APOSTILA HISTÓRIA DA ARTE

PROFESSORA: MEIRE DE FALCO
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História da Arte  Linha do Tempo o Pré-História  Arte Pré-histórica o Idade Antiga  Arte Egípcia  Arte Grega  Arte Romana  Arte Paleocristã  Arte Bizantina  Arte Islâmica o Idade Média  Arte Românica  Arte Gótica o Idade Moderna  Renascimento  Maneirismo  Barroco  Rococó o Idade Contemporânea  Neoclássico  Arte Romântica  Realista  Impressionismo  Expressionismo  Cubismo  Abstracionismo

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Fauvismo Construtivismo Surrealismo Dadaísmo Op Art Pop Art Instalação Interferência Cobra Futurismo Arte Naif Pintura Metafísica

o Arte Brasileira  Pré-História  Arte Indígena  Arte Colonial  Arte Holandesa  Barroco  Missão Francesa  Arte Acadêmica  Semana de 22  Expressionismo  Arte Naif

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PRÉ HISTÓRIA
A arte nasceu com o homem e deu-lhe a consciência de sua capacidade criadora, a possibilidade de imaginar. É muito importante lembrar que a arte revela o ser, independente de cor, religião, locais geográficos, independente de qualquer coisa. Se a arte não revela o ser ela não será arte. A arte é comunicação. Esse sistema de comunicação é sempre ligado a um processo histórico. A arte pressupõe um público. Mesmo que ela não seja feita para o público sempre haverá um que irá olhar. A arte é emissora e receptora, ela emite e recebe ao mesmo tempo. Na pré-história, o homem se tornou artista há 400 séculos ou 40.000 anos. Esse homem apareceu na fase da Pedra Lascada, em um período chamado PALEOLÍTICO (Paleo=Velho, Litico=Pedra). Esses homens tinham uma sensibilidade criadora incrível, habilidade e inteligência para a arte quase como os homens de hoje. Homens da pedra-lascada, homens primitivos, homens das cavernas tem o mesmo significado. Ha 4 milhões de anos antes dos homens paleolíticos já existia homem na terra quase como macaco. Dessa época não temos nenhum registro. Não sabemos o que eles fizeram, apenas que eles sobreviveram. De arte só sabemos a partir de 400 séculos atrás. Nesses 2 últimos milhões dos 4 milhões de anos agente já sabe que o homem se utilizava de pedras e de paus. O homem, com certeza, desde 4 milhões de anos atrás já usava um instrumento, porque o macaco como exemplo pega uma planta ou uma pedra para jogar em outro macaco. Então tudo isso o homem já devia usar. Só que transformar pedras em utensílios levou séculos. Primeiro ele pensou o que fazia com os seixos (pedras lascadas) ou com gravetos. A partir dai ele vai associar forma à função, criando assim o utensílio. A madeira por não ser resistente não durou para que pudéssemos ter como prova mas, os objetos de pedra permanecem até hoje. Esse objetos pessoais foram se aperfeiçoando. Com o aperfeiçoamento desses objetos iremos entrar no Paleolítico, época da pedra lascada. O mundo era totalmente diferente, os homens viviam em cavernas, a temperatura era baixa, sempre no gelo. Viviam em regiões que correspondem hoje a França, Espanha, Inglaterra, Alpes, Síria, Palestina, Norte da África, em plena Ásia, no Himalaia. Viviam em grupos bem grandes para se protegerem. A caça era abundante nessas regiões. Apesar de se chamarem homens das cavernas, eles pouco habitavam nelas. Ficavam muito mais do lado de fora, por serem sufocantes, malcheirosas, sem luz,e feias. Do lado de fora eles podiam ver a mudança do dia e noite, o que achavam fantástico e completamente inexplicável para eles. As cavernas eram mais usadas como abrigos das intempéries do que como moradas. Esses homens são chamados de primitivos, não por serem mais simples do que nós, porque eles foram os primeiros do local mais próximo de onde começou a humanidade. O processo de pensamento deles era muito complicado, muito complexo. 2

O homem era monista. O domínio técnico dos homens da caverna é surpreendente. O que difere são as idéias. sépia. ele passava o dedo no pó da caverna e este nas paredes. tochas recobertas de gordura animal. Esses locais eram bem inacessíveis e provavelmente subiam um em cima do outro para alcançarem. ossos carbonizados. A explicação disso tudo é “a magia propiciatória”.e os ossos para ele usar. e não de técnicas. Se ele não matasse o animal. Pintavam mamutes. Ele pintava o que via. Se ele tivesse um poder sobre outro homem isso iria causar muito medo. em locais inóspitos. Não iríamos pintar hoje com a finalidade de fazer magia propiciatória. ele morria. A história da arte não é uma história de progressos de técnicas. O padrão de qualidade não difere do nosso hoje. bem escondidos. ocres. As cores empregadas eram ocre. quer dizer. depois o pincel bem rudimentar feito de pêlos e penas de animais. Você pode ter muita técnica mas se não tiver uma concepção artística dificilmente fará alguma coisa. decorar. É tão bom quanto os de hoje. do mesmo jeito que não pintava a flora. Foram descobertos vestígios de luz artificial. sementes. bisontes (era como avô do elefante ou do boi). de pessoas em mutações. vermelho. com criações. o mundo para eles era uma realidade só e única. Essa pintura vai ser uma “pintura realística e figurativa” porque ele vai pintar tal qual ele vê. mas mais de conteúdo). não distinguindo o real do irreal. Ele precisava do animal para sobreviver e não do homem. As mais importantes cavernas citadas na História da Arte são: Altamira na Espanha e Lascaux na França. Séculos depois ele vai pegar um osso e soprar o pó sobre sua mão na parede da caverna deixando a marca do contorno de sua mão nela. a pele para ele se vestir. idéias (conteúdo e formas. As ferramentas rudimentares que usaram foram feitas com a mão. Antes do homem pintar os mamutes. marrons. Ele não desenhou nunca homens porque ele não queria matar outro homem dessa forma. Mesmo hoje vai ser chamada de “pintura rupestre” aquela pintura feita em tons crus. Não sabiam a diferença do mundo material do espiritual. O homem pré-histórico desenhou muito bem os animais. como se fosse uma mágica. Não separavam o visível do invisível. Depois começaram a pintar os animais sempre no fundo da caverna. A magia propiciatória era o pintar e o matar o animal através do desenho. Essas cores eram devido aos materiais orgânicos de que eram feitas como: fibras. Primeiro utilizou o dedo como pincel. 3 . Não existia requinte por não haver intenção de fazer arte. sangue. carvão vegetal (que usamos até hoje). O animal dava a carne para ele se alimentar. É uma história de artistas. bisontes. Ele precisava do outro homem para preencher aquela imensidão do mundo que estava totalmente vazia.Existem milhares de pinturas rupestres (como são chamadas as pinturas das cavernas). São cavernas lotadas de pinturas rupestres. Não sabia a diferença do real para o irreal. É a primeira vez que existe um estilo na história da arte. para poder iluminar o fundo da caverna.

ao acaso. amontoar um monte de ossos. como “deusas da fertilidade”. como eles pintavam. não saberíamos nada sobre esses “museus do mundo”. Outras formas de arte são as gravuras. bisontes. paleolítica. O homem será representado mais forte e mais alto do que a mulher. como uma forma de leitura de suas vidas. Tem dezenas de representações de animais como: cavalos. Eles fazem incisões nas cavernas aproveitando os relevos para dar volume nos desenhos. Os cientistas não gostam de que sejam fotografados esses desenhos. Na época do paleolítico ficavam pouco tempo na caverna. sem deixar espaço para andar. O homem neolítico consegue o controle sobre a sua alimentação. Vai surgir as primeiras figuras masculinas. nem rei por não haver ainda uma hierarquia. vacas. 4 . que não existe na natureza. só da fêmea. É através do carbono 14 que se constata tudo da época pré-histórica. porque não existe na natureza. que seria a representação de mulheres grávidas. porque com a temperatura amena podiam ficar mais tempo no mesmo local. na pedra-polida.000). Não é mais uma magia propiciatória. A arte é realmente a expressão de uma época. triângulos. Com o tempo mais estável eles passam a ter uma vida sedentária. Eles então largavam tudo lá e escolhiam outro lugar. Tem uma ordem entre as figuras que parecem um código de composição. Eram pinturas sobre a caça. Ela corre para avisar o pai e esse chama os peritos para estudar a caverna. Eles acham que podem ser desenhos referentes a extra-terrestres. pois esta começava a deteriorar. Obs. elas permaneceram até hoje. a cultivar e se organizar socialmente formando aldeias. quando um pai fazendo um picnic com sua filha. Nas cavernas do período paleolítico foram descobertas algumas simbologias inexplicáveis como o “quadrado”. Assim vão documentar para as vidas futuras o que a sua comunidade fazia. Eles também começaram a dançar e a cantar. não se sabe como eles tinham conhecimento dessas formas. etc. e é chamada a catedral das cavernas. na Espanha. A temperatura era mais amena. essa descobre um buraco que a leva a outras salas com muitos desenhos. Nessas aldeias não tinha chefe. Deve ser por causa da fertilidade. O auge do abstracionismo é fazer quadrado. A arte passa a ser feita do lado de fora na entrada das cavernas com o objetivo de serem vistas. Pintam do lado de fora mostrando os atos da vida coletiva deles. 8000 anos depois (dos 40. ventre saltado e nádegas enormes. Os homens abandonaram a vida nômade. Começa o período neolítico. quadrados. há pouco tempo. É a conquista do pré-histórico de sua capacidade de representar as três dimensões. Se não fossem os terremotos e os deslocamentos de terra que tamparam essas cavernas. O pré-histórico da era paleolítica fez esculturas de figuras femininas em pedra. 18 metros de comprimento e 9 metros de largura. touros pintados de tamanho natural e de corpo inteiro. Os retângulos. mulheres de seios enormes. Nunca ele fizeram representação escultórica de macho. Altamira. entrar água.A caverna de Lascaux foi descoberta em 1940. Foi descoberta em 1879. É um estudo muito sério e não se sabe a realidade. E. A arte é feita pela arte. tem 2 metros de altura. como as tintas foram feitas com materiais orgânicos. Começa a plantar. mamutes.

A última animal a ser domesticado foi o cavalo porque eles se alimentavam dele. amigo. As suas preocupações são outras. Começa então a surgir a religião para protegê-lo. Vão aparecer as primeiras esculturas dos “deuses”. Restaram apenas pedaços dessas peças e muitos desenhos desse período neolítico documentando isso tudo. lentilhas.: prato. mas de alguma coisa além dele. de repente. Ex. Eles guardavam as coisas nas cerâmicas porque elas conservam a quentura. É a primeira mudança de estilo na história da arte. linho. papoulas. Ele auxiliava na caça. alguma a coisa a mais que é dono de tudo isso e que precisa tomar cuidado. que é a natureza. uvas. A cerâmica era super importante porque utilizavam-na para tudo. maçãs. Vai pintar de uma forma muito esquematizada e muito pior que o homem paleolítico. sepultamento. Ele percebe que tem uma coisa que domina e toma conta dele. A mulher só poderia ter outro homem quando o dela morria. O primeiro animal domesticado pelo homem foi o cão. cevada. Eles cultivavam trigo. A cerâmica cozida era feita mais no período neolítico.O cantar era um ajuntamento de sons para cultivar os trabalhos coletivos do plantio e da colheita. tecendo e fazendo tarefas domésticas. símbolos sagrados. Uma das coisas muito interessantes do homem pré histórico é quando ele toma consciência da dependência que vivia do bem e do mal. Vão surgir também mitos. Depois domesticou o boi. e feito na posição (por trás) como os animais. Tudo é geometrizado e certinho. A partir da consciência desse ser vai surgir a necessidade da crença e do culto. Acha-se que a primeira plantação foi feita na região Mesopotâmica indo depois para o resto da Europa. Vai existir a cerâmica crua e cozida. o porco e a cabra que abastecia de carne. O sexo era um ato animal. Vai aparecer tudo. era fiel. Passa a ser um ser social. benéfico ou maléfico. Ele pode cultivar e. No período neolítico é que o homem podia ter quantas mulheres quisesse e a mulher não. A mulher fica em casa cozinhando. Uma das atividades artísticas mais importantes do neolítico é a cerâmica. cerimônias fúnebres. Ele percebe que a colheita não depende dele. Eles faziam para dormir uma grande cama de cerâmica em formato de barco para segurar o calor. não ter essa colheita por causa de uma chuva de granizo ou de uma tempestade. O homem passa de figurativo realista para a pintura geométrica. Eram muito primitivos. cenouras e nozes. Ele percebe que quem rege o destino do solo é a natureza. Depois da cerâmica é que vai surgir a madeira. A arte neolítica dá um passo atrás pintando da mesma forma que a criança pinta hoje. Com certeza esse cultivo começou no oriente médio por causa do clima muito seco. O cavalo como besta de carga só vai aparecer na idade do bronze e como montaria só no final da idade do bronze quase na Idade Média. artística econômica e política. leite e fibra para tecido. ajudá-lo. Ele tem a concepção que existe um ser. Ex. O 5 . Vai acontecer uma revolução social. Eles percebem que se derem as mãos e saírem cantando a colheita iria ser muito mais interessante. ervilhas.: “deus da colheita” Não tinha ainda a definição de uma mulher para um homem.

Eles passam a cozinhar a carne. é o caso de Picasso. Vários pintores do século XX vão trabalhar em cima da história da arte primitiva. É quando eles fazem rodas. no Barroco. No final da idade do bronze já não é mais considerado pré história. A preocupação do homem na idade do bronze era em cima das descobertas técnicas. e utilitárias para a época. de repente. mais do que com a beleza. Uma grande descoberta sempre leva a outra grande descoberta. para finalizar. O único homem que cozinhava era o mágico da tribo para ele fazer rituais.homem sai para o campo para caçar e fazer a plantação. Não vai cozinhar comida. 6 . Eles achavam que se o homem cozinhasse a comida seria uma comida envenenada. O homem não cozinhava. Esses minérios derretidos formaram o bronze que quando esfriava endurecia rapidamente. etc. Essa liga possibilitou modelar uma infinidade de coisas. Na hora de colher a colheita a mulher e os filhos participavam. Somente depois na Idade Média é que o homem vai aparecer cozinhando. Os grandes cozinheiros vão ser na época de Luís XIV. Durante séculos o homem vai ser proibido de cozinhar. A idade do Bronze também foi descoberta por acaso. não comendo mais carne crua e vão usar sal pela primeira vez. derreteram uma pedra que tinha cobre e estanho. quando estavam fazendo uma fogueira em um acampamento quando. a Idade do bronze foi muito pobre artisticamente. E. Obs. Os utensílios ficaram bem melhores. carros.

000 anos. Os templos da Mesopotâmia que tinham esse formato chamavam-se Zigurat.MESOPOTÂMIA MESOPOTÂMIA: quer dizer em grego região entre os rios Tigre e Eufrates. pintar. O sumeriano é o protótipo mais antigo das construções de dentro de casa. O Museu do Louvre está lotado sobre as peças da cultura Mesopotâmica. A arte Egípcia teve poucas variações.. etc. fenícios. depois de muita procura. babilônios. enquanto a arte da Mesopotâmia teve muitas. sepulturas. Todos tinham uma forma muito diferenciada de falar.000 A. Até a metade do século XIX pouco se sabia da Mesopotâmia.. Entre os muitos povos que faziam parte da Mesopotâmia. no interior do Zigurat. Foi tão importante quanto o Egito. escrever.C. os mosaicos. Foi o dilúvio que a Bíblia comenta. Isso ocorre 5. eles trabalhavam com adornos (que são tijolos pequenos de terra). A Mesopotâmia foi uma civilização fantástica como a Egípcia. surgindo aí a técnica dos mosaicos. Eles eram muitos povos como: caldeus. assírios. ajudaram na construção.000 A. Tudo o que sabíamos sobre a Mesopotâmia era através da Bíblia. O culto aos deuses era muito forte. 7 . foram convidados para construir esse templo imenso. Esse templo enorme que era equivalente a um prédio de 20 andares. dos sumerianos. os Sumerianos foram os primeiros a dominá-la. etc. Os arqueólogos descobriram vários montes chamados tells (téus) e que tinham lá no fundo tinham a civilização.. etc. do lado de fora. Tinha também só uma porta com uma escadaria que conduzia o povo a subir para rezar lá em cima.C. Os rios Tigre e Eufrades inundaram toda a Mesopotâmia. Foi chamada de “TORRE de BABEL”. Em 1927 eles escavaram os montes e descobriram as cidades da Mesopotâmia. lindíssimo. todos os povos da Mesopotâmia fizeram as construções assim. Os templos para os sacerdotes era a construção mais bem organizada. Era como se tivesse acabado o mundo. somente a força da religião era que unia todas elas. Todos. só que eles não faziam como os egípcios que trabalhavam em pedras. escravos e não escravos. A religião era magia. tinha força de lei. fenícios. Com o passar do tempo essas construções não resistiram às mudanças e nada restou.C. Existia uma cidade chamada Uruqui. Faziam tijolos pequenos um a um à mão. Havia. No interior tinha tijolos bem pequenos e coloridos. colocavam para secar e depois construíam palácios. ou seja até 2. Em 1927 os arqueólogos. As cidades eram independentes umas das outras. onde estaria mais próximo de “deus”. etc.Tinham tesouros soberbos como os dos egípcios. Aparece Noé com seu barco e os animais para se salvar do dilúvio. Foi o local onde todos os povos como sumerianos. acharam a cidade de “Hur” que começou 5000 A. Cada povo falava uma língua. na Mesopotâmia. Quando as civilizações européias ainda estavam na pedra polida. Situada no Oriente Antigo. Nessa cidade tinha um templo fantástico todo branco. Durante 3. a Mesopotâmia já era uma civilização. ninguém se entendia.

Assur é uma cidade muito famosa. A cabeça era cuidadosamente elaborada.000 a 2. A escrita chamava-se cuneiforme por ser em forma de cunha. Era uma civilização tão rica quanto a do Egito.C. O branco dos olhos era feito de conchas. concha marítima. Eram povos unidos só pela religião. principalmente o caráter. Quando a argila estava mole. gigantescas. a alma das pessoas. Vão acabar com o primeiro Império Babilônico.3. A escrita da Mesopotâmia (3. O que eles produziram de arte era somente ligado às guerras e aos reis. imperial. sendo completamente diferentes um do outro.500 A.: os Maias. especialmente para os sumerianos. O poder deles chegou até o Egito. dando expressão de fé e serenidade. São guerreadores mas não são grandes artistas. Para construí-las pegavam cidades inteiras. Vão implantar o terror na Babilônia. Descobriram que por baixo dos “tells” (montes) existia uma civilização fantástica.C. Os sinais da escrita ao invés de serem desenhados.C. prendendo as pessoas e fazendo atrocidades com elas. Assurbanipal era o guerreiro imperador. até 612 A. Era uma cerâmica muito ruim.: A civilização mexicana aparece bem depois de Cristo. gesso. Os acarianos vão aparecer em 3. A arquitetura era pomposa. Obs. estava no rosto e o corpo servia só de suporte. principalmente a escultura. guiados pelo rei Sargão. enquanto o corpo eles nem ligavam. bem feita. A escultura era super importante. Relembrando: Vão construir uma torre na Babilônia. grandiosa. A Mesopotâmia não ficou tão famosa porque o material usado nas construções não resistiu ao tempo por serem feitos de adobe (tijolinhos de pedra).000 A. cantarem. Iraque. escreverem.A invenção da escrita aparece na Mesopotâmia em +/. Fizeram desses escravos os construtores das grandes cidades. sendo que estes dois últimos não duraram com o tempo. A arte era feita para “deus”.000 A.) vai bater mais ou menos com os hieróglifos egípcios. Eles chegaram a dominar o Egito e a Fenícia. Os assírios permaneceram na Babilônia de 1100 A. O azul era feito lápis-lasure. O material usado para fazer as esculturas era muito variado. É um passo enorme da Humanidade. A fase histórica é praticamente a mesma. mármore.C. e falarem. Eles utilizavam pedras. Dominam toda a Mesopotâmia e toda a Síria. Os olhos eram enormes e bem expressivos. Os assírios eram tremendamente guerreiros e tinham um exército muito poderoso. chamada Zigurat para que as pessoas rezassem mais próximas de “deus”.. É por isso chamado de cunheiforme. 8 . Era como os contratos de doações de terras. Ex. Eles copiam a arte sumeriana. eles pegavam um estilete em forma de cunha e gravavam na parede. gravadas ou esculpidas. O que vai ter de diferente são as famosas “estrelas” ou “estelas” que são as pedras desenhadas. Kudurros eram os contratos feitos em pedra e escritos em cuneiforme.. Portanto a arte acariana é muito parecida com a arte sumeriana. É um povo interessante. foram gravados na argila. Eles só não acabam com a cultura babilônica pois vão adquiri-la através da forma deles pintarem. Tinha um curioso detalhe: a desproporção entre a cabeça e o corpo. A Mesopotâmia fica hoje mais ou menos onde estão os países Irã.C. Isso acontece porque para o povo sumeriano.

Na arte assíria o que mais se destacou foi o relevo. O palácio do Sargão tinha 300 salas. matança em massa. Eles colocam só os assírios como vencedores.: pegavam 2 irmãos e arrancavam o olho de um para colocar no olho do outro. tortura. trabalho forçado. Eles não escondiam essa crueldade. Não fazia o povo de escravo só para construir para eles. Pegavam milhares de escravos até eles resistirem.O assírio foi o pior povo da antigüidade. Na síria. vai aparecer a primeira propaganda onde o rei sempre aparece vencendo e os povos caindo e morrendo. Tudo isso para estudarem a ciência. Não acreditavam em outra vida. Os assírios pegavam a população e testavam a resistência dos velhos e crianças para ver quem conseguiria ficar mais tempo sem comer. O rei Sargão da Síria. Sempre mostra o horror. Ele realmente ele vai colocar essa tranqüilidade através dos relevos de árvores frondosas. lagos. Fizeram transplante de córnea. embora 9 . celeiros. pássaros. Através dos escravos eles sabiam a resistência que eles precisavam ter. Eles utilizavam números cabalísticos como o 7 e o 14. Fizeram imensos tambores de cerâmica cheios de água para testar também a resistência das pessoas sob o sol fortíssimo com a água subindo. Tudo isso foi erguido em apenas 6 anos por causa do trabalho escravo.000 m2. Tem um relevo famoso que é “A leoa ferida”. O Rei Sargão cultuava essa coisa do mal. Tinha 97 pátios. 22 salas de recepção. A muralha tinha a altura de um prédio de 8 andares. Nos próprios registros das esculturas é que constatam que eram guerreiros e cruéis. para seu descanso. construiu um palácio com uma muralha. No grande Zigurat eles rezavam para que suas conquistas fossem sempre maiores. A cabala vai aparecer muito na Mesopotâmia e no Egito. O mal era que ajudava e não o bem. por ex. Somente em Ninive é que Assurbanípal mandou fazer baixos relevos. músicos tocando. Tinha um enorme harém com 37 camas. mortandade. Essas 37 moças desse harém não eram as preferidas. Isso também vai aparecer no Egito. Quando não resistiam mais substituíam por outros. A moradia dos monarcas eram obras arquitetônicas fantásticas só que construídas com tijolinhos de barro. As outras 37 ficavam na expectativa de algum dia serem chamadas. eles faziam relevo e arquitetura. está no museu do Louvre e era do Palácio do Assurbanípal. Ajudava os seus sacerdotes a cultuar o mal. Não sobrou um monumento pronto. Depois testavam a resistência sem dar comida e depois sem dar água também. principalmente. mulheres passeando. Eles quase não pintavam. No museu do Louvre você poderá ver esses relevos. Os egípcios ao contrário do que se pensa não só tinha os escravos como pessoas do próprio povo que ajudavam nas construções faraônicas. 77 quartos. Muito do que sabemos vêm de pergaminhos desenhados. onde tudo parecia ser bem tranqüilo. armazéns. Tem uma maquete no British Museum. somente o Zigurat. 17 dormitórios de empregados e 7 banheiros. auxiliando séculos mais tarde com esses conhecimentos. cativeiro. Deixaram tudo por escrito. o que seria mais ou menos 10. Tinha o super harém com 7 preferidas. Nesse palácio eles faziam rituais para o demônio. 10 salas de tronos. Essa muralha tinha sete portas e era ao redor do palácio medindo 300 hectares.

Em todos os museus do mundo você vai encontrar essas jóias. Quando essas moças casavam elas passavam a usar somente o bracelete no braço com ouro de 2 tons sem rubis e esmeraldas. quando os maridos saiam de casa para guerrear. Tinha um sistema de irrigação no qual a água passava por todos os patamares. Elas colocavam um cinto no quadril. azul. Após casar o marido é que representava as pedras preciosas. Mais tarde os judeus foram estudar como eles fizeram essa irrigação para resolver esse problema na terra deles. destruiu tudo com exceção do Zigurat por considera-lo um marco muito forte. Quando eles casavam passava para o outro dedo anular da mão esquerda. Na realidade era uma tinta. violeta. Ficava na unha por um ano. A única pintura que foi registrada da Mesopotâmia é a cidade de Ur. O rei é o vencedor e todo o resto da humanidade perdedor. esmeralda. um grande colar e uma pulseira também na perna. sendo portanto tiradas dos cintos. Os jardins da Babilônia eram feitos de flores de várias cores sendo que. na época da Néo-Babilônia. era só apoiado no quadril e não tinham pedras preciosas. eram distribuídas por vários patamares debaixo para cima. Todo homem e mulher casada tinham que usar nos pés e nas mãos. 10 . Não era um cinto como o de castidade ainda. O anel era tão grande que ocupava o dedo todo sem poder dobrá-lo. a folha e flor eram azuis também. os assírios foram destruídos pelos MEDOS (médos). Só na Idade Média é que surgiu o cinto de castidade do jeito que conhecemos. Quando Siro. A flores e folhas eram da mesma cor. As solteiras usavam um bracelete no braço. No patamar azul. inóspito. Todos os povos tinham medo deles. Os jardins suspensos da Babilônia vão ser reconstruídos. Ex. o caule. pois só hoje é que denominamos esmalte. graças a irrigação. Quando o homem era solteiro (mas noivo) ele tinha um grande anel no dedo anular.C. Tinha um platô na parte lateral. Eles usavam uma substância vermelha que eles tiravam de uma árvore que hoje não existe mais. Tiravam o colar do pescoço porque elas não estavam mais presas aos pais e sim ao marido.muitas vezes eles fossem os perdedores. onde eles plantaram grama e flores em um lugar completamente árido. rei da Pérsia. Em UR eles gostavam tanto de ouro que faziam muita jóia usando também muito rubi. Daí a Babilônia vai ser mais uma vez a mais esplêndida cidade do Oriente. amarela e branca. e ouro vermelho que mandavam buscar no mundo inteiro. Eram sete patamares. Era uma árvore parecida com romã. ou outro motivo. Eles vieram da Ásia e junto com os babilônios que ainda restavam eles destruíram os assírios e reconstruíram a Babilônia que é chamada depois de Néo-Babilônia. misturando também com outras substâncias. Depois é que vai surgir mais tarde a aliança. bem mais tarde dominou a Babilônia. As pedras eram usadas só nas solteiras. Eles obrigavam as mulheres a usar ouro. Aí começou o cinto da castidade. para indicar que o homem não estava em casa. Em 612 A. feito também em ouro. Na Mesopotâmia é que vai aparecer o esmalte pela primeira vez. Era uma substância orgânica que eles maceravam até conseguir o vermelho. Foi o fim do esplendor da Babilônia.

O homem viúvo não tinha que cumprir essa lei. Ela é que iria decidir se dava ou não a herança para os filhos. as viúvas tinham que casar. As mulheres viúvas tinham que casar 3 meses depois que o marido morria.: Na antiga Babilônia é onde se encontra Saddam Hussein hoje. assírio. A casta da Mesopotâmia. Essa lei vai vigorar todo o tempo na Mesopotâmia. qualquer um caldeu. A mulher não tinha direito sobre a herança enquanto o marido estava vivo. dependendo se estes eram bons ou não. Todos esses povos de uma forma ou de outra eram guerreiros. Tinha uma fila de homens esperando porque o marido deixava toda a herança para a mulher e não para os filhos. qualquer povo. 11 . mas não podiam ter nada.Quando ficavam viúvos tinham que pintar as unhas de preto. Obs. Até 18 anos os filhos eram considerados crianças só podendo guerrear.

os moldes belíssimos. milênio. as armas. as cerâmicas. equilibrada e geométrica. Enquanto a Europa era completamente bárbara. A arte e civilização Egípcia duraram 40 séculos. Os mestres gregos estudaram no Egito. A alma do Egito era o Nilo. Durante a época das inundações. Só os sacerdotes ou amigos dos sacerdotes é podiam exercê-las. “rio deus”. Era uma organização social simples. cereais.C. E nas Pirâmides. Não tinha dinastias e nem faraós. Os Templos também são monumentos colossais. Após se formarem as dinastias. A primeira civilização egípcia no 5o. Os mais pobres eram enterrados em uma vala comum. as jóias eram todas concentradas no domínio real ou dos templos. O Egito é uma espécie de oásis no centro de uma região desértica. Não era só trabalho do escravo. Ela continuou depois. O Egito foi dividido em Alto e Baixo. Nessas terras férteis eram cultivados os cereais. simétrica.C. mas de todo o povo. os tecidos. todo mundo se matando. São todos monumentos faraônicos e todos de pedra para durarem para a eternidade. O Egito tem sido considerado desde a mais remota antigüidade o berço da civilização. 12 . anterior às dinastias dos faraós eram divididos em clãs familiares. Dos lados tem dois dos maiores desertos do mundo Saara e Núbia. A arte egípcia é extremamente regular. passando do Paleolítico para o Bronze. Ela começou mesmo como civilização em 5. especialmente o trigo que fazia daquele país no meio desértico o celeiro da antigüidade. e chegou ainda como civilização organizada egípcia até 30 A. era exercido pelos faraós e seus funcionários. A indústria da época como: manufatura de papiros. É um vale estreito cheio de montanhas nos dois lados. A arte egípcia é toda dirigida para a religião. Não podia existir nada fora do domínio do faraó ou dos sacerdotes. A arte é totalmente feita para a eternidade. Para controlar as águas do Nilo foram erguidas obras hidráulicas de represamento e irrigação. mas sempre para os faraós ou pessoas da família dele.EGITO Tudo no Egito é feito para a eternidade. sendo uma arte simbólica e convencional. As dinastias vão surgir depois desses grandes clãs. os aspectos sociais. A arte e a ciência eram muito avançadas para a época. os trabalhadores interrompiam o trabalho agrícola quando grande parte da população estava disponível para as grandes construções. do qual viviam muito da venda do ouro. o Egito já estava totalmente com a civilização feita.000 A. os mortos. Na arte egípcia sempre vai ser exaltado o sentimento de morte e eternidade. que tornava as terras férteis graças às inundações periódicas. culturais e religiosos eram o seguinte: O comércio. quando surgem os faraós. mas como civilização forte até 30 A. Quem vivia nos templos eram os ricos Sacerdotes e Faraós. As Pirâmides e as Mastabas são túmulos onde residem os mortos. econômicos.C. Toda construção do Egito é feita de pedra proveniente das abundantes jazidas que existem no Egito.

O patrão tinha que ser maior que a esposa. conheço a conduta das festas. os filhos e os criados. etc.As habitações da classe média eram na periferia. tronco de frente. com cores. porque não era permitido. feitas de pedra e o telhado de palha. No estilo egípcio existiam leis muito rigorosas que não podiam nunca ser mudadas. É uma demonstração que o pintor estava insatisfeito. O artista tinha que saber mitologia e ser anônimo. Existiam muitos ofícios no Egito: escultores que faziam esculturas em pedra e madeira. sobre uma pedra. O artista tinha que aprender que sempre que fosse pintado o homem e a mulher. o homem tinha que ser mais alto que a mulher. Um homem acima do comum por meus conhecimentos. joalheiros que faziam jóias fantásticas. A arte egípcia ficou 3000 anos sem mudar nada.. Conheço a pose da mulher. Era uma demonstração de revolta. conheço o amor.C. o olhar de alguém à seu auxiliar. A arte egípcia estava tão ligada ao país que. os braços e pés de perfil para melhor representar as características da pessoa. foi descoberto mais tarde. pintura. e os escravos que moravam em palhoças como se fossem animais. Ficou 5. As regras passavam de geração a geração sem nenhuma renovação. braceletes. Eles tinham uma espécie de feira. bebida. não podia criar nada. em hieróglifos. Elas tomavam banho de leite de cabra para ficarem bem brancas. Toda pintura egípcia tem a lei da frontalidade. anéis e miniaturas de jóias vistas só com lupa. o que significava a força que a pessoa tinha. Conhecia tudo. prateleiras para vender ou trocar por comida. lei da frontalidade. olho de frente. Sou chefe de todos os segredos dos rituais cabalísticos. 13 . Existe um estilo egípcio tão forte que durante milênios não vai mudar nada. mais valiosa ela era. Sei toda a magia que pratiquei sem que nada me escapasse. conheço a flor. até fazer hieróglifos. sem exagero. Nada do que se refere à esse assunto de magia me é oculto. a postura de quem lança o arpão. o Egito vale a pena enquanto arte e civilização. Eles tinham paixão por pele clara.onde colocavam os produtos sobre as mesinhas. O egípcio tem uma mistura com preto. mas era um mero artista ignorado. As mãos eles fazem sempre sobre o joelho. sobre o que achava dele próprio como artista do novo império: “Conheço o segredos das palavras divinas. Ninguém podia saber quem tinha feito o trabalho pois o artista não podia assinar. Depois vinham os trabalhadores do campo que tinham uma casa razoável. o que quer dizer que sempre a figura humana vai ser representada com o rosto de perfil. Sou um artista excelente em minha arte. No Egito existiam escolas de arte cuja função era formar artistas. onde seria o Cairo hoje. Mas o artista não podia passar disso. Um texto escrito por um artista. Quanto mais branca. Só que eles tinham que aprender tudo: anatomia. Até 30 A. A partir daí começa a decadência do estilo e arte Egípcia. assim que o Egito começa a acabar a sua arte acaba também. Vejo Ra em suas manifestações. É a lei do ver melhor.000 anos sem mudar nada na escultura. Os artistas tinham que aprender bem cedo o estilo. lidar com tintas. Os homens tinham que ter a pele mais escura que a da mulher. sou um artista!” Ele se valorizava.

surgindo com isso a mumificação. etc. Só depois é que tiram o corpo dessa solução e não se sabe como secavam esse corpo. Obs: No Vaticano tem uma múmia egípcia que está parte desenrolada podendo ver até a carne e um pouco do cabelo. Ela então. até nos ajudantes dele. Eles limpam tudo o que tem dentro do tronco e enchem de bucha. mas com as características do faraó. só que um pouco mais idealizado. Elas tinham que continuar casando com o filho. Eles tinham uma obsessão pela imortalidade da alma. pernas) deixando só o tronco. A parte política e econômica do faraó era também muito importante para que a mulher do faraó desse continuidade.Desde o começo da pré-dinastia a arte egípcia era completamente ligada à morte. A múmia depois de pronta nunca mais poderia ser vista e nem tocada. Dentro da pirâmide o morto iria “ascender” para se encontrar com “deus”. vivas. roubadas e profanadas é que iriam ser colocadas em monumentos colossais que seriam as 14 . Eles também esculpiam um outro corpo. Os egípcios levavam tudo aquilo que o morto gostava para o túmulo a fim de que a alma continuasse a gozar de tudo o que eles gostavam enquanto vivos. Ex: Um faraó que ia ser enterrado e que gostasse de bailarinas. os membros ( braços. Eles acreditavam que a alma continuava a viver. Depois da mumificação não podiam mais tocar no morto pois a sua alma poderia ficar perambulando por milhares de séculos. que ficava ao lado da múmia. Para evitar que fossem tocadas. Os escravos e os trabalhadores não eram mumificados porque era muito caro fazer a mumificação. Na realidade ninguém nunca mais conseguiu fazer mumificação. nas outras dinastias não era levado ninguém mais vivo para ser enterrado. Colocam uma solução de ácidos e sais aromáticos deixando o corpo banhado nisso por (+/-) 6 meses a 1 ano. seria colocada na pirâmide e esta bem fechada. O faraó era mumificado e em seguida colocado na pirâmide junto com as pessoas que gostava. ou outro parente. é meramente uma transição para uma outra dimensão. feito em pedra. também era colocado junto ao morto. comidas. Eles acreditavam profundamente na imortalidade da alma. Jóias. não daria continuidade a sua dinastia. igual ao do faraó. Se esta fosse violada o faraó teria um outro corpo. algodão. eles sabiam que a pessoa que morria só ficaria contente se tivesse tudo o que tinha em vida e que gostasse junto com ele. Acreditavam na vida eterna. Era uma continuação da vida terrena. Esta escultura sempre vai ter o rosto esculpido idealizado. Depois eles montam tudo novamente e estará pronto para ser enterrado nas pirâmides. Elas iam com vontade pois significava uma honra. estas iriam ser enterradas vivas junto com ele. É porisso que existia muita riqueza nos túmulos. de trapo. Com o passar do tempo. Daí eles costuram tudo novamente. mais jovem. para depois fechar a pirâmide. na sua plenitude. Eles não tinham a mesma concepção moral que nós temos. Para o egípcio a morte não é um acontecimento triste. bonito. Na mumificação era cortada a cabeça. Se ela fosse profanada a alma iria ficar sofrendo pelo resto da eternidade. O faraó era convicto de que se a mulher dele fosse enterrada junto. Nas primeiras dinastias. Nos primeiros 2 milênios iam todos juntos. O corpo do morto não podia ser tocado. ou o faraó com a filha. só que com as mesmas necessidades terrenas. A mumificação era feita em toda casta do faraó.

pirâmides. na lateral. Quefrém e Miquerinos. 15 . onde cada barcaça levaria 2 pedras amarradas embaixo da água para que ficassem mais leves. Está tudo perfeito até hoje. Ela tem 121 metros de base e 60 metros de altura. só para proteger o faraó. Só que durante todos esses séculos nenhuma pedra foi encontrada no Rio Nilo. na América do Sul. A etimologia da palavra pirâmide: É uma palavra de origem grega onde “piro” quer dizer fogo e “amid” quer dizer está no centro. eles tinham que ser polidos de uma forma manual. Gisé. A pirâmide é um tipo de construção que proliferou no Egito muito mais do que se pensa. e a estátua do morto que era colocada ao lado da múmia é chamada hoje em dia de “o duplo”.600. a qual flutuou. Desde 3500 A. Após muitas pesquisas descobriram que em Maio a cada dois anos naquele local não tem gravidade. Essas pirâmides eram totalmente racionais. A pirâmide de Quéops é a maior das 3. na escala exata. é um altiplano rochoso (que não se mexe).000 blocos de granito e calcário. Na construção foram empregadas 2. Onde hoje tem a famosa represa de Assuã. Na região não haviam pedras. Central. a base é do tamanho do “Maracanã”. que é a primeira pirâmide dos degraus. Os blocos eram sobrepostos somente através de cálculos matemáticos absolutamente precisos.” Algumas pirâmides eram fechadas no topo e outras abertas. foi construída a primeira pirâmide. local onde foram construídas as pirâmides. Cada bloco pesa de 2 a 20 toneladas. Não há um consenso de como foram construídas as pirâmides. Obs: Há 6 anos atrás saiu na Geográfica Universal. Peru. Tem pirâmide na China. O túmulo é a pirâmide. Não tinha nenhuma gravidade. Na terceira dinastia. etc. pois já tinha sido violada. Em todo o mundo aparece pirâmides feitas em épocas diferentes. Cada lado da pirâmide foi projetada para corresponder a curvatura de 1/4 do hemisfério norte. Dois séculos depois foram construídas as famosas pirâmides de Quéops. Existem muitas portas falsas e corredores falsos que não levam a nada para. Esse local onde existiam pedras se chamava Assuã. Eles pensaram muito antes de construírem as pirâmides. no Egito. Os historiadores acham que a forma mais certa daquelas pedras chegarem seria através de barcos pelo Rio Nilo. Foi construída em Sacara. na planície de Gisé. “O vértice da grande pirâmide corresponde ao polo e o perímetro do Equador. construção. e deixaram cair uma ferramenta. Não existe nenhum elemento de ligação como o cimento ou argamassa para unir ou sustentar essas colunas de pedras nas pirâmides.C. no Egito (que hoje é o Cairo). e em alguns lugares da terra também. isto é. que os franceses fizeram um buraco próximo à base. Para esses blocos ficarem sobrepostos perfeitamente encaixados. fogo está no centro. México. até hoje não houve nenhum terremoto. Hoje somente o raio lazer conseguiria deixar a superfície tão lisa. Quando descobriram a pirâmide de Quéops já não tinha mais nada dentro. Esses blocos eram trazidos de uma região há 1000 km de distância. tendo 146 metros de altura.

era chapada. O azul era feito com o pó raspado do lápis lázure e misturavam também com goma arábica. Esses templos foram construídos através de 3000 anos. Faziam com goma arábica e clara de ovo. Na iluminação da arquitetura egípcia não há quase janela. Do outro lado do Nilo está o outro templo da rainha Hasétsud. As construções civis perto das pirâmides. propositadamente. Todas tinham terraço com cobertura. cores planas. Até hoje as construções são um mistério. Os moradores passavam a noite no terraço tocando música. Elas não eram tão importantes quanto os templos. Nos templos egípcios a iluminação é importante porque vai haver uma abertura para passar a luz do sol somente no que for divino. Não chovia nunca. É um calor infernal. faziam primeiro o esboço em pedras arenosas chamadas de ostrakas (porque a pedra parecia com uma concha). esta ficará gelada. Ela era uma rainha faraó. quase nada restou até hoje. Tinha silos de cajal. da manhã até Tebas. Os historiadores acham que as pirâmides foram construídas através de montes de terra ao lado da construção para apoiar as pedras para serem erguidas. O que ficou de melhor está localizado perto das pirâmides. A mitologia egípcia lida muito com o demônio. Estando no Cairo pega-se um avião às 5hs. Os deuses que tem a ligação com a lua vão ser iluminados pela luz da lua. ela só aparece excepcionalmente. Depois das pirâmides o que existe de mais fantástico é Karnak e Luxor. 16 . A cor vermelha era dada pelo óxido de ferro. As janelas eram abertas para o pátio interno. As moradias descobertas próximas às pirâmides eram construídas em alvenaria e pedra. A organização da iluminação inteira dos templos era um verdadeiro “mis en cène”. As esculturas estão sempre fechadas no escuro e só vão ser clareadas naquele momento quando a luz passa por aquela abertura. O templo é do tamanho de Manhattan. são dois templos ligados entre si localizados na cidade de Tebas. clara e um pouco de óleo de amêndoa.Todas as 3 maiores pirâmides e as outras 70 que tinham no Egito já tinham sido violadas e roubadas. A partir desse esboço eles elaboravam a obra definitiva sobre a parede. porque era feito para a eternidade. que estão dentro da pirâmide e que tem ligação com o sol. que tudo que está localizado próximo num raio de 200 metros não morre. por assim dizer. Eram todos de classe média. 150 leitos para os maridos. Se for colocado água quente sob o sol. A pintura não tem nenhum efeito de luz e sombra. depois passavam uma massa fina de gesso sobre o reboco. Após secar colocavam a cor. O palácio era fantástico. sobre as esculturas dos deuses. O sol era o divino. mumifica. A lua era o demônio para eles. Pegavam um pincel fino feito de bambu e desenhavam no gesso ainda úmido. Foi uma rainha poderosa que conseguiu unir o alto e o baixo Egito. Uma distância como se fosse de São Paulo à Salvador. A pirâmide de Quéops tem uma força. ele é que vai deixar iluminar o que ele quer. Técnica da pintura Egípcia: Tudo o que os egípcios desenhavam. madeira. muro. uma energia. cantando. não apodrece. Primeiro eles faziam um reboco grosso sobre a parede. A luz vai ser feita pela mão do homem.

17 . A mulher realmente era muito bem conceituada na vida privada. Viveu até mais ou menos 70 anos. da rainha HATSEPSUT. Tinha câmaras frigoríficas embaixo com mais de 200 animais. Isso é uma característica do antigo império. Existia entalhes para o escoamento de águas pluviais. Os maridos dividiam as tarefas. sem muita divisão. feitos de mármore. Os Obeliscos vão ser importantes no Egito. Os historiadores acham que construíam rampas de areia ao lado até chegar na altura. onde aparece pela primeira vez. ou foram destruídos por terremotos. Todo o resto foi retirado. Ela foi sucessora do seu pai. que foi feito em sua homenagem medindo 42 metros de altura e nele está escrito tudo sobre a sua vida. Muitas vezes aparece a rainha abraçando o faraó como se estivesse protegendo-o. O faraó mandava fazer o obelisco de mandava deixar gravado o nome dele. colocados sobrepostos sem andaime. O seu palácio fica no Vale das Rainhas. Eles eram altíssimos. Obs: O Shampoo apareceu no Egito para a Hatsepsut que tinha um cabelo muito feio (por ser descendente de preto). Tinham cremes feitos de leite de cabra. Descobriram um shampoo e condicionador feito de papiro (que solta um sebo) e adicionaram flores para perfumar. Existia muito pouca madeira. Quando Napoleão foi ao Egito ele pegou aquele obelisco de Karnak e Luxor e levou até a praça da Concórdia. só tem quatro obeliscos. Hoje em dia quase em todos os países tem obelisco do Egito. Eles erguiam o obelisco quando ganhavam uma guerra como se fosse um troféu. não tinha andaime. Era uma rainha que tinha Silos de Cajal. Teve mais de 7 maridos. ou uma espécie de catapulta para erguê-lo. Também tem um obelisco na praça Navona. Ela era uma faraó muito poderosa que uniu o alto e o baixo Egito. O rei e a rainha apareciam abraçados. no Egito. Tudo era muito sofisticado. Tinha mais de 200 pares de sapatos. Tomavam banho de leite para clarear a pele e a gordura era acondicionada em potes feitos de lápis lázure. mesmo sendo faraó.Os gregos foram estudar a iluminação dos teatros com os egípcios. Alguns maridos ela mandou matar e casou também com o filho dela. E durante a noite eles tem outros buracos para passar a luz da lua. Tem um obelisco muito bonito em Karnak.“o sol”. ou afundados em solo. Geralmente todos os obeliscos vão ser para comemorar algum feito político ou alguma homenagem que o faraó desejava celebrar. Tinham sombra azul para os olhos e cajal para o contorno. em cima do que eles quisessem. cavalos. etc. sandálias. abatidos congelados em conservação. Em Karnak 10 obeliscos foram destruídos. Hoje . Nunca foi compreendido como eles foram construídos. de peruca. na França. que vem da palavra grega “obelos” que quer dizer coluna terminada em ponta. Os buracos seriam as janelas com a função de projetar o canhão de luz . A água do Rio Nilo vinha canalizada e quando chegava lá estava gelada conservando assim esses animais para o futuro da vida dela. para iluminar os outros deuses. atingindo equivalente a um prédio de 10 ou 12 andares. bois. no meio daquele deserto. também para a pele. Alguns foram levados por estrangeiros conquistadores. ou então o nome do deus a quem tinha dedicado o obelisco. Eles faziam buracos nas paredes. Tingiam o cabelo de Rena. e com madeira para arrematar. mas era feito como precaução para o dia que chovesse. Só que lá não chovia. 150 leitos para os seus maridos.

O parente mais próximo vai ser Tutankamon com 9 anos e que irá morrer aos 18 anos. Vasos de 18 . Vai ter um refinamento de etiquetas de como se portar socialmente. bonito.Tinha ourives que só faziam jóias para as mulheres. inscrições para a vida eterna. no colo. mas como um homem. o respeito era mostrar a realidade como ela era. vai ter seu rosto muitas vezes esculpido. sem “endeusar” ou idealizar. Obs. ele e sua esposa ficassem bem natural nas esculturas. livros dos mortos. No Metropolitan tem uma escultura de um homem egípcio com uma argola na orelha e pendurado nela um gatinho. deus do sol. de cabeça comprida e eram bem magras. Chegou lá. inclusive um rico trono de ouro. A NEFERTITE. Como ele era inglês. era uma porta lacrada e ficou esperando naquela época por mais ou menos 18 meses por uma resposta em carta vinda de navio pois não havia avião naquela época. teve que escrever para a Inglaterra para saber se podia abri-lo ou não. Vai ser a única vez que poderá ser visto isso no Egito. A religião estava virando um comércio. Quando ele entrou na ante-sala com mais 3 britânicos e uns 20 egípcios. somente no Novo Império. Não vai ser um faraó muito rico por ter sido faraó por pouco tempo.: Tem um filme que conta essa história “A maldição da múmia”(?). prata. ouro. Só na antecâmara encontrou 700 peças. Muito metal. Em 1922 Haward Carter chegou perto do Cairo e descobriu um sepulcro. Aminofis teve quase todas as filhas doentes. Esta arte vai ser de cunho realístico que vai durar por todo o reinado dele. esperto. Faziam muita coisa para o cabelo e usavam muito pente. descobriram o maior sepulcro do século. Essas cenas em outros impérios eram consideradas um desrespeito com a família real e. A mulher dele era belíssima e se chamava NEFERTITE. para ele. Ele tinha uma cabeça bem comprida. Os filhos não tinham condições físicas de serem faraós. Ele conseguiu a permissão e abriu a porta. Eles casavam muito entre parentes. se abraçando. sucessor de AMINOFIS. misterioso. São cenas domésticas. Ele não vai ser reverenciado como um deus. Ele disse que deus tem que ser só um. O rei. Vai querer que suas filhas. Esse túmulo dele no Vale dos Reis foi a maior descoberta arqueológica do Egito. TUTANKAMON. É a primeira tentativa do monoteísmo. Vai mudar também a arte não querendo que sigam mais a lei da frontalidade. Até ele chegar na última sala levou 6 anos cavando e descobrindo só maravilhas e riquezas. foi ser rei aos 9 anos de idade. cheiroso para eles. a corte e a rainha foram esculpidos de forma realista. Antigamente isso jamais seria feito. Então ele vai mudar o seu nome para AQUENATON (onde sufixo aton é “deus do sol”) . até então nunca visto. considerada “A BELA”. uma nova maneira de ser. Ele briga com os sacerdotes porque estes estavam ganhando dinheiro vendendo fórmulas. E ele vai querer que o pintem sem idealizá-lo. Assim que ele morre tudo volta a ser como era. Era uma indulgência daquela época. sendo pintado com bengala para se apoiar. Mostra a sua fragilidade humana. O homem egípcio usava brinco de argola na orelha. Faziam muita coisa com formato de gato porque era um animal muito forte. carruagens de ouro e prata. Vai aparecer o FARAÓ AMENOFIS IV no novo Império que vai mudar completamente a religião e a arte. Ele vai ser um revolucionário inovador que muita gente não vai gostar. Tinha 2 estátuas de 2 metros de altura de ouro maciço. Então Amenofis IV disse que para ele só um deus era supremo o “ATON”.

2 metros. Teria mais ou menos 12 km. ou 27 semanas. Na primeira sala entrava o povo todo. A múmia real Tutankamon era protegido por 3 sarcófagos. como ocorria na Grécia. O sarcófago. turquesa. os sacerdotes e a família toda. Muita gente começou a morrer de maneira estranha. Lá eles ficavam trancados sempre (com números de final 7) como 17 semanas. sexo de todas as formas. dependendo do que fossem fazer. 90 % foram violados. sucessor de Tutankamon. após ficarem também um tempo em jejum. os mais importantes foram construídos por Ramsés e Amenofis. Todos da expedição morreram. Não são bacanais. Só quem podia entrar no templo de Karnak e Luxor eram os iniciados. eles saíam e iam se limpar nesse lago. Era uma época de esplendor da civilização egípcia. na segunda sala o povo ficava do lado de fora e entravam só os iniciados e na terceira sala entravam os iniciados. Estátuas de proporções gigantescas. RAMSÉS II. Karnak e Luxor são ricas em obeliscos. Quase todos os túmulos. Ao lado de Karnak e Luxor tinha um grande lago. Ele é um grande arquiteto e tudo o que construía era o mais alto. é um grande faraó que vai ter uma grande autoridade imperial. magia. Está no museu do Cairo. Depois de acabar toda essa reunião.5m de alabastro. Ele é da época do Novo império e depois Baixa Época. a múmia e algumas coisas ficaram no Egito. As colunas mais importantes do Egito são as de Karnak e Luxor. Faziam testes de mistura de sangue. Eles faziam até oferenda de crianças e de seus próprios filhos. o faraó. Arcas repletas de roupas do tamanho de um container.1. outros de doença que mais tarde foi constatado fungo (manchas na pele que degenerava o tecido) por ter ficado 5000 anos fechado. Muitas vezes eles iam para Karnak e Luxor através do Nilo como se fosse uma imensa apoteose. Ele vai fazer uma avenida como uma via expressa. Haward Carter ficou muito rico e muita coisa foi para a Inglaterra. 19 . como uma busca ou necessidade de se saber tudo. na lua cheia. Começavam as pesquisas de sexo. Na busca de uma coisa que fosse melhor para eles. Os dois templos mais importantes de Karnak e Luxor eram destinados aos deuses Amon e Rá e ligados entre si por uma monumental avenida. e 86 esculturas de aproximadamente 2 metros de altura cada ladeando a represa com um espaço entre elas de 1. Karnak e Luxor tem vários templos. a faraó. mas uma pesquisa séria. Eles entravam no templo como uma procissão. Muita coisa de coral. É aqui que vai aparecer pela primeira vez no mundo as colunas. onde todos estavam trajados de branco. porque todos sabiam que tinha uma grande riqueza. Os valores morais eram outros. onde ele após morto passearia até o seu túmulo. Os gregos vão até o Egito para aprender sobre as construções. perto da represa de Assuã. Ele foi o último a morrer. sendo a última de ouro maciço. São esculturas todas em pedra. Após tomar banho no lago eles deixavam a roupa suja lá e vestiam outra roupa branca. A pintura de Karnak e Luxor é o auge da pintura Egípcia. Levaram séculos para serem construídos e passava de faraó para faraó. voltando novamente para o templo para dormir e no dia seguinte sairem de lá. O estudo dos deuses do bem e do mau era feito em Karnak e Luxor.

com toda a sua beleza. Numa visão retrospectiva da história de civilização e da cultura que esse povo alcançou. a química. Hoje só ruínas restaram. como na organização política e social. tanto nas artes e nas ciências. a astronomia. os gregos permanecem no Egito. sábio francês. e o grego com aquele escândalo artístico. esculturas que estamos costumadas a ver. última dos Ptolomeus suicida-se depois de ser derrotada pelos romanos. No século XIX. O Egito foi a primeira nação a centralizar os poderes do Estado em uma só pessoa. É o primeiro grego que chega a reinar o trono Egípcio. vindo da Macedônia. Aí vai aparecer o Marco Antônio. como por exemplo a mumificação que foram se aperfeiçoando durante milênios. vão acabar todos os templos egípcios. Eles desenvolveram a matemática. Vão lutar com Cleópatra e ela vendo que vai perder pega uma cobra venenosa deixando-a picar e morre. Eles não vão aceitar nenhum outro deus. A escultura grega vai ser independente da escultura egípcia. É a tentativa de uma coexistência entre o estilo egípcio que é próprio. à beira do Mediterrâneo. Elas nos falam da glória de uma nação de um povo que não queria morrer. até 30 A. Depois dos persas chegam os gregos chefiados por Alexandre Magno. os médicos egípcios especializaram em realizar um trabalho de grande valor na descoberta de droga para dor e nas doenças.C. vão quebrar quase tudo o que existia aí e na Grécia. vai ocorrer no IV século da nossa era quando o Cristianismo está no auge. Entre 332 A. Aos poucos as formas artísticas passam a conviver cada uma com seu mundo próprio. Cleópatra em 30 A. Quando o Cristianismo chega para valer no IV século. pois “Cristo” é um só deus..C. mas que infelizmente morreu. Na medicina. a cidade de Alexandria.C. quando o Egito vai ser dominado pelos persas. No setor cirúrgico as maiores conquistas deles foram fantásticas. único. fizeram um calendário solar. que são a grega e a egípcia. Champollion. como essas pinturas. Tinham uma espécie de antibiótico que era quase que a penicilina nossa.. a Cleópatra. Não deixaram a fórmula. Ele vai fundar. Tudo o que eles fizeram foi para a eternidade. o fim do Egito como civilização. elas parecem que possuem vida. Surge então esculturas híbridas com rosto grego e corpo egípcio. Alexandria vai ser o encontro das culturas ocidentais e orientais. mostra o legado para o mundo futuro. assírios e aí nunca mais durante toda a antigüidade o Egito voltará a ser uma nação tão importante e independente como era. consegue decifrar os hieróglifos e com isso ele vai permitir que a arqueologia dê um salto fantástico no século XIX. o faraó. Estes brigam com os gregos e com os egípcios. porém para “Mali”.Depois da morte de Ramsés II começa a chamada Baixa Época. um mapa dos céus. A ruptura final da tradição egípcia cultural. 20 .

A arquitetura grega é a mais familiar de todas para nós do que qualquer outra arquitetura de qualquer época no mundo. Platão falou o seguinte sobre os templos: “O templo deverá ser um ponto visto à distância e em aberto.seja pelo idioma grego que falavam. Por conseqüência. entre todos os povos do mundo antigo.ARTE GREGA O termo “clássico” surgiu na Grécia. PITÁGORAS (dizem que ele deu o nome de “filosofia” à filosofia). para protegerem as estátuas dos deuses. bem feito. SÓCRATES. e sempre construídos em locais elevados acima das cidades. No Egito acontecia exatamente o oposto. Os antigos gregos. Tudo muito bem organizado. O grego dava muito valor ao Homem. A essência do Helenismo era. E é por causa disso que existem tantos deuses. Esses templos famosos eram como se fossem esculturas para eles. quando se fala em “antigüidade clássica” . ao amor e ao prazer de ver”. PÉRICLES e muitos outros para quem o homem era a medida para todas as coisas. As casas não eram importantes porque eles não tinham reis e nem governantes. proporcional. E. Os deuses tinham que ter a forma humana. Os Templos eram fantásticos e super importantes. “Nada em excesso”. na realidade. Os gregos dividiram a humanidade em duas partes: os “Helenos” que eram os habitantes da Grécia e os outros eram chamados de “Bárbaros”. ordem. 21 . excelência. se sentiam diferentes dos outros povos. O grego. PLATÃO (que escreveu “A República”). Os gregos exaltavam a razão de uma forma tal que eles conseguiam superar a fé. O homem é o centro de todas as coisas e do universo. Os gregos glorificavam o homem como a mais importante criatura do universo. é o lema do grego que quer ver tudo claramente. Vamos usar o termo “estilo clássico” quando se quer dizer de beleza. social e cultural. Foi nessa civilização que surgiu OMERO. é o que realmente vai refletir o espírito do homem ocidental. A partir do homem você constrói tudo. estamos nos referindo a Grécia e Roma e nunca ao Egito. É uma verdadeira elevação à virtude. FIDIAS. As casas não tinham a menor pretensão de serem muito suntuosas. Nenhuma outra Nação no mundo teve tão forte devoção pela liberdade e uma crença tão firme nas realizações humanas. Eles recusavam a se ajoelhar diante de deus porque o homem era considerado mais importante. significando “nada em excesso”. chamados “templos”. nas Acrópoles (que quer dizer acima das cidades). pelos costumes ou pela religião deles. Os gregos não procuravam nem o paraíso e nem o inferno. ICTINOS. simplesmente e sem adornos. ARISTÓTELES. Fizeram magníficos prédios. O “homem” de hoje é o Grego. moderação e proporção. tanto a escultura quanto a arquitetura encarnavam os ideais de harmonia. Os deuses gregos tinham feições humanas porque a beleza estava na forma do ser humano.

amor pela beleza. Sendo a mais antiga das ordens arquitetônicas gregas. empresta uma idéia de solidez e imponência . através da arte. o equilíbrio. interesse pelo homem. o artista se empolga pela vida e tenta. Os principais monumentos da arquitetura grega: a) Templos.Ordem Dórica . construído. A arte grega volta-se para o gozo da vida presente. dos quais o mais importante é o Partenon de Atenas. Nascida do sentir do povo grego. para o coro.era simples e maciça. que eram construídos em lugares abertos (encosta) e que compunham de três partes: a skene ou cena. jônica e coríntia. Contemplando a natureza. O fuste da coluna era monolítico e grosso. a ordem dórica. para os espectadores. também. Na sua constante busca da perfeição. mas seres inteligentes e justos que se dedicavam ao bem-estar do povo. ARQUITETURA As edificações que despertaram maior interesse são os templos. O templo era construído sobre uma base de três degraus. b) Teatros. no 22 . o koilon ou arquibancada. A estética vai aparecer aqui. O capitel era uma almofada de pedra. que era o caminho da virtude. O capitel era formado por duas espirais unidas por duas curvas. As colunas sustentavam um entablamento horizontal formado por três partes: a arquitrave. . mas sobre uma base decorada. a harmonia ideal. Um exemplo típico é o Teatro de Epidauro. exprimir suas manifestações. nela se expressa o pensamento. o artista grego cria uma arte de elaboração intelectual em que predominam o ritmo. para os atores. O degrau mais elevado chamava-se estilóbata e sobre ele eram erguidas as colunas. o friso e a cornija.O Grego tinha que se maravilhar com tudo. e a democracia. Ele tinha que ver só beleza.Ordem Jônica . A característica mais evidente dos templos gregos é a simetria entre o pórtico de entrada e o dos fundos. Eles tem como características: o racionalismo. de um modo a variar e enriquecer aquela ordem. A ordem dórica traduz a forma do homem e a ordem jônica traduz a forma da mulher. A coluna apresentava fuste mais delgado e não se firmava diretamente sobre o estilóbata. a konistra ou orquestra.o capitel era formado com folhas de acanto e quatro espirais simétricas. Sugere luxo e ostentação. essa pequena criatura que é “a medida de todas as coisas”. muito usado no lugar do capitel jônico. Enquanto a arte egípcia é uma arte ligada ao espírito. Na Acrópole. As colunas e entablamento eram construídos segundo os modelos da ordem dórica. na Grécia.representava a graça e o feminino.Ordem Coríntia . pois os seus reis não eram deuses. . por sua simplicidade e severidade. a arte grega liga-se à inteligência. se encontram as Cariátides homenageavam as mulheres de Cária.

ao ar livre. com o gargalo largo ornado com duas asas. d) Praça . . composto por 55 degraus divididos em duas ordens e calculados de acordo com uma inclinação perfeita. Na escultura. esses vasos eram usados para armazenar. grandes figuras de homens. PINTURA A pintura grega encontra-se na arte cerâmica. água) tinha três asas.000 espectadores e tornou-se famoso por sua acústica perfeita. entre eles.Hidra .(derivado de ydor. o antropomorfismo . azeite e mantimentos. uma vertical para segurar enquanto corria a água e duas para levantar. com o corpo em forma de um sino invertido. entre outras coisas. No Período Arcaico os gregos começaram a esculpir. vinho. O maior pintor de figuras negras foi Exéquias. Esse tipo de estátua é chamado Kouros (palavra grega: homem jovem). 23 . Primeiramente aparecem esculturas simétricas. em mármores. além do equilíbrio e perfeição das formas. mas também pela harmonia entre o desenho. c) Ginásios. Os vasos gregos são também conhecidos não só pelo equilíbrio de sua forma. Por isso. IV a.Cratera .Ânfora .séc. as cores e o espaço utilizado para a ornamentação. A pintura grega se divide em três grupos: 1) figuras negras sobre o fundo vermelho 2) figuras vermelhas sobre o fundo negro 3) figuras vermelhas sobre o fundo branco ESCULTURA A estatuária grega representa os mais altos padrões já atingidos pelo homem. filosofia.foi insuperável. .C.esculturas de formas humanas .tinha a boca muito larga. etc. água. servia para misturar água com o vinho (os gregos nunca bebiam vinho puro). As estátuas adquiriram. edifícios destinados à cultura física. Chegava a acomodar cerca de 14. As pinturas dos vasos representavam pessoas em suas atividades diárias e cenas da mitologia grega.vasilha em forma de coração.Ágora onde os gregos se reuniam para discutir os mais variados assuntos. com o peso do corpo igualmente distribuído sobre as duas pernas. Além de servir para rituais religiosos. o movimento. em rigorosa posição frontal. a sua forma correspondia à função para que eram destinados: ..

e Atenéia.No Período Clássico passou-se a procurar movimento nas estátuas. . Os primeiros jogos começaram em 776 a. entre outros. se começou a usar o bronze que era mais resistente do que o mármore. Entre as mais famosas: Édipo Rei de Sófocles.homem arremessando o disco. autor de Zeus Olímpico. pela lânguida pose em “S” (Hermes com Dionísio menino).condutor da lança. talvez o mais famoso de todos. Realizou toda a decoração em baixos-relevos do templo Partenon: as esculturas dos frontões. Surge o nu feminino. entre os gregos a lira era o instrumento nacional. cada 4 anos. O grande desafio e a grande conquista da escultura do período helenístico foi a representação não de uma figura apenas. Para seu conhecimento: Mitologia: Zeus: senhor dos céus. .C. . pois no período arcaico.Policleto. representava os homens “tal como se vêem” e “não como são” (verdadeiros retratos). Música: Significa a arte das musas. Posseidon: deus das águas. Afrodite: deusa do amor. Teatro: Foi criada a comédia e a tragédia. As festas olímpicas serviam de base para marcar o tempo. Período Helenístico podemos observar o crescente naturalismo: os seres humanos não eram representados apenas de acordo com a idade e a personalidade.Miron. métopas e frisos. sua obra-prima. as figuras de mulher eram esculpidas sempre vestidas. Os principais mestres da escultura clássica grega são: .Lisipo. autor do Discóbolo . para isto. podendo fixar o movimento sem se quebrar. Foi Lisipo que introduziu a proporção ideal do corpo humano com a medida de oito vezes a cabeças. mas de grupos de figuras que mantivessem a sugestão de mobilidade e fossem bonitos de todos os ângulos que pudessem ser observados. Olimpíadas: Realizavam-se em Olímpia. 24 . autor de Doríforo .Praxíteles. . mas também segundo as emoções e o estado de espírito de um momento. em honra a Zeus. celebrado pela graça das suas esculturas. criou padrões de beleza e equilíbrio através do tamanho das estátuas que deveriam ter sete vezes e meia o tamanho da cabeça. Atenéia: deusa da guerra. foi o primeiro artista que esculpiu o nu feminino. Apolo: deus das artes e da beleza.Fídias.

o de Saturno. as termas eram o centro social de Roma. * originais: urbanismo. a basílica Julia. esse templo romano. anfiteatro. pórticos e jardins. * predomínio do caráter sobre a beleza. eram centro de reuniões sociais e esportes. As construção eram de cinco espécies. construído em Roma durante o reinado do Imperador Adriano foi planejado para reunir a grande variedade de deuses existentes em todo o Império. passou a designar uma igreja com certos privilégios. 4) Divertimentos: a) Circo: extremamente afeito aos divertimentos. a basílica servia para reuniões da bolsa. * energia e sentimento. e a da greco-helenística. senso de realismo. realçando a idéia de força. Mais tarde. (de quatro a cinco mil metros) dividida em várias colunatas. já com o Cristianismo. com sua planta circular fechada por uma cúpula. O Panteão. A basílica apresenta uma característica inconfundível: a planta retangular. vias de comunicação. Para citar uma. piscina. termas. 2) Comércio e civismo: Basílica A princípio destinada a operações comerciais e a atos judiciários. cria um local isolado do exterior onde o povo se reunia para o culto. de acordo com as funções: 1) Religião: Templos Pouco se conhece deles. 3) Higiene: Termas Constituídas de ginásio. além de casas de banho. foi de Roma que se originou o circo. o da Concórdia e o de César. Dos jogos praticados temos: 25 . Os mais conhecidos são o templo de Júpiter Stater. Um dos legados culturais mais importantes que os etruscos deixaram aos romanos foi o uso do arco e da abóbada nas construções.ARTE ROMANA A arte romana sofreu duas fortes influências: a da arte etrusca popular e voltada para a expressão da realidade vivida. orientada para a expressão de um ideal de beleza. As mais famosas são as termas de Caracala que. foi concluída no Império de Otávio Augusto. iniciada no governo de Júlio César. para tribunal e leitura de editos. * grandeza material. ARQUITETURA As características gerais da arquitetura romana são: * busca do útil imediato.

jogos circenses . que ficavam dentro dos arcos.000 pessoas sentadas e mais de 5. mas apenas de ornamentá-la.aquele em que havia torneios a cavalo. PINTURA O Mosaico foi muito utilizado na decoração dos muros e pisos da arquitetura em geral. b) Coluna Triunfal: a mais famosa é a coluna de Trajano. c) Anfiteatro: o povo romano apreciava muito as lutas dos gladiadores. 6) Moradia: Casa Era construída ao redor de um pátio chamada Atrio. Primeiro estilo: recobrir as paredes de uma sala com uma camada de gesso pintado. que foram soterradas pela erupção do Vesúvio em 79 a.000 em pé. giratórios e retiráveis. Sob a influência grega. O mais famoso deles é o arco de Tito. ordem jônica e ordem coríntia). ginásios . Externamente o edifício era ornamentado por esculturas. Esse anfiteatro de enormes proporções chegava a acomodar 40. todo em mármore. Essas lutas compunham um espetáculo que podia ser apreciado de qualquer ângulo. A maior parte das pinturas romanas que conhecemos hoje provém das cidades de Pompéia e Herculano. Dos circos romanos. b) Teatro: imitado do teatro grego. Assim era o Coliseu.incluídos neles o pugilato. Pois a palavra anfiteatro significa teatro de um e de outro lado.corridas de carros. O principal teatro é o de Marcelus. Os estudiosos da pintura existente em Pompéia classificam a decoração das paredes internas dos edifícios em quatro estilos. o mais célebre é o "Circus Maximus". jogos de Tróia . Tinha cenários versáteis. que dava impressão de placas de mármore. construído no Forum Romano para comemorar a tomada de Jerusalém. certamente o mais belo dos anfiteatros romanos. Essas colunas. e por três andares com as ordens de colunas gregas (de baixo para cima: ordem dórica. Foi erguida por ordem do Senado para comemorar a vitória de Trajano sobre os dácios e os partos.C. na verdade eram meias colunas. os verdadeiros jogos circenses romanos só surgiram pelo ano 264 a.C. 5) Monumentos decorativos a) Arco de Triunfo: pórtico monumental feito em homenagem aos imperadores e generais vitoriosos. pois ficavam presas à estrutura das arcadas. Portanto. com seu característico friso em espiral que possui a narrativa histórica dos feitos do Imperador em baixos-relevos no fuste.executados por cavaleiros conduzidos por escravos. não tinham a função de sustentar a construção. jogos de escravos . 26 .

imitando um cenário teatral. mas por temperamento.Segundo estilo: Os artistas começaram então a pintar painéis que criavam a ilusão de janelas abertas por onde eram vistas paisagens com animais. adotando soluções de clara matriz decorativa. tornar-se-ão essenciais para medir a ampliação das primeiras igrejas cristãs. Era o começo da decadência do Império Romano que. Com a invasão dos bárbaros as preocupações com as artes diminuíram e poucos monumentos foram realizados pelo Estado. suas esculturas são uma representação fiel das pessoas e não a de um ideal de beleza humana. As cores vivas e a possibilidade de colocação sobre qualquer superfície e a duração dos materiais levaram a que os mosaicos viessem a prevalecar sobre a pintura. os masaístas chegaram a resultados onde existe uma certa parte de estudo direto da natureza. 27 . a estatuária romana teve seu maior êxito nos retratos. Quarto estilo: um painel de fundo vermelho. Terceiro estilo: representações fiéis da realidade e valorizou a delicadeza dos pequenos detalhes. MOSAICO Partidários de um profundo respeito pelo ambiente arquitetônico. V precisamente no ano de 476 . eram muito diferentes dos gregos. tendo ao centro uma pintura.perde o domínio do seu vasto território do Ocidente para os invasores germânicos. Retratavam os imperadores e os homens da sociedade. no séc. Por serem realistas e práticos. aves e pessoas. Nos séculos seguintes. como fizeram os gregos. formando um grande mural. geralmente cópia de obra grega. Mais realista que idealista. ESCULTURA Os romanos eram grandes admiradores da arte grega.

utilizando imagens do Antigo e do Novo Testamento. o imperador Constantino legaliza o cristianismo. mas também a todos aqueles que aceitaram sua condição de profeta e acreditaram nos seus princípios. onde os primeiros cristãos secretamente celebravam seus cultos.Com o surgimento de um "novo reino" espiritual. Eram edifícios com grandes dimensões: um plano retangular de 4 a 5 mil metros quadrados com três naves separadas por colunas e uma única porta na fachada principal. Para entender melhor a simbologia: Jesus Cristo poderia estar simbolizado por um círculo ou por um peixe. Passagens da Bíblia também eram ali simbolizadas. Os romanos testemunharam o nascimento de Jesus Cristo. os cristãos (aqueles que seguiam os ensinamentos de Jesus Cristo) começaram a criar uma arte simples e simbólica executada por pessoas que não eram grandes artistas. Com o fim da perseguição aos cristãos. em grego ichtus. o cordeiro "Jesus Cristo é o Cordeiro de Deus". Outra forma de simboliza-lo é o desenho do pastor com ovelhas "Jesus Cristo é o Bom Pastor" e também. foi o material escolhido para o revestimento interno das basílicas.Nesses locais. Ainda hoje podemos visitar as catacumbas de Santa Priscila e Santa Domitila. Jonas engolido pelo peixe e Daniel na cova dos leões. cemitérios subterrâneos em Roma. pois a palavra peixe.ARTE PALEOCRISTÃ Enquanto os romanos desenvolviam uma arte colossal e espalhavam seu estilo por toda a Europa e parte da Ásia. por exemplo: Arca de Noé. Esta perseguição marcou a primeira fase da arte paleocristã: a fase catacumbária. lugar civil destinado ao comércio e assuntos judiciais. que recebe este nome devido às catacumbas. 28 . os romanos cederam algumas basílicas para eles pudessem usar como local para as suas celebrações.Surge a arte cristã primitiva. forma as iniciais da frase: "Jesus Cristo de Deus Filho Salvador". nos arredores de Roma.C. Tanto os gregos como os romanos. até que em 313 d. muito utilizado pelos gregos e romanos. o qual marcou uma nova era e uma nova filosofia. O mosaico. Os cristãos foram perseguidos por três séculos. o poder romano viu-se extremamente abalado e teve início um período de perseguição não só a Jesus. a pintura é simbólica. adotavam um modelo de edifício denominado "Basílica" (origem do nome: Basileu = Juíz) . Esse tratamento artístico também foi dado aos mausoléus e os sarcófagos feitos para os fiéis mais ricos eram decorados com relevos usando imagens de passagens bíblicas. dando início à 2a fase da arte paleocristã : a fase basilical.

conseguiu se manter até 1453.Honório ficou com o Império Romano do Ocidente.. Em 395 d. marca o fim da Idade Antiga e o início da Idade Média). e Arcádio ficou com o Império Romano do Oriente.. dos ataques bárbaros e das pestes. principalmente de povos bárbaros. até que. quando a sua capital Constantinopla foi totalmente dominada pelos muçulmanos (esta data. O império Romano do Ocidente sofreu várias invasões. 476 d. 29 . apesar das dificuldades financeiras. marca o fim da Idade Média e o início da Idade Moderna).C.Na cidade de Ravena pode-se apreciar o Mausoléu de Gala Placídia e a igreja de Santo Apolinário.. foi completamente dominado(esta data. 1453.c. o Novo e a de São Vital com riquíssimos mosaicos. em 476 d. o imperador Teodósio dividiu o Império Romano entre seus dois filhos: Honório e Arcádio. Já o Império Romano do Oriente (onde se desenvolveu a arte bizantina). tendo Roma como sua capital .C. com a capital Constantinopla (antiga Bizâncio e atual Istambul).

afasta o gosto pela forma e conseqüentemente a escultura não teve tanto destaque neste período.Plasticamente. colunas com capitel ricamente decorado com mosaicos e o chão de mármore polido. são confeccionados com técnicas diferentes e seguem convenções que regem inclusive os afrescos. A arquitetura das igrejas foi a que recebeu maior atenção da arte bizantina. A Igreja de Santa Sofia (Sofia = Sabedoria). por exemplo. a perspectiva e o volume são ignorados e o dourado é demasiadamente utilizado devido à associação com maior bem existente na terra: o ouro. por associação à abóbada celeste. ao clero cabia. A união de alguns elementos dessa cultura formou um estilo novo. e. tornando os artistas meros executores. O mosaico é expressão máxima da arte bizantina e não se destinava apenas a enfeitar as paredes e abóbadas.Por volta do século IV. 30 . tanto que se convencionou representá-lo com uma auréola sobre a cabeça. A arte bizantina está dirigida pela religião. era o representante de Deus. rico tanto na técnica como na cor. ela possui uma cúpula de 55 metros apoiada em quatro arcos plenos. depois batizada por Constantinopla. as pessoas são representadas de frente e verticalizadas para criar certa espiritualidade. mas instruir os fiéis mostrando-lhes cenas da vida de Cristo.O regime era teocrático e o imperador possuía poderes administrativos e espirituais. foi um dos maiores triunfos da nova técnica bizantina.Arte Bizantina. começou a invasão dos povos bárbaros e que levou Constantino a transferir a capital do Império para Bizâncio. cidade grega. Toda essa atração por decoração aliada a prevenção que os cristãos tinham contra a estatuária que lembrava de imediato o paganismo romano.Tal método tornou a cúpula extremamente elevada. Grécia e do Oriente.O que se encontra restringe-se a baixos relevos acoplados à decoração. não raro encontrar um mosaico onde esteja juntamente com a esposa.A mudança da capital foi um golpe de misericórdia para a já enfraquecida Roma. dos profetas e dos vários imperadores. na hoje Istambul. sentimentos de universalidade e poder absoluto. Graças a sua localização(Constantinopla) a arte bizantina sofreu influências de Roma. elas eram planejadas sobre uma base circular. o mosaico bizantino em nada se assemelha aos mosaicos romanos. facilitou a formação dos Reinos Bárbaros e possibilitou o aparecimento do primeiro estilo de arte cristã . sugerindo. Neles.ARTE BIZANTINA O cristianismo não foi a única preocupação para o Império Romano nos primeiros séculos de nossa era. projetada pelos arquitetos Antêmio de Tralles e Isidoro de Mileto. ladeando a Virgem Maria e o Menino Jesus. organizar também as artes. Apresenta pinturas nas paredes. além das suas funções. criando-se prédios enormes e espaçosos totalmente decorados. octogonal ou quadrada imensas cúpulas.

penetrando. durante a segunda metade do século XV e boa parte do século XVI. a maior igreja de Constantinopla. há uma beleza natural na sua magnificência espacial e nos jogos de sombra e luz . A arte bizantina não se extinguiu em 1453. folhas de acantos envolvem o monograma de Justiniano e de sua mulher Teodora. encontra-se no seu vasto interior.No alto. nos países eslavos. bordada em filigrama de sombras dos candelabros suspensos.Constituía na destruição de qualquer imagem santa devido ao conflito entre os imperadores e o clero. por exemplo. resplandece a grande cúpula. a arte daquelas regiões onde ainda florescia a ortodoxia grega permaneceu dentro da arte bizantina. durante o reinado do Imperador Justiniano. capital do Império Bizantino.Porém.E essa arte extravasou em muito os limites territoriais do império.Um olhar mais atento permite ao visitante ver o trabalho requintado dos artífices bizantinos no colorido resplandecente dos mosaicos agora restaurados. pois. sobre um solo de mármore. logo sucedeu-se um período de crise chamado de Iconoclastia. no mármore profundamente talhado dos capitéis das colunas das naves laterais.um claro-escuro admirável quando os raios de sol penetram e iluminam o seu interior". mosaicos e afrescos.A arte bizantina teve seu grande apogeu no século VI. 31 . Embora a igreja tenha perdido a maior parte da decoração original de ouro e prata. UM POUCO MAIS DE SANTA SOFIA "A verdadeira beleza de Santa Sofia.

mais simbólico do que transcendental. seguindo o modelo da casa de Maomé em Medina: uma planta quadrangular. a arte islâmica foi na realidade. no Iraque. Ao fazer isso. No entanto. começou a rápida expansão do Islã até a Palestina. A representação figurativa era considerada uma má imitação de uma realidade fugaz e fictícia. conceitual e religiosa. desde seu início. inevitavelmente devem ter absorvido traços estilísticos dos povos conquistados. concentrando-se no geométrico e abstrato. ARQUITETURA As mesquitas (locais de oração) foram construídas entre os séculos VI e VIII. que eram os únicos economicamente capazes de construir mesquitas. os muçulmanos demoraram certo tempo para estabelecer-se definitivamente e assentar as bases de uma estética própria com a qual se identificassem. Norte da África e Espanha. Pérsia. a arte islâmica se mostra. A área de oração era coberta. A casa de Maomé era local de reuniões para oração. no início. De lá. esmola. com um pátio voltado para o sul e duas galerias com teto de palha e colunas de tronco de palmeira. No entanto. resultado da combinação de traços ornamentais com caligrafia. sob a orientação dos califas. combinados com os coloridos mosaicos. que no entanto souberam adaptar muito bem ao seu modo de pensar e sentir.ARTE ISLÂMICA No ano de 622. Síria. as decoraram. enquanto no pátio estavam as fontes para as abluções. transformandoos em seus próprios sinais de identidade. Contudo. em Jerusalém. Daí o emprego de formas como os arabescos. Essas funções foram herdadas por mesquitas e alguns edifícios públicos. centro político. que desempenham duas funções: lembrar o verbo divino e alegrar a vista. De origem nômade. hospital e refúgio para os mais pobres. e a Grande Mesquita de Damasco. e os esplêndidos tapetes persas. como exclusividade das classes altas e dos príncipes mecenas. No âmbito sagrado evitou-se a arte figurativa. eles realizavam suas obras para a comunidade de acordo com os preceitos muçulmanos: oração. mausoléus e mosteiros. a Cúpula da Roca. Índia. jejum e peregrinação. Ásia Menor. a arquitetura sagrada não manteve a simplicidade e a rusticidade dos materiais da casa do profeta. Na complexidade de sua análise. sendo exemplo disso as obras dos primeiros califas: Basora e Kufa. persistiu a 32 . na função de governantes e guardiães do povo e conscientes da importância da religião como base para a organização política e social. que contempla uma obra feita para deus. sucessores do profeta. Foi assim que as cúpulas bizantinas coroaram suas mesquitas. o profeta Maomé se exilou (hégira) na cidade de Yatrib e para aquela que desde então se conhece como Medina (Madinat al-Nabi. As letras lavradas na parede lembram o neófito. Aparentemente sensual. cidade do profeta).

pensados como um microcosmo e constituíam o hábitat privativo do governante. semelhantes àquelas na forma. foi um dos sistemas mais utilizados na construção de mesquitas. que permite cobrir o quadrado com um círculo. Os mais valiosos são de origem persa e têm 40 000 nós por decímetro quadrado. A Giralda. embora não tenha existido um modelo comum. em Granada. Na realidade. As oficinas mais importantes foram as de Shiraz. já que o muçulmano. Tabriz e Isfahan. A cúpula de pendentes. no Ocidente. TAPETES Os tapetes e tecidos desde sempre tiveram um papel muito importante na cultura e na religião islâmicas. esses eram os únicos materiais utilizados para decorar o interior das tendas. as sedas. As mesquitas transferiram depois parte de suas funções aos edifícios públicos: por exemplo. para que a voz do almuadem ou muezim pudesse chegar até todos os fiéis. como povo nômade.preocupação com a preservação de certas formas geométricas. 33 . no Oriente. com animais e plantas. não deve ficar em contato com a terra. castelos e demais edifícios públicos merece um capítulo à parte. além de cumprir uma função fundamental nas mesquitas. como o quadrado e o cubo. O aposento mais importante era o diwan ou sala do trono. e Palermo. brocados e tapetes passaram a decorar palácios e castelos. As numerosas variações locais mantiveram a distribuição dos ambientes. O geômetra era tão importante quanto o arquiteto. as escolas de teologia. Seus palácios eram planejados num estilo semelhante. embora se comunicasse com a mesquita por meio de pátios e jardins. Diferentemente da tecedura dos tecidos. e os geométricos. ao rezar. Exemplo disso é o Alhambra. À medida que foram se tornando sedentários. Para começar. A construção de palácios. uma espécie de torre cilíndrica ou octogonal situada no exterior da mesquita a uma altura significativa. era ele quem realmente projetava o edifício. As residências dos emires constituíram uma arquitetura de segunda classe em relação às mesquitas. de motivos florais. a do tapete constitui uma unidade em si mesma. Outras construções representativas foram os mausoléus ou monumentos funerários. o palácio tinha aspecto de fortaleza. era o antigo minarete da cidade. Entre os desenhos mais clássicos estão os de utensílios. mas nem sempre conservaram sua forma. enquanto o segundo controlava sua realização. de decoração. semelhantes às mesquitas na forma e destinados a santos e mártires. De planta quadrangular e cercado de muralhas sólidas. de caça. Outra das construções mais originais e representativas do Islã foi o minarete. Os fabricados antes do século XVI chamam-se arcaicos e possuem uma trama de 80 000 nós por metro quadrado. convidando-os à oração. em Sevilha.

Assim. embora. semelhantes às antigas.PINTURA E GRÁFICA As obras de pintura islâmica são representadas por afrescos e miniaturas. como no cristianismo. A mesma função desempenhava a cerâmica. cobriam as paredes internas e externas dos edifícios. onde foram criadas peças de uso cotidiano. Seu estilo era semelhante ao da pintura helênica. muito poucas chegaram até nossos dias em bom estado de conservação. as representações eram completamente figurativas. tornando-se uma das disciplinas mais importantes na decoração de mesquitas e palácios. sofresse uma grande influência indiana. O estilo era um tanto estático. Ela foi herdada de Bizâncio e da Pérsia antiga. junto com a cerâmica. bizantina e inclusive chinesa. por exemplo. para ilustrar livros religiosos. No início. para tornar mais claro o texto. mas paulatinamente foram se abstraindo. separando um capítulo de outro. complexos desenhos multicoloridos. encontra-se a arte dos mosaicistas. mais utilizada a partir do século XII e que atingiu o esplendor na Espanha. até se transformarem em folhas e flores misturadas com letras desenhadas artisticamente. calculados com base na simbologia numérica islâmica. muito parecido com o das miniaturas bizantinas. combinando com a decoração de gesso das cúpulas. para acompanhar a narração. com fundo dourado e ausência de perspectiva. Elas eram geralmente usadas para decorar paredes de palácios ou de edifícios públicos e representavam cenas de caça e da vida cotidiana da corte. A miniatura não foi usada. esquematizado. O Corão era decorado com figuras geométricas muito precisas. Das primeiras. segundo o lugar. e nas literárias. mas sim nas publicações de divulgação científica. Caligrafias de incrível preciosidade e formas geométricas multiplicadas até o infinito criaram superfícies de verdadeiro horror ao espaço vazio. o que é conhecido como arabesco. 34 . a fim de marcar a organização do texto. Estreitamente ligada à pintura.

* aberturas raras e estreitas usadas como janelas. Deus é o centro do universo e a medida de todas as coisas. trazendo modificações no comportamento humano. o terreno cedeu.174. Na Itália. na Europa. com o Cristianismo a arte se voltou para a valorização do espírito. surge a arte românica cuja a estrutura era semelhante às construções dos antigos romanos. tinha poderes ilimitados. Trata-se da Torre de Pisa que se inclinou porque. assim a ser encarada como uma extensão do serviço divino e uma oferenda à divindade. Daí serem chamadas: fortalezas de Deus. As características mais significativas da arquitetura românica são: * abóbadas em substituição ao telhado das basílicas. estilizadas e duras dessas igrejas é o fato da arte românica não ser fruto do gosto refinado da nobreza nem das idéias desenvolvidas nos centros urbanos. Os valores da religião cristã vão impregnar todos os aspectos da vida medieval. e * arcos que são formados por 180 graus. duras e primitivas. * torres. Elas são sempre grandes e sólidas. com a tomada de Roma pelos povos bárbaros. que aparecem no cruzamento das naves ou na fachada. A explicação mais aceita para as formas volumosas. tem início o período histórico conhecido por Idade Média. é um estilo essencialmente clerical. Na Idade Média a arte tem suas raízes na época conhecida como Paleocristã. não apresenta formas pesadas. 35 .ARTE ROMÂNICA Em 476. diferente do resto da Europa. A primeira coisa que chama a atenção nas igrejas românicas é o seu tamanho. A mais famosa é a Catedral de Pisa sendo o edifício mais conhecido do seu conjunto o campanário que começou a ser construído em 1. ARQUITETURA No final dos séculos XI e XII. A igreja como representante de Deus na Terra. A arte desse período passa. com o passar do tempo. * pilares maciços que sustentavam e das paredes espessas. A concepção de mundo dominada pela figura de Deus proposto pelo cristianismo é chamada de teocentrismo (teos = Deus).

ausência de movimentos naturais. 36 . que colocadas lado a lado vão formando o desenho. a Igreja recorria à pintura e à escultura para narrar histórias bíblicas ou comunicar valores religiosos aos fiéis.PINTURA E ESCULTURA Numa época em que poucas pessoas sabiam ler. A pintura românica desenvolveu-se sobretudo nas grandes decorações murais. MOSAICO A técnica da decoração com mosaico. O colorismo realizou-se no emprego de cores chapadas. Os motivos usados pelos pintores eram de natureza religiosa. As características essenciais da pintura românica foram a deformação e o colorismo. na verdade. por exemplo. traduz os sentimentos religiosos e a interpretação mística que os artistas faziam da realidade. curtas ou alongadas. Na porta. Imitação de formas rudes. A figura de Cristo. isto é. que originalmente era uma técnica de pintar sobre a parede úmida. para representar o próprio céu. a área mais ocupada pelas esculturas era o tímpano. é sempre maior do que as outras que o cercam. de vários formatos e cores. conheceu seu auge na época do românico. A deformação. pois não havia a menor intenção de imitar a natureza. Usado desde a Antigüidade. através da técnica do afresco. nome que recebe a parede semicircular que fica logo abaixo dos arcos que arrematam o vão superior da porta. Não podemos estudá-las desassociadas da arquitetura. é originária do Oriente onde a técnica bizantina utilizava o azul e dourado. sem preocupação com meios tons ou jogos de luz e sombra. pequeninas pedras.

ARTE GÓTICA O termo Gótico vem da palavra GODOS que vem de Bárbaros. Inglês. Ele são muito diferentes entre si. É quase que uma visão cubista. O templo grego é só para ser visto. A forma de vê-la é fragmentada. dando leveza à construção. até o fundo. indo depois para o lado esquerdo. Para ver a Catedral de Notre Dame devemos começar a vê-la de frente. Vai surgir uma coisa fantástica na Idade Média que são as Catedrais Góticas. mas já começaram a aparecer as primeiras mudanças que conduziram a uma revolução profunda na arte de projetar e construir grandes edifícios. a arquitetura predominante ainda é a românica. O peso das paredes cedem o lugar aos vitrais. O gótico. A cidade de Chartres nasceu com as pessoas que foram chegando e morando ao redor da catedral. que leva de 200 a 300 anos.: A Basílica da Catedral é renascentista. enquanto que os templos gregos horizontais. Espanhol. tem início uma economia fundamentada no comércio. No começo do século XII. A arte Gótica vai nascer com as cidades. A Catedral Gótica é para o homem rezar dentro. em seu esplendor. Ao ser construída a Catedral Gótica. O Gótico Francês é bem diferente do Gótico Italiano. Português. as cidades começam a nascer ao seu redor devido ao número grande de pessoas que trabalham na construção. CARACTERÍSTICAS DO ESTILO ROMÂNICO: As paredes são grossas Na frente da Catedral românica tem rosáceas (foi quando começou a surgir as rosáceas) Tem vitrais Não tem frontão 37 . entre os anos 1150 e 1500. Obs. é como uma gaiola de vidro e de pedras. A idade Média é a época do Gótico. Tanto a Catedral Gótica quanto o Templo Grego tem uma arquitetura fantástica. As Catedrais Góticas vão ser verticais. A catedral Gótica é muito grande e não dá para abrangê-la com um só olhar. Em 1840 ao redor da Catedral de Notre Dame existia muitas casas medievais que foram retiradas ao seu redor para que ela fosse vista melhor de longe. A Catedral vai ser vertical que é para “levar” você para o céu. O Renascimento classifica de “bárbaros” os Góticos. Isso faz com que o centro da vida social se desloque do campo para a cidade e apareça a burguesia urbana. para o lado direito e por último atravessar o rio Sena pela ponte para vêla do outro lado No século XII.

não vai existir na América.. A arquitetura expressa a grandiosidade. a igreja românica apresenta um único portal. O desenvolvimento de tal genero está ligado à difusão dos livros ilustrados patrimônio quase exclusivo dos mosteiros: no clima de fervor cultural que caracteriza a arte gótica. demonstrando verticalidade. somente na Europa. ILUMINURA Iluminura é a ilustração sobre o pergaminho de livros manuscritos (a gravura não fora ainda inventada. A rosácea é um elemento arquitetônico muito característico do estilo gótico e está presente em quase todas as igrejas construídas entre os séculos XII e XIV.CARACTERÍSTICAS DO ESTILO GÓTICO: Tem que ter rosácea Contraforte (é o que segura a Catedral) Arcobotante Gárgulas Janelas vitrais (muitos vitrais) O vitral é fundamental pois vai surgir quando eles descobrem uma técnica de colocar o vidro no meio da parede de pedra não prejudicando a sustentação do prédio. a crença na existência de um Deus que vive num plano superior. tudo se volta para o alto. projetando-se na direção do céu. O Gótico que é do ano de 1100 DC. ESCULTURA As esculturas estão ligadas à arquitetura e se alongam para o alto. Nessa época as Américas não tinham sido descobertas. ARQUITETURA A primeira diferença que notamos entre a igreja gótica e a românica é a fachada. exercendo a função de ilustrar os ensinamentos propostos pela igreja. Outros elementos característicos da arquitetura gótica são os arcos góticos ou ogivais e os vitrais coloridíssimos que filtram a luminosidade para o interior da igreja. alongamento exagerado das formas. como se vê nas pontas agulhadas das torres de algumas igrejas góticas. a igreja gótica tem três portais que dão acesso à três naves do interior da igreja: a nave central e as duas naves laterais. ou então é um privilégio da quase mítica China). os manuscritos também eram encomendados por 38 . de modo geral. As catedrais góticas mais conhecidas são: Catedral de Notre Dame de Paris e a Catedral de Notre Dame de Chartres. e as feições são caracterizadas de formas a que o fiel possa reconhecer facilmente a personagem representada. Enquanto.

que seus trabalhos acabaram influenciando outros pintores. procurando mostrar os detalhes e as paisagens. que vai cada vez mais se firmando até ganhar plenitude no Renascimento. Ao realizar essa tarefa. a segunda é que os artistas ilustradores do período gótico tornaram-se tão habilidosos na representação do espaço tridimensional e na compreensão analítica de uma cena. Obras destacadas: O Casal Arnolfini e Nossa Senhora do Chanceler Rolin. pois destinava-se aos poucos possuidores das obras copiadas. ocupando sempre posição de destaque na pintura. Assim. * Jan Van Eyck . quase sempre tratando de temas religiosos. cobertos por muita roupa. Da observação dos manuscritos ilustrados podemos tirar duas conclusões: a primeira é a compreensão do caráter individualista que a arte da ilustração ganhava. Obras destacadas: Afrescos da Igreja de São Francisco de Assis (Itália) e Retiro de São Joaquim entre os Pastores. Os copistas dedicavam-se à transcrição dos textos sobre as páginas. aristocratas e burgueses. Os principais artistas na pintura gótica são os verdadeiros precursores da pintura do Renascimento (Duocento): * Giotto . apresentava personagens de corpos pouco volumosos. em direção ao plano celeste. PINTURA A pintura gótica desenvolveu-se nos séculos XII. Durante o século XII e até o século XV. os cabeçalhos. quando começou a ganhar novas características que prenunciam o Renascimento.procurava registrar nas suas pinturas os aspectos da vida urbana e da sociedade de sua época. Nota-se em suas pinturas um cuidado com a perspectiva. É precisamente por esta razão que os grandes livros litúrgicos (a Bíblia e os Evangelhos) eram ilustrados pelos iluministas góticos em formatos manejáveis. E esses santos com ar de homem comum eram o ser mais importante das cenas que pintava.. 39 . a pintura de Giotto vem ao encontro de uma visão humanista do mundo. Sua principal particularidade foi a procura o realismo na representação dos seres que compunham as obras pintadas. com o olhar voltado para cima. XIV e no início do século XV.a característica principal do seu trabalho foi a identificação da figura dos santos com seres humanos de aparência bem comum. a arte ganhou forma de expressão também nos objetos preciosos e nos ricos manuscritos ilustrados. deixavam espaços para que os artistas fizessem as ilustrações.particulares. os títulos ou as letras maiúsculas com que se iniciava um texto.

pai do renascimento. sem roupa. A frase acima significa que tudo tem limites. Auge do Egito (esfinge.C. Anteriormente as coisas eram mais faladas do que escritas.C. pirâmide) Grécia Clássica ou de Péricles -Construção do Parthenon na Acrópoles Roma Gótico Renascimento 40 D. O Renascimento ocorre entre 1400 e 1600 D. Auge da Pré-história 3500 a 2500 A. É lógico que a visão do mundo e da arte foi modificada.C. Expansão: É quando o homem descobre a América. expressão e emancipação. já que era muito complicado escrever. Teria o mesmo significado da descoberta da existência de um planeta habitado. a máquina vai fazer milhares de cópias. Era muito trabalhoso.RENASCIMENTO “OUSO TUDO QUE UM HOMEM PODE OUSAR.000 A. Emancipação: O trabalhador passa pela primeira vez a ser assalariado. a 1100 D.C. Shakespeare . Com o advindo da imprensa. nada a ver com civilização. 40 . facilitando a divulgação e o trabalho. APOGEU ----------------------------------------------------------------------------------------------------------40. 350 A. QUEM OUSAR MAIS DO QUE ISSO NÃO O É” Lord Macbeth . Vai sair do regime feudal da Idade Média.Shakespeare. Quando todo mundo tinha uma civilização super organizada na Europa e o homem descobre outro mundo com pessoas primitivas. que passa a ser muito mais valorizado.C.C. 1 A. praticamente sem organização social. através da imprensa que Gutemberg criou e que permite mandar a informação para o mundo inteiro. Renascimento é expansão. Passa a ter mais consciência da importância de seu trabalho. 1400 a 1600 D. Tinham que escrever muitas cópias para fazerem uma divulgação. Expressão: É a invenção da imprensa por Gutemberg.C. É o começo do renascimento quando o homem descobre que tem de ser ousado.C. com a linguagem muito diferente. No regime feudal existia a troca de serviços e mercadorias. mas respeitando os limites. Expressão é uma coisa impressa. Expressão implica consciência daquilo que é expresso.

O homem tinha horror à natureza pois viviam muito mal. Vão aparecer os “Humanistas”. O homem tem que entender de literatura. Surge da Idade Média onde o homem não tinha nenhum valor. como ela reage. é único. anatomia. As cidades pegavam fogo. recomeçar. Viviam muito em função da Igreja. 41 . “Deus” existe. Quando construíam uma Catedral Gótica ficavam 200 anos ao redor daquela Catedral para a sua construção. da antigüidade. que surgirá no futuro. que perdura até hoje. porque estão baseados na cultura Grega. O Renascimento começou em Florença. O “homem” renasce. é o saber para poder usufruí-la melhor. O renascimento vai criar uma “nova concepção do homem”. renascer. será uma escola que fará o trabalho em cima do Renascimento (1929.Renascimento é um renovar. da mesma forma que os gregos faziam. Até agora a natureza não era valorizada. Mas. renova-se e religa-se. estagnada. Platão vai ser muito importante para eles. de uma disposição de espírito. mas posso conversar com ele. No Renascimento. É um renascer em cima da Grécia Antiga. é para melhor aproveitá-la às necessidades do homem. várias línguas. A BAUHAUSS. Todas as invenções e criações eram feitas em função daquela Igreja. O “especialista” é o homem do século XX. A Idade Média estava muito parada. do homem possuidor de direitos inalienáveis. As construções eram demoradas porque não tinham uma tecnologia desenvolvida. As pessoas morriam de frio e dormiam mal com as casas de madeira. A medida que a natureza se transforma em uma coisa digna de ser usada. período muito forte. na Alemanha). Durante a Idade Média “Deus” era poderoso e distante. pois as casas eram feitas de madeira. Vai mudar muito a relação do homem com a natureza. Tudo isso pode assistido no filme “O nome da Rosa”. ela passa a ser valorizada. A ciência liga-se à técnica e à arte. Renascimento é o resultado de um impulso universal. da vontade de mudar a humanidade. A escultura e pintura nós conhecemos desde a Grécia. que surge a arte de todos os pintores do mundo. O mundo passa a ser encarado criação de “Deus”. É neste momento que surge o conceito do individualismo. Não inventavam e não criavam nada. É no Renascimento. nada impede que essa criação de Deus seja feita à serviço da humanidade.. na Itália. etc. mas as pinturas dos pintores famosos que encontramos nos museus começaremos a conhecer a partir daqui. Não é o saber pelo saber pela essência como na antiga Grécia.C. homens que conhecem tudo profundamente e que jamais serão especialistas. Essa busca do conhecimento das leis da natureza. É uma necessidade de uma mudança de ver e sentir. Depois se alastrou por toda Europa Ocidental dominando o mundo completamente entre 1400 a 1600 D. Não impede que Deus sirva à humanidade. O homem passa a ser o centro de todas as coisas e não mais “deus”. No Renascimento a ciência liga-se às técnicas e às artes. Vai procurar saber sobre a natureza.

A arte era feita de uma forma que a leitura fosse muito acessível. eles percebem que a natureza pode ajudar muito. Para Mali. mas o estilo é renascentista. o qual se ergue perante Deus. Em Estética da Arte: a arte pode ser idealizada ou verdadeira (em meados séc. sem nenhuma vergonha do seu corpo nu e Deus está apontando com o dedo quase à sua imagem e semelhança. sem imitá-la. apresentando depois uma queda e voltando a aparecer em finais do século XX. Vão estudar a água. Esta obra é o momento em que Deus aponta para o homem que está deitado no chão. Vão estudar o vento dando o surgimento dos moinhos de vento. E vão estudar uma série de coisas que até agora não tinham estudado. Passam a pintar a natureza nos quadros porque vão valorizá-la e adequar-se à ela. As pessoas posavam. é o símbolo do Renascimento. quando vão desenhar o corpo realmente como ele é. XX). mas complementá-los. Não existia o natural por que a Igreja não permitia. pintado por Michelangelo. o quadro “Adão” que está na Capela Sixtina. o que existia de melhor. É um renovar em cima da Antigüidade. Vão se basear nas melhores idéias dos antigos. sem movimento e vestidos completamente. A arte verdadeira. pudesse reconhecê-los facilmente. Ninguém fazia quadro para ser pendurado em casa.Em locais muito ensolarados as pessoas morriam de calor. Eles não vão imitar os antigos. Era uma arte totalmente sacra. 42 . vai surgir por volta do século XX. onde ela deixa de ser natural ao copiar o corpo humano e aperfeiçoá-lo. As pessoas não sabiam ler. Os santos eram duros. Essa pintura não podia existir na Idade Média. As esculturas das igrejas eram um protótipo do que seriam os “santos”. A arte idealizada é aquela que nós vimos na Grécia. As figuras dos santos eram postas uma do lado da outra para que o povo. Era uma história montada. De repente. aparecendo as represas. A natureza era uma coisa muito nefasta. Até o Renascimento as pessoas não pintavam nada naturalista. ao chegar à Igreja. no Renascimento. Homens importantes do Renascimento: Giotto Michelangelo Leonardo da Vinci Raphael Ticciano Tintoretto Dante Alighieri Botticelli Colombo Gutemberg Vasco da Gama Bosch William Shakespeare (por volta de 1600. no final) A arte passa a ser naturalista.

Ao redor de 1394 a peste negra acabou com quase toda a população Toscana (Florença é na região de Toscana). mas a pintura não. Em “off”: Dizem que ele era “super pão-duro”. É uma profissão que sobe de nível na hierarquia social. é importante comparar as pinturas Pré-renascentistas. Ele conseguiu iniciar um novo capítulo na História da Arte se impondo na profissão de pintor e sendo respeitado por isso. Ninguém fazia isso.Começaram a perceber que o homem podia pintar a natureza tal qual ela se apresenta. pão. Em 1400 o poder voltou de novo aos banqueiros e desta vez. Pré Renascimento: A pintura. as massas em pouquíssimo tempo controlaram o poder em Florença. No século XV Florença lançou as bases da pintura Européia dos cinco séculos seguintes. do olhar. Giotto é que vai receber pela primeira vez na História da Arte o nome “Pintor”. até então (entre 1400 e 1500). dentre todas as artes do ocidente. ainda poderá parecer uma pintura dura. As cidades onde as primeiras pinturas “acadêmicas” vão aparecer serão Siena e Florença. O aspecto mais importante era o pintor conseguisse pintar fielmente a figura real. Quando dava uma festa ele pedia que o convidado levasse uma ave. Florença era uma cidade muito rica e. que pintou muito À FRESCO em busca de um realismo. Giotto consegue pintar expressando os sentimentos através dos gestos. 43 . No Museu Metropolitam. que até então não faziam. os escultores já tinham criado um novo estilo depois do gótico. A cidade de Pádua é a que oferece as melhores obras de Giotto para serem vistas. Os pintores até então eram considerados como alfaiates. Um desses importantes pintores é GIOTTO. que ao ir a bancarrota. da Idade Média e Renascentistas. Giotto foi contemporâneo do grande poeta Dante Alighieri que escreveu “A Divina Comédia”. As condições para o aprimoramento na arte já estavam criadas. Dante Alighieri se refere ao Giotto na “Divina Comédia” como o “meu amigo pintor Giotto”. A pintura ainda era bizantina. são grandes acadêmicos que fazem a arte exatamente igual a natureza. Para nós hoje. foi a que mais demorou para se afastar dos moldes antigos (bizantinos) da Idade Média. mas comparada com o que existia anteriormente na Idade Média era muito mais expressiva e solta. A peste matou quase todos os banqueiros. As soluções da pintura foram amadurecendo aos poucos. a crise financeira foi muito forte. Começa aí a pintura acadêmica que nos referimos. Até hoje pintamos baseados no Renascimento. um pouquinho idealizada. Eram homens ricos que gostavam de beleza e vão investir em arte. com essa peste. marceneiros. Um dos banqueiros mais importantes era o “Bardi”. vinho ou fruta. Leonardo da Vinci e outros. os “Médicis” eram os mais importantes. Os arquitetos. Giotto foi o primeiro artista dentro da História da Arte que aparece sendo chamado como “PINTOR”. O estilo que chamamos de Sienês (de Siena) chegou até o século VX (1400) e custou muito a aceitar o estilo renascentista. Pouco a pouco tornaram-se “senhores de Florença”.

Foi o iniciador da arquitetura da renascença que vai permanecer por mais 500 anos. É bom lembrar que junto com o Renascimento. o belíssimo “Domus”. Os irmãos VAN EYKES vão descobrir esse aglutinante que era “o óleo de amêndoas”. arquiteto. Itália. a Cúpula da Catedral de Florença não tinha sido construída. O resto do mundo vai copiar essa Cúpula de Brunelleschi. : Raphael está enterrado no Pantheon. escultor. Por ser pintor estimulou o filho a ser pintor também.Os irmãos VAN EYKES pertencem à pintura FLAMENGA (de Flandres que é hoje a Bélgica). Os italianos vão copiar a fórmula. Até então se pintava à fresco. Ele foi para Roma estudar estudar o Pantheon antigo. Uma região com paz e prosperidade. O Médicis compraram muita obra do pai de Raphael. a pintura Flamenga Renascentista foi muito importante. muito badalado na época. Pintavam em paredes ou em madeiras para poderem transportar. abria um grande atelier. Escola Renascentista funcionava assim: Todo grande pintor. encáustica. 44 . em Roma. era quase Gótica e Brunelleschi vai simplificar essa estrutura criando um novo eixo. A cúpula do Pantheon tinha muita sustentação. Nasceu na cidade de Urbino. a luz “condicionados ao momento”. Michelângelo vai se basear na Cúpula de Brunelleschi para fazer a Basílica de São Pedro. Quando ele aparece. porque foram os inventores da pintura à óleo. um dos maiores arquitetos de todos os tempos. e suas obras podem ser vistas hoje nos Museus. mas que vendia bem. Ele era ambicioso e queria ser muito conhecido. O pai de Raphael era um medíocre pintor. Eles romperam com tudo. A pintura com tinta a óleo era fantástica por permitir ao pintor que pudesse corrigir os erros. Volta para Florença onde vai ficar muito rico. Giovani de Santi que era muito amigo do grande pintor Perugino. Eles pintavam admiravelmente bem. vai apresentá-lo a seu filho. RAPHAEL DE SANTI nasceu em 1483 e morreu em 1520. etc. A pintura flamenga vai reinar em Florença. Até 1900 vai ser usada essa Cúpula. mas na verdade eles descobriram que um padre italiano tinha descoberto a fórmula da tinta mas que estava faltando um aglutinante. Essa Cúpula é anterior ao ano de 1500. Eles estão enterrados em Brujes. que se chamava Giovani de Santi. Obs. Raphael vai ser aprendiz do Perugino. Quase todos os dicionários falam que eles foram os inventores da pintura à óleo. Os irmãos Van EYKES descobrem que a luz também é muito importante. Na realidade eles só aprimoraram a fórmula. quando bolou a grande Cúpula da Catedral de Florença que vai ficar para o resto da vida. Eles pintavam o ar. na Itália. A arquitetura Renascentista: BRUNELESCHI.

O aprendiz comprava as tintas. Raphael vai ser muito querido. Ela vai ser um clássico de Raphael. meigo. a Capela Sixtina. apesar de já ser um grande pintor. criativo e responsável. Quando você entra na Capela Sixtina você vai passar por vários quartos. quase todos pintados por Raphael. começava-se primeiro como se fosse um “office boy”. rico. Quando chegava a fazer os desenhos com perfeição. mas já tinham o seu próprio estilo. Com isso ele ficou famoso por pintar pela primeira vez “madonas” tão lindas. até hoje. com exceção dos rostos que era sempre “Mestre” que terminava. Ele era um homem muito bonito. badalado. Os grandes artistas podiam aprender uma técnica nova. Aos 21 anos já estava famoso. Ela passa uma certa sensualidade. pois tinham recebido uma encomenda para pintar a “Câmara dos Vereadores”. carinhoso. como se fosse um empregado. no dia de seu aniversário. cordial. Fazia o chassis. bissexual (não se sabe ao certo). Raphael chegou em Florença na época em que Leonardo da Vinci e Michelângelo estavam na cidade. tornando-se muito popular rapidamente. em uma sexta-feira Santa. a qual nunca foi feita. podia optar pela escultura ou pintura. Raphael foi perfeito no desenho e na composição.Quando uma pessoa ia estudar com o grande pintor ou escultor. ele vai receber muita ajuda dos amigos do pai e de Perugino. em 1504. Raphael vai saber descobrir seu estilo. famoso. Morreu jovem aos 37 anos. Os aprendizes pintavam quase toda a obra. a pedido do Papa Júlio II. salas que são chamadas de “STANZI”. Viveu como um príncipe. Quando Raphael chegou lá. Eram chamados também de lojas. Não são míticas. comida. Aos 18 anos vai para Florença e começa a receber fama por pintar muito bem e rápido. As “madonas” são belezas idealizadas em cima da Grécia. ele vai pintar os quartos. 45 . “A Virgem Maria” vai ser adotada por muitos anos depois. na Capela Sixtina. Vai ser muito rodeado por artistas. Depois passava por um estágio de uns 3 meses onde ele aprendia a montar as telas. após sua morte. Era muito rápido. Entre 1508 e 1509 era a época em que Michelângelo estava pintando a Capela Sixtina. Começou a pintar as “madonas” que são muito especiais. Raphael disse que iria aprender com esses pintores. Depois disso iria aprender a desenhar. apesar de serem humanas e meio sensuais. Os outros alunos de Perugino só vão conseguir copiá-lo. Em 1509 Raphael foi de Florença para Roma. Dizem que o papa fez dele um Cardeal. carismático. Vai pintar com mais de 50 ajudantes. Como o pai era um homem muito querido. Rubens tinha 150 ajudantes. Raphael com 10 anos perdeu sua mãe e o pai vai morrer quando ele tinha 14 anos. Essa técnica de ensino vai ser retomada na BAUHAUSS mais tarde. simpático. tendo que morar com seus tios maternos. O Papa Júlio II é o mesmo que encomendou para Michelângelo. Ele tinha o quadro mais perfeito em composição de todo o Renascimento.

em tudo o que se referia também ao espetáculo. Leonardo tinha muitas vantagens ao ser tão bem dotado. tem o “Leonardo da Vinci” que está pintando a Monalisa enquanto ela balança o pé. tinha 1. O seu pai disse que já que ele tinha nascido com esse dom ele deveria estudar mais. Os turcos tinham conquistado Constantinopla. Tem um outro grande escritor que se chama GARDIANO e que escreveu o seguinte sobre Leonardo: “Ele era tão excepcional e tão ricamente dotado que a natureza parecia ter logrado um milagre em sua pessoa.” Obs. Verocchio foi um grande pintor. mas também serviu de obstáculo. 46 . Vai pintar por 5 anos a Monalisa. Existe em seu túmulo uma frase muito bonita em latim: “Aqui jaz Raphael: quando vivia a natureza temia por ele ser vencida. Tudo o que existia do Oriente na Grécia passa a não existir mais por muito tempo. Leonardo da Vinci. já desenhava e pintava muito bem. da balística. matemático. Quando ele tinha 16 anos. pára-quedas. Era do signo de Áries. uma perfeita obra de arte. mas também entre outros dotes numerosos de que a natureza o havia provido e que ele se valia com a perfeita maestria. Com isso termina a Idade Média. geólogo. Leonardo da Vinci.: No Epcot Center.Raphael está enterrado no Pantheon .90 m de altura e era provavelmente bissexual. Obs: Leonardo da Vinci foi modelo de “David” para o Verocchio. inventor do escafandro. Além do talento. e em particular. que era esposa de um comerciante amigo dele. Ele era arquiteto. Leonardo da Vinci era considerado em seu tempo uma obra prima da natureza. escreveu muito sobre Leonardo: “Seu encanto. mecânico.” LEONARDO DA VINCI nasceu em 1452 e morreu em 1519 . aos 67 anos. porcas e pintor. Dizem que sua beleza abriu muito as portas para ele. lâmina de barbear (ele tinha uma barba muito cerrada). Vassari vai ser o Historiador dos Pintores. Quando Leonardo da Vinci nasceu. O grande escritor George Vassari. sua generosidade e seu espírito brilhante não eram inferiores à beleza de sua pessoa. fazendo ele próprio o acompanhamento na lira que ele havia inventado e com isso deliciava a corte inteira. ponte-pêncil. que era enorme. As rotas da Europa para o Oriente foram fechadas. Não apenas por causa de sua beleza física. Era um homem muito vaidoso. escultor. engenheiro. cansada de esperar ele pintar. botânico. despertando muita inveja das pessoas. Leonardo cantava e também escrevia muito bem poesias. a Itália não era essa Itália de hoje. Era uma Itália calma e tinha acabado o Império Bizantino. em Roma. Quando ele morreu foi uma aflição para todos os seus amigos. na cidade de Florença. precursor da aviação. “ Segundo Gardiano. urbanista. da hidráulica. Leonardo da Vinci vai estudar com Verocchio. químico. brinquedos com corda. Cantava admiravelmente bem. físico. Ele era o árbitro em todas as questões que diziam respeito a elegância. Agora que está morto. isqueiro. ela própria teme morrer.

Ele queria estudar anatomia para poder pintar melhor. cientista. quiosques. Tudo o que ele fazia e criava. Leonardo da Vinci era também um músico. escultura. Ele queria saber mais e saber por que as coisas existiam. outros apreciavam a sua presença. As duas grandes pinturas que ficaram mais conhecidas foram a “Monalisa” (Gioconda) e a mais reproduzida no mundo todo que é a “Última Ceia”. com calçadões. ele tinha um pouco de medo de escrever de forma muito legível. Pintou a Monalisa. etc. vias elevadas. 47 . era desenhado. mas em cores. Muitas pessoas o elogiavam por ser filósofo. por suas descobertas serem um pouco avançadas para a época. Só que muitas vezes ele não terminava a obra porque tinha muitos outros projetos na cabeça. segundo os historiadores. A “Adoração dos Reis Magos “. Leonardo dissecou mais de 30 cadáveres. Não foi feito porque cobrava muito caro o que ele fazia. o helicóptero. Se a inquisição soubesse disso. que pode ser visto ainda no Museu do Vaticano. Ele começava a fazer uma coisa e depois parava para fazer outra. do século XX. Ele queria saber por exemplo quantos tons de vermelho ele podia fazer. Os historiadores acham que. O que significava uma antecipação da teoria de Copérnico que diz que “a Terra é que gira ao redor do Sol”. deixando muitas obras inacabadas. As pessoas posavam para ele e ele também tinha muitos auxiliares. tudo perfeito. O ideal de Leonardo da Vinci era atingir a verdade por experiências objetivas. Com Verocchio ele aprendeu tudo na pintura. Ele fez um projeto urbanista fantástico para a cidade de Milão. eles o matariam. enquanto tocava esse órgão. fazia muitos esboços. Com sua cultura universal.Vassari fala o seguinte: Leonardo tinha um ar tão imponente que só de vê-lo a tristeza desaparecia. Apenas essas 8 obras foram cientificamente comprovadas em sua autenticidade. Ele era canhoto e escrevia da direita para a esquerda. artista. desenhava tudo dentro das regras do renascimento. mas era muito pouco para Leonardo. Leonardo da Vinci consegue ser o Mestre da pintura com apenas 8 telas. Inventou um órgão movido à água. Tinha uma mente extremamente cientista. Muita informação do que se sabe são relatos de seus alunos que o adoravam e escreviam tudo sobre ele. Leonardo da Vinci pintava com requinte.: A conceito de “tom” só aparece no Renascimento após a invenção da tinta à óleo pelos irmãos Van Eykes. Obs. está inacabada. Em todos os escritos aparece sempre um dizer “o sol não se move”. o escafandro. Antes do Renascimento não se falava em “tons”. Leonardo elaborou projetos que levaram séculos para serem aprovados como a asa delta. Quase foi preso por causa disso. que está no Vaticano. As outras pinturas existentes não possuem essa certeza. Os seus escritos só poderiam ser lidos através de um espelho.

mais ereto do que o ombro do lado direito. onde ele vai usar muito claro-escuro. Uma hora ela parece sorrir. Dentro de suas pesquisas tudo é baseado no animismo. O fundo do quadro é completamente impressionista. de pergunta. indignação. a linha de fundo da direita está em diferente altura da linha da esquerda. que parece estar mais solto. Leonardo começou a pintar quando foi chamado para ir à Milão e teve que interrompê-la. portanto uma obra em aberto. Tem uma intenção muito dramática. como o metal. “Jesus” vai estar no centro do quadro. Durante séculos as pessoas ficaram se questionando qual era a verdadeira.C. Os cantos dos olhos e da boca são esfumaçados. outra hora parece estar triste. de dúvida. os vegetais. O rei francês Francisco I admirava muito Leonardo da Vinci. Leonardo falava que tudo para ele tinha alma. já em 1500 D. o ombro parece estar mais alto. Saía no temporal para ver como aconteciam os relâmpagos. Leonardo da Vinci descobre a técnica do “SFUMATO”. No final de sua vida. Na obra “Virgem dos Rochedos”. isto é. A OBRA GIOCONDA: A Monalisa é como se fosse um ser vivo. Tudo que é natureza tem alma. Levou 3 anos para ser feita. sem contorno definido. Ela tem um sorriso muito enigmático. Existem duas obras da “Virgem do Rochedo”. O rei Francisco I vai sempre visitá-lo.Uma de suas obras muito importante é “A Virgem dos Rochedos”..20 m. você é que vai terminar a obra. em Clos Lucé. de altura. Freud estudou muito sobre Leonardo da Vinci. A obra “Última Ceia” tem 9 metros de largura por 4. A obra que se encontra em Londres. Descobriram que a obra que está no Louvre. não terminada. . A cena é sobre Jesus que estava falando: “Um entre vós me trairás”. Leonardo da Vinci estudou muito como os surdos e mudos se comunicam através dos gestos. Ele pediu que o seu auxiliar a terminasse. Quando você olha o lado esquerdo. parecendo sobrenatural. inclusive a Monalisa. ele estava doente e com dificuldade de articulação nas mãos (quase todos os pintores tem problemas de articulação). As duas são de Leonardo da Vinci. ele falava que os rochedos tinham alma. Cada um dos apóstolos tem uma expressão muito forte. Fazia também muitas outras experiências. O que é Sfumato? É coisa indistinta. Começou a pintar cada vez menos. Anima é alma. Antes de pintar essa obra. O horizonte do lado esquerdo parece estar mais baixo que o direito. por ser Renascentista. Leonardo da Vinci pintou sozinho. Ele é ainda muito pesquisado pois estava muito à frente de sua época. Esse estudo era para ele saber passar aquele “espanto” e todas as expressões somente através dos gestos. etc. Se for bem observada a obra. 48 . onde a única pessoa que está calma é Jesus. Não está muito claro porque Leonardo da Vinci foi viver os últimos anos de sua vida no Castelo na cidade de Amboise. Leonardo leva consigo quase todas as suas obras. uma se encontra no Louvre e outra na National Galery de Londres. Ela parece mudar toda vez que você a olha. o que é proposital para dar o movimento aos ombros. ele não vai terminar nem os olhos e nem a boca.

etc. Adoração dos Magos. Maria e o Menino Jesus. perfuratrizes. vários desenhos de como ele fazia a geometria (explicando tudo o que aprendeu de geometria através de suas pesquisas). em Londres. É um afresco que está muito deteriorado. Esta está muito ruim pois Leonardo da Vinci não se preocupou com o tipo de tinta que usou. Louvre (Paris) e National Gallery de Londres. Inventou o compasso de proporção. no Louvre em Paris Esboço de “Sant’Ana e a Virgem” que é um desenho que está no National Gallery. Inventou máquinas de afiar. planador. Deitado na cama. São João Batista. “Código de Atlantis”. e assim enunciou 2 teoremas fantásticos sobre a geometria. Ele foi um grande projetista militar. está em um refeitório de uma Igreja em Milão. no Louvre (ao lado da Monalisa) Anunciação. Já fizeram até galinheiro nesse refeitório. está no Museu de Hermitage. Inventou máquinas hidráulicas para limpeza e drenagem de rios e canais. Obs. 49 . inacabado. sobre a transformação de sólidos. Obras autênticas de Leonardo da Vinci: Monalisa. está no Museu de Vaticano. estudos e anotações de Leonardo da Vinci. metralhadoras.: Muitos desenhos de Leonardo da Vinci podem ser encontrados no Castelo de Windsor. Ele tem um discípulo chamado Francisco Melzi que herdou de Leonardo quase todos os desenhos. Ele ficou com 1200 desenhos e que isso era a terça parte da produção de Leonardo. Virgem dos Rochedos. nem dos seus alunos. Leonardo recebe o rei (jovem) que ao se aproximar dele e sustentando a sua cabeça em seus braços. Eles eram muito amigos. No dia 2 de Maio o Rei Francisco I vai visitá-lo ao saber que ele não estava passando bem. carros de combate. (deve ter 1. os efeitos do atrito e sobre as condições de equilíbrio num campo inclinado. Entre esses desenhos que ele deixou para Francisco Melzi tem o “Código de Urbino”. Estudou. Ganhou muito dinheiro com desenho de canhões. No campo da física ele trabalhou muito sobre a dinâmica e baseou seus estudos na leitura de Aristóteles. barcos para a guerra. sendo usado depois para elaborar a obra “Monalisa”. Leonardo vai dizer-lhe que não reconhecia honra maior do que morrer nos braços de um rei. Fechou os olhos e morreu. no Louvre. no Louvre Madona Benois. Estudava qual a melhor forma de abordar um barco grande através de um pequeno. São Jerônimo. Leningrado ( ex-Rússia). Dizem que ele tinha caso com Leonardo da Vinci. Quer ficar isolado. na física.80 m (+/-) A Última Ceia. National Gallery de Washington. com várias pessoas ao seu redor. sobre a formulação de teorias sobre o centro de gravidade dos sólidos. A partir do vôo dos pássaros.Ele fala que não quer receber visita de ninguém. Sant’Ana. helicóptero e pára-quedas. determinou os princípios para a construção de um aparelho mais pesado que o ar e capaz de voar aproveitando a força do vento: asa-delta. na Inglaterra.

preguiça. Uma dessas obras é a famosa “Os Sete Pecados Capitais”. descobre ter uma afinidade muito grande com a Grécia e que ele era escultor da “figura humana”. A sua pintura era muito diferenciada e misteriosa. um dos maiores pintores e desenhistas de todos os tempos. gula. Resolve estudar as esculturas gregas da antigüidade da coleção dos Médicis (os mecenas). Era também um grande poeta. masoquista. luxúria. pois foge completamente do estilo da arte Renascentista.HYERONYMUS BOSCH Nasceu entre 1450 ou 1516. escultura. muito surrealista e muito simbolista. aos 89 anos. toda feita com incrustação em pedra. Ele não ficou muito satisfeito com o que aprendeu. não tanto como Leonardo da Vinci que dissecou 33 cadáveres. sobre uma mesa redonda. incrível como escultor. certinha). A inquisição não o impediu porque os Reis o protegeram. pois não gostava da arte renascentista (toda centralizada. Essa seita dizia que o homem tinha que fazer todos os pecados na Terra para ganhar o Céu. Com isso todo mundo queria se afiliar à Seita Adamita. 50 . As suas obras só vão ser destruídas pelos protestantes por volta de 1600 D.C. mas é considerado um grande Surrealista. Vai revolucionar no campo da pintura com a obra que faz para a “Capela Sixtina”. inveja. Ele era 23 anos mais jovem que Leonardo da Vinci e viveu mais 45 anos após a sua morte. Vai aprender todas as técnicas do ofício em desenho. MICHELÂNGELO Nasceu em 1475 e morreu no dia 6 de março. onde vai representar todos os pecados capitais: vaidade. Quando ele começa a estudá-las. Resolve. Era filho e neto de pintores. As obras que escaparam foram para a Espanha. ninguém sabe ao certo. dissecar também para conhecer melhor e se aprofundar mais na figura humana. Michelângelo era neurastênico. É uma pintura sobre “o céu e o inferno”. mas se ele nasceu em 1516 ele morreu em 1566. Ele nasceu na época do Renascimento. hipocondríaco. Outra obra importante é a pintura do “Jardim das Delícias”. Dalí dizia que o grande “Papa” do surrealismo era Bosch. grande pintor da época. avareza. ira. um gênio.. levadas pelo Rei Felipe II. Ele já tinha uma idéia bem diferente de arte. enfim. Se Bosch nasceu em 1450 ele deve ter morrido em 1516. Ele estava a 400 anos adiantados para sua época. Tinha uma inesgotável capacidade criadora. Casou-se com uma órfã muito rica. escultura e poesia é considerado do mesmo nível dos trabalhos de Leonardo da Vinci e Raphael. homossexual. em 1564. Os três são considerados os maiores artistas do Renascimento. O seu trabalho na pintura. Foi escultor insuperável. Muitas de suas obras foram destruídas pelos protestantes em 1629. Bosch cria a SEITA ADAMITA : “os irmãos dos espíritos livres”. Só se sabe que ele nasceu onde seria hoje a Holanda (a cidade tinha o nome Bosch) e viveu 66 anos. feia e religiosa. Ele foi estudar com o grande mestre “Domênico Ghirlandaio”. pintura. da mesma forma como todos os pintores faziam na escola renascentista.

ele era um romântico. na região de Florença. Ao estudar com os Médicis. fica muito amigo da família. Aos 30 anos já era conhecido como um dos grandes mestres da escultura. Sófocles. que estudava junto com ele. temperamental e dizia que não tinha paciência com a mediocridade alheia. Michelângelo recebe um soco no nariz. Foi um estigma muito grande para um homem que gostava muito de beleza. na casa dos Médicis. Ao se envolver em uma briga com esse seu amigo. Teve um pai bastante violento. participando muito dos “Saraus Culturais” onde conversava sobre filosofia. Michelângelo insistiu tanto que conseguiu estudar arte. Infelizmente a obra nunca foi executada porque Leonardo da Vinci foi chamado em Milão fazer o projeto ‘’urbanístico” que não deu certo e Michelângelo foi chamado pelo Papa Júlio II em Roma para trabalhar lá. reclamava e ia a fundo com tudo) e solitário. Sua uma família era aristocrática. Sócrates. Michelângelo fica muito desgostoso e decide não voltar mais à Roma. narigudo e muito triste. que vai ficar quebrado e torto para o resto de sua vida. o Papa Júlio II pede à ele que fizesse o maior túmulo do mundo para quando ele morresse. Michelângelo era um homem feio. Vai pintar e esculpir com perfeição. da pintura que ele ia executar com Leonardo da Vinci. Existe uma cópia em Florença feita por Michelângelo. Não conseguiu se relacionar com ninguém por não se aceitar como era. que foram grandes escultores do classicismo.De repente a figura humana não tinha mais segredo para ele. De outra forma. Leonardo da Vinci também fez uma descrição comentando sobre esse episódio. baixo. O pai de Michelângelo vai intervir pedindo ao “Papa” que fizesse alguma coisa para ajudar o seu filho que estava muito desmotivado. Sugestão: Assistir ao filme “Michelângelo” que tem nas locadoras de vídeo. Michelângelo pediu para ir até a cidade de Carrara (cidade dos mármores) porque iria fazer o túmulo todo em mármore. vão ser muito fortes em sua pintura. No fundo. etc. conseguindo recriá-la. Vai ficar em Carrara para escolher as peças de mármore (estudando os veios) por mais ou menos 11 meses. Com isso vai fazer esculturas e pinturas belíssimas de seres humanos para compensar a sua feiura. e o pai não admitia que o filho fosse artista. Estudou muito sobre Platão. Vai ser um grande mestre da figura humana. Era um homem passional (brigava. Quando Michelângelo chegou em Roma. filósofos e dramaturgos gregos e também sobre os grandes mestres. O “Papa” vai chamá-lo novamente em Roma e pede à Michelângelo que pinte uma Capela para 51 . estética. Michelângelo tinha um amigo chamado Torrigliani. ter um nariz torto e ficando muito feio. Essa paixão. Foi aí que a cidade de Florença convidou Michelângelo e Leonardo da Vinci para pintarem o grande painel na Câmara dos Vereadores. Tinha um temperamento muito irrequieto. Ele era tão bom ou talvez melhor do que os escultores gregos como Fídias (que fez o Parthenon) e Praxiteles. não saberíamos o que eles iriam fazer. esse traço violento. Ao voltar o “Papa” fala que não vai mais querer que faça o túmulo.

em diversas atitudes. que em sua homenagem recebeu o nome “Capela Sixtina”. Michelângelo vai pintá-la já de uma forma bem diferente da pintura que fez no teto da Capela. É praticamente impossível um ser humano fazer o que ele fez em apenas 4 anos. os “doze apóstolos”. O “Juízo Final” é uma visão terrível do fim do mundo. Essa obra vai ficar incompleta. etc. Ele deitava e passava dias assim. dos dois lados. Fazia o desenho no chão e depois subia nos andaimes para desenhar tudo novamente lá em cima e pintar. nas paredes laterais. Vai pintar no teto da Capela Sixtina. Michelângelo vai então à Carrara.ele. como se fosse a própria arquitetura. Essa Capela tinha sido mandada fazer pelo papa “Sixto IV”. O esforço físico para ele fazer a obra era incrível. o Papa vai pedir de novo para ele fazer o túmulo. pelo grande artista que era. 52 . Galeria Ufizi (em Florença). São episódios que vão desde a criação do homem. A Capela Sixtina já era decorada. Trinta anos após terminar o teto da Capela Sixtina. É como se fosse “tromp’oleil”. conversando. Ao terminá-la. pelos grandes pintores Boticelli. Pintou todas essas figuras de homens e mulheres como se fossem pessoas comuns e não “santos”. Você vai observar “Cristo” irado e “Nossa Senhora” se escondendo atrás Dele. baseados no Antigo Testamento. deixando o observador na dúvida. volta com o mármore e começa a fazer a figura de Moisés. o dilúvio e a embriaguez de Noé. mas que durante o trabalho vai brigar com todos eles ficando sozinho para continuar. Era o que tinha sobrado de parede sem pintura. alternando isso com Sibilas (são as moças muito bonitas que ele faz). tinha pena de estragar o mármore da obra que estava esculpindo quando encontrava um veio bonito. Ele pintava as moças com corpo de homem. discutindo. E. etc. em nicho. com músculos desenvolvidos e cabeça de mulher. Tentaram saber se era alegoria o que ele pintava porque ele fugia muito da história que existia na Bíblia. Ele não conhecia muito bem o corpo feminino. É uma forma quase expressionista de pintar. ele volta para pintar o fundo da Capela com a obra “O Juízo Final”. vai parar a obra para não estragar a natureza. Teve muitos ajudantes. Guirlandaio e Perugino. Michelângelo aceita pintar somente o teto. Quando ele termina Moisés o Papa Júlio II morre e o túmulo não fica terminado. não tendo coragem de eliminá-lo. Michelângelo brigava muito com o “Papa” e seu pai vai pedir à ele que tivesse muita paciência com o seu filho. O papa pede que ele pinte o teto e o fundo da Capela. lendo. Michelângelo respondeu: ”Mas eu sou escultor e não pintor”. Essa obra foi iniciada em 1508 e terminada em 1512. Vai ser encontrada muita obra incompleta dele nos Museus do Louvre. Pegava outro bloco e começava outra obra. Vai colocar imagens de profetas. Chegaram à conclusão que criava muita coisa apenas para preencher o espaço vazio que existia. Ele fez muitas outras obras incompletas porque. escrevendo.

vai ser a grande Cúpula na Basílica de São Pedro. Chamavam-no de “Divino”. em vida.O teto da Capela é feito em estilo mais acadêmico e o fundo dela de um estilo mais expressionista. Sua grande obra. as figuras da pintura de Michelângelo na Capela Sixtina foram todas vestidas a pedido dele. na época do Barroco. Era considerado. vai fazer com menos de 25 anos. As outras “Pietà”. e esta foi executada por outros. que ocupou toda a sua velhice. Ele só fez a pintura da Capela Sixtina. A “Pietà” se encontra embaixo dessa Cúpula (onde tem uma clarabóia). A primeira escultura “Pietà”. Somente a Cúpula será de estilo Renascentista. Michelângelo era muito religioso e apesar dele cobrar muito caro o seu trabalho vai fazer esse projeto sem cobrar um tostão. já um grande mestre. algumas esculturas. Entre 1555 e 1559 no Pontificado de Paulo IV. e uma obra que está na Galeria de Ufizi em Florença. Ele desenhou e projetou a Cúpula. pediram para tirar as roupas novamente. que era um Papa muito chato. são completamente expressionistas. Depois em 1559. O final de sua vida ele vai ser muito expressionista. 53 .: Todas as esculturas do lado de fora da Basílica foram feitas pelo Bernini. Disse que essa obra ele a fez “À Serviço de Deus porque era um presente dele para Deus e de Deus para ele”. Obs. o resto da Basílica é de estilo Barroco. distorcendo um pouco as formas.

com a cúpula principal sobre o transepto. produzem uma atmosfera de rara singularidade. desenvolve-se em Roma. sem dúvida. Principais características: Nas igrejas: · Naves escuras. que na maior parte das vezes não levam a lugar nenhum. arquitetos e escultores são impelidos a deixar Roma com destino a outras cidades. essa arte acabaria cultivada em todas as grandes cidades européias. Valendo-se dos mesmos elementos do renascimento. depois de derrotar as tropas do sumo pontífice. extrapolando assim as rígidas linhas dos cânones clássicos. porém. em italiano. e o homem já não é a principal e única medida do universo. deixando de lado as de plano centralizado. 54 . Reinam a desolação e a incerteza. Mais adiante. Os artistas se vêem obrigados a partir em busca de elementos que lhes permitam renovar e desenvolver todas as habilidades e técnicas adquiridas durante o renascimento. Pintores. Uma de suas fontes principais de inspiração é o espírito religioso reinante na Europa nesse momento. é que o maneirismo é uma conseqüência de um renascimento clássico que entra em decadência. O certo. No entanto. Carlos V. criam uma arte de labirintos. lembrando uma exuberante selva de pedra que confunde a vista. iluminadas apenas de ângulos diferentes. significa maneira). um movimento artístico afastado conscientemente do modelo da antiguidade clássica: o maneirismo (maniera. propriamente dito. enquanto outros preferem vê-lo como um estilo. pode-se dizer que as verdadeiras mudanças que este novo estilo introduz refletem-se não somente na construção em si. Não só a Igreja. Uma evidente tendência para a estilização exagerada e um capricho nos detalhes começa a ser sua marca. Os grandes impérios começam a se formar. mas toda a Europa estava dividida após a Reforma de Lutero. Alguns historiadores o consideram uma transição entre o renascimento e o barroco. ARQUITETURA A arquitetura maneirista dá prioridade à construção de igrejas de plano longitudinal. saqueia e destrói Roma. do ano de 1520 até por volta de 1610. a marca inconfundível do estilo maneirista. mas também na distribuição da luz e na decoração. balaustradas povoadas de figuras caprichosas são a decoração mais característica desse estilo. conchas e volutas cobrem muros e altares. · Guirlandas de frutas e flores. coros com escadas em espiral. Caracóis. típicas do renascimento clássico. com espaços mais longos do que largos. espirais e proporções estranhas. que são.MANEIRISMO Paralelamente ao renascimento clássico. mas agora com um espírito totalmente diferente.

o palácio dos Mantova. mas muito interessante sobre os grandes artistas da época. sem deixar de fazer comentários mal-intencionados e elogios exagerados. com a construção das igrejas San Giorgio Maggiore e Il Redentore.Nos ricos palácios e casas de campo: · Formas convexas que permitem o contraste entre luz e sombra prevalecem sobre o quadrado disciplinado do renascimento. cujo caráter é rigorosamente clássico e no qual a clareza de linhas e a harmonia das proporções preponderam sobre o decorativo. que proibiam o nu nas obras de arte. que. na qual. Autor de vários projetos arquitetônicos por toda a Itália. 55 . a villa na Porta del Popolo. De acordo com os preceitos dos jesuítas. apresenta um relato às vezes pouco fiel. O interesse que tinha pelas teorias de Vitrúvio se reflete na totalidade de sua obra arquitetônica. expressa a necessidade de renovação. Sob a proteção de Aretino. Vasari também trabalhou em colaboração com Michelangelo em Roma. Passou os últimos dias de sua vida em Florença. Principais Artistas: BARTOLOMEO AMMANATI . PALLADIO. fizeram tanto sucesso que se seguiram várias edições. Vasari é conhecido por sua obra literária Le Vite (As Vidas). (1511-1574). reduzido a uma expressão mínima. legou a eles todos os seus bens. é um dos mais importantes desse período. Não se pode dizer que Palladio tenha sido um arquiteto tipicamente maneirista. conseguiu realizar uma de suas únicas obras significativas: os afrescos do palácio Cornaro. a fonte da Piazza della Signoria. na década de 30. no entanto. (1511-1592). Suas biografias. além de fazer um resumo da arte renascentista. GIORGIO VASARI. com base nos quais planejou uma cidade ideal. tais como: a construção do túmulo do conde de Montefeltro. A obra de Palladio foi uma referência obrigatória para os arquitetos ingleses e franceses do barroco. dedicado à arquitetura. mais do que marcar a transição entre duas épocas. · A decoração de interiores ricamente adornada e os afrescos das abóbadas coroam esse caprichoso e refinado estilo. Seu interesse pela arquitetura o levou a estudar os tratados de Alberti e Brunelleschi. (1508-1580). Somente dez anos depois iria se dedicar à arquitetura sacra em Veneza. publicadas em 1550.

Principais características : · Composição em que uma multidão de figuras se comprime em espaços arquitetônicos reduzidos. para os conventos locais e para a nobreza toledana.PINTURA É na pintura que o espírito maneirista se manifesta em primeiro lugar. O Sonho de Filipe II e O Martírio de São Maurício. encontrá-lo. onde trabalhou praticamente com exclusividade para a corte de Filipe II. procurando deformar uma realidade que já não os satisfaz e tentando revalorizar a arte pela própria arte. com quem realizou algumas obras. Na verdade. de um drapeado minucioso e cores brilhantes. produzindo sombras inadmissíveis. no ano de 1567 emigrou para Veneza. sua obra não foi totalmente compreendida por seus contemporâneos. não sem certa dificuldade. Homem com a Mão no Peito. De acordo com documentos existentes. Entre suas obras mais importantes estão O Enterro do Conde de Orgaz. Principal Artista: EL GRECO. Depois de alguns anos de permanência em Madri ele se estabeleceu na cidade de Toledo. 56 . criam esse novo estilo. O resultado é a formação de planos paralelos. · Rostos melancólicos e misteriosos surgem entre as vestes. completamente irreais. onde o olho atento deve. as formas esguias e alongadas substituem os membros bem-torneados do renascimento. Ao fundir as formas iconográficas bizantinas com o desenho e o colorido da pintura veneziana e a religiosidade espanhola. Esta última lhe custou a expulsão da corte. em Cândia. a meio caminho entre o retrato e a espiritualidade mística. e uma atmosfera de tensão permanente. · A luz se detém sobre objetos e figuras. São os pintores da segunda década do século XV que. (1541-1614). afastados dos cânones renascentistas. · Os verdadeiros protagonistas do quadro já não se posicionam no centro da perspectiva. · Nos corpos. · mas em algum ponto da arquitetura. acredita-se que começou como pintor de ícones no convento de Santa Catarina. Os músculos fazem agora contorsões absolutamente impróprias para os seres humanos. onde começou a trabalhar no ateliê de Ticiano. Nascido em Creta.

O Barroco é mais que um estilo de arquitetura. ansioso. ficando muito bem na América do Sul. Ela tem esculturas Barrocas e. fantasias. Os católicos tinham uma preocupação maior com o esplendor mundano. Não era assim no Renascimento.BARROCO O Barroco é um estilo muito ligado a acontecimentos históricos. do homem primitivo. Vai aparecer no mundo todo. Você olha e pensa que está vendo uma coisa que na realidade não existe. No Barroco vai haver uma fusão de diferentes estilos da arte. Procuram fazer as ruas de forma a irem todas de encontro com a Igreja. Caravaggio. Vamos ver muitos efeitos luminosos como os de: Rubens. enfim. A Piazza Navona. etc. As Igrejas Barrocas tem sempre escadarias. Vai mostrar o espírito da contra reforma e reforma que vai acontecer na igreja católica. Ex. encarar a arte. ou melhor. Tem também muita água e muita luz. emoções. O Barroco apela muito para sensações. Jardins à francesa. A arte Barroca não pode ser chamada de arte do absolutismo porque ela não é só do absolutismo. Essa pintura é chamada de TROMP'OLEIL (engana olho). "Eu sou o Poder". A cenografia é muito forte. religiosos. é gosto também. mais que uma pintura. Vai ser o estilo do Barroco. Como estilo ele é ambíguo.catedral Palácio da cidade Palácio do campo Vai surgir nessa época a preocupação com o urbanismo. 57 . No Barroco a escada é muito importante porque elas dão movimento. no centro. É um movimento muito forte. Vão pegar um pouco do renascimento. Começou em Roma e espalhou-se por toda a Europa indo depois para a América. mais do que com a fé religiosa. O Barroco surgiu para combater a reforma religiosa. pintura de uma cortina na parede que não existe. Velásquez. econômicos e sociais. uma audaciosa mistura de estilos. dão a impressão de levar ao infinito. o "Rei Sol". Barroco é fazer a arte dos jardins. O jardim é fundamental. Versailles é o protótipo do jardim à francesa. Temos a música e o teatro Barroco. Surgiu bem no auge do Renascimento que era muito racional. O dourado e o espelho também vão ser muito importantes no Barroco. A pintura Barroca é muito teatral. Central. bem comportado. Em todos os países as igrejas vão ter salões pintados com cenas arquitetônicas que levam ao infinito. um obelisco egípcio. Ele é movimento. na Itália. novidade. A arquitetura pintada vai ser muito usada. Estilos da época do Barroco: Igreja . para os sentidos. A luz é fundamental (contrastes da luz). O Barroco atingiu o auge com Luís XIV na França. É uma atitude de encarar a vida. A composição Barroca tem sempre linhas inclinadas. Ela é também descentralizada. Ex. É muito movimentada e dinâmica.

É tão grandiosa que pertence a humanidade. O Barroco é afetuoso. A escultura Barroca é dinâmica e a Gótica estática. O Mosteiro de São Bento em Olinda onde você vê as palmeiras é aconchegante e lembra cenas de casa. Vai começar aparecer esse nome em Roma. que significa pérola torta. A igreja Barroca de Ouro Preto já faz parte do dia-a-dia da sua vida. Os jesuítas irão depois para a América do Sul e levarão o Barroco para lá. muito militar. barroco e depois expressionista Tiepolo No pontificado do Leão X (tem seu retrato pintado por Rafael). A Igreja Gótica. Sendo assim. Central e Sul. Vai aparecer também a ordem dos jesuítas em 1540 (Ignácio de Loyola). ela iria trazer de volta os fiéis. A igreja e o estilo Barroco vem junto para as Américas: do Norte. Os jesuítas se tornaram uma arma eficaz para a igreja católica conseguindo trazer muitos fiéis de volta. sua obridade e autoridade apelarando para um caráter afetivo e grandioso no estilo. podendo fazer parte do seu ser. mas nunca poderia ser sua. No Brasil só existe o estilo Barroco. o dourado. Tinham muita disciplina e conseguiram trazer os hereges de volta. fez parte do classicismo. Nunca poderíamos ter uma catedral gótica porque em 1100 o Brasil não tinha nem sido descoberto. A arte Barroca é afetiva e grandiosa. escadas (subidas e descidas). um grupo de homens piedosos (católicos) fundaram a congregação do oratório que iam purificar a igreja. Esses homens é que vão se converter mais tarde e fazer a inquisição. escuro). com suas fontes. que mostrar sua supremacia. Eles seguem uma disciplina muito rígida. A igreja tinha que se renovar. Uma obra Barroca é fantástica com seus contrastes de luz (claro. Esse movimento desenvolveu-se rapidamente e esses homens resolveram que era muito importante criar um novo estilo de pintura para trazer de volta os fiéis que tinham abandonado a igreja. Não é fria e nunca deixa você distante. porque aconteceu em 1400.O Barroco não é clássico. Ela é afetiva e puxa você para ela. O nome Barroco vem do nome Barrueco. Artistas mais importantes do Barroco: Caravaggio Rubens (tinha 150 ajudantes em sua oficina de arte) Rembrandt Velásquez Cannaletto Jeorges de La Tour (pintor francês que usava muito a vela como recurso do claro-escuro) Jean Vermeer (holandês) Van Dick Vateaux Reinolds (inglês) Thomás Garburn (inglês) Goya (teve uma fase Barrôca). como a Notre Dame de Paris. é muito grandiosa. Isso acontece em Roma. mas é muito ambíguo. grandioso e envolvente.começa acadêmico. Quando se entra em uma igreja Barroca você sente aquela sensação intimista. Renascentista também não. 58 . pois inquisição já existia. ela tem muito coisa próxima a você.

jardim pavilhão de caça. de Roma. Ele subiu ao trono em 1643 bem criança e só começou a reinar em 1660. Na época do Henrique IV. Veneza também foi um grande local de arte Barroca. A época de Luís XIV é fantástica onde aparecerão apenas 2 grandes pintores: Nicolas Poussin Claude Lorrain Nessa época a vida era totalmente subordinada ao fausto e a majestade dele. Ele sempre dizia "o poder sou eu". Vai ser muito fiel à sociedade de sua época pintando os carnavais. os quais foram incapazes de manter a unidade do país (França). para depois trazer a capital da França de Paris para Versailles. Outro projeto que também não deu certo foi o do Louvre e suas modificações.Temos uma ligação muito forte com o Barroco de Lisboa. Aleijadinho é o maior artista barroco mineiro. ou ainda . o Deus sou Eu". A arte vai então tender para o espetáculo. Ficou muito conhecido pelos turistas que queriam levar retratos de Veneza. Vai pintar o Palácio dos Dodges. BARROCO NA FRANÇA O Barroco foi um movimento muito forte na época de Luís XIV. embora ela seja Barroca. O Barroco é a busca da fé pela emoção dos sentidos. É em Minas Gerais que ocorre o Barroco mais forte no Brasil. morrendo em 1715. vai ter todos esses significados e mais a emoção do Barroco. reorganizou a França e deixou as Bases do Poder Absolutista para Luís XIV. os espetáculos. a arquitetura francesa era muito pobre. Luís XIV ficou conhecido no mundo inteiro até hoje através de Versailles. Barroco na França está muito ligado a ARISTOCRACIA. sobriedade e reserva. Ele era muito forte "O estado sou Eu. Sóbria é uma obra clássica. O século XVII vai conhecer o seu apogeu com o Luís XIV. ou para obras influenciadas pela antigüidade. Mandou fazer um palácio. Fazem pintura na abóbada da igreja como se ela fosse aberta para o céu (Tromp’Oleil). Ele era totalmente absolutista. A época clássica da arte francesa é a época de Luís XIV. e na Itália está ligado a IGREJA. Um dos principais pintores Barrocos de Veneza foi Canaletto que nasceu em 1697 e morreu em 1768. Ele modelou a civilização francesa à sua imagem. para ir a Paris e fazer o projeto do palácio que não deu certo. etc. Ele se torna um pouco cansativo por pintar muito os canais de Veneza. Em 1599 Henrique II teve 3 filhos. o grande canal e toda a panorâmica de Veneza. O objetivo essencial da arte é provocar o fervor das multidões. 59 . Daí com a chegada de Henrique IV. ele terminou com as lutas. Escolheu um lugar. Existia uma concentração de poder muito grande com Luís XIV. tanto que seu nome ficou conhecido como Canaletto. escultores e pintores do século XVIII. A Igreja foi o primeiro cliente dos arquitetos. A arquitetura era feita de tijolos e pedras. bem quadradinhas com o telhado em forma de ponta. Ao se aplicar o termo "clássico" ao estilo Luís XIV. O termo "clássico" é usado para obras que suportam a passagem do tempo. Como eles não tinham distração procuravam fazer espetáculos através do estilo barroco. Chamou o arquiteto Bernini. As casas são só de tijolinhos.

tinham que aceitar o que ele determinava. houve uma peste onde morreu muita gente. Começam os desfiles de moda na França. eles passam também a usá-las em Versailles. No grande salão. Como na ópera as perucas eram prateadas. As estátuas do lado de fora do palácio são imitações da antigüidade. Existia uma escala onde as pessoas tomavam banho de 6 em 6 meses. A mulher vai ser muito importante e muito fútil. Não surge nenhum grande escultor. espartilhos. os que estavam próximos à ele. Não tinha banheiro. Luís XIV deixou que o desfile acontecesse. A comida era muito importante e feita como se fosse uma arte. fingindo não tomar conhecimento. Os desfiles passam a ser importantes. Um pouco antes na época de Henrique IV. Resolve depois receber só para os almoços aos domingos. Não vai ter grandes pintores. No Barroco vai aparecer a lavanda. A peruca surge na Ópera em Paris. Obs.A planta inteira de Versailles se concentra no quarto dele. Surge também o perfume. os espelhos são importantes nessa época sendo usados nas casas no mundo inteiro. Queria que todos esperassem ele passar quando fosse para a igreja com a família. A galeria dos espelhos e os belíssimos jardins assumem grande importância. não tinha faca. Foi um acontecimento muito para frente. Tudo é imitação de Roma e Grécia. sapatos. Vai surgir o servir à francesa. e ditava o menu para a semana toda. Eles usavam pó de arroz por todo o corpo para ficar bem brancos. como se o seio fosse pular para fora do decote. menu. na tapeçaria. A aristocracia. Depois os desfiles de perucas (vindos de Paris). brancas e douradas. Vão aparecer festas de “Petit Comittee” em Versailles. 60 . de vanguarda. Eles trocavam muito de roupa. Os nobres desfilavam com essas toalhas ostentadas sobre os ombros. o rei e a rainha iam para o mato e se limpavam com toalhinhas que eram vendidas para a corte. Só se comia o que ele gostava. vão receber os grandes convidados de Luís XIV.000 pessoas. o guardanapo. calças. Eles acharam que foi devido a água resultando um medo grande até hoje e consequentemente ao banho também. no imobiliário. Antes do Barroco. Versailles começa a ditar a moda. E à noite isso era retirado com esponja úmida. O "se mostrar". Quanto mais suja a toalha mais cara era. Todos tinham que acordar e deitar quando ele queria. todos queriam ter um “Versailles”. Surge a langerie da mulher. Foi feito um desfile de espartilho na corte. sendo importante por causa do problema do banho. Os decotes eram generosos e a lingerie levantava o busto. A arte vai se desenvolver na arquitetura. as pessoas comiam com as mãos. o que foi considerado um escândalo na época. A mulher na época do Rei Luís XIV e Luís XV vai ser muito delicada e requintada. Não tem nenhuma criatividade. O Filme "Ligações perigosas" mostra esses rituais. Os escravos passavam uma esponja úmida no corpo deles à noite. Como não havia banheiro. Foram morar em Versailles com 11. Todos queriam espelhos pela casa como os de Versailles. as rendas nas roupas.

O pensamento ou conteúdo é poético. O Barroco vai desde o século XVI. É uma arte que engloba outra série de estilos. As mulheres tinham um hábito de se pintar que era quase uma paixão. e o rosto branco (o carmim que era o rouge). inclusive a Holanda. namorado (eles não tinham o que fazer). O sujeito é subjetivo. irregular. Ter um quadro nu em casa também era muito importante para ser contemplado. Tanto os móveis como a tapeçaria são assimétricas. O nu passou a ser visto também no gobelain. Tem que ter emoção e sensação. conforme estudo feito em “Estética da Arte”. Na Arte Barroca existe muita liberdade com muitas curvas e diagonais. Com a revolta de Lutero. Foi na Espanha a época em que conquistaram quase o mundo todo. usava formas lineares. A mulher com 25 anos já era considerada madura. Tinha conteúdo espiritual. Foi uma época licenciosa. Até a libertinagem deles era galante. Para organizar o poder realizou-se a contra-reforma. Rococó é o excesso do Barroco. Todo mundo aprendia a bordar. denso. a igreja católica teve que rever suas atitudes com o Conselho de Trento. nunca simétricas (uma forma de identificar o estilo Barroco). Vão usar incrustações de todas as espécies nos móveis de madeira como laca. Era como se fosse um "Spa" para engordar. Era violenta a troca de marido. Não apareciam nunca para ninguém sem estarem pintados. no auge do Renascimento. madrepérolas. O ideal de peso para a mulher era 75 quilos. que vai ser também muito importante nessa época. nas porcelanas e antecamas. Ninguém aparecia sem pintar os lábios. nunca ordinária. com a figura centralizada. a ordem dos Jesuítas em 1534 com Ignácio de Loyola. Vão acontecer muitos espetáculos com máscaras. O Rococó na Europa é o Barroco no Brasil. BARRUECO= vem do espanhol que significa uma pérola com reentrâncias. BAROS= vem do grego e significa pesado. nunca vulgar. Antes dessa idade elas tinham que ser muito magras. Muito requinte. O ideal de beleza da época era moça gorda a partir dos 25 anos. Ex. e chega ao seu apogeu no século XVII finalizando no século XVIII com o nome de Rococó.: Colocavam uma música de fundo e pessoas imitando um quadro de Velásquez ou Rembrandt. Vão fazer muito "quadro vivo". na reforma protestante. Isso refletiu na arte onde irão pintar muito o “nu”. Quando ela encontrava um pretendente. braços e pernas enroscados. Foi tornando-se extremamente 61 . Ela tinha que ter muito leite. Sempre homens e mulheres com seios descobertos. Fizeram muitas tapeçarias lindíssimas. e até porcelanas para enfeitar os móveis. O pensamento na época era científico e objetivo. A Arte Clássica que é anterior ao Renascimento. fazia um regime de engorda. Por sua vez a Holanda cresceu tanto que as perspectivas econômicas eram grandes. Vão pintar muita porcelana. peças de teatro de amadores (em Versailles). São extravagantes. O homem queria sentir a "carne" da mulher. rígidas e bem definidas. Os espanhóis depois perderam muito. vestidos e sem peruca. E para isso precisavam de lacaios para ajudar (de 6 a 8). Houve um naufrágio daquela invencível armada.Tinham liberdade muito grande.

burguesa. A França, Áustria e Alemanha vão se tornar totalmente absolutistas. A ostentação toma conta da Europa. A França será o auge da ostentação com Luís XIV (rei-sol). Essa época vai ser marcada por sua dramaticidade e tragédia. A Igreja Católica irá dividir tudo entre o céu e o inferno. Nessa época vai haver muito medo do inferno. Eles chamam o homem para o igreja (o lado bom, o céu) através da arte espetaculosa, trágica, da emoção, sensação. Como naquela época não existia a mídia, essa era a sua forma de divulgação, o seu recurso. A própria arte trará de volta os hereges. Na Holanda, Bélgica e Espanha o Barroco vai atender muito bem os interesses da burguesia. PRINCIPAIS CARACTERÍSTICAS DO BARROCO: 1. Predomínio sempre do emocional sobre o racional.

2. Liberdade completa de criação no conteúdo, mais do que na forma. O artista se emancipa de qualquer regra ou padrão. 3. A inspiração é muitas vezes popular. Ex.: a representação da sagrada família é feita como se fosse uma família comum. É o oposto do renascimento onde a representação da santa é diferenciada, com raras exceções. 4. Dinamismo muito grande na composição com diagonal. verticais

5. A linha vertical vai dominar a linha horizontal. Vai haver muito mais linhas do que horizontais, além da diagonal. 6.

Existe uma fuga do geométrico. Nada é muito concentrado. Vai haver um entrelaçamento da arte, da escultura e arquitetura. Na Igreja barroca vai ter muita escultura na parte externa. No renascimento as Igrejas quase não apresentarão esculturas externas. 7. Valorização do entalhe na pedra e na madeira. As construções de altares e retábulos vão ser luxuosamente decorados com aplicações em ouro e muita policromia (muitas cores). Retábulo - é o que fica na frente do altar, feito de madeira toda trabalhada. É o que divide o altar do resto da igreja. Tripo-retábulo, abre e fecha para ser transportado. É para rezar. Como os escravos não podiam freqüentar a igreja, eles construíam o seus retábulos para rezar, transportando-o facilmente para suas casas. Os retábulos existem desde a época do bronze, com características diferentes. Volutas (origem grega). Quase todas as igrejas Barrocas tem volutas. . 62

8.

9.

A igreja Santa Maria Maggiore em Veneza tem 8 cúpulas ligadas a 8 grandes 10. Frontão. Existe também sempre um grande frontão ladeado por 2 torres.

volutas.

11. antes.

A pintura tem violentos contrastes de claro-escuro. Inovaram o espaço pictórico através do claro-escuro. Nunca ninguém fez isso em arte

12. Faziam tentativas de sugerir o infinito através de Tromp'Oleil (engana olho), com perspectiva e profundidade ilusórios. Tinha a função de aumentar ilusoriamente os espaços e conseguir o infinito. Os palácios pareciam imensos e redondos. Eles faziam pinturas nas quinas das paredes para dar a impressão de serem arredondadas. 13. Usavam muitas escadas, jogos de luz e muitas fontes. Tinham gosto pelo teatral. Era como se fosse um cenário.

O Barroco tem muito exagero, muito fausto, muita riqueza. Libera muita emoção na gente. O Barroco abraçou tantas ramificações artísticas que somente 200 anos atrás é que os historiadores chamaram esse acontecimento, no seu conjunto, de arte Barroca. Era uma mistura tão grande de estilo renascentista, egípcio, grego, etc, que ficou difícil definir na época o estilo Barroco. Temos os Barroco da Corte, das comunidades católicas e protestantes. O Barroco foi uma reforma na contra-reforma. Os países protestantes também a incorporaram por ter sido um movimento muito forte e bonito. O Barroco surgiu após a teoria de Copérnico que vai mudar para sempre o lugar do Homem no universo. A Terra, segundo Copérnico, é que se move ao redor do sol, não é mais o centro do universo. O Homem não é mais o único propósito da criação. O Barroco vai surgir nessa época com essa nova concepção, com novo sentimento de autorespeito, de orgulho. Isso tudo refletirá na arte ao saber que o Homem fazia parte de um mundo infinito, mostrando assim essas idéias através de luzes exageradas, impetuosas, em diagonal, como se realmente estivessem exprimindo o infinito. A História da arte mostra sempre o contexto do momento em que se está vivenciando. Ela abrange o campo científico, histórico, econômico e social. A época Barroca foi a de maior liberação do ver, do sentir e da intuição. A arte Barroca é a arte que passa a reconhecer que “A regra é apenas uma norma, jamais uma lei". Picasso séculos mais tarde disse: "Na arte não existe regra de beleza. Beleza é o que o instinto e o cérebro vai reconhecer como belo". 63

Fatos importantes que marcaram na época do Barroco A Inglaterra faz tratado de defesa com a Holanda em 1608 Em 1609- A Espanha reconhece a independência da Holanda. (A Espanha perde a Holanda). Em 1650- A Inglaterra importa chá da Índia, quebrando uma série de monopólios. Em 1656- começa a fabricação de meias (bem trabalhadas) em Paris. A Europa comprar meias só em Paris. Em 1626 a 1648- Acontece a guerra dos 30 anos que vai mudar muito a Europa. Em 1694- Estabelecimento do banco mais importante da Europa, o Banco da Inglaterra. Em 1675- surge o observatório de Greenwitch. Em 1678- vai ser reconhecido na França a profissão de cozinheiro-mor (tão importante como advogado). Depois cai a lei e retorna só em 1900. O cozinheiromor e confeiteiro-mor trabalham para o rei. Em 1679, na Inglaterra é criada a lei "ABIAS CORPUS" . BARROCO EM FLANDRES (Bélgica e Antuérpia) Pintura Flamenga é uma pintura de Flandres, jamais Espanhola. Na Bélgica se fala flamengo e francês. A pintura de Flandres vai ser muito importante no início do século XVII. O sul dos países baixos (Bélgica) continuava sobre o domínio Espanhol. É por esse fato que se usou o nome Flamengo, devido ao domínio espanhol que existia lá. Era o território mais rico dos espanhóis e que por ser espanhol continuava no seio da igreja católica. A pintura vai ser sobre a religião católica. A Aristocracia e a Igreja patrocinaram muito as artes e contribuíram muito para o surgimento do estilo Flamengo. Flandres recebeu muito bem o Barroco na pintura, menos na arquitetura. Os Flamengos viam no Barroco um pretexto para os ornamentos. Sendo assim, os edifícios na praça principal de Bruxelas é gótica na arquitetura, estrutura. Os ornamentos e a decoração externa é 64 passa a

Barroca. Para não demolir a estrutura, eles a deixavam por trás e enfeitavam com dourados e volutas na frente. As casas da Holanda também tem estrutura gótica e barroco nos ornamentos da frente. A arquitetura belga e holandesa é gótica e a decoração tanto externa como interna Barroca. BARROCO NA HOLANDA As províncias do norte dos países Baixos (Holanda), também tinham pintura Flamenga. Eram os países pobres da escola Flamenga. No século XVII os Holandeses eram protestantes quase não vai aparecendo pintura religiosa. É uma enorme mudança que ocorre na História da Arte. Rembrandt, por exemplo, sempre teve sua inspiração nas escrituras. Só que os temas que escolhia eram baseados no que ele via. Ele tinha que colocar o contexto das escrituras mas sempre no que ele via. O tema vai ter liberdade total. Vai pintar sobre as pessoas que convive no dia a dia. Caravaggio vai usar o "santo" enquanto que Rembrandt vai usar o homem do povo. Os Holandeses guerrearam contra a Espanha para não aceitar o catolicismo. Eles venceram e permaneceram protestantes. Eles tanto lutaram que ilustraram mais sobre essas guerras, combates do que a fé protestante. O tema da pintura Holandesa portanto será sobre essa guerra que participaram. Vermeer pintou muito também sobre a realidade do cotidiano. Jamais veremos uma pintura Holandesa com cenas mitológicas, cenas históricas ou abstratas (liberdade, fé). As pinturas de Rubens sobre a religião católica, idéias abstratas sobre a fé e liberdade, só foram feitas sob encomenda. O Holandês não vai pintar nada mitológico. Pintavam retratos das pessoas e tudo o que fazia parte da vida daquela pessoa na obra. Os burgueses viviam em casas confortáveis mas bem menores que as nossas. Não gostavam de viver em palácios. É por isso que não se encontra muitos palácios na Holanda. Não eram faustosos e a obra de arte tinha que ser pequena para caber nas casas em que viviam. Eram portanto pinturas pequenas que retratavam o cotidiano da época. A Holanda era um país próspero, o povo era muito trabalhador e tinha uma imensa indústria leiteira que abastecia toda a Europa. Sabiam construir muito bem barcos os quais eram vendidos e utilizados para navegar por todo o mundo. Tinham também monopólio do comércio das especiarias. Essas especiarias é que conservavam os gêneros alimentícios. Quando os navios faziam longas viagens a carne era conservada através desses condimentos. Era considerado fino ter um boi em casa conservado por condimentos. Rembrandt tem uma obra que mostra uma moça abrindo a porta e olhando para o boi pendurado. RESUMO: . Barroco na França - faustoso . Barroco na Itália - ligado ao catolicismo 65

A Praça Maior em Salamanca.Roma. na arte de Fídeas. na fachada tem frontões. é de 1630. frisos. Praça de São Pedro e colunatas em frente a Basílica . árvores em diagonal. Igreja de São Carlos das 4 pontes . Igreja de Santa Maria da Saúde em Veneza. Holanda A grande praça em Bruxelas tem estrutura gótica e a decoração barroca. na Itália. arcos. escultor e arquiteto grego da época clássica.. Petit Trianon. Obs. Capela dos inválidos em Paris .: A parte central da fachada nas Igrejas barrocas são sempre mais ricas que as laterais. Igreja de São Lourenço em Turim. Espanha Palácio Real de Madrid é interno e externamente barroco. Igreja de Santo André do Quirinau em Roma .Construídos entre 1656 a 1665. Roma. Palácio principal de Viena. próximo de Viena.Em 1645. com suas fontes. Igreja de Santo Inácio . em Milão. sua construção começou em 1717 e terminou em 1737.na Bélgica (chamada de Veneza do Norte). A primeira igreja católica barroca foi construída em Roma e recebeu o nome "Il Gesú". Brujes. colunas.planta de Borromini em 1667 . É barroco mais tardio. Tem reentrâncias e muita forma côncavo-convexo.de 1680. Igreja de São Carlos Borromeu em Viena. na Espanha. Obs. A galeria dos espelhos e o imenso pátio com esculturas que não eram famosas. escadarias. volutas. Monastério de Melk. Antigo colégio dos Jesuítas. Amsterdã também é igual.: A arte Barroca Francesa é muito inspirada no classicismo. Igreja de 4 andares. França Versailles.Igreja "Il Gesú" construída entre 1568 até 1577. Parece dourada. repleta de ouro. PRINCIPAIS OBRAS ARQUITETÔNICAS DO ESTILO BARROCO NA EUROPA E NA AMÉRICA: Itália Roma . Áustria. na praça do Mercado as casas tem frontões pontiagudos. volutas. Palácio de Brera.: A catedral de Milão é gótica e não barroca e a catedral de São Pedro é da época do renascimento. à beira do Danúbio. 66 . frontão grego. Obs. Vão ter colunas. lagos. É cenográfica com sua ampla escadaria na frente. portais ricamente esculpidos no estilo barroco. construído em 1668. inclusive a decoração é quase Rococó.construída por Bernini.

BRASIL: Igreja de São Francisco de Salvador Ordem Terceira de Salvador Catedral de Belém Igreja do Rosário. Igreja de São Domingos no México. no Rio de Janeiro MICHELÂNGELO DE CARAVAGGIO Nasceu em Milão no ano de 1573 e morreu em 1610. apesar do seu estilo barroco. É hoje considerado pela "estética da arte" como pintor naturalista. em Recife Igreja Nossa Senhora das Neves. com sífilis.Portugal Santuário de Bom Jesus de Monte Braga. Brigou com padres e bispos se indispondo com a igreja católica. 67 . É chamado pintor naturalista do estilo barroco. Após seu falecimento. trabalhadores braçais. Ele cobrava seus quadros muito caro e gastava fácil o dinheiro com presentes. Ex. Tinha um temperamento muito impetuoso e mulherengo. Ficou muito pobre e muito doente. No século XVIII Caravaggio "saiu de moda". em Olinda Convento e Igreja de Santo Antônio. Era pintado de forma muito real. Igreja da Companhia de Jesus em Cusco. Não soube quem era seu pai. porque pintava o natural e não o idealizado. achavam que sua pintura era estranha e a sua fama só voltou no século XIX quando foi considerado um dos maiores pintores Barrocos. Queria pintar a realidade tal como ele a via. mulheres e bebidas. Caravaggio praticamente fechou o ciclo dos pintores italianos não aparecendo depois nenhum outro pintor importante. em João Pessoa Igreja e Mosteiro de São Bento. Pintou muitas encomendas religiosas de uma forma nada convencional para a época.: os apóstolos eram representados como trabalhadores comuns (o que eles realmente eram). México Catedral do México City. Estudou muito sobre a Bíblia. em Vitória Igreja da Ordem Terceira do Carmo. Caravaggio foi muito briguento. Não tinha o menor respeito pela beleza idealizada pois ela tinha que ser verdadeira. Era como se os eventos sagrados acontecessem naquele momento.

Pintou muito e prosperou bastante. etc. Era um homem iluminado. Cada um era encarregado de uma especialidade na pintura como. Ganhou muito dinheiro. cabelos. maltratada. ele se pintava como se tivesse somente 30 anos. na universidade de Leyden. não tendo nada de misticismo. muito bonitas e cheias de vitalidade. Durante sua vida artística sempre retratou a si mesmo por diversas vezes em várias épocas de sua vida. Volta à Antuérpia com 30 anos. Era arqueólogo. Aprendeu logo a pintar e aos 23 anos em 1600 foi para Roma (paraíso dos pintores) onde ficou estudando por 8 anos. Com isso ele teve milhões de obras. decorativa e teatral. REMBRANDT VAN RIJN (1606-1669) Nasceu na cidade de Leyden (cidade das tulipas e da porcelana azul e branca). Teve fama em vida como nenhum pintor já tivera. Tinha muita facilidade com cores e com isso vai pintar muito bem o "nu". Era como se fosse um cônsul belga. onde só formava pintores. etc.PETER PAUL RUBENS (1577/1640). Foi morar em Amsterdã. Foi um homem muito feliz deixando também feliz todos os que viviam ao seu redor. Rubens casou-se 2 vezes. Não fez nenhuma mulher magra. mas não tinha tempo para se dedicar. Morreu rico. Pintava o que era faustoso. Tudo o que pintava era com perfeição. Sua pintura era bem vigorosa. Fazia amizade com todos. não muito cedo. No primeiro casamento sua esposa morreu quando ele tinha 52 anos. na Holanda. Bélgica. saúde e força. As suas telas são cheias de vitalidade e reais. como ele mesmo dizia. Era especialista em fazer o tom de pele (carnação) que parecia verdadeira. Era muito intelectual e mantinha correspondência em latim com todos os intelectuais da Europa. roupagem. Todos os quadros que ele pintou retratando os dois. sensual. e passava isso para sua pintura. Rubens pintava os palácios e as igrejas. Começou a pintar. Classe média bem situada. Foi considerado o maior pintor holandês. Tinha mais encomenda do que podia dar conta. Sofreu influência no começo de sua carreira do pintor Michelângelo de Caravaggio. Nasceu na Antuérpia. Foi quase um diplomata. No segundo casamento sua esposa tinha somente 16 anos e foi uma paixão que durou até a sua morte. jóias. Ele não fazia anotações como Leonardo da Vinci e nem era diplomata como Rubens. Foi o protótipo do pintor barroco. Chegou a colecionar obras de arte e até antigüidades. Fazia as mulheres bem arredondadas. O rei da Inglaterra deu a ele o grau de cavalheiro "SIR". É um dos maiores pintores da história da arte. ainda em vida. Era muito mais sensual do que místico. No Louvre ele tem uma sala só com seus quadros. com uma alegria muito grande de viver. recebendo um belo dote. Abriu uma oficina de arte com 200 auxiliares. roupas. porisso ficava atualizado com as descobertas através das correspondências. jóias. Comprou uma belíssima casa. Ele fazia o desenho e depois terminava o quadro pintando o rosto e as mãos dando uma unidade geral da obra. Era uma arte que estimulava a pompa e o esplendor dos palácios barrocos. 68 . Era um homem interessante e se relacionava muito bem com os católicos e com os protestantes. Casou-se com uma jovem muito rica e feia.

mais condizente com o puritanismo protestante ou com a mentalidade burguesa. o que causa muita polêmica hoje em dia em seus quadros. É por isso que encontramos hoje muitos quadros que não são realmente de Rembrandt. Naquela época ele tinha muitos ajudantes para pintar suas obras. Pintou cenas de batalhas e voluntários da guerra. Rembrandt pintou muito retrato de grupo de pessoas. por exemplo o ocre ou o marrom. É um meio de propagação e ação. Vermeer teve pouquíssimas obras e não se sabe nada sobre sua vida. Os personagens tinham importância de acordo com a luz. Sistema de pintura de Rembrandt: Colocava primeiro todos os ocres. Sua popularidade como pintor cai após a sua obra "Ronda da Noite". começa a namorar uma moça mais pobre ainda. É estabelecer o conjunto de obras autênticas dos artistas. Rembrandt tinha muitos alunos talentosos. Apareceram 600 obras de Rembrandt. a dor. Deixa de pintar para vender pincéis. A tinta à óleo utilizada era bem mais oleosa do que a de hoje. Existe muito Rembrandt falsificado como o do MASP e o do Metropolitan. Buscou a ordem no interior. Fica tão pobre e doente que vai parar em um asilo. Ele pinta seus auto-retratos como se fosse um ser humano bem real. Não importava em saber quais os personagens que iriam ficar no escuro. Foi descoberto 15 anos atrás que muitas obras de Ticciano e Raphael eram de seus alunos.: Ticciano e Raphael também assinavam as obras de seus alunos. No final do trabalho ele integrava as cores e as pinceladas. As vezes ele assinava o quadro de seus alunos para que fosse vendido mais facilmente. O projeto de pesquisa Rembrandt chama-se PPR. Ele retrata a essência da pessoa. tem o Vermeer na Holanda um companheiro. no rigor de suas linhas retas. Isso determinava aquela luminosidade. Na realidade seria muita obra pelo seu tempo de vida. o sofrimento. Barroco Protestante: Poussin. Cada aluno só pintava com uma cor. Em 1982 foi publicado o primeiro volume sobre as obras de Rembrandt e se refere as obras do período de 1625 a 1631. Não vai idealizar. depois os marrons. Os seus alunos pintavam igual à ele. além dos seus alunos que pintavam como ele. muito limpo e arrumado. etc. Lembrete: Barroco Católico: A pintura torna-se instrumento para a Igreja. o calor humano. Naquela época todos pintavam igual ao mestre e hoje o objetivo é cada um ter que encontrar seu caminho na pintura. Todos esses artistas constituíram no Barroco uma tendência construtiva. Já tem o volumes 2.Em 1642 morre sua esposa e fica viúvo com muito dinheiro. 69 . É uma história de persuasão para “ganhar o paraíso ou padecer no inferno”. Foi um péssimo administrador e acabou logo com sua fortuna. os amarelos. Ele fazia o desenho antes e marcava onde ia ter os pontos de luz. tintas. Perdendo o mercado e ficando pobre. Obs. Vai pintar os olhos penetrantes e fundos e utiliza muito os tons de sépia.

que não as religiosas. Barroco no Campo: Vai ter outras expressões. O barroco protestante é bem mais contido. Ele vai surgir no auge do Renascimento. na França. Entre esses artistas. Roma. quartos. Os historiadores achavam que o Renascimento por ser organizado. porque vai ter muita ligação com Roma e Grécia. Capela de Iporanga. Na arquitetura predominava o maneirismo. (As missões) dos Jesuítas. Nossa Senhora do Rosário. em São Roque (séc. O mesmo se dava em São Paulo. Barroco Clássico: É quando o Barroco mistura as artes da Grécia. na Itália (Florença). gênio da musicalidade da luz. Capela da Fazenda de Santo Antônio.A existência de tal grupo de artistas levou a reconsideração de toda uma linha interpretativa no Barroco. Depois ele vai chegar ao excesso sendo chamado de "ROCOCÓ". Vão retratar a arquitetura do campo. sem excessos e perfeito. lojas. Vão retratar cozinhas. com efeito. mas de harmonia nos contrastes. século XVIII. Gente sedentária de pouca iniciativa. Passou-se a considerar a existência de um barroco protestante e em seu aspecto genérico formal. Esse sim. destaca-se Vermeer. Egito. XVII). Matriz de Santana do Parnaíba. incentivado pelo espirito bandeirístico. Matriz de São Miguel.: O Museu do Louvre é em parte barroco com suas colunas gregas. em São Paulo. Obs. não de tensão nos contrastes. OBRAS BARROCAS BRASILEIRAS: Algumas ruínas na igreja de São Miguel. Barroco no Sul do Brasil: Com o ouro e a prata. ao genes social do estilo. tavernas. é chamado pelos historiadores de "BARROCO CLÁSSICO". 70 . Vai ter uma conotação muito forte principalmente na arquitetura que vai ser muito clássica. em Embú. em São Paulo. traria seu sentido. Descobre o retrato dos camponeses e de suas vidas íntimas. O nomadismo. bem mais sensual (como o de Vermeer) e bem mais contemplado. o povoamento se concentrou em Curitiba (Paranaguá). É assim chamado de barroco clássico. em São Paulo. no tocante. de um classicismo dentro do próprio barroco. não proporcionou possibilidades de atividades artísticas. O BARROCO. era melhor que o Barroco.

Roma não vai ter Rococó nem em igrejas e nem em lugares públicos. São burgueses e muito práticos. Foi mal restaurada. Toda igreja gótica tem contraforte e arco botante. em São Paulo. O arco botante e contra forte utilizados nas igrejas barrocas não são para dar auxílio a arquitetura. em adornos. Áustria e Alemanha vão estilo Rococó na parte interna das casas. Igreja de São Vicente. Versailles é de estilo Rococó por dentro e tem por fora uma arquitetura clássica barroca. Não existe a pintura Rococó porque este estilo só vai aparecer na decoração e no interior das casas. em São Paulo. na arte decorativa dos mobiliários e tapeçarias. (Ler o livro "O tempo e o vento" de Érico Veríssimo. Galpões das fazendas também são do estilo barroco. “clean”. O Flamejante surge no final do barroco em Roma. Estilo colonial significa que vem das colônias portuguesas. 71 . é uma versão muito mal interpretada do estilo barroco. Só vai acontecer em Roma. com raras exceções. Pátio do Colégio. que vai relatar sobre as Missiones). em Itanhaém. em São Paulo. de 1554. O ROCOCÓ só vai ocorrer na França. Igreja de Embú. um pouco antes do Rococó. Na Áustria e na Alemanha não chegou a ter o barroco clássico. porque é limpo. Eles queriam enfeitar mais ainda as igrejas (as últimas que foram construídas) se inspirando muito no gótico. Ruínas da igreja "Missiones". Obs.: Colonial e Barroco é a mesma coisa. Parati é toda barroca. Países Baixos não usam Rococó. mas sim para decorar.Município de Santo Ângelo no Rio Grande do Sul. O móvel colonial aveludado. Barroco Flamejante: O auge do Flamejante é no Gótico. Igreja de São Francisco. Moram em casas pequenas. Igreja de Nossa Senhora.

O telhado dessa igreja é côncava e convexa. Nos quatro cantos tem muita escultura de anjos e atrás tem um vitral iluminado. bonitão. 72 . Quem trabalhou na cúpula foi Michelângelo. Tem no centro um obelisco egípcio e muitas luzes. “Santa Teresa” foi uma grande santa na época da contra-reforma. Borromini e Bernini eram amigos e confidentes. sozinho. Bernini e Borromini são o auge da escultura e arquitetura barroca em Roma. Bernini também fez a escultura de David sem o “Golias” de forma tão perfeita que você percebe a falta dele. BORROMINI Era o oposto de Bernini. que é renascentista e barroca. Outra obra: Piazza Navona com uma fonte maravilhosa. Todas as construções em Roma eram feitas eles. também de estilo barroco. mulherengo. Quieto. A decoração é barroca. Obra prima de Bernini: Capela Carnaro onde está o "Êxtase de Santa Teresa". na Igreja de Santa Maria de La Vitória. Não interfere com o resto. falante e conquistava a todos. O barroco deixa a obra em aberto para que você a conclua.DOIS ARQUITETOS MUITO IMPORTANTES DA ITÁLIA: BERNINI (1598-1680) Foi o maior arquiteto e escultor do seu tempo. em Roma. Já o David de Bernini é humano. São 4 colunas Salomônicas de Bronze. fechado. impávido. Trabalhou muito na Basílica de São Pedro. como se fosse de borracha. Borromini depressivo foi distanciando-se de Bernini. É muito diferente do David de Michelângelo. Grande projeto de Borromini: Igreja de São Carlos (com 4 fontes). É plasticamente perfeito. Nesta mesma praça se encontra a Embaixada Brasileira. charmoso. É uma arquitetura fantástica e difícil para ser executada com a tecnologia da época. Embaixo do tabernáculo se encontra o Túmulo de São Pedro. Não tinham ciúmes um do outro. pois a obra é perfeita e não tem o que terminar. Tem arcabouço e cúpula renascentistas. Emocionalmente instável o que o levou ao suicídio. Bernini era um homem simpático. mal-humorado. muito reservado. Como essa igreja demorou muito para ser construída ela passou por diversos artistas em diferentes épocas. em Roma. Bernini fez o Tabernáculo que se encontra no fundo da Basílica de São Pedro. É uma obra em aberto. Borromini fica tão deprimido que acaba suicidando-se. o rei dos reis. No renascimento não existe essa abertura.

PINTORES BARROCOS JAN VERMEER VAN DELT (1632 a 1675) Nasceu no Delta. Morreu cedo aos 43 anos. Não pintou muitos quadros, mas o que pintou foi considerado obra-prima. Pintou figuras bem simples com tarefas singelas como: limpar, tocar, varrer, olhar. Mulheres em seus afazeres domésticos e sempre no interior das casas holandesas. Consegue o milagre de transformar essas cenas através de texturas, cores e formas, como se fossem velhos retratos. Ele suaviza os contornos, dá muita luz e serenidade nas suas obras. Dá muito Recollection. Pinta o que ele vê. Não se sabe sobre a vida do Vermeer os livros não chegaram à um consenso. Usavam óleo e têmpera no Barroco. DIEGO RODRIGUES DA SILVA Y VELÁSQUEZ Sofreu grande influência do Caravaggio. Quando ele tinha 20 anos pintou sua famosa tela "O Aguadeiro de Sevilla". Perceberam daí que ele era um gênio por ser tão jovem e pintar tão bem. Fica muito amigo de Rubens que percebe o seu talento sugere a ele então que vá estudar em Roma. Visitou os museus de pintura em Roma para estudar os grandes mestres. Foi ver o que Michelângelo e Raphael tinham feito. Descobre que não tem muito o que aprender lá. Em 1630 passou 1 ano em Roma e voltou logo à Madri. Em Madri é nomeado pintor da Corte de Felipe IV. Vai ficar em Madri até o fim de sua vida. Sua tarefa era pintar os membros da corte de Felipe IV cuja família era muito feia e se vestiam muito mal. Eram considerados "cafonas". Ele transforma esses retratos em pinturas fascinantes, captando até a personalidade das pessoas retratadas. Vai empregar muita luz em seus quadros. Sua pintura tem um realismo visual muito diferente da pintura do Renascimento. Realismo visual é a impressão geral de um objeto e não só de um detalhe. Ex.: Com uma só pincelada dava a impressão dos pelos de um cão. Vai ser o gurú dos impressionistas mais tarde. Sua pintura tem pinceladas bem largas e soltas. Seu quadro mais famoso é "As Meninas", o qual se encontra no Museu do Prado. Ele consegue retratar o momento real do tempo muito antes de inventarem a máquina fotográfica. Essa obra “As Meninas” será muito ambígua. Você não sabe se Velásquez está pintando o Rei e a Rainha ou se está pintando as meninas. Ele deixa essa dúvida de propósito. O termo "As Meninas" era usado para se referir as damas de honra na época. Esse título foi dado pelos historiadores. Após sua morte foi pintado, no peito de seu retrato, uma condecoração em sua homenagem. JORGES DE LA TOUR (1593-1652) É um pintor francês. Mestre dos efeitos luminosos. Sua pintura é muito original. Vai usar muito claro-escuro utilizando-se do efeito da vela, pintando muito rápido. Vai passar a narrativa suave do caráter transitório. Muita ternura e intimidade. Muito recollection. 73

FRANCISCO GOYA (1746-1828) Nasceu em Saragosa, na Espanha Um dos grandes pintores de todos os tempos. Obs.: A Espanha é riquíssima por pintores famosos: Ex.: Velásquez, Murilo, Goya, Dali, Picasso, Miró. Aos 13 anos foi estudar com um pintor que se chamava Don Lusar. Ele não gostava de pintar, desenhar ou fazer tintas. Decidiu participar mais das touradas não deixando a pintura. Mais tarde tentou entrar na Academia de Artes em Madri não passando nos exames. O pai fica arrasado. Tenta novamente três anos mais tarde e novamente fracassa. Arrasado e frustrado, resolve ser toureiro. Recebeu uma chifrada no joelho ficando manco por muito tempo o que impedia essa atividade. Resolveu ser pintor na Itália. Lá, passeando num campo, em frente a um convento, vai conhecer 2 freiras e se apaixona por uma delas. Vão se corresponder por carta até que resolve raptá-la. A freira amarrou um monte de lençóis e jogou por cima do muro para que ele pudesse subir. Como ele estava manco e bateu com o joelho no muro, Goya cai ao chão machucando muito a cabeça. Depois dessa tragédia toda o romance acaba por aí. Vai para a cidade de Parma, na Itália, conseguindo entrar na Academia Real da Itália. Começa a pintar já com uma certa idade. Vende muito bem as suas obras. Escreve para seu pai comunicando que estava pintando muito e ganhando dinheiro. O pai pede que ele retorne a Saragosa. Lá em Saragosa vai ter muitas encomendas como pintor. Vai à Madri onde receberá uma encomenda muito grande de pintar uma série de canvas (cartões desenhados para que as pessoas pudessem depois bordar). Era quase que industrializado, Vai pintar o povo, os jovens que eram chamados de najas (ricos da época) e que mudariam muito o comportamento social da época. Esses najas vão ditar muito a moda na época. Em 1780 ele foi eleito por unanimidade Membro da Academia de Arte de Madri (que o havia rejeitado 2 vezes). Casa-se com Josefa e começa a ter uma vida de luxo e de riqueza. Compra um cabriolé (seria um carro conversível hoje) para sua esposa desfilar. Vai comprar também muitas jóias e ações para o futuro. Tem um filho chamado Francisco Xavier Pedro. Vai ser nomeado mais tarde Pintor da Corte do Rei (título máximo). O rei da época era Carlos IV. Goya vai ter uma doença infecciosa ficando à beira da morte. Nessa época não existia a penicilina. Consegue sobreviver mas fica surdo para o resto de sua vida. Essa surdez torna-o visualmente mais agudo. Vai pintar também a Corte Espanhola. Será uma releitura de Velásquez, pintando sem compaixão toda a família do rei. A rainha parecia um abutre, as condecorações dos condecorados eram como se fossem teias de aranhas. Toda a Corte tinha olhos lacrimejantes e boca murcha. Mesmo assim eles vão adorar porque vai ter muito luxo nas roupas, muita esmeralda, muito veludo, enfim, muita suntuosidade. Eles só se importavam com o luxo. Góya acaba recebendo muitas encomendas e ganhando muito dinheiro.

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MÚSICA BARROCA:
Apareceram muitos instrumentos novos na época do barroco o que fez com que a música ficasse muito mais rica. Apareceram os conjuntos de Câmara e a Ópera que conhecemos hoje. O conjunto de Câmara tinha a mesma função que um aparelho de som tem nos dias de hoje. O instrumento mais importante que vai surgir é o violino e é com ele que vai se enriquecer a partitura. Antônio VIVALDI teve um gênero inovador, além de ter sido excelente compositor e muito habilidoso para tocar. Suas obras mais conhecidas são: Ex.: As quatro estações de Vivaldi Concerto La Stravaganzza Muitas cantatas Foi considerado, pelos críticos no século XX, o “Caravaggio” da música Barroca. É praticamente o primeiro grande compositor que surge e que vai influenciar muito os compositores posteriores de sua época. Joan Sebastian Bach, protestante, tinha paixão pelas igrejas góticas católicas e seus detalhes. É onde vai buscar inspiração para compor nesse estilo gótico (como as rosáceas, vitrais e sobre as minúcias). Foi mestre de capela, que era tão importante quanto pintor da corte. É o homem que vai reger, o maestro, o diretor. Deixou cantatas, missas, corais, "Paixão Segundo São Mateus", "A Grande Missa", "Cravo Bem Temperado", os "Concertos Braudenburguer", as "Fugas". As fugas tem um conteúdo psicológico, não significando uma fuga dos problemas, mas sim uma fuga da perda de um sentimento, uma emoção, com inteligência, com consciência. Uma fuga dos empecilhos emocionais. É a consciência livre, solta, uma fuga sem perdas, "deixando tudo para trás numa boa". Haendel, alemão, é o próprio compositor barroco. A sua obra é monumental, forte. Fez a obra "Doze Concertos de Gross". Hayden, compositor refinadíssimo que compôs sonatas, quartetos, sinfonias. Começou a tocar em Conjunto de Câmaras nas casas dos nobres, como mero tocador. Fez a "Sinfonia de Londres" e o "Quarteto do Imperador" que foi utilizado, em parte, no Hino Nacional da Alemanha.

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com a independência do Brasil. BARROCO BRASILEIRO O Barroco no Brasil atingiu seu apogeu em 1763.Mozart. Os missionários aqui no Brasil traziam artistas da Europa ou treinavam a mão de obra escrava. Naquela época onde existia tempo para pintar a Capela Sixtina em 5 anos ou Velásquez 4 anos para pintar "As meninas". "Concerto em Dó Menor". Criou tudo o que foi possível em música. As esculturas de barro eram cozidas em forno de pão. Nessa época o mundo perde as coisas fortes como o prazer. Nessa época os portugueses esculpiam em madeira. volta ao passado. o barroco que estava no auge já estava sendo abandonado e estavam começando o neoclassicismo. XX e XXI. para depois começar a corrida no século XX pelas máquinas. A Igreja da Bahia. Em 1822. quando houve a mudança da capital do Brasil para o Rio de Janeiro. XIX. dos próprios índios. Fez muita escultura em madeira que aprendeu em Portugal. porque os índios e os negros vão construir igrejas. "Requiém" que é muito lindo e triste. O que existia em madeira vinha de Portugal. XVIII. esculturas. "Concerto em Ré Menor". Obras: Sinfonias. É o final de Versailles. Tem gênero melancólico. porque Rococó é o final do barroco. Frei Agostinho de Jesus nasceu na Bahia e foi educado em Portugal. Sua composição começa a sugerir um mundo que começa e uma outra forma de viver. o prazer de viver. indústrias. Frei Agostinho de Jesus circulou muito no Rio de Janeiro e São Paulo. A mão de obra vai ser brasileira. É uma busca do tempo perdido onde cada 50 anos vai valer 500. depois que os Holandeses foram expulsos do nordeste (Pernambuco) e as igrejas destruídas pela invasão. etc. a doçura de viver. A música de Mozart foi elaborada numa época de despedida. trabalhou muito com barro. Frei Agostinho de Jesus (1600-1661) O museu de Arte Sacra de São Paulo tem suas obras.de Prússel (?) vai ser descrito sobre os séculos XVII. enquanto os brasileiros em barro. "Em busca do tempo perdido". 76 . Era Austríaco e tocava desde os 5 anos. a "Ópera Don Giovanni". para serem artistas também. Vai ser uma busca para novos estilos. gênio que apareceu no Rococó (final do barroco). Dois grandes escultores Brasileiros do século XVII são: Frei Agostinho da Piedade (1620-1661). foram muitas delas restauradas pelos brasileiros.

Ela começa bem simples e vai se sofisticando a medida que chega material. com muitos entalhes. A Igreja da Ordem Terceira de São Francisco. É dramática. Com isso o barroco nordestino vai ter uma influência muito grande de Portugal. as igrejas barrocas começaram a serem construídas de forma diferente do barroco mineiro. do ano de 1554. Tudo é bem pensado para que você sinta emoção. As primeiras construções barrocas tinham linhas mais estilizadas devido ao pouco material que conseguiam para a construção. com muitas luzes. Livro recomendado: "A Muralha" de Inácio de Queirós. Nosso estilo forte é o feito em barro. O mineiro. feita por um arquiteto português chamado Francisco Xavier de Brito. como pode ser visto na Igreja Nossa Senhora do Carmo. Quase todas as construções grandes foram feitas no Rio de Janeiro. de navio. que é um povo diferente. O exterior é simples e o interior é riquíssimo. é lindíssima e levou quase 100 anos para ser feita. AS 3 FASES BARROCAS COLONIAIS: A primeira fase ocorre na descoberta do Brasil. Mostra a dificuldade dos bandeirantes no transporte do material. que era montada aqui. em Santos.: A igreja de Olinda foi restaurada na época (+/-) 400 anos atrás.Ex. Outras levaram quase 50 anos para ficarem prontas por falta de mão de obra qualificada. Ex. Artistas plásticos. na sua pintura e arquitetura um estilo diferenciado. resultando em construções mais ricas na região. começou a escoar todo o ouro pelo porto. 77 . cheia de movimento como todo estilo barroco. não existia essa dificuldade. Ao redor do Porto. A Igreja de São Francisco. principalmente o mineiro. A cidade vai se tornar o centro cultural do país. músicos e intelectuais começaram a chegar no porto do Rio de Janeiro. Barroco no Rio de Janeiro: no princípio o Rio de Janeiro era quase um vilarejo e quando abriram a estrada do caminho novo que ligou Minas Gerais ao Porto do Rio de Janeiro. mudando completamente a vila.: A primeira Igreja do Brasil é a do Pátio do Colégio em São Paulo. Quase todos os materiais de construção eram importados. da tarde tem um coral cantando. em Salvador é toda barroca (de Lisboa). vai ter no seu trabalho. onde o material chegava de navio. O Barroco Mineiro é forte. arquitetos. Tinham uma dificuldade muito grande no transporte do material de São Vicente para São Paulo. interessante e se diferencia completamente dos outros. Nesse livro ele explica tudo isso e se refere sobre a mata atlântica como uma “muralha”. O escritor Fernando Sabino (mineiro) escreveu para Carlos Drummond de Andrade um texto sobre o povo mineiro. Às vezes traziam uma igreja quase inteira. Às 6 hs. Entre os anos 1600 a 1800.

Por esse motivo o negro vai construir sua própria igreja. As jovens dentro de casa podiam ver através dessas janelas. Essas janelas vão aparecer até no nordeste. Depois dos 14 anos elas podiam ir sem véu e com o cabelo solto para poder arrumar pretendentes.O auge do barroco mineiro ocorre com a descoberta de pedras preciosas e ouro em uma grande região que vai ser denominada Minas Gerais. de um modo geral a irmandade Franciscana. que o barroco brasileiro mineiro é num todo mais rural. significava a influência moura ou árabe. Na Nave. Influência política que ocorre no barroco na construção ou arquitetura: Com o processo revolucionário da Inconfidência Mineira. cada uma tinha sua maneira de distribuir os fiéis na igreja. que o barroco mineiro extrai sua força e originalidade. Moucharabi. Eram venezianas "quadradinhas" que avançavam um pouco para frente como se fossem "Bay window". As classes sociais vão ocupar espaços diferentes na igreja. Obs. Outro aspecto importante era o realismo das esculturas. mas nunca se confunde um com o outro. Ex. O nosso barroco é diferente dos das Américas Central e Sul. Assim. Dominicanas. na tentativa de harmonizar a vida naquele vilarejo. era feito em uma linguagem acessível. Isso deu 78 . Tudo acontecia em função do ouro. Elas se comunicavam através de bilhetes que passavam pelas frestas da janela. desse senso de medida e proporção.: A Igreja mineira. tendo grande influência entre eles. desse despojamento. A divisão física da igreja mineira também difere do resto das igrejas brasileiras. Outra característica é que ele vai pouco a pouco se transformando num estilo representativo dos anseios do povo. As ordens religiosas Carmelitas. menos monumental. Em Minas Gerais o "negro" só entrava na igreja para acender as lamparinas. das imagens. das pinturas. Tinha uma conotação social. ocorre uma vontade de dominação do povo através do ouro. Era muito importante ter um lugar para ser feito o “sermão”. Existia uma hierarquia. O católico mineiro posicionou a igreja como sendo a localização geográfica mais importante do vilarejo. dessa sóbria elegância. não rebuscada. O sermão. As jovens. pode-se dizer. Por vezes os dois se aproximam. Sabará. Franciscanas. resultado da cobiça do ouro. colocava no altar mor a irmandade. eram levadas para a igreja com o véu ou lenço sobre seus rostos. os homens ficavam separados das mulheres e os Balcões Laterais eram reservados para as autoridades e seus familiares. a grosso modo. que vai aparecer nas casas de Ouro Preto. menos rebuscado que o barroco do resto do Brasil. na igreja mineira. O assunto do sermão abordava os problemas atuais do momento e do local. É justamente dessa simplicidade. Foi confiada a mão de obra local dos mulatos e negros. Na América Latina coexistem 2 tipos de barroco: O Luso-Brasileiro e o Hispânico-Americano. Mariana. para todas as classes sociais. por sua vez. antes dos 14 anos. mas não podiam ser vistas.

Teve esse apelido aos 50 anos de idade devido a uma doença que atrofiou e deformou os seus dedos. Deve provavelmente ter sido reumatismo deformante. As pilastras são substituídas por colunas nas fachadas. Os evangelistas que Aleijadinho vai esculpir tinha as feições do mandachuva da cidade. não premeditado. em Mariana (cidade vizinha de Ouro Preto) e vai morrer em 1837. A igreja foi desenhada. Era um fazer a arte quase que irracional.: a Bíblia Ele esculpia com o instrumento amarrado à sua mão. foi considerado o maior estilo e artista brasileiro da época barroca. Era o oposto da Europa. tal qual dos escravos fujões. Esses artistas são: Antônio Francisco Lisboa (Aleijadinho) que nasceu no ano de 1774. São caras bem distorcidas. Na época usava-se o termo "encarnar" que significava o mesmo que pintar. O altar-mor foi feito na época da Inconfidência Mineira. Duas obras arquitetônicas de Ouro Preto são fundamentais para conhecer a arte de Aleijadinho: São Francisco de Assis: Início em 1776 e término em 1794. Seus dedos não caíram. Isso é feito na época em que Tiradentes foi decepado e esquartejado. Os púlpitos são colocados na entrada da capela-mor. Suas faces são castigadas sem piedade pelo Aleijadinho.oportunidade aos artistas de trabalharem com esse material e utilizar o barroco como forma criativa e original para expor seus desejos. O teto foi pintado por Manuel da Costa Athaíde que vai fazer uma pintura lindíssima com pássaros. onde executou a maior parte de suas obras. Manuel da Costa Athaíde que nasceu no ano de 1762. Seu estilo que é do tipo “expressionista". Viveu 26 anos em Congonhas do Campo. Satanás será o malfeitor da zona de prostituição. Era mulato. 79 . Tudo era baseado no povo. Nunca estudou e nunca foi a Portugal mas era auto didata e aproveitava tudo o que existia de informações ao seu redor como ex. Os anjos vão ser os meninos robustos que trabalhavam nas ladeiras. Quem pintava era Athaíde (grande arquiteto também). Esculpia em cedro e em pedra sabão. A pintura da Madona (que é parecida com a namorada dele) e os anjos são mulatos. Jeremias tem os pés presos no grilhão. Os flageladores e perseguidores de Cristo são ridicularizados por pobres e ignorantes. Athaíde também era mulato e Aleijadinho era filho de escravo com Português. Ele somente não a pintou. sonhos e fantasias. tem na garganta uma corda e o coração está sangrando. Era o que eles viam. Aleijadinho vai trabalhar muito com o tema Inconfidência Mineira. construída e decorada somente por Aleijadinho. porque deformava com apelo à emoção. em Vila Rica. A arte de um povo tão jovem tinha que mostrar atrevimento. Cristo aparece com as mãos e pés decepados.

com apelo maternal. Ele vai mudar até a perspectiva para que pudesse ser vista por todos. Nossa Senhora do Carmo é uma Igreja muito importante. Ele também não tinha dinheiro para investir tanto. Não tinha importância. Todos são expressionistas e feitos em madeira pelo Aleijadinho. toda feita de pedra cantareira. em qualquer ponto da igreja. O expressionismo tradicional no Brasil. No plano da arte não existe homens pequenos e grandes. a afirmação austera e firme do poder da grandeza dos povos humildes e porque ele é universal na sua arte. pai de Aleijadinho e terminada pelo próprio Aleijadinho. É como se fosse uma mãe. etc. segundo a sugestão de Aleijadinho. Quem fez o projeto foi Aleijadinho que somente iria orientar a obra. de Dirceu e Marília (recebe este nome por estar em frente a casa do casal). por falta de tempo. Você a vê como uma mulher do povo. Desenhada pelo pai de Aleijadinho. Chafariz de Ouro Preto: Não se encontra na Europa. O Arco-cruzeiro que está na frente é atribuído também a Aleijadinho. de Athaíde. em que o artista (sem escola) se improvisava no esforço de alcançar o jeito de exprimir um sentimento. Essas pedras são todas de tonalidade cinza. São Gregório. Conjunto de 66 figuras de madeira: São os Passos da Paixão e ficam em capelinhas de madeira também ao relento. A cada canto da abóbada dessa igreja. no Adro da igreja (entrada). Este era o modo típico de expressão de Aleijadinho. é sereno. 80 . belíssima. A pintura é de Athaíde. tem uma grande figura como São Agostinho. Existem cupins (que atacam pedras) e estão destruindo tudo. Matriz Nossa Senhora do Pilar: Situada em Ouro Preto. tem banco para sentar e namorar. Ele é o símbolo dessa verdade simples. porque Aleijadinho é no tempo e na história. sugerindo a Athaíde que mudasse os azulejos. Eles foram portanto refeitos.A Nossa Senhora é vista por vários ângulos. pois era uma arte barroca. no Santuário do Senhor Bom Jesus do Matosinho. São os doze profetas feitos em pedra-sabão. tem doçura na carne. o seio bem modelado e não sensual. Este trabalho se encontra ao relento. pedrasabão e itacolomi. da Ponte. Muda as linhas de fuga para conseguir esse efeito. nações fortes e fracas. São de tamanho natural e "encarnados" (pintados) por Athaíde. acabava às vezes num caricatural do expressionismo. carnudo. É uma igreja que recebeu mais pintura do que as outras e os azulejos foram pintados por Athaíde imitando os de Portugal. O rosto da Santa. Aleijadinho não detalhava os pés e nada da cintura para baixo. Chafariz do Conto. Congonhas do Campo: Guarda o maior conjunto artístico criado pelo mestre Aleijadinho. Foi toda pintada por Manuel da Costa Athaíde. Aleijadinho achava que a pintura deveria ser diferente da pintura Portuguesa. Santo Ambrósio e São Jerônimo. que escreveu o Barroco Mineiro: Trecho onde se refere a entrada da Igreja em Congonhas do Campo: "Não entrarei Senhor no Templo Seu Frontispício me basta Vossas flores e querubins Já são matéria de muito amar". Outro mestre mineiro: Carlos Drummond de Andrade. Essa igreja foi desenhada por Manuel Francisco Lisboa.

mosteiros e palácios. alusões ao teatro italiano da época. que significa "embrechado". Características gerais: · Uso abundante de formas curvas e pela profusão de elementos decorativos. Principal Artista: Johann Michael Fischer. difundiu-se principalmente na parte católica da Alemanha. mais leve e intimista que aquele e usado inicialmente em decoração de interiores. o rococó é também chamado estilo Luís XV e Luís XVI. entre 1700 e 1780. · A estrutura das construções ganhou leveza e o espaço interno foi unificado. o rococó foi a principal corrente da arte e da arquitetura pós-barroca. com maior graça e intimidade. a luz difusa inundou os interiores por meio de numerosas janelas e o relevo abrupto das superfícies deu lugar a texturas suaves. Os temas utilizados eram cenas eróticas ou galantes da vida cortesã (as fêtes galantes) e da mitologia. pastorais. por volta de 1770. Nos primeiros anos do século XVIII. Principais características: · Cores vivas foram substituídas por tons pastéis. tais como conchas. Na França. Desenvolveu-se na Europa do século XVIII.ROCOCÓ Rococó é o estilo artístico que surgiu na França como desdobramento do barroco. marco do rococó bávaro. caráter intimista. bizarro. elegância. na Prússia e em Portugal. Surgido na França com a obra do decorador Pierre Lepautre. responsável pela abadia beneditina de Ottobeuren. (1692-1766). Grande mestre do estilo rococó. Vigoroso até o advento da reação neoclássica. e da arquitetura disseminou-se para todas as artes. o rococó era a princípio apenas um novo estilo decorativo. 81 . alegria. motivos religiosos e farta estilização naturalista do mundo vegetal em ornatos e molduras. · Possui leveza. ARQUITETURA Durante o Iluminismo. frivolidade e exuberante. responsável por vários edifícios na Baviera. o centro artístico da Europa transferiu-se de Roma para Paris. técnica de incrustação de conchas e fragmentos de vidro utilizadas originariamente na decoração de grutas artificiais. laços e flores. O termo deriva do francês rocaille. Restaurou dezenas de igrejas.

um dos maiores representantes do estilo rococó na Alemanha. Foi um dos últimos expoentes do período rococó. (1725-1775). "Anunciação". distinguiu-se pela criação de santos e anjos de grande tamanho. que dessa maneira contribuem para o equilíbrio geral da decoração interior das igrejas. mas a alegre descontração do estilo rococó. não é possível traçar uma clara linha divisória entre o barroco e o rococó. obras-primas dos interiores rococós. Jean-Honoré Fragonard . apareceram as primeiras pinturas rococós sob influência da técnica de Rubens. Os grandes grupos coordenados dão lugar a figuras isoladas. alguns retratos. quer estilisticamente. sempre com grande perfeição no desenho. (1684-1721). Principais Artistas: Johann Michael Feichtmayr. Principais Artistas: Antoine Watteau. (1709-1772). Suas esculturas eram em geral feitas em madeira e a seguir policromadas. as figuras e cenas de Watteau se converteram em modelos de um estilo bastante copiado. ao contrário do que ocorreu na arquitetura. membro de um grupo de famílias de mestres da moldagem no estuque. escultor alemão. Mais do que nas peças esculpidas. quer cronológica. (1703-1770). que durante muito tempo obscureceu a verdadeira contribuição do artista para a pintura do século XIX. "Anjo da guarda". é em sua disposição dentro da arquitetura que se manifesta o espírito rococó. e um dos mais antigos precursores do impressionismo. escultor alemão. Além dos quadros de caráter mitológico.ESCULTURA Na escultura e na pintura da Europa oriental e central. cada uma com existência própria e individual. pintou. PINTURA Durante muito tempo. No final do reinado de Luís XIV. François Boucher. as expressões ingênuas e maliciosas de suas numerosas figuras de deusas e ninfas em trajes sugestivos e atitudes graciosas e sensuais não evocavam a solenidade clássica. 82 . em que se afirmou o predomínio político e cultural da França sobre o resto da Europa. "Pietà". paisagens ("O casario de Issei") e cenas de interior ("O pintor em seu estúdio"). (1732-1806). de cenas galantes em paisagens idílicas. Fragonard destacou-se principalmente como pintor do amor e da natureza. Ignaz Günther. caracterizado por uma arte alegre e sensual. desenhista e retratista de talento. o rococó francês ficou restrito às artes decorativas e teve pequeno impacto na escultura e pintura francesas.

piora um pouco a arte.: As esculturas gregas originais quando feitas em mármore tinham os olhos pintados e quando feitas em bronze tinham pedras para decorar os olhos. nas roupas. por toda Europa e resto do mundo. O pintor néo-clássico fica tão ligado ao clássico. onde a burguesia. pela imitação dos modelos antigos greco-latinos. etc. Pintam cenas de arqueologia e cenas heróicas. Os pintores achavam que as esculturas gregas não tinham olhar de propósito e não que fosse devido a uma destruição do tempo. Surge o estilo Império. Principais características: * retorno ao passado. * arte entendida como imitação da natureza. levando-o a uma pintura pejorativa. sobre a literatura medieval e sobre a mitologia. Os pintores imitam as esculturas na suas pinturas. foi derretendo com o tempo. É o começo dos tempos modernos da história da Arte. Como exemplo vai surgir o Néo-classicismo na Inglaterra com as construções de castelos néo-góticos. Napoleão pede para ser pintado com a mão no bolso. depois o gosto geral de se vestir. um recomeçar. temos como conseqüência a mudança do estilo na arte. pintou Napoleão sem os olhos. Começam a usar as formas gregas e góticas nas construções. o "Arco do Triunfo" (mandado ser construído por Napoleão). Pintam fatos históricos. Abandonando o estilo barroco que era trabalhoso. A escultura grega na Itália era feita sem os olhos. Na época do néo-classicismo. Por esse motivo temos o néo-classicismo. que estava morrendo de fome. * academicismo nos temas e nas técnicas. por sua vez. que esquecem dos detalhes. isto é. Grécia. quase que caricaturista. Com a revolução francesa eles se achavam a própria encarnação dos heróis gregos e romanos. como se fosse um grego. Todos são néo-clássicos. com suas virtudes. Todos ficam muito ligados a Roma. o povo são os vencedores. Com o passar dos tempos os cristãos tiraram as pedras preciosas dos olhos das esculturas que então ficaram sem o olhar. que vai aparecer no mobiliário. Em Paris vão construir a Igreja "La Madeleine". vai surgir o espírito dos tempos modernos. Tudo isso vem como conseqüência da revolução. Vai cair a "Maria Antonieta" quando diz ao povo. à base de cera. 83 . sujeição aos modelos e às regras ensinadas nas escolas ou academias de belas-artes. No renascimento existe uma renovação da antigüidade. O néo-clássico vai copiar o clássico e ao adaptar à sua época. que dessem brioches à eles. Obs. as cidades de Pompéia e Herculano. isto é. As pinturas que eram "encáusticas". Foram descobertas nessa época. de comer. o néo-gótico. com a Revolução Francesa.NEOCLASSICISMO No final do século XVIII. num verdadeiro culto à teoria de Aristóteles. através das escavações. O pintor néo-clássico.

e a Porta do Brandemburgo. Seus retratos são invariavelmente enriquecidos com mantos aveludados. mais tarde.C. contudo foi Ingres. Ardoroso defensor da pureza das formas. no ano de 79 a.foi considerado o pintor da Revolução Francesa. Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867). Diante daquelas construções. sobretudo em Rafael. ocasionando a construção de tantos edifícios brancos. ele afirmava. flores e jóias. mestre inegável do equilíbrio da composição. Amante declarado da tradição. Características da pintura: * Formalismo na composição. Ingres passou a vida brigando contra a vanguarda artística francesa representada pelo pintor romântico Eugène Delacroix. por exemplo. nus. na recusa a produzir qualquer julgamento moral a respeito deles. registrou fatos históricos ligados à vida do imperador. retratos e paisagens. Sua obra abrange. numa época em que se consumava o processo de aliança entre a nobreza e a burguesia. principalmente no gosto pelo poder e na sua confiança na individualidade. Ingres soube registrar a fisionomia da classe burguesa do seu tempo. os historiadores de arte acreditavam que os edifícios gregos eram recobertos com mármore branco. O detalhismo também é uma das suas marcas registradas. " A pincelada deve ser tão fina como a casca de uma cebola". foram cobertas pelas lavas do vulcão Vesúvio. o pintor foi uma espécie de cronista visual da sociedade de seu tempo. PINTURA A pintura desse período foi inspirada principalmente na escultura clássica grega e na pintura renascentista italiana. Durante o governo de Napoleão. Exemplos dessa arquitetura são a igreja de Santa Genoveva. Para seu conhecimento: Forte influência da arquitetura neoclássica foi a descoberta arqueológica das cidades italianas de Pompéia e Herculano que. mas algumas delas exprimem fortes emoções. Exemplo: Casa Branca dos Estados Unidos.ARQUITETURA Tanto nas construções civis quanto nas religiosas. o mais revolucionário dos dois. em Paris. além de composições mitológicas e literárias. Jacques-Louis David . Suas obras geralmente expressam um vibrante realismo. a arquitetura neoclássica seguiu o modelo dos templos greco-romanos ou o das edificações do Renascimento italiano. Obra destacada: Bonaparte atravessando os Alpes e Morte de Marat. 84 . em Berlim. e não o retórico e inflamado Delacroix. que desenhar uma linha perfeita era muito mais importante do que colorir. repetia a seus alunos. tornou-se o pintor oficial do Império de Napoleão. refletindo racionalismo dominante. transformada depois no Panteão Nacional.. Ingres acreditava qua a tarefa primordial da arte era produzir quadros históricos. A modernidade de Ingres está justamente na visão distanciada que tinha de sue retratados. mas a crítica moderna vê nos retratos e nus o seu trabalho mais admirável. rendas. sem dúvida. num erro de interpretação. * Exatidão nos contornos * Harmonia do colorido Os maiores representantes da pintura neoclássica são.

o poder. em que os direitos individuais fossem respeitados. traduziu-se essa expectativa na Declaração dos Direitos do Homem e do Cidadão. a atividade artística tornou-se complexa. * Composição em diagonal sugerindo instabilidade e dinamismo ao observador. Os artistas românticos procuraram se libertar das convenções acadêmicas em favor da livre expressão da personalidade do artista. Mais cor e menos desenho. Do mesmo modo. * o nacionalismo. O belo para eles é muito relativo e individual. Obra Destacada: Edifício do Parlamento Inglês PINTURA Características da pintura: * Aproximação das formas barrocas. eles adoram a liberdade. História das aventuras medievais. A essência do romantismo é a glorificação dos instintos. pitoresca. Em nome do romance. mas em língua românica. Pregam a liberdade individual acima de regras e de normas. provocando a divisão do trabalho e o início da especialização da mão-deobra. Amam os gregos também. Pintam muitas paisagens. políticas e culturais causadas por acontecimentos do final do século XVIII que foram a Revolução Industrial que gerou novos inventos com o objetivo de solucionar os problemas técnicos decorrentes do aumento de produção. Tem mais liberdade e menos regras que o néo-clássico. ARQUITETURA E ESCULTURA A escultura e a arquitetura registram pouca novidade. menos razão. * Valorização das cores e do claro-escuro. O propósito dos artistas românticos era a volta à natureza sublime. e * os sentimentos do presente tais como: Liberdade. a permanência do estilo anterior. gerando o neogótico.ROMANTISMO A palavra vem de romance. Escreviam não em latim. e pela Revolução Francesa que lutava por uma sociedade mais harmônica. profunda veneração à natureza. * a valorização da natureza como princípios da criação artística. o amor. Igualdade e Fraternidade. Observa-se. O pintor vai ser muito dramático e emotivo. forte. Vez por outra retomou-se o estilo gótico da época medieval. Tudo é muito romântico e assim lidam com a emoção pela emoção.O século XIX foi agitado por fortes mudanças sociais. e * Dramaticidade 85 . o neoclássico. grosso modo. Características gerais: * a valorização dos sentimentos e da imaginação. Vão escrever muito sobre a lenda do Rei Artur. Mais sentimentos. a violência.

cenas históricas e as lutas pela liberdade. o pintor viveu a maior parte da vida jovem e adulta num mundo que voltava aos poucos à antiga ordem natural das coisas.Nasceu no pequeno povoado de Fuendetodos.representou grandes movimentos da natureza. a restauração da dinastia dos Bourbon e. menos de dois meses antes de morrer. Turner . * Natureza revelando um dinamismo equivalente as emoções humanas. Espanha. aquele em que a burguesia revolucionária colhia os frutos de seu triunfo sobre a monarquia dos reis Capeto. por uma atitude emotiva diante das coisas e esse comportamento pode ocorrer em qualquer tempo da história. Uma das primeiras vezes que a arte registra a presença da máquina (locomotiva). finalmente. em 1830. Nascido num momento crucial da História da França. a entronização do rei Luís Felipe. em 1963. Amigo do compositor Frèderic Chopin. "A principal qualidade de um quadro é ser uma festa para os olhos". Vapor e Velocidade e O Grande Canal. Obras destacadas: Chuva. os horrores da guerra. Culto. Delacroix tinha noção da própria grandeza. procurou descrever certa atmosfera da paisagem. Seu quadro mais conhecido A Liberdade Guiando o Povo. escreveu na derradeira nota de seus famosos diários. dono de uma língua ferina. Trabalhou temas diversos: retratos de personalidades da corte espanhola e de pessoas do povo. de interpretar a realidade. e * Mitologia Grega Principais artistas: Goya . rico e namorador. Obra destacada: Os Fuzilamentos de 3 de maio de 1808. a ação incompreensível de monstros. Veneza. de agir. O comportamento romântico caracteriza-se pelo sonho. Eugène Delacroix (1798-1863). seres deformados. 86 . Assistiu à ascensão e queda de Napoleão Bonaparte. suas obras apresentam forte comprometimento político e o valor da pintura é assegurado pelo uso das cores. dando-nos a sensação de grande movimentação. tons opressivos. Para seu conhecimento: A palavra romantismo designa uma maneira de se comportar. Representava assuntos abstratos personificando-os (alegorias). em 1746. muitas vezes tomado como um símbolo das lutas populares e republicanas. foi feito por inspiração do movimento que levou Luís Felipe ao trono da França. inimigo do romancista Honoré de Balzac. em 1828. Goya e sua mitologia povoada por sonhos e pesadelos. admirado pelo poeta Charles Baudelaire e indiferente às demais celebridades de seu tempo. das luzes e das sombras. Morreu em Bordeaux.Temas da pintura: * Fatos reais da história nacional e contemporânea da vida dos artistas. Senhor absoluto da caricatura do seu tempo. mas por meio do estudo da luz que a natureza reflete.

estações. bibliotecas. ferroviárias. os escultores preferiam os temas contemporâneos.Romantismo designa uma tendência geral da vida e da arte. que se desenvolveu ao lado da crescente industrialização das sociedades. Sua característica principal é a fixação do momento significativo de um gesto humano. hospitais e moradias. a Torre Eiffel. um estilo delimitado no tempo. Entre 1850 e 1900 surge nas artes européias. Obras destacadas: Balzac. São características gerais: * o cientificismo * a valorização do objeto * o sóbrio e o minucioso * a expressão da realidade e dos aspectos descritivos ARQUITETURA Os arquitetos e engenheiros procuram responder adequadamente às novas necessidades urbanas. O homem europeu. Os Burgueses de Calais. inclusive em suas criações artísticas. hoje logotipo da "Cidade Luz". que tinha aprendido a utilizar o conhecimento científico e a técnica para interpretar e dominar a natureza convenceu-se de que precisava ser realista. lojas. criadas pela industrialização.não se preocupou com a idealização da realidade. deixando de lado as visões subjetivas e emotivas da realidade. assumindo muitas vezes uma intenção política em suas obras. ESCULTURA Auguste Rodin . tanto para os operários quanto para a nova burguesia. portanto. sobretudo na pintura francesa. etc. PINTURA Características da pintura: * Representação da realidade com a mesma objetividade com que um cientista estuda um 87 . nomeia um sistema. como a mitologia. em Paris. Além disso. REALISMO Aparece quando o romantismo está no auge. procurou recriar os seres tais como eles são. O Beijo e O Pensador. As cidades não exigem mais ricos palácios e templos. Em 1889. Elas precisam de fábricas. escolas. armazéns. Não existem temas abstratos para o realista. uma nova tendência estética chamada Realismo. Ao contrário. Gustavo Eiffel levanta.

* Revelação dos aspectos mais característicos e expressivos da realidade. * Ao artista não cabe "melhorar" artisticamente a natureza. final de dia. Temas da pintura: * Politização: a arte passa a ser um meio para denunciar uma ordem social que consideram injusta. Seus numerosos desenhos de paisagens influenciaram.o povo. principalmente das classes populares. tem um duplo movimento.foi considerado o criador do realismo social na pintura. a chuva. Essa obra vai ser reproduzida muitas vezes. e. Obra destacada: Moças Peneirando o Trigo. a arte manifesta um protesto em favor dos oprimidos. mais tarde. As pessoas das classes menos favorecidas . Vermeer. ou seja o pintor buscava representar o mundo de maneira documental. É o caso. a fealdade. Todos os artistas de Barbizon admiram profundamente a arte Holandesa (da época barroca. Foi educado num meio de profunda religiosidade e respeito pela natureza. Heróis que nada têm a ver com os idealizados heróis da pintura romântica. * Pintura social denunciando as injustiças e as imensas desigualdades entre a miséria dos trabalhadores e a opulência da burguesia. ESCOLA DE BARBIZON Barbizon era um vilarejo nas bordas da floresta de Fontaineblaux. Manifesta sua simpatia particular pelos trabalhadores e pelos homens mais pobres da sociedade no século XIX.) e também gostam muito da burguesia e quase todos os artistas também são burgueses. Jean-François Millet.tornaram-se assunto freqüente da pintura realista. em resumo . Pintam muitas paisagens modestas. por exemplo. "Angelus". Barbizon vai querer empregar a luz pela primeira vez. Os artistas incorporavam a rudeza. a vulgaridade dos tipos que pintavam. próximo à Paris. 88 . criou uma obra realista na qual o principal elemento é a ligação atávica do homem com a terra. etc. Pintam muito o outono com sua luz dourada fantástica. O grande pilar dessa escola é MILLET que vai pintar "Angelus". como era a natureza. Trabalhou na lavoura desde muito cedo. A escola de Barbizon é muito importante porque vai ser a primeira vez que vão pintar ao ar livre antes do impressionismo. o relâmpago. Alguns pintores do romantismo vão pintar ao ar livre para ver como cai o granizo. pois a beleza está na realidade tal qual ela é. que são duas pessoas rezando à tarde. Rembrandt. sensível observador da vida campestre. elevando esses tipos à categoria de heróis. Principais pintores: Courbet . Pissarro e Van Gogh.fenômeno da natureza. pois procurou retratar em suas telas temas da vida cotidiana. sendo quase que científica a sua forma de pensar. Passam o dia pintando na floresta. Em arte.

não só por encomenda. Pinta paisagens. por uma atitude racional das coisas pode ocorrer em qualquer tempo da história. A escola de Barbizon é um estilo que significa "ao ar livre". ocorreram bem próximos num movimento de 100 anos. É a primeira vez que a paisagem é reconhecida como obra de arte. bem próximo ao impressionismo cujo primeiro quadro surgiria em 1874. Esses pintores vão participar de uma exposição universal em 1855. amigo da verdade e verdadeiro" A palavra realismo designa uma maneira de agir. socialista. republicano. 89 . às vezes introduzindo um cachorro ou uma pessoa no meio da paisagem.Millet nasceu camponês e vai pintar semeadores. de interpretar a realidade. como a água corre. mas sendo o personagem em segundo plano e a paisagem em primeiro. Para seu conhecimento Courbet dizia: "Sou democrata. Vão pintar paisagens e são aceitos na exposição universal em Paris. O néo-classicismo. COROT: Outro grande pintor da escola. DAUMIER: Também pinta camponeses. A paisagem barroca era encomendada aqui na escola de Barbizon. Esse comportamento caracteriza-se pela objetividade. realista. É considerado o pintor mais importante da Escola de Barbizon. Vai pintar o rio. seivadores. O termo Realismo significa um estilo de época que predominou na segunda metade do século XIX. romantismo e realismo. A partir de 1855 é que o pintor começa a pintar o que sente.

como os pintores costumavam representá-las no passado. Ele foi o mais atacado pela crítica e pelo público. dependendo da incidência da luz do sol. discutir suas idéias. um amarelo próximo a um violeta produz uma impressão de luz e de sombra muito mais real do que o claro-escuro tão valorizado pelos pintores barrocos. que os artistas seguiam em seus procedimentos técnicos para obter os resultados que caracterizaram a pintura impressionista. A mistura deixa. portanto. * Os contrastes de luz e sombra devem ser obtidos de acordo com a lei das cores complementares. Principais características da pintura: * A pintura deve registrar as tonalidades que os objetos adquirem ao refletir a luz solar num determinado momento.IMPRESSIONISMO O Impressionismo foi um movimento artístico que revolucionou profundamente a pintura e deu início às grandes tendências da arte do século XX. * As figuras não devem ter contornos nítidos. definir suas metas. * As sombras devem ser luminosas e coloridas. A primeira vez que o público teve contato com a obra dos impressionistas foi numa exposição coletiva realizada em Paris. dentre os pintores impressionistas. muito mais práticas do que teóricas. tal como é a impressão visual que nos causam. e não escuras ou pretas. Mas o público e a crítica reagiram muito mal ao novo movimento. pois a linha é uma abstração do ser humano para representar imagens. obtendo o resultado final. que era o mais tradicionalista. pois as cores da natureza se modificam constantemente. pois ainda se mantinham fiéis aos princípios acadêmicos da pintura. de ser técnica para se óptica. foi eleito o chefe desse movimento que estava se iniciando. devem ser puras e dissociadas nos quadros em pequenas pinceladas. Assim. Fez duas telas: "Olimpiá" (sobre as prostitutas) e cujo tema chocava o público e "O almoço na relva" (onde os homens se encontravam com as mulheres) causando um escândalo na época. Havia algumas considerações gerais. É o observador que. combina as várias cores. Edward Manet. ao admirar a pintura. HISTÓRIA DO IMPRESSIONISMO O Café Guerbois era o local onde os impressionistas se encontravam para bater papo. 90 . Pelo contrário. em abril de 1874. * As cores e tonalidades não devem ser obtidas pela mistura das tintas na paleta do pintor.

A fotografia vai ser importante nesse momento. Passaram a fotografar tudo ao ar livre. de substituir tudo por coisas novas e industrializadas. 11. 4. Imperava a máquina fotográfica. sem qualquer regra. 7. 10. mas também no seu método de trabalho. 2. mutável das coisas. Diante disso o artista teve que repensar seu momento para mudar sua arte. O pintor sai do atelier e vai pintar ao ar livre (acaba o “posar”). foi a solução que abriu definitivamente novos horizontes para a Arte Moderna. as impressões do momento. Os Impressionistas captam esse aspecto transitório da vida e do mundo. Ele passa a ter consciência do caráter transitório. Uso da temática japonesa. o reflexo como a luz e a fumaça e as nuvens são usadas constantemente. 3. Eles começam a pintar mais o que SENTEM do que o que eles VÊEM. Os valores mudam completamente. é fonte imediata de sensações. 12. O impressionismo é inovador não só da prática ao ar livre. Muita luz e amarelo. Muita luz e sombra. 8. A forma é dada pela cor. O Impressionismo é definido como tentativa inédita de pegar a realidade da luz. PRINCIPAIS CONCEITOS DO IMPRESSIONISMO 1. O efêmero. Vão inventar a máquina fotográfica portátil. Pinceladas bem amplas porque o tempo é escasso. O maior pintor Impressionista é Claude Monet. Tentam entrar nos salões e são impedidos. Resolvem fazer um salão só para eles que vai ser denominado de "O salão dos recusados". Desaparecem os contornos das figuras. o fugaz. Para os impressionistas a natureza não é um material de reflexão. 6. Liberdade para captar.O aprimoramento técnico em todos os setores do desenvolvimento industrial imperava o desejo do novo. pois provocaram uma verdadeira revolução na Arte. Nas suas pinturas vão empregar o caráter inacabado. com todos esses conceitos. uma competição. Vão lutar 30 anos para serem aceitos. 91 . Vão fazer poucos detalhes. Eles nunca tiveram a pretensão de descobrir a luz. 5. 9. os barrocos é que a descobriram. Mistura ótica das cores. O Impressionismo. É retirado o preto da palheta. O homem percebe que sua existência é uma luta.

acinzentadas e muita montanha. requintada e lendária (de muitos séculos). eles retiraram todos os conhecimentos dos japoneses. Os portos do Japão foram abertos e começou a chegar muitos produtos japoneses. É uma obra em aberto.Eles renunciaram a visão das formas que nós temos e a substituíram por um método em que o imaginário tem sempre um papel a desempenhar. A originalidade impressionista de captar o instante é chamada de "A Impressão Primeira". através de uma série de coisas. que foram os que mais sofreram influência japonesa. etc. Foi um modismo da época. JAPONISMO NO IMPRESSIONISMO: A casa de Claude Monet era inteirinha decorada pela pintura japonesa que estava no auge. Eles achavam que os japoneses tinham uma arte mais decorativa do que considerada como um estilo. por exemplo.). O motivo é captado quase que anarquicamente pelo primeiro olhar. Manet. uma técnica nova. 92 . Ele vão fazer a composição com o objetivo de registrar o momento. De um modo geral. onde os navios começaram a chegar com as mercadorias estrangeiras. aquele olhar que capta tudo. um Samurai. na história da arte. Esta arte japonesa vai influenciar pintores como Manet. eles ficavam muito impressionados pelo novo. Eles utilizam cores leves. ele apenas a sugere. (maçãs embaladas em papel. Degas e Van Gogh. é o "Triunfo do Espírito de Análise". em sua pintura. Para a pintura japonesa o tema não é tão importante. A paisagem torna-se aquele "pega no ar". também colocou elementos da pintura japonesa como o biombo japonês com pássaros e flores. Como os impressionistas eram artistas de vanguarda. uma cultura nova. O tempo é o que importa e o que pela primeira vez foi representado. Os artistas impressionistas descobriram o Japão por eles próprios. pelos impressionistas. popular. O imaginário é super importante. a montanha da pintura japonesa e colocar na pintura deles como uma recordação. Os impressionistas já tinham a técnica inovadora. A forma de perspectiva japonesa “perspectiva em corte de viés” vai ser usada algumas vezes por Van Gogh e Degas. Monet. Os impressionistas vão extrair. que é transitório. Em 1862 foram abertos os armazéns do Porto de Desoye. A arte japonesa era uma arte pitoresca. etc. Achavam que o Japão era um povo diferenciado. etc. O impressionismo não é uma reprodução servil da realidade. É uma simplificação idealista das perspectivas na superfície do quadro.

em junho de 1849. seus pais finalmente aceitaram sua carreira de pintor. com a liberdade. Já no colégio Rollin. onde o mar vai assumir muita importância para ele.PRINCIPAIS ARTISTAS ÉDOUARD MANET Édouard Manet nasceu em Paris. embarcou com destino ao Rio de Janeiro. Em 1859. o vento. Jamais teve uma contemplação passiva com a natureza. Foi então melhorando seu desenho e 93 . Em 1863. a obra do pintor finalmente obteve reconhecimento. como aprendiz de piloto. A breve passagem pela cidade está documentada nas cartas que enviou do Brasil a seus familiares na França. rejeitado pelo Salão. Em dezembro de 1848. em 1862. cena ao ar livre que reúne figuras da sociedade parisiense do segundo império. Embora inspirado em obras de antigos mestres como Giorgione e Rafael. foi exposto no ateliê de Manet. com o momento. Manet a expôs. Émile Zola publicou então um artigo em que o elogiava. Em 1874. tornou-se amigo de Claude Monet e outros pintores impressionistas. Tinha uma mania de fazer caricaturas em seu caderno desde os 7 anos de idade. Manet morreu em Paris em 30 de abril de 1883. Na época. obra revolucionária para os padrões da época. A liberdade. pintou "O bebedor de absinto" e. Foi aí que aconteceu a segunda guerra mundial. onde provocou a admiração dos jovens pintores que mais tarde integrariam o grupo impressionista. CLAUDE MONET: Nasceu em 1840 e morreu em 1926. então. ingressou no ateliê de Thomas Couture e. Manet se alistou na guarda nacional. no Salon des Refusés (Salão dos Recusados). traduzidas e comentadas por Afonso de E. A preocupação dele foi sempre reter na tela o sol. filho de um comerciante de especiarias (que hoje seria um empresário). Após a exposição realizada em sua memória. o horizonte foi muito importante na sua formação. Manet casou-se com Suzanne Leenhoff em 1863. Nasceu em Paris. o júri do Salão da Academia Real rejeitou o quadro "Déjeuner sur l'herbe". chocados com a presença de uma mulher nua em meio a homens vestidos. No início da guerra franco-prussiana de 1870. No Salão de 1865. Após regressar à França. "O pífaro". No ano seguinte. em 23 de janeiro de 1832. Aprendeu a vibrar com a paisagem. onde fez os primeiros estudos. preferia ficar na praia. Taunay no livro No Rio de Janeiro de Dom Pedro II (1947). Tinha uma relação muito ativa e dinâmica com a obra de arte. o infinito do mar. Tinha uma forma de ver e sentir a dinâmica do tempo como nenhum outro pintor impressionista teve. o quadro provocou violenta reação dos críticos. após seis anos. entre elas "As corridas de Longchamp". instalou seu próprio ateliê. no instante em que isso acontecia e da maneira como o olho percebia. mas a família rejeitou sua pretensão de tornar-se pintor. Quando ele tinha 5 anos a família foi morar no porto de Le Havre. a tela "Olympia" provocou novo escândalo. demonstrou interesse pelo desenho. com o instante. Não foi aluno brilhante na escola. a água. "Música nas Tulherias". começou a pintar cenas de hipódromos. No ano seguinte.

Monet passa por dificuldades financeiras quando nasce nessa época o seu primeiro filho Jean. laranja e verde). O fundamental para os impressionistas era usar as cores amarelo. Foi nessa época interrompido pelo serviço militar tendo que ir para Argélia. Manet se reuniam para pintar na casa de Monet. onde vai passar frio e fome. Na França vai morar as margens do Sena a poucos quilômetros de Paris. Cada um levava uma alimento como: pão. Monet antes de voltar à Paris passará pela Bélgica. Monet passa a convidar gente para ir à casa dele. Passa a fazer até caricaturas nos bares. A partir daí eles começaram a trabalhar “o que era impressionismo”. mas achou uma escola muito acadêmica. Em Paris volta a pintar e nessa época vai conhecer Renoir e Sisley. Voltando da Argélia foi para a casa dos pais para se recuperar e onde decidiu voltar logo à Paris. queijo e uma plantinha para fazer o seu jardim. não ter dinheiro para pegar uma condução para visitar a esposa no Hospital que tinha dado a luz. Na Bélgica vai gostar mais do trabalho de Rubens. sem exames e de ensino muito informal. Desta vez Monet passa a cobrar dos marinheiros pois não os conhecia (10 a 20 francos por caricatura). para estudar na escola de Belas Artes de Paris. Não quis seguir nenhuma profissão que o pai escolhera para ele. Com 17 anos decidiu ser pintor. Quando seu pai descobriu cortou sua mesada. Os seus amigos ajudavam dando comida para ele sobreviver. em Argenteuil. conseguiu entrar. para o próximo encontro. pato. 94 . onde se empolga muito com o trabalho de Rembrandt. costume que os franceses não tinham. O pai incentiva-o a ir estudar em Paris. Holanda com o trem Maria-fumaça.passando a receber encomendas de mais caricaturas. Vai pintar o Parlamento em Londres (Renoir também pintou o parlamento). ele resolve então casar com Camille. Todos os domingos os chamados rebeldes como: Pissarro. Lá ele conheceu Pissarro que foram pintar juntos em Mont Martre (onde os pintores pintavam muito). francês. com exceção de Basile que morreu na guerra da Prússia. O “Atelier Suíço” era uma escola de vanguarda. E. Os pais não gostando dessa situação vai cortar novamente a ajuda financeira. O dinheiro que arrecadava comprava mais material para sua pintura. que vai dar apoio substancial aos impressionistas. onde ficou super depressivo. Em 1859 Monet leva uma carta de apresentação de uma tia (que pintava mal). Conheceu também Coubert (pintor Realista). azul e vermelho (cores primárias) e as cores complementares (roxo. Começa a construir seu primeiro jardim. Ele é banqueiro. Monet vai pedir para que todos levassem flores. No cais de Le Havre. Os pais voltam a dar ajuda financeira até que Monet (de classe média alta) vai viver com uma modelo de classe social bem modesta. Em 1866 pintou uma moça que achou muito bonita chamada Camille e expôs o quadro obtendo muito sucesso. como Monet já tinha lutado na guerra anteriormente. Nessa época aconteceu a guerra franco-prussiana. Vai estudar muito as obras de Constable e Turner. Criava galinhas. chamado Paul Duran Ruel. Vai decidir estudar no "Atelier Suíço". muito aberta e livre. Renoir. vai pegar sua esposa e filho e fugir para Londres. Sisley. Monet estava tão pobre a ponto de quase não ter o que comer. cada uma de uma cor. Como não deram atenção. messenas. Não cobrava dos amigos. etc. crítico. os marinheiros também se interessaram e pediram então a ele que também fizesse caricaturas. Vai praticamente sustentar Monet que vai pinta muitos quadros para ele. Ele ficou tão desesperado que tentou o suicídio para que a sua família percebesse o seu problema. Prestou um exame. Vai conhecer um comerciante de arte riquíssimo.

as Ninféias. deixa de viajar ao longo do espaço para viajar ao longo do tempo. de repente pode ser uma leve sugestão. Já não interessa tanto percorrer o rio Sena a fim de pintar as diversas situações que aconteciam as suas margens. Monet percebeu que as sombras não eram simplesmente áreas mais escuras. Vai ser uma característica muito típica da linguagem impressionista. Fica feliz com o nascimento de seu segundo filho e nesta época também está ganhando melhor. Hoje você passa por baixo dessa estrada por um túnel. Em 1875 conheceu um milionário chamado Hoscheder que vai ajudá-lo muito. Resolve comprar o terreno do outro lado da estrada em frente a casa. festivas. A atmosfera muda o tempo todo conforme a hora. sendo quase que uma abstração do conteúdo. Monet faz uma série de quadros de feno e outra série de pinturas. Constrói um jardim oriental aquático do lado de lá. a temperatura. Todos moravam ali por perto. Monet vai sair de Paris e Hoscheder e sua família. Depois de deixar o trem. Monet passa a pintar mais em Giverny e a ganhar mais. O artista vai se ligar muito na atmosfera. pois vai refletir a tristeza que sentia pela morte de sua esposa. As cores complementares virão sempre ao lado das cores primárias. É a busca do tempo perdido. Percebe que tem que viajar ao longo do tempo. obras bem claras. Monet vai deixar de escurecer as sombras. Constrói um jardim de estilo normando maravilhoso. Vai melhorando e aumentando a casa. O seu trabalho mais importante dessa época chama-se "Rua da Aldeia". O que a pouco tinha uma forma volumosa. em uma exposição na Rússia. deixando-o muito deprimido. Ao ar livre a cor do objeto muda muito em função da atmosfera que filtra a luz e permite o reflexo. Só que 1 ano depois em 1879 morre sua esposa. Kandinski fica muito encantado ao ver os quadros de feno de Monet. Durante 30 anos Monet vai morar em Giverny pintando a mesma coisa. Resolvem pintar também em outros lugares como na Cote d'Arzur. ou as pessoas. que tinha sumido. Vai pintar em uma plataforma numa estação de trem para ver o trem sair e chegar. bem iluminadas. pintando ao contrário. etc. vai a falência. Fica muito encantado com aquela pintura que dava a impressão de feno. Começa a viver lá com os filhos que tinha e com a mulher e filhos de Hoscheder. Eles vêem a natureza com a mente além dos olhos. A situação pessoal dele tinha altos e baixos. o lugar. "Quando o artista Monet toma plena consciência da importância da atmosfera. do momento. pega uma charrete e volta para Giverny onde vai compra aquela casa. bonitas e suas composições são melhores. ele prefere focalizar o mesmo ambiente nas diferentes horas do dia". e todo aquele envolvimento que o trem faz. comprando muitas obras durante 3 anos. O que importa para Monet é ver a luminosidade. as brumas. Essa obsessão das cores complementares vai acontecer quando vão pintar ao ar livre. Vão tirar da paleta o preto e quase todas as terras como: terra-de-siena. que eram amigos da família de Monet. quando suas obras são mais alegres. Kandinski com essa influência do Monet consegue se desenvolver para o abstrato. mas sombras com tonalidades diferentes e não mais só de uma cor. As sombras vão ser obtidas mediante o emprego das cores complementares. Quando vai ao campo. Em 1878 nasce seu segundo filho Michael. Vai 95 . Pinta cada vez mais e vai visitar Cezanne em L'Staque e depois Renoir.As cores complementares vão ser um dogma para os impressionistas. onde é inverno e de uma tristeza profunda. Passa a ser muito mais interessante a atmosfera do que a paisagem. Um dia passando por Rouen encontra uma casinha encantadora em Giverny. Vai pintar muito pouco e obras bem tristes. Ele vai expor 56 telas na galeria do Duran Ruel sendo quando quase um sucesso (pois não vendeu todas as telas).

São dezenas de trabalhos em estudos. Enquanto Renoir trabalhava por encomenda. com quem compartilhou dias de muita conversa e teorização em Paris e de árduo trabalho em Argenteuil. era conseguir realizar uma obra agradável aos olhos. outono. embora não faltasse um pouco da delicadeza de seu ofício anterior como decorador de porcelana. aceito publicamente antes de todos os outros pintores. como ele próprio afirmava. Mesmo doente. etc. Teve uma espécie de malária o que não diminuiu o seu trabalho. telas. na cidade de Cagnes-sur-Mer. Aluga uma casinha em frente a Catedral para pintá-la em suas variações durante o dia. com motivos que lembram o mestre Ingres. pintando ao ar livre. Morreu em 05 de dezembro em 1926. Um político francês fica encantado com seu trabalho e a partir de 1896 Monet é considerado o mais famoso pintor dos impressionistas. Renoir (1841-1919) começou muito cedo a ganhar a vida como pintor de porcelana. inverno. onde faz o maior sucesso. Mais tarde retomaria a plenitude da cor e recuperaria sua pincelada enérgica e ligeira.de fato. aqui e ali intensamente azuis. Renoir vai pintar as encomendas da família do banqueiro e as meninas no piano. Monet pintava o que gostava. Apesar de sua técnica ser essencialmente impressionista. Desde o princípio sua obra foi influenciada pelo sensualismo e pela elegância do rococó. idoso. Seu principal objetivo. Renoir nunca deixou de dar importância à forma . teve um período de rebeldia diante das obras de seus amigos. evidente na longa série Banhistas. Monet e Bazille. Em 1896 vai expor essas pinturas na Galeria Duran Ruel. Monet pintava o que queria. “Monet buscou sempre a luz em movimento em uma atmosfera mágica”. por sua beleza e sensualidade. conseguindo expor e vender. Morreu no sul da França. além de aperfeiçoar sua técnica. São inesquecíveis poesias cromáticas. Em 1900 Renoir foi nomeado Cavalheiro da Legião de Honra. buscando o impressionismo por toda a sua vida e por esse aspecto vai ser muito mais bem aceito do que o próprio Renoir. no qual se voltou para uma pintura mais figurativa. Sua obra de maior impacto é O Baile no Moulin de la Galette. ofício que aprendeu numa escola noturna. Começou a pintar a série das ninféias no ano de 1899. ganhando muito bem. Ele fica muito rico. AUGUSTE RENOIR De origem humilde.pintar a Catedral de Rouen em 20 variantes no verão. conquistou a amizade de Sisley. nada o afasta de seu trabalho. Monet era mais aberto e por isso vai ser um pintor quase que contemporâneo. em que conseguiu elaborar uma atmosfera de vivacidade e alegria à sombra refrescante de algumas árvores. 96 . Assistindo às aulas no ateliê de Gleyre.

na École des Beaux-Arts e ingressou. Seurat é introduzido na pintura pelo seu tio materno. o comerciante de tecidos Paul Haumonté-Faivre. Degas (1834-1917). mas ampliou depois esses critérios. 97 . tecnicamente falando. nº 110. fez uma viagem à Itália. apenas uma vez por semana. nº 60. principalmente. Em 1876 estudou a Gramática das Artes do Desenho de Charles Blanc. Também se interessou vivamente pelos quadros de Ukiyo-e japoneses. Entre os anos de 1856 e 1857. onde assistia às aulas de Lamothe. ou numa casa na La Villette. Todos esses temas lhe permitiram fazer experiências com a cor e o movimento e. quase cegas. que o escultor Justin Lequien dirigia. Isso lhe valeu críticas e o apelido de solteirão misógino. em Le Raincy. descendia de uma família abastada da classe média Parisiense. um aluno de Jean Auguste Dominique Ingres. que foi aluno de Ingres. Voltando à França entrou em contato com o grupo de impressionistas. GEOGES SEURAT Georges Pierre Seurat nasceu em 2 de dezembro de 1859 na Rue de Bondy. A mãe. A partir de 1870. não hesitou em aplicar todas as teorias renascentistas sobre espaço e perspectiva. na turma de pintura de Henri Lehmann. fez uma série de quadros de balé. ópera e corrida de cavalos. Chrysostome-Antoine Seurat. Suas obras se encontram nos museus mais importantes do mundo. Ele estuda os antigos mestres no Louvre. quando. Em fevereiro de 1878. com a força descritiva do traço. em 19 de março. embora tivesse continuado a se dedicar aos quadros históricos e de gênero. fazendo tentativas com planos e pontos de vista inusitados. o que melhor se utilizou da fotografia. tendentes à desmitificação da mulher. Entre 1875 e 1877 Seurat freqüenta o Curso de Desenho numa escola estatal noturna. fato que se reflete ainda mais em suas últimas obras. De todos os impressionistas. Nos primeiros quadros. Então iniciou uma amizade com Edmond Aman-Jean. entre outros. algo que Degas admirava em Ingres. freqüentou os melhores colégios de Paris e concluiu seus estudos de direito sem dificuldade. Ernestine Faivre. Seurat é admitido. Visitava a família. Depois inscreveuse na Academia de Belas-Artes. em Paris. tinha sido antes oficial de diligências em La Villette. para estudar a obra dos mestres do cinquecento. Degas foi. juntamente com Aman-Jean. só podia pintar com pastel. O tema principal de suas obras se concentrou nas cenas cotidianas e íntimas do mundo feminino. ele também era um pintor amador. Durante o tempo da instrução escolar (1869-1876). O pai. que morava desde 1862 na Boulevard Magenta. Monet e Renoir. O filho tinha uma relação estreita e afetuosa com ela. cujo pai era banqueiro. interessado nas teorias de seus amigos do café Guerbois.EDGAR DEGAS Nascido em uma família rica. Tinha reunido uma pequena fortuna e levou uma vida solitária como reformado na sua casa de Verão.

dá forma plástica ao amor. e não faltam cenas que mostram um erotismo natural. empastando ou provocando explosões. Os pintores não queriam destruir os efeitos impressionistas. de 98 . subjetiva. mas queriam leválos mais longe. * preferência pelo patético. vibrantes. Corrente artística concentrada especialmente na Alemanha entre 1905 e 1930. como demonstra o seu famoso Cristo Amarelo. algo que ele consegue com a aplicação arbitrária das cores. As cores se estendem planas e puras sobre a superfície. abrupto. trata-se de uma pintura dramática. é verdade que teve seguidores e que pode ser considerado o fundador do grupo Navis. Os três primeiros pintores abaixo estão incluídos nessa designação. Apesar disso. inesperado. para ressaltar o sentimento. * cores resplandecentes. Principais artistas : PAUL GAUGUIN (1848-1903) Depois de passar a infância no Peru. segundo conhecidos do pintor. Utilizando cores irreais. fundidas ou separadas. áspera. “expressando” sentimentos humanos. Suas telas surgem carregadas da iconografia exótica do lugar. ao ciúme. que resultou numa produção artística singular e determinante das vanguardas do século XX. martelada. fruto. que. Começou assim uma vida de viagens e boemia. quase decorativamente. fazendo e refazendo. Sua obra. Suas primeiras obras tentavam captar a simplicidade da vida no campo. mais precisamente para Orléans. para se libertar dos condicionamentos da Europa. * pasta grossa. * técnica violenta: o pincel ou espátula vai e vem. em oposição a qualquer naturalismo. Gauguin voltou com os pais para a França. foi tão singular como a de seus amigos Van Gogh ou Cézanne. Em 1887 entrou para a marinha e mais tarde trabalhou na bolsa de valores. à prostituição. Predominância dos valores emocionais sobre os intelectuais. * dinamismo improvisado. No ano de 1891. representava uma forma de pensar a pintura como filosofia de vida. à miséria humana. longe de poder ser enquadrada em algum movimento. trágico e sombrio OBSERVAÇÃO: Alguns historiadores determinam para esses pintores o movimento ”Pós Impressionista”. mais do que um conceito artístico. Aos 35 anos tomou a decisão mais importante de sua vida: dedicar-se totalmente à pintura. Deforma-se a figura.PÓS-IMPRESSIONISMO O Expressionismo é a arte do instinto. Principais características: * pesquisa no domínio psicológico. à solidão. o pintor parte para o Taiti. ao medo. em busca de novos temas.

Tudo o que se sabe sobre Van Gogh foi obtido através dessas cartas. Van Gogh começa a falar de arte com o irmão. voltou ao Taiti. Van Gogh passou a sua vida toda vendo a lápide atrás de sua casa com seu nome. na aldeia holandesa de Brabant. filha do senhorio da casa onde ele está hospedado. sobre os problemas da família. Outra coisa que detesta em 99 . Gostava muito de ler. Quando voltou a Paris. de gravuras e de pinturas. tinha uma cadeia de lojas de livros de arte. A sua vida escolar foi muito fraca. Essa criança nasceu e morreu logo após o seu nascimento e a mãe o enterrou atrás de sua casa. Van Gogh foi morar e trabalhar com esse tio. Ele se achava também muito feio. Em 1873 após esse encontro Van Gogh sai de Haia e vai trabalhar em Londres com o tio. A família se preocupava com ele. Van Gogh tinha um tio que era próspero negociante em Haia. Tem um livro chamado "As cartas de Van Gogh para Théo" (para quem quiser saber muito sobre sua vida). ficando alguns dias com ele. verdes e violetas. Théo é o seu irmão. não se dava com ninguém. Van Gogh vê no Théo sua alma gêmea. Em primeiro de março de 1857 nasceu seu irmão mais moço chamado Théo que vai ser o protetor de Van Gogh por toda sua vida. Ele vai primeiro para Haia trabalhar como empacotador de livros e despachos também. Nasceu um ano depois que sua mãe perdeu o primeiro filho. mas não de escrever. Van Gogh nessa época tinha 19 anos. filosofia. pensando. Nasceu em Zundert. problemática. etc. o qual tinha o mesmo nome de Vicent Van Gogh. A sede principal era em Haia. Em 1872 Théo (com apenas 15 anos) vai se encontrar com Van Gogh em Haia. Resolve não se apaixonar mais por ninguém. e a partir daí eles permanecem ligados para o resto da vida. as cartas que escreveu. A cor adquire mais preponderância representada pelos vermelhos intensos. o seu outro “eu”. sua cultura vem de sua autoinstrução. Vicent Van Gogh foi uma criança muito difícil. estudando essas gravuras. Obra Destacada: Jovens Taitianas com Flores de Manga. teologia. Essa loja chamava-se Galeria Gropil com filiais em Haia. seu confidente. próximo a fronteira da Bélgica. o que deixou-o muito perturbado. Foi a primeira grande desilusão amorosa de sua vida. extremamente solitário. Vai se apaixonar por uma moça loira muito bonita. Amsterdã e Paris. com cabelo espetado. Era um homem muito culto. apaixonando-se por arte. Van Gogh começa a ver as reproduções dos grandes pintores. Ele sempre andava vagando sozinho pelos bosques. A moça dizia para ele que era horroroso. mas fixou-se definitivamente na ilha Dominique. Esse tio teve um papel muito importante na sua vida. a quem escreveu mais de 650 cartas. não sendo nada correspondido. É por isso que foi um grande acontecimento em sua vida. Lia muito Platão. VINCENT VAN GOGH Nasceu em 30 de março em 1853 e morreu em 1890. vivendo só 37 anos. Quando eles se separam começam a se corresponder por sentirem muito a falta um do outro. Queria que ele se desse bem em alguma coisa na vida. amarelos.sua paixão pelas nativas. Cresceu sob o estigma do seu irmão morto. por que não deu certo e fica nervoso. Embora tenha estudado muito pouco. realizou uma exposição individual na galeria de Durand-Ruel. e que o entendia plenamente como se fosse o outro "eu" dele. Achava que tinha condições para se desenvolver como pintor. Os dois sempre vão ser muito leais e amigos um com o outro. em quem podia confiar.

em Etten. Resolve voltar para a casa dos pais. portanto. Tinha a alma muito parecida com a dos pintores latinos. perto de Zundert. Fica frustado por querer ser pastor e o seu pai não o entender. Van Gogh resolve ficar na galeria.Londres é a falta de sol. Seu tio ficava muito aborrecido por ele ir visitar as galerias concorrentes. porque nasceu num país que tem somente 3 meses de sol por ano (junho. Tudo encanta. tudo o seduz. A família resolve ajudá-lo a estudar teologia em Amsterdã. só para ver a água da chuva batendo na luz e caindo nas poças. Só que Van Gogh falava para os fregueses que comprassem as pinturas de outros pintores. Escreve uma carta para o irmão dizendo que a miséria o atraía. Vai à Paris em 1875. Ao invés de desistir. Chega a passar uma noite em Paris. Van Gogh era muito inconstante. faltava do emprego para ir visitar as outras galerias. enquanto trabalhava vendendo gravuras na loja do seu tio. 100 . Boudelert". Incumbido de cobrar taxas da escola. Começa então a desavença com o tio. das suas frustrações amorosas. Foi. muitas vezes em seus sermões. no Boulevard do Capuccino. A impressão sofrida fortaleceu o desejo de trabalhar com os pobres e os humildes. seu irmão. Em Paris. ficando muito frustado e sem perspectiva para o futuro. Em Paris vai ler muito sobre os grandes escritores da época como "Floubert. Só Théo o compreende. O seu pai era pastor. ver o sol e os impressionistas que estavam acontecendo. em uma escola infantil. suas palavras acabavam mais perturbando do que confortando os ouvintes. Obs. tinha crises fortes de rolar no chão (epilepsia). Tudo o que ele fazia era extremamente exagerado. pois o tio era bom e só tentou ajudá-lo. ele tinha que visitar as famílias dos estudantes. Tornou-se assistente de um pastor metodista e começou a pregar. que não eram vendidas na galeria de seu tio. Resolve voltar para a Inglaterra. Adora Paris e odeia o seu emprego. Fica quase com pneumonia e Théo. Van Gogh falava que apreciava muito as outras galerias por ter outras pinturas bem diferentes e que o tio só tinha pintura acadêmica. Era maníaco-depressivo. Quer ser pastor de pobre e não de rico. mas não adiantava dizer nada. à parte: A obsessão pela religião parecia uma fuga da sociedade. Só que o seu conhecimento por línguas era deficiente. Não gostava dos países nórdicos porque era anglo-saxão. Fica muito deslumbrado com a luz de Paris e suas ruas movimentadas. levando-o a conhecer as condições miseráveis da zona leste de Londres. ele vai ficar extremamente místico e fervorosamente religioso. Resolve ensinar francês e alemão num bairro pobre da metrópole. O pai fica indignado com Van Gogh. vai socorrê-lo. O tio exige que ele freqüente somente a galeria dele ou que então Van Gogh vá embora. Em 1876 ele sofre sua primeira grande crise nervosa depressiva. reprovado nos exames de admissão. onde é muito mal recebido. Passa a brigar com a clientela querendo impor o que ele achava. Devido a sua crise espiritual. pois poderia seguir a carreira do pai e do avô. fez um curso de pastor leigo em Bruxelas. A partir dessa sua primeira crise. O irmão fica horrorizado. Em 1878 volta à Holanda. julho e agosto). da família. Vai pensar o que fazer da vida. onde viviam os operários. mas achava que era impossível que ele fosse tão maníaco por religião. para passar o Natal com os pais. Com 22 anos briga com o tio.

Mas a família foi contra o relacionamento porque ela era viúva recente e prima. Passa dias sem comer porque o que recebia dos pais ele dava aos pobres. Apaixona-se perdidamente por ela. distrito mineiro do norte da França. em sua casa. Por 2 anos não tem nada escrito que fale como ele sobreviveu esse tempo. perspectiva e anatomia humana. Théo começa a sustentá-lo a partir daí. dizendo que iria pegar mal na sociedade. Mais uma vez não deu certo sua vida amorosa. a vida daquela gente. Quando ele ficou péssimo. Ele sempre sabia que seria e se considerava um grande pintor. Um deles era o seu estúdio onde em 1885 vai pintar uma de suas mais famosas obras "Os Comedores de Batatas". Em Haia recebe um conselho de um primo artista também. Em abril de 1881 foi visitar Théo em Etten. mudou-se para Borinage na Bélgica. Depois do parto ela voltou a beber e Van Gogh não teve mais como ajudá-la. distrito belga de mineração de carvão. o de desenhar diretamente temas da natureza. Vai pintar muito o que tinha visto em Borinage. os homens que trabalhavam na terra quase só para comer e. dividindo o quarto com uma prostituta chamada Christine Sien. Estava em uma profunda crise mística. Fica praticamente sem roupas. Pintou também "Camponesa Varrendo". Christine não o acompanhou. foi buscá-lo de volta para a casa. etc. a congregação o despede. sua irmã e camponeses em seus afazeres. pobre e seus pais resolvem não ajudá-lo mais. quase não toma banho e muito sujo. Multiplicaram-se nesse período os desenhos com que retratava. fez uma mala farta de roupas. Théo vai escrever que se ele continuar com essa mulher ele vai parar de mandar dinheiro para sustentá-lo. Viajou a Courrières. Anthon Von Rappard. Ela tinha um bebê e estava grávida de outro. ele começa a dar tudo o que ele tem. Quando ele decidiu mudar-se para o campo. Perto de sua casa tinha uma viúva muito bonita chamada Kee Vos. como Cristo deu tudo aos pobres. Passou a desenhar seus pais. "Natureza Morta com Cinco Garrafas e Tigela". agasalhos. meias. Seu pai preocupado com as condições que o filho vivia. também. Em 1882 vai morar num quarto horrível em uma casa. porque estava afastando os pobres da Igreja. Em 1883 Van Gogh vai à Holanda ver seu pai que tinha uma nova paróquia e sentindo-se incompreendido foi viver em dois quartos alugados nas proximidades. volta a pintar com a mesma paixão que ele teve no misticismo. Passou a estudar desenho em Bruxelas com um jovem estudante da Academia. as suas roupas para os pobres. em novembro de 1878. que o adorava. Só que a miséria que ele achou na região era muito pior do que ele pensava. Resolve voltar para Haia. Acolhido como amigo. Quando ele foi para lá a sua mãe. ela pulou fora do relacionamento indo morar com os seus pais em Amsterdã. em seu estúdio. 101 . em suas cartas. mas estava doente com tuberculose. Quando a família ficou em cima. Um dos quadros mais bonitos que vai pintar sobre ela chama-se "Tristeza". Vai pintar obras fantásticas dessa prostituta. Vendo aquela pobreza. que era uma prima afastada. Ela o aceitou. Ele queria viver e casar com ela. mas sabia que seria um grande pintor. onde passou a conviver com os mineiros. A ligação não durou muito. Ela estava começando a gostar dele. Ele estava tão pobre que o dinheiro que recebia do irmão era pouco para comprar o material de pintura. Van Gogh.Três meses depois. aprendeu. etc.

ficou em Antuérpia alguns meses. Teve uma paixão por Paul Gauguin onde via a coragem nele. Deve-se aproveitar sempre isso. As pinturas de Rubens estavam espalhadas pelas igrejas e museus da cidade. Fica íntimo da família do carteiro. Continua a pintar como impressionista. Antes de seguir para Paris. Vai conhecer Manet. Pinta a família Rolan. porém. que dê ajuda financeira à ele. Degas e achava que todos eram antipáticos e metidos. Em seguida fica muito amigo de Pissarro e Paul Gauguim. Vai morar com seu irmão. viviam bem.Em 1884. Van Gogh e Toulouse Lautrec que também tinha uma vida bem à parte. O primeiro que quis que morasse com ele foi Gauguin. mudou-se novamente para França. Descobre a cor e escreve para o Théo: "A cor expressa algo em si. Quando chega o verão. só serviu para ele fazer desenhos sobre nus. Não acreditava que não tivesse vivido lá anteriormente. Pede a Théo. pinta todo mundo. Monet. Fica impressionado com essas obras. O impressionismo estava no auge. freqüentavam as grandes galerias. Van Gogh sai de Paris e vai para uma cidade no sul da França chamada Arles. 102 . Van Gogh fica apaixonado pelo sol que era tão forte a ponto de perturbar as vistas. Vai pintar o carteiro. Vai começar a pintar cada vez mais rápido. os grandes cafés e ele não. O sol do sul da França parecia explodir de tão forte e era o sol que ele chegou a pintar exatamente como era mais tarde. Resolve se matricular em uma Academia de pintura acadêmica. Em outubro chega Paul Gauguin para trabalhar com Van Gogh. Aluga um sobrado amarelo numa praça chamada "La Martine". Mas. Expor para os impressionistas ainda era um obstáculo quase intransponível. simplesmente porque ela existe. que gerenciava uma galeria em Mont Martre. o padeiro. em um apartamento muito bonito. O sul da França para ele tinha uma equivalência com o Japão. no bairro dos intelectuais e dos artistas. A luz vai iluminar os girassóis que pinta. Não chega a ficar íntimo. Vai escrever: "Eu quero a luz que vem de dentro. Pelo histórico Van Gogh deve ter sido bissexual devido a tendência de gostar de mulheres e homens. Lá ele faz amizade com todo mundo. Vai de qualquer modo deixar a Holanda para sempre. Volta a Paris onde passará dois anos frutíferos entre 1886 e 1888. Fica encantado com a luz do impressionismo e pinta algumas obras totalmente impressionistas. Vai convidar todo mundo para viver com ele ali. Van Gogh não conseguia expor o que pintava. que ele não tinha. pois a cor é bela e o belo é sempre verdadeiro". O motivo talvez tenha sido a morte do seu pai ou então o desejo de estar perto do irmão que se mudara para Paris. Fica muito amigo do proprietário do café e do tenente do exército. Van Gogh destoava dos outros artistas porque os outros eram de família rica. Van Gogh entra numa fase furiosa de pintar onde vai fazer uns 300 quadros em menos de 4 meses. já que não consegue vender. eram mais boêmios. É aí que vai pintar seu primeiro auto-retrato. onde fará as pinturas que mais conhecemos hoje. eu quero que as cores representem as minhas emoções. de ter abandonado toda a família e tudo para morar em Taiti (?). Cidade próxima de Marsseilles. quero que as cores representem o meu coração". Nessa época ainda não tinha crise nenhuma e estava pintando muitos quadros impressionistas em Arles. Resolve fazer uma colônia de artistas. Disse para o seu irmão que aquela era a pátria dele e que gostaria de viver para sempre lá. Renoir.

em frente ao espelho. Tinha uma consciência muito grande do que tinha. dono de um jornal da França. Acham que Van Gogh era louco e pedem para que o prefeito de Arles expulsem-no da cidade. ao redor do hospital até ao anoitecer. 103 . achando que era "Deus" e que podia reformar o mundo. Cria um clima muito negativo para ele. do seu trabalho. de mágoa. Gauguin era muito macho.Gauguin era muito organizado com tudo. O seu olhar era de espanto. Théo vai acumulando seus quadros. Em maio de 1889 ele fala para o Théo que não dava para viver assim e que precisava ficar um tempo maior internado para melhorar e tomar remédio. ainda em Arles. publique sua primeira e única crítica. monótona. Ele adorava pintar lá. a janela. Pintava. Vai para um outro hospital chamado Saint Rémy. Estando tão bem no hospital em Saint Rémy. Começou a ter outra vez uma série de crises místicas. Volta a trabalhar com muita fúria. na casa de Théo. Os médicos consentiram mas com a condição de que fosse vigiado por um guarda. Um dia um pintor pontilhista chamado Signac vendo um quadro de Van Gogh. Mandava seus quadros para Théo que não conseguia vendêlos. Van Gogh pede ao irmão que o leve para um hospital psiquiátrico (não para completamente loucos) chamado Saint Paul. Isso perturbou mais Gauguin dizendo que jamais pisaria ali novamente. Eles brigavam o tempo todo. enfim. irritando-se muito com Van Gogh. Ele se achava um grande pintor e por isso não acreditava porque não conseguia vender nada. Vê anjos e demônios. Gauguin jogou vinho na cara do Van Gogh e foi embora para morar em um prostíbulo. a morte talvez não seja a coisa mais difícil" (já começa daí a ter idéias sobre a morte). Van Gogh queria que Gauguin pintasse a mesma figura que ele e ficava discutindo sobre a pintura que saía diferente uma da outra. volta para sua casa amarela. muito elogiosa. todas as pessoas de Arles passam a detestá-lo por isso. Van Gogh achava que tinha perdido muito tempo durante sua crise sem pintar que fora dela passava a pintar tudo muito rápido em busca do tempo perdido. no prostíbulo. com as tintas. tem uma melancolia muito forte. Van Gogh corta o lóbulo da orelha e o embrulha pedindo para entregarem à Gauguin. Vai querer sair para pintar lá fora também. Van Gogh jogou na cara do Gauguin que o Théo estava sustentando ele também. passava a pintar muitas paisagens que agrediam pela sua violência. Nesse momento escreve novamente para Théo: "Na vida de um artista. Théo pergunta para o Van Gogh o que achava que deveria fazer. Vivia intensamente cada momento de sua vida. após suas crises. Cada vez que tinha uma crise e voltava muito fraco e abatido. fica encantado. É nesse momento então que vai pintar. próximo a Arles onde vai ficar 10 dias internado. Van Gogh desesperado declara que gostava muito dele e de todas as formas. Ele já estava completamente expressionista distorcendo a imagem por vê-la também distorcida. Ao sair do hospital. todo o hospital. Eles eram completamente diferentes. onde irá pintar o seu quarto. Vai visitar Van Gogh e faz com que um amigo seu. o seu quadro onde aparece com a orelha cortada. Não gostou da cidade achando-a muito parada. No meio a uma discussão feia. os pincéis e muito cheio de vida. Os médicos deixaram que ele transformasse o seu quanto em um atelier. Gauguin ficou muito nervoso e Van Gogh ameaçou ele com uma navalha.

Pinta seus últimos trabalhos e começa a aceitar a sua doença achando que não tinha mais jeito. ainda vivo. retorcidos. Disse que não adiantava prendê-lo. num domingo ensolarado (detestava domingos onde o tempo parava e ele era muito ativo). ele pinta os seus famosos quadros: "Os Ciprestes". Van Gogh é bem recebido por ele. já que é um grande artista. acham que ele deve ter tido uma lesão cerebral ocorrida no parto. vai para um campo de trigo bem próximo a sua casa. fazem uma estrutura para ele pintar um pouco melhor. toda estrutura para que ele pudesse pintar. Van Gogh vai gostar muito dele. achando-o fantástico. Gachet. amigo dos artistas e que tinha uma visão muito moderna da psiquiatria. mas Lautrec conversa com o médico pois o acha muito perturbado.Gachet perguntou para onde gostaria de ir e ele respondeu à “Paris”. 104 . Dr. O filho do Dr. porque além de ser maníaco-depressivo. pincéis. No dia 29. Em outro dia ele entra numa crise horrível. no final de sua vida. Gachet estava querendo matá-lo e depois voltando atrás dizendo que não. escreve para Théo. psiquiatra muito famoso na Europa. morre na presença do Dr. que era muito amigo de Théo. Vai confiar muito no médico. quando começa a ter mania de perseguição.Pensou que essa crítica fosse ajudar a vender algum quadro. Toulouse Lautrec. Pissarro. com Théo segurando sua mão. Não se sabe onde se encontra esse quadro. O médico consegue explicar que ele estava passando por uma crise dificílima e que tinha que fazer isso. Dr. Diz a Théo que vai cuidar dele. Gachet. além do seu irmão. dois dias depois. sozinho. Gachet toda vez que ia a Paris trazia tintas. Gachet e dizendo ao seu irmão: "A miséria teve fim". O sol e os grãos estavam bem dourados. Hoje em dia. que era próximo a Saint Rémy. Gachet e que precisava sair para respirar. Pinta mais de 200 desenhos e mais de 40 quadros a óleo em menos de 2 meses. Nesse período. Gachet onde passa a noite fumando cachimbo esperando por seu irmão Théo. "O Trigal com Corvos". Gachet fala para o Théo que a situação de Van Gogh era grave e que estava no limite da loucura. fazendo um preço especial. É carregado para a casa do Dr. com um revólver na mão. Somente seis meses após essa publicação alguém resolve comprar o quadro "A vinha vermelha". Falava que gostava do Dr. Acaba então o momento de Paris onde ficou apenas 10 dias e volta com o médico para "Anvers". Dr. no sul da França. Todos violentos. Ele não morre na hora. céu incrivelmente azul. Foi o único quadro de Van Gogh vendido durante toda sua vida. "Retrato do Dr. Van Gogh não quer ver o irmão e Théo fica muito magoado. estando muito tranqüilo e lúcido. Sisley. notável e cheio de problemas. Van Gogh. Ele dizia que não poderia morrer enquanto seu irmão não chegasse. Van Gogh tinha que ter a liberdade de trabalhar ao ar livre e pintar o que quisesse para depois voltar para casa. descobre que era epiléptico (devido às crises em que rolava no chão) ou esquizofrênico. E ele consegue colocar na tela todo aquele desespero interior. ficando em uma casa bem próxima a do Dr. mas isso não ocorre. Ele tinha 37 anos. Diz a Théo que o Dr. sem guarda para tomar conta dele. Nessa fase Van Gogh consegue uma certa paz interior ao encontrar alguém que o compreende. Um dia. Em 27 de julho de 1890. Gachet houve o tiro e sai correndo. que ele está muito feliz. pinta seu último quadro e dá um tiro no seu peito. O médico achou que ele não devia ir sozinho e resolve acompanhá-lo até Paris onde vai encontrar Toulouse Lautrec. Dr. Gachet". entrevista Van Gogh. telas. tentando socorrê-lo.

Corre-se o risco de se perder no turbilhão confuso de sua pintura. Escreve para o Théo: "Quando eu começo a pintar. O seu apelo social ocorreu antes dele entrar nessa fase. Eu quero pintar de uma forma que todo mundo que tenha dois olhos possa ver claro. É chamado de pintor expressionista. Não se sabe bem se pelo pintor. 105 . onde tudo seria partilhado. Muitas vezes pegava o tubo e colocava a tinta diretamente na tela. embatido pelos sintomas da doença. como a que ele reclamava para contra balançar "a decadência do Ocidente". fundariam uma comunidade de artistas. Essa distorção era feita para ele e não importava se você entendesse ou não. Os olhos dos homens são imponentes e majestosos. Isso é o que eu chamo de simplicidade técnica". A HISTÓRIA DE DOIS AMIGOS Van Gogh conheceu Gauguin poucos meses antes. dava uma textura muito grande à sua tela. em Paris. Vermeer. As vezes pintava com o dedo. existiam 700 quadros de Van Gogh sem comprador. Nunca concordou quando Théo pedia para ele distorcer menos para que suas obras fossem vendáveis. Essa técnica chama-se "empaste". Ali. somente ele. É um grande pintor de todos os séculos. telas pequenas.No sótão da galeria Gropil de Paris. depois os pintores franceses como Delacroix. Gostava demais de Millet. da qual seriam os pioneiros. Não procurou agradar nunca os outros. Van Gogh não vai deformar com um apelo social em sua fase expressionista. E corre-se o risco de cada vez mais entender Van Gogh” Van Gogh era um homem de uma riqueza interior genial. pintava com grossas camadas de tintas. Corre-se o risco de se fazer dele um herói e de se fazer dele distante. nessa casa amarela. por que nos olhos deles há o que não existe em nenhuma catedral e em nenhuma construção. onde Théo tomava conta dessa galeria. Sua pintura é como um diário. muita espátula. procuro uma técnica simples que não é impressionismo e nem pontilhismo. Pinta a sua realidade e o que vive. "Quando se estuda Van Gogh corre-se o risco de se apaixonar. Pinta muita figura humana e fala para o Théo: "Amo mais pintar os olhos dos homens do que as catedrais. e ficará fascinado com a personalidade arrebatadora desse artista aventureiro que acabava de voltar do Panamá e da Martinica com uns quadros cheios de luz e de vida primitiva." Exagerou muito nas cores. Mas. Técnicas de pinturas utilizadas por Van Gogh: Suas primeiras influências foram os pintores holandeses como Rembrandt. O seu apelo era para ele mesmo e não para a pessoa que estivesse vendo a sua pintura. Ele queria pintar somente o que ele sentia. um expressionista sempre deforma com apelo à emoção e apelo social. homem incomum. pelo homem ou se pelo seu trabalho. dominado pela doença. uma reflexão profunda do seu ser. Passa para sua pintura toda a sua perturbação e toda a sua tristeza. Ele pintava muito para ele próprio. se viveria pela e para a beleza e não existiriam a propriedade privada nem o dinheiro. Gauguin a dirigiria e novos pintores chegariam para integrar essa confraria ou comuna fraternal. Teve uma fase impressionista bem curta. Deve ter pintado mais de 1000 obras. Então pedira a seu irmão Theo que o ajudasse a convencer Gauguin que fosse à Provença morar com ele. mas que sobreviveu através de sua pintura.

Na véspera.acentua-se cada vez mais. PAUL CÈZANNE (1839-1906) Sua tendência foi converter os elementos naturais em figuras geométricas . um ano e meio depois. ele poderia reagir com igual violência e apertarlhe o pescoço. em Arles e a descobre rodeada de vizinhos e policiais. caso o episódio se repetisse. Van Gogh havia cortado parte da orelha esquerda. Embora nunca voltassem a ver-se. Obras Destacadas: Castelo de Médan e Madame Cézanne 106 . Ao anoitecer. nos meses seguintes. lhe diz. No dia seguinte lhe comunica a intenção de mudar-se para um hotel pois. embrulhada num jornal a Rachel. No entanto. que. depois do incidente no parque. que mal se desvia dela. entre outubro e dezembro de 1888. enquanto bebiam absinto. os amigos de Arles trocaram algumas cartas. como que assediado por um incômodo permanente. talvez de um modo que nem sequer foi sempre consciente. Véspera de Natal de 1888. em Auvers-sur-Oise. que essa ausência esteve muito presente nos 15 anos de vida que lhe restavam. Volta-se e vê Van Gogh com uma navalha na mão. Punaauia. nas quais o episódio da mutilação da orelha e suas experiências em Arles primam pela ausência. Gauguin sente passos às suas costas. quando todo mundo lhe garantira que essa flor exótica nunca havia conseguido aclimatar-se na Polinésia? Mas o "selvagem peruano". como gostava de se chamar. E nos anos seguintes evitará falar do holandês. e trabalhou a terra com tal perseverança que afinal seus vizinhos indígenas e os missionários daquele lugar perdido. como se tratasse de alguém muito alheio a ele ("Foi uma sorte para ele. puderam deleitar-se com aquelas estranhas flores amarelas que acompanhavam a trajetória do Sol. no Taiti. quando está atravessando o Parque Victor Hugo.como cilindros. no bordel de madame Virginie."). Gauguin fará um comentário brevíssimo e ríspido. enquanto Van Gogh permanecia um ano inteiro no sanatório de Saint Rémy. era teimoso e pediu sementes a seu amigo Daniel de Monfreid. o fim de seus sofrimentos. é óbvio que não o esqueceu. Por que se empenhou em semear girassóis diante de sua cabana em Punaauia. com uma bala de revólver no estômago. foge. ao se sentir descoberto.Os dois meses que Van Gogh e Gauguin passaram em Arles. de tal forma que se torna impossível para ele recriar a realidade segundo “impressões” captadas pelos sentidos. 'Quando do suicídio de Van Gogh. prostituta com quem Van Gogh saia. Depois havia voltado ao seu quarto e ido dormir em meio a um mar de sangue. termina de modo abrupto: o holandês lança sua taça contra o amigo. cones e esferas . uma discussão no Café Estação. Gauguin e os policias o transferem para o Hotel Dieu e Gauguin parte para Paris na mesma noite. Guaguin vai passar a noite num hotelzinho próximo. Às 7 da manhã volta à Casa Amarela. são os mais misteriosos de suas biografias. levando-a.

sugerem movimento. Toulouse-Lautrec passou ao estúdio de Fernand Cormon. que estão entre suas obras mais significativas. "Moulin Rouge -. Montou um estúdio particular em meados da década de 1880 e passou a freqüentar os teatros e cabarés do bairro parisiense de Montmartre. depois de bacharelar-se. em Paris. O estilo pessoal de Toulouse-Lautrec. Em 1872. As cores intensas. passou alguns meses num sanatório mas. que passa a ser apenas sugerido. 107 . recebeu educação artística e praticou esportes até os 14 anos. Menos de um ano depois. A partir de 1892. executada necessariamente em óleo sobre tela. que tornaria célebres em sua obra.veemente defensor das normas acadêmicas e contrário aos impressionistas --. "Au salon de la rue des Moulins" e inúmeros retratos. dançarinas de cancã dos cabarés e outros personagens da vida noturna parisiense da década de 1890 eram seus modelos prediletos. De família aristocrática. sentia a estética acadêmica como algo cada vez mais restritivo e insuportável. Ao contrário dos impressionistas. gênero a que conferiu incomum aprofundamento psicológico com grande economia de meios. As figuras são situadas na tela de forma a que as pernas não fiquem visíveis.TOULOUSE-LAUTREC (1864-1901) Henry Marie Raymond de Toulouse Lautrec “A idéia da pintura como obra de arte elevada. As prostitutas. Léon-Joseph-Florentin Bonnat -. onde conheceu Van Gogh e Émile Bernard. desagradava a Toulouse-Lautrec. quebrou o direito. demonstrou pouco interesse pelas paisagens e dedicou-se aos interiores. São famosos "Moulin Rouge". essa característica elimina a obviedade do movimento.La Goulue". Apesar do apoio do novo mestre. no ano seguinte. Entre as mais de 300 que produziu. de linhas livres e onduladas. Em 1899. transgride freqüentemente as proporções anatômicas e as leis da perspectiva em favor da expressividade. Em 1883. sensível panorama da vida nos bordéis. em 24 de novembro de 1864. França.” Henri-Marie-Raymonde de Toulouse-Lautrec-Monfa nasceu em Albi. que foi afixado nos muros de Paris. Interpretada como reação à condição física do próprio artista. Nunca pôde se restabelecer e suas pernas atrofiadas e disformes dificultavam-lhe a locomoção. após grave colapso nervoso. em 1881. Toulouse-Lautrec dedicou-se à litografia. quando sofreu um acidente e quebrou o fêmur esquerdo. enfrentou a oposição familiar e decidiu tornar-se pintor. A simplificação do contorno e o uso de grandes áreas em uma só cor caracterizam os cartazes. O surgimento da série coincidiu com a deterioração de seu estado físico e mental. voltou a beber. abominava os desenhos do aluno. destaca-se a série Elles. em combinações rítmicas. ingressou no Liceu Fontanes (posterior Liceu Condorcet) e. Dedicou então cada vez mais tempo à pintura. Entregouse ao alcoolismo e seus modos irônicos não disfarçavam o sofrimento decorrente de sua deformidade. Um de seus primeiros mestres profissionais. Em 1891 ele criou seu primeiro cartaz de propaganda.

que expôs no Salão dos Independentes de 1909. só posteriormente reconheceu-se a importância de sua obra. o pintor alemão deu formas geométricas às cores e despojou-as de sua função decorativa por meio de contrastes agressivos.Henri de Toulouse-Lautrec morreu no castelo de Malromé. filho de abastada família judia. Essa fase se prolongou até 1914. que por um longo período abandonou a pintura pela escultura. sobretudo das esculturas do Congo e do Gabão. os retratos e os nus femininos com modelos que. muito influenciado por Cézanne. Também a influência dos kouroi (esculturas gregas que representam jovens atletas desnudos) se faz sentir nesses trabalhos. Modigliani morreu em Paris. que prefigurou revolucionários movimentos artísticos do Século 20. retornou à pintura. Modigliani marcou a pintura da primeira metade do século XX com suas figuras alongadas. Essa breve fase final do artista foi a mais importante de sua obra. a partir de então. Gironde. Apesar da excepcional popularidade de seus cartazes publicitários. expressavam "a muda aceitação da vida". segundo o artista. em 24 de janeiro de 1920. Impressionado pelo cubismo. na tentativa de preservar a unidade plástica do bloco. O encontro com o escultor Constantin Brancusi marcou a carreira de Modigliani. Amedeo Clemente Modigliani nasceu na cidade italiana de Livorno. May Belfort e outros artistas. como os que fez para Aristide Bruant. Por causa da saúde precária não recebeu educação formal e voltou-se para o estudo da pintura. em 9 de setembro de 1901. caracterizada por um despojamento que alguns críticos creditaram a sua inclinação para a escultura. que Modigliani esculpia sempre diretamente na pedra. o artista executou nesse período esculturas nas quais se misturam influências da escola de Siena e da arte da África negra. ao fim de três anos de vida boêmia. Com o raro dom de conseguir uma imediata empatia entre seus retratos e o observador. França. KIRCHNER (1880-1938) Foi um dos fundadores do grupo de pintura expressionista Die Brücke. que iniciou na cidade natal e prosseguiu em Veneza e Florença. além das numerosas litografias. mas pelo movimento e pelo alongamento dos traços. AMEDEO MODIGLIANI (1884-1920) Um dos principais integrantes da escola de Paris. sem dispor dos recursos necessários à produção de esculturas. Os temas preferidos de Modigliani foram. Jane Avril. quando o artista. o cubismo e o expressionismo. dotou suas figuras de uma sensualidade que se transmite não pela nudez. em 12 de julho de 1884. Toulouse-Lautrec e Picasso. Influenciado pelo cubismo e fauvismo. com o fim de manifestar sua verdadeira 108 . executou uma de suas obras mais importantes: "O violoncelista". que se destacam pelo despojamento e pela estilização. como o fauvismo. Em 1906 mudou-se para Paris e.

Klee deixou vários trabalhos escritos que resumem seu pensamento artístico. bem como cenas circenses e de variedades. voltou a pintar ao ar livre. onde se encontrou com Delaunay. Em 1933. A exemplo de Kandinski. começou a trabalhar como professor em Dusseldorf e mais tarde na escola da Bauhaus em Weimar. Sua última exposição em vida aconteceu em Basiléia. em sua primeira viagem a Túnis. Entre eles merecem ser mencionados Anatomia de Afrodite. foi nomeado membro da academia de Berlim. numa referência à frase do escritor: “. Klee juntou-se em 1924 ao grupo Die vier Blauen. Quando finalmente sua contribuição para a arte alemã foi reconhecida. segundo o pintor. em cima de "matéria e sonhos". entrou em contato com os pintores da Nova Associação de Artistas e finalmente uniu-se ao grupo de artistas do Der Blaue Reiter. Sensivelmente influenciado pelos desastres da guerra. Klee emigrou para a Suíça. Kirchner tentou mostrar em toda a sua produção pictórica uma realidade de pesadelo e decadência. Flores Noturnas e Villa R. como a forma. Kirchner continuou sua formação na cidade de Munique. em sua casa ao pé dos Alpes. Além de sua obra pictórica. Klee escreveu: "A cor. Quando suas mãos se recuperaram do ferimento.No final de 1938 o pintor pôs fim à própria vida. que seria de vital importância para suas obras posteriores. produto de uma profunda tristeza. Mas a grande descoberta ocorreria dois anos depois. As formas cúbicas da arquitetura e os graciosos arabescos na terracota deixaram sua marca na obra do pintor. durante o nazismo. criados. com os quais. Depois de uma viagem pela Itália. Depois de lutar durante dois anos na Primeira Guerra.. motivados pela leitura de Nietzsche. em 1931.. na primeira exposição dos surrealistas. Klee estudou com o mestre Von Stuck em Munique. Suas obras mais importantes estão dispersas pelos museus de arte moderna mais importantes da Alemanha.visão da realidade. Demônios. Paralelamente. Iniciou uma fase de grande produtividade. Pouco tempo depois reuniu-se com os pintores Heckel e Schmidt-Rottluf em Berlim. em 1940. seus quadros se transformaram num amontoado neurótico de cores contrastantes e agressivas. Tendo concluído seus estudos de arquitetura na cidade de Dresden. mas antes apresentou suas obras em Paris. Convencido de que a realidade artística era totalmente diferente da observada na natureza. Em 1914 Kirchner foi convocado para a guerra. fundou o grupo Die Brücke (A Ponte. Em 1912 viajou para Paris. para seis anos mais tarde. 109 . pode expressar ritmo e movimento". este pintor dedicou-se durante a toda sua carreira a buscar o ponto de encontro entre realidade e espírito. com quadros de caráter quase surrealista. Dessa época são os quadros mais ousados de paisagens e nus. ver sua obra ser destruída e desprestigiada pelos órgãos de censura. PAUL KLEE (1879-1940) Considerado um dos artistas mais originais do movimento expressionista.a ponte que conduz ao super-homem”). e um ano depois tentou o suicídio. Veio então a época em que os pintores se reuniam numa casa de veraneio em Moritzburg e se dedicavam apenas ao que mais lhes interessava: pintar.

etc. quando ocorre uma grande catarse que se projetará na pintura. Pode ser preto. Deformava em uma busca muito forte. Tanto o abstracionismo quanto o expressionismo estão muito fortes ainda no século XX. Essa falta de comunicação. Artistas alemães do princípio do século: Edward Münch (papa dos expressionistas) 110 . que sempre existiu. quando o homem deformava um bisonte ou abutre.O EXPRESSIONISMO O expressionismo sempre existiu e sempre vai denunciar. vermelho. Esse termo vai existir também na música. porque as pinceladas são muito nervosas. É uma constante na história da arte. como corrente artística. muito rápidas. mas sempre vai ter contrastes violentos no interior da figura. do que estava acontecendo no seu país. de não facilidade para se expandir e falar com o próximo é que faz com que surja o expressionismo. O expressionismo nunca vai pintar sobre aquela emoção gostosa que se observa nos quadros impressionistas. já era expressionista sem saber. Pode-se usar a mesma técnica hoje. um apelo a sua emoção. Ninguém vai pintar mais sobre a “belle epoque” pois. mudando tudo sobre a estética grega que estávamos acostumados a ter como padrão ou ideal de beleza. Desde que o homem é homem ele faz expressionismo embora não fosse consciente dessa denominação. solidão interior.: Quase todas as principais correntes expressionistas são nórdicas. Goya. música. O expressionismo vai surgir entre 1904 a 1909. Foi publicada pela primeira vez em uma revista alemã chamada de "A tempestade". registrar a dor humana. etc. Vem do comportamento introvertido do homem. O expressionismo vai surgir. filmes. Os primeiros artistas plásticos que foram chamados de expressionistas foram os alemães. o oposto da pincelada delicada do impressionista. No aspecto psicológico é uma arte quase que de instinto. fotos. ficando meses trancados em casa por causa das tempestades de neve. O aspecto técnico é aquela acentuação bem forte. É muito forte na Alemanha e nos países nórdicos. ele já era expressionista deformando por necessidade própria. amargura. O impressionismo continua forte somente na forma e não mais no conteúdo. Desde a pré história. não importa a cor. É muito forte. Ex. roxo. bem preta dos contornos ao redor das figuras. Essa revista veio a comentar que aqueles artistas expressavam só dor. o tempo é ruim com pouco sol. ao redor de tudo. Obs. Existem dois aspectos no expressionismo: o aspecto técnico e o psicológico. a belle epoque. Normalmente usam cores puras. no princípio do século XX. não tem mais sentido de pintar o impressionismo hoje com o conteúdo do século passado. muito violento. no final de sua vida. O expressionismo.: música expressionista. não pode ser chamado de um simples estilo. mas com conteúdo atual. Lá existe uma falta de comunicação muito grande.

Karl Schimt Rotluff Otto Muller Emil Nolde Esses alemães vão fazer um trabalho chamado "A Ponte". fantástica e onde colocam tudo o que eles sentem e sem muitos parâmetros com a arte acadêmica. Registra fielmente possível aquilo que os sentidos percebe. É a representação mais usada no mundo todo. Normalmente a Arte Selvagem está muito ligada principalmente à arte da Polinésia Francesa. dadaísmo. que se encontra dentro da própria pessoa. "A Ponte" também vai ter alguma coisa de arte selvagem. Os principais enfoques do expressionismo são: No aspecto social. acadêmica. com perfeição. como todas essas correntes do princípio do século que ficam encantadas com essa arte. impressionismo. parecendo uma fotografia. Nesse principio do século XX vai aparecer todos os “ismos” como: cubismo. como também é no renascimento. o expressionismo tem a ver com a arte selvagem. Portanto. Os impressionistas eram muito “doces” para esse “amargo” nórdico. néo-clássica) Expressionismo (Pintura barroca. o interesse pelo drama individual (oposto do impressionismo que só retratava o belo). É lógico que essas correntes vão ter influências entre si. Expressionista é a emoção e o Impressionista a sensação. Dentro da estética da arte existem 3 formas para representar o mundo: Realismo (Pintura hiper-realista) Idealismo (Pintura clássica grega. Eles vão pensar que o homem é livre. expressionismo. primitiva. O idealismo é a busca da beleza ideal superior a beleza. Todas essa correntes do principio do século vão ter influência da arte selvagem (dos africanos). Quando o artista deforma a figura ele obedece a um desejo de fazer um apelo à emoção com muito vigor até mesmo na alegria. renascentista. fovismo. etc. Tudo é exagerado e tudo é distorcido para retratar "aquela emoção. "A Ponte" significa a ligação entre o visível e o invisível. Todo o classicismo grego é idealista. cubista. É a própria deformação da figura. Essa influência "exótica" foi muito forte para os franceses e para os nórdicos. “Arte selvagem” é a arte da descoberta da existência da África. Como o Picasso. Protesto contra tudo. A arte da Polinésia é muito expressionista. contra a burguesia (o expressionismo sempre vai ser um protesto). abstracionismo. Ernest L. aquela dor".Kirchiner. É uma arte muito instintiva. 111 . todos os pintores expressionistas vão descobri-la. Esse grupo é fantástico formado por três artistas citados anteriormente excluindo-se Edward Münch e Emil Nolde. abstrata) O realismo é quando o pintor representa o mundo exatamente como é. realista.

como se fossem vitrais e a Joana D'Arc (que vai fazer um contorno preto na figura da Joana D'Arc como se fosse vitral). ressurgindo novamente mais tarde. Primitivo é o homem que nasce na selva. mas pegou um livro de estória de seu filho e de lá tirou a imagem do macaco.: Edward Münch pintou muito sobre a morte. que surgira no início do século XX (1905-1906) e queria ligar os 2 mundos. O nome expressionismo surgiu em 1912. pois seu pai era médico e Münch presenciou esse assunto. Existe uma abertura muito maior que no impressionismo. O impressionista vivia sempre em grupos. só que vai pintar de forma primitiva. O seu conteúdo será sobre os retirantes. a dor é bonita. Os pintores expressionistas não eram muito unidos. Rousseau é um pintor primitivo. como no renascimento. O conteúdo é muito de cada um. Não tem nenhuma aberração. O homem do século XX é extremamente individualista. Ex. da época dos impressionistas. no barroco (com a diagonal e sem uma figura no centro). “Naífe” é o homem civilizado que sabe ler. uso de cores fortes. O individualismo em um pintor expressionista é muito forte. “Primitivo” é o homem que nasce na selva. A caricatura também é expressionista. os pintores se dispersaram tanto que quase acabaram com a corrente. etc. A personalidade do pintor expressionista tem como característica a necessidade de se isolar para criar uma técnica própria adequada para os seus fins pessoais expressivos. O expressionismo não é belo no sentido da estética. Com a guerra. mas cada um tem o seu estado mental que pode colocar no seu trabalho. na Alemanha. amargo. 112 . ou melhor "Naífe" (porque não nasceu na floresta e sim na França) vai pintar muito sobre a selva. é latino e vai pintar muito a igreja católica. nasceu na cidade e vai pintar de uma forma primitiva. porque distorce para representar algo interessante e tem humor. Uma obra expressionista é um golpe para quem a vê. pintor francês expressionista. Tudo é possível. do leão. Jamais seria um conteúdo dos países nórdicos.O expressionismo é praticamente o século XX. O expressionismo vai expandir fortemente antes da 1a. Só pode ser colocado que se caracteriza pela distorção. Vai pegar uma santa que jamais será tema dos expressionistas nórdicos alemães. etc. A corrente expressionista tem uma forte distorção. fragmentado. Mexe com a cabeça. Rousseau nunca tinha visto uma floresta na vida. os santos. dolorido. nascido no Brasil. Um assunto expressionista é sempre distorcido. Rotluff. É um pintor de 1885 ou 1886. Existia uma diferença de conteúdo entre os pintores expressionistas nórdicos alemães e os pintores nórdicos franceses. que é um assunto brasileiro. acabou em 1913 por causa da guerra. com as emoções. Portinari é expressionista. mas o estado mental difere de cada um que pinta. Não existe uma regra ou característica muito unida. separando esses pintores. "A Ponte". Guerra Mundial.

No Rockfeler Center também se encontra um grande mural dele. No pós-guerra. viveu muitos anos na Europa e escreveu que teve muita influência de Giotto e Velásquez. na Alemanha. Tinha um mundo próprio por criar leis próprias de perspectiva e de lógica. Para ele tudo era normal e tinha lógica. Kandinsky (grande paixão deles) e Franz Marc. Criou flores. Alguns críticos acham-no um pouco infantil. em 1933. nasceu em Berna. às vezes primitivo e louco. Hitler. horrível. Era desenhista supremo. ele tem que ser separado dos expressionistas por ter uma pintura diferenciada. Não segue nenhuma corrente artística. Voltou ao México fazendo grandes murais em edifícios públicos da cidade do México. Outros pintores acharam fantástico o seu trabalho e se reuniram ao seu redor formando um grupo chamado Cavaleiro Azul (devido a esse quadro). Embora tenha pertencido ao grupo do "Cavaleiro Azul". Expressionistas brasileiros: Mário Gruber Anita Malfati Portinari Grassmann. ficou impressionado pelo mural de Diego Rivera pedindo para que fosse ajudante dele. acabou deixando de ser para se tornar Paul Klee mesmo. Um pintor chamado Franz Marc pintou um quadro chamado "Cavaleiro Azul". uma fauna estranha. na Suíça. Exilados. Pollock acabou ajudando no trabalho de 113 . Obs. os expressionistas ressurgem com grande energia na Alemanha. Os expressionistas usam muita gravura em metal. etc. Eles eram partidários do abstracionismo. que surgiu no expressionismo. de gente louca. Nova York. Em 1921 foi professor de desenho da Bauhauss. etc. Expressionistas mexicanos: Diego Rivera Orosco Siqueiros Diego Rivera pintor mexicano.Surge um outro grupo de expressionismo chamado de "O cavaleiro azul". Ele era um homem extremamente intelectual. muralista. vão ressurgir em várias partes do mundo como no Brasil. expressionista. detalhista e sua arte se desdobra até o infinito. É considerado um dos grandes artistas do século XX. Paul Klee nega a realidade da percepção normal transformando tudo o que você acha que é certo e normal. Paul Klee. quando era jovem e foi pintar em Nova York. vai expulsar todos eles porque achava que pintavam uma arte degenerada. Paul Klee.: Jackson Pollock. Tudo era religioso e mágico. Entre os artistas modernos ele é o mais individualista. Esses pintores desse grupo foram: Paul Klee.

Tem uma linguagem de expressividade muito forte. Mas. 114 . Zapotecas. É também muralista. Ele era um homem de personalidade muito forte. Vai ter a coragem de pintar numa época muito difícil da realidade mexicana. muito forte. Astecas. mas a realidade e por isso sua vida foi difícil por quererem que ele pintasse a beleza. muito dolorida. a tradição dos Maias. Diego Rivera vai pintar muito o seu folclore. gerou uma pintura muito forte. Esse encontro dos dois não chegou a influenciar na pintura de Pollock. Aquela revolução mexicana. episódios da mitologia mexicana.Diego Rivera. Sua influência se deu mais na “força do homem". Ele não pintava a beleza. mesmo assim ele se tornou um pintor de peso. ele jamais modificou o seu trabalho por causa disso. do que na própria técnica. O governo mexicano pedia que ele fizesse sua pintura de determinado forma por precisar do dinheiro americano mas. na figura do artista.

" Por volta de 1900. recorrendo a traços impulsivos e a pinceladas descontínuas para obter suas composições espontâneas. em Paris. em arte. sem misturá-las ou matizá-las. com os quais se tornou um dos principais pintores fovistas. não correspondendo à realidade. não mudou. 115 . formando grandes planos. foi o mais autêntico fovista. com o gradual desaparecimento da gestualidade espontânea das primeiras obras. espontânea e definitiva. · Pintura por manchas largas. pintou figuras e paisagens em brilhantes cores chapadas. seus nus. Quem lhes deu este nome foi o crítico Louis Vauxcelles. Principais Artistas: MAURICE DE VLAMINCK (1876-1958) Pintor francês. alguns artistas foram chamados de fauves (em português significa feras). · As linhas e as cores devem nascer impulsivamente e traduzir as sensações elementares. dizia: "As cores chegaram a ser para nós cartuchos de dinamite. como saem das bisnagas. · Uso exclusivo das cores puras. desde então. Seu estilo. Os princípios deste movimento artístico eram: · Criar. retratos e naturezas-mortas haviam adquirido uma entonação neoclássica. Na década de 1920. Após romper com o fovismo.FOVISMO Em 1905. dizia: "Quero incendiar a Escola de Belas Artes com meus vermelhos e azuis. · Colorido brutal. ANDRÉ DERAIN (1880-1954) Pintor francês. em 1908. pois estavam expostas um conjunto de pinturas modernas ao lado de uma estatueta renascentista." Adotou mais tarde estilo entre expressionista e realista. · Ausência de ar livre. Características da pintura: · Pincelada violente. pretendendo a sensação física da cor que é subjetiva. Nessa fase. ligou-se a Maurice de Vlaminck e a Matisse. no Salão de Outono. no mesmo estado de graça das crianças e dos selvagens. sofreu influências de Cézanne e depois do cubismo. · Criar é seguir os impulsos do instinto. · A cor pura deve ser exaltada. não tem relação com o intelecto e nem com sentimentos. em virtude da intensidade com que usavam as cores puras. as sensações primárias.

Abandonou assim a perspectiva. 116 . Contrastes tonais e a geometrização da forma caracterizaram sua obra. ele foi o único a evoluir para o equilíbrio entre a cor e o traço em composições planas. escultor. que exploraram o sensualismo das cores fortes. sem profundidade. Morreu um ano depois de receber o prêmio de pintura da bienal de Veneza. como de pessoas ou de naturezas-mortas. Dos pintores fovistas. depois de travar contato com Matisse. Foi.HENRI MATISSE (1869-1954) Pintor francês. as técnicas do desenho e o efeito de claro-escuro para tratar a cor como valor em si mesma. também. gravador e decorador francês. evoluiu gradativamente para o fovismo. Impressionista a princípio. ilustrador e litógrafo. tanto das figuras como das suas cores. RAOUL DUFY (1877-1953) Pintor. O que interessa é a composição e não as figuras em si. Nas suas pinturas ele não se preocupa como realismo.

sobre o consciente e inconsciente. O Cubismo vai ser uma reação contra a afirmação de que o mundo que nos cerca é acadêmico. É preciso muito estudo e intelectualidade. É a recuperação da nova visão da arte através de um conceito intelectual. do que emoçional e de sensação. O pintor cubista vai pegar um objeto e quebrá-lo em partes. Os cubistas vão pintar e representar um objeto através do lado que nós vemos e do lado que nós não vemos desse objeto. o surgimento de muitas dúvidas e interrogações. Já em uma pintura como a Barroca ou Impressionista o fruidor vai usar o que sente para entendê-las. Juan Griss. os pintores. ano em que Picasso chegou à Paris em sua primeira visita. desde o pré-renascimento até hoje. Essa revolução foi fantástica. a partir de 1900. vão pintar muito mais o que sentem do que o que vêem. O Cubismo se vale muito da memória do fruidor do que dos objetos concretamente vistos pelos olhos. De repente. 1907 pelo Picasso quando ele pintou "Le Mademoiseille D'Avignon". É extremamente conceitual muito mais que perceptual. criar fragmentos para representar todos os lados do objeto. Quando se fala em mudança precisamos falar de um estilo que mudou muito a arte no mundo e provocou uma revolução na estética. racional. Os pintores Cubistas como Picasso. É por isso que é muito racional. Ele vai imaginar. O cubismo virou 400 anos de arte de pernas para o ar. O cubismo não aceita nunca o momento estático. os mais famosos. os artistas vão buscar em suas pinturas as aparências externas e o bom pintor será aquele que vai pintar realmente o objeto como ele é. o fruidor vai ter que usar muito o raciocínio para entender a obra. Ele é totalmente dinâmico. da arte. a particularidade cultural de cada objeto. A minha memória é que vai ter que olhar essas partes e montar novamente o objeto. foram muito apoiados na imprensa pelos escritores que publicavam sobre essa nova arte muito intelectual. A arte Cubista é uma arte muito elaborada. O Cubismo procura a essência da visão humana. Na arte também houve uma série de mudanças. Vai depender muito da minha memória. 117 . Braque. No ano de 1904 Einstein escreve sobre a teoria da relatividade que vai mudar totalmente o conceito do universo. Dúvidas. A arte Cubista é muito mais conceitual. Freud estava publicando a interpretação dos sonhos. por exemplo. no início do século XX. Em uma pintura Cubista.CUBISMO É o início da idade moderna do mundo. Para ser um bom pintor cubista na essência certamente será um homem culto. Pode também ser notado. Em 1900. segundo o conhecimento intelectual que ele tem dessa representação. Fernando Leger. Vai ser uma nova forma de ver e representar o mundo. etc. Essa mudança foi realizada em 1906. da razão. Durante cinco séculos.

Os Cubistas não dão valor à perspectiva. Quando morre sua cabra. quando é totalmente fragmentado. É busca. 118 . O objeto nunca vai ser representado como foi visto. seu bichinho de estimação. quando começaram a fazer “colagens”. etc. esculturas. no Museu Moma mas. Essas obras são as melhores de cada fase. FASE SINTÉTICA. A técnica cubista apresenta várias texturas. Sempre numa constante busca e inovação. mas como foi pensado pelo artista. por ex. tem 8 obras dele. por ex. “Arte” é uma perene evolução. Tem muita obra de Picasso em Barcelona. O movimento cubista se divide em várias fases: FASE CEZANEANA. Foi cubista somente 5 anos e depois foi “Picasso”. Na estética da arte. É um espaço pictórico que não tem nada a ver com a representação da realidade. os aliados pediam que colocassem panos escuros roxos nas janelas para que os aviões não avistassem as luzes das casas. Nessa fase toda sua pintura terá panos roxos. Foi um homem artista em perene evolução. é procura. É muito importante conhecer Picasso porque todas as fases de sua pintura tem muito a ver com a retratação de sua própria vida e da época em que viveu. Para que possamos entender Picasso. inclusive broches. FASE ANALÍTICA.: um olho pode estar localizado no dedo do pé. Ele é extremamente individualista. A sua memória é que vai ter que montar a figura. ele vai pintar tudo com cabra. Picasso sempre esteve em movimento criando e deixando estilos e frases de forma a garantir uma obra cuja característica básica era a busca de sua individualidade. o artista fragmenta e decompõe. Dono de uma dinâmica constante. Antes de falar sobre sua vida é preciso deixar registrado a soberba vitalidade de um artista continuamente dedicado à criação até seus últimos momentos de vida. Dizem que foi Matisse que ao olhar o quadro do Picasso com Braque disse: "Você está pintando só cubo! Mas isso é cubismo!" Muitos outros também tiveram a mesma opinião. na região a que pertence. o que marcou sua obra. quando os artistas e principalmente Picasso e Braque se interessam e estudam muito as obras de Cezanne. o Cubismo é considerado uma arte bastante intelectualizada. Nunca irá colocar o olho no joelho. temos que conhecer o homem e o artista. no próprio rosto. No museu Gugueheim. sua obra é inconfundível. Você tem que montar a figura toda como em um quebra-cabeça. Dificilmente houve alguém que tivesse superado Picasso no sentido do que seria arte do século XX. Tem aspectos extremamente renovadores para a época. a do Museu Gugueheim é a melhor. como exemplo: Durante a segunda guerra mundial quando os alemães bombardeavam Paris e ocorria o black-out. Eles constróem espaços pictóricos onde eles determinam as representações.: o artista vai representar um olho no lugar da testa e o outro na orelha. em New York.

Braque. festas. Na verdade o abstracionismo tem muito a ver com o cubismo. triste. mas também pode ser abstrato. que parecia um cone. Seu nome completo é Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remédios Cipriano de La Santíssima Trinidad Ruiz y Picasso. etc. É o novo homem que vai pegar esse hábito de ler jornal. sobre perdas. se posso colar a própria madeira na pintura?. Eles voltaram e surgiram com a idéia da colagem. O cubismo sempre vai ser figurativo de um modo geral. O mesmo com o jornal. para que as pessoas soubessem distinguir entre Picasso e Braque. Málaga. cada um escolhendo seu pedaço de jornal.” Isso vai mudar muito a visão da arte. Esse hábito vai ser registrado historicamente nas obras de Picasso. que fumava charuto. em "off": Picasso não chorou ao nascer. Esse tio sem querer deu uma baforada no rosto da criança que começou a chorar. nesse começo de século.Picasso falou o seguinte: "Para que vou pintar um pedaço de madeira. a mulher. você tem primeiro que saber. Tinha 2 irmãs e como filho único foi muito mimado. Um tio chamado Salvador Ruiz. As letras gráficas vão aparecer com Picasso e Braque. exatamente nessa época que ocorre o cubismo. mais sentirá essa emoção. de forma muito parecida e não vão assinar seus nomes. Obs. Quando o cubismo fragmenta tudo chega a ser quase um abstrato. para depois sentir a emoção. a imagem já é quase um abstrato. Os dois quadros ficaram idênticos. etc. Quanto mais você sabe. morte e sempre de circunstâncias do cotidiano como alguém que perdeu uma cadeira. No cubismo analítico. areia. a vida. Essa exposição mostrava a diferença entre os dois: Picasso tinha recortes de jornal somente de assuntos alegres sobre touradas. na National Gallery de Londres. Uma obra de arte do século XX. Uma obra cubista tem que ser vista pela razão para depois sentir a emoção. que era introspectivo. Braque e Picasso vão pintar juntos na montanha (onde Cezanne pintava). Picasso vai assinar o nome no meio da obra como que fazendo parte dela. entender. na Espanha. O jornal vai ser muito usado na colagem. Por esse fato ele recebeu o nome do tio em 119 . PICASSO (1881-1973) Nasceu em 25 de outubro de 1881. já que era um estudo. somente recortava assuntos fúnebres. etc. entrou no quarto e achou que o nenê não estava respirando. Houve muita confusão para que os historiadores identificassem a obra de um e de outro. Picasso jamais iria fazer isso. É o cotidiano. Teve uma exposição somente com esses trabalhos.

Ele disse que fazia até dez por mês mas que não queria ficar preso a esse tipo de compromisso. Com 15 anos o pai já o considerava pintor e resolve alugar um espaço para montar o seu atelier. Não queria que ninguém cobrasse ou controlasse a sua vida. no Museu do Prado. O atelier dele. O pai ao saber que o filho ganhou uma medalha de ouro resolve incentivá-lo a estudar em Madri. Tanto Van Gogh como Toulouse Lautrec vão influenciar o trabalho de Picasso por pelo menos uns quatro meses. etc. onde Picasso fará cópias das obras de El Greco. principalmente porque ele era o único menino daquela família que só tinha menina. As pessoas admiravam o fato dele ser tão novo e ter um estúdio montado pelo pai para ele. de escritores. da crueldade. Velásquez. O prédio em que morava parecia um barco e era tão feio que o pessoal da região apelidou de "le bateaux larvoir". da doçura. muita elegância e também muita crueldade. carismático. da beleza. O marchand chegou a oferecer até um fixo mensal mesmo se ele fizesse somente uma obra por mês. muito requisitada. muito sangue. falante. fazer exposições. Picasso era um homem cheio de vida. Ele disse que não iria querer nunca estar preso a nenhum marchand na sua vida e que queria ser um homem livre. Essa atitude de se colocar o sobrenome de todos os parentes na criança é muito comum na Espanha. Numa praça de touros ocorre um espetáculo brilhante com cores vivas. Foi morar em Mont Martre que era mais barato e onde só vivia os intelectuais. tudo vai influenciar Picasso para o resto de sua vida. nesse "Bateaux". Aos 23 anos Picasso começa a ser famoso em um lugar fora de sua pátria. um marchand vai se oferecer para cuidar de seus quadros. Cada parente que chegava e adorava a criança os pais colocavam o sobrenome no filho. Picasso adorava o pai que sempre o levava às touradas. da estética da cor. Goya. Fica então enlouquecido com o trabalho de Van Gogh e Toulouse Lautrec. Quando Picasso tinha 14 anos já pintava com perfeição. Essa obra vai ser premiada em Madri em uma exposição muito importante. Nessa época Monet também estava vivo (vai viver até 1910). Ele não tinha como pagar um lugar melhor para se viver. dos odores. Picasso conseguiu manter sua importância desde jovem até os 92 anos. Essa mescla do brilho. Alguns dos grandes pintores da Espanha: Velásquez (barroco) Goya (no final da vida era expressionista) Murillo (barroco) Miró Gaudi (grande arquiteto) Salvador Dali Picasso Em 1900 Picasso vai à Paris em uma grande aventura para visitar a exposição internacional. quando Picasso saiu da Espanha. onde os toureiros vão mostrar muita habilidade. Nessa época ele vai pintar uma obra chamada "Ciência e Caridade" e o seu pai vai posar como médico para ele.seu sobrenome. 120 . Em "off": Em 1900. vai ser o ponto de encontro de artistas. Foi auto-didata. mas ele não vai aceitar.

Conhece 2 marchands: os irmãos Léo e Gertrudes Stein.guerra mundial. A sua vida se torna "rosa". Nesse momento de pesquisa. figuras que vivem à margem da sociedade. Nunca mais no futuro vai retornar a essa fase azul. que o colocam na alta sociedade onde irão comprar muito suas obras. sobrenaturais. começa a vender bastante. Ele vai pintar o que ele sente. Nessa fase ele vai retratar seres cruéis. dançarinas sem olho (irreais). sendo conhecido como "O centro de arte moderna do mundo". você vai encontrar muitas máscaras africanas de várias origens. Conhece Braque. vai ter um encontro com a Arte Primitiva Africana. inspirando-se na cultura espanhola cheia de superstições. É chamado de fase azul porque o azul é que predomina em todos os tons. que são as histórias folclóricas e a arte negra. O cubismo para Picasso foi uma paixão exploratória que durou somente 5 anos. As máscaras que ele mais vai gostar são as máscaras da Polinésia. 121 . fascinantes. Obs. O azul tem uma ligação muito grande com o melancólico. que apelidou de "Rose Bombom". Mudou-se para Mont Parnasse. As fases “azul” e “rosa” são as únicas que ele não vai voltar nunca mais.Entre 1901 e 1904 ocorre a sua "Fase Azul". fica amigo de muitos marchands. Ele vai entrar e sair dessa “fase negra”.: No mercado das pulgas de Paris. de um modo geral. muito felizes. Esse encontro vai ser decisivo para ele. Ao parar de produzir a sua “fase rosa” ele vai falar: "Eu não procuro. Picasso percebe que o artista negro não pinta raciocinando porque ele não conhece os cânones da arte (regras de beleza da arte). as figuras solitárias e melancólicas. atraía muito os intelectuais. quando ele vai pintar sobre as ruas pobres de Mont Martre. o azul é o "Bleu". Vai morar lá durante a sua “fase rosa” e onde começa a refletir sobre o seu trabalho que já estava cansado de fazer. Começou a freqüentar lugares muito alegres. Obs. Foi um escândalo tão marcante que Braque ficou sem falar com ele por 6 meses. onde até hoje moram os artistas. badalados e ricos. Roma. Ele vai acabar com 30 séculos de arte ocidental. A arte africana vai ser o momento decisivo no entendimento da arte. A fusão de dois mundos mágicos. De repente ele se liberta dessa melancolia ao conhecer uma moça chamada Rose. não conhece Fídeas. vista como arte do século XX. voltando somente após o Cubismo. o "triste". histórias fantasmagóricas e folclores. Mont Parnasse. lugar onde Picasso vai viver até o começo da 2a. A partir daí vai começar a “Fase Negra”. Grécia. vão fazer surgir no século XX uma das tendências mais importantes que é o CUBISMO. A partir de 1908 Picasso lidera o movimento cubista da Europa. Passa a pintar só de "rosa". A mudança foi radical. Quando se fala de tristeza. É uma nova visão de compreender a arte. Ele vendia tudo o que pintava. Em 1906 ele já era o jovem pintor mais conhecido de Paris. Picasso vai pintar entre 1906 e 1907 a famosa obra "Les Mademoiselle D'Avignon". eu acho".

Guernica era uma obra que tinha as cores preto. Teve caso com as duas ao mesmo tempo e permaneceu com elas por algum tempo. tendo muito a ver com a arte do século XX: "A arte não é casta. que vai ser o símbolo da justiça. Vai escrever o seguinte. Em 1931 essa bailarina foi substituída por Maria Teresa Walker. Ele tinha uma boa organização e um sistema de trabalho. esquadrilhas de aviões das forças nazistas aliadas à Franco. quando acontece a guerra civil espanhola. à 1 hora da tarde. No dia 26 de abril de 1937 ninguém falava de guerra. Ele precisava voltar para se ordenar novamente interiormente. De repente. Fez o cavalo agonizante. Isso é estilo pessoal de um gênio. Não esconde sua obsessão pelo sexo. A cidade tinha somente 6. Só gênio consegue pode pintar uma coisa que é real e irreal. Picasso tinha uma personalidade muito forte que vai ser muito importante para sua obra. desistindo depois.Em 1915 ele volta à um realismo mais sutil até 1925. uno e mutilado. Nesse período ele não vai querer voltar à Espanha para assumir a direção do Museu do Prado. Picasso tem muitas fases. Se é casta ou não se revela.000 habitantes. Vai pintar sua obra prima "Guernica". Casou-se 5 vezes. objetivo e subjetivo ao mesmo tempo. Foi então o primeiro bombardeio aéreo da história da humanidade de uma cidade inteiramente civil. convicção e com inúmeros desenhos preparatórios. branco e cinza. uno e mutilado. A Dora Maar (que era fotógrafa) fotografou todas as etapas. Fica o tempo todo morando na França e saudoso de seu país. bombardearam a cidade. não tinha o porquê. era um dia de feira. mas sua pintura não é difícil de ser reconhecida. As pessoas saíram da feira e foram fazer a sesta. Durante 3 horas jogaram bombas matando cerca de 1765 pessoas. é um jogo. trabalhando sem cessar. Guernica é um mural bem trágico onde vai mostrar a tragédia humana. A arte é perigosa. mostrando que é um pintor consciente e engajado socialmente na luta contra os mais fracos. Em 1936 ele vai ser nomeado diretor do Museu do Prado. não é arte. Ninguém falava de guerra. que representa o povo. Guernica era um vilarejo Basco na província de Biscaia. 2o. traspassado com uma lança nas costas. Foi pintada com paixão. Vai buscar a luz. Das 5 esposas. Nunca mais vai voltar à Espanha até o Franco morrer. 122 . é reveladora. Picasso 24 horas depois do acontecido começa a esboçar Guernica. Ele fez três coisas de imediato: 1o. Levou mais ou menos uns 4 meses para elaborar a obra. Ele chegou a pintar as duas no mesmo dia. O touro de perfil que personifica a brutalidade. Ele disse o seguinte: “o retorno periódico à determinadas fases era como uma volta a obra à ordem dele”. 3o. além dos casos que tinha por fora. Vai casar com Dora Maar e pintar muitos retratos dela. 2 se suicidaram porque ele as deixou. Em 1920 se casou com uma bailarina russa chamada Olga. Começou a pintar em cores. período onde sua pintura fica mais calma. A mulher sustentando uma lâmpada na mão." Segundo Mali: Tudo o que Picasso pintava era realista e irreal. Dois dias depois a Europa toda sabia da história. objetivo e subjetivo.

Essas esculturas ajudaram-na futuramente quando arrecada um bom dinheiro ao leiloá-las para ajudar financeiramente a sua obra de “proteção aos animais”. Picasso inventa e cria formas que ele abandona e depois volta a pintar novamente. Ele resolve não esconder nada. ele fez 57 esboços gerais diferentes antes da composição final. Disse: "Quando eu era criança minha mãe me dizia: se fores soldado chegarás a general. Em "off": Na segunda guerra mundial quando os nazistas entraram na França e acabaram com Paris. Picasso recebeu muito apoio dos pais. Vai morar e pintar muito. 123 . etc. Picasso pertencia a Resistência ajudando muito os espanhóis. De repente a Gestapo surgiu em seu Atelier quando Picasso estava pintando. que eram judeus. além de ter muito mais esboços específicos. em um castelo do século XVII que foi adquirido por ele. Nessa época ele já tinha 68 anos e vai trabalhar com cerâmica. a fugir.50 de altura. Nessa época vai morar na Cote D'Azur. É uma fantástica mistura de processos de composição. Picasso ao terminar Guernica em 1939. Mas. Então o embaixador sai de seu atelier sem falar nada. ao mesmo tempo que revela o palpitar da vida. Esta obra se encontrava no Museu do Prado e agora está no Museu da Rainha Sofia. mas quando fez Guernica deixou que André Morrow (?). fez um monte de cerâmica terracota para ela. em “off”: Salvador Dali conseguiu conquistar a mulher de Paul Edward. com animais. ficando com ela. mulher e filhos. escultura e jóias. Picasso disse que tinha repúdio a toda regra e convenções e com isso ele permanece um criador inesgotável. em Madri. se fores frade acabarás a papa. não usando cores. bem na ponta do cabo. Picasso sempre pintava sozinho. Guernica tem 7. É o pior do retrato do sofrimento humano. foi você quem fez isso!". Guernica é trágica.80 m de comprimento e 3. Fofoca: Quando a Brigite Bardot foi visitá-lo e ele se encontrava com 60 anos aproximadamente. Quis ser pintor e tornei-me Picasso". baseada nos pintores clássicos. gravura. Por isso seu trabalho é tão polivalente. O embaixador pergunta a Picasso: "Foi você que pintou isso?" Picasso responde: "Não. a sua força criadora não pára. aos 55 anos. Ele continuou estrangeiro na França. mulher “François Gilot”. com muita fama. Além de transmitir uma grande emoção. Obs. Estava em Cap D'Antibes. tinha a Gestapo e a Resistência. está rico. Chega o embaixador espanhol nazista que verá uma fotografia bem grande de “Guernica”.Nessa época. Em 1946 Picasso vai casar com a 4a. Fazendo uma análise da forma pode-se notar uma composição de estilo piramidal. com quem ele vai ter os filhos Claude e Paloma. Paul Edward entrassem para ver a sua obra. a sua forma é extremamente racional. Eram esculturas parecidas com ela. sem nunca ter se naturalizado. Em termos de conteúdo vai mostrar sempre o palpitar da vida e a quietude da morte.

dizendo: "Concordo com Dom Quixote: meu repouso é a batalha". Vai adquirir muito mais imóveis também. essas coisas tão humanas. Picasso compra um castelo na França e uma casa da Idade Média também. quando começou a I Guerra Mundial. pintura que admirou e saboreou até saciar-se. próximo à Capri. o mistério e o risco de ousar. Vai então desenvolver uma série de trabalhos nessa época. convidou-o para ser padrinho da filha levando-a para a França. Na Itália.Em 1954 ele vai viver uma paixão muito forte com Jaqueline Roque. vai comprar também uma ilha enorme onde vai construir um castelo como o da Espanha que tinha. do encontro. uma outra fazenda em Marbela. se uniu ao Fauvismo durante dois anos (1905/7). a influência decisiva que Paris exerceu sobre ele foi através das salas do Louvre dedicadas à escultura egípcia e grega primitiva. A aprendizagem técnica lhe fez entrar adulto na escola de Belas Artes do Havre e posteriormente no ateliê do pintor Lécin Bonnat . Contudo. Em seguida fez experiências com colagem até 1914. seu pai negociava com a pintura e a decoração e. um bom retratista de personagens famosos. Eu tento achar influências do mestre. a superfície da madeira e as superfícies douradas. por sua vez. era um consagrado pintor aficionado. outro diretor. Georges introduziu-se na tradição familiar graças a seu próprio pai. a ocasião. o imprevisto. o "Pombo" (Paloma) que para ele é o símbolo da paz. realizou as obras que hoje são conhecidas como cubismo analítico. Por isso a filha de Jorge Amado chama-se Paloma Amado. A posterior admiração por Cézanne e o deslumbramento causado pelo autor das Les demoiselles d' Avigon. Morreu aos 92 anos em 09 de abril. Atraído por Matisse e por seu movimento. o conduzem para a experiência cubista. o mural "Guerra e Paz". porque ele foi o único.” BRAQUE Georges Braque (1882-1963). com quem tinha estabelecido uma sólida amizade. Para terminar. não teve e nem tem seguidores. Foi filmado por Clouseaux. etc. ele mostrou a aventura do olhar. Um exemplo desse estilo é Violino e jarro (1910). 124 . Compra também em Málaga uma fazenda imensa. De 1910 a 1912. à vez. que ele nunca foi e onde mora hoje sua filha Paloma. Mais de 30 filmes foram feitos sobre sua vida além de mais de 1400 livros em 40 línguas. pintor francês. Em "Off": Jorge Amado que tinha adoração e muita amizade por Picasso. Pintando o que nunca se viu. mas ninguém pode querer pintar como Picasso. Um apartamento duplex em Paris. iniciou-se também como rotulista. a festa da revelação. entre eles a “releitura das meninas de Velásquez”. Mali descreve em seu livro: "Por estranho que pareça esse grande e talvez o maior artista plástico de nosso século. influência à qual temos que acrescentar a de Renoir com sua Moulin da Galette. em aprendiz de decorador: tinha que imitar o mármore. fantástico diretor francês e por Alan Ransmie. convertendo-se. um duplex no Central Park.

Tarsila do Amaral nasceu em Capivari SP em 1886. Morreu no dia 31 de agosto com oitenta e um anos. Mobilizado. sala especial foi dedicada à retrospectiva de sua obra. Estudou com Pedro Alexandrino. Braque recebeu uma séria ferida na cabeça que deixou cego. Foram apresentadas suas diversas fases e deu-se destaque ao quadro "Operários" (1933). no Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo. Em 1926 Tarsila expôs na galeria Percier em Paris. o chamado Grupo dos Cinco. Menotti del Picchia. Iniciou-se então sua fase antropofágica. da qual o exemplo mais notável é o quadro "Abaporu". na XXXII Bienal de Veneza (1964) e na mostra Arte da América Latina desde a Independência (1966). embora lentamente conseguiu recuperar a vista. que com o passar do tempo o levou a freqüentar Varengeville. Na Bienal de São Paulo de 1963. Tarsila morreu em São Paulo SP em 17 de janeiro de 1973. variante brasileira do cubismo. e estruturou sua personalidade artística a partir das influências cubistas. na Pinacoteca do Estado de São Paulo. Em Paris freqüentou a Académie Julien. uma localidade na Normandia francesa cuja fria luminosidade parecia adaptar-se muito bem a seu próprio temperamento. Deslumbrada com a decoração popular das casas dessas cidades. foi premiada na primeira. cujo estilo a marcou sobremodo. percorreu as cidades históricas mineiras em companhia do escritor francês Blaise Cendrars. Presente na I e II Bienais de São Paulo. e depois com George Fischer Elphons. 125 . com Anita Malfatti. Integrou-se ao movimento modernista e ligou-se com especial interesse à questão da brasilidade. e "São Paulo". Recebeu a Cruz de Guerra e da Legião de Honra. Mário de Andrade e Oswald de Andrade. assimilou a tradição barroca brasileira às recém-adquiridas teorias e práticas cubistas e criou uma pintura que foi denominada Pau-Brasil. Entre suas demais telas destacam-se "A negra". Braque seguiu o seu próprio caminho. de retorno ao primitivo. Em 1960 o Museu de Arte Moderna de São Paulo organizou retrospectiva de sua obra. Retornando ao Brasil em 1924. André Lhote e Albert Gleisse. Outra obra do mesmo período é "Segunda classe". mas não seu vínculo artístico.A I Guerra Mundial separou a ambos artistas. Em 1922 participou em Paris do Salão dos Artistas Franceses. sob a orientação de Émile Renard. da fase social. Entrou em contato com Fernand Léger. em São Paulo. com quem se casou em 1924. a partir de 1917. em suas produções posteriores aparecem paisagens e temas normandos. Essa pintura inspirou um movimento. continuou sua amizade com Picasso. em que as cores são mais sombrias mas a nitidez anterior é conservada. Formou. Tarsila esteve ainda representada na mostra Arte Moderna no Brasil (1957). Desta forma. TARSILA DO AMARAL Tarsila participou ativamente da renovação da arte brasileira que se processou na década de 1920. Concluído o conflito. e influenciou Portinari.

FUTURISMO O primeiro manifesto foi publicado no Le Fígaro de Paris. Embora em princípio Balla continuasse influenciado pelos divisionistas. 126 . dizendo que "o esplendor do mundo enriqueceu-se com uma nova beleza: a beleza da velocidade. com a situação da luz e a integração do espectro cromático. Os futuristas saúdam a era moderna. Procura-se neste estilo expressar o movimento real. Um ano mais tarde. Para Balla. e nele. registrando a velocidade descrita pelas figuras em movimento no espaço. mas captar a forma plástica a velocidade descrita por ele no espaço. de dois meses de duração. como seus companheiros.. O futurismo é a concretização desta pesquisa no espaço bidimensional. ele se separaria finalmente do futurismo para se dedicar àquilo que eles próprios dariam o nome de Pintura Metafísica. numa repetição quase infinita. junto com Giorgio De Chirico. Na volta a Roma. de 1910. Dissolvido o movimento. Cinco anos mais tarde. onde apresentou regularmente suas primeiras obras em todas as exposições da Sociedade dos Amadores e Cultores das Belas-Artes. juntava-se a eles para assinar o Manifesto Técnico da Pintura Futurista. sua cidade natal. não demorou a encontrar uma maneira de se ajustar à nova linguagem do movimento a que pertencia. em encontrar uma maneira de visualizar as teorias do movimento. conheceu Marinetti. "é mais belo um ferro elétrico que uma escultura". Boccioni e Severini. em 22/02/1909. fez uma viagem a Paris. CARLO CARRA (1881-1966). ou desintegração das formas. o poeta italiano Marinetti. os objetos não se esgotam no contorno aparente e seus aspectos se interpenetram continuamente a um só tempo. ou vários tempos num só espaço. A formação acadêmica de Balla restringiu-se a um curso noturno de desenho. O grupo pretendia fortalecer a sociedade italiana através de uma pregação patriótica que incluía a aceitação e exaltação da tecnologia. Preocupado. O artista futurista não está interessado em pintar um automóvel. O segundo manifesto. aderindo entusiasticamente à máquina. Russolo. na Academia Albertina de Turim. apresentou em 1912 seu primeiro quadro futurista intitulado Cão na Coleira ou Cão Atrelado. em sua obra o pintor italiano tentou endeusar os novos avanços científicos e técnicos por meio de representações totalmente desnaturalizadas. Severini. Um recurso dos mais originais que ele usou para representar o dinamismo foi a simultaneidade. Boccioni e Giacomo Balla. resultou do encontro do poeta com os pintores Carlo Carra. mostrou grande preocupação com o dinamismo das formas.Mesmo assim. Principais artistas: GIACOMO BALLA . onde entrou em contato com a obra dos impressionistas e neo-impressionistas e participou de várias exposições. Um automóvel de carreira é mais belo que a Vitória de Samotrácia". embora sem chegar a uma total abstração. Em 1895 o pintor mudouse para Roma. Balla retornou às suas pinturas realistas e se voltou para a escultura e a cenografia. que permitia ao observador captar de uma só vez todas as seqüências do movimento. Para os futuristas.

Numa segunda viagem a Paris entrou em contato com Apollinaire. Boccioni conseguiu finalmente fazer a representação do movimento por meio de cores e planos desordenados. com sua obra Dinamismo de um Jogador de Futebol. mas incorporando os conceitos de dinamismo e simultaneidade: formas e espaços que se movem ao mesmo tempo e em direções contrárias. como num pseudofotograma. o pintor se alistou como voluntário e ao voltar publicou o livro Pittura. Escultura Futurista. Dinâmico Plástico (Pintura. influenciou a arte de seu país nas décadas de 1920 e 1930. Um ano mais tarde. Ao voltar. De lá mudouse para Londres. Ao voltar. pintor italiano. do qual foi um dos principais teóricos. retomou as aulas na Academia Brera e conheceu Boccioni e o poeta Marinetti. Suas obras ainda deixavam transparecer a preocupação do artista com os conceitos propostos pelo cubismo. Durante a Primeira Guerra Mundial. Boccioni mudou-se ainda muito jovem para Roma. Fez então algumas viagens a Paris. onde estudou em diferentes academias. redigido pelo poeta italiano e publicado no jornal Le Figaro. mostrou-se interessado na pintura impressionista. Modigliani e Picasso. Dinamismo Plástico). Em 1900 fez sua primeira viagem a Paris. Em suas últimas obras retornou ao cubismo. indiferença em relação aos críticos de arte e rejeição dos conceitos de harmonia e bom gosto aplicados à pintura. Nascido em Reggio di Calábria. Scultura Futurista. mas já em 1915 separou-se definitivamente do grupo. Representante do futurismo e mais tarde da pintura metafísica. Logo fez amizade com os pintores Balla e Severini. Foi com a intenção de procurar as bases dessa nova estética que ele viajou a Paris. Ao retornar. UMBERTO BOCCIONI (1882-1916). Morreu dois anos depois. Os retratos deformados pelas superposições de planos ainda não conseguiam expressar com clareza sua concepção teórica. Carrà não deixou de comparecer às exposições futuristas de Paris. 127 . sua obra se manteve sob a influência do cubismo.Enquanto ganhava seu sustento como pintor-decorador freqüentava as aulas de pintura na Academia Brera. em 1916. A partir desse momento começaram a aparecer as referências cubistas em suas obras. desprezo pela representação naturalista. na cidade de Verona. contratado para a decoração da Exposição Mundial. em Milão. Juntou-se a Giorgio De Chirico e realizou sua primeira pintura metafísica. entre eles La Pittura Metafísica (1919) e La Mia Vita (1943). principalmente na obra de Cézanne. Um ano mais tarde assinou o Primeiro Manifesto Futurista. Nessa época iniciou seus primeiros estudos e esboços de Ritmo dos Objetos e Trens. São Petersburgo e Milão.Publicou vários trabalhos. No início. no qual foram registrados os princípios teóricos da arte futurista: condenação do passado. Em 1912. onde se encontrou com Picasso e Braque. publicou o Manifesto Técnico da Pintura Futurista. participou da primeira exposição futurista. entrou em contato com Carrà e Marinetti e um ano depois se encontrava entre os autores do Manifesto Futurista de Pintura. por definição suas obras mais futuristas. Londres e Berlim.

10. lançada a toda velocidade no circuito de sua própria órbita. e combater o moralismo. publicado em 1909. arqueólogos. Queremos exaltar o movimento agressivo. 6. 3. o salto mortal. o patriotismo. Já não há beleza senão na luta. o feminismo e toda vileza oportunista e utilitária. fausto e munificência.única higiene do mundo -. ditamos nossas primeiras vontades a todos os homens vivos da terra: 1. Cantaremos as grandes multidões agitadas pelo trabalho. 128 . Queremos destruir os museus. os navios a vapor aventurosos que farejam o horizonte. a audácia e a rebelião serão elementos essenciais da nossa poesia. cicerones e antiquários. de fuliges celestes -. Nenhuma obra que não tenha um caráter agressivo pode ser uma obra-prima. 11. as locomotivas de amplo peito que se empertigam sobre os trilhos como enormes cavalos de aço refreados por tubos e o vôo deslizante dos aeroplanos. um automóvel rugidor. as belas idéias pelas quais se morre e o desprezo da mulher. as bibliotecas. a bofetada e o murro. cantaremos a maré multicor e polifônica das revoluções nas capitais modernas. devoradoras de serpentes fumegantes: as fábricas suspensas das nuvens pelos contorcidos fios de suas fumaças. 2. mas impávidos. as pontes semelhantes a ginastas gigantes que transpõem as fumaças..empaste de escórias metálicas. se queremos arrombar as misteriosas portas do Impossível? O Tempo e o Espaço morreram ontem. cujas hélices se agitam ao vento como bandeiras e parecem aplaudir como uma multidão entusiasta. as academias de todo tipo. Queremos glorificar a guerra . Queremos celebrar o homem que segura o volante. Vivemos já o absoluto.. 5. Afirmamos que a magnificência do mundo se enriqueceu de uma beleza nova: a beleza da velocidade. "Então. o hábito da energia e da temeridade.Fragmento "Fundação e manifesto do futurismo". 9. porque queremos libertar este país de sua fétida gangrena de professores. 8. com o vulto coberto pela boa lama das fábricas . a velocidade. a insônia febril. contundidos e enfaixados os braços. pelo prazer ou pela sublevação. é mais belo que a Vitória de Samotrácia. A coragem. Queremos cantar o amor do perigo. o gesto destruidor dos anarquistas. a fim de aumentar o entusiástico fervor dos elementos primordiais. 7. É da Itália que lançamos ao mundo este manifesto de violência arrebatadora e incendiária com o qual fundamos o nosso Futurismo. pois criamos a eterna velocidade onipresente. Por que haveremos de olhar para trás. A poesia deve ser concebida como um violento assalto contra as forças ignotas para obrigá-las a prostrar-se ante o homem. Estamos no promontório extremo dos séculos!. o êxtase e o sono. cuja haste ideal atravessa a Terra. de suores inúteis. Um carro de corrida adornado de grossos tubos semelhantes a serpentes de hálito explosivo. que parece correr sobre a metralha. O poeta deve prodigalizar-se com ardor... cantaremos o vibrante fervor noturno dos arsenais e dos estaleiros incendiados por violentas luas elétricas: as estações insaciáveis. cintilantes ao sol com um fulgor de facas. o militarismo. 4. Até hoje a literatura tem exaltado a imobilidade pensativa. 1908.

em vez de projetá-la para longe. como se visita o cemitério no dos dos mortos. da qual saís fatalmente exaustos.. . como manuscritos inúteis.. nossa mórbida inquietude. pois. diminuídos e espezinhados? Em verdade eu vos digo que a frequentação cotidiana dos museus. tudo bem. das bibliotecas e das academias (cemitérios de esforços vãos.. Admirar um quadro antigo equivalente a verter a nossa sensibilidade numa urna funerária. Ponham fogo nas estantes das bibliotecas!. vá lá.. as velhas telas gloriosas!. a alegria de ver flutuar à deriva. rasgadas e descoradas sobre as águas. vá lá: o admirável passado é talvez um bálsamo para tantos os seus males.Pois é isso que queremos! Nossos sucessores virão de longe contra nós... Mas não admitimos passear diariamente pelos museus nossas tristezas. pois. de toda parte. Que uma vez por ano se desponta uma coroa de flores diante da Gioconda. pela sinistra promiscuidade de tantos corpos que não se conhecem. para os artistas. Por que devemos nos envenenar? Por que devemos apodrecer? E que se pode ver num velho quadro senão a fatigante contorção do artista que se empenhou em infringir as insuperáveis barreiras erguidas contra o desejo de exprimir inteiramente o seu sonho?. Museus: dormitórios públicos onde se repousa sempre ao lado de seres odiados ou desconhecidos! Museus: absurdos dos matadouros dos pintores e escultores que se trucidam ferozmente a golpes de cores e linhas ao longo de suas paredes! Que os visitemos em peregrinação uma vez por ano. calvários de sonhos crucificados..) é. Aqui!.Há muito tempo a Itália vem sendo um mercado de belchiores. realmente. os martelos e destruam sem piedade as cidades veneradas! Os mais velhos dentre nós têm 30 anos: resta-nos assim. Quereis. Idênticos. jovens e fortes futuristas! Bem-vindos.... do passado. estendendo os dedos aduncos de predadores e farejando 129 ... Mas nós não queremos saber dele. pelo menos um decênio mais jovens e válidos que nós jogarão no cesto de papéis.. Desviem o curso dos canais para inundar os museus!.. registros de lances truncados!. em violentos arremessos de criação e de ação. nós. já que para eles o futuro está barrado. Oh.. os machados. nossa frágil coragem. dançando à cadência alada dos seus primeiros cantos. tão ruinosa quanto a tutela prolongada dos pais para certos jovens embriagados por seu os prisioneiros. Museus: cemitérios!.. Empunhem as picaretas. desperdiçar todas as vossas melhores forças nessa eterna e inútil admiração do passado. os alegres incendiários com seus dedos carbonizados! Ei-los!.. Queremos libertá-la dos incontáveis museus que a cobrem de cemitérios inumeráveis..

ofegantes de angústia e despeito.. aquecendo as mãos ao fogo mesquinho proporcionado pelos nossos livros de hoje flamejando sob o vôo das nossas imagens. e todos. sem calcular. de fato. pois não vos recordais sequer de ter vivido! Eretos sobre o pináculo do mundo. mais uma vez lançamos o nosso desafio às estrelas. Eles se amotinarão à nossa volta. não pode ser senão violência. Eretos sobre o pináculo do mundo.. crueldade e injustiça.. Já entendemos!. Nossa bela e mendaz inteligência nos afirma que somos o resultado e o prolongamento dos nossos ancestrais.em campo aberto....Chipp. se precipitarão para matar-nos... Seja!. Os mais velhos dentre nós têm 30 anos: no entanto. Mas nós não estaremos lá. Martins Fontes. o bom cheiro das nossas mentes em putrefação." (Teorias da Arte Moderna. 1993) 130 . sem jamais hesitar.. de audácia. Basta! Basta! Já as conhecemos.. precipitadamente.. mais uma vez lançamos o nosso desafio às estrelas! Vós nos opondes objeções?. até perder o fôlego.. às portas das academias.. de astúcia e de vontade rude. impelidos por um ódio tanto mais mais implacável quanto seus corações estiverem ébrios de amor e admiração por nós... Olhai para nós! Ainda não estamos exaustos! Nossos corações não sentem nenhuma fadiga. A forte e sã Injustiça explodirá radiosa em seus olhos . delirantemente..Talvez!. sob um triste galpão tamborilado por monótona chuva. de ódio e de velocidade!. e nos verão agachados junto aos nossos aeroplanos trepidantes.A arte. Mas que importa? Não queremos entender!. exasperados pela nossa soberba. Estais admirados? É lógico.uma noite de inverno . de amor. sem jamais repousar. já prometidas às catacumbas das bibliotecas. H.B.caninamente.. porque estão nutridos de fogo. Por fim eles nos encontrarão . temos já esbanjado tesouros.... inestancável audácia.. mil tesouros de força. Cabeça erguida!. Ai de quem nos repetir essas palavras infames!. ..

sombras sedutoras e cores ricas e profundas. muitas vezes com a inclusão de estátuas. pintor italiano. através de associações pouco comuns de objetos totalmente imprevistos. 131 . garrafas. manequins. em arcadas e arquiteturas puras. Notável por suas naturezas-mortas. em curiosas perspectivas divergentes. GIORGIO MORANDI (1890-1964). Também usada nas suas obras manequins. As suas obras retratam cenários arquitetônicos. Giorgio De Chirico constitui um caso singular: poucas vezes um artista alcançou tão rapidamente a fama para em seguida renegar o estilo que o celebrizara e cair em um esquecimento quase absoluto. frutas. irreais e enigmáticos. idealizadas. principal representante da "pintura metafísica". Conferiu imobilidade e transparência de formas. caixas e lâmpadas velhas. ciência que estuda tudo quanto se manifesta de maneira sobrenatural.PINTURA METAFÍSICA A pintura deve criar um impressão de mistério. de plástica despojada e escultural. nascido na Grécia. perpassado de inquietações metafísicas. solitários. Tem inspiração na Metafísica. numa transfiguração toda especial. pintor italiano. nus ou vestidos à moda clássica. A pintura metafísica explora os efeitos de luzes misteriosas. que pareciam simbolizar a estranheza do ser humano diante do seu meio ambiente. onde colocava objetos heterogêneos para revelar um mundo onírico e subconsciente. enigmáticos e sem rosto. em que buscava a unidade das coisas do universo. legumes. recorte intimista e atmosfera de luz cinza-clara às naturezas-mortas que pintou usando como modelos frascos. Principais Artistas: GIORGIO DE CHIRICO (1888-1978).

A palavra Dada foi descoberta acidentalmente por Hugo Ball e por Tzara Tristan num dicionário alemão-francês. Colaborou com Tristan Tzara na revista Dada. a desordem. após leve intervenção e receberem um título. O experimentalismo e a provocação o conduziram a idéias radicais em arte. a incoerência. pintor e escritor francês. o Dadaísmo defende o absurdo. surrealismo e dadaísmo. Esse nome escolhido não fazia sentido. firma-se como um protesto contra uma civilização que não conseguiria evitar a guerra. Sua proposta é que a arte ficasse solta das amarras racionalistas e fosse apenas o resultado do automatismo psíquico. o Dada foi um movimento de negação. se tivessem permanecido em seus respectivos países. Reinterpretou o cubismo a sua maneira. pronto. Envolveu-se sucessivamente com os principais movimentos estéticos do início do século XX. Fundaram um movimento literário para expressar suas decepções em relação a incapacidade da ciências. sua arte abriu caminho para movimentos como a pop art e a op art das décadas de 1950 e 1960. eram contrários ao envolvimento dos seus próprios países na guerra. selecionado e combinando elementos por acaso. como cubismo. artistas de várias nacionalidades. Depois fez interferências (pintou bigodes na Mona Lisa. e que. Politicamente . exilados na Suíça. Durante a Primeira Guerra Mundial. Criou os ready-mades. o caos. tratado como objeto de arte por opção do artista. objetos escolhidos ao acaso. Ready-Made significa confeccionado. Dada é uma palavra francesa que significa na linguagem infantil "cavalo de pau". Principais artistas: Marcel Duchamp (1887-1968). assim como a arte que perdera todo o sentido diante da irracionalidade da guerra. Em 1917 foi rejeitado ao enviar a uma mostra um urinol de louça que chamou de "Fonte". 132 . Sendo a negação total da cultura.DADAÍSMO Formado em 1916 em Zurique por jovens franceses e alemães que. O fim do Dada como atividade de grupo ocorreu por volta de 1921. François Picabia (1879-1953). religião. Expressão criada em 1913 pelo artista francês Marcel Duchamp para designar qualquer objeto manufaturado de consumo popular. para demonstrar seu desprezo pela arte tradicional). antes do surgimento do grupo Dada (Zurique. 1916). adquiriam a condição de objeto de arte. inventou mecanismos ópticos. teriam sido convocados para o serviço militar. filosofia que se revelaram pouco eficazes em evitar a destruição da Europa. interessando-se pelo movimento das formas. pintor e escultor francês.

a raiografia. de índole satírica. No Dadaímo contribuiu com colagens e fotomontagens. o frottage também era considerado um método que dava acesso ao inconsciente. esteve envolvido em outros movimentos artísticos. pintor alemão. desenvolve a sua arte. Man Ray (1890-1976). fotógrafo e pintor norte-americano. como a madeira de veios salientes. em 1915 conhece o pintor francês Marcel Duchamp. composições que sugerem a múltipla identidade dos objetos por ele escolhidos para tema. Depois de 1927. Formas e cores tornaram-se a seguir mais discretas. 133 . e esfregar um lápis de cor ou grafita. Em 1921 contata com o movimento surrealista na pintura. de modo que o papel adquira o aspecto da superfície posta debaixo dele. Como o artista não tinha controle sobre o quadro que estava criando. Max Ernest (1891-1976). com a nova atividade. Trabalha como fotógrafo para financiar a pintura e. com quem funda o grupo dadá nova-iorquino. eram mais próximas de Léger do que de Picasso. adepto do irracional e do onírico e do inconsciente. com a superposição de formas lineares e transparentes. ou fotograma.Suas primeiras pinturas cubistas. criando técnicas em pintura e escultura. que consiste em aplicar uma folha de papel sobre uma superfície rugosa. abandonou a abstração pura que praticara por anos e criou pinturas baseadas na figura humana. criando imagens abstratas (obtidas sem o auxílio da câmara) mas com a exposição à luz de objetos previamente dispersos sobre o papel fotográfico. até que por volta de 1916 o artista se concentrou nos engenhos mecânicos do dadaísmo. Inventou técnicas como a decalcomania e o frottage. são exuberantes nas cores e sugerem formas metálicas que se encaixam umas nas outras.

Você pode se envolver ou se inspirar em alguma coisa existente mas não vai retratar fielmente aquela figura. abstrato colorido. A Alemanha foi o país que participou mais intensamente desse movimento e uma boa parte da Europa também teve participações mais irregulares. Essa época coincide quando Kandinsky vira uma tela de aquarela de ponta cabeça. Quando se fala de abstracionismo falamos também de representar formas. o homem tentava negar a realidade em que vivia. no período da pedra lascada quando o homem fazia desenhos figurativos. mas que ninguém sabe ao certo se foram eles que a criaram. cores e texturas. Ele pode ter uma somatória de características além do abstrato. essas combinações levaram a surgir outros momentos e não movimentos de pintura. passa a ter uma linguagem muito diferente chamada de linguagem geométrica. É uma linguagem completamente abstrata. Ex. sem medidas. surgindo uma série de borrões que vão ser admirados. Abstrato preto-branco. O grego também foi um povo que usou muito do abstracionismo. Mandalas. Existem muitas outras formas geométricas que foram usadas por eles e que de forma nenhuma estão inspirados na realidade. É uma ausência da realidade. no período da pedra polida. abstrato puro ou outras combinações. que são criadas por um processo muito interior. O abstracionismo surgiu por vários fatores sendo um deles o cansaço do realismo. quando o homem vai ter que lutar por aquilo que precisa sem ter que depender tanto de suas magias. Ex. Como exemplo temos as "gregas" que foram usadas. Nos dias de hoje. e retiradas do mundo externo. Próximos da segunda guerra mundial. No aspecto social seria a previsão do início de guerra.ABSTRACIONISMO O período do abstracionismo começou em mais ou menos 1911. A revolução Russa também influenciou muito no abstracionismo. Esses desenhos se desprendem da realidade enquanto formas. mas pode também ser um símbolo além do abstrato. O abstracionismo acompanha o homem desde a época pré-histórica. Aos poucos. Abstracionismo não se prende a realidade existente. vivendo em um clima tenso. Quando você cria um desenho livre pode até ser um trabalho abstrato. 134 . São formas criadas pelo homem. Outro motivo seria uma nova visão decorrente do impressionismo (pinceladas soltas que se parecem com manchas abstratas). Esse movimento foi muito forte na pintura e na arquitetura.

Da mesma forma que você representa uma forma real você pode representar uma forma irreal dando volumetria. Todos os dois podem provocar emoções. Em pleno período de conflitos mundiais vão pensar em contestar tudo isso com uma arte que não era fácil de ser entendida. no qual a movimentação da mão vai determinar o trabalho com pinceladas (no caso utilizando-se pincel) mais fortes ou mais suaves. Ex.: Preto-vermelho. é enquadrado na arte moderna. O abstracionismo não é um processo racional. tem buscado estabelecer planos diferenciados na pintura através da cor e da forma. Optar por colocar uma cor quente ou fria em determinado espaço para dar impressão de proximidade. Os artistas abstracionistas. No abstracionismo não existe a obrigatoriedade de se combinar cores. Existe uma série de regras que determina cada estilo de arte. tanto no gestual como no geométrico. Outra forma é programar a distribuição de cores e formas sem estar reproduzindo uma realidade. Um trabalho abstracionista está dentro de um contexto de arte moderna. Cores contrastantes são comuns aparecerem em trabalhos abstratos. o abstracionismo dificilmente passa a ser aceito pelo mundo. O abstrato é um dos tipos de trabalho que faz parte da arte moderna. não existindo nenhum compromisso com a realidade. sem medidas e técnicas precisas. O pintor abstracionista sempre tem uma representação muito pessoal que envolve os aspectos de técnicas de sua pintura como também o do contexto onde o artista vive. Muitas vezes é um porquê racional que pertence só ao artista. O abstracionismo Geométrico é muito preso a aspectos de simetria. mas não é obrigatório. Um trabalho abstrato não tem essa limitação.Em 1911. Ex. mas produzindo uma distribuição racional dessas cores e formas. As formas geométricas são precisas dentro do trabalho. são criadas pelo artista. intuitivamente. O Gestual é o abstracionismo no qual a pintura é muito livre. As cores que mais sofrem destaques normalmente são cores que provocam contrastes entre elas mesmas. As formas. ele pode ser irracional. Temos dois tipos de trabalhos abstracionistas: Abstracionismo gestual e geométrico. enquanto movimento. Ao fazer negações desse tipo. No abstracionismo não se respeita nenhuma regra é uma negação completa a qualquer outro momento da arte. Um trabalho pode ser completamente abstrato e só ter tons pastéis e sem nenhum contraste. amarelo-vermelho. 135 . Uma pintura irracional é colocar as cores e formas simplesmente por acaso. mas ele vem acompanhando o homem desde a pré história e em vários momentos da sua vida. A arte abstrata é livre de contexto. pois ele será abstrato em qualquer época. O abstracionismo. equilíbrio e de formas que estão ligados ao conceito de geometria. foi considerado um marco dentro da chamada arte moderna. mas nem todo trabalho de arte moderna será um trabalho abstrato. distanciamento ou efeito de volume. hoje em dia. Se você fizer hoje um trabalho impressionista será chamado de néo-impressionista. quando o abstracionismo começou.

deixando de ter toda essa abstração e ganhando um significado que você tenha descoberto e não necessariamente tenha sido criado pelo artista. passando depois para Dessau. não dá para estabelecer parâmetros racionais. A falta de intimidade com a arte abstrata é que leva o homem a não apreciá-la. que integrou a BAUHAUS (escola de arte). Essa escola tem um destaque muito importante dentro da história da arte e da arquitetura. Kandinsky passou por várias fases da pintura e na sua primeira visita à Paris viu o quadro de Monet. sem se preocupar com a forma e o conteúdo. cidade alemã. que representava um monte de feno. O fato de utilizarse só da cor demonstra uma negação da realidade. Algumas obras abstratas passam algum conteúdo. conhecer novos materiais. não tem necessidade de passar algum tipo de informação. Quando se observa uma obra de arte. Eles buscavam. Um trabalho abstrato pode ser rico ou não em simbologias. etc. O lado direito é o lado sensitivo. O abstracionismo levou uma série de discussões em cima do que era chamado de simbologia. de pintura e desenho. evoluir todos os sistemas industriais possíveis que tinham sidos retomados durante a revolução industrial. desafiando-se perante o novo. O lado esquerdo do cérebro é o lado racional. Vassily Kandinsky tinha por característica usar cores fortes e apelativas. cores. Essa escola foi criada (+/-) 1919/1920 em Weimar.Comentário: "A música existe por ela mesma sem ter a letra. principalmente a abstrata. As obras podem ser bem diferenciadas umas das outras pela infinidade de possibilidades de representações através de texturas. precisa de símbolos que tenha alguma informação já conhecida antes. É considerado o iniciador da pintura moderna abstrata. etc. Porque um quadro precisa ter forma explícita para agradar?". Quanto mais simbologias ele tiver é mais fácil as pessoas se identificarem com ele. outras não. A partir dai começa a pesquisar e fazer uma série de testes em cima de cor e textura. principalmente se for uma simbologia mais evidente. Não existe essa mesma liberdade na pintura acadêmica. técnicas diferenciadas ou não. Eles tinham todo um aspecto filosófico que faziam com que os alunos tivessem que passar por diversos estágios de evolução. Artistas abstratos: Vassily Kandinsky (1866-1944) Nasceu em Moscou e morreu em Paris. e vai ficar encantado com as cores e a textura. não do abstracionismo que aparece desde o período da pedra polida. 136 . A simbologia é uma representação criada pelo homem baseada nas formas abstratas. Vassily Kandinsky foi um dos professores. A obra abstrata não precisa ter conteúdo. é preciso ver o quanto aquela obra oferece de informações inovadoras.

Obs. Design: significa desenho Designer: significa desenhista Kandinsky se preocupava mais com a evolução do desenho junto a seus alunos. Fala que temos que negar o que é a realidade para representar a realidade. no sentido de que ele não é preso ao geometrismo. Bandeira. Tem uma frase interessante que ele comenta sobre o conteúdo em uma obra de arte: " A presença de uma imagem visual ou a representação da realidade. soltando-se por completo. Não é aquele tipo de abstracionismo que você comenta sobre se a composição está muito bem equilibrada. uma composição que não interfere o nosso lado sentimental. etc. No seu trabalho vai predominar uma idéia de sentimento. distribuída. também trabalhou em cima do abstracionismo com um caráter sentimental. o que é figurativismo. artista brasileiro. O pintor é abstrato é que é um realista. que se baseavam no belo e no real. os trabalhos de Kandinsky foram se tornando cada vez mais introspectivos. ou seja. extremamente desenvolvido e a combinação de materiais. diminui a beleza que as formas e as cores possuem em si mesmas. Em algumas etapas de seu trabalho ele se utiliza propositadamente da geometria de forma intensa. laminado melanínico (que significa fórmica) Obs. Ele inclusive vai pegar você pela emoção do prazer ou não prazer. Na sua fase final ele está completamente abstrato. e que seriam aspectos ligados a parte sensitiva de cada um de nós. O abstracionismo está muito ligado em algumas coisas com o expressionismo. Vai dizer também que nós temos uma mentalidade muito ligada a dos renascentistas.: A revolução industrial não significa somente invenções industriais. O seu trabalho é informal. Como por ex. mas estando sempre associadas a alguma coisa que passa sensações para nós. mas sim um aprimoramento das invenções. Influenciou realmente o design de peças das mais diversas que encontramos hoje. A Bauhaus é uma escola que vai aprimorar os designs dos objetos de uso do dia a dia. tristeza. e sendo assim. de utensílios e vai se tornar muito conhecida mundialmente. Adorava criar entidades que pudessem apoiar a arte. independente de qualquer representação. Neste livro filosófico vai questionar muito sobre o aspecto de conteúdo da arte. Foi nomeado um tipo de assessor cultural. : A palavra fórmica é nome de uma marca. plástico. Em dois anos ele fundou 22 entidades entre galerias de artes e museus. Vai mexer com nosso emocional proporcionando-nos sensações do tipo exuberante. da negação do prazer ou do êxtase com relação a obra. as cores e as formas acontecem livremente. Ele cria formas livremente que não são definidas pela natureza ou geometria. o que é abstracionismo. alegria. De um modo geral.: ferro. as linhas e cores adquirem novos valores expressivos e uma nova vida própria despertando no observador emoções e sugestões de acordo com a sua sensibilidade". Kandinsky escreveu um livro neste período chamado "O Espiritual da Arte". Chega a provar que a arte acadêmica é que é abstrata. 137 .

Resulta às linhas verticais e horizontais e às cores puras (vermelho. Também existe um tipo de abstrato informal formado por manchas.: Quando você encontra uma obra com o símbolo "P.Ex. O ângulo reto é o símbolo do movimento. Onde as cores e as formas são organizadas de maneira que a composição resulte apenas na expressão de uma concepção geométrica. ou de outros momentos que “tem um pé dentro e outro fora realidade”. Curiosidades: Tachismo (de tache = mancha). ou de alguma coisa própria do artista. Formado por manchas coloridas colocadas lado a lado em um certo parâmetro ou limite. Kandinsky foi considerado um “expert” do abstracionismo informal. significa prova de artista. Principal artista: Sonia Delaunay.A. conhecido como Cavaleiro Branco. do cubismo. as formas e as cores devem ser organizadas de tal maneira que a composição resultante seja apenas a expressão de uma concepção geométrica. Principal artista: Larionov/Gontcharova Abstracionismo Geométrico ou Formal. Um dos grupos que ele fundou foi chamado de DÉR BLAUE REITER. Neoplasticismo. Consegue nos convencer da dor que o homem está sentindo e que estava ligado ao aspecto da guerra. sendo rigorosamente aplicado à arquitetura. Orfismo tem ligação com a música. pode ser Cavaleiro Azul. elas não possuem parâmetro definido pelo braço do artista como no Tachismo. deslizes e riscos com luminosidade. 138 . no mínimo o braço do artista. seu criador e princiapl teórico foi Piet Mondrian. mais provável. e que também. Este trabalho não deixa de ser um teste do artista que pode ter ido adiante para um trabalho final ou não. porém. É muito comum que os vários artistas que passaram pelo abstracionismo tenham participado do expressionismo. estanques. São manchas criadas impulsivamente com toda a liberdade ou efusão emocional do artista. azul e amarelo).". Trabalhos bem conhecidos de Kandinsky: Série de "Improvisações" "A Tela Amarela" "A Pintura com Três Manchas" Obs. Grafismo é todo abstracionismo formado por uma grafia não cognificada.: A obra "O grito" por pouco não é abstrato pela deformação. Raionismo formado por raios.

defendia a supremacia da sensibilidade sobre o próprio objeto. holandês) Piet Mondrian desenvolveu uma série de pesquisas em cima do abstracionismo. círculo. A maioria dos americanos não estuda história da arte em seu currículo escolar. Jackson Pollock Pintor americano. que ao olhar o seu trabalho visualizamos às vezes figuras que transferimos para a nossa realidade. Sua obra deve ser vista de perto. foi um dos principais integrantes do movimento futurista em seu país.Piet Mondrian (1872-1944 . Antes de ser um pintor era um conhecedor de arte. poeta russo. em Nova York. assinado por Malevitch e Maiakovski. Os elementos principais são: retângulo. não de contorno. sem qualquer preocupação de representação. Suas características são rígidas e se baseiam nas relações formais e perceptivas entre a forma e a cor. cores mais fortes e depois foi usando cada vez mais tonalidades pastéis. um estacionamento de barcos e o oceano. de técnica. já para o europeu a arte faz parte de sua formação acadêmica. Seu trabalho é abstrato. 139 . informal e o apelo de seu trabalho está num conjunto de tudo. reduz as formas. É um trabalho que lembra uma marina. Tinha o objetivo de desenvolver um abstracionismo geométrico onde as formas e as cores eram organizadas de tal maneira que a composição resultante fosse uma expressão de uma concepção geométrica. mas sempre tem um apelo forte a emoção. à pureza geométrica do quadrado. é uma pintura com base nas formas geométricas planas.: A obra de abstração da "Árvore". de longe. mas de colocação de uma cor ao lado da outra. Outro trabalho muito conhecido é "Pier e o Oceano". A maioria de suas obras estão no Museu "MOMA". Buscava uma definição. que foi e voltou e passou por várias fases. Teve uma evolução bastante gradual e oposta a de Kandinsky. Ele é bastante expressivo. Mais racional que as obras abstratas de Kandisky e Paul Klee. Ele teve uma evolução bastante progressiva. no início de seu trabalho. cores e formas que obtém. de pé. Pesquisa os efeitos perceptivos do quadrado negro sobre o campo branco. mas pode ser notado um aspecto expressionista nele. Ex. Ele é bastante movimentado. O manifesto do Suprematismo. Ele não usa figuras explícitas. nas variações ambíguas de fundo e forma. sempre buscando um equilíbrio. obtendo formas extremamente definidas e geométricas. Quando fazia o seu trabalho já tinha uma preocupação de distribuir tanto as formas como as cores na tela. Curiosidades: Suprematismo. Ele usou. Ele transformava as formas e cores e purificava tudo em uma visão bem geométrica. Ele influenciou muito os artistas alemães da geração atual. como quiser. tinha um componente emocional que sempre se inspirava naquilo que ele via. A sua obra mais conhecida chama-se "Boogie Odgie na Broadway". triângulo e a cruz. Apesar de ele ter uma obra extremamente geométrica. de ponta cabeça.

Obs. Raríssimas obras não serão geométricas. A sua composição é bastante variada. Tem trabalhos em Amsterdã. mas sempre utilizando quadrados e retângulos na sua maioria. etc. Ele pintou inúmeros trabalhos só com cor e retângulo. balançar o pincel para respingar sobre a tela. geométricas e perfeitas em cima de um fundo extremamente chapado. vidro moído. Em 1937. Teve um processo bastante evolutivo. Foi o que mais se desvinculou da idéia de realidade. trincha. insistindo sempre no geometrismo. Ele deixava a tela de pé. Ele soube colocar a sua própria expressão. em telas enormes. A natureza também é uma arte. Jackson Pollock deixava que a tinta agisse por si só. · Execução cheia de violenta agressividade. Uma de suas obras feitas pelo processo "Action Painting" chama-se "Ritmo Autônomo". assim como a natureza. Nem sempre trabalhava com esse processo "Action Painting". Rússia e outros dispersos. · Técnica: pintura direta na parede ou no chão. deixava secar e depois fazia intervenções sobre esse trabalho. Características da Pintura: · Compreensão da pintura como meio de emoções intensas. · Destruição dos meios tradicionais de execução . ou inclinada para que a tinta jogada pudesse escorrer. lançava a tinta. formas extremamente rígidas. Paul Klee Nasceu em 1878 e morreu em 1940. Ele escolhia a posição que ia colocar a tela. Não teve muitas obras. Curiosidades: Action Painting ou pintura de ação gestual. espontaneidade e automatismo. O abstracionismo cresce e se desenvolve nas Américas. fundou-se nos Estados Unidos. chegando à criação de um estilo original. a Sociedade dos Artistas Abstratos. criada por Jackson Pollock nos anos de 1947 a 1950 faz parte da Arte Abstrata Americana. Essas figuras geométricas são na maioria das vezes chapadas também. Toda viagem que fazia recebia muita influência. Kasimir Malevich Artista russo. Paul Klee demorou para muito para decidir ser pintor devido as influências recebidas de seus pais que eram músicos. 140 . na Holanda.: Lançar a tinta pode ser um processo de jogar a tinta com um balde. Participou do grupo de Kandinsky "Cavaleiro Azul".Usou muito a técnica de jogar a tinta sobre a tela deixando que ela agisse por conta dela mesma. Viveu sua vida artística quase que inteira no abstracionismo geométrico. que faz o que ela quer. no chão. Jackson Pollock usava dois processos para jogar a tinta na tela. Não existiu nenhum artista que tivesse influenciado Paul Klee diretamente. Ele não quer passar nenhum sentimentalismo através de sua obra. Essa técnica de pintura chama-se Action Painting que significa “pintura por ação”. etc. espátulas. Passou por diversas fases sem precisar voltar a nenhuma delas. Teve uma formação acadêmica tradicional que rejeitava.pincéis. utilizando tinta à óleo. pasta espessa de areia.

141 . a vanguarda expressionista ianque tratou de banir a política de seus quadros. expressionismo e primitivismo. Diversamente dos expressionistas europeus.Paul Klee também foi um dos professores da Bauhaus. e o irreal com o real" O desenho de "setas" vai aparecer muito em seus trabalhos. Assimilou muita coisa do cubismo. junto com Jackson Pollock. traçados e pinceladas em seus trabalhos. não de excluí-las". secundado por De Koonning e companhia. que abandonou a Holanda aos 22 anos a bordo de um cargueiro. De cultura européia. às vezes só a título de experiência. Com seus borrões e respingos de tinta atirados contra ela a tela. Ao final dos anos 40. antes de atacar suas telas. Ao contrário de seus colegas de vanguarda.: É conceituado como arte primitivista todo o desenho folclórico. usou também aquarela. como todos os outros abstracionistas. pastel e outros materiais. começou a vida como carpinteiro e pintor de paredes. Para Paul Klee "O ilógico coexiste com o lógico. que aboliram a representação figurativa de seus quadros. Você reconhecerá a sua obra através de sua essência. "Minha obra vive de incluir as coisas. deslocou de Paris para Nova York a capital mundial das artes. o maior de todos. o jovem De Kooning. apesar dos contextos racionais da arte. Morreu vítima do mal de Alzheimer em sua casa-ateliê em Long Island. costumava afirmar. De Konning fez das figuras femininas .a marca da diferença em seu trabalho. Willem de Kooning (1904-1997) Nos anos 20 e 30. tornando-se um admirador da obra de seu conterrâneo Rembrandt e do francês Cèzanne. Ele tinha uma visão muito espiritual. que no começo do século converteram sua arte numa forma de panfletagem político-social. do mesmo modo que explorou o expressionismo e o cubismo. De Kooning herdaria o apreço ela arte figurativa. Arshile Gorky e Mark Rothko. Paul Klee explorava esse tipo de arte. florzinha). revolucionaria a pintura americana. ela torna-o visível". perto de Nova York. Ele não se prendeu só a pintura à óleo. Obs. Teve uma variedade muito grande de estilos. Pollock. preferindo expremir as misérias da condição humana nos limites da existência individual. aquele que todos fazem (casinha. fundando a vanguarda expressionista abstrata. Segundo Paul Klee: "A arte não restitui o visível.

SURREALISMO
Em 1924 surge um grupo de pintores que vai se interessar muito pelo subconsciente, onde ocorre aí a falta de lógica. Eles se interessavam demais pelo sonho, pelo fantástico, pelo irreal, pela loucura, tudo que contrariasse a lógica. • Loucura • Sonho • Irreal • Ilógico A forma que eles pintavam é muito realística, mas o conteúdo é sem lógica. Freud estava em moda. A arte que é muito lógica, como iria acompanhar o ritmo se este já não é mais lógico? A arte tem que acompanhar a época. Vai haver, portanto, uma série de trabalhos que chamamos de surrealista. É uma arte do inconsciente. O surrealismo não é uma arte só do inconsciente, é também uma arte sem limites de qualquer espécie no conteúdo. O surrealismo vai surgir na pintura, na poesia, na música, no tipo humano (aquela pessoa surreal). O pintor, o poeta e todos os outros artistas procuram dois mundos: um visível e o outro submerso, vago, indeterminado, que é o subconsciente da gente. Vão procurar pintar esse subconsciente que não é fácil. Nós vivemos hoje, segundo Mali, em um mundo com métodos muito lógicos. Isso dificulta o entendimento do mundo surreal. O surreal não tem lógica nenhuma. É o nonsense total. Os fins lógicos não escapam de nós, mas os fins ilógicos sim. Tudo que não tem lógica e que foge do nosso controle, nós não gostamos. O surreal passa a ser a arte pura do sonho e da fantasia. Vão usar muito álcool, excitantes, hipnose, símbolos esotéricos, alquimia. Na arte surrealista não vai haver uma lógica discursiva. Ela não vai ter começo, meio e fim. O surrealista vai usar primeiro elementos justapostos, quer dizer, elementos que podem estar no mesmo tempo no mesmo lugar e podem ou não estar mesmo espaço. Ex.: Quando Paul Delvaux vai pintar uma moça nua em uma estação de trem com uma vela na mão como se fosse uma sonâmbula, isso incomoda muita gente, porque não tem lógica. Surrealismo tem muito recollection. É o sonho mal resolvido que agente tem. Paul Delvaux é um pintor surrealista que vai pintar muito estação de trem. Coloca uma mulher da época barroca fazendo justaposição de tempo e de elementos com mulheres mais clássicas no plano de trás. A forma é perfeita como uma fotografia mas a história ou o conteúdo é estranho. Paul Delvaux é belga e morreu em 1994. Em "off": Quando ele era mocinho, tinha paixão por trem, morava em uma casa próximo à uma estação ferroviária. Seu pai resolveu então levá-lo para uma viagem de trem. Quando eles chegaram lá o trem já tinha saído. Isso vai marcar muito pelo resto de sua vida, influenciando sua pintura. 142

O "acaso" para os surrealistas é uma coisa muito importante. Vai funcionar como uma "mis en cene" = "fundo" Ex: Dali pegava um papel e colocava ao ar livre por 3, 4 dias. O que acontecesse com aquele papel ele ia aproveitar para fazer em suas obras, como borrões. É o acaso. Na pintura surrealista, a técnica é ligada à criatividade. Vai ter que pintar muito bem a forma para que seja muito fácil de entender. Não pode pintar uma coisa muito complicada porque senão o fruidor não vai conseguir ler a obra. Se a forma não for perfeita e a história complicada, vai ser impossível de entender a obra. Pintores Bélgas importantes: Paul Delvaux, surrealista René Magritte, surrealista Rubens, barroco Para os surrealistas o acaso, a técnica, a decalcmania, fotomontagens, vão ser muito importantes. Vai atingir até a literatura e o cinema. Na literatura brasileira nós temos: João Cabral de Mello Neto Ariano Suassuna Júlio Cortasa Filme Surrealista: Filme inglês "Spell Bound", com Ingrid Bergmann. A cenografia é do Salvador Dali. O diretor é o Hitchcock (??). Surrealismo é um estado de espírito, é um propósito, é uma arte de sonho. Principais pintores surrealistas: Salvador Dali René Magritte Paul Delvaux Marx Hess, tem uma fase pequena surrealista. Foi cubista também.

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SALVADOR FILIPE JACINTO DALI ERA O NOME COMPLETO DE DALÍ.
Nasceu em 11 de maio de 1904. Em Figueiras, espanhol da Catalônia. Nasceu de família rica. Já era excêntrico desde que fez escola de Belas Artes. Em 1927 Dalí fez sua primeira visita à Paris. Picasso já tinha feito em 1900. Dalí começou pintando como impressionista. Ficou amigo de Garcia Lorca e Brunuel (diretor de cinema espanhol famoso). Os três eram muito amigos. Dalí vai ter muita influência de Picasso, em uma de suas fases. Ele teve um caso com Garcia Lorca. Brunuel não se conformava pois era muito machista. Dalí vai se tornar um grande surrealista. Em 1929, Dalí conhece Gala, que é Helena, e vai ser sua musa inspiradora e sua paixão até ele morrer. Ela foi uma dançarina russa. Quando Dalí a conheceu ela era esposa de Paul Edward (grande poeta francês). Quando Dalí viu Gala, numa festa na casa de Brunuel, ela estava de costas para o sol e com os ombros de fora. Ele se apaixonou pelo ombro dela e disse que ia casar com aquela mulher. Conseguiu tirá-la de Paul Edward e vão ficar juntos até ela morrer. Fofoca: Dali tinha um problema físico. Tinha o “elemento” pequeno que não funcionava muito. Gala conseguiu resolver essa situação. Ele devia isso a Gala. Foi a primeira mulher realmente que ele se resolveu. Ele era bissexual e tinha muitos casos. Nunca mais vai largar Gala na sua vida. Ela teve também muitos casos com marinheiros que Dalí sabia e aceitava numa boa. Dalí é o protótipo do homem surrealista. Ele é escandaloso e só pintou o irreal. É um cabotino (aquele indivíduo de maneira afetada, que procura chamar a atenção, ostentando qualidades reais ou fictícias) e só pensava em dinheiro. Adorava Picasso como artista e como pessoa. Picasso nunca deu bola para Dalí. Eles nunca foram amigos. Picasso não admitia a forma de viver de Dalí, apesar dele também ser extravagante. Dalí vai pintar muitos símbolos fálicos, como os ciprestes pontudos. Vai pintar muito costeletas penduradas em Gala, significando que gosta de “comer” Gala. Ele pinta também muitas muletas. Acha que todo mundo tem muletas. A sua muleta era Gala. Ele representa a muleta como se fosse forquilha (tipo muleta para segurar as oliveiras) A religião para Dalí é um campo de investigação. Ele foi muito místico. Ele fez coisas muito loucas, como a "Apoteose do Dólar". Era um quadro cheio de dólar assinado com um cifrão. Ele ficou muito rico. Quando a Gala morreu em 1982 ele estava sofrendo o mal de Parkinson. Dalí vai viver até o fim de sua vida de forma muito extravagante. Morre em 1986.

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mas difíceis de serem elucidadas. 145 . Nessa época. em Barcelona. nas quais extravasou suas inquietações pictóricas. É o pintor surrealista do absurdo. Leiris. Ele investe em você o tempo todo. obra fundamental em seu desenvolvimento estilístico posterior e na qual Miró demonstrou uma grande precisão gráfica. embora se apresentem de forma amistosa ao observador. Dois anos depois adquiriu forma La masía. Ele é um campo muito vasto para a nossa imaginação. entre os quais estavam Masson. Tinha obsessão pelo rosto de mulher e estações de trem. Breton falava dela como o máximo do surrealismo e se permitiu destacar o artista como um dos grandes gênios solitários do século XX e da história da arte. Tudo dele é fantasticamente absurdo. Miró também se dedicou à cerâmica e à escultura. Toda obra que você vê. RENÉ MAGRITTE (1898-1967) É também pintor belga.JOAN MIRÓ iniciou sua formação como pintor na escola de La Lonja. Artaud e Lial. Usa metáfora em todos os quadros. onde se formara um grupo de amigos pintores. Ele vai fazer sobreposições até o infinito. Em 1920 Miró instalou-se em Paris (embora no verão voltasse para Montroig). PAUL DELVAUX (1898-1994) É pintor belga. Em 1912 entrou para a escola de arte de Francisco Gali. A famosa magia de Miró se manifesta nessas telas de traços nítidos e formas sinceras na aparência. a desconfiança do irreal. A partir daí sua pintura mudou radicalmente. você se questiona se é ou não real. fez amizade com Picabia e pouco depois com Picasso e seus amigos cubistas. onde conheceu a obra dos impressionistas e fauvistas franceses. em cujo grupo militou durante algum tempo. Pinta o irreal.

Era a volta a uma arte figurativa. de poderosa influência na vida cotidiana na segunda metade do século XX. da fotografia. de Andy Warhol. látex. poliéster.POP-ART Movimento principalmente americano e britânico. tinta acrílica. Rauschenberg criou as pinturas "combinadas". em oposição ao expressionismo abstrato que dominava a cena estética desde o final da segunda guerra. dos quadrinhos. a Pop Art se apoiava e necessitava dos objetivos de consumo. Seu interesse pelas histórias em quadrinhos como tema artístico começou provavelmente com uma pintura do camundongo Mickey. Roy Lichtenstein (1923-1997). Esses trabalhos tiveram como temas episódios da história americana moderna e da cultura popular. Representavam. pelo crítico inglês Lawrence Alloway. como aconteceu por exemplo. assim. brilhantes e vibrantes. Por volta de 1962. desmitificando. Além disso. um dos principais artistas da Pop Art. e já que tanto o gosto. embalagens de produtos industrializados e pássaros empalhados. passaram a transformá-los em tema de suas obras. Sua iconografia era a da televisão. sobretudo os que eram provenientes dos Estados Unidos. nos quais se inspirava e muitas vezes o próprio aumento do consumo. já que se utilizava de objetos próprios delas. virou moda. transformando o real em hiper-real. Com o objetivo da crítica irônica do bombardeamento da sociedade pelos objetos de consumo. em refinado. para designar os produtos da cultura popular da civilização ocidental. reproduzindo objetos do cotidiano em tamanho consideravelmente grande. ilustrações e designam. a Pop Art proporcionou a transformação do que era considerado vulgar. produtos com cores intensas. do cinema e da publicidade. com as Sopas Campbell. com garrafas de Coca-Cola. usando como materiais principais. os componentes mais ostensivos da cultura popular. e aproximou a arte das massas. usando como materiais. sua denominação foi empregada pela primeira vez em 1954. adotou a técnica de impressão em silk-screen para aplicar imagens fotográficas a grandes extensões da tela e unificava a composição por meio de grossas pinceladas de tinta. como a arte tem um determinado valor e significado conforme o contexto histórico em que se realiza. após estudar os símbolos e produtos do mundo da propaganda nos Estados Unidos. quadrinhos. Mas ao mesmo tempo que produzia a crítica. o pop art começou a tomar forma no final da década de 1950. ela operava com signos estéticos massificados da publicidade. Principais Artistas: Robert Rauschenberg (1925) Depois das séries de superfícies brancas ou pretas reforçadas com jornal amassado do início da década de 1950. a arte para poucos. usando como materiais principais. quando alguns artistas. ilustrações e designs. que realizou em 1960 para 146 . Com raízes no dadaísmo de Marcel Duchamp. tinta acrílica. muito do que era considerado brega.

as latas de sopa Campbell. O resultado é a combinação de arte comercial e abstração. aparecem como imagens frias. destacou a impessoalidade do objeto produzido em massa para o consumo. Warhol entendia as personalidades públicas como figuras impessoais e vazias. crucifixos e dinheiro. Da mesma forma. por exemplo. apesar da ascensão social e da celebridade. automóveis. delineadas por um traço negro. e reproduziu a mão. Cores brilhantes. símbolos ambíguos do mundo moderno. o artista pretendia oferecer uma reflexão sobre a linguagem e as formas artísticas. Seus quadros. desvinculados do contexto de uma história. os procedimentos gráficos. como Elvis Presley e Marilyn Monroe. contribuíam para o intenso impacto visual. planas e limitadas.os filhos. Andy Warhol (1927-1987). Com essas obras. Warhol mostrou sua concepção da produção mecânica da imagem em substituição ao trabalho manual numa série de retratos de ídolos da música popular e do cinema. com fidelidade. Empregou. e usando sobretudo a técnica de serigrafia. incentivou o trabalho de outros artistas e uma revista mensal 147 . como garrafas de Coca-Cola. intelectuais. uma técnica pontilhista para simular os pontos reticulados das historietas. Ele foi figura mais conhecida e mais controvertida do pop art. Produziu filmes e discos de um grupo musical. ampliou as características das histórias em quadrinhos e dos anúncios comerciais. Em seus quadros a óleo e tinta acrílica.

mesmo quando em preto e branco. elas se movimentariam pela simples ação das correntes de ar. Apesar de ter ganho força na metade da década de 1950. Apesar do rigor com que é construída. Sugerir facilidades de racionalização para a produção mecânica ou para a multiplicidade.Criou os móbiles associando os retângulos coloridos das telas de Mondrian à idéia do movimento. pois exige um sistema de peso e contrapeso muito bem estudado para que o movimento tenha ritmo e sua duração se prolongue. mais próxima das ciências do que das humanidades. Os seus primeiros trabalhos eram movidos manualmente pelo observador. solicitar ou exigir a participação ativa do contemplador para que a composição se realize completamente como "obra aberta". 148 . suas possibilidades parecem ser tão ilimitadas quanto as da ciência e da tecnologia. por outro lado. sua montagem é muito complexa. como diz o artista. depois de 1932. em preto e branco ou coloridas. ao qual não são estranhos efeitos luminosos. Defendia para arte "menos expressão e mais visualização". Victor Vassarely . Principais artistas: Alexander Calder (1898-1976) . a Op Art passou por um desenvolvimento relativamente lento. ele verificou que se mantivesse as formas suspensas.criou a plástica cinética que se funda em pesquisas e experiências dos fenômenos de percepção ótica. Ela não tem o ímpeto atual e o apelo emocional da Pop Art. que se modifica a cada instante. simboliza um mundo precário e instável. os móbiles pareçam simples. O geometrismo da composição. Mas. Por outro lado. em comparação. Embora.OP-ART A expressão “op-art” vem do inglês (optical art) e significa “arte óptica”. de modo que através de constantes excitações ou acomodações retinianas provocam sensações de velocidade e sugestões de dinamismo. parece obedecer a duas finalidades. São engenhosamente combinadas. As suas composições se constituem de diferentes figuras geométricas. parece excessivamente cerebral e sistemática. que se modificam desde que o contemplador mude de posição.

Boleta. Seus grafites mostravam símbolos de variadas culturas. de obras famosas. Nina. Speto. por outros. Foi patrocinado por Andy Warhol (Pop Art). As temáticas do seu trabalho refletem suas preocupações. instalando-se em coleções privadas e cobrindo com seus rabiscos e signos os mais variados objetos de consumo. palavras ou frases de humor rápido. valoriza-se a cor. Morreu prematuramente em virtude de depressão e drogas. destruição moral. Características gerais: * Spray art . também se destacam artistas de vanguarda como: Os Gêmeos: Otávio e Gustavo. Waldemar Zaidler e Carlos Matuck.o metrô .o grafiteiro utiliza um cartão com formas recortadas que. anarquia social. 149 . No Brasil. como o genocídio. e principalmente ícones da cultura e consumo americanos. Principal artista: Jean Michel Basquiat . Nunca. só deixa passar a tinta pelos orifícios determinados. * Stencil art . no PS 1. nascido no Haiti. a opressão e o racismo. com apresentação de Peter Schjeldahl. principalmente no contexto político e social. de Nova York. como "violação. Freak. existe a valorização do desenho. iniciou sua carreira grafitando as paredes e muros de Nova York.pixação de signos.GRAFFITI Definido por Norman Mailler como" uma rebelião tribal contra a opressora civilização industrial" e. A primeira grande exposição de Grafite foi realizada em 1975 no "Artist's Space". destacam-se os artistas: Alex Vallauri.e das ruas das galerias e museus de arte. Tikka e T.(1960-1988). mas a consagração veio com a mostra "New York/New Wave" organizada por Diego Cortez. um dos principais espaços de vanguarda de Nova York. o Grafite saiu do seu gueto . a partir daí virou celebridade. ao receber o jato de spray. em 1981. Com 21 anos participou da sua primeira coletiva em Nova York. vandalismo puro e simples".

ressaltamos Christo. Ponte Neuf (Paris) embrulhada para presente. e não somente à aprecia. para ativar o espaço arquitetônico. Alguns artistas interferem na paisagem. existem os realmente marcantes e outros nem tanto. muito embora. portanto é instintiva e onde o artista expande seu universo particular. de uma criação totalmente subjetiva. mesmo nesses casos. o artista naïf é marcadamente individualista em suas manifestações mais puras. tende à simetria e a linha é sempre figurativa 150 . nem nas tendências modernistas. Não se trata. da arte do doente mental e da arte primitiva. INSTALAÇÃO São ampliações de ambientes que são transformados em cenários do tamanho de uma sala. Art naïf (arte ingênua) é o estilo a que pertence a pintura de artistas sem formação sistemática. portanto. Assim. colocam cortinas. Esse isolamento situa o art naïf numa faixa próxima à da arte infantil. no entanto. se confunda com elas. ARTE NAÏF É a arte da espontaniedade.INTERFERÊNCIA Como a pintura já não é claramente definível e deixou de ser a única fornecedora de memoráveis imagens visuais. guardasóis. O artista naïf não se preocupa em preservar as proporções naturais nem os dados anatômicos corretos das figuras que representa. o único artista que se destaca com suas interferências. Trata-se de um tipo de expressão que não se enquadra nos moldes acadêmicos. seja quase sempre possível descobrir-lhes a fonte de inspiração na iconografia popular das ilustrações dos velhos livros. Obra Destacada: Homenagem a Chico Mendes do artista Roberto Evangelista. que foi envolvido em tecido sintético com duração de duas semanas. embrulhos em locais públicos. das folhinhas suburbanas ou das imagens de santos. Guarda-sóis colocados em um vale da Califórnia e mais recentemente o Reichstag ( Parlamento Germânico em 1988 . Características gerais: · Composição plana. Atualmente. sem nenhuma referência cultural. juntamente com a escultura e outros materiais. nem tampouco no conceito de arte popular. sem que. Obras Destacadas:: Cortina no Vale. da criatividade autêntica. bidimensional. do fazer artístico sem escola nem orientação. É utilizada a pintura. O espectador participa da obra. Claro que.Berlim). como numa arte mais intelectualizada.

151 . Pablo Picasso. Criou exóticas paisagens de selva que lembram tramas de sonho e parecem motivadas pelos sentimentos mais puros. "Um dia de carnaval". Robert Delaunay e outros intelectuais e artistas. e de empregar as cores de modo arbitrário. após despertar a admiração de Alfred Jarry. Nos primeiros anos do século XX. Estreou com uma original obra-prima. Em sua primeira exposição foi acusado pela crítica de ignorar regras elementares de desenho. Guillaume Apollinaire. homem de pouca instrução geral e quase nenhuma formação em pintura. · Pinceladas contidas com muitas cores. no Salão dos Independentes.· Não existe perspectiva geométrica linear. composição e perspectiva. Principal Artista: Henri Rousseau (1844-1910). seu trabalho foi reconhecido em Paris e posteriormente influenciou o surrealismo.

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