contexto político e social. iniciou sua carreira grafitando as paredes e muros de Nova York.(1960-1988). Nina. Boleta. o Grafite saiu do seu gueto . no PS 1. a opressão e o racismo.e das ruas das galerias e museus de arte. Freak. em 1981. Waldemar Zaidler e Carlos Matuck. também se destacam artistas de vanguarda como: Os Gêmeos: Otávio e Gustavo. como o genocídio. No Brasil. anarquia social. a partir daí virou celebridade. existe a valorização do desenho. destacam-se os artistas: Alex Vallauri. instalando-se em coleções privadas e cobrindo com seus rabiscos e signos os mais variados objetos de consumo. Morreu prematuramente em virtude de depressão e drogas. 149 . mas a consagração veio com a mostra "New York/New Wave" organizada por Diego Cortez. destruição moral. Tikka e T. de Nova York. só deixa passar a tinta pelos orifícios determinados.GRAFFITI Definido por Norman Mailler como" uma rebelião tribal contra a opressora civilização industrial" e. Foi patrocinado por Andy Warhol (Pop Art). Com 21 anos participou da sua primeira coletiva em Nova York. A primeira grande exposição de Grafite foi realizada em 1975 no "Artist's Space". Nunca. Speto. com apresentação de Peter Schjeldahl. palavras ou frases de humor rápido. * Stencil art . um dos principais espaços de vanguarda de Nova York. Seus grafites mostravam símbolos de variadas culturas. nascido no Haiti. Principal artista: Jean Michel Basquiat . como "violação. vandalismo puro e simples". ao receber o jato de spray.o metrô . valoriza-se a cor. Características gerais: * Spray art .pixação de signos. por outros. de obras famosas.

Berlim). da arte do doente mental e da arte primitiva. existem os realmente marcantes e outros nem tanto. portanto é instintiva e onde o artista expande seu universo particular. bidimensional. ressaltamos Christo. embrulhos em locais públicos. Esse isolamento situa o art naïf numa faixa próxima à da arte infantil. Assim. como numa arte mais intelectualizada. se confunda com elas. guardasóis. de uma criação totalmente subjetiva. É utilizada a pintura. que foi envolvido em tecido sintético com duração de duas semanas. Trata-se de um tipo de expressão que não se enquadra nos moldes acadêmicos. Atualmente. INSTALAÇÃO São ampliações de ambientes que são transformados em cenários do tamanho de uma sala. mesmo nesses casos. juntamente com a escultura e outros materiais. Alguns artistas interferem na paisagem. para ativar o espaço arquitetônico. Obra Destacada: Homenagem a Chico Mendes do artista Roberto Evangelista. seja quase sempre possível descobrir-lhes a fonte de inspiração na iconografia popular das ilustrações dos velhos livros. da criatividade autêntica. nem nas tendências modernistas. do fazer artístico sem escola nem orientação. o único artista que se destaca com suas interferências. Ponte Neuf (Paris) embrulhada para presente. Art naïf (arte ingênua) é o estilo a que pertence a pintura de artistas sem formação sistemática. o artista naïf é marcadamente individualista em suas manifestações mais puras. Características gerais: · Composição plana. e não somente à aprecia.INTERFERÊNCIA Como a pintura já não é claramente definível e deixou de ser a única fornecedora de memoráveis imagens visuais. muito embora. no entanto. nem tampouco no conceito de arte popular. portanto. sem que. ARTE NAÏF É a arte da espontaniedade. O espectador participa da obra. tende à simetria e a linha é sempre figurativa 150 . colocam cortinas. Obras Destacadas:: Cortina no Vale. sem nenhuma referência cultural. Não se trata. Claro que. Guarda-sóis colocados em um vale da Califórnia e mais recentemente o Reichstag ( Parlamento Germânico em 1988 . O artista naïf não se preocupa em preservar as proporções naturais nem os dados anatômicos corretos das figuras que representa. das folhinhas suburbanas ou das imagens de santos.

"Um dia de carnaval". Principal Artista: Henri Rousseau (1844-1910). Nos primeiros anos do século XX. após despertar a admiração de Alfred Jarry. Estreou com uma original obra-prima. · Pinceladas contidas com muitas cores. homem de pouca instrução geral e quase nenhuma formação em pintura. seu trabalho foi reconhecido em Paris e posteriormente influenciou o surrealismo. composição e perspectiva. Robert Delaunay e outros intelectuais e artistas. no Salão dos Independentes.· Não existe perspectiva geométrica linear. Criou exóticas paisagens de selva que lembram tramas de sonho e parecem motivadas pelos sentimentos mais puros. e de empregar as cores de modo arbitrário. 151 . Guillaume Apollinaire. Pablo Picasso. Em sua primeira exposição foi acusado pela crítica de ignorar regras elementares de desenho.

Sign up to vote on this title
UsefulNot useful