APOSTILA HISTÓRIA DA ARTE

PROFESSORA: MEIRE DE FALCO
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História da Arte  Linha do Tempo o Pré-História  Arte Pré-histórica o Idade Antiga  Arte Egípcia  Arte Grega  Arte Romana  Arte Paleocristã  Arte Bizantina  Arte Islâmica o Idade Média  Arte Românica  Arte Gótica o Idade Moderna  Renascimento  Maneirismo  Barroco  Rococó o Idade Contemporânea  Neoclássico  Arte Romântica  Realista  Impressionismo  Expressionismo  Cubismo  Abstracionismo

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Fauvismo Construtivismo Surrealismo Dadaísmo Op Art Pop Art Instalação Interferência Cobra Futurismo Arte Naif Pintura Metafísica

o Arte Brasileira  Pré-História  Arte Indígena  Arte Colonial  Arte Holandesa  Barroco  Missão Francesa  Arte Acadêmica  Semana de 22  Expressionismo  Arte Naif

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PRÉ HISTÓRIA
A arte nasceu com o homem e deu-lhe a consciência de sua capacidade criadora, a possibilidade de imaginar. É muito importante lembrar que a arte revela o ser, independente de cor, religião, locais geográficos, independente de qualquer coisa. Se a arte não revela o ser ela não será arte. A arte é comunicação. Esse sistema de comunicação é sempre ligado a um processo histórico. A arte pressupõe um público. Mesmo que ela não seja feita para o público sempre haverá um que irá olhar. A arte é emissora e receptora, ela emite e recebe ao mesmo tempo. Na pré-história, o homem se tornou artista há 400 séculos ou 40.000 anos. Esse homem apareceu na fase da Pedra Lascada, em um período chamado PALEOLÍTICO (Paleo=Velho, Litico=Pedra). Esses homens tinham uma sensibilidade criadora incrível, habilidade e inteligência para a arte quase como os homens de hoje. Homens da pedra-lascada, homens primitivos, homens das cavernas tem o mesmo significado. Ha 4 milhões de anos antes dos homens paleolíticos já existia homem na terra quase como macaco. Dessa época não temos nenhum registro. Não sabemos o que eles fizeram, apenas que eles sobreviveram. De arte só sabemos a partir de 400 séculos atrás. Nesses 2 últimos milhões dos 4 milhões de anos agente já sabe que o homem se utilizava de pedras e de paus. O homem, com certeza, desde 4 milhões de anos atrás já usava um instrumento, porque o macaco como exemplo pega uma planta ou uma pedra para jogar em outro macaco. Então tudo isso o homem já devia usar. Só que transformar pedras em utensílios levou séculos. Primeiro ele pensou o que fazia com os seixos (pedras lascadas) ou com gravetos. A partir dai ele vai associar forma à função, criando assim o utensílio. A madeira por não ser resistente não durou para que pudéssemos ter como prova mas, os objetos de pedra permanecem até hoje. Esse objetos pessoais foram se aperfeiçoando. Com o aperfeiçoamento desses objetos iremos entrar no Paleolítico, época da pedra lascada. O mundo era totalmente diferente, os homens viviam em cavernas, a temperatura era baixa, sempre no gelo. Viviam em regiões que correspondem hoje a França, Espanha, Inglaterra, Alpes, Síria, Palestina, Norte da África, em plena Ásia, no Himalaia. Viviam em grupos bem grandes para se protegerem. A caça era abundante nessas regiões. Apesar de se chamarem homens das cavernas, eles pouco habitavam nelas. Ficavam muito mais do lado de fora, por serem sufocantes, malcheirosas, sem luz,e feias. Do lado de fora eles podiam ver a mudança do dia e noite, o que achavam fantástico e completamente inexplicável para eles. As cavernas eram mais usadas como abrigos das intempéries do que como moradas. Esses homens são chamados de primitivos, não por serem mais simples do que nós, porque eles foram os primeiros do local mais próximo de onde começou a humanidade. O processo de pensamento deles era muito complicado, muito complexo. 2

sangue. sementes. Se ele não matasse o animal. As mais importantes cavernas citadas na História da Arte são: Altamira na Espanha e Lascaux na França. O padrão de qualidade não difere do nosso hoje. Não separavam o visível do invisível. sépia. Não existia requinte por não haver intenção de fazer arte. de pessoas em mutações. Essa pintura vai ser uma “pintura realística e figurativa” porque ele vai pintar tal qual ele vê. ocres. Esses locais eram bem inacessíveis e provavelmente subiam um em cima do outro para alcançarem. Você pode ter muita técnica mas se não tiver uma concepção artística dificilmente fará alguma coisa. Ele precisava do outro homem para preencher aquela imensidão do mundo que estava totalmente vazia. Ele não desenhou nunca homens porque ele não queria matar outro homem dessa forma. É tão bom quanto os de hoje. a pele para ele se vestir. com criações. A explicação disso tudo é “a magia propiciatória”. para poder iluminar o fundo da caverna. É a primeira vez que existe um estilo na história da arte. Não sabiam a diferença do mundo material do espiritual. Ele precisava do animal para sobreviver e não do homem. Pintavam mamutes. O que difere são as idéias. Foram descobertos vestígios de luz artificial. depois o pincel bem rudimentar feito de pêlos e penas de animais. O domínio técnico dos homens da caverna é surpreendente. São cavernas lotadas de pinturas rupestres. quer dizer. Séculos depois ele vai pegar um osso e soprar o pó sobre sua mão na parede da caverna deixando a marca do contorno de sua mão nela. Se ele tivesse um poder sobre outro homem isso iria causar muito medo. como se fosse uma mágica. A história da arte não é uma história de progressos de técnicas. O homem pré-histórico desenhou muito bem os animais. Antes do homem pintar os mamutes. ele morria. O animal dava a carne para ele se alimentar. As cores empregadas eram ocre.e os ossos para ele usar. vermelho. A magia propiciatória era o pintar e o matar o animal através do desenho. não distinguindo o real do irreal. Mesmo hoje vai ser chamada de “pintura rupestre” aquela pintura feita em tons crus. Ele pintava o que via. ele passava o dedo no pó da caverna e este nas paredes. mas mais de conteúdo). em locais inóspitos. o mundo para eles era uma realidade só e única. Primeiro utilizou o dedo como pincel. carvão vegetal (que usamos até hoje). É uma história de artistas. decorar. Essas cores eram devido aos materiais orgânicos de que eram feitas como: fibras.Existem milhares de pinturas rupestres (como são chamadas as pinturas das cavernas). Depois começaram a pintar os animais sempre no fundo da caverna. tochas recobertas de gordura animal. 3 . Não sabia a diferença do real para o irreal. As ferramentas rudimentares que usaram foram feitas com a mão. idéias (conteúdo e formas. bisontes. bisontes (era como avô do elefante ou do boi). bem escondidos. O homem era monista. do mesmo jeito que não pintava a flora. marrons. ossos carbonizados. e não de técnicas. Não iríamos pintar hoje com a finalidade de fazer magia propiciatória.

só da fêmea. Pintam do lado de fora mostrando os atos da vida coletiva deles. vacas. 8000 anos depois (dos 40. a cultivar e se organizar socialmente formando aldeias. tem 2 metros de altura.A caverna de Lascaux foi descoberta em 1940. paleolítica. A arte é feita pela arte. Começa o período neolítico. O homem neolítico consegue o controle sobre a sua alimentação. não saberíamos nada sobre esses “museus do mundo”. Tem dezenas de representações de animais como: cavalos. Se não fossem os terremotos e os deslocamentos de terra que tamparam essas cavernas. É um estudo muito sério e não se sabe a realidade. Tem uma ordem entre as figuras que parecem um código de composição. pois esta começava a deteriorar. 4 .000). que seria a representação de mulheres grávidas. não se sabe como eles tinham conhecimento dessas formas. Começa a plantar. Os retângulos. sem deixar espaço para andar. Eram pinturas sobre a caça. entrar água. 18 metros de comprimento e 9 metros de largura. O homem será representado mais forte e mais alto do que a mulher. Assim vão documentar para as vidas futuras o que a sua comunidade fazia. Com o tempo mais estável eles passam a ter uma vida sedentária. Não é mais uma magia propiciatória. nem rei por não haver ainda uma hierarquia. Eles acham que podem ser desenhos referentes a extra-terrestres. Foi descoberta em 1879. etc. triângulos. Na época do paleolítico ficavam pouco tempo na caverna. na Espanha. mamutes. como eles pintavam. porque com a temperatura amena podiam ficar mais tempo no mesmo local. Obs. Outras formas de arte são as gravuras. Eles também começaram a dançar e a cantar. mulheres de seios enormes. que não existe na natureza. É a conquista do pré-histórico de sua capacidade de representar as três dimensões. ao acaso. quadrados. Eles fazem incisões nas cavernas aproveitando os relevos para dar volume nos desenhos. bisontes. Nas cavernas do período paleolítico foram descobertas algumas simbologias inexplicáveis como o “quadrado”. elas permaneceram até hoje. essa descobre um buraco que a leva a outras salas com muitos desenhos. Deve ser por causa da fertilidade. e é chamada a catedral das cavernas. como uma forma de leitura de suas vidas. Os homens abandonaram a vida nômade. Altamira. ventre saltado e nádegas enormes. touros pintados de tamanho natural e de corpo inteiro. amontoar um monte de ossos. como “deusas da fertilidade”. A arte passa a ser feita do lado de fora na entrada das cavernas com o objetivo de serem vistas. É através do carbono 14 que se constata tudo da época pré-histórica. Nessas aldeias não tinha chefe. quando um pai fazendo um picnic com sua filha. Vai surgir as primeiras figuras masculinas. O auge do abstracionismo é fazer quadrado. A arte é realmente a expressão de uma época. há pouco tempo. na pedra-polida. Os cientistas não gostam de que sejam fotografados esses desenhos. Nunca ele fizeram representação escultórica de macho. E. porque não existe na natureza. como as tintas foram feitas com materiais orgânicos. O pré-histórico da era paleolítica fez esculturas de figuras femininas em pedra. Eles então largavam tudo lá e escolhiam outro lugar. A temperatura era mais amena. Ela corre para avisar o pai e esse chama os peritos para estudar a caverna.

Ele percebe que tem uma coisa que domina e toma conta dele. Vai existir a cerâmica crua e cozida. Eles guardavam as coisas nas cerâmicas porque elas conservam a quentura. Restaram apenas pedaços dessas peças e muitos desenhos desse período neolítico documentando isso tudo. Acha-se que a primeira plantação foi feita na região Mesopotâmica indo depois para o resto da Europa. Depois da cerâmica é que vai surgir a madeira. Vai acontecer uma revolução social. de repente. sepultamento. mas de alguma coisa além dele. Vão surgir também mitos. Ele auxiliava na caça. símbolos sagrados. tecendo e fazendo tarefas domésticas. Eram muito primitivos. papoulas. leite e fibra para tecido. Ex. ajudá-lo. cerimônias fúnebres.: prato. A mulher só poderia ter outro homem quando o dela morria. A cerâmica era super importante porque utilizavam-na para tudo. Eles percebem que se derem as mãos e saírem cantando a colheita iria ser muito mais interessante. A arte neolítica dá um passo atrás pintando da mesma forma que a criança pinta hoje. Uma das coisas muito interessantes do homem pré histórico é quando ele toma consciência da dependência que vivia do bem e do mal. ervilhas. Ele percebe que quem rege o destino do solo é a natureza. Começa então a surgir a religião para protegê-lo. O homem passa de figurativo realista para a pintura geométrica. benéfico ou maléfico. Uma das atividades artísticas mais importantes do neolítico é a cerâmica. uvas. artística econômica e política. alguma a coisa a mais que é dono de tudo isso e que precisa tomar cuidado. linho. e feito na posição (por trás) como os animais. Eles cultivavam trigo. As suas preocupações são outras.: “deus da colheita” Não tinha ainda a definição de uma mulher para um homem. Eles faziam para dormir uma grande cama de cerâmica em formato de barco para segurar o calor. Passa a ser um ser social. Depois domesticou o boi. cevada.O cantar era um ajuntamento de sons para cultivar os trabalhos coletivos do plantio e da colheita. O sexo era um ato animal. A última animal a ser domesticado foi o cavalo porque eles se alimentavam dele. Vai pintar de uma forma muito esquematizada e muito pior que o homem paleolítico. era fiel. No período neolítico é que o homem podia ter quantas mulheres quisesse e a mulher não. lentilhas. Ex. A partir da consciência desse ser vai surgir a necessidade da crença e do culto. cenouras e nozes. Ele pode cultivar e. O cavalo como besta de carga só vai aparecer na idade do bronze e como montaria só no final da idade do bronze quase na Idade Média. A cerâmica cozida era feita mais no período neolítico. amigo. O primeiro animal domesticado pelo homem foi o cão. Com certeza esse cultivo começou no oriente médio por causa do clima muito seco. Vai aparecer tudo. Tudo é geometrizado e certinho. O 5 . não ter essa colheita por causa de uma chuva de granizo ou de uma tempestade. que é a natureza. É a primeira mudança de estilo na história da arte. Ele percebe que a colheita não depende dele. A mulher fica em casa cozinhando. Vão aparecer as primeiras esculturas dos “deuses”. o porco e a cabra que abastecia de carne. maçãs. Ele tem a concepção que existe um ser.

O homem não cozinhava. Não vai cozinhar comida. Na hora de colher a colheita a mulher e os filhos participavam. 6 . Essa liga possibilitou modelar uma infinidade de coisas. é o caso de Picasso. Durante séculos o homem vai ser proibido de cozinhar. quando estavam fazendo uma fogueira em um acampamento quando. Vários pintores do século XX vão trabalhar em cima da história da arte primitiva. Eles achavam que se o homem cozinhasse a comida seria uma comida envenenada. não comendo mais carne crua e vão usar sal pela primeira vez. É quando eles fazem rodas.homem sai para o campo para caçar e fazer a plantação. Eles passam a cozinhar a carne. para finalizar. E. de repente. Esses minérios derretidos formaram o bronze que quando esfriava endurecia rapidamente. A preocupação do homem na idade do bronze era em cima das descobertas técnicas. e utilitárias para a época. Os grandes cozinheiros vão ser na época de Luís XIV. a Idade do bronze foi muito pobre artisticamente. No final da idade do bronze já não é mais considerado pré história. Obs. Somente depois na Idade Média é que o homem vai aparecer cozinhando. carros. no Barroco. etc. Uma grande descoberta sempre leva a outra grande descoberta. derreteram uma pedra que tinha cobre e estanho. A idade do Bronze também foi descoberta por acaso. Os utensílios ficaram bem melhores. mais do que com a beleza. O único homem que cozinhava era o mágico da tribo para ele fazer rituais.

dos sumerianos. Em 1927 eles escavaram os montes e descobriram as cidades da Mesopotâmia.C. Eles eram muitos povos como: caldeus.Tinham tesouros soberbos como os dos egípcios. etc. babilônios. Foi o dilúvio que a Bíblia comenta. etc. Era como se tivesse acabado o mundo. Foi chamada de “TORRE de BABEL”. a Mesopotâmia já era uma civilização. No interior tinha tijolos bem pequenos e coloridos. etc. lindíssimo.. Esse templo enorme que era equivalente a um prédio de 20 andares. Os templos da Mesopotâmia que tinham esse formato chamavam-se Zigurat. ou seja até 2. Os rios Tigre e Eufrades inundaram toda a Mesopotâmia. no interior do Zigurat. Situada no Oriente Antigo.MESOPOTÂMIA MESOPOTÂMIA: quer dizer em grego região entre os rios Tigre e Eufrates. Em 1927 os arqueólogos. Até a metade do século XIX pouco se sabia da Mesopotâmia. todos os povos da Mesopotâmia fizeram as construções assim. Todos. depois de muita procura. Todos tinham uma forma muito diferenciada de falar. colocavam para secar e depois construíam palácios.C. escrever. Quando as civilizações européias ainda estavam na pedra polida. Nessa cidade tinha um templo fantástico todo branco.. Tudo o que sabíamos sobre a Mesopotâmia era através da Bíblia. Os arqueólogos descobriram vários montes chamados tells (téus) e que tinham lá no fundo tinham a civilização. Faziam tijolos pequenos um a um à mão. etc. Havia. Com o passar do tempo essas construções não resistiram às mudanças e nada restou. tinha força de lei. acharam a cidade de “Hur” que começou 5000 A. na Mesopotâmia.C. Foi o local onde todos os povos como sumerianos. Aparece Noé com seu barco e os animais para se salvar do dilúvio. O culto aos deuses era muito forte. Existia uma cidade chamada Uruqui. os mosaicos. os Sumerianos foram os primeiros a dominá-la. O Museu do Louvre está lotado sobre as peças da cultura Mesopotâmica. fenícios. Entre os muitos povos que faziam parte da Mesopotâmia. Cada povo falava uma língua. fenícios.000 anos. A Mesopotâmia foi uma civilização fantástica como a Egípcia. Isso ocorre 5. pintar. Durante 3. assírios. eles trabalhavam com adornos (que são tijolos pequenos de terra). ninguém se entendia. surgindo aí a técnica dos mosaicos. só que eles não faziam como os egípcios que trabalhavam em pedras. Tinha também só uma porta com uma escadaria que conduzia o povo a subir para rezar lá em cima.000 A. ajudaram na construção. A religião era magia. 7 .000 A. Foi tão importante quanto o Egito. foram convidados para construir esse templo imenso. enquanto a arte da Mesopotâmia teve muitas. escravos e não escravos.. do lado de fora. sepulturas. somente a força da religião era que unia todas elas. onde estaria mais próximo de “deus”. As cidades eram independentes umas das outras. O sumeriano é o protótipo mais antigo das construções de dentro de casa. Os templos para os sacerdotes era a construção mais bem organizada. A arte Egípcia teve poucas variações.

A escrita da Mesopotâmia (3.: os Maias.C. Era uma civilização tão rica quanto a do Egito. enquanto o corpo eles nem ligavam. O que eles produziram de arte era somente ligado às guerras e aos reis. Dominam toda a Mesopotâmia e toda a Síria. Era como os contratos de doações de terras. gigantescas. dando expressão de fé e serenidade. É por isso chamado de cunheiforme. Os assírios permaneceram na Babilônia de 1100 A. gravadas ou esculpidas. Assurbanipal era o guerreiro imperador. A cabeça era cuidadosamente elaborada. principalmente o caráter. principalmente a escultura. Eles utilizavam pedras. Vão acabar com o primeiro Império Babilônico. sendo completamente diferentes um do outro. Os olhos eram enormes e bem expressivos. A escrita chamava-se cuneiforme por ser em forma de cunha. É um passo enorme da Humanidade. Kudurros eram os contratos feitos em pedra e escritos em cuneiforme. mármore. prendendo as pessoas e fazendo atrocidades com elas. É um povo interessante. chamada Zigurat para que as pessoas rezassem mais próximas de “deus”.C. O poder deles chegou até o Egito. A arte era feita para “deus”.C.A invenção da escrita aparece na Mesopotâmia em +/. Eles copiam a arte sumeriana. e falarem. concha marítima. grandiosa.000 A. A fase histórica é praticamente a mesma. Os sinais da escrita ao invés de serem desenhados.3. O azul era feito lápis-lasure.C. eles pegavam um estilete em forma de cunha e gravavam na parede. Obs. Iraque. O branco dos olhos era feito de conchas.000 A. O que vai ter de diferente são as famosas “estrelas” ou “estelas” que são as pedras desenhadas. cantarem. sendo que estes dois últimos não duraram com o tempo. A escultura era super importante.: A civilização mexicana aparece bem depois de Cristo.. guiados pelo rei Sargão.500 A. Os acarianos vão aparecer em 3. Descobriram que por baixo dos “tells” (montes) existia uma civilização fantástica. gesso. A Mesopotâmia fica hoje mais ou menos onde estão os países Irã. a alma das pessoas. Assur é uma cidade muito famosa.. até 612 A. Era uma cerâmica muito ruim. escreverem. A Mesopotâmia não ficou tão famosa porque o material usado nas construções não resistiu ao tempo por serem feitos de adobe (tijolinhos de pedra). bem feita. Ex. A arquitetura era pomposa. Quando a argila estava mole. Eles só não acabam com a cultura babilônica pois vão adquiri-la através da forma deles pintarem. 8 . Relembrando: Vão construir uma torre na Babilônia. Tinha um curioso detalhe: a desproporção entre a cabeça e o corpo. O material usado para fazer as esculturas era muito variado. estava no rosto e o corpo servia só de suporte. Portanto a arte acariana é muito parecida com a arte sumeriana.) vai bater mais ou menos com os hieróglifos egípcios. Para construí-las pegavam cidades inteiras. Eles chegaram a dominar o Egito e a Fenícia. Vão implantar o terror na Babilônia.C. foram gravados na argila. especialmente para os sumerianos. imperial. Isso acontece porque para o povo sumeriano.000 a 2. Eram povos unidos só pela religião. Fizeram desses escravos os construtores das grandes cidades. São guerreadores mas não são grandes artistas. Os assírios eram tremendamente guerreiros e tinham um exército muito poderoso.

mortandade. No grande Zigurat eles rezavam para que suas conquistas fossem sempre maiores. principalmente. 22 salas de recepção. No museu do Louvre você poderá ver esses relevos. Deixaram tudo por escrito. Tudo isso para estudarem a ciência. Quando não resistiam mais substituíam por outros. mulheres passeando. por ex. está no museu do Louvre e era do Palácio do Assurbanípal. somente o Zigurat. Depois testavam a resistência sem dar comida e depois sem dar água também. 17 dormitórios de empregados e 7 banheiros. Eles colocam só os assírios como vencedores. 77 quartos. Fizeram imensos tambores de cerâmica cheios de água para testar também a resistência das pessoas sob o sol fortíssimo com a água subindo. 10 salas de tronos. Tem um relevo famoso que é “A leoa ferida”. trabalho forçado. Muito do que sabemos vêm de pergaminhos desenhados. O rei Sargão da Síria. Nos próprios registros das esculturas é que constatam que eram guerreiros e cruéis. eles faziam relevo e arquitetura. tortura. Ele realmente ele vai colocar essa tranqüilidade através dos relevos de árvores frondosas. Tinha um enorme harém com 37 camas. celeiros. cativeiro.O assírio foi o pior povo da antigüidade. Tudo isso foi erguido em apenas 6 anos por causa do trabalho escravo. Eles quase não pintavam. Pegavam milhares de escravos até eles resistirem. Através dos escravos eles sabiam a resistência que eles precisavam ter. auxiliando séculos mais tarde com esses conhecimentos. para seu descanso. A cabala vai aparecer muito na Mesopotâmia e no Egito. Nesse palácio eles faziam rituais para o demônio. o que seria mais ou menos 10. Não sobrou um monumento pronto. onde tudo parecia ser bem tranqüilo. O mal era que ajudava e não o bem. embora 9 . pássaros. vai aparecer a primeira propaganda onde o rei sempre aparece vencendo e os povos caindo e morrendo. Ajudava os seus sacerdotes a cultuar o mal. lagos. O Rei Sargão cultuava essa coisa do mal. Somente em Ninive é que Assurbanípal mandou fazer baixos relevos. armazéns. Eles não escondiam essa crueldade. Não acreditavam em outra vida. Tinha 97 pátios. Não fazia o povo de escravo só para construir para eles. A moradia dos monarcas eram obras arquitetônicas fantásticas só que construídas com tijolinhos de barro.000 m2. Os assírios pegavam a população e testavam a resistência dos velhos e crianças para ver quem conseguiria ficar mais tempo sem comer. Eles utilizavam números cabalísticos como o 7 e o 14.: pegavam 2 irmãos e arrancavam o olho de um para colocar no olho do outro. Na arte assíria o que mais se destacou foi o relevo. Na síria. Essa muralha tinha sete portas e era ao redor do palácio medindo 300 hectares. Essas 37 moças desse harém não eram as preferidas. Isso também vai aparecer no Egito. A muralha tinha a altura de um prédio de 8 andares. matança em massa. Fizeram transplante de córnea. As outras 37 ficavam na expectativa de algum dia serem chamadas. O palácio do Sargão tinha 300 salas. Tem uma maquete no British Museum. Os egípcios ao contrário do que se pensa não só tinha os escravos como pessoas do próprio povo que ajudavam nas construções faraônicas. Sempre mostra o horror. construiu um palácio com uma muralha. Tinha o super harém com 7 preferidas. músicos tocando.

era só apoiado no quadril e não tinham pedras preciosas. Elas colocavam um cinto no quadril. Quando o homem era solteiro (mas noivo) ele tinha um grande anel no dedo anular. Só na Idade Média é que surgiu o cinto de castidade do jeito que conhecemos. os assírios foram destruídos pelos MEDOS (médos). Ex. Eles usavam uma substância vermelha que eles tiravam de uma árvore que hoje não existe mais. e ouro vermelho que mandavam buscar no mundo inteiro. ou outro motivo. Eles vieram da Ásia e junto com os babilônios que ainda restavam eles destruíram os assírios e reconstruíram a Babilônia que é chamada depois de Néo-Babilônia. Ficava na unha por um ano. graças a irrigação. amarela e branca.C. Daí a Babilônia vai ser mais uma vez a mais esplêndida cidade do Oriente. Depois é que vai surgir mais tarde a aliança. Em 612 A. A única pintura que foi registrada da Mesopotâmia é a cidade de Ur. para indicar que o homem não estava em casa. bem mais tarde dominou a Babilônia. Era uma substância orgânica que eles maceravam até conseguir o vermelho. Aí começou o cinto da castidade. Na Mesopotâmia é que vai aparecer o esmalte pela primeira vez. esmeralda. Quando eles casavam passava para o outro dedo anular da mão esquerda. O rei é o vencedor e todo o resto da humanidade perdedor. violeta. sendo portanto tiradas dos cintos. rei da Pérsia. inóspito. 10 . Tinha um platô na parte lateral. As pedras eram usadas só nas solteiras. na época da Néo-Babilônia. Os jardins suspensos da Babilônia vão ser reconstruídos. No patamar azul. Era uma árvore parecida com romã. Não era um cinto como o de castidade ainda. a folha e flor eram azuis também. Os jardins da Babilônia eram feitos de flores de várias cores sendo que. onde eles plantaram grama e flores em um lugar completamente árido. Após casar o marido é que representava as pedras preciosas. destruiu tudo com exceção do Zigurat por considera-lo um marco muito forte. Mais tarde os judeus foram estudar como eles fizeram essa irrigação para resolver esse problema na terra deles. eram distribuídas por vários patamares debaixo para cima. Eles obrigavam as mulheres a usar ouro. Em UR eles gostavam tanto de ouro que faziam muita jóia usando também muito rubi. Todos os povos tinham medo deles. Na realidade era uma tinta. Tiravam o colar do pescoço porque elas não estavam mais presas aos pais e sim ao marido. azul. misturando também com outras substâncias. Foi o fim do esplendor da Babilônia. Quando essas moças casavam elas passavam a usar somente o bracelete no braço com ouro de 2 tons sem rubis e esmeraldas. Quando Siro. um grande colar e uma pulseira também na perna. feito também em ouro.muitas vezes eles fossem os perdedores. quando os maridos saiam de casa para guerrear. Em todos os museus do mundo você vai encontrar essas jóias. Todo homem e mulher casada tinham que usar nos pés e nas mãos. o caule. O anel era tão grande que ocupava o dedo todo sem poder dobrá-lo. A flores e folhas eram da mesma cor. As solteiras usavam um bracelete no braço. Tinha um sistema de irrigação no qual a água passava por todos os patamares. Eram sete patamares. pois só hoje é que denominamos esmalte.

As mulheres viúvas tinham que casar 3 meses depois que o marido morria.: Na antiga Babilônia é onde se encontra Saddam Hussein hoje. dependendo se estes eram bons ou não. Essa lei vai vigorar todo o tempo na Mesopotâmia. qualquer povo. assírio. Até 18 anos os filhos eram considerados crianças só podendo guerrear. Todos esses povos de uma forma ou de outra eram guerreiros.Quando ficavam viúvos tinham que pintar as unhas de preto. Ela é que iria decidir se dava ou não a herança para os filhos. O homem viúvo não tinha que cumprir essa lei. A mulher não tinha direito sobre a herança enquanto o marido estava vivo. Tinha uma fila de homens esperando porque o marido deixava toda a herança para a mulher e não para os filhos. A casta da Mesopotâmia. as viúvas tinham que casar. mas não podiam ter nada. qualquer um caldeu. 11 . Obs.

Ela começou mesmo como civilização em 5.C. os moldes belíssimos. e chegou ainda como civilização organizada egípcia até 30 A. 12 . especialmente o trigo que fazia daquele país no meio desértico o celeiro da antigüidade. Toda construção do Egito é feita de pedra proveniente das abundantes jazidas que existem no Egito. equilibrada e geométrica. Dos lados tem dois dos maiores desertos do mundo Saara e Núbia. Os Templos também são monumentos colossais. simétrica. que tornava as terras férteis graças às inundações periódicas. São todos monumentos faraônicos e todos de pedra para durarem para a eternidade. do qual viviam muito da venda do ouro. A arte egípcia é toda dirigida para a religião. anterior às dinastias dos faraós eram divididos em clãs familiares. Só os sacerdotes ou amigos dos sacerdotes é podiam exercê-las.EGITO Tudo no Egito é feito para a eternidade. Ela continuou depois. quando surgem os faraós. todo mundo se matando. Era uma organização social simples. O Egito foi dividido em Alto e Baixo. mas de todo o povo. Na arte egípcia sempre vai ser exaltado o sentimento de morte e eternidade. cereais. Após se formarem as dinastias. os trabalhadores interrompiam o trabalho agrícola quando grande parte da população estava disponível para as grandes construções.C. A primeira civilização egípcia no 5o. Os mestres gregos estudaram no Egito. A arte e civilização Egípcia duraram 40 séculos. As dinastias vão surgir depois desses grandes clãs. os tecidos. era exercido pelos faraós e seus funcionários. Não podia existir nada fora do domínio do faraó ou dos sacerdotes.000 A. Enquanto a Europa era completamente bárbara. o Egito já estava totalmente com a civilização feita. A indústria da época como: manufatura de papiros. as armas. sendo uma arte simbólica e convencional. Quem vivia nos templos eram os ricos Sacerdotes e Faraós. os mortos. passando do Paleolítico para o Bronze. É um vale estreito cheio de montanhas nos dois lados. Durante a época das inundações. as cerâmicas. mas sempre para os faraós ou pessoas da família dele. Não era só trabalho do escravo. A arte egípcia é extremamente regular. mas como civilização forte até 30 A. “rio deus”. culturais e religiosos eram o seguinte: O comércio. A arte é totalmente feita para a eternidade. As Pirâmides e as Mastabas são túmulos onde residem os mortos. O Egito é uma espécie de oásis no centro de uma região desértica. as jóias eram todas concentradas no domínio real ou dos templos. O Egito tem sido considerado desde a mais remota antigüidade o berço da civilização. milênio. E nas Pirâmides. os aspectos sociais. Não tinha dinastias e nem faraós. econômicos. A arte e a ciência eram muito avançadas para a época. A alma do Egito era o Nilo. Nessas terras férteis eram cultivados os cereais. Para controlar as águas do Nilo foram erguidas obras hidráulicas de represamento e irrigação. Os mais pobres eram enterrados em uma vala comum.C.

com cores. Os artistas tinham que aprender bem cedo o estilo. o homem tinha que ser mais alto que a mulher. o olhar de alguém à seu auxiliar. anéis e miniaturas de jóias vistas só com lupa. conheço a flor. lidar com tintas. As regras passavam de geração a geração sem nenhuma renovação. O artista tinha que aprender que sempre que fosse pintado o homem e a mulher. Os homens tinham que ter a pele mais escura que a da mulher. mais valiosa ela era. Até 30 A. O artista tinha que saber mitologia e ser anônimo. Vejo Ra em suas manifestações. sobre uma pedra. No estilo egípcio existiam leis muito rigorosas que não podiam nunca ser mudadas. bebida. Mas o artista não podia passar disso. Existiam muitos ofícios no Egito: escultores que faziam esculturas em pedra e madeira. Sei toda a magia que pratiquei sem que nada me escapasse. Eles tinham paixão por pele clara. em hieróglifos. Um texto escrito por um artista. pintura. O egípcio tem uma mistura com preto. o que significava a força que a pessoa tinha. Sou um artista excelente em minha arte. Depois vinham os trabalhadores do campo que tinham uma casa razoável. os braços e pés de perfil para melhor representar as características da pessoa. porque não era permitido. conheço o amor. o que quer dizer que sempre a figura humana vai ser representada com o rosto de perfil. Ninguém podia saber quem tinha feito o trabalho pois o artista não podia assinar. tronco de frente. Sou chefe de todos os segredos dos rituais cabalísticos.000 anos sem mudar nada na escultura. A partir daí começa a decadência do estilo e arte Egípcia. Conheço a pose da mulher. 13 . É uma demonstração que o pintor estava insatisfeito. Só que eles tinham que aprender tudo: anatomia. Eles tinham uma espécie de feira. Toda pintura egípcia tem a lei da frontalidade. prateleiras para vender ou trocar por comida. mas era um mero artista ignorado. Elas tomavam banho de leite de cabra para ficarem bem brancas. feitas de pedra e o telhado de palha. onde seria o Cairo hoje.. O patrão tinha que ser maior que a esposa. não podia criar nada. No Egito existiam escolas de arte cuja função era formar artistas. Nada do que se refere à esse assunto de magia me é oculto. Ficou 5. o Egito vale a pena enquanto arte e civilização. sem exagero. É a lei do ver melhor. sou um artista!” Ele se valorizava. sobre o que achava dele próprio como artista do novo império: “Conheço o segredos das palavras divinas. olho de frente. braceletes. assim que o Egito começa a acabar a sua arte acaba também. os filhos e os criados. etc. conheço a conduta das festas. Existe um estilo egípcio tão forte que durante milênios não vai mudar nada. Conhecia tudo. Um homem acima do comum por meus conhecimentos. Quanto mais branca. A arte egípcia ficou 3000 anos sem mudar nada. até fazer hieróglifos.C. lei da frontalidade. foi descoberto mais tarde. Era uma demonstração de revolta. joalheiros que faziam jóias fantásticas. A arte egípcia estava tão ligada ao país que.onde colocavam os produtos sobre as mesinhas. e os escravos que moravam em palhoças como se fossem animais. As mãos eles fazem sempre sobre o joelho. a postura de quem lança o arpão.As habitações da classe média eram na periferia.

também era colocado junto ao morto. não daria continuidade a sua dinastia. vivas. Eles acreditavam profundamente na imortalidade da alma. Depois da mumificação não podiam mais tocar no morto pois a sua alma poderia ficar perambulando por milhares de séculos. algodão. Na realidade ninguém nunca mais conseguiu fazer mumificação. Eles também esculpiam um outro corpo. eles sabiam que a pessoa que morria só ficaria contente se tivesse tudo o que tinha em vida e que gostasse junto com ele. feito em pedra. Na mumificação era cortada a cabeça. mais jovem. para depois fechar a pirâmide. A mumificação era feita em toda casta do faraó. que ficava ao lado da múmia. Jóias. nas outras dinastias não era levado ninguém mais vivo para ser enterrado. na sua plenitude. Era uma continuação da vida terrena. Se ela fosse profanada a alma iria ficar sofrendo pelo resto da eternidade. pernas) deixando só o tronco. estas iriam ser enterradas vivas junto com ele. Elas tinham que continuar casando com o filho. surgindo com isso a mumificação. Eles tinham uma obsessão pela imortalidade da alma. Acreditavam na vida eterna. A múmia depois de pronta nunca mais poderia ser vista e nem tocada. só que um pouco mais idealizado. Dentro da pirâmide o morto iria “ascender” para se encontrar com “deus”. é meramente uma transição para uma outra dimensão. ou o faraó com a filha. os membros ( braços. A parte política e econômica do faraó era também muito importante para que a mulher do faraó desse continuidade. Colocam uma solução de ácidos e sais aromáticos deixando o corpo banhado nisso por (+/-) 6 meses a 1 ano. Para evitar que fossem tocadas. só que com as mesmas necessidades terrenas.Desde o começo da pré-dinastia a arte egípcia era completamente ligada à morte. bonito. Ela então. roubadas e profanadas é que iriam ser colocadas em monumentos colossais que seriam as 14 . de trapo. Nas primeiras dinastias. Se esta fosse violada o faraó teria um outro corpo. Só depois é que tiram o corpo dessa solução e não se sabe como secavam esse corpo. até nos ajudantes dele. É porisso que existia muita riqueza nos túmulos. igual ao do faraó. seria colocada na pirâmide e esta bem fechada. Obs: No Vaticano tem uma múmia egípcia que está parte desenrolada podendo ver até a carne e um pouco do cabelo. Os egípcios levavam tudo aquilo que o morto gostava para o túmulo a fim de que a alma continuasse a gozar de tudo o que eles gostavam enquanto vivos. O faraó era convicto de que se a mulher dele fosse enterrada junto. Nos primeiros 2 milênios iam todos juntos. Eles acreditavam que a alma continuava a viver. Depois eles montam tudo novamente e estará pronto para ser enterrado nas pirâmides. Os escravos e os trabalhadores não eram mumificados porque era muito caro fazer a mumificação. Eles não tinham a mesma concepção moral que nós temos. comidas. Esta escultura sempre vai ter o rosto esculpido idealizado. Elas iam com vontade pois significava uma honra. Com o passar do tempo. O corpo do morto não podia ser tocado. Daí eles costuram tudo novamente. ou outro parente. Ex: Um faraó que ia ser enterrado e que gostasse de bailarinas. mas com as características do faraó. Eles limpam tudo o que tem dentro do tronco e enchem de bucha. O faraó era mumificado e em seguida colocado na pirâmide junto com as pessoas que gostava. etc. Para o egípcio a morte não é um acontecimento triste.

fogo está no centro. que os franceses fizeram um buraco próximo à base. Está tudo perfeito até hoje. Esses blocos eram trazidos de uma região há 1000 km de distância. Central. Em todo o mundo aparece pirâmides feitas em épocas diferentes. Foi construída em Sacara. Peru.600.” Algumas pirâmides eram fechadas no topo e outras abertas. onde cada barcaça levaria 2 pedras amarradas embaixo da água para que ficassem mais leves. Para esses blocos ficarem sobrepostos perfeitamente encaixados. Não há um consenso de como foram construídas as pirâmides. Dois séculos depois foram construídas as famosas pirâmides de Quéops. Hoje somente o raio lazer conseguiria deixar a superfície tão lisa. Quando descobriram a pirâmide de Quéops já não tinha mais nada dentro. pois já tinha sido violada. Na construção foram empregadas 2. Não tinha nenhuma gravidade. Tem pirâmide na China.pirâmides. construção. é um altiplano rochoso (que não se mexe). e a estátua do morto que era colocada ao lado da múmia é chamada hoje em dia de “o duplo”. eles tinham que ser polidos de uma forma manual. foi construída a primeira pirâmide. Após muitas pesquisas descobriram que em Maio a cada dois anos naquele local não tem gravidade. A etimologia da palavra pirâmide: É uma palavra de origem grega onde “piro” quer dizer fogo e “amid” quer dizer está no centro. A pirâmide é um tipo de construção que proliferou no Egito muito mais do que se pensa. que é a primeira pirâmide dos degraus. Essas pirâmides eram totalmente racionais. a qual flutuou. Esse local onde existiam pedras se chamava Assuã. 15 . Ela tem 121 metros de base e 60 metros de altura. Onde hoje tem a famosa represa de Assuã. Gisé. Eles pensaram muito antes de construírem as pirâmides. Existem muitas portas falsas e corredores falsos que não levam a nada para. na América do Sul. a base é do tamanho do “Maracanã”. até hoje não houve nenhum terremoto. Quefrém e Miquerinos. isto é. e em alguns lugares da terra também. na escala exata. Os historiadores acham que a forma mais certa daquelas pedras chegarem seria através de barcos pelo Rio Nilo. no Egito (que hoje é o Cairo). Os blocos eram sobrepostos somente através de cálculos matemáticos absolutamente precisos. Só que durante todos esses séculos nenhuma pedra foi encontrada no Rio Nilo. tendo 146 metros de altura. Cada lado da pirâmide foi projetada para corresponder a curvatura de 1/4 do hemisfério norte. no Egito. Na terceira dinastia. “O vértice da grande pirâmide corresponde ao polo e o perímetro do Equador. Não existe nenhum elemento de ligação como o cimento ou argamassa para unir ou sustentar essas colunas de pedras nas pirâmides. na planície de Gisé. México. Desde 3500 A. etc. Na região não haviam pedras. só para proteger o faraó.C. A pirâmide de Quéops é a maior das 3. e deixaram cair uma ferramenta. O túmulo é a pirâmide. na lateral. Obs: Há 6 anos atrás saiu na Geográfica Universal.000 blocos de granito e calcário. local onde foram construídas as pirâmides. Cada bloco pesa de 2 a 20 toneladas.

A pirâmide de Quéops tem uma força. Foi uma rainha poderosa que conseguiu unir o alto e o baixo Egito. A mitologia egípcia lida muito com o demônio. Ela era uma rainha faraó. quase nada restou até hoje. depois passavam uma massa fina de gesso sobre o reboco. cores planas. são dois templos ligados entre si localizados na cidade de Tebas. era chapada. O que ficou de melhor está localizado perto das pirâmides. O palácio era fantástico. mumifica. da manhã até Tebas. faziam primeiro o esboço em pedras arenosas chamadas de ostrakas (porque a pedra parecia com uma concha). A luz vai ser feita pela mão do homem. É um calor infernal. esta ficará gelada. Os historiadores acham que as pirâmides foram construídas através de montes de terra ao lado da construção para apoiar as pedras para serem erguidas. Depois das pirâmides o que existe de mais fantástico é Karnak e Luxor. Na iluminação da arquitetura egípcia não há quase janela. A organização da iluminação inteira dos templos era um verdadeiro “mis en cène”. As esculturas estão sempre fechadas no escuro e só vão ser clareadas naquele momento quando a luz passa por aquela abertura. A pintura não tem nenhum efeito de luz e sombra. Após secar colocavam a cor. Não chovia nunca. Técnica da pintura Egípcia: Tudo o que os egípcios desenhavam. Eram todos de classe média. Pegavam um pincel fino feito de bambu e desenhavam no gesso ainda úmido. As construções civis perto das pirâmides. Uma distância como se fosse de São Paulo à Salvador.Todas as 3 maiores pirâmides e as outras 70 que tinham no Egito já tinham sido violadas e roubadas. Estando no Cairo pega-se um avião às 5hs. Nos templos egípcios a iluminação é importante porque vai haver uma abertura para passar a luz do sol somente no que for divino. madeira. ela só aparece excepcionalmente. não apodrece. As janelas eram abertas para o pátio interno. por assim dizer. As moradias descobertas próximas às pirâmides eram construídas em alvenaria e pedra. Os deuses que tem a ligação com a lua vão ser iluminados pela luz da lua. Se for colocado água quente sob o sol. Faziam com goma arábica e clara de ovo. A partir desse esboço eles elaboravam a obra definitiva sobre a parede. propositadamente. muro. Tinha silos de cajal. Os moradores passavam a noite no terraço tocando música. clara e um pouco de óleo de amêndoa. que estão dentro da pirâmide e que tem ligação com o sol. O azul era feito com o pó raspado do lápis lázure e misturavam também com goma arábica. uma energia. Primeiro eles faziam um reboco grosso sobre a parede. Até hoje as construções são um mistério. que tudo que está localizado próximo num raio de 200 metros não morre. Do outro lado do Nilo está o outro templo da rainha Hasétsud. 16 . O templo é do tamanho de Manhattan. A cor vermelha era dada pelo óxido de ferro. Elas não eram tão importantes quanto os templos. sobre as esculturas dos deuses. ele é que vai deixar iluminar o que ele quer. Todas tinham terraço com cobertura. cantando. Esses templos foram construídos através de 3000 anos. O sol era o divino. porque era feito para a eternidade. A lua era o demônio para eles. 150 leitos para os maridos.

para iluminar os outros deuses. também para a pele. Em Karnak 10 obeliscos foram destruídos. feitos de mármore. abatidos congelados em conservação. de peruca. O rei e a rainha apareciam abraçados. Descobriram um shampoo e condicionador feito de papiro (que solta um sebo) e adicionaram flores para perfumar. que foi feito em sua homenagem medindo 42 metros de altura e nele está escrito tudo sobre a sua vida. mas era feito como precaução para o dia que chovesse. Existia entalhes para o escoamento de águas pluviais. Ela era uma faraó muito poderosa que uniu o alto e o baixo Egito. no Egito. Tingiam o cabelo de Rena. ou então o nome do deus a quem tinha dedicado o obelisco. Isso é uma característica do antigo império. Tinha mais de 200 pares de sapatos. Os maridos dividiam as tarefas. só tem quatro obeliscos. Eles eram altíssimos. Ela foi sucessora do seu pai. cavalos. Tomavam banho de leite para clarear a pele e a gordura era acondicionada em potes feitos de lápis lázure. que vem da palavra grega “obelos” que quer dizer coluna terminada em ponta. no meio daquele deserto. Os Obeliscos vão ser importantes no Egito. Obs: O Shampoo apareceu no Egito para a Hatsepsut que tinha um cabelo muito feio (por ser descendente de preto). 17 . da rainha HATSEPSUT. Também tem um obelisco na praça Navona.Os gregos foram estudar a iluminação dos teatros com os egípcios. A mulher realmente era muito bem conceituada na vida privada. Quando Napoleão foi ao Egito ele pegou aquele obelisco de Karnak e Luxor e levou até a praça da Concórdia. ou foram destruídos por terremotos. O faraó mandava fazer o obelisco de mandava deixar gravado o nome dele. ou afundados em solo. Eles faziam buracos nas paredes. Tem um obelisco muito bonito em Karnak. Só que lá não chovia. Nunca foi compreendido como eles foram construídos. Alguns foram levados por estrangeiros conquistadores. ou uma espécie de catapulta para erguê-lo. e com madeira para arrematar.“o sol”. sandálias. Os buracos seriam as janelas com a função de projetar o canhão de luz . Muitas vezes aparece a rainha abraçando o faraó como se estivesse protegendo-o. Tudo era muito sofisticado. Tinham sombra azul para os olhos e cajal para o contorno. Era uma rainha que tinha Silos de Cajal. etc. sem muita divisão. colocados sobrepostos sem andaime. atingindo equivalente a um prédio de 10 ou 12 andares. Os historiadores acham que construíam rampas de areia ao lado até chegar na altura. mesmo sendo faraó. Alguns maridos ela mandou matar e casou também com o filho dela. bois. 150 leitos para os seus maridos. onde aparece pela primeira vez. não tinha andaime. Existia muito pouca madeira. Tinha câmaras frigoríficas embaixo com mais de 200 animais. E durante a noite eles tem outros buracos para passar a luz da lua. na França. Eles erguiam o obelisco quando ganhavam uma guerra como se fosse um troféu. Tinham cremes feitos de leite de cabra. Viveu até mais ou menos 70 anos. Hoje em dia quase em todos os países tem obelisco do Egito. Todo o resto foi retirado. Hoje . Geralmente todos os obeliscos vão ser para comemorar algum feito político ou alguma homenagem que o faraó desejava celebrar. em cima do que eles quisessem. Teve mais de 7 maridos. O seu palácio fica no Vale das Rainhas. A água do Rio Nilo vinha canalizada e quando chegava lá estava gelada conservando assim esses animais para o futuro da vida dela.

uma nova maneira de ser. Só na antecâmara encontrou 700 peças. No Metropolitan tem uma escultura de um homem egípcio com uma argola na orelha e pendurado nela um gatinho. foi ser rei aos 9 anos de idade. a corte e a rainha foram esculpidos de forma realista. Chegou lá. Vai mudar também a arte não querendo que sigam mais a lei da frontalidade. Ele não vai ser reverenciado como um deus. era uma porta lacrada e ficou esperando naquela época por mais ou menos 18 meses por uma resposta em carta vinda de navio pois não havia avião naquela época. inscrições para a vida eterna. somente no Novo Império. sendo pintado com bengala para se apoiar. Tinha 2 estátuas de 2 metros de altura de ouro maciço. carruagens de ouro e prata. sem “endeusar” ou idealizar. Assim que ele morre tudo volta a ser como era. Até ele chegar na última sala levou 6 anos cavando e descobrindo só maravilhas e riquezas. Ele disse que deus tem que ser só um. esperto. Ele conseguiu a permissão e abriu a porta. cheiroso para eles. Ele tinha uma cabeça bem comprida. Vai querer que suas filhas. Faziam muita coisa com formato de gato porque era um animal muito forte. ele e sua esposa ficassem bem natural nas esculturas. Não vai ser um faraó muito rico por ter sido faraó por pouco tempo. Faziam muita coisa para o cabelo e usavam muito pente. Antigamente isso jamais seria feito. prata. Em 1922 Haward Carter chegou perto do Cairo e descobriu um sepulcro. Os filhos não tinham condições físicas de serem faraós. Como ele era inglês.Tinha ourives que só faziam jóias para as mulheres. bonito. Vasos de 18 . Era uma indulgência daquela época. livros dos mortos. Vai aparecer o FARAÓ AMENOFIS IV no novo Império que vai mudar completamente a religião e a arte. Então ele vai mudar o seu nome para AQUENATON (onde sufixo aton é “deus do sol”) . A NEFERTITE. Obs. Então Amenofis IV disse que para ele só um deus era supremo o “ATON”. E ele vai querer que o pintem sem idealizá-lo. Quando ele entrou na ante-sala com mais 3 britânicos e uns 20 egípcios. O homem egípcio usava brinco de argola na orelha. inclusive um rico trono de ouro. sucessor de AMINOFIS. Eles casavam muito entre parentes. O rei. Muito metal. TUTANKAMON. Vai ser a única vez que poderá ser visto isso no Egito. até então nunca visto. de cabeça comprida e eram bem magras. teve que escrever para a Inglaterra para saber se podia abri-lo ou não. Esta arte vai ser de cunho realístico que vai durar por todo o reinado dele. Ele briga com os sacerdotes porque estes estavam ganhando dinheiro vendendo fórmulas. ouro. considerada “A BELA”. A mulher dele era belíssima e se chamava NEFERTITE. para ele. Ele vai ser um revolucionário inovador que muita gente não vai gostar. vai ter seu rosto muitas vezes esculpido.: Tem um filme que conta essa história “A maldição da múmia”(?). Vai ter um refinamento de etiquetas de como se portar socialmente. O parente mais próximo vai ser Tutankamon com 9 anos e que irá morrer aos 18 anos. Aminofis teve quase todas as filhas doentes. A religião estava virando um comércio. mas como um homem. se abraçando. no colo. descobriram o maior sepulcro do século. deus do sol. São cenas domésticas. Essas cenas em outros impérios eram consideradas um desrespeito com a família real e. É a primeira tentativa do monoteísmo. o respeito era mostrar a realidade como ela era. Mostra a sua fragilidade humana. Esse túmulo dele no Vale dos Reis foi a maior descoberta arqueológica do Egito. misterioso.

Karnak e Luxor são ricas em obeliscos. a múmia e algumas coisas ficaram no Egito. Arcas repletas de roupas do tamanho de um container. Era uma época de esplendor da civilização egípcia. onde ele após morto passearia até o seu túmulo. Ele foi o último a morrer.1.2 metros. Ao lado de Karnak e Luxor tinha um grande lago. Eles faziam até oferenda de crianças e de seus próprios filhos. os sacerdotes e a família toda. magia. após ficarem também um tempo em jejum. Os dois templos mais importantes de Karnak e Luxor eram destinados aos deuses Amon e Rá e ligados entre si por uma monumental avenida. A pintura de Karnak e Luxor é o auge da pintura Egípcia. onde todos estavam trajados de branco. Os gregos vão até o Egito para aprender sobre as construções. Ele vai fazer uma avenida como uma via expressa. Karnak e Luxor tem vários templos. mas uma pesquisa séria. 90 % foram violados. perto da represa de Assuã. dependendo do que fossem fazer. Os valores morais eram outros. Ele é da época do Novo império e depois Baixa Época. Quase todos os túmulos. O estudo dos deuses do bem e do mau era feito em Karnak e Luxor. Todos da expedição morreram. Lá eles ficavam trancados sempre (com números de final 7) como 17 semanas. Muita gente começou a morrer de maneira estranha. sendo a última de ouro maciço. porque todos sabiam que tinha uma grande riqueza. É aqui que vai aparecer pela primeira vez no mundo as colunas. Haward Carter ficou muito rico e muita coisa foi para a Inglaterra. Teria mais ou menos 12 km. como uma busca ou necessidade de se saber tudo. Muita coisa de coral. Só quem podia entrar no templo de Karnak e Luxor eram os iniciados. outros de doença que mais tarde foi constatado fungo (manchas na pele que degenerava o tecido) por ter ficado 5000 anos fechado. Muitas vezes eles iam para Karnak e Luxor através do Nilo como se fosse uma imensa apoteose. na segunda sala o povo ficava do lado de fora e entravam só os iniciados e na terceira sala entravam os iniciados. Estátuas de proporções gigantescas. RAMSÉS II. turquesa. Faziam testes de mistura de sangue. Ele é um grande arquiteto e tudo o que construía era o mais alto. ou 27 semanas. 19 . eles saíam e iam se limpar nesse lago. Na primeira sala entrava o povo todo. o faraó. na lua cheia. São esculturas todas em pedra. Está no museu do Cairo. Depois de acabar toda essa reunião. Na busca de uma coisa que fosse melhor para eles. Após tomar banho no lago eles deixavam a roupa suja lá e vestiam outra roupa branca. A múmia real Tutankamon era protegido por 3 sarcófagos. é um grande faraó que vai ter uma grande autoridade imperial. e 86 esculturas de aproximadamente 2 metros de altura cada ladeando a represa com um espaço entre elas de 1.5m de alabastro. Levaram séculos para serem construídos e passava de faraó para faraó. voltando novamente para o templo para dormir e no dia seguinte sairem de lá. sucessor de Tutankamon. sexo de todas as formas. Começavam as pesquisas de sexo. Eles entravam no templo como uma procissão. a faraó. O sarcófago. como ocorria na Grécia. As colunas mais importantes do Egito são as de Karnak e Luxor. Não são bacanais. os mais importantes foram construídos por Ramsés e Amenofis.

sábio francês. mas que infelizmente morreu.. Champollion. Elas nos falam da glória de uma nação de um povo que não queria morrer.Depois da morte de Ramsés II começa a chamada Baixa Época. Depois dos persas chegam os gregos chefiados por Alexandre Magno. como na organização política e social.C. o faraó. os gregos permanecem no Egito. pois “Cristo” é um só deus. Aos poucos as formas artísticas passam a conviver cada uma com seu mundo próprio. Eles não vão aceitar nenhum outro deus. e o grego com aquele escândalo artístico. que são a grega e a egípcia. vindo da Macedônia. Aí vai aparecer o Marco Antônio. porém para “Mali”. O Egito foi a primeira nação a centralizar os poderes do Estado em uma só pessoa. esculturas que estamos costumadas a ver. No setor cirúrgico as maiores conquistas deles foram fantásticas. 20 . com toda a sua beleza. vão acabar todos os templos egípcios. Estes brigam com os gregos e com os egípcios. Eles desenvolveram a matemática. assírios e aí nunca mais durante toda a antigüidade o Egito voltará a ser uma nação tão importante e independente como era. único. até 30 A. Alexandria vai ser o encontro das culturas ocidentais e orientais. Na medicina. Não deixaram a fórmula. Tinham uma espécie de antibiótico que era quase que a penicilina nossa. elas parecem que possuem vida. à beira do Mediterrâneo. Quando o Cristianismo chega para valer no IV século. vai ocorrer no IV século da nossa era quando o Cristianismo está no auge. como por exemplo a mumificação que foram se aperfeiçoando durante milênios. quando o Egito vai ser dominado pelos persas. última dos Ptolomeus suicida-se depois de ser derrotada pelos romanos. Entre 332 A. o fim do Egito como civilização. consegue decifrar os hieróglifos e com isso ele vai permitir que a arqueologia dê um salto fantástico no século XIX. É o primeiro grego que chega a reinar o trono Egípcio. A escultura grega vai ser independente da escultura egípcia. a química. No século XIX. um mapa dos céus. Ele vai fundar. fizeram um calendário solar.C. Surge então esculturas híbridas com rosto grego e corpo egípcio. A ruptura final da tradição egípcia cultural. a cidade de Alexandria. Numa visão retrospectiva da história de civilização e da cultura que esse povo alcançou. vão quebrar quase tudo o que existia aí e na Grécia. Tudo o que eles fizeram foi para a eternidade.C. Cleópatra em 30 A. mostra o legado para o mundo futuro. a astronomia.. como essas pinturas. a Cleópatra. Hoje só ruínas restaram. tanto nas artes e nas ciências. Vão lutar com Cleópatra e ela vendo que vai perder pega uma cobra venenosa deixando-a picar e morre. É a tentativa de uma coexistência entre o estilo egípcio que é próprio. os médicos egípcios especializaram em realizar um trabalho de grande valor na descoberta de droga para dor e nas doenças.

ordem. se sentiam diferentes dos outros povos. estamos nos referindo a Grécia e Roma e nunca ao Egito. quando se fala em “antigüidade clássica” . PLATÃO (que escreveu “A República”). Vamos usar o termo “estilo clássico” quando se quer dizer de beleza. A essência do Helenismo era. PITÁGORAS (dizem que ele deu o nome de “filosofia” à filosofia). Foi nessa civilização que surgiu OMERO. FIDIAS. O grego dava muito valor ao Homem.seja pelo idioma grego que falavam. na realidade. pelos costumes ou pela religião deles. O homem é o centro de todas as coisas e do universo. As casas não tinham a menor pretensão de serem muito suntuosas. “Nada em excesso”. E é por causa disso que existem tantos deuses. Os deuses tinham que ter a forma humana. As casas não eram importantes porque eles não tinham reis e nem governantes. bem feito. Os Templos eram fantásticos e super importantes. Os deuses gregos tinham feições humanas porque a beleza estava na forma do ser humano. para protegerem as estátuas dos deuses. Tudo muito bem organizado. moderação e proporção.ARTE GREGA O termo “clássico” surgiu na Grécia. nas Acrópoles (que quer dizer acima das cidades). Os gregos glorificavam o homem como a mais importante criatura do universo. e sempre construídos em locais elevados acima das cidades. PÉRICLES e muitos outros para quem o homem era a medida para todas as coisas. Os gregos exaltavam a razão de uma forma tal que eles conseguiam superar a fé. É uma verdadeira elevação à virtude. é o lema do grego que quer ver tudo claramente. A arquitetura grega é a mais familiar de todas para nós do que qualquer outra arquitetura de qualquer época no mundo. Nenhuma outra Nação no mundo teve tão forte devoção pela liberdade e uma crença tão firme nas realizações humanas. significando “nada em excesso”. Platão falou o seguinte sobre os templos: “O templo deverá ser um ponto visto à distância e em aberto. No Egito acontecia exatamente o oposto. Por conseqüência. tanto a escultura quanto a arquitetura encarnavam os ideais de harmonia. é o que realmente vai refletir o espírito do homem ocidental. Esses templos famosos eram como se fossem esculturas para eles. social e cultural. entre todos os povos do mundo antigo. A partir do homem você constrói tudo. E. ao amor e ao prazer de ver”. O “homem” de hoje é o Grego. excelência. proporcional. 21 . SÓCRATES. Eles recusavam a se ajoelhar diante de deus porque o homem era considerado mais importante. Fizeram magníficos prédios. Os gregos dividiram a humanidade em duas partes: os “Helenos” que eram os habitantes da Grécia e os outros eram chamados de “Bárbaros”. ICTINOS. chamados “templos”. Os gregos não procuravam nem o paraíso e nem o inferno. Os antigos gregos. simplesmente e sem adornos. O grego. ARISTÓTELES.

a harmonia ideal.Ordem Jônica . As colunas sustentavam um entablamento horizontal formado por três partes: a arquitrave. também. pois os seus reis não eram deuses. Na sua constante busca da perfeição. Ele tinha que ver só beleza. As colunas e entablamento eram construídos segundo os modelos da ordem dórica. mas sobre uma base decorada. muito usado no lugar do capitel jônico. . através da arte. empresta uma idéia de solidez e imponência . para os atores.o capitel era formado com folhas de acanto e quatro espirais simétricas. O templo era construído sobre uma base de três degraus. mas seres inteligentes e justos que se dedicavam ao bem-estar do povo. Sendo a mais antiga das ordens arquitetônicas gregas. que era o caminho da virtude. ARQUITETURA As edificações que despertaram maior interesse são os templos. Na Acrópole. o artista se empolga pela vida e tenta. . exprimir suas manifestações. o friso e a cornija. essa pequena criatura que é “a medida de todas as coisas”. Nascida do sentir do povo grego. o equilíbrio. Um exemplo típico é o Teatro de Epidauro.representava a graça e o feminino. amor pela beleza. para o coro. o artista grego cria uma arte de elaboração intelectual em que predominam o ritmo. A estética vai aparecer aqui. A característica mais evidente dos templos gregos é a simetria entre o pórtico de entrada e o dos fundos. que eram construídos em lugares abertos (encosta) e que compunham de três partes: a skene ou cena. O capitel era uma almofada de pedra. jônica e coríntia. A arte grega volta-se para o gozo da vida presente. por sua simplicidade e severidade. o koilon ou arquibancada. O capitel era formado por duas espirais unidas por duas curvas. O degrau mais elevado chamava-se estilóbata e sobre ele eram erguidas as colunas. Enquanto a arte egípcia é uma arte ligada ao espírito. a ordem dórica. para os espectadores. Os principais monumentos da arquitetura grega: a) Templos. O fuste da coluna era monolítico e grosso.Ordem Dórica .era simples e maciça. na Grécia. se encontram as Cariátides homenageavam as mulheres de Cária. A coluna apresentava fuste mais delgado e não se firmava diretamente sobre o estilóbata.O Grego tinha que se maravilhar com tudo. a konistra ou orquestra. Sugere luxo e ostentação. construído. e a democracia. a arte grega liga-se à inteligência.Ordem Coríntia . dos quais o mais importante é o Partenon de Atenas. no 22 . nela se expressa o pensamento. A ordem dórica traduz a forma do homem e a ordem jônica traduz a forma da mulher. b) Teatros. interesse pelo homem. Contemplando a natureza. Eles tem como características: o racionalismo. de um modo a variar e enriquecer aquela ordem.

uma vertical para segurar enquanto corria a água e duas para levantar. servia para misturar água com o vinho (os gregos nunca bebiam vinho puro).Cratera . d) Praça . edifícios destinados à cultura física. com o peso do corpo igualmente distribuído sobre as duas pernas. em rigorosa posição frontal. No Período Arcaico os gregos começaram a esculpir. além do equilíbrio e perfeição das formas. as cores e o espaço utilizado para a ornamentação. PINTURA A pintura grega encontra-se na arte cerâmica. azeite e mantimentos. . vinho. esses vasos eram usados para armazenar. Na escultura. As estátuas adquiriram. entre eles. o movimento. IV a. As pinturas dos vasos representavam pessoas em suas atividades diárias e cenas da mitologia grega.tinha a boca muito larga. O maior pintor de figuras negras foi Exéquias.Hidra . o antropomorfismo .vasilha em forma de coração. com o corpo em forma de um sino invertido.foi insuperável. a sua forma correspondia à função para que eram destinados: . composto por 55 degraus divididos em duas ordens e calculados de acordo com uma inclinação perfeita.Ânfora . Chegava a acomodar cerca de 14..esculturas de formas humanas .000 espectadores e tornou-se famoso por sua acústica perfeita. Esse tipo de estátua é chamado Kouros (palavra grega: homem jovem). entre outras coisas. em mármores. . água. com o gargalo largo ornado com duas asas.(derivado de ydor. etc. c) Ginásios. Primeiramente aparecem esculturas simétricas. Por isso. Além de servir para rituais religiosos.séc. filosofia. ao ar livre. mas também pela harmonia entre o desenho.C. 23 . grandes figuras de homens. A pintura grega se divide em três grupos: 1) figuras negras sobre o fundo vermelho 2) figuras vermelhas sobre o fundo negro 3) figuras vermelhas sobre o fundo branco ESCULTURA A estatuária grega representa os mais altos padrões já atingidos pelo homem. água) tinha três asas.Ágora onde os gregos se reuniam para discutir os mais variados assuntos. Os vasos gregos são também conhecidos não só pelo equilíbrio de sua forma.

Lisipo. criou padrões de beleza e equilíbrio através do tamanho das estátuas que deveriam ter sete vezes e meia o tamanho da cabeça. Foi Lisipo que introduziu a proporção ideal do corpo humano com a medida de oito vezes a cabeças. Posseidon: deus das águas. . as figuras de mulher eram esculpidas sempre vestidas.Fídias.Miron.Policleto. pois no período arcaico. e Atenéia.No Período Clássico passou-se a procurar movimento nas estátuas. . se começou a usar o bronze que era mais resistente do que o mármore. celebrado pela graça das suas esculturas. Realizou toda a decoração em baixos-relevos do templo Partenon: as esculturas dos frontões. entre os gregos a lira era o instrumento nacional. As festas olímpicas serviam de base para marcar o tempo. Olimpíadas: Realizavam-se em Olímpia. pela lânguida pose em “S” (Hermes com Dionísio menino). entre outros.Praxíteles. representava os homens “tal como se vêem” e “não como são” (verdadeiros retratos). O grande desafio e a grande conquista da escultura do período helenístico foi a representação não de uma figura apenas. Entre as mais famosas: Édipo Rei de Sófocles. 24 . Teatro: Foi criada a comédia e a tragédia. . autor de Zeus Olímpico. métopas e frisos. Surge o nu feminino. Os principais mestres da escultura clássica grega são: . Período Helenístico podemos observar o crescente naturalismo: os seres humanos não eram representados apenas de acordo com a idade e a personalidade.C. podendo fixar o movimento sem se quebrar. talvez o mais famoso de todos. Afrodite: deusa do amor.homem arremessando o disco. Os primeiros jogos começaram em 776 a. em honra a Zeus.condutor da lança. autor de Doríforo . . cada 4 anos. Música: Significa a arte das musas. autor do Discóbolo . para isto. mas também segundo as emoções e o estado de espírito de um momento. Apolo: deus das artes e da beleza. mas de grupos de figuras que mantivessem a sugestão de mobilidade e fossem bonitos de todos os ângulos que pudessem ser observados. Para seu conhecimento: Mitologia: Zeus: senhor dos céus. foi o primeiro artista que esculpiu o nu feminino. Atenéia: deusa da guerra. sua obra-prima.

4) Divertimentos: a) Circo: extremamente afeito aos divertimentos. pórticos e jardins. senso de realismo. com sua planta circular fechada por uma cúpula. já com o Cristianismo. e a da greco-helenística. vias de comunicação. (de quatro a cinco mil metros) dividida em várias colunatas. o de Saturno. A basílica apresenta uma característica inconfundível: a planta retangular. 2) Comércio e civismo: Basílica A princípio destinada a operações comerciais e a atos judiciários. orientada para a expressão de um ideal de beleza.ARTE ROMANA A arte romana sofreu duas fortes influências: a da arte etrusca popular e voltada para a expressão da realidade vivida. cria um local isolado do exterior onde o povo se reunia para o culto. * energia e sentimento. as termas eram o centro social de Roma. foi concluída no Império de Otávio Augusto. 3) Higiene: Termas Constituídas de ginásio. eram centro de reuniões sociais e esportes. foi de Roma que se originou o circo. Dos jogos praticados temos: 25 . esse templo romano. Mais tarde. passou a designar uma igreja com certos privilégios. * predomínio do caráter sobre a beleza. Um dos legados culturais mais importantes que os etruscos deixaram aos romanos foi o uso do arco e da abóbada nas construções. iniciada no governo de Júlio César. * grandeza material. As mais famosas são as termas de Caracala que. para tribunal e leitura de editos. termas. o da Concórdia e o de César. construído em Roma durante o reinado do Imperador Adriano foi planejado para reunir a grande variedade de deuses existentes em todo o Império. * originais: urbanismo. As construção eram de cinco espécies. de acordo com as funções: 1) Religião: Templos Pouco se conhece deles. realçando a idéia de força. Para citar uma. a basílica servia para reuniões da bolsa. Os mais conhecidos são o templo de Júpiter Stater. piscina. ARQUITETURA As características gerais da arquitetura romana são: * busca do útil imediato. a basílica Julia. além de casas de banho. O Panteão. anfiteatro.

000 pessoas sentadas e mais de 5. Essas colunas. jogos de escravos . o mais célebre é o "Circus Maximus". b) Coluna Triunfal: a mais famosa é a coluna de Trajano. Primeiro estilo: recobrir as paredes de uma sala com uma camada de gesso pintado.executados por cavaleiros conduzidos por escravos. 5) Monumentos decorativos a) Arco de Triunfo: pórtico monumental feito em homenagem aos imperadores e generais vitoriosos. e por três andares com as ordens de colunas gregas (de baixo para cima: ordem dórica. que dava impressão de placas de mármore. ordem jônica e ordem coríntia). todo em mármore. Tinha cenários versáteis. c) Anfiteatro: o povo romano apreciava muito as lutas dos gladiadores. Portanto. na verdade eram meias colunas. ginásios . construído no Forum Romano para comemorar a tomada de Jerusalém. com seu característico friso em espiral que possui a narrativa histórica dos feitos do Imperador em baixos-relevos no fuste.000 em pé. que foram soterradas pela erupção do Vesúvio em 79 a. Assim era o Coliseu. O mais famoso deles é o arco de Tito.aquele em que havia torneios a cavalo. Externamente o edifício era ornamentado por esculturas. os verdadeiros jogos circenses romanos só surgiram pelo ano 264 a.C. b) Teatro: imitado do teatro grego. certamente o mais belo dos anfiteatros romanos. Sob a influência grega.corridas de carros. Dos circos romanos. não tinham a função de sustentar a construção. O principal teatro é o de Marcelus. que ficavam dentro dos arcos. mas apenas de ornamentá-la. Foi erguida por ordem do Senado para comemorar a vitória de Trajano sobre os dácios e os partos. 26 . Essas lutas compunham um espetáculo que podia ser apreciado de qualquer ângulo. Os estudiosos da pintura existente em Pompéia classificam a decoração das paredes internas dos edifícios em quatro estilos. Esse anfiteatro de enormes proporções chegava a acomodar 40. Pois a palavra anfiteatro significa teatro de um e de outro lado. PINTURA O Mosaico foi muito utilizado na decoração dos muros e pisos da arquitetura em geral.C. pois ficavam presas à estrutura das arcadas. jogos de Tróia . A maior parte das pinturas romanas que conhecemos hoje provém das cidades de Pompéia e Herculano.incluídos neles o pugilato. giratórios e retiráveis. 6) Moradia: Casa Era construída ao redor de um pátio chamada Atrio.jogos circenses .

eram muito diferentes dos gregos. os masaístas chegaram a resultados onde existe uma certa parte de estudo direto da natureza. formando um grande mural. no séc. Terceiro estilo: representações fiéis da realidade e valorizou a delicadeza dos pequenos detalhes. Com a invasão dos bárbaros as preocupações com as artes diminuíram e poucos monumentos foram realizados pelo Estado. Quarto estilo: um painel de fundo vermelho. como fizeram os gregos. As cores vivas e a possibilidade de colocação sobre qualquer superfície e a duração dos materiais levaram a que os mosaicos viessem a prevalecar sobre a pintura. adotando soluções de clara matriz decorativa. imitando um cenário teatral. a estatuária romana teve seu maior êxito nos retratos. tornar-se-ão essenciais para medir a ampliação das primeiras igrejas cristãs. V precisamente no ano de 476 . Era o começo da decadência do Império Romano que. MOSAICO Partidários de um profundo respeito pelo ambiente arquitetônico. 27 . mas por temperamento. Por serem realistas e práticos. suas esculturas são uma representação fiel das pessoas e não a de um ideal de beleza humana.perde o domínio do seu vasto território do Ocidente para os invasores germânicos.Segundo estilo: Os artistas começaram então a pintar painéis que criavam a ilusão de janelas abertas por onde eram vistas paisagens com animais. tendo ao centro uma pintura. Nos séculos seguintes. geralmente cópia de obra grega. Mais realista que idealista. aves e pessoas. ESCULTURA Os romanos eram grandes admiradores da arte grega. Retratavam os imperadores e os homens da sociedade.

ARTE PALEOCRISTÃ Enquanto os romanos desenvolviam uma arte colossal e espalhavam seu estilo por toda a Europa e parte da Ásia. Outra forma de simboliza-lo é o desenho do pastor com ovelhas "Jesus Cristo é o Bom Pastor" e também. muito utilizado pelos gregos e romanos.Nesses locais. por exemplo: Arca de Noé. cemitérios subterrâneos em Roma.Com o surgimento de um "novo reino" espiritual. dando início à 2a fase da arte paleocristã : a fase basilical. Esta perseguição marcou a primeira fase da arte paleocristã: a fase catacumbária. utilizando imagens do Antigo e do Novo Testamento.Surge a arte cristã primitiva. forma as iniciais da frase: "Jesus Cristo de Deus Filho Salvador". O mosaico. até que em 313 d. que recebe este nome devido às catacumbas. nos arredores de Roma. Os romanos testemunharam o nascimento de Jesus Cristo. foi o material escolhido para o revestimento interno das basílicas. pois a palavra peixe. Eram edifícios com grandes dimensões: um plano retangular de 4 a 5 mil metros quadrados com três naves separadas por colunas e uma única porta na fachada principal. Tanto os gregos como os romanos. o cordeiro "Jesus Cristo é o Cordeiro de Deus". adotavam um modelo de edifício denominado "Basílica" (origem do nome: Basileu = Juíz) . onde os primeiros cristãos secretamente celebravam seus cultos. Passagens da Bíblia também eram ali simbolizadas. os romanos cederam algumas basílicas para eles pudessem usar como local para as suas celebrações. o qual marcou uma nova era e uma nova filosofia. lugar civil destinado ao comércio e assuntos judiciais. mas também a todos aqueles que aceitaram sua condição de profeta e acreditaram nos seus princípios. Os cristãos foram perseguidos por três séculos. Ainda hoje podemos visitar as catacumbas de Santa Priscila e Santa Domitila.C. em grego ichtus. os cristãos (aqueles que seguiam os ensinamentos de Jesus Cristo) começaram a criar uma arte simples e simbólica executada por pessoas que não eram grandes artistas. Esse tratamento artístico também foi dado aos mausoléus e os sarcófagos feitos para os fiéis mais ricos eram decorados com relevos usando imagens de passagens bíblicas. Para entender melhor a simbologia: Jesus Cristo poderia estar simbolizado por um círculo ou por um peixe. o imperador Constantino legaliza o cristianismo. 28 . Jonas engolido pelo peixe e Daniel na cova dos leões. o poder romano viu-se extremamente abalado e teve início um período de perseguição não só a Jesus. a pintura é simbólica. Com o fim da perseguição aos cristãos.

476 d. tendo Roma como sua capital . o imperador Teodósio dividiu o Império Romano entre seus dois filhos: Honório e Arcádio. com a capital Constantinopla (antiga Bizâncio e atual Istambul). 29 .. Em 395 d.Honório ficou com o Império Romano do Ocidente.c. marca o fim da Idade Média e o início da Idade Moderna). principalmente de povos bárbaros.C. 1453. dos ataques bárbaros e das pestes. foi completamente dominado(esta data.. marca o fim da Idade Antiga e o início da Idade Média). o Novo e a de São Vital com riquíssimos mosaicos. apesar das dificuldades financeiras. Já o Império Romano do Oriente (onde se desenvolveu a arte bizantina).. quando a sua capital Constantinopla foi totalmente dominada pelos muçulmanos (esta data. em 476 d. e Arcádio ficou com o Império Romano do Oriente. até que. conseguiu se manter até 1453.Na cidade de Ravena pode-se apreciar o Mausoléu de Gala Placídia e a igreja de Santo Apolinário. O império Romano do Ocidente sofreu várias invasões.C.

O regime era teocrático e o imperador possuía poderes administrativos e espirituais. sentimentos de universalidade e poder absoluto. 30 . Graças a sua localização(Constantinopla) a arte bizantina sofreu influências de Roma. elas eram planejadas sobre uma base circular. cidade grega. era o representante de Deus. o mosaico bizantino em nada se assemelha aos mosaicos romanos. e. não raro encontrar um mosaico onde esteja juntamente com a esposa. Apresenta pinturas nas paredes.Plasticamente. A união de alguns elementos dessa cultura formou um estilo novo. Toda essa atração por decoração aliada a prevenção que os cristãos tinham contra a estatuária que lembrava de imediato o paganismo romano. começou a invasão dos povos bárbaros e que levou Constantino a transferir a capital do Império para Bizâncio. O mosaico é expressão máxima da arte bizantina e não se destinava apenas a enfeitar as paredes e abóbadas. sugerindo.O que se encontra restringe-se a baixos relevos acoplados à decoração.A mudança da capital foi um golpe de misericórdia para a já enfraquecida Roma.ARTE BIZANTINA O cristianismo não foi a única preocupação para o Império Romano nos primeiros séculos de nossa era. por associação à abóbada celeste. a perspectiva e o volume são ignorados e o dourado é demasiadamente utilizado devido à associação com maior bem existente na terra: o ouro.Arte Bizantina. Neles. tornando os artistas meros executores. projetada pelos arquitetos Antêmio de Tralles e Isidoro de Mileto. organizar também as artes.Tal método tornou a cúpula extremamente elevada. por exemplo. as pessoas são representadas de frente e verticalizadas para criar certa espiritualidade. octogonal ou quadrada imensas cúpulas. facilitou a formação dos Reinos Bárbaros e possibilitou o aparecimento do primeiro estilo de arte cristã . ao clero cabia. dos profetas e dos vários imperadores. colunas com capitel ricamente decorado com mosaicos e o chão de mármore polido. afasta o gosto pela forma e conseqüentemente a escultura não teve tanto destaque neste período. tanto que se convencionou representá-lo com uma auréola sobre a cabeça. mas instruir os fiéis mostrando-lhes cenas da vida de Cristo. A arquitetura das igrejas foi a que recebeu maior atenção da arte bizantina. A arte bizantina está dirigida pela religião. ladeando a Virgem Maria e o Menino Jesus. depois batizada por Constantinopla. rico tanto na técnica como na cor. A Igreja de Santa Sofia (Sofia = Sabedoria). são confeccionados com técnicas diferentes e seguem convenções que regem inclusive os afrescos. foi um dos maiores triunfos da nova técnica bizantina. Grécia e do Oriente.Por volta do século IV. criando-se prédios enormes e espaçosos totalmente decorados. além das suas funções. na hoje Istambul. ela possui uma cúpula de 55 metros apoiada em quatro arcos plenos.

durante a segunda metade do século XV e boa parte do século XVI. A arte bizantina não se extinguiu em 1453.No alto. bordada em filigrama de sombras dos candelabros suspensos. nos países eslavos. sobre um solo de mármore. a arte daquelas regiões onde ainda florescia a ortodoxia grega permaneceu dentro da arte bizantina. logo sucedeu-se um período de crise chamado de Iconoclastia.Um olhar mais atento permite ao visitante ver o trabalho requintado dos artífices bizantinos no colorido resplandecente dos mosaicos agora restaurados. capital do Império Bizantino.Porém. Embora a igreja tenha perdido a maior parte da decoração original de ouro e prata.um claro-escuro admirável quando os raios de sol penetram e iluminam o seu interior". mosaicos e afrescos.A arte bizantina teve seu grande apogeu no século VI.E essa arte extravasou em muito os limites territoriais do império. durante o reinado do Imperador Justiniano. por exemplo. penetrando. resplandece a grande cúpula. pois. 31 . a maior igreja de Constantinopla. há uma beleza natural na sua magnificência espacial e nos jogos de sombra e luz . encontra-se no seu vasto interior.Constituía na destruição de qualquer imagem santa devido ao conflito entre os imperadores e o clero. UM POUCO MAIS DE SANTA SOFIA "A verdadeira beleza de Santa Sofia. folhas de acantos envolvem o monograma de Justiniano e de sua mulher Teodora. no mármore profundamente talhado dos capitéis das colunas das naves laterais.

o profeta Maomé se exilou (hégira) na cidade de Yatrib e para aquela que desde então se conhece como Medina (Madinat al-Nabi. cidade do profeta). e os esplêndidos tapetes persas. esmola. De lá. com um pátio voltado para o sul e duas galerias com teto de palha e colunas de tronco de palmeira. mausoléus e mosteiros. Pérsia. e a Grande Mesquita de Damasco. A área de oração era coberta. Contudo. que desempenham duas funções: lembrar o verbo divino e alegrar a vista. ARQUITETURA As mesquitas (locais de oração) foram construídas entre os séculos VI e VIII. No entanto. Ásia Menor. sucessores do profeta. Foi assim que as cúpulas bizantinas coroaram suas mesquitas. seguindo o modelo da casa de Maomé em Medina: uma planta quadrangular. persistiu a 32 . as decoraram. A casa de Maomé era local de reuniões para oração. conceitual e religiosa. A representação figurativa era considerada uma má imitação de uma realidade fugaz e fictícia. concentrando-se no geométrico e abstrato. no início. eles realizavam suas obras para a comunidade de acordo com os preceitos muçulmanos: oração. Síria. No âmbito sagrado evitou-se a arte figurativa. começou a rápida expansão do Islã até a Palestina. como exclusividade das classes altas e dos príncipes mecenas. jejum e peregrinação. Essas funções foram herdadas por mesquitas e alguns edifícios públicos. inevitavelmente devem ter absorvido traços estilísticos dos povos conquistados. hospital e refúgio para os mais pobres. resultado da combinação de traços ornamentais com caligrafia. centro político.ARTE ISLÂMICA No ano de 622. mais simbólico do que transcendental. As letras lavradas na parede lembram o neófito. a arte islâmica foi na realidade. a arte islâmica se mostra. Na complexidade de sua análise. a arquitetura sagrada não manteve a simplicidade e a rusticidade dos materiais da casa do profeta. enquanto no pátio estavam as fontes para as abluções. No entanto. em Jerusalém. Aparentemente sensual. na função de governantes e guardiães do povo e conscientes da importância da religião como base para a organização política e social. Ao fazer isso. no Iraque. combinados com os coloridos mosaicos. que eram os únicos economicamente capazes de construir mesquitas. sendo exemplo disso as obras dos primeiros califas: Basora e Kufa. Índia. que no entanto souberam adaptar muito bem ao seu modo de pensar e sentir. Daí o emprego de formas como os arabescos. a Cúpula da Roca. Norte da África e Espanha. De origem nômade. transformandoos em seus próprios sinais de identidade. os muçulmanos demoraram certo tempo para estabelecer-se definitivamente e assentar as bases de uma estética própria com a qual se identificassem. que contempla uma obra feita para deus. sob a orientação dos califas. desde seu início.

e os geométricos. A construção de palácios. De planta quadrangular e cercado de muralhas sólidas. as sedas. de motivos florais. 33 . enquanto o segundo controlava sua realização. já que o muçulmano. Exemplo disso é o Alhambra. além de cumprir uma função fundamental nas mesquitas. semelhantes àquelas na forma. A Giralda. As oficinas mais importantes foram as de Shiraz. À medida que foram se tornando sedentários. que permite cobrir o quadrado com um círculo. no Ocidente. as escolas de teologia. Para começar. o palácio tinha aspecto de fortaleza. Os mais valiosos são de origem persa e têm 40 000 nós por decímetro quadrado. embora se comunicasse com a mesquita por meio de pátios e jardins. pensados como um microcosmo e constituíam o hábitat privativo do governante. O geômetra era tão importante quanto o arquiteto. ao rezar. mas nem sempre conservaram sua forma. Outra das construções mais originais e representativas do Islã foi o minarete. Outras construções representativas foram os mausoléus ou monumentos funerários. era ele quem realmente projetava o edifício. A cúpula de pendentes. em Sevilha. castelos e demais edifícios públicos merece um capítulo à parte. Diferentemente da tecedura dos tecidos. Entre os desenhos mais clássicos estão os de utensílios. semelhantes às mesquitas na forma e destinados a santos e mártires. no Oriente. brocados e tapetes passaram a decorar palácios e castelos. Na realidade. e Palermo. TAPETES Os tapetes e tecidos desde sempre tiveram um papel muito importante na cultura e na religião islâmicas. Os fabricados antes do século XVI chamam-se arcaicos e possuem uma trama de 80 000 nós por metro quadrado. As mesquitas transferiram depois parte de suas funções aos edifícios públicos: por exemplo. não deve ficar em contato com a terra. como povo nômade. foi um dos sistemas mais utilizados na construção de mesquitas. Seus palácios eram planejados num estilo semelhante. O aposento mais importante era o diwan ou sala do trono. de decoração. esses eram os únicos materiais utilizados para decorar o interior das tendas. uma espécie de torre cilíndrica ou octogonal situada no exterior da mesquita a uma altura significativa.preocupação com a preservação de certas formas geométricas. Tabriz e Isfahan. embora não tenha existido um modelo comum. As residências dos emires constituíram uma arquitetura de segunda classe em relação às mesquitas. de caça. era o antigo minarete da cidade. como o quadrado e o cubo. convidando-os à oração. em Granada. As numerosas variações locais mantiveram a distribuição dos ambientes. a do tapete constitui uma unidade em si mesma. com animais e plantas. para que a voz do almuadem ou muezim pudesse chegar até todos os fiéis.

com fundo dourado e ausência de perspectiva. para acompanhar a narração. mas sim nas publicações de divulgação científica. até se transformarem em folhas e flores misturadas com letras desenhadas artisticamente. mais utilizada a partir do século XII e que atingiu o esplendor na Espanha. A mesma função desempenhava a cerâmica. calculados com base na simbologia numérica islâmica. Elas eram geralmente usadas para decorar paredes de palácios ou de edifícios públicos e representavam cenas de caça e da vida cotidiana da corte. junto com a cerâmica. para ilustrar livros religiosos. tornando-se uma das disciplinas mais importantes na decoração de mesquitas e palácios. O Corão era decorado com figuras geométricas muito precisas. combinando com a decoração de gesso das cúpulas. onde foram criadas peças de uso cotidiano. Caligrafias de incrível preciosidade e formas geométricas multiplicadas até o infinito criaram superfícies de verdadeiro horror ao espaço vazio. semelhantes às antigas. No início. 34 . as representações eram completamente figurativas. para tornar mais claro o texto. mas paulatinamente foram se abstraindo. Das primeiras. e nas literárias. Estreitamente ligada à pintura. Assim. Ela foi herdada de Bizâncio e da Pérsia antiga. O estilo era um tanto estático. complexos desenhos multicoloridos. muito parecido com o das miniaturas bizantinas. o que é conhecido como arabesco. separando um capítulo de outro. sofresse uma grande influência indiana. embora. bizantina e inclusive chinesa.PINTURA E GRÁFICA As obras de pintura islâmica são representadas por afrescos e miniaturas. Seu estilo era semelhante ao da pintura helênica. como no cristianismo. segundo o lugar. muito poucas chegaram até nossos dias em bom estado de conservação. cobriam as paredes internas e externas dos edifícios. encontra-se a arte dos mosaicistas. esquematizado. A miniatura não foi usada. por exemplo. a fim de marcar a organização do texto.

35 . * pilares maciços que sustentavam e das paredes espessas. o terreno cedeu. com a tomada de Roma pelos povos bárbaros. A igreja como representante de Deus na Terra. As características mais significativas da arquitetura românica são: * abóbadas em substituição ao telhado das basílicas. A concepção de mundo dominada pela figura de Deus proposto pelo cristianismo é chamada de teocentrismo (teos = Deus). trazendo modificações no comportamento humano. não apresenta formas pesadas. Daí serem chamadas: fortalezas de Deus. que aparecem no cruzamento das naves ou na fachada. A primeira coisa que chama a atenção nas igrejas românicas é o seu tamanho. é um estilo essencialmente clerical. estilizadas e duras dessas igrejas é o fato da arte românica não ser fruto do gosto refinado da nobreza nem das idéias desenvolvidas nos centros urbanos. tem início o período histórico conhecido por Idade Média. e * arcos que são formados por 180 graus. ARQUITETURA No final dos séculos XI e XII. com o passar do tempo. assim a ser encarada como uma extensão do serviço divino e uma oferenda à divindade. tinha poderes ilimitados. Deus é o centro do universo e a medida de todas as coisas. Na Idade Média a arte tem suas raízes na época conhecida como Paleocristã. Elas são sempre grandes e sólidas. A explicação mais aceita para as formas volumosas.174. * torres. duras e primitivas. na Europa. A arte desse período passa. com o Cristianismo a arte se voltou para a valorização do espírito. Os valores da religião cristã vão impregnar todos os aspectos da vida medieval. diferente do resto da Europa. surge a arte românica cuja a estrutura era semelhante às construções dos antigos romanos. Na Itália. Trata-se da Torre de Pisa que se inclinou porque.ARTE ROMÂNICA Em 476. A mais famosa é a Catedral de Pisa sendo o edifício mais conhecido do seu conjunto o campanário que começou a ser construído em 1. * aberturas raras e estreitas usadas como janelas.

isto é.PINTURA E ESCULTURA Numa época em que poucas pessoas sabiam ler. Não podemos estudá-las desassociadas da arquitetura. é sempre maior do que as outras que o cercam. Usado desde a Antigüidade. Na porta. MOSAICO A técnica da decoração com mosaico. para representar o próprio céu. 36 . a área mais ocupada pelas esculturas era o tímpano. curtas ou alongadas. através da técnica do afresco. Imitação de formas rudes. A pintura românica desenvolveu-se sobretudo nas grandes decorações murais. A deformação. a Igreja recorria à pintura e à escultura para narrar histórias bíblicas ou comunicar valores religiosos aos fiéis. que colocadas lado a lado vão formando o desenho. Os motivos usados pelos pintores eram de natureza religiosa. traduz os sentimentos religiosos e a interpretação mística que os artistas faziam da realidade. é originária do Oriente onde a técnica bizantina utilizava o azul e dourado. conheceu seu auge na época do românico. ausência de movimentos naturais. nome que recebe a parede semicircular que fica logo abaixo dos arcos que arrematam o vão superior da porta. por exemplo. pois não havia a menor intenção de imitar a natureza. pequeninas pedras. O colorismo realizou-se no emprego de cores chapadas. na verdade. As características essenciais da pintura românica foram a deformação e o colorismo. A figura de Cristo. sem preocupação com meios tons ou jogos de luz e sombra. de vários formatos e cores. que originalmente era uma técnica de pintar sobre a parede úmida.

A idade Média é a época do Gótico. O gótico. A cidade de Chartres nasceu com as pessoas que foram chegando e morando ao redor da catedral. as cidades começam a nascer ao seu redor devido ao número grande de pessoas que trabalham na construção. Inglês. Português. Tanto a Catedral Gótica quanto o Templo Grego tem uma arquitetura fantástica. mas já começaram a aparecer as primeiras mudanças que conduziram a uma revolução profunda na arte de projetar e construir grandes edifícios. CARACTERÍSTICAS DO ESTILO ROMÂNICO: As paredes são grossas Na frente da Catedral românica tem rosáceas (foi quando começou a surgir as rosáceas) Tem vitrais Não tem frontão 37 . entre os anos 1150 e 1500. O peso das paredes cedem o lugar aos vitrais. Em 1840 ao redor da Catedral de Notre Dame existia muitas casas medievais que foram retiradas ao seu redor para que ela fosse vista melhor de longe. O Gótico Francês é bem diferente do Gótico Italiano. é como uma gaiola de vidro e de pedras. O templo grego é só para ser visto. enquanto que os templos gregos horizontais. a arquitetura predominante ainda é a românica. A Catedral Gótica é para o homem rezar dentro. Ao ser construída a Catedral Gótica.: A Basílica da Catedral é renascentista. No começo do século XII. A catedral Gótica é muito grande e não dá para abrangê-la com um só olhar. Para ver a Catedral de Notre Dame devemos começar a vê-la de frente. para o lado direito e por último atravessar o rio Sena pela ponte para vêla do outro lado No século XII. dando leveza à construção. O Renascimento classifica de “bárbaros” os Góticos. até o fundo. É quase que uma visão cubista. Espanhol. que leva de 200 a 300 anos. em seu esplendor. Isso faz com que o centro da vida social se desloque do campo para a cidade e apareça a burguesia urbana. As Catedrais Góticas vão ser verticais. Vai surgir uma coisa fantástica na Idade Média que são as Catedrais Góticas. indo depois para o lado esquerdo. A arte Gótica vai nascer com as cidades. tem início uma economia fundamentada no comércio. Obs. A forma de vê-la é fragmentada.ARTE GÓTICA O termo Gótico vem da palavra GODOS que vem de Bárbaros. Ele são muito diferentes entre si. A Catedral vai ser vertical que é para “levar” você para o céu.

alongamento exagerado das formas. A rosácea é um elemento arquitetônico muito característico do estilo gótico e está presente em quase todas as igrejas construídas entre os séculos XII e XIV. O desenvolvimento de tal genero está ligado à difusão dos livros ilustrados patrimônio quase exclusivo dos mosteiros: no clima de fervor cultural que caracteriza a arte gótica. O Gótico que é do ano de 1100 DC. Outros elementos característicos da arquitetura gótica são os arcos góticos ou ogivais e os vitrais coloridíssimos que filtram a luminosidade para o interior da igreja. As catedrais góticas mais conhecidas são: Catedral de Notre Dame de Paris e a Catedral de Notre Dame de Chartres. a igreja românica apresenta um único portal. e as feições são caracterizadas de formas a que o fiel possa reconhecer facilmente a personagem representada. ou então é um privilégio da quase mítica China). somente na Europa. Enquanto.. projetando-se na direção do céu. de modo geral. exercendo a função de ilustrar os ensinamentos propostos pela igreja. os manuscritos também eram encomendados por 38 . tudo se volta para o alto.CARACTERÍSTICAS DO ESTILO GÓTICO: Tem que ter rosácea Contraforte (é o que segura a Catedral) Arcobotante Gárgulas Janelas vitrais (muitos vitrais) O vitral é fundamental pois vai surgir quando eles descobrem uma técnica de colocar o vidro no meio da parede de pedra não prejudicando a sustentação do prédio. a crença na existência de um Deus que vive num plano superior. como se vê nas pontas agulhadas das torres de algumas igrejas góticas. não vai existir na América. ESCULTURA As esculturas estão ligadas à arquitetura e se alongam para o alto. ILUMINURA Iluminura é a ilustração sobre o pergaminho de livros manuscritos (a gravura não fora ainda inventada. demonstrando verticalidade. Nessa época as Américas não tinham sido descobertas. A arquitetura expressa a grandiosidade. ARQUITETURA A primeira diferença que notamos entre a igreja gótica e a românica é a fachada. a igreja gótica tem três portais que dão acesso à três naves do interior da igreja: a nave central e as duas naves laterais.

que seus trabalhos acabaram influenciando outros pintores. * Jan Van Eyck ..particulares. a arte ganhou forma de expressão também nos objetos preciosos e nos ricos manuscritos ilustrados. 39 . os títulos ou as letras maiúsculas com que se iniciava um texto. Sua principal particularidade foi a procura o realismo na representação dos seres que compunham as obras pintadas. com o olhar voltado para cima. pois destinava-se aos poucos possuidores das obras copiadas. Durante o século XII e até o século XV.procurava registrar nas suas pinturas os aspectos da vida urbana e da sociedade de sua época. PINTURA A pintura gótica desenvolveu-se nos séculos XII. a segunda é que os artistas ilustradores do período gótico tornaram-se tão habilidosos na representação do espaço tridimensional e na compreensão analítica de uma cena. Obras destacadas: O Casal Arnolfini e Nossa Senhora do Chanceler Rolin. procurando mostrar os detalhes e as paisagens. XIV e no início do século XV. que vai cada vez mais se firmando até ganhar plenitude no Renascimento. deixavam espaços para que os artistas fizessem as ilustrações. os cabeçalhos. Obras destacadas: Afrescos da Igreja de São Francisco de Assis (Itália) e Retiro de São Joaquim entre os Pastores.a característica principal do seu trabalho foi a identificação da figura dos santos com seres humanos de aparência bem comum. Da observação dos manuscritos ilustrados podemos tirar duas conclusões: a primeira é a compreensão do caráter individualista que a arte da ilustração ganhava. em direção ao plano celeste. apresentava personagens de corpos pouco volumosos. ocupando sempre posição de destaque na pintura. Os copistas dedicavam-se à transcrição dos textos sobre as páginas. Ao realizar essa tarefa. cobertos por muita roupa. quase sempre tratando de temas religiosos. Nota-se em suas pinturas um cuidado com a perspectiva. É precisamente por esta razão que os grandes livros litúrgicos (a Bíblia e os Evangelhos) eram ilustrados pelos iluministas góticos em formatos manejáveis. Assim. aristocratas e burgueses. Os principais artistas na pintura gótica são os verdadeiros precursores da pintura do Renascimento (Duocento): * Giotto . E esses santos com ar de homem comum eram o ser mais importante das cenas que pintava. a pintura de Giotto vem ao encontro de uma visão humanista do mundo. quando começou a ganhar novas características que prenunciam o Renascimento.

Expressão é uma coisa impressa. Auge do Egito (esfinge. nada a ver com civilização.C.C. Tinham que escrever muitas cópias para fazerem uma divulgação. Emancipação: O trabalhador passa pela primeira vez a ser assalariado. já que era muito complicado escrever. praticamente sem organização social. APOGEU ----------------------------------------------------------------------------------------------------------40. que passa a ser muito mais valorizado. Vai sair do regime feudal da Idade Média.000 A. Quando todo mundo tinha uma civilização super organizada na Europa e o homem descobre outro mundo com pessoas primitivas.C.C. A frase acima significa que tudo tem limites. pirâmide) Grécia Clássica ou de Péricles -Construção do Parthenon na Acrópoles Roma Gótico Renascimento 40 D. Com o advindo da imprensa. Renascimento é expansão. a 1100 D. Expressão: É a invenção da imprensa por Gutemberg. 1 A. 40 . Era muito trabalhoso. 1400 a 1600 D. No regime feudal existia a troca de serviços e mercadorias. através da imprensa que Gutemberg criou e que permite mandar a informação para o mundo inteiro.C. expressão e emancipação.pai do renascimento.Shakespeare. facilitando a divulgação e o trabalho. É lógico que a visão do mundo e da arte foi modificada. Expressão implica consciência daquilo que é expresso. É o começo do renascimento quando o homem descobre que tem de ser ousado. com a linguagem muito diferente. Anteriormente as coisas eram mais faladas do que escritas.C. QUEM OUSAR MAIS DO QUE ISSO NÃO O É” Lord Macbeth . a máquina vai fazer milhares de cópias.RENASCIMENTO “OUSO TUDO QUE UM HOMEM PODE OUSAR. Teria o mesmo significado da descoberta da existência de um planeta habitado. Passa a ter mais consciência da importância de seu trabalho.C.C. sem roupa. Auge da Pré-história 3500 a 2500 A. mas respeitando os limites. Shakespeare . O Renascimento ocorre entre 1400 e 1600 D. 350 A. Expansão: É quando o homem descobre a América.

O homem passa a ser o centro de todas as coisas e não mais “deus”. Mas. anatomia. é único. que surge a arte de todos os pintores do mundo. As pessoas morriam de frio e dormiam mal com as casas de madeira. Todas as invenções e criações eram feitas em função daquela Igreja. Viviam muito em função da Igreja. várias línguas. Surge da Idade Média onde o homem não tinha nenhum valor. O renascimento vai criar uma “nova concepção do homem”. recomeçar. É neste momento que surge o conceito do individualismo. etc. O “homem” renasce. homens que conhecem tudo profundamente e que jamais serão especialistas. renascer. Platão vai ser muito importante para eles. estagnada. A escultura e pintura nós conhecemos desde a Grécia.. A ciência liga-se à técnica e à arte. mas as pinturas dos pintores famosos que encontramos nos museus começaremos a conhecer a partir daqui. Essa busca do conhecimento das leis da natureza. de uma disposição de espírito.C. é para melhor aproveitá-la às necessidades do homem. É um renascer em cima da Grécia Antiga. É no Renascimento. Até agora a natureza não era valorizada. mas posso conversar com ele. nada impede que essa criação de Deus seja feita à serviço da humanidade. Durante a Idade Média “Deus” era poderoso e distante. Não é o saber pelo saber pela essência como na antiga Grécia. na Alemanha). da mesma forma que os gregos faziam. Depois se alastrou por toda Europa Ocidental dominando o mundo completamente entre 1400 a 1600 D. que surgirá no futuro. será uma escola que fará o trabalho em cima do Renascimento (1929. Quando construíam uma Catedral Gótica ficavam 200 anos ao redor daquela Catedral para a sua construção. Renascimento é o resultado de um impulso universal. O Renascimento começou em Florença. A medida que a natureza se transforma em uma coisa digna de ser usada. O “especialista” é o homem do século XX. Tudo isso pode assistido no filme “O nome da Rosa”. “Deus” existe. é o saber para poder usufruí-la melhor. O homem tinha horror à natureza pois viviam muito mal. porque estão baseados na cultura Grega. O homem tem que entender de literatura. como ela reage. da vontade de mudar a humanidade. Vai procurar saber sobre a natureza. ela passa a ser valorizada. do homem possuidor de direitos inalienáveis. que perdura até hoje. Vai mudar muito a relação do homem com a natureza. da antigüidade. As construções eram demoradas porque não tinham uma tecnologia desenvolvida. O mundo passa a ser encarado criação de “Deus”. A Idade Média estava muito parada. A BAUHAUSS.Renascimento é um renovar. Vão aparecer os “Humanistas”. As cidades pegavam fogo. É uma necessidade de uma mudança de ver e sentir. No Renascimento a ciência liga-se às técnicas e às artes. na Itália. Não inventavam e não criavam nada. 41 . Não impede que Deus sirva à humanidade. período muito forte. renova-se e religa-se. pois as casas eram feitas de madeira. No Renascimento.

Até o Renascimento as pessoas não pintavam nada naturalista. A arte idealizada é aquela que nós vimos na Grécia. As pessoas posavam. Ninguém fazia quadro para ser pendurado em casa. o quadro “Adão” que está na Capela Sixtina. sem nenhuma vergonha do seu corpo nu e Deus está apontando com o dedo quase à sua imagem e semelhança. E vão estudar uma série de coisas que até agora não tinham estudado. A natureza era uma coisa muito nefasta. pintado por Michelangelo. Era uma arte totalmente sacra. Esta obra é o momento em que Deus aponta para o homem que está deitado no chão. onde ela deixa de ser natural ao copiar o corpo humano e aperfeiçoá-lo. XX). Era uma história montada. aparecendo as represas. Passam a pintar a natureza nos quadros porque vão valorizá-la e adequar-se à ela. Para Mali. Vão estudar o vento dando o surgimento dos moinhos de vento. no final) A arte passa a ser naturalista. mas o estilo é renascentista. Vão estudar a água. sem movimento e vestidos completamente. eles percebem que a natureza pode ajudar muito. Não existia o natural por que a Igreja não permitia.Em locais muito ensolarados as pessoas morriam de calor. As figuras dos santos eram postas uma do lado da outra para que o povo. A arte era feita de uma forma que a leitura fosse muito acessível. pudesse reconhecê-los facilmente. Eles não vão imitar os antigos. A arte verdadeira. As pessoas não sabiam ler. o qual se ergue perante Deus. Em Estética da Arte: a arte pode ser idealizada ou verdadeira (em meados séc. mas complementá-los. apresentando depois uma queda e voltando a aparecer em finais do século XX. Essa pintura não podia existir na Idade Média. De repente. no Renascimento. Os santos eram duros. Vão se basear nas melhores idéias dos antigos. As esculturas das igrejas eram um protótipo do que seriam os “santos”. 42 . é o símbolo do Renascimento. É um renovar em cima da Antigüidade. Homens importantes do Renascimento: Giotto Michelangelo Leonardo da Vinci Raphael Ticciano Tintoretto Dante Alighieri Botticelli Colombo Gutemberg Vasco da Gama Bosch William Shakespeare (por volta de 1600. sem imitá-la. quando vão desenhar o corpo realmente como ele é. o que existia de melhor. vai surgir por volta do século XX. ao chegar à Igreja.

Dante Alighieri se refere ao Giotto na “Divina Comédia” como o “meu amigo pintor Giotto”. No século XV Florença lançou as bases da pintura Européia dos cinco séculos seguintes. A pintura ainda era bizantina. do olhar. mas comparada com o que existia anteriormente na Idade Média era muito mais expressiva e solta. um pouquinho idealizada. com essa peste. ainda poderá parecer uma pintura dura. A peste matou quase todos os banqueiros. Giotto é que vai receber pela primeira vez na História da Arte o nome “Pintor”. a crise financeira foi muito forte. Giotto foi o primeiro artista dentro da História da Arte que aparece sendo chamado como “PINTOR”. Pouco a pouco tornaram-se “senhores de Florença”. Leonardo da Vinci e outros. O estilo que chamamos de Sienês (de Siena) chegou até o século VX (1400) e custou muito a aceitar o estilo renascentista. Ao redor de 1394 a peste negra acabou com quase toda a população Toscana (Florença é na região de Toscana). Em “off”: Dizem que ele era “super pão-duro”.Começaram a perceber que o homem podia pintar a natureza tal qual ela se apresenta. é importante comparar as pinturas Pré-renascentistas. Os arquitetos. Ninguém fazia isso. Eram homens ricos que gostavam de beleza e vão investir em arte. da Idade Média e Renascentistas. Um dos banqueiros mais importantes era o “Bardi”. A cidade de Pádua é a que oferece as melhores obras de Giotto para serem vistas. dentre todas as artes do ocidente. as massas em pouquíssimo tempo controlaram o poder em Florença. são grandes acadêmicos que fazem a arte exatamente igual a natureza. Os pintores até então eram considerados como alfaiates. Começa aí a pintura acadêmica que nos referimos. Até hoje pintamos baseados no Renascimento. pão. os escultores já tinham criado um novo estilo depois do gótico. Em 1400 o poder voltou de novo aos banqueiros e desta vez. O aspecto mais importante era o pintor conseguisse pintar fielmente a figura real. os “Médicis” eram os mais importantes. As condições para o aprimoramento na arte já estavam criadas. 43 . mas a pintura não. que pintou muito À FRESCO em busca de um realismo. Giotto consegue pintar expressando os sentimentos através dos gestos. que até então não faziam. As cidades onde as primeiras pinturas “acadêmicas” vão aparecer serão Siena e Florença. que ao ir a bancarrota. É uma profissão que sobe de nível na hierarquia social. até então (entre 1400 e 1500). As soluções da pintura foram amadurecendo aos poucos. Um desses importantes pintores é GIOTTO. marceneiros. Florença era uma cidade muito rica e. vinho ou fruta. Giotto foi contemporâneo do grande poeta Dante Alighieri que escreveu “A Divina Comédia”. Ele conseguiu iniciar um novo capítulo na História da Arte se impondo na profissão de pintor e sendo respeitado por isso. foi a que mais demorou para se afastar dos moldes antigos (bizantinos) da Idade Média. Quando dava uma festa ele pedia que o convidado levasse uma ave. Pré Renascimento: A pintura. Para nós hoje. No Museu Metropolitam.

a luz “condicionados ao momento”. abria um grande atelier. vai apresentá-lo a seu filho. mas que vendia bem. porque foram os inventores da pintura à óleo. Raphael vai ser aprendiz do Perugino. mas na verdade eles descobriram que um padre italiano tinha descoberto a fórmula da tinta mas que estava faltando um aglutinante. Essa Cúpula é anterior ao ano de 1500. Quando ele aparece. Obs. A cúpula do Pantheon tinha muita sustentação. Até então se pintava à fresco. Quase todos os dicionários falam que eles foram os inventores da pintura à óleo. e suas obras podem ser vistas hoje nos Museus. A arquitetura Renascentista: BRUNELESCHI. Por ser pintor estimulou o filho a ser pintor também. a pintura Flamenga Renascentista foi muito importante. Michelângelo vai se basear na Cúpula de Brunelleschi para fazer a Basílica de São Pedro. o belíssimo “Domus”. O Médicis compraram muita obra do pai de Raphael. Giovani de Santi que era muito amigo do grande pintor Perugino. A pintura com tinta a óleo era fantástica por permitir ao pintor que pudesse corrigir os erros. etc. Eles pintavam o ar. na Itália. Os irmãos VAN EYKES vão descobrir esse aglutinante que era “o óleo de amêndoas”. a Cúpula da Catedral de Florença não tinha sido construída. em Roma. 44 . Os italianos vão copiar a fórmula.Os irmãos VAN EYKES pertencem à pintura FLAMENGA (de Flandres que é hoje a Bélgica). Os irmãos Van EYKES descobrem que a luz também é muito importante. A pintura flamenga vai reinar em Florença. Itália. que se chamava Giovani de Santi. escultor. É bom lembrar que junto com o Renascimento. : Raphael está enterrado no Pantheon. O resto do mundo vai copiar essa Cúpula de Brunelleschi. Pintavam em paredes ou em madeiras para poderem transportar. Foi o iniciador da arquitetura da renascença que vai permanecer por mais 500 anos. Eles estão enterrados em Brujes. RAPHAEL DE SANTI nasceu em 1483 e morreu em 1520. Volta para Florença onde vai ficar muito rico. Escola Renascentista funcionava assim: Todo grande pintor. Até 1900 vai ser usada essa Cúpula. um dos maiores arquitetos de todos os tempos. O pai de Raphael era um medíocre pintor. quando bolou a grande Cúpula da Catedral de Florença que vai ficar para o resto da vida. arquiteto. Nasceu na cidade de Urbino. Ele foi para Roma estudar estudar o Pantheon antigo. Eles romperam com tudo. Ele era ambicioso e queria ser muito conhecido. Uma região com paz e prosperidade. encáustica. era quase Gótica e Brunelleschi vai simplificar essa estrutura criando um novo eixo. muito badalado na época. Eles pintavam admiravelmente bem. Na realidade eles só aprimoraram a fórmula.

Aos 18 anos vai para Florença e começa a receber fama por pintar muito bem e rápido. O aprendiz comprava as tintas. ele vai receber muita ajuda dos amigos do pai e de Perugino. Fazia o chassis. Raphael chegou em Florença na época em que Leonardo da Vinci e Michelângelo estavam na cidade. bissexual (não se sabe ao certo). Era muito rápido. Essa técnica de ensino vai ser retomada na BAUHAUSS mais tarde. tendo que morar com seus tios maternos. Rubens tinha 150 ajudantes. simpático. Raphael vai saber descobrir seu estilo. Quando você entra na Capela Sixtina você vai passar por vários quartos. Como o pai era um homem muito querido. ele vai pintar os quartos. badalado. Começou a pintar as “madonas” que são muito especiais. Raphael disse que iria aprender com esses pintores. comida. Viveu como um príncipe. Quando Raphael chegou lá. na Capela Sixtina. carismático. Depois disso iria aprender a desenhar. em 1504. Raphael vai ser muito querido. começava-se primeiro como se fosse um “office boy”. rico. tornando-se muito popular rapidamente. até hoje. Em 1509 Raphael foi de Florença para Roma. Aos 21 anos já estava famoso. cordial. em uma sexta-feira Santa. podia optar pela escultura ou pintura. O Papa Júlio II é o mesmo que encomendou para Michelângelo. Os grandes artistas podiam aprender uma técnica nova. a qual nunca foi feita. Raphael foi perfeito no desenho e na composição. a pedido do Papa Júlio II. Os aprendizes pintavam quase toda a obra. Ele era um homem muito bonito. mas já tinham o seu próprio estilo. no dia de seu aniversário. “A Virgem Maria” vai ser adotada por muitos anos depois. Entre 1508 e 1509 era a época em que Michelângelo estava pintando a Capela Sixtina. Não são míticas. Ela vai ser um clássico de Raphael. Ela passa uma certa sensualidade. Raphael com 10 anos perdeu sua mãe e o pai vai morrer quando ele tinha 14 anos. apesar de serem humanas e meio sensuais. 45 . carinhoso. após sua morte. Quando chegava a fazer os desenhos com perfeição. pois tinham recebido uma encomenda para pintar a “Câmara dos Vereadores”.Quando uma pessoa ia estudar com o grande pintor ou escultor. criativo e responsável. Vai ser muito rodeado por artistas. famoso. As “madonas” são belezas idealizadas em cima da Grécia. com exceção dos rostos que era sempre “Mestre” que terminava. Depois passava por um estágio de uns 3 meses onde ele aprendia a montar as telas. Eram chamados também de lojas. apesar de já ser um grande pintor. Os outros alunos de Perugino só vão conseguir copiá-lo. Dizem que o papa fez dele um Cardeal. como se fosse um empregado. Morreu jovem aos 37 anos. salas que são chamadas de “STANZI”. Vai pintar com mais de 50 ajudantes. Com isso ele ficou famoso por pintar pela primeira vez “madonas” tão lindas. a Capela Sixtina. meigo. quase todos pintados por Raphael. Ele tinha o quadro mais perfeito em composição de todo o Renascimento.

sua generosidade e seu espírito brilhante não eram inferiores à beleza de sua pessoa. brinquedos com corda. precursor da aviação. escultor. porcas e pintor. Existe em seu túmulo uma frase muito bonita em latim: “Aqui jaz Raphael: quando vivia a natureza temia por ele ser vencida.” LEONARDO DA VINCI nasceu em 1452 e morreu em 1519 . escreveu muito sobre Leonardo: “Seu encanto. Leonardo da Vinci era considerado em seu tempo uma obra prima da natureza. As rotas da Europa para o Oriente foram fechadas. ponte-pêncil. lâmina de barbear (ele tinha uma barba muito cerrada). pára-quedas. em tudo o que se referia também ao espetáculo. fazendo ele próprio o acompanhamento na lira que ele havia inventado e com isso deliciava a corte inteira. Leonardo da Vinci. 46 . Além do talento. Era do signo de Áries. Dizem que sua beleza abriu muito as portas para ele. Leonardo da Vinci. botânico. químico. Ele era o árbitro em todas as questões que diziam respeito a elegância. Leonardo cantava e também escrevia muito bem poesias. Vassari vai ser o Historiador dos Pintores. Com isso termina a Idade Média. Quando ele morreu foi uma aflição para todos os seus amigos. Tem um outro grande escritor que se chama GARDIANO e que escreveu o seguinte sobre Leonardo: “Ele era tão excepcional e tão ricamente dotado que a natureza parecia ter logrado um milagre em sua pessoa.90 m de altura e era provavelmente bissexual. Agora que está morto. a Itália não era essa Itália de hoje. mecânico. mas também serviu de obstáculo. urbanista. cansada de esperar ele pintar. tinha 1. inventor do escafandro. uma perfeita obra de arte. em Roma. mas também entre outros dotes numerosos de que a natureza o havia provido e que ele se valia com a perfeita maestria. Era uma Itália calma e tinha acabado o Império Bizantino. da balística. Não apenas por causa de sua beleza física. engenheiro. despertando muita inveja das pessoas. Tudo o que existia do Oriente na Grécia passa a não existir mais por muito tempo. Quando ele tinha 16 anos. O seu pai disse que já que ele tinha nascido com esse dom ele deveria estudar mais. Os turcos tinham conquistado Constantinopla. isqueiro. Vai pintar por 5 anos a Monalisa. Obs: Leonardo da Vinci foi modelo de “David” para o Verocchio. Cantava admiravelmente bem.” Obs. físico. que era enorme. Leonardo da Vinci vai estudar com Verocchio. tem o “Leonardo da Vinci” que está pintando a Monalisa enquanto ela balança o pé. da hidráulica. ela própria teme morrer. já desenhava e pintava muito bem. e em particular. que era esposa de um comerciante amigo dele. na cidade de Florença. O grande escritor George Vassari. aos 67 anos. Leonardo tinha muitas vantagens ao ser tão bem dotado. matemático.Raphael está enterrado no Pantheon .: No Epcot Center. Quando Leonardo da Vinci nasceu. geólogo. Verocchio foi um grande pintor. Ele era arquiteto. Era um homem muito vaidoso. “ Segundo Gardiano.

47 . Muitas pessoas o elogiavam por ser filósofo. ele tinha um pouco de medo de escrever de forma muito legível. quiosques. Leonardo da Vinci consegue ser o Mestre da pintura com apenas 8 telas. outros apreciavam a sua presença. As pessoas posavam para ele e ele também tinha muitos auxiliares. segundo os historiadores. Leonardo elaborou projetos que levaram séculos para serem aprovados como a asa delta. As duas grandes pinturas que ficaram mais conhecidas foram a “Monalisa” (Gioconda) e a mais reproduzida no mundo todo que é a “Última Ceia”. Se a inquisição soubesse disso. Leonardo dissecou mais de 30 cadáveres. Tudo o que ele fazia e criava. Antes do Renascimento não se falava em “tons”. Não foi feito porque cobrava muito caro o que ele fazia. vias elevadas. Ele fez um projeto urbanista fantástico para a cidade de Milão. desenhava tudo dentro das regras do renascimento. que está no Vaticano. Com sua cultura universal. Obs. Ele queria saber mais e saber por que as coisas existiam. enquanto tocava esse órgão. mas em cores. mas era muito pouco para Leonardo. escultura. Apenas essas 8 obras foram cientificamente comprovadas em sua autenticidade. Ele era canhoto e escrevia da direita para a esquerda. Leonardo da Vinci pintava com requinte. etc. Tinha uma mente extremamente cientista. está inacabada. Muita informação do que se sabe são relatos de seus alunos que o adoravam e escreviam tudo sobre ele. eles o matariam. Leonardo da Vinci era também um músico. deixando muitas obras inacabadas. o helicóptero. Ele queria saber por exemplo quantos tons de vermelho ele podia fazer. Com Verocchio ele aprendeu tudo na pintura. Inventou um órgão movido à água.: A conceito de “tom” só aparece no Renascimento após a invenção da tinta à óleo pelos irmãos Van Eykes. O ideal de Leonardo da Vinci era atingir a verdade por experiências objetivas. com calçadões. A “Adoração dos Reis Magos “. Os seus escritos só poderiam ser lidos através de um espelho. O que significava uma antecipação da teoria de Copérnico que diz que “a Terra é que gira ao redor do Sol”. As outras pinturas existentes não possuem essa certeza. era desenhado. Em todos os escritos aparece sempre um dizer “o sol não se move”. tudo perfeito. Pintou a Monalisa. do século XX.Vassari fala o seguinte: Leonardo tinha um ar tão imponente que só de vê-lo a tristeza desaparecia. Ele queria estudar anatomia para poder pintar melhor. Só que muitas vezes ele não terminava a obra porque tinha muitos outros projetos na cabeça. fazia muitos esboços. por suas descobertas serem um pouco avançadas para a época. que pode ser visto ainda no Museu do Vaticano. Quase foi preso por causa disso. artista. cientista. Os historiadores acham que. o escafandro. Ele começava a fazer uma coisa e depois parava para fazer outra.

Levou 3 anos para ser feita. Fazia também muitas outras experiências. você é que vai terminar a obra. Quando você olha o lado esquerdo. Esse estudo era para ele saber passar aquele “espanto” e todas as expressões somente através dos gestos. Leonardo da Vinci pintou sozinho. As duas são de Leonardo da Vinci. etc. A OBRA GIOCONDA: A Monalisa é como se fosse um ser vivo. O horizonte do lado esquerdo parece estar mais baixo que o direito. Uma hora ela parece sorrir. de dúvida. os vegetais. Ele é ainda muito pesquisado pois estava muito à frente de sua época. uma se encontra no Louvre e outra na National Galery de Londres. ele falava que os rochedos tinham alma. Não está muito claro porque Leonardo da Vinci foi viver os últimos anos de sua vida no Castelo na cidade de Amboise. onde a única pessoa que está calma é Jesus. Na obra “Virgem dos Rochedos”. Cada um dos apóstolos tem uma expressão muito forte. outra hora parece estar triste. ele estava doente e com dificuldade de articulação nas mãos (quase todos os pintores tem problemas de articulação). Existem duas obras da “Virgem do Rochedo”. O rei francês Francisco I admirava muito Leonardo da Vinci. não terminada. Tudo que é natureza tem alma. Saía no temporal para ver como aconteciam os relâmpagos. ele não vai terminar nem os olhos e nem a boca. onde ele vai usar muito claro-escuro. portanto uma obra em aberto. sem contorno definido. em Clos Lucé. o que é proposital para dar o movimento aos ombros. como o metal. Antes de pintar essa obra. Ele pediu que o seu auxiliar a terminasse. Os cantos dos olhos e da boca são esfumaçados. já em 1500 D. Se for bem observada a obra. A obra “Última Ceia” tem 9 metros de largura por 4. Durante séculos as pessoas ficaram se questionando qual era a verdadeira. . O fundo do quadro é completamente impressionista. de altura. Leonardo da Vinci descobre a técnica do “SFUMATO”. que parece estar mais solto. Ela tem um sorriso muito enigmático. mais ereto do que o ombro do lado direito. Anima é alma. No final de sua vida. Leonardo começou a pintar quando foi chamado para ir à Milão e teve que interrompê-la.20 m. parecendo sobrenatural. Tem uma intenção muito dramática.C. 48 .Uma de suas obras muito importante é “A Virgem dos Rochedos”. A obra que se encontra em Londres. inclusive a Monalisa. Leonardo falava que tudo para ele tinha alma. o ombro parece estar mais alto. “Jesus” vai estar no centro do quadro.. Leonardo leva consigo quase todas as suas obras. por ser Renascentista. a linha de fundo da direita está em diferente altura da linha da esquerda. Leonardo da Vinci estudou muito como os surdos e mudos se comunicam através dos gestos. Descobriram que a obra que está no Louvre. Ela parece mudar toda vez que você a olha. isto é. O rei Francisco I vai sempre visitá-lo. Dentro de suas pesquisas tudo é baseado no animismo. de pergunta. Freud estudou muito sobre Leonardo da Vinci. O que é Sfumato? É coisa indistinta. indignação. Começou a pintar cada vez menos. A cena é sobre Jesus que estava falando: “Um entre vós me trairás”.

No dia 2 de Maio o Rei Francisco I vai visitá-lo ao saber que ele não estava passando bem. Inventou máquinas hidráulicas para limpeza e drenagem de rios e canais. na física. Ganhou muito dinheiro com desenho de canhões. Obras autênticas de Leonardo da Vinci: Monalisa. No campo da física ele trabalhou muito sobre a dinâmica e baseou seus estudos na leitura de Aristóteles. estudos e anotações de Leonardo da Vinci. Ele ficou com 1200 desenhos e que isso era a terça parte da produção de Leonardo. Inventou máquinas de afiar. Deitado na cama. carros de combate. em Londres. São João Batista. Dizem que ele tinha caso com Leonardo da Vinci. National Gallery de Washington. Quer ficar isolado. Ele foi um grande projetista militar. “Código de Atlantis”. com várias pessoas ao seu redor. A partir do vôo dos pássaros. Leningrado ( ex-Rússia). etc. nem dos seus alunos. no Louvre. São Jerônimo. inacabado. barcos para a guerra. e assim enunciou 2 teoremas fantásticos sobre a geometria. Louvre (Paris) e National Gallery de Londres. Já fizeram até galinheiro nesse refeitório. no Louvre Madona Benois. helicóptero e pára-quedas. vários desenhos de como ele fazia a geometria (explicando tudo o que aprendeu de geometria através de suas pesquisas). Virgem dos Rochedos. Leonardo recebe o rei (jovem) que ao se aproximar dele e sustentando a sua cabeça em seus braços. Entre esses desenhos que ele deixou para Francisco Melzi tem o “Código de Urbino”. determinou os princípios para a construção de um aparelho mais pesado que o ar e capaz de voar aproveitando a força do vento: asa-delta.Ele fala que não quer receber visita de ninguém. na Inglaterra. Sant’Ana. no Louvre em Paris Esboço de “Sant’Ana e a Virgem” que é um desenho que está no National Gallery. planador. está em um refeitório de uma Igreja em Milão. Adoração dos Magos. perfuratrizes. sobre a transformação de sólidos. É um afresco que está muito deteriorado. 49 . Ele tem um discípulo chamado Francisco Melzi que herdou de Leonardo quase todos os desenhos. Estudava qual a melhor forma de abordar um barco grande através de um pequeno. Esta está muito ruim pois Leonardo da Vinci não se preocupou com o tipo de tinta que usou. os efeitos do atrito e sobre as condições de equilíbrio num campo inclinado. Inventou o compasso de proporção. está no Museu de Hermitage.: Muitos desenhos de Leonardo da Vinci podem ser encontrados no Castelo de Windsor. Fechou os olhos e morreu. está no Museu de Vaticano. no Louvre (ao lado da Monalisa) Anunciação. sobre a formulação de teorias sobre o centro de gravidade dos sólidos. Eles eram muito amigos. metralhadoras.80 m (+/-) A Última Ceia. sendo usado depois para elaborar a obra “Monalisa”. (deve ter 1. Obs. Leonardo vai dizer-lhe que não reconhecia honra maior do que morrer nos braços de um rei. Maria e o Menino Jesus. Estudou.

Resolve. aos 89 anos. Ele não ficou muito satisfeito com o que aprendeu. certinha). Dalí dizia que o grande “Papa” do surrealismo era Bosch. dissecar também para conhecer melhor e se aprofundar mais na figura humana. hipocondríaco. As obras que escaparam foram para a Espanha. ninguém sabe ao certo. incrível como escultor. 50 . Essa seita dizia que o homem tinha que fazer todos os pecados na Terra para ganhar o Céu. feia e religiosa. pintura. pois foge completamente do estilo da arte Renascentista. Ele nasceu na época do Renascimento. enfim. MICHELÂNGELO Nasceu em 1475 e morreu no dia 6 de março. não tanto como Leonardo da Vinci que dissecou 33 cadáveres. Foi escultor insuperável. onde vai representar todos os pecados capitais: vaidade. em 1564. ira. preguiça. Vai revolucionar no campo da pintura com a obra que faz para a “Capela Sixtina”. sobre uma mesa redonda. escultura. mas se ele nasceu em 1516 ele morreu em 1566. levadas pelo Rei Felipe II. Com isso todo mundo queria se afiliar à Seita Adamita. Bosch cria a SEITA ADAMITA : “os irmãos dos espíritos livres”. da mesma forma como todos os pintores faziam na escola renascentista.HYERONYMUS BOSCH Nasceu entre 1450 ou 1516. luxúria. avareza. Só se sabe que ele nasceu onde seria hoje a Holanda (a cidade tinha o nome Bosch) e viveu 66 anos.C. grande pintor da época. Os três são considerados os maiores artistas do Renascimento. O seu trabalho na pintura. Outra obra importante é a pintura do “Jardim das Delícias”. escultura e poesia é considerado do mesmo nível dos trabalhos de Leonardo da Vinci e Raphael. Resolve estudar as esculturas gregas da antigüidade da coleção dos Médicis (os mecenas). É uma pintura sobre “o céu e o inferno”. Casou-se com uma órfã muito rica. um gênio. mas é considerado um grande Surrealista. toda feita com incrustação em pedra. inveja. masoquista. Ele já tinha uma idéia bem diferente de arte. As suas obras só vão ser destruídas pelos protestantes por volta de 1600 D. pois não gostava da arte renascentista (toda centralizada. Ele estava a 400 anos adiantados para sua época. Ele foi estudar com o grande mestre “Domênico Ghirlandaio”. Era filho e neto de pintores. A inquisição não o impediu porque os Reis o protegeram. descobre ter uma afinidade muito grande com a Grécia e que ele era escultor da “figura humana”.. Se Bosch nasceu em 1450 ele deve ter morrido em 1516. gula. Michelângelo era neurastênico. Uma dessas obras é a famosa “Os Sete Pecados Capitais”. Ele era 23 anos mais jovem que Leonardo da Vinci e viveu mais 45 anos após a sua morte. Tinha uma inesgotável capacidade criadora. Era também um grande poeta. Muitas de suas obras foram destruídas pelos protestantes em 1629. Vai aprender todas as técnicas do ofício em desenho. Quando ele começa a estudá-las. um dos maiores pintores e desenhistas de todos os tempos. muito surrealista e muito simbolista. A sua pintura era muito diferenciada e misteriosa. homossexual.

na casa dos Médicis. De outra forma. filósofos e dramaturgos gregos e também sobre os grandes mestres. O “Papa” vai chamá-lo novamente em Roma e pede à Michelângelo que pinte uma Capela para 51 . vão ser muito fortes em sua pintura. baixo. na região de Florença. e o pai não admitia que o filho fosse artista. Michelângelo pediu para ir até a cidade de Carrara (cidade dos mármores) porque iria fazer o túmulo todo em mármore. Essa paixão. Ao voltar o “Papa” fala que não vai mais querer que faça o túmulo. Leonardo da Vinci também fez uma descrição comentando sobre esse episódio. No fundo. Aos 30 anos já era conhecido como um dos grandes mestres da escultura. Não conseguiu se relacionar com ninguém por não se aceitar como era. Com isso vai fazer esculturas e pinturas belíssimas de seres humanos para compensar a sua feiura. Foi um estigma muito grande para um homem que gostava muito de beleza. reclamava e ia a fundo com tudo) e solitário. Estudou muito sobre Platão. participando muito dos “Saraus Culturais” onde conversava sobre filosofia. não saberíamos o que eles iriam fazer. Existe uma cópia em Florença feita por Michelângelo. Foi aí que a cidade de Florença convidou Michelângelo e Leonardo da Vinci para pintarem o grande painel na Câmara dos Vereadores. Ele era tão bom ou talvez melhor do que os escultores gregos como Fídias (que fez o Parthenon) e Praxiteles. que vai ficar quebrado e torto para o resto de sua vida. Michelângelo insistiu tanto que conseguiu estudar arte. o Papa Júlio II pede à ele que fizesse o maior túmulo do mundo para quando ele morresse. narigudo e muito triste. Ao estudar com os Médicis. Sócrates. Era um homem passional (brigava. ele era um romântico. Sugestão: Assistir ao filme “Michelângelo” que tem nas locadoras de vídeo. estética. Michelângelo recebe um soco no nariz. Sófocles. etc. Vai ficar em Carrara para escolher as peças de mármore (estudando os veios) por mais ou menos 11 meses. Michelângelo tinha um amigo chamado Torrigliani. Sua uma família era aristocrática. Vai pintar e esculpir com perfeição. Michelângelo fica muito desgostoso e decide não voltar mais à Roma. ter um nariz torto e ficando muito feio. Michelângelo era um homem feio. fica muito amigo da família. O pai de Michelângelo vai intervir pedindo ao “Papa” que fizesse alguma coisa para ajudar o seu filho que estava muito desmotivado. Quando Michelângelo chegou em Roma. Vai ser um grande mestre da figura humana. Infelizmente a obra nunca foi executada porque Leonardo da Vinci foi chamado em Milão fazer o projeto ‘’urbanístico” que não deu certo e Michelângelo foi chamado pelo Papa Júlio II em Roma para trabalhar lá. que foram grandes escultores do classicismo. da pintura que ele ia executar com Leonardo da Vinci. temperamental e dizia que não tinha paciência com a mediocridade alheia.De repente a figura humana não tinha mais segredo para ele. que estudava junto com ele. Ao se envolver em uma briga com esse seu amigo. conseguindo recriá-la. Teve um pai bastante violento. esse traço violento. Tinha um temperamento muito irrequieto.

mas que durante o trabalho vai brigar com todos eles ficando sozinho para continuar. E. Ele pintava as moças com corpo de homem. Essa obra vai ficar incompleta. pelos grandes pintores Boticelli. Era o que tinha sobrado de parede sem pintura. O esforço físico para ele fazer a obra era incrível. o Papa vai pedir de novo para ele fazer o túmulo. pelo grande artista que era. 52 . alternando isso com Sibilas (são as moças muito bonitas que ele faz). Michelângelo vai pintá-la já de uma forma bem diferente da pintura que fez no teto da Capela. O papa pede que ele pinte o teto e o fundo da Capela. É como se fosse “tromp’oleil”. Michelângelo brigava muito com o “Papa” e seu pai vai pedir à ele que tivesse muita paciência com o seu filho. volta com o mármore e começa a fazer a figura de Moisés. em nicho. escrevendo. nas paredes laterais. etc. que em sua homenagem recebeu o nome “Capela Sixtina”. Pintou todas essas figuras de homens e mulheres como se fossem pessoas comuns e não “santos”. discutindo. É uma forma quase expressionista de pintar. com músculos desenvolvidos e cabeça de mulher. São episódios que vão desde a criação do homem. Fazia o desenho no chão e depois subia nos andaimes para desenhar tudo novamente lá em cima e pintar. Pegava outro bloco e começava outra obra. É praticamente impossível um ser humano fazer o que ele fez em apenas 4 anos. Vai ser encontrada muita obra incompleta dele nos Museus do Louvre. A Capela Sixtina já era decorada. Ele fez muitas outras obras incompletas porque. O “Juízo Final” é uma visão terrível do fim do mundo. Vai colocar imagens de profetas. dos dois lados. Você vai observar “Cristo” irado e “Nossa Senhora” se escondendo atrás Dele. não tendo coragem de eliminá-lo. Essa Capela tinha sido mandada fazer pelo papa “Sixto IV”. Vai pintar no teto da Capela Sixtina. conversando. os “doze apóstolos”. etc. Essa obra foi iniciada em 1508 e terminada em 1512. Galeria Ufizi (em Florença). baseados no Antigo Testamento. Tentaram saber se era alegoria o que ele pintava porque ele fugia muito da história que existia na Bíblia. Ele deitava e passava dias assim. vai parar a obra para não estragar a natureza. Quando ele termina Moisés o Papa Júlio II morre e o túmulo não fica terminado. em diversas atitudes. Michelângelo aceita pintar somente o teto. Guirlandaio e Perugino.ele. Teve muitos ajudantes. Chegaram à conclusão que criava muita coisa apenas para preencher o espaço vazio que existia. Ele não conhecia muito bem o corpo feminino. lendo. como se fosse a própria arquitetura. Trinta anos após terminar o teto da Capela Sixtina. Ao terminá-la. tinha pena de estragar o mármore da obra que estava esculpindo quando encontrava um veio bonito. Michelângelo respondeu: ”Mas eu sou escultor e não pintor”. deixando o observador na dúvida. ele volta para pintar o fundo da Capela com a obra “O Juízo Final”. Michelângelo vai então à Carrara. o dilúvio e a embriaguez de Noé.

: Todas as esculturas do lado de fora da Basílica foram feitas pelo Bernini. 53 . Era considerado. Sua grande obra. A “Pietà” se encontra embaixo dessa Cúpula (onde tem uma clarabóia). e uma obra que está na Galeria de Ufizi em Florença. Chamavam-no de “Divino”. Obs. na época do Barroco. em vida. distorcendo um pouco as formas. Ele só fez a pintura da Capela Sixtina. já um grande mestre. o resto da Basílica é de estilo Barroco. as figuras da pintura de Michelângelo na Capela Sixtina foram todas vestidas a pedido dele. Michelângelo era muito religioso e apesar dele cobrar muito caro o seu trabalho vai fazer esse projeto sem cobrar um tostão. vai ser a grande Cúpula na Basílica de São Pedro. O final de sua vida ele vai ser muito expressionista. são completamente expressionistas. Somente a Cúpula será de estilo Renascentista.O teto da Capela é feito em estilo mais acadêmico e o fundo dela de um estilo mais expressionista. que ocupou toda a sua velhice. algumas esculturas. Depois em 1559. As outras “Pietà”. Disse que essa obra ele a fez “À Serviço de Deus porque era um presente dele para Deus e de Deus para ele”. A primeira escultura “Pietà”. Entre 1555 e 1559 no Pontificado de Paulo IV. pediram para tirar as roupas novamente. vai fazer com menos de 25 anos. e esta foi executada por outros. que era um Papa muito chato. Ele desenhou e projetou a Cúpula.

· Guirlandas de frutas e flores. essa arte acabaria cultivada em todas as grandes cidades européias. produzem uma atmosfera de rara singularidade. arquitetos e escultores são impelidos a deixar Roma com destino a outras cidades. Carlos V. típicas do renascimento clássico. ARQUITETURA A arquitetura maneirista dá prioridade à construção de igrejas de plano longitudinal. é que o maneirismo é uma conseqüência de um renascimento clássico que entra em decadência. sem dúvida. propriamente dito. iluminadas apenas de ângulos diferentes. Caracóis. 54 . desenvolve-se em Roma. Uma de suas fontes principais de inspiração é o espírito religioso reinante na Europa nesse momento. balaustradas povoadas de figuras caprichosas são a decoração mais característica desse estilo. enquanto outros preferem vê-lo como um estilo. Uma evidente tendência para a estilização exagerada e um capricho nos detalhes começa a ser sua marca. deixando de lado as de plano centralizado. Reinam a desolação e a incerteza. do ano de 1520 até por volta de 1610. Os artistas se vêem obrigados a partir em busca de elementos que lhes permitam renovar e desenvolver todas as habilidades e técnicas adquiridas durante o renascimento. mas toda a Europa estava dividida após a Reforma de Lutero. que são. saqueia e destrói Roma. Alguns historiadores o consideram uma transição entre o renascimento e o barroco. em italiano. No entanto. coros com escadas em espiral. Os grandes impérios começam a se formar. espirais e proporções estranhas. Mais adiante. mas também na distribuição da luz e na decoração. conchas e volutas cobrem muros e altares. porém. Não só a Igreja. pode-se dizer que as verdadeiras mudanças que este novo estilo introduz refletem-se não somente na construção em si. O certo. a marca inconfundível do estilo maneirista. com espaços mais longos do que largos. significa maneira). Valendo-se dos mesmos elementos do renascimento. e o homem já não é a principal e única medida do universo.MANEIRISMO Paralelamente ao renascimento clássico. mas agora com um espírito totalmente diferente. Principais características: Nas igrejas: · Naves escuras. criam uma arte de labirintos. depois de derrotar as tropas do sumo pontífice. extrapolando assim as rígidas linhas dos cânones clássicos. que na maior parte das vezes não levam a lugar nenhum. Pintores. com a cúpula principal sobre o transepto. lembrando uma exuberante selva de pedra que confunde a vista. um movimento artístico afastado conscientemente do modelo da antiguidade clássica: o maneirismo (maniera.

Seu interesse pela arquitetura o levou a estudar os tratados de Alberti e Brunelleschi. Somente dez anos depois iria se dedicar à arquitetura sacra em Veneza. o palácio dos Mantova. Autor de vários projetos arquitetônicos por toda a Itália. mais do que marcar a transição entre duas épocas. a villa na Porta del Popolo. a fonte da Piazza della Signoria. com a construção das igrejas San Giorgio Maggiore e Il Redentore. na qual. A obra de Palladio foi uma referência obrigatória para os arquitetos ingleses e franceses do barroco. Passou os últimos dias de sua vida em Florença.Nos ricos palácios e casas de campo: · Formas convexas que permitem o contraste entre luz e sombra prevalecem sobre o quadrado disciplinado do renascimento. De acordo com os preceitos dos jesuítas. Sob a proteção de Aretino. Vasari também trabalhou em colaboração com Michelangelo em Roma. GIORGIO VASARI. PALLADIO. sem deixar de fazer comentários mal-intencionados e elogios exagerados. 55 . (1511-1592). tais como: a construção do túmulo do conde de Montefeltro. é um dos mais importantes desse período. além de fazer um resumo da arte renascentista. na década de 30. expressa a necessidade de renovação. mas muito interessante sobre os grandes artistas da época. no entanto. · A decoração de interiores ricamente adornada e os afrescos das abóbadas coroam esse caprichoso e refinado estilo. reduzido a uma expressão mínima. Não se pode dizer que Palladio tenha sido um arquiteto tipicamente maneirista. Vasari é conhecido por sua obra literária Le Vite (As Vidas). legou a eles todos os seus bens. Principais Artistas: BARTOLOMEO AMMANATI . conseguiu realizar uma de suas únicas obras significativas: os afrescos do palácio Cornaro. que proibiam o nu nas obras de arte. com base nos quais planejou uma cidade ideal. publicadas em 1550. cujo caráter é rigorosamente clássico e no qual a clareza de linhas e a harmonia das proporções preponderam sobre o decorativo. dedicado à arquitetura. apresenta um relato às vezes pouco fiel. (1508-1580). (1511-1574). fizeram tanto sucesso que se seguiram várias edições. que. O interesse que tinha pelas teorias de Vitrúvio se reflete na totalidade de sua obra arquitetônica. Suas biografias.

de um drapeado minucioso e cores brilhantes. com quem realizou algumas obras. procurando deformar uma realidade que já não os satisfaz e tentando revalorizar a arte pela própria arte. Na verdade. em Cândia. encontrá-lo. De acordo com documentos existentes. afastados dos cânones renascentistas. no ano de 1567 emigrou para Veneza. O Sonho de Filipe II e O Martírio de São Maurício. onde começou a trabalhar no ateliê de Ticiano. Entre suas obras mais importantes estão O Enterro do Conde de Orgaz. · A luz se detém sobre objetos e figuras. produzindo sombras inadmissíveis. (1541-1614). a meio caminho entre o retrato e a espiritualidade mística. · Rostos melancólicos e misteriosos surgem entre as vestes. São os pintores da segunda década do século XV que. onde trabalhou praticamente com exclusividade para a corte de Filipe II. · mas em algum ponto da arquitetura. criam esse novo estilo. para os conventos locais e para a nobreza toledana. Ao fundir as formas iconográficas bizantinas com o desenho e o colorido da pintura veneziana e a religiosidade espanhola. Principais características : · Composição em que uma multidão de figuras se comprime em espaços arquitetônicos reduzidos. Depois de alguns anos de permanência em Madri ele se estabeleceu na cidade de Toledo. onde o olho atento deve. sua obra não foi totalmente compreendida por seus contemporâneos. Esta última lhe custou a expulsão da corte. · Os verdadeiros protagonistas do quadro já não se posicionam no centro da perspectiva. · Nos corpos. não sem certa dificuldade. completamente irreais. as formas esguias e alongadas substituem os membros bem-torneados do renascimento. 56 . Principal Artista: EL GRECO.PINTURA É na pintura que o espírito maneirista se manifesta em primeiro lugar. acredita-se que começou como pintor de ícones no convento de Santa Catarina. O resultado é a formação de planos paralelos. Nascido em Creta. Homem com a Mão no Peito. Os músculos fazem agora contorsões absolutamente impróprias para os seres humanos. e uma atmosfera de tensão permanente.

uma audaciosa mistura de estilos. do homem primitivo. Caravaggio. um obelisco egípcio. Ela é também descentralizada. É muito movimentada e dinâmica. A arquitetura pintada vai ser muito usada. religiosos. O Barroco apela muito para sensações. O dourado e o espelho também vão ser muito importantes no Barroco. ansioso. A cenografia é muito forte. o "Rei Sol". A Piazza Navona. no centro. A pintura Barroca é muito teatral. Estilos da época do Barroco: Igreja . dão a impressão de levar ao infinito. Barroco é fazer a arte dos jardins. Surgiu bem no auge do Renascimento que era muito racional. Temos a música e o teatro Barroco. emoções. No Barroco vai haver uma fusão de diferentes estilos da arte. 57 . Começou em Roma e espalhou-se por toda a Europa indo depois para a América. O Barroco é mais que um estilo de arquitetura. Ex.catedral Palácio da cidade Palácio do campo Vai surgir nessa época a preocupação com o urbanismo. A arte Barroca não pode ser chamada de arte do absolutismo porque ela não é só do absolutismo. é gosto também. ficando muito bem na América do Sul. Vai ser o estilo do Barroco. Os católicos tinham uma preocupação maior com o esplendor mundano. na Itália. Vamos ver muitos efeitos luminosos como os de: Rubens. Procuram fazer as ruas de forma a irem todas de encontro com a Igreja. "Eu sou o Poder". para os sentidos. mais que uma pintura. Não era assim no Renascimento. Ela tem esculturas Barrocas e. bem comportado. Essa pintura é chamada de TROMP'OLEIL (engana olho). etc. Em todos os países as igrejas vão ter salões pintados com cenas arquitetônicas que levam ao infinito. mais do que com a fé religiosa. O jardim é fundamental. encarar a arte. O Barroco surgiu para combater a reforma religiosa. econômicos e sociais. O Barroco atingiu o auge com Luís XIV na França. Vai aparecer no mundo todo. Ex. Como estilo ele é ambíguo. Vão pegar um pouco do renascimento. Versailles é o protótipo do jardim à francesa. pintura de uma cortina na parede que não existe. Você olha e pensa que está vendo uma coisa que na realidade não existe. No Barroco a escada é muito importante porque elas dão movimento. A composição Barroca tem sempre linhas inclinadas. Tem também muita água e muita luz. É uma atitude de encarar a vida. É um movimento muito forte. Jardins à francesa.BARROCO O Barroco é um estilo muito ligado a acontecimentos históricos. A luz é fundamental (contrastes da luz). Velásquez. As Igrejas Barrocas tem sempre escadarias. novidade. Vai mostrar o espírito da contra reforma e reforma que vai acontecer na igreja católica. enfim. Ele é movimento. Central. fantasias. ou melhor.

A igreja Barroca de Ouro Preto já faz parte do dia-a-dia da sua vida. Esse movimento desenvolveu-se rapidamente e esses homens resolveram que era muito importante criar um novo estilo de pintura para trazer de volta os fiéis que tinham abandonado a igreja. Quando se entra em uma igreja Barroca você sente aquela sensação intimista. Sendo assim. A escultura Barroca é dinâmica e a Gótica estática. O nome Barroco vem do nome Barrueco. Eles seguem uma disciplina muito rígida. mas é muito ambíguo. o dourado. é muito grandiosa. Vai começar aparecer esse nome em Roma. um grupo de homens piedosos (católicos) fundaram a congregação do oratório que iam purificar a igreja. Renascentista também não. pois inquisição já existia. O Mosteiro de São Bento em Olinda onde você vê as palmeiras é aconchegante e lembra cenas de casa. Ela é afetiva e puxa você para ela. Tinham muita disciplina e conseguiram trazer os hereges de volta. Central e Sul.O Barroco não é clássico. fez parte do classicismo. Uma obra Barroca é fantástica com seus contrastes de luz (claro. escuro). que significa pérola torta. ela tem muito coisa próxima a você. Esses homens é que vão se converter mais tarde e fazer a inquisição. Isso acontece em Roma. A Igreja Gótica. Nunca poderíamos ter uma catedral gótica porque em 1100 o Brasil não tinha nem sido descoberto. ela iria trazer de volta os fiéis. sua obridade e autoridade apelarando para um caráter afetivo e grandioso no estilo. muito militar. grandioso e envolvente. mas nunca poderia ser sua. A igreja tinha que se renovar. como a Notre Dame de Paris. que mostrar sua supremacia. barroco e depois expressionista Tiepolo No pontificado do Leão X (tem seu retrato pintado por Rafael). porque aconteceu em 1400. A arte Barroca é afetiva e grandiosa. A igreja e o estilo Barroco vem junto para as Américas: do Norte. escadas (subidas e descidas).começa acadêmico. 58 . Artistas mais importantes do Barroco: Caravaggio Rubens (tinha 150 ajudantes em sua oficina de arte) Rembrandt Velásquez Cannaletto Jeorges de La Tour (pintor francês que usava muito a vela como recurso do claro-escuro) Jean Vermeer (holandês) Van Dick Vateaux Reinolds (inglês) Thomás Garburn (inglês) Goya (teve uma fase Barrôca). Os jesuítas se tornaram uma arma eficaz para a igreja católica conseguindo trazer muitos fiéis de volta. O Barroco é afetuoso. Os jesuítas irão depois para a América do Sul e levarão o Barroco para lá. com suas fontes. Vai aparecer também a ordem dos jesuítas em 1540 (Ignácio de Loyola). podendo fazer parte do seu ser. Não é fria e nunca deixa você distante. No Brasil só existe o estilo Barroco. É tão grandiosa que pertence a humanidade.

os quais foram incapazes de manter a unidade do país (França). jardim pavilhão de caça. etc. ou ainda .Temos uma ligação muito forte com o Barroco de Lisboa. Ele se torna um pouco cansativo por pintar muito os canais de Veneza. A época clássica da arte francesa é a época de Luís XIV. Ele sempre dizia "o poder sou eu". Como eles não tinham distração procuravam fazer espetáculos através do estilo barroco. A época de Luís XIV é fantástica onde aparecerão apenas 2 grandes pintores: Nicolas Poussin Claude Lorrain Nessa época a vida era totalmente subordinada ao fausto e a majestade dele. BARROCO NA FRANÇA O Barroco foi um movimento muito forte na época de Luís XIV. Ele modelou a civilização francesa à sua imagem. O Barroco é a busca da fé pela emoção dos sentidos. morrendo em 1715. A arte vai então tender para o espetáculo. Barroco na França está muito ligado a ARISTOCRACIA. A arquitetura era feita de tijolos e pedras. ou para obras influenciadas pela antigüidade. para depois trazer a capital da França de Paris para Versailles. 59 . Ao se aplicar o termo "clássico" ao estilo Luís XIV. Escolheu um lugar. O século XVII vai conhecer o seu apogeu com o Luís XIV. Na época do Henrique IV. escultores e pintores do século XVIII. Vai ser muito fiel à sociedade de sua época pintando os carnavais. o grande canal e toda a panorâmica de Veneza. Daí com a chegada de Henrique IV. Vai pintar o Palácio dos Dodges. Existia uma concentração de poder muito grande com Luís XIV. Sóbria é uma obra clássica. Luís XIV ficou conhecido no mundo inteiro até hoje através de Versailles. As casas são só de tijolinhos. vai ter todos esses significados e mais a emoção do Barroco. o Deus sou Eu". O termo "clássico" é usado para obras que suportam a passagem do tempo. ele terminou com as lutas. É em Minas Gerais que ocorre o Barroco mais forte no Brasil. de Roma. Ele era totalmente absolutista. Ficou muito conhecido pelos turistas que queriam levar retratos de Veneza. e na Itália está ligado a IGREJA. A Igreja foi o primeiro cliente dos arquitetos. embora ela seja Barroca. Aleijadinho é o maior artista barroco mineiro. Um dos principais pintores Barrocos de Veneza foi Canaletto que nasceu em 1697 e morreu em 1768. Outro projeto que também não deu certo foi o do Louvre e suas modificações. Chamou o arquiteto Bernini. sobriedade e reserva. a arquitetura francesa era muito pobre. os espetáculos. bem quadradinhas com o telhado em forma de ponta. Ele subiu ao trono em 1643 bem criança e só começou a reinar em 1660. tanto que seu nome ficou conhecido como Canaletto. Veneza também foi um grande local de arte Barroca. reorganizou a França e deixou as Bases do Poder Absolutista para Luís XIV. Mandou fazer um palácio. Fazem pintura na abóbada da igreja como se ela fosse aberta para o céu (Tromp’Oleil). O objetivo essencial da arte é provocar o fervor das multidões. Ele era muito forte "O estado sou Eu. para ir a Paris e fazer o projeto do palácio que não deu certo. Em 1599 Henrique II teve 3 filhos.

os espelhos são importantes nessa época sendo usados nas casas no mundo inteiro. Como não havia banheiro. A mulher vai ser muito importante e muito fútil. brancas e douradas. na tapeçaria.000 pessoas. Só se comia o que ele gostava. Versailles começa a ditar a moda. Os decotes eram generosos e a lingerie levantava o busto. o que foi considerado um escândalo na época. Como na ópera as perucas eram prateadas. Luís XIV deixou que o desfile acontecesse. de vanguarda. menu. Eles acharam que foi devido a água resultando um medo grande até hoje e consequentemente ao banho também. A peruca surge na Ópera em Paris. Foi um acontecimento muito para frente. A mulher na época do Rei Luís XIV e Luís XV vai ser muito delicada e requintada. Começam os desfiles de moda na França. A comida era muito importante e feita como se fosse uma arte. o rei e a rainha iam para o mato e se limpavam com toalhinhas que eram vendidas para a corte. as pessoas comiam com as mãos. As estátuas do lado de fora do palácio são imitações da antigüidade. vão receber os grandes convidados de Luís XIV. os que estavam próximos à ele. No grande salão. No Barroco vai aparecer a lavanda. Tudo é imitação de Roma e Grécia. E à noite isso era retirado com esponja úmida. Todos tinham que acordar e deitar quando ele queria. Existia uma escala onde as pessoas tomavam banho de 6 em 6 meses. sapatos. Os nobres desfilavam com essas toalhas ostentadas sobre os ombros. as rendas nas roupas. Não tinha banheiro. Resolve depois receber só para os almoços aos domingos. fingindo não tomar conhecimento. O Filme "Ligações perigosas" mostra esses rituais. O "se mostrar". A galeria dos espelhos e os belíssimos jardins assumem grande importância. Obs. Quanto mais suja a toalha mais cara era. Queria que todos esperassem ele passar quando fosse para a igreja com a família. calças. A arte vai se desenvolver na arquitetura. eles passam também a usá-las em Versailles. sendo importante por causa do problema do banho. Eles trocavam muito de roupa. todos queriam ter um “Versailles”. Não tem nenhuma criatividade. tinham que aceitar o que ele determinava. Depois os desfiles de perucas (vindos de Paris). Antes do Barroco. A aristocracia. o guardanapo. 60 . Foram morar em Versailles com 11. espartilhos. não tinha faca. Todos queriam espelhos pela casa como os de Versailles. Eles usavam pó de arroz por todo o corpo para ficar bem brancos. Não surge nenhum grande escultor. Os desfiles passam a ser importantes. Os escravos passavam uma esponja úmida no corpo deles à noite. Foi feito um desfile de espartilho na corte. como se o seio fosse pular para fora do decote. Surge também o perfume.A planta inteira de Versailles se concentra no quarto dele. e ditava o menu para a semana toda. no imobiliário. Vão aparecer festas de “Petit Comittee” em Versailles. Um pouco antes na época de Henrique IV. Surge a langerie da mulher. Não vai ter grandes pintores. Vai surgir o servir à francesa. houve uma peste onde morreu muita gente.

Ela tinha que ter muito leite. Na Arte Barroca existe muita liberdade com muitas curvas e diagonais. Tinha conteúdo espiritual. Houve um naufrágio daquela invencível armada. conforme estudo feito em “Estética da Arte”. Com a revolta de Lutero. a ordem dos Jesuítas em 1534 com Ignácio de Loyola. Quando ela encontrava um pretendente. Todo mundo aprendia a bordar. fazia um regime de engorda. namorado (eles não tinham o que fazer). Tanto os móveis como a tapeçaria são assimétricas. peças de teatro de amadores (em Versailles). O nu passou a ser visto também no gobelain. nunca simétricas (uma forma de identificar o estilo Barroco). e chega ao seu apogeu no século XVII finalizando no século XVIII com o nome de Rococó.: Colocavam uma música de fundo e pessoas imitando um quadro de Velásquez ou Rembrandt. É uma arte que engloba outra série de estilos. O homem queria sentir a "carne" da mulher. E para isso precisavam de lacaios para ajudar (de 6 a 8). Era violenta a troca de marido. Antes dessa idade elas tinham que ser muito magras. O ideal de beleza da época era moça gorda a partir dos 25 anos. O pensamento na época era científico e objetivo. denso. Para organizar o poder realizou-se a contra-reforma. Vão pintar muita porcelana. Foi tornando-se extremamente 61 . A Arte Clássica que é anterior ao Renascimento. Foi uma época licenciosa. inclusive a Holanda. Tem que ter emoção e sensação. Até a libertinagem deles era galante. São extravagantes. madrepérolas. irregular.Tinham liberdade muito grande. BAROS= vem do grego e significa pesado. braços e pernas enroscados. Vão acontecer muitos espetáculos com máscaras. nas porcelanas e antecamas. Vão fazer muito "quadro vivo". Fizeram muitas tapeçarias lindíssimas. Rococó é o excesso do Barroco. Muito requinte. Isso refletiu na arte onde irão pintar muito o “nu”. O ideal de peso para a mulher era 75 quilos. rígidas e bem definidas. Não apareciam nunca para ninguém sem estarem pintados. que vai ser também muito importante nessa época. e o rosto branco (o carmim que era o rouge). vestidos e sem peruca. no auge do Renascimento. Sempre homens e mulheres com seios descobertos. O sujeito é subjetivo. e até porcelanas para enfeitar os móveis. A mulher com 25 anos já era considerada madura. O pensamento ou conteúdo é poético. com a figura centralizada. Ex. Por sua vez a Holanda cresceu tanto que as perspectivas econômicas eram grandes. BARRUECO= vem do espanhol que significa uma pérola com reentrâncias. Era como se fosse um "Spa" para engordar. Os espanhóis depois perderam muito. O Rococó na Europa é o Barroco no Brasil. a igreja católica teve que rever suas atitudes com o Conselho de Trento. Ninguém aparecia sem pintar os lábios. nunca vulgar. na reforma protestante. As mulheres tinham um hábito de se pintar que era quase uma paixão. usava formas lineares. O Barroco vai desde o século XVI. nunca ordinária. Foi na Espanha a época em que conquistaram quase o mundo todo. Vão usar incrustações de todas as espécies nos móveis de madeira como laca. Ter um quadro nu em casa também era muito importante para ser contemplado.

burguesa. A França, Áustria e Alemanha vão se tornar totalmente absolutistas. A ostentação toma conta da Europa. A França será o auge da ostentação com Luís XIV (rei-sol). Essa época vai ser marcada por sua dramaticidade e tragédia. A Igreja Católica irá dividir tudo entre o céu e o inferno. Nessa época vai haver muito medo do inferno. Eles chamam o homem para o igreja (o lado bom, o céu) através da arte espetaculosa, trágica, da emoção, sensação. Como naquela época não existia a mídia, essa era a sua forma de divulgação, o seu recurso. A própria arte trará de volta os hereges. Na Holanda, Bélgica e Espanha o Barroco vai atender muito bem os interesses da burguesia. PRINCIPAIS CARACTERÍSTICAS DO BARROCO: 1. Predomínio sempre do emocional sobre o racional.

2. Liberdade completa de criação no conteúdo, mais do que na forma. O artista se emancipa de qualquer regra ou padrão. 3. A inspiração é muitas vezes popular. Ex.: a representação da sagrada família é feita como se fosse uma família comum. É o oposto do renascimento onde a representação da santa é diferenciada, com raras exceções. 4. Dinamismo muito grande na composição com diagonal. verticais

5. A linha vertical vai dominar a linha horizontal. Vai haver muito mais linhas do que horizontais, além da diagonal. 6.

Existe uma fuga do geométrico. Nada é muito concentrado. Vai haver um entrelaçamento da arte, da escultura e arquitetura. Na Igreja barroca vai ter muita escultura na parte externa. No renascimento as Igrejas quase não apresentarão esculturas externas. 7. Valorização do entalhe na pedra e na madeira. As construções de altares e retábulos vão ser luxuosamente decorados com aplicações em ouro e muita policromia (muitas cores). Retábulo - é o que fica na frente do altar, feito de madeira toda trabalhada. É o que divide o altar do resto da igreja. Tripo-retábulo, abre e fecha para ser transportado. É para rezar. Como os escravos não podiam freqüentar a igreja, eles construíam o seus retábulos para rezar, transportando-o facilmente para suas casas. Os retábulos existem desde a época do bronze, com características diferentes. Volutas (origem grega). Quase todas as igrejas Barrocas tem volutas. . 62

8.

9.

A igreja Santa Maria Maggiore em Veneza tem 8 cúpulas ligadas a 8 grandes 10. Frontão. Existe também sempre um grande frontão ladeado por 2 torres.

volutas.

11. antes.

A pintura tem violentos contrastes de claro-escuro. Inovaram o espaço pictórico através do claro-escuro. Nunca ninguém fez isso em arte

12. Faziam tentativas de sugerir o infinito através de Tromp'Oleil (engana olho), com perspectiva e profundidade ilusórios. Tinha a função de aumentar ilusoriamente os espaços e conseguir o infinito. Os palácios pareciam imensos e redondos. Eles faziam pinturas nas quinas das paredes para dar a impressão de serem arredondadas. 13. Usavam muitas escadas, jogos de luz e muitas fontes. Tinham gosto pelo teatral. Era como se fosse um cenário.

O Barroco tem muito exagero, muito fausto, muita riqueza. Libera muita emoção na gente. O Barroco abraçou tantas ramificações artísticas que somente 200 anos atrás é que os historiadores chamaram esse acontecimento, no seu conjunto, de arte Barroca. Era uma mistura tão grande de estilo renascentista, egípcio, grego, etc, que ficou difícil definir na época o estilo Barroco. Temos os Barroco da Corte, das comunidades católicas e protestantes. O Barroco foi uma reforma na contra-reforma. Os países protestantes também a incorporaram por ter sido um movimento muito forte e bonito. O Barroco surgiu após a teoria de Copérnico que vai mudar para sempre o lugar do Homem no universo. A Terra, segundo Copérnico, é que se move ao redor do sol, não é mais o centro do universo. O Homem não é mais o único propósito da criação. O Barroco vai surgir nessa época com essa nova concepção, com novo sentimento de autorespeito, de orgulho. Isso tudo refletirá na arte ao saber que o Homem fazia parte de um mundo infinito, mostrando assim essas idéias através de luzes exageradas, impetuosas, em diagonal, como se realmente estivessem exprimindo o infinito. A História da arte mostra sempre o contexto do momento em que se está vivenciando. Ela abrange o campo científico, histórico, econômico e social. A época Barroca foi a de maior liberação do ver, do sentir e da intuição. A arte Barroca é a arte que passa a reconhecer que “A regra é apenas uma norma, jamais uma lei". Picasso séculos mais tarde disse: "Na arte não existe regra de beleza. Beleza é o que o instinto e o cérebro vai reconhecer como belo". 63

Fatos importantes que marcaram na época do Barroco A Inglaterra faz tratado de defesa com a Holanda em 1608 Em 1609- A Espanha reconhece a independência da Holanda. (A Espanha perde a Holanda). Em 1650- A Inglaterra importa chá da Índia, quebrando uma série de monopólios. Em 1656- começa a fabricação de meias (bem trabalhadas) em Paris. A Europa comprar meias só em Paris. Em 1626 a 1648- Acontece a guerra dos 30 anos que vai mudar muito a Europa. Em 1694- Estabelecimento do banco mais importante da Europa, o Banco da Inglaterra. Em 1675- surge o observatório de Greenwitch. Em 1678- vai ser reconhecido na França a profissão de cozinheiro-mor (tão importante como advogado). Depois cai a lei e retorna só em 1900. O cozinheiromor e confeiteiro-mor trabalham para o rei. Em 1679, na Inglaterra é criada a lei "ABIAS CORPUS" . BARROCO EM FLANDRES (Bélgica e Antuérpia) Pintura Flamenga é uma pintura de Flandres, jamais Espanhola. Na Bélgica se fala flamengo e francês. A pintura de Flandres vai ser muito importante no início do século XVII. O sul dos países baixos (Bélgica) continuava sobre o domínio Espanhol. É por esse fato que se usou o nome Flamengo, devido ao domínio espanhol que existia lá. Era o território mais rico dos espanhóis e que por ser espanhol continuava no seio da igreja católica. A pintura vai ser sobre a religião católica. A Aristocracia e a Igreja patrocinaram muito as artes e contribuíram muito para o surgimento do estilo Flamengo. Flandres recebeu muito bem o Barroco na pintura, menos na arquitetura. Os Flamengos viam no Barroco um pretexto para os ornamentos. Sendo assim, os edifícios na praça principal de Bruxelas é gótica na arquitetura, estrutura. Os ornamentos e a decoração externa é 64 passa a

Barroca. Para não demolir a estrutura, eles a deixavam por trás e enfeitavam com dourados e volutas na frente. As casas da Holanda também tem estrutura gótica e barroco nos ornamentos da frente. A arquitetura belga e holandesa é gótica e a decoração tanto externa como interna Barroca. BARROCO NA HOLANDA As províncias do norte dos países Baixos (Holanda), também tinham pintura Flamenga. Eram os países pobres da escola Flamenga. No século XVII os Holandeses eram protestantes quase não vai aparecendo pintura religiosa. É uma enorme mudança que ocorre na História da Arte. Rembrandt, por exemplo, sempre teve sua inspiração nas escrituras. Só que os temas que escolhia eram baseados no que ele via. Ele tinha que colocar o contexto das escrituras mas sempre no que ele via. O tema vai ter liberdade total. Vai pintar sobre as pessoas que convive no dia a dia. Caravaggio vai usar o "santo" enquanto que Rembrandt vai usar o homem do povo. Os Holandeses guerrearam contra a Espanha para não aceitar o catolicismo. Eles venceram e permaneceram protestantes. Eles tanto lutaram que ilustraram mais sobre essas guerras, combates do que a fé protestante. O tema da pintura Holandesa portanto será sobre essa guerra que participaram. Vermeer pintou muito também sobre a realidade do cotidiano. Jamais veremos uma pintura Holandesa com cenas mitológicas, cenas históricas ou abstratas (liberdade, fé). As pinturas de Rubens sobre a religião católica, idéias abstratas sobre a fé e liberdade, só foram feitas sob encomenda. O Holandês não vai pintar nada mitológico. Pintavam retratos das pessoas e tudo o que fazia parte da vida daquela pessoa na obra. Os burgueses viviam em casas confortáveis mas bem menores que as nossas. Não gostavam de viver em palácios. É por isso que não se encontra muitos palácios na Holanda. Não eram faustosos e a obra de arte tinha que ser pequena para caber nas casas em que viviam. Eram portanto pinturas pequenas que retratavam o cotidiano da época. A Holanda era um país próspero, o povo era muito trabalhador e tinha uma imensa indústria leiteira que abastecia toda a Europa. Sabiam construir muito bem barcos os quais eram vendidos e utilizados para navegar por todo o mundo. Tinham também monopólio do comércio das especiarias. Essas especiarias é que conservavam os gêneros alimentícios. Quando os navios faziam longas viagens a carne era conservada através desses condimentos. Era considerado fino ter um boi em casa conservado por condimentos. Rembrandt tem uma obra que mostra uma moça abrindo a porta e olhando para o boi pendurado. RESUMO: . Barroco na França - faustoso . Barroco na Itália - ligado ao catolicismo 65

É barroco mais tardio. A galeria dos espelhos e o imenso pátio com esculturas que não eram famosas. com suas fontes. Holanda A grande praça em Bruxelas tem estrutura gótica e a decoração barroca. Igreja de São Carlos das 4 pontes . Igreja de Santa Maria da Saúde em Veneza. Igreja de 4 andares. Igreja de Santo André do Quirinau em Roma . A Praça Maior em Salamanca. volutas. na fachada tem frontões. A primeira igreja católica barroca foi construída em Roma e recebeu o nome "Il Gesú". Vão ter colunas. árvores em diagonal. Obs. Áustria. Parece dourada. Obs. Tem reentrâncias e muita forma côncavo-convexo. volutas. em Milão. é de 1630. Palácio de Brera.de 1680. na Itália. colunas. frontão grego.: A parte central da fachada nas Igrejas barrocas são sempre mais ricas que as laterais.Em 1645.: A catedral de Milão é gótica e não barroca e a catedral de São Pedro é da época do renascimento. portais ricamente esculpidos no estilo barroco.Roma.Construídos entre 1656 a 1665. 66 . frisos. Igreja de São Lourenço em Turim. Roma.na Bélgica (chamada de Veneza do Norte). Palácio principal de Viena. Igreja de São Carlos Borromeu em Viena.. na Espanha. Monastério de Melk. Espanha Palácio Real de Madrid é interno e externamente barroco. arcos. Obs. França Versailles. Amsterdã também é igual. Igreja de Santo Inácio . PRINCIPAIS OBRAS ARQUITETÔNICAS DO ESTILO BARROCO NA EUROPA E NA AMÉRICA: Itália Roma . escultor e arquiteto grego da época clássica. Brujes. Praça de São Pedro e colunatas em frente a Basílica . Capela dos inválidos em Paris . É cenográfica com sua ampla escadaria na frente. Petit Trianon. lagos. próximo de Viena.planta de Borromini em 1667 .Igreja "Il Gesú" construída entre 1568 até 1577. à beira do Danúbio. na praça do Mercado as casas tem frontões pontiagudos. Antigo colégio dos Jesuítas. inclusive a decoração é quase Rococó. na arte de Fídeas. construído em 1668.construída por Bernini. escadarias.: A arte Barroca Francesa é muito inspirada no classicismo. repleta de ouro. sua construção começou em 1717 e terminou em 1737.

achavam que sua pintura era estranha e a sua fama só voltou no século XIX quando foi considerado um dos maiores pintores Barrocos. Estudou muito sobre a Bíblia. porque pintava o natural e não o idealizado. Caravaggio praticamente fechou o ciclo dos pintores italianos não aparecendo depois nenhum outro pintor importante. Pintou muitas encomendas religiosas de uma forma nada convencional para a época. 67 . É chamado pintor naturalista do estilo barroco. mulheres e bebidas. apesar do seu estilo barroco.: os apóstolos eram representados como trabalhadores comuns (o que eles realmente eram). em Recife Igreja Nossa Senhora das Neves. trabalhadores braçais. Queria pintar a realidade tal como ele a via. em Vitória Igreja da Ordem Terceira do Carmo. Brigou com padres e bispos se indispondo com a igreja católica. Igreja da Companhia de Jesus em Cusco. BRASIL: Igreja de São Francisco de Salvador Ordem Terceira de Salvador Catedral de Belém Igreja do Rosário. em João Pessoa Igreja e Mosteiro de São Bento. Caravaggio foi muito briguento. Ex. Após seu falecimento. no Rio de Janeiro MICHELÂNGELO DE CARAVAGGIO Nasceu em Milão no ano de 1573 e morreu em 1610. Ficou muito pobre e muito doente. Não tinha o menor respeito pela beleza idealizada pois ela tinha que ser verdadeira. Ele cobrava seus quadros muito caro e gastava fácil o dinheiro com presentes. Era pintado de forma muito real. México Catedral do México City. Tinha um temperamento muito impetuoso e mulherengo. Não soube quem era seu pai.Portugal Santuário de Bom Jesus de Monte Braga. Igreja de São Domingos no México. em Olinda Convento e Igreja de Santo Antônio. No século XVIII Caravaggio "saiu de moda". com sífilis. É hoje considerado pela "estética da arte" como pintor naturalista. Era como se os eventos sagrados acontecessem naquele momento.

É um dos maiores pintores da história da arte. jóias. Comprou uma belíssima casa. porisso ficava atualizado com as descobertas através das correspondências. Tinha mais encomenda do que podia dar conta. saúde e força. como ele mesmo dizia. roupas. jóias. Casou-se com uma jovem muito rica e feia. Morreu rico. Chegou a colecionar obras de arte e até antigüidades. As suas telas são cheias de vitalidade e reais. Teve fama em vida como nenhum pintor já tivera. decorativa e teatral. Pintou muito e prosperou bastante. Era uma arte que estimulava a pompa e o esplendor dos palácios barrocos. maltratada. Foi morar em Amsterdã. etc. Ele não fazia anotações como Leonardo da Vinci e nem era diplomata como Rubens. Não fez nenhuma mulher magra. onde só formava pintores. não tendo nada de misticismo. Tudo o que pintava era com perfeição. REMBRANDT VAN RIJN (1606-1669) Nasceu na cidade de Leyden (cidade das tulipas e da porcelana azul e branca). na universidade de Leyden. Sua pintura era bem vigorosa. Era muito intelectual e mantinha correspondência em latim com todos os intelectuais da Europa. Com isso ele teve milhões de obras. Foi quase um diplomata. Foi o protótipo do pintor barroco. na Holanda. com uma alegria muito grande de viver. Classe média bem situada. Rubens casou-se 2 vezes. No segundo casamento sua esposa tinha somente 16 anos e foi uma paixão que durou até a sua morte. Começou a pintar. Cada um era encarregado de uma especialidade na pintura como. Foi um homem muito feliz deixando também feliz todos os que viviam ao seu redor. ele se pintava como se tivesse somente 30 anos. Era muito mais sensual do que místico. Sofreu influência no começo de sua carreira do pintor Michelângelo de Caravaggio.PETER PAUL RUBENS (1577/1640). Ganhou muito dinheiro. Ele fazia o desenho e depois terminava o quadro pintando o rosto e as mãos dando uma unidade geral da obra. 68 . etc. No Louvre ele tem uma sala só com seus quadros. Rubens pintava os palácios e as igrejas. Volta à Antuérpia com 30 anos. Nasceu na Antuérpia. Era um homem iluminado. sensual. Fazia as mulheres bem arredondadas. Pintava o que era faustoso. roupagem. Era especialista em fazer o tom de pele (carnação) que parecia verdadeira. Todos os quadros que ele pintou retratando os dois. ainda em vida. Era como se fosse um cônsul belga. muito bonitas e cheias de vitalidade. Foi considerado o maior pintor holandês. Fazia amizade com todos. Durante sua vida artística sempre retratou a si mesmo por diversas vezes em várias épocas de sua vida. Abriu uma oficina de arte com 200 auxiliares. não muito cedo. e passava isso para sua pintura. No primeiro casamento sua esposa morreu quando ele tinha 52 anos. Era arqueólogo. Tinha muita facilidade com cores e com isso vai pintar muito bem o "nu". Bélgica. Era um homem interessante e se relacionava muito bem com os católicos e com os protestantes. O rei da Inglaterra deu a ele o grau de cavalheiro "SIR". recebendo um belo dote. cabelos. Aprendeu logo a pintar e aos 23 anos em 1600 foi para Roma (paraíso dos pintores) onde ficou estudando por 8 anos. mas não tinha tempo para se dedicar.

Sua popularidade como pintor cai após a sua obra "Ronda da Noite". Os personagens tinham importância de acordo com a luz. Isso determinava aquela luminosidade. A tinta à óleo utilizada era bem mais oleosa do que a de hoje. Ele fazia o desenho antes e marcava onde ia ter os pontos de luz. Todos esses artistas constituíram no Barroco uma tendência construtiva. o calor humano. Barroco Protestante: Poussin. Vai pintar os olhos penetrantes e fundos e utiliza muito os tons de sépia. É um meio de propagação e ação. Rembrandt pintou muito retrato de grupo de pessoas. Naquela época todos pintavam igual ao mestre e hoje o objetivo é cada um ter que encontrar seu caminho na pintura. Cada aluno só pintava com uma cor. Não importava em saber quais os personagens que iriam ficar no escuro. As vezes ele assinava o quadro de seus alunos para que fosse vendido mais facilmente. muito limpo e arrumado. Foi um péssimo administrador e acabou logo com sua fortuna. o sofrimento. a dor. Buscou a ordem no interior. É estabelecer o conjunto de obras autênticas dos artistas. Não vai idealizar. o que causa muita polêmica hoje em dia em seus quadros. Lembrete: Barroco Católico: A pintura torna-se instrumento para a Igreja. Em 1982 foi publicado o primeiro volume sobre as obras de Rembrandt e se refere as obras do período de 1625 a 1631. Existe muito Rembrandt falsificado como o do MASP e o do Metropolitan. Sistema de pintura de Rembrandt: Colocava primeiro todos os ocres. Rembrandt tinha muitos alunos talentosos. É por isso que encontramos hoje muitos quadros que não são realmente de Rembrandt. tintas. além dos seus alunos que pintavam como ele. os amarelos. Já tem o volumes 2. Na realidade seria muita obra pelo seu tempo de vida. 69 . etc. Foi descoberto 15 anos atrás que muitas obras de Ticciano e Raphael eram de seus alunos. O projeto de pesquisa Rembrandt chama-se PPR. Ele retrata a essência da pessoa. Fica tão pobre e doente que vai parar em um asilo. Deixa de pintar para vender pincéis. Apareceram 600 obras de Rembrandt. Obs. tem o Vermeer na Holanda um companheiro. começa a namorar uma moça mais pobre ainda. depois os marrons. Perdendo o mercado e ficando pobre. por exemplo o ocre ou o marrom. Naquela época ele tinha muitos ajudantes para pintar suas obras. mais condizente com o puritanismo protestante ou com a mentalidade burguesa. Os seus alunos pintavam igual à ele. Ele pinta seus auto-retratos como se fosse um ser humano bem real. Pintou cenas de batalhas e voluntários da guerra. Vermeer teve pouquíssimas obras e não se sabe nada sobre sua vida. no rigor de suas linhas retas.: Ticciano e Raphael também assinavam as obras de seus alunos.Em 1642 morre sua esposa e fica viúvo com muito dinheiro. É uma história de persuasão para “ganhar o paraíso ou padecer no inferno”. No final do trabalho ele integrava as cores e as pinceladas.

O mesmo se dava em São Paulo. gênio da musicalidade da luz. na Itália (Florença).: O Museu do Louvre é em parte barroco com suas colunas gregas. em São Paulo. É assim chamado de barroco clássico. O nomadismo. era melhor que o Barroco. no tocante. incentivado pelo espirito bandeirístico. ao genes social do estilo. XVII). Vão retratar a arquitetura do campo. Egito. não proporcionou possibilidades de atividades artísticas. Depois ele vai chegar ao excesso sendo chamado de "ROCOCÓ". bem mais sensual (como o de Vermeer) e bem mais contemplado. (As missões) dos Jesuítas. Os historiadores achavam que o Renascimento por ser organizado. em São Paulo. na França. tavernas. Matriz de São Miguel. Descobre o retrato dos camponeses e de suas vidas íntimas. destaca-se Vermeer. século XVIII. OBRAS BARROCAS BRASILEIRAS: Algumas ruínas na igreja de São Miguel. não de tensão nos contrastes. Matriz de Santana do Parnaíba. Vão retratar cozinhas. O barroco protestante é bem mais contido. sem excessos e perfeito. Gente sedentária de pouca iniciativa. Capela de Iporanga. Nossa Senhora do Rosário. porque vai ter muita ligação com Roma e Grécia. em São Roque (séc. traria seu sentido. Capela da Fazenda de Santo Antônio. com efeito. lojas.A existência de tal grupo de artistas levou a reconsideração de toda uma linha interpretativa no Barroco. quartos. Passou-se a considerar a existência de um barroco protestante e em seu aspecto genérico formal. Ele vai surgir no auge do Renascimento. Obs. Esse sim. de um classicismo dentro do próprio barroco. Na arquitetura predominava o maneirismo. Barroco no Campo: Vai ter outras expressões. Barroco no Sul do Brasil: Com o ouro e a prata. O BARROCO. 70 . Roma. que não as religiosas. Barroco Clássico: É quando o Barroco mistura as artes da Grécia. mas de harmonia nos contrastes. em Embú. o povoamento se concentrou em Curitiba (Paranaguá). é chamado pelos historiadores de "BARROCO CLÁSSICO". Entre esses artistas. Vai ter uma conotação muito forte principalmente na arquitetura que vai ser muito clássica. em São Paulo.

São burgueses e muito práticos. um pouco antes do Rococó. de 1554. Ruínas da igreja "Missiones". Foi mal restaurada. O ROCOCÓ só vai ocorrer na França. Obs. em São Paulo. “clean”. O Flamejante surge no final do barroco em Roma. Não existe a pintura Rococó porque este estilo só vai aparecer na decoração e no interior das casas. Toda igreja gótica tem contraforte e arco botante.Município de Santo Ângelo no Rio Grande do Sul. Galpões das fazendas também são do estilo barroco. Igreja de Embú. Igreja de São Francisco. na arte decorativa dos mobiliários e tapeçarias. Igreja de Nossa Senhora. Moram em casas pequenas. Versailles é de estilo Rococó por dentro e tem por fora uma arquitetura clássica barroca. O móvel colonial aveludado. em adornos. O arco botante e contra forte utilizados nas igrejas barrocas não são para dar auxílio a arquitetura. mas sim para decorar. Barroco Flamejante: O auge do Flamejante é no Gótico. porque é limpo. é uma versão muito mal interpretada do estilo barroco. em São Paulo. Eles queriam enfeitar mais ainda as igrejas (as últimas que foram construídas) se inspirando muito no gótico. Estilo colonial significa que vem das colônias portuguesas. Igreja de São Vicente. (Ler o livro "O tempo e o vento" de Érico Veríssimo. Na Áustria e na Alemanha não chegou a ter o barroco clássico. Áustria e Alemanha vão estilo Rococó na parte interna das casas. Pátio do Colégio. em São Paulo. Roma não vai ter Rococó nem em igrejas e nem em lugares públicos. com raras exceções. que vai relatar sobre as Missiones). Países Baixos não usam Rococó. em Itanhaém. Só vai acontecer em Roma.: Colonial e Barroco é a mesma coisa. 71 . Parati é toda barroca.

DOIS ARQUITETOS MUITO IMPORTANTES DA ITÁLIA: BERNINI (1598-1680) Foi o maior arquiteto e escultor do seu tempo. Tem no centro um obelisco egípcio e muitas luzes. fechado. Quem trabalhou na cúpula foi Michelângelo. mal-humorado. É uma obra em aberto. São 4 colunas Salomônicas de Bronze. Borromini depressivo foi distanciando-se de Bernini. O telhado dessa igreja é côncava e convexa. em Roma. Já o David de Bernini é humano. No renascimento não existe essa abertura. Bernini era um homem simpático. que é renascentista e barroca. Quieto. muito reservado. Nesta mesma praça se encontra a Embaixada Brasileira. Borromini e Bernini eram amigos e confidentes. É muito diferente do David de Michelângelo. na Igreja de Santa Maria de La Vitória. “Santa Teresa” foi uma grande santa na época da contra-reforma. o rei dos reis. Bernini fez o Tabernáculo que se encontra no fundo da Basílica de São Pedro. Bernini também fez a escultura de David sem o “Golias” de forma tão perfeita que você percebe a falta dele. A decoração é barroca. 72 . Grande projeto de Borromini: Igreja de São Carlos (com 4 fontes). Tem arcabouço e cúpula renascentistas. Emocionalmente instável o que o levou ao suicídio. charmoso. impávido. É uma arquitetura fantástica e difícil para ser executada com a tecnologia da época. Trabalhou muito na Basílica de São Pedro. pois a obra é perfeita e não tem o que terminar. Como essa igreja demorou muito para ser construída ela passou por diversos artistas em diferentes épocas. falante e conquistava a todos. Não interfere com o resto. sozinho. como se fosse de borracha. também de estilo barroco. Borromini fica tão deprimido que acaba suicidando-se. Bernini e Borromini são o auge da escultura e arquitetura barroca em Roma. mulherengo. Todas as construções em Roma eram feitas eles. bonitão. Não tinham ciúmes um do outro. BORROMINI Era o oposto de Bernini. É plasticamente perfeito. Obra prima de Bernini: Capela Carnaro onde está o "Êxtase de Santa Teresa". em Roma. Outra obra: Piazza Navona com uma fonte maravilhosa. Embaixo do tabernáculo se encontra o Túmulo de São Pedro. O barroco deixa a obra em aberto para que você a conclua. Nos quatro cantos tem muita escultura de anjos e atrás tem um vitral iluminado.

PINTORES BARROCOS JAN VERMEER VAN DELT (1632 a 1675) Nasceu no Delta. Morreu cedo aos 43 anos. Não pintou muitos quadros, mas o que pintou foi considerado obra-prima. Pintou figuras bem simples com tarefas singelas como: limpar, tocar, varrer, olhar. Mulheres em seus afazeres domésticos e sempre no interior das casas holandesas. Consegue o milagre de transformar essas cenas através de texturas, cores e formas, como se fossem velhos retratos. Ele suaviza os contornos, dá muita luz e serenidade nas suas obras. Dá muito Recollection. Pinta o que ele vê. Não se sabe sobre a vida do Vermeer os livros não chegaram à um consenso. Usavam óleo e têmpera no Barroco. DIEGO RODRIGUES DA SILVA Y VELÁSQUEZ Sofreu grande influência do Caravaggio. Quando ele tinha 20 anos pintou sua famosa tela "O Aguadeiro de Sevilla". Perceberam daí que ele era um gênio por ser tão jovem e pintar tão bem. Fica muito amigo de Rubens que percebe o seu talento sugere a ele então que vá estudar em Roma. Visitou os museus de pintura em Roma para estudar os grandes mestres. Foi ver o que Michelângelo e Raphael tinham feito. Descobre que não tem muito o que aprender lá. Em 1630 passou 1 ano em Roma e voltou logo à Madri. Em Madri é nomeado pintor da Corte de Felipe IV. Vai ficar em Madri até o fim de sua vida. Sua tarefa era pintar os membros da corte de Felipe IV cuja família era muito feia e se vestiam muito mal. Eram considerados "cafonas". Ele transforma esses retratos em pinturas fascinantes, captando até a personalidade das pessoas retratadas. Vai empregar muita luz em seus quadros. Sua pintura tem um realismo visual muito diferente da pintura do Renascimento. Realismo visual é a impressão geral de um objeto e não só de um detalhe. Ex.: Com uma só pincelada dava a impressão dos pelos de um cão. Vai ser o gurú dos impressionistas mais tarde. Sua pintura tem pinceladas bem largas e soltas. Seu quadro mais famoso é "As Meninas", o qual se encontra no Museu do Prado. Ele consegue retratar o momento real do tempo muito antes de inventarem a máquina fotográfica. Essa obra “As Meninas” será muito ambígua. Você não sabe se Velásquez está pintando o Rei e a Rainha ou se está pintando as meninas. Ele deixa essa dúvida de propósito. O termo "As Meninas" era usado para se referir as damas de honra na época. Esse título foi dado pelos historiadores. Após sua morte foi pintado, no peito de seu retrato, uma condecoração em sua homenagem. JORGES DE LA TOUR (1593-1652) É um pintor francês. Mestre dos efeitos luminosos. Sua pintura é muito original. Vai usar muito claro-escuro utilizando-se do efeito da vela, pintando muito rápido. Vai passar a narrativa suave do caráter transitório. Muita ternura e intimidade. Muito recollection. 73

FRANCISCO GOYA (1746-1828) Nasceu em Saragosa, na Espanha Um dos grandes pintores de todos os tempos. Obs.: A Espanha é riquíssima por pintores famosos: Ex.: Velásquez, Murilo, Goya, Dali, Picasso, Miró. Aos 13 anos foi estudar com um pintor que se chamava Don Lusar. Ele não gostava de pintar, desenhar ou fazer tintas. Decidiu participar mais das touradas não deixando a pintura. Mais tarde tentou entrar na Academia de Artes em Madri não passando nos exames. O pai fica arrasado. Tenta novamente três anos mais tarde e novamente fracassa. Arrasado e frustrado, resolve ser toureiro. Recebeu uma chifrada no joelho ficando manco por muito tempo o que impedia essa atividade. Resolveu ser pintor na Itália. Lá, passeando num campo, em frente a um convento, vai conhecer 2 freiras e se apaixona por uma delas. Vão se corresponder por carta até que resolve raptá-la. A freira amarrou um monte de lençóis e jogou por cima do muro para que ele pudesse subir. Como ele estava manco e bateu com o joelho no muro, Goya cai ao chão machucando muito a cabeça. Depois dessa tragédia toda o romance acaba por aí. Vai para a cidade de Parma, na Itália, conseguindo entrar na Academia Real da Itália. Começa a pintar já com uma certa idade. Vende muito bem as suas obras. Escreve para seu pai comunicando que estava pintando muito e ganhando dinheiro. O pai pede que ele retorne a Saragosa. Lá em Saragosa vai ter muitas encomendas como pintor. Vai à Madri onde receberá uma encomenda muito grande de pintar uma série de canvas (cartões desenhados para que as pessoas pudessem depois bordar). Era quase que industrializado, Vai pintar o povo, os jovens que eram chamados de najas (ricos da época) e que mudariam muito o comportamento social da época. Esses najas vão ditar muito a moda na época. Em 1780 ele foi eleito por unanimidade Membro da Academia de Arte de Madri (que o havia rejeitado 2 vezes). Casa-se com Josefa e começa a ter uma vida de luxo e de riqueza. Compra um cabriolé (seria um carro conversível hoje) para sua esposa desfilar. Vai comprar também muitas jóias e ações para o futuro. Tem um filho chamado Francisco Xavier Pedro. Vai ser nomeado mais tarde Pintor da Corte do Rei (título máximo). O rei da época era Carlos IV. Goya vai ter uma doença infecciosa ficando à beira da morte. Nessa época não existia a penicilina. Consegue sobreviver mas fica surdo para o resto de sua vida. Essa surdez torna-o visualmente mais agudo. Vai pintar também a Corte Espanhola. Será uma releitura de Velásquez, pintando sem compaixão toda a família do rei. A rainha parecia um abutre, as condecorações dos condecorados eram como se fossem teias de aranhas. Toda a Corte tinha olhos lacrimejantes e boca murcha. Mesmo assim eles vão adorar porque vai ter muito luxo nas roupas, muita esmeralda, muito veludo, enfim, muita suntuosidade. Eles só se importavam com o luxo. Góya acaba recebendo muitas encomendas e ganhando muito dinheiro.

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MÚSICA BARROCA:
Apareceram muitos instrumentos novos na época do barroco o que fez com que a música ficasse muito mais rica. Apareceram os conjuntos de Câmara e a Ópera que conhecemos hoje. O conjunto de Câmara tinha a mesma função que um aparelho de som tem nos dias de hoje. O instrumento mais importante que vai surgir é o violino e é com ele que vai se enriquecer a partitura. Antônio VIVALDI teve um gênero inovador, além de ter sido excelente compositor e muito habilidoso para tocar. Suas obras mais conhecidas são: Ex.: As quatro estações de Vivaldi Concerto La Stravaganzza Muitas cantatas Foi considerado, pelos críticos no século XX, o “Caravaggio” da música Barroca. É praticamente o primeiro grande compositor que surge e que vai influenciar muito os compositores posteriores de sua época. Joan Sebastian Bach, protestante, tinha paixão pelas igrejas góticas católicas e seus detalhes. É onde vai buscar inspiração para compor nesse estilo gótico (como as rosáceas, vitrais e sobre as minúcias). Foi mestre de capela, que era tão importante quanto pintor da corte. É o homem que vai reger, o maestro, o diretor. Deixou cantatas, missas, corais, "Paixão Segundo São Mateus", "A Grande Missa", "Cravo Bem Temperado", os "Concertos Braudenburguer", as "Fugas". As fugas tem um conteúdo psicológico, não significando uma fuga dos problemas, mas sim uma fuga da perda de um sentimento, uma emoção, com inteligência, com consciência. Uma fuga dos empecilhos emocionais. É a consciência livre, solta, uma fuga sem perdas, "deixando tudo para trás numa boa". Haendel, alemão, é o próprio compositor barroco. A sua obra é monumental, forte. Fez a obra "Doze Concertos de Gross". Hayden, compositor refinadíssimo que compôs sonatas, quartetos, sinfonias. Começou a tocar em Conjunto de Câmaras nas casas dos nobres, como mero tocador. Fez a "Sinfonia de Londres" e o "Quarteto do Imperador" que foi utilizado, em parte, no Hino Nacional da Alemanha.

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Vai ser uma busca para novos estilos. A mão de obra vai ser brasileira. com a independência do Brasil. indústrias. o prazer de viver. o barroco que estava no auge já estava sendo abandonado e estavam começando o neoclassicismo. A música de Mozart foi elaborada numa época de despedida. "Concerto em Dó Menor". Fez muita escultura em madeira que aprendeu em Portugal. Os missionários aqui no Brasil traziam artistas da Europa ou treinavam a mão de obra escrava. Era Austríaco e tocava desde os 5 anos. O que existia em madeira vinha de Portugal. foram muitas delas restauradas pelos brasileiros. Nessa época o mundo perde as coisas fortes como o prazer. XVIII. enquanto os brasileiros em barro. Sua composição começa a sugerir um mundo que começa e uma outra forma de viver. para serem artistas também. dos próprios índios. a "Ópera Don Giovanni". Em 1822. gênio que apareceu no Rococó (final do barroco). depois que os Holandeses foram expulsos do nordeste (Pernambuco) e as igrejas destruídas pela invasão.Mozart.de Prússel (?) vai ser descrito sobre os séculos XVII. porque Rococó é o final do barroco. As esculturas de barro eram cozidas em forno de pão. É o final de Versailles. Frei Agostinho de Jesus (1600-1661) O museu de Arte Sacra de São Paulo tem suas obras. Tem gênero melancólico. etc. Dois grandes escultores Brasileiros do século XVII são: Frei Agostinho da Piedade (1620-1661). "Concerto em Ré Menor". É uma busca do tempo perdido onde cada 50 anos vai valer 500. Obras: Sinfonias. "Requiém" que é muito lindo e triste. quando houve a mudança da capital do Brasil para o Rio de Janeiro. a doçura de viver. Nessa época os portugueses esculpiam em madeira. Criou tudo o que foi possível em música. esculturas. A Igreja da Bahia. volta ao passado. Naquela época onde existia tempo para pintar a Capela Sixtina em 5 anos ou Velásquez 4 anos para pintar "As meninas". 76 . XIX. BARROCO BRASILEIRO O Barroco no Brasil atingiu seu apogeu em 1763. para depois começar a corrida no século XX pelas máquinas. "Em busca do tempo perdido". Frei Agostinho de Jesus nasceu na Bahia e foi educado em Portugal. Frei Agostinho de Jesus circulou muito no Rio de Janeiro e São Paulo. porque os índios e os negros vão construir igrejas. trabalhou muito com barro. XX e XXI.

como pode ser visto na Igreja Nossa Senhora do Carmo. 77 . é lindíssima e levou quase 100 anos para ser feita. na sua pintura e arquitetura um estilo diferenciado. Quase todos os materiais de construção eram importados. A Igreja da Ordem Terceira de São Francisco. as igrejas barrocas começaram a serem construídas de forma diferente do barroco mineiro. onde o material chegava de navio.: A igreja de Olinda foi restaurada na época (+/-) 400 anos atrás. Outras levaram quase 50 anos para ficarem prontas por falta de mão de obra qualificada. Ela começa bem simples e vai se sofisticando a medida que chega material. começou a escoar todo o ouro pelo porto. Barroco no Rio de Janeiro: no princípio o Rio de Janeiro era quase um vilarejo e quando abriram a estrada do caminho novo que ligou Minas Gerais ao Porto do Rio de Janeiro. Artistas plásticos. em Salvador é toda barroca (de Lisboa). músicos e intelectuais começaram a chegar no porto do Rio de Janeiro. Com isso o barroco nordestino vai ter uma influência muito grande de Portugal. Nosso estilo forte é o feito em barro. com muitos entalhes. arquitetos. Entre os anos 1600 a 1800. Ao redor do Porto. Livro recomendado: "A Muralha" de Inácio de Queirós. A Igreja de São Francisco. Ex. AS 3 FASES BARROCAS COLONIAIS: A primeira fase ocorre na descoberta do Brasil. resultando em construções mais ricas na região. A cidade vai se tornar o centro cultural do país. com muitas luzes. em Santos. O escritor Fernando Sabino (mineiro) escreveu para Carlos Drummond de Andrade um texto sobre o povo mineiro. O exterior é simples e o interior é riquíssimo. É dramática. que era montada aqui. da tarde tem um coral cantando. principalmente o mineiro. Tudo é bem pensado para que você sinta emoção. de navio. Tinham uma dificuldade muito grande no transporte do material de São Vicente para São Paulo. feita por um arquiteto português chamado Francisco Xavier de Brito. vai ter no seu trabalho. não existia essa dificuldade. Às 6 hs.Ex. interessante e se diferencia completamente dos outros. mudando completamente a vila. Nesse livro ele explica tudo isso e se refere sobre a mata atlântica como uma “muralha”. cheia de movimento como todo estilo barroco. Mostra a dificuldade dos bandeirantes no transporte do material. que é um povo diferente. Quase todas as construções grandes foram feitas no Rio de Janeiro. O mineiro. Às vezes traziam uma igreja quase inteira. As primeiras construções barrocas tinham linhas mais estilizadas devido ao pouco material que conseguiam para a construção. do ano de 1554.: A primeira Igreja do Brasil é a do Pátio do Colégio em São Paulo. O Barroco Mineiro é forte.

resultado da cobiça do ouro. desse senso de medida e proporção. das imagens. Dominicanas. por sua vez. menos rebuscado que o barroco do resto do Brasil. Mariana. A divisão física da igreja mineira também difere do resto das igrejas brasileiras. O católico mineiro posicionou a igreja como sendo a localização geográfica mais importante do vilarejo.O auge do barroco mineiro ocorre com a descoberta de pedras preciosas e ouro em uma grande região que vai ser denominada Minas Gerais. O assunto do sermão abordava os problemas atuais do momento e do local. que o barroco mineiro extrai sua força e originalidade. Moucharabi. das pinturas.: A Igreja mineira. Por vezes os dois se aproximam. de um modo geral a irmandade Franciscana. pode-se dizer. não rebuscada. Outro aspecto importante era o realismo das esculturas. Tinha uma conotação social. Assim. As ordens religiosas Carmelitas. ocorre uma vontade de dominação do povo através do ouro. O sermão. Na Nave. na igreja mineira. Existia uma hierarquia. Era muito importante ter um lugar para ser feito o “sermão”. As jovens dentro de casa podiam ver através dessas janelas. para todas as classes sociais. a grosso modo. Franciscanas. dessa sóbria elegância. os homens ficavam separados das mulheres e os Balcões Laterais eram reservados para as autoridades e seus familiares. eram levadas para a igreja com o véu ou lenço sobre seus rostos. Essas janelas vão aparecer até no nordeste. Outra característica é que ele vai pouco a pouco se transformando num estilo representativo dos anseios do povo. Obs. antes dos 14 anos. Sabará. tendo grande influência entre eles. Elas se comunicavam através de bilhetes que passavam pelas frestas da janela. Eram venezianas "quadradinhas" que avançavam um pouco para frente como se fossem "Bay window". As jovens. Na América Latina coexistem 2 tipos de barroco: O Luso-Brasileiro e o Hispânico-Americano. Por esse motivo o negro vai construir sua própria igreja. Tudo acontecia em função do ouro. que o barroco brasileiro mineiro é num todo mais rural. Influência política que ocorre no barroco na construção ou arquitetura: Com o processo revolucionário da Inconfidência Mineira. O nosso barroco é diferente dos das Américas Central e Sul. Ex. Em Minas Gerais o "negro" só entrava na igreja para acender as lamparinas. desse despojamento. mas não podiam ser vistas. na tentativa de harmonizar a vida naquele vilarejo. Foi confiada a mão de obra local dos mulatos e negros. As classes sociais vão ocupar espaços diferentes na igreja. É justamente dessa simplicidade. Depois dos 14 anos elas podiam ir sem véu e com o cabelo solto para poder arrumar pretendentes. cada uma tinha sua maneira de distribuir os fiéis na igreja. era feito em uma linguagem acessível. que vai aparecer nas casas de Ouro Preto. menos monumental. mas nunca se confunde um com o outro. significava a influência moura ou árabe. Isso deu 78 . colocava no altar mor a irmandade.

Os flageladores e perseguidores de Cristo são ridicularizados por pobres e ignorantes.oportunidade aos artistas de trabalharem com esse material e utilizar o barroco como forma criativa e original para expor seus desejos. Nunca estudou e nunca foi a Portugal mas era auto didata e aproveitava tudo o que existia de informações ao seu redor como ex. Manuel da Costa Athaíde que nasceu no ano de 1762. As pilastras são substituídas por colunas nas fachadas. Cristo aparece com as mãos e pés decepados. Era mulato. Jeremias tem os pés presos no grilhão. 79 . Era o oposto da Europa. Os anjos vão ser os meninos robustos que trabalhavam nas ladeiras. Era um fazer a arte quase que irracional. Satanás será o malfeitor da zona de prostituição. onde executou a maior parte de suas obras. A arte de um povo tão jovem tinha que mostrar atrevimento. em Mariana (cidade vizinha de Ouro Preto) e vai morrer em 1837. Ele somente não a pintou. Esculpia em cedro e em pedra sabão. O altar-mor foi feito na época da Inconfidência Mineira. tem na garganta uma corda e o coração está sangrando. construída e decorada somente por Aleijadinho. A igreja foi desenhada. Suas faces são castigadas sem piedade pelo Aleijadinho. Era o que eles viam. Os evangelistas que Aleijadinho vai esculpir tinha as feições do mandachuva da cidade. porque deformava com apelo à emoção. sonhos e fantasias. Seu estilo que é do tipo “expressionista". Na época usava-se o termo "encarnar" que significava o mesmo que pintar. não premeditado. Seus dedos não caíram. O teto foi pintado por Manuel da Costa Athaíde que vai fazer uma pintura lindíssima com pássaros. tal qual dos escravos fujões. Deve provavelmente ter sido reumatismo deformante. Duas obras arquitetônicas de Ouro Preto são fundamentais para conhecer a arte de Aleijadinho: São Francisco de Assis: Início em 1776 e término em 1794. Esses artistas são: Antônio Francisco Lisboa (Aleijadinho) que nasceu no ano de 1774. Teve esse apelido aos 50 anos de idade devido a uma doença que atrofiou e deformou os seus dedos. Os púlpitos são colocados na entrada da capela-mor. Aleijadinho vai trabalhar muito com o tema Inconfidência Mineira. foi considerado o maior estilo e artista brasileiro da época barroca. A pintura da Madona (que é parecida com a namorada dele) e os anjos são mulatos. Isso é feito na época em que Tiradentes foi decepado e esquartejado. Quem pintava era Athaíde (grande arquiteto também). Tudo era baseado no povo. Viveu 26 anos em Congonhas do Campo. em Vila Rica. Athaíde também era mulato e Aleijadinho era filho de escravo com Português. São caras bem distorcidas.: a Bíblia Ele esculpia com o instrumento amarrado à sua mão.

tem uma grande figura como São Agostinho. Eles foram portanto refeitos. com apelo maternal. a afirmação austera e firme do poder da grandeza dos povos humildes e porque ele é universal na sua arte. tem doçura na carne. que escreveu o Barroco Mineiro: Trecho onde se refere a entrada da Igreja em Congonhas do Campo: "Não entrarei Senhor no Templo Seu Frontispício me basta Vossas flores e querubins Já são matéria de muito amar". Muda as linhas de fuga para conseguir esse efeito. É como se fosse uma mãe. No plano da arte não existe homens pequenos e grandes. São de tamanho natural e "encarnados" (pintados) por Athaíde. de Athaíde. Aleijadinho não detalhava os pés e nada da cintura para baixo. O rosto da Santa. no Adro da igreja (entrada). Nossa Senhora do Carmo é uma Igreja muito importante. segundo a sugestão de Aleijadinho. Foi toda pintada por Manuel da Costa Athaíde. carnudo.A Nossa Senhora é vista por vários ângulos. etc. Ele também não tinha dinheiro para investir tanto. Quem fez o projeto foi Aleijadinho que somente iria orientar a obra. Não tinha importância. pois era uma arte barroca. O expressionismo tradicional no Brasil. Conjunto de 66 figuras de madeira: São os Passos da Paixão e ficam em capelinhas de madeira também ao relento. A cada canto da abóbada dessa igreja. sugerindo a Athaíde que mudasse os azulejos. belíssima. nações fortes e fracas. no Santuário do Senhor Bom Jesus do Matosinho. A pintura é de Athaíde. O Arco-cruzeiro que está na frente é atribuído também a Aleijadinho. Chafariz de Ouro Preto: Não se encontra na Europa. Chafariz do Conto. Essas pedras são todas de tonalidade cinza. Outro mestre mineiro: Carlos Drummond de Andrade. Aleijadinho achava que a pintura deveria ser diferente da pintura Portuguesa. São os doze profetas feitos em pedra-sabão. Todos são expressionistas e feitos em madeira pelo Aleijadinho. Congonhas do Campo: Guarda o maior conjunto artístico criado pelo mestre Aleijadinho. pai de Aleijadinho e terminada pelo próprio Aleijadinho. Ele vai mudar até a perspectiva para que pudesse ser vista por todos. em que o artista (sem escola) se improvisava no esforço de alcançar o jeito de exprimir um sentimento. em qualquer ponto da igreja. Matriz Nossa Senhora do Pilar: Situada em Ouro Preto. 80 . porque Aleijadinho é no tempo e na história. toda feita de pedra cantareira. da Ponte. São Gregório. tem banco para sentar e namorar. Você a vê como uma mulher do povo. Essa igreja foi desenhada por Manuel Francisco Lisboa. É uma igreja que recebeu mais pintura do que as outras e os azulejos foram pintados por Athaíde imitando os de Portugal. pedrasabão e itacolomi. Existem cupins (que atacam pedras) e estão destruindo tudo. de Dirceu e Marília (recebe este nome por estar em frente a casa do casal). por falta de tempo. Santo Ambrósio e São Jerônimo. Este trabalho se encontra ao relento. Este era o modo típico de expressão de Aleijadinho. o seio bem modelado e não sensual. Ele é o símbolo dessa verdade simples. é sereno. Desenhada pelo pai de Aleijadinho. acabava às vezes num caricatural do expressionismo.

81 . alusões ao teatro italiano da época. responsável pela abadia beneditina de Ottobeuren. com maior graça e intimidade. Principais características: · Cores vivas foram substituídas por tons pastéis. · A estrutura das construções ganhou leveza e o espaço interno foi unificado. marco do rococó bávaro. Características gerais: · Uso abundante de formas curvas e pela profusão de elementos decorativos. entre 1700 e 1780. frivolidade e exuberante. Nos primeiros anos do século XVIII. (1692-1766). ARQUITETURA Durante o Iluminismo.ROCOCÓ Rococó é o estilo artístico que surgiu na França como desdobramento do barroco. mosteiros e palácios. Principal Artista: Johann Michael Fischer. Restaurou dezenas de igrejas. · Possui leveza. o rococó era a princípio apenas um novo estilo decorativo. Na França. o centro artístico da Europa transferiu-se de Roma para Paris. o rococó foi a principal corrente da arte e da arquitetura pós-barroca. difundiu-se principalmente na parte católica da Alemanha. Grande mestre do estilo rococó. Os temas utilizados eram cenas eróticas ou galantes da vida cortesã (as fêtes galantes) e da mitologia. a luz difusa inundou os interiores por meio de numerosas janelas e o relevo abrupto das superfícies deu lugar a texturas suaves. laços e flores. por volta de 1770. Desenvolveu-se na Europa do século XVIII. pastorais. Vigoroso até o advento da reação neoclássica. na Prússia e em Portugal. motivos religiosos e farta estilização naturalista do mundo vegetal em ornatos e molduras. técnica de incrustação de conchas e fragmentos de vidro utilizadas originariamente na decoração de grutas artificiais. responsável por vários edifícios na Baviera. e da arquitetura disseminou-se para todas as artes. alegria. Surgido na França com a obra do decorador Pierre Lepautre. que significa "embrechado". mais leve e intimista que aquele e usado inicialmente em decoração de interiores. tais como conchas. bizarro. O termo deriva do francês rocaille. elegância. caráter intimista. o rococó é também chamado estilo Luís XV e Luís XVI.

obras-primas dos interiores rococós. quer cronológica. Mais do que nas peças esculpidas. "Pietà". as figuras e cenas de Watteau se converteram em modelos de um estilo bastante copiado. Jean-Honoré Fragonard . paisagens ("O casario de Issei") e cenas de interior ("O pintor em seu estúdio"). as expressões ingênuas e maliciosas de suas numerosas figuras de deusas e ninfas em trajes sugestivos e atitudes graciosas e sensuais não evocavam a solenidade clássica. Suas esculturas eram em geral feitas em madeira e a seguir policromadas. pintou. No final do reinado de Luís XIV. 82 . Principais Artistas: Johann Michael Feichtmayr. apareceram as primeiras pinturas rococós sob influência da técnica de Rubens. (1703-1770). Fragonard destacou-se principalmente como pintor do amor e da natureza. que durante muito tempo obscureceu a verdadeira contribuição do artista para a pintura do século XIX. membro de um grupo de famílias de mestres da moldagem no estuque. (1732-1806). desenhista e retratista de talento. é em sua disposição dentro da arquitetura que se manifesta o espírito rococó. Principais Artistas: Antoine Watteau.ESCULTURA Na escultura e na pintura da Europa oriental e central. não é possível traçar uma clara linha divisória entre o barroco e o rococó. "Anjo da guarda". distinguiu-se pela criação de santos e anjos de grande tamanho. escultor alemão. Além dos quadros de caráter mitológico. quer estilisticamente. mas a alegre descontração do estilo rococó. (1709-1772). (1725-1775). PINTURA Durante muito tempo. (1684-1721). escultor alemão. "Anunciação". em que se afirmou o predomínio político e cultural da França sobre o resto da Europa. ao contrário do que ocorreu na arquitetura. alguns retratos. que dessa maneira contribuem para o equilíbrio geral da decoração interior das igrejas. Ignaz Günther. cada uma com existência própria e individual. Os grandes grupos coordenados dão lugar a figuras isoladas. Foi um dos últimos expoentes do período rococó. caracterizado por uma arte alegre e sensual. de cenas galantes em paisagens idílicas. sempre com grande perfeição no desenho. e um dos mais antigos precursores do impressionismo. um dos maiores representantes do estilo rococó na Alemanha. François Boucher. o rococó francês ficou restrito às artes decorativas e teve pequeno impacto na escultura e pintura francesas.

: As esculturas gregas originais quando feitas em mármore tinham os olhos pintados e quando feitas em bronze tinham pedras para decorar os olhos. através das escavações. onde a burguesia. com a Revolução Francesa. foi derretendo com o tempo. o "Arco do Triunfo" (mandado ser construído por Napoleão). isto é. Todos são néo-clássicos. um recomeçar. piora um pouco a arte. Começam a usar as formas gregas e góticas nas construções.NEOCLASSICISMO No final do século XVIII. Com a revolução francesa eles se achavam a própria encarnação dos heróis gregos e romanos. com suas virtudes. Tudo isso vem como conseqüência da revolução. pintou Napoleão sem os olhos. Por esse motivo temos o néo-classicismo. * academicismo nos temas e nas técnicas. levando-o a uma pintura pejorativa. Como exemplo vai surgir o Néo-classicismo na Inglaterra com as construções de castelos néo-góticos. as cidades de Pompéia e Herculano. Pintam fatos históricos. É o começo dos tempos modernos da história da Arte. Vai cair a "Maria Antonieta" quando diz ao povo. isto é. Napoleão pede para ser pintado com a mão no bolso. * arte entendida como imitação da natureza. de comer. Foram descobertas nessa época. Pintam cenas de arqueologia e cenas heróicas. etc. Obs. que esquecem dos detalhes. sujeição aos modelos e às regras ensinadas nas escolas ou academias de belas-artes. temos como conseqüência a mudança do estilo na arte. sobre a literatura medieval e sobre a mitologia. 83 . nas roupas. que estava morrendo de fome. Abandonando o estilo barroco que era trabalhoso. o povo são os vencedores. Os pintores imitam as esculturas na suas pinturas. No renascimento existe uma renovação da antigüidade. vai surgir o espírito dos tempos modernos. o néo-gótico. que vai aparecer no mobiliário. A escultura grega na Itália era feita sem os olhos. As pinturas que eram "encáusticas". num verdadeiro culto à teoria de Aristóteles. à base de cera. Na época do néo-classicismo. Todos ficam muito ligados a Roma. quase que caricaturista. Os pintores achavam que as esculturas gregas não tinham olhar de propósito e não que fosse devido a uma destruição do tempo. depois o gosto geral de se vestir. Principais características: * retorno ao passado. como se fosse um grego. por sua vez. O néo-clássico vai copiar o clássico e ao adaptar à sua época. por toda Europa e resto do mundo. pela imitação dos modelos antigos greco-latinos. Grécia. que dessem brioches à eles. O pintor néo-clássico. O pintor néo-clássico fica tão ligado ao clássico. Com o passar dos tempos os cristãos tiraram as pedras preciosas dos olhos das esculturas que então ficaram sem o olhar. Em Paris vão construir a Igreja "La Madeleine". Surge o estilo Império.

registrou fatos históricos ligados à vida do imperador. Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867). Sua obra abrange. a arquitetura neoclássica seguiu o modelo dos templos greco-romanos ou o das edificações do Renascimento italiano. e a Porta do Brandemburgo. que desenhar uma linha perfeita era muito mais importante do que colorir. Diante daquelas construções. por exemplo. A modernidade de Ingres está justamente na visão distanciada que tinha de sue retratados. o pintor foi uma espécie de cronista visual da sociedade de seu tempo. mestre inegável do equilíbrio da composição. Jacques-Louis David . Ardoroso defensor da pureza das formas. Seus retratos são invariavelmente enriquecidos com mantos aveludados. em Paris. Exemplo: Casa Branca dos Estados Unidos. foram cobertas pelas lavas do vulcão Vesúvio. refletindo racionalismo dominante. retratos e paisagens. os historiadores de arte acreditavam que os edifícios gregos eram recobertos com mármore branco. PINTURA A pintura desse período foi inspirada principalmente na escultura clássica grega e na pintura renascentista italiana. mas a crítica moderna vê nos retratos e nus o seu trabalho mais admirável. repetia a seus alunos. Suas obras geralmente expressam um vibrante realismo. contudo foi Ingres.C. tornou-se o pintor oficial do Império de Napoleão. principalmente no gosto pelo poder e na sua confiança na individualidade. ele afirmava. 84 . sem dúvida. numa época em que se consumava o processo de aliança entre a nobreza e a burguesia. * Exatidão nos contornos * Harmonia do colorido Os maiores representantes da pintura neoclássica são. Amante declarado da tradição. " A pincelada deve ser tão fina como a casca de uma cebola". Características da pintura: * Formalismo na composição. mas algumas delas exprimem fortes emoções.ARQUITETURA Tanto nas construções civis quanto nas religiosas. Durante o governo de Napoleão. Ingres acreditava qua a tarefa primordial da arte era produzir quadros históricos. Ingres passou a vida brigando contra a vanguarda artística francesa representada pelo pintor romântico Eugène Delacroix. o mais revolucionário dos dois. Obra destacada: Bonaparte atravessando os Alpes e Morte de Marat. mais tarde.. Ingres soube registrar a fisionomia da classe burguesa do seu tempo. ocasionando a construção de tantos edifícios brancos. sobretudo em Rafael. O detalhismo também é uma das suas marcas registradas. nus. num erro de interpretação. no ano de 79 a. Para seu conhecimento: Forte influência da arquitetura neoclássica foi a descoberta arqueológica das cidades italianas de Pompéia e Herculano que. rendas. Exemplos dessa arquitetura são a igreja de Santa Genoveva. além de composições mitológicas e literárias. em Berlim. e não o retórico e inflamado Delacroix. na recusa a produzir qualquer julgamento moral a respeito deles.foi considerado o pintor da Revolução Francesa. transformada depois no Panteão Nacional. flores e jóias.

Observa-se. ARQUITETURA E ESCULTURA A escultura e a arquitetura registram pouca novidade. Mais cor e menos desenho. o neoclássico. * Composição em diagonal sugerindo instabilidade e dinamismo ao observador. Do mesmo modo. o amor.ROMANTISMO A palavra vem de romance. em que os direitos individuais fossem respeitados. Escreviam não em latim. a atividade artística tornou-se complexa. menos razão. Características gerais: * a valorização dos sentimentos e da imaginação. grosso modo. * o nacionalismo. Tudo é muito romântico e assim lidam com a emoção pela emoção. Vão escrever muito sobre a lenda do Rei Artur. forte. Em nome do romance. História das aventuras medievais. Tem mais liberdade e menos regras que o néo-clássico. gerando o neogótico. Pregam a liberdade individual acima de regras e de normas. Os artistas românticos procuraram se libertar das convenções acadêmicas em favor da livre expressão da personalidade do artista. profunda veneração à natureza. e pela Revolução Francesa que lutava por uma sociedade mais harmônica. * Valorização das cores e do claro-escuro. O pintor vai ser muito dramático e emotivo. provocando a divisão do trabalho e o início da especialização da mão-deobra. e * os sentimentos do presente tais como: Liberdade. o poder. eles adoram a liberdade. Amam os gregos também. O propósito dos artistas românticos era a volta à natureza sublime. Obra Destacada: Edifício do Parlamento Inglês PINTURA Características da pintura: * Aproximação das formas barrocas. Vez por outra retomou-se o estilo gótico da época medieval. A essência do romantismo é a glorificação dos instintos. mas em língua românica. políticas e culturais causadas por acontecimentos do final do século XVIII que foram a Revolução Industrial que gerou novos inventos com o objetivo de solucionar os problemas técnicos decorrentes do aumento de produção. pitoresca. O belo para eles é muito relativo e individual. Pintam muitas paisagens.O século XIX foi agitado por fortes mudanças sociais. e * Dramaticidade 85 . traduziu-se essa expectativa na Declaração dos Direitos do Homem e do Cidadão. * a valorização da natureza como princípios da criação artística. a permanência do estilo anterior. Mais sentimentos. a violência. Igualdade e Fraternidade.

Turner . Uma das primeiras vezes que a arte registra a presença da máquina (locomotiva). a entronização do rei Luís Felipe. Obra destacada: Os Fuzilamentos de 3 de maio de 1808. Obras destacadas: Chuva. o pintor viveu a maior parte da vida jovem e adulta num mundo que voltava aos poucos à antiga ordem natural das coisas. seres deformados. em 1963. Goya e sua mitologia povoada por sonhos e pesadelos. e * Mitologia Grega Principais artistas: Goya . muitas vezes tomado como um símbolo das lutas populares e republicanas. 86 . suas obras apresentam forte comprometimento político e o valor da pintura é assegurado pelo uso das cores. admirado pelo poeta Charles Baudelaire e indiferente às demais celebridades de seu tempo. dono de uma língua ferina. de interpretar a realidade. Delacroix tinha noção da própria grandeza. tons opressivos. rico e namorador. aquele em que a burguesia revolucionária colhia os frutos de seu triunfo sobre a monarquia dos reis Capeto. em 1746. mas por meio do estudo da luz que a natureza reflete. os horrores da guerra. das luzes e das sombras. em 1828. dando-nos a sensação de grande movimentação. de agir. Seu quadro mais conhecido A Liberdade Guiando o Povo. * Natureza revelando um dinamismo equivalente as emoções humanas. Trabalhou temas diversos: retratos de personalidades da corte espanhola e de pessoas do povo. menos de dois meses antes de morrer. Espanha. Veneza.representou grandes movimentos da natureza. Para seu conhecimento: A palavra romantismo designa uma maneira de se comportar.Temas da pintura: * Fatos reais da história nacional e contemporânea da vida dos artistas. Culto. em 1830. Senhor absoluto da caricatura do seu tempo. escreveu na derradeira nota de seus famosos diários. Eugène Delacroix (1798-1863).Nasceu no pequeno povoado de Fuendetodos. Morreu em Bordeaux. por uma atitude emotiva diante das coisas e esse comportamento pode ocorrer em qualquer tempo da história. foi feito por inspiração do movimento que levou Luís Felipe ao trono da França. cenas históricas e as lutas pela liberdade. Assistiu à ascensão e queda de Napoleão Bonaparte. Representava assuntos abstratos personificando-os (alegorias). a ação incompreensível de monstros. Nascido num momento crucial da História da França. Amigo do compositor Frèderic Chopin. O comportamento romântico caracteriza-se pelo sonho. inimigo do romancista Honoré de Balzac. "A principal qualidade de um quadro é ser uma festa para os olhos". a restauração da dinastia dos Bourbon e. finalmente. procurou descrever certa atmosfera da paisagem. Vapor e Velocidade e O Grande Canal.

como a mitologia. assumindo muitas vezes uma intenção política em suas obras. hoje logotipo da "Cidade Luz". Obras destacadas: Balzac.não se preocupou com a idealização da realidade. um estilo delimitado no tempo. uma nova tendência estética chamada Realismo. bibliotecas. que se desenvolveu ao lado da crescente industrialização das sociedades. tanto para os operários quanto para a nova burguesia. portanto. lojas. Os Burgueses de Calais. PINTURA Características da pintura: * Representação da realidade com a mesma objetividade com que um cientista estuda um 87 .Romantismo designa uma tendência geral da vida e da arte. Ao contrário. estações. O homem europeu. os escultores preferiam os temas contemporâneos. ferroviárias. Em 1889. Não existem temas abstratos para o realista. São características gerais: * o cientificismo * a valorização do objeto * o sóbrio e o minucioso * a expressão da realidade e dos aspectos descritivos ARQUITETURA Os arquitetos e engenheiros procuram responder adequadamente às novas necessidades urbanas. Além disso. ESCULTURA Auguste Rodin . nomeia um sistema. inclusive em suas criações artísticas. Gustavo Eiffel levanta. hospitais e moradias. armazéns. escolas. sobretudo na pintura francesa. O Beijo e O Pensador. a Torre Eiffel. que tinha aprendido a utilizar o conhecimento científico e a técnica para interpretar e dominar a natureza convenceu-se de que precisava ser realista. criadas pela industrialização. em Paris. deixando de lado as visões subjetivas e emotivas da realidade. As cidades não exigem mais ricos palácios e templos. Elas precisam de fábricas. procurou recriar os seres tais como eles são. REALISMO Aparece quando o romantismo está no auge. Entre 1850 e 1900 surge nas artes européias. etc. Sua característica principal é a fixação do momento significativo de um gesto humano.

Manifesta sua simpatia particular pelos trabalhadores e pelos homens mais pobres da sociedade no século XIX.) e também gostam muito da burguesia e quase todos os artistas também são burgueses. a arte manifesta um protesto em favor dos oprimidos. elevando esses tipos à categoria de heróis. que são duas pessoas rezando à tarde. em resumo . "Angelus". próximo à Paris. O grande pilar dessa escola é MILLET que vai pintar "Angelus". Pintam muito o outono com sua luz dourada fantástica. etc. * Pintura social denunciando as injustiças e as imensas desigualdades entre a miséria dos trabalhadores e a opulência da burguesia. Jean-François Millet. a fealdade. As pessoas das classes menos favorecidas . ESCOLA DE BARBIZON Barbizon era um vilarejo nas bordas da floresta de Fontaineblaux. Barbizon vai querer empregar a luz pela primeira vez. Rembrandt. Pintam muitas paisagens modestas. * Ao artista não cabe "melhorar" artisticamente a natureza. Temas da pintura: * Politização: a arte passa a ser um meio para denunciar uma ordem social que consideram injusta. Obra destacada: Moças Peneirando o Trigo. Seus numerosos desenhos de paisagens influenciaram. * Revelação dos aspectos mais característicos e expressivos da realidade. Essa obra vai ser reproduzida muitas vezes. principalmente das classes populares.foi considerado o criador do realismo social na pintura. A escola de Barbizon é muito importante porque vai ser a primeira vez que vão pintar ao ar livre antes do impressionismo. 88 .o povo. Principais pintores: Courbet . a vulgaridade dos tipos que pintavam. sendo quase que científica a sua forma de pensar. pois a beleza está na realidade tal qual ela é.fenômeno da natureza. ou seja o pintor buscava representar o mundo de maneira documental.tornaram-se assunto freqüente da pintura realista. por exemplo. o relâmpago. É o caso. criou uma obra realista na qual o principal elemento é a ligação atávica do homem com a terra. pois procurou retratar em suas telas temas da vida cotidiana. Vermeer. e. como era a natureza. sensível observador da vida campestre. a chuva. Foi educado num meio de profunda religiosidade e respeito pela natureza. Pissarro e Van Gogh. Todos os artistas de Barbizon admiram profundamente a arte Holandesa (da época barroca. Passam o dia pintando na floresta. tem um duplo movimento. Alguns pintores do romantismo vão pintar ao ar livre para ver como cai o granizo. final de dia. Em arte. mais tarde. Trabalhou na lavoura desde muito cedo. Heróis que nada têm a ver com os idealizados heróis da pintura romântica. Os artistas incorporavam a rudeza.

COROT: Outro grande pintor da escola.Millet nasceu camponês e vai pintar semeadores. romantismo e realismo. É a primeira vez que a paisagem é reconhecida como obra de arte. A paisagem barroca era encomendada aqui na escola de Barbizon. 89 . É considerado o pintor mais importante da Escola de Barbizon. Pinta paisagens. por uma atitude racional das coisas pode ocorrer em qualquer tempo da história. Para seu conhecimento Courbet dizia: "Sou democrata. como a água corre. Esse comportamento caracteriza-se pela objetividade. bem próximo ao impressionismo cujo primeiro quadro surgiria em 1874. O néo-classicismo. de interpretar a realidade. A escola de Barbizon é um estilo que significa "ao ar livre". amigo da verdade e verdadeiro" A palavra realismo designa uma maneira de agir. A partir de 1855 é que o pintor começa a pintar o que sente. seivadores. Vão pintar paisagens e são aceitos na exposição universal em Paris. socialista. DAUMIER: Também pinta camponeses. realista. não só por encomenda. Esses pintores vão participar de uma exposição universal em 1855. Vai pintar o rio. às vezes introduzindo um cachorro ou uma pessoa no meio da paisagem. mas sendo o personagem em segundo plano e a paisagem em primeiro. ocorreram bem próximos num movimento de 100 anos. O termo Realismo significa um estilo de época que predominou na segunda metade do século XIX. republicano.

Fez duas telas: "Olimpiá" (sobre as prostitutas) e cujo tema chocava o público e "O almoço na relva" (onde os homens se encontravam com as mulheres) causando um escândalo na época. É o observador que. A mistura deixa. obtendo o resultado final. definir suas metas. um amarelo próximo a um violeta produz uma impressão de luz e de sombra muito mais real do que o claro-escuro tão valorizado pelos pintores barrocos. ao admirar a pintura. devem ser puras e dissociadas nos quadros em pequenas pinceladas. dependendo da incidência da luz do sol. pois ainda se mantinham fiéis aos princípios acadêmicos da pintura. Pelo contrário. Assim. Mas o público e a crítica reagiram muito mal ao novo movimento. 90 . como os pintores costumavam representá-las no passado. muito mais práticas do que teóricas. * As sombras devem ser luminosas e coloridas. pois as cores da natureza se modificam constantemente. tal como é a impressão visual que nos causam. Ele foi o mais atacado pela crítica e pelo público.IMPRESSIONISMO O Impressionismo foi um movimento artístico que revolucionou profundamente a pintura e deu início às grandes tendências da arte do século XX. portanto. A primeira vez que o público teve contato com a obra dos impressionistas foi numa exposição coletiva realizada em Paris. discutir suas idéias. em abril de 1874. HISTÓRIA DO IMPRESSIONISMO O Café Guerbois era o local onde os impressionistas se encontravam para bater papo. combina as várias cores. que era o mais tradicionalista. dentre os pintores impressionistas. e não escuras ou pretas. Edward Manet. * As cores e tonalidades não devem ser obtidas pela mistura das tintas na paleta do pintor. foi eleito o chefe desse movimento que estava se iniciando. pois a linha é uma abstração do ser humano para representar imagens. * As figuras não devem ter contornos nítidos. Principais características da pintura: * A pintura deve registrar as tonalidades que os objetos adquirem ao refletir a luz solar num determinado momento. * Os contrastes de luz e sombra devem ser obtidos de acordo com a lei das cores complementares. de ser técnica para se óptica. que os artistas seguiam em seus procedimentos técnicos para obter os resultados que caracterizaram a pintura impressionista. Havia algumas considerações gerais.

A fotografia vai ser importante nesse momento. o fugaz. Eles nunca tiveram a pretensão de descobrir a luz. 4. 11. de substituir tudo por coisas novas e industrializadas. é fonte imediata de sensações. Mistura ótica das cores.O aprimoramento técnico em todos os setores do desenvolvimento industrial imperava o desejo do novo. Uso da temática japonesa. O impressionismo é inovador não só da prática ao ar livre. 6. O Impressionismo é definido como tentativa inédita de pegar a realidade da luz. 10. O homem percebe que sua existência é uma luta. 3. Pinceladas bem amplas porque o tempo é escasso. 9. 91 . O Impressionismo. 12. A forma é dada pela cor. Diante disso o artista teve que repensar seu momento para mudar sua arte. Ele passa a ter consciência do caráter transitório. 7. Passaram a fotografar tudo ao ar livre. os barrocos é que a descobriram. Nas suas pinturas vão empregar o caráter inacabado. Resolvem fazer um salão só para eles que vai ser denominado de "O salão dos recusados". as impressões do momento. Vão lutar 30 anos para serem aceitos. Vão inventar a máquina fotográfica portátil. É retirado o preto da palheta. foi a solução que abriu definitivamente novos horizontes para a Arte Moderna. 8. O pintor sai do atelier e vai pintar ao ar livre (acaba o “posar”). Os Impressionistas captam esse aspecto transitório da vida e do mundo. 5. Imperava a máquina fotográfica. Liberdade para captar. Muita luz e amarelo. o reflexo como a luz e a fumaça e as nuvens são usadas constantemente. 2. mutável das coisas. Os valores mudam completamente. Muita luz e sombra. O efêmero. Eles começam a pintar mais o que SENTEM do que o que eles VÊEM. uma competição. Tentam entrar nos salões e são impedidos. sem qualquer regra. pois provocaram uma verdadeira revolução na Arte. O maior pintor Impressionista é Claude Monet. mas também no seu método de trabalho. Desaparecem os contornos das figuras. Para os impressionistas a natureza não é um material de reflexão. PRINCIPAIS CONCEITOS DO IMPRESSIONISMO 1. com todos esses conceitos. Vão fazer poucos detalhes.

A originalidade impressionista de captar o instante é chamada de "A Impressão Primeira". O imaginário é super importante. Foi um modismo da época. ele apenas a sugere. Os artistas impressionistas descobriram o Japão por eles próprios. etc. De um modo geral. É uma obra em aberto. na história da arte. uma cultura nova. Monet. Ele vão fazer a composição com o objetivo de registrar o momento. aquele olhar que capta tudo. Eles utilizam cores leves. também colocou elementos da pintura japonesa como o biombo japonês com pássaros e flores. pelos impressionistas. Os impressionistas já tinham a técnica inovadora. O tempo é o que importa e o que pela primeira vez foi representado. em sua pintura. Os portos do Japão foram abertos e começou a chegar muitos produtos japoneses. por exemplo. acinzentadas e muita montanha. (maçãs embaladas em papel. etc. eles ficavam muito impressionados pelo novo. popular. JAPONISMO NO IMPRESSIONISMO: A casa de Claude Monet era inteirinha decorada pela pintura japonesa que estava no auge. através de uma série de coisas. 92 . onde os navios começaram a chegar com as mercadorias estrangeiras.Eles renunciaram a visão das formas que nós temos e a substituíram por um método em que o imaginário tem sempre um papel a desempenhar. eles retiraram todos os conhecimentos dos japoneses.). É uma simplificação idealista das perspectivas na superfície do quadro. que é transitório. Achavam que o Japão era um povo diferenciado. A forma de perspectiva japonesa “perspectiva em corte de viés” vai ser usada algumas vezes por Van Gogh e Degas. O impressionismo não é uma reprodução servil da realidade. Esta arte japonesa vai influenciar pintores como Manet. etc. O motivo é captado quase que anarquicamente pelo primeiro olhar. Como os impressionistas eram artistas de vanguarda. Degas e Van Gogh. a montanha da pintura japonesa e colocar na pintura deles como uma recordação. é o "Triunfo do Espírito de Análise". Os impressionistas vão extrair. Para a pintura japonesa o tema não é tão importante. Eles achavam que os japoneses tinham uma arte mais decorativa do que considerada como um estilo. um Samurai. uma técnica nova. requintada e lendária (de muitos séculos). A paisagem torna-se aquele "pega no ar". que foram os que mais sofreram influência japonesa. A arte japonesa era uma arte pitoresca. Manet. Em 1862 foram abertos os armazéns do Porto de Desoye.

Jamais teve uma contemplação passiva com a natureza. instalou seu próprio ateliê. obra revolucionária para os padrões da época. A liberdade. a obra do pintor finalmente obteve reconhecimento. No Salão de 1865. em 23 de janeiro de 1832. como aprendiz de piloto. embarcou com destino ao Rio de Janeiro. Na época. Taunay no livro No Rio de Janeiro de Dom Pedro II (1947). preferia ficar na praia. ingressou no ateliê de Thomas Couture e. Tinha uma mania de fazer caricaturas em seu caderno desde os 7 anos de idade. Quando ele tinha 5 anos a família foi morar no porto de Le Havre. filho de um comerciante de especiarias (que hoje seria um empresário). então. em 1862. após seis anos. foi exposto no ateliê de Manet. com o momento. A preocupação dele foi sempre reter na tela o sol. Em 1874. A breve passagem pela cidade está documentada nas cartas que enviou do Brasil a seus familiares na França. mas a família rejeitou sua pretensão de tornar-se pintor. Após a exposição realizada em sua memória. começou a pintar cenas de hipódromos. Tinha uma relação muito ativa e dinâmica com a obra de arte.PRINCIPAIS ARTISTAS ÉDOUARD MANET Édouard Manet nasceu em Paris. a água. No ano seguinte. o vento. no instante em que isso acontecia e da maneira como o olho percebia. Foi então melhorando seu desenho e 93 . Em 1859. com o instante. Nasceu em Paris. o júri do Salão da Academia Real rejeitou o quadro "Déjeuner sur l'herbe". o quadro provocou violenta reação dos críticos. rejeitado pelo Salão. No ano seguinte. Já no colégio Rollin. Em dezembro de 1848. traduzidas e comentadas por Afonso de E. Manet casou-se com Suzanne Leenhoff em 1863. CLAUDE MONET: Nasceu em 1840 e morreu em 1926. Foi aí que aconteceu a segunda guerra mundial. onde provocou a admiração dos jovens pintores que mais tarde integrariam o grupo impressionista. chocados com a presença de uma mulher nua em meio a homens vestidos. Émile Zola publicou então um artigo em que o elogiava. entre elas "As corridas de Longchamp". onde o mar vai assumir muita importância para ele. "Música nas Tulherias". o horizonte foi muito importante na sua formação. Tinha uma forma de ver e sentir a dinâmica do tempo como nenhum outro pintor impressionista teve. demonstrou interesse pelo desenho. em junho de 1849. cena ao ar livre que reúne figuras da sociedade parisiense do segundo império. o infinito do mar. Manet a expôs. "O pífaro". tornou-se amigo de Claude Monet e outros pintores impressionistas. No início da guerra franco-prussiana de 1870. Aprendeu a vibrar com a paisagem. pintou "O bebedor de absinto" e. onde fez os primeiros estudos. a tela "Olympia" provocou novo escândalo. Embora inspirado em obras de antigos mestres como Giorgione e Rafael. Manet se alistou na guarda nacional. Não foi aluno brilhante na escola. Manet morreu em Paris em 30 de abril de 1883. Após regressar à França. com a liberdade. Em 1863. seus pais finalmente aceitaram sua carreira de pintor. no Salon des Refusés (Salão dos Recusados).

sem exames e de ensino muito informal. O dinheiro que arrecadava comprava mais material para sua pintura. Lá ele conheceu Pissarro que foram pintar juntos em Mont Martre (onde os pintores pintavam muito). Nessa época aconteceu a guerra franco-prussiana. Como não deram atenção. O “Atelier Suíço” era uma escola de vanguarda. Monet passa por dificuldades financeiras quando nasce nessa época o seu primeiro filho Jean. Conheceu também Coubert (pintor Realista). Criava galinhas. onde ficou super depressivo. Não quis seguir nenhuma profissão que o pai escolhera para ele. que vai dar apoio substancial aos impressionistas. cada uma de uma cor. não ter dinheiro para pegar uma condução para visitar a esposa no Hospital que tinha dado a luz. Cada um levava uma alimento como: pão. Desta vez Monet passa a cobrar dos marinheiros pois não os conhecia (10 a 20 francos por caricatura). Voltando da Argélia foi para a casa dos pais para se recuperar e onde decidiu voltar logo à Paris. Vai decidir estudar no "Atelier Suíço". Monet passa a convidar gente para ir à casa dele. Holanda com o trem Maria-fumaça. em Argenteuil. Vai praticamente sustentar Monet que vai pinta muitos quadros para ele. onde vai passar frio e fome. laranja e verde). mas achou uma escola muito acadêmica. No cais de Le Havre. com exceção de Basile que morreu na guerra da Prússia. para o próximo encontro. costume que os franceses não tinham. Monet antes de voltar à Paris passará pela Bélgica. Em 1866 pintou uma moça que achou muito bonita chamada Camille e expôs o quadro obtendo muito sucesso. Ele é banqueiro. Na França vai morar as margens do Sena a poucos quilômetros de Paris. Prestou um exame. etc. E. Na Bélgica vai gostar mais do trabalho de Rubens. Passa a fazer até caricaturas nos bares. 94 . Os pais não gostando dessa situação vai cortar novamente a ajuda financeira. para estudar na escola de Belas Artes de Paris. ele resolve então casar com Camille. muito aberta e livre. Vai estudar muito as obras de Constable e Turner. vai pegar sua esposa e filho e fugir para Londres. O fundamental para os impressionistas era usar as cores amarelo. Todos os domingos os chamados rebeldes como: Pissarro. azul e vermelho (cores primárias) e as cores complementares (roxo. Vai pintar o Parlamento em Londres (Renoir também pintou o parlamento). francês. Começa a construir seu primeiro jardim. como Monet já tinha lutado na guerra anteriormente. os marinheiros também se interessaram e pediram então a ele que também fizesse caricaturas. Quando seu pai descobriu cortou sua mesada. pato. Não cobrava dos amigos. queijo e uma plantinha para fazer o seu jardim. Renoir. crítico. Os pais voltam a dar ajuda financeira até que Monet (de classe média alta) vai viver com uma modelo de classe social bem modesta. Vai conhecer um comerciante de arte riquíssimo. Em 1859 Monet leva uma carta de apresentação de uma tia (que pintava mal). Monet vai pedir para que todos levassem flores. Em Paris volta a pintar e nessa época vai conhecer Renoir e Sisley. Manet se reuniam para pintar na casa de Monet. messenas. Monet estava tão pobre a ponto de quase não ter o que comer.passando a receber encomendas de mais caricaturas. Com 17 anos decidiu ser pintor. conseguiu entrar. onde se empolga muito com o trabalho de Rembrandt. Foi nessa época interrompido pelo serviço militar tendo que ir para Argélia. A partir daí eles começaram a trabalhar “o que era impressionismo”. Os seus amigos ajudavam dando comida para ele sobreviver. Ele ficou tão desesperado que tentou o suicídio para que a sua família percebesse o seu problema. chamado Paul Duran Ruel. O pai incentiva-o a ir estudar em Paris. Sisley.

O que importa para Monet é ver a luminosidade. festivas. onde é inverno e de uma tristeza profunda. Em 1875 conheceu um milionário chamado Hoscheder que vai ajudá-lo muito. em uma exposição na Rússia. Um dia passando por Rouen encontra uma casinha encantadora em Giverny. Monet percebeu que as sombras não eram simplesmente áreas mais escuras. Monet vai deixar de escurecer as sombras. Resolvem pintar também em outros lugares como na Cote d'Arzur. Quando vai ao campo. e todo aquele envolvimento que o trem faz. Passa a ser muito mais interessante a atmosfera do que a paisagem. quando suas obras são mais alegres. Kandinski fica muito encantado ao ver os quadros de feno de Monet. mas sombras com tonalidades diferentes e não mais só de uma cor. Começa a viver lá com os filhos que tinha e com a mulher e filhos de Hoscheder. Fica feliz com o nascimento de seu segundo filho e nesta época também está ganhando melhor. É a busca do tempo perdido. Vão tirar da paleta o preto e quase todas as terras como: terra-de-siena. que eram amigos da família de Monet. o lugar. sendo quase que uma abstração do conteúdo. Ao ar livre a cor do objeto muda muito em função da atmosfera que filtra a luz e permite o reflexo. Monet faz uma série de quadros de feno e outra série de pinturas. O que a pouco tinha uma forma volumosa. ele prefere focalizar o mesmo ambiente nas diferentes horas do dia". bonitas e suas composições são melhores. A atmosfera muda o tempo todo conforme a hora. as brumas. Todos moravam ali por perto. etc. Constrói um jardim de estilo normando maravilhoso. Pinta cada vez mais e vai visitar Cezanne em L'Staque e depois Renoir. Essa obsessão das cores complementares vai acontecer quando vão pintar ao ar livre. As cores complementares virão sempre ao lado das cores primárias. O artista vai se ligar muito na atmosfera. Hoje você passa por baixo dessa estrada por um túnel. Monet passa a pintar mais em Giverny e a ganhar mais. pois vai refletir a tristeza que sentia pela morte de sua esposa. Monet vai sair de Paris e Hoscheder e sua família. Kandinski com essa influência do Monet consegue se desenvolver para o abstrato. a temperatura. pega uma charrete e volta para Giverny onde vai compra aquela casa. Ele vai expor 56 telas na galeria do Duran Ruel sendo quando quase um sucesso (pois não vendeu todas as telas). as Ninféias. de repente pode ser uma leve sugestão. A situação pessoal dele tinha altos e baixos.As cores complementares vão ser um dogma para os impressionistas. deixando-o muito deprimido. Vai pintar muito pouco e obras bem tristes. bem iluminadas. "Quando o artista Monet toma plena consciência da importância da atmosfera. Durante 30 anos Monet vai morar em Giverny pintando a mesma coisa. Constrói um jardim oriental aquático do lado de lá. Depois de deixar o trem. Vai 95 . Vai pintar em uma plataforma numa estação de trem para ver o trem sair e chegar. do momento. Já não interessa tanto percorrer o rio Sena a fim de pintar as diversas situações que aconteciam as suas margens. obras bem claras. que tinha sumido. Resolve comprar o terreno do outro lado da estrada em frente a casa. As sombras vão ser obtidas mediante o emprego das cores complementares. Percebe que tem que viajar ao longo do tempo. pintando ao contrário. Vai ser uma característica muito típica da linguagem impressionista. vai a falência. Só que 1 ano depois em 1879 morre sua esposa. Fica muito encantado com aquela pintura que dava a impressão de feno. Vai melhorando e aumentando a casa. Em 1878 nasce seu segundo filho Michael. ou as pessoas. O seu trabalho mais importante dessa época chama-se "Rua da Aldeia". Eles vêem a natureza com a mente além dos olhos. comprando muitas obras durante 3 anos. deixa de viajar ao longo do espaço para viajar ao longo do tempo.

Monet era mais aberto e por isso vai ser um pintor quase que contemporâneo. Morreu no sul da França. Mais tarde retomaria a plenitude da cor e recuperaria sua pincelada enérgica e ligeira. AUGUSTE RENOIR De origem humilde. evidente na longa série Banhistas. era conseguir realizar uma obra agradável aos olhos. pintando ao ar livre. além de aperfeiçoar sua técnica. por sua beleza e sensualidade. com motivos que lembram o mestre Ingres. em que conseguiu elaborar uma atmosfera de vivacidade e alegria à sombra refrescante de algumas árvores. nada o afasta de seu trabalho. Monet e Bazille. São inesquecíveis poesias cromáticas. Seu principal objetivo. embora não faltasse um pouco da delicadeza de seu ofício anterior como decorador de porcelana. Enquanto Renoir trabalhava por encomenda. onde faz o maior sucesso. com quem compartilhou dias de muita conversa e teorização em Paris e de árduo trabalho em Argenteuil. conseguindo expor e vender.pintar a Catedral de Rouen em 20 variantes no verão. ganhando muito bem.de fato. Teve uma espécie de malária o que não diminuiu o seu trabalho. Mesmo doente. buscando o impressionismo por toda a sua vida e por esse aspecto vai ser muito mais bem aceito do que o próprio Renoir. idoso. Renoir nunca deixou de dar importância à forma . no qual se voltou para uma pintura mais figurativa. outono. Morreu em 05 de dezembro em 1926. ofício que aprendeu numa escola noturna. Em 1896 vai expor essas pinturas na Galeria Duran Ruel. Renoir vai pintar as encomendas da família do banqueiro e as meninas no piano. Ele fica muito rico. na cidade de Cagnes-sur-Mer. Monet pintava o que queria. inverno. “Monet buscou sempre a luz em movimento em uma atmosfera mágica”. como ele próprio afirmava. aqui e ali intensamente azuis. Sua obra de maior impacto é O Baile no Moulin de la Galette. Desde o princípio sua obra foi influenciada pelo sensualismo e pela elegância do rococó. São dezenas de trabalhos em estudos. Em 1900 Renoir foi nomeado Cavalheiro da Legião de Honra. 96 . Monet pintava o que gostava. Apesar de sua técnica ser essencialmente impressionista. telas. Um político francês fica encantado com seu trabalho e a partir de 1896 Monet é considerado o mais famoso pintor dos impressionistas. etc. conquistou a amizade de Sisley. Começou a pintar a série das ninféias no ano de 1899. Aluga uma casinha em frente a Catedral para pintá-la em suas variações durante o dia. teve um período de rebeldia diante das obras de seus amigos. Assistindo às aulas no ateliê de Gleyre. aceito publicamente antes de todos os outros pintores. Renoir (1841-1919) começou muito cedo a ganhar a vida como pintor de porcelana.

EDGAR DEGAS Nascido em uma família rica. apenas uma vez por semana. 97 . embora tivesse continuado a se dedicar aos quadros históricos e de gênero. tecnicamente falando. que foi aluno de Ingres. um aluno de Jean Auguste Dominique Ingres. não hesitou em aplicar todas as teorias renascentistas sobre espaço e perspectiva. em 19 de março. Em 1876 estudou a Gramática das Artes do Desenho de Charles Blanc. Degas foi. o que melhor se utilizou da fotografia. na turma de pintura de Henri Lehmann. A mãe. interessado nas teorias de seus amigos do café Guerbois. tendentes à desmitificação da mulher. Entre 1875 e 1877 Seurat freqüenta o Curso de Desenho numa escola estatal noturna. quando. Tinha reunido uma pequena fortuna e levou uma vida solitária como reformado na sua casa de Verão. na École des Beaux-Arts e ingressou. Então iniciou uma amizade com Edmond Aman-Jean. Ele estuda os antigos mestres no Louvre. Depois inscreveuse na Academia de Belas-Artes. nº 110. Todos esses temas lhe permitiram fazer experiências com a cor e o movimento e. que o escultor Justin Lequien dirigia. Degas (1834-1917). ele também era um pintor amador. Seurat é admitido. Seurat é introduzido na pintura pelo seu tio materno. Isso lhe valeu críticas e o apelido de solteirão misógino. Também se interessou vivamente pelos quadros de Ukiyo-e japoneses. descendia de uma família abastada da classe média Parisiense. nº 60. Suas obras se encontram nos museus mais importantes do mundo. freqüentou os melhores colégios de Paris e concluiu seus estudos de direito sem dificuldade. em Paris. Visitava a família. que morava desde 1862 na Boulevard Magenta. entre outros. com a força descritiva do traço. ópera e corrida de cavalos. o comerciante de tecidos Paul Haumonté-Faivre. para estudar a obra dos mestres do cinquecento. juntamente com Aman-Jean. fez uma viagem à Itália. fazendo tentativas com planos e pontos de vista inusitados. O filho tinha uma relação estreita e afetuosa com ela. Chrysostome-Antoine Seurat. De todos os impressionistas. Voltando à França entrou em contato com o grupo de impressionistas. A partir de 1870. algo que Degas admirava em Ingres. principalmente. Em fevereiro de 1878. fez uma série de quadros de balé. quase cegas. fato que se reflete ainda mais em suas últimas obras. Ernestine Faivre. em Le Raincy. O tema principal de suas obras se concentrou nas cenas cotidianas e íntimas do mundo feminino. só podia pintar com pastel. Durante o tempo da instrução escolar (1869-1876). tinha sido antes oficial de diligências em La Villette. Nos primeiros quadros. Entre os anos de 1856 e 1857. mas ampliou depois esses critérios. ou numa casa na La Villette. GEOGES SEURAT Georges Pierre Seurat nasceu em 2 de dezembro de 1859 na Rue de Bondy. cujo pai era banqueiro. O pai. onde assistia às aulas de Lamothe. Monet e Renoir.

* preferência pelo patético. Deforma-se a figura. Principais características: * pesquisa no domínio psicológico. “expressando” sentimentos humanos. algo que ele consegue com a aplicação arbitrária das cores. é verdade que teve seguidores e que pode ser considerado o fundador do grupo Navis. Os pintores não queriam destruir os efeitos impressionistas. ao medo. inesperado. que resultou numa produção artística singular e determinante das vanguardas do século XX. Aos 35 anos tomou a decisão mais importante de sua vida: dedicar-se totalmente à pintura. Os três primeiros pintores abaixo estão incluídos nessa designação. foi tão singular como a de seus amigos Van Gogh ou Cézanne. fazendo e refazendo. Sua obra. áspera. Predominância dos valores emocionais sobre os intelectuais. Suas primeiras obras tentavam captar a simplicidade da vida no campo. como demonstra o seu famoso Cristo Amarelo.PÓS-IMPRESSIONISMO O Expressionismo é a arte do instinto. representava uma forma de pensar a pintura como filosofia de vida. martelada. * pasta grossa. vibrantes. à prostituição. em busca de novos temas. abrupto. mas queriam leválos mais longe. Corrente artística concentrada especialmente na Alemanha entre 1905 e 1930. para se libertar dos condicionamentos da Europa. ao ciúme. Utilizando cores irreais. que. * dinamismo improvisado. Principais artistas : PAUL GAUGUIN (1848-1903) Depois de passar a infância no Peru. empastando ou provocando explosões. e não faltam cenas que mostram um erotismo natural. fruto. à solidão. Começou assim uma vida de viagens e boemia. * técnica violenta: o pincel ou espátula vai e vem. Em 1887 entrou para a marinha e mais tarde trabalhou na bolsa de valores. mais precisamente para Orléans. o pintor parte para o Taiti. mais do que um conceito artístico. para ressaltar o sentimento. quase decorativamente. fundidas ou separadas. subjetiva. Suas telas surgem carregadas da iconografia exótica do lugar. segundo conhecidos do pintor. trata-se de uma pintura dramática. As cores se estendem planas e puras sobre a superfície. Gauguin voltou com os pais para a França. * cores resplandecentes. dá forma plástica ao amor. em oposição a qualquer naturalismo. longe de poder ser enquadrada em algum movimento. trágico e sombrio OBSERVAÇÃO: Alguns historiadores determinam para esses pintores o movimento ”Pós Impressionista”. à miséria humana. de 98 . No ano de 1891. Apesar disso.

amarelos. por que não deu certo e fica nervoso. A sua vida escolar foi muito fraca. não se dava com ninguém. Nasceu em Zundert. Nasceu um ano depois que sua mãe perdeu o primeiro filho. ficando alguns dias com ele. Tudo o que se sabe sobre Van Gogh foi obtido através dessas cartas. Van Gogh foi morar e trabalhar com esse tio. mas não de escrever. seu confidente. Em 1872 Théo (com apenas 15 anos) vai se encontrar com Van Gogh em Haia. não sendo nada correspondido. de gravuras e de pinturas. Van Gogh tinha um tio que era próspero negociante em Haia. Em primeiro de março de 1857 nasceu seu irmão mais moço chamado Théo que vai ser o protetor de Van Gogh por toda sua vida. a quem escreveu mais de 650 cartas. Outra coisa que detesta em 99 . próximo a fronteira da Bélgica. realizou uma exposição individual na galeria de Durand-Ruel. Van Gogh começa a ver as reproduções dos grandes pintores. Van Gogh começa a falar de arte com o irmão. Essa criança nasceu e morreu logo após o seu nascimento e a mãe o enterrou atrás de sua casa. Van Gogh passou a sua vida toda vendo a lápide atrás de sua casa com seu nome. Quando eles se separam começam a se corresponder por sentirem muito a falta um do outro. Van Gogh vê no Théo sua alma gêmea. sobre os problemas da família. Resolve não se apaixonar mais por ninguém. filha do senhorio da casa onde ele está hospedado. as cartas que escreveu. Vicent Van Gogh foi uma criança muito difícil. teologia. A moça dizia para ele que era horroroso. A sede principal era em Haia. Amsterdã e Paris. Tem um livro chamado "As cartas de Van Gogh para Théo" (para quem quiser saber muito sobre sua vida). vivendo só 37 anos. voltou ao Taiti. Era um homem muito culto. É por isso que foi um grande acontecimento em sua vida. etc. e a partir daí eles permanecem ligados para o resto da vida. A família se preocupava com ele. estudando essas gravuras. Em 1873 após esse encontro Van Gogh sai de Haia e vai trabalhar em Londres com o tio. Ele vai primeiro para Haia trabalhar como empacotador de livros e despachos também. Embora tenha estudado muito pouco. Os dois sempre vão ser muito leais e amigos um com o outro. na aldeia holandesa de Brabant. o que deixou-o muito perturbado. apaixonando-se por arte. o seu outro “eu”. Cresceu sob o estigma do seu irmão morto. filosofia. Esse tio teve um papel muito importante na sua vida. Vai se apaixonar por uma moça loira muito bonita. com cabelo espetado. Achava que tinha condições para se desenvolver como pintor. Ele se achava também muito feio. tinha uma cadeia de lojas de livros de arte. pensando. VINCENT VAN GOGH Nasceu em 30 de março em 1853 e morreu em 1890. o qual tinha o mesmo nome de Vicent Van Gogh. Obra Destacada: Jovens Taitianas com Flores de Manga. Quando voltou a Paris. Foi a primeira grande desilusão amorosa de sua vida. Ele sempre andava vagando sozinho pelos bosques. problemática. verdes e violetas. sua cultura vem de sua autoinstrução. Van Gogh nessa época tinha 19 anos. Gostava muito de ler. Queria que ele se desse bem em alguma coisa na vida. A cor adquire mais preponderância representada pelos vermelhos intensos. mas fixou-se definitivamente na ilha Dominique.sua paixão pelas nativas. em quem podia confiar. extremamente solitário. Théo é o seu irmão. e que o entendia plenamente como se fosse o outro "eu" dele. Lia muito Platão. Essa loja chamava-se Galeria Gropil com filiais em Haia.

O irmão fica horrorizado. Em 1878 volta à Holanda. Ao invés de desistir. Com 22 anos briga com o tio. no Boulevard do Capuccino. Van Gogh falava que apreciava muito as outras galerias por ter outras pinturas bem diferentes e que o tio só tinha pintura acadêmica. Tudo encanta. Em Paris vai ler muito sobre os grandes escritores da época como "Floubert. O pai fica indignado com Van Gogh. Vai pensar o que fazer da vida. Em Paris. Seu tio ficava muito aborrecido por ele ir visitar as galerias concorrentes. O tio exige que ele freqüente somente a galeria dele ou que então Van Gogh vá embora. Foi. Resolve voltar para a casa dos pais. Vai à Paris em 1875. Passa a brigar com a clientela querendo impor o que ele achava. ficando muito frustado e sem perspectiva para o futuro. Em 1876 ele sofre sua primeira grande crise nervosa depressiva. ele vai ficar extremamente místico e fervorosamente religioso. fez um curso de pastor leigo em Bruxelas. Fica muito deslumbrado com a luz de Paris e suas ruas movimentadas. para passar o Natal com os pais. Incumbido de cobrar taxas da escola. Não gostava dos países nórdicos porque era anglo-saxão. 100 . mas não adiantava dizer nada. Só que Van Gogh falava para os fregueses que comprassem as pinturas de outros pintores. ver o sol e os impressionistas que estavam acontecendo. pois poderia seguir a carreira do pai e do avô. das suas frustrações amorosas. mas achava que era impossível que ele fosse tão maníaco por religião.Londres é a falta de sol. Quer ser pastor de pobre e não de rico. à parte: A obsessão pela religião parecia uma fuga da sociedade. em Etten. A impressão sofrida fortaleceu o desejo de trabalhar com os pobres e os humildes. vai socorrê-lo. muitas vezes em seus sermões. suas palavras acabavam mais perturbando do que confortando os ouvintes. Boudelert". onde viviam os operários. Só Théo o compreende. Devido a sua crise espiritual. A partir dessa sua primeira crise. Escreve uma carta para o irmão dizendo que a miséria o atraía. só para ver a água da chuva batendo na luz e caindo nas poças. Fica frustado por querer ser pastor e o seu pai não o entender. porque nasceu num país que tem somente 3 meses de sol por ano (junho. portanto. perto de Zundert. reprovado nos exames de admissão. Fica quase com pneumonia e Théo. levando-o a conhecer as condições miseráveis da zona leste de Londres. onde é muito mal recebido. enquanto trabalhava vendendo gravuras na loja do seu tio. Só que o seu conhecimento por línguas era deficiente. que não eram vendidas na galeria de seu tio. tinha crises fortes de rolar no chão (epilepsia). Começa então a desavença com o tio. Obs. Van Gogh era muito inconstante. Van Gogh resolve ficar na galeria. Tudo o que ele fazia era extremamente exagerado. tudo o seduz. em uma escola infantil. seu irmão. Chega a passar uma noite em Paris. Adora Paris e odeia o seu emprego. Resolve ensinar francês e alemão num bairro pobre da metrópole. Tinha a alma muito parecida com a dos pintores latinos. Tornou-se assistente de um pastor metodista e começou a pregar. A família resolve ajudá-lo a estudar teologia em Amsterdã. Era maníaco-depressivo. da família. O seu pai era pastor. ele tinha que visitar as famílias dos estudantes. faltava do emprego para ir visitar as outras galerias. pois o tio era bom e só tentou ajudá-lo. Resolve voltar para a Inglaterra. julho e agosto).

a congregação o despede. Resolve voltar para Haia. ele começa a dar tudo o que ele tem. em novembro de 1878. pobre e seus pais resolvem não ajudá-lo mais. Christine não o acompanhou. Apaixona-se perdidamente por ela. também. Mais uma vez não deu certo sua vida amorosa. Multiplicaram-se nesse período os desenhos com que retratava. etc. Pintou também "Camponesa Varrendo". 101 . Ele sempre sabia que seria e se considerava um grande pintor. Um deles era o seu estúdio onde em 1885 vai pintar uma de suas mais famosas obras "Os Comedores de Batatas". etc. Théo começa a sustentá-lo a partir daí. a vida daquela gente. Em Haia recebe um conselho de um primo artista também. Ele queria viver e casar com ela. em suas cartas. ela pulou fora do relacionamento indo morar com os seus pais em Amsterdã. distrito mineiro do norte da França. Ela estava começando a gostar dele. em sua casa. mas estava doente com tuberculose. Quando a família ficou em cima. como Cristo deu tudo aos pobres. Vai pintar obras fantásticas dessa prostituta. perspectiva e anatomia humana. Ela o aceitou. mudou-se para Borinage na Bélgica. Van Gogh. distrito belga de mineração de carvão. os homens que trabalhavam na terra quase só para comer e. as suas roupas para os pobres. meias. Perto de sua casa tinha uma viúva muito bonita chamada Kee Vos. A ligação não durou muito. o de desenhar diretamente temas da natureza. Fica praticamente sem roupas. Ela tinha um bebê e estava grávida de outro. Ele estava tão pobre que o dinheiro que recebia do irmão era pouco para comprar o material de pintura. Em 1882 vai morar num quarto horrível em uma casa. Anthon Von Rappard. que era uma prima afastada. mas sabia que seria um grande pintor. Mas a família foi contra o relacionamento porque ela era viúva recente e prima. Quando ele decidiu mudar-se para o campo. Passou a estudar desenho em Bruxelas com um jovem estudante da Academia. que o adorava. dizendo que iria pegar mal na sociedade. Em abril de 1881 foi visitar Théo em Etten. quase não toma banho e muito sujo. Vendo aquela pobreza. sua irmã e camponeses em seus afazeres. foi buscá-lo de volta para a casa. fez uma mala farta de roupas. Só que a miséria que ele achou na região era muito pior do que ele pensava. "Natureza Morta com Cinco Garrafas e Tigela". Um dos quadros mais bonitos que vai pintar sobre ela chama-se "Tristeza". Viajou a Courrières. Théo vai escrever que se ele continuar com essa mulher ele vai parar de mandar dinheiro para sustentá-lo. aprendeu. Quando ele foi para lá a sua mãe. Passou a desenhar seus pais. Passa dias sem comer porque o que recebia dos pais ele dava aos pobres. agasalhos. Depois do parto ela voltou a beber e Van Gogh não teve mais como ajudá-la. Vai pintar muito o que tinha visto em Borinage. Em 1883 Van Gogh vai à Holanda ver seu pai que tinha uma nova paróquia e sentindo-se incompreendido foi viver em dois quartos alugados nas proximidades. porque estava afastando os pobres da Igreja. Quando ele ficou péssimo. volta a pintar com a mesma paixão que ele teve no misticismo.Três meses depois. Por 2 anos não tem nada escrito que fale como ele sobreviveu esse tempo. Acolhido como amigo. em seu estúdio. Estava em uma profunda crise mística. onde passou a conviver com os mineiros. dividindo o quarto com uma prostituta chamada Christine Sien. Seu pai preocupado com as condições que o filho vivia.

viviam bem. Resolve fazer uma colônia de artistas. O sol do sul da França parecia explodir de tão forte e era o sol que ele chegou a pintar exatamente como era mais tarde. pinta todo mundo. Em seguida fica muito amigo de Pissarro e Paul Gauguim. Fica íntimo da família do carteiro. Van Gogh destoava dos outros artistas porque os outros eram de família rica. Cidade próxima de Marsseilles. O motivo talvez tenha sido a morte do seu pai ou então o desejo de estar perto do irmão que se mudara para Paris. Antes de seguir para Paris. Fica impressionado com essas obras. Não acreditava que não tivesse vivido lá anteriormente. em um apartamento muito bonito. Degas e achava que todos eram antipáticos e metidos. Fica muito amigo do proprietário do café e do tenente do exército. porém. Vai escrever: "Eu quero a luz que vem de dentro. Expor para os impressionistas ainda era um obstáculo quase intransponível. os grandes cafés e ele não. Vai pintar o carteiro. A luz vai iluminar os girassóis que pinta. Deve-se aproveitar sempre isso. de ter abandonado toda a família e tudo para morar em Taiti (?). O primeiro que quis que morasse com ele foi Gauguin. O impressionismo estava no auge. Van Gogh fica apaixonado pelo sol que era tão forte a ponto de perturbar as vistas. só serviu para ele fazer desenhos sobre nus. Quando chega o verão. Vai começar a pintar cada vez mais rápido. Fica encantado com a luz do impressionismo e pinta algumas obras totalmente impressionistas. Vai convidar todo mundo para viver com ele ali. Pede a Théo. no bairro dos intelectuais e dos artistas. que ele não tinha. O sul da França para ele tinha uma equivalência com o Japão. Nessa época ainda não tinha crise nenhuma e estava pintando muitos quadros impressionistas em Arles. Pinta a família Rolan. 102 . eu quero que as cores representem as minhas emoções. As pinturas de Rubens estavam espalhadas pelas igrejas e museus da cidade. eram mais boêmios. Lá ele faz amizade com todo mundo. Van Gogh sai de Paris e vai para uma cidade no sul da França chamada Arles.Em 1884. Continua a pintar como impressionista. Disse para o seu irmão que aquela era a pátria dele e que gostaria de viver para sempre lá. Volta a Paris onde passará dois anos frutíferos entre 1886 e 1888. Vai conhecer Manet. Van Gogh não conseguia expor o que pintava. Não chega a ficar íntimo. mudou-se novamente para França. Van Gogh e Toulouse Lautrec que também tinha uma vida bem à parte. É aí que vai pintar seu primeiro auto-retrato. Vai morar com seu irmão. simplesmente porque ela existe. freqüentavam as grandes galerias. que gerenciava uma galeria em Mont Martre. Descobre a cor e escreve para o Théo: "A cor expressa algo em si. Teve uma paixão por Paul Gauguin onde via a coragem nele. Vai de qualquer modo deixar a Holanda para sempre. Resolve se matricular em uma Academia de pintura acadêmica. pois a cor é bela e o belo é sempre verdadeiro". Mas. onde fará as pinturas que mais conhecemos hoje. o padeiro. quero que as cores representem o meu coração". ficou em Antuérpia alguns meses. Pelo histórico Van Gogh deve ter sido bissexual devido a tendência de gostar de mulheres e homens. Renoir. Van Gogh entra numa fase furiosa de pintar onde vai fazer uns 300 quadros em menos de 4 meses. Aluga um sobrado amarelo numa praça chamada "La Martine". Em outubro chega Paul Gauguin para trabalhar com Van Gogh. que dê ajuda financeira à ele. já que não consegue vender. Monet.

Gauguin jogou vinho na cara do Van Gogh e foi embora para morar em um prostíbulo. Pintava. Estando tão bem no hospital em Saint Rémy. no prostíbulo. na casa de Théo. Théo pergunta para o Van Gogh o que achava que deveria fazer. Vai para um outro hospital chamado Saint Rémy. Théo vai acumulando seus quadros. Mandava seus quadros para Théo que não conseguia vendêlos. Isso perturbou mais Gauguin dizendo que jamais pisaria ali novamente. muito elogiosa. No meio a uma discussão feia. Eles eram completamente diferentes. Ele se achava um grande pintor e por isso não acreditava porque não conseguia vender nada. É nesse momento então que vai pintar. de mágoa. a morte talvez não seja a coisa mais difícil" (já começa daí a ter idéias sobre a morte). Eles brigavam o tempo todo. Nesse momento escreve novamente para Théo: "Na vida de um artista. enfim. dono de um jornal da França. todas as pessoas de Arles passam a detestá-lo por isso.Gauguin era muito organizado com tudo. Van Gogh desesperado declara que gostava muito dele e de todas as formas. ainda em Arles. Tinha uma consciência muito grande do que tinha. do seu trabalho. Os médicos consentiram mas com a condição de que fosse vigiado por um guarda. 103 . O seu olhar era de espanto. o seu quadro onde aparece com a orelha cortada. Vai visitar Van Gogh e faz com que um amigo seu. passava a pintar muitas paisagens que agrediam pela sua violência. Vivia intensamente cada momento de sua vida. Em maio de 1889 ele fala para o Théo que não dava para viver assim e que precisava ficar um tempo maior internado para melhorar e tomar remédio. Os médicos deixaram que ele transformasse o seu quanto em um atelier. Acham que Van Gogh era louco e pedem para que o prefeito de Arles expulsem-no da cidade. Gauguin era muito macho. ao redor do hospital até ao anoitecer. em frente ao espelho. próximo a Arles onde vai ficar 10 dias internado. irritando-se muito com Van Gogh. Ele já estava completamente expressionista distorcendo a imagem por vê-la também distorcida. todo o hospital. tem uma melancolia muito forte. Van Gogh achava que tinha perdido muito tempo durante sua crise sem pintar que fora dela passava a pintar tudo muito rápido em busca do tempo perdido. Van Gogh corta o lóbulo da orelha e o embrulha pedindo para entregarem à Gauguin. após suas crises. a janela. fica encantado. Volta a trabalhar com muita fúria. Vai querer sair para pintar lá fora também. Van Gogh pede ao irmão que o leve para um hospital psiquiátrico (não para completamente loucos) chamado Saint Paul. Cada vez que tinha uma crise e voltava muito fraco e abatido. Um dia um pintor pontilhista chamado Signac vendo um quadro de Van Gogh. Cria um clima muito negativo para ele. Vê anjos e demônios. Não gostou da cidade achando-a muito parada. Começou a ter outra vez uma série de crises místicas. Ele adorava pintar lá. achando que era "Deus" e que podia reformar o mundo. Gauguin ficou muito nervoso e Van Gogh ameaçou ele com uma navalha. volta para sua casa amarela. Van Gogh jogou na cara do Gauguin que o Théo estava sustentando ele também. com as tintas. onde irá pintar o seu quarto. monótona. os pincéis e muito cheio de vida. Van Gogh queria que Gauguin pintasse a mesma figura que ele e ficava discutindo sobre a pintura que saía diferente uma da outra. publique sua primeira e única crítica. Ao sair do hospital.

notável e cheio de problemas. Ele dizia que não poderia morrer enquanto seu irmão não chegasse. vai para um campo de trigo bem próximo a sua casa. acham que ele deve ter tido uma lesão cerebral ocorrida no parto. No dia 29.Gachet perguntou para onde gostaria de ir e ele respondeu à “Paris”. Foi o único quadro de Van Gogh vendido durante toda sua vida. toda estrutura para que ele pudesse pintar. Gachet estava querendo matá-lo e depois voltando atrás dizendo que não. O médico achou que ele não devia ir sozinho e resolve acompanhá-lo até Paris onde vai encontrar Toulouse Lautrec. Gachet e dizendo ao seu irmão: "A miséria teve fim". porque além de ser maníaco-depressivo. Pinta seus últimos trabalhos e começa a aceitar a sua doença achando que não tinha mais jeito. Dr. Em 27 de julho de 1890. num domingo ensolarado (detestava domingos onde o tempo parava e ele era muito ativo). pinta seu último quadro e dá um tiro no seu peito. Gachet onde passa a noite fumando cachimbo esperando por seu irmão Théo. E ele consegue colocar na tela todo aquele desespero interior. psiquiatra muito famoso na Europa. ele pinta os seus famosos quadros: "Os Ciprestes". Um dia. Dr. Dr. achando-o fantástico. sem guarda para tomar conta dele. Van Gogh não quer ver o irmão e Théo fica muito magoado. O filho do Dr. pincéis. Ele tinha 37 anos. Pissarro. que era próximo a Saint Rémy. descobre que era epiléptico (devido às crises em que rolava no chão) ou esquizofrênico. com Théo segurando sua mão. Gachet toda vez que ia a Paris trazia tintas. no sul da França. céu incrivelmente azul. "Retrato do Dr. Acaba então o momento de Paris onde ficou apenas 10 dias e volta com o médico para "Anvers". escreve para Théo. além do seu irmão. Dr. Vai confiar muito no médico. fazendo um preço especial. Gachet fala para o Théo que a situação de Van Gogh era grave e que estava no limite da loucura. morre na presença do Dr. tentando socorrê-lo. Sisley. Gachet houve o tiro e sai correndo. "O Trigal com Corvos". Gachet". Van Gogh. Nessa fase Van Gogh consegue uma certa paz interior ao encontrar alguém que o compreende. Hoje em dia. entrevista Van Gogh. Gachet e que precisava sair para respirar. Somente seis meses após essa publicação alguém resolve comprar o quadro "A vinha vermelha". fazem uma estrutura para ele pintar um pouco melhor. Falava que gostava do Dr. Toulouse Lautrec. Ele não morre na hora. Diz a Théo que o Dr. Gachet. Diz a Théo que vai cuidar dele. com um revólver na mão. 104 . Todos violentos. sozinho. quando começa a ter mania de perseguição. Gachet. estando muito tranqüilo e lúcido. mas isso não ocorre. que ele está muito feliz.Pensou que essa crítica fosse ajudar a vender algum quadro. O médico consegue explicar que ele estava passando por uma crise dificílima e que tinha que fazer isso. Van Gogh tinha que ter a liberdade de trabalhar ao ar livre e pintar o que quisesse para depois voltar para casa. Van Gogh vai gostar muito dele. ainda vivo. ficando em uma casa bem próxima a do Dr. dois dias depois. telas. já que é um grande artista. O sol e os grãos estavam bem dourados. É carregado para a casa do Dr. amigo dos artistas e que tinha uma visão muito moderna da psiquiatria. Nesse período. Pinta mais de 200 desenhos e mais de 40 quadros a óleo em menos de 2 meses. Em outro dia ele entra numa crise horrível. no final de sua vida. Van Gogh é bem recebido por ele. Disse que não adiantava prendê-lo. mas Lautrec conversa com o médico pois o acha muito perturbado. Não se sabe onde se encontra esse quadro. que era muito amigo de Théo. retorcidos.

Ali. existiam 700 quadros de Van Gogh sem comprador. Mas. Eu quero pintar de uma forma que todo mundo que tenha dois olhos possa ver claro. O seu apelo era para ele mesmo e não para a pessoa que estivesse vendo a sua pintura. Muitas vezes pegava o tubo e colocava a tinta diretamente na tela. "Quando se estuda Van Gogh corre-se o risco de se apaixonar. Não procurou agradar nunca os outros. Passa para sua pintura toda a sua perturbação e toda a sua tristeza. em Paris. Gostava demais de Millet." Exagerou muito nas cores. da qual seriam os pioneiros. É um grande pintor de todos os séculos. embatido pelos sintomas da doença. somente ele. Corre-se o risco de se fazer dele um herói e de se fazer dele distante. dominado pela doença. 105 . Sua pintura é como um diário. A HISTÓRIA DE DOIS AMIGOS Van Gogh conheceu Gauguin poucos meses antes. É chamado de pintor expressionista. Pinta a sua realidade e o que vive. telas pequenas. Gauguin a dirigiria e novos pintores chegariam para integrar essa confraria ou comuna fraternal. um expressionista sempre deforma com apelo à emoção e apelo social. por que nos olhos deles há o que não existe em nenhuma catedral e em nenhuma construção. Essa técnica chama-se "empaste". Pinta muita figura humana e fala para o Théo: "Amo mais pintar os olhos dos homens do que as catedrais. Nunca concordou quando Théo pedia para ele distorcer menos para que suas obras fossem vendáveis. fundariam uma comunidade de artistas.No sótão da galeria Gropil de Paris. como a que ele reclamava para contra balançar "a decadência do Ocidente". nessa casa amarela. Escreve para o Théo: "Quando eu começo a pintar. As vezes pintava com o dedo. mas que sobreviveu através de sua pintura. se viveria pela e para a beleza e não existiriam a propriedade privada nem o dinheiro. muita espátula. depois os pintores franceses como Delacroix. dava uma textura muito grande à sua tela. pelo homem ou se pelo seu trabalho. O seu apelo social ocorreu antes dele entrar nessa fase. E corre-se o risco de cada vez mais entender Van Gogh” Van Gogh era um homem de uma riqueza interior genial. Técnicas de pinturas utilizadas por Van Gogh: Suas primeiras influências foram os pintores holandeses como Rembrandt. e ficará fascinado com a personalidade arrebatadora desse artista aventureiro que acabava de voltar do Panamá e da Martinica com uns quadros cheios de luz e de vida primitiva. Corre-se o risco de se perder no turbilhão confuso de sua pintura. homem incomum. onde Théo tomava conta dessa galeria. procuro uma técnica simples que não é impressionismo e nem pontilhismo. uma reflexão profunda do seu ser. Teve uma fase impressionista bem curta. Ele queria pintar somente o que ele sentia. Van Gogh não vai deformar com um apelo social em sua fase expressionista. Deve ter pintado mais de 1000 obras. Então pedira a seu irmão Theo que o ajudasse a convencer Gauguin que fosse à Provença morar com ele. Os olhos dos homens são imponentes e majestosos. Isso é o que eu chamo de simplicidade técnica". pintava com grossas camadas de tintas. Não se sabe bem se pelo pintor. Essa distorção era feita para ele e não importava se você entendesse ou não. Ele pintava muito para ele próprio. onde tudo seria partilhado. Vermeer.

Por que se empenhou em semear girassóis diante de sua cabana em Punaauia. caso o episódio se repetisse. Guaguin vai passar a noite num hotelzinho próximo. Depois havia voltado ao seu quarto e ido dormir em meio a um mar de sangue. foge. no bordel de madame Virginie. como gostava de se chamar.acentua-se cada vez mais. 'Quando do suicídio de Van Gogh. enquanto Van Gogh permanecia um ano inteiro no sanatório de Saint Rémy. era teimoso e pediu sementes a seu amigo Daniel de Monfreid. quando todo mundo lhe garantira que essa flor exótica nunca havia conseguido aclimatar-se na Polinésia? Mas o "selvagem peruano". Embora nunca voltassem a ver-se. enquanto bebiam absinto. como que assediado por um incômodo permanente. ele poderia reagir com igual violência e apertarlhe o pescoço. quando está atravessando o Parque Victor Hugo. os amigos de Arles trocaram algumas cartas. talvez de um modo que nem sequer foi sempre consciente. Gauguin sente passos às suas costas. e trabalhou a terra com tal perseverança que afinal seus vizinhos indígenas e os missionários daquele lugar perdido. Ao anoitecer. com uma bala de revólver no estômago. são os mais misteriosos de suas biografias. que mal se desvia dela. de tal forma que se torna impossível para ele recriar a realidade segundo “impressões” captadas pelos sentidos. nos meses seguintes. nas quais o episódio da mutilação da orelha e suas experiências em Arles primam pela ausência. depois do incidente no parque. Obras Destacadas: Castelo de Médan e Madame Cézanne 106 . termina de modo abrupto: o holandês lança sua taça contra o amigo. E nos anos seguintes evitará falar do holandês. o fim de seus sofrimentos. Punaauia. em Arles e a descobre rodeada de vizinhos e policiais. é óbvio que não o esqueceu. cones e esferas .Os dois meses que Van Gogh e Gauguin passaram em Arles. levando-a. puderam deleitar-se com aquelas estranhas flores amarelas que acompanhavam a trajetória do Sol. No dia seguinte lhe comunica a intenção de mudar-se para um hotel pois. uma discussão no Café Estação. Gauguin e os policias o transferem para o Hotel Dieu e Gauguin parte para Paris na mesma noite. como se tratasse de alguém muito alheio a ele ("Foi uma sorte para ele. entre outubro e dezembro de 1888. ao se sentir descoberto. que. Van Gogh havia cortado parte da orelha esquerda."). Às 7 da manhã volta à Casa Amarela. no Taiti. em Auvers-sur-Oise. embrulhada num jornal a Rachel. Volta-se e vê Van Gogh com uma navalha na mão. No entanto. um ano e meio depois. Véspera de Natal de 1888. PAUL CÈZANNE (1839-1906) Sua tendência foi converter os elementos naturais em figuras geométricas . que essa ausência esteve muito presente nos 15 anos de vida que lhe restavam. lhe diz. Gauguin fará um comentário brevíssimo e ríspido. prostituta com quem Van Gogh saia.como cilindros. Na véspera.

enfrentou a oposição familiar e decidiu tornar-se pintor. que foi afixado nos muros de Paris. 107 . De família aristocrática. de linhas livres e onduladas. As prostitutas. sugerem movimento. França. gênero a que conferiu incomum aprofundamento psicológico com grande economia de meios. Entregouse ao alcoolismo e seus modos irônicos não disfarçavam o sofrimento decorrente de sua deformidade. onde conheceu Van Gogh e Émile Bernard. Em 1899. essa característica elimina a obviedade do movimento. São famosos "Moulin Rouge". abominava os desenhos do aluno. O estilo pessoal de Toulouse-Lautrec. que tornaria célebres em sua obra. após grave colapso nervoso.veemente defensor das normas acadêmicas e contrário aos impressionistas --. Interpretada como reação à condição física do próprio artista. que passa a ser apenas sugerido. ingressou no Liceu Fontanes (posterior Liceu Condorcet) e. desagradava a Toulouse-Lautrec. Em 1872. As cores intensas. recebeu educação artística e praticou esportes até os 14 anos. passou alguns meses num sanatório mas. quando sofreu um acidente e quebrou o fêmur esquerdo. Dedicou então cada vez mais tempo à pintura. Léon-Joseph-Florentin Bonnat -. As figuras são situadas na tela de forma a que as pernas não fiquem visíveis. quebrou o direito. dançarinas de cancã dos cabarés e outros personagens da vida noturna parisiense da década de 1890 eram seus modelos prediletos. Toulouse-Lautrec passou ao estúdio de Fernand Cormon. A simplificação do contorno e o uso de grandes áreas em uma só cor caracterizam os cartazes. Em 1883. transgride freqüentemente as proporções anatômicas e as leis da perspectiva em favor da expressividade. Ao contrário dos impressionistas. destaca-se a série Elles. Apesar do apoio do novo mestre. no ano seguinte. O surgimento da série coincidiu com a deterioração de seu estado físico e mental. Um de seus primeiros mestres profissionais. Menos de um ano depois. "Au salon de la rue des Moulins" e inúmeros retratos. Em 1891 ele criou seu primeiro cartaz de propaganda. sentia a estética acadêmica como algo cada vez mais restritivo e insuportável. "Moulin Rouge -. em combinações rítmicas. executada necessariamente em óleo sobre tela. Toulouse-Lautrec dedicou-se à litografia.TOULOUSE-LAUTREC (1864-1901) Henry Marie Raymond de Toulouse Lautrec “A idéia da pintura como obra de arte elevada. Montou um estúdio particular em meados da década de 1880 e passou a freqüentar os teatros e cabarés do bairro parisiense de Montmartre. que estão entre suas obras mais significativas. Nunca pôde se restabelecer e suas pernas atrofiadas e disformes dificultavam-lhe a locomoção. em 24 de novembro de 1864. Entre as mais de 300 que produziu. demonstrou pouco interesse pelas paisagens e dedicou-se aos interiores. sensível panorama da vida nos bordéis. em 1881.” Henri-Marie-Raymonde de Toulouse-Lautrec-Monfa nasceu em Albi. A partir de 1892.La Goulue". voltou a beber. depois de bacharelar-se. em Paris.

AMEDEO MODIGLIANI (1884-1920) Um dos principais integrantes da escola de Paris. Com o raro dom de conseguir uma imediata empatia entre seus retratos e o observador. como os que fez para Aristide Bruant. Amedeo Clemente Modigliani nasceu na cidade italiana de Livorno. sem dispor dos recursos necessários à produção de esculturas. Essa fase se prolongou até 1914. segundo o artista. Modigliani morreu em Paris. que por um longo período abandonou a pintura pela escultura. muito influenciado por Cézanne. os retratos e os nus femininos com modelos que. Também a influência dos kouroi (esculturas gregas que representam jovens atletas desnudos) se faz sentir nesses trabalhos. além das numerosas litografias. a partir de então. sobretudo das esculturas do Congo e do Gabão. retornou à pintura. May Belfort e outros artistas. KIRCHNER (1880-1938) Foi um dos fundadores do grupo de pintura expressionista Die Brücke. Impressionado pelo cubismo. Em 1906 mudou-se para Paris e. Gironde. expressavam "a muda aceitação da vida". que expôs no Salão dos Independentes de 1909. ao fim de três anos de vida boêmia. Toulouse-Lautrec e Picasso. o artista executou nesse período esculturas nas quais se misturam influências da escola de Siena e da arte da África negra. Jane Avril. França. caracterizada por um despojamento que alguns críticos creditaram a sua inclinação para a escultura. que Modigliani esculpia sempre diretamente na pedra. mas pelo movimento e pelo alongamento dos traços. que iniciou na cidade natal e prosseguiu em Veneza e Florença. com o fim de manifestar sua verdadeira 108 . Por causa da saúde precária não recebeu educação formal e voltou-se para o estudo da pintura. como o fauvismo. filho de abastada família judia. na tentativa de preservar a unidade plástica do bloco. dotou suas figuras de uma sensualidade que se transmite não pela nudez. Influenciado pelo cubismo e fauvismo. Apesar da excepcional popularidade de seus cartazes publicitários. o pintor alemão deu formas geométricas às cores e despojou-as de sua função decorativa por meio de contrastes agressivos. que se destacam pelo despojamento e pela estilização. O encontro com o escultor Constantin Brancusi marcou a carreira de Modigliani.Henri de Toulouse-Lautrec morreu no castelo de Malromé. executou uma de suas obras mais importantes: "O violoncelista". só posteriormente reconheceu-se a importância de sua obra. Essa breve fase final do artista foi a mais importante de sua obra. quando o artista. em 12 de julho de 1884. que prefigurou revolucionários movimentos artísticos do Século 20. em 24 de janeiro de 1920. Modigliani marcou a pintura da primeira metade do século XX com suas figuras alongadas. o cubismo e o expressionismo. Os temas preferidos de Modigliani foram. em 9 de setembro de 1901.

Quando finalmente sua contribuição para a arte alemã foi reconhecida. Flores Noturnas e Villa R. Em 1933. Depois de uma viagem pela Itália. Iniciou uma fase de grande produtividade. Sensivelmente influenciado pelos desastres da guerra. entrou em contato com os pintores da Nova Associação de Artistas e finalmente uniu-se ao grupo de artistas do Der Blaue Reiter. Veio então a época em que os pintores se reuniam numa casa de veraneio em Moritzburg e se dedicavam apenas ao que mais lhes interessava: pintar. em 1940. criados. voltou a pintar ao ar livre. Klee emigrou para a Suíça. bem como cenas circenses e de variedades. Além de sua obra pictórica. começou a trabalhar como professor em Dusseldorf e mais tarde na escola da Bauhaus em Weimar.. A exemplo de Kandinski. Dessa época são os quadros mais ousados de paisagens e nus. Klee juntou-se em 1924 ao grupo Die vier Blauen. Klee escreveu: "A cor. Demônios. durante o nazismo. em sua casa ao pé dos Alpes. em 1931. numa referência à frase do escritor: “. em cima de "matéria e sonhos". Mas a grande descoberta ocorreria dois anos depois. Kirchner tentou mostrar em toda a sua produção pictórica uma realidade de pesadelo e decadência. segundo o pintor.visão da realidade. Klee deixou vários trabalhos escritos que resumem seu pensamento artístico. Tendo concluído seus estudos de arquitetura na cidade de Dresden. pode expressar ritmo e movimento".a ponte que conduz ao super-homem”). Entre eles merecem ser mencionados Anatomia de Afrodite. Depois de lutar durante dois anos na Primeira Guerra. 109 . e um ano depois tentou o suicídio. Sua última exposição em vida aconteceu em Basiléia. que seria de vital importância para suas obras posteriores. na primeira exposição dos surrealistas. fundou o grupo Die Brücke (A Ponte. Paralelamente. PAUL KLEE (1879-1940) Considerado um dos artistas mais originais do movimento expressionista.No final de 1938 o pintor pôs fim à própria vida. foi nomeado membro da academia de Berlim. Klee estudou com o mestre Von Stuck em Munique. Pouco tempo depois reuniu-se com os pintores Heckel e Schmidt-Rottluf em Berlim. Suas obras mais importantes estão dispersas pelos museus de arte moderna mais importantes da Alemanha. com quadros de caráter quase surrealista.. Em 1912 viajou para Paris. Convencido de que a realidade artística era totalmente diferente da observada na natureza. As formas cúbicas da arquitetura e os graciosos arabescos na terracota deixaram sua marca na obra do pintor. ver sua obra ser destruída e desprestigiada pelos órgãos de censura. motivados pela leitura de Nietzsche. produto de uma profunda tristeza. seus quadros se transformaram num amontoado neurótico de cores contrastantes e agressivas. com os quais. mas antes apresentou suas obras em Paris. Em 1914 Kirchner foi convocado para a guerra. em sua primeira viagem a Túnis. Quando suas mãos se recuperaram do ferimento. para seis anos mais tarde. como a forma. onde se encontrou com Delaunay. este pintor dedicou-se durante a toda sua carreira a buscar o ponto de encontro entre realidade e espírito. Kirchner continuou sua formação na cidade de Munique.

porque as pinceladas são muito nervosas. Ninguém vai pintar mais sobre a “belle epoque” pois. O expressionismo. no princípio do século XX. O expressionismo nunca vai pintar sobre aquela emoção gostosa que se observa nos quadros impressionistas. O impressionismo continua forte somente na forma e não mais no conteúdo. Esse termo vai existir também na música. quando o homem deformava um bisonte ou abutre. Goya. ele já era expressionista deformando por necessidade própria. No aspecto psicológico é uma arte quase que de instinto. mas sempre vai ter contrastes violentos no interior da figura. fotos. Essa revista veio a comentar que aqueles artistas expressavam só dor. mas com conteúdo atual.: Quase todas as principais correntes expressionistas são nórdicas. o oposto da pincelada delicada do impressionista. já era expressionista sem saber. O expressionismo vai surgir. Os primeiros artistas plásticos que foram chamados de expressionistas foram os alemães. vermelho. O aspecto técnico é aquela acentuação bem forte. Ex. É uma constante na história da arte. Pode ser preto. um apelo a sua emoção. não pode ser chamado de um simples estilo. Obs.: música expressionista. Pode-se usar a mesma técnica hoje. muito violento. solidão interior. quando ocorre uma grande catarse que se projetará na pintura. etc. não tem mais sentido de pintar o impressionismo hoje com o conteúdo do século passado. Lá existe uma falta de comunicação muito grande. bem preta dos contornos ao redor das figuras. etc. Essa falta de comunicação. Deformava em uma busca muito forte. mudando tudo sobre a estética grega que estávamos acostumados a ter como padrão ou ideal de beleza. É muito forte. o tempo é ruim com pouco sol. registrar a dor humana. que sempre existiu. Artistas alemães do princípio do século: Edward Münch (papa dos expressionistas) 110 . amargura. Vem do comportamento introvertido do homem. no final de sua vida. Desde a pré história. O expressionismo vai surgir entre 1904 a 1909. ao redor de tudo. como corrente artística. do que estava acontecendo no seu país.O EXPRESSIONISMO O expressionismo sempre existiu e sempre vai denunciar. Desde que o homem é homem ele faz expressionismo embora não fosse consciente dessa denominação. música. É muito forte na Alemanha e nos países nórdicos. Foi publicada pela primeira vez em uma revista alemã chamada de "A tempestade". a belle epoque. Tanto o abstracionismo quanto o expressionismo estão muito fortes ainda no século XX. Normalmente usam cores puras. filmes. de não facilidade para se expandir e falar com o próximo é que faz com que surja o expressionismo. roxo. não importa a cor. muito rápidas. ficando meses trancados em casa por causa das tempestades de neve. Existem dois aspectos no expressionismo: o aspecto técnico e o psicológico.

néo-clássica) Expressionismo (Pintura barroca. aquela dor". etc. impressionismo. Eles vão pensar que o homem é livre. acadêmica. É a própria deformação da figura. o expressionismo tem a ver com a arte selvagem. cubista. O idealismo é a busca da beleza ideal superior a beleza. realista. abstrata) O realismo é quando o pintor representa o mundo exatamente como é. que se encontra dentro da própria pessoa. Os principais enfoques do expressionismo são: No aspecto social. Protesto contra tudo. com perfeição. Expressionista é a emoção e o Impressionista a sensação. o interesse pelo drama individual (oposto do impressionismo que só retratava o belo). Quando o artista deforma a figura ele obedece a um desejo de fazer um apelo à emoção com muito vigor até mesmo na alegria. como também é no renascimento. primitiva. Todas essa correntes do principio do século vão ter influência da arte selvagem (dos africanos). "A Ponte" também vai ter alguma coisa de arte selvagem. Ernest L. “Arte selvagem” é a arte da descoberta da existência da África. Registra fielmente possível aquilo que os sentidos percebe. 111 . Todo o classicismo grego é idealista. abstracionismo. É a representação mais usada no mundo todo. como todas essas correntes do princípio do século que ficam encantadas com essa arte. todos os pintores expressionistas vão descobri-la. dadaísmo. Essa influência "exótica" foi muito forte para os franceses e para os nórdicos. Tudo é exagerado e tudo é distorcido para retratar "aquela emoção. Os impressionistas eram muito “doces” para esse “amargo” nórdico. parecendo uma fotografia. Esse grupo é fantástico formado por três artistas citados anteriormente excluindo-se Edward Münch e Emil Nolde. A arte da Polinésia é muito expressionista. Karl Schimt Rotluff Otto Muller Emil Nolde Esses alemães vão fazer um trabalho chamado "A Ponte". "A Ponte" significa a ligação entre o visível e o invisível.Kirchiner. fovismo. Dentro da estética da arte existem 3 formas para representar o mundo: Realismo (Pintura hiper-realista) Idealismo (Pintura clássica grega. contra a burguesia (o expressionismo sempre vai ser um protesto). É lógico que essas correntes vão ter influências entre si. expressionismo. Normalmente a Arte Selvagem está muito ligada principalmente à arte da Polinésia Francesa. renascentista. Nesse principio do século XX vai aparecer todos os “ismos” como: cubismo. Portanto. fantástica e onde colocam tudo o que eles sentem e sem muitos parâmetros com a arte acadêmica. Como o Picasso. É uma arte muito instintiva.

que surgira no início do século XX (1905-1906) e queria ligar os 2 mundos. Só pode ser colocado que se caracteriza pela distorção. “Naífe” é o homem civilizado que sabe ler. Rousseau nunca tinha visto uma floresta na vida. Com a guerra. Não tem nenhuma aberração. “Primitivo” é o homem que nasce na selva. Não existe uma regra ou característica muito unida. Primitivo é o homem que nasce na selva. Um assunto expressionista é sempre distorcido. dolorido. Guerra Mundial. 112 . os pintores se dispersaram tanto que quase acabaram com a corrente. Vai pegar uma santa que jamais será tema dos expressionistas nórdicos alemães. "A Ponte". A caricatura também é expressionista. Portinari é expressionista. A personalidade do pintor expressionista tem como característica a necessidade de se isolar para criar uma técnica própria adequada para os seus fins pessoais expressivos. só que vai pintar de forma primitiva. O nome expressionismo surgiu em 1912. A corrente expressionista tem uma forte distorção. ou melhor "Naífe" (porque não nasceu na floresta e sim na França) vai pintar muito sobre a selva. pois seu pai era médico e Münch presenciou esse assunto. pintor francês expressionista. O seu conteúdo será sobre os retirantes. porque distorce para representar algo interessante e tem humor. O expressionismo não é belo no sentido da estética. etc. mas o estado mental difere de cada um que pinta.O expressionismo é praticamente o século XX. O homem do século XX é extremamente individualista. mas cada um tem o seu estado mental que pode colocar no seu trabalho. acabou em 1913 por causa da guerra.: Edward Münch pintou muito sobre a morte. Ex. com as emoções. a dor é bonita. como se fossem vitrais e a Joana D'Arc (que vai fazer um contorno preto na figura da Joana D'Arc como se fosse vitral). Os pintores expressionistas não eram muito unidos. Mexe com a cabeça. no barroco (com a diagonal e sem uma figura no centro). Rousseau é um pintor primitivo. como no renascimento. do leão. Rotluff. que é um assunto brasileiro. Existia uma diferença de conteúdo entre os pintores expressionistas nórdicos alemães e os pintores nórdicos franceses. da época dos impressionistas. é latino e vai pintar muito a igreja católica. nasceu na cidade e vai pintar de uma forma primitiva. fragmentado. amargo. Tudo é possível. uso de cores fortes. O impressionista vivia sempre em grupos. O conteúdo é muito de cada um. etc. separando esses pintores. Existe uma abertura muito maior que no impressionismo. O expressionismo vai expandir fortemente antes da 1a. nascido no Brasil. mas pegou um livro de estória de seu filho e de lá tirou a imagem do macaco. É um pintor de 1885 ou 1886. Jamais seria um conteúdo dos países nórdicos. os santos. ressurgindo novamente mais tarde. Uma obra expressionista é um golpe para quem a vê. na Alemanha. O individualismo em um pintor expressionista é muito forte.

Paul Klee. viveu muitos anos na Europa e escreveu que teve muita influência de Giotto e Velásquez.Surge um outro grupo de expressionismo chamado de "O cavaleiro azul". Obs. Alguns críticos acham-no um pouco infantil. nasceu em Berna. que surgiu no expressionismo. Expressionistas brasileiros: Mário Gruber Anita Malfati Portinari Grassmann. horrível. Embora tenha pertencido ao grupo do "Cavaleiro Azul". Paul Klee nega a realidade da percepção normal transformando tudo o que você acha que é certo e normal. uma fauna estranha. Tudo era religioso e mágico. Entre os artistas modernos ele é o mais individualista. quando era jovem e foi pintar em Nova York. No pós-guerra. detalhista e sua arte se desdobra até o infinito. em 1933. Voltou ao México fazendo grandes murais em edifícios públicos da cidade do México. Eles eram partidários do abstracionismo. Em 1921 foi professor de desenho da Bauhauss. No Rockfeler Center também se encontra um grande mural dele. na Alemanha. Paul Klee. ficou impressionado pelo mural de Diego Rivera pedindo para que fosse ajudante dele. acabou deixando de ser para se tornar Paul Klee mesmo.: Jackson Pollock. na Suíça. Esses pintores desse grupo foram: Paul Klee. etc. vão ressurgir em várias partes do mundo como no Brasil. É considerado um dos grandes artistas do século XX. às vezes primitivo e louco. Hitler. muralista. Nova York. Os expressionistas usam muita gravura em metal. Não segue nenhuma corrente artística. Kandinsky (grande paixão deles) e Franz Marc. de gente louca. Era desenhista supremo. os expressionistas ressurgem com grande energia na Alemanha. Pollock acabou ajudando no trabalho de 113 . ele tem que ser separado dos expressionistas por ter uma pintura diferenciada. Expressionistas mexicanos: Diego Rivera Orosco Siqueiros Diego Rivera pintor mexicano. etc. expressionista. Ele era um homem extremamente intelectual. Outros pintores acharam fantástico o seu trabalho e se reuniram ao seu redor formando um grupo chamado Cavaleiro Azul (devido a esse quadro). Criou flores. Um pintor chamado Franz Marc pintou um quadro chamado "Cavaleiro Azul". Tinha um mundo próprio por criar leis próprias de perspectiva e de lógica. vai expulsar todos eles porque achava que pintavam uma arte degenerada. Exilados. Para ele tudo era normal e tinha lógica.

Diego Rivera vai pintar muito o seu folclore. do que na própria técnica. Esse encontro dos dois não chegou a influenciar na pintura de Pollock. gerou uma pintura muito forte. muito forte. Sua influência se deu mais na “força do homem". Mas. na figura do artista. muito dolorida. Ele era um homem de personalidade muito forte. Zapotecas. Astecas. Aquela revolução mexicana. mas a realidade e por isso sua vida foi difícil por quererem que ele pintasse a beleza.Diego Rivera. episódios da mitologia mexicana. É também muralista. Vai ter a coragem de pintar numa época muito difícil da realidade mexicana. mesmo assim ele se tornou um pintor de peso. O governo mexicano pedia que ele fizesse sua pintura de determinado forma por precisar do dinheiro americano mas. a tradição dos Maias. Tem uma linguagem de expressividade muito forte. 114 . ele jamais modificou o seu trabalho por causa disso. Ele não pintava a beleza.

Na década de 1920. formando grandes planos. com o gradual desaparecimento da gestualidade espontânea das primeiras obras. no Salão de Outono. · Ausência de ar livre. Nessa fase. não correspondendo à realidade. Quem lhes deu este nome foi o crítico Louis Vauxcelles. foi o mais autêntico fovista. dizia: "Quero incendiar a Escola de Belas Artes com meus vermelhos e azuis. no mesmo estado de graça das crianças e dos selvagens. pois estavam expostas um conjunto de pinturas modernas ao lado de uma estatueta renascentista. · Colorido brutal. retratos e naturezas-mortas haviam adquirido uma entonação neoclássica." Adotou mais tarde estilo entre expressionista e realista. em Paris. 115 . Principais Artistas: MAURICE DE VLAMINCK (1876-1958) Pintor francês. pintou figuras e paisagens em brilhantes cores chapadas. alguns artistas foram chamados de fauves (em português significa feras). em 1908. Após romper com o fovismo. ligou-se a Maurice de Vlaminck e a Matisse. Os princípios deste movimento artístico eram: · Criar. sem misturá-las ou matizá-las. seus nus. Características da pintura: · Pincelada violente. · Criar é seguir os impulsos do instinto. pretendendo a sensação física da cor que é subjetiva. não mudou. · A cor pura deve ser exaltada. desde então.FOVISMO Em 1905. espontânea e definitiva. não tem relação com o intelecto e nem com sentimentos. recorrendo a traços impulsivos e a pinceladas descontínuas para obter suas composições espontâneas. com os quais se tornou um dos principais pintores fovistas. · Pintura por manchas largas. em arte. · As linhas e as cores devem nascer impulsivamente e traduzir as sensações elementares. ANDRÉ DERAIN (1880-1954) Pintor francês. as sensações primárias." Por volta de 1900. sofreu influências de Cézanne e depois do cubismo. como saem das bisnagas. dizia: "As cores chegaram a ser para nós cartuchos de dinamite. Seu estilo. · Uso exclusivo das cores puras. em virtude da intensidade com que usavam as cores puras.

Contrastes tonais e a geometrização da forma caracterizaram sua obra.HENRI MATISSE (1869-1954) Pintor francês. gravador e decorador francês. evoluiu gradativamente para o fovismo. sem profundidade. como de pessoas ou de naturezas-mortas. O que interessa é a composição e não as figuras em si. Dos pintores fovistas. Foi. RAOUL DUFY (1877-1953) Pintor. as técnicas do desenho e o efeito de claro-escuro para tratar a cor como valor em si mesma. Abandonou assim a perspectiva. 116 . depois de travar contato com Matisse. Nas suas pinturas ele não se preocupa como realismo. também. ilustrador e litógrafo. escultor. Morreu um ano depois de receber o prêmio de pintura da bienal de Veneza. ele foi o único a evoluir para o equilíbrio entre a cor e o traço em composições planas. Impressionista a princípio. que exploraram o sensualismo das cores fortes. tanto das figuras como das suas cores.

Em uma pintura Cubista. Freud estava publicando a interpretação dos sonhos. criar fragmentos para representar todos os lados do objeto. O Cubismo vai ser uma reação contra a afirmação de que o mundo que nos cerca é acadêmico. a partir de 1900. o surgimento de muitas dúvidas e interrogações. Para ser um bom pintor cubista na essência certamente será um homem culto. De repente. Vai depender muito da minha memória. Os pintores Cubistas como Picasso. 117 . Quando se fala em mudança precisamos falar de um estilo que mudou muito a arte no mundo e provocou uma revolução na estética. É extremamente conceitual muito mais que perceptual. a particularidade cultural de cada objeto. Vai ser uma nova forma de ver e representar o mundo. Braque. Essa revolução foi fantástica. Ele é totalmente dinâmico. Durante cinco séculos. sobre o consciente e inconsciente.CUBISMO É o início da idade moderna do mundo. Já em uma pintura como a Barroca ou Impressionista o fruidor vai usar o que sente para entendê-las. segundo o conhecimento intelectual que ele tem dessa representação. A minha memória é que vai ter que olhar essas partes e montar novamente o objeto. por exemplo. do que emoçional e de sensação. No ano de 1904 Einstein escreve sobre a teoria da relatividade que vai mudar totalmente o conceito do universo. Na arte também houve uma série de mudanças. Juan Griss. A arte Cubista é muito mais conceitual. O pintor cubista vai pegar um objeto e quebrá-lo em partes. Essa mudança foi realizada em 1906. os artistas vão buscar em suas pinturas as aparências externas e o bom pintor será aquele que vai pintar realmente o objeto como ele é. o fruidor vai ter que usar muito o raciocínio para entender a obra. racional. 1907 pelo Picasso quando ele pintou "Le Mademoiseille D'Avignon". Em 1900. da razão. A arte Cubista é uma arte muito elaborada. Ele vai imaginar. O cubismo não aceita nunca o momento estático. da arte. etc. É preciso muito estudo e intelectualidade. os mais famosos. O Cubismo procura a essência da visão humana. vão pintar muito mais o que sentem do que o que vêem. Fernando Leger. foram muito apoiados na imprensa pelos escritores que publicavam sobre essa nova arte muito intelectual. no início do século XX. Pode também ser notado. O cubismo virou 400 anos de arte de pernas para o ar. Dúvidas. É por isso que é muito racional. ano em que Picasso chegou à Paris em sua primeira visita. O Cubismo se vale muito da memória do fruidor do que dos objetos concretamente vistos pelos olhos. Os cubistas vão pintar e representar um objeto através do lado que nós vemos e do lado que nós não vemos desse objeto. desde o pré-renascimento até hoje. É a recuperação da nova visão da arte através de um conceito intelectual. os pintores.

a do Museu Gugueheim é a melhor. Foi cubista somente 5 anos e depois foi “Picasso”. Antes de falar sobre sua vida é preciso deixar registrado a soberba vitalidade de um artista continuamente dedicado à criação até seus últimos momentos de vida. No museu Gugueheim. etc. por ex. Tem muita obra de Picasso em Barcelona. sua obra é inconfundível. Tem aspectos extremamente renovadores para a época.: um olho pode estar localizado no dedo do pé. por ex. o que marcou sua obra. O movimento cubista se divide em várias fases: FASE CEZANEANA. ele vai pintar tudo com cabra.Os Cubistas não dão valor à perspectiva. os aliados pediam que colocassem panos escuros roxos nas janelas para que os aviões não avistassem as luzes das casas. A técnica cubista apresenta várias texturas. esculturas.: o artista vai representar um olho no lugar da testa e o outro na orelha. 118 . temos que conhecer o homem e o artista. como exemplo: Durante a segunda guerra mundial quando os alemães bombardeavam Paris e ocorria o black-out. “Arte” é uma perene evolução. Dono de uma dinâmica constante. no próprio rosto. inclusive broches. Dificilmente houve alguém que tivesse superado Picasso no sentido do que seria arte do século XX. Foi um homem artista em perene evolução. quando é totalmente fragmentado. seu bichinho de estimação. Quando morre sua cabra. Você tem que montar a figura toda como em um quebra-cabeça. Para que possamos entender Picasso. É muito importante conhecer Picasso porque todas as fases de sua pintura tem muito a ver com a retratação de sua própria vida e da época em que viveu. Dizem que foi Matisse que ao olhar o quadro do Picasso com Braque disse: "Você está pintando só cubo! Mas isso é cubismo!" Muitos outros também tiveram a mesma opinião. É busca. no Museu Moma mas. Ele é extremamente individualista. é procura. quando os artistas e principalmente Picasso e Braque se interessam e estudam muito as obras de Cezanne. Na estética da arte. FASE ANALÍTICA. FASE SINTÉTICA. na região a que pertence. O objeto nunca vai ser representado como foi visto. mas como foi pensado pelo artista. o artista fragmenta e decompõe. em New York. Essas obras são as melhores de cada fase. Sempre numa constante busca e inovação. o Cubismo é considerado uma arte bastante intelectualizada. quando começaram a fazer “colagens”. A sua memória é que vai ter que montar a figura. Picasso sempre esteve em movimento criando e deixando estilos e frases de forma a garantir uma obra cuja característica básica era a busca de sua individualidade. Nunca irá colocar o olho no joelho. tem 8 obras dele. Nessa fase toda sua pintura terá panos roxos. É um espaço pictórico que não tem nada a ver com a representação da realidade. Eles constróem espaços pictóricos onde eles determinam as representações.

festas. Seu nome completo é Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remédios Cipriano de La Santíssima Trinidad Ruiz y Picasso. É o cotidiano. etc. O mesmo com o jornal. Esse tio sem querer deu uma baforada no rosto da criança que começou a chorar. Tinha 2 irmãs e como filho único foi muito mimado. na Espanha. exatamente nessa época que ocorre o cubismo. a vida. Os dois quadros ficaram idênticos. a imagem já é quase um abstrato. somente recortava assuntos fúnebres. Essa exposição mostrava a diferença entre os dois: Picasso tinha recortes de jornal somente de assuntos alegres sobre touradas. etc. Teve uma exposição somente com esses trabalhos. de forma muito parecida e não vão assinar seus nomes. já que era um estudo. Esse hábito vai ser registrado historicamente nas obras de Picasso. morte e sempre de circunstâncias do cotidiano como alguém que perdeu uma cadeira. Quando o cubismo fragmenta tudo chega a ser quase um abstrato. Picasso jamais iria fazer isso. que era introspectivo. No cubismo analítico. Uma obra cubista tem que ser vista pela razão para depois sentir a emoção. Por esse fato ele recebeu o nome do tio em 119 . Eles voltaram e surgiram com a idéia da colagem. em "off": Picasso não chorou ao nascer. a mulher. É o novo homem que vai pegar esse hábito de ler jornal. Obs. que parecia um cone. cada um escolhendo seu pedaço de jornal. entender. Na verdade o abstracionismo tem muito a ver com o cubismo. Um tio chamado Salvador Ruiz. para que as pessoas soubessem distinguir entre Picasso e Braque. Quanto mais você sabe. PICASSO (1881-1973) Nasceu em 25 de outubro de 1881. etc. mas também pode ser abstrato. areia. você tem primeiro que saber.” Isso vai mudar muito a visão da arte. que fumava charuto. triste. sobre perdas. Braque. entrou no quarto e achou que o nenê não estava respirando. Picasso vai assinar o nome no meio da obra como que fazendo parte dela. Houve muita confusão para que os historiadores identificassem a obra de um e de outro. na National Gallery de Londres. se posso colar a própria madeira na pintura?. Braque e Picasso vão pintar juntos na montanha (onde Cezanne pintava). nesse começo de século. para depois sentir a emoção. As letras gráficas vão aparecer com Picasso e Braque. Málaga. O jornal vai ser muito usado na colagem.Picasso falou o seguinte: "Para que vou pintar um pedaço de madeira. mais sentirá essa emoção. O cubismo sempre vai ser figurativo de um modo geral. Uma obra de arte do século XX.

da doçura. no Museu do Prado. Picasso adorava o pai que sempre o levava às touradas. Foi morar em Mont Martre que era mais barato e onde só vivia os intelectuais. tudo vai influenciar Picasso para o resto de sua vida. Numa praça de touros ocorre um espetáculo brilhante com cores vivas. Quando Picasso tinha 14 anos já pintava com perfeição. Ele disse que não iria querer nunca estar preso a nenhum marchand na sua vida e que queria ser um homem livre. Tanto Van Gogh como Toulouse Lautrec vão influenciar o trabalho de Picasso por pelo menos uns quatro meses. Velásquez. Ele disse que fazia até dez por mês mas que não queria ficar preso a esse tipo de compromisso. As pessoas admiravam o fato dele ser tão novo e ter um estúdio montado pelo pai para ele. muita elegância e também muita crueldade. Fica então enlouquecido com o trabalho de Van Gogh e Toulouse Lautrec. Ele não tinha como pagar um lugar melhor para se viver. Com 15 anos o pai já o considerava pintor e resolve alugar um espaço para montar o seu atelier. da beleza. Nessa época Monet também estava vivo (vai viver até 1910). O atelier dele. Essa obra vai ser premiada em Madri em uma exposição muito importante. vai ser o ponto de encontro de artistas. muito requisitada. onde Picasso fará cópias das obras de El Greco. um marchand vai se oferecer para cuidar de seus quadros. falante. carismático. Essa mescla do brilho. Alguns dos grandes pintores da Espanha: Velásquez (barroco) Goya (no final da vida era expressionista) Murillo (barroco) Miró Gaudi (grande arquiteto) Salvador Dali Picasso Em 1900 Picasso vai à Paris em uma grande aventura para visitar a exposição internacional. da estética da cor. onde os toureiros vão mostrar muita habilidade. dos odores. O marchand chegou a oferecer até um fixo mensal mesmo se ele fizesse somente uma obra por mês. Foi auto-didata. fazer exposições.seu sobrenome. Nessa época ele vai pintar uma obra chamada "Ciência e Caridade" e o seu pai vai posar como médico para ele. 120 . Em "off": Em 1900. etc. da crueldade. de escritores. Picasso era um homem cheio de vida. Não queria que ninguém cobrasse ou controlasse a sua vida. mas ele não vai aceitar. Cada parente que chegava e adorava a criança os pais colocavam o sobrenome no filho. Goya. principalmente porque ele era o único menino daquela família que só tinha menina. Essa atitude de se colocar o sobrenome de todos os parentes na criança é muito comum na Espanha. Aos 23 anos Picasso começa a ser famoso em um lugar fora de sua pátria. muito sangue. Picasso conseguiu manter sua importância desde jovem até os 92 anos. O pai ao saber que o filho ganhou uma medalha de ouro resolve incentivá-lo a estudar em Madri. O prédio em que morava parecia um barco e era tão feio que o pessoal da região apelidou de "le bateaux larvoir". quando Picasso saiu da Espanha. nesse "Bateaux".

onde até hoje moram os artistas. você vai encontrar muitas máscaras africanas de várias origens. Ele vai entrar e sair dessa “fase negra”. 121 . Picasso percebe que o artista negro não pinta raciocinando porque ele não conhece os cânones da arte (regras de beleza da arte). figuras que vivem à margem da sociedade.guerra mundial. Grécia. O cubismo para Picasso foi uma paixão exploratória que durou somente 5 anos. muito felizes. eu acho". sendo conhecido como "O centro de arte moderna do mundo". o "triste". Começou a freqüentar lugares muito alegres. histórias fantasmagóricas e folclores. Ele vai pintar o que ele sente.: No mercado das pulgas de Paris. fascinantes. É chamado de fase azul porque o azul é que predomina em todos os tons. Foi um escândalo tão marcante que Braque ficou sem falar com ele por 6 meses. lugar onde Picasso vai viver até o começo da 2a. Ele vendia tudo o que pintava. As máscaras que ele mais vai gostar são as máscaras da Polinésia. Esse encontro vai ser decisivo para ele. que apelidou de "Rose Bombom". inspirando-se na cultura espanhola cheia de superstições. voltando somente após o Cubismo. sobrenaturais. A sua vida se torna "rosa". de um modo geral. Obs. O azul tem uma ligação muito grande com o melancólico. atraía muito os intelectuais. A fusão de dois mundos mágicos. vão fazer surgir no século XX uma das tendências mais importantes que é o CUBISMO. Picasso vai pintar entre 1906 e 1907 a famosa obra "Les Mademoiselle D'Avignon". Conhece Braque. quando ele vai pintar sobre as ruas pobres de Mont Martre. As fases “azul” e “rosa” são as únicas que ele não vai voltar nunca mais. Em 1906 ele já era o jovem pintor mais conhecido de Paris. Mudou-se para Mont Parnasse. vai ter um encontro com a Arte Primitiva Africana. badalados e ricos. A mudança foi radical. Obs. Roma.Entre 1901 e 1904 ocorre a sua "Fase Azul". A partir daí vai começar a “Fase Negra”. Nunca mais no futuro vai retornar a essa fase azul. A partir de 1908 Picasso lidera o movimento cubista da Europa. É uma nova visão de compreender a arte. De repente ele se liberta dessa melancolia ao conhecer uma moça chamada Rose. Conhece 2 marchands: os irmãos Léo e Gertrudes Stein. o azul é o "Bleu". começa a vender bastante. Mont Parnasse. Ao parar de produzir a sua “fase rosa” ele vai falar: "Eu não procuro. Passa a pintar só de "rosa". Nesse momento de pesquisa. Quando se fala de tristeza. A arte africana vai ser o momento decisivo no entendimento da arte. que são as histórias folclóricas e a arte negra. que o colocam na alta sociedade onde irão comprar muito suas obras. Nessa fase ele vai retratar seres cruéis. Vai morar lá durante a sua “fase rosa” e onde começa a refletir sobre o seu trabalho que já estava cansado de fazer. as figuras solitárias e melancólicas. não conhece Fídeas. dançarinas sem olho (irreais). fica amigo de muitos marchands. vista como arte do século XX. Ele vai acabar com 30 séculos de arte ocidental.

A mulher sustentando uma lâmpada na mão. Ele fez três coisas de imediato: 1o. Isso é estilo pessoal de um gênio. além dos casos que tinha por fora. Picasso 24 horas depois do acontecido começa a esboçar Guernica. Vai casar com Dora Maar e pintar muitos retratos dela. uno e mutilado. Fez o cavalo agonizante. Nunca mais vai voltar à Espanha até o Franco morrer. Vai buscar a luz. Em 1920 se casou com uma bailarina russa chamada Olga. Guernica era um vilarejo Basco na província de Biscaia. Picasso tinha uma personalidade muito forte que vai ser muito importante para sua obra. Levou mais ou menos uns 4 meses para elaborar a obra. que representa o povo. uno e mutilado. 3o. Nesse período ele não vai querer voltar à Espanha para assumir a direção do Museu do Prado. Durante 3 horas jogaram bombas matando cerca de 1765 pessoas. trabalhando sem cessar. Foi então o primeiro bombardeio aéreo da história da humanidade de uma cidade inteiramente civil. Ele precisava voltar para se ordenar novamente interiormente. Picasso tem muitas fases. De repente. objetivo e subjetivo ao mesmo tempo. é um jogo. quando acontece a guerra civil espanhola. O touro de perfil que personifica a brutalidade. Guernica é um mural bem trágico onde vai mostrar a tragédia humana. esquadrilhas de aviões das forças nazistas aliadas à Franco. Guernica era uma obra que tinha as cores preto. A Dora Maar (que era fotógrafa) fotografou todas as etapas. mostrando que é um pintor consciente e engajado socialmente na luta contra os mais fracos. que vai ser o símbolo da justiça.Em 1915 ele volta à um realismo mais sutil até 1925. Vai pintar sua obra prima "Guernica". Começou a pintar em cores. Casou-se 5 vezes.000 habitantes. desistindo depois. Ninguém falava de guerra. tendo muito a ver com a arte do século XX: "A arte não é casta. não tinha o porquê. convicção e com inúmeros desenhos preparatórios. Ele tinha uma boa organização e um sistema de trabalho. Em 1936 ele vai ser nomeado diretor do Museu do Prado. Não esconde sua obsessão pelo sexo. Vai escrever o seguinte. Teve caso com as duas ao mesmo tempo e permaneceu com elas por algum tempo. é reveladora. A cidade tinha somente 6. Das 5 esposas. Se é casta ou não se revela. No dia 26 de abril de 1937 ninguém falava de guerra. Fica o tempo todo morando na França e saudoso de seu país." Segundo Mali: Tudo o que Picasso pintava era realista e irreal. à 1 hora da tarde. traspassado com uma lança nas costas. Em 1931 essa bailarina foi substituída por Maria Teresa Walker. período onde sua pintura fica mais calma. Foi pintada com paixão. objetivo e subjetivo. 122 . Dois dias depois a Europa toda sabia da história. mas sua pintura não é difícil de ser reconhecida. As pessoas saíram da feira e foram fazer a sesta. 2o. era um dia de feira. não é arte. bombardearam a cidade. Ele disse o seguinte: “o retorno periódico à determinadas fases era como uma volta a obra à ordem dele”. A arte é perigosa. Só gênio consegue pode pintar uma coisa que é real e irreal. 2 se suicidaram porque ele as deixou. Ele chegou a pintar as duas no mesmo dia. branco e cinza.

foi você quem fez isso!". Picasso inventa e cria formas que ele abandona e depois volta a pintar novamente. tinha a Gestapo e a Resistência. em um castelo do século XVII que foi adquirido por ele. 123 . Picasso pertencia a Resistência ajudando muito os espanhóis. fez um monte de cerâmica terracota para ela. Estava em Cap D'Antibes. está rico. Vai morar e pintar muito. É uma fantástica mistura de processos de composição. escultura e jóias. Disse: "Quando eu era criança minha mãe me dizia: se fores soldado chegarás a general. Paul Edward entrassem para ver a sua obra. Então o embaixador sai de seu atelier sem falar nada. bem na ponta do cabo. se fores frade acabarás a papa. De repente a Gestapo surgiu em seu Atelier quando Picasso estava pintando. Picasso disse que tinha repúdio a toda regra e convenções e com isso ele permanece um criador inesgotável. mas quando fez Guernica deixou que André Morrow (?). Ele continuou estrangeiro na França. Eram esculturas parecidas com ela. ele fez 57 esboços gerais diferentes antes da composição final. com quem ele vai ter os filhos Claude e Paloma. a sua forma é extremamente racional. Picasso ao terminar Guernica em 1939. Nessa época ele já tinha 68 anos e vai trabalhar com cerâmica. que eram judeus. Em termos de conteúdo vai mostrar sempre o palpitar da vida e a quietude da morte. Chega o embaixador espanhol nazista que verá uma fotografia bem grande de “Guernica”. com animais. Picasso recebeu muito apoio dos pais.50 de altura. mulher “François Gilot”. não usando cores. sem nunca ter se naturalizado. Guernica é trágica. Nessa época vai morar na Cote D'Azur. Ele resolve não esconder nada. Fofoca: Quando a Brigite Bardot foi visitá-lo e ele se encontrava com 60 anos aproximadamente. Esta obra se encontrava no Museu do Prado e agora está no Museu da Rainha Sofia. a fugir. O embaixador pergunta a Picasso: "Foi você que pintou isso?" Picasso responde: "Não. mulher e filhos. Além de transmitir uma grande emoção. Por isso seu trabalho é tão polivalente. Picasso sempre pintava sozinho. aos 55 anos. Quis ser pintor e tornei-me Picasso". Essas esculturas ajudaram-na futuramente quando arrecada um bom dinheiro ao leiloá-las para ajudar financeiramente a sua obra de “proteção aos animais”. em “off”: Salvador Dali conseguiu conquistar a mulher de Paul Edward. Em 1946 Picasso vai casar com a 4a. em Madri. ao mesmo tempo que revela o palpitar da vida. Obs.Nessa época. gravura. É o pior do retrato do sofrimento humano. Fazendo uma análise da forma pode-se notar uma composição de estilo piramidal. Mas.80 m de comprimento e 3. baseada nos pintores clássicos. com muita fama. ficando com ela. além de ter muito mais esboços específicos. Em "off": Na segunda guerra mundial quando os nazistas entraram na França e acabaram com Paris. a sua força criadora não pára. etc. Guernica tem 7.

Um apartamento duplex em Paris. o "Pombo" (Paloma) que para ele é o símbolo da paz. em aprendiz de decorador: tinha que imitar o mármore. Morreu aos 92 anos em 09 de abril. não teve e nem tem seguidores. pintor francês. Mais de 30 filmes foram feitos sobre sua vida além de mais de 1400 livros em 40 línguas. pintura que admirou e saboreou até saciar-se. A posterior admiração por Cézanne e o deslumbramento causado pelo autor das Les demoiselles d' Avigon. Pintando o que nunca se viu. Eu tento achar influências do mestre. Em "Off": Jorge Amado que tinha adoração e muita amizade por Picasso. seu pai negociava com a pintura e a decoração e. fantástico diretor francês e por Alan Ransmie. próximo à Capri. Contudo. Para terminar. convidou-o para ser padrinho da filha levando-a para a França. quando começou a I Guerra Mundial. Vai adquirir muito mais imóveis também. a influência decisiva que Paris exerceu sobre ele foi através das salas do Louvre dedicadas à escultura egípcia e grega primitiva. a superfície da madeira e as superfícies douradas. vai comprar também uma ilha enorme onde vai construir um castelo como o da Espanha que tinha. entre eles a “releitura das meninas de Velásquez”. a ocasião. o mural "Guerra e Paz". outro diretor. à vez. uma outra fazenda em Marbela. Um exemplo desse estilo é Violino e jarro (1910). iniciou-se também como rotulista. Vai então desenvolver uma série de trabalhos nessa época. mas ninguém pode querer pintar como Picasso. 124 . etc. se uniu ao Fauvismo durante dois anos (1905/7). Foi filmado por Clouseaux. Mali descreve em seu livro: "Por estranho que pareça esse grande e talvez o maior artista plástico de nosso século. A aprendizagem técnica lhe fez entrar adulto na escola de Belas Artes do Havre e posteriormente no ateliê do pintor Lécin Bonnat . do encontro. com quem tinha estabelecido uma sólida amizade. realizou as obras que hoje são conhecidas como cubismo analítico. porque ele foi o único. dizendo: "Concordo com Dom Quixote: meu repouso é a batalha". Picasso compra um castelo na França e uma casa da Idade Média também. era um consagrado pintor aficionado. influência à qual temos que acrescentar a de Renoir com sua Moulin da Galette. Georges introduziu-se na tradição familiar graças a seu próprio pai. por sua vez. um duplex no Central Park. a festa da revelação.Em 1954 ele vai viver uma paixão muito forte com Jaqueline Roque. Atraído por Matisse e por seu movimento. um bom retratista de personagens famosos. o conduzem para a experiência cubista. Na Itália. que ele nunca foi e onde mora hoje sua filha Paloma. convertendo-se. Em seguida fez experiências com colagem até 1914. ele mostrou a aventura do olhar. De 1910 a 1912. essas coisas tão humanas.” BRAQUE Georges Braque (1882-1963). Compra também em Málaga uma fazenda imensa. Por isso a filha de Jorge Amado chama-se Paloma Amado. o mistério e o risco de ousar. o imprevisto.

Em Paris freqüentou a Académie Julien. Morreu no dia 31 de agosto com oitenta e um anos. mas não seu vínculo artístico. Em 1926 Tarsila expôs na galeria Percier em Paris. e "São Paulo". variante brasileira do cubismo. com quem se casou em 1924. sob a orientação de Émile Renard. na Pinacoteca do Estado de São Paulo. que com o passar do tempo o levou a freqüentar Varengeville. Tarsila esteve ainda representada na mostra Arte Moderna no Brasil (1957). o chamado Grupo dos Cinco. embora lentamente conseguiu recuperar a vista. em que as cores são mais sombrias mas a nitidez anterior é conservada. André Lhote e Albert Gleisse. e depois com George Fischer Elphons. na XXXII Bienal de Veneza (1964) e na mostra Arte da América Latina desde a Independência (1966). no Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo. Entre suas demais telas destacam-se "A negra". Braque seguiu o seu próprio caminho. cujo estilo a marcou sobremodo. Em 1922 participou em Paris do Salão dos Artistas Franceses. Braque recebeu uma séria ferida na cabeça que deixou cego. continuou sua amizade com Picasso. TARSILA DO AMARAL Tarsila participou ativamente da renovação da arte brasileira que se processou na década de 1920. Concluído o conflito. Tarsila do Amaral nasceu em Capivari SP em 1886. em suas produções posteriores aparecem paisagens e temas normandos. de retorno ao primitivo. e estruturou sua personalidade artística a partir das influências cubistas. uma localidade na Normandia francesa cuja fria luminosidade parecia adaptar-se muito bem a seu próprio temperamento. Presente na I e II Bienais de São Paulo. Outra obra do mesmo período é "Segunda classe". em São Paulo. Tarsila morreu em São Paulo SP em 17 de janeiro de 1973. e influenciou Portinari. Integrou-se ao movimento modernista e ligou-se com especial interesse à questão da brasilidade. Desta forma. Estudou com Pedro Alexandrino. Em 1960 o Museu de Arte Moderna de São Paulo organizou retrospectiva de sua obra. sala especial foi dedicada à retrospectiva de sua obra. assimilou a tradição barroca brasileira às recém-adquiridas teorias e práticas cubistas e criou uma pintura que foi denominada Pau-Brasil. Mobilizado. Iniciou-se então sua fase antropofágica. percorreu as cidades históricas mineiras em companhia do escritor francês Blaise Cendrars. Formou. Deslumbrada com a decoração popular das casas dessas cidades. Entrou em contato com Fernand Léger. a partir de 1917. foi premiada na primeira. Na Bienal de São Paulo de 1963. Foram apresentadas suas diversas fases e deu-se destaque ao quadro "Operários" (1933). Menotti del Picchia. Essa pintura inspirou um movimento. com Anita Malfatti. 125 . Mário de Andrade e Oswald de Andrade.A I Guerra Mundial separou a ambos artistas. Recebeu a Cruz de Guerra e da Legião de Honra. da fase social. da qual o exemplo mais notável é o quadro "Abaporu". Retornando ao Brasil em 1924.

não demorou a encontrar uma maneira de se ajustar à nova linguagem do movimento a que pertencia. registrando a velocidade descrita pelas figuras em movimento no espaço. como seus companheiros. O grupo pretendia fortalecer a sociedade italiana através de uma pregação patriótica que incluía a aceitação e exaltação da tecnologia. A formação acadêmica de Balla restringiu-se a um curso noturno de desenho. Procura-se neste estilo expressar o movimento real.. e nele. Preocupado. O futurismo é a concretização desta pesquisa no espaço bidimensional.FUTURISMO O primeiro manifesto foi publicado no Le Fígaro de Paris. onde apresentou regularmente suas primeiras obras em todas as exposições da Sociedade dos Amadores e Cultores das Belas-Artes. na Academia Albertina de Turim. dizendo que "o esplendor do mundo enriqueceu-se com uma nova beleza: a beleza da velocidade. mostrou grande preocupação com o dinamismo das formas. onde entrou em contato com a obra dos impressionistas e neo-impressionistas e participou de várias exposições. O artista futurista não está interessado em pintar um automóvel. em encontrar uma maneira de visualizar as teorias do movimento. fez uma viagem a Paris. "é mais belo um ferro elétrico que uma escultura". em sua obra o pintor italiano tentou endeusar os novos avanços científicos e técnicos por meio de representações totalmente desnaturalizadas. Cinco anos mais tarde. em 22/02/1909. Boccioni e Giacomo Balla. juntava-se a eles para assinar o Manifesto Técnico da Pintura Futurista. de dois meses de duração. que permitia ao observador captar de uma só vez todas as seqüências do movimento. numa repetição quase infinita. sua cidade natal. junto com Giorgio De Chirico. o poeta italiano Marinetti. conheceu Marinetti. com a situação da luz e a integração do espectro cromático. resultou do encontro do poeta com os pintores Carlo Carra. ele se separaria finalmente do futurismo para se dedicar àquilo que eles próprios dariam o nome de Pintura Metafísica. Boccioni e Severini.Mesmo assim. Russolo. Dissolvido o movimento. Um ano mais tarde. aderindo entusiasticamente à máquina. ou vários tempos num só espaço. ou desintegração das formas. Para Balla. Principais artistas: GIACOMO BALLA . de 1910. os objetos não se esgotam no contorno aparente e seus aspectos se interpenetram continuamente a um só tempo. Para os futuristas. embora sem chegar a uma total abstração. Um automóvel de carreira é mais belo que a Vitória de Samotrácia". Os futuristas saúdam a era moderna. Embora em princípio Balla continuasse influenciado pelos divisionistas. O segundo manifesto. mas captar a forma plástica a velocidade descrita por ele no espaço. Balla retornou às suas pinturas realistas e se voltou para a escultura e a cenografia. Em 1895 o pintor mudouse para Roma. CARLO CARRA (1881-1966). Severini. Na volta a Roma. 126 . apresentou em 1912 seu primeiro quadro futurista intitulado Cão na Coleira ou Cão Atrelado. Um recurso dos mais originais que ele usou para representar o dinamismo foi a simultaneidade.

Nascido em Reggio di Calábria. entre eles La Pittura Metafísica (1919) e La Mia Vita (1943). Logo fez amizade com os pintores Balla e Severini. Londres e Berlim. mostrou-se interessado na pintura impressionista. A partir desse momento começaram a aparecer as referências cubistas em suas obras. Carrà não deixou de comparecer às exposições futuristas de Paris. influenciou a arte de seu país nas décadas de 1920 e 1930. Nessa época iniciou seus primeiros estudos e esboços de Ritmo dos Objetos e Trens. Um ano mais tarde assinou o Primeiro Manifesto Futurista. retomou as aulas na Academia Brera e conheceu Boccioni e o poeta Marinetti. Um ano mais tarde. do qual foi um dos principais teóricos. Dinâmico Plástico (Pintura. Representante do futurismo e mais tarde da pintura metafísica. Em suas últimas obras retornou ao cubismo. Ao voltar. 127 . Scultura Futurista. no qual foram registrados os princípios teóricos da arte futurista: condenação do passado.Publicou vários trabalhos. redigido pelo poeta italiano e publicado no jornal Le Figaro. Ao retornar. contratado para a decoração da Exposição Mundial. Fez então algumas viagens a Paris. De lá mudouse para Londres. Boccioni conseguiu finalmente fazer a representação do movimento por meio de cores e planos desordenados. com sua obra Dinamismo de um Jogador de Futebol. Escultura Futurista. Dinamismo Plástico). Morreu dois anos depois. desprezo pela representação naturalista. Juntou-se a Giorgio De Chirico e realizou sua primeira pintura metafísica. onde estudou em diferentes academias.Enquanto ganhava seu sustento como pintor-decorador freqüentava as aulas de pintura na Academia Brera. por definição suas obras mais futuristas. Suas obras ainda deixavam transparecer a preocupação do artista com os conceitos propostos pelo cubismo. em 1916. Modigliani e Picasso. onde se encontrou com Picasso e Braque. Boccioni mudou-se ainda muito jovem para Roma. mas já em 1915 separou-se definitivamente do grupo. São Petersburgo e Milão. pintor italiano. Os retratos deformados pelas superposições de planos ainda não conseguiam expressar com clareza sua concepção teórica. mas incorporando os conceitos de dinamismo e simultaneidade: formas e espaços que se movem ao mesmo tempo e em direções contrárias. na cidade de Verona. o pintor se alistou como voluntário e ao voltar publicou o livro Pittura. Foi com a intenção de procurar as bases dessa nova estética que ele viajou a Paris. No início. participou da primeira exposição futurista. sua obra se manteve sob a influência do cubismo. indiferença em relação aos críticos de arte e rejeição dos conceitos de harmonia e bom gosto aplicados à pintura. Numa segunda viagem a Paris entrou em contato com Apollinaire. Em 1912. em Milão. principalmente na obra de Cézanne. Durante a Primeira Guerra Mundial. UMBERTO BOCCIONI (1882-1916). entrou em contato com Carrà e Marinetti e um ano depois se encontrava entre os autores do Manifesto Futurista de Pintura. como num pseudofotograma. publicou o Manifesto Técnico da Pintura Futurista. Ao voltar. Em 1900 fez sua primeira viagem a Paris.

as pontes semelhantes a ginastas gigantes que transpõem as fumaças. ditamos nossas primeiras vontades a todos os homens vivos da terra: 1. cantaremos a maré multicor e polifônica das revoluções nas capitais modernas. cintilantes ao sol com um fulgor de facas. Já não há beleza senão na luta. a bofetada e o murro. o gesto destruidor dos anarquistas. publicado em 1909. com o vulto coberto pela boa lama das fábricas . pelo prazer ou pela sublevação. Por que haveremos de olhar para trás. o hábito da energia e da temeridade. cuja haste ideal atravessa a Terra. de suores inúteis. mas impávidos. Vivemos já o absoluto. fausto e munificência.única higiene do mundo -. os navios a vapor aventurosos que farejam o horizonte. pois criamos a eterna velocidade onipresente. 4. A coragem. Queremos celebrar o homem que segura o volante. Queremos glorificar a guerra . a velocidade. o militarismo. É da Itália que lançamos ao mundo este manifesto de violência arrebatadora e incendiária com o qual fundamos o nosso Futurismo.empaste de escórias metálicas.. o salto mortal. porque queremos libertar este país de sua fétida gangrena de professores. 1908. 2. Um carro de corrida adornado de grossos tubos semelhantes a serpentes de hálito explosivo. 7. é mais belo que a Vitória de Samotrácia. Nenhuma obra que não tenha um caráter agressivo pode ser uma obra-prima. um automóvel rugidor. as belas idéias pelas quais se morre e o desprezo da mulher. as academias de todo tipo. 3. cujas hélices se agitam ao vento como bandeiras e parecem aplaudir como uma multidão entusiasta. as bibliotecas. "Então. de fuliges celestes -.. contundidos e enfaixados os braços. A poesia deve ser concebida como um violento assalto contra as forças ignotas para obrigá-las a prostrar-se ante o homem. que parece correr sobre a metralha. o êxtase e o sono. a fim de aumentar o entusiástico fervor dos elementos primordiais. cicerones e antiquários. Até hoje a literatura tem exaltado a imobilidade pensativa. Afirmamos que a magnificência do mundo se enriqueceu de uma beleza nova: a beleza da velocidade. 9. arqueólogos. lançada a toda velocidade no circuito de sua própria órbita..Fragmento "Fundação e manifesto do futurismo". 8. as locomotivas de amplo peito que se empertigam sobre os trilhos como enormes cavalos de aço refreados por tubos e o vôo deslizante dos aeroplanos.. Queremos exaltar o movimento agressivo. 10. 11. se queremos arrombar as misteriosas portas do Impossível? O Tempo e o Espaço morreram ontem. devoradoras de serpentes fumegantes: as fábricas suspensas das nuvens pelos contorcidos fios de suas fumaças. a insônia febril. Queremos cantar o amor do perigo. Estamos no promontório extremo dos séculos!. 5. o feminismo e toda vileza oportunista e utilitária. Cantaremos as grandes multidões agitadas pelo trabalho. 6. a audácia e a rebelião serão elementos essenciais da nossa poesia. 128 . o patriotismo. cantaremos o vibrante fervor noturno dos arsenais e dos estaleiros incendiados por violentas luas elétricas: as estações insaciáveis. Queremos destruir os museus. O poeta deve prodigalizar-se com ardor. e combater o moralismo.

. pela sinistra promiscuidade de tantos corpos que não se conhecem. nossa mórbida inquietude. como se visita o cemitério no dos dos mortos. . os alegres incendiários com seus dedos carbonizados! Ei-los!. já que para eles o futuro está barrado. Mas não admitimos passear diariamente pelos museus nossas tristezas. realmente. a alegria de ver flutuar à deriva. da qual saís fatalmente exaustos.. Idênticos..Há muito tempo a Itália vem sendo um mercado de belchiores. as velhas telas gloriosas!.. do passado. rasgadas e descoradas sobre as águas. Desviem o curso dos canais para inundar os museus!... jovens e fortes futuristas! Bem-vindos. Admirar um quadro antigo equivalente a verter a nossa sensibilidade numa urna funerária. Empunhem as picaretas. Museus: dormitórios públicos onde se repousa sempre ao lado de seres odiados ou desconhecidos! Museus: absurdos dos matadouros dos pintores e escultores que se trucidam ferozmente a golpes de cores e linhas ao longo de suas paredes! Que os visitemos em peregrinação uma vez por ano. Queremos libertá-la dos incontáveis museus que a cobrem de cemitérios inumeráveis. Ponham fogo nas estantes das bibliotecas!. como manuscritos inúteis.Pois é isso que queremos! Nossos sucessores virão de longe contra nós. calvários de sonhos crucificados. vá lá: o admirável passado é talvez um bálsamo para tantos os seus males. Mas nós não queremos saber dele. pois. Quereis. registros de lances truncados!. Oh. Que uma vez por ano se desponta uma coroa de flores diante da Gioconda. Aqui!... em vez de projetá-la para longe. os martelos e destruam sem piedade as cidades veneradas! Os mais velhos dentre nós têm 30 anos: resta-nos assim. para os artistas. das bibliotecas e das academias (cemitérios de esforços vãos. os machados. pelo menos um decênio mais jovens e válidos que nós jogarão no cesto de papéis. Museus: cemitérios!.. vá lá. dançando à cadência alada dos seus primeiros cantos......) é. nós. Por que devemos nos envenenar? Por que devemos apodrecer? E que se pode ver num velho quadro senão a fatigante contorção do artista que se empenhou em infringir as insuperáveis barreiras erguidas contra o desejo de exprimir inteiramente o seu sonho?.. desperdiçar todas as vossas melhores forças nessa eterna e inútil admiração do passado... nossa frágil coragem.. diminuídos e espezinhados? Em verdade eu vos digo que a frequentação cotidiana dos museus. tudo bem. tão ruinosa quanto a tutela prolongada dos pais para certos jovens embriagados por seu os prisioneiros. estendendo os dedos aduncos de predadores e farejando 129 . pois. em violentos arremessos de criação e de ação. de toda parte.

caninamente.. Mas nós não estaremos lá. Eretos sobre o pináculo do mundo. até perder o fôlego. o bom cheiro das nossas mentes em putrefação. Estais admirados? É lógico. ... crueldade e injustiça. de astúcia e de vontade rude.. e todos.em campo aberto. porque estão nutridos de fogo. Mas que importa? Não queremos entender!.. Seja!. Eles se amotinarão à nossa volta. pois não vos recordais sequer de ter vivido! Eretos sobre o pináculo do mundo. se precipitarão para matar-nos.. 1993) 130 . Nossa bela e mendaz inteligência nos afirma que somos o resultado e o prolongamento dos nossos ancestrais...Chipp. sob um triste galpão tamborilado por monótona chuva.. Já entendemos!. Cabeça erguida!.. Martins Fontes. temos já esbanjado tesouros. delirantemente...Talvez!. às portas das academias.. Os mais velhos dentre nós têm 30 anos: no entanto. exasperados pela nossa soberba. não pode ser senão violência. mil tesouros de força. sem jamais hesitar. precipitadamente. aquecendo as mãos ao fogo mesquinho proporcionado pelos nossos livros de hoje flamejando sob o vôo das nossas imagens. impelidos por um ódio tanto mais mais implacável quanto seus corações estiverem ébrios de amor e admiração por nós.. sem jamais repousar.. já prometidas às catacumbas das bibliotecas. de audácia.. e nos verão agachados junto aos nossos aeroplanos trepidantes. sem calcular.. Olhai para nós! Ainda não estamos exaustos! Nossos corações não sentem nenhuma fadiga. de ódio e de velocidade!. Por fim eles nos encontrarão . mais uma vez lançamos o nosso desafio às estrelas. Basta! Basta! Já as conhecemos.." (Teorias da Arte Moderna. inestancável audácia.uma noite de inverno .A arte.. de amor. mais uma vez lançamos o nosso desafio às estrelas! Vós nos opondes objeções?. Ai de quem nos repetir essas palavras infames!.B.... de fato. H. ofegantes de angústia e despeito. A forte e sã Injustiça explodirá radiosa em seus olhos .

Conferiu imobilidade e transparência de formas. muitas vezes com a inclusão de estátuas. enigmáticos e sem rosto. GIORGIO MORANDI (1890-1964). em curiosas perspectivas divergentes. caixas e lâmpadas velhas. sombras sedutoras e cores ricas e profundas. manequins. legumes. idealizadas. recorte intimista e atmosfera de luz cinza-clara às naturezas-mortas que pintou usando como modelos frascos. nascido na Grécia. garrafas. Tem inspiração na Metafísica. 131 . em arcadas e arquiteturas puras. solitários. onde colocava objetos heterogêneos para revelar um mundo onírico e subconsciente. Notável por suas naturezas-mortas. nus ou vestidos à moda clássica. que pareciam simbolizar a estranheza do ser humano diante do seu meio ambiente. principal representante da "pintura metafísica". frutas. perpassado de inquietações metafísicas. pintor italiano. irreais e enigmáticos. Também usada nas suas obras manequins. de plástica despojada e escultural. pintor italiano. Principais Artistas: GIORGIO DE CHIRICO (1888-1978). A pintura metafísica explora os efeitos de luzes misteriosas. em que buscava a unidade das coisas do universo. ciência que estuda tudo quanto se manifesta de maneira sobrenatural. numa transfiguração toda especial.PINTURA METAFÍSICA A pintura deve criar um impressão de mistério. As suas obras retratam cenários arquitetônicos. através de associações pouco comuns de objetos totalmente imprevistos. Giorgio De Chirico constitui um caso singular: poucas vezes um artista alcançou tão rapidamente a fama para em seguida renegar o estilo que o celebrizara e cair em um esquecimento quase absoluto.

pronto. como cubismo. 132 . Fundaram um movimento literário para expressar suas decepções em relação a incapacidade da ciências. O fim do Dada como atividade de grupo ocorreu por volta de 1921. Em 1917 foi rejeitado ao enviar a uma mostra um urinol de louça que chamou de "Fonte". interessando-se pelo movimento das formas. eram contrários ao envolvimento dos seus próprios países na guerra. a desordem. filosofia que se revelaram pouco eficazes em evitar a destruição da Europa. se tivessem permanecido em seus respectivos países. O experimentalismo e a provocação o conduziram a idéias radicais em arte. adquiriam a condição de objeto de arte. artistas de várias nacionalidades. pintor e escritor francês. Expressão criada em 1913 pelo artista francês Marcel Duchamp para designar qualquer objeto manufaturado de consumo popular. tratado como objeto de arte por opção do artista. selecionado e combinando elementos por acaso. pintor e escultor francês. o Dada foi um movimento de negação. a incoerência. Sendo a negação total da cultura. Envolveu-se sucessivamente com os principais movimentos estéticos do início do século XX. para demonstrar seu desprezo pela arte tradicional). surrealismo e dadaísmo. Principais artistas: Marcel Duchamp (1887-1968). Ready-Made significa confeccionado. e que. após leve intervenção e receberem um título. Depois fez interferências (pintou bigodes na Mona Lisa. religião. exilados na Suíça. François Picabia (1879-1953). sua arte abriu caminho para movimentos como a pop art e a op art das décadas de 1950 e 1960. o caos. Politicamente . Criou os ready-mades. objetos escolhidos ao acaso.DADAÍSMO Formado em 1916 em Zurique por jovens franceses e alemães que. antes do surgimento do grupo Dada (Zurique. Reinterpretou o cubismo a sua maneira. o Dadaísmo defende o absurdo. inventou mecanismos ópticos. assim como a arte que perdera todo o sentido diante da irracionalidade da guerra. Esse nome escolhido não fazia sentido. firma-se como um protesto contra uma civilização que não conseguiria evitar a guerra. A palavra Dada foi descoberta acidentalmente por Hugo Ball e por Tzara Tristan num dicionário alemão-francês. Durante a Primeira Guerra Mundial. Dada é uma palavra francesa que significa na linguagem infantil "cavalo de pau". 1916). Sua proposta é que a arte ficasse solta das amarras racionalistas e fosse apenas o resultado do automatismo psíquico. Colaborou com Tristan Tzara na revista Dada. teriam sido convocados para o serviço militar.

No Dadaímo contribuiu com colagens e fotomontagens. e esfregar um lápis de cor ou grafita. Em 1921 contata com o movimento surrealista na pintura. abandonou a abstração pura que praticara por anos e criou pinturas baseadas na figura humana. de índole satírica. com quem funda o grupo dadá nova-iorquino. Depois de 1927. em 1915 conhece o pintor francês Marcel Duchamp. Max Ernest (1891-1976). Inventou técnicas como a decalcomania e o frottage. até que por volta de 1916 o artista se concentrou nos engenhos mecânicos do dadaísmo. criando técnicas em pintura e escultura. adepto do irracional e do onírico e do inconsciente. de modo que o papel adquira o aspecto da superfície posta debaixo dele. composições que sugerem a múltipla identidade dos objetos por ele escolhidos para tema. eram mais próximas de Léger do que de Picasso. Trabalha como fotógrafo para financiar a pintura e. a raiografia. são exuberantes nas cores e sugerem formas metálicas que se encaixam umas nas outras. o frottage também era considerado um método que dava acesso ao inconsciente. criando imagens abstratas (obtidas sem o auxílio da câmara) mas com a exposição à luz de objetos previamente dispersos sobre o papel fotográfico. pintor alemão. ou fotograma. fotógrafo e pintor norte-americano. com a superposição de formas lineares e transparentes. Como o artista não tinha controle sobre o quadro que estava criando. com a nova atividade. como a madeira de veios salientes. Man Ray (1890-1976). desenvolve a sua arte.Suas primeiras pinturas cubistas. Formas e cores tornaram-se a seguir mais discretas. que consiste em aplicar uma folha de papel sobre uma superfície rugosa. 133 . esteve envolvido em outros movimentos artísticos.

abstrato puro ou outras combinações. São formas criadas pelo homem. A revolução Russa também influenciou muito no abstracionismo. abstrato colorido. essas combinações levaram a surgir outros momentos e não movimentos de pintura. Esse movimento foi muito forte na pintura e na arquitetura. Mandalas. É uma linguagem completamente abstrata. O abstracionismo acompanha o homem desde a época pré-histórica. Quando você cria um desenho livre pode até ser um trabalho abstrato. O grego também foi um povo que usou muito do abstracionismo. No aspecto social seria a previsão do início de guerra. Próximos da segunda guerra mundial. Quando se fala de abstracionismo falamos também de representar formas. mas pode também ser um símbolo além do abstrato. o homem tentava negar a realidade em que vivia. Ex. Ele pode ter uma somatória de características além do abstrato. passa a ter uma linguagem muito diferente chamada de linguagem geométrica. Você pode se envolver ou se inspirar em alguma coisa existente mas não vai retratar fielmente aquela figura. Essa época coincide quando Kandinsky vira uma tela de aquarela de ponta cabeça. Ex. Outro motivo seria uma nova visão decorrente do impressionismo (pinceladas soltas que se parecem com manchas abstratas). A Alemanha foi o país que participou mais intensamente desse movimento e uma boa parte da Europa também teve participações mais irregulares. É uma ausência da realidade. Aos poucos. Esses desenhos se desprendem da realidade enquanto formas. surgindo uma série de borrões que vão ser admirados. Nos dias de hoje. e retiradas do mundo externo. sem medidas. quando o homem vai ter que lutar por aquilo que precisa sem ter que depender tanto de suas magias. Abstrato preto-branco. Como exemplo temos as "gregas" que foram usadas. Existem muitas outras formas geométricas que foram usadas por eles e que de forma nenhuma estão inspirados na realidade. mas que ninguém sabe ao certo se foram eles que a criaram. no período da pedra polida. que são criadas por um processo muito interior. vivendo em um clima tenso. cores e texturas. 134 . no período da pedra lascada quando o homem fazia desenhos figurativos.ABSTRACIONISMO O período do abstracionismo começou em mais ou menos 1911. O abstracionismo surgiu por vários fatores sendo um deles o cansaço do realismo. Abstracionismo não se prende a realidade existente.

O abstrato é um dos tipos de trabalho que faz parte da arte moderna. Ex. Da mesma forma que você representa uma forma real você pode representar uma forma irreal dando volumetria. As formas geométricas são precisas dentro do trabalho. pois ele será abstrato em qualquer época. amarelo-vermelho. Outra forma é programar a distribuição de cores e formas sem estar reproduzindo uma realidade. enquanto movimento. Um trabalho abstracionista está dentro de um contexto de arte moderna. Em pleno período de conflitos mundiais vão pensar em contestar tudo isso com uma arte que não era fácil de ser entendida. Um trabalho pode ser completamente abstrato e só ter tons pastéis e sem nenhum contraste. A arte abstrata é livre de contexto. não existindo nenhum compromisso com a realidade. O Gestual é o abstracionismo no qual a pintura é muito livre. Temos dois tipos de trabalhos abstracionistas: Abstracionismo gestual e geométrico. no qual a movimentação da mão vai determinar o trabalho com pinceladas (no caso utilizando-se pincel) mais fortes ou mais suaves. Muitas vezes é um porquê racional que pertence só ao artista. mas nem todo trabalho de arte moderna será um trabalho abstrato. O abstracionismo Geométrico é muito preso a aspectos de simetria. o abstracionismo dificilmente passa a ser aceito pelo mundo. mas não é obrigatório. O pintor abstracionista sempre tem uma representação muito pessoal que envolve os aspectos de técnicas de sua pintura como também o do contexto onde o artista vive. Ao fazer negações desse tipo. Um trabalho abstrato não tem essa limitação. quando o abstracionismo começou. Os artistas abstracionistas. mas ele vem acompanhando o homem desde a pré história e em vários momentos da sua vida. Ex. é enquadrado na arte moderna. Existe uma série de regras que determina cada estilo de arte. 135 . As formas. são criadas pelo artista. As cores que mais sofrem destaques normalmente são cores que provocam contrastes entre elas mesmas. ele pode ser irracional. tem buscado estabelecer planos diferenciados na pintura através da cor e da forma. O abstracionismo não é um processo racional. equilíbrio e de formas que estão ligados ao conceito de geometria.: Preto-vermelho. sem medidas e técnicas precisas. foi considerado um marco dentro da chamada arte moderna. O abstracionismo. distanciamento ou efeito de volume. Uma pintura irracional é colocar as cores e formas simplesmente por acaso. No abstracionismo não existe a obrigatoriedade de se combinar cores. Se você fizer hoje um trabalho impressionista será chamado de néo-impressionista. intuitivamente. tanto no gestual como no geométrico. Cores contrastantes são comuns aparecerem em trabalhos abstratos. hoje em dia. Optar por colocar uma cor quente ou fria em determinado espaço para dar impressão de proximidade. No abstracionismo não se respeita nenhuma regra é uma negação completa a qualquer outro momento da arte. mas produzindo uma distribuição racional dessas cores e formas. Todos os dois podem provocar emoções.Em 1911.

cores. O lado direito é o lado sensitivo. sem se preocupar com a forma e o conteúdo. evoluir todos os sistemas industriais possíveis que tinham sidos retomados durante a revolução industrial. Não existe essa mesma liberdade na pintura acadêmica. não dá para estabelecer parâmetros racionais. não tem necessidade de passar algum tipo de informação. outras não. passando depois para Dessau. Artistas abstratos: Vassily Kandinsky (1866-1944) Nasceu em Moscou e morreu em Paris. Kandinsky passou por várias fases da pintura e na sua primeira visita à Paris viu o quadro de Monet. principalmente a abstrata. É considerado o iniciador da pintura moderna abstrata. etc. que representava um monte de feno. O lado esquerdo do cérebro é o lado racional. Vassily Kandinsky tinha por característica usar cores fortes e apelativas.Comentário: "A música existe por ela mesma sem ter a letra. A partir dai começa a pesquisar e fazer uma série de testes em cima de cor e textura. de pintura e desenho. Essa escola tem um destaque muito importante dentro da história da arte e da arquitetura. é preciso ver o quanto aquela obra oferece de informações inovadoras. técnicas diferenciadas ou não. deixando de ter toda essa abstração e ganhando um significado que você tenha descoberto e não necessariamente tenha sido criado pelo artista. Eles tinham todo um aspecto filosófico que faziam com que os alunos tivessem que passar por diversos estágios de evolução. etc. Quando se observa uma obra de arte. Porque um quadro precisa ter forma explícita para agradar?". Um trabalho abstrato pode ser rico ou não em simbologias. e vai ficar encantado com as cores e a textura. precisa de símbolos que tenha alguma informação já conhecida antes. Essa escola foi criada (+/-) 1919/1920 em Weimar. A simbologia é uma representação criada pelo homem baseada nas formas abstratas. conhecer novos materiais. A obra abstrata não precisa ter conteúdo. cidade alemã. principalmente se for uma simbologia mais evidente. Eles buscavam. que integrou a BAUHAUS (escola de arte). Algumas obras abstratas passam algum conteúdo. Vassily Kandinsky foi um dos professores. As obras podem ser bem diferenciadas umas das outras pela infinidade de possibilidades de representações através de texturas. O fato de utilizarse só da cor demonstra uma negação da realidade. A falta de intimidade com a arte abstrata é que leva o homem a não apreciá-la. O abstracionismo levou uma série de discussões em cima do que era chamado de simbologia. 136 . desafiando-se perante o novo. não do abstracionismo que aparece desde o período da pedra polida. Quanto mais simbologias ele tiver é mais fácil as pessoas se identificarem com ele.

137 . Adorava criar entidades que pudessem apoiar a arte. diminui a beleza que as formas e as cores possuem em si mesmas. também trabalhou em cima do abstracionismo com um caráter sentimental. Bandeira. Fala que temos que negar o que é a realidade para representar a realidade. as cores e as formas acontecem livremente. ou seja. uma composição que não interfere o nosso lado sentimental. e que seriam aspectos ligados a parte sensitiva de cada um de nós. os trabalhos de Kandinsky foram se tornando cada vez mais introspectivos. Vai dizer também que nós temos uma mentalidade muito ligada a dos renascentistas. Neste livro filosófico vai questionar muito sobre o aspecto de conteúdo da arte. no sentido de que ele não é preso ao geometrismo. e sendo assim. o que é figurativismo. Tem uma frase interessante que ele comenta sobre o conteúdo em uma obra de arte: " A presença de uma imagem visual ou a representação da realidade. o que é abstracionismo. Vai mexer com nosso emocional proporcionando-nos sensações do tipo exuberante. Em algumas etapas de seu trabalho ele se utiliza propositadamente da geometria de forma intensa. laminado melanínico (que significa fórmica) Obs. O seu trabalho é informal. De um modo geral.Obs. que se baseavam no belo e no real. artista brasileiro. : A palavra fórmica é nome de uma marca. extremamente desenvolvido e a combinação de materiais. da negação do prazer ou do êxtase com relação a obra. independente de qualquer representação. O abstracionismo está muito ligado em algumas coisas com o expressionismo. Na sua fase final ele está completamente abstrato. soltando-se por completo. de utensílios e vai se tornar muito conhecida mundialmente. Ele cria formas livremente que não são definidas pela natureza ou geometria. alegria. etc. Foi nomeado um tipo de assessor cultural. Influenciou realmente o design de peças das mais diversas que encontramos hoje. distribuída. tristeza. Design: significa desenho Designer: significa desenhista Kandinsky se preocupava mais com a evolução do desenho junto a seus alunos. mas estando sempre associadas a alguma coisa que passa sensações para nós. Ele inclusive vai pegar você pela emoção do prazer ou não prazer. Kandinsky escreveu um livro neste período chamado "O Espiritual da Arte". No seu trabalho vai predominar uma idéia de sentimento. Chega a provar que a arte acadêmica é que é abstrata. plástico. mas sim um aprimoramento das invenções. O pintor é abstrato é que é um realista. Não é aquele tipo de abstracionismo que você comenta sobre se a composição está muito bem equilibrada.: ferro. as linhas e cores adquirem novos valores expressivos e uma nova vida própria despertando no observador emoções e sugestões de acordo com a sua sensibilidade". Em dois anos ele fundou 22 entidades entre galerias de artes e museus.: A revolução industrial não significa somente invenções industriais. Como por ex. A Bauhaus é uma escola que vai aprimorar os designs dos objetos de uso do dia a dia.

Orfismo tem ligação com a música. Curiosidades: Tachismo (de tache = mancha). Neoplasticismo. pode ser Cavaleiro Azul. O ângulo reto é o símbolo do movimento. conhecido como Cavaleiro Branco.A. ou de alguma coisa própria do artista. Grafismo é todo abstracionismo formado por uma grafia não cognificada. mais provável. Onde as cores e as formas são organizadas de maneira que a composição resulte apenas na expressão de uma concepção geométrica. Formado por manchas coloridas colocadas lado a lado em um certo parâmetro ou limite. Este trabalho não deixa de ser um teste do artista que pode ter ido adiante para um trabalho final ou não. e que também. porém. Raionismo formado por raios. Consegue nos convencer da dor que o homem está sentindo e que estava ligado ao aspecto da guerra. 138 . Kandinsky foi considerado um “expert” do abstracionismo informal. significa prova de artista.Ex. do cubismo. Resulta às linhas verticais e horizontais e às cores puras (vermelho. Principal artista: Larionov/Gontcharova Abstracionismo Geométrico ou Formal. no mínimo o braço do artista. azul e amarelo). É muito comum que os vários artistas que passaram pelo abstracionismo tenham participado do expressionismo. Um dos grupos que ele fundou foi chamado de DÉR BLAUE REITER. as formas e as cores devem ser organizadas de tal maneira que a composição resultante seja apenas a expressão de uma concepção geométrica. ou de outros momentos que “tem um pé dentro e outro fora realidade”. Principal artista: Sonia Delaunay. sendo rigorosamente aplicado à arquitetura. São manchas criadas impulsivamente com toda a liberdade ou efusão emocional do artista. Também existe um tipo de abstrato informal formado por manchas.: A obra "O grito" por pouco não é abstrato pela deformação.". seu criador e princiapl teórico foi Piet Mondrian. estanques. elas não possuem parâmetro definido pelo braço do artista como no Tachismo. Trabalhos bem conhecidos de Kandinsky: Série de "Improvisações" "A Tela Amarela" "A Pintura com Três Manchas" Obs. deslizes e riscos com luminosidade.: Quando você encontra uma obra com o símbolo "P.

Antes de ser um pintor era um conhecedor de arte. obtendo formas extremamente definidas e geométricas. não de contorno. Os elementos principais são: retângulo. defendia a supremacia da sensibilidade sobre o próprio objeto. reduz as formas. Ele usou. Jackson Pollock Pintor americano. mas pode ser notado um aspecto expressionista nele. holandês) Piet Mondrian desenvolveu uma série de pesquisas em cima do abstracionismo. no início de seu trabalho. Tinha o objetivo de desenvolver um abstracionismo geométrico onde as formas e as cores eram organizadas de tal maneira que a composição resultante fosse uma expressão de uma concepção geométrica. Suas características são rígidas e se baseiam nas relações formais e perceptivas entre a forma e a cor. mas sempre tem um apelo forte a emoção. Ele é bastante expressivo. Quando fazia o seu trabalho já tinha uma preocupação de distribuir tanto as formas como as cores na tela. de pé. Mais racional que as obras abstratas de Kandisky e Paul Klee. assinado por Malevitch e Maiakovski.Piet Mondrian (1872-1944 . Ele influenciou muito os artistas alemães da geração atual. um estacionamento de barcos e o oceano. sem qualquer preocupação de representação. Teve uma evolução bastante gradual e oposta a de Kandinsky. A maioria dos americanos não estuda história da arte em seu currículo escolar. foi um dos principais integrantes do movimento futurista em seu país. de ponta cabeça. cores mais fortes e depois foi usando cada vez mais tonalidades pastéis. Pesquisa os efeitos perceptivos do quadrado negro sobre o campo branco. 139 . Ele teve uma evolução bastante progressiva. Apesar de ele ter uma obra extremamente geométrica. Buscava uma definição. Ele é bastante movimentado. de longe. Seu trabalho é abstrato. que ao olhar o seu trabalho visualizamos às vezes figuras que transferimos para a nossa realidade. de técnica. O manifesto do Suprematismo. A maioria de suas obras estão no Museu "MOMA". nas variações ambíguas de fundo e forma. é uma pintura com base nas formas geométricas planas. Ex. informal e o apelo de seu trabalho está num conjunto de tudo. Ele transformava as formas e cores e purificava tudo em uma visão bem geométrica. já para o europeu a arte faz parte de sua formação acadêmica. Ele não usa figuras explícitas. que foi e voltou e passou por várias fases. círculo.: A obra de abstração da "Árvore". à pureza geométrica do quadrado. Curiosidades: Suprematismo. tinha um componente emocional que sempre se inspirava naquilo que ele via. poeta russo. É um trabalho que lembra uma marina. cores e formas que obtém. triângulo e a cruz. sempre buscando um equilíbrio. Sua obra deve ser vista de perto. mas de colocação de uma cor ao lado da outra. em Nova York. A sua obra mais conhecida chama-se "Boogie Odgie na Broadway". Outro trabalho muito conhecido é "Pier e o Oceano". como quiser.

Kasimir Malevich Artista russo. · Técnica: pintura direta na parede ou no chão. chegando à criação de um estilo original. A sua composição é bastante variada. espátulas. Obs. O abstracionismo cresce e se desenvolve nas Américas. Teve uma formação acadêmica tradicional que rejeitava. fundou-se nos Estados Unidos. Ele não quer passar nenhum sentimentalismo através de sua obra. mas sempre utilizando quadrados e retângulos na sua maioria. vidro moído.: Lançar a tinta pode ser um processo de jogar a tinta com um balde. Raríssimas obras não serão geométricas. espontaneidade e automatismo. Uma de suas obras feitas pelo processo "Action Painting" chama-se "Ritmo Autônomo". Passou por diversas fases sem precisar voltar a nenhuma delas. no chão. Nem sempre trabalhava com esse processo "Action Painting". Ele escolhia a posição que ia colocar a tela. Teve um processo bastante evolutivo. Jackson Pollock usava dois processos para jogar a tinta na tela. lançava a tinta.Usou muito a técnica de jogar a tinta sobre a tela deixando que ela agisse por conta dela mesma. Não existiu nenhum artista que tivesse influenciado Paul Klee diretamente. A natureza também é uma arte. Em 1937. Paul Klee Nasceu em 1878 e morreu em 1940. balançar o pincel para respingar sobre a tela. Ele deixava a tela de pé. Curiosidades: Action Painting ou pintura de ação gestual. etc. etc. Essa técnica de pintura chama-se Action Painting que significa “pintura por ação”. geométricas e perfeitas em cima de um fundo extremamente chapado. trincha. Jackson Pollock deixava que a tinta agisse por si só. pasta espessa de areia. Tem trabalhos em Amsterdã. que faz o que ela quer. Foi o que mais se desvinculou da idéia de realidade. Viveu sua vida artística quase que inteira no abstracionismo geométrico. 140 . Essas figuras geométricas são na maioria das vezes chapadas também. assim como a natureza. Ele pintou inúmeros trabalhos só com cor e retângulo. formas extremamente rígidas. · Execução cheia de violenta agressividade.pincéis. ou inclinada para que a tinta jogada pudesse escorrer. na Holanda. Participou do grupo de Kandinsky "Cavaleiro Azul". · Destruição dos meios tradicionais de execução . Paul Klee demorou para muito para decidir ser pintor devido as influências recebidas de seus pais que eram músicos. utilizando tinta à óleo. Rússia e outros dispersos. insistindo sempre no geometrismo. Toda viagem que fazia recebia muita influência. em telas enormes. criada por Jackson Pollock nos anos de 1947 a 1950 faz parte da Arte Abstrata Americana. Características da Pintura: · Compreensão da pintura como meio de emoções intensas. a Sociedade dos Artistas Abstratos. Ele soube colocar a sua própria expressão. deixava secar e depois fazia intervenções sobre esse trabalho. Não teve muitas obras.

às vezes só a título de experiência. costumava afirmar. apesar dos contextos racionais da arte. revolucionaria a pintura americana. Ele não se prendeu só a pintura à óleo. Ele tinha uma visão muito espiritual. expressionismo e primitivismo. tornando-se um admirador da obra de seu conterrâneo Rembrandt e do francês Cèzanne. Ao final dos anos 40. pastel e outros materiais. e o irreal com o real" O desenho de "setas" vai aparecer muito em seus trabalhos. "Minha obra vive de incluir as coisas. Para Paul Klee "O ilógico coexiste com o lógico. a vanguarda expressionista ianque tratou de banir a política de seus quadros. Pollock. ela torna-o visível". Diversamente dos expressionistas europeus.: É conceituado como arte primitivista todo o desenho folclórico. Ao contrário de seus colegas de vanguarda. que no começo do século converteram sua arte numa forma de panfletagem político-social. deslocou de Paris para Nova York a capital mundial das artes. usou também aquarela. Teve uma variedade muito grande de estilos. o jovem De Kooning. antes de atacar suas telas. perto de Nova York. como todos os outros abstracionistas. Assimilou muita coisa do cubismo. o maior de todos. aquele que todos fazem (casinha. Arshile Gorky e Mark Rothko. preferindo expremir as misérias da condição humana nos limites da existência individual. não de excluí-las". De Konning fez das figuras femininas . começou a vida como carpinteiro e pintor de paredes. que abandonou a Holanda aos 22 anos a bordo de um cargueiro. Segundo Paul Klee: "A arte não restitui o visível. traçados e pinceladas em seus trabalhos. do mesmo modo que explorou o expressionismo e o cubismo. De Kooning herdaria o apreço ela arte figurativa. que aboliram a representação figurativa de seus quadros. Paul Klee explorava esse tipo de arte. Willem de Kooning (1904-1997) Nos anos 20 e 30. 141 . Com seus borrões e respingos de tinta atirados contra ela a tela. fundando a vanguarda expressionista abstrata.a marca da diferença em seu trabalho. Morreu vítima do mal de Alzheimer em sua casa-ateliê em Long Island. Obs. florzinha). secundado por De Koonning e companhia. De cultura européia.Paul Klee também foi um dos professores da Bauhaus. junto com Jackson Pollock. Você reconhecerá a sua obra através de sua essência.

SURREALISMO
Em 1924 surge um grupo de pintores que vai se interessar muito pelo subconsciente, onde ocorre aí a falta de lógica. Eles se interessavam demais pelo sonho, pelo fantástico, pelo irreal, pela loucura, tudo que contrariasse a lógica. • Loucura • Sonho • Irreal • Ilógico A forma que eles pintavam é muito realística, mas o conteúdo é sem lógica. Freud estava em moda. A arte que é muito lógica, como iria acompanhar o ritmo se este já não é mais lógico? A arte tem que acompanhar a época. Vai haver, portanto, uma série de trabalhos que chamamos de surrealista. É uma arte do inconsciente. O surrealismo não é uma arte só do inconsciente, é também uma arte sem limites de qualquer espécie no conteúdo. O surrealismo vai surgir na pintura, na poesia, na música, no tipo humano (aquela pessoa surreal). O pintor, o poeta e todos os outros artistas procuram dois mundos: um visível e o outro submerso, vago, indeterminado, que é o subconsciente da gente. Vão procurar pintar esse subconsciente que não é fácil. Nós vivemos hoje, segundo Mali, em um mundo com métodos muito lógicos. Isso dificulta o entendimento do mundo surreal. O surreal não tem lógica nenhuma. É o nonsense total. Os fins lógicos não escapam de nós, mas os fins ilógicos sim. Tudo que não tem lógica e que foge do nosso controle, nós não gostamos. O surreal passa a ser a arte pura do sonho e da fantasia. Vão usar muito álcool, excitantes, hipnose, símbolos esotéricos, alquimia. Na arte surrealista não vai haver uma lógica discursiva. Ela não vai ter começo, meio e fim. O surrealista vai usar primeiro elementos justapostos, quer dizer, elementos que podem estar no mesmo tempo no mesmo lugar e podem ou não estar mesmo espaço. Ex.: Quando Paul Delvaux vai pintar uma moça nua em uma estação de trem com uma vela na mão como se fosse uma sonâmbula, isso incomoda muita gente, porque não tem lógica. Surrealismo tem muito recollection. É o sonho mal resolvido que agente tem. Paul Delvaux é um pintor surrealista que vai pintar muito estação de trem. Coloca uma mulher da época barroca fazendo justaposição de tempo e de elementos com mulheres mais clássicas no plano de trás. A forma é perfeita como uma fotografia mas a história ou o conteúdo é estranho. Paul Delvaux é belga e morreu em 1994. Em "off": Quando ele era mocinho, tinha paixão por trem, morava em uma casa próximo à uma estação ferroviária. Seu pai resolveu então levá-lo para uma viagem de trem. Quando eles chegaram lá o trem já tinha saído. Isso vai marcar muito pelo resto de sua vida, influenciando sua pintura. 142

O "acaso" para os surrealistas é uma coisa muito importante. Vai funcionar como uma "mis en cene" = "fundo" Ex: Dali pegava um papel e colocava ao ar livre por 3, 4 dias. O que acontecesse com aquele papel ele ia aproveitar para fazer em suas obras, como borrões. É o acaso. Na pintura surrealista, a técnica é ligada à criatividade. Vai ter que pintar muito bem a forma para que seja muito fácil de entender. Não pode pintar uma coisa muito complicada porque senão o fruidor não vai conseguir ler a obra. Se a forma não for perfeita e a história complicada, vai ser impossível de entender a obra. Pintores Bélgas importantes: Paul Delvaux, surrealista René Magritte, surrealista Rubens, barroco Para os surrealistas o acaso, a técnica, a decalcmania, fotomontagens, vão ser muito importantes. Vai atingir até a literatura e o cinema. Na literatura brasileira nós temos: João Cabral de Mello Neto Ariano Suassuna Júlio Cortasa Filme Surrealista: Filme inglês "Spell Bound", com Ingrid Bergmann. A cenografia é do Salvador Dali. O diretor é o Hitchcock (??). Surrealismo é um estado de espírito, é um propósito, é uma arte de sonho. Principais pintores surrealistas: Salvador Dali René Magritte Paul Delvaux Marx Hess, tem uma fase pequena surrealista. Foi cubista também.

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SALVADOR FILIPE JACINTO DALI ERA O NOME COMPLETO DE DALÍ.
Nasceu em 11 de maio de 1904. Em Figueiras, espanhol da Catalônia. Nasceu de família rica. Já era excêntrico desde que fez escola de Belas Artes. Em 1927 Dalí fez sua primeira visita à Paris. Picasso já tinha feito em 1900. Dalí começou pintando como impressionista. Ficou amigo de Garcia Lorca e Brunuel (diretor de cinema espanhol famoso). Os três eram muito amigos. Dalí vai ter muita influência de Picasso, em uma de suas fases. Ele teve um caso com Garcia Lorca. Brunuel não se conformava pois era muito machista. Dalí vai se tornar um grande surrealista. Em 1929, Dalí conhece Gala, que é Helena, e vai ser sua musa inspiradora e sua paixão até ele morrer. Ela foi uma dançarina russa. Quando Dalí a conheceu ela era esposa de Paul Edward (grande poeta francês). Quando Dalí viu Gala, numa festa na casa de Brunuel, ela estava de costas para o sol e com os ombros de fora. Ele se apaixonou pelo ombro dela e disse que ia casar com aquela mulher. Conseguiu tirá-la de Paul Edward e vão ficar juntos até ela morrer. Fofoca: Dali tinha um problema físico. Tinha o “elemento” pequeno que não funcionava muito. Gala conseguiu resolver essa situação. Ele devia isso a Gala. Foi a primeira mulher realmente que ele se resolveu. Ele era bissexual e tinha muitos casos. Nunca mais vai largar Gala na sua vida. Ela teve também muitos casos com marinheiros que Dalí sabia e aceitava numa boa. Dalí é o protótipo do homem surrealista. Ele é escandaloso e só pintou o irreal. É um cabotino (aquele indivíduo de maneira afetada, que procura chamar a atenção, ostentando qualidades reais ou fictícias) e só pensava em dinheiro. Adorava Picasso como artista e como pessoa. Picasso nunca deu bola para Dalí. Eles nunca foram amigos. Picasso não admitia a forma de viver de Dalí, apesar dele também ser extravagante. Dalí vai pintar muitos símbolos fálicos, como os ciprestes pontudos. Vai pintar muito costeletas penduradas em Gala, significando que gosta de “comer” Gala. Ele pinta também muitas muletas. Acha que todo mundo tem muletas. A sua muleta era Gala. Ele representa a muleta como se fosse forquilha (tipo muleta para segurar as oliveiras) A religião para Dalí é um campo de investigação. Ele foi muito místico. Ele fez coisas muito loucas, como a "Apoteose do Dólar". Era um quadro cheio de dólar assinado com um cifrão. Ele ficou muito rico. Quando a Gala morreu em 1982 ele estava sofrendo o mal de Parkinson. Dalí vai viver até o fim de sua vida de forma muito extravagante. Morre em 1986.

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nas quais extravasou suas inquietações pictóricas. A famosa magia de Miró se manifesta nessas telas de traços nítidos e formas sinceras na aparência. Toda obra que você vê. onde se formara um grupo de amigos pintores. Ele é um campo muito vasto para a nossa imaginação.JOAN MIRÓ iniciou sua formação como pintor na escola de La Lonja. Tudo dele é fantasticamente absurdo. embora se apresentem de forma amistosa ao observador. em Barcelona. Breton falava dela como o máximo do surrealismo e se permitiu destacar o artista como um dos grandes gênios solitários do século XX e da história da arte. Em 1912 entrou para a escola de arte de Francisco Gali. Ele investe em você o tempo todo. Nessa época. onde conheceu a obra dos impressionistas e fauvistas franceses. Usa metáfora em todos os quadros. Artaud e Lial. Tinha obsessão pelo rosto de mulher e estações de trem. Pinta o irreal. Miró também se dedicou à cerâmica e à escultura. Dois anos depois adquiriu forma La masía. A partir daí sua pintura mudou radicalmente. fez amizade com Picabia e pouco depois com Picasso e seus amigos cubistas. você se questiona se é ou não real. PAUL DELVAUX (1898-1994) É pintor belga. RENÉ MAGRITTE (1898-1967) É também pintor belga. Leiris. entre os quais estavam Masson. a desconfiança do irreal. Em 1920 Miró instalou-se em Paris (embora no verão voltasse para Montroig). Ele vai fazer sobreposições até o infinito. 145 . É o pintor surrealista do absurdo. obra fundamental em seu desenvolvimento estilístico posterior e na qual Miró demonstrou uma grande precisão gráfica. mas difíceis de serem elucidadas. em cujo grupo militou durante algum tempo.

a arte para poucos. de Andy Warhol. tinta acrílica. a Pop Art proporcionou a transformação do que era considerado vulgar. um dos principais artistas da Pop Art. os componentes mais ostensivos da cultura popular. Com o objetivo da crítica irônica do bombardeamento da sociedade pelos objetos de consumo. Roy Lichtenstein (1923-1997). poliéster. reproduzindo objetos do cotidiano em tamanho consideravelmente grande. Principais Artistas: Robert Rauschenberg (1925) Depois das séries de superfícies brancas ou pretas reforçadas com jornal amassado do início da década de 1950. usando como materiais principais. com as Sopas Campbell. adotou a técnica de impressão em silk-screen para aplicar imagens fotográficas a grandes extensões da tela e unificava a composição por meio de grossas pinceladas de tinta. nos quais se inspirava e muitas vezes o próprio aumento do consumo. com garrafas de Coca-Cola. sua denominação foi empregada pela primeira vez em 1954. assim. como a arte tem um determinado valor e significado conforme o contexto histórico em que se realiza. que realizou em 1960 para 146 . passaram a transformá-los em tema de suas obras. para designar os produtos da cultura popular da civilização ocidental. Por volta de 1962. transformando o real em hiper-real. látex. ela operava com signos estéticos massificados da publicidade. quadrinhos. Representavam. sobretudo os que eram provenientes dos Estados Unidos. usando como materiais. e aproximou a arte das massas. Rauschenberg criou as pinturas "combinadas". tinta acrílica. quando alguns artistas. a Pop Art se apoiava e necessitava dos objetivos de consumo. Era a volta a uma arte figurativa. ilustrações e designam. embalagens de produtos industrializados e pássaros empalhados. Além disso. Esses trabalhos tiveram como temas episódios da história americana moderna e da cultura popular. Sua iconografia era a da televisão. de poderosa influência na vida cotidiana na segunda metade do século XX. como aconteceu por exemplo. já que se utilizava de objetos próprios delas. desmitificando. usando como materiais principais. Mas ao mesmo tempo que produzia a crítica. em refinado.POP-ART Movimento principalmente americano e britânico. da fotografia. e já que tanto o gosto. Seu interesse pelas histórias em quadrinhos como tema artístico começou provavelmente com uma pintura do camundongo Mickey. ilustrações e designs. o pop art começou a tomar forma no final da década de 1950. Com raízes no dadaísmo de Marcel Duchamp. do cinema e da publicidade. após estudar os símbolos e produtos do mundo da propaganda nos Estados Unidos. muito do que era considerado brega. produtos com cores intensas. virou moda. dos quadrinhos. pelo crítico inglês Lawrence Alloway. em oposição ao expressionismo abstrato que dominava a cena estética desde o final da segunda guerra. brilhantes e vibrantes.

contribuíam para o intenso impacto visual. crucifixos e dinheiro. como garrafas de Coca-Cola. intelectuais. planas e limitadas. e reproduziu a mão. com fidelidade.os filhos. Ele foi figura mais conhecida e mais controvertida do pop art. apesar da ascensão social e da celebridade. símbolos ambíguos do mundo moderno. automóveis. as latas de sopa Campbell. Em seus quadros a óleo e tinta acrílica. aparecem como imagens frias. Da mesma forma. por exemplo. destacou a impessoalidade do objeto produzido em massa para o consumo. ampliou as características das histórias em quadrinhos e dos anúncios comerciais. desvinculados do contexto de uma história. Produziu filmes e discos de um grupo musical. Com essas obras. uma técnica pontilhista para simular os pontos reticulados das historietas. Warhol entendia as personalidades públicas como figuras impessoais e vazias. como Elvis Presley e Marilyn Monroe. delineadas por um traço negro. Empregou. Andy Warhol (1927-1987). o artista pretendia oferecer uma reflexão sobre a linguagem e as formas artísticas. Seus quadros. Warhol mostrou sua concepção da produção mecânica da imagem em substituição ao trabalho manual numa série de retratos de ídolos da música popular e do cinema. O resultado é a combinação de arte comercial e abstração. Cores brilhantes. e usando sobretudo a técnica de serigrafia. incentivou o trabalho de outros artistas e uma revista mensal 147 . os procedimentos gráficos.

elas se movimentariam pela simples ação das correntes de ar. mesmo quando em preto e branco. os móbiles pareçam simples. As suas composições se constituem de diferentes figuras geométricas. parece excessivamente cerebral e sistemática. ao qual não são estranhos efeitos luminosos. por outro lado. em comparação. Mas. Victor Vassarely . Apesar de ter ganho força na metade da década de 1950. Defendia para arte "menos expressão e mais visualização". solicitar ou exigir a participação ativa do contemplador para que a composição se realize completamente como "obra aberta". mais próxima das ciências do que das humanidades. 148 . parece obedecer a duas finalidades. a Op Art passou por um desenvolvimento relativamente lento. Embora. de modo que através de constantes excitações ou acomodações retinianas provocam sensações de velocidade e sugestões de dinamismo. que se modifica a cada instante. em preto e branco ou coloridas. São engenhosamente combinadas. como diz o artista. O geometrismo da composição. Os seus primeiros trabalhos eram movidos manualmente pelo observador. Principais artistas: Alexander Calder (1898-1976) . Apesar do rigor com que é construída. sua montagem é muito complexa. Ela não tem o ímpeto atual e o apelo emocional da Pop Art. Sugerir facilidades de racionalização para a produção mecânica ou para a multiplicidade. Por outro lado.OP-ART A expressão “op-art” vem do inglês (optical art) e significa “arte óptica”. ele verificou que se mantivesse as formas suspensas. pois exige um sistema de peso e contrapeso muito bem estudado para que o movimento tenha ritmo e sua duração se prolongue. suas possibilidades parecem ser tão ilimitadas quanto as da ciência e da tecnologia. que se modificam desde que o contemplador mude de posição. simboliza um mundo precário e instável. depois de 1932.Criou os móbiles associando os retângulos coloridos das telas de Mondrian à idéia do movimento.criou a plástica cinética que se funda em pesquisas e experiências dos fenômenos de percepção ótica.

Waldemar Zaidler e Carlos Matuck. de Nova York. No Brasil. também se destacam artistas de vanguarda como: Os Gêmeos: Otávio e Gustavo.(1960-1988). Boleta. Nunca. Características gerais: * Spray art . Nina. Foi patrocinado por Andy Warhol (Pop Art).pixação de signos.o metrô . em 1981. A primeira grande exposição de Grafite foi realizada em 1975 no "Artist's Space". a opressão e o racismo. mas a consagração veio com a mostra "New York/New Wave" organizada por Diego Cortez. As temáticas do seu trabalho refletem suas preocupações. valoriza-se a cor. de obras famosas. Speto. Seus grafites mostravam símbolos de variadas culturas. Freak. o Grafite saiu do seu gueto . só deixa passar a tinta pelos orifícios determinados. iniciou sua carreira grafitando as paredes e muros de Nova York. Principal artista: Jean Michel Basquiat . * Stencil art . Tikka e T. a partir daí virou celebridade. com apresentação de Peter Schjeldahl. destacam-se os artistas: Alex Vallauri. existe a valorização do desenho. Com 21 anos participou da sua primeira coletiva em Nova York. por outros. no PS 1. principalmente no contexto político e social. destruição moral.o grafiteiro utiliza um cartão com formas recortadas que.GRAFFITI Definido por Norman Mailler como" uma rebelião tribal contra a opressora civilização industrial" e. como "violação. Morreu prematuramente em virtude de depressão e drogas. instalando-se em coleções privadas e cobrindo com seus rabiscos e signos os mais variados objetos de consumo. 149 . nascido no Haiti. ao receber o jato de spray. palavras ou frases de humor rápido. um dos principais espaços de vanguarda de Nova York. vandalismo puro e simples". e principalmente ícones da cultura e consumo americanos.e das ruas das galerias e museus de arte. como o genocídio. anarquia social.

Assim. nem tampouco no conceito de arte popular. tende à simetria e a linha é sempre figurativa 150 . embrulhos em locais públicos. Características gerais: · Composição plana. sem nenhuma referência cultural. mesmo nesses casos.Berlim). ARTE NAÏF É a arte da espontaniedade. É utilizada a pintura. seja quase sempre possível descobrir-lhes a fonte de inspiração na iconografia popular das ilustrações dos velhos livros. Guarda-sóis colocados em um vale da Califórnia e mais recentemente o Reichstag ( Parlamento Germânico em 1988 . portanto. Obra Destacada: Homenagem a Chico Mendes do artista Roberto Evangelista. ressaltamos Christo. guardasóis. bidimensional. que foi envolvido em tecido sintético com duração de duas semanas. INSTALAÇÃO São ampliações de ambientes que são transformados em cenários do tamanho de uma sala. Claro que. o artista naïf é marcadamente individualista em suas manifestações mais puras. nem nas tendências modernistas. muito embora. para ativar o espaço arquitetônico. das folhinhas suburbanas ou das imagens de santos. se confunda com elas. colocam cortinas. sem que. no entanto. e não somente à aprecia. o único artista que se destaca com suas interferências. portanto é instintiva e onde o artista expande seu universo particular. do fazer artístico sem escola nem orientação. de uma criação totalmente subjetiva. Trata-se de um tipo de expressão que não se enquadra nos moldes acadêmicos. da arte do doente mental e da arte primitiva. como numa arte mais intelectualizada. juntamente com a escultura e outros materiais. Ponte Neuf (Paris) embrulhada para presente. Esse isolamento situa o art naïf numa faixa próxima à da arte infantil. Atualmente. O artista naïf não se preocupa em preservar as proporções naturais nem os dados anatômicos corretos das figuras que representa. Obras Destacadas:: Cortina no Vale. Art naïf (arte ingênua) é o estilo a que pertence a pintura de artistas sem formação sistemática. Alguns artistas interferem na paisagem. O espectador participa da obra. da criatividade autêntica. existem os realmente marcantes e outros nem tanto.INTERFERÊNCIA Como a pintura já não é claramente definível e deixou de ser a única fornecedora de memoráveis imagens visuais. Não se trata.

Nos primeiros anos do século XX. "Um dia de carnaval". Em sua primeira exposição foi acusado pela crítica de ignorar regras elementares de desenho. homem de pouca instrução geral e quase nenhuma formação em pintura. seu trabalho foi reconhecido em Paris e posteriormente influenciou o surrealismo. Estreou com uma original obra-prima. composição e perspectiva. 151 . Robert Delaunay e outros intelectuais e artistas. Pablo Picasso. Principal Artista: Henri Rousseau (1844-1910). e de empregar as cores de modo arbitrário. no Salão dos Independentes. · Pinceladas contidas com muitas cores. Guillaume Apollinaire.· Não existe perspectiva geométrica linear. Criou exóticas paisagens de selva que lembram tramas de sonho e parecem motivadas pelos sentimentos mais puros. após despertar a admiração de Alfred Jarry.

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