APOSTILA HISTÓRIA DA ARTE

PROFESSORA: MEIRE DE FALCO
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História da Arte  Linha do Tempo o Pré-História  Arte Pré-histórica o Idade Antiga  Arte Egípcia  Arte Grega  Arte Romana  Arte Paleocristã  Arte Bizantina  Arte Islâmica o Idade Média  Arte Românica  Arte Gótica o Idade Moderna  Renascimento  Maneirismo  Barroco  Rococó o Idade Contemporânea  Neoclássico  Arte Romântica  Realista  Impressionismo  Expressionismo  Cubismo  Abstracionismo

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Fauvismo Construtivismo Surrealismo Dadaísmo Op Art Pop Art Instalação Interferência Cobra Futurismo Arte Naif Pintura Metafísica

o Arte Brasileira  Pré-História  Arte Indígena  Arte Colonial  Arte Holandesa  Barroco  Missão Francesa  Arte Acadêmica  Semana de 22  Expressionismo  Arte Naif

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PRÉ HISTÓRIA
A arte nasceu com o homem e deu-lhe a consciência de sua capacidade criadora, a possibilidade de imaginar. É muito importante lembrar que a arte revela o ser, independente de cor, religião, locais geográficos, independente de qualquer coisa. Se a arte não revela o ser ela não será arte. A arte é comunicação. Esse sistema de comunicação é sempre ligado a um processo histórico. A arte pressupõe um público. Mesmo que ela não seja feita para o público sempre haverá um que irá olhar. A arte é emissora e receptora, ela emite e recebe ao mesmo tempo. Na pré-história, o homem se tornou artista há 400 séculos ou 40.000 anos. Esse homem apareceu na fase da Pedra Lascada, em um período chamado PALEOLÍTICO (Paleo=Velho, Litico=Pedra). Esses homens tinham uma sensibilidade criadora incrível, habilidade e inteligência para a arte quase como os homens de hoje. Homens da pedra-lascada, homens primitivos, homens das cavernas tem o mesmo significado. Ha 4 milhões de anos antes dos homens paleolíticos já existia homem na terra quase como macaco. Dessa época não temos nenhum registro. Não sabemos o que eles fizeram, apenas que eles sobreviveram. De arte só sabemos a partir de 400 séculos atrás. Nesses 2 últimos milhões dos 4 milhões de anos agente já sabe que o homem se utilizava de pedras e de paus. O homem, com certeza, desde 4 milhões de anos atrás já usava um instrumento, porque o macaco como exemplo pega uma planta ou uma pedra para jogar em outro macaco. Então tudo isso o homem já devia usar. Só que transformar pedras em utensílios levou séculos. Primeiro ele pensou o que fazia com os seixos (pedras lascadas) ou com gravetos. A partir dai ele vai associar forma à função, criando assim o utensílio. A madeira por não ser resistente não durou para que pudéssemos ter como prova mas, os objetos de pedra permanecem até hoje. Esse objetos pessoais foram se aperfeiçoando. Com o aperfeiçoamento desses objetos iremos entrar no Paleolítico, época da pedra lascada. O mundo era totalmente diferente, os homens viviam em cavernas, a temperatura era baixa, sempre no gelo. Viviam em regiões que correspondem hoje a França, Espanha, Inglaterra, Alpes, Síria, Palestina, Norte da África, em plena Ásia, no Himalaia. Viviam em grupos bem grandes para se protegerem. A caça era abundante nessas regiões. Apesar de se chamarem homens das cavernas, eles pouco habitavam nelas. Ficavam muito mais do lado de fora, por serem sufocantes, malcheirosas, sem luz,e feias. Do lado de fora eles podiam ver a mudança do dia e noite, o que achavam fantástico e completamente inexplicável para eles. As cavernas eram mais usadas como abrigos das intempéries do que como moradas. Esses homens são chamados de primitivos, não por serem mais simples do que nós, porque eles foram os primeiros do local mais próximo de onde começou a humanidade. O processo de pensamento deles era muito complicado, muito complexo. 2

bem escondidos. mas mais de conteúdo). As mais importantes cavernas citadas na História da Arte são: Altamira na Espanha e Lascaux na França.e os ossos para ele usar. Se ele não matasse o animal. Mesmo hoje vai ser chamada de “pintura rupestre” aquela pintura feita em tons crus. decorar. Esses locais eram bem inacessíveis e provavelmente subiam um em cima do outro para alcançarem. Se ele tivesse um poder sobre outro homem isso iria causar muito medo. O domínio técnico dos homens da caverna é surpreendente. com criações. não distinguindo o real do irreal. Ele não desenhou nunca homens porque ele não queria matar outro homem dessa forma. Primeiro utilizou o dedo como pincel. em locais inóspitos. bisontes. tochas recobertas de gordura animal. O animal dava a carne para ele se alimentar. Não sabiam a diferença do mundo material do espiritual. Não separavam o visível do invisível. ele passava o dedo no pó da caverna e este nas paredes. 3 . carvão vegetal (que usamos até hoje). bisontes (era como avô do elefante ou do boi). Não existia requinte por não haver intenção de fazer arte. O homem era monista. para poder iluminar o fundo da caverna. idéias (conteúdo e formas. A explicação disso tudo é “a magia propiciatória”. Ele precisava do animal para sobreviver e não do homem. do mesmo jeito que não pintava a flora.Existem milhares de pinturas rupestres (como são chamadas as pinturas das cavernas). São cavernas lotadas de pinturas rupestres. O homem pré-histórico desenhou muito bem os animais. ocres. A história da arte não é uma história de progressos de técnicas. É a primeira vez que existe um estilo na história da arte. sépia. As ferramentas rudimentares que usaram foram feitas com a mão. sangue. A magia propiciatória era o pintar e o matar o animal através do desenho. As cores empregadas eram ocre. O padrão de qualidade não difere do nosso hoje. Antes do homem pintar os mamutes. marrons. vermelho. Foram descobertos vestígios de luz artificial. Depois começaram a pintar os animais sempre no fundo da caverna. Não sabia a diferença do real para o irreal. É uma história de artistas. Séculos depois ele vai pegar um osso e soprar o pó sobre sua mão na parede da caverna deixando a marca do contorno de sua mão nela. a pele para ele se vestir. Essas cores eram devido aos materiais orgânicos de que eram feitas como: fibras. como se fosse uma mágica. quer dizer. Essa pintura vai ser uma “pintura realística e figurativa” porque ele vai pintar tal qual ele vê. de pessoas em mutações. Não iríamos pintar hoje com a finalidade de fazer magia propiciatória. ossos carbonizados. Ele pintava o que via. Ele precisava do outro homem para preencher aquela imensidão do mundo que estava totalmente vazia. Pintavam mamutes. É tão bom quanto os de hoje. sementes. depois o pincel bem rudimentar feito de pêlos e penas de animais. ele morria. O que difere são as idéias. e não de técnicas. o mundo para eles era uma realidade só e única. Você pode ter muita técnica mas se não tiver uma concepção artística dificilmente fará alguma coisa.

como “deusas da fertilidade”. Foi descoberta em 1879. na pedra-polida. Começa o período neolítico. A arte passa a ser feita do lado de fora na entrada das cavernas com o objetivo de serem vistas. não saberíamos nada sobre esses “museus do mundo”. Vai surgir as primeiras figuras masculinas. só da fêmea. como as tintas foram feitas com materiais orgânicos. nem rei por não haver ainda uma hierarquia. 8000 anos depois (dos 40. E. Começa a plantar. etc. Se não fossem os terremotos e os deslocamentos de terra que tamparam essas cavernas. ao acaso. bisontes. essa descobre um buraco que a leva a outras salas com muitos desenhos. Os retângulos. mamutes. Nas cavernas do período paleolítico foram descobertas algumas simbologias inexplicáveis como o “quadrado”. mulheres de seios enormes. touros pintados de tamanho natural e de corpo inteiro. Altamira. O homem neolítico consegue o controle sobre a sua alimentação. Eles então largavam tudo lá e escolhiam outro lugar. ventre saltado e nádegas enormes. Nessas aldeias não tinha chefe. Deve ser por causa da fertilidade. Na época do paleolítico ficavam pouco tempo na caverna. Nunca ele fizeram representação escultórica de macho. não se sabe como eles tinham conhecimento dessas formas. Ela corre para avisar o pai e esse chama os peritos para estudar a caverna. Tem dezenas de representações de animais como: cavalos. Não é mais uma magia propiciatória.000). Tem uma ordem entre as figuras que parecem um código de composição. quando um pai fazendo um picnic com sua filha. tem 2 metros de altura. quadrados. A arte é feita pela arte. É um estudo muito sério e não se sabe a realidade. que seria a representação de mulheres grávidas. Os homens abandonaram a vida nômade. entrar água. É a conquista do pré-histórico de sua capacidade de representar as três dimensões. há pouco tempo. Eram pinturas sobre a caça. na Espanha. Os cientistas não gostam de que sejam fotografados esses desenhos. O pré-histórico da era paleolítica fez esculturas de figuras femininas em pedra. como eles pintavam. Outras formas de arte são as gravuras. Eles acham que podem ser desenhos referentes a extra-terrestres. como uma forma de leitura de suas vidas. pois esta começava a deteriorar. porque não existe na natureza. que não existe na natureza. porque com a temperatura amena podiam ficar mais tempo no mesmo local. amontoar um monte de ossos. Obs. a cultivar e se organizar socialmente formando aldeias.A caverna de Lascaux foi descoberta em 1940. 18 metros de comprimento e 9 metros de largura. É através do carbono 14 que se constata tudo da época pré-histórica. A temperatura era mais amena. sem deixar espaço para andar. vacas. e é chamada a catedral das cavernas. elas permaneceram até hoje. Pintam do lado de fora mostrando os atos da vida coletiva deles. Assim vão documentar para as vidas futuras o que a sua comunidade fazia. Eles também começaram a dançar e a cantar. Eles fazem incisões nas cavernas aproveitando os relevos para dar volume nos desenhos. triângulos. 4 . O auge do abstracionismo é fazer quadrado. Com o tempo mais estável eles passam a ter uma vida sedentária. O homem será representado mais forte e mais alto do que a mulher. A arte é realmente a expressão de uma época. paleolítica.

É a primeira mudança de estilo na história da arte. Vai pintar de uma forma muito esquematizada e muito pior que o homem paleolítico. cerimônias fúnebres. A partir da consciência desse ser vai surgir a necessidade da crença e do culto. uvas. Eles percebem que se derem as mãos e saírem cantando a colheita iria ser muito mais interessante. Uma das atividades artísticas mais importantes do neolítico é a cerâmica.: prato. papoulas. Ele pode cultivar e. A cerâmica era super importante porque utilizavam-na para tudo. A última animal a ser domesticado foi o cavalo porque eles se alimentavam dele. Ex. Vai aparecer tudo. Ele auxiliava na caça. era fiel. Depois domesticou o boi. A cerâmica cozida era feita mais no período neolítico. benéfico ou maléfico. cevada. Vai acontecer uma revolução social. de repente. Ele percebe que a colheita não depende dele. Vão aparecer as primeiras esculturas dos “deuses”. Eram muito primitivos. A mulher fica em casa cozinhando. Ex. Eles cultivavam trigo. Ele tem a concepção que existe um ser. A mulher só poderia ter outro homem quando o dela morria. maçãs. leite e fibra para tecido.: “deus da colheita” Não tinha ainda a definição de uma mulher para um homem. O sexo era um ato animal. não ter essa colheita por causa de uma chuva de granizo ou de uma tempestade. Tudo é geometrizado e certinho. A arte neolítica dá um passo atrás pintando da mesma forma que a criança pinta hoje. Ele percebe que tem uma coisa que domina e toma conta dele. linho. símbolos sagrados. Eles faziam para dormir uma grande cama de cerâmica em formato de barco para segurar o calor. No período neolítico é que o homem podia ter quantas mulheres quisesse e a mulher não. As suas preocupações são outras. ajudá-lo. sepultamento. O 5 . ervilhas.O cantar era um ajuntamento de sons para cultivar os trabalhos coletivos do plantio e da colheita. alguma a coisa a mais que é dono de tudo isso e que precisa tomar cuidado. O cavalo como besta de carga só vai aparecer na idade do bronze e como montaria só no final da idade do bronze quase na Idade Média. Ele percebe que quem rege o destino do solo é a natureza. Depois da cerâmica é que vai surgir a madeira. Uma das coisas muito interessantes do homem pré histórico é quando ele toma consciência da dependência que vivia do bem e do mal. o porco e a cabra que abastecia de carne. tecendo e fazendo tarefas domésticas. Vão surgir também mitos. cenouras e nozes. Passa a ser um ser social. lentilhas. mas de alguma coisa além dele. que é a natureza. O homem passa de figurativo realista para a pintura geométrica. O primeiro animal domesticado pelo homem foi o cão. e feito na posição (por trás) como os animais. Restaram apenas pedaços dessas peças e muitos desenhos desse período neolítico documentando isso tudo. amigo. Vai existir a cerâmica crua e cozida. Com certeza esse cultivo começou no oriente médio por causa do clima muito seco. Acha-se que a primeira plantação foi feita na região Mesopotâmica indo depois para o resto da Europa. artística econômica e política. Começa então a surgir a religião para protegê-lo. Eles guardavam as coisas nas cerâmicas porque elas conservam a quentura.

É quando eles fazem rodas. A preocupação do homem na idade do bronze era em cima das descobertas técnicas. Somente depois na Idade Média é que o homem vai aparecer cozinhando. é o caso de Picasso. de repente. não comendo mais carne crua e vão usar sal pela primeira vez. O único homem que cozinhava era o mágico da tribo para ele fazer rituais. 6 . Eles passam a cozinhar a carne. A idade do Bronze também foi descoberta por acaso. E. Eles achavam que se o homem cozinhasse a comida seria uma comida envenenada. Obs. mais do que com a beleza. Na hora de colher a colheita a mulher e os filhos participavam. para finalizar. e utilitárias para a época. Não vai cozinhar comida. Os grandes cozinheiros vão ser na época de Luís XIV. etc. Uma grande descoberta sempre leva a outra grande descoberta. Esses minérios derretidos formaram o bronze que quando esfriava endurecia rapidamente. a Idade do bronze foi muito pobre artisticamente. Os utensílios ficaram bem melhores. Durante séculos o homem vai ser proibido de cozinhar.homem sai para o campo para caçar e fazer a plantação. carros. O homem não cozinhava. no Barroco. No final da idade do bronze já não é mais considerado pré história. quando estavam fazendo uma fogueira em um acampamento quando. derreteram uma pedra que tinha cobre e estanho. Essa liga possibilitou modelar uma infinidade de coisas. Vários pintores do século XX vão trabalhar em cima da história da arte primitiva.

ajudaram na construção.000 anos. tinha força de lei. Os templos para os sacerdotes era a construção mais bem organizada. Foi chamada de “TORRE de BABEL”. O culto aos deuses era muito forte. escrever. Existia uma cidade chamada Uruqui.Tinham tesouros soberbos como os dos egípcios. dos sumerianos. no interior do Zigurat. Esse templo enorme que era equivalente a um prédio de 20 andares. eles trabalhavam com adornos (que são tijolos pequenos de terra).. Todos. A Mesopotâmia foi uma civilização fantástica como a Egípcia. escravos e não escravos. Cada povo falava uma língua. etc. sepulturas. ninguém se entendia. só que eles não faziam como os egípcios que trabalhavam em pedras. A arte Egípcia teve poucas variações. Os arqueólogos descobriram vários montes chamados tells (téus) e que tinham lá no fundo tinham a civilização. fenícios. pintar. Situada no Oriente Antigo. acharam a cidade de “Hur” que começou 5000 A. Em 1927 os arqueólogos.. surgindo aí a técnica dos mosaicos. etc. Durante 3. Tudo o que sabíamos sobre a Mesopotâmia era através da Bíblia. Foi o local onde todos os povos como sumerianos. do lado de fora. Nessa cidade tinha um templo fantástico todo branco. No interior tinha tijolos bem pequenos e coloridos.000 A. Os rios Tigre e Eufrades inundaram toda a Mesopotâmia. os mosaicos. na Mesopotâmia. fenícios. Foi tão importante quanto o Egito. babilônios. Entre os muitos povos que faziam parte da Mesopotâmia. Era como se tivesse acabado o mundo. todos os povos da Mesopotâmia fizeram as construções assim.000 A. onde estaria mais próximo de “deus”. As cidades eram independentes umas das outras.MESOPOTÂMIA MESOPOTÂMIA: quer dizer em grego região entre os rios Tigre e Eufrates. lindíssimo. O Museu do Louvre está lotado sobre as peças da cultura Mesopotâmica. a Mesopotâmia já era uma civilização. Todos tinham uma forma muito diferenciada de falar. ou seja até 2. Quando as civilizações européias ainda estavam na pedra polida. A religião era magia. foram convidados para construir esse templo imenso. 7 . Os templos da Mesopotâmia que tinham esse formato chamavam-se Zigurat.C.C. etc. Tinha também só uma porta com uma escadaria que conduzia o povo a subir para rezar lá em cima. Faziam tijolos pequenos um a um à mão. Eles eram muitos povos como: caldeus. enquanto a arte da Mesopotâmia teve muitas. Havia. Aparece Noé com seu barco e os animais para se salvar do dilúvio. Foi o dilúvio que a Bíblia comenta. etc.C.. os Sumerianos foram os primeiros a dominá-la. colocavam para secar e depois construíam palácios. Até a metade do século XIX pouco se sabia da Mesopotâmia. Isso ocorre 5. Em 1927 eles escavaram os montes e descobriram as cidades da Mesopotâmia. assírios. Com o passar do tempo essas construções não resistiram às mudanças e nada restou. somente a força da religião era que unia todas elas. O sumeriano é o protótipo mais antigo das construções de dentro de casa. depois de muita procura.

enquanto o corpo eles nem ligavam. gesso. prendendo as pessoas e fazendo atrocidades com elas. Os assírios eram tremendamente guerreiros e tinham um exército muito poderoso. O material usado para fazer as esculturas era muito variado. Ex..500 A. imperial. Eles copiam a arte sumeriana.) vai bater mais ou menos com os hieróglifos egípcios. chamada Zigurat para que as pessoas rezassem mais próximas de “deus”. Eram povos unidos só pela religião.C. Vão implantar o terror na Babilônia.3. Os olhos eram enormes e bem expressivos. Era como os contratos de doações de terras. bem feita. O poder deles chegou até o Egito. O que eles produziram de arte era somente ligado às guerras e aos reis. Era uma cerâmica muito ruim. Para construí-las pegavam cidades inteiras.C.000 A. Fizeram desses escravos os construtores das grandes cidades. Quando a argila estava mole.C. sendo que estes dois últimos não duraram com o tempo. A arquitetura era pomposa. Os assírios permaneceram na Babilônia de 1100 A. A Mesopotâmia fica hoje mais ou menos onde estão os países Irã. A Mesopotâmia não ficou tão famosa porque o material usado nas construções não resistiu ao tempo por serem feitos de adobe (tijolinhos de pedra). É um povo interessante.: A civilização mexicana aparece bem depois de Cristo. Descobriram que por baixo dos “tells” (montes) existia uma civilização fantástica. A cabeça era cuidadosamente elaborada. Eles utilizavam pedras. O que vai ter de diferente são as famosas “estrelas” ou “estelas” que são as pedras desenhadas. eles pegavam um estilete em forma de cunha e gravavam na parede. Kudurros eram os contratos feitos em pedra e escritos em cuneiforme. Obs. A fase histórica é praticamente a mesma. A escrita da Mesopotâmia (3. principalmente o caráter. dando expressão de fé e serenidade. A arte era feita para “deus”. escreverem. foram gravados na argila. guiados pelo rei Sargão. Portanto a arte acariana é muito parecida com a arte sumeriana. concha marítima. A escrita chamava-se cuneiforme por ser em forma de cunha. a alma das pessoas. Iraque. O branco dos olhos era feito de conchas. Relembrando: Vão construir uma torre na Babilônia. gigantescas. grandiosa. mármore. Os sinais da escrita ao invés de serem desenhados. principalmente a escultura. Vão acabar com o primeiro Império Babilônico. gravadas ou esculpidas. Eles chegaram a dominar o Egito e a Fenícia. Dominam toda a Mesopotâmia e toda a Síria. É um passo enorme da Humanidade. A escultura era super importante.C.. e falarem. sendo completamente diferentes um do outro.C. estava no rosto e o corpo servia só de suporte. até 612 A.: os Maias. Tinha um curioso detalhe: a desproporção entre a cabeça e o corpo. Assurbanipal era o guerreiro imperador. Os acarianos vão aparecer em 3. São guerreadores mas não são grandes artistas. Era uma civilização tão rica quanto a do Egito. Assur é uma cidade muito famosa. 8 .000 a 2. cantarem. Eles só não acabam com a cultura babilônica pois vão adquiri-la através da forma deles pintarem. É por isso chamado de cunheiforme. especialmente para os sumerianos. Isso acontece porque para o povo sumeriano.A invenção da escrita aparece na Mesopotâmia em +/. O azul era feito lápis-lasure.000 A.

Não acreditavam em outra vida. cativeiro. Ajudava os seus sacerdotes a cultuar o mal. Tem um relevo famoso que é “A leoa ferida”.O assírio foi o pior povo da antigüidade. Eles não escondiam essa crueldade. Fizeram transplante de córnea. celeiros. Deixaram tudo por escrito. O Rei Sargão cultuava essa coisa do mal. vai aparecer a primeira propaganda onde o rei sempre aparece vencendo e os povos caindo e morrendo. A muralha tinha a altura de um prédio de 8 andares. Não fazia o povo de escravo só para construir para eles. Pegavam milhares de escravos até eles resistirem. Tudo isso foi erguido em apenas 6 anos por causa do trabalho escravo.000 m2. somente o Zigurat. trabalho forçado. armazéns. está no museu do Louvre e era do Palácio do Assurbanípal. Essa muralha tinha sete portas e era ao redor do palácio medindo 300 hectares. tortura. Somente em Ninive é que Assurbanípal mandou fazer baixos relevos. Não sobrou um monumento pronto. As outras 37 ficavam na expectativa de algum dia serem chamadas. Tinha um enorme harém com 37 camas. embora 9 . mortandade. para seu descanso. A moradia dos monarcas eram obras arquitetônicas fantásticas só que construídas com tijolinhos de barro. Tinha o super harém com 7 preferidas. Na síria. onde tudo parecia ser bem tranqüilo. Essas 37 moças desse harém não eram as preferidas. Ele realmente ele vai colocar essa tranqüilidade através dos relevos de árvores frondosas. Tudo isso para estudarem a ciência. Os assírios pegavam a população e testavam a resistência dos velhos e crianças para ver quem conseguiria ficar mais tempo sem comer. Isso também vai aparecer no Egito. mulheres passeando. auxiliando séculos mais tarde com esses conhecimentos. 22 salas de recepção. Sempre mostra o horror. No museu do Louvre você poderá ver esses relevos. Depois testavam a resistência sem dar comida e depois sem dar água também. por ex. No grande Zigurat eles rezavam para que suas conquistas fossem sempre maiores. Eles colocam só os assírios como vencedores. O palácio do Sargão tinha 300 salas. Tinha 97 pátios. Na arte assíria o que mais se destacou foi o relevo. lagos. pássaros. 77 quartos. o que seria mais ou menos 10. matança em massa. A cabala vai aparecer muito na Mesopotâmia e no Egito. Tem uma maquete no British Museum. Eles utilizavam números cabalísticos como o 7 e o 14. Os egípcios ao contrário do que se pensa não só tinha os escravos como pessoas do próprio povo que ajudavam nas construções faraônicas. músicos tocando. Eles quase não pintavam. construiu um palácio com uma muralha. Quando não resistiam mais substituíam por outros. Nesse palácio eles faziam rituais para o demônio.: pegavam 2 irmãos e arrancavam o olho de um para colocar no olho do outro. eles faziam relevo e arquitetura. O rei Sargão da Síria. principalmente. Nos próprios registros das esculturas é que constatam que eram guerreiros e cruéis. 10 salas de tronos. Através dos escravos eles sabiam a resistência que eles precisavam ter. Muito do que sabemos vêm de pergaminhos desenhados. 17 dormitórios de empregados e 7 banheiros. O mal era que ajudava e não o bem. Fizeram imensos tambores de cerâmica cheios de água para testar também a resistência das pessoas sob o sol fortíssimo com a água subindo.

eram distribuídas por vários patamares debaixo para cima. Ex. Eles obrigavam as mulheres a usar ouro. Na realidade era uma tinta. Após casar o marido é que representava as pedras preciosas. Era uma substância orgânica que eles maceravam até conseguir o vermelho. um grande colar e uma pulseira também na perna. para indicar que o homem não estava em casa. Em todos os museus do mundo você vai encontrar essas jóias. Depois é que vai surgir mais tarde a aliança. Os jardins suspensos da Babilônia vão ser reconstruídos. Na Mesopotâmia é que vai aparecer o esmalte pela primeira vez. Mais tarde os judeus foram estudar como eles fizeram essa irrigação para resolver esse problema na terra deles. Só na Idade Média é que surgiu o cinto de castidade do jeito que conhecemos. A única pintura que foi registrada da Mesopotâmia é a cidade de Ur. e ouro vermelho que mandavam buscar no mundo inteiro. Quando eles casavam passava para o outro dedo anular da mão esquerda. a folha e flor eram azuis também. misturando também com outras substâncias. Quando o homem era solteiro (mas noivo) ele tinha um grande anel no dedo anular. Em UR eles gostavam tanto de ouro que faziam muita jóia usando também muito rubi. Eles vieram da Ásia e junto com os babilônios que ainda restavam eles destruíram os assírios e reconstruíram a Babilônia que é chamada depois de Néo-Babilônia. onde eles plantaram grama e flores em um lugar completamente árido. O anel era tão grande que ocupava o dedo todo sem poder dobrá-lo. Não era um cinto como o de castidade ainda. ou outro motivo. inóspito. os assírios foram destruídos pelos MEDOS (médos). amarela e branca. As pedras eram usadas só nas solteiras. Tinha um sistema de irrigação no qual a água passava por todos os patamares. graças a irrigação. O rei é o vencedor e todo o resto da humanidade perdedor. esmeralda. violeta. Tinha um platô na parte lateral. As solteiras usavam um bracelete no braço. quando os maridos saiam de casa para guerrear. era só apoiado no quadril e não tinham pedras preciosas. Era uma árvore parecida com romã. rei da Pérsia. 10 . azul. pois só hoje é que denominamos esmalte. Quando essas moças casavam elas passavam a usar somente o bracelete no braço com ouro de 2 tons sem rubis e esmeraldas. na época da Néo-Babilônia. Em 612 A. feito também em ouro. o caule. bem mais tarde dominou a Babilônia. Todos os povos tinham medo deles. Elas colocavam um cinto no quadril. Eles usavam uma substância vermelha que eles tiravam de uma árvore que hoje não existe mais. Quando Siro. Daí a Babilônia vai ser mais uma vez a mais esplêndida cidade do Oriente. Foi o fim do esplendor da Babilônia. No patamar azul. Tiravam o colar do pescoço porque elas não estavam mais presas aos pais e sim ao marido. sendo portanto tiradas dos cintos.muitas vezes eles fossem os perdedores. Todo homem e mulher casada tinham que usar nos pés e nas mãos. destruiu tudo com exceção do Zigurat por considera-lo um marco muito forte. Aí começou o cinto da castidade. A flores e folhas eram da mesma cor.C. Eram sete patamares. Os jardins da Babilônia eram feitos de flores de várias cores sendo que. Ficava na unha por um ano.

A mulher não tinha direito sobre a herança enquanto o marido estava vivo. Até 18 anos os filhos eram considerados crianças só podendo guerrear. O homem viúvo não tinha que cumprir essa lei. 11 . as viúvas tinham que casar.: Na antiga Babilônia é onde se encontra Saddam Hussein hoje. qualquer um caldeu.Quando ficavam viúvos tinham que pintar as unhas de preto. A casta da Mesopotâmia. assírio. qualquer povo. Todos esses povos de uma forma ou de outra eram guerreiros. Essa lei vai vigorar todo o tempo na Mesopotâmia. As mulheres viúvas tinham que casar 3 meses depois que o marido morria. Ela é que iria decidir se dava ou não a herança para os filhos. dependendo se estes eram bons ou não. Obs. mas não podiam ter nada. Tinha uma fila de homens esperando porque o marido deixava toda a herança para a mulher e não para os filhos.

C. O Egito foi dividido em Alto e Baixo. Após se formarem as dinastias. Só os sacerdotes ou amigos dos sacerdotes é podiam exercê-las. Enquanto a Europa era completamente bárbara. Ela continuou depois. que tornava as terras férteis graças às inundações periódicas. as jóias eram todas concentradas no domínio real ou dos templos. mas sempre para os faraós ou pessoas da família dele. Os Templos também são monumentos colossais.000 A. as armas. culturais e religiosos eram o seguinte: O comércio. Não tinha dinastias e nem faraós. Nessas terras férteis eram cultivados os cereais. A alma do Egito era o Nilo. Ela começou mesmo como civilização em 5. econômicos. milênio. Não podia existir nada fora do domínio do faraó ou dos sacerdotes. É um vale estreito cheio de montanhas nos dois lados. Na arte egípcia sempre vai ser exaltado o sentimento de morte e eternidade. anterior às dinastias dos faraós eram divididos em clãs familiares. São todos monumentos faraônicos e todos de pedra para durarem para a eternidade. especialmente o trigo que fazia daquele país no meio desértico o celeiro da antigüidade. do qual viviam muito da venda do ouro. 12 . quando surgem os faraós. o Egito já estava totalmente com a civilização feita. passando do Paleolítico para o Bronze. os aspectos sociais. As dinastias vão surgir depois desses grandes clãs. Dos lados tem dois dos maiores desertos do mundo Saara e Núbia. e chegou ainda como civilização organizada egípcia até 30 A. mas como civilização forte até 30 A. equilibrada e geométrica. A arte egípcia é extremamente regular. os moldes belíssimos. Era uma organização social simples. cereais. Quem vivia nos templos eram os ricos Sacerdotes e Faraós. A indústria da época como: manufatura de papiros. os tecidos. os trabalhadores interrompiam o trabalho agrícola quando grande parte da população estava disponível para as grandes construções. Durante a época das inundações. A arte e civilização Egípcia duraram 40 séculos. E nas Pirâmides. era exercido pelos faraós e seus funcionários. Não era só trabalho do escravo. A arte é totalmente feita para a eternidade. todo mundo se matando. O Egito tem sido considerado desde a mais remota antigüidade o berço da civilização. A primeira civilização egípcia no 5o. Os mais pobres eram enterrados em uma vala comum. Para controlar as águas do Nilo foram erguidas obras hidráulicas de represamento e irrigação.C. as cerâmicas. As Pirâmides e as Mastabas são túmulos onde residem os mortos. Os mestres gregos estudaram no Egito. sendo uma arte simbólica e convencional. O Egito é uma espécie de oásis no centro de uma região desértica. simétrica. A arte e a ciência eram muito avançadas para a época. A arte egípcia é toda dirigida para a religião. “rio deus”. Toda construção do Egito é feita de pedra proveniente das abundantes jazidas que existem no Egito.C. os mortos.EGITO Tudo no Egito é feito para a eternidade. mas de todo o povo.

os filhos e os criados. porque não era permitido. Até 30 A. Eles tinham uma espécie de feira. mais valiosa ela era. Existe um estilo egípcio tão forte que durante milênios não vai mudar nada. conheço a conduta das festas. onde seria o Cairo hoje. O egípcio tem uma mistura com preto. Conhecia tudo. e os escravos que moravam em palhoças como se fossem animais. o homem tinha que ser mais alto que a mulher. Era uma demonstração de revolta. Sei toda a magia que pratiquei sem que nada me escapasse. No estilo egípcio existiam leis muito rigorosas que não podiam nunca ser mudadas. No Egito existiam escolas de arte cuja função era formar artistas. Depois vinham os trabalhadores do campo que tinham uma casa razoável. Um homem acima do comum por meus conhecimentos. Eles tinham paixão por pele clara. feitas de pedra e o telhado de palha. braceletes. A arte egípcia estava tão ligada ao país que. sem exagero. a postura de quem lança o arpão. Toda pintura egípcia tem a lei da frontalidade. As regras passavam de geração a geração sem nenhuma renovação. joalheiros que faziam jóias fantásticas.onde colocavam os produtos sobre as mesinhas. o Egito vale a pena enquanto arte e civilização. tronco de frente.000 anos sem mudar nada na escultura. A partir daí começa a decadência do estilo e arte Egípcia. Vejo Ra em suas manifestações. O artista tinha que aprender que sempre que fosse pintado o homem e a mulher. o que quer dizer que sempre a figura humana vai ser representada com o rosto de perfil. sobre uma pedra. Elas tomavam banho de leite de cabra para ficarem bem brancas. o que significava a força que a pessoa tinha. Ninguém podia saber quem tinha feito o trabalho pois o artista não podia assinar. bebida..As habitações da classe média eram na periferia. conheço a flor. O artista tinha que saber mitologia e ser anônimo. prateleiras para vender ou trocar por comida. Só que eles tinham que aprender tudo: anatomia. em hieróglifos. olho de frente. Mas o artista não podia passar disso. o olhar de alguém à seu auxiliar. os braços e pés de perfil para melhor representar as características da pessoa. É a lei do ver melhor. conheço o amor. As mãos eles fazem sempre sobre o joelho. Conheço a pose da mulher. lidar com tintas. Os homens tinham que ter a pele mais escura que a da mulher. sou um artista!” Ele se valorizava. O patrão tinha que ser maior que a esposa.C. assim que o Egito começa a acabar a sua arte acaba também. até fazer hieróglifos. Um texto escrito por um artista. Os artistas tinham que aprender bem cedo o estilo. com cores. não podia criar nada. pintura. Ficou 5. lei da frontalidade. mas era um mero artista ignorado. sobre o que achava dele próprio como artista do novo império: “Conheço o segredos das palavras divinas. Quanto mais branca. É uma demonstração que o pintor estava insatisfeito. anéis e miniaturas de jóias vistas só com lupa. Sou chefe de todos os segredos dos rituais cabalísticos. 13 . A arte egípcia ficou 3000 anos sem mudar nada. foi descoberto mais tarde. Sou um artista excelente em minha arte. etc. Existiam muitos ofícios no Egito: escultores que faziam esculturas em pedra e madeira. Nada do que se refere à esse assunto de magia me é oculto.

para depois fechar a pirâmide. Eles tinham uma obsessão pela imortalidade da alma. Depois eles montam tudo novamente e estará pronto para ser enterrado nas pirâmides. feito em pedra. estas iriam ser enterradas vivas junto com ele. O corpo do morto não podia ser tocado. Elas iam com vontade pois significava uma honra. igual ao do faraó. Eles acreditavam profundamente na imortalidade da alma. Acreditavam na vida eterna. ou o faraó com a filha. nas outras dinastias não era levado ninguém mais vivo para ser enterrado. Esta escultura sempre vai ter o rosto esculpido idealizado. Dentro da pirâmide o morto iria “ascender” para se encontrar com “deus”. Ela então. pernas) deixando só o tronco. Na mumificação era cortada a cabeça. surgindo com isso a mumificação. Se ela fosse profanada a alma iria ficar sofrendo pelo resto da eternidade. O faraó era convicto de que se a mulher dele fosse enterrada junto. não daria continuidade a sua dinastia. mais jovem. Obs: No Vaticano tem uma múmia egípcia que está parte desenrolada podendo ver até a carne e um pouco do cabelo. O faraó era mumificado e em seguida colocado na pirâmide junto com as pessoas que gostava. Depois da mumificação não podiam mais tocar no morto pois a sua alma poderia ficar perambulando por milhares de séculos. vivas. Era uma continuação da vida terrena. ou outro parente. Para evitar que fossem tocadas. eles sabiam que a pessoa que morria só ficaria contente se tivesse tudo o que tinha em vida e que gostasse junto com ele. Com o passar do tempo. etc. Ex: Um faraó que ia ser enterrado e que gostasse de bailarinas. na sua plenitude. A múmia depois de pronta nunca mais poderia ser vista e nem tocada. comidas. bonito. de trapo. Jóias. Colocam uma solução de ácidos e sais aromáticos deixando o corpo banhado nisso por (+/-) 6 meses a 1 ano. só que um pouco mais idealizado. Eles limpam tudo o que tem dentro do tronco e enchem de bucha. Só depois é que tiram o corpo dessa solução e não se sabe como secavam esse corpo. seria colocada na pirâmide e esta bem fechada. Eles também esculpiam um outro corpo. A parte política e econômica do faraó era também muito importante para que a mulher do faraó desse continuidade. Na realidade ninguém nunca mais conseguiu fazer mumificação. Para o egípcio a morte não é um acontecimento triste. É porisso que existia muita riqueza nos túmulos. que ficava ao lado da múmia. até nos ajudantes dele. A mumificação era feita em toda casta do faraó. algodão. Daí eles costuram tudo novamente. é meramente uma transição para uma outra dimensão. Elas tinham que continuar casando com o filho. os membros ( braços. mas com as características do faraó.Desde o começo da pré-dinastia a arte egípcia era completamente ligada à morte. Nas primeiras dinastias. Eles acreditavam que a alma continuava a viver. Nos primeiros 2 milênios iam todos juntos. Os egípcios levavam tudo aquilo que o morto gostava para o túmulo a fim de que a alma continuasse a gozar de tudo o que eles gostavam enquanto vivos. também era colocado junto ao morto. Os escravos e os trabalhadores não eram mumificados porque era muito caro fazer a mumificação. Se esta fosse violada o faraó teria um outro corpo. roubadas e profanadas é que iriam ser colocadas em monumentos colossais que seriam as 14 . só que com as mesmas necessidades terrenas. Eles não tinham a mesma concepção moral que nós temos.

tendo 146 metros de altura. até hoje não houve nenhum terremoto. Só que durante todos esses séculos nenhuma pedra foi encontrada no Rio Nilo. e deixaram cair uma ferramenta.” Algumas pirâmides eram fechadas no topo e outras abertas. Os blocos eram sobrepostos somente através de cálculos matemáticos absolutamente precisos. Central. na planície de Gisé. a qual flutuou. etc. Não há um consenso de como foram construídas as pirâmides. Para esses blocos ficarem sobrepostos perfeitamente encaixados. A pirâmide é um tipo de construção que proliferou no Egito muito mais do que se pensa. é um altiplano rochoso (que não se mexe). que os franceses fizeram um buraco próximo à base. Dois séculos depois foram construídas as famosas pirâmides de Quéops. 15 . Eles pensaram muito antes de construírem as pirâmides. “O vértice da grande pirâmide corresponde ao polo e o perímetro do Equador. Na região não haviam pedras. Obs: Há 6 anos atrás saiu na Geográfica Universal. Na construção foram empregadas 2. onde cada barcaça levaria 2 pedras amarradas embaixo da água para que ficassem mais leves. no Egito. foi construída a primeira pirâmide. pois já tinha sido violada. Cada bloco pesa de 2 a 20 toneladas. isto é. eles tinham que ser polidos de uma forma manual. na escala exata. Quando descobriram a pirâmide de Quéops já não tinha mais nada dentro. a base é do tamanho do “Maracanã”. A etimologia da palavra pirâmide: É uma palavra de origem grega onde “piro” quer dizer fogo e “amid” quer dizer está no centro. Cada lado da pirâmide foi projetada para corresponder a curvatura de 1/4 do hemisfério norte. Essas pirâmides eram totalmente racionais. Na terceira dinastia. construção. Tem pirâmide na China. Está tudo perfeito até hoje. e em alguns lugares da terra também. Não tinha nenhuma gravidade. O túmulo é a pirâmide. e a estátua do morto que era colocada ao lado da múmia é chamada hoje em dia de “o duplo”.000 blocos de granito e calcário.pirâmides. na lateral. Esse local onde existiam pedras se chamava Assuã. no Egito (que hoje é o Cairo). Quefrém e Miquerinos. só para proteger o faraó. Desde 3500 A. Os historiadores acham que a forma mais certa daquelas pedras chegarem seria através de barcos pelo Rio Nilo. na América do Sul.600. local onde foram construídas as pirâmides. fogo está no centro. Em todo o mundo aparece pirâmides feitas em épocas diferentes. Após muitas pesquisas descobriram que em Maio a cada dois anos naquele local não tem gravidade. México. Esses blocos eram trazidos de uma região há 1000 km de distância. Existem muitas portas falsas e corredores falsos que não levam a nada para. Gisé. Hoje somente o raio lazer conseguiria deixar a superfície tão lisa.C. que é a primeira pirâmide dos degraus. Não existe nenhum elemento de ligação como o cimento ou argamassa para unir ou sustentar essas colunas de pedras nas pirâmides. Ela tem 121 metros de base e 60 metros de altura. Peru. Onde hoje tem a famosa represa de Assuã. A pirâmide de Quéops é a maior das 3. Foi construída em Sacara.

Faziam com goma arábica e clara de ovo. As janelas eram abertas para o pátio interno. É um calor infernal. A partir desse esboço eles elaboravam a obra definitiva sobre a parede. O templo é do tamanho de Manhattan.Todas as 3 maiores pirâmides e as outras 70 que tinham no Egito já tinham sido violadas e roubadas. são dois templos ligados entre si localizados na cidade de Tebas. porque era feito para a eternidade. que tudo que está localizado próximo num raio de 200 metros não morre. Os moradores passavam a noite no terraço tocando música. quase nada restou até hoje. Até hoje as construções são um mistério. Na iluminação da arquitetura egípcia não há quase janela. que estão dentro da pirâmide e que tem ligação com o sol. A lua era o demônio para eles. Tinha silos de cajal. uma energia. O sol era o divino. Os deuses que tem a ligação com a lua vão ser iluminados pela luz da lua. O que ficou de melhor está localizado perto das pirâmides. Primeiro eles faziam um reboco grosso sobre a parede. Foi uma rainha poderosa que conseguiu unir o alto e o baixo Egito. 150 leitos para os maridos. madeira. esta ficará gelada. Nos templos egípcios a iluminação é importante porque vai haver uma abertura para passar a luz do sol somente no que for divino. A luz vai ser feita pela mão do homem. por assim dizer. Pegavam um pincel fino feito de bambu e desenhavam no gesso ainda úmido. As moradias descobertas próximas às pirâmides eram construídas em alvenaria e pedra. Se for colocado água quente sob o sol. A pintura não tem nenhum efeito de luz e sombra. Uma distância como se fosse de São Paulo à Salvador. Elas não eram tão importantes quanto os templos. Depois das pirâmides o que existe de mais fantástico é Karnak e Luxor. não apodrece. ele é que vai deixar iluminar o que ele quer. As construções civis perto das pirâmides. propositadamente. ela só aparece excepcionalmente. Ela era uma rainha faraó. Após secar colocavam a cor. O azul era feito com o pó raspado do lápis lázure e misturavam também com goma arábica. A cor vermelha era dada pelo óxido de ferro. A mitologia egípcia lida muito com o demônio. Todas tinham terraço com cobertura. faziam primeiro o esboço em pedras arenosas chamadas de ostrakas (porque a pedra parecia com uma concha). As esculturas estão sempre fechadas no escuro e só vão ser clareadas naquele momento quando a luz passa por aquela abertura. da manhã até Tebas. Eram todos de classe média. sobre as esculturas dos deuses. Não chovia nunca. Do outro lado do Nilo está o outro templo da rainha Hasétsud. era chapada. A organização da iluminação inteira dos templos era um verdadeiro “mis en cène”. Estando no Cairo pega-se um avião às 5hs. O palácio era fantástico. cores planas. Esses templos foram construídos através de 3000 anos. 16 . Técnica da pintura Egípcia: Tudo o que os egípcios desenhavam. depois passavam uma massa fina de gesso sobre o reboco. A pirâmide de Quéops tem uma força. clara e um pouco de óleo de amêndoa. Os historiadores acham que as pirâmides foram construídas através de montes de terra ao lado da construção para apoiar as pedras para serem erguidas. muro. mumifica. cantando.

atingindo equivalente a um prédio de 10 ou 12 andares. Eles eram altíssimos. Era uma rainha que tinha Silos de Cajal. O faraó mandava fazer o obelisco de mandava deixar gravado o nome dele. da rainha HATSEPSUT. Hoje em dia quase em todos os países tem obelisco do Egito. onde aparece pela primeira vez. Muitas vezes aparece a rainha abraçando o faraó como se estivesse protegendo-o. Tomavam banho de leite para clarear a pele e a gordura era acondicionada em potes feitos de lápis lázure. também para a pele. ou então o nome do deus a quem tinha dedicado o obelisco. Tinham cremes feitos de leite de cabra. na França. 17 . só tem quatro obeliscos. Todo o resto foi retirado. Tinham sombra azul para os olhos e cajal para o contorno. no Egito. bois. Tudo era muito sofisticado. Os maridos dividiam as tarefas. Descobriram um shampoo e condicionador feito de papiro (que solta um sebo) e adicionaram flores para perfumar. que foi feito em sua homenagem medindo 42 metros de altura e nele está escrito tudo sobre a sua vida. feitos de mármore. Os historiadores acham que construíam rampas de areia ao lado até chegar na altura. ou uma espécie de catapulta para erguê-lo. não tinha andaime.Os gregos foram estudar a iluminação dos teatros com os egípcios. A mulher realmente era muito bem conceituada na vida privada. E durante a noite eles tem outros buracos para passar a luz da lua. etc. Quando Napoleão foi ao Egito ele pegou aquele obelisco de Karnak e Luxor e levou até a praça da Concórdia. Alguns foram levados por estrangeiros conquistadores. 150 leitos para os seus maridos. Teve mais de 7 maridos. Existia entalhes para o escoamento de águas pluviais. sem muita divisão. Nunca foi compreendido como eles foram construídos. Tinha câmaras frigoríficas embaixo com mais de 200 animais. Em Karnak 10 obeliscos foram destruídos. cavalos. Tingiam o cabelo de Rena. O seu palácio fica no Vale das Rainhas. de peruca. O rei e a rainha apareciam abraçados. no meio daquele deserto. Eles faziam buracos nas paredes. ou foram destruídos por terremotos. abatidos congelados em conservação. e com madeira para arrematar. Também tem um obelisco na praça Navona. Os buracos seriam as janelas com a função de projetar o canhão de luz . mesmo sendo faraó. Isso é uma característica do antigo império. que vem da palavra grega “obelos” que quer dizer coluna terminada em ponta. Tem um obelisco muito bonito em Karnak. Os Obeliscos vão ser importantes no Egito. em cima do que eles quisessem. Hoje . Só que lá não chovia. Obs: O Shampoo apareceu no Egito para a Hatsepsut que tinha um cabelo muito feio (por ser descendente de preto). Alguns maridos ela mandou matar e casou também com o filho dela. para iluminar os outros deuses. Existia muito pouca madeira. sandálias.“o sol”. ou afundados em solo. A água do Rio Nilo vinha canalizada e quando chegava lá estava gelada conservando assim esses animais para o futuro da vida dela. Geralmente todos os obeliscos vão ser para comemorar algum feito político ou alguma homenagem que o faraó desejava celebrar. Ela era uma faraó muito poderosa que uniu o alto e o baixo Egito. Viveu até mais ou menos 70 anos. Tinha mais de 200 pares de sapatos. Ela foi sucessora do seu pai. mas era feito como precaução para o dia que chovesse. Eles erguiam o obelisco quando ganhavam uma guerra como se fosse um troféu. colocados sobrepostos sem andaime.

Os filhos não tinham condições físicas de serem faraós. Como ele era inglês. inclusive um rico trono de ouro. O rei. São cenas domésticas. misterioso. É a primeira tentativa do monoteísmo. bonito. ele e sua esposa ficassem bem natural nas esculturas. Vai ter um refinamento de etiquetas de como se portar socialmente. considerada “A BELA”. prata. Chegou lá. carruagens de ouro e prata. sucessor de AMINOFIS. inscrições para a vida eterna. de cabeça comprida e eram bem magras. Muito metal. deus do sol. TUTANKAMON.: Tem um filme que conta essa história “A maldição da múmia”(?). sem “endeusar” ou idealizar. sendo pintado com bengala para se apoiar. cheiroso para eles. Esse túmulo dele no Vale dos Reis foi a maior descoberta arqueológica do Egito. descobriram o maior sepulcro do século. E ele vai querer que o pintem sem idealizá-lo. O parente mais próximo vai ser Tutankamon com 9 anos e que irá morrer aos 18 anos. uma nova maneira de ser. Ele tinha uma cabeça bem comprida. Ele conseguiu a permissão e abriu a porta. mas como um homem. era uma porta lacrada e ficou esperando naquela época por mais ou menos 18 meses por uma resposta em carta vinda de navio pois não havia avião naquela época. Vai querer que suas filhas. no colo. A mulher dele era belíssima e se chamava NEFERTITE. foi ser rei aos 9 anos de idade. Mostra a sua fragilidade humana. Vasos de 18 . Vai ser a única vez que poderá ser visto isso no Egito. Não vai ser um faraó muito rico por ter sido faraó por pouco tempo. Esta arte vai ser de cunho realístico que vai durar por todo o reinado dele. Ele briga com os sacerdotes porque estes estavam ganhando dinheiro vendendo fórmulas. livros dos mortos. Aminofis teve quase todas as filhas doentes.Tinha ourives que só faziam jóias para as mulheres. teve que escrever para a Inglaterra para saber se podia abri-lo ou não. A NEFERTITE. se abraçando. Ele disse que deus tem que ser só um. Só na antecâmara encontrou 700 peças. Faziam muita coisa para o cabelo e usavam muito pente. Obs. Ele vai ser um revolucionário inovador que muita gente não vai gostar. vai ter seu rosto muitas vezes esculpido. o respeito era mostrar a realidade como ela era. Antigamente isso jamais seria feito. Eles casavam muito entre parentes. Era uma indulgência daquela época. Assim que ele morre tudo volta a ser como era. somente no Novo Império. Ele não vai ser reverenciado como um deus. No Metropolitan tem uma escultura de um homem egípcio com uma argola na orelha e pendurado nela um gatinho. Faziam muita coisa com formato de gato porque era um animal muito forte. para ele. Então Amenofis IV disse que para ele só um deus era supremo o “ATON”. a corte e a rainha foram esculpidos de forma realista. O homem egípcio usava brinco de argola na orelha. Então ele vai mudar o seu nome para AQUENATON (onde sufixo aton é “deus do sol”) . Em 1922 Haward Carter chegou perto do Cairo e descobriu um sepulcro. ouro. Até ele chegar na última sala levou 6 anos cavando e descobrindo só maravilhas e riquezas. Quando ele entrou na ante-sala com mais 3 britânicos e uns 20 egípcios. Vai aparecer o FARAÓ AMENOFIS IV no novo Império que vai mudar completamente a religião e a arte. A religião estava virando um comércio. Tinha 2 estátuas de 2 metros de altura de ouro maciço. até então nunca visto. esperto. Essas cenas em outros impérios eram consideradas um desrespeito com a família real e. Vai mudar também a arte não querendo que sigam mais a lei da frontalidade.

Os gregos vão até o Egito para aprender sobre as construções. Karnak e Luxor são ricas em obeliscos. sexo de todas as formas. a faraó. Karnak e Luxor tem vários templos. dependendo do que fossem fazer. como ocorria na Grécia. os mais importantes foram construídos por Ramsés e Amenofis. a múmia e algumas coisas ficaram no Egito. As colunas mais importantes do Egito são as de Karnak e Luxor. Depois de acabar toda essa reunião. o faraó. é um grande faraó que vai ter uma grande autoridade imperial. Eles faziam até oferenda de crianças e de seus próprios filhos. onde ele após morto passearia até o seu túmulo. Teria mais ou menos 12 km. turquesa. Levaram séculos para serem construídos e passava de faraó para faraó. Ele é da época do Novo império e depois Baixa Época. como uma busca ou necessidade de se saber tudo. Os valores morais eram outros. 19 . sendo a última de ouro maciço. Na busca de uma coisa que fosse melhor para eles. Ele foi o último a morrer. Muita gente começou a morrer de maneira estranha. Lá eles ficavam trancados sempre (com números de final 7) como 17 semanas. e 86 esculturas de aproximadamente 2 metros de altura cada ladeando a represa com um espaço entre elas de 1. Quase todos os túmulos. porque todos sabiam que tinha uma grande riqueza. perto da represa de Assuã. Na primeira sala entrava o povo todo.5m de alabastro. eles saíam e iam se limpar nesse lago. Estátuas de proporções gigantescas. os sacerdotes e a família toda. Após tomar banho no lago eles deixavam a roupa suja lá e vestiam outra roupa branca. Muita coisa de coral. 90 % foram violados. Ele vai fazer uma avenida como uma via expressa. Os dois templos mais importantes de Karnak e Luxor eram destinados aos deuses Amon e Rá e ligados entre si por uma monumental avenida. RAMSÉS II. ou 27 semanas. Todos da expedição morreram. Haward Carter ficou muito rico e muita coisa foi para a Inglaterra.1. Faziam testes de mistura de sangue. Só quem podia entrar no templo de Karnak e Luxor eram os iniciados. voltando novamente para o templo para dormir e no dia seguinte sairem de lá. Eles entravam no templo como uma procissão. Era uma época de esplendor da civilização egípcia. A pintura de Karnak e Luxor é o auge da pintura Egípcia. É aqui que vai aparecer pela primeira vez no mundo as colunas. sucessor de Tutankamon. após ficarem também um tempo em jejum. Começavam as pesquisas de sexo. O estudo dos deuses do bem e do mau era feito em Karnak e Luxor.2 metros. Ao lado de Karnak e Luxor tinha um grande lago. Muitas vezes eles iam para Karnak e Luxor através do Nilo como se fosse uma imensa apoteose. na segunda sala o povo ficava do lado de fora e entravam só os iniciados e na terceira sala entravam os iniciados. outros de doença que mais tarde foi constatado fungo (manchas na pele que degenerava o tecido) por ter ficado 5000 anos fechado. Não são bacanais. São esculturas todas em pedra. na lua cheia. Arcas repletas de roupas do tamanho de um container. magia. O sarcófago. mas uma pesquisa séria. onde todos estavam trajados de branco. A múmia real Tutankamon era protegido por 3 sarcófagos. Está no museu do Cairo. Ele é um grande arquiteto e tudo o que construía era o mais alto.

vão quebrar quase tudo o que existia aí e na Grécia. É o primeiro grego que chega a reinar o trono Egípcio. quando o Egito vai ser dominado pelos persas.C. a química. porém para “Mali”. vão acabar todos os templos egípcios. assírios e aí nunca mais durante toda a antigüidade o Egito voltará a ser uma nação tão importante e independente como era. Eles desenvolveram a matemática. Eles não vão aceitar nenhum outro deus. e o grego com aquele escândalo artístico. Tinham uma espécie de antibiótico que era quase que a penicilina nossa. como essas pinturas. a astronomia. mostra o legado para o mundo futuro. Cleópatra em 30 A.C. até 30 A. consegue decifrar os hieróglifos e com isso ele vai permitir que a arqueologia dê um salto fantástico no século XIX. a cidade de Alexandria. Na medicina. como por exemplo a mumificação que foram se aperfeiçoando durante milênios.C. Ele vai fundar. que são a grega e a egípcia. O Egito foi a primeira nação a centralizar os poderes do Estado em uma só pessoa. Alexandria vai ser o encontro das culturas ocidentais e orientais. No setor cirúrgico as maiores conquistas deles foram fantásticas. Hoje só ruínas restaram. Surge então esculturas híbridas com rosto grego e corpo egípcio. fizeram um calendário solar. Depois dos persas chegam os gregos chefiados por Alexandre Magno. esculturas que estamos costumadas a ver. Numa visão retrospectiva da história de civilização e da cultura que esse povo alcançou. os médicos egípcios especializaram em realizar um trabalho de grande valor na descoberta de droga para dor e nas doenças. o faraó. No século XIX. único. mas que infelizmente morreu. o fim do Egito como civilização. Aos poucos as formas artísticas passam a conviver cada uma com seu mundo próprio. sábio francês. vai ocorrer no IV século da nossa era quando o Cristianismo está no auge. à beira do Mediterrâneo. última dos Ptolomeus suicida-se depois de ser derrotada pelos romanos. Vão lutar com Cleópatra e ela vendo que vai perder pega uma cobra venenosa deixando-a picar e morre..Depois da morte de Ramsés II começa a chamada Baixa Época. vindo da Macedônia.. com toda a sua beleza. como na organização política e social. Tudo o que eles fizeram foi para a eternidade. Aí vai aparecer o Marco Antônio. Estes brigam com os gregos e com os egípcios. Quando o Cristianismo chega para valer no IV século. elas parecem que possuem vida. Champollion. Não deixaram a fórmula. os gregos permanecem no Egito. um mapa dos céus. A escultura grega vai ser independente da escultura egípcia. Entre 332 A. A ruptura final da tradição egípcia cultural. É a tentativa de uma coexistência entre o estilo egípcio que é próprio. tanto nas artes e nas ciências. Elas nos falam da glória de uma nação de um povo que não queria morrer. a Cleópatra. pois “Cristo” é um só deus. 20 .

SÓCRATES. Vamos usar o termo “estilo clássico” quando se quer dizer de beleza. Platão falou o seguinte sobre os templos: “O templo deverá ser um ponto visto à distância e em aberto. A essência do Helenismo era. é o que realmente vai refletir o espírito do homem ocidental. ao amor e ao prazer de ver”. 21 . ARISTÓTELES. Esses templos famosos eram como se fossem esculturas para eles. quando se fala em “antigüidade clássica” . Os deuses gregos tinham feições humanas porque a beleza estava na forma do ser humano. ordem. moderação e proporção. Por conseqüência. No Egito acontecia exatamente o oposto. Tudo muito bem organizado. excelência. Os gregos exaltavam a razão de uma forma tal que eles conseguiam superar a fé. PLATÃO (que escreveu “A República”). FIDIAS. As casas não tinham a menor pretensão de serem muito suntuosas.seja pelo idioma grego que falavam. para protegerem as estátuas dos deuses. Os gregos não procuravam nem o paraíso e nem o inferno. Os antigos gregos. As casas não eram importantes porque eles não tinham reis e nem governantes. estamos nos referindo a Grécia e Roma e nunca ao Egito. ICTINOS. social e cultural. Os gregos dividiram a humanidade em duas partes: os “Helenos” que eram os habitantes da Grécia e os outros eram chamados de “Bárbaros”. É uma verdadeira elevação à virtude. Os gregos glorificavam o homem como a mais importante criatura do universo. O grego dava muito valor ao Homem. A partir do homem você constrói tudo. Os Templos eram fantásticos e super importantes. na realidade. Foi nessa civilização que surgiu OMERO. entre todos os povos do mundo antigo. O grego. significando “nada em excesso”. A arquitetura grega é a mais familiar de todas para nós do que qualquer outra arquitetura de qualquer época no mundo. Os deuses tinham que ter a forma humana. se sentiam diferentes dos outros povos. O “homem” de hoje é o Grego. “Nada em excesso”. Nenhuma outra Nação no mundo teve tão forte devoção pela liberdade e uma crença tão firme nas realizações humanas. chamados “templos”. Eles recusavam a se ajoelhar diante de deus porque o homem era considerado mais importante. bem feito. e sempre construídos em locais elevados acima das cidades. Fizeram magníficos prédios. PITÁGORAS (dizem que ele deu o nome de “filosofia” à filosofia). O homem é o centro de todas as coisas e do universo. é o lema do grego que quer ver tudo claramente. E é por causa disso que existem tantos deuses. simplesmente e sem adornos. nas Acrópoles (que quer dizer acima das cidades). PÉRICLES e muitos outros para quem o homem era a medida para todas as coisas. E. tanto a escultura quanto a arquitetura encarnavam os ideais de harmonia.ARTE GREGA O termo “clássico” surgiu na Grécia. pelos costumes ou pela religião deles. proporcional.

ARQUITETURA As edificações que despertaram maior interesse são os templos. A arte grega volta-se para o gozo da vida presente. A estética vai aparecer aqui.Ordem Jônica . dos quais o mais importante é o Partenon de Atenas. jônica e coríntia. para o coro. Contemplando a natureza. para os espectadores. As colunas e entablamento eram construídos segundo os modelos da ordem dórica. Sugere luxo e ostentação. Nascida do sentir do povo grego. A característica mais evidente dos templos gregos é a simetria entre o pórtico de entrada e o dos fundos. . b) Teatros. Eles tem como características: o racionalismo.o capitel era formado com folhas de acanto e quatro espirais simétricas. Os principais monumentos da arquitetura grega: a) Templos. Na Acrópole. através da arte. Um exemplo típico é o Teatro de Epidauro. a ordem dórica. mas sobre uma base decorada. o friso e a cornija. a arte grega liga-se à inteligência. para os atores.Ordem Coríntia . Na sua constante busca da perfeição. muito usado no lugar do capitel jônico. a harmonia ideal. O templo era construído sobre uma base de três degraus. também. A coluna apresentava fuste mais delgado e não se firmava diretamente sobre o estilóbata. As colunas sustentavam um entablamento horizontal formado por três partes: a arquitrave. que eram construídos em lugares abertos (encosta) e que compunham de três partes: a skene ou cena.Ordem Dórica .representava a graça e o feminino. o equilíbrio. de um modo a variar e enriquecer aquela ordem. nela se expressa o pensamento. no 22 . Ele tinha que ver só beleza. o artista grego cria uma arte de elaboração intelectual em que predominam o ritmo.era simples e maciça. amor pela beleza. se encontram as Cariátides homenageavam as mulheres de Cária. interesse pelo homem. Enquanto a arte egípcia é uma arte ligada ao espírito. essa pequena criatura que é “a medida de todas as coisas”. na Grécia. O degrau mais elevado chamava-se estilóbata e sobre ele eram erguidas as colunas. O fuste da coluna era monolítico e grosso. que era o caminho da virtude. pois os seus reis não eram deuses. o artista se empolga pela vida e tenta. construído. mas seres inteligentes e justos que se dedicavam ao bem-estar do povo. exprimir suas manifestações. O capitel era uma almofada de pedra. o koilon ou arquibancada. empresta uma idéia de solidez e imponência . A ordem dórica traduz a forma do homem e a ordem jônica traduz a forma da mulher.O Grego tinha que se maravilhar com tudo. e a democracia. Sendo a mais antiga das ordens arquitetônicas gregas. por sua simplicidade e severidade. a konistra ou orquestra. . O capitel era formado por duas espirais unidas por duas curvas.

água) tinha três asas.esculturas de formas humanas . IV a. água.Ágora onde os gregos se reuniam para discutir os mais variados assuntos. As estátuas adquiriram.séc. Esse tipo de estátua é chamado Kouros (palavra grega: homem jovem).foi insuperável. azeite e mantimentos. entre outras coisas.vasilha em forma de coração. PINTURA A pintura grega encontra-se na arte cerâmica. filosofia. uma vertical para segurar enquanto corria a água e duas para levantar. Os vasos gregos são também conhecidos não só pelo equilíbrio de sua forma.tinha a boca muito larga.Ânfora . Na escultura.. .Hidra . em rigorosa posição frontal. esses vasos eram usados para armazenar. ao ar livre. a sua forma correspondia à função para que eram destinados: . As pinturas dos vasos representavam pessoas em suas atividades diárias e cenas da mitologia grega. etc. Primeiramente aparecem esculturas simétricas. c) Ginásios. entre eles. com o gargalo largo ornado com duas asas. vinho. com o corpo em forma de um sino invertido. Chegava a acomodar cerca de 14. Por isso. d) Praça . as cores e o espaço utilizado para a ornamentação. Além de servir para rituais religiosos. O maior pintor de figuras negras foi Exéquias.Cratera . com o peso do corpo igualmente distribuído sobre as duas pernas. .C. grandes figuras de homens. No Período Arcaico os gregos começaram a esculpir. além do equilíbrio e perfeição das formas. mas também pela harmonia entre o desenho. edifícios destinados à cultura física. o movimento. em mármores. 23 . A pintura grega se divide em três grupos: 1) figuras negras sobre o fundo vermelho 2) figuras vermelhas sobre o fundo negro 3) figuras vermelhas sobre o fundo branco ESCULTURA A estatuária grega representa os mais altos padrões já atingidos pelo homem. composto por 55 degraus divididos em duas ordens e calculados de acordo com uma inclinação perfeita.(derivado de ydor. o antropomorfismo . servia para misturar água com o vinho (os gregos nunca bebiam vinho puro).000 espectadores e tornou-se famoso por sua acústica perfeita.

Fídias. podendo fixar o movimento sem se quebrar. entre outros. representava os homens “tal como se vêem” e “não como são” (verdadeiros retratos). Música: Significa a arte das musas. Atenéia: deusa da guerra. para isto. se começou a usar o bronze que era mais resistente do que o mármore.Miron. sua obra-prima. cada 4 anos. Teatro: Foi criada a comédia e a tragédia. O grande desafio e a grande conquista da escultura do período helenístico foi a representação não de uma figura apenas.Lisipo. em honra a Zeus.homem arremessando o disco. Apolo: deus das artes e da beleza. 24 . métopas e frisos. Período Helenístico podemos observar o crescente naturalismo: os seres humanos não eram representados apenas de acordo com a idade e a personalidade. . As festas olímpicas serviam de base para marcar o tempo. . e Atenéia.No Período Clássico passou-se a procurar movimento nas estátuas. autor do Discóbolo . Surge o nu feminino. . pela lânguida pose em “S” (Hermes com Dionísio menino).C. pois no período arcaico. . Realizou toda a decoração em baixos-relevos do templo Partenon: as esculturas dos frontões. autor de Doríforo . foi o primeiro artista que esculpiu o nu feminino. Entre as mais famosas: Édipo Rei de Sófocles. Olimpíadas: Realizavam-se em Olímpia.Policleto. Os principais mestres da escultura clássica grega são: . talvez o mais famoso de todos.Praxíteles. Os primeiros jogos começaram em 776 a. as figuras de mulher eram esculpidas sempre vestidas. Afrodite: deusa do amor. Posseidon: deus das águas. celebrado pela graça das suas esculturas. Foi Lisipo que introduziu a proporção ideal do corpo humano com a medida de oito vezes a cabeças. autor de Zeus Olímpico. criou padrões de beleza e equilíbrio através do tamanho das estátuas que deveriam ter sete vezes e meia o tamanho da cabeça. entre os gregos a lira era o instrumento nacional. mas de grupos de figuras que mantivessem a sugestão de mobilidade e fossem bonitos de todos os ângulos que pudessem ser observados. Para seu conhecimento: Mitologia: Zeus: senhor dos céus.condutor da lança. mas também segundo as emoções e o estado de espírito de um momento.

com sua planta circular fechada por uma cúpula. cria um local isolado do exterior onde o povo se reunia para o culto. eram centro de reuniões sociais e esportes. foi de Roma que se originou o circo. senso de realismo. * energia e sentimento. * predomínio do caráter sobre a beleza. iniciada no governo de Júlio César.ARTE ROMANA A arte romana sofreu duas fortes influências: a da arte etrusca popular e voltada para a expressão da realidade vivida. piscina. A basílica apresenta uma característica inconfundível: a planta retangular. 2) Comércio e civismo: Basílica A princípio destinada a operações comerciais e a atos judiciários. além de casas de banho. As construção eram de cinco espécies. anfiteatro. a basílica Julia. foi concluída no Império de Otávio Augusto. termas. para tribunal e leitura de editos. Dos jogos praticados temos: 25 . vias de comunicação. O Panteão. 4) Divertimentos: a) Circo: extremamente afeito aos divertimentos. construído em Roma durante o reinado do Imperador Adriano foi planejado para reunir a grande variedade de deuses existentes em todo o Império. As mais famosas são as termas de Caracala que. * grandeza material. Para citar uma. o de Saturno. passou a designar uma igreja com certos privilégios. as termas eram o centro social de Roma. já com o Cristianismo. esse templo romano. 3) Higiene: Termas Constituídas de ginásio. ARQUITETURA As características gerais da arquitetura romana são: * busca do útil imediato. Um dos legados culturais mais importantes que os etruscos deixaram aos romanos foi o uso do arco e da abóbada nas construções. * originais: urbanismo. Os mais conhecidos são o templo de Júpiter Stater. pórticos e jardins. realçando a idéia de força. de acordo com as funções: 1) Religião: Templos Pouco se conhece deles. a basílica servia para reuniões da bolsa. orientada para a expressão de um ideal de beleza. e a da greco-helenística. Mais tarde. o da Concórdia e o de César. (de quatro a cinco mil metros) dividida em várias colunatas.

os verdadeiros jogos circenses romanos só surgiram pelo ano 264 a.aquele em que havia torneios a cavalo. o mais célebre é o "Circus Maximus". Foi erguida por ordem do Senado para comemorar a vitória de Trajano sobre os dácios e os partos. não tinham a função de sustentar a construção. Essas colunas. 26 . que ficavam dentro dos arcos. A maior parte das pinturas romanas que conhecemos hoje provém das cidades de Pompéia e Herculano. mas apenas de ornamentá-la. Externamente o edifício era ornamentado por esculturas.executados por cavaleiros conduzidos por escravos. e por três andares com as ordens de colunas gregas (de baixo para cima: ordem dórica.C. c) Anfiteatro: o povo romano apreciava muito as lutas dos gladiadores. Pois a palavra anfiteatro significa teatro de um e de outro lado. jogos de Tróia . b) Coluna Triunfal: a mais famosa é a coluna de Trajano. Esse anfiteatro de enormes proporções chegava a acomodar 40. Tinha cenários versáteis. Essas lutas compunham um espetáculo que podia ser apreciado de qualquer ângulo. jogos de escravos . Dos circos romanos.corridas de carros. que foram soterradas pela erupção do Vesúvio em 79 a.incluídos neles o pugilato. PINTURA O Mosaico foi muito utilizado na decoração dos muros e pisos da arquitetura em geral.000 pessoas sentadas e mais de 5. Sob a influência grega. O principal teatro é o de Marcelus. ordem jônica e ordem coríntia). pois ficavam presas à estrutura das arcadas. todo em mármore. b) Teatro: imitado do teatro grego. com seu característico friso em espiral que possui a narrativa histórica dos feitos do Imperador em baixos-relevos no fuste. ginásios .jogos circenses . que dava impressão de placas de mármore. 5) Monumentos decorativos a) Arco de Triunfo: pórtico monumental feito em homenagem aos imperadores e generais vitoriosos.000 em pé. construído no Forum Romano para comemorar a tomada de Jerusalém. Primeiro estilo: recobrir as paredes de uma sala com uma camada de gesso pintado. 6) Moradia: Casa Era construída ao redor de um pátio chamada Atrio. O mais famoso deles é o arco de Tito. certamente o mais belo dos anfiteatros romanos.C. na verdade eram meias colunas. giratórios e retiráveis. Os estudiosos da pintura existente em Pompéia classificam a decoração das paredes internas dos edifícios em quatro estilos. Portanto. Assim era o Coliseu.

como fizeram os gregos. Quarto estilo: um painel de fundo vermelho. tornar-se-ão essenciais para medir a ampliação das primeiras igrejas cristãs.Segundo estilo: Os artistas começaram então a pintar painéis que criavam a ilusão de janelas abertas por onde eram vistas paisagens com animais. mas por temperamento. formando um grande mural. MOSAICO Partidários de um profundo respeito pelo ambiente arquitetônico. Mais realista que idealista. a estatuária romana teve seu maior êxito nos retratos. Com a invasão dos bárbaros as preocupações com as artes diminuíram e poucos monumentos foram realizados pelo Estado. 27 . Terceiro estilo: representações fiéis da realidade e valorizou a delicadeza dos pequenos detalhes. geralmente cópia de obra grega. Por serem realistas e práticos.perde o domínio do seu vasto território do Ocidente para os invasores germânicos. imitando um cenário teatral. suas esculturas são uma representação fiel das pessoas e não a de um ideal de beleza humana. V precisamente no ano de 476 . ESCULTURA Os romanos eram grandes admiradores da arte grega. tendo ao centro uma pintura. no séc. Retratavam os imperadores e os homens da sociedade. aves e pessoas. adotando soluções de clara matriz decorativa. os masaístas chegaram a resultados onde existe uma certa parte de estudo direto da natureza. Era o começo da decadência do Império Romano que. Nos séculos seguintes. eram muito diferentes dos gregos. As cores vivas e a possibilidade de colocação sobre qualquer superfície e a duração dos materiais levaram a que os mosaicos viessem a prevalecar sobre a pintura.

onde os primeiros cristãos secretamente celebravam seus cultos. por exemplo: Arca de Noé.Surge a arte cristã primitiva. a pintura é simbólica. mas também a todos aqueles que aceitaram sua condição de profeta e acreditaram nos seus princípios. Ainda hoje podemos visitar as catacumbas de Santa Priscila e Santa Domitila. utilizando imagens do Antigo e do Novo Testamento. pois a palavra peixe.ARTE PALEOCRISTÃ Enquanto os romanos desenvolviam uma arte colossal e espalhavam seu estilo por toda a Europa e parte da Ásia. Tanto os gregos como os romanos. Os romanos testemunharam o nascimento de Jesus Cristo. Para entender melhor a simbologia: Jesus Cristo poderia estar simbolizado por um círculo ou por um peixe. Passagens da Bíblia também eram ali simbolizadas. forma as iniciais da frase: "Jesus Cristo de Deus Filho Salvador". lugar civil destinado ao comércio e assuntos judiciais.C. adotavam um modelo de edifício denominado "Basílica" (origem do nome: Basileu = Juíz) . dando início à 2a fase da arte paleocristã : a fase basilical. Os cristãos foram perseguidos por três séculos. o qual marcou uma nova era e uma nova filosofia. foi o material escolhido para o revestimento interno das basílicas. o imperador Constantino legaliza o cristianismo. 28 . muito utilizado pelos gregos e romanos. Outra forma de simboliza-lo é o desenho do pastor com ovelhas "Jesus Cristo é o Bom Pastor" e também. Jonas engolido pelo peixe e Daniel na cova dos leões. nos arredores de Roma. até que em 313 d. Esta perseguição marcou a primeira fase da arte paleocristã: a fase catacumbária. cemitérios subterrâneos em Roma. Eram edifícios com grandes dimensões: um plano retangular de 4 a 5 mil metros quadrados com três naves separadas por colunas e uma única porta na fachada principal. os cristãos (aqueles que seguiam os ensinamentos de Jesus Cristo) começaram a criar uma arte simples e simbólica executada por pessoas que não eram grandes artistas. o cordeiro "Jesus Cristo é o Cordeiro de Deus". que recebe este nome devido às catacumbas.Nesses locais.Com o surgimento de um "novo reino" espiritual. em grego ichtus. Esse tratamento artístico também foi dado aos mausoléus e os sarcófagos feitos para os fiéis mais ricos eram decorados com relevos usando imagens de passagens bíblicas. os romanos cederam algumas basílicas para eles pudessem usar como local para as suas celebrações. Com o fim da perseguição aos cristãos. o poder romano viu-se extremamente abalado e teve início um período de perseguição não só a Jesus. O mosaico.

foi completamente dominado(esta data. com a capital Constantinopla (antiga Bizâncio e atual Istambul). em 476 d. O império Romano do Ocidente sofreu várias invasões. principalmente de povos bárbaros.C. marca o fim da Idade Antiga e o início da Idade Média). e Arcádio ficou com o Império Romano do Oriente. o imperador Teodósio dividiu o Império Romano entre seus dois filhos: Honório e Arcádio. dos ataques bárbaros e das pestes.Na cidade de Ravena pode-se apreciar o Mausoléu de Gala Placídia e a igreja de Santo Apolinário.C.c. conseguiu se manter até 1453. tendo Roma como sua capital . até que. 476 d. apesar das dificuldades financeiras... quando a sua capital Constantinopla foi totalmente dominada pelos muçulmanos (esta data. marca o fim da Idade Média e o início da Idade Moderna).Honório ficou com o Império Romano do Ocidente. Já o Império Romano do Oriente (onde se desenvolveu a arte bizantina). 29 . 1453.. o Novo e a de São Vital com riquíssimos mosaicos. Em 395 d.

são confeccionados com técnicas diferentes e seguem convenções que regem inclusive os afrescos.ARTE BIZANTINA O cristianismo não foi a única preocupação para o Império Romano nos primeiros séculos de nossa era. por exemplo. Apresenta pinturas nas paredes. Graças a sua localização(Constantinopla) a arte bizantina sofreu influências de Roma. não raro encontrar um mosaico onde esteja juntamente com a esposa. depois batizada por Constantinopla. Toda essa atração por decoração aliada a prevenção que os cristãos tinham contra a estatuária que lembrava de imediato o paganismo romano. Grécia e do Oriente. o mosaico bizantino em nada se assemelha aos mosaicos romanos. A arte bizantina está dirigida pela religião. foi um dos maiores triunfos da nova técnica bizantina. cidade grega. O mosaico é expressão máxima da arte bizantina e não se destinava apenas a enfeitar as paredes e abóbadas. na hoje Istambul. octogonal ou quadrada imensas cúpulas. A arquitetura das igrejas foi a que recebeu maior atenção da arte bizantina. A Igreja de Santa Sofia (Sofia = Sabedoria). rico tanto na técnica como na cor. por associação à abóbada celeste.O regime era teocrático e o imperador possuía poderes administrativos e espirituais. facilitou a formação dos Reinos Bárbaros e possibilitou o aparecimento do primeiro estilo de arte cristã . tornando os artistas meros executores. organizar também as artes. era o representante de Deus. afasta o gosto pela forma e conseqüentemente a escultura não teve tanto destaque neste período.Tal método tornou a cúpula extremamente elevada.A mudança da capital foi um golpe de misericórdia para a já enfraquecida Roma. ao clero cabia. Neles. as pessoas são representadas de frente e verticalizadas para criar certa espiritualidade.Arte Bizantina. colunas com capitel ricamente decorado com mosaicos e o chão de mármore polido. elas eram planejadas sobre uma base circular.Por volta do século IV. dos profetas e dos vários imperadores. sentimentos de universalidade e poder absoluto.O que se encontra restringe-se a baixos relevos acoplados à decoração. A união de alguns elementos dessa cultura formou um estilo novo. criando-se prédios enormes e espaçosos totalmente decorados. além das suas funções. a perspectiva e o volume são ignorados e o dourado é demasiadamente utilizado devido à associação com maior bem existente na terra: o ouro. projetada pelos arquitetos Antêmio de Tralles e Isidoro de Mileto. começou a invasão dos povos bárbaros e que levou Constantino a transferir a capital do Império para Bizâncio. tanto que se convencionou representá-lo com uma auréola sobre a cabeça. e.Plasticamente. 30 . ela possui uma cúpula de 55 metros apoiada em quatro arcos plenos. sugerindo. ladeando a Virgem Maria e o Menino Jesus. mas instruir os fiéis mostrando-lhes cenas da vida de Cristo.

resplandece a grande cúpula. no mármore profundamente talhado dos capitéis das colunas das naves laterais. a arte daquelas regiões onde ainda florescia a ortodoxia grega permaneceu dentro da arte bizantina. encontra-se no seu vasto interior. nos países eslavos. capital do Império Bizantino. Embora a igreja tenha perdido a maior parte da decoração original de ouro e prata. folhas de acantos envolvem o monograma de Justiniano e de sua mulher Teodora.Constituía na destruição de qualquer imagem santa devido ao conflito entre os imperadores e o clero. por exemplo.Porém.um claro-escuro admirável quando os raios de sol penetram e iluminam o seu interior".No alto. há uma beleza natural na sua magnificência espacial e nos jogos de sombra e luz .Um olhar mais atento permite ao visitante ver o trabalho requintado dos artífices bizantinos no colorido resplandecente dos mosaicos agora restaurados. bordada em filigrama de sombras dos candelabros suspensos. logo sucedeu-se um período de crise chamado de Iconoclastia. pois.E essa arte extravasou em muito os limites territoriais do império. UM POUCO MAIS DE SANTA SOFIA "A verdadeira beleza de Santa Sofia. durante o reinado do Imperador Justiniano. A arte bizantina não se extinguiu em 1453. durante a segunda metade do século XV e boa parte do século XVI. mosaicos e afrescos. a maior igreja de Constantinopla. sobre um solo de mármore. penetrando. 31 .A arte bizantina teve seu grande apogeu no século VI.

que no entanto souberam adaptar muito bem ao seu modo de pensar e sentir. mais simbólico do que transcendental. No entanto. De lá.ARTE ISLÂMICA No ano de 622. hospital e refúgio para os mais pobres. concentrando-se no geométrico e abstrato. enquanto no pátio estavam as fontes para as abluções. no Iraque. centro político. Síria. sucessores do profeta. inevitavelmente devem ter absorvido traços estilísticos dos povos conquistados. como exclusividade das classes altas e dos príncipes mecenas. que contempla uma obra feita para deus. A casa de Maomé era local de reuniões para oração. Contudo. cidade do profeta). no início. seguindo o modelo da casa de Maomé em Medina: uma planta quadrangular. e os esplêndidos tapetes persas. desde seu início. conceitual e religiosa. o profeta Maomé se exilou (hégira) na cidade de Yatrib e para aquela que desde então se conhece como Medina (Madinat al-Nabi. sendo exemplo disso as obras dos primeiros califas: Basora e Kufa. a arte islâmica se mostra. A representação figurativa era considerada uma má imitação de uma realidade fugaz e fictícia. Pérsia. combinados com os coloridos mosaicos. que desempenham duas funções: lembrar o verbo divino e alegrar a vista. Ao fazer isso. As letras lavradas na parede lembram o neófito. Na complexidade de sua análise. eles realizavam suas obras para a comunidade de acordo com os preceitos muçulmanos: oração. Norte da África e Espanha. a arquitetura sagrada não manteve a simplicidade e a rusticidade dos materiais da casa do profeta. Foi assim que as cúpulas bizantinas coroaram suas mesquitas. mausoléus e mosteiros. Índia. começou a rápida expansão do Islã até a Palestina. as decoraram. esmola. jejum e peregrinação. De origem nômade. persistiu a 32 . na função de governantes e guardiães do povo e conscientes da importância da religião como base para a organização política e social. ARQUITETURA As mesquitas (locais de oração) foram construídas entre os séculos VI e VIII. No âmbito sagrado evitou-se a arte figurativa. Ásia Menor. A área de oração era coberta. com um pátio voltado para o sul e duas galerias com teto de palha e colunas de tronco de palmeira. sob a orientação dos califas. resultado da combinação de traços ornamentais com caligrafia. e a Grande Mesquita de Damasco. a arte islâmica foi na realidade. Essas funções foram herdadas por mesquitas e alguns edifícios públicos. os muçulmanos demoraram certo tempo para estabelecer-se definitivamente e assentar as bases de uma estética própria com a qual se identificassem. No entanto. Daí o emprego de formas como os arabescos. em Jerusalém. Aparentemente sensual. que eram os únicos economicamente capazes de construir mesquitas. a Cúpula da Roca. transformandoos em seus próprios sinais de identidade.

como o quadrado e o cubo. para que a voz do almuadem ou muezim pudesse chegar até todos os fiéis. semelhantes àquelas na forma. em Sevilha. de caça. que permite cobrir o quadrado com um círculo. no Oriente. O aposento mais importante era o diwan ou sala do trono. As oficinas mais importantes foram as de Shiraz. era o antigo minarete da cidade. 33 . Outra das construções mais originais e representativas do Islã foi o minarete.preocupação com a preservação de certas formas geométricas. As mesquitas transferiram depois parte de suas funções aos edifícios públicos: por exemplo. e Palermo. ao rezar. A cúpula de pendentes. esses eram os únicos materiais utilizados para decorar o interior das tendas. já que o muçulmano. As numerosas variações locais mantiveram a distribuição dos ambientes. de motivos florais. Seus palácios eram planejados num estilo semelhante. no Ocidente. com animais e plantas. de decoração. em Granada. as sedas. castelos e demais edifícios públicos merece um capítulo à parte. além de cumprir uma função fundamental nas mesquitas. A construção de palácios. foi um dos sistemas mais utilizados na construção de mesquitas. semelhantes às mesquitas na forma e destinados a santos e mártires. mas nem sempre conservaram sua forma. uma espécie de torre cilíndrica ou octogonal situada no exterior da mesquita a uma altura significativa. e os geométricos. era ele quem realmente projetava o edifício. Outras construções representativas foram os mausoléus ou monumentos funerários. embora não tenha existido um modelo comum. a do tapete constitui uma unidade em si mesma. Exemplo disso é o Alhambra. De planta quadrangular e cercado de muralhas sólidas. enquanto o segundo controlava sua realização. convidando-os à oração. Os fabricados antes do século XVI chamam-se arcaicos e possuem uma trama de 80 000 nós por metro quadrado. embora se comunicasse com a mesquita por meio de pátios e jardins. Diferentemente da tecedura dos tecidos. brocados e tapetes passaram a decorar palácios e castelos. Entre os desenhos mais clássicos estão os de utensílios. o palácio tinha aspecto de fortaleza. Tabriz e Isfahan. não deve ficar em contato com a terra. as escolas de teologia. pensados como um microcosmo e constituíam o hábitat privativo do governante. TAPETES Os tapetes e tecidos desde sempre tiveram um papel muito importante na cultura e na religião islâmicas. Para começar. À medida que foram se tornando sedentários. Na realidade. Os mais valiosos são de origem persa e têm 40 000 nós por decímetro quadrado. As residências dos emires constituíram uma arquitetura de segunda classe em relação às mesquitas. A Giralda. como povo nômade. O geômetra era tão importante quanto o arquiteto.

até se transformarem em folhas e flores misturadas com letras desenhadas artisticamente. encontra-se a arte dos mosaicistas. bizantina e inclusive chinesa.PINTURA E GRÁFICA As obras de pintura islâmica são representadas por afrescos e miniaturas. esquematizado. O estilo era um tanto estático. cobriam as paredes internas e externas dos edifícios. Estreitamente ligada à pintura. sofresse uma grande influência indiana. mas paulatinamente foram se abstraindo. muito poucas chegaram até nossos dias em bom estado de conservação. para tornar mais claro o texto. a fim de marcar a organização do texto. No início. complexos desenhos multicoloridos. para acompanhar a narração. Caligrafias de incrível preciosidade e formas geométricas multiplicadas até o infinito criaram superfícies de verdadeiro horror ao espaço vazio. Seu estilo era semelhante ao da pintura helênica. Elas eram geralmente usadas para decorar paredes de palácios ou de edifícios públicos e representavam cenas de caça e da vida cotidiana da corte. tornando-se uma das disciplinas mais importantes na decoração de mesquitas e palácios. mas sim nas publicações de divulgação científica. separando um capítulo de outro. O Corão era decorado com figuras geométricas muito precisas. A miniatura não foi usada. calculados com base na simbologia numérica islâmica. Ela foi herdada de Bizâncio e da Pérsia antiga. 34 . junto com a cerâmica. as representações eram completamente figurativas. segundo o lugar. o que é conhecido como arabesco. Assim. A mesma função desempenhava a cerâmica. muito parecido com o das miniaturas bizantinas. com fundo dourado e ausência de perspectiva. e nas literárias. por exemplo. semelhantes às antigas. combinando com a decoração de gesso das cúpulas. mais utilizada a partir do século XII e que atingiu o esplendor na Espanha. onde foram criadas peças de uso cotidiano. para ilustrar livros religiosos. embora. como no cristianismo. Das primeiras.

* aberturas raras e estreitas usadas como janelas. na Europa. A primeira coisa que chama a atenção nas igrejas românicas é o seu tamanho. trazendo modificações no comportamento humano. assim a ser encarada como uma extensão do serviço divino e uma oferenda à divindade. não apresenta formas pesadas. com o passar do tempo. Trata-se da Torre de Pisa que se inclinou porque. A mais famosa é a Catedral de Pisa sendo o edifício mais conhecido do seu conjunto o campanário que começou a ser construído em 1. estilizadas e duras dessas igrejas é o fato da arte românica não ser fruto do gosto refinado da nobreza nem das idéias desenvolvidas nos centros urbanos. tinha poderes ilimitados. é um estilo essencialmente clerical.ARTE ROMÂNICA Em 476.174. tem início o período histórico conhecido por Idade Média. As características mais significativas da arquitetura românica são: * abóbadas em substituição ao telhado das basílicas. A explicação mais aceita para as formas volumosas. ARQUITETURA No final dos séculos XI e XII. Deus é o centro do universo e a medida de todas as coisas. 35 . com a tomada de Roma pelos povos bárbaros. o terreno cedeu. e * arcos que são formados por 180 graus. com o Cristianismo a arte se voltou para a valorização do espírito. * pilares maciços que sustentavam e das paredes espessas. * torres. diferente do resto da Europa. Os valores da religião cristã vão impregnar todos os aspectos da vida medieval. A arte desse período passa. surge a arte românica cuja a estrutura era semelhante às construções dos antigos romanos. duras e primitivas. Elas são sempre grandes e sólidas. Na Idade Média a arte tem suas raízes na época conhecida como Paleocristã. que aparecem no cruzamento das naves ou na fachada. A concepção de mundo dominada pela figura de Deus proposto pelo cristianismo é chamada de teocentrismo (teos = Deus). A igreja como representante de Deus na Terra. Na Itália. Daí serem chamadas: fortalezas de Deus.

Não podemos estudá-las desassociadas da arquitetura. curtas ou alongadas. A deformação. Os motivos usados pelos pintores eram de natureza religiosa. conheceu seu auge na época do românico. nome que recebe a parede semicircular que fica logo abaixo dos arcos que arrematam o vão superior da porta. por exemplo.PINTURA E ESCULTURA Numa época em que poucas pessoas sabiam ler. isto é. na verdade. pois não havia a menor intenção de imitar a natureza. que originalmente era uma técnica de pintar sobre a parede úmida. ausência de movimentos naturais. para representar o próprio céu. que colocadas lado a lado vão formando o desenho. MOSAICO A técnica da decoração com mosaico. através da técnica do afresco. sem preocupação com meios tons ou jogos de luz e sombra. Imitação de formas rudes. a área mais ocupada pelas esculturas era o tímpano. Na porta. A figura de Cristo. de vários formatos e cores. As características essenciais da pintura românica foram a deformação e o colorismo. pequeninas pedras. traduz os sentimentos religiosos e a interpretação mística que os artistas faziam da realidade. O colorismo realizou-se no emprego de cores chapadas. A pintura românica desenvolveu-se sobretudo nas grandes decorações murais. a Igreja recorria à pintura e à escultura para narrar histórias bíblicas ou comunicar valores religiosos aos fiéis. 36 . Usado desde a Antigüidade. é sempre maior do que as outras que o cercam. é originária do Oriente onde a técnica bizantina utilizava o azul e dourado.

Espanhol. A arte Gótica vai nascer com as cidades. Ele são muito diferentes entre si. O Gótico Francês é bem diferente do Gótico Italiano. indo depois para o lado esquerdo. que leva de 200 a 300 anos. tem início uma economia fundamentada no comércio.ARTE GÓTICA O termo Gótico vem da palavra GODOS que vem de Bárbaros. CARACTERÍSTICAS DO ESTILO ROMÂNICO: As paredes são grossas Na frente da Catedral românica tem rosáceas (foi quando começou a surgir as rosáceas) Tem vitrais Não tem frontão 37 . O gótico. Para ver a Catedral de Notre Dame devemos começar a vê-la de frente. as cidades começam a nascer ao seu redor devido ao número grande de pessoas que trabalham na construção. dando leveza à construção. enquanto que os templos gregos horizontais. Português. para o lado direito e por último atravessar o rio Sena pela ponte para vêla do outro lado No século XII. A catedral Gótica é muito grande e não dá para abrangê-la com um só olhar. Vai surgir uma coisa fantástica na Idade Média que são as Catedrais Góticas. O Renascimento classifica de “bárbaros” os Góticos. A Catedral Gótica é para o homem rezar dentro. Ao ser construída a Catedral Gótica. Obs. O templo grego é só para ser visto. Inglês. No começo do século XII. Isso faz com que o centro da vida social se desloque do campo para a cidade e apareça a burguesia urbana. é como uma gaiola de vidro e de pedras. As Catedrais Góticas vão ser verticais.: A Basílica da Catedral é renascentista. A idade Média é a época do Gótico. A forma de vê-la é fragmentada. É quase que uma visão cubista. a arquitetura predominante ainda é a românica. entre os anos 1150 e 1500. Em 1840 ao redor da Catedral de Notre Dame existia muitas casas medievais que foram retiradas ao seu redor para que ela fosse vista melhor de longe. mas já começaram a aparecer as primeiras mudanças que conduziram a uma revolução profunda na arte de projetar e construir grandes edifícios. até o fundo. O peso das paredes cedem o lugar aos vitrais. A cidade de Chartres nasceu com as pessoas que foram chegando e morando ao redor da catedral. em seu esplendor. A Catedral vai ser vertical que é para “levar” você para o céu. Tanto a Catedral Gótica quanto o Templo Grego tem uma arquitetura fantástica.

. As catedrais góticas mais conhecidas são: Catedral de Notre Dame de Paris e a Catedral de Notre Dame de Chartres. não vai existir na América.CARACTERÍSTICAS DO ESTILO GÓTICO: Tem que ter rosácea Contraforte (é o que segura a Catedral) Arcobotante Gárgulas Janelas vitrais (muitos vitrais) O vitral é fundamental pois vai surgir quando eles descobrem uma técnica de colocar o vidro no meio da parede de pedra não prejudicando a sustentação do prédio. ARQUITETURA A primeira diferença que notamos entre a igreja gótica e a românica é a fachada. exercendo a função de ilustrar os ensinamentos propostos pela igreja. tudo se volta para o alto. como se vê nas pontas agulhadas das torres de algumas igrejas góticas. O desenvolvimento de tal genero está ligado à difusão dos livros ilustrados patrimônio quase exclusivo dos mosteiros: no clima de fervor cultural que caracteriza a arte gótica. A rosácea é um elemento arquitetônico muito característico do estilo gótico e está presente em quase todas as igrejas construídas entre os séculos XII e XIV. demonstrando verticalidade. a igreja gótica tem três portais que dão acesso à três naves do interior da igreja: a nave central e as duas naves laterais. alongamento exagerado das formas. projetando-se na direção do céu. de modo geral. Outros elementos característicos da arquitetura gótica são os arcos góticos ou ogivais e os vitrais coloridíssimos que filtram a luminosidade para o interior da igreja. ESCULTURA As esculturas estão ligadas à arquitetura e se alongam para o alto. e as feições são caracterizadas de formas a que o fiel possa reconhecer facilmente a personagem representada. O Gótico que é do ano de 1100 DC. somente na Europa. ou então é um privilégio da quase mítica China). ILUMINURA Iluminura é a ilustração sobre o pergaminho de livros manuscritos (a gravura não fora ainda inventada. Enquanto. a crença na existência de um Deus que vive num plano superior. Nessa época as Américas não tinham sido descobertas. os manuscritos também eram encomendados por 38 . a igreja românica apresenta um único portal. A arquitetura expressa a grandiosidade.

que seus trabalhos acabaram influenciando outros pintores. deixavam espaços para que os artistas fizessem as ilustrações. * Jan Van Eyck . É precisamente por esta razão que os grandes livros litúrgicos (a Bíblia e os Evangelhos) eram ilustrados pelos iluministas góticos em formatos manejáveis. quando começou a ganhar novas características que prenunciam o Renascimento. quase sempre tratando de temas religiosos. Assim. a arte ganhou forma de expressão também nos objetos preciosos e nos ricos manuscritos ilustrados. ocupando sempre posição de destaque na pintura.a característica principal do seu trabalho foi a identificação da figura dos santos com seres humanos de aparência bem comum.particulares.procurava registrar nas suas pinturas os aspectos da vida urbana e da sociedade de sua época. os títulos ou as letras maiúsculas com que se iniciava um texto. Os copistas dedicavam-se à transcrição dos textos sobre as páginas. pois destinava-se aos poucos possuidores das obras copiadas. apresentava personagens de corpos pouco volumosos. que vai cada vez mais se firmando até ganhar plenitude no Renascimento. Nota-se em suas pinturas um cuidado com a perspectiva.. os cabeçalhos. Durante o século XII e até o século XV. a segunda é que os artistas ilustradores do período gótico tornaram-se tão habilidosos na representação do espaço tridimensional e na compreensão analítica de uma cena. XIV e no início do século XV. a pintura de Giotto vem ao encontro de uma visão humanista do mundo. Da observação dos manuscritos ilustrados podemos tirar duas conclusões: a primeira é a compreensão do caráter individualista que a arte da ilustração ganhava. Obras destacadas: Afrescos da Igreja de São Francisco de Assis (Itália) e Retiro de São Joaquim entre os Pastores. com o olhar voltado para cima. Os principais artistas na pintura gótica são os verdadeiros precursores da pintura do Renascimento (Duocento): * Giotto . Obras destacadas: O Casal Arnolfini e Nossa Senhora do Chanceler Rolin. em direção ao plano celeste. E esses santos com ar de homem comum eram o ser mais importante das cenas que pintava. procurando mostrar os detalhes e as paisagens. cobertos por muita roupa. Sua principal particularidade foi a procura o realismo na representação dos seres que compunham as obras pintadas. Ao realizar essa tarefa. PINTURA A pintura gótica desenvolveu-se nos séculos XII. 39 . aristocratas e burgueses.

Expressão é uma coisa impressa.RENASCIMENTO “OUSO TUDO QUE UM HOMEM PODE OUSAR. Renascimento é expansão.C.Shakespeare. nada a ver com civilização. 350 A. QUEM OUSAR MAIS DO QUE ISSO NÃO O É” Lord Macbeth . através da imprensa que Gutemberg criou e que permite mandar a informação para o mundo inteiro. No regime feudal existia a troca de serviços e mercadorias. com a linguagem muito diferente.C. praticamente sem organização social. APOGEU ----------------------------------------------------------------------------------------------------------40. a máquina vai fazer milhares de cópias. pirâmide) Grécia Clássica ou de Péricles -Construção do Parthenon na Acrópoles Roma Gótico Renascimento 40 D. Shakespeare .C. É o começo do renascimento quando o homem descobre que tem de ser ousado. Com o advindo da imprensa. Expansão: É quando o homem descobre a América.C.000 A. Expressão: É a invenção da imprensa por Gutemberg.C.pai do renascimento. mas respeitando os limites. Era muito trabalhoso. 40 . Auge do Egito (esfinge. que passa a ser muito mais valorizado.C. expressão e emancipação. facilitando a divulgação e o trabalho. Passa a ter mais consciência da importância de seu trabalho. Teria o mesmo significado da descoberta da existência de um planeta habitado. O Renascimento ocorre entre 1400 e 1600 D. Emancipação: O trabalhador passa pela primeira vez a ser assalariado. Quando todo mundo tinha uma civilização super organizada na Europa e o homem descobre outro mundo com pessoas primitivas. Anteriormente as coisas eram mais faladas do que escritas. É lógico que a visão do mundo e da arte foi modificada. a 1100 D. A frase acima significa que tudo tem limites. Vai sair do regime feudal da Idade Média. 1 A. já que era muito complicado escrever. sem roupa. 1400 a 1600 D. Auge da Pré-história 3500 a 2500 A.C. Tinham que escrever muitas cópias para fazerem uma divulgação. Expressão implica consciência daquilo que é expresso.C.

No Renascimento. da antigüidade. ela passa a ser valorizada. A Idade Média estava muito parada. Mas. estagnada. que surge a arte de todos os pintores do mundo. Platão vai ser muito importante para eles. Quando construíam uma Catedral Gótica ficavam 200 anos ao redor daquela Catedral para a sua construção. será uma escola que fará o trabalho em cima do Renascimento (1929. 41 . A ciência liga-se à técnica e à arte. período muito forte. como ela reage. Surge da Idade Média onde o homem não tinha nenhum valor. As pessoas morriam de frio e dormiam mal com as casas de madeira.Renascimento é um renovar. No Renascimento a ciência liga-se às técnicas e às artes. O Renascimento começou em Florença. do homem possuidor de direitos inalienáveis. etc. Não é o saber pelo saber pela essência como na antiga Grécia.C. Todas as invenções e criações eram feitas em função daquela Igreja. Durante a Idade Média “Deus” era poderoso e distante. é o saber para poder usufruí-la melhor. Vai procurar saber sobre a natureza. homens que conhecem tudo profundamente e que jamais serão especialistas. “Deus” existe. que perdura até hoje. O mundo passa a ser encarado criação de “Deus”. que surgirá no futuro. é para melhor aproveitá-la às necessidades do homem. É no Renascimento. Depois se alastrou por toda Europa Ocidental dominando o mundo completamente entre 1400 a 1600 D. anatomia. É um renascer em cima da Grécia Antiga. Não impede que Deus sirva à humanidade. da mesma forma que os gregos faziam. Tudo isso pode assistido no filme “O nome da Rosa”. As construções eram demoradas porque não tinham uma tecnologia desenvolvida. É neste momento que surge o conceito do individualismo. de uma disposição de espírito.. na Alemanha). É uma necessidade de uma mudança de ver e sentir. Vão aparecer os “Humanistas”. recomeçar. renascer. Até agora a natureza não era valorizada. Vai mudar muito a relação do homem com a natureza. mas posso conversar com ele. da vontade de mudar a humanidade. é único. nada impede que essa criação de Deus seja feita à serviço da humanidade. O homem tem que entender de literatura. A medida que a natureza se transforma em uma coisa digna de ser usada. Renascimento é o resultado de um impulso universal. Viviam muito em função da Igreja. O homem tinha horror à natureza pois viviam muito mal. porque estão baseados na cultura Grega. A BAUHAUSS. O “homem” renasce. O renascimento vai criar uma “nova concepção do homem”. pois as casas eram feitas de madeira. renova-se e religa-se. O homem passa a ser o centro de todas as coisas e não mais “deus”. na Itália. A escultura e pintura nós conhecemos desde a Grécia. Essa busca do conhecimento das leis da natureza. Não inventavam e não criavam nada. mas as pinturas dos pintores famosos que encontramos nos museus começaremos a conhecer a partir daqui. As cidades pegavam fogo. O “especialista” é o homem do século XX. várias línguas.

aparecendo as represas. ao chegar à Igreja. Homens importantes do Renascimento: Giotto Michelangelo Leonardo da Vinci Raphael Ticciano Tintoretto Dante Alighieri Botticelli Colombo Gutemberg Vasco da Gama Bosch William Shakespeare (por volta de 1600. vai surgir por volta do século XX. Esta obra é o momento em que Deus aponta para o homem que está deitado no chão. Vão estudar a água. A natureza era uma coisa muito nefasta. onde ela deixa de ser natural ao copiar o corpo humano e aperfeiçoá-lo. o que existia de melhor. E vão estudar uma série de coisas que até agora não tinham estudado. pintado por Michelangelo. sem nenhuma vergonha do seu corpo nu e Deus está apontando com o dedo quase à sua imagem e semelhança. 42 . no Renascimento. Era uma história montada. quando vão desenhar o corpo realmente como ele é. Eles não vão imitar os antigos. é o símbolo do Renascimento. XX). o quadro “Adão” que está na Capela Sixtina. A arte idealizada é aquela que nós vimos na Grécia. mas complementá-los. sem imitá-la. Até o Renascimento as pessoas não pintavam nada naturalista. mas o estilo é renascentista. Vão se basear nas melhores idéias dos antigos. As pessoas posavam. Era uma arte totalmente sacra. Para Mali. Não existia o natural por que a Igreja não permitia. É um renovar em cima da Antigüidade. Passam a pintar a natureza nos quadros porque vão valorizá-la e adequar-se à ela. o qual se ergue perante Deus. Essa pintura não podia existir na Idade Média. A arte era feita de uma forma que a leitura fosse muito acessível. sem movimento e vestidos completamente. As pessoas não sabiam ler. A arte verdadeira.Em locais muito ensolarados as pessoas morriam de calor. As esculturas das igrejas eram um protótipo do que seriam os “santos”. As figuras dos santos eram postas uma do lado da outra para que o povo. Ninguém fazia quadro para ser pendurado em casa. apresentando depois uma queda e voltando a aparecer em finais do século XX. De repente. Em Estética da Arte: a arte pode ser idealizada ou verdadeira (em meados séc. Os santos eram duros. Vão estudar o vento dando o surgimento dos moinhos de vento. eles percebem que a natureza pode ajudar muito. no final) A arte passa a ser naturalista. pudesse reconhecê-los facilmente.

O aspecto mais importante era o pintor conseguisse pintar fielmente a figura real. ainda poderá parecer uma pintura dura. vinho ou fruta. pão. Giotto consegue pintar expressando os sentimentos através dos gestos. Ele conseguiu iniciar um novo capítulo na História da Arte se impondo na profissão de pintor e sendo respeitado por isso. foi a que mais demorou para se afastar dos moldes antigos (bizantinos) da Idade Média. mas a pintura não. dentre todas as artes do ocidente. Giotto foi contemporâneo do grande poeta Dante Alighieri que escreveu “A Divina Comédia”. Pré Renascimento: A pintura. Dante Alighieri se refere ao Giotto na “Divina Comédia” como o “meu amigo pintor Giotto”. são grandes acadêmicos que fazem a arte exatamente igual a natureza. Para nós hoje. com essa peste. O estilo que chamamos de Sienês (de Siena) chegou até o século VX (1400) e custou muito a aceitar o estilo renascentista. Eram homens ricos que gostavam de beleza e vão investir em arte. Até hoje pintamos baseados no Renascimento. marceneiros. Começa aí a pintura acadêmica que nos referimos. os escultores já tinham criado um novo estilo depois do gótico. que pintou muito À FRESCO em busca de um realismo. é importante comparar as pinturas Pré-renascentistas. Um desses importantes pintores é GIOTTO. as massas em pouquíssimo tempo controlaram o poder em Florença. Em “off”: Dizem que ele era “super pão-duro”. um pouquinho idealizada. que ao ir a bancarrota. Quando dava uma festa ele pedia que o convidado levasse uma ave. Florença era uma cidade muito rica e. As soluções da pintura foram amadurecendo aos poucos. Ninguém fazia isso. 43 . Leonardo da Vinci e outros. Os arquitetos. a crise financeira foi muito forte. Pouco a pouco tornaram-se “senhores de Florença”. Ao redor de 1394 a peste negra acabou com quase toda a população Toscana (Florença é na região de Toscana). É uma profissão que sobe de nível na hierarquia social. que até então não faziam. A pintura ainda era bizantina. Giotto é que vai receber pela primeira vez na História da Arte o nome “Pintor”. No Museu Metropolitam. A cidade de Pádua é a que oferece as melhores obras de Giotto para serem vistas.Começaram a perceber que o homem podia pintar a natureza tal qual ela se apresenta. As cidades onde as primeiras pinturas “acadêmicas” vão aparecer serão Siena e Florença. Giotto foi o primeiro artista dentro da História da Arte que aparece sendo chamado como “PINTOR”. Um dos banqueiros mais importantes era o “Bardi”. da Idade Média e Renascentistas. As condições para o aprimoramento na arte já estavam criadas. No século XV Florença lançou as bases da pintura Européia dos cinco séculos seguintes. do olhar. A peste matou quase todos os banqueiros. os “Médicis” eram os mais importantes. Os pintores até então eram considerados como alfaiates. mas comparada com o que existia anteriormente na Idade Média era muito mais expressiva e solta. Em 1400 o poder voltou de novo aos banqueiros e desta vez. até então (entre 1400 e 1500).

Na realidade eles só aprimoraram a fórmula. e suas obras podem ser vistas hoje nos Museus. que se chamava Giovani de Santi. o belíssimo “Domus”. porque foram os inventores da pintura à óleo. Quando ele aparece. Nasceu na cidade de Urbino. Uma região com paz e prosperidade. Michelângelo vai se basear na Cúpula de Brunelleschi para fazer a Basílica de São Pedro. O Médicis compraram muita obra do pai de Raphael. 44 . Os italianos vão copiar a fórmula. quando bolou a grande Cúpula da Catedral de Florença que vai ficar para o resto da vida. vai apresentá-lo a seu filho. O resto do mundo vai copiar essa Cúpula de Brunelleschi. : Raphael está enterrado no Pantheon. abria um grande atelier. Volta para Florença onde vai ficar muito rico. encáustica. Eles estão enterrados em Brujes. mas que vendia bem. A pintura com tinta a óleo era fantástica por permitir ao pintor que pudesse corrigir os erros. Os irmãos Van EYKES descobrem que a luz também é muito importante. escultor. muito badalado na época. etc. a Cúpula da Catedral de Florença não tinha sido construída. Até então se pintava à fresco. mas na verdade eles descobriram que um padre italiano tinha descoberto a fórmula da tinta mas que estava faltando um aglutinante. É bom lembrar que junto com o Renascimento. Por ser pintor estimulou o filho a ser pintor também. A cúpula do Pantheon tinha muita sustentação. Eles pintavam admiravelmente bem. Até 1900 vai ser usada essa Cúpula. na Itália. a luz “condicionados ao momento”. O pai de Raphael era um medíocre pintor. Itália. era quase Gótica e Brunelleschi vai simplificar essa estrutura criando um novo eixo. Ele era ambicioso e queria ser muito conhecido. RAPHAEL DE SANTI nasceu em 1483 e morreu em 1520. Obs. Quase todos os dicionários falam que eles foram os inventores da pintura à óleo.Os irmãos VAN EYKES pertencem à pintura FLAMENGA (de Flandres que é hoje a Bélgica). em Roma. Foi o iniciador da arquitetura da renascença que vai permanecer por mais 500 anos. A arquitetura Renascentista: BRUNELESCHI. Eles romperam com tudo. Raphael vai ser aprendiz do Perugino. Pintavam em paredes ou em madeiras para poderem transportar. arquiteto. Os irmãos VAN EYKES vão descobrir esse aglutinante que era “o óleo de amêndoas”. Essa Cúpula é anterior ao ano de 1500. Giovani de Santi que era muito amigo do grande pintor Perugino. a pintura Flamenga Renascentista foi muito importante. Eles pintavam o ar. Escola Renascentista funcionava assim: Todo grande pintor. um dos maiores arquitetos de todos os tempos. A pintura flamenga vai reinar em Florença. Ele foi para Roma estudar estudar o Pantheon antigo.

badalado. Raphael disse que iria aprender com esses pintores. comida. Depois passava por um estágio de uns 3 meses onde ele aprendia a montar as telas. Raphael chegou em Florença na época em que Leonardo da Vinci e Michelângelo estavam na cidade. 45 . a Capela Sixtina. Eram chamados também de lojas. na Capela Sixtina. simpático. Ele tinha o quadro mais perfeito em composição de todo o Renascimento. quase todos pintados por Raphael. As “madonas” são belezas idealizadas em cima da Grécia. Começou a pintar as “madonas” que são muito especiais. Raphael vai saber descobrir seu estilo. “A Virgem Maria” vai ser adotada por muitos anos depois. Entre 1508 e 1509 era a época em que Michelângelo estava pintando a Capela Sixtina. em uma sexta-feira Santa. O aprendiz comprava as tintas. O Papa Júlio II é o mesmo que encomendou para Michelângelo. rico. Quando chegava a fazer os desenhos com perfeição. apesar de já ser um grande pintor. podia optar pela escultura ou pintura. Raphael foi perfeito no desenho e na composição. bissexual (não se sabe ao certo). carismático.Quando uma pessoa ia estudar com o grande pintor ou escultor. Não são míticas. carinhoso. a pedido do Papa Júlio II. começava-se primeiro como se fosse um “office boy”. Depois disso iria aprender a desenhar. Em 1509 Raphael foi de Florença para Roma. Como o pai era um homem muito querido. Era muito rápido. salas que são chamadas de “STANZI”. Viveu como um príncipe. Com isso ele ficou famoso por pintar pela primeira vez “madonas” tão lindas. apesar de serem humanas e meio sensuais. Ele era um homem muito bonito. mas já tinham o seu próprio estilo. cordial. no dia de seu aniversário. Os outros alunos de Perugino só vão conseguir copiá-lo. Raphael com 10 anos perdeu sua mãe e o pai vai morrer quando ele tinha 14 anos. Raphael vai ser muito querido. Ela vai ser um clássico de Raphael. Fazia o chassis. ele vai pintar os quartos. Os aprendizes pintavam quase toda a obra. como se fosse um empregado. Quando Raphael chegou lá. pois tinham recebido uma encomenda para pintar a “Câmara dos Vereadores”. meigo. a qual nunca foi feita. famoso. Quando você entra na Capela Sixtina você vai passar por vários quartos. Rubens tinha 150 ajudantes. ele vai receber muita ajuda dos amigos do pai e de Perugino. em 1504. após sua morte. Aos 18 anos vai para Florença e começa a receber fama por pintar muito bem e rápido. Aos 21 anos já estava famoso. Os grandes artistas podiam aprender uma técnica nova. Ela passa uma certa sensualidade. com exceção dos rostos que era sempre “Mestre” que terminava. até hoje. Essa técnica de ensino vai ser retomada na BAUHAUSS mais tarde. Morreu jovem aos 37 anos. tornando-se muito popular rapidamente. criativo e responsável. Dizem que o papa fez dele um Cardeal. Vai pintar com mais de 50 ajudantes. Vai ser muito rodeado por artistas. tendo que morar com seus tios maternos.

Os turcos tinham conquistado Constantinopla. despertando muita inveja das pessoas. 46 . e em particular. a Itália não era essa Itália de hoje. ponte-pêncil. tem o “Leonardo da Vinci” que está pintando a Monalisa enquanto ela balança o pé. cansada de esperar ele pintar. físico. inventor do escafandro. Agora que está morto. lâmina de barbear (ele tinha uma barba muito cerrada).” LEONARDO DA VINCI nasceu em 1452 e morreu em 1519 . fazendo ele próprio o acompanhamento na lira que ele havia inventado e com isso deliciava a corte inteira. Leonardo tinha muitas vantagens ao ser tão bem dotado. uma perfeita obra de arte. mas também serviu de obstáculo. tinha 1. Com isso termina a Idade Média. botânico. da balística. mecânico. em tudo o que se referia também ao espetáculo. Leonardo da Vinci vai estudar com Verocchio. Era um homem muito vaidoso. porcas e pintor. químico. Tem um outro grande escritor que se chama GARDIANO e que escreveu o seguinte sobre Leonardo: “Ele era tão excepcional e tão ricamente dotado que a natureza parecia ter logrado um milagre em sua pessoa. mas também entre outros dotes numerosos de que a natureza o havia provido e que ele se valia com a perfeita maestria. engenheiro.90 m de altura e era provavelmente bissexual. Ele era arquiteto.Raphael está enterrado no Pantheon . sua generosidade e seu espírito brilhante não eram inferiores à beleza de sua pessoa. que era esposa de um comerciante amigo dele.” Obs. Vai pintar por 5 anos a Monalisa. pára-quedas. escultor. geólogo. na cidade de Florença. precursor da aviação. O seu pai disse que já que ele tinha nascido com esse dom ele deveria estudar mais. Leonardo da Vinci. Leonardo da Vinci. brinquedos com corda. Dizem que sua beleza abriu muito as portas para ele. Além do talento. Cantava admiravelmente bem. Existe em seu túmulo uma frase muito bonita em latim: “Aqui jaz Raphael: quando vivia a natureza temia por ele ser vencida. matemático. Tudo o que existia do Oriente na Grécia passa a não existir mais por muito tempo. Obs: Leonardo da Vinci foi modelo de “David” para o Verocchio. Vassari vai ser o Historiador dos Pintores. Era uma Itália calma e tinha acabado o Império Bizantino. isqueiro. Leonardo cantava e também escrevia muito bem poesias.: No Epcot Center. aos 67 anos. da hidráulica. escreveu muito sobre Leonardo: “Seu encanto. ela própria teme morrer. Leonardo da Vinci era considerado em seu tempo uma obra prima da natureza. O grande escritor George Vassari. Quando Leonardo da Vinci nasceu. Era do signo de Áries. em Roma. “ Segundo Gardiano. urbanista. As rotas da Europa para o Oriente foram fechadas. Verocchio foi um grande pintor. Não apenas por causa de sua beleza física. que era enorme. já desenhava e pintava muito bem. Ele era o árbitro em todas as questões que diziam respeito a elegância. Quando ele tinha 16 anos. Quando ele morreu foi uma aflição para todos os seus amigos.

Ele queria saber mais e saber por que as coisas existiam. mas era muito pouco para Leonardo. Tudo o que ele fazia e criava. eles o matariam. enquanto tocava esse órgão. Antes do Renascimento não se falava em “tons”. Leonardo elaborou projetos que levaram séculos para serem aprovados como a asa delta. Em todos os escritos aparece sempre um dizer “o sol não se move”. Pintou a Monalisa. Com Verocchio ele aprendeu tudo na pintura. Leonardo dissecou mais de 30 cadáveres. o escafandro. cientista. Não foi feito porque cobrava muito caro o que ele fazia. mas em cores. Apenas essas 8 obras foram cientificamente comprovadas em sua autenticidade. As duas grandes pinturas que ficaram mais conhecidas foram a “Monalisa” (Gioconda) e a mais reproduzida no mundo todo que é a “Última Ceia”. etc. Ele começava a fazer uma coisa e depois parava para fazer outra. está inacabada. outros apreciavam a sua presença. Inventou um órgão movido à água. Se a inquisição soubesse disso. Leonardo da Vinci era também um músico. 47 . que pode ser visto ainda no Museu do Vaticano. era desenhado. fazia muitos esboços. deixando muitas obras inacabadas. Leonardo da Vinci pintava com requinte. Ele era canhoto e escrevia da direita para a esquerda. com calçadões. artista. Ele fez um projeto urbanista fantástico para a cidade de Milão. Leonardo da Vinci consegue ser o Mestre da pintura com apenas 8 telas. As outras pinturas existentes não possuem essa certeza. desenhava tudo dentro das regras do renascimento. Com sua cultura universal.Vassari fala o seguinte: Leonardo tinha um ar tão imponente que só de vê-lo a tristeza desaparecia. Tinha uma mente extremamente cientista. O que significava uma antecipação da teoria de Copérnico que diz que “a Terra é que gira ao redor do Sol”. A “Adoração dos Reis Magos “. Muitas pessoas o elogiavam por ser filósofo. que está no Vaticano. por suas descobertas serem um pouco avançadas para a época. Obs. ele tinha um pouco de medo de escrever de forma muito legível. Os seus escritos só poderiam ser lidos através de um espelho. Ele queria saber por exemplo quantos tons de vermelho ele podia fazer. O ideal de Leonardo da Vinci era atingir a verdade por experiências objetivas. escultura. do século XX. quiosques. Só que muitas vezes ele não terminava a obra porque tinha muitos outros projetos na cabeça.: A conceito de “tom” só aparece no Renascimento após a invenção da tinta à óleo pelos irmãos Van Eykes. Os historiadores acham que. o helicóptero. tudo perfeito. vias elevadas. As pessoas posavam para ele e ele também tinha muitos auxiliares. Quase foi preso por causa disso. Muita informação do que se sabe são relatos de seus alunos que o adoravam e escreviam tudo sobre ele. segundo os historiadores. Ele queria estudar anatomia para poder pintar melhor.

Tem uma intenção muito dramática.C. Na obra “Virgem dos Rochedos”. A cena é sobre Jesus que estava falando: “Um entre vós me trairás”. Leonardo da Vinci pintou sozinho. uma se encontra no Louvre e outra na National Galery de Londres. Não está muito claro porque Leonardo da Vinci foi viver os últimos anos de sua vida no Castelo na cidade de Amboise. inclusive a Monalisa. Dentro de suas pesquisas tudo é baseado no animismo. Leonardo leva consigo quase todas as suas obras. 48 . não terminada. o ombro parece estar mais alto. Leonardo falava que tudo para ele tinha alma. O rei Francisco I vai sempre visitá-lo. Ele pediu que o seu auxiliar a terminasse. Antes de pintar essa obra. que parece estar mais solto. parecendo sobrenatural. Saía no temporal para ver como aconteciam os relâmpagos. Leonardo da Vinci estudou muito como os surdos e mudos se comunicam através dos gestos. ele estava doente e com dificuldade de articulação nas mãos (quase todos os pintores tem problemas de articulação). Leonardo da Vinci descobre a técnica do “SFUMATO”. O que é Sfumato? É coisa indistinta. indignação. Durante séculos as pessoas ficaram se questionando qual era a verdadeira. já em 1500 D. A obra que se encontra em Londres. Tudo que é natureza tem alma. a linha de fundo da direita está em diferente altura da linha da esquerda. ele falava que os rochedos tinham alma. . Esse estudo era para ele saber passar aquele “espanto” e todas as expressões somente através dos gestos. como o metal.20 m. O rei francês Francisco I admirava muito Leonardo da Vinci. Cada um dos apóstolos tem uma expressão muito forte. “Jesus” vai estar no centro do quadro. de altura. Anima é alma. Ele é ainda muito pesquisado pois estava muito à frente de sua época.Uma de suas obras muito importante é “A Virgem dos Rochedos”. de dúvida. Ela tem um sorriso muito enigmático. por ser Renascentista. Fazia também muitas outras experiências. Levou 3 anos para ser feita. Se for bem observada a obra. Leonardo começou a pintar quando foi chamado para ir à Milão e teve que interrompê-la. Existem duas obras da “Virgem do Rochedo”. Descobriram que a obra que está no Louvre. onde ele vai usar muito claro-escuro. de pergunta.. Ela parece mudar toda vez que você a olha. você é que vai terminar a obra. Começou a pintar cada vez menos. onde a única pessoa que está calma é Jesus. Freud estudou muito sobre Leonardo da Vinci. em Clos Lucé. A OBRA GIOCONDA: A Monalisa é como se fosse um ser vivo. outra hora parece estar triste. mais ereto do que o ombro do lado direito. O fundo do quadro é completamente impressionista. etc. isto é. ele não vai terminar nem os olhos e nem a boca. Os cantos dos olhos e da boca são esfumaçados. A obra “Última Ceia” tem 9 metros de largura por 4. Quando você olha o lado esquerdo. As duas são de Leonardo da Vinci. No final de sua vida. portanto uma obra em aberto. Uma hora ela parece sorrir. sem contorno definido. O horizonte do lado esquerdo parece estar mais baixo que o direito. o que é proposital para dar o movimento aos ombros. os vegetais.

no Louvre (ao lado da Monalisa) Anunciação. carros de combate. Leningrado ( ex-Rússia). Virgem dos Rochedos. na Inglaterra. São João Batista. Ganhou muito dinheiro com desenho de canhões. Eles eram muito amigos. Estudava qual a melhor forma de abordar um barco grande através de um pequeno. metralhadoras. com várias pessoas ao seu redor. Sant’Ana. em Londres. Deitado na cama. sobre a transformação de sólidos. no Louvre em Paris Esboço de “Sant’Ana e a Virgem” que é um desenho que está no National Gallery. 49 . na física. planador. Inventou o compasso de proporção. Louvre (Paris) e National Gallery de Londres. Quer ficar isolado.80 m (+/-) A Última Ceia. É um afresco que está muito deteriorado. Dizem que ele tinha caso com Leonardo da Vinci.Ele fala que não quer receber visita de ninguém. São Jerônimo. os efeitos do atrito e sobre as condições de equilíbrio num campo inclinado. (deve ter 1. sobre a formulação de teorias sobre o centro de gravidade dos sólidos. está em um refeitório de uma Igreja em Milão. estudos e anotações de Leonardo da Vinci. No campo da física ele trabalhou muito sobre a dinâmica e baseou seus estudos na leitura de Aristóteles. Estudou. “Código de Atlantis”. no Louvre. Entre esses desenhos que ele deixou para Francisco Melzi tem o “Código de Urbino”. A partir do vôo dos pássaros. Inventou máquinas hidráulicas para limpeza e drenagem de rios e canais. Ele tem um discípulo chamado Francisco Melzi que herdou de Leonardo quase todos os desenhos. Ele foi um grande projetista militar. Inventou máquinas de afiar. Já fizeram até galinheiro nesse refeitório. perfuratrizes. etc. está no Museu de Hermitage. determinou os princípios para a construção de um aparelho mais pesado que o ar e capaz de voar aproveitando a força do vento: asa-delta. vários desenhos de como ele fazia a geometria (explicando tudo o que aprendeu de geometria através de suas pesquisas). Ele ficou com 1200 desenhos e que isso era a terça parte da produção de Leonardo. Leonardo vai dizer-lhe que não reconhecia honra maior do que morrer nos braços de um rei. Leonardo recebe o rei (jovem) que ao se aproximar dele e sustentando a sua cabeça em seus braços. Fechou os olhos e morreu. Esta está muito ruim pois Leonardo da Vinci não se preocupou com o tipo de tinta que usou. nem dos seus alunos. Obras autênticas de Leonardo da Vinci: Monalisa. helicóptero e pára-quedas. No dia 2 de Maio o Rei Francisco I vai visitá-lo ao saber que ele não estava passando bem. sendo usado depois para elaborar a obra “Monalisa”. National Gallery de Washington.: Muitos desenhos de Leonardo da Vinci podem ser encontrados no Castelo de Windsor. e assim enunciou 2 teoremas fantásticos sobre a geometria. Adoração dos Magos. barcos para a guerra. Maria e o Menino Jesus. Obs. inacabado. está no Museu de Vaticano. no Louvre Madona Benois.

grande pintor da época. luxúria. Dalí dizia que o grande “Papa” do surrealismo era Bosch. Se Bosch nasceu em 1450 ele deve ter morrido em 1516. ira. mas se ele nasceu em 1516 ele morreu em 1566. onde vai representar todos os pecados capitais: vaidade. descobre ter uma afinidade muito grande com a Grécia e que ele era escultor da “figura humana”. A inquisição não o impediu porque os Reis o protegeram. da mesma forma como todos os pintores faziam na escola renascentista. pois não gostava da arte renascentista (toda centralizada. toda feita com incrustação em pedra. Era filho e neto de pintores. gula. sobre uma mesa redonda. Quando ele começa a estudá-las. Vai aprender todas as técnicas do ofício em desenho.HYERONYMUS BOSCH Nasceu entre 1450 ou 1516. escultura e poesia é considerado do mesmo nível dos trabalhos de Leonardo da Vinci e Raphael. Resolve. não tanto como Leonardo da Vinci que dissecou 33 cadáveres. Só se sabe que ele nasceu onde seria hoje a Holanda (a cidade tinha o nome Bosch) e viveu 66 anos. homossexual. inveja. Ele não ficou muito satisfeito com o que aprendeu. Ele foi estudar com o grande mestre “Domênico Ghirlandaio”. Ele nasceu na época do Renascimento. Foi escultor insuperável. Uma dessas obras é a famosa “Os Sete Pecados Capitais”. MICHELÂNGELO Nasceu em 1475 e morreu no dia 6 de março. aos 89 anos.C. escultura. em 1564. feia e religiosa. mas é considerado um grande Surrealista. Bosch cria a SEITA ADAMITA : “os irmãos dos espíritos livres”. pintura. Ele estava a 400 anos adiantados para sua época. É uma pintura sobre “o céu e o inferno”. Tinha uma inesgotável capacidade criadora. A sua pintura era muito diferenciada e misteriosa. Com isso todo mundo queria se afiliar à Seita Adamita. 50 . As obras que escaparam foram para a Espanha. Ele já tinha uma idéia bem diferente de arte. Muitas de suas obras foram destruídas pelos protestantes em 1629. preguiça. Era também um grande poeta. Os três são considerados os maiores artistas do Renascimento. incrível como escultor. enfim. dissecar também para conhecer melhor e se aprofundar mais na figura humana. avareza. ninguém sabe ao certo. Michelângelo era neurastênico. Ele era 23 anos mais jovem que Leonardo da Vinci e viveu mais 45 anos após a sua morte. Vai revolucionar no campo da pintura com a obra que faz para a “Capela Sixtina”. hipocondríaco. muito surrealista e muito simbolista.. um dos maiores pintores e desenhistas de todos os tempos. um gênio. Essa seita dizia que o homem tinha que fazer todos os pecados na Terra para ganhar o Céu. As suas obras só vão ser destruídas pelos protestantes por volta de 1600 D. levadas pelo Rei Felipe II. pois foge completamente do estilo da arte Renascentista. Outra obra importante é a pintura do “Jardim das Delícias”. certinha). Resolve estudar as esculturas gregas da antigüidade da coleção dos Médicis (os mecenas). Casou-se com uma órfã muito rica. O seu trabalho na pintura. masoquista.

Tinha um temperamento muito irrequieto. conseguindo recriá-la. Sugestão: Assistir ao filme “Michelângelo” que tem nas locadoras de vídeo. Vai pintar e esculpir com perfeição. temperamental e dizia que não tinha paciência com a mediocridade alheia. que vai ficar quebrado e torto para o resto de sua vida. Sófocles. que foram grandes escultores do classicismo. na casa dos Médicis. etc. Ao se envolver em uma briga com esse seu amigo. da pintura que ele ia executar com Leonardo da Vinci. Teve um pai bastante violento. ter um nariz torto e ficando muito feio. Ao voltar o “Papa” fala que não vai mais querer que faça o túmulo. o Papa Júlio II pede à ele que fizesse o maior túmulo do mundo para quando ele morresse. estética. vão ser muito fortes em sua pintura. não saberíamos o que eles iriam fazer. No fundo. esse traço violento. na região de Florença. Com isso vai fazer esculturas e pinturas belíssimas de seres humanos para compensar a sua feiura. Não conseguiu se relacionar com ninguém por não se aceitar como era. Sua uma família era aristocrática. Michelângelo insistiu tanto que conseguiu estudar arte. e o pai não admitia que o filho fosse artista. Vai ser um grande mestre da figura humana. Michelângelo era um homem feio. O “Papa” vai chamá-lo novamente em Roma e pede à Michelângelo que pinte uma Capela para 51 . De outra forma. Existe uma cópia em Florença feita por Michelângelo. Ele era tão bom ou talvez melhor do que os escultores gregos como Fídias (que fez o Parthenon) e Praxiteles. Estudou muito sobre Platão. Essa paixão. filósofos e dramaturgos gregos e também sobre os grandes mestres.De repente a figura humana não tinha mais segredo para ele. Aos 30 anos já era conhecido como um dos grandes mestres da escultura. Michelângelo recebe um soco no nariz. Era um homem passional (brigava. participando muito dos “Saraus Culturais” onde conversava sobre filosofia. Leonardo da Vinci também fez uma descrição comentando sobre esse episódio. baixo. Foi aí que a cidade de Florença convidou Michelângelo e Leonardo da Vinci para pintarem o grande painel na Câmara dos Vereadores. O pai de Michelângelo vai intervir pedindo ao “Papa” que fizesse alguma coisa para ajudar o seu filho que estava muito desmotivado. ele era um romântico. Foi um estigma muito grande para um homem que gostava muito de beleza. Ao estudar com os Médicis. Michelângelo pediu para ir até a cidade de Carrara (cidade dos mármores) porque iria fazer o túmulo todo em mármore. Infelizmente a obra nunca foi executada porque Leonardo da Vinci foi chamado em Milão fazer o projeto ‘’urbanístico” que não deu certo e Michelângelo foi chamado pelo Papa Júlio II em Roma para trabalhar lá. reclamava e ia a fundo com tudo) e solitário. fica muito amigo da família. Michelângelo tinha um amigo chamado Torrigliani. Quando Michelângelo chegou em Roma. Vai ficar em Carrara para escolher as peças de mármore (estudando os veios) por mais ou menos 11 meses. Michelângelo fica muito desgostoso e decide não voltar mais à Roma. narigudo e muito triste. Sócrates. que estudava junto com ele.

Michelângelo vai então à Carrara. etc. em diversas atitudes. mas que durante o trabalho vai brigar com todos eles ficando sozinho para continuar. Michelângelo brigava muito com o “Papa” e seu pai vai pedir à ele que tivesse muita paciência com o seu filho. que em sua homenagem recebeu o nome “Capela Sixtina”. Você vai observar “Cristo” irado e “Nossa Senhora” se escondendo atrás Dele. Pegava outro bloco e começava outra obra. volta com o mármore e começa a fazer a figura de Moisés. como se fosse a própria arquitetura. Tentaram saber se era alegoria o que ele pintava porque ele fugia muito da história que existia na Bíblia. A Capela Sixtina já era decorada. É como se fosse “tromp’oleil”. Essa Capela tinha sido mandada fazer pelo papa “Sixto IV”. Vai ser encontrada muita obra incompleta dele nos Museus do Louvre. Chegaram à conclusão que criava muita coisa apenas para preencher o espaço vazio que existia. São episódios que vão desde a criação do homem. Quando ele termina Moisés o Papa Júlio II morre e o túmulo não fica terminado. escrevendo. O esforço físico para ele fazer a obra era incrível. E. ele volta para pintar o fundo da Capela com a obra “O Juízo Final”. pelos grandes pintores Boticelli. Michelângelo aceita pintar somente o teto. Ao terminá-la. etc. Teve muitos ajudantes. O papa pede que ele pinte o teto e o fundo da Capela. deixando o observador na dúvida. baseados no Antigo Testamento. alternando isso com Sibilas (são as moças muito bonitas que ele faz). O “Juízo Final” é uma visão terrível do fim do mundo. É uma forma quase expressionista de pintar.ele. não tendo coragem de eliminá-lo. 52 . Vai colocar imagens de profetas. Galeria Ufizi (em Florença). Vai pintar no teto da Capela Sixtina. pelo grande artista que era. lendo. o dilúvio e a embriaguez de Noé. Era o que tinha sobrado de parede sem pintura. com músculos desenvolvidos e cabeça de mulher. Essa obra vai ficar incompleta. Ele não conhecia muito bem o corpo feminino. Fazia o desenho no chão e depois subia nos andaimes para desenhar tudo novamente lá em cima e pintar. Ele pintava as moças com corpo de homem. em nicho. dos dois lados. É praticamente impossível um ser humano fazer o que ele fez em apenas 4 anos. Ele fez muitas outras obras incompletas porque. Michelângelo respondeu: ”Mas eu sou escultor e não pintor”. discutindo. os “doze apóstolos”. vai parar a obra para não estragar a natureza. Trinta anos após terminar o teto da Capela Sixtina. Ele deitava e passava dias assim. Essa obra foi iniciada em 1508 e terminada em 1512. Michelângelo vai pintá-la já de uma forma bem diferente da pintura que fez no teto da Capela. tinha pena de estragar o mármore da obra que estava esculpindo quando encontrava um veio bonito. conversando. Pintou todas essas figuras de homens e mulheres como se fossem pessoas comuns e não “santos”. Guirlandaio e Perugino. nas paredes laterais. o Papa vai pedir de novo para ele fazer o túmulo.

Obs. Somente a Cúpula será de estilo Renascentista. as figuras da pintura de Michelângelo na Capela Sixtina foram todas vestidas a pedido dele. O final de sua vida ele vai ser muito expressionista. Entre 1555 e 1559 no Pontificado de Paulo IV. Ele desenhou e projetou a Cúpula. que ocupou toda a sua velhice. A primeira escultura “Pietà”. Michelângelo era muito religioso e apesar dele cobrar muito caro o seu trabalho vai fazer esse projeto sem cobrar um tostão. algumas esculturas. 53 . distorcendo um pouco as formas. na época do Barroco. Depois em 1559. A “Pietà” se encontra embaixo dessa Cúpula (onde tem uma clarabóia). pediram para tirar as roupas novamente. Chamavam-no de “Divino”.O teto da Capela é feito em estilo mais acadêmico e o fundo dela de um estilo mais expressionista. vai ser a grande Cúpula na Basílica de São Pedro. e esta foi executada por outros.: Todas as esculturas do lado de fora da Basílica foram feitas pelo Bernini. Sua grande obra. e uma obra que está na Galeria de Ufizi em Florença. já um grande mestre. são completamente expressionistas. em vida. Disse que essa obra ele a fez “À Serviço de Deus porque era um presente dele para Deus e de Deus para ele”. Ele só fez a pintura da Capela Sixtina. vai fazer com menos de 25 anos. que era um Papa muito chato. As outras “Pietà”. Era considerado. o resto da Basílica é de estilo Barroco.

conchas e volutas cobrem muros e altares. a marca inconfundível do estilo maneirista. coros com escadas em espiral. Pintores. do ano de 1520 até por volta de 1610. Uma evidente tendência para a estilização exagerada e um capricho nos detalhes começa a ser sua marca. balaustradas povoadas de figuras caprichosas são a decoração mais característica desse estilo. Principais características: Nas igrejas: · Naves escuras. produzem uma atmosfera de rara singularidade. O certo. desenvolve-se em Roma. um movimento artístico afastado conscientemente do modelo da antiguidade clássica: o maneirismo (maniera. que são. Caracóis. em italiano. porém. enquanto outros preferem vê-lo como um estilo. iluminadas apenas de ângulos diferentes. Mais adiante. essa arte acabaria cultivada em todas as grandes cidades européias. com espaços mais longos do que largos. Os artistas se vêem obrigados a partir em busca de elementos que lhes permitam renovar e desenvolver todas as habilidades e técnicas adquiridas durante o renascimento. com a cúpula principal sobre o transepto. pode-se dizer que as verdadeiras mudanças que este novo estilo introduz refletem-se não somente na construção em si. criam uma arte de labirintos. saqueia e destrói Roma. depois de derrotar as tropas do sumo pontífice. arquitetos e escultores são impelidos a deixar Roma com destino a outras cidades. Valendo-se dos mesmos elementos do renascimento. No entanto. 54 . típicas do renascimento clássico.MANEIRISMO Paralelamente ao renascimento clássico. ARQUITETURA A arquitetura maneirista dá prioridade à construção de igrejas de plano longitudinal. sem dúvida. mas toda a Europa estava dividida após a Reforma de Lutero. Não só a Igreja. Uma de suas fontes principais de inspiração é o espírito religioso reinante na Europa nesse momento. é que o maneirismo é uma conseqüência de um renascimento clássico que entra em decadência. Alguns historiadores o consideram uma transição entre o renascimento e o barroco. deixando de lado as de plano centralizado. · Guirlandas de frutas e flores. e o homem já não é a principal e única medida do universo. Os grandes impérios começam a se formar. extrapolando assim as rígidas linhas dos cânones clássicos. mas agora com um espírito totalmente diferente. significa maneira). propriamente dito. lembrando uma exuberante selva de pedra que confunde a vista. Reinam a desolação e a incerteza. que na maior parte das vezes não levam a lugar nenhum. Carlos V. mas também na distribuição da luz e na decoração. espirais e proporções estranhas.

De acordo com os preceitos dos jesuítas. O interesse que tinha pelas teorias de Vitrúvio se reflete na totalidade de sua obra arquitetônica. na década de 30. mas muito interessante sobre os grandes artistas da época. Passou os últimos dias de sua vida em Florença. GIORGIO VASARI. Seu interesse pela arquitetura o levou a estudar os tratados de Alberti e Brunelleschi. a villa na Porta del Popolo. (1508-1580). o palácio dos Mantova. com base nos quais planejou uma cidade ideal. sem deixar de fazer comentários mal-intencionados e elogios exagerados. a fonte da Piazza della Signoria. além de fazer um resumo da arte renascentista. no entanto. Somente dez anos depois iria se dedicar à arquitetura sacra em Veneza. Suas biografias. com a construção das igrejas San Giorgio Maggiore e Il Redentore. legou a eles todos os seus bens. A obra de Palladio foi uma referência obrigatória para os arquitetos ingleses e franceses do barroco. fizeram tanto sucesso que se seguiram várias edições. que proibiam o nu nas obras de arte. Vasari também trabalhou em colaboração com Michelangelo em Roma.Nos ricos palácios e casas de campo: · Formas convexas que permitem o contraste entre luz e sombra prevalecem sobre o quadrado disciplinado do renascimento. expressa a necessidade de renovação. na qual. cujo caráter é rigorosamente clássico e no qual a clareza de linhas e a harmonia das proporções preponderam sobre o decorativo. · A decoração de interiores ricamente adornada e os afrescos das abóbadas coroam esse caprichoso e refinado estilo. Principais Artistas: BARTOLOMEO AMMANATI . é um dos mais importantes desse período. tais como: a construção do túmulo do conde de Montefeltro. (1511-1574). que. Não se pode dizer que Palladio tenha sido um arquiteto tipicamente maneirista. PALLADIO. Autor de vários projetos arquitetônicos por toda a Itália. dedicado à arquitetura. 55 . apresenta um relato às vezes pouco fiel. (1511-1592). Sob a proteção de Aretino. mais do que marcar a transição entre duas épocas. conseguiu realizar uma de suas únicas obras significativas: os afrescos do palácio Cornaro. reduzido a uma expressão mínima. publicadas em 1550. Vasari é conhecido por sua obra literária Le Vite (As Vidas).

de um drapeado minucioso e cores brilhantes.PINTURA É na pintura que o espírito maneirista se manifesta em primeiro lugar. onde começou a trabalhar no ateliê de Ticiano. Ao fundir as formas iconográficas bizantinas com o desenho e o colorido da pintura veneziana e a religiosidade espanhola. para os conventos locais e para a nobreza toledana. Depois de alguns anos de permanência em Madri ele se estabeleceu na cidade de Toledo. · Rostos melancólicos e misteriosos surgem entre as vestes. Homem com a Mão no Peito. acredita-se que começou como pintor de ícones no convento de Santa Catarina. completamente irreais. Nascido em Creta. · A luz se detém sobre objetos e figuras. afastados dos cânones renascentistas. 56 . as formas esguias e alongadas substituem os membros bem-torneados do renascimento. (1541-1614). encontrá-lo. De acordo com documentos existentes. Os músculos fazem agora contorsões absolutamente impróprias para os seres humanos. produzindo sombras inadmissíveis. Principal Artista: EL GRECO. criam esse novo estilo. sua obra não foi totalmente compreendida por seus contemporâneos. procurando deformar uma realidade que já não os satisfaz e tentando revalorizar a arte pela própria arte. e uma atmosfera de tensão permanente. em Cândia. Na verdade. no ano de 1567 emigrou para Veneza. O Sonho de Filipe II e O Martírio de São Maurício. · Os verdadeiros protagonistas do quadro já não se posicionam no centro da perspectiva. · Nos corpos. não sem certa dificuldade. com quem realizou algumas obras. onde o olho atento deve. · mas em algum ponto da arquitetura. São os pintores da segunda década do século XV que. Entre suas obras mais importantes estão O Enterro do Conde de Orgaz. Esta última lhe custou a expulsão da corte. onde trabalhou praticamente com exclusividade para a corte de Filipe II. O resultado é a formação de planos paralelos. a meio caminho entre o retrato e a espiritualidade mística. Principais características : · Composição em que uma multidão de figuras se comprime em espaços arquitetônicos reduzidos.

BARROCO O Barroco é um estilo muito ligado a acontecimentos históricos. do homem primitivo. "Eu sou o Poder". A Piazza Navona. Ela é também descentralizada. ansioso. Procuram fazer as ruas de forma a irem todas de encontro com a Igreja. Central. Não era assim no Renascimento. No Barroco a escada é muito importante porque elas dão movimento. pintura de uma cortina na parede que não existe. na Itália. A composição Barroca tem sempre linhas inclinadas. Vai aparecer no mundo todo. ou melhor. enfim. Vai mostrar o espírito da contra reforma e reforma que vai acontecer na igreja católica. 57 . religiosos. O Barroco surgiu para combater a reforma religiosa. dão a impressão de levar ao infinito. O Barroco é mais que um estilo de arquitetura. Começou em Roma e espalhou-se por toda a Europa indo depois para a América. Vai ser o estilo do Barroco. É muito movimentada e dinâmica. uma audaciosa mistura de estilos. Vamos ver muitos efeitos luminosos como os de: Rubens. Jardins à francesa. Tem também muita água e muita luz. ficando muito bem na América do Sul. etc.catedral Palácio da cidade Palácio do campo Vai surgir nessa época a preocupação com o urbanismo. Ex. econômicos e sociais. O Barroco apela muito para sensações. fantasias. As Igrejas Barrocas tem sempre escadarias. A arte Barroca não pode ser chamada de arte do absolutismo porque ela não é só do absolutismo. Estilos da época do Barroco: Igreja . A luz é fundamental (contrastes da luz). No Barroco vai haver uma fusão de diferentes estilos da arte. Versailles é o protótipo do jardim à francesa. Ela tem esculturas Barrocas e. Vão pegar um pouco do renascimento. o "Rei Sol". A pintura Barroca é muito teatral. Temos a música e o teatro Barroco. Em todos os países as igrejas vão ter salões pintados com cenas arquitetônicas que levam ao infinito. Velásquez. Você olha e pensa que está vendo uma coisa que na realidade não existe. Os católicos tinham uma preocupação maior com o esplendor mundano. para os sentidos. É um movimento muito forte. bem comportado. no centro. emoções. Surgiu bem no auge do Renascimento que era muito racional. um obelisco egípcio. mais que uma pintura. Ele é movimento. Barroco é fazer a arte dos jardins. É uma atitude de encarar a vida. O dourado e o espelho também vão ser muito importantes no Barroco. Como estilo ele é ambíguo. é gosto também. O jardim é fundamental. encarar a arte. mais do que com a fé religiosa. A arquitetura pintada vai ser muito usada. novidade. Caravaggio. O Barroco atingiu o auge com Luís XIV na França. Ex. Essa pintura é chamada de TROMP'OLEIL (engana olho). A cenografia é muito forte.

Nunca poderíamos ter uma catedral gótica porque em 1100 o Brasil não tinha nem sido descoberto. Tinham muita disciplina e conseguiram trazer os hereges de volta. é muito grandiosa. Ela é afetiva e puxa você para ela. escuro). pois inquisição já existia. ela iria trazer de volta os fiéis. Renascentista também não. grandioso e envolvente. A Igreja Gótica. Esses homens é que vão se converter mais tarde e fazer a inquisição. fez parte do classicismo. Os jesuítas irão depois para a América do Sul e levarão o Barroco para lá. que mostrar sua supremacia. Sendo assim. com suas fontes. Os jesuítas se tornaram uma arma eficaz para a igreja católica conseguindo trazer muitos fiéis de volta. O Barroco é afetuoso. escadas (subidas e descidas). 58 . A arte Barroca é afetiva e grandiosa. A igreja e o estilo Barroco vem junto para as Américas: do Norte. mas é muito ambíguo. barroco e depois expressionista Tiepolo No pontificado do Leão X (tem seu retrato pintado por Rafael). Vai começar aparecer esse nome em Roma. O Mosteiro de São Bento em Olinda onde você vê as palmeiras é aconchegante e lembra cenas de casa. como a Notre Dame de Paris. porque aconteceu em 1400. ela tem muito coisa próxima a você. O nome Barroco vem do nome Barrueco. No Brasil só existe o estilo Barroco. Quando se entra em uma igreja Barroca você sente aquela sensação intimista. o dourado. Isso acontece em Roma.O Barroco não é clássico. A igreja Barroca de Ouro Preto já faz parte do dia-a-dia da sua vida. Uma obra Barroca é fantástica com seus contrastes de luz (claro. A escultura Barroca é dinâmica e a Gótica estática. Não é fria e nunca deixa você distante. Central e Sul. que significa pérola torta. muito militar. mas nunca poderia ser sua. podendo fazer parte do seu ser. um grupo de homens piedosos (católicos) fundaram a congregação do oratório que iam purificar a igreja.começa acadêmico. sua obridade e autoridade apelarando para um caráter afetivo e grandioso no estilo. Esse movimento desenvolveu-se rapidamente e esses homens resolveram que era muito importante criar um novo estilo de pintura para trazer de volta os fiéis que tinham abandonado a igreja. A igreja tinha que se renovar. Eles seguem uma disciplina muito rígida. Vai aparecer também a ordem dos jesuítas em 1540 (Ignácio de Loyola). É tão grandiosa que pertence a humanidade. Artistas mais importantes do Barroco: Caravaggio Rubens (tinha 150 ajudantes em sua oficina de arte) Rembrandt Velásquez Cannaletto Jeorges de La Tour (pintor francês que usava muito a vela como recurso do claro-escuro) Jean Vermeer (holandês) Van Dick Vateaux Reinolds (inglês) Thomás Garburn (inglês) Goya (teve uma fase Barrôca).

Daí com a chegada de Henrique IV. tanto que seu nome ficou conhecido como Canaletto. Chamou o arquiteto Bernini. Ele era muito forte "O estado sou Eu. O objetivo essencial da arte é provocar o fervor das multidões. Fazem pintura na abóbada da igreja como se ela fosse aberta para o céu (Tromp’Oleil). Ao se aplicar o termo "clássico" ao estilo Luís XIV. bem quadradinhas com o telhado em forma de ponta. É em Minas Gerais que ocorre o Barroco mais forte no Brasil. Ele sempre dizia "o poder sou eu". jardim pavilhão de caça. Outro projeto que também não deu certo foi o do Louvre e suas modificações. Ele subiu ao trono em 1643 bem criança e só começou a reinar em 1660. BARROCO NA FRANÇA O Barroco foi um movimento muito forte na época de Luís XIV. A Igreja foi o primeiro cliente dos arquitetos. Vai pintar o Palácio dos Dodges. Vai ser muito fiel à sociedade de sua época pintando os carnavais. As casas são só de tijolinhos. os espetáculos. Veneza também foi um grande local de arte Barroca. o Deus sou Eu". Existia uma concentração de poder muito grande com Luís XIV. A arte vai então tender para o espetáculo. etc. Barroco na França está muito ligado a ARISTOCRACIA. O Barroco é a busca da fé pela emoção dos sentidos. sobriedade e reserva. A época clássica da arte francesa é a época de Luís XIV. Ele modelou a civilização francesa à sua imagem. Como eles não tinham distração procuravam fazer espetáculos através do estilo barroco. A época de Luís XIV é fantástica onde aparecerão apenas 2 grandes pintores: Nicolas Poussin Claude Lorrain Nessa época a vida era totalmente subordinada ao fausto e a majestade dele. escultores e pintores do século XVIII. Sóbria é uma obra clássica. Mandou fazer um palácio. ou para obras influenciadas pela antigüidade. Ficou muito conhecido pelos turistas que queriam levar retratos de Veneza. Ele se torna um pouco cansativo por pintar muito os canais de Veneza. 59 . Escolheu um lugar. O termo "clássico" é usado para obras que suportam a passagem do tempo. ele terminou com as lutas. e na Itália está ligado a IGREJA. O século XVII vai conhecer o seu apogeu com o Luís XIV. morrendo em 1715. o grande canal e toda a panorâmica de Veneza. ou ainda . para depois trazer a capital da França de Paris para Versailles. Na época do Henrique IV. Aleijadinho é o maior artista barroco mineiro. Luís XIV ficou conhecido no mundo inteiro até hoje através de Versailles. Ele era totalmente absolutista. Em 1599 Henrique II teve 3 filhos. os quais foram incapazes de manter a unidade do país (França). embora ela seja Barroca. de Roma. para ir a Paris e fazer o projeto do palácio que não deu certo. A arquitetura era feita de tijolos e pedras.Temos uma ligação muito forte com o Barroco de Lisboa. reorganizou a França e deixou as Bases do Poder Absolutista para Luís XIV. Um dos principais pintores Barrocos de Veneza foi Canaletto que nasceu em 1697 e morreu em 1768. a arquitetura francesa era muito pobre. vai ter todos esses significados e mais a emoção do Barroco.

Como não havia banheiro. sapatos. Quanto mais suja a toalha mais cara era. vão receber os grandes convidados de Luís XIV. O "se mostrar". Foi feito um desfile de espartilho na corte. sendo importante por causa do problema do banho. As estátuas do lado de fora do palácio são imitações da antigüidade. espartilhos. A mulher vai ser muito importante e muito fútil. Antes do Barroco. Vai surgir o servir à francesa. Surge também o perfume. Começam os desfiles de moda na França. Tudo é imitação de Roma e Grécia. E à noite isso era retirado com esponja úmida. Não tem nenhuma criatividade. não tinha faca. Um pouco antes na época de Henrique IV. A galeria dos espelhos e os belíssimos jardins assumem grande importância. Surge a langerie da mulher. 60 . eles passam também a usá-las em Versailles. Não vai ter grandes pintores. Vão aparecer festas de “Petit Comittee” em Versailles. no imobiliário. Resolve depois receber só para os almoços aos domingos. e ditava o menu para a semana toda. Todos tinham que acordar e deitar quando ele queria. Eles trocavam muito de roupa. brancas e douradas. O Filme "Ligações perigosas" mostra esses rituais. de vanguarda. A arte vai se desenvolver na arquitetura. as pessoas comiam com as mãos. menu. os espelhos são importantes nessa época sendo usados nas casas no mundo inteiro.A planta inteira de Versailles se concentra no quarto dele. Foi um acontecimento muito para frente. Foram morar em Versailles com 11. No Barroco vai aparecer a lavanda. A peruca surge na Ópera em Paris. tinham que aceitar o que ele determinava. Como na ópera as perucas eram prateadas. os que estavam próximos à ele. o rei e a rainha iam para o mato e se limpavam com toalhinhas que eram vendidas para a corte. fingindo não tomar conhecimento. Versailles começa a ditar a moda. Os decotes eram generosos e a lingerie levantava o busto. Os desfiles passam a ser importantes. Só se comia o que ele gostava. A aristocracia. Não tinha banheiro. Eles usavam pó de arroz por todo o corpo para ficar bem brancos. Os escravos passavam uma esponja úmida no corpo deles à noite. houve uma peste onde morreu muita gente. Não surge nenhum grande escultor. Luís XIV deixou que o desfile acontecesse. como se o seio fosse pular para fora do decote. calças. Todos queriam espelhos pela casa como os de Versailles. Queria que todos esperassem ele passar quando fosse para a igreja com a família. Depois os desfiles de perucas (vindos de Paris). No grande salão. Eles acharam que foi devido a água resultando um medo grande até hoje e consequentemente ao banho também. na tapeçaria. o guardanapo. o que foi considerado um escândalo na época. Existia uma escala onde as pessoas tomavam banho de 6 em 6 meses. A mulher na época do Rei Luís XIV e Luís XV vai ser muito delicada e requintada. Obs. A comida era muito importante e feita como se fosse uma arte.000 pessoas. todos queriam ter um “Versailles”. as rendas nas roupas. Os nobres desfilavam com essas toalhas ostentadas sobre os ombros.

Rococó é o excesso do Barroco. com a figura centralizada. Foi na Espanha a época em que conquistaram quase o mundo todo. O sujeito é subjetivo. São extravagantes. usava formas lineares. O Rococó na Europa é o Barroco no Brasil. denso. irregular. e até porcelanas para enfeitar os móveis. A mulher com 25 anos já era considerada madura. nunca vulgar. Tem que ter emoção e sensação. fazia um regime de engorda. e chega ao seu apogeu no século XVII finalizando no século XVIII com o nome de Rococó. O pensamento na época era científico e objetivo. a igreja católica teve que rever suas atitudes com o Conselho de Trento. O ideal de peso para a mulher era 75 quilos. A Arte Clássica que é anterior ao Renascimento. Os espanhóis depois perderam muito. no auge do Renascimento. Quando ela encontrava um pretendente. Tinha conteúdo espiritual. Ela tinha que ter muito leite. braços e pernas enroscados. Era violenta a troca de marido. Sempre homens e mulheres com seios descobertos. Antes dessa idade elas tinham que ser muito magras. na reforma protestante. Tanto os móveis como a tapeçaria são assimétricas. Até a libertinagem deles era galante. O nu passou a ser visto também no gobelain. Ter um quadro nu em casa também era muito importante para ser contemplado. Vão usar incrustações de todas as espécies nos móveis de madeira como laca. Na Arte Barroca existe muita liberdade com muitas curvas e diagonais. Fizeram muitas tapeçarias lindíssimas. Ex. Vão acontecer muitos espetáculos com máscaras. Não apareciam nunca para ninguém sem estarem pintados. nunca ordinária. conforme estudo feito em “Estética da Arte”. nunca simétricas (uma forma de identificar o estilo Barroco). BARRUECO= vem do espanhol que significa uma pérola com reentrâncias. O ideal de beleza da época era moça gorda a partir dos 25 anos. Foi uma época licenciosa. Era como se fosse um "Spa" para engordar. O homem queria sentir a "carne" da mulher. BAROS= vem do grego e significa pesado. vestidos e sem peruca. Vão fazer muito "quadro vivo". E para isso precisavam de lacaios para ajudar (de 6 a 8). namorado (eles não tinham o que fazer). Vão pintar muita porcelana. O pensamento ou conteúdo é poético. nas porcelanas e antecamas.: Colocavam uma música de fundo e pessoas imitando um quadro de Velásquez ou Rembrandt. Houve um naufrágio daquela invencível armada. É uma arte que engloba outra série de estilos. peças de teatro de amadores (em Versailles). Com a revolta de Lutero. Foi tornando-se extremamente 61 . As mulheres tinham um hábito de se pintar que era quase uma paixão. madrepérolas. que vai ser também muito importante nessa época. a ordem dos Jesuítas em 1534 com Ignácio de Loyola. Isso refletiu na arte onde irão pintar muito o “nu”.Tinham liberdade muito grande. rígidas e bem definidas. O Barroco vai desde o século XVI. inclusive a Holanda. Por sua vez a Holanda cresceu tanto que as perspectivas econômicas eram grandes. Muito requinte. Ninguém aparecia sem pintar os lábios. Para organizar o poder realizou-se a contra-reforma. e o rosto branco (o carmim que era o rouge). Todo mundo aprendia a bordar.

burguesa. A França, Áustria e Alemanha vão se tornar totalmente absolutistas. A ostentação toma conta da Europa. A França será o auge da ostentação com Luís XIV (rei-sol). Essa época vai ser marcada por sua dramaticidade e tragédia. A Igreja Católica irá dividir tudo entre o céu e o inferno. Nessa época vai haver muito medo do inferno. Eles chamam o homem para o igreja (o lado bom, o céu) através da arte espetaculosa, trágica, da emoção, sensação. Como naquela época não existia a mídia, essa era a sua forma de divulgação, o seu recurso. A própria arte trará de volta os hereges. Na Holanda, Bélgica e Espanha o Barroco vai atender muito bem os interesses da burguesia. PRINCIPAIS CARACTERÍSTICAS DO BARROCO: 1. Predomínio sempre do emocional sobre o racional.

2. Liberdade completa de criação no conteúdo, mais do que na forma. O artista se emancipa de qualquer regra ou padrão. 3. A inspiração é muitas vezes popular. Ex.: a representação da sagrada família é feita como se fosse uma família comum. É o oposto do renascimento onde a representação da santa é diferenciada, com raras exceções. 4. Dinamismo muito grande na composição com diagonal. verticais

5. A linha vertical vai dominar a linha horizontal. Vai haver muito mais linhas do que horizontais, além da diagonal. 6.

Existe uma fuga do geométrico. Nada é muito concentrado. Vai haver um entrelaçamento da arte, da escultura e arquitetura. Na Igreja barroca vai ter muita escultura na parte externa. No renascimento as Igrejas quase não apresentarão esculturas externas. 7. Valorização do entalhe na pedra e na madeira. As construções de altares e retábulos vão ser luxuosamente decorados com aplicações em ouro e muita policromia (muitas cores). Retábulo - é o que fica na frente do altar, feito de madeira toda trabalhada. É o que divide o altar do resto da igreja. Tripo-retábulo, abre e fecha para ser transportado. É para rezar. Como os escravos não podiam freqüentar a igreja, eles construíam o seus retábulos para rezar, transportando-o facilmente para suas casas. Os retábulos existem desde a época do bronze, com características diferentes. Volutas (origem grega). Quase todas as igrejas Barrocas tem volutas. . 62

8.

9.

A igreja Santa Maria Maggiore em Veneza tem 8 cúpulas ligadas a 8 grandes 10. Frontão. Existe também sempre um grande frontão ladeado por 2 torres.

volutas.

11. antes.

A pintura tem violentos contrastes de claro-escuro. Inovaram o espaço pictórico através do claro-escuro. Nunca ninguém fez isso em arte

12. Faziam tentativas de sugerir o infinito através de Tromp'Oleil (engana olho), com perspectiva e profundidade ilusórios. Tinha a função de aumentar ilusoriamente os espaços e conseguir o infinito. Os palácios pareciam imensos e redondos. Eles faziam pinturas nas quinas das paredes para dar a impressão de serem arredondadas. 13. Usavam muitas escadas, jogos de luz e muitas fontes. Tinham gosto pelo teatral. Era como se fosse um cenário.

O Barroco tem muito exagero, muito fausto, muita riqueza. Libera muita emoção na gente. O Barroco abraçou tantas ramificações artísticas que somente 200 anos atrás é que os historiadores chamaram esse acontecimento, no seu conjunto, de arte Barroca. Era uma mistura tão grande de estilo renascentista, egípcio, grego, etc, que ficou difícil definir na época o estilo Barroco. Temos os Barroco da Corte, das comunidades católicas e protestantes. O Barroco foi uma reforma na contra-reforma. Os países protestantes também a incorporaram por ter sido um movimento muito forte e bonito. O Barroco surgiu após a teoria de Copérnico que vai mudar para sempre o lugar do Homem no universo. A Terra, segundo Copérnico, é que se move ao redor do sol, não é mais o centro do universo. O Homem não é mais o único propósito da criação. O Barroco vai surgir nessa época com essa nova concepção, com novo sentimento de autorespeito, de orgulho. Isso tudo refletirá na arte ao saber que o Homem fazia parte de um mundo infinito, mostrando assim essas idéias através de luzes exageradas, impetuosas, em diagonal, como se realmente estivessem exprimindo o infinito. A História da arte mostra sempre o contexto do momento em que se está vivenciando. Ela abrange o campo científico, histórico, econômico e social. A época Barroca foi a de maior liberação do ver, do sentir e da intuição. A arte Barroca é a arte que passa a reconhecer que “A regra é apenas uma norma, jamais uma lei". Picasso séculos mais tarde disse: "Na arte não existe regra de beleza. Beleza é o que o instinto e o cérebro vai reconhecer como belo". 63

Fatos importantes que marcaram na época do Barroco A Inglaterra faz tratado de defesa com a Holanda em 1608 Em 1609- A Espanha reconhece a independência da Holanda. (A Espanha perde a Holanda). Em 1650- A Inglaterra importa chá da Índia, quebrando uma série de monopólios. Em 1656- começa a fabricação de meias (bem trabalhadas) em Paris. A Europa comprar meias só em Paris. Em 1626 a 1648- Acontece a guerra dos 30 anos que vai mudar muito a Europa. Em 1694- Estabelecimento do banco mais importante da Europa, o Banco da Inglaterra. Em 1675- surge o observatório de Greenwitch. Em 1678- vai ser reconhecido na França a profissão de cozinheiro-mor (tão importante como advogado). Depois cai a lei e retorna só em 1900. O cozinheiromor e confeiteiro-mor trabalham para o rei. Em 1679, na Inglaterra é criada a lei "ABIAS CORPUS" . BARROCO EM FLANDRES (Bélgica e Antuérpia) Pintura Flamenga é uma pintura de Flandres, jamais Espanhola. Na Bélgica se fala flamengo e francês. A pintura de Flandres vai ser muito importante no início do século XVII. O sul dos países baixos (Bélgica) continuava sobre o domínio Espanhol. É por esse fato que se usou o nome Flamengo, devido ao domínio espanhol que existia lá. Era o território mais rico dos espanhóis e que por ser espanhol continuava no seio da igreja católica. A pintura vai ser sobre a religião católica. A Aristocracia e a Igreja patrocinaram muito as artes e contribuíram muito para o surgimento do estilo Flamengo. Flandres recebeu muito bem o Barroco na pintura, menos na arquitetura. Os Flamengos viam no Barroco um pretexto para os ornamentos. Sendo assim, os edifícios na praça principal de Bruxelas é gótica na arquitetura, estrutura. Os ornamentos e a decoração externa é 64 passa a

Barroca. Para não demolir a estrutura, eles a deixavam por trás e enfeitavam com dourados e volutas na frente. As casas da Holanda também tem estrutura gótica e barroco nos ornamentos da frente. A arquitetura belga e holandesa é gótica e a decoração tanto externa como interna Barroca. BARROCO NA HOLANDA As províncias do norte dos países Baixos (Holanda), também tinham pintura Flamenga. Eram os países pobres da escola Flamenga. No século XVII os Holandeses eram protestantes quase não vai aparecendo pintura religiosa. É uma enorme mudança que ocorre na História da Arte. Rembrandt, por exemplo, sempre teve sua inspiração nas escrituras. Só que os temas que escolhia eram baseados no que ele via. Ele tinha que colocar o contexto das escrituras mas sempre no que ele via. O tema vai ter liberdade total. Vai pintar sobre as pessoas que convive no dia a dia. Caravaggio vai usar o "santo" enquanto que Rembrandt vai usar o homem do povo. Os Holandeses guerrearam contra a Espanha para não aceitar o catolicismo. Eles venceram e permaneceram protestantes. Eles tanto lutaram que ilustraram mais sobre essas guerras, combates do que a fé protestante. O tema da pintura Holandesa portanto será sobre essa guerra que participaram. Vermeer pintou muito também sobre a realidade do cotidiano. Jamais veremos uma pintura Holandesa com cenas mitológicas, cenas históricas ou abstratas (liberdade, fé). As pinturas de Rubens sobre a religião católica, idéias abstratas sobre a fé e liberdade, só foram feitas sob encomenda. O Holandês não vai pintar nada mitológico. Pintavam retratos das pessoas e tudo o que fazia parte da vida daquela pessoa na obra. Os burgueses viviam em casas confortáveis mas bem menores que as nossas. Não gostavam de viver em palácios. É por isso que não se encontra muitos palácios na Holanda. Não eram faustosos e a obra de arte tinha que ser pequena para caber nas casas em que viviam. Eram portanto pinturas pequenas que retratavam o cotidiano da época. A Holanda era um país próspero, o povo era muito trabalhador e tinha uma imensa indústria leiteira que abastecia toda a Europa. Sabiam construir muito bem barcos os quais eram vendidos e utilizados para navegar por todo o mundo. Tinham também monopólio do comércio das especiarias. Essas especiarias é que conservavam os gêneros alimentícios. Quando os navios faziam longas viagens a carne era conservada através desses condimentos. Era considerado fino ter um boi em casa conservado por condimentos. Rembrandt tem uma obra que mostra uma moça abrindo a porta e olhando para o boi pendurado. RESUMO: . Barroco na França - faustoso . Barroco na Itália - ligado ao catolicismo 65

Em 1645. volutas. na Espanha. portais ricamente esculpidos no estilo barroco. Parece dourada. É cenográfica com sua ampla escadaria na frente. É barroco mais tardio. Palácio principal de Viena.Igreja "Il Gesú" construída entre 1568 até 1577. frontão grego.: A arte Barroca Francesa é muito inspirada no classicismo. Capela dos inválidos em Paris . com suas fontes. construído em 1668. Holanda A grande praça em Bruxelas tem estrutura gótica e a decoração barroca.na Bélgica (chamada de Veneza do Norte). Obs. na fachada tem frontões. arcos. Roma. Brujes. Monastério de Melk. sua construção começou em 1717 e terminou em 1737. Igreja de Santo Inácio . Áustria. 66 ..: A catedral de Milão é gótica e não barroca e a catedral de São Pedro é da época do renascimento. A primeira igreja católica barroca foi construída em Roma e recebeu o nome "Il Gesú". à beira do Danúbio. Obs. na Itália. escultor e arquiteto grego da época clássica. árvores em diagonal.: A parte central da fachada nas Igrejas barrocas são sempre mais ricas que as laterais. Igreja de São Carlos Borromeu em Viena. A galeria dos espelhos e o imenso pátio com esculturas que não eram famosas.Roma. em Milão.de 1680.construída por Bernini. na praça do Mercado as casas tem frontões pontiagudos. próximo de Viena. Igreja de Santo André do Quirinau em Roma . escadarias. Tem reentrâncias e muita forma côncavo-convexo. colunas. volutas. frisos. Obs. Igreja de Santa Maria da Saúde em Veneza. na arte de Fídeas. Petit Trianon. A Praça Maior em Salamanca. Antigo colégio dos Jesuítas. inclusive a decoração é quase Rococó. Palácio de Brera. repleta de ouro. Igreja de São Lourenço em Turim. França Versailles. Igreja de São Carlos das 4 pontes . Vão ter colunas. Amsterdã também é igual.Construídos entre 1656 a 1665.planta de Borromini em 1667 . PRINCIPAIS OBRAS ARQUITETÔNICAS DO ESTILO BARROCO NA EUROPA E NA AMÉRICA: Itália Roma . é de 1630. lagos. Igreja de 4 andares. Espanha Palácio Real de Madrid é interno e externamente barroco. Praça de São Pedro e colunatas em frente a Basílica .

Não tinha o menor respeito pela beleza idealizada pois ela tinha que ser verdadeira. apesar do seu estilo barroco. 67 . Brigou com padres e bispos se indispondo com a igreja católica. Não soube quem era seu pai. Era como se os eventos sagrados acontecessem naquele momento. Ficou muito pobre e muito doente. É chamado pintor naturalista do estilo barroco. Estudou muito sobre a Bíblia. É hoje considerado pela "estética da arte" como pintor naturalista. Queria pintar a realidade tal como ele a via. Pintou muitas encomendas religiosas de uma forma nada convencional para a época.Portugal Santuário de Bom Jesus de Monte Braga. achavam que sua pintura era estranha e a sua fama só voltou no século XIX quando foi considerado um dos maiores pintores Barrocos. Ele cobrava seus quadros muito caro e gastava fácil o dinheiro com presentes. Ex. em João Pessoa Igreja e Mosteiro de São Bento. Tinha um temperamento muito impetuoso e mulherengo. porque pintava o natural e não o idealizado.: os apóstolos eram representados como trabalhadores comuns (o que eles realmente eram). no Rio de Janeiro MICHELÂNGELO DE CARAVAGGIO Nasceu em Milão no ano de 1573 e morreu em 1610. Após seu falecimento. México Catedral do México City. em Vitória Igreja da Ordem Terceira do Carmo. em Recife Igreja Nossa Senhora das Neves. mulheres e bebidas. em Olinda Convento e Igreja de Santo Antônio. No século XVIII Caravaggio "saiu de moda". trabalhadores braçais. Era pintado de forma muito real. com sífilis. BRASIL: Igreja de São Francisco de Salvador Ordem Terceira de Salvador Catedral de Belém Igreja do Rosário. Caravaggio foi muito briguento. Igreja de São Domingos no México. Caravaggio praticamente fechou o ciclo dos pintores italianos não aparecendo depois nenhum outro pintor importante. Igreja da Companhia de Jesus em Cusco.

É um dos maiores pintores da história da arte. No primeiro casamento sua esposa morreu quando ele tinha 52 anos. Pintava o que era faustoso. Casou-se com uma jovem muito rica e feia. Era muito mais sensual do que místico. Teve fama em vida como nenhum pintor já tivera. Rubens pintava os palácios e as igrejas. etc. Era muito intelectual e mantinha correspondência em latim com todos os intelectuais da Europa. não muito cedo. Era arqueólogo. Sofreu influência no começo de sua carreira do pintor Michelângelo de Caravaggio. não tendo nada de misticismo. Aprendeu logo a pintar e aos 23 anos em 1600 foi para Roma (paraíso dos pintores) onde ficou estudando por 8 anos. jóias. Era um homem interessante e se relacionava muito bem com os católicos e com os protestantes. na Holanda. na universidade de Leyden. cabelos. REMBRANDT VAN RIJN (1606-1669) Nasceu na cidade de Leyden (cidade das tulipas e da porcelana azul e branca). Era uma arte que estimulava a pompa e o esplendor dos palácios barrocos. Nasceu na Antuérpia. Volta à Antuérpia com 30 anos. No Louvre ele tem uma sala só com seus quadros. Bélgica. Foi considerado o maior pintor holandês. recebendo um belo dote. Ganhou muito dinheiro. No segundo casamento sua esposa tinha somente 16 anos e foi uma paixão que durou até a sua morte. Morreu rico. sensual. O rei da Inglaterra deu a ele o grau de cavalheiro "SIR". Durante sua vida artística sempre retratou a si mesmo por diversas vezes em várias épocas de sua vida. Começou a pintar. Fazia amizade com todos. Classe média bem situada. e passava isso para sua pintura.PETER PAUL RUBENS (1577/1640). saúde e força. ainda em vida. Fazia as mulheres bem arredondadas. maltratada. Pintou muito e prosperou bastante. Ele não fazia anotações como Leonardo da Vinci e nem era diplomata como Rubens. Abriu uma oficina de arte com 200 auxiliares. Chegou a colecionar obras de arte e até antigüidades. Todos os quadros que ele pintou retratando os dois. As suas telas são cheias de vitalidade e reais. etc. 68 . Comprou uma belíssima casa. Tinha mais encomenda do que podia dar conta. Não fez nenhuma mulher magra. porisso ficava atualizado com as descobertas através das correspondências. onde só formava pintores. Tinha muita facilidade com cores e com isso vai pintar muito bem o "nu". Foi morar em Amsterdã. Sua pintura era bem vigorosa. muito bonitas e cheias de vitalidade. jóias. como ele mesmo dizia. Era como se fosse um cônsul belga. Foi o protótipo do pintor barroco. decorativa e teatral. Era especialista em fazer o tom de pele (carnação) que parecia verdadeira. com uma alegria muito grande de viver. mas não tinha tempo para se dedicar. Era um homem iluminado. ele se pintava como se tivesse somente 30 anos. Com isso ele teve milhões de obras. Ele fazia o desenho e depois terminava o quadro pintando o rosto e as mãos dando uma unidade geral da obra. Rubens casou-se 2 vezes. Cada um era encarregado de uma especialidade na pintura como. Foi um homem muito feliz deixando também feliz todos os que viviam ao seu redor. Tudo o que pintava era com perfeição. roupagem. roupas. Foi quase um diplomata.

Fica tão pobre e doente que vai parar em um asilo. o sofrimento. Isso determinava aquela luminosidade. Pintou cenas de batalhas e voluntários da guerra. etc. Existe muito Rembrandt falsificado como o do MASP e o do Metropolitan. No final do trabalho ele integrava as cores e as pinceladas. Rembrandt pintou muito retrato de grupo de pessoas. a dor. tintas. tem o Vermeer na Holanda um companheiro. começa a namorar uma moça mais pobre ainda. depois os marrons. Os personagens tinham importância de acordo com a luz. Ele pinta seus auto-retratos como se fosse um ser humano bem real.: Ticciano e Raphael também assinavam as obras de seus alunos. Perdendo o mercado e ficando pobre. os amarelos. mais condizente com o puritanismo protestante ou com a mentalidade burguesa. Foi descoberto 15 anos atrás que muitas obras de Ticciano e Raphael eram de seus alunos. Naquela época ele tinha muitos ajudantes para pintar suas obras. o que causa muita polêmica hoje em dia em seus quadros. É estabelecer o conjunto de obras autênticas dos artistas. Barroco Protestante: Poussin. muito limpo e arrumado. É um meio de propagação e ação. Buscou a ordem no interior. Deixa de pintar para vender pincéis. Sistema de pintura de Rembrandt: Colocava primeiro todos os ocres. As vezes ele assinava o quadro de seus alunos para que fosse vendido mais facilmente. Rembrandt tinha muitos alunos talentosos. Cada aluno só pintava com uma cor. Sua popularidade como pintor cai após a sua obra "Ronda da Noite". Foi um péssimo administrador e acabou logo com sua fortuna. Vermeer teve pouquíssimas obras e não se sabe nada sobre sua vida. no rigor de suas linhas retas.Em 1642 morre sua esposa e fica viúvo com muito dinheiro. Ele fazia o desenho antes e marcava onde ia ter os pontos de luz. Naquela época todos pintavam igual ao mestre e hoje o objetivo é cada um ter que encontrar seu caminho na pintura. Na realidade seria muita obra pelo seu tempo de vida. Já tem o volumes 2. Em 1982 foi publicado o primeiro volume sobre as obras de Rembrandt e se refere as obras do período de 1625 a 1631. O projeto de pesquisa Rembrandt chama-se PPR. Não importava em saber quais os personagens que iriam ficar no escuro. Lembrete: Barroco Católico: A pintura torna-se instrumento para a Igreja. Ele retrata a essência da pessoa. 69 . Todos esses artistas constituíram no Barroco uma tendência construtiva. o calor humano. Não vai idealizar. Apareceram 600 obras de Rembrandt. Vai pintar os olhos penetrantes e fundos e utiliza muito os tons de sépia. por exemplo o ocre ou o marrom. Obs. É uma história de persuasão para “ganhar o paraíso ou padecer no inferno”. Os seus alunos pintavam igual à ele. A tinta à óleo utilizada era bem mais oleosa do que a de hoje. É por isso que encontramos hoje muitos quadros que não são realmente de Rembrandt. além dos seus alunos que pintavam como ele.

Vão retratar a arquitetura do campo. era melhor que o Barroco. Vai ter uma conotação muito forte principalmente na arquitetura que vai ser muito clássica. Barroco no Sul do Brasil: Com o ouro e a prata.A existência de tal grupo de artistas levou a reconsideração de toda uma linha interpretativa no Barroco. Egito. Nossa Senhora do Rosário. Gente sedentária de pouca iniciativa. OBRAS BARROCAS BRASILEIRAS: Algumas ruínas na igreja de São Miguel. (As missões) dos Jesuítas. não proporcionou possibilidades de atividades artísticas. Depois ele vai chegar ao excesso sendo chamado de "ROCOCÓ". com efeito. o povoamento se concentrou em Curitiba (Paranaguá). destaca-se Vermeer. Roma.: O Museu do Louvre é em parte barroco com suas colunas gregas. em São Paulo. Na arquitetura predominava o maneirismo. quartos. O nomadismo. em São Paulo. Entre esses artistas. em São Roque (séc. em Embú. é chamado pelos historiadores de "BARROCO CLÁSSICO". bem mais sensual (como o de Vermeer) e bem mais contemplado. Os historiadores achavam que o Renascimento por ser organizado. na França. Descobre o retrato dos camponeses e de suas vidas íntimas. Barroco no Campo: Vai ter outras expressões. Matriz de São Miguel. ao genes social do estilo. traria seu sentido. tavernas. incentivado pelo espirito bandeirístico. gênio da musicalidade da luz. Matriz de Santana do Parnaíba. O BARROCO. mas de harmonia nos contrastes. lojas. não de tensão nos contrastes. sem excessos e perfeito. Ele vai surgir no auge do Renascimento. de um classicismo dentro do próprio barroco. século XVIII. Barroco Clássico: É quando o Barroco mistura as artes da Grécia. Esse sim. Capela de Iporanga. Capela da Fazenda de Santo Antônio. É assim chamado de barroco clássico. Vão retratar cozinhas. O barroco protestante é bem mais contido. porque vai ter muita ligação com Roma e Grécia. em São Paulo. Obs. na Itália (Florença). Passou-se a considerar a existência de um barroco protestante e em seu aspecto genérico formal. 70 . XVII). que não as religiosas. no tocante. O mesmo se dava em São Paulo.

mas sim para decorar. Roma não vai ter Rococó nem em igrejas e nem em lugares públicos. (Ler o livro "O tempo e o vento" de Érico Veríssimo. Foi mal restaurada. O móvel colonial aveludado. O Flamejante surge no final do barroco em Roma. em São Paulo. Igreja de São Francisco. porque é limpo. em São Paulo. com raras exceções. Países Baixos não usam Rococó. Igreja de Embú. Igreja de São Vicente. Parati é toda barroca. um pouco antes do Rococó.Município de Santo Ângelo no Rio Grande do Sul. Na Áustria e na Alemanha não chegou a ter o barroco clássico. Só vai acontecer em Roma. de 1554. na arte decorativa dos mobiliários e tapeçarias. 71 . que vai relatar sobre as Missiones). em Itanhaém. Galpões das fazendas também são do estilo barroco. Moram em casas pequenas. Toda igreja gótica tem contraforte e arco botante. O ROCOCÓ só vai ocorrer na França. Igreja de Nossa Senhora. São burgueses e muito práticos. em adornos. em São Paulo. Áustria e Alemanha vão estilo Rococó na parte interna das casas. Pátio do Colégio. Estilo colonial significa que vem das colônias portuguesas. O arco botante e contra forte utilizados nas igrejas barrocas não são para dar auxílio a arquitetura.: Colonial e Barroco é a mesma coisa. Não existe a pintura Rococó porque este estilo só vai aparecer na decoração e no interior das casas. Versailles é de estilo Rococó por dentro e tem por fora uma arquitetura clássica barroca. Eles queriam enfeitar mais ainda as igrejas (as últimas que foram construídas) se inspirando muito no gótico. é uma versão muito mal interpretada do estilo barroco. Barroco Flamejante: O auge do Flamejante é no Gótico. Obs. “clean”. Ruínas da igreja "Missiones".

Tem no centro um obelisco egípcio e muitas luzes. Já o David de Bernini é humano. que é renascentista e barroca. Borromini depressivo foi distanciando-se de Bernini. Todas as construções em Roma eram feitas eles.DOIS ARQUITETOS MUITO IMPORTANTES DA ITÁLIA: BERNINI (1598-1680) Foi o maior arquiteto e escultor do seu tempo. em Roma. A decoração é barroca. Trabalhou muito na Basílica de São Pedro. São 4 colunas Salomônicas de Bronze. 72 . Emocionalmente instável o que o levou ao suicídio. “Santa Teresa” foi uma grande santa na época da contra-reforma. Bernini fez o Tabernáculo que se encontra no fundo da Basílica de São Pedro. na Igreja de Santa Maria de La Vitória. É uma arquitetura fantástica e difícil para ser executada com a tecnologia da época. como se fosse de borracha. fechado. mulherengo. Outra obra: Piazza Navona com uma fonte maravilhosa. mal-humorado. falante e conquistava a todos. o rei dos reis. muito reservado. Embaixo do tabernáculo se encontra o Túmulo de São Pedro. Quieto. Bernini era um homem simpático. Borromini fica tão deprimido que acaba suicidando-se. Bernini e Borromini são o auge da escultura e arquitetura barroca em Roma. em Roma. O barroco deixa a obra em aberto para que você a conclua. Como essa igreja demorou muito para ser construída ela passou por diversos artistas em diferentes épocas. Não interfere com o resto. charmoso. Tem arcabouço e cúpula renascentistas. também de estilo barroco. No renascimento não existe essa abertura. Nos quatro cantos tem muita escultura de anjos e atrás tem um vitral iluminado. Bernini também fez a escultura de David sem o “Golias” de forma tão perfeita que você percebe a falta dele. É plasticamente perfeito. Não tinham ciúmes um do outro. Nesta mesma praça se encontra a Embaixada Brasileira. sozinho. bonitão. impávido. Borromini e Bernini eram amigos e confidentes. pois a obra é perfeita e não tem o que terminar. O telhado dessa igreja é côncava e convexa. É uma obra em aberto. BORROMINI Era o oposto de Bernini. Quem trabalhou na cúpula foi Michelângelo. É muito diferente do David de Michelângelo. Grande projeto de Borromini: Igreja de São Carlos (com 4 fontes). Obra prima de Bernini: Capela Carnaro onde está o "Êxtase de Santa Teresa".

PINTORES BARROCOS JAN VERMEER VAN DELT (1632 a 1675) Nasceu no Delta. Morreu cedo aos 43 anos. Não pintou muitos quadros, mas o que pintou foi considerado obra-prima. Pintou figuras bem simples com tarefas singelas como: limpar, tocar, varrer, olhar. Mulheres em seus afazeres domésticos e sempre no interior das casas holandesas. Consegue o milagre de transformar essas cenas através de texturas, cores e formas, como se fossem velhos retratos. Ele suaviza os contornos, dá muita luz e serenidade nas suas obras. Dá muito Recollection. Pinta o que ele vê. Não se sabe sobre a vida do Vermeer os livros não chegaram à um consenso. Usavam óleo e têmpera no Barroco. DIEGO RODRIGUES DA SILVA Y VELÁSQUEZ Sofreu grande influência do Caravaggio. Quando ele tinha 20 anos pintou sua famosa tela "O Aguadeiro de Sevilla". Perceberam daí que ele era um gênio por ser tão jovem e pintar tão bem. Fica muito amigo de Rubens que percebe o seu talento sugere a ele então que vá estudar em Roma. Visitou os museus de pintura em Roma para estudar os grandes mestres. Foi ver o que Michelângelo e Raphael tinham feito. Descobre que não tem muito o que aprender lá. Em 1630 passou 1 ano em Roma e voltou logo à Madri. Em Madri é nomeado pintor da Corte de Felipe IV. Vai ficar em Madri até o fim de sua vida. Sua tarefa era pintar os membros da corte de Felipe IV cuja família era muito feia e se vestiam muito mal. Eram considerados "cafonas". Ele transforma esses retratos em pinturas fascinantes, captando até a personalidade das pessoas retratadas. Vai empregar muita luz em seus quadros. Sua pintura tem um realismo visual muito diferente da pintura do Renascimento. Realismo visual é a impressão geral de um objeto e não só de um detalhe. Ex.: Com uma só pincelada dava a impressão dos pelos de um cão. Vai ser o gurú dos impressionistas mais tarde. Sua pintura tem pinceladas bem largas e soltas. Seu quadro mais famoso é "As Meninas", o qual se encontra no Museu do Prado. Ele consegue retratar o momento real do tempo muito antes de inventarem a máquina fotográfica. Essa obra “As Meninas” será muito ambígua. Você não sabe se Velásquez está pintando o Rei e a Rainha ou se está pintando as meninas. Ele deixa essa dúvida de propósito. O termo "As Meninas" era usado para se referir as damas de honra na época. Esse título foi dado pelos historiadores. Após sua morte foi pintado, no peito de seu retrato, uma condecoração em sua homenagem. JORGES DE LA TOUR (1593-1652) É um pintor francês. Mestre dos efeitos luminosos. Sua pintura é muito original. Vai usar muito claro-escuro utilizando-se do efeito da vela, pintando muito rápido. Vai passar a narrativa suave do caráter transitório. Muita ternura e intimidade. Muito recollection. 73

FRANCISCO GOYA (1746-1828) Nasceu em Saragosa, na Espanha Um dos grandes pintores de todos os tempos. Obs.: A Espanha é riquíssima por pintores famosos: Ex.: Velásquez, Murilo, Goya, Dali, Picasso, Miró. Aos 13 anos foi estudar com um pintor que se chamava Don Lusar. Ele não gostava de pintar, desenhar ou fazer tintas. Decidiu participar mais das touradas não deixando a pintura. Mais tarde tentou entrar na Academia de Artes em Madri não passando nos exames. O pai fica arrasado. Tenta novamente três anos mais tarde e novamente fracassa. Arrasado e frustrado, resolve ser toureiro. Recebeu uma chifrada no joelho ficando manco por muito tempo o que impedia essa atividade. Resolveu ser pintor na Itália. Lá, passeando num campo, em frente a um convento, vai conhecer 2 freiras e se apaixona por uma delas. Vão se corresponder por carta até que resolve raptá-la. A freira amarrou um monte de lençóis e jogou por cima do muro para que ele pudesse subir. Como ele estava manco e bateu com o joelho no muro, Goya cai ao chão machucando muito a cabeça. Depois dessa tragédia toda o romance acaba por aí. Vai para a cidade de Parma, na Itália, conseguindo entrar na Academia Real da Itália. Começa a pintar já com uma certa idade. Vende muito bem as suas obras. Escreve para seu pai comunicando que estava pintando muito e ganhando dinheiro. O pai pede que ele retorne a Saragosa. Lá em Saragosa vai ter muitas encomendas como pintor. Vai à Madri onde receberá uma encomenda muito grande de pintar uma série de canvas (cartões desenhados para que as pessoas pudessem depois bordar). Era quase que industrializado, Vai pintar o povo, os jovens que eram chamados de najas (ricos da época) e que mudariam muito o comportamento social da época. Esses najas vão ditar muito a moda na época. Em 1780 ele foi eleito por unanimidade Membro da Academia de Arte de Madri (que o havia rejeitado 2 vezes). Casa-se com Josefa e começa a ter uma vida de luxo e de riqueza. Compra um cabriolé (seria um carro conversível hoje) para sua esposa desfilar. Vai comprar também muitas jóias e ações para o futuro. Tem um filho chamado Francisco Xavier Pedro. Vai ser nomeado mais tarde Pintor da Corte do Rei (título máximo). O rei da época era Carlos IV. Goya vai ter uma doença infecciosa ficando à beira da morte. Nessa época não existia a penicilina. Consegue sobreviver mas fica surdo para o resto de sua vida. Essa surdez torna-o visualmente mais agudo. Vai pintar também a Corte Espanhola. Será uma releitura de Velásquez, pintando sem compaixão toda a família do rei. A rainha parecia um abutre, as condecorações dos condecorados eram como se fossem teias de aranhas. Toda a Corte tinha olhos lacrimejantes e boca murcha. Mesmo assim eles vão adorar porque vai ter muito luxo nas roupas, muita esmeralda, muito veludo, enfim, muita suntuosidade. Eles só se importavam com o luxo. Góya acaba recebendo muitas encomendas e ganhando muito dinheiro.

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MÚSICA BARROCA:
Apareceram muitos instrumentos novos na época do barroco o que fez com que a música ficasse muito mais rica. Apareceram os conjuntos de Câmara e a Ópera que conhecemos hoje. O conjunto de Câmara tinha a mesma função que um aparelho de som tem nos dias de hoje. O instrumento mais importante que vai surgir é o violino e é com ele que vai se enriquecer a partitura. Antônio VIVALDI teve um gênero inovador, além de ter sido excelente compositor e muito habilidoso para tocar. Suas obras mais conhecidas são: Ex.: As quatro estações de Vivaldi Concerto La Stravaganzza Muitas cantatas Foi considerado, pelos críticos no século XX, o “Caravaggio” da música Barroca. É praticamente o primeiro grande compositor que surge e que vai influenciar muito os compositores posteriores de sua época. Joan Sebastian Bach, protestante, tinha paixão pelas igrejas góticas católicas e seus detalhes. É onde vai buscar inspiração para compor nesse estilo gótico (como as rosáceas, vitrais e sobre as minúcias). Foi mestre de capela, que era tão importante quanto pintor da corte. É o homem que vai reger, o maestro, o diretor. Deixou cantatas, missas, corais, "Paixão Segundo São Mateus", "A Grande Missa", "Cravo Bem Temperado", os "Concertos Braudenburguer", as "Fugas". As fugas tem um conteúdo psicológico, não significando uma fuga dos problemas, mas sim uma fuga da perda de um sentimento, uma emoção, com inteligência, com consciência. Uma fuga dos empecilhos emocionais. É a consciência livre, solta, uma fuga sem perdas, "deixando tudo para trás numa boa". Haendel, alemão, é o próprio compositor barroco. A sua obra é monumental, forte. Fez a obra "Doze Concertos de Gross". Hayden, compositor refinadíssimo que compôs sonatas, quartetos, sinfonias. Começou a tocar em Conjunto de Câmaras nas casas dos nobres, como mero tocador. Fez a "Sinfonia de Londres" e o "Quarteto do Imperador" que foi utilizado, em parte, no Hino Nacional da Alemanha.

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Obras: Sinfonias. "Concerto em Dó Menor". quando houve a mudança da capital do Brasil para o Rio de Janeiro. A mão de obra vai ser brasileira. O que existia em madeira vinha de Portugal. Dois grandes escultores Brasileiros do século XVII são: Frei Agostinho da Piedade (1620-1661). Tem gênero melancólico. Era Austríaco e tocava desde os 5 anos. Naquela época onde existia tempo para pintar a Capela Sixtina em 5 anos ou Velásquez 4 anos para pintar "As meninas". "Requiém" que é muito lindo e triste. depois que os Holandeses foram expulsos do nordeste (Pernambuco) e as igrejas destruídas pela invasão. As esculturas de barro eram cozidas em forno de pão. É o final de Versailles. volta ao passado. etc. Vai ser uma busca para novos estilos. foram muitas delas restauradas pelos brasileiros. É uma busca do tempo perdido onde cada 50 anos vai valer 500. com a independência do Brasil. A música de Mozart foi elaborada numa época de despedida. dos próprios índios. 76 . o barroco que estava no auge já estava sendo abandonado e estavam começando o neoclassicismo. Criou tudo o que foi possível em música. porque os índios e os negros vão construir igrejas. Em 1822. Nessa época o mundo perde as coisas fortes como o prazer. "Concerto em Ré Menor". Frei Agostinho de Jesus (1600-1661) O museu de Arte Sacra de São Paulo tem suas obras. Os missionários aqui no Brasil traziam artistas da Europa ou treinavam a mão de obra escrava. o prazer de viver. BARROCO BRASILEIRO O Barroco no Brasil atingiu seu apogeu em 1763. trabalhou muito com barro. gênio que apareceu no Rococó (final do barroco). Frei Agostinho de Jesus nasceu na Bahia e foi educado em Portugal.de Prússel (?) vai ser descrito sobre os séculos XVII. para serem artistas também. porque Rococó é o final do barroco. XVIII. "Em busca do tempo perdido". XX e XXI. Sua composição começa a sugerir um mundo que começa e uma outra forma de viver.Mozart. para depois começar a corrida no século XX pelas máquinas. Frei Agostinho de Jesus circulou muito no Rio de Janeiro e São Paulo. XIX. Nessa época os portugueses esculpiam em madeira. A Igreja da Bahia. a doçura de viver. indústrias. a "Ópera Don Giovanni". enquanto os brasileiros em barro. Fez muita escultura em madeira que aprendeu em Portugal. esculturas.

A cidade vai se tornar o centro cultural do país. as igrejas barrocas começaram a serem construídas de forma diferente do barroco mineiro. A Igreja da Ordem Terceira de São Francisco. Às vezes traziam uma igreja quase inteira. As primeiras construções barrocas tinham linhas mais estilizadas devido ao pouco material que conseguiam para a construção. não existia essa dificuldade.: A primeira Igreja do Brasil é a do Pátio do Colégio em São Paulo. O Barroco Mineiro é forte. O mineiro. Ex. feita por um arquiteto português chamado Francisco Xavier de Brito. vai ter no seu trabalho.: A igreja de Olinda foi restaurada na época (+/-) 400 anos atrás. Nesse livro ele explica tudo isso e se refere sobre a mata atlântica como uma “muralha”. Livro recomendado: "A Muralha" de Inácio de Queirós. na sua pintura e arquitetura um estilo diferenciado. em Salvador é toda barroca (de Lisboa). que é um povo diferente. O exterior é simples e o interior é riquíssimo. Com isso o barroco nordestino vai ter uma influência muito grande de Portugal. Nosso estilo forte é o feito em barro. com muitas luzes. em Santos. Tudo é bem pensado para que você sinta emoção. Barroco no Rio de Janeiro: no princípio o Rio de Janeiro era quase um vilarejo e quando abriram a estrada do caminho novo que ligou Minas Gerais ao Porto do Rio de Janeiro. Entre os anos 1600 a 1800. que era montada aqui. Outras levaram quase 50 anos para ficarem prontas por falta de mão de obra qualificada. Artistas plásticos. da tarde tem um coral cantando. Quase todos os materiais de construção eram importados. Mostra a dificuldade dos bandeirantes no transporte do material. do ano de 1554. arquitetos. interessante e se diferencia completamente dos outros.Ex. com muitos entalhes. começou a escoar todo o ouro pelo porto. Ao redor do Porto. resultando em construções mais ricas na região. cheia de movimento como todo estilo barroco. AS 3 FASES BARROCAS COLONIAIS: A primeira fase ocorre na descoberta do Brasil. como pode ser visto na Igreja Nossa Senhora do Carmo. músicos e intelectuais começaram a chegar no porto do Rio de Janeiro. A Igreja de São Francisco. Ela começa bem simples e vai se sofisticando a medida que chega material. é lindíssima e levou quase 100 anos para ser feita. principalmente o mineiro. É dramática. Às 6 hs. Quase todas as construções grandes foram feitas no Rio de Janeiro. de navio. Tinham uma dificuldade muito grande no transporte do material de São Vicente para São Paulo. 77 . onde o material chegava de navio. mudando completamente a vila. O escritor Fernando Sabino (mineiro) escreveu para Carlos Drummond de Andrade um texto sobre o povo mineiro.

para todas as classes sociais. das imagens. cada uma tinha sua maneira de distribuir os fiéis na igreja. que o barroco brasileiro mineiro é num todo mais rural. Mariana. menos rebuscado que o barroco do resto do Brasil. pode-se dizer. Obs. Tinha uma conotação social. Por esse motivo o negro vai construir sua própria igreja. Era muito importante ter um lugar para ser feito o “sermão”. na igreja mineira. Na América Latina coexistem 2 tipos de barroco: O Luso-Brasileiro e o Hispânico-Americano. mas não podiam ser vistas. das pinturas. O assunto do sermão abordava os problemas atuais do momento e do local. As ordens religiosas Carmelitas. Eram venezianas "quadradinhas" que avançavam um pouco para frente como se fossem "Bay window". dessa sóbria elegância. tendo grande influência entre eles. significava a influência moura ou árabe. A divisão física da igreja mineira também difere do resto das igrejas brasileiras. desse senso de medida e proporção. de um modo geral a irmandade Franciscana. antes dos 14 anos. menos monumental. As jovens dentro de casa podiam ver através dessas janelas. O católico mineiro posicionou a igreja como sendo a localização geográfica mais importante do vilarejo. ocorre uma vontade de dominação do povo através do ouro. Essas janelas vão aparecer até no nordeste. As classes sociais vão ocupar espaços diferentes na igreja. Por vezes os dois se aproximam. Na Nave. Ex. Moucharabi. Influência política que ocorre no barroco na construção ou arquitetura: Com o processo revolucionário da Inconfidência Mineira. na tentativa de harmonizar a vida naquele vilarejo. Existia uma hierarquia. Outro aspecto importante era o realismo das esculturas. Tudo acontecia em função do ouro. Outra característica é que ele vai pouco a pouco se transformando num estilo representativo dos anseios do povo. Isso deu 78 . não rebuscada. eram levadas para a igreja com o véu ou lenço sobre seus rostos. É justamente dessa simplicidade. por sua vez. a grosso modo. Foi confiada a mão de obra local dos mulatos e negros. Dominicanas. Elas se comunicavam através de bilhetes que passavam pelas frestas da janela. Em Minas Gerais o "negro" só entrava na igreja para acender as lamparinas. que vai aparecer nas casas de Ouro Preto. que o barroco mineiro extrai sua força e originalidade.: A Igreja mineira. colocava no altar mor a irmandade. Assim. era feito em uma linguagem acessível. Sabará. Depois dos 14 anos elas podiam ir sem véu e com o cabelo solto para poder arrumar pretendentes. os homens ficavam separados das mulheres e os Balcões Laterais eram reservados para as autoridades e seus familiares. O nosso barroco é diferente dos das Américas Central e Sul. O sermão. mas nunca se confunde um com o outro. resultado da cobiça do ouro. desse despojamento.O auge do barroco mineiro ocorre com a descoberta de pedras preciosas e ouro em uma grande região que vai ser denominada Minas Gerais. As jovens. Franciscanas.

Era um fazer a arte quase que irracional. Os púlpitos são colocados na entrada da capela-mor. porque deformava com apelo à emoção. não premeditado. tem na garganta uma corda e o coração está sangrando. Manuel da Costa Athaíde que nasceu no ano de 1762. Era o que eles viam. Quem pintava era Athaíde (grande arquiteto também). Aleijadinho vai trabalhar muito com o tema Inconfidência Mineira. Os evangelistas que Aleijadinho vai esculpir tinha as feições do mandachuva da cidade. A arte de um povo tão jovem tinha que mostrar atrevimento. Ele somente não a pintou. As pilastras são substituídas por colunas nas fachadas. Teve esse apelido aos 50 anos de idade devido a uma doença que atrofiou e deformou os seus dedos.: a Bíblia Ele esculpia com o instrumento amarrado à sua mão. construída e decorada somente por Aleijadinho. O teto foi pintado por Manuel da Costa Athaíde que vai fazer uma pintura lindíssima com pássaros.oportunidade aos artistas de trabalharem com esse material e utilizar o barroco como forma criativa e original para expor seus desejos. A pintura da Madona (que é parecida com a namorada dele) e os anjos são mulatos. Era mulato. onde executou a maior parte de suas obras. Deve provavelmente ter sido reumatismo deformante. Duas obras arquitetônicas de Ouro Preto são fundamentais para conhecer a arte de Aleijadinho: São Francisco de Assis: Início em 1776 e término em 1794. Satanás será o malfeitor da zona de prostituição. foi considerado o maior estilo e artista brasileiro da época barroca. Seus dedos não caíram. Cristo aparece com as mãos e pés decepados. Jeremias tem os pés presos no grilhão. Suas faces são castigadas sem piedade pelo Aleijadinho. sonhos e fantasias. tal qual dos escravos fujões. em Vila Rica. Esses artistas são: Antônio Francisco Lisboa (Aleijadinho) que nasceu no ano de 1774. em Mariana (cidade vizinha de Ouro Preto) e vai morrer em 1837. Na época usava-se o termo "encarnar" que significava o mesmo que pintar. Seu estilo que é do tipo “expressionista". A igreja foi desenhada. Viveu 26 anos em Congonhas do Campo. 79 . Os flageladores e perseguidores de Cristo são ridicularizados por pobres e ignorantes. Os anjos vão ser os meninos robustos que trabalhavam nas ladeiras. Nunca estudou e nunca foi a Portugal mas era auto didata e aproveitava tudo o que existia de informações ao seu redor como ex. Isso é feito na época em que Tiradentes foi decepado e esquartejado. São caras bem distorcidas. O altar-mor foi feito na época da Inconfidência Mineira. Tudo era baseado no povo. Esculpia em cedro e em pedra sabão. Era o oposto da Europa. Athaíde também era mulato e Aleijadinho era filho de escravo com Português.

de Dirceu e Marília (recebe este nome por estar em frente a casa do casal). pois era uma arte barroca. Outro mestre mineiro: Carlos Drummond de Andrade. porque Aleijadinho é no tempo e na história. Todos são expressionistas e feitos em madeira pelo Aleijadinho. Você a vê como uma mulher do povo. A cada canto da abóbada dessa igreja. belíssima. em qualquer ponto da igreja. segundo a sugestão de Aleijadinho. 80 . Ele também não tinha dinheiro para investir tanto. pedrasabão e itacolomi. Eles foram portanto refeitos. Congonhas do Campo: Guarda o maior conjunto artístico criado pelo mestre Aleijadinho. nações fortes e fracas. é sereno. Existem cupins (que atacam pedras) e estão destruindo tudo. Ele vai mudar até a perspectiva para que pudesse ser vista por todos. Desenhada pelo pai de Aleijadinho. Muda as linhas de fuga para conseguir esse efeito. É uma igreja que recebeu mais pintura do que as outras e os azulejos foram pintados por Athaíde imitando os de Portugal. O rosto da Santa. Ele é o símbolo dessa verdade simples. tem uma grande figura como São Agostinho. Aleijadinho achava que a pintura deveria ser diferente da pintura Portuguesa. por falta de tempo. São os doze profetas feitos em pedra-sabão. São Gregório. O Arco-cruzeiro que está na frente é atribuído também a Aleijadinho. Chafariz de Ouro Preto: Não se encontra na Europa. etc. Aleijadinho não detalhava os pés e nada da cintura para baixo. A pintura é de Athaíde. pai de Aleijadinho e terminada pelo próprio Aleijadinho. Santo Ambrósio e São Jerônimo. o seio bem modelado e não sensual. Não tinha importância. a afirmação austera e firme do poder da grandeza dos povos humildes e porque ele é universal na sua arte. Foi toda pintada por Manuel da Costa Athaíde. no Santuário do Senhor Bom Jesus do Matosinho. carnudo. tem banco para sentar e namorar. de Athaíde. Essas pedras são todas de tonalidade cinza. acabava às vezes num caricatural do expressionismo. com apelo maternal. que escreveu o Barroco Mineiro: Trecho onde se refere a entrada da Igreja em Congonhas do Campo: "Não entrarei Senhor no Templo Seu Frontispício me basta Vossas flores e querubins Já são matéria de muito amar". Este trabalho se encontra ao relento. Essa igreja foi desenhada por Manuel Francisco Lisboa. Este era o modo típico de expressão de Aleijadinho. O expressionismo tradicional no Brasil. da Ponte. Matriz Nossa Senhora do Pilar: Situada em Ouro Preto. Conjunto de 66 figuras de madeira: São os Passos da Paixão e ficam em capelinhas de madeira também ao relento. tem doçura na carne. Quem fez o projeto foi Aleijadinho que somente iria orientar a obra. São de tamanho natural e "encarnados" (pintados) por Athaíde. toda feita de pedra cantareira. No plano da arte não existe homens pequenos e grandes.A Nossa Senhora é vista por vários ângulos. Nossa Senhora do Carmo é uma Igreja muito importante. em que o artista (sem escola) se improvisava no esforço de alcançar o jeito de exprimir um sentimento. Chafariz do Conto. no Adro da igreja (entrada). sugerindo a Athaíde que mudasse os azulejos. É como se fosse uma mãe.

marco do rococó bávaro. elegância. pastorais. na Prússia e em Portugal. o centro artístico da Europa transferiu-se de Roma para Paris. Nos primeiros anos do século XVIII. o rococó é também chamado estilo Luís XV e Luís XVI. tais como conchas. Na França. a luz difusa inundou os interiores por meio de numerosas janelas e o relevo abrupto das superfícies deu lugar a texturas suaves. Os temas utilizados eram cenas eróticas ou galantes da vida cortesã (as fêtes galantes) e da mitologia. difundiu-se principalmente na parte católica da Alemanha. Surgido na França com a obra do decorador Pierre Lepautre. o rococó era a princípio apenas um novo estilo decorativo. entre 1700 e 1780. Desenvolveu-se na Europa do século XVIII. por volta de 1770. bizarro. frivolidade e exuberante. o rococó foi a principal corrente da arte e da arquitetura pós-barroca. 81 . e da arquitetura disseminou-se para todas as artes. Principais características: · Cores vivas foram substituídas por tons pastéis. alegria. Grande mestre do estilo rococó. mosteiros e palácios. alusões ao teatro italiano da época. que significa "embrechado". responsável pela abadia beneditina de Ottobeuren. Vigoroso até o advento da reação neoclássica.ROCOCÓ Rococó é o estilo artístico que surgiu na França como desdobramento do barroco. Características gerais: · Uso abundante de formas curvas e pela profusão de elementos decorativos. · A estrutura das construções ganhou leveza e o espaço interno foi unificado. responsável por vários edifícios na Baviera. laços e flores. Principal Artista: Johann Michael Fischer. mais leve e intimista que aquele e usado inicialmente em decoração de interiores. O termo deriva do francês rocaille. Restaurou dezenas de igrejas. motivos religiosos e farta estilização naturalista do mundo vegetal em ornatos e molduras. (1692-1766). · Possui leveza. com maior graça e intimidade. técnica de incrustação de conchas e fragmentos de vidro utilizadas originariamente na decoração de grutas artificiais. caráter intimista. ARQUITETURA Durante o Iluminismo.

"Anunciação". 82 . (1732-1806). Além dos quadros de caráter mitológico. quer estilisticamente. as expressões ingênuas e maliciosas de suas numerosas figuras de deusas e ninfas em trajes sugestivos e atitudes graciosas e sensuais não evocavam a solenidade clássica. Principais Artistas: Antoine Watteau. o rococó francês ficou restrito às artes decorativas e teve pequeno impacto na escultura e pintura francesas. (1725-1775). (1703-1770). paisagens ("O casario de Issei") e cenas de interior ("O pintor em seu estúdio"). apareceram as primeiras pinturas rococós sob influência da técnica de Rubens. Suas esculturas eram em geral feitas em madeira e a seguir policromadas. escultor alemão. as figuras e cenas de Watteau se converteram em modelos de um estilo bastante copiado. que durante muito tempo obscureceu a verdadeira contribuição do artista para a pintura do século XIX. não é possível traçar uma clara linha divisória entre o barroco e o rococó. membro de um grupo de famílias de mestres da moldagem no estuque. mas a alegre descontração do estilo rococó. escultor alemão. François Boucher. caracterizado por uma arte alegre e sensual. ao contrário do que ocorreu na arquitetura. desenhista e retratista de talento.ESCULTURA Na escultura e na pintura da Europa oriental e central. No final do reinado de Luís XIV. PINTURA Durante muito tempo. Foi um dos últimos expoentes do período rococó. pintou. sempre com grande perfeição no desenho. Os grandes grupos coordenados dão lugar a figuras isoladas. um dos maiores representantes do estilo rococó na Alemanha. quer cronológica. distinguiu-se pela criação de santos e anjos de grande tamanho. Principais Artistas: Johann Michael Feichtmayr. Ignaz Günther. Jean-Honoré Fragonard . em que se afirmou o predomínio político e cultural da França sobre o resto da Europa. que dessa maneira contribuem para o equilíbrio geral da decoração interior das igrejas. de cenas galantes em paisagens idílicas. (1684-1721). Fragonard destacou-se principalmente como pintor do amor e da natureza. "Pietà". é em sua disposição dentro da arquitetura que se manifesta o espírito rococó. Mais do que nas peças esculpidas. e um dos mais antigos precursores do impressionismo. obras-primas dos interiores rococós. (1709-1772). "Anjo da guarda". cada uma com existência própria e individual. alguns retratos.

o povo são os vencedores. o "Arco do Triunfo" (mandado ser construído por Napoleão). O pintor néo-clássico fica tão ligado ao clássico. com suas virtudes. 83 . nas roupas. pela imitação dos modelos antigos greco-latinos. através das escavações. levando-o a uma pintura pejorativa. Pintam cenas de arqueologia e cenas heróicas. Com a revolução francesa eles se achavam a própria encarnação dos heróis gregos e romanos. de comer. Vai cair a "Maria Antonieta" quando diz ao povo. Todos são néo-clássicos. Abandonando o estilo barroco que era trabalhoso. Começam a usar as formas gregas e góticas nas construções. onde a burguesia. isto é. O néo-clássico vai copiar o clássico e ao adaptar à sua época. um recomeçar. Tudo isso vem como conseqüência da revolução. A escultura grega na Itália era feita sem os olhos. Principais características: * retorno ao passado.: As esculturas gregas originais quando feitas em mármore tinham os olhos pintados e quando feitas em bronze tinham pedras para decorar os olhos. isto é. sujeição aos modelos e às regras ensinadas nas escolas ou academias de belas-artes. Em Paris vão construir a Igreja "La Madeleine". Os pintores imitam as esculturas na suas pinturas. por toda Europa e resto do mundo. como se fosse um grego. à base de cera. * arte entendida como imitação da natureza. Foram descobertas nessa época. Pintam fatos históricos. Surge o estilo Império. o néo-gótico. As pinturas que eram "encáusticas". Grécia. por sua vez. Napoleão pede para ser pintado com a mão no bolso. Por esse motivo temos o néo-classicismo. * academicismo nos temas e nas técnicas. as cidades de Pompéia e Herculano. sobre a literatura medieval e sobre a mitologia. Como exemplo vai surgir o Néo-classicismo na Inglaterra com as construções de castelos néo-góticos. num verdadeiro culto à teoria de Aristóteles. temos como conseqüência a mudança do estilo na arte. No renascimento existe uma renovação da antigüidade. que dessem brioches à eles. vai surgir o espírito dos tempos modernos. Na época do néo-classicismo. depois o gosto geral de se vestir. que estava morrendo de fome. etc. com a Revolução Francesa. É o começo dos tempos modernos da história da Arte. Todos ficam muito ligados a Roma. Com o passar dos tempos os cristãos tiraram as pedras preciosas dos olhos das esculturas que então ficaram sem o olhar. quase que caricaturista.NEOCLASSICISMO No final do século XVIII. que esquecem dos detalhes. Obs. foi derretendo com o tempo. piora um pouco a arte. que vai aparecer no mobiliário. pintou Napoleão sem os olhos. Os pintores achavam que as esculturas gregas não tinham olhar de propósito e não que fosse devido a uma destruição do tempo. O pintor néo-clássico.

Sua obra abrange. em Paris. Suas obras geralmente expressam um vibrante realismo. Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867). e não o retórico e inflamado Delacroix. principalmente no gosto pelo poder e na sua confiança na individualidade. Ingres passou a vida brigando contra a vanguarda artística francesa representada pelo pintor romântico Eugène Delacroix.C.foi considerado o pintor da Revolução Francesa. Amante declarado da tradição. Seus retratos são invariavelmente enriquecidos com mantos aveludados. Características da pintura: * Formalismo na composição. por exemplo. tornou-se o pintor oficial do Império de Napoleão. sobretudo em Rafael. Exemplo: Casa Branca dos Estados Unidos. Obra destacada: Bonaparte atravessando os Alpes e Morte de Marat. repetia a seus alunos. Jacques-Louis David . mas algumas delas exprimem fortes emoções. 84 . * Exatidão nos contornos * Harmonia do colorido Os maiores representantes da pintura neoclássica são. Durante o governo de Napoleão. retratos e paisagens. no ano de 79 a. ele afirmava. Diante daquelas construções. sem dúvida. transformada depois no Panteão Nacional. refletindo racionalismo dominante. na recusa a produzir qualquer julgamento moral a respeito deles. rendas. flores e jóias. e a Porta do Brandemburgo. contudo foi Ingres. Ardoroso defensor da pureza das formas. que desenhar uma linha perfeita era muito mais importante do que colorir. mestre inegável do equilíbrio da composição. Para seu conhecimento: Forte influência da arquitetura neoclássica foi a descoberta arqueológica das cidades italianas de Pompéia e Herculano que. ocasionando a construção de tantos edifícios brancos. mas a crítica moderna vê nos retratos e nus o seu trabalho mais admirável. o mais revolucionário dos dois. O detalhismo também é uma das suas marcas registradas. " A pincelada deve ser tão fina como a casca de uma cebola".. além de composições mitológicas e literárias. mais tarde. Ingres acreditava qua a tarefa primordial da arte era produzir quadros históricos.ARQUITETURA Tanto nas construções civis quanto nas religiosas. num erro de interpretação. foram cobertas pelas lavas do vulcão Vesúvio. registrou fatos históricos ligados à vida do imperador. o pintor foi uma espécie de cronista visual da sociedade de seu tempo. PINTURA A pintura desse período foi inspirada principalmente na escultura clássica grega e na pintura renascentista italiana. a arquitetura neoclássica seguiu o modelo dos templos greco-romanos ou o das edificações do Renascimento italiano. numa época em que se consumava o processo de aliança entre a nobreza e a burguesia. os historiadores de arte acreditavam que os edifícios gregos eram recobertos com mármore branco. nus. Exemplos dessa arquitetura são a igreja de Santa Genoveva. A modernidade de Ingres está justamente na visão distanciada que tinha de sue retratados. em Berlim. Ingres soube registrar a fisionomia da classe burguesa do seu tempo.

Características gerais: * a valorização dos sentimentos e da imaginação. O pintor vai ser muito dramático e emotivo. Tudo é muito romântico e assim lidam com a emoção pela emoção.O século XIX foi agitado por fortes mudanças sociais. Vão escrever muito sobre a lenda do Rei Artur. O propósito dos artistas românticos era a volta à natureza sublime. Pintam muitas paisagens. a atividade artística tornou-se complexa. o neoclássico. grosso modo. * Composição em diagonal sugerindo instabilidade e dinamismo ao observador. provocando a divisão do trabalho e o início da especialização da mão-deobra. ARQUITETURA E ESCULTURA A escultura e a arquitetura registram pouca novidade. mas em língua românica. políticas e culturais causadas por acontecimentos do final do século XVIII que foram a Revolução Industrial que gerou novos inventos com o objetivo de solucionar os problemas técnicos decorrentes do aumento de produção. História das aventuras medievais.ROMANTISMO A palavra vem de romance. menos razão. e * os sentimentos do presente tais como: Liberdade. * a valorização da natureza como princípios da criação artística. Pregam a liberdade individual acima de regras e de normas. a permanência do estilo anterior. pitoresca. * Valorização das cores e do claro-escuro. Tem mais liberdade e menos regras que o néo-clássico. gerando o neogótico. Mais sentimentos. o poder. Do mesmo modo. Observa-se. Mais cor e menos desenho. Vez por outra retomou-se o estilo gótico da época medieval. Obra Destacada: Edifício do Parlamento Inglês PINTURA Características da pintura: * Aproximação das formas barrocas. profunda veneração à natureza. e * Dramaticidade 85 . traduziu-se essa expectativa na Declaração dos Direitos do Homem e do Cidadão. eles adoram a liberdade. em que os direitos individuais fossem respeitados. A essência do romantismo é a glorificação dos instintos. Igualdade e Fraternidade. a violência. O belo para eles é muito relativo e individual. Amam os gregos também. Em nome do romance. e pela Revolução Francesa que lutava por uma sociedade mais harmônica. * o nacionalismo. Escreviam não em latim. Os artistas românticos procuraram se libertar das convenções acadêmicas em favor da livre expressão da personalidade do artista. forte. o amor.

inimigo do romancista Honoré de Balzac. Goya e sua mitologia povoada por sonhos e pesadelos. foi feito por inspiração do movimento que levou Luís Felipe ao trono da França. e * Mitologia Grega Principais artistas: Goya . Uma das primeiras vezes que a arte registra a presença da máquina (locomotiva). Eugène Delacroix (1798-1863). dando-nos a sensação de grande movimentação. Obras destacadas: Chuva. a restauração da dinastia dos Bourbon e. 86 . seres deformados. menos de dois meses antes de morrer. Senhor absoluto da caricatura do seu tempo. Obra destacada: Os Fuzilamentos de 3 de maio de 1808. em 1830. a entronização do rei Luís Felipe. Amigo do compositor Frèderic Chopin. Delacroix tinha noção da própria grandeza. Espanha. Nascido num momento crucial da História da França. em 1963. procurou descrever certa atmosfera da paisagem. a ação incompreensível de monstros. Seu quadro mais conhecido A Liberdade Guiando o Povo. aquele em que a burguesia revolucionária colhia os frutos de seu triunfo sobre a monarquia dos reis Capeto. em 1746. dono de uma língua ferina. Turner . Para seu conhecimento: A palavra romantismo designa uma maneira de se comportar. Trabalhou temas diversos: retratos de personalidades da corte espanhola e de pessoas do povo.Temas da pintura: * Fatos reais da história nacional e contemporânea da vida dos artistas. muitas vezes tomado como um símbolo das lutas populares e republicanas.Nasceu no pequeno povoado de Fuendetodos. Morreu em Bordeaux. cenas históricas e as lutas pela liberdade. Vapor e Velocidade e O Grande Canal. Culto. os horrores da guerra. suas obras apresentam forte comprometimento político e o valor da pintura é assegurado pelo uso das cores. tons opressivos. de agir. em 1828. O comportamento romântico caracteriza-se pelo sonho. "A principal qualidade de um quadro é ser uma festa para os olhos".representou grandes movimentos da natureza. por uma atitude emotiva diante das coisas e esse comportamento pode ocorrer em qualquer tempo da história. o pintor viveu a maior parte da vida jovem e adulta num mundo que voltava aos poucos à antiga ordem natural das coisas. * Natureza revelando um dinamismo equivalente as emoções humanas. admirado pelo poeta Charles Baudelaire e indiferente às demais celebridades de seu tempo. Representava assuntos abstratos personificando-os (alegorias). Assistiu à ascensão e queda de Napoleão Bonaparte. rico e namorador. mas por meio do estudo da luz que a natureza reflete. de interpretar a realidade. Veneza. das luzes e das sombras. finalmente. escreveu na derradeira nota de seus famosos diários.

Em 1889. bibliotecas. que se desenvolveu ao lado da crescente industrialização das sociedades. em Paris. As cidades não exigem mais ricos palácios e templos. Os Burgueses de Calais. Elas precisam de fábricas. assumindo muitas vezes uma intenção política em suas obras. um estilo delimitado no tempo. PINTURA Características da pintura: * Representação da realidade com a mesma objetividade com que um cientista estuda um 87 . REALISMO Aparece quando o romantismo está no auge. como a mitologia. ESCULTURA Auguste Rodin . ferroviárias. a Torre Eiffel. tanto para os operários quanto para a nova burguesia. escolas. portanto. sobretudo na pintura francesa. lojas. Obras destacadas: Balzac.não se preocupou com a idealização da realidade. Sua característica principal é a fixação do momento significativo de um gesto humano. os escultores preferiam os temas contemporâneos. deixando de lado as visões subjetivas e emotivas da realidade. O Beijo e O Pensador.Romantismo designa uma tendência geral da vida e da arte. estações. nomeia um sistema. inclusive em suas criações artísticas. que tinha aprendido a utilizar o conhecimento científico e a técnica para interpretar e dominar a natureza convenceu-se de que precisava ser realista. hoje logotipo da "Cidade Luz". procurou recriar os seres tais como eles são. criadas pela industrialização. Além disso. Gustavo Eiffel levanta. armazéns. Entre 1850 e 1900 surge nas artes européias. O homem europeu. Ao contrário. São características gerais: * o cientificismo * a valorização do objeto * o sóbrio e o minucioso * a expressão da realidade e dos aspectos descritivos ARQUITETURA Os arquitetos e engenheiros procuram responder adequadamente às novas necessidades urbanas. Não existem temas abstratos para o realista. etc. uma nova tendência estética chamada Realismo. hospitais e moradias.

e. Principais pintores: Courbet .) e também gostam muito da burguesia e quase todos os artistas também são burgueses. Pissarro e Van Gogh. Em arte. mais tarde. próximo à Paris. Passam o dia pintando na floresta. * Ao artista não cabe "melhorar" artisticamente a natureza. Seus numerosos desenhos de paisagens influenciaram. sendo quase que científica a sua forma de pensar. Barbizon vai querer empregar a luz pela primeira vez. em resumo . As pessoas das classes menos favorecidas . final de dia. Pintam muito o outono com sua luz dourada fantástica. Temas da pintura: * Politização: a arte passa a ser um meio para denunciar uma ordem social que consideram injusta. pois procurou retratar em suas telas temas da vida cotidiana. * Revelação dos aspectos mais característicos e expressivos da realidade. O grande pilar dessa escola é MILLET que vai pintar "Angelus". ou seja o pintor buscava representar o mundo de maneira documental.fenômeno da natureza. Foi educado num meio de profunda religiosidade e respeito pela natureza.foi considerado o criador do realismo social na pintura. Obra destacada: Moças Peneirando o Trigo. etc. a vulgaridade dos tipos que pintavam. 88 . tem um duplo movimento. Rembrandt. Pintam muitas paisagens modestas. Jean-François Millet. a arte manifesta um protesto em favor dos oprimidos. É o caso. Heróis que nada têm a ver com os idealizados heróis da pintura romântica. ESCOLA DE BARBIZON Barbizon era um vilarejo nas bordas da floresta de Fontaineblaux. Essa obra vai ser reproduzida muitas vezes.o povo. a chuva. que são duas pessoas rezando à tarde. o relâmpago. * Pintura social denunciando as injustiças e as imensas desigualdades entre a miséria dos trabalhadores e a opulência da burguesia. sensível observador da vida campestre. por exemplo. Manifesta sua simpatia particular pelos trabalhadores e pelos homens mais pobres da sociedade no século XIX. a fealdade. Alguns pintores do romantismo vão pintar ao ar livre para ver como cai o granizo. A escola de Barbizon é muito importante porque vai ser a primeira vez que vão pintar ao ar livre antes do impressionismo. Todos os artistas de Barbizon admiram profundamente a arte Holandesa (da época barroca. Os artistas incorporavam a rudeza. elevando esses tipos à categoria de heróis. Vermeer. criou uma obra realista na qual o principal elemento é a ligação atávica do homem com a terra. como era a natureza. Trabalhou na lavoura desde muito cedo.tornaram-se assunto freqüente da pintura realista. pois a beleza está na realidade tal qual ela é. principalmente das classes populares. "Angelus".

Para seu conhecimento Courbet dizia: "Sou democrata. socialista. às vezes introduzindo um cachorro ou uma pessoa no meio da paisagem. Vai pintar o rio. É considerado o pintor mais importante da Escola de Barbizon. não só por encomenda. DAUMIER: Também pinta camponeses. A escola de Barbizon é um estilo que significa "ao ar livre". por uma atitude racional das coisas pode ocorrer em qualquer tempo da história. de interpretar a realidade. É a primeira vez que a paisagem é reconhecida como obra de arte. Esses pintores vão participar de uma exposição universal em 1855. O termo Realismo significa um estilo de época que predominou na segunda metade do século XIX. romantismo e realismo. ocorreram bem próximos num movimento de 100 anos. bem próximo ao impressionismo cujo primeiro quadro surgiria em 1874. amigo da verdade e verdadeiro" A palavra realismo designa uma maneira de agir. realista. A partir de 1855 é que o pintor começa a pintar o que sente. Esse comportamento caracteriza-se pela objetividade. republicano. Pinta paisagens. O néo-classicismo. 89 . A paisagem barroca era encomendada aqui na escola de Barbizon.Millet nasceu camponês e vai pintar semeadores. como a água corre. Vão pintar paisagens e são aceitos na exposição universal em Paris. mas sendo o personagem em segundo plano e a paisagem em primeiro. seivadores. COROT: Outro grande pintor da escola.

Ele foi o mais atacado pela crítica e pelo público. dependendo da incidência da luz do sol. pois a linha é uma abstração do ser humano para representar imagens. de ser técnica para se óptica. em abril de 1874.IMPRESSIONISMO O Impressionismo foi um movimento artístico que revolucionou profundamente a pintura e deu início às grandes tendências da arte do século XX. A mistura deixa. discutir suas idéias. ao admirar a pintura. * As figuras não devem ter contornos nítidos. Fez duas telas: "Olimpiá" (sobre as prostitutas) e cujo tema chocava o público e "O almoço na relva" (onde os homens se encontravam com as mulheres) causando um escândalo na época. * As cores e tonalidades não devem ser obtidas pela mistura das tintas na paleta do pintor. definir suas metas. * As sombras devem ser luminosas e coloridas. Edward Manet. obtendo o resultado final. 90 . combina as várias cores. devem ser puras e dissociadas nos quadros em pequenas pinceladas. pois ainda se mantinham fiéis aos princípios acadêmicos da pintura. A primeira vez que o público teve contato com a obra dos impressionistas foi numa exposição coletiva realizada em Paris. Principais características da pintura: * A pintura deve registrar as tonalidades que os objetos adquirem ao refletir a luz solar num determinado momento. que os artistas seguiam em seus procedimentos técnicos para obter os resultados que caracterizaram a pintura impressionista. dentre os pintores impressionistas. * Os contrastes de luz e sombra devem ser obtidos de acordo com a lei das cores complementares. portanto. Assim. que era o mais tradicionalista. É o observador que. Pelo contrário. como os pintores costumavam representá-las no passado. tal como é a impressão visual que nos causam. HISTÓRIA DO IMPRESSIONISMO O Café Guerbois era o local onde os impressionistas se encontravam para bater papo. Havia algumas considerações gerais. Mas o público e a crítica reagiram muito mal ao novo movimento. e não escuras ou pretas. muito mais práticas do que teóricas. um amarelo próximo a um violeta produz uma impressão de luz e de sombra muito mais real do que o claro-escuro tão valorizado pelos pintores barrocos. pois as cores da natureza se modificam constantemente. foi eleito o chefe desse movimento que estava se iniciando.

as impressões do momento. O impressionismo é inovador não só da prática ao ar livre. É retirado o preto da palheta. uma competição. 9. Vão lutar 30 anos para serem aceitos. O Impressionismo é definido como tentativa inédita de pegar a realidade da luz. pois provocaram uma verdadeira revolução na Arte. Diante disso o artista teve que repensar seu momento para mudar sua arte. Mistura ótica das cores. O efêmero. 4. Uso da temática japonesa. O maior pintor Impressionista é Claude Monet. 2. 5. Tentam entrar nos salões e são impedidos. 91 . os barrocos é que a descobriram. A fotografia vai ser importante nesse momento. mutável das coisas. Liberdade para captar. o reflexo como a luz e a fumaça e as nuvens são usadas constantemente. sem qualquer regra. 8. 7. Os Impressionistas captam esse aspecto transitório da vida e do mundo. Eles nunca tiveram a pretensão de descobrir a luz. 12. Passaram a fotografar tudo ao ar livre. Vão fazer poucos detalhes. Ele passa a ter consciência do caráter transitório. de substituir tudo por coisas novas e industrializadas. foi a solução que abriu definitivamente novos horizontes para a Arte Moderna. Muita luz e amarelo. 10. Imperava a máquina fotográfica. o fugaz. O homem percebe que sua existência é uma luta. Desaparecem os contornos das figuras. O Impressionismo. mas também no seu método de trabalho. Resolvem fazer um salão só para eles que vai ser denominado de "O salão dos recusados". é fonte imediata de sensações. O pintor sai do atelier e vai pintar ao ar livre (acaba o “posar”). Muita luz e sombra. Os valores mudam completamente. Pinceladas bem amplas porque o tempo é escasso. PRINCIPAIS CONCEITOS DO IMPRESSIONISMO 1. com todos esses conceitos. 6. A forma é dada pela cor. Eles começam a pintar mais o que SENTEM do que o que eles VÊEM. Nas suas pinturas vão empregar o caráter inacabado. 3.O aprimoramento técnico em todos os setores do desenvolvimento industrial imperava o desejo do novo. 11. Para os impressionistas a natureza não é um material de reflexão. Vão inventar a máquina fotográfica portátil.

A paisagem torna-se aquele "pega no ar". Eles utilizam cores leves. Esta arte japonesa vai influenciar pintores como Manet. O tempo é o que importa e o que pela primeira vez foi representado. também colocou elementos da pintura japonesa como o biombo japonês com pássaros e flores. que é transitório. eles retiraram todos os conhecimentos dos japoneses. Em 1862 foram abertos os armazéns do Porto de Desoye. Degas e Van Gogh. uma cultura nova. É uma obra em aberto. Os artistas impressionistas descobriram o Japão por eles próprios. um Samurai. É uma simplificação idealista das perspectivas na superfície do quadro. Para a pintura japonesa o tema não é tão importante. onde os navios começaram a chegar com as mercadorias estrangeiras. na história da arte. ele apenas a sugere. Eles achavam que os japoneses tinham uma arte mais decorativa do que considerada como um estilo. popular. requintada e lendária (de muitos séculos). Ele vão fazer a composição com o objetivo de registrar o momento. (maçãs embaladas em papel. Manet. uma técnica nova. Os impressionistas vão extrair. através de uma série de coisas. A originalidade impressionista de captar o instante é chamada de "A Impressão Primeira". etc. A forma de perspectiva japonesa “perspectiva em corte de viés” vai ser usada algumas vezes por Van Gogh e Degas. que foram os que mais sofreram influência japonesa. O imaginário é super importante. etc.Eles renunciaram a visão das formas que nós temos e a substituíram por um método em que o imaginário tem sempre um papel a desempenhar. De um modo geral. a montanha da pintura japonesa e colocar na pintura deles como uma recordação. A arte japonesa era uma arte pitoresca. Os impressionistas já tinham a técnica inovadora. O motivo é captado quase que anarquicamente pelo primeiro olhar. JAPONISMO NO IMPRESSIONISMO: A casa de Claude Monet era inteirinha decorada pela pintura japonesa que estava no auge. acinzentadas e muita montanha. Como os impressionistas eram artistas de vanguarda. etc. Monet. por exemplo. O impressionismo não é uma reprodução servil da realidade. aquele olhar que capta tudo. é o "Triunfo do Espírito de Análise".). em sua pintura. Achavam que o Japão era um povo diferenciado. Foi um modismo da época. eles ficavam muito impressionados pelo novo. 92 . Os portos do Japão foram abertos e começou a chegar muitos produtos japoneses. pelos impressionistas.

Após a exposição realizada em sua memória. A preocupação dele foi sempre reter na tela o sol. como aprendiz de piloto. mas a família rejeitou sua pretensão de tornar-se pintor. a água. chocados com a presença de uma mulher nua em meio a homens vestidos. com o instante. Em 1874. Tinha uma relação muito ativa e dinâmica com a obra de arte. Manet casou-se com Suzanne Leenhoff em 1863. Nasceu em Paris. A liberdade. então. Jamais teve uma contemplação passiva com a natureza. onde o mar vai assumir muita importância para ele. Foi então melhorando seu desenho e 93 . cena ao ar livre que reúne figuras da sociedade parisiense do segundo império. Embora inspirado em obras de antigos mestres como Giorgione e Rafael. em 23 de janeiro de 1832. A breve passagem pela cidade está documentada nas cartas que enviou do Brasil a seus familiares na França. pintou "O bebedor de absinto" e. "O pífaro". em junho de 1849. filho de um comerciante de especiarias (que hoje seria um empresário). no Salon des Refusés (Salão dos Recusados). após seis anos. começou a pintar cenas de hipódromos. seus pais finalmente aceitaram sua carreira de pintor. Não foi aluno brilhante na escola. obra revolucionária para os padrões da época. tornou-se amigo de Claude Monet e outros pintores impressionistas. Tinha uma mania de fazer caricaturas em seu caderno desde os 7 anos de idade. Em 1863. No Salão de 1865. ingressou no ateliê de Thomas Couture e. a obra do pintor finalmente obteve reconhecimento. o vento. preferia ficar na praia. traduzidas e comentadas por Afonso de E. no instante em que isso acontecia e da maneira como o olho percebia. No início da guerra franco-prussiana de 1870. com a liberdade. Émile Zola publicou então um artigo em que o elogiava. No ano seguinte. "Música nas Tulherias". o quadro provocou violenta reação dos críticos. CLAUDE MONET: Nasceu em 1840 e morreu em 1926. Já no colégio Rollin. embarcou com destino ao Rio de Janeiro. Aprendeu a vibrar com a paisagem. Foi aí que aconteceu a segunda guerra mundial. Em dezembro de 1848. No ano seguinte. Após regressar à França. com o momento. em 1862. onde fez os primeiros estudos. Quando ele tinha 5 anos a família foi morar no porto de Le Havre. entre elas "As corridas de Longchamp". Em 1859. o horizonte foi muito importante na sua formação. Tinha uma forma de ver e sentir a dinâmica do tempo como nenhum outro pintor impressionista teve. rejeitado pelo Salão. onde provocou a admiração dos jovens pintores que mais tarde integrariam o grupo impressionista. foi exposto no ateliê de Manet. a tela "Olympia" provocou novo escândalo.PRINCIPAIS ARTISTAS ÉDOUARD MANET Édouard Manet nasceu em Paris. o júri do Salão da Academia Real rejeitou o quadro "Déjeuner sur l'herbe". Manet morreu em Paris em 30 de abril de 1883. o infinito do mar. Na época. instalou seu próprio ateliê. Manet se alistou na guarda nacional. demonstrou interesse pelo desenho. Manet a expôs. Taunay no livro No Rio de Janeiro de Dom Pedro II (1947).

Prestou um exame. Não quis seguir nenhuma profissão que o pai escolhera para ele. etc. Começa a construir seu primeiro jardim. onde vai passar frio e fome. costume que os franceses não tinham. 94 . Como não deram atenção. Vai conhecer um comerciante de arte riquíssimo. muito aberta e livre. E. Ele é banqueiro. Em 1866 pintou uma moça que achou muito bonita chamada Camille e expôs o quadro obtendo muito sucesso. Voltando da Argélia foi para a casa dos pais para se recuperar e onde decidiu voltar logo à Paris. conseguiu entrar. Ele ficou tão desesperado que tentou o suicídio para que a sua família percebesse o seu problema. vai pegar sua esposa e filho e fugir para Londres. laranja e verde). onde se empolga muito com o trabalho de Rembrandt. Na Bélgica vai gostar mais do trabalho de Rubens. Vai estudar muito as obras de Constable e Turner. Os pais voltam a dar ajuda financeira até que Monet (de classe média alta) vai viver com uma modelo de classe social bem modesta. francês. mas achou uma escola muito acadêmica. Em 1859 Monet leva uma carta de apresentação de uma tia (que pintava mal). Monet passa por dificuldades financeiras quando nasce nessa época o seu primeiro filho Jean. cada uma de uma cor. Quando seu pai descobriu cortou sua mesada. messenas. queijo e uma plantinha para fazer o seu jardim. Monet vai pedir para que todos levassem flores. Vai praticamente sustentar Monet que vai pinta muitos quadros para ele. não ter dinheiro para pegar uma condução para visitar a esposa no Hospital que tinha dado a luz.passando a receber encomendas de mais caricaturas. para estudar na escola de Belas Artes de Paris. pato. ele resolve então casar com Camille. Manet se reuniam para pintar na casa de Monet. A partir daí eles começaram a trabalhar “o que era impressionismo”. Os pais não gostando dessa situação vai cortar novamente a ajuda financeira. Monet passa a convidar gente para ir à casa dele. Na França vai morar as margens do Sena a poucos quilômetros de Paris. O pai incentiva-o a ir estudar em Paris. Monet estava tão pobre a ponto de quase não ter o que comer. Desta vez Monet passa a cobrar dos marinheiros pois não os conhecia (10 a 20 francos por caricatura). onde ficou super depressivo. chamado Paul Duran Ruel. Vai decidir estudar no "Atelier Suíço". sem exames e de ensino muito informal. O dinheiro que arrecadava comprava mais material para sua pintura. Lá ele conheceu Pissarro que foram pintar juntos em Mont Martre (onde os pintores pintavam muito). O fundamental para os impressionistas era usar as cores amarelo. O “Atelier Suíço” era uma escola de vanguarda. Monet antes de voltar à Paris passará pela Bélgica. com exceção de Basile que morreu na guerra da Prússia. Nessa época aconteceu a guerra franco-prussiana. Vai pintar o Parlamento em Londres (Renoir também pintou o parlamento). Cada um levava uma alimento como: pão. Foi nessa época interrompido pelo serviço militar tendo que ir para Argélia. No cais de Le Havre. Passa a fazer até caricaturas nos bares. Conheceu também Coubert (pintor Realista). azul e vermelho (cores primárias) e as cores complementares (roxo. os marinheiros também se interessaram e pediram então a ele que também fizesse caricaturas. Sisley. em Argenteuil. Renoir. Criava galinhas. Holanda com o trem Maria-fumaça. Todos os domingos os chamados rebeldes como: Pissarro. que vai dar apoio substancial aos impressionistas. para o próximo encontro. Em Paris volta a pintar e nessa época vai conhecer Renoir e Sisley. Com 17 anos decidiu ser pintor. crítico. Não cobrava dos amigos. como Monet já tinha lutado na guerra anteriormente. Os seus amigos ajudavam dando comida para ele sobreviver.

de repente pode ser uma leve sugestão. Monet passa a pintar mais em Giverny e a ganhar mais. pois vai refletir a tristeza que sentia pela morte de sua esposa. etc. Vai pintar em uma plataforma numa estação de trem para ver o trem sair e chegar. Vão tirar da paleta o preto e quase todas as terras como: terra-de-siena. As sombras vão ser obtidas mediante o emprego das cores complementares. Kandinski com essa influência do Monet consegue se desenvolver para o abstrato. comprando muitas obras durante 3 anos. Só que 1 ano depois em 1879 morre sua esposa. sendo quase que uma abstração do conteúdo. Quando vai ao campo. festivas. quando suas obras são mais alegres. Em 1878 nasce seu segundo filho Michael. Um dia passando por Rouen encontra uma casinha encantadora em Giverny. deixando-o muito deprimido. Fica muito encantado com aquela pintura que dava a impressão de feno. Ao ar livre a cor do objeto muda muito em função da atmosfera que filtra a luz e permite o reflexo. em uma exposição na Rússia. O que importa para Monet é ver a luminosidade. Vai pintar muito pouco e obras bem tristes. Monet faz uma série de quadros de feno e outra série de pinturas. Vai ser uma característica muito típica da linguagem impressionista. bem iluminadas. As cores complementares virão sempre ao lado das cores primárias. ou as pessoas. Monet vai sair de Paris e Hoscheder e sua família. Percebe que tem que viajar ao longo do tempo. Monet vai deixar de escurecer as sombras. Depois de deixar o trem. que tinha sumido. Pinta cada vez mais e vai visitar Cezanne em L'Staque e depois Renoir. Resolvem pintar também em outros lugares como na Cote d'Arzur. Vai melhorando e aumentando a casa. A situação pessoal dele tinha altos e baixos. Passa a ser muito mais interessante a atmosfera do que a paisagem. que eram amigos da família de Monet. A atmosfera muda o tempo todo conforme a hora. onde é inverno e de uma tristeza profunda. O que a pouco tinha uma forma volumosa. Resolve comprar o terreno do outro lado da estrada em frente a casa. Durante 30 anos Monet vai morar em Giverny pintando a mesma coisa. deixa de viajar ao longo do espaço para viajar ao longo do tempo. mas sombras com tonalidades diferentes e não mais só de uma cor. e todo aquele envolvimento que o trem faz. Fica feliz com o nascimento de seu segundo filho e nesta época também está ganhando melhor. bonitas e suas composições são melhores. Essa obsessão das cores complementares vai acontecer quando vão pintar ao ar livre. Começa a viver lá com os filhos que tinha e com a mulher e filhos de Hoscheder. pega uma charrete e volta para Giverny onde vai compra aquela casa. do momento. Monet percebeu que as sombras não eram simplesmente áreas mais escuras. Ele vai expor 56 telas na galeria do Duran Ruel sendo quando quase um sucesso (pois não vendeu todas as telas). as brumas. pintando ao contrário. Todos moravam ali por perto. a temperatura. Constrói um jardim de estilo normando maravilhoso. É a busca do tempo perdido. Já não interessa tanto percorrer o rio Sena a fim de pintar as diversas situações que aconteciam as suas margens. obras bem claras. O seu trabalho mais importante dessa época chama-se "Rua da Aldeia". as Ninféias. ele prefere focalizar o mesmo ambiente nas diferentes horas do dia". vai a falência. Vai 95 . o lugar. Eles vêem a natureza com a mente além dos olhos. Em 1875 conheceu um milionário chamado Hoscheder que vai ajudá-lo muito. O artista vai se ligar muito na atmosfera. Hoje você passa por baixo dessa estrada por um túnel. "Quando o artista Monet toma plena consciência da importância da atmosfera. Constrói um jardim oriental aquático do lado de lá.As cores complementares vão ser um dogma para os impressionistas. Kandinski fica muito encantado ao ver os quadros de feno de Monet.

Enquanto Renoir trabalhava por encomenda. conseguindo expor e vender. Renoir nunca deixou de dar importância à forma . Mesmo doente. com motivos que lembram o mestre Ingres. no qual se voltou para uma pintura mais figurativa. era conseguir realizar uma obra agradável aos olhos. Aluga uma casinha em frente a Catedral para pintá-la em suas variações durante o dia. além de aperfeiçoar sua técnica. 96 . pintando ao ar livre. Seu principal objetivo. Assistindo às aulas no ateliê de Gleyre. Morreu em 05 de dezembro em 1926. Monet pintava o que queria. conquistou a amizade de Sisley. São inesquecíveis poesias cromáticas. aceito publicamente antes de todos os outros pintores. Teve uma espécie de malária o que não diminuiu o seu trabalho. Sua obra de maior impacto é O Baile no Moulin de la Galette. São dezenas de trabalhos em estudos. Mais tarde retomaria a plenitude da cor e recuperaria sua pincelada enérgica e ligeira. Monet pintava o que gostava. Começou a pintar a série das ninféias no ano de 1899.pintar a Catedral de Rouen em 20 variantes no verão. nada o afasta de seu trabalho. ganhando muito bem.de fato. outono. Monet e Bazille. aqui e ali intensamente azuis. Em 1900 Renoir foi nomeado Cavalheiro da Legião de Honra. Um político francês fica encantado com seu trabalho e a partir de 1896 Monet é considerado o mais famoso pintor dos impressionistas. com quem compartilhou dias de muita conversa e teorização em Paris e de árduo trabalho em Argenteuil. embora não faltasse um pouco da delicadeza de seu ofício anterior como decorador de porcelana. teve um período de rebeldia diante das obras de seus amigos. etc. buscando o impressionismo por toda a sua vida e por esse aspecto vai ser muito mais bem aceito do que o próprio Renoir. Ele fica muito rico. inverno. AUGUSTE RENOIR De origem humilde. Morreu no sul da França. ofício que aprendeu numa escola noturna. “Monet buscou sempre a luz em movimento em uma atmosfera mágica”. em que conseguiu elaborar uma atmosfera de vivacidade e alegria à sombra refrescante de algumas árvores. Renoir (1841-1919) começou muito cedo a ganhar a vida como pintor de porcelana. evidente na longa série Banhistas. Monet era mais aberto e por isso vai ser um pintor quase que contemporâneo. onde faz o maior sucesso. Renoir vai pintar as encomendas da família do banqueiro e as meninas no piano. como ele próprio afirmava. idoso. Em 1896 vai expor essas pinturas na Galeria Duran Ruel. por sua beleza e sensualidade. Desde o princípio sua obra foi influenciada pelo sensualismo e pela elegância do rococó. Apesar de sua técnica ser essencialmente impressionista. na cidade de Cagnes-sur-Mer. telas.

algo que Degas admirava em Ingres. Seurat é admitido. em Le Raincy. nº 110. tecnicamente falando. apenas uma vez por semana. mas ampliou depois esses critérios. quase cegas. ou numa casa na La Villette. Chrysostome-Antoine Seurat. Em 1876 estudou a Gramática das Artes do Desenho de Charles Blanc. fez uma viagem à Itália. interessado nas teorias de seus amigos do café Guerbois. quando. Entre os anos de 1856 e 1857. com a força descritiva do traço. tendentes à desmitificação da mulher. Voltando à França entrou em contato com o grupo de impressionistas. Visitava a família. Durante o tempo da instrução escolar (1869-1876). na École des Beaux-Arts e ingressou. Tinha reunido uma pequena fortuna e levou uma vida solitária como reformado na sua casa de Verão. nº 60. Todos esses temas lhe permitiram fazer experiências com a cor e o movimento e. Depois inscreveuse na Academia de Belas-Artes. embora tivesse continuado a se dedicar aos quadros históricos e de gênero. não hesitou em aplicar todas as teorias renascentistas sobre espaço e perspectiva.EDGAR DEGAS Nascido em uma família rica. O pai. ópera e corrida de cavalos. Também se interessou vivamente pelos quadros de Ukiyo-e japoneses. A partir de 1870. O tema principal de suas obras se concentrou nas cenas cotidianas e íntimas do mundo feminino. ele também era um pintor amador. A mãe. tinha sido antes oficial de diligências em La Villette. só podia pintar com pastel. 97 . freqüentou os melhores colégios de Paris e concluiu seus estudos de direito sem dificuldade. Nos primeiros quadros. em 19 de março. Ele estuda os antigos mestres no Louvre. Então iniciou uma amizade com Edmond Aman-Jean. descendia de uma família abastada da classe média Parisiense. juntamente com Aman-Jean. um aluno de Jean Auguste Dominique Ingres. Monet e Renoir. o comerciante de tecidos Paul Haumonté-Faivre. Degas foi. Suas obras se encontram nos museus mais importantes do mundo. para estudar a obra dos mestres do cinquecento. Seurat é introduzido na pintura pelo seu tio materno. o que melhor se utilizou da fotografia. Entre 1875 e 1877 Seurat freqüenta o Curso de Desenho numa escola estatal noturna. na turma de pintura de Henri Lehmann. O filho tinha uma relação estreita e afetuosa com ela. fazendo tentativas com planos e pontos de vista inusitados. que morava desde 1862 na Boulevard Magenta. principalmente. fez uma série de quadros de balé. fato que se reflete ainda mais em suas últimas obras. Degas (1834-1917). que o escultor Justin Lequien dirigia. Ernestine Faivre. onde assistia às aulas de Lamothe. De todos os impressionistas. que foi aluno de Ingres. Isso lhe valeu críticas e o apelido de solteirão misógino. cujo pai era banqueiro. Em fevereiro de 1878. GEOGES SEURAT Georges Pierre Seurat nasceu em 2 de dezembro de 1859 na Rue de Bondy. entre outros. em Paris.

e não faltam cenas que mostram um erotismo natural. abrupto. para se libertar dos condicionamentos da Europa. inesperado. subjetiva. Predominância dos valores emocionais sobre os intelectuais. trata-se de uma pintura dramática. à solidão. Apesar disso. fruto. que. Os pintores não queriam destruir os efeitos impressionistas. quase decorativamente. Sua obra. segundo conhecidos do pintor. mais precisamente para Orléans. * preferência pelo patético. representava uma forma de pensar a pintura como filosofia de vida. à prostituição. fazendo e refazendo. ao medo. martelada. à miséria humana. foi tão singular como a de seus amigos Van Gogh ou Cézanne. longe de poder ser enquadrada em algum movimento. mas queriam leválos mais longe. empastando ou provocando explosões. áspera. o pintor parte para o Taiti. para ressaltar o sentimento. vibrantes. trágico e sombrio OBSERVAÇÃO: Alguns historiadores determinam para esses pintores o movimento ”Pós Impressionista”. como demonstra o seu famoso Cristo Amarelo. Deforma-se a figura. “expressando” sentimentos humanos.PÓS-IMPRESSIONISMO O Expressionismo é a arte do instinto. em busca de novos temas. No ano de 1891. Aos 35 anos tomou a decisão mais importante de sua vida: dedicar-se totalmente à pintura. Principais artistas : PAUL GAUGUIN (1848-1903) Depois de passar a infância no Peru. As cores se estendem planas e puras sobre a superfície. Principais características: * pesquisa no domínio psicológico. Suas primeiras obras tentavam captar a simplicidade da vida no campo. de 98 . dá forma plástica ao amor. Gauguin voltou com os pais para a França. Corrente artística concentrada especialmente na Alemanha entre 1905 e 1930. que resultou numa produção artística singular e determinante das vanguardas do século XX. Começou assim uma vida de viagens e boemia. Os três primeiros pintores abaixo estão incluídos nessa designação. * dinamismo improvisado. fundidas ou separadas. Utilizando cores irreais. ao ciúme. * pasta grossa. é verdade que teve seguidores e que pode ser considerado o fundador do grupo Navis. Suas telas surgem carregadas da iconografia exótica do lugar. Em 1887 entrou para a marinha e mais tarde trabalhou na bolsa de valores. em oposição a qualquer naturalismo. algo que ele consegue com a aplicação arbitrária das cores. * cores resplandecentes. mais do que um conceito artístico. * técnica violenta: o pincel ou espátula vai e vem.

extremamente solitário. A família se preocupava com ele. Cresceu sob o estigma do seu irmão morto. Outra coisa que detesta em 99 . as cartas que escreveu. A sua vida escolar foi muito fraca. pensando. Van Gogh passou a sua vida toda vendo a lápide atrás de sua casa com seu nome. Lia muito Platão. sobre os problemas da família. É por isso que foi um grande acontecimento em sua vida. Os dois sempre vão ser muito leais e amigos um com o outro. Nasceu um ano depois que sua mãe perdeu o primeiro filho. filosofia. Vicent Van Gogh foi uma criança muito difícil. A sede principal era em Haia. verdes e violetas. Quando voltou a Paris. Vai se apaixonar por uma moça loira muito bonita. Ele se achava também muito feio. Em 1873 após esse encontro Van Gogh sai de Haia e vai trabalhar em Londres com o tio. não se dava com ninguém. Era um homem muito culto. ficando alguns dias com ele. Van Gogh foi morar e trabalhar com esse tio. a quem escreveu mais de 650 cartas. Obra Destacada: Jovens Taitianas com Flores de Manga. Ele sempre andava vagando sozinho pelos bosques. amarelos. Tudo o que se sabe sobre Van Gogh foi obtido através dessas cartas. Van Gogh começa a ver as reproduções dos grandes pintores. VINCENT VAN GOGH Nasceu em 30 de março em 1853 e morreu em 1890. Em primeiro de março de 1857 nasceu seu irmão mais moço chamado Théo que vai ser o protetor de Van Gogh por toda sua vida.sua paixão pelas nativas. tinha uma cadeia de lojas de livros de arte. vivendo só 37 anos. A moça dizia para ele que era horroroso. Essa loja chamava-se Galeria Gropil com filiais em Haia. etc. sua cultura vem de sua autoinstrução. voltou ao Taiti. Esse tio teve um papel muito importante na sua vida. Resolve não se apaixonar mais por ninguém. Embora tenha estudado muito pouco. mas fixou-se definitivamente na ilha Dominique. Van Gogh começa a falar de arte com o irmão. o que deixou-o muito perturbado. próximo a fronteira da Bélgica. em quem podia confiar. filha do senhorio da casa onde ele está hospedado. não sendo nada correspondido. mas não de escrever. Nasceu em Zundert. Amsterdã e Paris. problemática. Quando eles se separam começam a se corresponder por sentirem muito a falta um do outro. teologia. o seu outro “eu”. seu confidente. Van Gogh nessa época tinha 19 anos. por que não deu certo e fica nervoso. de gravuras e de pinturas. e a partir daí eles permanecem ligados para o resto da vida. Em 1872 Théo (com apenas 15 anos) vai se encontrar com Van Gogh em Haia. apaixonando-se por arte. Gostava muito de ler. realizou uma exposição individual na galeria de Durand-Ruel. Foi a primeira grande desilusão amorosa de sua vida. Van Gogh vê no Théo sua alma gêmea. com cabelo espetado. e que o entendia plenamente como se fosse o outro "eu" dele. estudando essas gravuras. Théo é o seu irmão. na aldeia holandesa de Brabant. Van Gogh tinha um tio que era próspero negociante em Haia. Tem um livro chamado "As cartas de Van Gogh para Théo" (para quem quiser saber muito sobre sua vida). Queria que ele se desse bem em alguma coisa na vida. Achava que tinha condições para se desenvolver como pintor. Essa criança nasceu e morreu logo após o seu nascimento e a mãe o enterrou atrás de sua casa. o qual tinha o mesmo nome de Vicent Van Gogh. A cor adquire mais preponderância representada pelos vermelhos intensos. Ele vai primeiro para Haia trabalhar como empacotador de livros e despachos também.

Só que Van Gogh falava para os fregueses que comprassem as pinturas de outros pintores. 100 . das suas frustrações amorosas. tinha crises fortes de rolar no chão (epilepsia). porque nasceu num país que tem somente 3 meses de sol por ano (junho. Só que o seu conhecimento por línguas era deficiente. O tio exige que ele freqüente somente a galeria dele ou que então Van Gogh vá embora. ficando muito frustado e sem perspectiva para o futuro. Seu tio ficava muito aborrecido por ele ir visitar as galerias concorrentes. Começa então a desavença com o tio. Resolve voltar para a Inglaterra. onde é muito mal recebido. para passar o Natal com os pais. Incumbido de cobrar taxas da escola. em uma escola infantil. tudo o seduz. perto de Zundert. O seu pai era pastor. O irmão fica horrorizado. em Etten. Obs. Em Paris. ver o sol e os impressionistas que estavam acontecendo. Em 1876 ele sofre sua primeira grande crise nervosa depressiva. pois poderia seguir a carreira do pai e do avô. Em 1878 volta à Holanda. Passa a brigar com a clientela querendo impor o que ele achava. Com 22 anos briga com o tio. Van Gogh era muito inconstante. mas não adiantava dizer nada. Tornou-se assistente de um pastor metodista e começou a pregar. enquanto trabalhava vendendo gravuras na loja do seu tio. vai socorrê-lo. Resolve ensinar francês e alemão num bairro pobre da metrópole. mas achava que era impossível que ele fosse tão maníaco por religião. Van Gogh resolve ficar na galeria. só para ver a água da chuva batendo na luz e caindo nas poças. que não eram vendidas na galeria de seu tio. muitas vezes em seus sermões. fez um curso de pastor leigo em Bruxelas. julho e agosto). Só Théo o compreende. faltava do emprego para ir visitar as outras galerias. Tinha a alma muito parecida com a dos pintores latinos. Ao invés de desistir. Boudelert". onde viviam os operários. Escreve uma carta para o irmão dizendo que a miséria o atraía. Quer ser pastor de pobre e não de rico. Chega a passar uma noite em Paris. A família resolve ajudá-lo a estudar teologia em Amsterdã. suas palavras acabavam mais perturbando do que confortando os ouvintes. O pai fica indignado com Van Gogh. ele tinha que visitar as famílias dos estudantes. pois o tio era bom e só tentou ajudá-lo. Era maníaco-depressivo. Em Paris vai ler muito sobre os grandes escritores da época como "Floubert. Fica muito deslumbrado com a luz de Paris e suas ruas movimentadas. Fica frustado por querer ser pastor e o seu pai não o entender. Tudo o que ele fazia era extremamente exagerado. da família. Vai à Paris em 1875. A partir dessa sua primeira crise. Resolve voltar para a casa dos pais. Não gostava dos países nórdicos porque era anglo-saxão. seu irmão. no Boulevard do Capuccino. Van Gogh falava que apreciava muito as outras galerias por ter outras pinturas bem diferentes e que o tio só tinha pintura acadêmica. Foi. portanto. Vai pensar o que fazer da vida. Tudo encanta. levando-o a conhecer as condições miseráveis da zona leste de Londres. Fica quase com pneumonia e Théo. reprovado nos exames de admissão. ele vai ficar extremamente místico e fervorosamente religioso. à parte: A obsessão pela religião parecia uma fuga da sociedade. Adora Paris e odeia o seu emprego.Londres é a falta de sol. A impressão sofrida fortaleceu o desejo de trabalhar com os pobres e os humildes. Devido a sua crise espiritual.

Em 1882 vai morar num quarto horrível em uma casa. também. Passou a estudar desenho em Bruxelas com um jovem estudante da Academia. Viajou a Courrières. Um deles era o seu estúdio onde em 1885 vai pintar uma de suas mais famosas obras "Os Comedores de Batatas". meias. fez uma mala farta de roupas. Só que a miséria que ele achou na região era muito pior do que ele pensava. Quando a família ficou em cima. Théo começa a sustentá-lo a partir daí. Ela o aceitou. Apaixona-se perdidamente por ela. que o adorava. Em 1883 Van Gogh vai à Holanda ver seu pai que tinha uma nova paróquia e sentindo-se incompreendido foi viver em dois quartos alugados nas proximidades. Em Haia recebe um conselho de um primo artista também. Ele queria viver e casar com ela. em novembro de 1878. Mas a família foi contra o relacionamento porque ela era viúva recente e prima. mudou-se para Borinage na Bélgica. Christine não o acompanhou. mas sabia que seria um grande pintor. porque estava afastando os pobres da Igreja. distrito belga de mineração de carvão. distrito mineiro do norte da França. Quando ele ficou péssimo. em seu estúdio. Quando ele foi para lá a sua mãe. quase não toma banho e muito sujo. Passa dias sem comer porque o que recebia dos pais ele dava aos pobres. Ele estava tão pobre que o dinheiro que recebia do irmão era pouco para comprar o material de pintura. Ele sempre sabia que seria e se considerava um grande pintor. Um dos quadros mais bonitos que vai pintar sobre ela chama-se "Tristeza". Théo vai escrever que se ele continuar com essa mulher ele vai parar de mandar dinheiro para sustentá-lo. dizendo que iria pegar mal na sociedade. Seu pai preocupado com as condições que o filho vivia. foi buscá-lo de volta para a casa. Depois do parto ela voltou a beber e Van Gogh não teve mais como ajudá-la. volta a pintar com a mesma paixão que ele teve no misticismo. etc. Resolve voltar para Haia. onde passou a conviver com os mineiros. "Natureza Morta com Cinco Garrafas e Tigela". dividindo o quarto com uma prostituta chamada Christine Sien. ela pulou fora do relacionamento indo morar com os seus pais em Amsterdã. Perto de sua casa tinha uma viúva muito bonita chamada Kee Vos. Acolhido como amigo. aprendeu. Pintou também "Camponesa Varrendo". Mais uma vez não deu certo sua vida amorosa. pobre e seus pais resolvem não ajudá-lo mais. em suas cartas. mas estava doente com tuberculose. a vida daquela gente. a congregação o despede. Ela tinha um bebê e estava grávida de outro. Estava em uma profunda crise mística. como Cristo deu tudo aos pobres. Por 2 anos não tem nada escrito que fale como ele sobreviveu esse tempo. os homens que trabalhavam na terra quase só para comer e. etc. Passou a desenhar seus pais.Três meses depois. o de desenhar diretamente temas da natureza. Quando ele decidiu mudar-se para o campo. Em abril de 1881 foi visitar Théo em Etten. Anthon Von Rappard. Vendo aquela pobreza. Ela estava começando a gostar dele. 101 . Vai pintar obras fantásticas dessa prostituta. Vai pintar muito o que tinha visto em Borinage. em sua casa. Multiplicaram-se nesse período os desenhos com que retratava. A ligação não durou muito. Van Gogh. ele começa a dar tudo o que ele tem. sua irmã e camponeses em seus afazeres. que era uma prima afastada. as suas roupas para os pobres. agasalhos. perspectiva e anatomia humana. Fica praticamente sem roupas.

Van Gogh destoava dos outros artistas porque os outros eram de família rica. Vai convidar todo mundo para viver com ele ali. o padeiro. Mas. Antes de seguir para Paris. Degas e achava que todos eram antipáticos e metidos. Vai conhecer Manet. Teve uma paixão por Paul Gauguin onde via a coragem nele. Pinta a família Rolan. ficou em Antuérpia alguns meses. Renoir. só serviu para ele fazer desenhos sobre nus. O motivo talvez tenha sido a morte do seu pai ou então o desejo de estar perto do irmão que se mudara para Paris. Resolve se matricular em uma Academia de pintura acadêmica. Aluga um sobrado amarelo numa praça chamada "La Martine". que gerenciava uma galeria em Mont Martre. Fica muito amigo do proprietário do café e do tenente do exército. Em seguida fica muito amigo de Pissarro e Paul Gauguim. porém. viviam bem. Disse para o seu irmão que aquela era a pátria dele e que gostaria de viver para sempre lá. Van Gogh e Toulouse Lautrec que também tinha uma vida bem à parte. de ter abandonado toda a família e tudo para morar em Taiti (?). mudou-se novamente para França. O impressionismo estava no auge. Fica impressionado com essas obras. que ele não tinha. Não acreditava que não tivesse vivido lá anteriormente. Fica íntimo da família do carteiro. os grandes cafés e ele não. Vai pintar o carteiro. Pede a Théo. Expor para os impressionistas ainda era um obstáculo quase intransponível. Deve-se aproveitar sempre isso. Nessa época ainda não tinha crise nenhuma e estava pintando muitos quadros impressionistas em Arles. O sol do sul da França parecia explodir de tão forte e era o sol que ele chegou a pintar exatamente como era mais tarde. Descobre a cor e escreve para o Théo: "A cor expressa algo em si. Van Gogh entra numa fase furiosa de pintar onde vai fazer uns 300 quadros em menos de 4 meses. Continua a pintar como impressionista.Em 1884. Volta a Paris onde passará dois anos frutíferos entre 1886 e 1888. As pinturas de Rubens estavam espalhadas pelas igrejas e museus da cidade. Em outubro chega Paul Gauguin para trabalhar com Van Gogh. pois a cor é bela e o belo é sempre verdadeiro". Vai de qualquer modo deixar a Holanda para sempre. Vai morar com seu irmão. simplesmente porque ela existe. Pelo histórico Van Gogh deve ter sido bissexual devido a tendência de gostar de mulheres e homens. quero que as cores representem o meu coração". Van Gogh não conseguia expor o que pintava. Fica encantado com a luz do impressionismo e pinta algumas obras totalmente impressionistas. onde fará as pinturas que mais conhecemos hoje. Resolve fazer uma colônia de artistas. já que não consegue vender. A luz vai iluminar os girassóis que pinta. Não chega a ficar íntimo. Van Gogh fica apaixonado pelo sol que era tão forte a ponto de perturbar as vistas. Vai começar a pintar cada vez mais rápido. que dê ajuda financeira à ele. 102 . no bairro dos intelectuais e dos artistas. em um apartamento muito bonito. Cidade próxima de Marsseilles. Quando chega o verão. É aí que vai pintar seu primeiro auto-retrato. Van Gogh sai de Paris e vai para uma cidade no sul da França chamada Arles. eu quero que as cores representem as minhas emoções. O primeiro que quis que morasse com ele foi Gauguin. Vai escrever: "Eu quero a luz que vem de dentro. Monet. pinta todo mundo. freqüentavam as grandes galerias. eram mais boêmios. O sul da França para ele tinha uma equivalência com o Japão. Lá ele faz amizade com todo mundo.

Van Gogh desesperado declara que gostava muito dele e de todas as formas.Gauguin era muito organizado com tudo. Vai visitar Van Gogh e faz com que um amigo seu. volta para sua casa amarela. após suas crises. Cria um clima muito negativo para ele. de mágoa. Eles brigavam o tempo todo. Van Gogh queria que Gauguin pintasse a mesma figura que ele e ficava discutindo sobre a pintura que saía diferente uma da outra. Vivia intensamente cada momento de sua vida. Gauguin era muito macho. O seu olhar era de espanto. próximo a Arles onde vai ficar 10 dias internado. achando que era "Deus" e que podia reformar o mundo. ainda em Arles. Eles eram completamente diferentes. o seu quadro onde aparece com a orelha cortada. É nesse momento então que vai pintar. Estando tão bem no hospital em Saint Rémy. muito elogiosa. No meio a uma discussão feia. monótona. dono de um jornal da França. Théo vai acumulando seus quadros. Pintava. Vai querer sair para pintar lá fora também. enfim. todas as pessoas de Arles passam a detestá-lo por isso. Isso perturbou mais Gauguin dizendo que jamais pisaria ali novamente. Um dia um pintor pontilhista chamado Signac vendo um quadro de Van Gogh. 103 . tem uma melancolia muito forte. a morte talvez não seja a coisa mais difícil" (já começa daí a ter idéias sobre a morte). Nesse momento escreve novamente para Théo: "Na vida de um artista. Van Gogh corta o lóbulo da orelha e o embrulha pedindo para entregarem à Gauguin. onde irá pintar o seu quarto. irritando-se muito com Van Gogh. a janela. Não gostou da cidade achando-a muito parada. ao redor do hospital até ao anoitecer. Gauguin jogou vinho na cara do Van Gogh e foi embora para morar em um prostíbulo. Ele já estava completamente expressionista distorcendo a imagem por vê-la também distorcida. publique sua primeira e única crítica. Théo pergunta para o Van Gogh o que achava que deveria fazer. passava a pintar muitas paisagens que agrediam pela sua violência. Ele se achava um grande pintor e por isso não acreditava porque não conseguia vender nada. Ao sair do hospital. Os médicos consentiram mas com a condição de que fosse vigiado por um guarda. Vê anjos e demônios. com as tintas. fica encantado. Gauguin ficou muito nervoso e Van Gogh ameaçou ele com uma navalha. Mandava seus quadros para Théo que não conseguia vendêlos. todo o hospital. Os médicos deixaram que ele transformasse o seu quanto em um atelier. os pincéis e muito cheio de vida. Ele adorava pintar lá. Van Gogh achava que tinha perdido muito tempo durante sua crise sem pintar que fora dela passava a pintar tudo muito rápido em busca do tempo perdido. Acham que Van Gogh era louco e pedem para que o prefeito de Arles expulsem-no da cidade. Começou a ter outra vez uma série de crises místicas. Van Gogh jogou na cara do Gauguin que o Théo estava sustentando ele também. Em maio de 1889 ele fala para o Théo que não dava para viver assim e que precisava ficar um tempo maior internado para melhorar e tomar remédio. Tinha uma consciência muito grande do que tinha. na casa de Théo. em frente ao espelho. no prostíbulo. Cada vez que tinha uma crise e voltava muito fraco e abatido. Volta a trabalhar com muita fúria. Vai para um outro hospital chamado Saint Rémy. do seu trabalho. Van Gogh pede ao irmão que o leve para um hospital psiquiátrico (não para completamente loucos) chamado Saint Paul.

Gachet e dizendo ao seu irmão: "A miséria teve fim". achando-o fantástico. 104 . num domingo ensolarado (detestava domingos onde o tempo parava e ele era muito ativo). ficando em uma casa bem próxima a do Dr. Vai confiar muito no médico. Sisley. Van Gogh é bem recebido por ele. Toulouse Lautrec. que era muito amigo de Théo. Van Gogh. sem guarda para tomar conta dele. Em 27 de julho de 1890. O sol e os grãos estavam bem dourados. vai para um campo de trigo bem próximo a sua casa. acham que ele deve ter tido uma lesão cerebral ocorrida no parto. Disse que não adiantava prendê-lo. Foi o único quadro de Van Gogh vendido durante toda sua vida. Gachet onde passa a noite fumando cachimbo esperando por seu irmão Théo. porque além de ser maníaco-depressivo. pinta seu último quadro e dá um tiro no seu peito. com um revólver na mão. mas isso não ocorre. O filho do Dr. ele pinta os seus famosos quadros: "Os Ciprestes". mas Lautrec conversa com o médico pois o acha muito perturbado. Dr. Dr. Gachet houve o tiro e sai correndo. Diz a Théo que vai cuidar dele. Falava que gostava do Dr. Um dia.Gachet perguntou para onde gostaria de ir e ele respondeu à “Paris”. escreve para Théo. Gachet estava querendo matá-lo e depois voltando atrás dizendo que não. amigo dos artistas e que tinha uma visão muito moderna da psiquiatria. O médico consegue explicar que ele estava passando por uma crise dificílima e que tinha que fazer isso. toda estrutura para que ele pudesse pintar. Ele dizia que não poderia morrer enquanto seu irmão não chegasse. Gachet toda vez que ia a Paris trazia tintas. com Théo segurando sua mão. no sul da França. Em outro dia ele entra numa crise horrível. Somente seis meses após essa publicação alguém resolve comprar o quadro "A vinha vermelha". entrevista Van Gogh. fazendo um preço especial. No dia 29. Gachet e que precisava sair para respirar. quando começa a ter mania de perseguição. notável e cheio de problemas. morre na presença do Dr.Pensou que essa crítica fosse ajudar a vender algum quadro. Ele não morre na hora. céu incrivelmente azul. Gachet". já que é um grande artista. retorcidos. O médico achou que ele não devia ir sozinho e resolve acompanhá-lo até Paris onde vai encontrar Toulouse Lautrec. fazem uma estrutura para ele pintar um pouco melhor. Hoje em dia. Todos violentos. E ele consegue colocar na tela todo aquele desespero interior. no final de sua vida. Van Gogh não quer ver o irmão e Théo fica muito magoado. descobre que era epiléptico (devido às crises em que rolava no chão) ou esquizofrênico. Pinta mais de 200 desenhos e mais de 40 quadros a óleo em menos de 2 meses. Gachet fala para o Théo que a situação de Van Gogh era grave e que estava no limite da loucura. Diz a Théo que o Dr. psiquiatra muito famoso na Europa. "O Trigal com Corvos". Nesse período. tentando socorrê-lo. pincéis. ainda vivo. Pissarro. É carregado para a casa do Dr. além do seu irmão. Nessa fase Van Gogh consegue uma certa paz interior ao encontrar alguém que o compreende. Dr. "Retrato do Dr. telas. Gachet. que era próximo a Saint Rémy. sozinho. Gachet. Dr. Ele tinha 37 anos. Van Gogh tinha que ter a liberdade de trabalhar ao ar livre e pintar o que quisesse para depois voltar para casa. Não se sabe onde se encontra esse quadro. estando muito tranqüilo e lúcido. que ele está muito feliz. Van Gogh vai gostar muito dele. Acaba então o momento de Paris onde ficou apenas 10 dias e volta com o médico para "Anvers". Pinta seus últimos trabalhos e começa a aceitar a sua doença achando que não tinha mais jeito. dois dias depois.

Van Gogh não vai deformar com um apelo social em sua fase expressionista. Pinta muita figura humana e fala para o Théo: "Amo mais pintar os olhos dos homens do que as catedrais. dava uma textura muito grande à sua tela. Passa para sua pintura toda a sua perturbação e toda a sua tristeza. Essa distorção era feita para ele e não importava se você entendesse ou não. mas que sobreviveu através de sua pintura. Ali. Escreve para o Théo: "Quando eu começo a pintar. procuro uma técnica simples que não é impressionismo e nem pontilhismo. Pinta a sua realidade e o que vive." Exagerou muito nas cores. Gauguin a dirigiria e novos pintores chegariam para integrar essa confraria ou comuna fraternal. É um grande pintor de todos os séculos. Nunca concordou quando Théo pedia para ele distorcer menos para que suas obras fossem vendáveis. Então pedira a seu irmão Theo que o ajudasse a convencer Gauguin que fosse à Provença morar com ele. Gostava demais de Millet. O seu apelo social ocorreu antes dele entrar nessa fase. como a que ele reclamava para contra balançar "a decadência do Ocidente". Eu quero pintar de uma forma que todo mundo que tenha dois olhos possa ver claro.No sótão da galeria Gropil de Paris. Corre-se o risco de se perder no turbilhão confuso de sua pintura. homem incomum. telas pequenas. existiam 700 quadros de Van Gogh sem comprador. pintava com grossas camadas de tintas. Os olhos dos homens são imponentes e majestosos. Vermeer. Mas. Teve uma fase impressionista bem curta. O seu apelo era para ele mesmo e não para a pessoa que estivesse vendo a sua pintura. e ficará fascinado com a personalidade arrebatadora desse artista aventureiro que acabava de voltar do Panamá e da Martinica com uns quadros cheios de luz e de vida primitiva. E corre-se o risco de cada vez mais entender Van Gogh” Van Gogh era um homem de uma riqueza interior genial. pelo homem ou se pelo seu trabalho. "Quando se estuda Van Gogh corre-se o risco de se apaixonar. onde tudo seria partilhado. somente ele. Isso é o que eu chamo de simplicidade técnica". Essa técnica chama-se "empaste". embatido pelos sintomas da doença. da qual seriam os pioneiros. nessa casa amarela. se viveria pela e para a beleza e não existiriam a propriedade privada nem o dinheiro. um expressionista sempre deforma com apelo à emoção e apelo social. É chamado de pintor expressionista. Ele queria pintar somente o que ele sentia. Corre-se o risco de se fazer dele um herói e de se fazer dele distante. Sua pintura é como um diário. por que nos olhos deles há o que não existe em nenhuma catedral e em nenhuma construção. uma reflexão profunda do seu ser. onde Théo tomava conta dessa galeria. muita espátula. fundariam uma comunidade de artistas. A HISTÓRIA DE DOIS AMIGOS Van Gogh conheceu Gauguin poucos meses antes. dominado pela doença. Muitas vezes pegava o tubo e colocava a tinta diretamente na tela. Deve ter pintado mais de 1000 obras. Não se sabe bem se pelo pintor. Ele pintava muito para ele próprio. depois os pintores franceses como Delacroix. em Paris. 105 . As vezes pintava com o dedo. Técnicas de pinturas utilizadas por Van Gogh: Suas primeiras influências foram os pintores holandeses como Rembrandt. Não procurou agradar nunca os outros.

no bordel de madame Virginie. em Arles e a descobre rodeada de vizinhos e policiais. um ano e meio depois. Gauguin fará um comentário brevíssimo e ríspido. é óbvio que não o esqueceu. nas quais o episódio da mutilação da orelha e suas experiências em Arles primam pela ausência. o fim de seus sofrimentos. em Auvers-sur-Oise. E nos anos seguintes evitará falar do holandês. e trabalhou a terra com tal perseverança que afinal seus vizinhos indígenas e os missionários daquele lugar perdido. Embora nunca voltassem a ver-se. os amigos de Arles trocaram algumas cartas. nos meses seguintes. No dia seguinte lhe comunica a intenção de mudar-se para um hotel pois. Guaguin vai passar a noite num hotelzinho próximo. lhe diz. cones e esferas . enquanto Van Gogh permanecia um ano inteiro no sanatório de Saint Rémy. Na véspera. de tal forma que se torna impossível para ele recriar a realidade segundo “impressões” captadas pelos sentidos. quando todo mundo lhe garantira que essa flor exótica nunca havia conseguido aclimatar-se na Polinésia? Mas o "selvagem peruano". como gostava de se chamar. ao se sentir descoberto. Por que se empenhou em semear girassóis diante de sua cabana em Punaauia. que. são os mais misteriosos de suas biografias. foge. Véspera de Natal de 1888. prostituta com quem Van Gogh saia. caso o episódio se repetisse. termina de modo abrupto: o holandês lança sua taça contra o amigo. ele poderia reagir com igual violência e apertarlhe o pescoço. Gauguin sente passos às suas costas. Punaauia."). Depois havia voltado ao seu quarto e ido dormir em meio a um mar de sangue.Os dois meses que Van Gogh e Gauguin passaram em Arles. embrulhada num jornal a Rachel. No entanto. Volta-se e vê Van Gogh com uma navalha na mão. talvez de um modo que nem sequer foi sempre consciente. 'Quando do suicídio de Van Gogh. Gauguin e os policias o transferem para o Hotel Dieu e Gauguin parte para Paris na mesma noite. Ao anoitecer. que mal se desvia dela.acentua-se cada vez mais. quando está atravessando o Parque Victor Hugo. Às 7 da manhã volta à Casa Amarela. levando-a. Van Gogh havia cortado parte da orelha esquerda. uma discussão no Café Estação. depois do incidente no parque. PAUL CÈZANNE (1839-1906) Sua tendência foi converter os elementos naturais em figuras geométricas . puderam deleitar-se com aquelas estranhas flores amarelas que acompanhavam a trajetória do Sol.como cilindros. como se tratasse de alguém muito alheio a ele ("Foi uma sorte para ele. que essa ausência esteve muito presente nos 15 anos de vida que lhe restavam. entre outubro e dezembro de 1888. enquanto bebiam absinto. era teimoso e pediu sementes a seu amigo Daniel de Monfreid. Obras Destacadas: Castelo de Médan e Madame Cézanne 106 . com uma bala de revólver no estômago. como que assediado por um incômodo permanente. no Taiti.

que tornaria célebres em sua obra. desagradava a Toulouse-Lautrec. no ano seguinte. A simplificação do contorno e o uso de grandes áreas em uma só cor caracterizam os cartazes.veemente defensor das normas acadêmicas e contrário aos impressionistas --. sentia a estética acadêmica como algo cada vez mais restritivo e insuportável. "Au salon de la rue des Moulins" e inúmeros retratos. As cores intensas. Entre as mais de 300 que produziu. Toulouse-Lautrec dedicou-se à litografia. Entregouse ao alcoolismo e seus modos irônicos não disfarçavam o sofrimento decorrente de sua deformidade. França. Em 1899. demonstrou pouco interesse pelas paisagens e dedicou-se aos interiores. transgride freqüentemente as proporções anatômicas e as leis da perspectiva em favor da expressividade. Apesar do apoio do novo mestre. Montou um estúdio particular em meados da década de 1880 e passou a freqüentar os teatros e cabarés do bairro parisiense de Montmartre. em 1881. De família aristocrática. após grave colapso nervoso. depois de bacharelar-se. Em 1883. gênero a que conferiu incomum aprofundamento psicológico com grande economia de meios. onde conheceu Van Gogh e Émile Bernard.La Goulue". dançarinas de cancã dos cabarés e outros personagens da vida noturna parisiense da década de 1890 eram seus modelos prediletos. Em 1872. que estão entre suas obras mais significativas. Léon-Joseph-Florentin Bonnat -. de linhas livres e onduladas. sensível panorama da vida nos bordéis. passou alguns meses num sanatório mas.TOULOUSE-LAUTREC (1864-1901) Henry Marie Raymond de Toulouse Lautrec “A idéia da pintura como obra de arte elevada. Menos de um ano depois. A partir de 1892.” Henri-Marie-Raymonde de Toulouse-Lautrec-Monfa nasceu em Albi. abominava os desenhos do aluno. Ao contrário dos impressionistas. voltou a beber. O estilo pessoal de Toulouse-Lautrec. sugerem movimento. executada necessariamente em óleo sobre tela. destaca-se a série Elles. quando sofreu um acidente e quebrou o fêmur esquerdo. 107 . recebeu educação artística e praticou esportes até os 14 anos. ingressou no Liceu Fontanes (posterior Liceu Condorcet) e. Nunca pôde se restabelecer e suas pernas atrofiadas e disformes dificultavam-lhe a locomoção. quebrou o direito. Interpretada como reação à condição física do próprio artista. O surgimento da série coincidiu com a deterioração de seu estado físico e mental. que foi afixado nos muros de Paris. Um de seus primeiros mestres profissionais. que passa a ser apenas sugerido. em 24 de novembro de 1864. Toulouse-Lautrec passou ao estúdio de Fernand Cormon. São famosos "Moulin Rouge". em combinações rítmicas. enfrentou a oposição familiar e decidiu tornar-se pintor. Em 1891 ele criou seu primeiro cartaz de propaganda. essa característica elimina a obviedade do movimento. As prostitutas. Dedicou então cada vez mais tempo à pintura. "Moulin Rouge -. em Paris. As figuras são situadas na tela de forma a que as pernas não fiquem visíveis.

sem dispor dos recursos necessários à produção de esculturas. além das numerosas litografias. Modigliani morreu em Paris. Essa fase se prolongou até 1914. que prefigurou revolucionários movimentos artísticos do Século 20. Impressionado pelo cubismo. ao fim de três anos de vida boêmia. muito influenciado por Cézanne. Também a influência dos kouroi (esculturas gregas que representam jovens atletas desnudos) se faz sentir nesses trabalhos. dotou suas figuras de uma sensualidade que se transmite não pela nudez. que expôs no Salão dos Independentes de 1909. que se destacam pelo despojamento e pela estilização. com o fim de manifestar sua verdadeira 108 . em 12 de julho de 1884. que Modigliani esculpia sempre diretamente na pedra. Em 1906 mudou-se para Paris e. KIRCHNER (1880-1938) Foi um dos fundadores do grupo de pintura expressionista Die Brücke. que por um longo período abandonou a pintura pela escultura. segundo o artista. como os que fez para Aristide Bruant. França. a partir de então. o cubismo e o expressionismo. Apesar da excepcional popularidade de seus cartazes publicitários. retornou à pintura. Os temas preferidos de Modigliani foram. que iniciou na cidade natal e prosseguiu em Veneza e Florença. Amedeo Clemente Modigliani nasceu na cidade italiana de Livorno. como o fauvismo. O encontro com o escultor Constantin Brancusi marcou a carreira de Modigliani. sobretudo das esculturas do Congo e do Gabão.Henri de Toulouse-Lautrec morreu no castelo de Malromé. Essa breve fase final do artista foi a mais importante de sua obra. quando o artista. Modigliani marcou a pintura da primeira metade do século XX com suas figuras alongadas. o pintor alemão deu formas geométricas às cores e despojou-as de sua função decorativa por meio de contrastes agressivos. Por causa da saúde precária não recebeu educação formal e voltou-se para o estudo da pintura. só posteriormente reconheceu-se a importância de sua obra. mas pelo movimento e pelo alongamento dos traços. Gironde. Com o raro dom de conseguir uma imediata empatia entre seus retratos e o observador. Influenciado pelo cubismo e fauvismo. em 24 de janeiro de 1920. filho de abastada família judia. expressavam "a muda aceitação da vida". caracterizada por um despojamento que alguns críticos creditaram a sua inclinação para a escultura. em 9 de setembro de 1901. o artista executou nesse período esculturas nas quais se misturam influências da escola de Siena e da arte da África negra. May Belfort e outros artistas. executou uma de suas obras mais importantes: "O violoncelista". na tentativa de preservar a unidade plástica do bloco. Jane Avril. Toulouse-Lautrec e Picasso. os retratos e os nus femininos com modelos que. AMEDEO MODIGLIANI (1884-1920) Um dos principais integrantes da escola de Paris.

Em 1914 Kirchner foi convocado para a guerra. criados. numa referência à frase do escritor: “. segundo o pintor. As formas cúbicas da arquitetura e os graciosos arabescos na terracota deixaram sua marca na obra do pintor. Klee escreveu: "A cor. em cima de "matéria e sonhos". seus quadros se transformaram num amontoado neurótico de cores contrastantes e agressivas. Klee estudou com o mestre Von Stuck em Munique. este pintor dedicou-se durante a toda sua carreira a buscar o ponto de encontro entre realidade e espírito. Suas obras mais importantes estão dispersas pelos museus de arte moderna mais importantes da Alemanha. Kirchner tentou mostrar em toda a sua produção pictórica uma realidade de pesadelo e decadência. Quando suas mãos se recuperaram do ferimento. Demônios. Mas a grande descoberta ocorreria dois anos depois. Paralelamente. Klee emigrou para a Suíça.visão da realidade. com os quais. começou a trabalhar como professor em Dusseldorf e mais tarde na escola da Bauhaus em Weimar. Entre eles merecem ser mencionados Anatomia de Afrodite. durante o nazismo. onde se encontrou com Delaunay. Depois de uma viagem pela Itália. PAUL KLEE (1879-1940) Considerado um dos artistas mais originais do movimento expressionista. foi nomeado membro da academia de Berlim. A exemplo de Kandinski. voltou a pintar ao ar livre. para seis anos mais tarde. Klee juntou-se em 1924 ao grupo Die vier Blauen. Dessa época são os quadros mais ousados de paisagens e nus. bem como cenas circenses e de variedades. em 1940. ver sua obra ser destruída e desprestigiada pelos órgãos de censura. motivados pela leitura de Nietzsche. que seria de vital importância para suas obras posteriores. na primeira exposição dos surrealistas.. Kirchner continuou sua formação na cidade de Munique. produto de uma profunda tristeza. Veio então a época em que os pintores se reuniam numa casa de veraneio em Moritzburg e se dedicavam apenas ao que mais lhes interessava: pintar. 109 . em sua primeira viagem a Túnis. Flores Noturnas e Villa R.a ponte que conduz ao super-homem”). Iniciou uma fase de grande produtividade. fundou o grupo Die Brücke (A Ponte. Klee deixou vários trabalhos escritos que resumem seu pensamento artístico. Em 1933. Depois de lutar durante dois anos na Primeira Guerra. pode expressar ritmo e movimento".No final de 1938 o pintor pôs fim à própria vida. Sensivelmente influenciado pelos desastres da guerra. Tendo concluído seus estudos de arquitetura na cidade de Dresden. Sua última exposição em vida aconteceu em Basiléia. em sua casa ao pé dos Alpes. como a forma. Convencido de que a realidade artística era totalmente diferente da observada na natureza. e um ano depois tentou o suicídio. Em 1912 viajou para Paris.. Pouco tempo depois reuniu-se com os pintores Heckel e Schmidt-Rottluf em Berlim. entrou em contato com os pintores da Nova Associação de Artistas e finalmente uniu-se ao grupo de artistas do Der Blaue Reiter. com quadros de caráter quase surrealista. Quando finalmente sua contribuição para a arte alemã foi reconhecida. Além de sua obra pictórica. mas antes apresentou suas obras em Paris. em 1931.

quando o homem deformava um bisonte ou abutre. muito violento. do que estava acontecendo no seu país. O impressionismo continua forte somente na forma e não mais no conteúdo. Essa falta de comunicação. Artistas alemães do princípio do século: Edward Münch (papa dos expressionistas) 110 . filmes. não importa a cor. Esse termo vai existir também na música. porque as pinceladas são muito nervosas. que sempre existiu. Lá existe uma falta de comunicação muito grande.: música expressionista. muito rápidas. O expressionismo vai surgir entre 1904 a 1909. o oposto da pincelada delicada do impressionista. É muito forte. É uma constante na história da arte. o tempo é ruim com pouco sol.O EXPRESSIONISMO O expressionismo sempre existiu e sempre vai denunciar. ele já era expressionista deformando por necessidade própria. registrar a dor humana. Vem do comportamento introvertido do homem. Normalmente usam cores puras. O expressionismo vai surgir. roxo. Ninguém vai pintar mais sobre a “belle epoque” pois. Pode ser preto. É muito forte na Alemanha e nos países nórdicos. não pode ser chamado de um simples estilo. Goya. ao redor de tudo. como corrente artística. Desde a pré história. Pode-se usar a mesma técnica hoje. um apelo a sua emoção. a belle epoque. amargura. já era expressionista sem saber. mas com conteúdo atual. Deformava em uma busca muito forte. não tem mais sentido de pintar o impressionismo hoje com o conteúdo do século passado. etc.: Quase todas as principais correntes expressionistas são nórdicas. mudando tudo sobre a estética grega que estávamos acostumados a ter como padrão ou ideal de beleza. Essa revista veio a comentar que aqueles artistas expressavam só dor. O expressionismo. Os primeiros artistas plásticos que foram chamados de expressionistas foram os alemães. No aspecto psicológico é uma arte quase que de instinto. O expressionismo nunca vai pintar sobre aquela emoção gostosa que se observa nos quadros impressionistas. de não facilidade para se expandir e falar com o próximo é que faz com que surja o expressionismo. Ex. vermelho. quando ocorre uma grande catarse que se projetará na pintura. Foi publicada pela primeira vez em uma revista alemã chamada de "A tempestade". no princípio do século XX. O aspecto técnico é aquela acentuação bem forte. etc. solidão interior. ficando meses trancados em casa por causa das tempestades de neve. música. mas sempre vai ter contrastes violentos no interior da figura. Tanto o abstracionismo quanto o expressionismo estão muito fortes ainda no século XX. bem preta dos contornos ao redor das figuras. Obs. fotos. Desde que o homem é homem ele faz expressionismo embora não fosse consciente dessa denominação. Existem dois aspectos no expressionismo: o aspecto técnico e o psicológico. no final de sua vida.

Essa influência "exótica" foi muito forte para os franceses e para os nórdicos. fovismo. abstracionismo. impressionismo. fantástica e onde colocam tudo o que eles sentem e sem muitos parâmetros com a arte acadêmica. como também é no renascimento. cubista. Nesse principio do século XX vai aparecer todos os “ismos” como: cubismo. abstrata) O realismo é quando o pintor representa o mundo exatamente como é. Normalmente a Arte Selvagem está muito ligada principalmente à arte da Polinésia Francesa. como todas essas correntes do princípio do século que ficam encantadas com essa arte. primitiva. renascentista. O idealismo é a busca da beleza ideal superior a beleza. A arte da Polinésia é muito expressionista. o interesse pelo drama individual (oposto do impressionismo que só retratava o belo). todos os pintores expressionistas vão descobri-la. Todo o classicismo grego é idealista. néo-clássica) Expressionismo (Pintura barroca. 111 . Esse grupo é fantástico formado por três artistas citados anteriormente excluindo-se Edward Münch e Emil Nolde. parecendo uma fotografia. É uma arte muito instintiva. É lógico que essas correntes vão ter influências entre si. etc. o expressionismo tem a ver com a arte selvagem. Os impressionistas eram muito “doces” para esse “amargo” nórdico. Ernest L. contra a burguesia (o expressionismo sempre vai ser um protesto). acadêmica.Kirchiner. Os principais enfoques do expressionismo são: No aspecto social. Expressionista é a emoção e o Impressionista a sensação. expressionismo. "A Ponte" significa a ligação entre o visível e o invisível. aquela dor". Registra fielmente possível aquilo que os sentidos percebe. com perfeição. Como o Picasso. Protesto contra tudo. É a representação mais usada no mundo todo. “Arte selvagem” é a arte da descoberta da existência da África. dadaísmo. Dentro da estética da arte existem 3 formas para representar o mundo: Realismo (Pintura hiper-realista) Idealismo (Pintura clássica grega. Portanto. Quando o artista deforma a figura ele obedece a um desejo de fazer um apelo à emoção com muito vigor até mesmo na alegria. Karl Schimt Rotluff Otto Muller Emil Nolde Esses alemães vão fazer um trabalho chamado "A Ponte". que se encontra dentro da própria pessoa. realista. Eles vão pensar que o homem é livre. Todas essa correntes do principio do século vão ter influência da arte selvagem (dos africanos). "A Ponte" também vai ter alguma coisa de arte selvagem. Tudo é exagerado e tudo é distorcido para retratar "aquela emoção. É a própria deformação da figura.

pintor francês expressionista. O homem do século XX é extremamente individualista. Primitivo é o homem que nasce na selva. Rousseau nunca tinha visto uma floresta na vida. etc. ou melhor "Naífe" (porque não nasceu na floresta e sim na França) vai pintar muito sobre a selva. A personalidade do pintor expressionista tem como característica a necessidade de se isolar para criar uma técnica própria adequada para os seus fins pessoais expressivos. Com a guerra. mas o estado mental difere de cada um que pinta. Os pintores expressionistas não eram muito unidos. ressurgindo novamente mais tarde.: Edward Münch pintou muito sobre a morte. Mexe com a cabeça. dolorido. a dor é bonita. só que vai pintar de forma primitiva. como se fossem vitrais e a Joana D'Arc (que vai fazer um contorno preto na figura da Joana D'Arc como se fosse vitral). amargo. O expressionismo vai expandir fortemente antes da 1a. Jamais seria um conteúdo dos países nórdicos.O expressionismo é praticamente o século XX. nascido no Brasil. Rotluff. Ex. "A Ponte". O impressionista vivia sempre em grupos. com as emoções. Existe uma abertura muito maior que no impressionismo. que é um assunto brasileiro. pois seu pai era médico e Münch presenciou esse assunto. mas cada um tem o seu estado mental que pode colocar no seu trabalho. uso de cores fortes. os pintores se dispersaram tanto que quase acabaram com a corrente. mas pegou um livro de estória de seu filho e de lá tirou a imagem do macaco. do leão. O conteúdo é muito de cada um. Não tem nenhuma aberração. O seu conteúdo será sobre os retirantes. no barroco (com a diagonal e sem uma figura no centro). O expressionismo não é belo no sentido da estética. na Alemanha. Uma obra expressionista é um golpe para quem a vê. Tudo é possível. Rousseau é um pintor primitivo. como no renascimento. os santos. 112 . Guerra Mundial. A corrente expressionista tem uma forte distorção. Um assunto expressionista é sempre distorcido. acabou em 1913 por causa da guerra. Portinari é expressionista. Vai pegar uma santa que jamais será tema dos expressionistas nórdicos alemães. É um pintor de 1885 ou 1886. da época dos impressionistas. O nome expressionismo surgiu em 1912. que surgira no início do século XX (1905-1906) e queria ligar os 2 mundos. Não existe uma regra ou característica muito unida. fragmentado. é latino e vai pintar muito a igreja católica. etc. A caricatura também é expressionista. “Naífe” é o homem civilizado que sabe ler. “Primitivo” é o homem que nasce na selva. Existia uma diferença de conteúdo entre os pintores expressionistas nórdicos alemães e os pintores nórdicos franceses. Só pode ser colocado que se caracteriza pela distorção. O individualismo em um pintor expressionista é muito forte. separando esses pintores. porque distorce para representar algo interessante e tem humor. nasceu na cidade e vai pintar de uma forma primitiva.

que surgiu no expressionismo. Não segue nenhuma corrente artística. Expressionistas brasileiros: Mário Gruber Anita Malfati Portinari Grassmann. É considerado um dos grandes artistas do século XX. Os expressionistas usam muita gravura em metal. horrível. acabou deixando de ser para se tornar Paul Klee mesmo. de gente louca. em 1933. Em 1921 foi professor de desenho da Bauhauss. Kandinsky (grande paixão deles) e Franz Marc. vai expulsar todos eles porque achava que pintavam uma arte degenerada. No Rockfeler Center também se encontra um grande mural dele. Tinha um mundo próprio por criar leis próprias de perspectiva e de lógica. Entre os artistas modernos ele é o mais individualista. na Alemanha. etc. Pollock acabou ajudando no trabalho de 113 . Exilados. uma fauna estranha. Embora tenha pertencido ao grupo do "Cavaleiro Azul". Eles eram partidários do abstracionismo. vão ressurgir em várias partes do mundo como no Brasil. muralista. detalhista e sua arte se desdobra até o infinito. Expressionistas mexicanos: Diego Rivera Orosco Siqueiros Diego Rivera pintor mexicano. Nova York. Esses pintores desse grupo foram: Paul Klee. Voltou ao México fazendo grandes murais em edifícios públicos da cidade do México. nasceu em Berna. viveu muitos anos na Europa e escreveu que teve muita influência de Giotto e Velásquez. Era desenhista supremo. Ele era um homem extremamente intelectual. Paul Klee. às vezes primitivo e louco. Paul Klee nega a realidade da percepção normal transformando tudo o que você acha que é certo e normal. Tudo era religioso e mágico. quando era jovem e foi pintar em Nova York. etc. ficou impressionado pelo mural de Diego Rivera pedindo para que fosse ajudante dele.: Jackson Pollock.Surge um outro grupo de expressionismo chamado de "O cavaleiro azul". No pós-guerra. expressionista. Paul Klee. Hitler. Para ele tudo era normal e tinha lógica. Criou flores. ele tem que ser separado dos expressionistas por ter uma pintura diferenciada. na Suíça. Alguns críticos acham-no um pouco infantil. os expressionistas ressurgem com grande energia na Alemanha. Outros pintores acharam fantástico o seu trabalho e se reuniram ao seu redor formando um grupo chamado Cavaleiro Azul (devido a esse quadro). Obs. Um pintor chamado Franz Marc pintou um quadro chamado "Cavaleiro Azul".

ele jamais modificou o seu trabalho por causa disso. Vai ter a coragem de pintar numa época muito difícil da realidade mexicana. gerou uma pintura muito forte. episódios da mitologia mexicana. na figura do artista. Astecas. a tradição dos Maias. 114 . do que na própria técnica. muito dolorida. Esse encontro dos dois não chegou a influenciar na pintura de Pollock. Ele era um homem de personalidade muito forte.Diego Rivera. O governo mexicano pedia que ele fizesse sua pintura de determinado forma por precisar do dinheiro americano mas. Aquela revolução mexicana. mesmo assim ele se tornou um pintor de peso. mas a realidade e por isso sua vida foi difícil por quererem que ele pintasse a beleza. Zapotecas. É também muralista. Mas. Diego Rivera vai pintar muito o seu folclore. Sua influência se deu mais na “força do homem". Tem uma linguagem de expressividade muito forte. muito forte. Ele não pintava a beleza.

em virtude da intensidade com que usavam as cores puras. em 1908. pintou figuras e paisagens em brilhantes cores chapadas. não tem relação com o intelecto e nem com sentimentos. sofreu influências de Cézanne e depois do cubismo. Quem lhes deu este nome foi o crítico Louis Vauxcelles. dizia: "Quero incendiar a Escola de Belas Artes com meus vermelhos e azuis. como saem das bisnagas. Após romper com o fovismo. · A cor pura deve ser exaltada. no Salão de Outono. ligou-se a Maurice de Vlaminck e a Matisse. em Paris. desde então. seus nus. retratos e naturezas-mortas haviam adquirido uma entonação neoclássica. Na década de 1920. Seu estilo. 115 . sem misturá-las ou matizá-las. com os quais se tornou um dos principais pintores fovistas. foi o mais autêntico fovista. ANDRÉ DERAIN (1880-1954) Pintor francês. pretendendo a sensação física da cor que é subjetiva. · As linhas e as cores devem nascer impulsivamente e traduzir as sensações elementares. Nessa fase. Características da pintura: · Pincelada violente. espontânea e definitiva. no mesmo estado de graça das crianças e dos selvagens. as sensações primárias. Principais Artistas: MAURICE DE VLAMINCK (1876-1958) Pintor francês. · Uso exclusivo das cores puras.FOVISMO Em 1905. com o gradual desaparecimento da gestualidade espontânea das primeiras obras. recorrendo a traços impulsivos e a pinceladas descontínuas para obter suas composições espontâneas. · Ausência de ar livre. alguns artistas foram chamados de fauves (em português significa feras). · Criar é seguir os impulsos do instinto. não mudou." Por volta de 1900. pois estavam expostas um conjunto de pinturas modernas ao lado de uma estatueta renascentista." Adotou mais tarde estilo entre expressionista e realista. Os princípios deste movimento artístico eram: · Criar. · Pintura por manchas largas. não correspondendo à realidade. dizia: "As cores chegaram a ser para nós cartuchos de dinamite. formando grandes planos. em arte. · Colorido brutal.

evoluiu gradativamente para o fovismo. Impressionista a princípio. depois de travar contato com Matisse. Foi. sem profundidade. Morreu um ano depois de receber o prêmio de pintura da bienal de Veneza. Contrastes tonais e a geometrização da forma caracterizaram sua obra. também. ilustrador e litógrafo. Dos pintores fovistas. ele foi o único a evoluir para o equilíbrio entre a cor e o traço em composições planas. escultor. as técnicas do desenho e o efeito de claro-escuro para tratar a cor como valor em si mesma. Nas suas pinturas ele não se preocupa como realismo. gravador e decorador francês. como de pessoas ou de naturezas-mortas. 116 . tanto das figuras como das suas cores. O que interessa é a composição e não as figuras em si.HENRI MATISSE (1869-1954) Pintor francês. RAOUL DUFY (1877-1953) Pintor. Abandonou assim a perspectiva. que exploraram o sensualismo das cores fortes.

do que emoçional e de sensação. 117 . A arte Cubista é muito mais conceitual. a partir de 1900. Essa revolução foi fantástica. Ele vai imaginar. O pintor cubista vai pegar um objeto e quebrá-lo em partes. O cubismo virou 400 anos de arte de pernas para o ar. Já em uma pintura como a Barroca ou Impressionista o fruidor vai usar o que sente para entendê-las. É extremamente conceitual muito mais que perceptual. foram muito apoiados na imprensa pelos escritores que publicavam sobre essa nova arte muito intelectual. Para ser um bom pintor cubista na essência certamente será um homem culto. segundo o conhecimento intelectual que ele tem dessa representação. O Cubismo se vale muito da memória do fruidor do que dos objetos concretamente vistos pelos olhos. Em uma pintura Cubista. desde o pré-renascimento até hoje. É preciso muito estudo e intelectualidade. os pintores. a particularidade cultural de cada objeto. Na arte também houve uma série de mudanças. O Cubismo procura a essência da visão humana. Os pintores Cubistas como Picasso. racional. Os cubistas vão pintar e representar um objeto através do lado que nós vemos e do lado que nós não vemos desse objeto. no início do século XX. É por isso que é muito racional. o surgimento de muitas dúvidas e interrogações. A minha memória é que vai ter que olhar essas partes e montar novamente o objeto. De repente. Vai ser uma nova forma de ver e representar o mundo. Vai depender muito da minha memória. Juan Griss. da razão. Pode também ser notado. por exemplo. O Cubismo vai ser uma reação contra a afirmação de que o mundo que nos cerca é acadêmico. Dúvidas. Quando se fala em mudança precisamos falar de um estilo que mudou muito a arte no mundo e provocou uma revolução na estética. criar fragmentos para representar todos os lados do objeto. Durante cinco séculos. O cubismo não aceita nunca o momento estático. Ele é totalmente dinâmico. Fernando Leger. Braque. No ano de 1904 Einstein escreve sobre a teoria da relatividade que vai mudar totalmente o conceito do universo. sobre o consciente e inconsciente. da arte. ano em que Picasso chegou à Paris em sua primeira visita.CUBISMO É o início da idade moderna do mundo. A arte Cubista é uma arte muito elaborada. 1907 pelo Picasso quando ele pintou "Le Mademoiseille D'Avignon". vão pintar muito mais o que sentem do que o que vêem. etc. Essa mudança foi realizada em 1906. os mais famosos. É a recuperação da nova visão da arte através de um conceito intelectual. o fruidor vai ter que usar muito o raciocínio para entender a obra. Freud estava publicando a interpretação dos sonhos. Em 1900. os artistas vão buscar em suas pinturas as aparências externas e o bom pintor será aquele que vai pintar realmente o objeto como ele é.

os aliados pediam que colocassem panos escuros roxos nas janelas para que os aviões não avistassem as luzes das casas. esculturas. É muito importante conhecer Picasso porque todas as fases de sua pintura tem muito a ver com a retratação de sua própria vida e da época em que viveu. é procura. O objeto nunca vai ser representado como foi visto. etc. o artista fragmenta e decompõe. FASE SINTÉTICA. o que marcou sua obra. Tem aspectos extremamente renovadores para a época.: o artista vai representar um olho no lugar da testa e o outro na orelha. Eles constróem espaços pictóricos onde eles determinam as representações. por ex. Dizem que foi Matisse que ao olhar o quadro do Picasso com Braque disse: "Você está pintando só cubo! Mas isso é cubismo!" Muitos outros também tiveram a mesma opinião. Nunca irá colocar o olho no joelho. na região a que pertence. no Museu Moma mas. Nessa fase toda sua pintura terá panos roxos.: um olho pode estar localizado no dedo do pé. o Cubismo é considerado uma arte bastante intelectualizada. Para que possamos entender Picasso. como exemplo: Durante a segunda guerra mundial quando os alemães bombardeavam Paris e ocorria o black-out. FASE ANALÍTICA. temos que conhecer o homem e o artista. A técnica cubista apresenta várias texturas. quando os artistas e principalmente Picasso e Braque se interessam e estudam muito as obras de Cezanne. Quando morre sua cabra. seu bichinho de estimação. Foi cubista somente 5 anos e depois foi “Picasso”. por ex. 118 . quando é totalmente fragmentado. ele vai pintar tudo com cabra. “Arte” é uma perene evolução. Sempre numa constante busca e inovação. em New York. Na estética da arte. a do Museu Gugueheim é a melhor. Ele é extremamente individualista. O movimento cubista se divide em várias fases: FASE CEZANEANA. A sua memória é que vai ter que montar a figura. inclusive broches.Os Cubistas não dão valor à perspectiva. Antes de falar sobre sua vida é preciso deixar registrado a soberba vitalidade de um artista continuamente dedicado à criação até seus últimos momentos de vida. mas como foi pensado pelo artista. Você tem que montar a figura toda como em um quebra-cabeça. Foi um homem artista em perene evolução. tem 8 obras dele. No museu Gugueheim. Dono de uma dinâmica constante. Tem muita obra de Picasso em Barcelona. É um espaço pictórico que não tem nada a ver com a representação da realidade. no próprio rosto. quando começaram a fazer “colagens”. Dificilmente houve alguém que tivesse superado Picasso no sentido do que seria arte do século XX. sua obra é inconfundível. Essas obras são as melhores de cada fase. Picasso sempre esteve em movimento criando e deixando estilos e frases de forma a garantir uma obra cuja característica básica era a busca de sua individualidade. É busca.

na National Gallery de Londres. Quanto mais você sabe. Essa exposição mostrava a diferença entre os dois: Picasso tinha recortes de jornal somente de assuntos alegres sobre touradas. para depois sentir a emoção. Eles voltaram e surgiram com a idéia da colagem. etc. Picasso jamais iria fazer isso. As letras gráficas vão aparecer com Picasso e Braque. Braque. sobre perdas. entrou no quarto e achou que o nenê não estava respirando. na Espanha. etc. É o cotidiano. para que as pessoas soubessem distinguir entre Picasso e Braque. O jornal vai ser muito usado na colagem. Uma obra de arte do século XX. No cubismo analítico. você tem primeiro que saber. que fumava charuto.” Isso vai mudar muito a visão da arte. exatamente nessa época que ocorre o cubismo. a vida. em "off": Picasso não chorou ao nascer. O cubismo sempre vai ser figurativo de um modo geral. de forma muito parecida e não vão assinar seus nomes. que era introspectivo. Uma obra cubista tem que ser vista pela razão para depois sentir a emoção. a imagem já é quase um abstrato. Picasso vai assinar o nome no meio da obra como que fazendo parte dela. se posso colar a própria madeira na pintura?. Teve uma exposição somente com esses trabalhos. Houve muita confusão para que os historiadores identificassem a obra de um e de outro. já que era um estudo. Seu nome completo é Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remédios Cipriano de La Santíssima Trinidad Ruiz y Picasso. Braque e Picasso vão pintar juntos na montanha (onde Cezanne pintava). cada um escolhendo seu pedaço de jornal. somente recortava assuntos fúnebres. Quando o cubismo fragmenta tudo chega a ser quase um abstrato.Picasso falou o seguinte: "Para que vou pintar um pedaço de madeira. triste. Esse tio sem querer deu uma baforada no rosto da criança que começou a chorar. morte e sempre de circunstâncias do cotidiano como alguém que perdeu uma cadeira. É o novo homem que vai pegar esse hábito de ler jornal. etc. Por esse fato ele recebeu o nome do tio em 119 . Obs. Málaga. nesse começo de século. entender. a mulher. que parecia um cone. areia. Os dois quadros ficaram idênticos. PICASSO (1881-1973) Nasceu em 25 de outubro de 1881. Esse hábito vai ser registrado historicamente nas obras de Picasso. O mesmo com o jornal. Tinha 2 irmãs e como filho único foi muito mimado. Um tio chamado Salvador Ruiz. festas. mais sentirá essa emoção. Na verdade o abstracionismo tem muito a ver com o cubismo. mas também pode ser abstrato.

Em "off": Em 1900. Quando Picasso tinha 14 anos já pintava com perfeição. Nessa época Monet também estava vivo (vai viver até 1910). muito requisitada. Picasso conseguiu manter sua importância desde jovem até os 92 anos. Foi morar em Mont Martre que era mais barato e onde só vivia os intelectuais. falante. Alguns dos grandes pintores da Espanha: Velásquez (barroco) Goya (no final da vida era expressionista) Murillo (barroco) Miró Gaudi (grande arquiteto) Salvador Dali Picasso Em 1900 Picasso vai à Paris em uma grande aventura para visitar a exposição internacional. Com 15 anos o pai já o considerava pintor e resolve alugar um espaço para montar o seu atelier. nesse "Bateaux". As pessoas admiravam o fato dele ser tão novo e ter um estúdio montado pelo pai para ele. Essa mescla do brilho. O atelier dele. O marchand chegou a oferecer até um fixo mensal mesmo se ele fizesse somente uma obra por mês. mas ele não vai aceitar. no Museu do Prado. da estética da cor. da crueldade. onde Picasso fará cópias das obras de El Greco. Ele não tinha como pagar um lugar melhor para se viver. etc. Velásquez. tudo vai influenciar Picasso para o resto de sua vida. da doçura. Essa obra vai ser premiada em Madri em uma exposição muito importante. Aos 23 anos Picasso começa a ser famoso em um lugar fora de sua pátria. Ele disse que não iria querer nunca estar preso a nenhum marchand na sua vida e que queria ser um homem livre. quando Picasso saiu da Espanha. de escritores. Ele disse que fazia até dez por mês mas que não queria ficar preso a esse tipo de compromisso. Nessa época ele vai pintar uma obra chamada "Ciência e Caridade" e o seu pai vai posar como médico para ele. 120 . Foi auto-didata. Cada parente que chegava e adorava a criança os pais colocavam o sobrenome no filho. O pai ao saber que o filho ganhou uma medalha de ouro resolve incentivá-lo a estudar em Madri. Essa atitude de se colocar o sobrenome de todos os parentes na criança é muito comum na Espanha. da beleza. Numa praça de touros ocorre um espetáculo brilhante com cores vivas. carismático. fazer exposições. vai ser o ponto de encontro de artistas. Picasso era um homem cheio de vida. muito sangue. principalmente porque ele era o único menino daquela família que só tinha menina. Goya. onde os toureiros vão mostrar muita habilidade. Tanto Van Gogh como Toulouse Lautrec vão influenciar o trabalho de Picasso por pelo menos uns quatro meses. um marchand vai se oferecer para cuidar de seus quadros. Fica então enlouquecido com o trabalho de Van Gogh e Toulouse Lautrec. dos odores.seu sobrenome. Não queria que ninguém cobrasse ou controlasse a sua vida. Picasso adorava o pai que sempre o levava às touradas. muita elegância e também muita crueldade. O prédio em que morava parecia um barco e era tão feio que o pessoal da região apelidou de "le bateaux larvoir".

De repente ele se liberta dessa melancolia ao conhecer uma moça chamada Rose. Começou a freqüentar lugares muito alegres. Nunca mais no futuro vai retornar a essa fase azul. lugar onde Picasso vai viver até o começo da 2a. Em 1906 ele já era o jovem pintor mais conhecido de Paris. É uma nova visão de compreender a arte. não conhece Fídeas. muito felizes. o azul é o "Bleu". você vai encontrar muitas máscaras africanas de várias origens. O azul tem uma ligação muito grande com o melancólico. voltando somente após o Cubismo. O cubismo para Picasso foi uma paixão exploratória que durou somente 5 anos. Mudou-se para Mont Parnasse. vista como arte do século XX. Mont Parnasse. atraía muito os intelectuais. inspirando-se na cultura espanhola cheia de superstições. Ele vai acabar com 30 séculos de arte ocidental. Nessa fase ele vai retratar seres cruéis. onde até hoje moram os artistas. sendo conhecido como "O centro de arte moderna do mundo". Ele vendia tudo o que pintava. Ao parar de produzir a sua “fase rosa” ele vai falar: "Eu não procuro. que o colocam na alta sociedade onde irão comprar muito suas obras. eu acho". A fusão de dois mundos mágicos. Quando se fala de tristeza. começa a vender bastante. A sua vida se torna "rosa".: No mercado das pulgas de Paris. fica amigo de muitos marchands. fascinantes. Ele vai pintar o que ele sente. Obs. o "triste". Foi um escândalo tão marcante que Braque ficou sem falar com ele por 6 meses. de um modo geral. vão fazer surgir no século XX uma das tendências mais importantes que é o CUBISMO. Grécia. Picasso percebe que o artista negro não pinta raciocinando porque ele não conhece os cânones da arte (regras de beleza da arte). as figuras solitárias e melancólicas. sobrenaturais. histórias fantasmagóricas e folclores. Vai morar lá durante a sua “fase rosa” e onde começa a refletir sobre o seu trabalho que já estava cansado de fazer. Obs. quando ele vai pintar sobre as ruas pobres de Mont Martre. Passa a pintar só de "rosa". Ele vai entrar e sair dessa “fase negra”. dançarinas sem olho (irreais). Esse encontro vai ser decisivo para ele. figuras que vivem à margem da sociedade. Conhece Braque. Conhece 2 marchands: os irmãos Léo e Gertrudes Stein. badalados e ricos. A arte africana vai ser o momento decisivo no entendimento da arte.Entre 1901 e 1904 ocorre a sua "Fase Azul". que são as histórias folclóricas e a arte negra. Nesse momento de pesquisa. Roma.guerra mundial. que apelidou de "Rose Bombom". A partir daí vai começar a “Fase Negra”. As máscaras que ele mais vai gostar são as máscaras da Polinésia. vai ter um encontro com a Arte Primitiva Africana. Picasso vai pintar entre 1906 e 1907 a famosa obra "Les Mademoiselle D'Avignon". É chamado de fase azul porque o azul é que predomina em todos os tons. A partir de 1908 Picasso lidera o movimento cubista da Europa. 121 . A mudança foi radical. As fases “azul” e “rosa” são as únicas que ele não vai voltar nunca mais.

O touro de perfil que personifica a brutalidade. 2 se suicidaram porque ele as deixou. é reveladora. além dos casos que tinha por fora. Levou mais ou menos uns 4 meses para elaborar a obra. Vai casar com Dora Maar e pintar muitos retratos dela. Durante 3 horas jogaram bombas matando cerca de 1765 pessoas. quando acontece a guerra civil espanhola. Vai pintar sua obra prima "Guernica". A mulher sustentando uma lâmpada na mão. A arte é perigosa. Picasso 24 horas depois do acontecido começa a esboçar Guernica. Isso é estilo pessoal de um gênio. Ele fez três coisas de imediato: 1o. esquadrilhas de aviões das forças nazistas aliadas à Franco. Guernica era um vilarejo Basco na província de Biscaia. tendo muito a ver com a arte do século XX: "A arte não é casta. 3o. Fica o tempo todo morando na França e saudoso de seu país. De repente. desistindo depois. bombardearam a cidade. As pessoas saíram da feira e foram fazer a sesta. A Dora Maar (que era fotógrafa) fotografou todas as etapas. era um dia de feira. traspassado com uma lança nas costas. uno e mutilado. Não esconde sua obsessão pelo sexo. Das 5 esposas. 122 . Picasso tinha uma personalidade muito forte que vai ser muito importante para sua obra. Ninguém falava de guerra.000 habitantes. Em 1936 ele vai ser nomeado diretor do Museu do Prado. não tinha o porquê. não é arte. branco e cinza. à 1 hora da tarde. Picasso tem muitas fases. Nesse período ele não vai querer voltar à Espanha para assumir a direção do Museu do Prado. Em 1920 se casou com uma bailarina russa chamada Olga. No dia 26 de abril de 1937 ninguém falava de guerra. objetivo e subjetivo ao mesmo tempo. Começou a pintar em cores. Casou-se 5 vezes. 2o. Ele disse o seguinte: “o retorno periódico à determinadas fases era como uma volta a obra à ordem dele”. Foi então o primeiro bombardeio aéreo da história da humanidade de uma cidade inteiramente civil. período onde sua pintura fica mais calma. trabalhando sem cessar. Ele tinha uma boa organização e um sistema de trabalho. Guernica era uma obra que tinha as cores preto. Dois dias depois a Europa toda sabia da história. Vai buscar a luz. mostrando que é um pintor consciente e engajado socialmente na luta contra os mais fracos.Em 1915 ele volta à um realismo mais sutil até 1925. Vai escrever o seguinte. A cidade tinha somente 6. uno e mutilado. Só gênio consegue pode pintar uma coisa que é real e irreal. Foi pintada com paixão. convicção e com inúmeros desenhos preparatórios." Segundo Mali: Tudo o que Picasso pintava era realista e irreal. mas sua pintura não é difícil de ser reconhecida. Fez o cavalo agonizante. Teve caso com as duas ao mesmo tempo e permaneceu com elas por algum tempo. que representa o povo. é um jogo. Guernica é um mural bem trágico onde vai mostrar a tragédia humana. que vai ser o símbolo da justiça. Nunca mais vai voltar à Espanha até o Franco morrer. Ele precisava voltar para se ordenar novamente interiormente. objetivo e subjetivo. Ele chegou a pintar as duas no mesmo dia. Em 1931 essa bailarina foi substituída por Maria Teresa Walker. Se é casta ou não se revela.

em Madri. Eram esculturas parecidas com ela. Disse: "Quando eu era criança minha mãe me dizia: se fores soldado chegarás a general. Esta obra se encontrava no Museu do Prado e agora está no Museu da Rainha Sofia. com quem ele vai ter os filhos Claude e Paloma. foi você quem fez isso!". com animais. não usando cores. mulher “François Gilot”. Nessa época vai morar na Cote D'Azur. ele fez 57 esboços gerais diferentes antes da composição final. Picasso recebeu muito apoio dos pais. ficando com ela. Em "off": Na segunda guerra mundial quando os nazistas entraram na França e acabaram com Paris. Guernica tem 7. aos 55 anos.Nessa época. Ele continuou estrangeiro na França. a sua força criadora não pára. mas quando fez Guernica deixou que André Morrow (?). baseada nos pintores clássicos. Picasso disse que tinha repúdio a toda regra e convenções e com isso ele permanece um criador inesgotável. Chega o embaixador espanhol nazista que verá uma fotografia bem grande de “Guernica”. Paul Edward entrassem para ver a sua obra. Picasso inventa e cria formas que ele abandona e depois volta a pintar novamente. a fugir. Fofoca: Quando a Brigite Bardot foi visitá-lo e ele se encontrava com 60 anos aproximadamente. Quis ser pintor e tornei-me Picasso". Mas. O embaixador pergunta a Picasso: "Foi você que pintou isso?" Picasso responde: "Não. bem na ponta do cabo. a sua forma é extremamente racional. Picasso ao terminar Guernica em 1939. Guernica é trágica. Fazendo uma análise da forma pode-se notar uma composição de estilo piramidal. está rico. além de ter muito mais esboços específicos. tinha a Gestapo e a Resistência. Em 1946 Picasso vai casar com a 4a. com muita fama. De repente a Gestapo surgiu em seu Atelier quando Picasso estava pintando. Picasso sempre pintava sozinho. mulher e filhos. Além de transmitir uma grande emoção. fez um monte de cerâmica terracota para ela. Nessa época ele já tinha 68 anos e vai trabalhar com cerâmica. Vai morar e pintar muito. escultura e jóias. É uma fantástica mistura de processos de composição.50 de altura. Em termos de conteúdo vai mostrar sempre o palpitar da vida e a quietude da morte. sem nunca ter se naturalizado. Picasso pertencia a Resistência ajudando muito os espanhóis. gravura. em um castelo do século XVII que foi adquirido por ele. ao mesmo tempo que revela o palpitar da vida. Obs. que eram judeus. Então o embaixador sai de seu atelier sem falar nada. Estava em Cap D'Antibes. Ele resolve não esconder nada. 123 . etc. Essas esculturas ajudaram-na futuramente quando arrecada um bom dinheiro ao leiloá-las para ajudar financeiramente a sua obra de “proteção aos animais”.80 m de comprimento e 3. É o pior do retrato do sofrimento humano. Por isso seu trabalho é tão polivalente. se fores frade acabarás a papa. em “off”: Salvador Dali conseguiu conquistar a mulher de Paul Edward.

De 1910 a 1912. a superfície da madeira e as superfícies douradas. uma outra fazenda em Marbela. pintura que admirou e saboreou até saciar-se. Contudo. Para terminar. próximo à Capri. Picasso compra um castelo na França e uma casa da Idade Média também.Em 1954 ele vai viver uma paixão muito forte com Jaqueline Roque. um duplex no Central Park. fantástico diretor francês e por Alan Ransmie. a influência decisiva que Paris exerceu sobre ele foi através das salas do Louvre dedicadas à escultura egípcia e grega primitiva. Vai então desenvolver uma série de trabalhos nessa época.” BRAQUE Georges Braque (1882-1963). dizendo: "Concordo com Dom Quixote: meu repouso é a batalha". se uniu ao Fauvismo durante dois anos (1905/7). Eu tento achar influências do mestre. a festa da revelação. um bom retratista de personagens famosos. Morreu aos 92 anos em 09 de abril. em aprendiz de decorador: tinha que imitar o mármore. convertendo-se. não teve e nem tem seguidores. outro diretor. o mistério e o risco de ousar. o "Pombo" (Paloma) que para ele é o símbolo da paz. do encontro. o mural "Guerra e Paz". etc. ele mostrou a aventura do olhar. seu pai negociava com a pintura e a decoração e. influência à qual temos que acrescentar a de Renoir com sua Moulin da Galette. Compra também em Málaga uma fazenda imensa. era um consagrado pintor aficionado. Pintando o que nunca se viu. A aprendizagem técnica lhe fez entrar adulto na escola de Belas Artes do Havre e posteriormente no ateliê do pintor Lécin Bonnat . com quem tinha estabelecido uma sólida amizade. Georges introduziu-se na tradição familiar graças a seu próprio pai. entre eles a “releitura das meninas de Velásquez”. Atraído por Matisse e por seu movimento. a ocasião. Vai adquirir muito mais imóveis também. A posterior admiração por Cézanne e o deslumbramento causado pelo autor das Les demoiselles d' Avigon. iniciou-se também como rotulista. o imprevisto. convidou-o para ser padrinho da filha levando-a para a França. por sua vez. Por isso a filha de Jorge Amado chama-se Paloma Amado. realizou as obras que hoje são conhecidas como cubismo analítico. vai comprar também uma ilha enorme onde vai construir um castelo como o da Espanha que tinha. Foi filmado por Clouseaux. que ele nunca foi e onde mora hoje sua filha Paloma. Mali descreve em seu livro: "Por estranho que pareça esse grande e talvez o maior artista plástico de nosso século. à vez. pintor francês. Mais de 30 filmes foram feitos sobre sua vida além de mais de 1400 livros em 40 línguas. essas coisas tão humanas. porque ele foi o único. Em seguida fez experiências com colagem até 1914. 124 . Um exemplo desse estilo é Violino e jarro (1910). Na Itália. Um apartamento duplex em Paris. o conduzem para a experiência cubista. Em "Off": Jorge Amado que tinha adoração e muita amizade por Picasso. quando começou a I Guerra Mundial. mas ninguém pode querer pintar como Picasso.

Na Bienal de São Paulo de 1963. na XXXII Bienal de Veneza (1964) e na mostra Arte da América Latina desde a Independência (1966). Desta forma. que com o passar do tempo o levou a freqüentar Varengeville. Essa pintura inspirou um movimento. com quem se casou em 1924. sala especial foi dedicada à retrospectiva de sua obra. cujo estilo a marcou sobremodo. variante brasileira do cubismo. a partir de 1917. Tarsila do Amaral nasceu em Capivari SP em 1886. o chamado Grupo dos Cinco. da fase social. Outra obra do mesmo período é "Segunda classe". 125 . Iniciou-se então sua fase antropofágica. foi premiada na primeira. Morreu no dia 31 de agosto com oitenta e um anos. Em 1960 o Museu de Arte Moderna de São Paulo organizou retrospectiva de sua obra. Foram apresentadas suas diversas fases e deu-se destaque ao quadro "Operários" (1933). percorreu as cidades históricas mineiras em companhia do escritor francês Blaise Cendrars.A I Guerra Mundial separou a ambos artistas. na Pinacoteca do Estado de São Paulo. Entrou em contato com Fernand Léger. em suas produções posteriores aparecem paisagens e temas normandos. no Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo. Entre suas demais telas destacam-se "A negra". e influenciou Portinari. uma localidade na Normandia francesa cuja fria luminosidade parecia adaptar-se muito bem a seu próprio temperamento. em que as cores são mais sombrias mas a nitidez anterior é conservada. sob a orientação de Émile Renard. Deslumbrada com a decoração popular das casas dessas cidades. Mobilizado. da qual o exemplo mais notável é o quadro "Abaporu". com Anita Malfatti. Em 1926 Tarsila expôs na galeria Percier em Paris. mas não seu vínculo artístico. e estruturou sua personalidade artística a partir das influências cubistas. Formou. Estudou com Pedro Alexandrino. Braque seguiu o seu próprio caminho. Integrou-se ao movimento modernista e ligou-se com especial interesse à questão da brasilidade. Menotti del Picchia. Concluído o conflito. Mário de Andrade e Oswald de Andrade. e "São Paulo". Retornando ao Brasil em 1924. André Lhote e Albert Gleisse. Braque recebeu uma séria ferida na cabeça que deixou cego. Recebeu a Cruz de Guerra e da Legião de Honra. Em 1922 participou em Paris do Salão dos Artistas Franceses. continuou sua amizade com Picasso. Tarsila esteve ainda representada na mostra Arte Moderna no Brasil (1957). Presente na I e II Bienais de São Paulo. de retorno ao primitivo. em São Paulo. Em Paris freqüentou a Académie Julien. assimilou a tradição barroca brasileira às recém-adquiridas teorias e práticas cubistas e criou uma pintura que foi denominada Pau-Brasil. embora lentamente conseguiu recuperar a vista. TARSILA DO AMARAL Tarsila participou ativamente da renovação da arte brasileira que se processou na década de 1920. Tarsila morreu em São Paulo SP em 17 de janeiro de 1973. e depois com George Fischer Elphons.

com a situação da luz e a integração do espectro cromático. Russolo. o poeta italiano Marinetti. Um ano mais tarde. de dois meses de duração. Dissolvido o movimento. Os futuristas saúdam a era moderna. aderindo entusiasticamente à máquina. mas captar a forma plástica a velocidade descrita por ele no espaço. de 1910. Cinco anos mais tarde.FUTURISMO O primeiro manifesto foi publicado no Le Fígaro de Paris. Boccioni e Severini. fez uma viagem a Paris. embora sem chegar a uma total abstração. que permitia ao observador captar de uma só vez todas as seqüências do movimento. O futurismo é a concretização desta pesquisa no espaço bidimensional. Embora em princípio Balla continuasse influenciado pelos divisionistas. O artista futurista não está interessado em pintar um automóvel. "é mais belo um ferro elétrico que uma escultura". junto com Giorgio De Chirico. dizendo que "o esplendor do mundo enriqueceu-se com uma nova beleza: a beleza da velocidade. A formação acadêmica de Balla restringiu-se a um curso noturno de desenho. Um automóvel de carreira é mais belo que a Vitória de Samotrácia". O grupo pretendia fortalecer a sociedade italiana através de uma pregação patriótica que incluía a aceitação e exaltação da tecnologia.. Um recurso dos mais originais que ele usou para representar o dinamismo foi a simultaneidade. Procura-se neste estilo expressar o movimento real. os objetos não se esgotam no contorno aparente e seus aspectos se interpenetram continuamente a um só tempo. ou desintegração das formas. onde entrou em contato com a obra dos impressionistas e neo-impressionistas e participou de várias exposições. numa repetição quase infinita. resultou do encontro do poeta com os pintores Carlo Carra. CARLO CARRA (1881-1966). Para Balla. Balla retornou às suas pinturas realistas e se voltou para a escultura e a cenografia. ele se separaria finalmente do futurismo para se dedicar àquilo que eles próprios dariam o nome de Pintura Metafísica. 126 . mostrou grande preocupação com o dinamismo das formas. registrando a velocidade descrita pelas figuras em movimento no espaço. Em 1895 o pintor mudouse para Roma. O segundo manifesto. sua cidade natal. Para os futuristas. na Academia Albertina de Turim. conheceu Marinetti. ou vários tempos num só espaço.Mesmo assim. Severini. em sua obra o pintor italiano tentou endeusar os novos avanços científicos e técnicos por meio de representações totalmente desnaturalizadas. Preocupado. onde apresentou regularmente suas primeiras obras em todas as exposições da Sociedade dos Amadores e Cultores das Belas-Artes. Boccioni e Giacomo Balla. apresentou em 1912 seu primeiro quadro futurista intitulado Cão na Coleira ou Cão Atrelado. Na volta a Roma. em encontrar uma maneira de visualizar as teorias do movimento. e nele. não demorou a encontrar uma maneira de se ajustar à nova linguagem do movimento a que pertencia. juntava-se a eles para assinar o Manifesto Técnico da Pintura Futurista. Principais artistas: GIACOMO BALLA . como seus companheiros. em 22/02/1909.

contratado para a decoração da Exposição Mundial. Dinâmico Plástico (Pintura. onde estudou em diferentes academias. Logo fez amizade com os pintores Balla e Severini. Em 1912. Nessa época iniciou seus primeiros estudos e esboços de Ritmo dos Objetos e Trens. sua obra se manteve sob a influência do cubismo. Representante do futurismo e mais tarde da pintura metafísica. Numa segunda viagem a Paris entrou em contato com Apollinaire. com sua obra Dinamismo de um Jogador de Futebol. Escultura Futurista. publicou o Manifesto Técnico da Pintura Futurista.Enquanto ganhava seu sustento como pintor-decorador freqüentava as aulas de pintura na Academia Brera. Modigliani e Picasso. indiferença em relação aos críticos de arte e rejeição dos conceitos de harmonia e bom gosto aplicados à pintura. onde se encontrou com Picasso e Braque. Nascido em Reggio di Calábria. principalmente na obra de Cézanne. no qual foram registrados os princípios teóricos da arte futurista: condenação do passado. Morreu dois anos depois. UMBERTO BOCCIONI (1882-1916). Durante a Primeira Guerra Mundial. Dinamismo Plástico). Londres e Berlim. entre eles La Pittura Metafísica (1919) e La Mia Vita (1943). retomou as aulas na Academia Brera e conheceu Boccioni e o poeta Marinetti. desprezo pela representação naturalista. Carrà não deixou de comparecer às exposições futuristas de Paris. 127 . pintor italiano. Scultura Futurista.Publicou vários trabalhos. mas incorporando os conceitos de dinamismo e simultaneidade: formas e espaços que se movem ao mesmo tempo e em direções contrárias. Ao retornar. em Milão. Foi com a intenção de procurar as bases dessa nova estética que ele viajou a Paris. Em 1900 fez sua primeira viagem a Paris. Um ano mais tarde assinou o Primeiro Manifesto Futurista. do qual foi um dos principais teóricos. De lá mudouse para Londres. Juntou-se a Giorgio De Chirico e realizou sua primeira pintura metafísica. o pintor se alistou como voluntário e ao voltar publicou o livro Pittura. Ao voltar. mas já em 1915 separou-se definitivamente do grupo. No início. mostrou-se interessado na pintura impressionista. na cidade de Verona. em 1916. participou da primeira exposição futurista. Em suas últimas obras retornou ao cubismo. por definição suas obras mais futuristas. Fez então algumas viagens a Paris. Boccioni mudou-se ainda muito jovem para Roma. entrou em contato com Carrà e Marinetti e um ano depois se encontrava entre os autores do Manifesto Futurista de Pintura. Boccioni conseguiu finalmente fazer a representação do movimento por meio de cores e planos desordenados. Ao voltar. influenciou a arte de seu país nas décadas de 1920 e 1930. São Petersburgo e Milão. redigido pelo poeta italiano e publicado no jornal Le Figaro. Os retratos deformados pelas superposições de planos ainda não conseguiam expressar com clareza sua concepção teórica. A partir desse momento começaram a aparecer as referências cubistas em suas obras. Um ano mais tarde. Suas obras ainda deixavam transparecer a preocupação do artista com os conceitos propostos pelo cubismo. como num pseudofotograma.

Cantaremos as grandes multidões agitadas pelo trabalho. cantaremos o vibrante fervor noturno dos arsenais e dos estaleiros incendiados por violentas luas elétricas: as estações insaciáveis. Queremos celebrar o homem que segura o volante. Queremos cantar o amor do perigo. devoradoras de serpentes fumegantes: as fábricas suspensas das nuvens pelos contorcidos fios de suas fumaças. 5. os navios a vapor aventurosos que farejam o horizonte. o êxtase e o sono. Até hoje a literatura tem exaltado a imobilidade pensativa. 4.. 11. Estamos no promontório extremo dos séculos!. 3.empaste de escórias metálicas. o salto mortal. 7. 9. "Então. com o vulto coberto pela boa lama das fábricas . Por que haveremos de olhar para trás. 8. o militarismo. 10. 6. Afirmamos que a magnificência do mundo se enriqueceu de uma beleza nova: a beleza da velocidade. contundidos e enfaixados os braços. cuja haste ideal atravessa a Terra. a insônia febril. o patriotismo. a bofetada e o murro. a audácia e a rebelião serão elementos essenciais da nossa poesia. de suores inúteis. e combater o moralismo. as belas idéias pelas quais se morre e o desprezo da mulher. as locomotivas de amplo peito que se empertigam sobre os trilhos como enormes cavalos de aço refreados por tubos e o vôo deslizante dos aeroplanos. 2. as bibliotecas. o gesto destruidor dos anarquistas. Queremos glorificar a guerra . cintilantes ao sol com um fulgor de facas. ditamos nossas primeiras vontades a todos os homens vivos da terra: 1. cujas hélices se agitam ao vento como bandeiras e parecem aplaudir como uma multidão entusiasta. Um carro de corrida adornado de grossos tubos semelhantes a serpentes de hálito explosivo. 1908. é mais belo que a Vitória de Samotrácia. Já não há beleza senão na luta. O poeta deve prodigalizar-se com ardor. pois criamos a eterna velocidade onipresente. A coragem. a velocidade. porque queremos libertar este país de sua fétida gangrena de professores. fausto e munificência. um automóvel rugidor. Queremos destruir os museus. Nenhuma obra que não tenha um caráter agressivo pode ser uma obra-prima. as pontes semelhantes a ginastas gigantes que transpõem as fumaças. 128 . cicerones e antiquários. se queremos arrombar as misteriosas portas do Impossível? O Tempo e o Espaço morreram ontem. o feminismo e toda vileza oportunista e utilitária. o hábito da energia e da temeridade. as academias de todo tipo. a fim de aumentar o entusiástico fervor dos elementos primordiais. que parece correr sobre a metralha. publicado em 1909. mas impávidos. de fuliges celestes -... arqueólogos. Queremos exaltar o movimento agressivo.única higiene do mundo -. cantaremos a maré multicor e polifônica das revoluções nas capitais modernas. É da Itália que lançamos ao mundo este manifesto de violência arrebatadora e incendiária com o qual fundamos o nosso Futurismo.Fragmento "Fundação e manifesto do futurismo". lançada a toda velocidade no circuito de sua própria órbita. A poesia deve ser concebida como um violento assalto contra as forças ignotas para obrigá-las a prostrar-se ante o homem. pelo prazer ou pela sublevação. Vivemos já o absoluto..

. como se visita o cemitério no dos dos mortos. . os martelos e destruam sem piedade as cidades veneradas! Os mais velhos dentre nós têm 30 anos: resta-nos assim. pois. registros de lances truncados!. tão ruinosa quanto a tutela prolongada dos pais para certos jovens embriagados por seu os prisioneiros.. a alegria de ver flutuar à deriva.. nossa mórbida inquietude.. em vez de projetá-la para longe. Museus: dormitórios públicos onde se repousa sempre ao lado de seres odiados ou desconhecidos! Museus: absurdos dos matadouros dos pintores e escultores que se trucidam ferozmente a golpes de cores e linhas ao longo de suas paredes! Que os visitemos em peregrinação uma vez por ano. Aqui!. Museus: cemitérios!. os machados. pela sinistra promiscuidade de tantos corpos que não se conhecem. pelo menos um decênio mais jovens e válidos que nós jogarão no cesto de papéis. da qual saís fatalmente exaustos. desperdiçar todas as vossas melhores forças nessa eterna e inútil admiração do passado. Por que devemos nos envenenar? Por que devemos apodrecer? E que se pode ver num velho quadro senão a fatigante contorção do artista que se empenhou em infringir as insuperáveis barreiras erguidas contra o desejo de exprimir inteiramente o seu sonho?. os alegres incendiários com seus dedos carbonizados! Ei-los!. realmente.. tudo bem. jovens e fortes futuristas! Bem-vindos... nossa frágil coragem. em violentos arremessos de criação e de ação.Há muito tempo a Itália vem sendo um mercado de belchiores..Pois é isso que queremos! Nossos sucessores virão de longe contra nós.. Idênticos.. Mas não admitimos passear diariamente pelos museus nossas tristezas. estendendo os dedos aduncos de predadores e farejando 129 . das bibliotecas e das academias (cemitérios de esforços vãos... Desviem o curso dos canais para inundar os museus!. Ponham fogo nas estantes das bibliotecas!. Queremos libertá-la dos incontáveis museus que a cobrem de cemitérios inumeráveis. Que uma vez por ano se desponta uma coroa de flores diante da Gioconda. Admirar um quadro antigo equivalente a verter a nossa sensibilidade numa urna funerária. calvários de sonhos crucificados.. vá lá: o admirável passado é talvez um bálsamo para tantos os seus males.. para os artistas.. Quereis. como manuscritos inúteis.) é.. as velhas telas gloriosas!.. dançando à cadência alada dos seus primeiros cantos. diminuídos e espezinhados? Em verdade eu vos digo que a frequentação cotidiana dos museus. já que para eles o futuro está barrado. Empunhem as picaretas. Mas nós não queremos saber dele. rasgadas e descoradas sobre as águas. vá lá. Oh. do passado. de toda parte. nós.. pois.

Mas nós não estaremos lá. mil tesouros de força. mais uma vez lançamos o nosso desafio às estrelas..em campo aberto. Por fim eles nos encontrarão .Talvez!.....uma noite de inverno . aquecendo as mãos ao fogo mesquinho proporcionado pelos nossos livros de hoje flamejando sob o vôo das nossas imagens.Chipp. . o bom cheiro das nossas mentes em putrefação.. temos já esbanjado tesouros." (Teorias da Arte Moderna.. Basta! Basta! Já as conhecemos. crueldade e injustiça. Mas que importa? Não queremos entender!. de ódio e de velocidade!. de fato.. Nossa bela e mendaz inteligência nos afirma que somos o resultado e o prolongamento dos nossos ancestrais. já prometidas às catacumbas das bibliotecas. Eles se amotinarão à nossa volta. exasperados pela nossa soberba..caninamente. Eretos sobre o pináculo do mundo. Martins Fontes. até perder o fôlego. A forte e sã Injustiça explodirá radiosa em seus olhos .. 1993) 130 . de amor. H...... impelidos por um ódio tanto mais mais implacável quanto seus corações estiverem ébrios de amor e admiração por nós. sem jamais repousar. Estais admirados? É lógico. às portas das academias.. Cabeça erguida!.. inestancável audácia. sob um triste galpão tamborilado por monótona chuva. sem calcular. não pode ser senão violência. sem jamais hesitar. precipitadamente.. pois não vos recordais sequer de ter vivido! Eretos sobre o pináculo do mundo. e todos. Olhai para nós! Ainda não estamos exaustos! Nossos corações não sentem nenhuma fadiga.A arte.. de audácia. porque estão nutridos de fogo.. Seja!. Ai de quem nos repetir essas palavras infames!. mais uma vez lançamos o nosso desafio às estrelas! Vós nos opondes objeções?. Os mais velhos dentre nós têm 30 anos: no entanto. de astúcia e de vontade rude... e nos verão agachados junto aos nossos aeroplanos trepidantes. ofegantes de angústia e despeito. Já entendemos!. se precipitarão para matar-nos. delirantemente.B.

nus ou vestidos à moda clássica. GIORGIO MORANDI (1890-1964). Conferiu imobilidade e transparência de formas. legumes. manequins. através de associações pouco comuns de objetos totalmente imprevistos. em que buscava a unidade das coisas do universo. garrafas. pintor italiano.PINTURA METAFÍSICA A pintura deve criar um impressão de mistério. onde colocava objetos heterogêneos para revelar um mundo onírico e subconsciente. Tem inspiração na Metafísica. Notável por suas naturezas-mortas. A pintura metafísica explora os efeitos de luzes misteriosas. principal representante da "pintura metafísica". irreais e enigmáticos. de plástica despojada e escultural. solitários. recorte intimista e atmosfera de luz cinza-clara às naturezas-mortas que pintou usando como modelos frascos. caixas e lâmpadas velhas. 131 . enigmáticos e sem rosto. Principais Artistas: GIORGIO DE CHIRICO (1888-1978). sombras sedutoras e cores ricas e profundas. ciência que estuda tudo quanto se manifesta de maneira sobrenatural. idealizadas. em curiosas perspectivas divergentes. Também usada nas suas obras manequins. nascido na Grécia. frutas. em arcadas e arquiteturas puras. pintor italiano. que pareciam simbolizar a estranheza do ser humano diante do seu meio ambiente. muitas vezes com a inclusão de estátuas. perpassado de inquietações metafísicas. Giorgio De Chirico constitui um caso singular: poucas vezes um artista alcançou tão rapidamente a fama para em seguida renegar o estilo que o celebrizara e cair em um esquecimento quase absoluto. numa transfiguração toda especial. As suas obras retratam cenários arquitetônicos.

como cubismo. pintor e escritor francês. tratado como objeto de arte por opção do artista. Politicamente . selecionado e combinando elementos por acaso. surrealismo e dadaísmo. O experimentalismo e a provocação o conduziram a idéias radicais em arte. inventou mecanismos ópticos. 132 . Durante a Primeira Guerra Mundial. se tivessem permanecido em seus respectivos países. Principais artistas: Marcel Duchamp (1887-1968). religião. antes do surgimento do grupo Dada (Zurique. o Dadaísmo defende o absurdo. o caos. Sua proposta é que a arte ficasse solta das amarras racionalistas e fosse apenas o resultado do automatismo psíquico. a desordem. sua arte abriu caminho para movimentos como a pop art e a op art das décadas de 1950 e 1960. Sendo a negação total da cultura. pintor e escultor francês. Criou os ready-mades. Colaborou com Tristan Tzara na revista Dada. Em 1917 foi rejeitado ao enviar a uma mostra um urinol de louça que chamou de "Fonte". adquiriam a condição de objeto de arte. O fim do Dada como atividade de grupo ocorreu por volta de 1921. objetos escolhidos ao acaso. filosofia que se revelaram pouco eficazes em evitar a destruição da Europa.DADAÍSMO Formado em 1916 em Zurique por jovens franceses e alemães que. interessando-se pelo movimento das formas. teriam sido convocados para o serviço militar. e que. para demonstrar seu desprezo pela arte tradicional). Ready-Made significa confeccionado. Expressão criada em 1913 pelo artista francês Marcel Duchamp para designar qualquer objeto manufaturado de consumo popular. o Dada foi um movimento de negação. Esse nome escolhido não fazia sentido. A palavra Dada foi descoberta acidentalmente por Hugo Ball e por Tzara Tristan num dicionário alemão-francês. a incoerência. firma-se como um protesto contra uma civilização que não conseguiria evitar a guerra. Dada é uma palavra francesa que significa na linguagem infantil "cavalo de pau". assim como a arte que perdera todo o sentido diante da irracionalidade da guerra. 1916). Envolveu-se sucessivamente com os principais movimentos estéticos do início do século XX. Reinterpretou o cubismo a sua maneira. exilados na Suíça. Depois fez interferências (pintou bigodes na Mona Lisa. artistas de várias nacionalidades. após leve intervenção e receberem um título. eram contrários ao envolvimento dos seus próprios países na guerra. Fundaram um movimento literário para expressar suas decepções em relação a incapacidade da ciências. pronto. François Picabia (1879-1953).

Trabalha como fotógrafo para financiar a pintura e. No Dadaímo contribuiu com colagens e fotomontagens.Suas primeiras pinturas cubistas. ou fotograma. Max Ernest (1891-1976). com a nova atividade. o frottage também era considerado um método que dava acesso ao inconsciente. Em 1921 contata com o movimento surrealista na pintura. de modo que o papel adquira o aspecto da superfície posta debaixo dele. Depois de 1927. pintor alemão. Inventou técnicas como a decalcomania e o frottage. Man Ray (1890-1976). até que por volta de 1916 o artista se concentrou nos engenhos mecânicos do dadaísmo. criando técnicas em pintura e escultura. adepto do irracional e do onírico e do inconsciente. Formas e cores tornaram-se a seguir mais discretas. com quem funda o grupo dadá nova-iorquino. de índole satírica. a raiografia. como a madeira de veios salientes. com a superposição de formas lineares e transparentes. em 1915 conhece o pintor francês Marcel Duchamp. abandonou a abstração pura que praticara por anos e criou pinturas baseadas na figura humana. esteve envolvido em outros movimentos artísticos. Como o artista não tinha controle sobre o quadro que estava criando. fotógrafo e pintor norte-americano. 133 . que consiste em aplicar uma folha de papel sobre uma superfície rugosa. são exuberantes nas cores e sugerem formas metálicas que se encaixam umas nas outras. desenvolve a sua arte. criando imagens abstratas (obtidas sem o auxílio da câmara) mas com a exposição à luz de objetos previamente dispersos sobre o papel fotográfico. eram mais próximas de Léger do que de Picasso. composições que sugerem a múltipla identidade dos objetos por ele escolhidos para tema. e esfregar um lápis de cor ou grafita.

Ex. Abstracionismo não se prende a realidade existente. no período da pedra polida. que são criadas por um processo muito interior. essas combinações levaram a surgir outros momentos e não movimentos de pintura. quando o homem vai ter que lutar por aquilo que precisa sem ter que depender tanto de suas magias. Nos dias de hoje. mas pode também ser um símbolo além do abstrato. o homem tentava negar a realidade em que vivia. Ex. surgindo uma série de borrões que vão ser admirados. passa a ter uma linguagem muito diferente chamada de linguagem geométrica. abstrato puro ou outras combinações. O abstracionismo acompanha o homem desde a época pré-histórica. Aos poucos. A revolução Russa também influenciou muito no abstracionismo. É uma linguagem completamente abstrata. vivendo em um clima tenso. O grego também foi um povo que usou muito do abstracionismo. Essa época coincide quando Kandinsky vira uma tela de aquarela de ponta cabeça. Abstrato preto-branco.ABSTRACIONISMO O período do abstracionismo começou em mais ou menos 1911. sem medidas. No aspecto social seria a previsão do início de guerra. Você pode se envolver ou se inspirar em alguma coisa existente mas não vai retratar fielmente aquela figura. abstrato colorido. Esses desenhos se desprendem da realidade enquanto formas. Mandalas. Existem muitas outras formas geométricas que foram usadas por eles e que de forma nenhuma estão inspirados na realidade. O abstracionismo surgiu por vários fatores sendo um deles o cansaço do realismo. 134 . Quando se fala de abstracionismo falamos também de representar formas. no período da pedra lascada quando o homem fazia desenhos figurativos. São formas criadas pelo homem. Esse movimento foi muito forte na pintura e na arquitetura. e retiradas do mundo externo. A Alemanha foi o país que participou mais intensamente desse movimento e uma boa parte da Europa também teve participações mais irregulares. Próximos da segunda guerra mundial. Quando você cria um desenho livre pode até ser um trabalho abstrato. cores e texturas. É uma ausência da realidade. Como exemplo temos as "gregas" que foram usadas. Ele pode ter uma somatória de características além do abstrato. Outro motivo seria uma nova visão decorrente do impressionismo (pinceladas soltas que se parecem com manchas abstratas). mas que ninguém sabe ao certo se foram eles que a criaram.

no qual a movimentação da mão vai determinar o trabalho com pinceladas (no caso utilizando-se pincel) mais fortes ou mais suaves. Cores contrastantes são comuns aparecerem em trabalhos abstratos. Uma pintura irracional é colocar as cores e formas simplesmente por acaso. Ex. é enquadrado na arte moderna. O abstrato é um dos tipos de trabalho que faz parte da arte moderna. O pintor abstracionista sempre tem uma representação muito pessoal que envolve os aspectos de técnicas de sua pintura como também o do contexto onde o artista vive. mas ele vem acompanhando o homem desde a pré história e em vários momentos da sua vida. Todos os dois podem provocar emoções. No abstracionismo não existe a obrigatoriedade de se combinar cores. tanto no gestual como no geométrico. são criadas pelo artista. o abstracionismo dificilmente passa a ser aceito pelo mundo. mas nem todo trabalho de arte moderna será um trabalho abstrato. Em pleno período de conflitos mundiais vão pensar em contestar tudo isso com uma arte que não era fácil de ser entendida. Existe uma série de regras que determina cada estilo de arte. quando o abstracionismo começou. As cores que mais sofrem destaques normalmente são cores que provocam contrastes entre elas mesmas. Ex. Temos dois tipos de trabalhos abstracionistas: Abstracionismo gestual e geométrico. Os artistas abstracionistas. No abstracionismo não se respeita nenhuma regra é uma negação completa a qualquer outro momento da arte. A arte abstrata é livre de contexto. intuitivamente. mas não é obrigatório. Ao fazer negações desse tipo. tem buscado estabelecer planos diferenciados na pintura através da cor e da forma. Da mesma forma que você representa uma forma real você pode representar uma forma irreal dando volumetria. Um trabalho abstrato não tem essa limitação. As formas geométricas são precisas dentro do trabalho.Em 1911. enquanto movimento. foi considerado um marco dentro da chamada arte moderna. pois ele será abstrato em qualquer época. distanciamento ou efeito de volume. O abstracionismo. Um trabalho pode ser completamente abstrato e só ter tons pastéis e sem nenhum contraste. Se você fizer hoje um trabalho impressionista será chamado de néo-impressionista. Um trabalho abstracionista está dentro de um contexto de arte moderna. hoje em dia. não existindo nenhum compromisso com a realidade. amarelo-vermelho. Outra forma é programar a distribuição de cores e formas sem estar reproduzindo uma realidade. Optar por colocar uma cor quente ou fria em determinado espaço para dar impressão de proximidade. equilíbrio e de formas que estão ligados ao conceito de geometria. Muitas vezes é um porquê racional que pertence só ao artista. As formas. O abstracionismo não é um processo racional. mas produzindo uma distribuição racional dessas cores e formas. O abstracionismo Geométrico é muito preso a aspectos de simetria. sem medidas e técnicas precisas. O Gestual é o abstracionismo no qual a pintura é muito livre.: Preto-vermelho. ele pode ser irracional. 135 .

e vai ficar encantado com as cores e a textura. O fato de utilizarse só da cor demonstra uma negação da realidade. não dá para estabelecer parâmetros racionais. Eles buscavam. Essa escola foi criada (+/-) 1919/1920 em Weimar.Comentário: "A música existe por ela mesma sem ter a letra. A obra abstrata não precisa ter conteúdo. técnicas diferenciadas ou não. Porque um quadro precisa ter forma explícita para agradar?". O lado esquerdo do cérebro é o lado racional. etc. cidade alemã. A falta de intimidade com a arte abstrata é que leva o homem a não apreciá-la. outras não. é preciso ver o quanto aquela obra oferece de informações inovadoras. Vassily Kandinsky tinha por característica usar cores fortes e apelativas. 136 . Essa escola tem um destaque muito importante dentro da história da arte e da arquitetura. que representava um monte de feno. A partir dai começa a pesquisar e fazer uma série de testes em cima de cor e textura. principalmente se for uma simbologia mais evidente. A simbologia é uma representação criada pelo homem baseada nas formas abstratas. de pintura e desenho. não do abstracionismo que aparece desde o período da pedra polida. passando depois para Dessau. deixando de ter toda essa abstração e ganhando um significado que você tenha descoberto e não necessariamente tenha sido criado pelo artista. cores. Vassily Kandinsky foi um dos professores. As obras podem ser bem diferenciadas umas das outras pela infinidade de possibilidades de representações através de texturas. Quanto mais simbologias ele tiver é mais fácil as pessoas se identificarem com ele. Um trabalho abstrato pode ser rico ou não em simbologias. conhecer novos materiais. evoluir todos os sistemas industriais possíveis que tinham sidos retomados durante a revolução industrial. principalmente a abstrata. precisa de símbolos que tenha alguma informação já conhecida antes. que integrou a BAUHAUS (escola de arte). Artistas abstratos: Vassily Kandinsky (1866-1944) Nasceu em Moscou e morreu em Paris. Não existe essa mesma liberdade na pintura acadêmica. Kandinsky passou por várias fases da pintura e na sua primeira visita à Paris viu o quadro de Monet. O lado direito é o lado sensitivo. etc. sem se preocupar com a forma e o conteúdo. Eles tinham todo um aspecto filosófico que faziam com que os alunos tivessem que passar por diversos estágios de evolução. Algumas obras abstratas passam algum conteúdo. Quando se observa uma obra de arte. desafiando-se perante o novo. É considerado o iniciador da pintura moderna abstrata. O abstracionismo levou uma série de discussões em cima do que era chamado de simbologia. não tem necessidade de passar algum tipo de informação.

os trabalhos de Kandinsky foram se tornando cada vez mais introspectivos. no sentido de que ele não é preso ao geometrismo. Kandinsky escreveu um livro neste período chamado "O Espiritual da Arte". De um modo geral. Na sua fase final ele está completamente abstrato. O abstracionismo está muito ligado em algumas coisas com o expressionismo. da negação do prazer ou do êxtase com relação a obra. alegria. Ele inclusive vai pegar você pela emoção do prazer ou não prazer. Em algumas etapas de seu trabalho ele se utiliza propositadamente da geometria de forma intensa. etc. No seu trabalho vai predominar uma idéia de sentimento. o que é figurativismo.: ferro. Bandeira. Chega a provar que a arte acadêmica é que é abstrata. extremamente desenvolvido e a combinação de materiais. : A palavra fórmica é nome de uma marca. Como por ex. independente de qualquer representação. Tem uma frase interessante que ele comenta sobre o conteúdo em uma obra de arte: " A presença de uma imagem visual ou a representação da realidade. que se baseavam no belo e no real. tristeza. artista brasileiro. Não é aquele tipo de abstracionismo que você comenta sobre se a composição está muito bem equilibrada. Em dois anos ele fundou 22 entidades entre galerias de artes e museus. de utensílios e vai se tornar muito conhecida mundialmente. ou seja. Adorava criar entidades que pudessem apoiar a arte. plástico. Vai mexer com nosso emocional proporcionando-nos sensações do tipo exuberante. Fala que temos que negar o que é a realidade para representar a realidade. O pintor é abstrato é que é um realista. e sendo assim. A Bauhaus é uma escola que vai aprimorar os designs dos objetos de uso do dia a dia. uma composição que não interfere o nosso lado sentimental. distribuída. as cores e as formas acontecem livremente. mas sim um aprimoramento das invenções. as linhas e cores adquirem novos valores expressivos e uma nova vida própria despertando no observador emoções e sugestões de acordo com a sua sensibilidade".: A revolução industrial não significa somente invenções industriais. O seu trabalho é informal. Design: significa desenho Designer: significa desenhista Kandinsky se preocupava mais com a evolução do desenho junto a seus alunos. Foi nomeado um tipo de assessor cultural.Obs. mas estando sempre associadas a alguma coisa que passa sensações para nós. Influenciou realmente o design de peças das mais diversas que encontramos hoje. 137 . diminui a beleza que as formas e as cores possuem em si mesmas. o que é abstracionismo. soltando-se por completo. Ele cria formas livremente que não são definidas pela natureza ou geometria. e que seriam aspectos ligados a parte sensitiva de cada um de nós. também trabalhou em cima do abstracionismo com um caráter sentimental. Vai dizer também que nós temos uma mentalidade muito ligada a dos renascentistas. laminado melanínico (que significa fórmica) Obs. Neste livro filosófico vai questionar muito sobre o aspecto de conteúdo da arte.

Raionismo formado por raios. O ângulo reto é o símbolo do movimento. Kandinsky foi considerado um “expert” do abstracionismo informal. azul e amarelo). Trabalhos bem conhecidos de Kandinsky: Série de "Improvisações" "A Tela Amarela" "A Pintura com Três Manchas" Obs. seu criador e princiapl teórico foi Piet Mondrian.". Curiosidades: Tachismo (de tache = mancha). Formado por manchas coloridas colocadas lado a lado em um certo parâmetro ou limite. Grafismo é todo abstracionismo formado por uma grafia não cognificada. elas não possuem parâmetro definido pelo braço do artista como no Tachismo. Também existe um tipo de abstrato informal formado por manchas.: A obra "O grito" por pouco não é abstrato pela deformação. sendo rigorosamente aplicado à arquitetura. São manchas criadas impulsivamente com toda a liberdade ou efusão emocional do artista.A. ou de outros momentos que “tem um pé dentro e outro fora realidade”. Principal artista: Larionov/Gontcharova Abstracionismo Geométrico ou Formal. porém. estanques. Consegue nos convencer da dor que o homem está sentindo e que estava ligado ao aspecto da guerra. É muito comum que os vários artistas que passaram pelo abstracionismo tenham participado do expressionismo. conhecido como Cavaleiro Branco. 138 . pode ser Cavaleiro Azul. Principal artista: Sonia Delaunay. no mínimo o braço do artista. significa prova de artista. mais provável. Onde as cores e as formas são organizadas de maneira que a composição resulte apenas na expressão de uma concepção geométrica.Ex. Resulta às linhas verticais e horizontais e às cores puras (vermelho. e que também. as formas e as cores devem ser organizadas de tal maneira que a composição resultante seja apenas a expressão de uma concepção geométrica. ou de alguma coisa própria do artista. do cubismo. Este trabalho não deixa de ser um teste do artista que pode ter ido adiante para um trabalho final ou não. Neoplasticismo.: Quando você encontra uma obra com o símbolo "P. Um dos grupos que ele fundou foi chamado de DÉR BLAUE REITER. Orfismo tem ligação com a música. deslizes e riscos com luminosidade.

holandês) Piet Mondrian desenvolveu uma série de pesquisas em cima do abstracionismo. sempre buscando um equilíbrio. de pé. no início de seu trabalho.Piet Mondrian (1872-1944 . defendia a supremacia da sensibilidade sobre o próprio objeto. Apesar de ele ter uma obra extremamente geométrica. Curiosidades: Suprematismo. Seu trabalho é abstrato. círculo. 139 . Ele usou. Tinha o objetivo de desenvolver um abstracionismo geométrico onde as formas e as cores eram organizadas de tal maneira que a composição resultante fosse uma expressão de uma concepção geométrica. O manifesto do Suprematismo. Buscava uma definição. Mais racional que as obras abstratas de Kandisky e Paul Klee. É um trabalho que lembra uma marina. reduz as formas. Outro trabalho muito conhecido é "Pier e o Oceano". A maioria de suas obras estão no Museu "MOMA". Ele transformava as formas e cores e purificava tudo em uma visão bem geométrica. Os elementos principais são: retângulo. obtendo formas extremamente definidas e geométricas. cores mais fortes e depois foi usando cada vez mais tonalidades pastéis. em Nova York. Suas características são rígidas e se baseiam nas relações formais e perceptivas entre a forma e a cor. de técnica. mas sempre tem um apelo forte a emoção. Ex.: A obra de abstração da "Árvore". Sua obra deve ser vista de perto. Ele influenciou muito os artistas alemães da geração atual. Ele é bastante expressivo. assinado por Malevitch e Maiakovski. tinha um componente emocional que sempre se inspirava naquilo que ele via. foi um dos principais integrantes do movimento futurista em seu país. Antes de ser um pintor era um conhecedor de arte. mas pode ser notado um aspecto expressionista nele. Teve uma evolução bastante gradual e oposta a de Kandinsky. sem qualquer preocupação de representação. mas de colocação de uma cor ao lado da outra. de longe. Ele é bastante movimentado. cores e formas que obtém. não de contorno. nas variações ambíguas de fundo e forma. que foi e voltou e passou por várias fases. que ao olhar o seu trabalho visualizamos às vezes figuras que transferimos para a nossa realidade. A maioria dos americanos não estuda história da arte em seu currículo escolar. Quando fazia o seu trabalho já tinha uma preocupação de distribuir tanto as formas como as cores na tela. Ele teve uma evolução bastante progressiva. poeta russo. Jackson Pollock Pintor americano. A sua obra mais conhecida chama-se "Boogie Odgie na Broadway". já para o europeu a arte faz parte de sua formação acadêmica. Ele não usa figuras explícitas. informal e o apelo de seu trabalho está num conjunto de tudo. é uma pintura com base nas formas geométricas planas. Pesquisa os efeitos perceptivos do quadrado negro sobre o campo branco. como quiser. de ponta cabeça. à pureza geométrica do quadrado. triângulo e a cruz. um estacionamento de barcos e o oceano.

· Destruição dos meios tradicionais de execução . Ele pintou inúmeros trabalhos só com cor e retângulo. Viveu sua vida artística quase que inteira no abstracionismo geométrico. Não teve muitas obras. Em 1937. balançar o pincel para respingar sobre a tela. trincha. Essas figuras geométricas são na maioria das vezes chapadas também. chegando à criação de um estilo original. vidro moído. Não existiu nenhum artista que tivesse influenciado Paul Klee diretamente. formas extremamente rígidas. Participou do grupo de Kandinsky "Cavaleiro Azul". · Execução cheia de violenta agressividade. espontaneidade e automatismo. utilizando tinta à óleo. no chão. Raríssimas obras não serão geométricas. Curiosidades: Action Painting ou pintura de ação gestual. 140 . espátulas. Ele soube colocar a sua própria expressão. Características da Pintura: · Compreensão da pintura como meio de emoções intensas. Toda viagem que fazia recebia muita influência. Ele deixava a tela de pé. Ele não quer passar nenhum sentimentalismo através de sua obra. Essa técnica de pintura chama-se Action Painting que significa “pintura por ação”.Usou muito a técnica de jogar a tinta sobre a tela deixando que ela agisse por conta dela mesma. etc. criada por Jackson Pollock nos anos de 1947 a 1950 faz parte da Arte Abstrata Americana. lançava a tinta. em telas enormes. Obs. A natureza também é uma arte. assim como a natureza. na Holanda. Tem trabalhos em Amsterdã. Uma de suas obras feitas pelo processo "Action Painting" chama-se "Ritmo Autônomo". A sua composição é bastante variada. Jackson Pollock usava dois processos para jogar a tinta na tela.pincéis.: Lançar a tinta pode ser um processo de jogar a tinta com um balde. · Técnica: pintura direta na parede ou no chão. insistindo sempre no geometrismo. Kasimir Malevich Artista russo. Ele escolhia a posição que ia colocar a tela. mas sempre utilizando quadrados e retângulos na sua maioria. que faz o que ela quer. Passou por diversas fases sem precisar voltar a nenhuma delas. a Sociedade dos Artistas Abstratos. fundou-se nos Estados Unidos. geométricas e perfeitas em cima de um fundo extremamente chapado. Jackson Pollock deixava que a tinta agisse por si só. Foi o que mais se desvinculou da idéia de realidade. Teve um processo bastante evolutivo. Nem sempre trabalhava com esse processo "Action Painting". ou inclinada para que a tinta jogada pudesse escorrer. Paul Klee demorou para muito para decidir ser pintor devido as influências recebidas de seus pais que eram músicos. Paul Klee Nasceu em 1878 e morreu em 1940. O abstracionismo cresce e se desenvolve nas Américas. pasta espessa de areia. deixava secar e depois fazia intervenções sobre esse trabalho. Rússia e outros dispersos. etc. Teve uma formação acadêmica tradicional que rejeitava.

Teve uma variedade muito grande de estilos. Arshile Gorky e Mark Rothko. Pollock. 141 . Morreu vítima do mal de Alzheimer em sua casa-ateliê em Long Island. "Minha obra vive de incluir as coisas. aquele que todos fazem (casinha. perto de Nova York. secundado por De Koonning e companhia. preferindo expremir as misérias da condição humana nos limites da existência individual. florzinha). e o irreal com o real" O desenho de "setas" vai aparecer muito em seus trabalhos. usou também aquarela. costumava afirmar. apesar dos contextos racionais da arte. Assimilou muita coisa do cubismo. começou a vida como carpinteiro e pintor de paredes. Ele tinha uma visão muito espiritual. Obs. Ao contrário de seus colegas de vanguarda. Você reconhecerá a sua obra através de sua essência. do mesmo modo que explorou o expressionismo e o cubismo. De cultura européia. antes de atacar suas telas. De Kooning herdaria o apreço ela arte figurativa.Paul Klee também foi um dos professores da Bauhaus. a vanguarda expressionista ianque tratou de banir a política de seus quadros. como todos os outros abstracionistas. o maior de todos. Ao final dos anos 40.a marca da diferença em seu trabalho. Segundo Paul Klee: "A arte não restitui o visível. Ele não se prendeu só a pintura à óleo. Paul Klee explorava esse tipo de arte. Willem de Kooning (1904-1997) Nos anos 20 e 30. Diversamente dos expressionistas europeus. tornando-se um admirador da obra de seu conterrâneo Rembrandt e do francês Cèzanne. que abandonou a Holanda aos 22 anos a bordo de um cargueiro. Com seus borrões e respingos de tinta atirados contra ela a tela. ela torna-o visível". junto com Jackson Pollock. traçados e pinceladas em seus trabalhos. não de excluí-las". deslocou de Paris para Nova York a capital mundial das artes. revolucionaria a pintura americana. pastel e outros materiais. Para Paul Klee "O ilógico coexiste com o lógico. que no começo do século converteram sua arte numa forma de panfletagem político-social. o jovem De Kooning. que aboliram a representação figurativa de seus quadros. expressionismo e primitivismo. às vezes só a título de experiência. De Konning fez das figuras femininas . fundando a vanguarda expressionista abstrata.: É conceituado como arte primitivista todo o desenho folclórico.

SURREALISMO
Em 1924 surge um grupo de pintores que vai se interessar muito pelo subconsciente, onde ocorre aí a falta de lógica. Eles se interessavam demais pelo sonho, pelo fantástico, pelo irreal, pela loucura, tudo que contrariasse a lógica. • Loucura • Sonho • Irreal • Ilógico A forma que eles pintavam é muito realística, mas o conteúdo é sem lógica. Freud estava em moda. A arte que é muito lógica, como iria acompanhar o ritmo se este já não é mais lógico? A arte tem que acompanhar a época. Vai haver, portanto, uma série de trabalhos que chamamos de surrealista. É uma arte do inconsciente. O surrealismo não é uma arte só do inconsciente, é também uma arte sem limites de qualquer espécie no conteúdo. O surrealismo vai surgir na pintura, na poesia, na música, no tipo humano (aquela pessoa surreal). O pintor, o poeta e todos os outros artistas procuram dois mundos: um visível e o outro submerso, vago, indeterminado, que é o subconsciente da gente. Vão procurar pintar esse subconsciente que não é fácil. Nós vivemos hoje, segundo Mali, em um mundo com métodos muito lógicos. Isso dificulta o entendimento do mundo surreal. O surreal não tem lógica nenhuma. É o nonsense total. Os fins lógicos não escapam de nós, mas os fins ilógicos sim. Tudo que não tem lógica e que foge do nosso controle, nós não gostamos. O surreal passa a ser a arte pura do sonho e da fantasia. Vão usar muito álcool, excitantes, hipnose, símbolos esotéricos, alquimia. Na arte surrealista não vai haver uma lógica discursiva. Ela não vai ter começo, meio e fim. O surrealista vai usar primeiro elementos justapostos, quer dizer, elementos que podem estar no mesmo tempo no mesmo lugar e podem ou não estar mesmo espaço. Ex.: Quando Paul Delvaux vai pintar uma moça nua em uma estação de trem com uma vela na mão como se fosse uma sonâmbula, isso incomoda muita gente, porque não tem lógica. Surrealismo tem muito recollection. É o sonho mal resolvido que agente tem. Paul Delvaux é um pintor surrealista que vai pintar muito estação de trem. Coloca uma mulher da época barroca fazendo justaposição de tempo e de elementos com mulheres mais clássicas no plano de trás. A forma é perfeita como uma fotografia mas a história ou o conteúdo é estranho. Paul Delvaux é belga e morreu em 1994. Em "off": Quando ele era mocinho, tinha paixão por trem, morava em uma casa próximo à uma estação ferroviária. Seu pai resolveu então levá-lo para uma viagem de trem. Quando eles chegaram lá o trem já tinha saído. Isso vai marcar muito pelo resto de sua vida, influenciando sua pintura. 142

O "acaso" para os surrealistas é uma coisa muito importante. Vai funcionar como uma "mis en cene" = "fundo" Ex: Dali pegava um papel e colocava ao ar livre por 3, 4 dias. O que acontecesse com aquele papel ele ia aproveitar para fazer em suas obras, como borrões. É o acaso. Na pintura surrealista, a técnica é ligada à criatividade. Vai ter que pintar muito bem a forma para que seja muito fácil de entender. Não pode pintar uma coisa muito complicada porque senão o fruidor não vai conseguir ler a obra. Se a forma não for perfeita e a história complicada, vai ser impossível de entender a obra. Pintores Bélgas importantes: Paul Delvaux, surrealista René Magritte, surrealista Rubens, barroco Para os surrealistas o acaso, a técnica, a decalcmania, fotomontagens, vão ser muito importantes. Vai atingir até a literatura e o cinema. Na literatura brasileira nós temos: João Cabral de Mello Neto Ariano Suassuna Júlio Cortasa Filme Surrealista: Filme inglês "Spell Bound", com Ingrid Bergmann. A cenografia é do Salvador Dali. O diretor é o Hitchcock (??). Surrealismo é um estado de espírito, é um propósito, é uma arte de sonho. Principais pintores surrealistas: Salvador Dali René Magritte Paul Delvaux Marx Hess, tem uma fase pequena surrealista. Foi cubista também.

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SALVADOR FILIPE JACINTO DALI ERA O NOME COMPLETO DE DALÍ.
Nasceu em 11 de maio de 1904. Em Figueiras, espanhol da Catalônia. Nasceu de família rica. Já era excêntrico desde que fez escola de Belas Artes. Em 1927 Dalí fez sua primeira visita à Paris. Picasso já tinha feito em 1900. Dalí começou pintando como impressionista. Ficou amigo de Garcia Lorca e Brunuel (diretor de cinema espanhol famoso). Os três eram muito amigos. Dalí vai ter muita influência de Picasso, em uma de suas fases. Ele teve um caso com Garcia Lorca. Brunuel não se conformava pois era muito machista. Dalí vai se tornar um grande surrealista. Em 1929, Dalí conhece Gala, que é Helena, e vai ser sua musa inspiradora e sua paixão até ele morrer. Ela foi uma dançarina russa. Quando Dalí a conheceu ela era esposa de Paul Edward (grande poeta francês). Quando Dalí viu Gala, numa festa na casa de Brunuel, ela estava de costas para o sol e com os ombros de fora. Ele se apaixonou pelo ombro dela e disse que ia casar com aquela mulher. Conseguiu tirá-la de Paul Edward e vão ficar juntos até ela morrer. Fofoca: Dali tinha um problema físico. Tinha o “elemento” pequeno que não funcionava muito. Gala conseguiu resolver essa situação. Ele devia isso a Gala. Foi a primeira mulher realmente que ele se resolveu. Ele era bissexual e tinha muitos casos. Nunca mais vai largar Gala na sua vida. Ela teve também muitos casos com marinheiros que Dalí sabia e aceitava numa boa. Dalí é o protótipo do homem surrealista. Ele é escandaloso e só pintou o irreal. É um cabotino (aquele indivíduo de maneira afetada, que procura chamar a atenção, ostentando qualidades reais ou fictícias) e só pensava em dinheiro. Adorava Picasso como artista e como pessoa. Picasso nunca deu bola para Dalí. Eles nunca foram amigos. Picasso não admitia a forma de viver de Dalí, apesar dele também ser extravagante. Dalí vai pintar muitos símbolos fálicos, como os ciprestes pontudos. Vai pintar muito costeletas penduradas em Gala, significando que gosta de “comer” Gala. Ele pinta também muitas muletas. Acha que todo mundo tem muletas. A sua muleta era Gala. Ele representa a muleta como se fosse forquilha (tipo muleta para segurar as oliveiras) A religião para Dalí é um campo de investigação. Ele foi muito místico. Ele fez coisas muito loucas, como a "Apoteose do Dólar". Era um quadro cheio de dólar assinado com um cifrão. Ele ficou muito rico. Quando a Gala morreu em 1982 ele estava sofrendo o mal de Parkinson. Dalí vai viver até o fim de sua vida de forma muito extravagante. Morre em 1986.

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Artaud e Lial. Pinta o irreal. em Barcelona. É o pintor surrealista do absurdo. nas quais extravasou suas inquietações pictóricas. Leiris. PAUL DELVAUX (1898-1994) É pintor belga. Em 1912 entrou para a escola de arte de Francisco Gali.JOAN MIRÓ iniciou sua formação como pintor na escola de La Lonja. Dois anos depois adquiriu forma La masía. Ele vai fazer sobreposições até o infinito. Ele investe em você o tempo todo. onde se formara um grupo de amigos pintores. Tudo dele é fantasticamente absurdo. Ele é um campo muito vasto para a nossa imaginação. você se questiona se é ou não real. Breton falava dela como o máximo do surrealismo e se permitiu destacar o artista como um dos grandes gênios solitários do século XX e da história da arte. Miró também se dedicou à cerâmica e à escultura. A partir daí sua pintura mudou radicalmente. RENÉ MAGRITTE (1898-1967) É também pintor belga. entre os quais estavam Masson. obra fundamental em seu desenvolvimento estilístico posterior e na qual Miró demonstrou uma grande precisão gráfica. Nessa época. embora se apresentem de forma amistosa ao observador. Toda obra que você vê. Em 1920 Miró instalou-se em Paris (embora no verão voltasse para Montroig). A famosa magia de Miró se manifesta nessas telas de traços nítidos e formas sinceras na aparência. Usa metáfora em todos os quadros. mas difíceis de serem elucidadas. 145 . Tinha obsessão pelo rosto de mulher e estações de trem. em cujo grupo militou durante algum tempo. onde conheceu a obra dos impressionistas e fauvistas franceses. a desconfiança do irreal. fez amizade com Picabia e pouco depois com Picasso e seus amigos cubistas.

Mas ao mesmo tempo que produzia a crítica. passaram a transformá-los em tema de suas obras. virou moda. de poderosa influência na vida cotidiana na segunda metade do século XX. brilhantes e vibrantes. látex. do cinema e da publicidade. dos quadrinhos.POP-ART Movimento principalmente americano e britânico. Sua iconografia era a da televisão. nos quais se inspirava e muitas vezes o próprio aumento do consumo. assim. Era a volta a uma arte figurativa. que realizou em 1960 para 146 . usando como materiais. e aproximou a arte das massas. Rauschenberg criou as pinturas "combinadas". como aconteceu por exemplo. a Pop Art proporcionou a transformação do que era considerado vulgar. poliéster. desmitificando. Esses trabalhos tiveram como temas episódios da história americana moderna e da cultura popular. Por volta de 1962. sobretudo os que eram provenientes dos Estados Unidos. a arte para poucos. já que se utilizava de objetos próprios delas. usando como materiais principais. adotou a técnica de impressão em silk-screen para aplicar imagens fotográficas a grandes extensões da tela e unificava a composição por meio de grossas pinceladas de tinta. e já que tanto o gosto. quando alguns artistas. ilustrações e designs. Principais Artistas: Robert Rauschenberg (1925) Depois das séries de superfícies brancas ou pretas reforçadas com jornal amassado do início da década de 1950. em refinado. Além disso. Representavam. reproduzindo objetos do cotidiano em tamanho consideravelmente grande. com as Sopas Campbell. da fotografia. muito do que era considerado brega. um dos principais artistas da Pop Art. tinta acrílica. o pop art começou a tomar forma no final da década de 1950. ilustrações e designam. a Pop Art se apoiava e necessitava dos objetivos de consumo. em oposição ao expressionismo abstrato que dominava a cena estética desde o final da segunda guerra. de Andy Warhol. tinta acrílica. quadrinhos. transformando o real em hiper-real. para designar os produtos da cultura popular da civilização ocidental. pelo crítico inglês Lawrence Alloway. embalagens de produtos industrializados e pássaros empalhados. ela operava com signos estéticos massificados da publicidade. produtos com cores intensas. usando como materiais principais. os componentes mais ostensivos da cultura popular. Roy Lichtenstein (1923-1997). Com raízes no dadaísmo de Marcel Duchamp. Com o objetivo da crítica irônica do bombardeamento da sociedade pelos objetos de consumo. Seu interesse pelas histórias em quadrinhos como tema artístico começou provavelmente com uma pintura do camundongo Mickey. com garrafas de Coca-Cola. como a arte tem um determinado valor e significado conforme o contexto histórico em que se realiza. após estudar os símbolos e produtos do mundo da propaganda nos Estados Unidos. sua denominação foi empregada pela primeira vez em 1954.

uma técnica pontilhista para simular os pontos reticulados das historietas. aparecem como imagens frias. e usando sobretudo a técnica de serigrafia. ampliou as características das histórias em quadrinhos e dos anúncios comerciais. delineadas por um traço negro. Andy Warhol (1927-1987). Da mesma forma. planas e limitadas. Seus quadros. por exemplo. e reproduziu a mão. Ele foi figura mais conhecida e mais controvertida do pop art. Warhol mostrou sua concepção da produção mecânica da imagem em substituição ao trabalho manual numa série de retratos de ídolos da música popular e do cinema. incentivou o trabalho de outros artistas e uma revista mensal 147 . com fidelidade. símbolos ambíguos do mundo moderno. Cores brilhantes. apesar da ascensão social e da celebridade. os procedimentos gráficos. intelectuais. como Elvis Presley e Marilyn Monroe. Warhol entendia as personalidades públicas como figuras impessoais e vazias. como garrafas de Coca-Cola. desvinculados do contexto de uma história.os filhos. Produziu filmes e discos de um grupo musical. contribuíam para o intenso impacto visual. as latas de sopa Campbell. o artista pretendia oferecer uma reflexão sobre a linguagem e as formas artísticas. automóveis. Com essas obras. Em seus quadros a óleo e tinta acrílica. O resultado é a combinação de arte comercial e abstração. destacou a impessoalidade do objeto produzido em massa para o consumo. crucifixos e dinheiro. Empregou.

OP-ART A expressão “op-art” vem do inglês (optical art) e significa “arte óptica”. 148 . como diz o artista. Ela não tem o ímpeto atual e o apelo emocional da Pop Art. Mas. elas se movimentariam pela simples ação das correntes de ar. os móbiles pareçam simples. Principais artistas: Alexander Calder (1898-1976) . parece excessivamente cerebral e sistemática. em comparação. suas possibilidades parecem ser tão ilimitadas quanto as da ciência e da tecnologia. por outro lado. Victor Vassarely . mesmo quando em preto e branco. de modo que através de constantes excitações ou acomodações retinianas provocam sensações de velocidade e sugestões de dinamismo. Embora. As suas composições se constituem de diferentes figuras geométricas. mais próxima das ciências do que das humanidades. que se modificam desde que o contemplador mude de posição. ele verificou que se mantivesse as formas suspensas. pois exige um sistema de peso e contrapeso muito bem estudado para que o movimento tenha ritmo e sua duração se prolongue. O geometrismo da composição. Defendia para arte "menos expressão e mais visualização". Os seus primeiros trabalhos eram movidos manualmente pelo observador. solicitar ou exigir a participação ativa do contemplador para que a composição se realize completamente como "obra aberta". parece obedecer a duas finalidades. Por outro lado. Apesar do rigor com que é construída. São engenhosamente combinadas. simboliza um mundo precário e instável. que se modifica a cada instante. ao qual não são estranhos efeitos luminosos. em preto e branco ou coloridas. Apesar de ter ganho força na metade da década de 1950. sua montagem é muito complexa. depois de 1932. Sugerir facilidades de racionalização para a produção mecânica ou para a multiplicidade. a Op Art passou por um desenvolvimento relativamente lento.criou a plástica cinética que se funda em pesquisas e experiências dos fenômenos de percepção ótica.Criou os móbiles associando os retângulos coloridos das telas de Mondrian à idéia do movimento.

Nina. Nunca.(1960-1988). destruição moral. iniciou sua carreira grafitando as paredes e muros de Nova York. Com 21 anos participou da sua primeira coletiva em Nova York. instalando-se em coleções privadas e cobrindo com seus rabiscos e signos os mais variados objetos de consumo.pixação de signos. um dos principais espaços de vanguarda de Nova York. 149 . em 1981. Freak. ao receber o jato de spray. valoriza-se a cor. a partir daí virou celebridade. de obras famosas.o metrô . As temáticas do seu trabalho refletem suas preocupações. Tikka e T.o grafiteiro utiliza um cartão com formas recortadas que. * Stencil art . Boleta. No Brasil. Morreu prematuramente em virtude de depressão e drogas. só deixa passar a tinta pelos orifícios determinados. a opressão e o racismo. Seus grafites mostravam símbolos de variadas culturas. de Nova York. A primeira grande exposição de Grafite foi realizada em 1975 no "Artist's Space". com apresentação de Peter Schjeldahl. no PS 1. Waldemar Zaidler e Carlos Matuck. anarquia social. também se destacam artistas de vanguarda como: Os Gêmeos: Otávio e Gustavo. como "violação. Características gerais: * Spray art . nascido no Haiti. palavras ou frases de humor rápido. vandalismo puro e simples". e principalmente ícones da cultura e consumo americanos. Principal artista: Jean Michel Basquiat . Speto.GRAFFITI Definido por Norman Mailler como" uma rebelião tribal contra a opressora civilização industrial" e.e das ruas das galerias e museus de arte. o Grafite saiu do seu gueto . por outros. mas a consagração veio com a mostra "New York/New Wave" organizada por Diego Cortez. principalmente no contexto político e social. como o genocídio. destacam-se os artistas: Alex Vallauri. Foi patrocinado por Andy Warhol (Pop Art). existe a valorização do desenho.

que foi envolvido em tecido sintético com duração de duas semanas. O artista naïf não se preocupa em preservar as proporções naturais nem os dados anatômicos corretos das figuras que representa. de uma criação totalmente subjetiva. como numa arte mais intelectualizada. Art naïf (arte ingênua) é o estilo a que pertence a pintura de artistas sem formação sistemática. da arte do doente mental e da arte primitiva. nem tampouco no conceito de arte popular. existem os realmente marcantes e outros nem tanto. Obras Destacadas:: Cortina no Vale. Esse isolamento situa o art naïf numa faixa próxima à da arte infantil.INTERFERÊNCIA Como a pintura já não é claramente definível e deixou de ser a única fornecedora de memoráveis imagens visuais. Claro que. embrulhos em locais públicos. ressaltamos Christo. do fazer artístico sem escola nem orientação. Trata-se de um tipo de expressão que não se enquadra nos moldes acadêmicos. Obra Destacada: Homenagem a Chico Mendes do artista Roberto Evangelista. nem nas tendências modernistas. o único artista que se destaca com suas interferências. Guarda-sóis colocados em um vale da Califórnia e mais recentemente o Reichstag ( Parlamento Germânico em 1988 . Características gerais: · Composição plana. Atualmente. e não somente à aprecia. para ativar o espaço arquitetônico. o artista naïf é marcadamente individualista em suas manifestações mais puras. sem nenhuma referência cultural. INSTALAÇÃO São ampliações de ambientes que são transformados em cenários do tamanho de uma sala. das folhinhas suburbanas ou das imagens de santos. Ponte Neuf (Paris) embrulhada para presente. Alguns artistas interferem na paisagem. colocam cortinas. juntamente com a escultura e outros materiais. É utilizada a pintura. bidimensional. seja quase sempre possível descobrir-lhes a fonte de inspiração na iconografia popular das ilustrações dos velhos livros. Não se trata. mesmo nesses casos.Berlim). portanto é instintiva e onde o artista expande seu universo particular. portanto. se confunda com elas. O espectador participa da obra. no entanto. da criatividade autêntica. muito embora. guardasóis. tende à simetria e a linha é sempre figurativa 150 . sem que. ARTE NAÏF É a arte da espontaniedade. Assim.

homem de pouca instrução geral e quase nenhuma formação em pintura. composição e perspectiva.· Não existe perspectiva geométrica linear. Criou exóticas paisagens de selva que lembram tramas de sonho e parecem motivadas pelos sentimentos mais puros. no Salão dos Independentes. após despertar a admiração de Alfred Jarry. "Um dia de carnaval". Nos primeiros anos do século XX. Estreou com uma original obra-prima. Principal Artista: Henri Rousseau (1844-1910). Robert Delaunay e outros intelectuais e artistas. · Pinceladas contidas com muitas cores. seu trabalho foi reconhecido em Paris e posteriormente influenciou o surrealismo. Guillaume Apollinaire. Pablo Picasso. 151 . e de empregar as cores de modo arbitrário. Em sua primeira exposição foi acusado pela crítica de ignorar regras elementares de desenho.