APOSTILA HISTÓRIA DA ARTE

PROFESSORA: MEIRE DE FALCO
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História da Arte  Linha do Tempo o Pré-História  Arte Pré-histórica o Idade Antiga  Arte Egípcia  Arte Grega  Arte Romana  Arte Paleocristã  Arte Bizantina  Arte Islâmica o Idade Média  Arte Românica  Arte Gótica o Idade Moderna  Renascimento  Maneirismo  Barroco  Rococó o Idade Contemporânea  Neoclássico  Arte Romântica  Realista  Impressionismo  Expressionismo  Cubismo  Abstracionismo

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Fauvismo Construtivismo Surrealismo Dadaísmo Op Art Pop Art Instalação Interferência Cobra Futurismo Arte Naif Pintura Metafísica

o Arte Brasileira  Pré-História  Arte Indígena  Arte Colonial  Arte Holandesa  Barroco  Missão Francesa  Arte Acadêmica  Semana de 22  Expressionismo  Arte Naif

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PRÉ HISTÓRIA
A arte nasceu com o homem e deu-lhe a consciência de sua capacidade criadora, a possibilidade de imaginar. É muito importante lembrar que a arte revela o ser, independente de cor, religião, locais geográficos, independente de qualquer coisa. Se a arte não revela o ser ela não será arte. A arte é comunicação. Esse sistema de comunicação é sempre ligado a um processo histórico. A arte pressupõe um público. Mesmo que ela não seja feita para o público sempre haverá um que irá olhar. A arte é emissora e receptora, ela emite e recebe ao mesmo tempo. Na pré-história, o homem se tornou artista há 400 séculos ou 40.000 anos. Esse homem apareceu na fase da Pedra Lascada, em um período chamado PALEOLÍTICO (Paleo=Velho, Litico=Pedra). Esses homens tinham uma sensibilidade criadora incrível, habilidade e inteligência para a arte quase como os homens de hoje. Homens da pedra-lascada, homens primitivos, homens das cavernas tem o mesmo significado. Ha 4 milhões de anos antes dos homens paleolíticos já existia homem na terra quase como macaco. Dessa época não temos nenhum registro. Não sabemos o que eles fizeram, apenas que eles sobreviveram. De arte só sabemos a partir de 400 séculos atrás. Nesses 2 últimos milhões dos 4 milhões de anos agente já sabe que o homem se utilizava de pedras e de paus. O homem, com certeza, desde 4 milhões de anos atrás já usava um instrumento, porque o macaco como exemplo pega uma planta ou uma pedra para jogar em outro macaco. Então tudo isso o homem já devia usar. Só que transformar pedras em utensílios levou séculos. Primeiro ele pensou o que fazia com os seixos (pedras lascadas) ou com gravetos. A partir dai ele vai associar forma à função, criando assim o utensílio. A madeira por não ser resistente não durou para que pudéssemos ter como prova mas, os objetos de pedra permanecem até hoje. Esse objetos pessoais foram se aperfeiçoando. Com o aperfeiçoamento desses objetos iremos entrar no Paleolítico, época da pedra lascada. O mundo era totalmente diferente, os homens viviam em cavernas, a temperatura era baixa, sempre no gelo. Viviam em regiões que correspondem hoje a França, Espanha, Inglaterra, Alpes, Síria, Palestina, Norte da África, em plena Ásia, no Himalaia. Viviam em grupos bem grandes para se protegerem. A caça era abundante nessas regiões. Apesar de se chamarem homens das cavernas, eles pouco habitavam nelas. Ficavam muito mais do lado de fora, por serem sufocantes, malcheirosas, sem luz,e feias. Do lado de fora eles podiam ver a mudança do dia e noite, o que achavam fantástico e completamente inexplicável para eles. As cavernas eram mais usadas como abrigos das intempéries do que como moradas. Esses homens são chamados de primitivos, não por serem mais simples do que nós, porque eles foram os primeiros do local mais próximo de onde começou a humanidade. O processo de pensamento deles era muito complicado, muito complexo. 2

A história da arte não é uma história de progressos de técnicas. Pintavam mamutes. ossos carbonizados. decorar. do mesmo jeito que não pintava a flora. sementes. e não de técnicas. marrons. Não existia requinte por não haver intenção de fazer arte. Ele pintava o que via. Esses locais eram bem inacessíveis e provavelmente subiam um em cima do outro para alcançarem. não distinguindo o real do irreal. a pele para ele se vestir. Não sabia a diferença do real para o irreal. Mesmo hoje vai ser chamada de “pintura rupestre” aquela pintura feita em tons crus. Depois começaram a pintar os animais sempre no fundo da caverna. bem escondidos. depois o pincel bem rudimentar feito de pêlos e penas de animais. bisontes. quer dizer.e os ossos para ele usar. É tão bom quanto os de hoje. tochas recobertas de gordura animal. O domínio técnico dos homens da caverna é surpreendente. Séculos depois ele vai pegar um osso e soprar o pó sobre sua mão na parede da caverna deixando a marca do contorno de sua mão nela. As cores empregadas eram ocre. idéias (conteúdo e formas. A explicação disso tudo é “a magia propiciatória”. As ferramentas rudimentares que usaram foram feitas com a mão. O que difere são as idéias. carvão vegetal (que usamos até hoje). o mundo para eles era uma realidade só e única. Se ele tivesse um poder sobre outro homem isso iria causar muito medo. de pessoas em mutações. As mais importantes cavernas citadas na História da Arte são: Altamira na Espanha e Lascaux na França. Antes do homem pintar os mamutes. Não separavam o visível do invisível. A magia propiciatória era o pintar e o matar o animal através do desenho. Primeiro utilizou o dedo como pincel. ele passava o dedo no pó da caverna e este nas paredes. bisontes (era como avô do elefante ou do boi). Você pode ter muita técnica mas se não tiver uma concepção artística dificilmente fará alguma coisa. O homem pré-histórico desenhou muito bem os animais. Ele precisava do animal para sobreviver e não do homem. São cavernas lotadas de pinturas rupestres.Existem milhares de pinturas rupestres (como são chamadas as pinturas das cavernas). Ele precisava do outro homem para preencher aquela imensidão do mundo que estava totalmente vazia. Essa pintura vai ser uma “pintura realística e figurativa” porque ele vai pintar tal qual ele vê. Ele não desenhou nunca homens porque ele não queria matar outro homem dessa forma. ocres. para poder iluminar o fundo da caverna. É a primeira vez que existe um estilo na história da arte. 3 . Não iríamos pintar hoje com a finalidade de fazer magia propiciatória. em locais inóspitos. Se ele não matasse o animal. O animal dava a carne para ele se alimentar. Foram descobertos vestígios de luz artificial. sangue. O padrão de qualidade não difere do nosso hoje. sépia. com criações. ele morria. O homem era monista. como se fosse uma mágica. Essas cores eram devido aos materiais orgânicos de que eram feitas como: fibras. É uma história de artistas. mas mais de conteúdo). vermelho. Não sabiam a diferença do mundo material do espiritual.

8000 anos depois (dos 40. A arte é feita pela arte. não saberíamos nada sobre esses “museus do mundo”. porque com a temperatura amena podiam ficar mais tempo no mesmo local. E. essa descobre um buraco que a leva a outras salas com muitos desenhos. quando um pai fazendo um picnic com sua filha. paleolítica. Outras formas de arte são as gravuras. É a conquista do pré-histórico de sua capacidade de representar as três dimensões. O homem neolítico consegue o controle sobre a sua alimentação. Eram pinturas sobre a caça. Os cientistas não gostam de que sejam fotografados esses desenhos. touros pintados de tamanho natural e de corpo inteiro. Eles acham que podem ser desenhos referentes a extra-terrestres. Obs. Tem uma ordem entre as figuras que parecem um código de composição. Foi descoberta em 1879. mamutes. 18 metros de comprimento e 9 metros de largura. Assim vão documentar para as vidas futuras o que a sua comunidade fazia. Pintam do lado de fora mostrando os atos da vida coletiva deles. na Espanha. Tem dezenas de representações de animais como: cavalos. elas permaneceram até hoje. Ela corre para avisar o pai e esse chama os peritos para estudar a caverna. vacas. Os homens abandonaram a vida nômade. há pouco tempo. Não é mais uma magia propiciatória. porque não existe na natureza. Vai surgir as primeiras figuras masculinas. Começa a plantar. quadrados. Nessas aldeias não tinha chefe. amontoar um monte de ossos. Com o tempo mais estável eles passam a ter uma vida sedentária. ao acaso. A arte é realmente a expressão de uma época. ventre saltado e nádegas enormes. pois esta começava a deteriorar. Se não fossem os terremotos e os deslocamentos de terra que tamparam essas cavernas. O pré-histórico da era paleolítica fez esculturas de figuras femininas em pedra. 4 . entrar água. O homem será representado mais forte e mais alto do que a mulher. O auge do abstracionismo é fazer quadrado. bisontes. como as tintas foram feitas com materiais orgânicos. Na época do paleolítico ficavam pouco tempo na caverna. A arte passa a ser feita do lado de fora na entrada das cavernas com o objetivo de serem vistas. só da fêmea. Nas cavernas do período paleolítico foram descobertas algumas simbologias inexplicáveis como o “quadrado”. Começa o período neolítico. como uma forma de leitura de suas vidas. na pedra-polida. mulheres de seios enormes. que seria a representação de mulheres grávidas. sem deixar espaço para andar.A caverna de Lascaux foi descoberta em 1940. Eles fazem incisões nas cavernas aproveitando os relevos para dar volume nos desenhos. Os retângulos. nem rei por não haver ainda uma hierarquia. triângulos. Eles então largavam tudo lá e escolhiam outro lugar. É através do carbono 14 que se constata tudo da época pré-histórica. que não existe na natureza.000). Deve ser por causa da fertilidade. a cultivar e se organizar socialmente formando aldeias. Nunca ele fizeram representação escultórica de macho. tem 2 metros de altura. como “deusas da fertilidade”. Eles também começaram a dançar e a cantar. A temperatura era mais amena. etc. e é chamada a catedral das cavernas. É um estudo muito sério e não se sabe a realidade. como eles pintavam. Altamira. não se sabe como eles tinham conhecimento dessas formas.

Ele percebe que quem rege o destino do solo é a natureza. cenouras e nozes. A arte neolítica dá um passo atrás pintando da mesma forma que a criança pinta hoje. A cerâmica era super importante porque utilizavam-na para tudo. O homem passa de figurativo realista para a pintura geométrica. Passa a ser um ser social. Ele percebe que a colheita não depende dele. lentilhas. O primeiro animal domesticado pelo homem foi o cão. leite e fibra para tecido. A mulher fica em casa cozinhando. O sexo era um ato animal. Ele pode cultivar e. papoulas. Ex.: “deus da colheita” Não tinha ainda a definição de uma mulher para um homem. ajudá-lo. uvas. O cavalo como besta de carga só vai aparecer na idade do bronze e como montaria só no final da idade do bronze quase na Idade Média. Com certeza esse cultivo começou no oriente médio por causa do clima muito seco. artística econômica e política. Ex. A última animal a ser domesticado foi o cavalo porque eles se alimentavam dele. Vão aparecer as primeiras esculturas dos “deuses”. benéfico ou maléfico. maçãs. No período neolítico é que o homem podia ter quantas mulheres quisesse e a mulher não.: prato. Uma das coisas muito interessantes do homem pré histórico é quando ele toma consciência da dependência que vivia do bem e do mal. Começa então a surgir a religião para protegê-lo. Vai acontecer uma revolução social. Uma das atividades artísticas mais importantes do neolítico é a cerâmica. Depois da cerâmica é que vai surgir a madeira. As suas preocupações são outras. era fiel. Depois domesticou o boi. tecendo e fazendo tarefas domésticas. Eles faziam para dormir uma grande cama de cerâmica em formato de barco para segurar o calor.O cantar era um ajuntamento de sons para cultivar os trabalhos coletivos do plantio e da colheita. A cerâmica cozida era feita mais no período neolítico. símbolos sagrados. A partir da consciência desse ser vai surgir a necessidade da crença e do culto. Eram muito primitivos. cerimônias fúnebres. O 5 . Tudo é geometrizado e certinho. linho. alguma a coisa a mais que é dono de tudo isso e que precisa tomar cuidado. o porco e a cabra que abastecia de carne. ervilhas. Vão surgir também mitos. Vai aparecer tudo. Vai existir a cerâmica crua e cozida. Ele percebe que tem uma coisa que domina e toma conta dele. de repente. cevada. mas de alguma coisa além dele. Ele auxiliava na caça. não ter essa colheita por causa de uma chuva de granizo ou de uma tempestade. amigo. Restaram apenas pedaços dessas peças e muitos desenhos desse período neolítico documentando isso tudo. A mulher só poderia ter outro homem quando o dela morria. Ele tem a concepção que existe um ser. Eles cultivavam trigo. e feito na posição (por trás) como os animais. É a primeira mudança de estilo na história da arte. que é a natureza. Eles percebem que se derem as mãos e saírem cantando a colheita iria ser muito mais interessante. sepultamento. Vai pintar de uma forma muito esquematizada e muito pior que o homem paleolítico. Acha-se que a primeira plantação foi feita na região Mesopotâmica indo depois para o resto da Europa. Eles guardavam as coisas nas cerâmicas porque elas conservam a quentura.

A preocupação do homem na idade do bronze era em cima das descobertas técnicas. é o caso de Picasso. Eles achavam que se o homem cozinhasse a comida seria uma comida envenenada. O único homem que cozinhava era o mágico da tribo para ele fazer rituais. Obs. No final da idade do bronze já não é mais considerado pré história. 6 . O homem não cozinhava. e utilitárias para a época. Vários pintores do século XX vão trabalhar em cima da história da arte primitiva. Esses minérios derretidos formaram o bronze que quando esfriava endurecia rapidamente. no Barroco. Não vai cozinhar comida. a Idade do bronze foi muito pobre artisticamente. quando estavam fazendo uma fogueira em um acampamento quando. A idade do Bronze também foi descoberta por acaso. Uma grande descoberta sempre leva a outra grande descoberta. carros. Os utensílios ficaram bem melhores. E. derreteram uma pedra que tinha cobre e estanho. de repente. mais do que com a beleza. Eles passam a cozinhar a carne. Os grandes cozinheiros vão ser na época de Luís XIV.homem sai para o campo para caçar e fazer a plantação. Somente depois na Idade Média é que o homem vai aparecer cozinhando. Essa liga possibilitou modelar uma infinidade de coisas. não comendo mais carne crua e vão usar sal pela primeira vez. para finalizar. etc. Na hora de colher a colheita a mulher e os filhos participavam. É quando eles fazem rodas. Durante séculos o homem vai ser proibido de cozinhar.

. Tinha também só uma porta com uma escadaria que conduzia o povo a subir para rezar lá em cima. eles trabalhavam com adornos (que são tijolos pequenos de terra).. Com o passar do tempo essas construções não resistiram às mudanças e nada restou. No interior tinha tijolos bem pequenos e coloridos. Os rios Tigre e Eufrades inundaram toda a Mesopotâmia. Em 1927 eles escavaram os montes e descobriram as cidades da Mesopotâmia. etc. Cada povo falava uma língua. babilônios. Entre os muitos povos que faziam parte da Mesopotâmia. assírios. os Sumerianos foram os primeiros a dominá-la. O Museu do Louvre está lotado sobre as peças da cultura Mesopotâmica. dos sumerianos. ninguém se entendia.MESOPOTÂMIA MESOPOTÂMIA: quer dizer em grego região entre os rios Tigre e Eufrates.C. Foi o local onde todos os povos como sumerianos. ou seja até 2. Situada no Oriente Antigo. escravos e não escravos.000 A. Foi o dilúvio que a Bíblia comenta. Em 1927 os arqueólogos. Existia uma cidade chamada Uruqui. somente a força da religião era que unia todas elas. os mosaicos. As cidades eram independentes umas das outras. Foi chamada de “TORRE de BABEL”.. Eles eram muitos povos como: caldeus. todos os povos da Mesopotâmia fizeram as construções assim. foram convidados para construir esse templo imenso. A arte Egípcia teve poucas variações. fenícios.C. fenícios.000 anos. Faziam tijolos pequenos um a um à mão.Tinham tesouros soberbos como os dos egípcios. no interior do Zigurat. enquanto a arte da Mesopotâmia teve muitas. tinha força de lei. O sumeriano é o protótipo mais antigo das construções de dentro de casa. Nessa cidade tinha um templo fantástico todo branco. Todos.C.000 A. Quando as civilizações européias ainda estavam na pedra polida. a Mesopotâmia já era uma civilização. Isso ocorre 5. pintar. sepulturas. ajudaram na construção. escrever. Esse templo enorme que era equivalente a um prédio de 20 andares. O culto aos deuses era muito forte. Havia. Tudo o que sabíamos sobre a Mesopotâmia era através da Bíblia. Os arqueólogos descobriram vários montes chamados tells (téus) e que tinham lá no fundo tinham a civilização. Até a metade do século XIX pouco se sabia da Mesopotâmia. onde estaria mais próximo de “deus”. colocavam para secar e depois construíam palácios. Aparece Noé com seu barco e os animais para se salvar do dilúvio. etc. Era como se tivesse acabado o mundo. etc. Os templos da Mesopotâmia que tinham esse formato chamavam-se Zigurat. lindíssimo. depois de muita procura. surgindo aí a técnica dos mosaicos. etc. só que eles não faziam como os egípcios que trabalhavam em pedras. A Mesopotâmia foi uma civilização fantástica como a Egípcia. Os templos para os sacerdotes era a construção mais bem organizada. Todos tinham uma forma muito diferenciada de falar. acharam a cidade de “Hur” que começou 5000 A. do lado de fora. A religião era magia. na Mesopotâmia. Durante 3. 7 . Foi tão importante quanto o Egito.

mármore. A cabeça era cuidadosamente elaborada. principalmente a escultura.000 A. O poder deles chegou até o Egito. É por isso chamado de cunheiforme. Tinha um curioso detalhe: a desproporção entre a cabeça e o corpo. principalmente o caráter. É um passo enorme da Humanidade. estava no rosto e o corpo servia só de suporte. 8 .C.A invenção da escrita aparece na Mesopotâmia em +/.500 A. eles pegavam um estilete em forma de cunha e gravavam na parede. Portanto a arte acariana é muito parecida com a arte sumeriana.000 A. Os assírios eram tremendamente guerreiros e tinham um exército muito poderoso. sendo completamente diferentes um do outro. Os assírios permaneceram na Babilônia de 1100 A. O que eles produziram de arte era somente ligado às guerras e aos reis. Vão implantar o terror na Babilônia. Eles utilizavam pedras. A escrita da Mesopotâmia (3. Isso acontece porque para o povo sumeriano. Relembrando: Vão construir uma torre na Babilônia.) vai bater mais ou menos com os hieróglifos egípcios. Assur é uma cidade muito famosa. O branco dos olhos era feito de conchas. e falarem. Assurbanipal era o guerreiro imperador. Eles chegaram a dominar o Egito e a Fenícia. enquanto o corpo eles nem ligavam. A fase histórica é praticamente a mesma. Kudurros eram os contratos feitos em pedra e escritos em cuneiforme. gravadas ou esculpidas.C. Fizeram desses escravos os construtores das grandes cidades. O que vai ter de diferente são as famosas “estrelas” ou “estelas” que são as pedras desenhadas. dando expressão de fé e serenidade.3. O azul era feito lápis-lasure.: A civilização mexicana aparece bem depois de Cristo.. A arte era feita para “deus”. a alma das pessoas. Era uma cerâmica muito ruim. O material usado para fazer as esculturas era muito variado. Era uma civilização tão rica quanto a do Egito. guiados pelo rei Sargão. prendendo as pessoas e fazendo atrocidades com elas. A arquitetura era pomposa. Os acarianos vão aparecer em 3. Os olhos eram enormes e bem expressivos. especialmente para os sumerianos. bem feita. Eles só não acabam com a cultura babilônica pois vão adquiri-la através da forma deles pintarem. sendo que estes dois últimos não duraram com o tempo. Quando a argila estava mole. chamada Zigurat para que as pessoas rezassem mais próximas de “deus”. A escrita chamava-se cuneiforme por ser em forma de cunha. grandiosa. A Mesopotâmia não ficou tão famosa porque o material usado nas construções não resistiu ao tempo por serem feitos de adobe (tijolinhos de pedra). cantarem. concha marítima. Vão acabar com o primeiro Império Babilônico.: os Maias. Eram povos unidos só pela religião. gigantescas. Era como os contratos de doações de terras.. Iraque. Descobriram que por baixo dos “tells” (montes) existia uma civilização fantástica. Dominam toda a Mesopotâmia e toda a Síria.C.C. Obs. A Mesopotâmia fica hoje mais ou menos onde estão os países Irã. Os sinais da escrita ao invés de serem desenhados. foram gravados na argila.C. A escultura era super importante. Eles copiam a arte sumeriana. São guerreadores mas não são grandes artistas. Ex. É um povo interessante. imperial. escreverem. gesso.000 a 2. até 612 A. Para construí-las pegavam cidades inteiras.

Quando não resistiam mais substituíam por outros. principalmente. 10 salas de tronos. O palácio do Sargão tinha 300 salas. Fizeram transplante de córnea. Essas 37 moças desse harém não eram as preferidas. Muito do que sabemos vêm de pergaminhos desenhados. Os assírios pegavam a população e testavam a resistência dos velhos e crianças para ver quem conseguiria ficar mais tempo sem comer. tortura. por ex. Eles quase não pintavam. Eles colocam só os assírios como vencedores. 77 quartos. Sempre mostra o horror. Tudo isso para estudarem a ciência. Isso também vai aparecer no Egito. eles faziam relevo e arquitetura. Tinha o super harém com 7 preferidas.000 m2. matança em massa. Pegavam milhares de escravos até eles resistirem. Tem um relevo famoso que é “A leoa ferida”. Não acreditavam em outra vida. A cabala vai aparecer muito na Mesopotâmia e no Egito. auxiliando séculos mais tarde com esses conhecimentos. Não sobrou um monumento pronto. 22 salas de recepção. Tinha 97 pátios. O Rei Sargão cultuava essa coisa do mal. Na síria. A muralha tinha a altura de um prédio de 8 andares. construiu um palácio com uma muralha. armazéns. celeiros. trabalho forçado. para seu descanso. o que seria mais ou menos 10. Na arte assíria o que mais se destacou foi o relevo. O rei Sargão da Síria. está no museu do Louvre e era do Palácio do Assurbanípal. Eles utilizavam números cabalísticos como o 7 e o 14. Através dos escravos eles sabiam a resistência que eles precisavam ter.O assírio foi o pior povo da antigüidade. Não fazia o povo de escravo só para construir para eles. vai aparecer a primeira propaganda onde o rei sempre aparece vencendo e os povos caindo e morrendo.: pegavam 2 irmãos e arrancavam o olho de um para colocar no olho do outro. As outras 37 ficavam na expectativa de algum dia serem chamadas. cativeiro. Os egípcios ao contrário do que se pensa não só tinha os escravos como pessoas do próprio povo que ajudavam nas construções faraônicas. Tinha um enorme harém com 37 camas. pássaros. A moradia dos monarcas eram obras arquitetônicas fantásticas só que construídas com tijolinhos de barro. Fizeram imensos tambores de cerâmica cheios de água para testar também a resistência das pessoas sob o sol fortíssimo com a água subindo. Nos próprios registros das esculturas é que constatam que eram guerreiros e cruéis. 17 dormitórios de empregados e 7 banheiros. lagos. O mal era que ajudava e não o bem. Eles não escondiam essa crueldade. Somente em Ninive é que Assurbanípal mandou fazer baixos relevos. Tem uma maquete no British Museum. Depois testavam a resistência sem dar comida e depois sem dar água também. somente o Zigurat. Ajudava os seus sacerdotes a cultuar o mal. Ele realmente ele vai colocar essa tranqüilidade através dos relevos de árvores frondosas. Nesse palácio eles faziam rituais para o demônio. embora 9 . No grande Zigurat eles rezavam para que suas conquistas fossem sempre maiores. músicos tocando. Essa muralha tinha sete portas e era ao redor do palácio medindo 300 hectares. No museu do Louvre você poderá ver esses relevos. Tudo isso foi erguido em apenas 6 anos por causa do trabalho escravo. Deixaram tudo por escrito. onde tudo parecia ser bem tranqüilo. mulheres passeando. mortandade.

Mais tarde os judeus foram estudar como eles fizeram essa irrigação para resolver esse problema na terra deles. Em todos os museus do mundo você vai encontrar essas jóias. O rei é o vencedor e todo o resto da humanidade perdedor. quando os maridos saiam de casa para guerrear. Eram sete patamares. violeta. pois só hoje é que denominamos esmalte. eram distribuídas por vários patamares debaixo para cima. na época da Néo-Babilônia. esmeralda. para indicar que o homem não estava em casa. sendo portanto tiradas dos cintos. a folha e flor eram azuis também. e ouro vermelho que mandavam buscar no mundo inteiro. Em UR eles gostavam tanto de ouro que faziam muita jóia usando também muito rubi. O anel era tão grande que ocupava o dedo todo sem poder dobrá-lo. rei da Pérsia. Todo homem e mulher casada tinham que usar nos pés e nas mãos. Elas colocavam um cinto no quadril. azul. Não era um cinto como o de castidade ainda. Na Mesopotâmia é que vai aparecer o esmalte pela primeira vez. Após casar o marido é que representava as pedras preciosas. misturando também com outras substâncias. As solteiras usavam um bracelete no braço. As pedras eram usadas só nas solteiras. Era uma árvore parecida com romã. Aí começou o cinto da castidade. Em 612 A.muitas vezes eles fossem os perdedores. Eles obrigavam as mulheres a usar ouro. os assírios foram destruídos pelos MEDOS (médos). Eles vieram da Ásia e junto com os babilônios que ainda restavam eles destruíram os assírios e reconstruíram a Babilônia que é chamada depois de Néo-Babilônia. destruiu tudo com exceção do Zigurat por considera-lo um marco muito forte. A flores e folhas eram da mesma cor. graças a irrigação. Só na Idade Média é que surgiu o cinto de castidade do jeito que conhecemos. Os jardins suspensos da Babilônia vão ser reconstruídos. amarela e branca. Quando essas moças casavam elas passavam a usar somente o bracelete no braço com ouro de 2 tons sem rubis e esmeraldas. inóspito. Os jardins da Babilônia eram feitos de flores de várias cores sendo que. Depois é que vai surgir mais tarde a aliança. Quando Siro. 10 . Tinha um platô na parte lateral. um grande colar e uma pulseira também na perna. Tiravam o colar do pescoço porque elas não estavam mais presas aos pais e sim ao marido. Tinha um sistema de irrigação no qual a água passava por todos os patamares. onde eles plantaram grama e flores em um lugar completamente árido. Daí a Babilônia vai ser mais uma vez a mais esplêndida cidade do Oriente. Era uma substância orgânica que eles maceravam até conseguir o vermelho. Quando o homem era solteiro (mas noivo) ele tinha um grande anel no dedo anular. No patamar azul. Quando eles casavam passava para o outro dedo anular da mão esquerda. Foi o fim do esplendor da Babilônia. o caule. Ficava na unha por um ano. A única pintura que foi registrada da Mesopotâmia é a cidade de Ur. ou outro motivo. era só apoiado no quadril e não tinham pedras preciosas. Todos os povos tinham medo deles. bem mais tarde dominou a Babilônia. Na realidade era uma tinta. Eles usavam uma substância vermelha que eles tiravam de uma árvore que hoje não existe mais.C. feito também em ouro. Ex.

assírio. Ela é que iria decidir se dava ou não a herança para os filhos. dependendo se estes eram bons ou não. Obs. Essa lei vai vigorar todo o tempo na Mesopotâmia. Tinha uma fila de homens esperando porque o marido deixava toda a herança para a mulher e não para os filhos.Quando ficavam viúvos tinham que pintar as unhas de preto. As mulheres viúvas tinham que casar 3 meses depois que o marido morria. Até 18 anos os filhos eram considerados crianças só podendo guerrear. as viúvas tinham que casar. mas não podiam ter nada. A mulher não tinha direito sobre a herança enquanto o marido estava vivo. O homem viúvo não tinha que cumprir essa lei.: Na antiga Babilônia é onde se encontra Saddam Hussein hoje. qualquer povo. A casta da Mesopotâmia. 11 . Todos esses povos de uma forma ou de outra eram guerreiros. qualquer um caldeu.

EGITO Tudo no Egito é feito para a eternidade. Toda construção do Egito é feita de pedra proveniente das abundantes jazidas que existem no Egito. A arte é totalmente feita para a eternidade. Nessas terras férteis eram cultivados os cereais. A arte e a ciência eram muito avançadas para a época. culturais e religiosos eram o seguinte: O comércio. os tecidos. as armas.C. Enquanto a Europa era completamente bárbara. Ela começou mesmo como civilização em 5. mas de todo o povo.C. “rio deus”.000 A. As dinastias vão surgir depois desses grandes clãs. São todos monumentos faraônicos e todos de pedra para durarem para a eternidade. A arte egípcia é toda dirigida para a religião. as jóias eram todas concentradas no domínio real ou dos templos. todo mundo se matando. É um vale estreito cheio de montanhas nos dois lados. Após se formarem as dinastias. os mortos. os moldes belíssimos. A alma do Egito era o Nilo. anterior às dinastias dos faraós eram divididos em clãs familiares. O Egito foi dividido em Alto e Baixo. cereais. sendo uma arte simbólica e convencional. o Egito já estava totalmente com a civilização feita.C. passando do Paleolítico para o Bronze. milênio. Não era só trabalho do escravo. O Egito é uma espécie de oásis no centro de uma região desértica. O Egito tem sido considerado desde a mais remota antigüidade o berço da civilização. Não podia existir nada fora do domínio do faraó ou dos sacerdotes. especialmente o trigo que fazia daquele país no meio desértico o celeiro da antigüidade. A primeira civilização egípcia no 5o. Os mestres gregos estudaram no Egito. econômicos. quando surgem os faraós. Os mais pobres eram enterrados em uma vala comum. era exercido pelos faraós e seus funcionários. As Pirâmides e as Mastabas são túmulos onde residem os mortos. Não tinha dinastias e nem faraós. as cerâmicas. Os Templos também são monumentos colossais. Ela continuou depois. mas sempre para os faraós ou pessoas da família dele. Quem vivia nos templos eram os ricos Sacerdotes e Faraós. A indústria da época como: manufatura de papiros. os trabalhadores interrompiam o trabalho agrícola quando grande parte da população estava disponível para as grandes construções. A arte e civilização Egípcia duraram 40 séculos. do qual viviam muito da venda do ouro. A arte egípcia é extremamente regular. Durante a época das inundações. Na arte egípcia sempre vai ser exaltado o sentimento de morte e eternidade. Para controlar as águas do Nilo foram erguidas obras hidráulicas de represamento e irrigação. e chegou ainda como civilização organizada egípcia até 30 A. simétrica. E nas Pirâmides. 12 . Dos lados tem dois dos maiores desertos do mundo Saara e Núbia. equilibrada e geométrica. Era uma organização social simples. mas como civilização forte até 30 A. os aspectos sociais. que tornava as terras férteis graças às inundações periódicas. Só os sacerdotes ou amigos dos sacerdotes é podiam exercê-las.

No estilo egípcio existiam leis muito rigorosas que não podiam nunca ser mudadas. Até 30 A. O artista tinha que saber mitologia e ser anônimo. foi descoberto mais tarde. Sei toda a magia que pratiquei sem que nada me escapasse. Conhecia tudo. Ficou 5. bebida. o Egito vale a pena enquanto arte e civilização. onde seria o Cairo hoje. olho de frente. Os homens tinham que ter a pele mais escura que a da mulher. conheço o amor. sou um artista!” Ele se valorizava. braceletes. os filhos e os criados. sobre uma pedra. Eles tinham uma espécie de feira. anéis e miniaturas de jóias vistas só com lupa. feitas de pedra e o telhado de palha. Existe um estilo egípcio tão forte que durante milênios não vai mudar nada. lei da frontalidade. com cores. Depois vinham os trabalhadores do campo que tinham uma casa razoável. pintura. Existiam muitos ofícios no Egito: escultores que faziam esculturas em pedra e madeira. Era uma demonstração de revolta. A arte egípcia estava tão ligada ao país que. em hieróglifos. o que significava a força que a pessoa tinha. A arte egípcia ficou 3000 anos sem mudar nada.000 anos sem mudar nada na escultura. a postura de quem lança o arpão. Toda pintura egípcia tem a lei da frontalidade.As habitações da classe média eram na periferia. conheço a conduta das festas. sem exagero. Sou chefe de todos os segredos dos rituais cabalísticos. Mas o artista não podia passar disso. 13 . Elas tomavam banho de leite de cabra para ficarem bem brancas. os braços e pés de perfil para melhor representar as características da pessoa. o homem tinha que ser mais alto que a mulher. não podia criar nada. e os escravos que moravam em palhoças como se fossem animais. Só que eles tinham que aprender tudo: anatomia. prateleiras para vender ou trocar por comida. etc. As mãos eles fazem sempre sobre o joelho. É uma demonstração que o pintor estava insatisfeito. joalheiros que faziam jóias fantásticas. o olhar de alguém à seu auxiliar. até fazer hieróglifos. mas era um mero artista ignorado. conheço a flor.. mais valiosa ela era. lidar com tintas. É a lei do ver melhor. assim que o Egito começa a acabar a sua arte acaba também.C. No Egito existiam escolas de arte cuja função era formar artistas. Nada do que se refere à esse assunto de magia me é oculto. Sou um artista excelente em minha arte. O patrão tinha que ser maior que a esposa. Vejo Ra em suas manifestações. Conheço a pose da mulher. Um texto escrito por um artista. O artista tinha que aprender que sempre que fosse pintado o homem e a mulher. o que quer dizer que sempre a figura humana vai ser representada com o rosto de perfil. A partir daí começa a decadência do estilo e arte Egípcia.onde colocavam os produtos sobre as mesinhas. Os artistas tinham que aprender bem cedo o estilo. Quanto mais branca. Eles tinham paixão por pele clara. O egípcio tem uma mistura com preto. Ninguém podia saber quem tinha feito o trabalho pois o artista não podia assinar. tronco de frente. As regras passavam de geração a geração sem nenhuma renovação. sobre o que achava dele próprio como artista do novo império: “Conheço o segredos das palavras divinas. Um homem acima do comum por meus conhecimentos. porque não era permitido.

Nas primeiras dinastias. Com o passar do tempo. algodão. para depois fechar a pirâmide. Na mumificação era cortada a cabeça. Só depois é que tiram o corpo dessa solução e não se sabe como secavam esse corpo. Depois da mumificação não podiam mais tocar no morto pois a sua alma poderia ficar perambulando por milhares de séculos. Os escravos e os trabalhadores não eram mumificados porque era muito caro fazer a mumificação. não daria continuidade a sua dinastia. Esta escultura sempre vai ter o rosto esculpido idealizado. Ex: Um faraó que ia ser enterrado e que gostasse de bailarinas. eles sabiam que a pessoa que morria só ficaria contente se tivesse tudo o que tinha em vida e que gostasse junto com ele. ou o faraó com a filha. Eles limpam tudo o que tem dentro do tronco e enchem de bucha. Se esta fosse violada o faraó teria um outro corpo. igual ao do faraó. Na realidade ninguém nunca mais conseguiu fazer mumificação. Eles acreditavam que a alma continuava a viver. até nos ajudantes dele. feito em pedra. na sua plenitude. Para evitar que fossem tocadas. os membros ( braços. Ela então. bonito. Elas tinham que continuar casando com o filho. O faraó era mumificado e em seguida colocado na pirâmide junto com as pessoas que gostava. Elas iam com vontade pois significava uma honra. A parte política e econômica do faraó era também muito importante para que a mulher do faraó desse continuidade. pernas) deixando só o tronco. É porisso que existia muita riqueza nos túmulos. de trapo. O corpo do morto não podia ser tocado. vivas. seria colocada na pirâmide e esta bem fechada. Nos primeiros 2 milênios iam todos juntos. O faraó era convicto de que se a mulher dele fosse enterrada junto. Se ela fosse profanada a alma iria ficar sofrendo pelo resto da eternidade. Eles tinham uma obsessão pela imortalidade da alma. Eles também esculpiam um outro corpo. mas com as características do faraó. Eles acreditavam profundamente na imortalidade da alma.Desde o começo da pré-dinastia a arte egípcia era completamente ligada à morte. também era colocado junto ao morto. só que um pouco mais idealizado. roubadas e profanadas é que iriam ser colocadas em monumentos colossais que seriam as 14 . ou outro parente. mais jovem. A múmia depois de pronta nunca mais poderia ser vista e nem tocada. Depois eles montam tudo novamente e estará pronto para ser enterrado nas pirâmides. Daí eles costuram tudo novamente. surgindo com isso a mumificação. A mumificação era feita em toda casta do faraó. Era uma continuação da vida terrena. Jóias. etc. é meramente uma transição para uma outra dimensão. nas outras dinastias não era levado ninguém mais vivo para ser enterrado. Os egípcios levavam tudo aquilo que o morto gostava para o túmulo a fim de que a alma continuasse a gozar de tudo o que eles gostavam enquanto vivos. só que com as mesmas necessidades terrenas. Para o egípcio a morte não é um acontecimento triste. Eles não tinham a mesma concepção moral que nós temos. Dentro da pirâmide o morto iria “ascender” para se encontrar com “deus”. que ficava ao lado da múmia. comidas. Obs: No Vaticano tem uma múmia egípcia que está parte desenrolada podendo ver até a carne e um pouco do cabelo. Colocam uma solução de ácidos e sais aromáticos deixando o corpo banhado nisso por (+/-) 6 meses a 1 ano. estas iriam ser enterradas vivas junto com ele. Acreditavam na vida eterna.

construção. Onde hoje tem a famosa represa de Assuã. Esse local onde existiam pedras se chamava Assuã. Só que durante todos esses séculos nenhuma pedra foi encontrada no Rio Nilo. Peru. México. Eles pensaram muito antes de construírem as pirâmides. Após muitas pesquisas descobriram que em Maio a cada dois anos naquele local não tem gravidade. isto é. até hoje não houve nenhum terremoto. e em alguns lugares da terra também.C. a qual flutuou. onde cada barcaça levaria 2 pedras amarradas embaixo da água para que ficassem mais leves. Os blocos eram sobrepostos somente através de cálculos matemáticos absolutamente precisos. A pirâmide de Quéops é a maior das 3. Na região não haviam pedras. A etimologia da palavra pirâmide: É uma palavra de origem grega onde “piro” quer dizer fogo e “amid” quer dizer está no centro. Essas pirâmides eram totalmente racionais. local onde foram construídas as pirâmides. e deixaram cair uma ferramenta. foi construída a primeira pirâmide. Não tinha nenhuma gravidade. “O vértice da grande pirâmide corresponde ao polo e o perímetro do Equador. eles tinham que ser polidos de uma forma manual. no Egito (que hoje é o Cairo).pirâmides. Desde 3500 A. é um altiplano rochoso (que não se mexe).000 blocos de granito e calcário. na planície de Gisé. Para esses blocos ficarem sobrepostos perfeitamente encaixados. só para proteger o faraó. Na construção foram empregadas 2.600. Cada lado da pirâmide foi projetada para corresponder a curvatura de 1/4 do hemisfério norte. O túmulo é a pirâmide. 15 . Na terceira dinastia. na escala exata. a base é do tamanho do “Maracanã”. Hoje somente o raio lazer conseguiria deixar a superfície tão lisa. Quando descobriram a pirâmide de Quéops já não tinha mais nada dentro. Cada bloco pesa de 2 a 20 toneladas. pois já tinha sido violada. que os franceses fizeram um buraco próximo à base. Tem pirâmide na China. Ela tem 121 metros de base e 60 metros de altura. no Egito. A pirâmide é um tipo de construção que proliferou no Egito muito mais do que se pensa. fogo está no centro. Quefrém e Miquerinos. e a estátua do morto que era colocada ao lado da múmia é chamada hoje em dia de “o duplo”. Central. Foi construída em Sacara. que é a primeira pirâmide dos degraus. Gisé. na América do Sul. Esses blocos eram trazidos de uma região há 1000 km de distância. na lateral. Não há um consenso de como foram construídas as pirâmides. Obs: Há 6 anos atrás saiu na Geográfica Universal.” Algumas pirâmides eram fechadas no topo e outras abertas. Não existe nenhum elemento de ligação como o cimento ou argamassa para unir ou sustentar essas colunas de pedras nas pirâmides. tendo 146 metros de altura. Existem muitas portas falsas e corredores falsos que não levam a nada para. Os historiadores acham que a forma mais certa daquelas pedras chegarem seria através de barcos pelo Rio Nilo. Dois séculos depois foram construídas as famosas pirâmides de Quéops. etc. Está tudo perfeito até hoje. Em todo o mundo aparece pirâmides feitas em épocas diferentes.

muro. porque era feito para a eternidade. A pintura não tem nenhum efeito de luz e sombra. 150 leitos para os maridos. A pirâmide de Quéops tem uma força. A partir desse esboço eles elaboravam a obra definitiva sobre a parede. cantando. Esses templos foram construídos através de 3000 anos. Uma distância como se fosse de São Paulo à Salvador. quase nada restou até hoje. Foi uma rainha poderosa que conseguiu unir o alto e o baixo Egito. Se for colocado água quente sob o sol. 16 . Eram todos de classe média. Pegavam um pincel fino feito de bambu e desenhavam no gesso ainda úmido. O templo é do tamanho de Manhattan. uma energia. Após secar colocavam a cor. O que ficou de melhor está localizado perto das pirâmides. Nos templos egípcios a iluminação é importante porque vai haver uma abertura para passar a luz do sol somente no que for divino. Não chovia nunca. depois passavam uma massa fina de gesso sobre o reboco. As construções civis perto das pirâmides. A cor vermelha era dada pelo óxido de ferro. ela só aparece excepcionalmente. propositadamente.Todas as 3 maiores pirâmides e as outras 70 que tinham no Egito já tinham sido violadas e roubadas. Técnica da pintura Egípcia: Tudo o que os egípcios desenhavam. Estando no Cairo pega-se um avião às 5hs. As esculturas estão sempre fechadas no escuro e só vão ser clareadas naquele momento quando a luz passa por aquela abertura. Tinha silos de cajal. não apodrece. Até hoje as construções são um mistério. Todas tinham terraço com cobertura. É um calor infernal. O sol era o divino. da manhã até Tebas. O azul era feito com o pó raspado do lápis lázure e misturavam também com goma arábica. O palácio era fantástico. que estão dentro da pirâmide e que tem ligação com o sol. cores planas. madeira. Primeiro eles faziam um reboco grosso sobre a parede. mumifica. Faziam com goma arábica e clara de ovo. Do outro lado do Nilo está o outro templo da rainha Hasétsud. esta ficará gelada. Os deuses que tem a ligação com a lua vão ser iluminados pela luz da lua. faziam primeiro o esboço em pedras arenosas chamadas de ostrakas (porque a pedra parecia com uma concha). A organização da iluminação inteira dos templos era um verdadeiro “mis en cène”. Os historiadores acham que as pirâmides foram construídas através de montes de terra ao lado da construção para apoiar as pedras para serem erguidas. por assim dizer. As moradias descobertas próximas às pirâmides eram construídas em alvenaria e pedra. A luz vai ser feita pela mão do homem. Ela era uma rainha faraó. A lua era o demônio para eles. que tudo que está localizado próximo num raio de 200 metros não morre. são dois templos ligados entre si localizados na cidade de Tebas. ele é que vai deixar iluminar o que ele quer. clara e um pouco de óleo de amêndoa. era chapada. sobre as esculturas dos deuses. Elas não eram tão importantes quanto os templos. Os moradores passavam a noite no terraço tocando música. A mitologia egípcia lida muito com o demônio. As janelas eram abertas para o pátio interno. Depois das pirâmides o que existe de mais fantástico é Karnak e Luxor. Na iluminação da arquitetura egípcia não há quase janela.

que foi feito em sua homenagem medindo 42 metros de altura e nele está escrito tudo sobre a sua vida. Os Obeliscos vão ser importantes no Egito. também para a pele. onde aparece pela primeira vez.Os gregos foram estudar a iluminação dos teatros com os egípcios. Eles eram altíssimos. Ela foi sucessora do seu pai. no meio daquele deserto. no Egito. Os buracos seriam as janelas com a função de projetar o canhão de luz . Tomavam banho de leite para clarear a pele e a gordura era acondicionada em potes feitos de lápis lázure. não tinha andaime. Tinha mais de 200 pares de sapatos. O rei e a rainha apareciam abraçados. Em Karnak 10 obeliscos foram destruídos. Tinha câmaras frigoríficas embaixo com mais de 200 animais. colocados sobrepostos sem andaime. O seu palácio fica no Vale das Rainhas. Todo o resto foi retirado. Existia entalhes para o escoamento de águas pluviais. só tem quatro obeliscos. bois.“o sol”. que vem da palavra grega “obelos” que quer dizer coluna terminada em ponta. 150 leitos para os seus maridos. Quando Napoleão foi ao Egito ele pegou aquele obelisco de Karnak e Luxor e levou até a praça da Concórdia. ou foram destruídos por terremotos. Tem um obelisco muito bonito em Karnak. Viveu até mais ou menos 70 anos. ou então o nome do deus a quem tinha dedicado o obelisco. Os maridos dividiam as tarefas. Alguns foram levados por estrangeiros conquistadores. e com madeira para arrematar. na França. etc. feitos de mármore. Teve mais de 7 maridos. Tinham sombra azul para os olhos e cajal para o contorno. sandálias. mesmo sendo faraó. Hoje em dia quase em todos os países tem obelisco do Egito. 17 . atingindo equivalente a um prédio de 10 ou 12 andares. Os historiadores acham que construíam rampas de areia ao lado até chegar na altura. Nunca foi compreendido como eles foram construídos. Existia muito pouca madeira. Isso é uma característica do antigo império. Tinham cremes feitos de leite de cabra. A água do Rio Nilo vinha canalizada e quando chegava lá estava gelada conservando assim esses animais para o futuro da vida dela. da rainha HATSEPSUT. Hoje . ou uma espécie de catapulta para erguê-lo. sem muita divisão. cavalos. E durante a noite eles tem outros buracos para passar a luz da lua. ou afundados em solo. A mulher realmente era muito bem conceituada na vida privada. Eles erguiam o obelisco quando ganhavam uma guerra como se fosse um troféu. Muitas vezes aparece a rainha abraçando o faraó como se estivesse protegendo-o. Tingiam o cabelo de Rena. para iluminar os outros deuses. Só que lá não chovia. Também tem um obelisco na praça Navona. Descobriram um shampoo e condicionador feito de papiro (que solta um sebo) e adicionaram flores para perfumar. de peruca. Tudo era muito sofisticado. Ela era uma faraó muito poderosa que uniu o alto e o baixo Egito. em cima do que eles quisessem. Eles faziam buracos nas paredes. Era uma rainha que tinha Silos de Cajal. Alguns maridos ela mandou matar e casou também com o filho dela. mas era feito como precaução para o dia que chovesse. abatidos congelados em conservação. Obs: O Shampoo apareceu no Egito para a Hatsepsut que tinha um cabelo muito feio (por ser descendente de preto). O faraó mandava fazer o obelisco de mandava deixar gravado o nome dele. Geralmente todos os obeliscos vão ser para comemorar algum feito político ou alguma homenagem que o faraó desejava celebrar.

O parente mais próximo vai ser Tutankamon com 9 anos e que irá morrer aos 18 anos. Quando ele entrou na ante-sala com mais 3 britânicos e uns 20 egípcios. Essas cenas em outros impérios eram consideradas um desrespeito com a família real e. Ele conseguiu a permissão e abriu a porta. no colo. esperto. se abraçando. Muito metal. Não vai ser um faraó muito rico por ter sido faraó por pouco tempo.: Tem um filme que conta essa história “A maldição da múmia”(?). Faziam muita coisa para o cabelo e usavam muito pente. Então Amenofis IV disse que para ele só um deus era supremo o “ATON”. A NEFERTITE. uma nova maneira de ser. misterioso. bonito. Ele disse que deus tem que ser só um. Vai aparecer o FARAÓ AMENOFIS IV no novo Império que vai mudar completamente a religião e a arte. A mulher dele era belíssima e se chamava NEFERTITE. Aminofis teve quase todas as filhas doentes. Assim que ele morre tudo volta a ser como era. Em 1922 Haward Carter chegou perto do Cairo e descobriu um sepulcro. Como ele era inglês. prata. carruagens de ouro e prata. Era uma indulgência daquela época. deus do sol. O rei. Tinha 2 estátuas de 2 metros de altura de ouro maciço. O homem egípcio usava brinco de argola na orelha. Até ele chegar na última sala levou 6 anos cavando e descobrindo só maravilhas e riquezas. a corte e a rainha foram esculpidos de forma realista. TUTANKAMON. o respeito era mostrar a realidade como ela era. Vai ser a única vez que poderá ser visto isso no Egito. E ele vai querer que o pintem sem idealizá-lo. sendo pintado com bengala para se apoiar. Ele briga com os sacerdotes porque estes estavam ganhando dinheiro vendendo fórmulas. de cabeça comprida e eram bem magras. Eles casavam muito entre parentes. descobriram o maior sepulcro do século. inclusive um rico trono de ouro. Vai mudar também a arte não querendo que sigam mais a lei da frontalidade. Ele tinha uma cabeça bem comprida. Esta arte vai ser de cunho realístico que vai durar por todo o reinado dele. Faziam muita coisa com formato de gato porque era um animal muito forte. Vai ter um refinamento de etiquetas de como se portar socialmente. vai ter seu rosto muitas vezes esculpido. Esse túmulo dele no Vale dos Reis foi a maior descoberta arqueológica do Egito. ouro. São cenas domésticas. No Metropolitan tem uma escultura de um homem egípcio com uma argola na orelha e pendurado nela um gatinho. para ele. teve que escrever para a Inglaterra para saber se podia abri-lo ou não. cheiroso para eles. somente no Novo Império. A religião estava virando um comércio. Ele não vai ser reverenciado como um deus. É a primeira tentativa do monoteísmo. Mostra a sua fragilidade humana. Antigamente isso jamais seria feito. Só na antecâmara encontrou 700 peças. Os filhos não tinham condições físicas de serem faraós. Vai querer que suas filhas. era uma porta lacrada e ficou esperando naquela época por mais ou menos 18 meses por uma resposta em carta vinda de navio pois não havia avião naquela época. inscrições para a vida eterna. considerada “A BELA”. Então ele vai mudar o seu nome para AQUENATON (onde sufixo aton é “deus do sol”) . Vasos de 18 . ele e sua esposa ficassem bem natural nas esculturas. foi ser rei aos 9 anos de idade. sucessor de AMINOFIS. Ele vai ser um revolucionário inovador que muita gente não vai gostar.Tinha ourives que só faziam jóias para as mulheres. Chegou lá. até então nunca visto. Obs. sem “endeusar” ou idealizar. mas como um homem. livros dos mortos.

Lá eles ficavam trancados sempre (com números de final 7) como 17 semanas. a faraó. Não são bacanais. Karnak e Luxor tem vários templos. RAMSÉS II.1. ou 27 semanas.2 metros. perto da represa de Assuã. 90 % foram violados. o faraó. e 86 esculturas de aproximadamente 2 metros de altura cada ladeando a represa com um espaço entre elas de 1. Ele foi o último a morrer. Todos da expedição morreram. Os valores morais eram outros. O estudo dos deuses do bem e do mau era feito em Karnak e Luxor.5m de alabastro. A múmia real Tutankamon era protegido por 3 sarcófagos. Arcas repletas de roupas do tamanho de um container. Faziam testes de mistura de sangue. Karnak e Luxor são ricas em obeliscos. Após tomar banho no lago eles deixavam a roupa suja lá e vestiam outra roupa branca. magia. Teria mais ou menos 12 km. outros de doença que mais tarde foi constatado fungo (manchas na pele que degenerava o tecido) por ter ficado 5000 anos fechado. As colunas mais importantes do Egito são as de Karnak e Luxor. voltando novamente para o templo para dormir e no dia seguinte sairem de lá. Eles faziam até oferenda de crianças e de seus próprios filhos. os mais importantes foram construídos por Ramsés e Amenofis. Ele é da época do Novo império e depois Baixa Época. Levaram séculos para serem construídos e passava de faraó para faraó. como ocorria na Grécia. sexo de todas as formas. na lua cheia. sendo a última de ouro maciço. Os dois templos mais importantes de Karnak e Luxor eram destinados aos deuses Amon e Rá e ligados entre si por uma monumental avenida. Haward Carter ficou muito rico e muita coisa foi para a Inglaterra. porque todos sabiam que tinha uma grande riqueza. Ao lado de Karnak e Luxor tinha um grande lago. Só quem podia entrar no templo de Karnak e Luxor eram os iniciados. 19 . dependendo do que fossem fazer. São esculturas todas em pedra. Está no museu do Cairo. Na busca de uma coisa que fosse melhor para eles. O sarcófago. Quase todos os túmulos. eles saíam e iam se limpar nesse lago. os sacerdotes e a família toda. onde todos estavam trajados de branco. Muita coisa de coral. Ele é um grande arquiteto e tudo o que construía era o mais alto. turquesa. Era uma época de esplendor da civilização egípcia. Eles entravam no templo como uma procissão. Ele vai fazer uma avenida como uma via expressa. na segunda sala o povo ficava do lado de fora e entravam só os iniciados e na terceira sala entravam os iniciados. Os gregos vão até o Egito para aprender sobre as construções. Depois de acabar toda essa reunião. Na primeira sala entrava o povo todo. Muita gente começou a morrer de maneira estranha. a múmia e algumas coisas ficaram no Egito. como uma busca ou necessidade de se saber tudo. É aqui que vai aparecer pela primeira vez no mundo as colunas. onde ele após morto passearia até o seu túmulo. Estátuas de proporções gigantescas. Começavam as pesquisas de sexo. mas uma pesquisa séria. A pintura de Karnak e Luxor é o auge da pintura Egípcia. sucessor de Tutankamon. Muitas vezes eles iam para Karnak e Luxor através do Nilo como se fosse uma imensa apoteose. é um grande faraó que vai ter uma grande autoridade imperial. após ficarem também um tempo em jejum.

Tinham uma espécie de antibiótico que era quase que a penicilina nossa. a química. o fim do Egito como civilização. pois “Cristo” é um só deus. Cleópatra em 30 A. tanto nas artes e nas ciências.C. como por exemplo a mumificação que foram se aperfeiçoando durante milênios. No setor cirúrgico as maiores conquistas deles foram fantásticas. com toda a sua beleza. Estes brigam com os gregos e com os egípcios. Depois dos persas chegam os gregos chefiados por Alexandre Magno. Não deixaram a fórmula. a cidade de Alexandria. um mapa dos céus. vai ocorrer no IV século da nossa era quando o Cristianismo está no auge. Tudo o que eles fizeram foi para a eternidade. único. os médicos egípcios especializaram em realizar um trabalho de grande valor na descoberta de droga para dor e nas doenças. a Cleópatra. porém para “Mali”. É o primeiro grego que chega a reinar o trono Egípcio. mas que infelizmente morreu. A escultura grega vai ser independente da escultura egípcia. a astronomia. Surge então esculturas híbridas com rosto grego e corpo egípcio.. fizeram um calendário solar. como na organização política e social. Alexandria vai ser o encontro das culturas ocidentais e orientais. Hoje só ruínas restaram. que são a grega e a egípcia. mostra o legado para o mundo futuro. como essas pinturas. Champollion. Entre 332 A. consegue decifrar os hieróglifos e com isso ele vai permitir que a arqueologia dê um salto fantástico no século XIX. O Egito foi a primeira nação a centralizar os poderes do Estado em uma só pessoa. os gregos permanecem no Egito. Ele vai fundar. esculturas que estamos costumadas a ver. Aos poucos as formas artísticas passam a conviver cada uma com seu mundo próprio. última dos Ptolomeus suicida-se depois de ser derrotada pelos romanos. elas parecem que possuem vida. Quando o Cristianismo chega para valer no IV século.. e o grego com aquele escândalo artístico. vão acabar todos os templos egípcios. Vão lutar com Cleópatra e ela vendo que vai perder pega uma cobra venenosa deixando-a picar e morre. Eles não vão aceitar nenhum outro deus. Aí vai aparecer o Marco Antônio.Depois da morte de Ramsés II começa a chamada Baixa Época. vão quebrar quase tudo o que existia aí e na Grécia. Na medicina. o faraó. 20 . No século XIX.C. vindo da Macedônia. à beira do Mediterrâneo. É a tentativa de uma coexistência entre o estilo egípcio que é próprio. assírios e aí nunca mais durante toda a antigüidade o Egito voltará a ser uma nação tão importante e independente como era. até 30 A. quando o Egito vai ser dominado pelos persas. Numa visão retrospectiva da história de civilização e da cultura que esse povo alcançou. A ruptura final da tradição egípcia cultural. Eles desenvolveram a matemática.C. Elas nos falam da glória de uma nação de um povo que não queria morrer. sábio francês.

Os gregos glorificavam o homem como a mais importante criatura do universo. Platão falou o seguinte sobre os templos: “O templo deverá ser um ponto visto à distância e em aberto. excelência. Esses templos famosos eram como se fossem esculturas para eles. entre todos os povos do mundo antigo. Eles recusavam a se ajoelhar diante de deus porque o homem era considerado mais importante. ao amor e ao prazer de ver”. significando “nada em excesso”. Os antigos gregos. PITÁGORAS (dizem que ele deu o nome de “filosofia” à filosofia). Tudo muito bem organizado. E é por causa disso que existem tantos deuses. chamados “templos”. e sempre construídos em locais elevados acima das cidades. É uma verdadeira elevação à virtude. proporcional. E. é o que realmente vai refletir o espírito do homem ocidental. tanto a escultura quanto a arquitetura encarnavam os ideais de harmonia. O grego dava muito valor ao Homem. SÓCRATES. social e cultural. pelos costumes ou pela religião deles. O grego. As casas não eram importantes porque eles não tinham reis e nem governantes. FIDIAS. PLATÃO (que escreveu “A República”). estamos nos referindo a Grécia e Roma e nunca ao Egito. ordem. para protegerem as estátuas dos deuses. ARISTÓTELES. No Egito acontecia exatamente o oposto. 21 . Os deuses gregos tinham feições humanas porque a beleza estava na forma do ser humano. na realidade. A essência do Helenismo era. PÉRICLES e muitos outros para quem o homem era a medida para todas as coisas. simplesmente e sem adornos. nas Acrópoles (que quer dizer acima das cidades). As casas não tinham a menor pretensão de serem muito suntuosas. moderação e proporção. A partir do homem você constrói tudo. Os gregos não procuravam nem o paraíso e nem o inferno. Vamos usar o termo “estilo clássico” quando se quer dizer de beleza. é o lema do grego que quer ver tudo claramente. A arquitetura grega é a mais familiar de todas para nós do que qualquer outra arquitetura de qualquer época no mundo. quando se fala em “antigüidade clássica” .ARTE GREGA O termo “clássico” surgiu na Grécia. bem feito. Os gregos exaltavam a razão de uma forma tal que eles conseguiam superar a fé. O “homem” de hoje é o Grego. se sentiam diferentes dos outros povos. O homem é o centro de todas as coisas e do universo. Nenhuma outra Nação no mundo teve tão forte devoção pela liberdade e uma crença tão firme nas realizações humanas. Os deuses tinham que ter a forma humana. “Nada em excesso”. Fizeram magníficos prédios. Por conseqüência.seja pelo idioma grego que falavam. ICTINOS. Foi nessa civilização que surgiu OMERO. Os Templos eram fantásticos e super importantes. Os gregos dividiram a humanidade em duas partes: os “Helenos” que eram os habitantes da Grécia e os outros eram chamados de “Bárbaros”.

Ordem Coríntia . Na Acrópole. para o coro. Os principais monumentos da arquitetura grega: a) Templos. o artista se empolga pela vida e tenta. As colunas e entablamento eram construídos segundo os modelos da ordem dórica. A estética vai aparecer aqui. Na sua constante busca da perfeição. o friso e a cornija. para os atores. amor pela beleza. a konistra ou orquestra. . mas seres inteligentes e justos que se dedicavam ao bem-estar do povo. a ordem dórica. a harmonia ideal. o koilon ou arquibancada. exprimir suas manifestações. O fuste da coluna era monolítico e grosso. Sendo a mais antiga das ordens arquitetônicas gregas. Enquanto a arte egípcia é uma arte ligada ao espírito. A arte grega volta-se para o gozo da vida presente. Ele tinha que ver só beleza. essa pequena criatura que é “a medida de todas as coisas”. muito usado no lugar do capitel jônico. e a democracia. O degrau mais elevado chamava-se estilóbata e sobre ele eram erguidas as colunas. b) Teatros. dos quais o mais importante é o Partenon de Atenas. A coluna apresentava fuste mais delgado e não se firmava diretamente sobre o estilóbata. jônica e coríntia. Contemplando a natureza. A ordem dórica traduz a forma do homem e a ordem jônica traduz a forma da mulher. nela se expressa o pensamento.era simples e maciça. também. pois os seus reis não eram deuses. construído. Nascida do sentir do povo grego. empresta uma idéia de solidez e imponência . ARQUITETURA As edificações que despertaram maior interesse são os templos. se encontram as Cariátides homenageavam as mulheres de Cária. através da arte. no 22 . que eram construídos em lugares abertos (encosta) e que compunham de três partes: a skene ou cena. As colunas sustentavam um entablamento horizontal formado por três partes: a arquitrave. que era o caminho da virtude.Ordem Jônica . para os espectadores.o capitel era formado com folhas de acanto e quatro espirais simétricas.representava a graça e o feminino. O capitel era formado por duas espirais unidas por duas curvas. na Grécia. o artista grego cria uma arte de elaboração intelectual em que predominam o ritmo. Eles tem como características: o racionalismo. a arte grega liga-se à inteligência. interesse pelo homem. . O templo era construído sobre uma base de três degraus.O Grego tinha que se maravilhar com tudo. Um exemplo típico é o Teatro de Epidauro. O capitel era uma almofada de pedra. mas sobre uma base decorada. por sua simplicidade e severidade. Sugere luxo e ostentação. A característica mais evidente dos templos gregos é a simetria entre o pórtico de entrada e o dos fundos.Ordem Dórica . o equilíbrio. de um modo a variar e enriquecer aquela ordem.

As estátuas adquiriram. a sua forma correspondia à função para que eram destinados: . Além de servir para rituais religiosos. PINTURA A pintura grega encontra-se na arte cerâmica. com o corpo em forma de um sino invertido. Esse tipo de estátua é chamado Kouros (palavra grega: homem jovem). IV a. As pinturas dos vasos representavam pessoas em suas atividades diárias e cenas da mitologia grega. O maior pintor de figuras negras foi Exéquias. No Período Arcaico os gregos começaram a esculpir. o movimento. com o gargalo largo ornado com duas asas.Ânfora . em mármores. as cores e o espaço utilizado para a ornamentação. mas também pela harmonia entre o desenho. Primeiramente aparecem esculturas simétricas.000 espectadores e tornou-se famoso por sua acústica perfeita. 23 . .Ágora onde os gregos se reuniam para discutir os mais variados assuntos. uma vertical para segurar enquanto corria a água e duas para levantar.vasilha em forma de coração.foi insuperável. A pintura grega se divide em três grupos: 1) figuras negras sobre o fundo vermelho 2) figuras vermelhas sobre o fundo negro 3) figuras vermelhas sobre o fundo branco ESCULTURA A estatuária grega representa os mais altos padrões já atingidos pelo homem. grandes figuras de homens.. em rigorosa posição frontal.Cratera .Hidra . . Os vasos gregos são também conhecidos não só pelo equilíbrio de sua forma. c) Ginásios. Chegava a acomodar cerca de 14. com o peso do corpo igualmente distribuído sobre as duas pernas.esculturas de formas humanas . servia para misturar água com o vinho (os gregos nunca bebiam vinho puro).C. composto por 55 degraus divididos em duas ordens e calculados de acordo com uma inclinação perfeita.séc. água.tinha a boca muito larga. entre eles. d) Praça . Na escultura. vinho.(derivado de ydor. ao ar livre. azeite e mantimentos. entre outras coisas. o antropomorfismo . Por isso. além do equilíbrio e perfeição das formas. etc. esses vasos eram usados para armazenar. água) tinha três asas. filosofia. edifícios destinados à cultura física.

Realizou toda a decoração em baixos-relevos do templo Partenon: as esculturas dos frontões. O grande desafio e a grande conquista da escultura do período helenístico foi a representação não de uma figura apenas. podendo fixar o movimento sem se quebrar. Afrodite: deusa do amor. Os primeiros jogos começaram em 776 a. 24 . Foi Lisipo que introduziu a proporção ideal do corpo humano com a medida de oito vezes a cabeças. e Atenéia.condutor da lança. Surge o nu feminino. celebrado pela graça das suas esculturas. autor de Zeus Olímpico. sua obra-prima. autor de Doríforo .No Período Clássico passou-se a procurar movimento nas estátuas. . .homem arremessando o disco. Entre as mais famosas: Édipo Rei de Sófocles. foi o primeiro artista que esculpiu o nu feminino. Teatro: Foi criada a comédia e a tragédia. . as figuras de mulher eram esculpidas sempre vestidas. Apolo: deus das artes e da beleza. . para isto. Atenéia: deusa da guerra.Lisipo.C. métopas e frisos. talvez o mais famoso de todos. pois no período arcaico. mas também segundo as emoções e o estado de espírito de um momento. entre os gregos a lira era o instrumento nacional. As festas olímpicas serviam de base para marcar o tempo. Para seu conhecimento: Mitologia: Zeus: senhor dos céus. em honra a Zeus. mas de grupos de figuras que mantivessem a sugestão de mobilidade e fossem bonitos de todos os ângulos que pudessem ser observados. se começou a usar o bronze que era mais resistente do que o mármore.Fídias. pela lânguida pose em “S” (Hermes com Dionísio menino).Praxíteles. Música: Significa a arte das musas. representava os homens “tal como se vêem” e “não como são” (verdadeiros retratos). Posseidon: deus das águas. autor do Discóbolo . cada 4 anos. Período Helenístico podemos observar o crescente naturalismo: os seres humanos não eram representados apenas de acordo com a idade e a personalidade.Policleto. Os principais mestres da escultura clássica grega são: .Miron. Olimpíadas: Realizavam-se em Olímpia. entre outros. criou padrões de beleza e equilíbrio através do tamanho das estátuas que deveriam ter sete vezes e meia o tamanho da cabeça.

foi concluída no Império de Otávio Augusto. o da Concórdia e o de César. foi de Roma que se originou o circo. Dos jogos praticados temos: 25 . as termas eram o centro social de Roma. construído em Roma durante o reinado do Imperador Adriano foi planejado para reunir a grande variedade de deuses existentes em todo o Império. cria um local isolado do exterior onde o povo se reunia para o culto. com sua planta circular fechada por uma cúpula. já com o Cristianismo. realçando a idéia de força.ARTE ROMANA A arte romana sofreu duas fortes influências: a da arte etrusca popular e voltada para a expressão da realidade vivida. 2) Comércio e civismo: Basílica A princípio destinada a operações comerciais e a atos judiciários. A basílica apresenta uma característica inconfundível: a planta retangular. orientada para a expressão de um ideal de beleza. 3) Higiene: Termas Constituídas de ginásio. o de Saturno. piscina. * energia e sentimento. pórticos e jardins. vias de comunicação. Um dos legados culturais mais importantes que os etruscos deixaram aos romanos foi o uso do arco e da abóbada nas construções. eram centro de reuniões sociais e esportes. iniciada no governo de Júlio César. termas. 4) Divertimentos: a) Circo: extremamente afeito aos divertimentos. a basílica servia para reuniões da bolsa. Para citar uma. O Panteão. (de quatro a cinco mil metros) dividida em várias colunatas. Os mais conhecidos são o templo de Júpiter Stater. As construção eram de cinco espécies. a basílica Julia. além de casas de banho. de acordo com as funções: 1) Religião: Templos Pouco se conhece deles. ARQUITETURA As características gerais da arquitetura romana são: * busca do útil imediato. senso de realismo. * predomínio do caráter sobre a beleza. passou a designar uma igreja com certos privilégios. * originais: urbanismo. As mais famosas são as termas de Caracala que. anfiteatro. e a da greco-helenística. esse templo romano. Mais tarde. * grandeza material. para tribunal e leitura de editos.

não tinham a função de sustentar a construção.000 pessoas sentadas e mais de 5.executados por cavaleiros conduzidos por escravos. Essas lutas compunham um espetáculo que podia ser apreciado de qualquer ângulo.C. Os estudiosos da pintura existente em Pompéia classificam a decoração das paredes internas dos edifícios em quatro estilos. Foi erguida por ordem do Senado para comemorar a vitória de Trajano sobre os dácios e os partos. o mais célebre é o "Circus Maximus". Dos circos romanos. os verdadeiros jogos circenses romanos só surgiram pelo ano 264 a.incluídos neles o pugilato. Assim era o Coliseu.000 em pé. 5) Monumentos decorativos a) Arco de Triunfo: pórtico monumental feito em homenagem aos imperadores e generais vitoriosos. jogos de Tróia . giratórios e retiráveis. com seu característico friso em espiral que possui a narrativa histórica dos feitos do Imperador em baixos-relevos no fuste. todo em mármore. Externamente o edifício era ornamentado por esculturas.jogos circenses .corridas de carros. Sob a influência grega. b) Coluna Triunfal: a mais famosa é a coluna de Trajano. PINTURA O Mosaico foi muito utilizado na decoração dos muros e pisos da arquitetura em geral. Essas colunas. 26 . Tinha cenários versáteis.aquele em que havia torneios a cavalo. que ficavam dentro dos arcos. ginásios . Pois a palavra anfiteatro significa teatro de um e de outro lado. que foram soterradas pela erupção do Vesúvio em 79 a. que dava impressão de placas de mármore. Esse anfiteatro de enormes proporções chegava a acomodar 40. mas apenas de ornamentá-la. b) Teatro: imitado do teatro grego. ordem jônica e ordem coríntia). construído no Forum Romano para comemorar a tomada de Jerusalém. c) Anfiteatro: o povo romano apreciava muito as lutas dos gladiadores. 6) Moradia: Casa Era construída ao redor de um pátio chamada Atrio. O mais famoso deles é o arco de Tito. O principal teatro é o de Marcelus. Primeiro estilo: recobrir as paredes de uma sala com uma camada de gesso pintado. A maior parte das pinturas romanas que conhecemos hoje provém das cidades de Pompéia e Herculano. na verdade eram meias colunas. certamente o mais belo dos anfiteatros romanos. jogos de escravos . pois ficavam presas à estrutura das arcadas. e por três andares com as ordens de colunas gregas (de baixo para cima: ordem dórica.C. Portanto.

As cores vivas e a possibilidade de colocação sobre qualquer superfície e a duração dos materiais levaram a que os mosaicos viessem a prevalecar sobre a pintura. MOSAICO Partidários de um profundo respeito pelo ambiente arquitetônico. V precisamente no ano de 476 . Retratavam os imperadores e os homens da sociedade. tornar-se-ão essenciais para medir a ampliação das primeiras igrejas cristãs. suas esculturas são uma representação fiel das pessoas e não a de um ideal de beleza humana. geralmente cópia de obra grega. Terceiro estilo: representações fiéis da realidade e valorizou a delicadeza dos pequenos detalhes. Nos séculos seguintes. a estatuária romana teve seu maior êxito nos retratos. eram muito diferentes dos gregos. tendo ao centro uma pintura. Por serem realistas e práticos. no séc. ESCULTURA Os romanos eram grandes admiradores da arte grega. Era o começo da decadência do Império Romano que. como fizeram os gregos. adotando soluções de clara matriz decorativa. imitando um cenário teatral. Mais realista que idealista. 27 . aves e pessoas. formando um grande mural. mas por temperamento. Quarto estilo: um painel de fundo vermelho.Segundo estilo: Os artistas começaram então a pintar painéis que criavam a ilusão de janelas abertas por onde eram vistas paisagens com animais.perde o domínio do seu vasto território do Ocidente para os invasores germânicos. Com a invasão dos bárbaros as preocupações com as artes diminuíram e poucos monumentos foram realizados pelo Estado. os masaístas chegaram a resultados onde existe uma certa parte de estudo direto da natureza.

dando início à 2a fase da arte paleocristã : a fase basilical. cemitérios subterrâneos em Roma. a pintura é simbólica. Os cristãos foram perseguidos por três séculos.Nesses locais. Eram edifícios com grandes dimensões: um plano retangular de 4 a 5 mil metros quadrados com três naves separadas por colunas e uma única porta na fachada principal.ARTE PALEOCRISTÃ Enquanto os romanos desenvolviam uma arte colossal e espalhavam seu estilo por toda a Europa e parte da Ásia. em grego ichtus. o imperador Constantino legaliza o cristianismo. Jonas engolido pelo peixe e Daniel na cova dos leões. nos arredores de Roma. foi o material escolhido para o revestimento interno das basílicas. utilizando imagens do Antigo e do Novo Testamento. pois a palavra peixe. os romanos cederam algumas basílicas para eles pudessem usar como local para as suas celebrações. Com o fim da perseguição aos cristãos. os cristãos (aqueles que seguiam os ensinamentos de Jesus Cristo) começaram a criar uma arte simples e simbólica executada por pessoas que não eram grandes artistas. o cordeiro "Jesus Cristo é o Cordeiro de Deus". até que em 313 d. o poder romano viu-se extremamente abalado e teve início um período de perseguição não só a Jesus. adotavam um modelo de edifício denominado "Basílica" (origem do nome: Basileu = Juíz) . Os romanos testemunharam o nascimento de Jesus Cristo. que recebe este nome devido às catacumbas. O mosaico. Ainda hoje podemos visitar as catacumbas de Santa Priscila e Santa Domitila. lugar civil destinado ao comércio e assuntos judiciais. Tanto os gregos como os romanos.Com o surgimento de um "novo reino" espiritual. 28 .C. muito utilizado pelos gregos e romanos. mas também a todos aqueles que aceitaram sua condição de profeta e acreditaram nos seus princípios. onde os primeiros cristãos secretamente celebravam seus cultos. Outra forma de simboliza-lo é o desenho do pastor com ovelhas "Jesus Cristo é o Bom Pastor" e também.Surge a arte cristã primitiva. Para entender melhor a simbologia: Jesus Cristo poderia estar simbolizado por um círculo ou por um peixe. o qual marcou uma nova era e uma nova filosofia. Passagens da Bíblia também eram ali simbolizadas. por exemplo: Arca de Noé. Esse tratamento artístico também foi dado aos mausoléus e os sarcófagos feitos para os fiéis mais ricos eram decorados com relevos usando imagens de passagens bíblicas. forma as iniciais da frase: "Jesus Cristo de Deus Filho Salvador". Esta perseguição marcou a primeira fase da arte paleocristã: a fase catacumbária.

dos ataques bárbaros e das pestes. conseguiu se manter até 1453. o imperador Teodósio dividiu o Império Romano entre seus dois filhos: Honório e Arcádio. 476 d.. em 476 d. O império Romano do Ocidente sofreu várias invasões. tendo Roma como sua capital . 29 .c. Em 395 d. principalmente de povos bárbaros.. o Novo e a de São Vital com riquíssimos mosaicos. com a capital Constantinopla (antiga Bizâncio e atual Istambul). Já o Império Romano do Oriente (onde se desenvolveu a arte bizantina). apesar das dificuldades financeiras.Na cidade de Ravena pode-se apreciar o Mausoléu de Gala Placídia e a igreja de Santo Apolinário. quando a sua capital Constantinopla foi totalmente dominada pelos muçulmanos (esta data..Honório ficou com o Império Romano do Ocidente. e Arcádio ficou com o Império Romano do Oriente.C. até que.C. foi completamente dominado(esta data. marca o fim da Idade Antiga e o início da Idade Média). marca o fim da Idade Média e o início da Idade Moderna). 1453.

Por volta do século IV. sugerindo. cidade grega. A arquitetura das igrejas foi a que recebeu maior atenção da arte bizantina. dos profetas e dos vários imperadores. foi um dos maiores triunfos da nova técnica bizantina. começou a invasão dos povos bárbaros e que levou Constantino a transferir a capital do Império para Bizâncio. a perspectiva e o volume são ignorados e o dourado é demasiadamente utilizado devido à associação com maior bem existente na terra: o ouro. sentimentos de universalidade e poder absoluto. não raro encontrar um mosaico onde esteja juntamente com a esposa.O regime era teocrático e o imperador possuía poderes administrativos e espirituais. era o representante de Deus. colunas com capitel ricamente decorado com mosaicos e o chão de mármore polido. as pessoas são representadas de frente e verticalizadas para criar certa espiritualidade. mas instruir os fiéis mostrando-lhes cenas da vida de Cristo. elas eram planejadas sobre uma base circular. por exemplo.Arte Bizantina. octogonal ou quadrada imensas cúpulas. rico tanto na técnica como na cor. A união de alguns elementos dessa cultura formou um estilo novo. O mosaico é expressão máxima da arte bizantina e não se destinava apenas a enfeitar as paredes e abóbadas.A mudança da capital foi um golpe de misericórdia para a já enfraquecida Roma.O que se encontra restringe-se a baixos relevos acoplados à decoração. Apresenta pinturas nas paredes. na hoje Istambul. ao clero cabia. facilitou a formação dos Reinos Bárbaros e possibilitou o aparecimento do primeiro estilo de arte cristã . são confeccionados com técnicas diferentes e seguem convenções que regem inclusive os afrescos. e.Tal método tornou a cúpula extremamente elevada.ARTE BIZANTINA O cristianismo não foi a única preocupação para o Império Romano nos primeiros séculos de nossa era. além das suas funções. afasta o gosto pela forma e conseqüentemente a escultura não teve tanto destaque neste período. A Igreja de Santa Sofia (Sofia = Sabedoria). Grécia e do Oriente. criando-se prédios enormes e espaçosos totalmente decorados. organizar também as artes. Neles. 30 . depois batizada por Constantinopla. Graças a sua localização(Constantinopla) a arte bizantina sofreu influências de Roma. ela possui uma cúpula de 55 metros apoiada em quatro arcos plenos. por associação à abóbada celeste. ladeando a Virgem Maria e o Menino Jesus. o mosaico bizantino em nada se assemelha aos mosaicos romanos. Toda essa atração por decoração aliada a prevenção que os cristãos tinham contra a estatuária que lembrava de imediato o paganismo romano. projetada pelos arquitetos Antêmio de Tralles e Isidoro de Mileto.Plasticamente. tanto que se convencionou representá-lo com uma auréola sobre a cabeça. tornando os artistas meros executores. A arte bizantina está dirigida pela religião.

UM POUCO MAIS DE SANTA SOFIA "A verdadeira beleza de Santa Sofia. encontra-se no seu vasto interior. no mármore profundamente talhado dos capitéis das colunas das naves laterais. durante a segunda metade do século XV e boa parte do século XVI. durante o reinado do Imperador Justiniano. pois. 31 . capital do Império Bizantino.No alto. logo sucedeu-se um período de crise chamado de Iconoclastia.Um olhar mais atento permite ao visitante ver o trabalho requintado dos artífices bizantinos no colorido resplandecente dos mosaicos agora restaurados.um claro-escuro admirável quando os raios de sol penetram e iluminam o seu interior". sobre um solo de mármore. nos países eslavos.Porém. penetrando. A arte bizantina não se extinguiu em 1453. há uma beleza natural na sua magnificência espacial e nos jogos de sombra e luz . bordada em filigrama de sombras dos candelabros suspensos. resplandece a grande cúpula. folhas de acantos envolvem o monograma de Justiniano e de sua mulher Teodora. mosaicos e afrescos.Constituía na destruição de qualquer imagem santa devido ao conflito entre os imperadores e o clero. a arte daquelas regiões onde ainda florescia a ortodoxia grega permaneceu dentro da arte bizantina.E essa arte extravasou em muito os limites territoriais do império. por exemplo. Embora a igreja tenha perdido a maior parte da decoração original de ouro e prata.A arte bizantina teve seu grande apogeu no século VI. a maior igreja de Constantinopla.

De origem nômade. Ao fazer isso. A área de oração era coberta. que no entanto souberam adaptar muito bem ao seu modo de pensar e sentir. combinados com os coloridos mosaicos. os muçulmanos demoraram certo tempo para estabelecer-se definitivamente e assentar as bases de uma estética própria com a qual se identificassem. esmola. Norte da África e Espanha. no Iraque. desde seu início. A representação figurativa era considerada uma má imitação de uma realidade fugaz e fictícia. enquanto no pátio estavam as fontes para as abluções. seguindo o modelo da casa de Maomé em Medina: uma planta quadrangular. inevitavelmente devem ter absorvido traços estilísticos dos povos conquistados. com um pátio voltado para o sul e duas galerias com teto de palha e colunas de tronco de palmeira. na função de governantes e guardiães do povo e conscientes da importância da religião como base para a organização política e social. persistiu a 32 . Aparentemente sensual. Índia. Contudo. começou a rápida expansão do Islã até a Palestina. resultado da combinação de traços ornamentais com caligrafia. Pérsia.ARTE ISLÂMICA No ano de 622. que contempla uma obra feita para deus. Síria. jejum e peregrinação. a arquitetura sagrada não manteve a simplicidade e a rusticidade dos materiais da casa do profeta. Foi assim que as cúpulas bizantinas coroaram suas mesquitas. Ásia Menor. no início. No entanto. De lá. sob a orientação dos califas. sendo exemplo disso as obras dos primeiros califas: Basora e Kufa. e os esplêndidos tapetes persas. No âmbito sagrado evitou-se a arte figurativa. conceitual e religiosa. as decoraram. e a Grande Mesquita de Damasco. o profeta Maomé se exilou (hégira) na cidade de Yatrib e para aquela que desde então se conhece como Medina (Madinat al-Nabi. centro político. que eram os únicos economicamente capazes de construir mesquitas. Essas funções foram herdadas por mesquitas e alguns edifícios públicos. eles realizavam suas obras para a comunidade de acordo com os preceitos muçulmanos: oração. A casa de Maomé era local de reuniões para oração. a Cúpula da Roca. Na complexidade de sua análise. Daí o emprego de formas como os arabescos. concentrando-se no geométrico e abstrato. mausoléus e mosteiros. a arte islâmica se mostra. ARQUITETURA As mesquitas (locais de oração) foram construídas entre os séculos VI e VIII. a arte islâmica foi na realidade. No entanto. transformandoos em seus próprios sinais de identidade. que desempenham duas funções: lembrar o verbo divino e alegrar a vista. hospital e refúgio para os mais pobres. cidade do profeta). sucessores do profeta. como exclusividade das classes altas e dos príncipes mecenas. mais simbólico do que transcendental. em Jerusalém. As letras lavradas na parede lembram o neófito.

castelos e demais edifícios públicos merece um capítulo à parte. enquanto o segundo controlava sua realização. para que a voz do almuadem ou muezim pudesse chegar até todos os fiéis. Outra das construções mais originais e representativas do Islã foi o minarete.preocupação com a preservação de certas formas geométricas. Outras construções representativas foram os mausoléus ou monumentos funerários. embora não tenha existido um modelo comum. no Oriente. uma espécie de torre cilíndrica ou octogonal situada no exterior da mesquita a uma altura significativa. em Granada. mas nem sempre conservaram sua forma. esses eram os únicos materiais utilizados para decorar o interior das tendas. em Sevilha. embora se comunicasse com a mesquita por meio de pátios e jardins. as escolas de teologia. semelhantes às mesquitas na forma e destinados a santos e mártires. Tabriz e Isfahan. de caça. foi um dos sistemas mais utilizados na construção de mesquitas. que permite cobrir o quadrado com um círculo. não deve ficar em contato com a terra. pensados como um microcosmo e constituíam o hábitat privativo do governante. era ele quem realmente projetava o edifício. As numerosas variações locais mantiveram a distribuição dos ambientes. As oficinas mais importantes foram as de Shiraz. À medida que foram se tornando sedentários. O geômetra era tão importante quanto o arquiteto. já que o muçulmano. Para começar. Seus palácios eram planejados num estilo semelhante. A cúpula de pendentes. Os mais valiosos são de origem persa e têm 40 000 nós por decímetro quadrado. 33 . convidando-os à oração. Diferentemente da tecedura dos tecidos. de motivos florais. Na realidade. A construção de palácios. ao rezar. As residências dos emires constituíram uma arquitetura de segunda classe em relação às mesquitas. como povo nômade. O aposento mais importante era o diwan ou sala do trono. de decoração. TAPETES Os tapetes e tecidos desde sempre tiveram um papel muito importante na cultura e na religião islâmicas. brocados e tapetes passaram a decorar palácios e castelos. além de cumprir uma função fundamental nas mesquitas. e Palermo. como o quadrado e o cubo. Os fabricados antes do século XVI chamam-se arcaicos e possuem uma trama de 80 000 nós por metro quadrado. e os geométricos. Exemplo disso é o Alhambra. o palácio tinha aspecto de fortaleza. com animais e plantas. no Ocidente. a do tapete constitui uma unidade em si mesma. Entre os desenhos mais clássicos estão os de utensílios. As mesquitas transferiram depois parte de suas funções aos edifícios públicos: por exemplo. as sedas. semelhantes àquelas na forma. era o antigo minarete da cidade. A Giralda. De planta quadrangular e cercado de muralhas sólidas.

muito parecido com o das miniaturas bizantinas.PINTURA E GRÁFICA As obras de pintura islâmica são representadas por afrescos e miniaturas. o que é conhecido como arabesco. mas sim nas publicações de divulgação científica. encontra-se a arte dos mosaicistas. Estreitamente ligada à pintura. tornando-se uma das disciplinas mais importantes na decoração de mesquitas e palácios. com fundo dourado e ausência de perspectiva. No início. Das primeiras. cobriam as paredes internas e externas dos edifícios. esquematizado. O Corão era decorado com figuras geométricas muito precisas. complexos desenhos multicoloridos. sofresse uma grande influência indiana. bizantina e inclusive chinesa. O estilo era um tanto estático. 34 . a fim de marcar a organização do texto. embora. mas paulatinamente foram se abstraindo. Caligrafias de incrível preciosidade e formas geométricas multiplicadas até o infinito criaram superfícies de verdadeiro horror ao espaço vazio. calculados com base na simbologia numérica islâmica. A mesma função desempenhava a cerâmica. Ela foi herdada de Bizâncio e da Pérsia antiga. para acompanhar a narração. segundo o lugar. para tornar mais claro o texto. para ilustrar livros religiosos. Seu estilo era semelhante ao da pintura helênica. até se transformarem em folhas e flores misturadas com letras desenhadas artisticamente. as representações eram completamente figurativas. junto com a cerâmica. separando um capítulo de outro. combinando com a decoração de gesso das cúpulas. e nas literárias. por exemplo. Elas eram geralmente usadas para decorar paredes de palácios ou de edifícios públicos e representavam cenas de caça e da vida cotidiana da corte. onde foram criadas peças de uso cotidiano. semelhantes às antigas. mais utilizada a partir do século XII e que atingiu o esplendor na Espanha. A miniatura não foi usada. como no cristianismo. muito poucas chegaram até nossos dias em bom estado de conservação. Assim.

As características mais significativas da arquitetura românica são: * abóbadas em substituição ao telhado das basílicas. o terreno cedeu. não apresenta formas pesadas. A arte desse período passa. com o Cristianismo a arte se voltou para a valorização do espírito. A primeira coisa que chama a atenção nas igrejas românicas é o seu tamanho. tinha poderes ilimitados. * aberturas raras e estreitas usadas como janelas. que aparecem no cruzamento das naves ou na fachada. Na Itália.174. A concepção de mundo dominada pela figura de Deus proposto pelo cristianismo é chamada de teocentrismo (teos = Deus). Os valores da religião cristã vão impregnar todos os aspectos da vida medieval. ARQUITETURA No final dos séculos XI e XII. 35 . A igreja como representante de Deus na Terra. assim a ser encarada como uma extensão do serviço divino e uma oferenda à divindade. na Europa. A mais famosa é a Catedral de Pisa sendo o edifício mais conhecido do seu conjunto o campanário que começou a ser construído em 1. Deus é o centro do universo e a medida de todas as coisas. Na Idade Média a arte tem suas raízes na época conhecida como Paleocristã. Trata-se da Torre de Pisa que se inclinou porque. * torres. Elas são sempre grandes e sólidas. estilizadas e duras dessas igrejas é o fato da arte românica não ser fruto do gosto refinado da nobreza nem das idéias desenvolvidas nos centros urbanos. e * arcos que são formados por 180 graus. A explicação mais aceita para as formas volumosas. diferente do resto da Europa. tem início o período histórico conhecido por Idade Média. duras e primitivas. com o passar do tempo. * pilares maciços que sustentavam e das paredes espessas. é um estilo essencialmente clerical. surge a arte românica cuja a estrutura era semelhante às construções dos antigos romanos. Daí serem chamadas: fortalezas de Deus. trazendo modificações no comportamento humano. com a tomada de Roma pelos povos bárbaros.ARTE ROMÂNICA Em 476.

Na porta. conheceu seu auge na época do românico. a área mais ocupada pelas esculturas era o tímpano. Usado desde a Antigüidade. Imitação de formas rudes. que colocadas lado a lado vão formando o desenho. sem preocupação com meios tons ou jogos de luz e sombra. A figura de Cristo. por exemplo. é originária do Oriente onde a técnica bizantina utilizava o azul e dourado. Os motivos usados pelos pintores eram de natureza religiosa. isto é. A pintura românica desenvolveu-se sobretudo nas grandes decorações murais. 36 . de vários formatos e cores. O colorismo realizou-se no emprego de cores chapadas. pequeninas pedras.PINTURA E ESCULTURA Numa época em que poucas pessoas sabiam ler. que originalmente era uma técnica de pintar sobre a parede úmida. pois não havia a menor intenção de imitar a natureza. nome que recebe a parede semicircular que fica logo abaixo dos arcos que arrematam o vão superior da porta. para representar o próprio céu. a Igreja recorria à pintura e à escultura para narrar histórias bíblicas ou comunicar valores religiosos aos fiéis. As características essenciais da pintura românica foram a deformação e o colorismo. MOSAICO A técnica da decoração com mosaico. curtas ou alongadas. através da técnica do afresco. traduz os sentimentos religiosos e a interpretação mística que os artistas faziam da realidade. ausência de movimentos naturais. A deformação. é sempre maior do que as outras que o cercam. Não podemos estudá-las desassociadas da arquitetura. na verdade.

Ao ser construída a Catedral Gótica. para o lado direito e por último atravessar o rio Sena pela ponte para vêla do outro lado No século XII. Inglês. que leva de 200 a 300 anos.: A Basílica da Catedral é renascentista. mas já começaram a aparecer as primeiras mudanças que conduziram a uma revolução profunda na arte de projetar e construir grandes edifícios. O gótico. a arquitetura predominante ainda é a românica. Tanto a Catedral Gótica quanto o Templo Grego tem uma arquitetura fantástica. A idade Média é a época do Gótico. A catedral Gótica é muito grande e não dá para abrangê-la com um só olhar. A forma de vê-la é fragmentada. A Catedral vai ser vertical que é para “levar” você para o céu. A cidade de Chartres nasceu com as pessoas que foram chegando e morando ao redor da catedral. até o fundo. O Renascimento classifica de “bárbaros” os Góticos. tem início uma economia fundamentada no comércio. indo depois para o lado esquerdo. as cidades começam a nascer ao seu redor devido ao número grande de pessoas que trabalham na construção. Vai surgir uma coisa fantástica na Idade Média que são as Catedrais Góticas. Espanhol. A arte Gótica vai nascer com as cidades. Obs. O Gótico Francês é bem diferente do Gótico Italiano. Isso faz com que o centro da vida social se desloque do campo para a cidade e apareça a burguesia urbana. Ele são muito diferentes entre si. CARACTERÍSTICAS DO ESTILO ROMÂNICO: As paredes são grossas Na frente da Catedral românica tem rosáceas (foi quando começou a surgir as rosáceas) Tem vitrais Não tem frontão 37 . As Catedrais Góticas vão ser verticais. A Catedral Gótica é para o homem rezar dentro. O peso das paredes cedem o lugar aos vitrais. enquanto que os templos gregos horizontais. entre os anos 1150 e 1500. em seu esplendor. É quase que uma visão cubista. dando leveza à construção. O templo grego é só para ser visto. Português.ARTE GÓTICA O termo Gótico vem da palavra GODOS que vem de Bárbaros. No começo do século XII. Em 1840 ao redor da Catedral de Notre Dame existia muitas casas medievais que foram retiradas ao seu redor para que ela fosse vista melhor de longe. é como uma gaiola de vidro e de pedras. Para ver a Catedral de Notre Dame devemos começar a vê-la de frente.

de modo geral. Enquanto. alongamento exagerado das formas. ARQUITETURA A primeira diferença que notamos entre a igreja gótica e a românica é a fachada. somente na Europa. ou então é um privilégio da quase mítica China). A rosácea é um elemento arquitetônico muito característico do estilo gótico e está presente em quase todas as igrejas construídas entre os séculos XII e XIV. a igreja gótica tem três portais que dão acesso à três naves do interior da igreja: a nave central e as duas naves laterais. ESCULTURA As esculturas estão ligadas à arquitetura e se alongam para o alto.CARACTERÍSTICAS DO ESTILO GÓTICO: Tem que ter rosácea Contraforte (é o que segura a Catedral) Arcobotante Gárgulas Janelas vitrais (muitos vitrais) O vitral é fundamental pois vai surgir quando eles descobrem uma técnica de colocar o vidro no meio da parede de pedra não prejudicando a sustentação do prédio. demonstrando verticalidade. exercendo a função de ilustrar os ensinamentos propostos pela igreja. a crença na existência de um Deus que vive num plano superior. Nessa época as Américas não tinham sido descobertas.. Outros elementos característicos da arquitetura gótica são os arcos góticos ou ogivais e os vitrais coloridíssimos que filtram a luminosidade para o interior da igreja. os manuscritos também eram encomendados por 38 . como se vê nas pontas agulhadas das torres de algumas igrejas góticas. tudo se volta para o alto. As catedrais góticas mais conhecidas são: Catedral de Notre Dame de Paris e a Catedral de Notre Dame de Chartres. ILUMINURA Iluminura é a ilustração sobre o pergaminho de livros manuscritos (a gravura não fora ainda inventada. O desenvolvimento de tal genero está ligado à difusão dos livros ilustrados patrimônio quase exclusivo dos mosteiros: no clima de fervor cultural que caracteriza a arte gótica. não vai existir na América. O Gótico que é do ano de 1100 DC. A arquitetura expressa a grandiosidade. projetando-se na direção do céu. e as feições são caracterizadas de formas a que o fiel possa reconhecer facilmente a personagem representada. a igreja românica apresenta um único portal.

XIV e no início do século XV. quando começou a ganhar novas características que prenunciam o Renascimento. a pintura de Giotto vem ao encontro de uma visão humanista do mundo. Durante o século XII e até o século XV. 39 . ocupando sempre posição de destaque na pintura. PINTURA A pintura gótica desenvolveu-se nos séculos XII. deixavam espaços para que os artistas fizessem as ilustrações. Ao realizar essa tarefa. cobertos por muita roupa. os cabeçalhos. a arte ganhou forma de expressão também nos objetos preciosos e nos ricos manuscritos ilustrados. aristocratas e burgueses. com o olhar voltado para cima. Nota-se em suas pinturas um cuidado com a perspectiva. E esses santos com ar de homem comum eram o ser mais importante das cenas que pintava. Assim. em direção ao plano celeste.procurava registrar nas suas pinturas os aspectos da vida urbana e da sociedade de sua época. procurando mostrar os detalhes e as paisagens. os títulos ou as letras maiúsculas com que se iniciava um texto. quase sempre tratando de temas religiosos. Os principais artistas na pintura gótica são os verdadeiros precursores da pintura do Renascimento (Duocento): * Giotto .a característica principal do seu trabalho foi a identificação da figura dos santos com seres humanos de aparência bem comum. que vai cada vez mais se firmando até ganhar plenitude no Renascimento. a segunda é que os artistas ilustradores do período gótico tornaram-se tão habilidosos na representação do espaço tridimensional e na compreensão analítica de uma cena.particulares.. Da observação dos manuscritos ilustrados podemos tirar duas conclusões: a primeira é a compreensão do caráter individualista que a arte da ilustração ganhava. apresentava personagens de corpos pouco volumosos. É precisamente por esta razão que os grandes livros litúrgicos (a Bíblia e os Evangelhos) eram ilustrados pelos iluministas góticos em formatos manejáveis. Sua principal particularidade foi a procura o realismo na representação dos seres que compunham as obras pintadas. que seus trabalhos acabaram influenciando outros pintores. pois destinava-se aos poucos possuidores das obras copiadas. Os copistas dedicavam-se à transcrição dos textos sobre as páginas. Obras destacadas: Afrescos da Igreja de São Francisco de Assis (Itália) e Retiro de São Joaquim entre os Pastores. * Jan Van Eyck . Obras destacadas: O Casal Arnolfini e Nossa Senhora do Chanceler Rolin.

Renascimento é expansão.C. a máquina vai fazer milhares de cópias.C. a 1100 D. 40 . mas respeitando os limites.RENASCIMENTO “OUSO TUDO QUE UM HOMEM PODE OUSAR.C. QUEM OUSAR MAIS DO QUE ISSO NÃO O É” Lord Macbeth . nada a ver com civilização. No regime feudal existia a troca de serviços e mercadorias. É o começo do renascimento quando o homem descobre que tem de ser ousado. Expansão: É quando o homem descobre a América. Shakespeare . pirâmide) Grécia Clássica ou de Péricles -Construção do Parthenon na Acrópoles Roma Gótico Renascimento 40 D. APOGEU ----------------------------------------------------------------------------------------------------------40. Expressão: É a invenção da imprensa por Gutemberg. já que era muito complicado escrever.Shakespeare. praticamente sem organização social.pai do renascimento.C.C. 350 A. Vai sair do regime feudal da Idade Média. Teria o mesmo significado da descoberta da existência de um planeta habitado. sem roupa. com a linguagem muito diferente. Auge da Pré-história 3500 a 2500 A. facilitando a divulgação e o trabalho. Emancipação: O trabalhador passa pela primeira vez a ser assalariado. 1400 a 1600 D. O Renascimento ocorre entre 1400 e 1600 D. É lógico que a visão do mundo e da arte foi modificada. Anteriormente as coisas eram mais faladas do que escritas. através da imprensa que Gutemberg criou e que permite mandar a informação para o mundo inteiro. expressão e emancipação. Com o advindo da imprensa. Passa a ter mais consciência da importância de seu trabalho. A frase acima significa que tudo tem limites. Expressão implica consciência daquilo que é expresso. Tinham que escrever muitas cópias para fazerem uma divulgação.C. que passa a ser muito mais valorizado.C. Auge do Egito (esfinge. Quando todo mundo tinha uma civilização super organizada na Europa e o homem descobre outro mundo com pessoas primitivas.C. Era muito trabalhoso. Expressão é uma coisa impressa.000 A. 1 A.

da vontade de mudar a humanidade. período muito forte. Durante a Idade Média “Deus” era poderoso e distante. Quando construíam uma Catedral Gótica ficavam 200 anos ao redor daquela Catedral para a sua construção. Surge da Idade Média onde o homem não tinha nenhum valor. 41 . Não é o saber pelo saber pela essência como na antiga Grécia. “Deus” existe. A ciência liga-se à técnica e à arte. estagnada. É neste momento que surge o conceito do individualismo. mas posso conversar com ele. etc. A Idade Média estava muito parada. O homem passa a ser o centro de todas as coisas e não mais “deus”. Vão aparecer os “Humanistas”. como ela reage. várias línguas. na Itália. A BAUHAUSS. Não impede que Deus sirva à humanidade. No Renascimento a ciência liga-se às técnicas e às artes. As pessoas morriam de frio e dormiam mal com as casas de madeira. O mundo passa a ser encarado criação de “Deus”. O “especialista” é o homem do século XX. da mesma forma que os gregos faziam.Renascimento é um renovar. que surgirá no futuro. na Alemanha). Essa busca do conhecimento das leis da natureza. porque estão baseados na cultura Grega. As construções eram demoradas porque não tinham uma tecnologia desenvolvida. pois as casas eram feitas de madeira. será uma escola que fará o trabalho em cima do Renascimento (1929.C. No Renascimento. recomeçar. renova-se e religa-se. Depois se alastrou por toda Europa Ocidental dominando o mundo completamente entre 1400 a 1600 D.. homens que conhecem tudo profundamente e que jamais serão especialistas. O Renascimento começou em Florença. Vai mudar muito a relação do homem com a natureza. Não inventavam e não criavam nada. O renascimento vai criar uma “nova concepção do homem”. da antigüidade. O homem tem que entender de literatura. O homem tinha horror à natureza pois viviam muito mal. É um renascer em cima da Grécia Antiga. A escultura e pintura nós conhecemos desde a Grécia. ela passa a ser valorizada. Platão vai ser muito importante para eles. Todas as invenções e criações eram feitas em função daquela Igreja. renascer. Até agora a natureza não era valorizada. Viviam muito em função da Igreja. nada impede que essa criação de Deus seja feita à serviço da humanidade. de uma disposição de espírito. é único. É no Renascimento. As cidades pegavam fogo. é o saber para poder usufruí-la melhor. que surge a arte de todos os pintores do mundo. é para melhor aproveitá-la às necessidades do homem. mas as pinturas dos pintores famosos que encontramos nos museus começaremos a conhecer a partir daqui. Tudo isso pode assistido no filme “O nome da Rosa”. do homem possuidor de direitos inalienáveis. que perdura até hoje. O “homem” renasce. A medida que a natureza se transforma em uma coisa digna de ser usada. Mas. Renascimento é o resultado de um impulso universal. Vai procurar saber sobre a natureza. anatomia. É uma necessidade de uma mudança de ver e sentir.

o qual se ergue perante Deus. XX). vai surgir por volta do século XX. Em Estética da Arte: a arte pode ser idealizada ou verdadeira (em meados séc. onde ela deixa de ser natural ao copiar o corpo humano e aperfeiçoá-lo.Em locais muito ensolarados as pessoas morriam de calor. sem nenhuma vergonha do seu corpo nu e Deus está apontando com o dedo quase à sua imagem e semelhança. As pessoas posavam. Eles não vão imitar os antigos. As pessoas não sabiam ler. sem imitá-la. o que existia de melhor. Era uma arte totalmente sacra. no final) A arte passa a ser naturalista. Vão estudar o vento dando o surgimento dos moinhos de vento. Passam a pintar a natureza nos quadros porque vão valorizá-la e adequar-se à ela. A natureza era uma coisa muito nefasta. mas complementá-los. ao chegar à Igreja. pudesse reconhecê-los facilmente. Ninguém fazia quadro para ser pendurado em casa. Não existia o natural por que a Igreja não permitia. sem movimento e vestidos completamente. Homens importantes do Renascimento: Giotto Michelangelo Leonardo da Vinci Raphael Ticciano Tintoretto Dante Alighieri Botticelli Colombo Gutemberg Vasco da Gama Bosch William Shakespeare (por volta de 1600. A arte idealizada é aquela que nós vimos na Grécia. A arte era feita de uma forma que a leitura fosse muito acessível. Até o Renascimento as pessoas não pintavam nada naturalista. Para Mali. E vão estudar uma série de coisas que até agora não tinham estudado. Era uma história montada. Vão estudar a água. apresentando depois uma queda e voltando a aparecer em finais do século XX. A arte verdadeira. eles percebem que a natureza pode ajudar muito. Essa pintura não podia existir na Idade Média. pintado por Michelangelo. no Renascimento. quando vão desenhar o corpo realmente como ele é. De repente. É um renovar em cima da Antigüidade. é o símbolo do Renascimento. As esculturas das igrejas eram um protótipo do que seriam os “santos”. Esta obra é o momento em que Deus aponta para o homem que está deitado no chão. aparecendo as represas. Vão se basear nas melhores idéias dos antigos. Os santos eram duros. As figuras dos santos eram postas uma do lado da outra para que o povo. 42 . o quadro “Adão” que está na Capela Sixtina. mas o estilo é renascentista.

No século XV Florença lançou as bases da pintura Européia dos cinco séculos seguintes. da Idade Média e Renascentistas. É uma profissão que sobe de nível na hierarquia social. os “Médicis” eram os mais importantes. a crise financeira foi muito forte. Ele conseguiu iniciar um novo capítulo na História da Arte se impondo na profissão de pintor e sendo respeitado por isso. Giotto foi o primeiro artista dentro da História da Arte que aparece sendo chamado como “PINTOR”. Florença era uma cidade muito rica e. Quando dava uma festa ele pedia que o convidado levasse uma ave. marceneiros. Os pintores até então eram considerados como alfaiates. mas a pintura não. um pouquinho idealizada. As cidades onde as primeiras pinturas “acadêmicas” vão aparecer serão Siena e Florença. Em 1400 o poder voltou de novo aos banqueiros e desta vez. Pré Renascimento: A pintura. Giotto é que vai receber pela primeira vez na História da Arte o nome “Pintor”. do olhar. As condições para o aprimoramento na arte já estavam criadas. que ao ir a bancarrota. Até hoje pintamos baseados no Renascimento. Eram homens ricos que gostavam de beleza e vão investir em arte. Um desses importantes pintores é GIOTTO. são grandes acadêmicos que fazem a arte exatamente igual a natureza. No Museu Metropolitam. O aspecto mais importante era o pintor conseguisse pintar fielmente a figura real. foi a que mais demorou para se afastar dos moldes antigos (bizantinos) da Idade Média. Um dos banqueiros mais importantes era o “Bardi”. até então (entre 1400 e 1500). é importante comparar as pinturas Pré-renascentistas. O estilo que chamamos de Sienês (de Siena) chegou até o século VX (1400) e custou muito a aceitar o estilo renascentista. os escultores já tinham criado um novo estilo depois do gótico. As soluções da pintura foram amadurecendo aos poucos. A peste matou quase todos os banqueiros.Começaram a perceber que o homem podia pintar a natureza tal qual ela se apresenta. vinho ou fruta. Pouco a pouco tornaram-se “senhores de Florença”. Dante Alighieri se refere ao Giotto na “Divina Comédia” como o “meu amigo pintor Giotto”. pão. dentre todas as artes do ocidente. as massas em pouquíssimo tempo controlaram o poder em Florença. ainda poderá parecer uma pintura dura. A cidade de Pádua é a que oferece as melhores obras de Giotto para serem vistas. Giotto foi contemporâneo do grande poeta Dante Alighieri que escreveu “A Divina Comédia”. 43 . que pintou muito À FRESCO em busca de um realismo. Leonardo da Vinci e outros. A pintura ainda era bizantina. Ninguém fazia isso. com essa peste. Giotto consegue pintar expressando os sentimentos através dos gestos. Começa aí a pintura acadêmica que nos referimos. Os arquitetos. Para nós hoje. Em “off”: Dizem que ele era “super pão-duro”. que até então não faziam. Ao redor de 1394 a peste negra acabou com quase toda a população Toscana (Florença é na região de Toscana). mas comparada com o que existia anteriormente na Idade Média era muito mais expressiva e solta.

e suas obras podem ser vistas hoje nos Museus. Até então se pintava à fresco. RAPHAEL DE SANTI nasceu em 1483 e morreu em 1520. Pintavam em paredes ou em madeiras para poderem transportar.Os irmãos VAN EYKES pertencem à pintura FLAMENGA (de Flandres que é hoje a Bélgica). etc. Os irmãos Van EYKES descobrem que a luz também é muito importante. Escola Renascentista funcionava assim: Todo grande pintor. encáustica. era quase Gótica e Brunelleschi vai simplificar essa estrutura criando um novo eixo. abria um grande atelier. Nasceu na cidade de Urbino. Raphael vai ser aprendiz do Perugino. a luz “condicionados ao momento”. que se chamava Giovani de Santi. Quando ele aparece. Obs. Itália. Volta para Florença onde vai ficar muito rico. Ele era ambicioso e queria ser muito conhecido. Quase todos os dicionários falam que eles foram os inventores da pintura à óleo. A cúpula do Pantheon tinha muita sustentação. Essa Cúpula é anterior ao ano de 1500. Michelângelo vai se basear na Cúpula de Brunelleschi para fazer a Basílica de São Pedro. arquiteto. a Cúpula da Catedral de Florença não tinha sido construída. em Roma. escultor. Uma região com paz e prosperidade. mas que vendia bem. O pai de Raphael era um medíocre pintor. o belíssimo “Domus”. vai apresentá-lo a seu filho. Giovani de Santi que era muito amigo do grande pintor Perugino. Por ser pintor estimulou o filho a ser pintor também. Até 1900 vai ser usada essa Cúpula. É bom lembrar que junto com o Renascimento. O resto do mundo vai copiar essa Cúpula de Brunelleschi. Eles estão enterrados em Brujes. porque foram os inventores da pintura à óleo. Os irmãos VAN EYKES vão descobrir esse aglutinante que era “o óleo de amêndoas”. a pintura Flamenga Renascentista foi muito importante. : Raphael está enterrado no Pantheon. Os italianos vão copiar a fórmula. Na realidade eles só aprimoraram a fórmula. quando bolou a grande Cúpula da Catedral de Florença que vai ficar para o resto da vida. 44 . Foi o iniciador da arquitetura da renascença que vai permanecer por mais 500 anos. Eles pintavam admiravelmente bem. Ele foi para Roma estudar estudar o Pantheon antigo. A pintura com tinta a óleo era fantástica por permitir ao pintor que pudesse corrigir os erros. Eles romperam com tudo. mas na verdade eles descobriram que um padre italiano tinha descoberto a fórmula da tinta mas que estava faltando um aglutinante. O Médicis compraram muita obra do pai de Raphael. um dos maiores arquitetos de todos os tempos. A pintura flamenga vai reinar em Florença. na Itália. A arquitetura Renascentista: BRUNELESCHI. muito badalado na época. Eles pintavam o ar.

Os aprendizes pintavam quase toda a obra. na Capela Sixtina. Começou a pintar as “madonas” que são muito especiais. Com isso ele ficou famoso por pintar pela primeira vez “madonas” tão lindas. a qual nunca foi feita. simpático. Viveu como um príncipe. 45 . com exceção dos rostos que era sempre “Mestre” que terminava. pois tinham recebido uma encomenda para pintar a “Câmara dos Vereadores”. Como o pai era um homem muito querido. Ele era um homem muito bonito. Quando Raphael chegou lá. tendo que morar com seus tios maternos. Eram chamados também de lojas. Não são míticas. Depois disso iria aprender a desenhar. Aos 21 anos já estava famoso. Quando chegava a fazer os desenhos com perfeição. podia optar pela escultura ou pintura. Era muito rápido. a Capela Sixtina. quase todos pintados por Raphael. começava-se primeiro como se fosse um “office boy”. meigo. carinhoso. Quando você entra na Capela Sixtina você vai passar por vários quartos. mas já tinham o seu próprio estilo. Os grandes artistas podiam aprender uma técnica nova. Vai pintar com mais de 50 ajudantes. apesar de serem humanas e meio sensuais. até hoje. cordial. Dizem que o papa fez dele um Cardeal. ele vai receber muita ajuda dos amigos do pai e de Perugino. carismático. Rubens tinha 150 ajudantes. em 1504. Morreu jovem aos 37 anos. Fazia o chassis. Essa técnica de ensino vai ser retomada na BAUHAUSS mais tarde. salas que são chamadas de “STANZI”. Raphael com 10 anos perdeu sua mãe e o pai vai morrer quando ele tinha 14 anos. Os outros alunos de Perugino só vão conseguir copiá-lo. apesar de já ser um grande pintor. Ela passa uma certa sensualidade. em uma sexta-feira Santa. O Papa Júlio II é o mesmo que encomendou para Michelângelo. Aos 18 anos vai para Florença e começa a receber fama por pintar muito bem e rápido. Ela vai ser um clássico de Raphael. Raphael disse que iria aprender com esses pintores.Quando uma pessoa ia estudar com o grande pintor ou escultor. rico. criativo e responsável. badalado. Raphael vai ser muito querido. Em 1509 Raphael foi de Florença para Roma. como se fosse um empregado. Depois passava por um estágio de uns 3 meses onde ele aprendia a montar as telas. Raphael chegou em Florença na época em que Leonardo da Vinci e Michelângelo estavam na cidade. tornando-se muito popular rapidamente. “A Virgem Maria” vai ser adotada por muitos anos depois. Ele tinha o quadro mais perfeito em composição de todo o Renascimento. As “madonas” são belezas idealizadas em cima da Grécia. após sua morte. Raphael foi perfeito no desenho e na composição. Vai ser muito rodeado por artistas. O aprendiz comprava as tintas. no dia de seu aniversário. Entre 1508 e 1509 era a época em que Michelângelo estava pintando a Capela Sixtina. comida. Raphael vai saber descobrir seu estilo. bissexual (não se sabe ao certo). a pedido do Papa Júlio II. ele vai pintar os quartos. famoso.

Existe em seu túmulo uma frase muito bonita em latim: “Aqui jaz Raphael: quando vivia a natureza temia por ele ser vencida. em Roma. precursor da aviação. químico. despertando muita inveja das pessoas. Quando ele tinha 16 anos. Vai pintar por 5 anos a Monalisa. escreveu muito sobre Leonardo: “Seu encanto. mecânico. engenheiro. matemático. Leonardo da Vinci vai estudar com Verocchio. em tudo o que se referia também ao espetáculo. isqueiro. Leonardo tinha muitas vantagens ao ser tão bem dotado. Com isso termina a Idade Média. a Itália não era essa Itália de hoje. As rotas da Europa para o Oriente foram fechadas.” LEONARDO DA VINCI nasceu em 1452 e morreu em 1519 . brinquedos com corda. O grande escritor George Vassari.90 m de altura e era provavelmente bissexual. Leonardo cantava e também escrevia muito bem poesias. urbanista. lâmina de barbear (ele tinha uma barba muito cerrada). Ele era o árbitro em todas as questões que diziam respeito a elegância. Além do talento. físico. Agora que está morto.: No Epcot Center. geólogo.Raphael está enterrado no Pantheon . cansada de esperar ele pintar. Leonardo da Vinci. Leonardo da Vinci era considerado em seu tempo uma obra prima da natureza. da balística. que era esposa de um comerciante amigo dele. O seu pai disse que já que ele tinha nascido com esse dom ele deveria estudar mais. Quando Leonardo da Vinci nasceu. ela própria teme morrer. Era do signo de Áries. tem o “Leonardo da Vinci” que está pintando a Monalisa enquanto ela balança o pé. na cidade de Florença. Dizem que sua beleza abriu muito as portas para ele. Quando ele morreu foi uma aflição para todos os seus amigos. 46 . mas também entre outros dotes numerosos de que a natureza o havia provido e que ele se valia com a perfeita maestria. tinha 1.” Obs. “ Segundo Gardiano. botânico. aos 67 anos. sua generosidade e seu espírito brilhante não eram inferiores à beleza de sua pessoa. que era enorme. Tudo o que existia do Oriente na Grécia passa a não existir mais por muito tempo. Leonardo da Vinci. Ele era arquiteto. Os turcos tinham conquistado Constantinopla. e em particular. porcas e pintor. mas também serviu de obstáculo. inventor do escafandro. uma perfeita obra de arte. Era um homem muito vaidoso. escultor. ponte-pêncil. já desenhava e pintava muito bem. fazendo ele próprio o acompanhamento na lira que ele havia inventado e com isso deliciava a corte inteira. Verocchio foi um grande pintor. pára-quedas. Era uma Itália calma e tinha acabado o Império Bizantino. Obs: Leonardo da Vinci foi modelo de “David” para o Verocchio. da hidráulica. Vassari vai ser o Historiador dos Pintores. Tem um outro grande escritor que se chama GARDIANO e que escreveu o seguinte sobre Leonardo: “Ele era tão excepcional e tão ricamente dotado que a natureza parecia ter logrado um milagre em sua pessoa. Cantava admiravelmente bem. Não apenas por causa de sua beleza física.

com calçadões. outros apreciavam a sua presença. Apenas essas 8 obras foram cientificamente comprovadas em sua autenticidade. o helicóptero. quiosques. Os seus escritos só poderiam ser lidos através de um espelho. Ele fez um projeto urbanista fantástico para a cidade de Milão. Os historiadores acham que. Leonardo da Vinci era também um músico. Tudo o que ele fazia e criava. Pintou a Monalisa. Com sua cultura universal. Ele era canhoto e escrevia da direita para a esquerda. As outras pinturas existentes não possuem essa certeza. As duas grandes pinturas que ficaram mais conhecidas foram a “Monalisa” (Gioconda) e a mais reproduzida no mundo todo que é a “Última Ceia”. desenhava tudo dentro das regras do renascimento. está inacabada. Muita informação do que se sabe são relatos de seus alunos que o adoravam e escreviam tudo sobre ele. mas era muito pouco para Leonardo. Se a inquisição soubesse disso. segundo os historiadores. que pode ser visto ainda no Museu do Vaticano. enquanto tocava esse órgão. Obs. 47 . As pessoas posavam para ele e ele também tinha muitos auxiliares. Leonardo elaborou projetos que levaram séculos para serem aprovados como a asa delta. Ele queria saber por exemplo quantos tons de vermelho ele podia fazer. ele tinha um pouco de medo de escrever de forma muito legível. deixando muitas obras inacabadas. Não foi feito porque cobrava muito caro o que ele fazia. Leonardo da Vinci pintava com requinte. mas em cores. Ele começava a fazer uma coisa e depois parava para fazer outra. Muitas pessoas o elogiavam por ser filósofo. Quase foi preso por causa disso. escultura. do século XX. por suas descobertas serem um pouco avançadas para a época. tudo perfeito. Ele queria saber mais e saber por que as coisas existiam. O ideal de Leonardo da Vinci era atingir a verdade por experiências objetivas.Vassari fala o seguinte: Leonardo tinha um ar tão imponente que só de vê-lo a tristeza desaparecia.: A conceito de “tom” só aparece no Renascimento após a invenção da tinta à óleo pelos irmãos Van Eykes. Leonardo da Vinci consegue ser o Mestre da pintura com apenas 8 telas. Inventou um órgão movido à água. etc. fazia muitos esboços. vias elevadas. Só que muitas vezes ele não terminava a obra porque tinha muitos outros projetos na cabeça. Com Verocchio ele aprendeu tudo na pintura. Ele queria estudar anatomia para poder pintar melhor. cientista. Tinha uma mente extremamente cientista. Antes do Renascimento não se falava em “tons”. o escafandro. que está no Vaticano. O que significava uma antecipação da teoria de Copérnico que diz que “a Terra é que gira ao redor do Sol”. eles o matariam. Leonardo dissecou mais de 30 cadáveres. era desenhado. A “Adoração dos Reis Magos “. artista. Em todos os escritos aparece sempre um dizer “o sol não se move”.

ele não vai terminar nem os olhos e nem a boca. Esse estudo era para ele saber passar aquele “espanto” e todas as expressões somente através dos gestos. As duas são de Leonardo da Vinci. Leonardo da Vinci pintou sozinho. parecendo sobrenatural. Ele pediu que o seu auxiliar a terminasse. Existem duas obras da “Virgem do Rochedo”. o ombro parece estar mais alto. isto é. portanto uma obra em aberto. 48 . não terminada. Leonardo leva consigo quase todas as suas obras. Descobriram que a obra que está no Louvre.20 m. Quando você olha o lado esquerdo. Leonardo da Vinci descobre a técnica do “SFUMATO”. A obra que se encontra em Londres. Os cantos dos olhos e da boca são esfumaçados. você é que vai terminar a obra. de altura. A cena é sobre Jesus que estava falando: “Um entre vós me trairás”. Freud estudou muito sobre Leonardo da Vinci. O horizonte do lado esquerdo parece estar mais baixo que o direito. Dentro de suas pesquisas tudo é baseado no animismo. inclusive a Monalisa. onde a única pessoa que está calma é Jesus. Saía no temporal para ver como aconteciam os relâmpagos. “Jesus” vai estar no centro do quadro. os vegetais. Se for bem observada a obra. por ser Renascentista.Uma de suas obras muito importante é “A Virgem dos Rochedos”. Cada um dos apóstolos tem uma expressão muito forte. onde ele vai usar muito claro-escuro. Antes de pintar essa obra. outra hora parece estar triste. Começou a pintar cada vez menos. Leonardo falava que tudo para ele tinha alma. como o metal.. Fazia também muitas outras experiências. que parece estar mais solto. Tem uma intenção muito dramática. ele estava doente e com dificuldade de articulação nas mãos (quase todos os pintores tem problemas de articulação).C. Ele é ainda muito pesquisado pois estava muito à frente de sua época. Na obra “Virgem dos Rochedos”. A OBRA GIOCONDA: A Monalisa é como se fosse um ser vivo. de pergunta. . Durante séculos as pessoas ficaram se questionando qual era a verdadeira. sem contorno definido. Tudo que é natureza tem alma. Não está muito claro porque Leonardo da Vinci foi viver os últimos anos de sua vida no Castelo na cidade de Amboise. O que é Sfumato? É coisa indistinta. uma se encontra no Louvre e outra na National Galery de Londres. indignação. Leonardo começou a pintar quando foi chamado para ir à Milão e teve que interrompê-la. O rei Francisco I vai sempre visitá-lo. No final de sua vida. A obra “Última Ceia” tem 9 metros de largura por 4. em Clos Lucé. Uma hora ela parece sorrir. Leonardo da Vinci estudou muito como os surdos e mudos se comunicam através dos gestos. mais ereto do que o ombro do lado direito. Anima é alma. Ela tem um sorriso muito enigmático. Levou 3 anos para ser feita. Ela parece mudar toda vez que você a olha. o que é proposital para dar o movimento aos ombros. de dúvida. ele falava que os rochedos tinham alma. etc. O fundo do quadro é completamente impressionista. a linha de fundo da direita está em diferente altura da linha da esquerda. O rei francês Francisco I admirava muito Leonardo da Vinci. já em 1500 D.

no Louvre. No dia 2 de Maio o Rei Francisco I vai visitá-lo ao saber que ele não estava passando bem. A partir do vôo dos pássaros.: Muitos desenhos de Leonardo da Vinci podem ser encontrados no Castelo de Windsor. Inventou o compasso de proporção. está no Museu de Hermitage. Virgem dos Rochedos. nem dos seus alunos. metralhadoras. está no Museu de Vaticano. (deve ter 1. etc. Maria e o Menino Jesus. vários desenhos de como ele fazia a geometria (explicando tudo o que aprendeu de geometria através de suas pesquisas). Fechou os olhos e morreu. Entre esses desenhos que ele deixou para Francisco Melzi tem o “Código de Urbino”. Obras autênticas de Leonardo da Vinci: Monalisa. inacabado. no Louvre (ao lado da Monalisa) Anunciação. no Louvre Madona Benois. Estudou. barcos para a guerra. 49 . Eles eram muito amigos. na física. Estudava qual a melhor forma de abordar um barco grande através de um pequeno. perfuratrizes. É um afresco que está muito deteriorado. Obs. São Jerônimo. Dizem que ele tinha caso com Leonardo da Vinci. os efeitos do atrito e sobre as condições de equilíbrio num campo inclinado.Ele fala que não quer receber visita de ninguém. Quer ficar isolado. No campo da física ele trabalhou muito sobre a dinâmica e baseou seus estudos na leitura de Aristóteles. Louvre (Paris) e National Gallery de Londres. no Louvre em Paris Esboço de “Sant’Ana e a Virgem” que é um desenho que está no National Gallery. Adoração dos Magos. helicóptero e pára-quedas. determinou os princípios para a construção de um aparelho mais pesado que o ar e capaz de voar aproveitando a força do vento: asa-delta. Leonardo recebe o rei (jovem) que ao se aproximar dele e sustentando a sua cabeça em seus braços. está em um refeitório de uma Igreja em Milão. São João Batista.80 m (+/-) A Última Ceia. Ele tem um discípulo chamado Francisco Melzi que herdou de Leonardo quase todos os desenhos. e assim enunciou 2 teoremas fantásticos sobre a geometria. Ele ficou com 1200 desenhos e que isso era a terça parte da produção de Leonardo. sobre a formulação de teorias sobre o centro de gravidade dos sólidos. “Código de Atlantis”. na Inglaterra. Esta está muito ruim pois Leonardo da Vinci não se preocupou com o tipo de tinta que usou. estudos e anotações de Leonardo da Vinci. em Londres. Inventou máquinas hidráulicas para limpeza e drenagem de rios e canais. Leningrado ( ex-Rússia). planador. carros de combate. Já fizeram até galinheiro nesse refeitório. Deitado na cama. Inventou máquinas de afiar. Ganhou muito dinheiro com desenho de canhões. Sant’Ana. com várias pessoas ao seu redor. sobre a transformação de sólidos. sendo usado depois para elaborar a obra “Monalisa”. Leonardo vai dizer-lhe que não reconhecia honra maior do que morrer nos braços de um rei. Ele foi um grande projetista militar. National Gallery de Washington.

As obras que escaparam foram para a Espanha. Bosch cria a SEITA ADAMITA : “os irmãos dos espíritos livres”. Michelângelo era neurastênico. mas se ele nasceu em 1516 ele morreu em 1566. Ele nasceu na época do Renascimento. Só se sabe que ele nasceu onde seria hoje a Holanda (a cidade tinha o nome Bosch) e viveu 66 anos. ninguém sabe ao certo. aos 89 anos.. descobre ter uma afinidade muito grande com a Grécia e que ele era escultor da “figura humana”. pois foge completamente do estilo da arte Renascentista. Vai revolucionar no campo da pintura com a obra que faz para a “Capela Sixtina”. O seu trabalho na pintura. dissecar também para conhecer melhor e se aprofundar mais na figura humana. Era filho e neto de pintores. mas é considerado um grande Surrealista. Ele estava a 400 anos adiantados para sua época. A inquisição não o impediu porque os Reis o protegeram. Vai aprender todas as técnicas do ofício em desenho. luxúria. Ele não ficou muito satisfeito com o que aprendeu. Quando ele começa a estudá-las. levadas pelo Rei Felipe II. Foi escultor insuperável. Essa seita dizia que o homem tinha que fazer todos os pecados na Terra para ganhar o Céu. hipocondríaco.HYERONYMUS BOSCH Nasceu entre 1450 ou 1516. ira. As suas obras só vão ser destruídas pelos protestantes por volta de 1600 D. escultura e poesia é considerado do mesmo nível dos trabalhos de Leonardo da Vinci e Raphael. preguiça. Tinha uma inesgotável capacidade criadora. um gênio. É uma pintura sobre “o céu e o inferno”. 50 . Resolve. Dalí dizia que o grande “Papa” do surrealismo era Bosch.C. incrível como escultor. inveja. Uma dessas obras é a famosa “Os Sete Pecados Capitais”. Ele era 23 anos mais jovem que Leonardo da Vinci e viveu mais 45 anos após a sua morte. Ele já tinha uma idéia bem diferente de arte. Se Bosch nasceu em 1450 ele deve ter morrido em 1516. MICHELÂNGELO Nasceu em 1475 e morreu no dia 6 de março. Ele foi estudar com o grande mestre “Domênico Ghirlandaio”. Muitas de suas obras foram destruídas pelos protestantes em 1629. enfim. toda feita com incrustação em pedra. avareza. escultura. onde vai representar todos os pecados capitais: vaidade. Outra obra importante é a pintura do “Jardim das Delícias”. certinha). Com isso todo mundo queria se afiliar à Seita Adamita. pintura. Era também um grande poeta. gula. pois não gostava da arte renascentista (toda centralizada. em 1564. A sua pintura era muito diferenciada e misteriosa. Resolve estudar as esculturas gregas da antigüidade da coleção dos Médicis (os mecenas). sobre uma mesa redonda. Os três são considerados os maiores artistas do Renascimento. muito surrealista e muito simbolista. um dos maiores pintores e desenhistas de todos os tempos. não tanto como Leonardo da Vinci que dissecou 33 cadáveres. homossexual. Casou-se com uma órfã muito rica. feia e religiosa. grande pintor da época. da mesma forma como todos os pintores faziam na escola renascentista. masoquista.

estética. Michelângelo recebe um soco no nariz. Ao voltar o “Papa” fala que não vai mais querer que faça o túmulo. Estudou muito sobre Platão. Michelângelo era um homem feio. Vai pintar e esculpir com perfeição. não saberíamos o que eles iriam fazer. Teve um pai bastante violento. Vai ser um grande mestre da figura humana. Era um homem passional (brigava. Ao estudar com os Médicis. Sófocles. Foi aí que a cidade de Florença convidou Michelângelo e Leonardo da Vinci para pintarem o grande painel na Câmara dos Vereadores. na região de Florença. participando muito dos “Saraus Culturais” onde conversava sobre filosofia. Foi um estigma muito grande para um homem que gostava muito de beleza. Leonardo da Vinci também fez uma descrição comentando sobre esse episódio. que foram grandes escultores do classicismo. que estudava junto com ele. Com isso vai fazer esculturas e pinturas belíssimas de seres humanos para compensar a sua feiura. filósofos e dramaturgos gregos e também sobre os grandes mestres. Michelângelo fica muito desgostoso e decide não voltar mais à Roma. Existe uma cópia em Florença feita por Michelângelo. Sócrates. O pai de Michelângelo vai intervir pedindo ao “Papa” que fizesse alguma coisa para ajudar o seu filho que estava muito desmotivado. Tinha um temperamento muito irrequieto. Essa paixão. O “Papa” vai chamá-lo novamente em Roma e pede à Michelângelo que pinte uma Capela para 51 . Michelângelo tinha um amigo chamado Torrigliani. ele era um romântico. Sugestão: Assistir ao filme “Michelângelo” que tem nas locadoras de vídeo. Aos 30 anos já era conhecido como um dos grandes mestres da escultura. Infelizmente a obra nunca foi executada porque Leonardo da Vinci foi chamado em Milão fazer o projeto ‘’urbanístico” que não deu certo e Michelângelo foi chamado pelo Papa Júlio II em Roma para trabalhar lá. Sua uma família era aristocrática. Quando Michelângelo chegou em Roma. o Papa Júlio II pede à ele que fizesse o maior túmulo do mundo para quando ele morresse. Ele era tão bom ou talvez melhor do que os escultores gregos como Fídias (que fez o Parthenon) e Praxiteles. conseguindo recriá-la. baixo. Michelângelo insistiu tanto que conseguiu estudar arte.De repente a figura humana não tinha mais segredo para ele. No fundo. Vai ficar em Carrara para escolher as peças de mármore (estudando os veios) por mais ou menos 11 meses. que vai ficar quebrado e torto para o resto de sua vida. reclamava e ia a fundo com tudo) e solitário. vão ser muito fortes em sua pintura. ter um nariz torto e ficando muito feio. da pintura que ele ia executar com Leonardo da Vinci. fica muito amigo da família. temperamental e dizia que não tinha paciência com a mediocridade alheia. Ao se envolver em uma briga com esse seu amigo. etc. na casa dos Médicis. e o pai não admitia que o filho fosse artista. esse traço violento. Michelângelo pediu para ir até a cidade de Carrara (cidade dos mármores) porque iria fazer o túmulo todo em mármore. narigudo e muito triste. De outra forma. Não conseguiu se relacionar com ninguém por não se aceitar como era.

Fazia o desenho no chão e depois subia nos andaimes para desenhar tudo novamente lá em cima e pintar. nas paredes laterais. Essa obra vai ficar incompleta. Vai ser encontrada muita obra incompleta dele nos Museus do Louvre. escrevendo. Vai colocar imagens de profetas. tinha pena de estragar o mármore da obra que estava esculpindo quando encontrava um veio bonito. em nicho. deixando o observador na dúvida. É como se fosse “tromp’oleil”. discutindo. É praticamente impossível um ser humano fazer o que ele fez em apenas 4 anos. Ele pintava as moças com corpo de homem. São episódios que vão desde a criação do homem. Galeria Ufizi (em Florença). etc. O “Juízo Final” é uma visão terrível do fim do mundo. os “doze apóstolos”. Ao terminá-la. não tendo coragem de eliminá-lo. etc. Tentaram saber se era alegoria o que ele pintava porque ele fugia muito da história que existia na Bíblia. o Papa vai pedir de novo para ele fazer o túmulo. pelo grande artista que era. E. Pegava outro bloco e começava outra obra. vai parar a obra para não estragar a natureza. 52 . lendo. Pintou todas essas figuras de homens e mulheres como se fossem pessoas comuns e não “santos”. Ele deitava e passava dias assim. dos dois lados. Vai pintar no teto da Capela Sixtina. Ele fez muitas outras obras incompletas porque. que em sua homenagem recebeu o nome “Capela Sixtina”. Era o que tinha sobrado de parede sem pintura. Ele não conhecia muito bem o corpo feminino. A Capela Sixtina já era decorada. alternando isso com Sibilas (são as moças muito bonitas que ele faz). baseados no Antigo Testamento. Quando ele termina Moisés o Papa Júlio II morre e o túmulo não fica terminado. Michelângelo brigava muito com o “Papa” e seu pai vai pedir à ele que tivesse muita paciência com o seu filho.ele. o dilúvio e a embriaguez de Noé. Michelângelo vai pintá-la já de uma forma bem diferente da pintura que fez no teto da Capela. Michelângelo aceita pintar somente o teto. ele volta para pintar o fundo da Capela com a obra “O Juízo Final”. Essa Capela tinha sido mandada fazer pelo papa “Sixto IV”. volta com o mármore e começa a fazer a figura de Moisés. Você vai observar “Cristo” irado e “Nossa Senhora” se escondendo atrás Dele. mas que durante o trabalho vai brigar com todos eles ficando sozinho para continuar. O papa pede que ele pinte o teto e o fundo da Capela. conversando. em diversas atitudes. Michelângelo vai então à Carrara. Essa obra foi iniciada em 1508 e terminada em 1512. Chegaram à conclusão que criava muita coisa apenas para preencher o espaço vazio que existia. Trinta anos após terminar o teto da Capela Sixtina. Teve muitos ajudantes. com músculos desenvolvidos e cabeça de mulher. como se fosse a própria arquitetura. O esforço físico para ele fazer a obra era incrível. É uma forma quase expressionista de pintar. pelos grandes pintores Boticelli. Guirlandaio e Perugino. Michelângelo respondeu: ”Mas eu sou escultor e não pintor”.

as figuras da pintura de Michelângelo na Capela Sixtina foram todas vestidas a pedido dele. Obs. Ele só fez a pintura da Capela Sixtina. que era um Papa muito chato. e uma obra que está na Galeria de Ufizi em Florença. As outras “Pietà”. o resto da Basílica é de estilo Barroco. A “Pietà” se encontra embaixo dessa Cúpula (onde tem uma clarabóia). Chamavam-no de “Divino”. Sua grande obra. A primeira escultura “Pietà”. Michelângelo era muito religioso e apesar dele cobrar muito caro o seu trabalho vai fazer esse projeto sem cobrar um tostão.: Todas as esculturas do lado de fora da Basílica foram feitas pelo Bernini. vai fazer com menos de 25 anos. pediram para tirar as roupas novamente. que ocupou toda a sua velhice. Ele desenhou e projetou a Cúpula. Disse que essa obra ele a fez “À Serviço de Deus porque era um presente dele para Deus e de Deus para ele”. na época do Barroco. 53 . Depois em 1559. já um grande mestre. O final de sua vida ele vai ser muito expressionista. distorcendo um pouco as formas. algumas esculturas. em vida.O teto da Capela é feito em estilo mais acadêmico e o fundo dela de um estilo mais expressionista. Somente a Cúpula será de estilo Renascentista. Entre 1555 e 1559 no Pontificado de Paulo IV. e esta foi executada por outros. Era considerado. vai ser a grande Cúpula na Basílica de São Pedro. são completamente expressionistas.

coros com escadas em espiral. com a cúpula principal sobre o transepto. deixando de lado as de plano centralizado. saqueia e destrói Roma. Os grandes impérios começam a se formar. · Guirlandas de frutas e flores. produzem uma atmosfera de rara singularidade. extrapolando assim as rígidas linhas dos cânones clássicos. Reinam a desolação e a incerteza. essa arte acabaria cultivada em todas as grandes cidades européias. lembrando uma exuberante selva de pedra que confunde a vista. do ano de 1520 até por volta de 1610. iluminadas apenas de ângulos diferentes. Uma de suas fontes principais de inspiração é o espírito religioso reinante na Europa nesse momento. Pintores. e o homem já não é a principal e única medida do universo. depois de derrotar as tropas do sumo pontífice. conchas e volutas cobrem muros e altares. propriamente dito. Uma evidente tendência para a estilização exagerada e um capricho nos detalhes começa a ser sua marca. que na maior parte das vezes não levam a lugar nenhum. Mais adiante. Principais características: Nas igrejas: · Naves escuras. arquitetos e escultores são impelidos a deixar Roma com destino a outras cidades. O certo. Não só a Igreja. mas agora com um espírito totalmente diferente. sem dúvida. em italiano. com espaços mais longos do que largos. Os artistas se vêem obrigados a partir em busca de elementos que lhes permitam renovar e desenvolver todas as habilidades e técnicas adquiridas durante o renascimento. é que o maneirismo é uma conseqüência de um renascimento clássico que entra em decadência. enquanto outros preferem vê-lo como um estilo. espirais e proporções estranhas. Alguns historiadores o consideram uma transição entre o renascimento e o barroco. Caracóis. um movimento artístico afastado conscientemente do modelo da antiguidade clássica: o maneirismo (maniera. Carlos V. pode-se dizer que as verdadeiras mudanças que este novo estilo introduz refletem-se não somente na construção em si. mas também na distribuição da luz e na decoração. mas toda a Europa estava dividida após a Reforma de Lutero. significa maneira).MANEIRISMO Paralelamente ao renascimento clássico. que são. criam uma arte de labirintos. Valendo-se dos mesmos elementos do renascimento. típicas do renascimento clássico. ARQUITETURA A arquitetura maneirista dá prioridade à construção de igrejas de plano longitudinal. No entanto. porém. a marca inconfundível do estilo maneirista. balaustradas povoadas de figuras caprichosas são a decoração mais característica desse estilo. desenvolve-se em Roma. 54 .

além de fazer um resumo da arte renascentista. PALLADIO. Vasari é conhecido por sua obra literária Le Vite (As Vidas). conseguiu realizar uma de suas únicas obras significativas: os afrescos do palácio Cornaro. Sob a proteção de Aretino. (1511-1592). o palácio dos Mantova.Nos ricos palácios e casas de campo: · Formas convexas que permitem o contraste entre luz e sombra prevalecem sobre o quadrado disciplinado do renascimento. (1511-1574). cujo caráter é rigorosamente clássico e no qual a clareza de linhas e a harmonia das proporções preponderam sobre o decorativo. GIORGIO VASARI. dedicado à arquitetura. com base nos quais planejou uma cidade ideal. Vasari também trabalhou em colaboração com Michelangelo em Roma. · A decoração de interiores ricamente adornada e os afrescos das abóbadas coroam esse caprichoso e refinado estilo. que. Suas biografias. sem deixar de fazer comentários mal-intencionados e elogios exagerados. Principais Artistas: BARTOLOMEO AMMANATI . (1508-1580). publicadas em 1550. que proibiam o nu nas obras de arte. na década de 30. na qual. a fonte da Piazza della Signoria. Somente dez anos depois iria se dedicar à arquitetura sacra em Veneza. Passou os últimos dias de sua vida em Florença. mais do que marcar a transição entre duas épocas. reduzido a uma expressão mínima. tais como: a construção do túmulo do conde de Montefeltro. fizeram tanto sucesso que se seguiram várias edições. com a construção das igrejas San Giorgio Maggiore e Il Redentore. legou a eles todos os seus bens. O interesse que tinha pelas teorias de Vitrúvio se reflete na totalidade de sua obra arquitetônica. apresenta um relato às vezes pouco fiel. A obra de Palladio foi uma referência obrigatória para os arquitetos ingleses e franceses do barroco. expressa a necessidade de renovação. De acordo com os preceitos dos jesuítas. 55 . mas muito interessante sobre os grandes artistas da época. no entanto. Autor de vários projetos arquitetônicos por toda a Itália. Não se pode dizer que Palladio tenha sido um arquiteto tipicamente maneirista. é um dos mais importantes desse período. a villa na Porta del Popolo. Seu interesse pela arquitetura o levou a estudar os tratados de Alberti e Brunelleschi.

O Sonho de Filipe II e O Martírio de São Maurício. não sem certa dificuldade. no ano de 1567 emigrou para Veneza. onde trabalhou praticamente com exclusividade para a corte de Filipe II. · Nos corpos. em Cândia. Principal Artista: EL GRECO. Homem com a Mão no Peito. · A luz se detém sobre objetos e figuras. São os pintores da segunda década do século XV que. com quem realizou algumas obras. completamente irreais.PINTURA É na pintura que o espírito maneirista se manifesta em primeiro lugar. onde o olho atento deve. acredita-se que começou como pintor de ícones no convento de Santa Catarina. Esta última lhe custou a expulsão da corte. encontrá-lo. · mas em algum ponto da arquitetura. onde começou a trabalhar no ateliê de Ticiano. · Os verdadeiros protagonistas do quadro já não se posicionam no centro da perspectiva. Depois de alguns anos de permanência em Madri ele se estabeleceu na cidade de Toledo. e uma atmosfera de tensão permanente. a meio caminho entre o retrato e a espiritualidade mística. Entre suas obras mais importantes estão O Enterro do Conde de Orgaz. O resultado é a formação de planos paralelos. as formas esguias e alongadas substituem os membros bem-torneados do renascimento. produzindo sombras inadmissíveis. De acordo com documentos existentes. criam esse novo estilo. Os músculos fazem agora contorsões absolutamente impróprias para os seres humanos. procurando deformar uma realidade que já não os satisfaz e tentando revalorizar a arte pela própria arte. Na verdade. de um drapeado minucioso e cores brilhantes. Nascido em Creta. (1541-1614). 56 . afastados dos cânones renascentistas. sua obra não foi totalmente compreendida por seus contemporâneos. Ao fundir as formas iconográficas bizantinas com o desenho e o colorido da pintura veneziana e a religiosidade espanhola. para os conventos locais e para a nobreza toledana. Principais características : · Composição em que uma multidão de figuras se comprime em espaços arquitetônicos reduzidos. · Rostos melancólicos e misteriosos surgem entre as vestes.

é gosto também. o "Rei Sol". dão a impressão de levar ao infinito. O Barroco atingiu o auge com Luís XIV na França. ou melhor. Os católicos tinham uma preocupação maior com o esplendor mundano. O dourado e o espelho também vão ser muito importantes no Barroco. 57 . A arquitetura pintada vai ser muito usada. Não era assim no Renascimento. O Barroco é mais que um estilo de arquitetura. Ela tem esculturas Barrocas e. emoções. Ele é movimento. A pintura Barroca é muito teatral. pintura de uma cortina na parede que não existe. do homem primitivo. no centro. Vamos ver muitos efeitos luminosos como os de: Rubens. O Barroco surgiu para combater a reforma religiosa. A Piazza Navona. Essa pintura é chamada de TROMP'OLEIL (engana olho). um obelisco egípcio. O Barroco apela muito para sensações. Ex. mais do que com a fé religiosa. econômicos e sociais. É muito movimentada e dinâmica. Estilos da época do Barroco: Igreja . novidade. Vão pegar um pouco do renascimento. Versailles é o protótipo do jardim à francesa. A composição Barroca tem sempre linhas inclinadas.catedral Palácio da cidade Palácio do campo Vai surgir nessa época a preocupação com o urbanismo. Jardins à francesa. Ela é também descentralizada. bem comportado. A cenografia é muito forte. Vai mostrar o espírito da contra reforma e reforma que vai acontecer na igreja católica. para os sentidos. Velásquez. No Barroco vai haver uma fusão de diferentes estilos da arte. Central. "Eu sou o Poder". Você olha e pensa que está vendo uma coisa que na realidade não existe. Surgiu bem no auge do Renascimento que era muito racional. fantasias. Como estilo ele é ambíguo. etc. É um movimento muito forte.BARROCO O Barroco é um estilo muito ligado a acontecimentos históricos. uma audaciosa mistura de estilos. Vai aparecer no mundo todo. na Itália. Em todos os países as igrejas vão ter salões pintados com cenas arquitetônicas que levam ao infinito. ansioso. Começou em Roma e espalhou-se por toda a Europa indo depois para a América. Temos a música e o teatro Barroco. Procuram fazer as ruas de forma a irem todas de encontro com a Igreja. Caravaggio. É uma atitude de encarar a vida. religiosos. O jardim é fundamental. As Igrejas Barrocas tem sempre escadarias. A luz é fundamental (contrastes da luz). Ex. Barroco é fazer a arte dos jardins. ficando muito bem na América do Sul. Vai ser o estilo do Barroco. No Barroco a escada é muito importante porque elas dão movimento. A arte Barroca não pode ser chamada de arte do absolutismo porque ela não é só do absolutismo. enfim. Tem também muita água e muita luz. mais que uma pintura. encarar a arte.

A arte Barroca é afetiva e grandiosa. Eles seguem uma disciplina muito rígida. que significa pérola torta. Os jesuítas se tornaram uma arma eficaz para a igreja católica conseguindo trazer muitos fiéis de volta. sua obridade e autoridade apelarando para um caráter afetivo e grandioso no estilo. É tão grandiosa que pertence a humanidade.O Barroco não é clássico. O Barroco é afetuoso. grandioso e envolvente. é muito grandiosa. que mostrar sua supremacia. fez parte do classicismo. com suas fontes. um grupo de homens piedosos (católicos) fundaram a congregação do oratório que iam purificar a igreja. Ela é afetiva e puxa você para ela. O Mosteiro de São Bento em Olinda onde você vê as palmeiras é aconchegante e lembra cenas de casa. o dourado. mas nunca poderia ser sua. A igreja Barroca de Ouro Preto já faz parte do dia-a-dia da sua vida. podendo fazer parte do seu ser. A igreja tinha que se renovar. A Igreja Gótica. Vai começar aparecer esse nome em Roma. Vai aparecer também a ordem dos jesuítas em 1540 (Ignácio de Loyola). Esses homens é que vão se converter mais tarde e fazer a inquisição. Nunca poderíamos ter uma catedral gótica porque em 1100 o Brasil não tinha nem sido descoberto. Isso acontece em Roma. Esse movimento desenvolveu-se rapidamente e esses homens resolveram que era muito importante criar um novo estilo de pintura para trazer de volta os fiéis que tinham abandonado a igreja. Central e Sul. A escultura Barroca é dinâmica e a Gótica estática. muito militar. Artistas mais importantes do Barroco: Caravaggio Rubens (tinha 150 ajudantes em sua oficina de arte) Rembrandt Velásquez Cannaletto Jeorges de La Tour (pintor francês que usava muito a vela como recurso do claro-escuro) Jean Vermeer (holandês) Van Dick Vateaux Reinolds (inglês) Thomás Garburn (inglês) Goya (teve uma fase Barrôca). porque aconteceu em 1400.começa acadêmico. barroco e depois expressionista Tiepolo No pontificado do Leão X (tem seu retrato pintado por Rafael). mas é muito ambíguo. escadas (subidas e descidas). Não é fria e nunca deixa você distante. ela iria trazer de volta os fiéis. Os jesuítas irão depois para a América do Sul e levarão o Barroco para lá. 58 . ela tem muito coisa próxima a você. O nome Barroco vem do nome Barrueco. Tinham muita disciplina e conseguiram trazer os hereges de volta. No Brasil só existe o estilo Barroco. Quando se entra em uma igreja Barroca você sente aquela sensação intimista. pois inquisição já existia. Uma obra Barroca é fantástica com seus contrastes de luz (claro. como a Notre Dame de Paris. Renascentista também não. Sendo assim. escuro). A igreja e o estilo Barroco vem junto para as Américas: do Norte.

Existia uma concentração de poder muito grande com Luís XIV. jardim pavilhão de caça. Aleijadinho é o maior artista barroco mineiro. Barroco na França está muito ligado a ARISTOCRACIA. o grande canal e toda a panorâmica de Veneza. A época clássica da arte francesa é a época de Luís XIV. Luís XIV ficou conhecido no mundo inteiro até hoje através de Versailles. reorganizou a França e deixou as Bases do Poder Absolutista para Luís XIV.Temos uma ligação muito forte com o Barroco de Lisboa. o Deus sou Eu". Ele se torna um pouco cansativo por pintar muito os canais de Veneza. A época de Luís XIV é fantástica onde aparecerão apenas 2 grandes pintores: Nicolas Poussin Claude Lorrain Nessa época a vida era totalmente subordinada ao fausto e a majestade dele. Escolheu um lugar. Chamou o arquiteto Bernini. O Barroco é a busca da fé pela emoção dos sentidos. bem quadradinhas com o telhado em forma de ponta. Ficou muito conhecido pelos turistas que queriam levar retratos de Veneza. Ele era muito forte "O estado sou Eu. A Igreja foi o primeiro cliente dos arquitetos. e na Itália está ligado a IGREJA. Como eles não tinham distração procuravam fazer espetáculos através do estilo barroco. O objetivo essencial da arte é provocar o fervor das multidões. Sóbria é uma obra clássica. Fazem pintura na abóbada da igreja como se ela fosse aberta para o céu (Tromp’Oleil). Vai pintar o Palácio dos Dodges. O termo "clássico" é usado para obras que suportam a passagem do tempo. de Roma. Em 1599 Henrique II teve 3 filhos. a arquitetura francesa era muito pobre. escultores e pintores do século XVIII. embora ela seja Barroca. ou ainda . morrendo em 1715. ou para obras influenciadas pela antigüidade. BARROCO NA FRANÇA O Barroco foi um movimento muito forte na época de Luís XIV. sobriedade e reserva. vai ter todos esses significados e mais a emoção do Barroco. Outro projeto que também não deu certo foi o do Louvre e suas modificações. A arquitetura era feita de tijolos e pedras. Ele subiu ao trono em 1643 bem criança e só começou a reinar em 1660. os quais foram incapazes de manter a unidade do país (França). A arte vai então tender para o espetáculo. Na época do Henrique IV. Vai ser muito fiel à sociedade de sua época pintando os carnavais. É em Minas Gerais que ocorre o Barroco mais forte no Brasil. para depois trazer a capital da França de Paris para Versailles. Um dos principais pintores Barrocos de Veneza foi Canaletto que nasceu em 1697 e morreu em 1768. para ir a Paris e fazer o projeto do palácio que não deu certo. ele terminou com as lutas. As casas são só de tijolinhos. Veneza também foi um grande local de arte Barroca. Daí com a chegada de Henrique IV. Ele sempre dizia "o poder sou eu". Ao se aplicar o termo "clássico" ao estilo Luís XIV. 59 . Mandou fazer um palácio. os espetáculos. Ele era totalmente absolutista. Ele modelou a civilização francesa à sua imagem. tanto que seu nome ficou conhecido como Canaletto. etc. O século XVII vai conhecer o seu apogeu com o Luís XIV.

As estátuas do lado de fora do palácio são imitações da antigüidade. Não surge nenhum grande escultor. espartilhos. A comida era muito importante e feita como se fosse uma arte. Como não havia banheiro. A mulher na época do Rei Luís XIV e Luís XV vai ser muito delicada e requintada. Vão aparecer festas de “Petit Comittee” em Versailles. No grande salão. os que estavam próximos à ele. A aristocracia. A peruca surge na Ópera em Paris. O Filme "Ligações perigosas" mostra esses rituais. Quanto mais suja a toalha mais cara era. Como na ópera as perucas eram prateadas. o rei e a rainha iam para o mato e se limpavam com toalhinhas que eram vendidas para a corte. na tapeçaria. brancas e douradas. as rendas nas roupas. Depois os desfiles de perucas (vindos de Paris). Começam os desfiles de moda na França. Surge a langerie da mulher. Não tinha banheiro. houve uma peste onde morreu muita gente. A galeria dos espelhos e os belíssimos jardins assumem grande importância. No Barroco vai aparecer a lavanda. Queria que todos esperassem ele passar quando fosse para a igreja com a família. e ditava o menu para a semana toda. as pessoas comiam com as mãos. Existia uma escala onde as pessoas tomavam banho de 6 em 6 meses. vão receber os grandes convidados de Luís XIV. como se o seio fosse pular para fora do decote. Não tem nenhuma criatividade. Os decotes eram generosos e a lingerie levantava o busto. Tudo é imitação de Roma e Grécia. Foi um acontecimento muito para frente. Surge também o perfume. não tinha faca. Foram morar em Versailles com 11. Todos tinham que acordar e deitar quando ele queria. eles passam também a usá-las em Versailles. calças. sendo importante por causa do problema do banho. A mulher vai ser muito importante e muito fútil. Antes do Barroco. tinham que aceitar o que ele determinava. A arte vai se desenvolver na arquitetura. Eles acharam que foi devido a água resultando um medo grande até hoje e consequentemente ao banho também. os espelhos são importantes nessa época sendo usados nas casas no mundo inteiro. 60 . fingindo não tomar conhecimento. Não vai ter grandes pintores. Foi feito um desfile de espartilho na corte. o que foi considerado um escândalo na época. Vai surgir o servir à francesa. o guardanapo.A planta inteira de Versailles se concentra no quarto dele. Versailles começa a ditar a moda. Só se comia o que ele gostava. sapatos. Todos queriam espelhos pela casa como os de Versailles. de vanguarda. Um pouco antes na época de Henrique IV. Os desfiles passam a ser importantes. Os escravos passavam uma esponja úmida no corpo deles à noite. Os nobres desfilavam com essas toalhas ostentadas sobre os ombros. Eles usavam pó de arroz por todo o corpo para ficar bem brancos. no imobiliário. Resolve depois receber só para os almoços aos domingos. Obs. Luís XIV deixou que o desfile acontecesse. O "se mostrar".000 pessoas. E à noite isso era retirado com esponja úmida. Eles trocavam muito de roupa. todos queriam ter um “Versailles”. menu.

Muito requinte. Não apareciam nunca para ninguém sem estarem pintados. usava formas lineares. com a figura centralizada. O Barroco vai desde o século XVI. vestidos e sem peruca. rígidas e bem definidas. fazia um regime de engorda. O pensamento ou conteúdo é poético. Fizeram muitas tapeçarias lindíssimas. que vai ser também muito importante nessa época. denso. Todo mundo aprendia a bordar. Por sua vez a Holanda cresceu tanto que as perspectivas econômicas eram grandes. BARRUECO= vem do espanhol que significa uma pérola com reentrâncias. Tinha conteúdo espiritual. no auge do Renascimento. Tanto os móveis como a tapeçaria são assimétricas. A mulher com 25 anos já era considerada madura. Ter um quadro nu em casa também era muito importante para ser contemplado. O ideal de peso para a mulher era 75 quilos. Os espanhóis depois perderam muito. Para organizar o poder realizou-se a contra-reforma. nunca simétricas (uma forma de identificar o estilo Barroco). e o rosto branco (o carmim que era o rouge). As mulheres tinham um hábito de se pintar que era quase uma paixão. e até porcelanas para enfeitar os móveis. Até a libertinagem deles era galante. nunca ordinária. madrepérolas. Isso refletiu na arte onde irão pintar muito o “nu”. Era violenta a troca de marido. nas porcelanas e antecamas. O nu passou a ser visto também no gobelain. Ela tinha que ter muito leite. O Rococó na Europa é o Barroco no Brasil. Vão acontecer muitos espetáculos com máscaras. nunca vulgar. Na Arte Barroca existe muita liberdade com muitas curvas e diagonais. Foi uma época licenciosa. Vão pintar muita porcelana. A Arte Clássica que é anterior ao Renascimento. Antes dessa idade elas tinham que ser muito magras. Rococó é o excesso do Barroco. inclusive a Holanda. Ex. Tem que ter emoção e sensação. Vão fazer muito "quadro vivo". irregular. O sujeito é subjetivo. Quando ela encontrava um pretendente. São extravagantes. E para isso precisavam de lacaios para ajudar (de 6 a 8). Ninguém aparecia sem pintar os lábios.: Colocavam uma música de fundo e pessoas imitando um quadro de Velásquez ou Rembrandt. e chega ao seu apogeu no século XVII finalizando no século XVIII com o nome de Rococó. BAROS= vem do grego e significa pesado. Com a revolta de Lutero. Era como se fosse um "Spa" para engordar. namorado (eles não tinham o que fazer). O pensamento na época era científico e objetivo.Tinham liberdade muito grande. a ordem dos Jesuítas em 1534 com Ignácio de Loyola. Houve um naufrágio daquela invencível armada. Foi tornando-se extremamente 61 . Vão usar incrustações de todas as espécies nos móveis de madeira como laca. conforme estudo feito em “Estética da Arte”. na reforma protestante. peças de teatro de amadores (em Versailles). O homem queria sentir a "carne" da mulher. É uma arte que engloba outra série de estilos. O ideal de beleza da época era moça gorda a partir dos 25 anos. a igreja católica teve que rever suas atitudes com o Conselho de Trento. braços e pernas enroscados. Foi na Espanha a época em que conquistaram quase o mundo todo. Sempre homens e mulheres com seios descobertos.

burguesa. A França, Áustria e Alemanha vão se tornar totalmente absolutistas. A ostentação toma conta da Europa. A França será o auge da ostentação com Luís XIV (rei-sol). Essa época vai ser marcada por sua dramaticidade e tragédia. A Igreja Católica irá dividir tudo entre o céu e o inferno. Nessa época vai haver muito medo do inferno. Eles chamam o homem para o igreja (o lado bom, o céu) através da arte espetaculosa, trágica, da emoção, sensação. Como naquela época não existia a mídia, essa era a sua forma de divulgação, o seu recurso. A própria arte trará de volta os hereges. Na Holanda, Bélgica e Espanha o Barroco vai atender muito bem os interesses da burguesia. PRINCIPAIS CARACTERÍSTICAS DO BARROCO: 1. Predomínio sempre do emocional sobre o racional.

2. Liberdade completa de criação no conteúdo, mais do que na forma. O artista se emancipa de qualquer regra ou padrão. 3. A inspiração é muitas vezes popular. Ex.: a representação da sagrada família é feita como se fosse uma família comum. É o oposto do renascimento onde a representação da santa é diferenciada, com raras exceções. 4. Dinamismo muito grande na composição com diagonal. verticais

5. A linha vertical vai dominar a linha horizontal. Vai haver muito mais linhas do que horizontais, além da diagonal. 6.

Existe uma fuga do geométrico. Nada é muito concentrado. Vai haver um entrelaçamento da arte, da escultura e arquitetura. Na Igreja barroca vai ter muita escultura na parte externa. No renascimento as Igrejas quase não apresentarão esculturas externas. 7. Valorização do entalhe na pedra e na madeira. As construções de altares e retábulos vão ser luxuosamente decorados com aplicações em ouro e muita policromia (muitas cores). Retábulo - é o que fica na frente do altar, feito de madeira toda trabalhada. É o que divide o altar do resto da igreja. Tripo-retábulo, abre e fecha para ser transportado. É para rezar. Como os escravos não podiam freqüentar a igreja, eles construíam o seus retábulos para rezar, transportando-o facilmente para suas casas. Os retábulos existem desde a época do bronze, com características diferentes. Volutas (origem grega). Quase todas as igrejas Barrocas tem volutas. . 62

8.

9.

A igreja Santa Maria Maggiore em Veneza tem 8 cúpulas ligadas a 8 grandes 10. Frontão. Existe também sempre um grande frontão ladeado por 2 torres.

volutas.

11. antes.

A pintura tem violentos contrastes de claro-escuro. Inovaram o espaço pictórico através do claro-escuro. Nunca ninguém fez isso em arte

12. Faziam tentativas de sugerir o infinito através de Tromp'Oleil (engana olho), com perspectiva e profundidade ilusórios. Tinha a função de aumentar ilusoriamente os espaços e conseguir o infinito. Os palácios pareciam imensos e redondos. Eles faziam pinturas nas quinas das paredes para dar a impressão de serem arredondadas. 13. Usavam muitas escadas, jogos de luz e muitas fontes. Tinham gosto pelo teatral. Era como se fosse um cenário.

O Barroco tem muito exagero, muito fausto, muita riqueza. Libera muita emoção na gente. O Barroco abraçou tantas ramificações artísticas que somente 200 anos atrás é que os historiadores chamaram esse acontecimento, no seu conjunto, de arte Barroca. Era uma mistura tão grande de estilo renascentista, egípcio, grego, etc, que ficou difícil definir na época o estilo Barroco. Temos os Barroco da Corte, das comunidades católicas e protestantes. O Barroco foi uma reforma na contra-reforma. Os países protestantes também a incorporaram por ter sido um movimento muito forte e bonito. O Barroco surgiu após a teoria de Copérnico que vai mudar para sempre o lugar do Homem no universo. A Terra, segundo Copérnico, é que se move ao redor do sol, não é mais o centro do universo. O Homem não é mais o único propósito da criação. O Barroco vai surgir nessa época com essa nova concepção, com novo sentimento de autorespeito, de orgulho. Isso tudo refletirá na arte ao saber que o Homem fazia parte de um mundo infinito, mostrando assim essas idéias através de luzes exageradas, impetuosas, em diagonal, como se realmente estivessem exprimindo o infinito. A História da arte mostra sempre o contexto do momento em que se está vivenciando. Ela abrange o campo científico, histórico, econômico e social. A época Barroca foi a de maior liberação do ver, do sentir e da intuição. A arte Barroca é a arte que passa a reconhecer que “A regra é apenas uma norma, jamais uma lei". Picasso séculos mais tarde disse: "Na arte não existe regra de beleza. Beleza é o que o instinto e o cérebro vai reconhecer como belo". 63

Fatos importantes que marcaram na época do Barroco A Inglaterra faz tratado de defesa com a Holanda em 1608 Em 1609- A Espanha reconhece a independência da Holanda. (A Espanha perde a Holanda). Em 1650- A Inglaterra importa chá da Índia, quebrando uma série de monopólios. Em 1656- começa a fabricação de meias (bem trabalhadas) em Paris. A Europa comprar meias só em Paris. Em 1626 a 1648- Acontece a guerra dos 30 anos que vai mudar muito a Europa. Em 1694- Estabelecimento do banco mais importante da Europa, o Banco da Inglaterra. Em 1675- surge o observatório de Greenwitch. Em 1678- vai ser reconhecido na França a profissão de cozinheiro-mor (tão importante como advogado). Depois cai a lei e retorna só em 1900. O cozinheiromor e confeiteiro-mor trabalham para o rei. Em 1679, na Inglaterra é criada a lei "ABIAS CORPUS" . BARROCO EM FLANDRES (Bélgica e Antuérpia) Pintura Flamenga é uma pintura de Flandres, jamais Espanhola. Na Bélgica se fala flamengo e francês. A pintura de Flandres vai ser muito importante no início do século XVII. O sul dos países baixos (Bélgica) continuava sobre o domínio Espanhol. É por esse fato que se usou o nome Flamengo, devido ao domínio espanhol que existia lá. Era o território mais rico dos espanhóis e que por ser espanhol continuava no seio da igreja católica. A pintura vai ser sobre a religião católica. A Aristocracia e a Igreja patrocinaram muito as artes e contribuíram muito para o surgimento do estilo Flamengo. Flandres recebeu muito bem o Barroco na pintura, menos na arquitetura. Os Flamengos viam no Barroco um pretexto para os ornamentos. Sendo assim, os edifícios na praça principal de Bruxelas é gótica na arquitetura, estrutura. Os ornamentos e a decoração externa é 64 passa a

Barroca. Para não demolir a estrutura, eles a deixavam por trás e enfeitavam com dourados e volutas na frente. As casas da Holanda também tem estrutura gótica e barroco nos ornamentos da frente. A arquitetura belga e holandesa é gótica e a decoração tanto externa como interna Barroca. BARROCO NA HOLANDA As províncias do norte dos países Baixos (Holanda), também tinham pintura Flamenga. Eram os países pobres da escola Flamenga. No século XVII os Holandeses eram protestantes quase não vai aparecendo pintura religiosa. É uma enorme mudança que ocorre na História da Arte. Rembrandt, por exemplo, sempre teve sua inspiração nas escrituras. Só que os temas que escolhia eram baseados no que ele via. Ele tinha que colocar o contexto das escrituras mas sempre no que ele via. O tema vai ter liberdade total. Vai pintar sobre as pessoas que convive no dia a dia. Caravaggio vai usar o "santo" enquanto que Rembrandt vai usar o homem do povo. Os Holandeses guerrearam contra a Espanha para não aceitar o catolicismo. Eles venceram e permaneceram protestantes. Eles tanto lutaram que ilustraram mais sobre essas guerras, combates do que a fé protestante. O tema da pintura Holandesa portanto será sobre essa guerra que participaram. Vermeer pintou muito também sobre a realidade do cotidiano. Jamais veremos uma pintura Holandesa com cenas mitológicas, cenas históricas ou abstratas (liberdade, fé). As pinturas de Rubens sobre a religião católica, idéias abstratas sobre a fé e liberdade, só foram feitas sob encomenda. O Holandês não vai pintar nada mitológico. Pintavam retratos das pessoas e tudo o que fazia parte da vida daquela pessoa na obra. Os burgueses viviam em casas confortáveis mas bem menores que as nossas. Não gostavam de viver em palácios. É por isso que não se encontra muitos palácios na Holanda. Não eram faustosos e a obra de arte tinha que ser pequena para caber nas casas em que viviam. Eram portanto pinturas pequenas que retratavam o cotidiano da época. A Holanda era um país próspero, o povo era muito trabalhador e tinha uma imensa indústria leiteira que abastecia toda a Europa. Sabiam construir muito bem barcos os quais eram vendidos e utilizados para navegar por todo o mundo. Tinham também monopólio do comércio das especiarias. Essas especiarias é que conservavam os gêneros alimentícios. Quando os navios faziam longas viagens a carne era conservada através desses condimentos. Era considerado fino ter um boi em casa conservado por condimentos. Rembrandt tem uma obra que mostra uma moça abrindo a porta e olhando para o boi pendurado. RESUMO: . Barroco na França - faustoso . Barroco na Itália - ligado ao catolicismo 65

Amsterdã também é igual. na praça do Mercado as casas tem frontões pontiagudos. com suas fontes. A galeria dos espelhos e o imenso pátio com esculturas que não eram famosas. na Itália. Igreja de Santa Maria da Saúde em Veneza. Praça de São Pedro e colunatas em frente a Basílica . em Milão.planta de Borromini em 1667 . próximo de Viena. é de 1630. frisos. lagos. Igreja de Santo André do Quirinau em Roma . Igreja de São Carlos Borromeu em Viena. A primeira igreja católica barroca foi construída em Roma e recebeu o nome "Il Gesú". Obs.Igreja "Il Gesú" construída entre 1568 até 1577. volutas. Holanda A grande praça em Bruxelas tem estrutura gótica e a decoração barroca. Palácio principal de Viena. É barroco mais tardio. na Espanha..Construídos entre 1656 a 1665. A Praça Maior em Salamanca. Igreja de São Carlos das 4 pontes . Obs. Capela dos inválidos em Paris . repleta de ouro. árvores em diagonal. escadarias. Igreja de São Lourenço em Turim.: A parte central da fachada nas Igrejas barrocas são sempre mais ricas que as laterais. Espanha Palácio Real de Madrid é interno e externamente barroco. Igreja de 4 andares. inclusive a decoração é quase Rococó. PRINCIPAIS OBRAS ARQUITETÔNICAS DO ESTILO BARROCO NA EUROPA E NA AMÉRICA: Itália Roma .na Bélgica (chamada de Veneza do Norte).: A arte Barroca Francesa é muito inspirada no classicismo. Igreja de Santo Inácio . colunas. frontão grego. Monastério de Melk. Petit Trianon. arcos. É cenográfica com sua ampla escadaria na frente. Brujes.Em 1645.construída por Bernini. Antigo colégio dos Jesuítas. Parece dourada. Palácio de Brera. à beira do Danúbio. escultor e arquiteto grego da época clássica. Vão ter colunas.Roma. Áustria. portais ricamente esculpidos no estilo barroco. na fachada tem frontões. construído em 1668.de 1680. 66 . Obs. França Versailles. Tem reentrâncias e muita forma côncavo-convexo. sua construção começou em 1717 e terminou em 1737. na arte de Fídeas. Roma.: A catedral de Milão é gótica e não barroca e a catedral de São Pedro é da época do renascimento. volutas.

Não soube quem era seu pai. É hoje considerado pela "estética da arte" como pintor naturalista. México Catedral do México City. BRASIL: Igreja de São Francisco de Salvador Ordem Terceira de Salvador Catedral de Belém Igreja do Rosário. No século XVIII Caravaggio "saiu de moda". com sífilis. mulheres e bebidas. Caravaggio praticamente fechou o ciclo dos pintores italianos não aparecendo depois nenhum outro pintor importante. em Olinda Convento e Igreja de Santo Antônio. Ex. Brigou com padres e bispos se indispondo com a igreja católica. Pintou muitas encomendas religiosas de uma forma nada convencional para a época. Não tinha o menor respeito pela beleza idealizada pois ela tinha que ser verdadeira. Ficou muito pobre e muito doente. Estudou muito sobre a Bíblia.: os apóstolos eram representados como trabalhadores comuns (o que eles realmente eram). É chamado pintor naturalista do estilo barroco. em Recife Igreja Nossa Senhora das Neves. Ele cobrava seus quadros muito caro e gastava fácil o dinheiro com presentes. Era como se os eventos sagrados acontecessem naquele momento. em João Pessoa Igreja e Mosteiro de São Bento. Tinha um temperamento muito impetuoso e mulherengo. Igreja da Companhia de Jesus em Cusco. Era pintado de forma muito real. em Vitória Igreja da Ordem Terceira do Carmo. trabalhadores braçais. Após seu falecimento. achavam que sua pintura era estranha e a sua fama só voltou no século XIX quando foi considerado um dos maiores pintores Barrocos.Portugal Santuário de Bom Jesus de Monte Braga. 67 . Igreja de São Domingos no México. Queria pintar a realidade tal como ele a via. porque pintava o natural e não o idealizado. apesar do seu estilo barroco. no Rio de Janeiro MICHELÂNGELO DE CARAVAGGIO Nasceu em Milão no ano de 1573 e morreu em 1610. Caravaggio foi muito briguento.

Era um homem interessante e se relacionava muito bem com os católicos e com os protestantes. Sua pintura era bem vigorosa. O rei da Inglaterra deu a ele o grau de cavalheiro "SIR". Fazia amizade com todos. Nasceu na Antuérpia. Com isso ele teve milhões de obras. etc. Tudo o que pintava era com perfeição. não muito cedo. Tinha mais encomenda do que podia dar conta. sensual.PETER PAUL RUBENS (1577/1640). Era arqueólogo. Ele não fazia anotações como Leonardo da Vinci e nem era diplomata como Rubens. Foi considerado o maior pintor holandês. roupagem. onde só formava pintores. Aprendeu logo a pintar e aos 23 anos em 1600 foi para Roma (paraíso dos pintores) onde ficou estudando por 8 anos. Fazia as mulheres bem arredondadas. Era especialista em fazer o tom de pele (carnação) que parecia verdadeira. É um dos maiores pintores da história da arte. Tinha muita facilidade com cores e com isso vai pintar muito bem o "nu". Sofreu influência no começo de sua carreira do pintor Michelângelo de Caravaggio. na universidade de Leyden. No primeiro casamento sua esposa morreu quando ele tinha 52 anos. Foi um homem muito feliz deixando também feliz todos os que viviam ao seu redor. Foi o protótipo do pintor barroco. Rubens pintava os palácios e as igrejas. não tendo nada de misticismo. Foi quase um diplomata. Foi morar em Amsterdã. decorativa e teatral. ele se pintava como se tivesse somente 30 anos. Era muito intelectual e mantinha correspondência em latim com todos os intelectuais da Europa. Abriu uma oficina de arte com 200 auxiliares. jóias. Durante sua vida artística sempre retratou a si mesmo por diversas vezes em várias épocas de sua vida. ainda em vida. Pintou muito e prosperou bastante. No segundo casamento sua esposa tinha somente 16 anos e foi uma paixão que durou até a sua morte. REMBRANDT VAN RIJN (1606-1669) Nasceu na cidade de Leyden (cidade das tulipas e da porcelana azul e branca). maltratada. Rubens casou-se 2 vezes. Era um homem iluminado. saúde e força. recebendo um belo dote. No Louvre ele tem uma sala só com seus quadros. Era muito mais sensual do que místico. jóias. Pintava o que era faustoso. cabelos. na Holanda. roupas. Bélgica. Chegou a colecionar obras de arte e até antigüidades. Ganhou muito dinheiro. 68 . As suas telas são cheias de vitalidade e reais. Cada um era encarregado de uma especialidade na pintura como. Ele fazia o desenho e depois terminava o quadro pintando o rosto e as mãos dando uma unidade geral da obra. com uma alegria muito grande de viver. como ele mesmo dizia. Casou-se com uma jovem muito rica e feia. etc. e passava isso para sua pintura. Era uma arte que estimulava a pompa e o esplendor dos palácios barrocos. Não fez nenhuma mulher magra. Teve fama em vida como nenhum pintor já tivera. Era como se fosse um cônsul belga. muito bonitas e cheias de vitalidade. Classe média bem situada. Começou a pintar. mas não tinha tempo para se dedicar. Comprou uma belíssima casa. Volta à Antuérpia com 30 anos. porisso ficava atualizado com as descobertas através das correspondências. Todos os quadros que ele pintou retratando os dois. Morreu rico.

Sua popularidade como pintor cai após a sua obra "Ronda da Noite". Barroco Protestante: Poussin. Cada aluno só pintava com uma cor. Todos esses artistas constituíram no Barroco uma tendência construtiva. tem o Vermeer na Holanda um companheiro. Pintou cenas de batalhas e voluntários da guerra. além dos seus alunos que pintavam como ele. O projeto de pesquisa Rembrandt chama-se PPR. Sistema de pintura de Rembrandt: Colocava primeiro todos os ocres. depois os marrons. Em 1982 foi publicado o primeiro volume sobre as obras de Rembrandt e se refere as obras do período de 1625 a 1631. o sofrimento. Vermeer teve pouquíssimas obras e não se sabe nada sobre sua vida. No final do trabalho ele integrava as cores e as pinceladas. Rembrandt tinha muitos alunos talentosos. Ele retrata a essência da pessoa. Obs. mais condizente com o puritanismo protestante ou com a mentalidade burguesa. a dor. É estabelecer o conjunto de obras autênticas dos artistas. o que causa muita polêmica hoje em dia em seus quadros. Rembrandt pintou muito retrato de grupo de pessoas. Perdendo o mercado e ficando pobre. tintas. Naquela época ele tinha muitos ajudantes para pintar suas obras. etc. Apareceram 600 obras de Rembrandt. Isso determinava aquela luminosidade. muito limpo e arrumado. É uma história de persuasão para “ganhar o paraíso ou padecer no inferno”. Fica tão pobre e doente que vai parar em um asilo. Foi descoberto 15 anos atrás que muitas obras de Ticciano e Raphael eram de seus alunos. por exemplo o ocre ou o marrom. Deixa de pintar para vender pincéis. A tinta à óleo utilizada era bem mais oleosa do que a de hoje. É um meio de propagação e ação. começa a namorar uma moça mais pobre ainda.: Ticciano e Raphael também assinavam as obras de seus alunos. Ele pinta seus auto-retratos como se fosse um ser humano bem real. As vezes ele assinava o quadro de seus alunos para que fosse vendido mais facilmente.Em 1642 morre sua esposa e fica viúvo com muito dinheiro. É por isso que encontramos hoje muitos quadros que não são realmente de Rembrandt. o calor humano. Foi um péssimo administrador e acabou logo com sua fortuna. Ele fazia o desenho antes e marcava onde ia ter os pontos de luz. Não importava em saber quais os personagens que iriam ficar no escuro. Naquela época todos pintavam igual ao mestre e hoje o objetivo é cada um ter que encontrar seu caminho na pintura. Na realidade seria muita obra pelo seu tempo de vida. Lembrete: Barroco Católico: A pintura torna-se instrumento para a Igreja. Já tem o volumes 2. os amarelos. Os personagens tinham importância de acordo com a luz. Buscou a ordem no interior. Não vai idealizar. Existe muito Rembrandt falsificado como o do MASP e o do Metropolitan. Os seus alunos pintavam igual à ele. no rigor de suas linhas retas. 69 . Vai pintar os olhos penetrantes e fundos e utiliza muito os tons de sépia.

XVII). não de tensão nos contrastes. Roma. lojas. (As missões) dos Jesuítas. quartos. em São Paulo. Barroco no Sul do Brasil: Com o ouro e a prata.A existência de tal grupo de artistas levou a reconsideração de toda uma linha interpretativa no Barroco. ao genes social do estilo. tavernas. Barroco no Campo: Vai ter outras expressões. O BARROCO. não proporcionou possibilidades de atividades artísticas. em São Roque (séc. traria seu sentido. O mesmo se dava em São Paulo. no tocante. em Embú. O barroco protestante é bem mais contido. Gente sedentária de pouca iniciativa. era melhor que o Barroco. Matriz de Santana do Parnaíba. o povoamento se concentrou em Curitiba (Paranaguá). OBRAS BARROCAS BRASILEIRAS: Algumas ruínas na igreja de São Miguel. Na arquitetura predominava o maneirismo. O nomadismo. porque vai ter muita ligação com Roma e Grécia. 70 . com efeito. Entre esses artistas. Capela de Iporanga. Barroco Clássico: É quando o Barroco mistura as artes da Grécia. que não as religiosas. gênio da musicalidade da luz. na França. Vão retratar a arquitetura do campo. É assim chamado de barroco clássico.: O Museu do Louvre é em parte barroco com suas colunas gregas. na Itália (Florença). incentivado pelo espirito bandeirístico. de um classicismo dentro do próprio barroco. Depois ele vai chegar ao excesso sendo chamado de "ROCOCÓ". século XVIII. sem excessos e perfeito. Egito. Vai ter uma conotação muito forte principalmente na arquitetura que vai ser muito clássica. Esse sim. Capela da Fazenda de Santo Antônio. Passou-se a considerar a existência de um barroco protestante e em seu aspecto genérico formal. em São Paulo. em São Paulo. Obs. é chamado pelos historiadores de "BARROCO CLÁSSICO". Nossa Senhora do Rosário. Ele vai surgir no auge do Renascimento. destaca-se Vermeer. bem mais sensual (como o de Vermeer) e bem mais contemplado. Matriz de São Miguel. Descobre o retrato dos camponeses e de suas vidas íntimas. mas de harmonia nos contrastes. Vão retratar cozinhas. Os historiadores achavam que o Renascimento por ser organizado.

Na Áustria e na Alemanha não chegou a ter o barroco clássico. O arco botante e contra forte utilizados nas igrejas barrocas não são para dar auxílio a arquitetura. que vai relatar sobre as Missiones). (Ler o livro "O tempo e o vento" de Érico Veríssimo. na arte decorativa dos mobiliários e tapeçarias. um pouco antes do Rococó. O Flamejante surge no final do barroco em Roma.: Colonial e Barroco é a mesma coisa. São burgueses e muito práticos.Município de Santo Ângelo no Rio Grande do Sul. em São Paulo. Estilo colonial significa que vem das colônias portuguesas. Igreja de São Vicente. de 1554. em São Paulo. Só vai acontecer em Roma. Obs. Pátio do Colégio. Igreja de Embú. O ROCOCÓ só vai ocorrer na França. em adornos. Ruínas da igreja "Missiones". “clean”. mas sim para decorar. Áustria e Alemanha vão estilo Rococó na parte interna das casas. Igreja de Nossa Senhora. Igreja de São Francisco. em São Paulo. O móvel colonial aveludado. em Itanhaém. é uma versão muito mal interpretada do estilo barroco. Galpões das fazendas também são do estilo barroco. Barroco Flamejante: O auge do Flamejante é no Gótico. Eles queriam enfeitar mais ainda as igrejas (as últimas que foram construídas) se inspirando muito no gótico. Parati é toda barroca. 71 . porque é limpo. Versailles é de estilo Rococó por dentro e tem por fora uma arquitetura clássica barroca. Países Baixos não usam Rococó. Foi mal restaurada. Moram em casas pequenas. com raras exceções. Roma não vai ter Rococó nem em igrejas e nem em lugares públicos. Toda igreja gótica tem contraforte e arco botante. Não existe a pintura Rococó porque este estilo só vai aparecer na decoração e no interior das casas.

Nesta mesma praça se encontra a Embaixada Brasileira. 72 . falante e conquistava a todos. Bernini também fez a escultura de David sem o “Golias” de forma tão perfeita que você percebe a falta dele. o rei dos reis. Bernini era um homem simpático. mulherengo. também de estilo barroco. Grande projeto de Borromini: Igreja de São Carlos (com 4 fontes). São 4 colunas Salomônicas de Bronze. charmoso. É muito diferente do David de Michelângelo. Outra obra: Piazza Navona com uma fonte maravilhosa. “Santa Teresa” foi uma grande santa na época da contra-reforma. Quieto. impávido. Como essa igreja demorou muito para ser construída ela passou por diversos artistas em diferentes épocas. Não tinham ciúmes um do outro. Todas as construções em Roma eram feitas eles. mal-humorado. Emocionalmente instável o que o levou ao suicídio. Bernini e Borromini são o auge da escultura e arquitetura barroca em Roma. Nos quatro cantos tem muita escultura de anjos e atrás tem um vitral iluminado. O telhado dessa igreja é côncava e convexa. Obra prima de Bernini: Capela Carnaro onde está o "Êxtase de Santa Teresa". bonitão. Não interfere com o resto. em Roma. BORROMINI Era o oposto de Bernini. muito reservado. Bernini fez o Tabernáculo que se encontra no fundo da Basílica de São Pedro. como se fosse de borracha. Borromini fica tão deprimido que acaba suicidando-se. É uma arquitetura fantástica e difícil para ser executada com a tecnologia da época. Trabalhou muito na Basílica de São Pedro. em Roma. Embaixo do tabernáculo se encontra o Túmulo de São Pedro. sozinho. Já o David de Bernini é humano. É plasticamente perfeito. pois a obra é perfeita e não tem o que terminar.DOIS ARQUITETOS MUITO IMPORTANTES DA ITÁLIA: BERNINI (1598-1680) Foi o maior arquiteto e escultor do seu tempo. Tem arcabouço e cúpula renascentistas. A decoração é barroca. Tem no centro um obelisco egípcio e muitas luzes. É uma obra em aberto. fechado. que é renascentista e barroca. O barroco deixa a obra em aberto para que você a conclua. na Igreja de Santa Maria de La Vitória. Quem trabalhou na cúpula foi Michelângelo. No renascimento não existe essa abertura. Borromini e Bernini eram amigos e confidentes. Borromini depressivo foi distanciando-se de Bernini.

PINTORES BARROCOS JAN VERMEER VAN DELT (1632 a 1675) Nasceu no Delta. Morreu cedo aos 43 anos. Não pintou muitos quadros, mas o que pintou foi considerado obra-prima. Pintou figuras bem simples com tarefas singelas como: limpar, tocar, varrer, olhar. Mulheres em seus afazeres domésticos e sempre no interior das casas holandesas. Consegue o milagre de transformar essas cenas através de texturas, cores e formas, como se fossem velhos retratos. Ele suaviza os contornos, dá muita luz e serenidade nas suas obras. Dá muito Recollection. Pinta o que ele vê. Não se sabe sobre a vida do Vermeer os livros não chegaram à um consenso. Usavam óleo e têmpera no Barroco. DIEGO RODRIGUES DA SILVA Y VELÁSQUEZ Sofreu grande influência do Caravaggio. Quando ele tinha 20 anos pintou sua famosa tela "O Aguadeiro de Sevilla". Perceberam daí que ele era um gênio por ser tão jovem e pintar tão bem. Fica muito amigo de Rubens que percebe o seu talento sugere a ele então que vá estudar em Roma. Visitou os museus de pintura em Roma para estudar os grandes mestres. Foi ver o que Michelângelo e Raphael tinham feito. Descobre que não tem muito o que aprender lá. Em 1630 passou 1 ano em Roma e voltou logo à Madri. Em Madri é nomeado pintor da Corte de Felipe IV. Vai ficar em Madri até o fim de sua vida. Sua tarefa era pintar os membros da corte de Felipe IV cuja família era muito feia e se vestiam muito mal. Eram considerados "cafonas". Ele transforma esses retratos em pinturas fascinantes, captando até a personalidade das pessoas retratadas. Vai empregar muita luz em seus quadros. Sua pintura tem um realismo visual muito diferente da pintura do Renascimento. Realismo visual é a impressão geral de um objeto e não só de um detalhe. Ex.: Com uma só pincelada dava a impressão dos pelos de um cão. Vai ser o gurú dos impressionistas mais tarde. Sua pintura tem pinceladas bem largas e soltas. Seu quadro mais famoso é "As Meninas", o qual se encontra no Museu do Prado. Ele consegue retratar o momento real do tempo muito antes de inventarem a máquina fotográfica. Essa obra “As Meninas” será muito ambígua. Você não sabe se Velásquez está pintando o Rei e a Rainha ou se está pintando as meninas. Ele deixa essa dúvida de propósito. O termo "As Meninas" era usado para se referir as damas de honra na época. Esse título foi dado pelos historiadores. Após sua morte foi pintado, no peito de seu retrato, uma condecoração em sua homenagem. JORGES DE LA TOUR (1593-1652) É um pintor francês. Mestre dos efeitos luminosos. Sua pintura é muito original. Vai usar muito claro-escuro utilizando-se do efeito da vela, pintando muito rápido. Vai passar a narrativa suave do caráter transitório. Muita ternura e intimidade. Muito recollection. 73

FRANCISCO GOYA (1746-1828) Nasceu em Saragosa, na Espanha Um dos grandes pintores de todos os tempos. Obs.: A Espanha é riquíssima por pintores famosos: Ex.: Velásquez, Murilo, Goya, Dali, Picasso, Miró. Aos 13 anos foi estudar com um pintor que se chamava Don Lusar. Ele não gostava de pintar, desenhar ou fazer tintas. Decidiu participar mais das touradas não deixando a pintura. Mais tarde tentou entrar na Academia de Artes em Madri não passando nos exames. O pai fica arrasado. Tenta novamente três anos mais tarde e novamente fracassa. Arrasado e frustrado, resolve ser toureiro. Recebeu uma chifrada no joelho ficando manco por muito tempo o que impedia essa atividade. Resolveu ser pintor na Itália. Lá, passeando num campo, em frente a um convento, vai conhecer 2 freiras e se apaixona por uma delas. Vão se corresponder por carta até que resolve raptá-la. A freira amarrou um monte de lençóis e jogou por cima do muro para que ele pudesse subir. Como ele estava manco e bateu com o joelho no muro, Goya cai ao chão machucando muito a cabeça. Depois dessa tragédia toda o romance acaba por aí. Vai para a cidade de Parma, na Itália, conseguindo entrar na Academia Real da Itália. Começa a pintar já com uma certa idade. Vende muito bem as suas obras. Escreve para seu pai comunicando que estava pintando muito e ganhando dinheiro. O pai pede que ele retorne a Saragosa. Lá em Saragosa vai ter muitas encomendas como pintor. Vai à Madri onde receberá uma encomenda muito grande de pintar uma série de canvas (cartões desenhados para que as pessoas pudessem depois bordar). Era quase que industrializado, Vai pintar o povo, os jovens que eram chamados de najas (ricos da época) e que mudariam muito o comportamento social da época. Esses najas vão ditar muito a moda na época. Em 1780 ele foi eleito por unanimidade Membro da Academia de Arte de Madri (que o havia rejeitado 2 vezes). Casa-se com Josefa e começa a ter uma vida de luxo e de riqueza. Compra um cabriolé (seria um carro conversível hoje) para sua esposa desfilar. Vai comprar também muitas jóias e ações para o futuro. Tem um filho chamado Francisco Xavier Pedro. Vai ser nomeado mais tarde Pintor da Corte do Rei (título máximo). O rei da época era Carlos IV. Goya vai ter uma doença infecciosa ficando à beira da morte. Nessa época não existia a penicilina. Consegue sobreviver mas fica surdo para o resto de sua vida. Essa surdez torna-o visualmente mais agudo. Vai pintar também a Corte Espanhola. Será uma releitura de Velásquez, pintando sem compaixão toda a família do rei. A rainha parecia um abutre, as condecorações dos condecorados eram como se fossem teias de aranhas. Toda a Corte tinha olhos lacrimejantes e boca murcha. Mesmo assim eles vão adorar porque vai ter muito luxo nas roupas, muita esmeralda, muito veludo, enfim, muita suntuosidade. Eles só se importavam com o luxo. Góya acaba recebendo muitas encomendas e ganhando muito dinheiro.

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MÚSICA BARROCA:
Apareceram muitos instrumentos novos na época do barroco o que fez com que a música ficasse muito mais rica. Apareceram os conjuntos de Câmara e a Ópera que conhecemos hoje. O conjunto de Câmara tinha a mesma função que um aparelho de som tem nos dias de hoje. O instrumento mais importante que vai surgir é o violino e é com ele que vai se enriquecer a partitura. Antônio VIVALDI teve um gênero inovador, além de ter sido excelente compositor e muito habilidoso para tocar. Suas obras mais conhecidas são: Ex.: As quatro estações de Vivaldi Concerto La Stravaganzza Muitas cantatas Foi considerado, pelos críticos no século XX, o “Caravaggio” da música Barroca. É praticamente o primeiro grande compositor que surge e que vai influenciar muito os compositores posteriores de sua época. Joan Sebastian Bach, protestante, tinha paixão pelas igrejas góticas católicas e seus detalhes. É onde vai buscar inspiração para compor nesse estilo gótico (como as rosáceas, vitrais e sobre as minúcias). Foi mestre de capela, que era tão importante quanto pintor da corte. É o homem que vai reger, o maestro, o diretor. Deixou cantatas, missas, corais, "Paixão Segundo São Mateus", "A Grande Missa", "Cravo Bem Temperado", os "Concertos Braudenburguer", as "Fugas". As fugas tem um conteúdo psicológico, não significando uma fuga dos problemas, mas sim uma fuga da perda de um sentimento, uma emoção, com inteligência, com consciência. Uma fuga dos empecilhos emocionais. É a consciência livre, solta, uma fuga sem perdas, "deixando tudo para trás numa boa". Haendel, alemão, é o próprio compositor barroco. A sua obra é monumental, forte. Fez a obra "Doze Concertos de Gross". Hayden, compositor refinadíssimo que compôs sonatas, quartetos, sinfonias. Começou a tocar em Conjunto de Câmaras nas casas dos nobres, como mero tocador. Fez a "Sinfonia de Londres" e o "Quarteto do Imperador" que foi utilizado, em parte, no Hino Nacional da Alemanha.

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As esculturas de barro eram cozidas em forno de pão. Tem gênero melancólico. É o final de Versailles. a "Ópera Don Giovanni". "Concerto em Dó Menor". foram muitas delas restauradas pelos brasileiros. indústrias.Mozart. porque Rococó é o final do barroco. 76 . BARROCO BRASILEIRO O Barroco no Brasil atingiu seu apogeu em 1763. Frei Agostinho de Jesus circulou muito no Rio de Janeiro e São Paulo. Obras: Sinfonias. "Requiém" que é muito lindo e triste. esculturas. A mão de obra vai ser brasileira. gênio que apareceu no Rococó (final do barroco). o prazer de viver. o barroco que estava no auge já estava sendo abandonado e estavam começando o neoclassicismo. Em 1822. volta ao passado. Frei Agostinho de Jesus nasceu na Bahia e foi educado em Portugal. a doçura de viver. "Concerto em Ré Menor". O que existia em madeira vinha de Portugal. com a independência do Brasil. para depois começar a corrida no século XX pelas máquinas. A Igreja da Bahia.de Prússel (?) vai ser descrito sobre os séculos XVII. Frei Agostinho de Jesus (1600-1661) O museu de Arte Sacra de São Paulo tem suas obras. dos próprios índios. quando houve a mudança da capital do Brasil para o Rio de Janeiro. Dois grandes escultores Brasileiros do século XVII são: Frei Agostinho da Piedade (1620-1661). enquanto os brasileiros em barro. Nessa época o mundo perde as coisas fortes como o prazer. XX e XXI. Criou tudo o que foi possível em música. "Em busca do tempo perdido". Nessa época os portugueses esculpiam em madeira. É uma busca do tempo perdido onde cada 50 anos vai valer 500. XVIII. porque os índios e os negros vão construir igrejas. A música de Mozart foi elaborada numa época de despedida. Era Austríaco e tocava desde os 5 anos. para serem artistas também. XIX. trabalhou muito com barro. Sua composição começa a sugerir um mundo que começa e uma outra forma de viver. Fez muita escultura em madeira que aprendeu em Portugal. Os missionários aqui no Brasil traziam artistas da Europa ou treinavam a mão de obra escrava. etc. Naquela época onde existia tempo para pintar a Capela Sixtina em 5 anos ou Velásquez 4 anos para pintar "As meninas". depois que os Holandeses foram expulsos do nordeste (Pernambuco) e as igrejas destruídas pela invasão. Vai ser uma busca para novos estilos.

que é um povo diferente. cheia de movimento como todo estilo barroco. que era montada aqui. O escritor Fernando Sabino (mineiro) escreveu para Carlos Drummond de Andrade um texto sobre o povo mineiro. A cidade vai se tornar o centro cultural do país. Barroco no Rio de Janeiro: no princípio o Rio de Janeiro era quase um vilarejo e quando abriram a estrada do caminho novo que ligou Minas Gerais ao Porto do Rio de Janeiro. feita por um arquiteto português chamado Francisco Xavier de Brito.: A primeira Igreja do Brasil é a do Pátio do Colégio em São Paulo. as igrejas barrocas começaram a serem construídas de forma diferente do barroco mineiro. Ela começa bem simples e vai se sofisticando a medida que chega material. é lindíssima e levou quase 100 anos para ser feita. O Barroco Mineiro é forte. Quase todas as construções grandes foram feitas no Rio de Janeiro. Nesse livro ele explica tudo isso e se refere sobre a mata atlântica como uma “muralha”. Às vezes traziam uma igreja quase inteira. Tudo é bem pensado para que você sinta emoção. mudando completamente a vila. resultando em construções mais ricas na região. Outras levaram quase 50 anos para ficarem prontas por falta de mão de obra qualificada.: A igreja de Olinda foi restaurada na época (+/-) 400 anos atrás. como pode ser visto na Igreja Nossa Senhora do Carmo. vai ter no seu trabalho. em Salvador é toda barroca (de Lisboa). As primeiras construções barrocas tinham linhas mais estilizadas devido ao pouco material que conseguiam para a construção. Ex. A Igreja de São Francisco. Com isso o barroco nordestino vai ter uma influência muito grande de Portugal. na sua pintura e arquitetura um estilo diferenciado. arquitetos. Nosso estilo forte é o feito em barro. músicos e intelectuais começaram a chegar no porto do Rio de Janeiro. com muitos entalhes. Livro recomendado: "A Muralha" de Inácio de Queirós. Tinham uma dificuldade muito grande no transporte do material de São Vicente para São Paulo. AS 3 FASES BARROCAS COLONIAIS: A primeira fase ocorre na descoberta do Brasil. do ano de 1554. Às 6 hs. O mineiro. de navio. Quase todos os materiais de construção eram importados. O exterior é simples e o interior é riquíssimo.Ex. com muitas luzes. onde o material chegava de navio. Ao redor do Porto. 77 . da tarde tem um coral cantando. Mostra a dificuldade dos bandeirantes no transporte do material. principalmente o mineiro. não existia essa dificuldade. em Santos. interessante e se diferencia completamente dos outros. Entre os anos 1600 a 1800. A Igreja da Ordem Terceira de São Francisco. É dramática. começou a escoar todo o ouro pelo porto. Artistas plásticos.

Dominicanas. colocava no altar mor a irmandade. a grosso modo. A divisão física da igreja mineira também difere do resto das igrejas brasileiras. de um modo geral a irmandade Franciscana. era feito em uma linguagem acessível. Elas se comunicavam através de bilhetes que passavam pelas frestas da janela. Influência política que ocorre no barroco na construção ou arquitetura: Com o processo revolucionário da Inconfidência Mineira. significava a influência moura ou árabe. que vai aparecer nas casas de Ouro Preto. resultado da cobiça do ouro. os homens ficavam separados das mulheres e os Balcões Laterais eram reservados para as autoridades e seus familiares. As classes sociais vão ocupar espaços diferentes na igreja.: A Igreja mineira. Eram venezianas "quadradinhas" que avançavam um pouco para frente como se fossem "Bay window". que o barroco mineiro extrai sua força e originalidade. por sua vez. desse despojamento. Na Nave. mas não podiam ser vistas.O auge do barroco mineiro ocorre com a descoberta de pedras preciosas e ouro em uma grande região que vai ser denominada Minas Gerais. Outra característica é que ele vai pouco a pouco se transformando num estilo representativo dos anseios do povo. das pinturas. Depois dos 14 anos elas podiam ir sem véu e com o cabelo solto para poder arrumar pretendentes. na tentativa de harmonizar a vida naquele vilarejo. Existia uma hierarquia. antes dos 14 anos. pode-se dizer. Sabará. cada uma tinha sua maneira de distribuir os fiéis na igreja. desse senso de medida e proporção. Na América Latina coexistem 2 tipos de barroco: O Luso-Brasileiro e o Hispânico-Americano. Em Minas Gerais o "negro" só entrava na igreja para acender as lamparinas. menos monumental. As ordens religiosas Carmelitas. menos rebuscado que o barroco do resto do Brasil. Essas janelas vão aparecer até no nordeste. dessa sóbria elegância. As jovens. O assunto do sermão abordava os problemas atuais do momento e do local. para todas as classes sociais. Ex. É justamente dessa simplicidade. Obs. Outro aspecto importante era o realismo das esculturas. tendo grande influência entre eles. O católico mineiro posicionou a igreja como sendo a localização geográfica mais importante do vilarejo. na igreja mineira. Por esse motivo o negro vai construir sua própria igreja. Moucharabi. Por vezes os dois se aproximam. das imagens. Assim. eram levadas para a igreja com o véu ou lenço sobre seus rostos. Foi confiada a mão de obra local dos mulatos e negros. Franciscanas. mas nunca se confunde um com o outro. Tinha uma conotação social. Era muito importante ter um lugar para ser feito o “sermão”. Tudo acontecia em função do ouro. que o barroco brasileiro mineiro é num todo mais rural. ocorre uma vontade de dominação do povo através do ouro. Isso deu 78 . Mariana. O nosso barroco é diferente dos das Américas Central e Sul. não rebuscada. O sermão. As jovens dentro de casa podiam ver através dessas janelas.

em Mariana (cidade vizinha de Ouro Preto) e vai morrer em 1837. Satanás será o malfeitor da zona de prostituição. Nunca estudou e nunca foi a Portugal mas era auto didata e aproveitava tudo o que existia de informações ao seu redor como ex. Era mulato.oportunidade aos artistas de trabalharem com esse material e utilizar o barroco como forma criativa e original para expor seus desejos. Os anjos vão ser os meninos robustos que trabalhavam nas ladeiras. Manuel da Costa Athaíde que nasceu no ano de 1762. em Vila Rica. As pilastras são substituídas por colunas nas fachadas. A pintura da Madona (que é parecida com a namorada dele) e os anjos são mulatos. Deve provavelmente ter sido reumatismo deformante. construída e decorada somente por Aleijadinho. Era um fazer a arte quase que irracional. Tudo era baseado no povo. Aleijadinho vai trabalhar muito com o tema Inconfidência Mineira. O teto foi pintado por Manuel da Costa Athaíde que vai fazer uma pintura lindíssima com pássaros. não premeditado. Cristo aparece com as mãos e pés decepados. Duas obras arquitetônicas de Ouro Preto são fundamentais para conhecer a arte de Aleijadinho: São Francisco de Assis: Início em 1776 e término em 1794.: a Bíblia Ele esculpia com o instrumento amarrado à sua mão. tem na garganta uma corda e o coração está sangrando. São caras bem distorcidas. Os evangelistas que Aleijadinho vai esculpir tinha as feições do mandachuva da cidade. O altar-mor foi feito na época da Inconfidência Mineira. Quem pintava era Athaíde (grande arquiteto também). tal qual dos escravos fujões. Era o que eles viam. onde executou a maior parte de suas obras. sonhos e fantasias. Teve esse apelido aos 50 anos de idade devido a uma doença que atrofiou e deformou os seus dedos. Athaíde também era mulato e Aleijadinho era filho de escravo com Português. Suas faces são castigadas sem piedade pelo Aleijadinho. foi considerado o maior estilo e artista brasileiro da época barroca. Viveu 26 anos em Congonhas do Campo. Esses artistas são: Antônio Francisco Lisboa (Aleijadinho) que nasceu no ano de 1774. Esculpia em cedro e em pedra sabão. Os púlpitos são colocados na entrada da capela-mor. 79 . Seus dedos não caíram. A igreja foi desenhada. Os flageladores e perseguidores de Cristo são ridicularizados por pobres e ignorantes. A arte de um povo tão jovem tinha que mostrar atrevimento. Na época usava-se o termo "encarnar" que significava o mesmo que pintar. Isso é feito na época em que Tiradentes foi decepado e esquartejado. Jeremias tem os pés presos no grilhão. porque deformava com apelo à emoção. Era o oposto da Europa. Seu estilo que é do tipo “expressionista". Ele somente não a pintou.

No plano da arte não existe homens pequenos e grandes. Muda as linhas de fuga para conseguir esse efeito. Este era o modo típico de expressão de Aleijadinho. Foi toda pintada por Manuel da Costa Athaíde. é sereno. pai de Aleijadinho e terminada pelo próprio Aleijadinho. Ele também não tinha dinheiro para investir tanto. da Ponte. A pintura é de Athaíde. nações fortes e fracas. São os doze profetas feitos em pedra-sabão. de Athaíde. É uma igreja que recebeu mais pintura do que as outras e os azulejos foram pintados por Athaíde imitando os de Portugal. A cada canto da abóbada dessa igreja. Santo Ambrósio e São Jerônimo. em que o artista (sem escola) se improvisava no esforço de alcançar o jeito de exprimir um sentimento. Todos são expressionistas e feitos em madeira pelo Aleijadinho. em qualquer ponto da igreja. São Gregório. Quem fez o projeto foi Aleijadinho que somente iria orientar a obra. O Arco-cruzeiro que está na frente é atribuído também a Aleijadinho. Não tinha importância. Matriz Nossa Senhora do Pilar: Situada em Ouro Preto. acabava às vezes num caricatural do expressionismo. O expressionismo tradicional no Brasil. pedrasabão e itacolomi. Aleijadinho não detalhava os pés e nada da cintura para baixo. Chafariz de Ouro Preto: Não se encontra na Europa. Existem cupins (que atacam pedras) e estão destruindo tudo. Conjunto de 66 figuras de madeira: São os Passos da Paixão e ficam em capelinhas de madeira também ao relento. 80 . Essas pedras são todas de tonalidade cinza. Aleijadinho achava que a pintura deveria ser diferente da pintura Portuguesa. que escreveu o Barroco Mineiro: Trecho onde se refere a entrada da Igreja em Congonhas do Campo: "Não entrarei Senhor no Templo Seu Frontispício me basta Vossas flores e querubins Já são matéria de muito amar". o seio bem modelado e não sensual. etc. no Adro da igreja (entrada). de Dirceu e Marília (recebe este nome por estar em frente a casa do casal). com apelo maternal. toda feita de pedra cantareira. por falta de tempo. São de tamanho natural e "encarnados" (pintados) por Athaíde. Eles foram portanto refeitos. Ele vai mudar até a perspectiva para que pudesse ser vista por todos. segundo a sugestão de Aleijadinho. Congonhas do Campo: Guarda o maior conjunto artístico criado pelo mestre Aleijadinho. tem doçura na carne. a afirmação austera e firme do poder da grandeza dos povos humildes e porque ele é universal na sua arte. porque Aleijadinho é no tempo e na história. Outro mestre mineiro: Carlos Drummond de Andrade. Desenhada pelo pai de Aleijadinho. O rosto da Santa. Você a vê como uma mulher do povo.A Nossa Senhora é vista por vários ângulos. É como se fosse uma mãe. Ele é o símbolo dessa verdade simples. Nossa Senhora do Carmo é uma Igreja muito importante. Chafariz do Conto. no Santuário do Senhor Bom Jesus do Matosinho. carnudo. Essa igreja foi desenhada por Manuel Francisco Lisboa. tem uma grande figura como São Agostinho. sugerindo a Athaíde que mudasse os azulejos. belíssima. pois era uma arte barroca. tem banco para sentar e namorar. Este trabalho se encontra ao relento.

Os temas utilizados eram cenas eróticas ou galantes da vida cortesã (as fêtes galantes) e da mitologia. a luz difusa inundou os interiores por meio de numerosas janelas e o relevo abrupto das superfícies deu lugar a texturas suaves. responsável por vários edifícios na Baviera. por volta de 1770. ARQUITETURA Durante o Iluminismo. Vigoroso até o advento da reação neoclássica. Grande mestre do estilo rococó. frivolidade e exuberante. Surgido na França com a obra do decorador Pierre Lepautre. na Prússia e em Portugal. entre 1700 e 1780. Nos primeiros anos do século XVIII. O termo deriva do francês rocaille. difundiu-se principalmente na parte católica da Alemanha. Restaurou dezenas de igrejas. · A estrutura das construções ganhou leveza e o espaço interno foi unificado. mosteiros e palácios. tais como conchas. bizarro. que significa "embrechado". · Possui leveza. marco do rococó bávaro. mais leve e intimista que aquele e usado inicialmente em decoração de interiores. alusões ao teatro italiano da época. alegria. motivos religiosos e farta estilização naturalista do mundo vegetal em ornatos e molduras. com maior graça e intimidade. 81 . o rococó era a princípio apenas um novo estilo decorativo. responsável pela abadia beneditina de Ottobeuren. o rococó foi a principal corrente da arte e da arquitetura pós-barroca. (1692-1766).ROCOCÓ Rococó é o estilo artístico que surgiu na França como desdobramento do barroco. Desenvolveu-se na Europa do século XVIII. Principais características: · Cores vivas foram substituídas por tons pastéis. técnica de incrustação de conchas e fragmentos de vidro utilizadas originariamente na decoração de grutas artificiais. Principal Artista: Johann Michael Fischer. Características gerais: · Uso abundante de formas curvas e pela profusão de elementos decorativos. Na França. laços e flores. caráter intimista. pastorais. o centro artístico da Europa transferiu-se de Roma para Paris. elegância. e da arquitetura disseminou-se para todas as artes. o rococó é também chamado estilo Luís XV e Luís XVI.

"Anunciação". (1684-1721). "Anjo da guarda". e um dos mais antigos precursores do impressionismo. (1732-1806). "Pietà". quer estilisticamente. alguns retratos. o rococó francês ficou restrito às artes decorativas e teve pequeno impacto na escultura e pintura francesas. de cenas galantes em paisagens idílicas. PINTURA Durante muito tempo. Suas esculturas eram em geral feitas em madeira e a seguir policromadas. (1725-1775). Jean-Honoré Fragonard . Fragonard destacou-se principalmente como pintor do amor e da natureza. Além dos quadros de caráter mitológico. obras-primas dos interiores rococós. cada uma com existência própria e individual. Ignaz Günther. pintou. mas a alegre descontração do estilo rococó. (1703-1770). Os grandes grupos coordenados dão lugar a figuras isoladas. Principais Artistas: Johann Michael Feichtmayr. que dessa maneira contribuem para o equilíbrio geral da decoração interior das igrejas.ESCULTURA Na escultura e na pintura da Europa oriental e central. é em sua disposição dentro da arquitetura que se manifesta o espírito rococó. as expressões ingênuas e maliciosas de suas numerosas figuras de deusas e ninfas em trajes sugestivos e atitudes graciosas e sensuais não evocavam a solenidade clássica. membro de um grupo de famílias de mestres da moldagem no estuque. que durante muito tempo obscureceu a verdadeira contribuição do artista para a pintura do século XIX. quer cronológica. ao contrário do que ocorreu na arquitetura. apareceram as primeiras pinturas rococós sob influência da técnica de Rubens. distinguiu-se pela criação de santos e anjos de grande tamanho. as figuras e cenas de Watteau se converteram em modelos de um estilo bastante copiado. em que se afirmou o predomínio político e cultural da França sobre o resto da Europa. escultor alemão. não é possível traçar uma clara linha divisória entre o barroco e o rococó. Foi um dos últimos expoentes do período rococó. escultor alemão. um dos maiores representantes do estilo rococó na Alemanha. 82 . desenhista e retratista de talento. François Boucher. Principais Artistas: Antoine Watteau. sempre com grande perfeição no desenho. paisagens ("O casario de Issei") e cenas de interior ("O pintor em seu estúdio"). No final do reinado de Luís XIV. caracterizado por uma arte alegre e sensual. Mais do que nas peças esculpidas. (1709-1772).

Abandonando o estilo barroco que era trabalhoso. Com o passar dos tempos os cristãos tiraram as pedras preciosas dos olhos das esculturas que então ficaram sem o olhar. Os pintores imitam as esculturas na suas pinturas. Foram descobertas nessa época. A escultura grega na Itália era feita sem os olhos. que dessem brioches à eles. sujeição aos modelos e às regras ensinadas nas escolas ou academias de belas-artes. Vai cair a "Maria Antonieta" quando diz ao povo. Como exemplo vai surgir o Néo-classicismo na Inglaterra com as construções de castelos néo-góticos.: As esculturas gregas originais quando feitas em mármore tinham os olhos pintados e quando feitas em bronze tinham pedras para decorar os olhos. Todos ficam muito ligados a Roma. que estava morrendo de fome. etc. É o começo dos tempos modernos da história da Arte. por toda Europa e resto do mundo. Grécia. que esquecem dos detalhes. * academicismo nos temas e nas técnicas. por sua vez. com a Revolução Francesa. foi derretendo com o tempo. Napoleão pede para ser pintado com a mão no bolso. sobre a literatura medieval e sobre a mitologia. num verdadeiro culto à teoria de Aristóteles. piora um pouco a arte. o "Arco do Triunfo" (mandado ser construído por Napoleão). * arte entendida como imitação da natureza. vai surgir o espírito dos tempos modernos. Tudo isso vem como conseqüência da revolução. as cidades de Pompéia e Herculano. quase que caricaturista. Surge o estilo Império. como se fosse um grego. Com a revolução francesa eles se achavam a própria encarnação dos heróis gregos e romanos. pela imitação dos modelos antigos greco-latinos. Obs. isto é. isto é. onde a burguesia. levando-o a uma pintura pejorativa. nas roupas. à base de cera. Principais características: * retorno ao passado. o néo-gótico. Começam a usar as formas gregas e góticas nas construções. O néo-clássico vai copiar o clássico e ao adaptar à sua época. 83 . através das escavações. temos como conseqüência a mudança do estilo na arte.NEOCLASSICISMO No final do século XVIII. O pintor néo-clássico. Pintam fatos históricos. o povo são os vencedores. Por esse motivo temos o néo-classicismo. de comer. Todos são néo-clássicos. depois o gosto geral de se vestir. Pintam cenas de arqueologia e cenas heróicas. Em Paris vão construir a Igreja "La Madeleine". pintou Napoleão sem os olhos. com suas virtudes. No renascimento existe uma renovação da antigüidade. Os pintores achavam que as esculturas gregas não tinham olhar de propósito e não que fosse devido a uma destruição do tempo. um recomeçar. Na época do néo-classicismo. As pinturas que eram "encáusticas". que vai aparecer no mobiliário. O pintor néo-clássico fica tão ligado ao clássico.

Características da pintura: * Formalismo na composição. em Paris. mais tarde. " A pincelada deve ser tão fina como a casca de uma cebola". Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867). Suas obras geralmente expressam um vibrante realismo. num erro de interpretação. A modernidade de Ingres está justamente na visão distanciada que tinha de sue retratados. mestre inegável do equilíbrio da composição. registrou fatos históricos ligados à vida do imperador. mas a crítica moderna vê nos retratos e nus o seu trabalho mais admirável. refletindo racionalismo dominante. além de composições mitológicas e literárias. Diante daquelas construções. o mais revolucionário dos dois. em Berlim. O detalhismo também é uma das suas marcas registradas. Durante o governo de Napoleão. 84 . sobretudo em Rafael. Para seu conhecimento: Forte influência da arquitetura neoclássica foi a descoberta arqueológica das cidades italianas de Pompéia e Herculano que. foram cobertas pelas lavas do vulcão Vesúvio. Amante declarado da tradição.ARQUITETURA Tanto nas construções civis quanto nas religiosas. Obra destacada: Bonaparte atravessando os Alpes e Morte de Marat. e a Porta do Brandemburgo. Jacques-Louis David . ocasionando a construção de tantos edifícios brancos. Exemplos dessa arquitetura são a igreja de Santa Genoveva. rendas. na recusa a produzir qualquer julgamento moral a respeito deles. Ingres soube registrar a fisionomia da classe burguesa do seu tempo. nus. Sua obra abrange. transformada depois no Panteão Nacional. os historiadores de arte acreditavam que os edifícios gregos eram recobertos com mármore branco. contudo foi Ingres. Seus retratos são invariavelmente enriquecidos com mantos aveludados. flores e jóias. o pintor foi uma espécie de cronista visual da sociedade de seu tempo. repetia a seus alunos. Exemplo: Casa Branca dos Estados Unidos. numa época em que se consumava o processo de aliança entre a nobreza e a burguesia. e não o retórico e inflamado Delacroix. * Exatidão nos contornos * Harmonia do colorido Os maiores representantes da pintura neoclássica são. Ingres passou a vida brigando contra a vanguarda artística francesa representada pelo pintor romântico Eugène Delacroix. por exemplo.. Ardoroso defensor da pureza das formas. mas algumas delas exprimem fortes emoções. retratos e paisagens. ele afirmava.foi considerado o pintor da Revolução Francesa. tornou-se o pintor oficial do Império de Napoleão. sem dúvida. a arquitetura neoclássica seguiu o modelo dos templos greco-romanos ou o das edificações do Renascimento italiano. Ingres acreditava qua a tarefa primordial da arte era produzir quadros históricos. que desenhar uma linha perfeita era muito mais importante do que colorir. principalmente no gosto pelo poder e na sua confiança na individualidade.C. no ano de 79 a. PINTURA A pintura desse período foi inspirada principalmente na escultura clássica grega e na pintura renascentista italiana.

pitoresca. grosso modo. forte. A essência do romantismo é a glorificação dos instintos. Os artistas românticos procuraram se libertar das convenções acadêmicas em favor da livre expressão da personalidade do artista. O propósito dos artistas românticos era a volta à natureza sublime.O século XIX foi agitado por fortes mudanças sociais. Características gerais: * a valorização dos sentimentos e da imaginação. * o nacionalismo. o neoclássico. Amam os gregos também. O belo para eles é muito relativo e individual. e * Dramaticidade 85 . o poder. profunda veneração à natureza. Pregam a liberdade individual acima de regras e de normas. e * os sentimentos do presente tais como: Liberdade. a violência. Tem mais liberdade e menos regras que o néo-clássico. Pintam muitas paisagens. Igualdade e Fraternidade. * Valorização das cores e do claro-escuro. a permanência do estilo anterior. eles adoram a liberdade. e pela Revolução Francesa que lutava por uma sociedade mais harmônica. menos razão. Escreviam não em latim. em que os direitos individuais fossem respeitados. O pintor vai ser muito dramático e emotivo. mas em língua românica. Em nome do romance. gerando o neogótico. Do mesmo modo. Obra Destacada: Edifício do Parlamento Inglês PINTURA Características da pintura: * Aproximação das formas barrocas. * Composição em diagonal sugerindo instabilidade e dinamismo ao observador.ROMANTISMO A palavra vem de romance. Mais sentimentos. provocando a divisão do trabalho e o início da especialização da mão-deobra. o amor. Vez por outra retomou-se o estilo gótico da época medieval. políticas e culturais causadas por acontecimentos do final do século XVIII que foram a Revolução Industrial que gerou novos inventos com o objetivo de solucionar os problemas técnicos decorrentes do aumento de produção. Vão escrever muito sobre a lenda do Rei Artur. História das aventuras medievais. ARQUITETURA E ESCULTURA A escultura e a arquitetura registram pouca novidade. * a valorização da natureza como princípios da criação artística. Tudo é muito romântico e assim lidam com a emoção pela emoção. traduziu-se essa expectativa na Declaração dos Direitos do Homem e do Cidadão. Mais cor e menos desenho. a atividade artística tornou-se complexa. Observa-se.

dando-nos a sensação de grande movimentação. Turner . seres deformados.representou grandes movimentos da natureza. mas por meio do estudo da luz que a natureza reflete. escreveu na derradeira nota de seus famosos diários. Culto. foi feito por inspiração do movimento que levou Luís Felipe ao trono da França. Assistiu à ascensão e queda de Napoleão Bonaparte. inimigo do romancista Honoré de Balzac. Obras destacadas: Chuva. procurou descrever certa atmosfera da paisagem.Nasceu no pequeno povoado de Fuendetodos. cenas históricas e as lutas pela liberdade. a entronização do rei Luís Felipe. Vapor e Velocidade e O Grande Canal. das luzes e das sombras. "A principal qualidade de um quadro é ser uma festa para os olhos". tons opressivos. por uma atitude emotiva diante das coisas e esse comportamento pode ocorrer em qualquer tempo da história. Goya e sua mitologia povoada por sonhos e pesadelos. em 1963. muitas vezes tomado como um símbolo das lutas populares e republicanas. de agir. Para seu conhecimento: A palavra romantismo designa uma maneira de se comportar. de interpretar a realidade. suas obras apresentam forte comprometimento político e o valor da pintura é assegurado pelo uso das cores. os horrores da guerra. menos de dois meses antes de morrer. em 1830. * Natureza revelando um dinamismo equivalente as emoções humanas. O comportamento romântico caracteriza-se pelo sonho. rico e namorador. a ação incompreensível de monstros. Amigo do compositor Frèderic Chopin. Representava assuntos abstratos personificando-os (alegorias). Morreu em Bordeaux. Seu quadro mais conhecido A Liberdade Guiando o Povo. Obra destacada: Os Fuzilamentos de 3 de maio de 1808. e * Mitologia Grega Principais artistas: Goya . em 1828. 86 . Uma das primeiras vezes que a arte registra a presença da máquina (locomotiva). o pintor viveu a maior parte da vida jovem e adulta num mundo que voltava aos poucos à antiga ordem natural das coisas. aquele em que a burguesia revolucionária colhia os frutos de seu triunfo sobre a monarquia dos reis Capeto. admirado pelo poeta Charles Baudelaire e indiferente às demais celebridades de seu tempo. em 1746. Delacroix tinha noção da própria grandeza. Eugène Delacroix (1798-1863). Nascido num momento crucial da História da França. finalmente.Temas da pintura: * Fatos reais da história nacional e contemporânea da vida dos artistas. Trabalhou temas diversos: retratos de personalidades da corte espanhola e de pessoas do povo. Veneza. Senhor absoluto da caricatura do seu tempo. dono de uma língua ferina. Espanha. a restauração da dinastia dos Bourbon e.

sobretudo na pintura francesa. Obras destacadas: Balzac. um estilo delimitado no tempo. que se desenvolveu ao lado da crescente industrialização das sociedades.não se preocupou com a idealização da realidade. ESCULTURA Auguste Rodin . deixando de lado as visões subjetivas e emotivas da realidade. os escultores preferiam os temas contemporâneos. São características gerais: * o cientificismo * a valorização do objeto * o sóbrio e o minucioso * a expressão da realidade e dos aspectos descritivos ARQUITETURA Os arquitetos e engenheiros procuram responder adequadamente às novas necessidades urbanas. Entre 1850 e 1900 surge nas artes européias. assumindo muitas vezes uma intenção política em suas obras.Romantismo designa uma tendência geral da vida e da arte. Elas precisam de fábricas. Ao contrário. Os Burgueses de Calais. procurou recriar os seres tais como eles são. nomeia um sistema. uma nova tendência estética chamada Realismo. estações. lojas. inclusive em suas criações artísticas. Sua característica principal é a fixação do momento significativo de um gesto humano. As cidades não exigem mais ricos palácios e templos. em Paris. portanto. hoje logotipo da "Cidade Luz". Não existem temas abstratos para o realista. O Beijo e O Pensador. Gustavo Eiffel levanta. escolas. etc. tanto para os operários quanto para a nova burguesia. REALISMO Aparece quando o romantismo está no auge. armazéns. O homem europeu. hospitais e moradias. criadas pela industrialização. Em 1889. como a mitologia. a Torre Eiffel. que tinha aprendido a utilizar o conhecimento científico e a técnica para interpretar e dominar a natureza convenceu-se de que precisava ser realista. Além disso. PINTURA Características da pintura: * Representação da realidade com a mesma objetividade com que um cientista estuda um 87 . bibliotecas. ferroviárias.

ESCOLA DE BARBIZON Barbizon era um vilarejo nas bordas da floresta de Fontaineblaux. Passam o dia pintando na floresta. Em arte. O grande pilar dessa escola é MILLET que vai pintar "Angelus". final de dia. As pessoas das classes menos favorecidas .) e também gostam muito da burguesia e quase todos os artistas também são burgueses. Todos os artistas de Barbizon admiram profundamente a arte Holandesa (da época barroca. Principais pintores: Courbet . "Angelus". Barbizon vai querer empregar a luz pela primeira vez. a chuva. Vermeer. tem um duplo movimento.tornaram-se assunto freqüente da pintura realista. a fealdade. É o caso. Trabalhou na lavoura desde muito cedo. próximo à Paris. principalmente das classes populares. que são duas pessoas rezando à tarde. mais tarde. Pintam muitas paisagens modestas. o relâmpago.o povo. Os artistas incorporavam a rudeza. elevando esses tipos à categoria de heróis. como era a natureza. Essa obra vai ser reproduzida muitas vezes. Obra destacada: Moças Peneirando o Trigo. sensível observador da vida campestre. Alguns pintores do romantismo vão pintar ao ar livre para ver como cai o granizo. Seus numerosos desenhos de paisagens influenciaram. etc. pois procurou retratar em suas telas temas da vida cotidiana. Jean-François Millet. A escola de Barbizon é muito importante porque vai ser a primeira vez que vão pintar ao ar livre antes do impressionismo. Pintam muito o outono com sua luz dourada fantástica. criou uma obra realista na qual o principal elemento é a ligação atávica do homem com a terra. Manifesta sua simpatia particular pelos trabalhadores e pelos homens mais pobres da sociedade no século XIX. * Pintura social denunciando as injustiças e as imensas desigualdades entre a miséria dos trabalhadores e a opulência da burguesia.fenômeno da natureza. Rembrandt. * Ao artista não cabe "melhorar" artisticamente a natureza.foi considerado o criador do realismo social na pintura. e. em resumo . Pissarro e Van Gogh. 88 . pois a beleza está na realidade tal qual ela é. por exemplo. a vulgaridade dos tipos que pintavam. a arte manifesta um protesto em favor dos oprimidos. Heróis que nada têm a ver com os idealizados heróis da pintura romântica. sendo quase que científica a sua forma de pensar. Foi educado num meio de profunda religiosidade e respeito pela natureza. Temas da pintura: * Politização: a arte passa a ser um meio para denunciar uma ordem social que consideram injusta. * Revelação dos aspectos mais característicos e expressivos da realidade. ou seja o pintor buscava representar o mundo de maneira documental.

DAUMIER: Também pinta camponeses. amigo da verdade e verdadeiro" A palavra realismo designa uma maneira de agir. de interpretar a realidade.Millet nasceu camponês e vai pintar semeadores. Para seu conhecimento Courbet dizia: "Sou democrata. Esse comportamento caracteriza-se pela objetividade. Pinta paisagens. 89 . ocorreram bem próximos num movimento de 100 anos. mas sendo o personagem em segundo plano e a paisagem em primeiro. COROT: Outro grande pintor da escola. às vezes introduzindo um cachorro ou uma pessoa no meio da paisagem. A partir de 1855 é que o pintor começa a pintar o que sente. Vai pintar o rio. realista. como a água corre. socialista. Esses pintores vão participar de uma exposição universal em 1855. A paisagem barroca era encomendada aqui na escola de Barbizon. não só por encomenda. por uma atitude racional das coisas pode ocorrer em qualquer tempo da história. O termo Realismo significa um estilo de época que predominou na segunda metade do século XIX. É considerado o pintor mais importante da Escola de Barbizon. A escola de Barbizon é um estilo que significa "ao ar livre". republicano. Vão pintar paisagens e são aceitos na exposição universal em Paris. É a primeira vez que a paisagem é reconhecida como obra de arte. romantismo e realismo. seivadores. O néo-classicismo. bem próximo ao impressionismo cujo primeiro quadro surgiria em 1874.

HISTÓRIA DO IMPRESSIONISMO O Café Guerbois era o local onde os impressionistas se encontravam para bater papo. discutir suas idéias. Principais características da pintura: * A pintura deve registrar as tonalidades que os objetos adquirem ao refletir a luz solar num determinado momento. obtendo o resultado final. pois a linha é uma abstração do ser humano para representar imagens. * As cores e tonalidades não devem ser obtidas pela mistura das tintas na paleta do pintor. Edward Manet. É o observador que. pois ainda se mantinham fiéis aos princípios acadêmicos da pintura. Pelo contrário. combina as várias cores. e não escuras ou pretas. muito mais práticas do que teóricas. dentre os pintores impressionistas. A mistura deixa. devem ser puras e dissociadas nos quadros em pequenas pinceladas. Fez duas telas: "Olimpiá" (sobre as prostitutas) e cujo tema chocava o público e "O almoço na relva" (onde os homens se encontravam com as mulheres) causando um escândalo na época. em abril de 1874. pois as cores da natureza se modificam constantemente. de ser técnica para se óptica.IMPRESSIONISMO O Impressionismo foi um movimento artístico que revolucionou profundamente a pintura e deu início às grandes tendências da arte do século XX. ao admirar a pintura. como os pintores costumavam representá-las no passado. dependendo da incidência da luz do sol. * As figuras não devem ter contornos nítidos. Ele foi o mais atacado pela crítica e pelo público. que era o mais tradicionalista. definir suas metas. * Os contrastes de luz e sombra devem ser obtidos de acordo com a lei das cores complementares. Mas o público e a crítica reagiram muito mal ao novo movimento. que os artistas seguiam em seus procedimentos técnicos para obter os resultados que caracterizaram a pintura impressionista. um amarelo próximo a um violeta produz uma impressão de luz e de sombra muito mais real do que o claro-escuro tão valorizado pelos pintores barrocos. 90 . Havia algumas considerações gerais. tal como é a impressão visual que nos causam. Assim. foi eleito o chefe desse movimento que estava se iniciando. portanto. * As sombras devem ser luminosas e coloridas. A primeira vez que o público teve contato com a obra dos impressionistas foi numa exposição coletiva realizada em Paris.

Ele passa a ter consciência do caráter transitório. Nas suas pinturas vão empregar o caráter inacabado. 9. sem qualquer regra. de substituir tudo por coisas novas e industrializadas. mutável das coisas. os barrocos é que a descobriram. uma competição. 91 . Imperava a máquina fotográfica. com todos esses conceitos. Resolvem fazer um salão só para eles que vai ser denominado de "O salão dos recusados". 4. A fotografia vai ser importante nesse momento. O impressionismo é inovador não só da prática ao ar livre. 8. Os Impressionistas captam esse aspecto transitório da vida e do mundo. 10. Uso da temática japonesa. PRINCIPAIS CONCEITOS DO IMPRESSIONISMO 1. Vão fazer poucos detalhes. O homem percebe que sua existência é uma luta. Muita luz e amarelo. 7. Vão inventar a máquina fotográfica portátil. o fugaz. o reflexo como a luz e a fumaça e as nuvens são usadas constantemente. Mistura ótica das cores. é fonte imediata de sensações. foi a solução que abriu definitivamente novos horizontes para a Arte Moderna. Eles nunca tiveram a pretensão de descobrir a luz. O maior pintor Impressionista é Claude Monet. 12. 2. Diante disso o artista teve que repensar seu momento para mudar sua arte. pois provocaram uma verdadeira revolução na Arte. Desaparecem os contornos das figuras. Para os impressionistas a natureza não é um material de reflexão. Liberdade para captar. A forma é dada pela cor. 11. mas também no seu método de trabalho. O Impressionismo é definido como tentativa inédita de pegar a realidade da luz. Pinceladas bem amplas porque o tempo é escasso. 6. Tentam entrar nos salões e são impedidos. O efêmero. Vão lutar 30 anos para serem aceitos. É retirado o preto da palheta. Os valores mudam completamente. Passaram a fotografar tudo ao ar livre. O Impressionismo. Eles começam a pintar mais o que SENTEM do que o que eles VÊEM.O aprimoramento técnico em todos os setores do desenvolvimento industrial imperava o desejo do novo. 3. Muita luz e sombra. as impressões do momento. O pintor sai do atelier e vai pintar ao ar livre (acaba o “posar”). 5.

Monet. uma cultura nova. acinzentadas e muita montanha. aquele olhar que capta tudo. etc. Os impressionistas vão extrair. Como os impressionistas eram artistas de vanguarda.).Eles renunciaram a visão das formas que nós temos e a substituíram por um método em que o imaginário tem sempre um papel a desempenhar. eles ficavam muito impressionados pelo novo. (maçãs embaladas em papel. em sua pintura. Em 1862 foram abertos os armazéns do Porto de Desoye. a montanha da pintura japonesa e colocar na pintura deles como uma recordação. através de uma série de coisas. É uma obra em aberto. É uma simplificação idealista das perspectivas na superfície do quadro. na história da arte. ele apenas a sugere. onde os navios começaram a chegar com as mercadorias estrangeiras. é o "Triunfo do Espírito de Análise". por exemplo. De um modo geral. O impressionismo não é uma reprodução servil da realidade. A arte japonesa era uma arte pitoresca. popular. que é transitório. Eles utilizam cores leves. também colocou elementos da pintura japonesa como o biombo japonês com pássaros e flores. que foram os que mais sofreram influência japonesa. O motivo é captado quase que anarquicamente pelo primeiro olhar. um Samurai. A forma de perspectiva japonesa “perspectiva em corte de viés” vai ser usada algumas vezes por Van Gogh e Degas. Os artistas impressionistas descobriram o Japão por eles próprios. etc. Ele vão fazer a composição com o objetivo de registrar o momento. O imaginário é super importante. 92 . Os impressionistas já tinham a técnica inovadora. O tempo é o que importa e o que pela primeira vez foi representado. pelos impressionistas. requintada e lendária (de muitos séculos). JAPONISMO NO IMPRESSIONISMO: A casa de Claude Monet era inteirinha decorada pela pintura japonesa que estava no auge. Eles achavam que os japoneses tinham uma arte mais decorativa do que considerada como um estilo. Para a pintura japonesa o tema não é tão importante. A originalidade impressionista de captar o instante é chamada de "A Impressão Primeira". uma técnica nova. etc. Foi um modismo da época. Manet. Esta arte japonesa vai influenciar pintores como Manet. Os portos do Japão foram abertos e começou a chegar muitos produtos japoneses. A paisagem torna-se aquele "pega no ar". Achavam que o Japão era um povo diferenciado. Degas e Van Gogh. eles retiraram todos os conhecimentos dos japoneses.

entre elas "As corridas de Longchamp". o vento. Já no colégio Rollin. no Salon des Refusés (Salão dos Recusados). mas a família rejeitou sua pretensão de tornar-se pintor. a água. "Música nas Tulherias". Após a exposição realizada em sua memória. Jamais teve uma contemplação passiva com a natureza. A preocupação dele foi sempre reter na tela o sol. o infinito do mar. "O pífaro". embarcou com destino ao Rio de Janeiro. preferia ficar na praia. Taunay no livro No Rio de Janeiro de Dom Pedro II (1947). com o momento. foi exposto no ateliê de Manet. Quando ele tinha 5 anos a família foi morar no porto de Le Havre. Manet a expôs. A liberdade. o júri do Salão da Academia Real rejeitou o quadro "Déjeuner sur l'herbe". onde provocou a admiração dos jovens pintores que mais tarde integrariam o grupo impressionista. como aprendiz de piloto. traduzidas e comentadas por Afonso de E.PRINCIPAIS ARTISTAS ÉDOUARD MANET Édouard Manet nasceu em Paris. pintou "O bebedor de absinto" e. a tela "Olympia" provocou novo escândalo. Manet morreu em Paris em 30 de abril de 1883. No Salão de 1865. Foi então melhorando seu desenho e 93 . Tinha uma relação muito ativa e dinâmica com a obra de arte. seus pais finalmente aceitaram sua carreira de pintor. instalou seu próprio ateliê. em 1862. CLAUDE MONET: Nasceu em 1840 e morreu em 1926. ingressou no ateliê de Thomas Couture e. com o instante. a obra do pintor finalmente obteve reconhecimento. No início da guerra franco-prussiana de 1870. Em 1859. Após regressar à França. Manet se alistou na guarda nacional. A breve passagem pela cidade está documentada nas cartas que enviou do Brasil a seus familiares na França. demonstrou interesse pelo desenho. em junho de 1849. Embora inspirado em obras de antigos mestres como Giorgione e Rafael. Em 1874. onde fez os primeiros estudos. após seis anos. Não foi aluno brilhante na escola. o horizonte foi muito importante na sua formação. com a liberdade. Em 1863. chocados com a presença de uma mulher nua em meio a homens vestidos. Foi aí que aconteceu a segunda guerra mundial. onde o mar vai assumir muita importância para ele. em 23 de janeiro de 1832. Nasceu em Paris. Manet casou-se com Suzanne Leenhoff em 1863. Tinha uma mania de fazer caricaturas em seu caderno desde os 7 anos de idade. começou a pintar cenas de hipódromos. Aprendeu a vibrar com a paisagem. tornou-se amigo de Claude Monet e outros pintores impressionistas. Tinha uma forma de ver e sentir a dinâmica do tempo como nenhum outro pintor impressionista teve. filho de um comerciante de especiarias (que hoje seria um empresário). No ano seguinte. No ano seguinte. cena ao ar livre que reúne figuras da sociedade parisiense do segundo império. Na época. no instante em que isso acontecia e da maneira como o olho percebia. então. Em dezembro de 1848. Émile Zola publicou então um artigo em que o elogiava. o quadro provocou violenta reação dos críticos. rejeitado pelo Salão. obra revolucionária para os padrões da época.

Criava galinhas. 94 . conseguiu entrar. para o próximo encontro. Em Paris volta a pintar e nessa época vai conhecer Renoir e Sisley. Conheceu também Coubert (pintor Realista). cada uma de uma cor. azul e vermelho (cores primárias) e as cores complementares (roxo. laranja e verde). Desta vez Monet passa a cobrar dos marinheiros pois não os conhecia (10 a 20 francos por caricatura).passando a receber encomendas de mais caricaturas. em Argenteuil. para estudar na escola de Belas Artes de Paris. E. Holanda com o trem Maria-fumaça. O fundamental para os impressionistas era usar as cores amarelo. Ele é banqueiro. não ter dinheiro para pegar uma condução para visitar a esposa no Hospital que tinha dado a luz. Vai praticamente sustentar Monet que vai pinta muitos quadros para ele. sem exames e de ensino muito informal. Manet se reuniam para pintar na casa de Monet. como Monet já tinha lutado na guerra anteriormente. Monet passa por dificuldades financeiras quando nasce nessa época o seu primeiro filho Jean. Na Bélgica vai gostar mais do trabalho de Rubens. mas achou uma escola muito acadêmica. Monet estava tão pobre a ponto de quase não ter o que comer. os marinheiros também se interessaram e pediram então a ele que também fizesse caricaturas. Em 1866 pintou uma moça que achou muito bonita chamada Camille e expôs o quadro obtendo muito sucesso. messenas. onde ficou super depressivo. ele resolve então casar com Camille. Sisley. Vai estudar muito as obras de Constable e Turner. Monet passa a convidar gente para ir à casa dele. Os pais voltam a dar ajuda financeira até que Monet (de classe média alta) vai viver com uma modelo de classe social bem modesta. O pai incentiva-o a ir estudar em Paris. Com 17 anos decidiu ser pintor. pato. queijo e uma plantinha para fazer o seu jardim. Os seus amigos ajudavam dando comida para ele sobreviver. Vai decidir estudar no "Atelier Suíço". vai pegar sua esposa e filho e fugir para Londres. Lá ele conheceu Pissarro que foram pintar juntos em Mont Martre (onde os pintores pintavam muito). Renoir. Passa a fazer até caricaturas nos bares. que vai dar apoio substancial aos impressionistas. Não cobrava dos amigos. Começa a construir seu primeiro jardim. Monet vai pedir para que todos levassem flores. Cada um levava uma alimento como: pão. onde se empolga muito com o trabalho de Rembrandt. com exceção de Basile que morreu na guerra da Prússia. Foi nessa época interrompido pelo serviço militar tendo que ir para Argélia. Prestou um exame. Ele ficou tão desesperado que tentou o suicídio para que a sua família percebesse o seu problema. muito aberta e livre. Voltando da Argélia foi para a casa dos pais para se recuperar e onde decidiu voltar logo à Paris. chamado Paul Duran Ruel. Quando seu pai descobriu cortou sua mesada. Os pais não gostando dessa situação vai cortar novamente a ajuda financeira. O “Atelier Suíço” era uma escola de vanguarda. Em 1859 Monet leva uma carta de apresentação de uma tia (que pintava mal). crítico. A partir daí eles começaram a trabalhar “o que era impressionismo”. Vai conhecer um comerciante de arte riquíssimo. etc. Na França vai morar as margens do Sena a poucos quilômetros de Paris. onde vai passar frio e fome. Vai pintar o Parlamento em Londres (Renoir também pintou o parlamento). No cais de Le Havre. costume que os franceses não tinham. O dinheiro que arrecadava comprava mais material para sua pintura. Nessa época aconteceu a guerra franco-prussiana. Como não deram atenção. francês. Monet antes de voltar à Paris passará pela Bélgica. Todos os domingos os chamados rebeldes como: Pissarro. Não quis seguir nenhuma profissão que o pai escolhera para ele.

etc. Resolve comprar o terreno do outro lado da estrada em frente a casa. Ele vai expor 56 telas na galeria do Duran Ruel sendo quando quase um sucesso (pois não vendeu todas as telas). Constrói um jardim oriental aquático do lado de lá. comprando muitas obras durante 3 anos. Durante 30 anos Monet vai morar em Giverny pintando a mesma coisa. vai a falência. as Ninféias. Em 1878 nasce seu segundo filho Michael. O seu trabalho mais importante dessa época chama-se "Rua da Aldeia". pega uma charrete e volta para Giverny onde vai compra aquela casa. Vai 95 . As cores complementares virão sempre ao lado das cores primárias. Monet faz uma série de quadros de feno e outra série de pinturas. obras bem claras. Vai ser uma característica muito típica da linguagem impressionista. em uma exposição na Rússia. Já não interessa tanto percorrer o rio Sena a fim de pintar as diversas situações que aconteciam as suas margens. deixando-o muito deprimido. Vai pintar muito pouco e obras bem tristes. Depois de deixar o trem. Vai pintar em uma plataforma numa estação de trem para ver o trem sair e chegar. Kandinski com essa influência do Monet consegue se desenvolver para o abstrato. ele prefere focalizar o mesmo ambiente nas diferentes horas do dia". Vão tirar da paleta o preto e quase todas as terras como: terra-de-siena. O que importa para Monet é ver a luminosidade. do momento. Kandinski fica muito encantado ao ver os quadros de feno de Monet. Hoje você passa por baixo dessa estrada por um túnel. quando suas obras são mais alegres. A situação pessoal dele tinha altos e baixos. O artista vai se ligar muito na atmosfera. Percebe que tem que viajar ao longo do tempo. as brumas. Ao ar livre a cor do objeto muda muito em função da atmosfera que filtra a luz e permite o reflexo. e todo aquele envolvimento que o trem faz. Pinta cada vez mais e vai visitar Cezanne em L'Staque e depois Renoir. Monet passa a pintar mais em Giverny e a ganhar mais. festivas. Resolvem pintar também em outros lugares como na Cote d'Arzur. Vai melhorando e aumentando a casa. pintando ao contrário. de repente pode ser uma leve sugestão. ou as pessoas. que eram amigos da família de Monet. o lugar. Só que 1 ano depois em 1879 morre sua esposa. Monet vai deixar de escurecer as sombras. As sombras vão ser obtidas mediante o emprego das cores complementares. Eles vêem a natureza com a mente além dos olhos. Um dia passando por Rouen encontra uma casinha encantadora em Giverny. Começa a viver lá com os filhos que tinha e com a mulher e filhos de Hoscheder. Em 1875 conheceu um milionário chamado Hoscheder que vai ajudá-lo muito. A atmosfera muda o tempo todo conforme a hora. Passa a ser muito mais interessante a atmosfera do que a paisagem. Fica muito encantado com aquela pintura que dava a impressão de feno. a temperatura. Essa obsessão das cores complementares vai acontecer quando vão pintar ao ar livre. "Quando o artista Monet toma plena consciência da importância da atmosfera. onde é inverno e de uma tristeza profunda. deixa de viajar ao longo do espaço para viajar ao longo do tempo. Todos moravam ali por perto. Quando vai ao campo.As cores complementares vão ser um dogma para os impressionistas. Monet percebeu que as sombras não eram simplesmente áreas mais escuras. que tinha sumido. mas sombras com tonalidades diferentes e não mais só de uma cor. O que a pouco tinha uma forma volumosa. Fica feliz com o nascimento de seu segundo filho e nesta época também está ganhando melhor. bem iluminadas. bonitas e suas composições são melhores. sendo quase que uma abstração do conteúdo. Constrói um jardim de estilo normando maravilhoso. É a busca do tempo perdido. Monet vai sair de Paris e Hoscheder e sua família. pois vai refletir a tristeza que sentia pela morte de sua esposa.

Começou a pintar a série das ninféias no ano de 1899. ofício que aprendeu numa escola noturna. idoso. teve um período de rebeldia diante das obras de seus amigos. Um político francês fica encantado com seu trabalho e a partir de 1896 Monet é considerado o mais famoso pintor dos impressionistas. Seu principal objetivo. onde faz o maior sucesso. Aluga uma casinha em frente a Catedral para pintá-la em suas variações durante o dia. buscando o impressionismo por toda a sua vida e por esse aspecto vai ser muito mais bem aceito do que o próprio Renoir. Em 1896 vai expor essas pinturas na Galeria Duran Ruel. outono. Mais tarde retomaria a plenitude da cor e recuperaria sua pincelada enérgica e ligeira. Morreu em 05 de dezembro em 1926. pintando ao ar livre. nada o afasta de seu trabalho.pintar a Catedral de Rouen em 20 variantes no verão. conquistou a amizade de Sisley. evidente na longa série Banhistas. etc. Monet pintava o que gostava. ganhando muito bem. aqui e ali intensamente azuis. Renoir (1841-1919) começou muito cedo a ganhar a vida como pintor de porcelana. era conseguir realizar uma obra agradável aos olhos. Assistindo às aulas no ateliê de Gleyre. com motivos que lembram o mestre Ingres. Teve uma espécie de malária o que não diminuiu o seu trabalho. Renoir vai pintar as encomendas da família do banqueiro e as meninas no piano. AUGUSTE RENOIR De origem humilde. inverno. por sua beleza e sensualidade. Desde o princípio sua obra foi influenciada pelo sensualismo e pela elegância do rococó. conseguindo expor e vender. Monet era mais aberto e por isso vai ser um pintor quase que contemporâneo. Apesar de sua técnica ser essencialmente impressionista. Ele fica muito rico. com quem compartilhou dias de muita conversa e teorização em Paris e de árduo trabalho em Argenteuil. Renoir nunca deixou de dar importância à forma . Morreu no sul da França. “Monet buscou sempre a luz em movimento em uma atmosfera mágica”. 96 . Mesmo doente.de fato. Monet pintava o que queria. Em 1900 Renoir foi nomeado Cavalheiro da Legião de Honra. aceito publicamente antes de todos os outros pintores. como ele próprio afirmava. Sua obra de maior impacto é O Baile no Moulin de la Galette. na cidade de Cagnes-sur-Mer. São dezenas de trabalhos em estudos. no qual se voltou para uma pintura mais figurativa. em que conseguiu elaborar uma atmosfera de vivacidade e alegria à sombra refrescante de algumas árvores. São inesquecíveis poesias cromáticas. Enquanto Renoir trabalhava por encomenda. além de aperfeiçoar sua técnica. embora não faltasse um pouco da delicadeza de seu ofício anterior como decorador de porcelana. Monet e Bazille. telas.

O filho tinha uma relação estreita e afetuosa com ela. tendentes à desmitificação da mulher. A partir de 1870. GEOGES SEURAT Georges Pierre Seurat nasceu em 2 de dezembro de 1859 na Rue de Bondy. com a força descritiva do traço. juntamente com Aman-Jean. descendia de uma família abastada da classe média Parisiense. na turma de pintura de Henri Lehmann. Seurat é introduzido na pintura pelo seu tio materno. embora tivesse continuado a se dedicar aos quadros históricos e de gênero. quando. onde assistia às aulas de Lamothe. 97 . o comerciante de tecidos Paul Haumonté-Faivre. algo que Degas admirava em Ingres. quase cegas. nº 110. Seurat é admitido. Depois inscreveuse na Academia de Belas-Artes. Monet e Renoir. Entre 1875 e 1877 Seurat freqüenta o Curso de Desenho numa escola estatal noturna. um aluno de Jean Auguste Dominique Ingres.EDGAR DEGAS Nascido em uma família rica. em Paris. O pai. apenas uma vez por semana. freqüentou os melhores colégios de Paris e concluiu seus estudos de direito sem dificuldade. A mãe. em Le Raincy. Em 1876 estudou a Gramática das Artes do Desenho de Charles Blanc. Então iniciou uma amizade com Edmond Aman-Jean. Degas foi. Entre os anos de 1856 e 1857. Isso lhe valeu críticas e o apelido de solteirão misógino. fato que se reflete ainda mais em suas últimas obras. Ernestine Faivre. Chrysostome-Antoine Seurat. fazendo tentativas com planos e pontos de vista inusitados. ou numa casa na La Villette. entre outros. O tema principal de suas obras se concentrou nas cenas cotidianas e íntimas do mundo feminino. só podia pintar com pastel. cujo pai era banqueiro. tecnicamente falando. Durante o tempo da instrução escolar (1869-1876). Ele estuda os antigos mestres no Louvre. ele também era um pintor amador. que foi aluno de Ingres. tinha sido antes oficial de diligências em La Villette. Voltando à França entrou em contato com o grupo de impressionistas. mas ampliou depois esses critérios. que morava desde 1862 na Boulevard Magenta. não hesitou em aplicar todas as teorias renascentistas sobre espaço e perspectiva. na École des Beaux-Arts e ingressou. Nos primeiros quadros. em 19 de março. fez uma série de quadros de balé. Suas obras se encontram nos museus mais importantes do mundo. para estudar a obra dos mestres do cinquecento. fez uma viagem à Itália. Tinha reunido uma pequena fortuna e levou uma vida solitária como reformado na sua casa de Verão. interessado nas teorias de seus amigos do café Guerbois. principalmente. que o escultor Justin Lequien dirigia. De todos os impressionistas. Visitava a família. Degas (1834-1917). Todos esses temas lhe permitiram fazer experiências com a cor e o movimento e. Em fevereiro de 1878. nº 60. ópera e corrida de cavalos. Também se interessou vivamente pelos quadros de Ukiyo-e japoneses. o que melhor se utilizou da fotografia.

de 98 . fazendo e refazendo. e não faltam cenas que mostram um erotismo natural. Predominância dos valores emocionais sobre os intelectuais.PÓS-IMPRESSIONISMO O Expressionismo é a arte do instinto. representava uma forma de pensar a pintura como filosofia de vida. que. * dinamismo improvisado. * cores resplandecentes. segundo conhecidos do pintor. o pintor parte para o Taiti. mais do que um conceito artístico. “expressando” sentimentos humanos. vibrantes. * preferência pelo patético. As cores se estendem planas e puras sobre a superfície. martelada. ao medo. em oposição a qualquer naturalismo. * técnica violenta: o pincel ou espátula vai e vem. Apesar disso. áspera. trágico e sombrio OBSERVAÇÃO: Alguns historiadores determinam para esses pintores o movimento ”Pós Impressionista”. Suas primeiras obras tentavam captar a simplicidade da vida no campo. mais precisamente para Orléans. fundidas ou separadas. à prostituição. trata-se de uma pintura dramática. dá forma plástica ao amor. Aos 35 anos tomou a decisão mais importante de sua vida: dedicar-se totalmente à pintura. Principais características: * pesquisa no domínio psicológico. em busca de novos temas. quase decorativamente. para se libertar dos condicionamentos da Europa. Em 1887 entrou para a marinha e mais tarde trabalhou na bolsa de valores. No ano de 1891. é verdade que teve seguidores e que pode ser considerado o fundador do grupo Navis. fruto. Corrente artística concentrada especialmente na Alemanha entre 1905 e 1930. mas queriam leválos mais longe. Suas telas surgem carregadas da iconografia exótica do lugar. Gauguin voltou com os pais para a França. à miséria humana. subjetiva. à solidão. como demonstra o seu famoso Cristo Amarelo. ao ciúme. Os pintores não queriam destruir os efeitos impressionistas. empastando ou provocando explosões. Principais artistas : PAUL GAUGUIN (1848-1903) Depois de passar a infância no Peru. abrupto. * pasta grossa. Utilizando cores irreais. para ressaltar o sentimento. Sua obra. que resultou numa produção artística singular e determinante das vanguardas do século XX. Os três primeiros pintores abaixo estão incluídos nessa designação. foi tão singular como a de seus amigos Van Gogh ou Cézanne. algo que ele consegue com a aplicação arbitrária das cores. inesperado. longe de poder ser enquadrada em algum movimento. Deforma-se a figura. Começou assim uma vida de viagens e boemia.

Tem um livro chamado "As cartas de Van Gogh para Théo" (para quem quiser saber muito sobre sua vida). Tudo o que se sabe sobre Van Gogh foi obtido através dessas cartas. Nasceu em Zundert. e a partir daí eles permanecem ligados para o resto da vida. Van Gogh passou a sua vida toda vendo a lápide atrás de sua casa com seu nome. Vai se apaixonar por uma moça loira muito bonita. amarelos. o qual tinha o mesmo nome de Vicent Van Gogh. filosofia. A sede principal era em Haia. o que deixou-o muito perturbado. Embora tenha estudado muito pouco. ficando alguns dias com ele.sua paixão pelas nativas. voltou ao Taiti. próximo a fronteira da Bélgica. verdes e violetas. Em primeiro de março de 1857 nasceu seu irmão mais moço chamado Théo que vai ser o protetor de Van Gogh por toda sua vida. Quando eles se separam começam a se corresponder por sentirem muito a falta um do outro. Van Gogh foi morar e trabalhar com esse tio. realizou uma exposição individual na galeria de Durand-Ruel. tinha uma cadeia de lojas de livros de arte. Em 1872 Théo (com apenas 15 anos) vai se encontrar com Van Gogh em Haia. não se dava com ninguém. É por isso que foi um grande acontecimento em sua vida. por que não deu certo e fica nervoso. sua cultura vem de sua autoinstrução. Esse tio teve um papel muito importante na sua vida. Ele sempre andava vagando sozinho pelos bosques. Obra Destacada: Jovens Taitianas com Flores de Manga. extremamente solitário. filha do senhorio da casa onde ele está hospedado. VINCENT VAN GOGH Nasceu em 30 de março em 1853 e morreu em 1890. na aldeia holandesa de Brabant. Nasceu um ano depois que sua mãe perdeu o primeiro filho. Vicent Van Gogh foi uma criança muito difícil. Essa loja chamava-se Galeria Gropil com filiais em Haia. Em 1873 após esse encontro Van Gogh sai de Haia e vai trabalhar em Londres com o tio. o seu outro “eu”. Van Gogh tinha um tio que era próspero negociante em Haia. Ele se achava também muito feio. Amsterdã e Paris. Gostava muito de ler. de gravuras e de pinturas. A cor adquire mais preponderância representada pelos vermelhos intensos. Théo é o seu irmão. estudando essas gravuras. seu confidente. Queria que ele se desse bem em alguma coisa na vida. vivendo só 37 anos. etc. Quando voltou a Paris. problemática. mas não de escrever. as cartas que escreveu. Van Gogh nessa época tinha 19 anos. e que o entendia plenamente como se fosse o outro "eu" dele. a quem escreveu mais de 650 cartas. sobre os problemas da família. Essa criança nasceu e morreu logo após o seu nascimento e a mãe o enterrou atrás de sua casa. Cresceu sob o estigma do seu irmão morto. Van Gogh começa a ver as reproduções dos grandes pintores. Outra coisa que detesta em 99 . em quem podia confiar. com cabelo espetado. Foi a primeira grande desilusão amorosa de sua vida. não sendo nada correspondido. pensando. apaixonando-se por arte. Van Gogh vê no Théo sua alma gêmea. teologia. mas fixou-se definitivamente na ilha Dominique. Era um homem muito culto. A família se preocupava com ele. Os dois sempre vão ser muito leais e amigos um com o outro. Achava que tinha condições para se desenvolver como pintor. Van Gogh começa a falar de arte com o irmão. Resolve não se apaixonar mais por ninguém. A sua vida escolar foi muito fraca. A moça dizia para ele que era horroroso. Lia muito Platão. Ele vai primeiro para Haia trabalhar como empacotador de livros e despachos também.

mas achava que era impossível que ele fosse tão maníaco por religião. Fica frustado por querer ser pastor e o seu pai não o entender. O pai fica indignado com Van Gogh. Em Paris. reprovado nos exames de admissão. A impressão sofrida fortaleceu o desejo de trabalhar com os pobres e os humildes. que não eram vendidas na galeria de seu tio. das suas frustrações amorosas. ele vai ficar extremamente místico e fervorosamente religioso. muitas vezes em seus sermões. Em 1876 ele sofre sua primeira grande crise nervosa depressiva. O tio exige que ele freqüente somente a galeria dele ou que então Van Gogh vá embora. onde viviam os operários. Boudelert". em Etten. Tudo encanta. 100 . Adora Paris e odeia o seu emprego. O irmão fica horrorizado. Tinha a alma muito parecida com a dos pintores latinos. para passar o Natal com os pais. Só que o seu conhecimento por línguas era deficiente. Ao invés de desistir. Van Gogh resolve ficar na galeria.Londres é a falta de sol. fez um curso de pastor leigo em Bruxelas. Vai à Paris em 1875. Em Paris vai ler muito sobre os grandes escritores da época como "Floubert. no Boulevard do Capuccino. mas não adiantava dizer nada. só para ver a água da chuva batendo na luz e caindo nas poças. julho e agosto). levando-o a conhecer as condições miseráveis da zona leste de Londres. Foi. porque nasceu num país que tem somente 3 meses de sol por ano (junho. Tornou-se assistente de um pastor metodista e começou a pregar. ver o sol e os impressionistas que estavam acontecendo. suas palavras acabavam mais perturbando do que confortando os ouvintes. portanto. A partir dessa sua primeira crise. Chega a passar uma noite em Paris. em uma escola infantil. faltava do emprego para ir visitar as outras galerias. O seu pai era pastor. Resolve voltar para a Inglaterra. da família. Só Théo o compreende. enquanto trabalhava vendendo gravuras na loja do seu tio. ele tinha que visitar as famílias dos estudantes. pois poderia seguir a carreira do pai e do avô. Obs. Van Gogh era muito inconstante. Resolve voltar para a casa dos pais. Vai pensar o que fazer da vida. tudo o seduz. vai socorrê-lo. à parte: A obsessão pela religião parecia uma fuga da sociedade. Só que Van Gogh falava para os fregueses que comprassem as pinturas de outros pintores. Seu tio ficava muito aborrecido por ele ir visitar as galerias concorrentes. perto de Zundert. Com 22 anos briga com o tio. Resolve ensinar francês e alemão num bairro pobre da metrópole. Van Gogh falava que apreciava muito as outras galerias por ter outras pinturas bem diferentes e que o tio só tinha pintura acadêmica. Em 1878 volta à Holanda. Não gostava dos países nórdicos porque era anglo-saxão. A família resolve ajudá-lo a estudar teologia em Amsterdã. Incumbido de cobrar taxas da escola. onde é muito mal recebido. Fica quase com pneumonia e Théo. tinha crises fortes de rolar no chão (epilepsia). Era maníaco-depressivo. Fica muito deslumbrado com a luz de Paris e suas ruas movimentadas. Tudo o que ele fazia era extremamente exagerado. Devido a sua crise espiritual. Começa então a desavença com o tio. seu irmão. Passa a brigar com a clientela querendo impor o que ele achava. pois o tio era bom e só tentou ajudá-lo. ficando muito frustado e sem perspectiva para o futuro. Escreve uma carta para o irmão dizendo que a miséria o atraía. Quer ser pastor de pobre e não de rico.

sua irmã e camponeses em seus afazeres. em seu estúdio. ela pulou fora do relacionamento indo morar com os seus pais em Amsterdã. Christine não o acompanhou. dizendo que iria pegar mal na sociedade. Quando ele foi para lá a sua mãe. Por 2 anos não tem nada escrito que fale como ele sobreviveu esse tempo. Ele queria viver e casar com ela. Ela tinha um bebê e estava grávida de outro. Viajou a Courrières. Passou a desenhar seus pais. Perto de sua casa tinha uma viúva muito bonita chamada Kee Vos. mas sabia que seria um grande pintor. Um deles era o seu estúdio onde em 1885 vai pintar uma de suas mais famosas obras "Os Comedores de Batatas". onde passou a conviver com os mineiros. também. distrito mineiro do norte da França. quase não toma banho e muito sujo. Só que a miséria que ele achou na região era muito pior do que ele pensava. Ele sempre sabia que seria e se considerava um grande pintor. Passa dias sem comer porque o que recebia dos pais ele dava aos pobres. em sua casa. volta a pintar com a mesma paixão que ele teve no misticismo. Multiplicaram-se nesse período os desenhos com que retratava. Ela o aceitou. os homens que trabalhavam na terra quase só para comer e. agasalhos. Vai pintar obras fantásticas dessa prostituta. Resolve voltar para Haia. porque estava afastando os pobres da Igreja. pobre e seus pais resolvem não ajudá-lo mais. distrito belga de mineração de carvão. Théo começa a sustentá-lo a partir daí. Ela estava começando a gostar dele. a congregação o despede. que era uma prima afastada. Mais uma vez não deu certo sua vida amorosa. Um dos quadros mais bonitos que vai pintar sobre ela chama-se "Tristeza". Acolhido como amigo. aprendeu. mas estava doente com tuberculose. Pintou também "Camponesa Varrendo". fez uma mala farta de roupas. Quando ele decidiu mudar-se para o campo. dividindo o quarto com uma prostituta chamada Christine Sien. 101 . que o adorava. Fica praticamente sem roupas. Ele estava tão pobre que o dinheiro que recebia do irmão era pouco para comprar o material de pintura. Em 1882 vai morar num quarto horrível em uma casa. Em Haia recebe um conselho de um primo artista também. Vendo aquela pobreza. Van Gogh. as suas roupas para os pobres. em suas cartas. A ligação não durou muito. "Natureza Morta com Cinco Garrafas e Tigela". foi buscá-lo de volta para a casa. o de desenhar diretamente temas da natureza. Em 1883 Van Gogh vai à Holanda ver seu pai que tinha uma nova paróquia e sentindo-se incompreendido foi viver em dois quartos alugados nas proximidades. Depois do parto ela voltou a beber e Van Gogh não teve mais como ajudá-la. a vida daquela gente. mudou-se para Borinage na Bélgica. Quando ele ficou péssimo. Vai pintar muito o que tinha visto em Borinage. Estava em uma profunda crise mística. Théo vai escrever que se ele continuar com essa mulher ele vai parar de mandar dinheiro para sustentá-lo. etc. perspectiva e anatomia humana. Mas a família foi contra o relacionamento porque ela era viúva recente e prima. em novembro de 1878. Quando a família ficou em cima. Apaixona-se perdidamente por ela. Seu pai preocupado com as condições que o filho vivia. etc. Em abril de 1881 foi visitar Théo em Etten. Anthon Von Rappard.Três meses depois. Passou a estudar desenho em Bruxelas com um jovem estudante da Academia. meias. ele começa a dar tudo o que ele tem. como Cristo deu tudo aos pobres.

Não acreditava que não tivesse vivido lá anteriormente. Resolve fazer uma colônia de artistas. Em outubro chega Paul Gauguin para trabalhar com Van Gogh. O sul da França para ele tinha uma equivalência com o Japão. Renoir. Monet. só serviu para ele fazer desenhos sobre nus. 102 . que ele não tinha. Fica íntimo da família do carteiro. Degas e achava que todos eram antipáticos e metidos. Em seguida fica muito amigo de Pissarro e Paul Gauguim. quero que as cores representem o meu coração". Quando chega o verão. Cidade próxima de Marsseilles. Vai escrever: "Eu quero a luz que vem de dentro. Fica impressionado com essas obras. Antes de seguir para Paris. O sol do sul da França parecia explodir de tão forte e era o sol que ele chegou a pintar exatamente como era mais tarde. Fica muito amigo do proprietário do café e do tenente do exército. Nessa época ainda não tinha crise nenhuma e estava pintando muitos quadros impressionistas em Arles. Deve-se aproveitar sempre isso.Em 1884. Van Gogh fica apaixonado pelo sol que era tão forte a ponto de perturbar as vistas. em um apartamento muito bonito. Lá ele faz amizade com todo mundo. já que não consegue vender. Van Gogh e Toulouse Lautrec que também tinha uma vida bem à parte. Disse para o seu irmão que aquela era a pátria dele e que gostaria de viver para sempre lá. no bairro dos intelectuais e dos artistas. ficou em Antuérpia alguns meses. pinta todo mundo. Volta a Paris onde passará dois anos frutíferos entre 1886 e 1888. Expor para os impressionistas ainda era um obstáculo quase intransponível. eu quero que as cores representem as minhas emoções. porém. de ter abandonado toda a família e tudo para morar em Taiti (?). Vai de qualquer modo deixar a Holanda para sempre. Van Gogh destoava dos outros artistas porque os outros eram de família rica. O impressionismo estava no auge. Vai começar a pintar cada vez mais rápido. O motivo talvez tenha sido a morte do seu pai ou então o desejo de estar perto do irmão que se mudara para Paris. Van Gogh entra numa fase furiosa de pintar onde vai fazer uns 300 quadros em menos de 4 meses. Fica encantado com a luz do impressionismo e pinta algumas obras totalmente impressionistas. freqüentavam as grandes galerias. Pinta a família Rolan. É aí que vai pintar seu primeiro auto-retrato. O primeiro que quis que morasse com ele foi Gauguin. os grandes cafés e ele não. viviam bem. Continua a pintar como impressionista. Pede a Théo. Resolve se matricular em uma Academia de pintura acadêmica. Vai pintar o carteiro. Descobre a cor e escreve para o Théo: "A cor expressa algo em si. Vai convidar todo mundo para viver com ele ali. simplesmente porque ela existe. Não chega a ficar íntimo. Van Gogh não conseguia expor o que pintava. A luz vai iluminar os girassóis que pinta. Teve uma paixão por Paul Gauguin onde via a coragem nele. eram mais boêmios. Aluga um sobrado amarelo numa praça chamada "La Martine". onde fará as pinturas que mais conhecemos hoje. mudou-se novamente para França. Pelo histórico Van Gogh deve ter sido bissexual devido a tendência de gostar de mulheres e homens. Van Gogh sai de Paris e vai para uma cidade no sul da França chamada Arles. o padeiro. pois a cor é bela e o belo é sempre verdadeiro". Mas. Vai morar com seu irmão. que gerenciava uma galeria em Mont Martre. As pinturas de Rubens estavam espalhadas pelas igrejas e museus da cidade. Vai conhecer Manet. que dê ajuda financeira à ele.

em frente ao espelho. Vai visitar Van Gogh e faz com que um amigo seu. Van Gogh corta o lóbulo da orelha e o embrulha pedindo para entregarem à Gauguin. monótona.Gauguin era muito organizado com tudo. de mágoa. Cria um clima muito negativo para ele. Gauguin ficou muito nervoso e Van Gogh ameaçou ele com uma navalha. Cada vez que tinha uma crise e voltava muito fraco e abatido. Mandava seus quadros para Théo que não conseguia vendêlos. achando que era "Deus" e que podia reformar o mundo. Vivia intensamente cada momento de sua vida. Eles eram completamente diferentes. no prostíbulo. Começou a ter outra vez uma série de crises místicas. Tinha uma consciência muito grande do que tinha. No meio a uma discussão feia. Théo vai acumulando seus quadros. com as tintas. irritando-se muito com Van Gogh. Pintava. Ele adorava pintar lá. os pincéis e muito cheio de vida. Eles brigavam o tempo todo. Estando tão bem no hospital em Saint Rémy. Gauguin jogou vinho na cara do Van Gogh e foi embora para morar em um prostíbulo. Os médicos consentiram mas com a condição de que fosse vigiado por um guarda. o seu quadro onde aparece com a orelha cortada. ao redor do hospital até ao anoitecer. Gauguin era muito macho. Vai querer sair para pintar lá fora também. volta para sua casa amarela. Isso perturbou mais Gauguin dizendo que jamais pisaria ali novamente. próximo a Arles onde vai ficar 10 dias internado. Théo pergunta para o Van Gogh o que achava que deveria fazer. muito elogiosa. onde irá pintar o seu quarto. publique sua primeira e única crítica. Os médicos deixaram que ele transformasse o seu quanto em um atelier. ainda em Arles. tem uma melancolia muito forte. a morte talvez não seja a coisa mais difícil" (já começa daí a ter idéias sobre a morte). Ele já estava completamente expressionista distorcendo a imagem por vê-la também distorcida. O seu olhar era de espanto. todo o hospital. fica encantado. na casa de Théo. Van Gogh desesperado declara que gostava muito dele e de todas as formas. Van Gogh queria que Gauguin pintasse a mesma figura que ele e ficava discutindo sobre a pintura que saía diferente uma da outra. Volta a trabalhar com muita fúria. Vê anjos e demônios. Van Gogh pede ao irmão que o leve para um hospital psiquiátrico (não para completamente loucos) chamado Saint Paul. É nesse momento então que vai pintar. após suas crises. Vai para um outro hospital chamado Saint Rémy. enfim. 103 . Não gostou da cidade achando-a muito parada. Nesse momento escreve novamente para Théo: "Na vida de um artista. Ele se achava um grande pintor e por isso não acreditava porque não conseguia vender nada. todas as pessoas de Arles passam a detestá-lo por isso. Em maio de 1889 ele fala para o Théo que não dava para viver assim e que precisava ficar um tempo maior internado para melhorar e tomar remédio. Van Gogh jogou na cara do Gauguin que o Théo estava sustentando ele também. Um dia um pintor pontilhista chamado Signac vendo um quadro de Van Gogh. do seu trabalho. passava a pintar muitas paisagens que agrediam pela sua violência. Ao sair do hospital. a janela. Van Gogh achava que tinha perdido muito tempo durante sua crise sem pintar que fora dela passava a pintar tudo muito rápido em busca do tempo perdido. dono de um jornal da França. Acham que Van Gogh era louco e pedem para que o prefeito de Arles expulsem-no da cidade.

O sol e os grãos estavam bem dourados. que era próximo a Saint Rémy. toda estrutura para que ele pudesse pintar. Van Gogh. fazem uma estrutura para ele pintar um pouco melhor. Pissarro. O médico consegue explicar que ele estava passando por uma crise dificílima e que tinha que fazer isso. Gachet fala para o Théo que a situação de Van Gogh era grave e que estava no limite da loucura. Van Gogh é bem recebido por ele. Diz a Théo que o Dr. Ele dizia que não poderia morrer enquanto seu irmão não chegasse. ele pinta os seus famosos quadros: "Os Ciprestes". com um revólver na mão. Dr. sem guarda para tomar conta dele. vai para um campo de trigo bem próximo a sua casa. Gachet e dizendo ao seu irmão: "A miséria teve fim". Dr. morre na presença do Dr. Em outro dia ele entra numa crise horrível. Gachet houve o tiro e sai correndo. Gachet. Van Gogh tinha que ter a liberdade de trabalhar ao ar livre e pintar o que quisesse para depois voltar para casa. mas Lautrec conversa com o médico pois o acha muito perturbado. escreve para Théo. amigo dos artistas e que tinha uma visão muito moderna da psiquiatria. Em 27 de julho de 1890. Acaba então o momento de Paris onde ficou apenas 10 dias e volta com o médico para "Anvers". sozinho. além do seu irmão.Gachet perguntou para onde gostaria de ir e ele respondeu à “Paris”. achando-o fantástico. Pinta seus últimos trabalhos e começa a aceitar a sua doença achando que não tinha mais jeito. É carregado para a casa do Dr. pinta seu último quadro e dá um tiro no seu peito. notável e cheio de problemas. fazendo um preço especial. estando muito tranqüilo e lúcido. num domingo ensolarado (detestava domingos onde o tempo parava e ele era muito ativo). tentando socorrê-lo. Gachet estava querendo matá-lo e depois voltando atrás dizendo que não. descobre que era epiléptico (devido às crises em que rolava no chão) ou esquizofrênico. ficando em uma casa bem próxima a do Dr. acham que ele deve ter tido uma lesão cerebral ocorrida no parto. psiquiatra muito famoso na Europa. dois dias depois. Foi o único quadro de Van Gogh vendido durante toda sua vida. O médico achou que ele não devia ir sozinho e resolve acompanhá-lo até Paris onde vai encontrar Toulouse Lautrec. Nesse período. entrevista Van Gogh. céu incrivelmente azul. quando começa a ter mania de perseguição. pincéis. Hoje em dia. que ele está muito feliz. telas. mas isso não ocorre. Não se sabe onde se encontra esse quadro. Nessa fase Van Gogh consegue uma certa paz interior ao encontrar alguém que o compreende. Falava que gostava do Dr. retorcidos. já que é um grande artista. no final de sua vida. Van Gogh não quer ver o irmão e Théo fica muito magoado. Todos violentos. Sisley. Disse que não adiantava prendê-lo. Gachet e que precisava sair para respirar. porque além de ser maníaco-depressivo. Van Gogh vai gostar muito dele. Somente seis meses após essa publicação alguém resolve comprar o quadro "A vinha vermelha". Dr. Um dia. Vai confiar muito no médico. Ele tinha 37 anos. No dia 29. E ele consegue colocar na tela todo aquele desespero interior. que era muito amigo de Théo. Ele não morre na hora. Diz a Théo que vai cuidar dele. ainda vivo. Pinta mais de 200 desenhos e mais de 40 quadros a óleo em menos de 2 meses. Gachet onde passa a noite fumando cachimbo esperando por seu irmão Théo. Toulouse Lautrec. "O Trigal com Corvos". com Théo segurando sua mão. O filho do Dr. Dr.Pensou que essa crítica fosse ajudar a vender algum quadro. Gachet toda vez que ia a Paris trazia tintas. Gachet". "Retrato do Dr. Gachet. 104 . no sul da França.

embatido pelos sintomas da doença. Corre-se o risco de se fazer dele um herói e de se fazer dele distante. Pinta a sua realidade e o que vive. pintava com grossas camadas de tintas. se viveria pela e para a beleza e não existiriam a propriedade privada nem o dinheiro. Muitas vezes pegava o tubo e colocava a tinta diretamente na tela. Gostava demais de Millet. onde tudo seria partilhado. fundariam uma comunidade de artistas. homem incomum. Eu quero pintar de uma forma que todo mundo que tenha dois olhos possa ver claro. onde Théo tomava conta dessa galeria. Não se sabe bem se pelo pintor. depois os pintores franceses como Delacroix. somente ele. O seu apelo era para ele mesmo e não para a pessoa que estivesse vendo a sua pintura. É um grande pintor de todos os séculos. um expressionista sempre deforma com apelo à emoção e apelo social. como a que ele reclamava para contra balançar "a decadência do Ocidente". telas pequenas. e ficará fascinado com a personalidade arrebatadora desse artista aventureiro que acabava de voltar do Panamá e da Martinica com uns quadros cheios de luz e de vida primitiva. E corre-se o risco de cada vez mais entender Van Gogh” Van Gogh era um homem de uma riqueza interior genial." Exagerou muito nas cores.No sótão da galeria Gropil de Paris. Ali. pelo homem ou se pelo seu trabalho. 105 . Passa para sua pintura toda a sua perturbação e toda a sua tristeza. em Paris. Pinta muita figura humana e fala para o Théo: "Amo mais pintar os olhos dos homens do que as catedrais. Corre-se o risco de se perder no turbilhão confuso de sua pintura. da qual seriam os pioneiros. por que nos olhos deles há o que não existe em nenhuma catedral e em nenhuma construção. Ele queria pintar somente o que ele sentia. nessa casa amarela. Não procurou agradar nunca os outros. mas que sobreviveu através de sua pintura. Os olhos dos homens são imponentes e majestosos. Técnicas de pinturas utilizadas por Van Gogh: Suas primeiras influências foram os pintores holandeses como Rembrandt. Mas. Isso é o que eu chamo de simplicidade técnica". Gauguin a dirigiria e novos pintores chegariam para integrar essa confraria ou comuna fraternal. Nunca concordou quando Théo pedia para ele distorcer menos para que suas obras fossem vendáveis. Sua pintura é como um diário. A HISTÓRIA DE DOIS AMIGOS Van Gogh conheceu Gauguin poucos meses antes. É chamado de pintor expressionista. Escreve para o Théo: "Quando eu começo a pintar. Teve uma fase impressionista bem curta. As vezes pintava com o dedo. muita espátula. "Quando se estuda Van Gogh corre-se o risco de se apaixonar. Essa técnica chama-se "empaste". existiam 700 quadros de Van Gogh sem comprador. dava uma textura muito grande à sua tela. procuro uma técnica simples que não é impressionismo e nem pontilhismo. Deve ter pintado mais de 1000 obras. uma reflexão profunda do seu ser. Van Gogh não vai deformar com um apelo social em sua fase expressionista. Essa distorção era feita para ele e não importava se você entendesse ou não. Vermeer. dominado pela doença. Então pedira a seu irmão Theo que o ajudasse a convencer Gauguin que fosse à Provença morar com ele. Ele pintava muito para ele próprio. O seu apelo social ocorreu antes dele entrar nessa fase.

Gauguin e os policias o transferem para o Hotel Dieu e Gauguin parte para Paris na mesma noite. No dia seguinte lhe comunica a intenção de mudar-se para um hotel pois. no Taiti. um ano e meio depois. enquanto bebiam absinto. nas quais o episódio da mutilação da orelha e suas experiências em Arles primam pela ausência. era teimoso e pediu sementes a seu amigo Daniel de Monfreid. quando está atravessando o Parque Victor Hugo. com uma bala de revólver no estômago.acentua-se cada vez mais. talvez de um modo que nem sequer foi sempre consciente."). Por que se empenhou em semear girassóis diante de sua cabana em Punaauia. de tal forma que se torna impossível para ele recriar a realidade segundo “impressões” captadas pelos sentidos. em Arles e a descobre rodeada de vizinhos e policiais. Guaguin vai passar a noite num hotelzinho próximo. que mal se desvia dela. no bordel de madame Virginie. como se tratasse de alguém muito alheio a ele ("Foi uma sorte para ele. cones e esferas . Véspera de Natal de 1888. é óbvio que não o esqueceu.Os dois meses que Van Gogh e Gauguin passaram em Arles. como gostava de se chamar. enquanto Van Gogh permanecia um ano inteiro no sanatório de Saint Rémy. embrulhada num jornal a Rachel. Volta-se e vê Van Gogh com uma navalha na mão. Depois havia voltado ao seu quarto e ido dormir em meio a um mar de sangue. Às 7 da manhã volta à Casa Amarela. em Auvers-sur-Oise. nos meses seguintes. levando-a.como cilindros. são os mais misteriosos de suas biografias. foge. os amigos de Arles trocaram algumas cartas. termina de modo abrupto: o holandês lança sua taça contra o amigo. Punaauia. Gauguin fará um comentário brevíssimo e ríspido. prostituta com quem Van Gogh saia. Embora nunca voltassem a ver-se. puderam deleitar-se com aquelas estranhas flores amarelas que acompanhavam a trajetória do Sol. e trabalhou a terra com tal perseverança que afinal seus vizinhos indígenas e os missionários daquele lugar perdido. PAUL CÈZANNE (1839-1906) Sua tendência foi converter os elementos naturais em figuras geométricas . ao se sentir descoberto. Obras Destacadas: Castelo de Médan e Madame Cézanne 106 . Van Gogh havia cortado parte da orelha esquerda. lhe diz. Na véspera. que. que essa ausência esteve muito presente nos 15 anos de vida que lhe restavam. 'Quando do suicídio de Van Gogh. No entanto. ele poderia reagir com igual violência e apertarlhe o pescoço. E nos anos seguintes evitará falar do holandês. entre outubro e dezembro de 1888. como que assediado por um incômodo permanente. o fim de seus sofrimentos. quando todo mundo lhe garantira que essa flor exótica nunca havia conseguido aclimatar-se na Polinésia? Mas o "selvagem peruano". uma discussão no Café Estação. Gauguin sente passos às suas costas. caso o episódio se repetisse. Ao anoitecer. depois do incidente no parque.

"Au salon de la rue des Moulins" e inúmeros retratos. de linhas livres e onduladas. ingressou no Liceu Fontanes (posterior Liceu Condorcet) e. Em 1872.La Goulue". depois de bacharelar-se. gênero a que conferiu incomum aprofundamento psicológico com grande economia de meios. quando sofreu um acidente e quebrou o fêmur esquerdo. Interpretada como reação à condição física do próprio artista. sentia a estética acadêmica como algo cada vez mais restritivo e insuportável. em 1881. O surgimento da série coincidiu com a deterioração de seu estado físico e mental. quebrou o direito. Léon-Joseph-Florentin Bonnat -. que tornaria célebres em sua obra. Montou um estúdio particular em meados da década de 1880 e passou a freqüentar os teatros e cabarés do bairro parisiense de Montmartre. recebeu educação artística e praticou esportes até os 14 anos.veemente defensor das normas acadêmicas e contrário aos impressionistas --. O estilo pessoal de Toulouse-Lautrec. executada necessariamente em óleo sobre tela. São famosos "Moulin Rouge". Apesar do apoio do novo mestre. Entre as mais de 300 que produziu. 107 . que passa a ser apenas sugerido. A partir de 1892. Entregouse ao alcoolismo e seus modos irônicos não disfarçavam o sofrimento decorrente de sua deformidade. Dedicou então cada vez mais tempo à pintura. essa característica elimina a obviedade do movimento. no ano seguinte. As cores intensas. Ao contrário dos impressionistas. Nunca pôde se restabelecer e suas pernas atrofiadas e disformes dificultavam-lhe a locomoção. após grave colapso nervoso. onde conheceu Van Gogh e Émile Bernard. De família aristocrática. enfrentou a oposição familiar e decidiu tornar-se pintor. destaca-se a série Elles. abominava os desenhos do aluno. Em 1899. A simplificação do contorno e o uso de grandes áreas em uma só cor caracterizam os cartazes. sugerem movimento. As prostitutas. Em 1883. Um de seus primeiros mestres profissionais. desagradava a Toulouse-Lautrec. em Paris. As figuras são situadas na tela de forma a que as pernas não fiquem visíveis. que foi afixado nos muros de Paris. transgride freqüentemente as proporções anatômicas e as leis da perspectiva em favor da expressividade. Em 1891 ele criou seu primeiro cartaz de propaganda. dançarinas de cancã dos cabarés e outros personagens da vida noturna parisiense da década de 1890 eram seus modelos prediletos. Toulouse-Lautrec passou ao estúdio de Fernand Cormon. em 24 de novembro de 1864.TOULOUSE-LAUTREC (1864-1901) Henry Marie Raymond de Toulouse Lautrec “A idéia da pintura como obra de arte elevada. voltou a beber. demonstrou pouco interesse pelas paisagens e dedicou-se aos interiores. passou alguns meses num sanatório mas. Toulouse-Lautrec dedicou-se à litografia. "Moulin Rouge -. Menos de um ano depois. que estão entre suas obras mais significativas. sensível panorama da vida nos bordéis. França. em combinações rítmicas.” Henri-Marie-Raymonde de Toulouse-Lautrec-Monfa nasceu em Albi.

que por um longo período abandonou a pintura pela escultura. Modigliani morreu em Paris. mas pelo movimento e pelo alongamento dos traços. Essa fase se prolongou até 1914. segundo o artista. a partir de então. May Belfort e outros artistas. que Modigliani esculpia sempre diretamente na pedra. como o fauvismo. Amedeo Clemente Modigliani nasceu na cidade italiana de Livorno. Gironde. que prefigurou revolucionários movimentos artísticos do Século 20. expressavam "a muda aceitação da vida". o pintor alemão deu formas geométricas às cores e despojou-as de sua função decorativa por meio de contrastes agressivos. ao fim de três anos de vida boêmia. Toulouse-Lautrec e Picasso. na tentativa de preservar a unidade plástica do bloco. que expôs no Salão dos Independentes de 1909. caracterizada por um despojamento que alguns críticos creditaram a sua inclinação para a escultura. o cubismo e o expressionismo. Essa breve fase final do artista foi a mais importante de sua obra. Também a influência dos kouroi (esculturas gregas que representam jovens atletas desnudos) se faz sentir nesses trabalhos. Impressionado pelo cubismo. Apesar da excepcional popularidade de seus cartazes publicitários. quando o artista. França. só posteriormente reconheceu-se a importância de sua obra. muito influenciado por Cézanne. além das numerosas litografias. Por causa da saúde precária não recebeu educação formal e voltou-se para o estudo da pintura. que iniciou na cidade natal e prosseguiu em Veneza e Florença. em 12 de julho de 1884. Influenciado pelo cubismo e fauvismo. executou uma de suas obras mais importantes: "O violoncelista". em 9 de setembro de 1901. O encontro com o escultor Constantin Brancusi marcou a carreira de Modigliani. filho de abastada família judia. com o fim de manifestar sua verdadeira 108 . Com o raro dom de conseguir uma imediata empatia entre seus retratos e o observador. sobretudo das esculturas do Congo e do Gabão. KIRCHNER (1880-1938) Foi um dos fundadores do grupo de pintura expressionista Die Brücke. Modigliani marcou a pintura da primeira metade do século XX com suas figuras alongadas.Henri de Toulouse-Lautrec morreu no castelo de Malromé. sem dispor dos recursos necessários à produção de esculturas. retornou à pintura. em 24 de janeiro de 1920. que se destacam pelo despojamento e pela estilização. o artista executou nesse período esculturas nas quais se misturam influências da escola de Siena e da arte da África negra. AMEDEO MODIGLIANI (1884-1920) Um dos principais integrantes da escola de Paris. como os que fez para Aristide Bruant. os retratos e os nus femininos com modelos que. dotou suas figuras de uma sensualidade que se transmite não pela nudez. Os temas preferidos de Modigliani foram. Em 1906 mudou-se para Paris e. Jane Avril.

Sensivelmente influenciado pelos desastres da guerra. segundo o pintor. em sua primeira viagem a Túnis. e um ano depois tentou o suicídio. em 1931. para seis anos mais tarde. Klee emigrou para a Suíça. voltou a pintar ao ar livre. entrou em contato com os pintores da Nova Associação de Artistas e finalmente uniu-se ao grupo de artistas do Der Blaue Reiter. Pouco tempo depois reuniu-se com os pintores Heckel e Schmidt-Rottluf em Berlim. Depois de lutar durante dois anos na Primeira Guerra. como a forma. Demônios. mas antes apresentou suas obras em Paris. Em 1933. PAUL KLEE (1879-1940) Considerado um dos artistas mais originais do movimento expressionista. onde se encontrou com Delaunay. Quando finalmente sua contribuição para a arte alemã foi reconhecida. Dessa época são os quadros mais ousados de paisagens e nus. Em 1912 viajou para Paris. Entre eles merecem ser mencionados Anatomia de Afrodite. em 1940. com quadros de caráter quase surrealista. Convencido de que a realidade artística era totalmente diferente da observada na natureza. Flores Noturnas e Villa R. numa referência à frase do escritor: “. Klee juntou-se em 1924 ao grupo Die vier Blauen. Além de sua obra pictórica. foi nomeado membro da academia de Berlim. este pintor dedicou-se durante a toda sua carreira a buscar o ponto de encontro entre realidade e espírito.. ver sua obra ser destruída e desprestigiada pelos órgãos de censura. Klee estudou com o mestre Von Stuck em Munique. seus quadros se transformaram num amontoado neurótico de cores contrastantes e agressivas. Iniciou uma fase de grande produtividade. Quando suas mãos se recuperaram do ferimento. bem como cenas circenses e de variedades. Suas obras mais importantes estão dispersas pelos museus de arte moderna mais importantes da Alemanha. Em 1914 Kirchner foi convocado para a guerra. pode expressar ritmo e movimento". Tendo concluído seus estudos de arquitetura na cidade de Dresden. fundou o grupo Die Brücke (A Ponte. produto de uma profunda tristeza. Klee deixou vários trabalhos escritos que resumem seu pensamento artístico. Sua última exposição em vida aconteceu em Basiléia.a ponte que conduz ao super-homem”). criados. na primeira exposição dos surrealistas. que seria de vital importância para suas obras posteriores. As formas cúbicas da arquitetura e os graciosos arabescos na terracota deixaram sua marca na obra do pintor. Mas a grande descoberta ocorreria dois anos depois.visão da realidade.No final de 1938 o pintor pôs fim à própria vida. 109 . durante o nazismo. Depois de uma viagem pela Itália. motivados pela leitura de Nietzsche. em cima de "matéria e sonhos". em sua casa ao pé dos Alpes.. Kirchner tentou mostrar em toda a sua produção pictórica uma realidade de pesadelo e decadência. Kirchner continuou sua formação na cidade de Munique. com os quais. Veio então a época em que os pintores se reuniam numa casa de veraneio em Moritzburg e se dedicavam apenas ao que mais lhes interessava: pintar. Klee escreveu: "A cor. A exemplo de Kandinski. começou a trabalhar como professor em Dusseldorf e mais tarde na escola da Bauhaus em Weimar. Paralelamente.

Deformava em uma busca muito forte. Tanto o abstracionismo quanto o expressionismo estão muito fortes ainda no século XX. a belle epoque.O EXPRESSIONISMO O expressionismo sempre existiu e sempre vai denunciar. roxo. Pode ser preto. Esse termo vai existir também na música. É uma constante na história da arte. não importa a cor. vermelho. Vem do comportamento introvertido do homem. Obs. amargura. mas com conteúdo atual. O expressionismo nunca vai pintar sobre aquela emoção gostosa que se observa nos quadros impressionistas. Foi publicada pela primeira vez em uma revista alemã chamada de "A tempestade". filmes. Artistas alemães do princípio do século: Edward Münch (papa dos expressionistas) 110 . Essa revista veio a comentar que aqueles artistas expressavam só dor. de não facilidade para se expandir e falar com o próximo é que faz com que surja o expressionismo. o oposto da pincelada delicada do impressionista. Lá existe uma falta de comunicação muito grande. já era expressionista sem saber. Desde a pré história. como corrente artística. fotos. no final de sua vida.: música expressionista. Ninguém vai pintar mais sobre a “belle epoque” pois. Desde que o homem é homem ele faz expressionismo embora não fosse consciente dessa denominação. música. Existem dois aspectos no expressionismo: o aspecto técnico e o psicológico.: Quase todas as principais correntes expressionistas são nórdicas. muito violento. O impressionismo continua forte somente na forma e não mais no conteúdo. um apelo a sua emoção. registrar a dor humana. etc. Essa falta de comunicação. O aspecto técnico é aquela acentuação bem forte. não tem mais sentido de pintar o impressionismo hoje com o conteúdo do século passado. do que estava acontecendo no seu país. ao redor de tudo. Normalmente usam cores puras. que sempre existiu. bem preta dos contornos ao redor das figuras. Os primeiros artistas plásticos que foram chamados de expressionistas foram os alemães. muito rápidas. É muito forte. O expressionismo vai surgir. Ex. mas sempre vai ter contrastes violentos no interior da figura. O expressionismo. No aspecto psicológico é uma arte quase que de instinto. quando ocorre uma grande catarse que se projetará na pintura. Pode-se usar a mesma técnica hoje. não pode ser chamado de um simples estilo. É muito forte na Alemanha e nos países nórdicos. O expressionismo vai surgir entre 1904 a 1909. o tempo é ruim com pouco sol. porque as pinceladas são muito nervosas. no princípio do século XX. etc. quando o homem deformava um bisonte ou abutre. mudando tudo sobre a estética grega que estávamos acostumados a ter como padrão ou ideal de beleza. ficando meses trancados em casa por causa das tempestades de neve. Goya. solidão interior. ele já era expressionista deformando por necessidade própria.

etc. fantástica e onde colocam tudo o que eles sentem e sem muitos parâmetros com a arte acadêmica. Portanto. Como o Picasso. "A Ponte" também vai ter alguma coisa de arte selvagem. aquela dor". Normalmente a Arte Selvagem está muito ligada principalmente à arte da Polinésia Francesa. Nesse principio do século XX vai aparecer todos os “ismos” como: cubismo. O idealismo é a busca da beleza ideal superior a beleza. Esse grupo é fantástico formado por três artistas citados anteriormente excluindo-se Edward Münch e Emil Nolde. primitiva. "A Ponte" significa a ligação entre o visível e o invisível. Registra fielmente possível aquilo que os sentidos percebe. parecendo uma fotografia. Tudo é exagerado e tudo é distorcido para retratar "aquela emoção. Dentro da estética da arte existem 3 formas para representar o mundo: Realismo (Pintura hiper-realista) Idealismo (Pintura clássica grega. Essa influência "exótica" foi muito forte para os franceses e para os nórdicos. Quando o artista deforma a figura ele obedece a um desejo de fazer um apelo à emoção com muito vigor até mesmo na alegria. com perfeição. Todas essa correntes do principio do século vão ter influência da arte selvagem (dos africanos). É a representação mais usada no mundo todo. cubista. A arte da Polinésia é muito expressionista. Os impressionistas eram muito “doces” para esse “amargo” nórdico. abstrata) O realismo é quando o pintor representa o mundo exatamente como é. “Arte selvagem” é a arte da descoberta da existência da África. expressionismo. Ernest L. o expressionismo tem a ver com a arte selvagem. néo-clássica) Expressionismo (Pintura barroca. Karl Schimt Rotluff Otto Muller Emil Nolde Esses alemães vão fazer um trabalho chamado "A Ponte". É a própria deformação da figura. dadaísmo. É uma arte muito instintiva. Os principais enfoques do expressionismo são: No aspecto social. como todas essas correntes do princípio do século que ficam encantadas com essa arte. abstracionismo. todos os pintores expressionistas vão descobri-la. que se encontra dentro da própria pessoa. Eles vão pensar que o homem é livre. 111 . É lógico que essas correntes vão ter influências entre si. acadêmica. Todo o classicismo grego é idealista. o interesse pelo drama individual (oposto do impressionismo que só retratava o belo). impressionismo. Protesto contra tudo. renascentista.Kirchiner. fovismo. Expressionista é a emoção e o Impressionista a sensação. realista. como também é no renascimento. contra a burguesia (o expressionismo sempre vai ser um protesto).

ressurgindo novamente mais tarde. porque distorce para representar algo interessante e tem humor. O homem do século XX é extremamente individualista. etc. Não tem nenhuma aberração. os pintores se dispersaram tanto que quase acabaram com a corrente. Não existe uma regra ou característica muito unida. Existia uma diferença de conteúdo entre os pintores expressionistas nórdicos alemães e os pintores nórdicos franceses. Guerra Mundial. que surgira no início do século XX (1905-1906) e queria ligar os 2 mundos. O individualismo em um pintor expressionista é muito forte. Mexe com a cabeça. amargo. Tudo é possível. Rousseau nunca tinha visto uma floresta na vida. nasceu na cidade e vai pintar de uma forma primitiva. “Naífe” é o homem civilizado que sabe ler. O expressionismo não é belo no sentido da estética. O seu conteúdo será sobre os retirantes. fragmentado. “Primitivo” é o homem que nasce na selva. dolorido. mas pegou um livro de estória de seu filho e de lá tirou a imagem do macaco. Rousseau é um pintor primitivo. Uma obra expressionista é um golpe para quem a vê. Só pode ser colocado que se caracteriza pela distorção. como no renascimento. pois seu pai era médico e Münch presenciou esse assunto. mas cada um tem o seu estado mental que pode colocar no seu trabalho. A corrente expressionista tem uma forte distorção. Jamais seria um conteúdo dos países nórdicos. pintor francês expressionista. Rotluff. Os pintores expressionistas não eram muito unidos.: Edward Münch pintou muito sobre a morte. Ex. mas o estado mental difere de cada um que pinta. com as emoções. que é um assunto brasileiro. ou melhor "Naífe" (porque não nasceu na floresta e sim na França) vai pintar muito sobre a selva. É um pintor de 1885 ou 1886. Portinari é expressionista. da época dos impressionistas. os santos. no barroco (com a diagonal e sem uma figura no centro). acabou em 1913 por causa da guerra. é latino e vai pintar muito a igreja católica. a dor é bonita. O expressionismo vai expandir fortemente antes da 1a. A caricatura também é expressionista. 112 . como se fossem vitrais e a Joana D'Arc (que vai fazer um contorno preto na figura da Joana D'Arc como se fosse vitral). "A Ponte". Primitivo é o homem que nasce na selva. Vai pegar uma santa que jamais será tema dos expressionistas nórdicos alemães. O conteúdo é muito de cada um. nascido no Brasil. na Alemanha. etc.O expressionismo é praticamente o século XX. Um assunto expressionista é sempre distorcido. do leão. Com a guerra. O nome expressionismo surgiu em 1912. só que vai pintar de forma primitiva. uso de cores fortes. separando esses pintores. A personalidade do pintor expressionista tem como característica a necessidade de se isolar para criar uma técnica própria adequada para os seus fins pessoais expressivos. Existe uma abertura muito maior que no impressionismo. O impressionista vivia sempre em grupos.

em 1933. acabou deixando de ser para se tornar Paul Klee mesmo. ele tem que ser separado dos expressionistas por ter uma pintura diferenciada. Paul Klee nega a realidade da percepção normal transformando tudo o que você acha que é certo e normal. Expressionistas mexicanos: Diego Rivera Orosco Siqueiros Diego Rivera pintor mexicano. uma fauna estranha. na Suíça. Para ele tudo era normal e tinha lógica.: Jackson Pollock. vão ressurgir em várias partes do mundo como no Brasil. horrível. Era desenhista supremo. Paul Klee. Não segue nenhuma corrente artística. Entre os artistas modernos ele é o mais individualista. viveu muitos anos na Europa e escreveu que teve muita influência de Giotto e Velásquez. quando era jovem e foi pintar em Nova York. Alguns críticos acham-no um pouco infantil. Em 1921 foi professor de desenho da Bauhauss. Ele era um homem extremamente intelectual. de gente louca. Um pintor chamado Franz Marc pintou um quadro chamado "Cavaleiro Azul". Tinha um mundo próprio por criar leis próprias de perspectiva e de lógica. os expressionistas ressurgem com grande energia na Alemanha. etc. vai expulsar todos eles porque achava que pintavam uma arte degenerada. No pós-guerra. detalhista e sua arte se desdobra até o infinito. Nova York.Surge um outro grupo de expressionismo chamado de "O cavaleiro azul". Os expressionistas usam muita gravura em metal. Exilados. Paul Klee. Pollock acabou ajudando no trabalho de 113 . Tudo era religioso e mágico. Esses pintores desse grupo foram: Paul Klee. No Rockfeler Center também se encontra um grande mural dele. ficou impressionado pelo mural de Diego Rivera pedindo para que fosse ajudante dele. nasceu em Berna. Criou flores. etc. É considerado um dos grandes artistas do século XX. Kandinsky (grande paixão deles) e Franz Marc. Hitler. Outros pintores acharam fantástico o seu trabalho e se reuniram ao seu redor formando um grupo chamado Cavaleiro Azul (devido a esse quadro). Embora tenha pertencido ao grupo do "Cavaleiro Azul". na Alemanha. Obs. expressionista. Voltou ao México fazendo grandes murais em edifícios públicos da cidade do México. que surgiu no expressionismo. Eles eram partidários do abstracionismo. muralista. às vezes primitivo e louco. Expressionistas brasileiros: Mário Gruber Anita Malfati Portinari Grassmann.

114 . Tem uma linguagem de expressividade muito forte. mas a realidade e por isso sua vida foi difícil por quererem que ele pintasse a beleza. Zapotecas. episódios da mitologia mexicana. na figura do artista. ele jamais modificou o seu trabalho por causa disso. Ele não pintava a beleza. muito dolorida. Ele era um homem de personalidade muito forte. mesmo assim ele se tornou um pintor de peso. gerou uma pintura muito forte. muito forte. Diego Rivera vai pintar muito o seu folclore. Esse encontro dos dois não chegou a influenciar na pintura de Pollock. Astecas. a tradição dos Maias. É também muralista. Mas. Vai ter a coragem de pintar numa época muito difícil da realidade mexicana. Sua influência se deu mais na “força do homem". do que na própria técnica. Aquela revolução mexicana. O governo mexicano pedia que ele fizesse sua pintura de determinado forma por precisar do dinheiro americano mas.Diego Rivera.

foi o mais autêntico fovista. em arte. recorrendo a traços impulsivos e a pinceladas descontínuas para obter suas composições espontâneas. retratos e naturezas-mortas haviam adquirido uma entonação neoclássica. em 1908. 115 . ligou-se a Maurice de Vlaminck e a Matisse. · A cor pura deve ser exaltada.FOVISMO Em 1905. · Criar é seguir os impulsos do instinto. as sensações primárias. ANDRÉ DERAIN (1880-1954) Pintor francês. com os quais se tornou um dos principais pintores fovistas. · Colorido brutal. com o gradual desaparecimento da gestualidade espontânea das primeiras obras." Por volta de 1900. seus nus. em virtude da intensidade com que usavam as cores puras. dizia: "As cores chegaram a ser para nós cartuchos de dinamite. como saem das bisnagas. no mesmo estado de graça das crianças e dos selvagens. dizia: "Quero incendiar a Escola de Belas Artes com meus vermelhos e azuis. espontânea e definitiva. pintou figuras e paisagens em brilhantes cores chapadas. Características da pintura: · Pincelada violente. Seu estilo. · Ausência de ar livre. Nessa fase. pois estavam expostas um conjunto de pinturas modernas ao lado de uma estatueta renascentista. alguns artistas foram chamados de fauves (em português significa feras). desde então. em Paris. Principais Artistas: MAURICE DE VLAMINCK (1876-1958) Pintor francês. sofreu influências de Cézanne e depois do cubismo." Adotou mais tarde estilo entre expressionista e realista. não correspondendo à realidade. Após romper com o fovismo. · Uso exclusivo das cores puras. formando grandes planos. Na década de 1920. · As linhas e as cores devem nascer impulsivamente e traduzir as sensações elementares. não mudou. sem misturá-las ou matizá-las. · Pintura por manchas largas. não tem relação com o intelecto e nem com sentimentos. Os princípios deste movimento artístico eram: · Criar. Quem lhes deu este nome foi o crítico Louis Vauxcelles. pretendendo a sensação física da cor que é subjetiva. no Salão de Outono.

Nas suas pinturas ele não se preocupa como realismo. sem profundidade. tanto das figuras como das suas cores. Abandonou assim a perspectiva. escultor. Contrastes tonais e a geometrização da forma caracterizaram sua obra. também. evoluiu gradativamente para o fovismo. ele foi o único a evoluir para o equilíbrio entre a cor e o traço em composições planas.HENRI MATISSE (1869-1954) Pintor francês. que exploraram o sensualismo das cores fortes. ilustrador e litógrafo. Impressionista a princípio. depois de travar contato com Matisse. Morreu um ano depois de receber o prêmio de pintura da bienal de Veneza. como de pessoas ou de naturezas-mortas. gravador e decorador francês. 116 . Dos pintores fovistas. O que interessa é a composição e não as figuras em si. RAOUL DUFY (1877-1953) Pintor. Foi. as técnicas do desenho e o efeito de claro-escuro para tratar a cor como valor em si mesma.

etc. A arte Cubista é uma arte muito elaborada. Fernando Leger. Em uma pintura Cubista. ano em que Picasso chegou à Paris em sua primeira visita. É extremamente conceitual muito mais que perceptual. os artistas vão buscar em suas pinturas as aparências externas e o bom pintor será aquele que vai pintar realmente o objeto como ele é. De repente. Para ser um bom pintor cubista na essência certamente será um homem culto. Na arte também houve uma série de mudanças. Dúvidas. no início do século XX. 117 . Quando se fala em mudança precisamos falar de um estilo que mudou muito a arte no mundo e provocou uma revolução na estética. segundo o conhecimento intelectual que ele tem dessa representação. No ano de 1904 Einstein escreve sobre a teoria da relatividade que vai mudar totalmente o conceito do universo. Essa mudança foi realizada em 1906. Os pintores Cubistas como Picasso. Freud estava publicando a interpretação dos sonhos. Vai ser uma nova forma de ver e representar o mundo. A minha memória é que vai ter que olhar essas partes e montar novamente o objeto. É preciso muito estudo e intelectualidade. 1907 pelo Picasso quando ele pintou "Le Mademoiseille D'Avignon". Já em uma pintura como a Barroca ou Impressionista o fruidor vai usar o que sente para entendê-las. É por isso que é muito racional. racional. Ele é totalmente dinâmico. a particularidade cultural de cada objeto. desde o pré-renascimento até hoje. os mais famosos. Braque. O cubismo virou 400 anos de arte de pernas para o ar. do que emoçional e de sensação.CUBISMO É o início da idade moderna do mundo. O Cubismo procura a essência da visão humana. vão pintar muito mais o que sentem do que o que vêem. a partir de 1900. da razão. da arte. os pintores. A arte Cubista é muito mais conceitual. foram muito apoiados na imprensa pelos escritores que publicavam sobre essa nova arte muito intelectual. sobre o consciente e inconsciente. O pintor cubista vai pegar um objeto e quebrá-lo em partes. Pode também ser notado. Os cubistas vão pintar e representar um objeto através do lado que nós vemos e do lado que nós não vemos desse objeto. o surgimento de muitas dúvidas e interrogações. Ele vai imaginar. Vai depender muito da minha memória. Juan Griss. o fruidor vai ter que usar muito o raciocínio para entender a obra. Essa revolução foi fantástica. criar fragmentos para representar todos os lados do objeto. Durante cinco séculos. O Cubismo vai ser uma reação contra a afirmação de que o mundo que nos cerca é acadêmico. É a recuperação da nova visão da arte através de um conceito intelectual. O cubismo não aceita nunca o momento estático. por exemplo. Em 1900. O Cubismo se vale muito da memória do fruidor do que dos objetos concretamente vistos pelos olhos.

O objeto nunca vai ser representado como foi visto.: o artista vai representar um olho no lugar da testa e o outro na orelha. no Museu Moma mas. Quando morre sua cabra. Antes de falar sobre sua vida é preciso deixar registrado a soberba vitalidade de um artista continuamente dedicado à criação até seus últimos momentos de vida. 118 . O movimento cubista se divide em várias fases: FASE CEZANEANA. Dizem que foi Matisse que ao olhar o quadro do Picasso com Braque disse: "Você está pintando só cubo! Mas isso é cubismo!" Muitos outros também tiveram a mesma opinião. em New York. No museu Gugueheim. É muito importante conhecer Picasso porque todas as fases de sua pintura tem muito a ver com a retratação de sua própria vida e da época em que viveu. “Arte” é uma perene evolução. tem 8 obras dele. quando é totalmente fragmentado. Dono de uma dinâmica constante. mas como foi pensado pelo artista. por ex.Os Cubistas não dão valor à perspectiva. inclusive broches. Tem muita obra de Picasso em Barcelona. a do Museu Gugueheim é a melhor. o artista fragmenta e decompõe. no próprio rosto. Para que possamos entender Picasso. quando os artistas e principalmente Picasso e Braque se interessam e estudam muito as obras de Cezanne. temos que conhecer o homem e o artista. FASE SINTÉTICA. esculturas. na região a que pertence. Nessa fase toda sua pintura terá panos roxos. Você tem que montar a figura toda como em um quebra-cabeça. Dificilmente houve alguém que tivesse superado Picasso no sentido do que seria arte do século XX.: um olho pode estar localizado no dedo do pé. o Cubismo é considerado uma arte bastante intelectualizada. Foi cubista somente 5 anos e depois foi “Picasso”. FASE ANALÍTICA. Eles constróem espaços pictóricos onde eles determinam as representações. Essas obras são as melhores de cada fase. como exemplo: Durante a segunda guerra mundial quando os alemães bombardeavam Paris e ocorria o black-out. é procura. o que marcou sua obra. Nunca irá colocar o olho no joelho. sua obra é inconfundível. os aliados pediam que colocassem panos escuros roxos nas janelas para que os aviões não avistassem as luzes das casas. ele vai pintar tudo com cabra. A técnica cubista apresenta várias texturas. por ex. Na estética da arte. Sempre numa constante busca e inovação. Ele é extremamente individualista. Picasso sempre esteve em movimento criando e deixando estilos e frases de forma a garantir uma obra cuja característica básica era a busca de sua individualidade. seu bichinho de estimação. Tem aspectos extremamente renovadores para a época. quando começaram a fazer “colagens”. etc. A sua memória é que vai ter que montar a figura. É um espaço pictórico que não tem nada a ver com a representação da realidade. É busca. Foi um homem artista em perene evolução.

Os dois quadros ficaram idênticos. As letras gráficas vão aparecer com Picasso e Braque. que parecia um cone. PICASSO (1881-1973) Nasceu em 25 de outubro de 1881. Houve muita confusão para que os historiadores identificassem a obra de um e de outro. somente recortava assuntos fúnebres. Uma obra de arte do século XX. já que era um estudo. O mesmo com o jornal. na Espanha. Picasso vai assinar o nome no meio da obra como que fazendo parte dela. Quando o cubismo fragmenta tudo chega a ser quase um abstrato. exatamente nessa época que ocorre o cubismo. em "off": Picasso não chorou ao nascer. para depois sentir a emoção. na National Gallery de Londres. para que as pessoas soubessem distinguir entre Picasso e Braque. É o cotidiano. mas também pode ser abstrato. que era introspectivo. mais sentirá essa emoção. a imagem já é quase um abstrato. você tem primeiro que saber. entrou no quarto e achou que o nenê não estava respirando.Picasso falou o seguinte: "Para que vou pintar um pedaço de madeira. Esse hábito vai ser registrado historicamente nas obras de Picasso. Esse tio sem querer deu uma baforada no rosto da criança que começou a chorar.” Isso vai mudar muito a visão da arte. triste. nesse começo de século. Málaga. etc. Quanto mais você sabe. Braque. Por esse fato ele recebeu o nome do tio em 119 . Eles voltaram e surgiram com a idéia da colagem. Teve uma exposição somente com esses trabalhos. que fumava charuto. Na verdade o abstracionismo tem muito a ver com o cubismo. Picasso jamais iria fazer isso. areia. No cubismo analítico. O jornal vai ser muito usado na colagem. etc. sobre perdas. Uma obra cubista tem que ser vista pela razão para depois sentir a emoção. Obs. se posso colar a própria madeira na pintura?. etc. O cubismo sempre vai ser figurativo de um modo geral. a mulher. Seu nome completo é Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remédios Cipriano de La Santíssima Trinidad Ruiz y Picasso. É o novo homem que vai pegar esse hábito de ler jornal. cada um escolhendo seu pedaço de jornal. a vida. festas. Um tio chamado Salvador Ruiz. Braque e Picasso vão pintar juntos na montanha (onde Cezanne pintava). Essa exposição mostrava a diferença entre os dois: Picasso tinha recortes de jornal somente de assuntos alegres sobre touradas. de forma muito parecida e não vão assinar seus nomes. morte e sempre de circunstâncias do cotidiano como alguém que perdeu uma cadeira. entender. Tinha 2 irmãs e como filho único foi muito mimado.

etc. Essa obra vai ser premiada em Madri em uma exposição muito importante. Essa atitude de se colocar o sobrenome de todos os parentes na criança é muito comum na Espanha. Alguns dos grandes pintores da Espanha: Velásquez (barroco) Goya (no final da vida era expressionista) Murillo (barroco) Miró Gaudi (grande arquiteto) Salvador Dali Picasso Em 1900 Picasso vai à Paris em uma grande aventura para visitar a exposição internacional. Foi morar em Mont Martre que era mais barato e onde só vivia os intelectuais. O prédio em que morava parecia um barco e era tão feio que o pessoal da região apelidou de "le bateaux larvoir". Aos 23 anos Picasso começa a ser famoso em um lugar fora de sua pátria. de escritores. Picasso era um homem cheio de vida. Goya. da beleza. 120 . vai ser o ponto de encontro de artistas. dos odores. Fica então enlouquecido com o trabalho de Van Gogh e Toulouse Lautrec. Tanto Van Gogh como Toulouse Lautrec vão influenciar o trabalho de Picasso por pelo menos uns quatro meses. As pessoas admiravam o fato dele ser tão novo e ter um estúdio montado pelo pai para ele. Picasso adorava o pai que sempre o levava às touradas. Não queria que ninguém cobrasse ou controlasse a sua vida. Com 15 anos o pai já o considerava pintor e resolve alugar um espaço para montar o seu atelier. fazer exposições. quando Picasso saiu da Espanha. Foi auto-didata. Picasso conseguiu manter sua importância desde jovem até os 92 anos. da estética da cor. O atelier dele. Velásquez. mas ele não vai aceitar. Essa mescla do brilho.seu sobrenome. carismático. Cada parente que chegava e adorava a criança os pais colocavam o sobrenome no filho. onde Picasso fará cópias das obras de El Greco. Numa praça de touros ocorre um espetáculo brilhante com cores vivas. Ele disse que não iria querer nunca estar preso a nenhum marchand na sua vida e que queria ser um homem livre. tudo vai influenciar Picasso para o resto de sua vida. O marchand chegou a oferecer até um fixo mensal mesmo se ele fizesse somente uma obra por mês. um marchand vai se oferecer para cuidar de seus quadros. da crueldade. muita elegância e também muita crueldade. Quando Picasso tinha 14 anos já pintava com perfeição. Ele não tinha como pagar um lugar melhor para se viver. Nessa época Monet também estava vivo (vai viver até 1910). falante. O pai ao saber que o filho ganhou uma medalha de ouro resolve incentivá-lo a estudar em Madri. da doçura. Em "off": Em 1900. nesse "Bateaux". muito sangue. principalmente porque ele era o único menino daquela família que só tinha menina. no Museu do Prado. muito requisitada. Ele disse que fazia até dez por mês mas que não queria ficar preso a esse tipo de compromisso. onde os toureiros vão mostrar muita habilidade. Nessa época ele vai pintar uma obra chamada "Ciência e Caridade" e o seu pai vai posar como médico para ele.

histórias fantasmagóricas e folclores. Nesse momento de pesquisa. Esse encontro vai ser decisivo para ele. não conhece Fídeas. Roma. As máscaras que ele mais vai gostar são as máscaras da Polinésia. O cubismo para Picasso foi uma paixão exploratória que durou somente 5 anos. Nunca mais no futuro vai retornar a essa fase azul. Vai morar lá durante a sua “fase rosa” e onde começa a refletir sobre o seu trabalho que já estava cansado de fazer. badalados e ricos. 121 . Nessa fase ele vai retratar seres cruéis. o "triste". sendo conhecido como "O centro de arte moderna do mundo". que apelidou de "Rose Bombom". A fusão de dois mundos mágicos. inspirando-se na cultura espanhola cheia de superstições. eu acho". Conhece Braque. A arte africana vai ser o momento decisivo no entendimento da arte. fica amigo de muitos marchands. Ele vai pintar o que ele sente.Entre 1901 e 1904 ocorre a sua "Fase Azul". começa a vender bastante.: No mercado das pulgas de Paris. figuras que vivem à margem da sociedade. O azul tem uma ligação muito grande com o melancólico. As fases “azul” e “rosa” são as únicas que ele não vai voltar nunca mais. Obs. Ele vai acabar com 30 séculos de arte ocidental. Picasso vai pintar entre 1906 e 1907 a famosa obra "Les Mademoiselle D'Avignon". as figuras solitárias e melancólicas. de um modo geral. Ao parar de produzir a sua “fase rosa” ele vai falar: "Eu não procuro. Ele vendia tudo o que pintava. onde até hoje moram os artistas. quando ele vai pintar sobre as ruas pobres de Mont Martre. De repente ele se liberta dessa melancolia ao conhecer uma moça chamada Rose. atraía muito os intelectuais. Quando se fala de tristeza.guerra mundial. você vai encontrar muitas máscaras africanas de várias origens. muito felizes. que o colocam na alta sociedade onde irão comprar muito suas obras. que são as histórias folclóricas e a arte negra. vista como arte do século XX. o azul é o "Bleu". Mont Parnasse. voltando somente após o Cubismo. Picasso percebe que o artista negro não pinta raciocinando porque ele não conhece os cânones da arte (regras de beleza da arte). Grécia. A sua vida se torna "rosa". Conhece 2 marchands: os irmãos Léo e Gertrudes Stein. dançarinas sem olho (irreais). A partir de 1908 Picasso lidera o movimento cubista da Europa. A mudança foi radical. Começou a freqüentar lugares muito alegres. vai ter um encontro com a Arte Primitiva Africana. Ele vai entrar e sair dessa “fase negra”. A partir daí vai começar a “Fase Negra”. fascinantes. sobrenaturais. É uma nova visão de compreender a arte. Obs. lugar onde Picasso vai viver até o começo da 2a. Mudou-se para Mont Parnasse. É chamado de fase azul porque o azul é que predomina em todos os tons. Foi um escândalo tão marcante que Braque ficou sem falar com ele por 6 meses. Passa a pintar só de "rosa". vão fazer surgir no século XX uma das tendências mais importantes que é o CUBISMO. Em 1906 ele já era o jovem pintor mais conhecido de Paris.

era um dia de feira. convicção e com inúmeros desenhos preparatórios. Em 1931 essa bailarina foi substituída por Maria Teresa Walker. 2 se suicidaram porque ele as deixou. Das 5 esposas. Vai pintar sua obra prima "Guernica". Teve caso com as duas ao mesmo tempo e permaneceu com elas por algum tempo. De repente. à 1 hora da tarde. é reveladora.Em 1915 ele volta à um realismo mais sutil até 1925. Foi pintada com paixão. Isso é estilo pessoal de um gênio. Vai casar com Dora Maar e pintar muitos retratos dela. traspassado com uma lança nas costas. objetivo e subjetivo. Nunca mais vai voltar à Espanha até o Franco morrer.000 habitantes. é um jogo. A mulher sustentando uma lâmpada na mão. mostrando que é um pintor consciente e engajado socialmente na luta contra os mais fracos. A arte é perigosa. trabalhando sem cessar. uno e mutilado. tendo muito a ver com a arte do século XX: "A arte não é casta. Em 1920 se casou com uma bailarina russa chamada Olga. Guernica era uma obra que tinha as cores preto. Durante 3 horas jogaram bombas matando cerca de 1765 pessoas. não é arte. Vai escrever o seguinte. objetivo e subjetivo ao mesmo tempo. Só gênio consegue pode pintar uma coisa que é real e irreal. uno e mutilado." Segundo Mali: Tudo o que Picasso pintava era realista e irreal. Picasso 24 horas depois do acontecido começa a esboçar Guernica. No dia 26 de abril de 1937 ninguém falava de guerra. 122 . quando acontece a guerra civil espanhola. Começou a pintar em cores. Guernica é um mural bem trágico onde vai mostrar a tragédia humana. 3o. que vai ser o símbolo da justiça. mas sua pintura não é difícil de ser reconhecida. O touro de perfil que personifica a brutalidade. branco e cinza. Ele precisava voltar para se ordenar novamente interiormente. As pessoas saíram da feira e foram fazer a sesta. Foi então o primeiro bombardeio aéreo da história da humanidade de uma cidade inteiramente civil. Picasso tem muitas fases. Casou-se 5 vezes. Vai buscar a luz. Ele fez três coisas de imediato: 1o. Não esconde sua obsessão pelo sexo. A cidade tinha somente 6. Dois dias depois a Europa toda sabia da história. Guernica era um vilarejo Basco na província de Biscaia. que representa o povo. desistindo depois. Ninguém falava de guerra. Nesse período ele não vai querer voltar à Espanha para assumir a direção do Museu do Prado. A Dora Maar (que era fotógrafa) fotografou todas as etapas. além dos casos que tinha por fora. Ele tinha uma boa organização e um sistema de trabalho. Fez o cavalo agonizante. esquadrilhas de aviões das forças nazistas aliadas à Franco. Levou mais ou menos uns 4 meses para elaborar a obra. Se é casta ou não se revela. período onde sua pintura fica mais calma. Em 1936 ele vai ser nomeado diretor do Museu do Prado. não tinha o porquê. Ele disse o seguinte: “o retorno periódico à determinadas fases era como uma volta a obra à ordem dele”. 2o. Ele chegou a pintar as duas no mesmo dia. bombardearam a cidade. Fica o tempo todo morando na França e saudoso de seu país. Picasso tinha uma personalidade muito forte que vai ser muito importante para sua obra.

Nessa época ele já tinha 68 anos e vai trabalhar com cerâmica. tinha a Gestapo e a Resistência. está rico. ficando com ela. Paul Edward entrassem para ver a sua obra. Estava em Cap D'Antibes. mulher e filhos. Nessa época vai morar na Cote D'Azur. Essas esculturas ajudaram-na futuramente quando arrecada um bom dinheiro ao leiloá-las para ajudar financeiramente a sua obra de “proteção aos animais”. Guernica é trágica. em Madri. escultura e jóias. Guernica tem 7. em “off”: Salvador Dali conseguiu conquistar a mulher de Paul Edward. 123 . Chega o embaixador espanhol nazista que verá uma fotografia bem grande de “Guernica”. Vai morar e pintar muito. ao mesmo tempo que revela o palpitar da vida. além de ter muito mais esboços específicos. Eram esculturas parecidas com ela. Esta obra se encontrava no Museu do Prado e agora está no Museu da Rainha Sofia. baseada nos pintores clássicos. aos 55 anos. Ele resolve não esconder nada. O embaixador pergunta a Picasso: "Foi você que pintou isso?" Picasso responde: "Não. Fazendo uma análise da forma pode-se notar uma composição de estilo piramidal. Em "off": Na segunda guerra mundial quando os nazistas entraram na França e acabaram com Paris. É uma fantástica mistura de processos de composição. Além de transmitir uma grande emoção. com animais. De repente a Gestapo surgiu em seu Atelier quando Picasso estava pintando. em um castelo do século XVII que foi adquirido por ele. Picasso sempre pintava sozinho.80 m de comprimento e 3. Então o embaixador sai de seu atelier sem falar nada. bem na ponta do cabo. Picasso pertencia a Resistência ajudando muito os espanhóis. Picasso recebeu muito apoio dos pais. Por isso seu trabalho é tão polivalente. Picasso inventa e cria formas que ele abandona e depois volta a pintar novamente. Mas. É o pior do retrato do sofrimento humano. Obs. Picasso ao terminar Guernica em 1939.Nessa época. Disse: "Quando eu era criança minha mãe me dizia: se fores soldado chegarás a general. mas quando fez Guernica deixou que André Morrow (?). Quis ser pintor e tornei-me Picasso". Picasso disse que tinha repúdio a toda regra e convenções e com isso ele permanece um criador inesgotável.50 de altura. gravura. a sua forma é extremamente racional. Ele continuou estrangeiro na França. Fofoca: Quando a Brigite Bardot foi visitá-lo e ele se encontrava com 60 anos aproximadamente. a sua força criadora não pára. não usando cores. etc. Em termos de conteúdo vai mostrar sempre o palpitar da vida e a quietude da morte. a fugir. Em 1946 Picasso vai casar com a 4a. sem nunca ter se naturalizado. foi você quem fez isso!". se fores frade acabarás a papa. que eram judeus. mulher “François Gilot”. com muita fama. com quem ele vai ter os filhos Claude e Paloma. fez um monte de cerâmica terracota para ela. ele fez 57 esboços gerais diferentes antes da composição final.

Vai adquirir muito mais imóveis também. De 1910 a 1912. Em seguida fez experiências com colagem até 1914. Eu tento achar influências do mestre. essas coisas tão humanas. entre eles a “releitura das meninas de Velásquez”. a superfície da madeira e as superfícies douradas. um bom retratista de personagens famosos. iniciou-se também como rotulista. Foi filmado por Clouseaux. Compra também em Málaga uma fazenda imensa. quando começou a I Guerra Mundial. era um consagrado pintor aficionado. convertendo-se. mas ninguém pode querer pintar como Picasso. do encontro. se uniu ao Fauvismo durante dois anos (1905/7). A posterior admiração por Cézanne e o deslumbramento causado pelo autor das Les demoiselles d' Avigon. um duplex no Central Park. com quem tinha estabelecido uma sólida amizade. realizou as obras que hoje são conhecidas como cubismo analítico. Picasso compra um castelo na França e uma casa da Idade Média também. a ocasião. Um apartamento duplex em Paris. Vai então desenvolver uma série de trabalhos nessa época. Pintando o que nunca se viu. 124 .” BRAQUE Georges Braque (1882-1963). uma outra fazenda em Marbela.Em 1954 ele vai viver uma paixão muito forte com Jaqueline Roque. à vez. o mistério e o risco de ousar. vai comprar também uma ilha enorme onde vai construir um castelo como o da Espanha que tinha. ele mostrou a aventura do olhar. outro diretor. próximo à Capri. não teve e nem tem seguidores. Georges introduziu-se na tradição familiar graças a seu próprio pai. Em "Off": Jorge Amado que tinha adoração e muita amizade por Picasso. Para terminar. Morreu aos 92 anos em 09 de abril. influência à qual temos que acrescentar a de Renoir com sua Moulin da Galette. o imprevisto. etc. Mali descreve em seu livro: "Por estranho que pareça esse grande e talvez o maior artista plástico de nosso século. porque ele foi o único. fantástico diretor francês e por Alan Ransmie. por sua vez. Atraído por Matisse e por seu movimento. o mural "Guerra e Paz". a festa da revelação. a influência decisiva que Paris exerceu sobre ele foi através das salas do Louvre dedicadas à escultura egípcia e grega primitiva. seu pai negociava com a pintura e a decoração e. Contudo. em aprendiz de decorador: tinha que imitar o mármore. Na Itália. Mais de 30 filmes foram feitos sobre sua vida além de mais de 1400 livros em 40 línguas. convidou-o para ser padrinho da filha levando-a para a França. A aprendizagem técnica lhe fez entrar adulto na escola de Belas Artes do Havre e posteriormente no ateliê do pintor Lécin Bonnat . pintura que admirou e saboreou até saciar-se. Um exemplo desse estilo é Violino e jarro (1910). dizendo: "Concordo com Dom Quixote: meu repouso é a batalha". que ele nunca foi e onde mora hoje sua filha Paloma. pintor francês. o conduzem para a experiência cubista. o "Pombo" (Paloma) que para ele é o símbolo da paz. Por isso a filha de Jorge Amado chama-se Paloma Amado.

sala especial foi dedicada à retrospectiva de sua obra. André Lhote e Albert Gleisse. Presente na I e II Bienais de São Paulo. o chamado Grupo dos Cinco. Retornando ao Brasil em 1924. Iniciou-se então sua fase antropofágica. e influenciou Portinari. Em 1926 Tarsila expôs na galeria Percier em Paris. Em 1960 o Museu de Arte Moderna de São Paulo organizou retrospectiva de sua obra. da fase social. Concluído o conflito. na Pinacoteca do Estado de São Paulo. uma localidade na Normandia francesa cuja fria luminosidade parecia adaptar-se muito bem a seu próprio temperamento. Tarsila esteve ainda representada na mostra Arte Moderna no Brasil (1957). sob a orientação de Émile Renard. a partir de 1917. na XXXII Bienal de Veneza (1964) e na mostra Arte da América Latina desde a Independência (1966). Tarsila do Amaral nasceu em Capivari SP em 1886. Entre suas demais telas destacam-se "A negra". de retorno ao primitivo. Desta forma. Outra obra do mesmo período é "Segunda classe". Mobilizado. Formou. Entrou em contato com Fernand Léger. Deslumbrada com a decoração popular das casas dessas cidades. da qual o exemplo mais notável é o quadro "Abaporu". Foram apresentadas suas diversas fases e deu-se destaque ao quadro "Operários" (1933). percorreu as cidades históricas mineiras em companhia do escritor francês Blaise Cendrars. continuou sua amizade com Picasso. cujo estilo a marcou sobremodo. Braque recebeu uma séria ferida na cabeça que deixou cego. Em Paris freqüentou a Académie Julien. Na Bienal de São Paulo de 1963. embora lentamente conseguiu recuperar a vista. assimilou a tradição barroca brasileira às recém-adquiridas teorias e práticas cubistas e criou uma pintura que foi denominada Pau-Brasil. Integrou-se ao movimento modernista e ligou-se com especial interesse à questão da brasilidade. Essa pintura inspirou um movimento. que com o passar do tempo o levou a freqüentar Varengeville. foi premiada na primeira. e depois com George Fischer Elphons. Em 1922 participou em Paris do Salão dos Artistas Franceses. mas não seu vínculo artístico. Mário de Andrade e Oswald de Andrade. no Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo. e "São Paulo". variante brasileira do cubismo. em São Paulo. Braque seguiu o seu próprio caminho. Menotti del Picchia. Morreu no dia 31 de agosto com oitenta e um anos. TARSILA DO AMARAL Tarsila participou ativamente da renovação da arte brasileira que se processou na década de 1920. em suas produções posteriores aparecem paisagens e temas normandos. Recebeu a Cruz de Guerra e da Legião de Honra. Tarsila morreu em São Paulo SP em 17 de janeiro de 1973. Estudou com Pedro Alexandrino. e estruturou sua personalidade artística a partir das influências cubistas. 125 . com quem se casou em 1924. com Anita Malfatti. em que as cores são mais sombrias mas a nitidez anterior é conservada.A I Guerra Mundial separou a ambos artistas.

Um recurso dos mais originais que ele usou para representar o dinamismo foi a simultaneidade. junto com Giorgio De Chirico. onde apresentou regularmente suas primeiras obras em todas as exposições da Sociedade dos Amadores e Cultores das Belas-Artes. Preocupado. conheceu Marinetti. Um automóvel de carreira é mais belo que a Vitória de Samotrácia". O segundo manifesto. fez uma viagem a Paris. registrando a velocidade descrita pelas figuras em movimento no espaço. onde entrou em contato com a obra dos impressionistas e neo-impressionistas e participou de várias exposições. ele se separaria finalmente do futurismo para se dedicar àquilo que eles próprios dariam o nome de Pintura Metafísica. sua cidade natal. A formação acadêmica de Balla restringiu-se a um curso noturno de desenho. aderindo entusiasticamente à máquina. de dois meses de duração. em encontrar uma maneira de visualizar as teorias do movimento. Russolo. mostrou grande preocupação com o dinamismo das formas. CARLO CARRA (1881-1966). Para Balla. na Academia Albertina de Turim. Em 1895 o pintor mudouse para Roma. numa repetição quase infinita. Balla retornou às suas pinturas realistas e se voltou para a escultura e a cenografia. 126 . Os futuristas saúdam a era moderna. mas captar a forma plástica a velocidade descrita por ele no espaço. O futurismo é a concretização desta pesquisa no espaço bidimensional. que permitia ao observador captar de uma só vez todas as seqüências do movimento.Mesmo assim. Embora em princípio Balla continuasse influenciado pelos divisionistas. O grupo pretendia fortalecer a sociedade italiana através de uma pregação patriótica que incluía a aceitação e exaltação da tecnologia. e nele. Procura-se neste estilo expressar o movimento real. Dissolvido o movimento. Severini. em sua obra o pintor italiano tentou endeusar os novos avanços científicos e técnicos por meio de representações totalmente desnaturalizadas. apresentou em 1912 seu primeiro quadro futurista intitulado Cão na Coleira ou Cão Atrelado.FUTURISMO O primeiro manifesto foi publicado no Le Fígaro de Paris. ou desintegração das formas. O artista futurista não está interessado em pintar um automóvel. Boccioni e Giacomo Balla. embora sem chegar a uma total abstração. ou vários tempos num só espaço. Para os futuristas. Boccioni e Severini. Cinco anos mais tarde. não demorou a encontrar uma maneira de se ajustar à nova linguagem do movimento a que pertencia. os objetos não se esgotam no contorno aparente e seus aspectos se interpenetram continuamente a um só tempo. como seus companheiros. o poeta italiano Marinetti. de 1910. com a situação da luz e a integração do espectro cromático. Principais artistas: GIACOMO BALLA .. juntava-se a eles para assinar o Manifesto Técnico da Pintura Futurista. "é mais belo um ferro elétrico que uma escultura". dizendo que "o esplendor do mundo enriqueceu-se com uma nova beleza: a beleza da velocidade. Na volta a Roma. Um ano mais tarde. resultou do encontro do poeta com os pintores Carlo Carra. em 22/02/1909.

Ao voltar. De lá mudouse para Londres. com sua obra Dinamismo de um Jogador de Futebol. 127 . Um ano mais tarde assinou o Primeiro Manifesto Futurista. Juntou-se a Giorgio De Chirico e realizou sua primeira pintura metafísica. contratado para a decoração da Exposição Mundial. Logo fez amizade com os pintores Balla e Severini. Escultura Futurista. publicou o Manifesto Técnico da Pintura Futurista.Enquanto ganhava seu sustento como pintor-decorador freqüentava as aulas de pintura na Academia Brera. no qual foram registrados os princípios teóricos da arte futurista: condenação do passado. indiferença em relação aos críticos de arte e rejeição dos conceitos de harmonia e bom gosto aplicados à pintura. Representante do futurismo e mais tarde da pintura metafísica. Numa segunda viagem a Paris entrou em contato com Apollinaire. Ao voltar. Foi com a intenção de procurar as bases dessa nova estética que ele viajou a Paris. Em suas últimas obras retornou ao cubismo. Boccioni mudou-se ainda muito jovem para Roma. o pintor se alistou como voluntário e ao voltar publicou o livro Pittura. como num pseudofotograma. mostrou-se interessado na pintura impressionista. No início. pintor italiano. retomou as aulas na Academia Brera e conheceu Boccioni e o poeta Marinetti. Londres e Berlim. por definição suas obras mais futuristas. Boccioni conseguiu finalmente fazer a representação do movimento por meio de cores e planos desordenados. mas incorporando os conceitos de dinamismo e simultaneidade: formas e espaços que se movem ao mesmo tempo e em direções contrárias. principalmente na obra de Cézanne. Scultura Futurista. São Petersburgo e Milão.Publicou vários trabalhos. Nessa época iniciou seus primeiros estudos e esboços de Ritmo dos Objetos e Trens. Em 1912. participou da primeira exposição futurista. onde se encontrou com Picasso e Braque. Dinâmico Plástico (Pintura. entrou em contato com Carrà e Marinetti e um ano depois se encontrava entre os autores do Manifesto Futurista de Pintura. Nascido em Reggio di Calábria. redigido pelo poeta italiano e publicado no jornal Le Figaro. em 1916. onde estudou em diferentes academias. do qual foi um dos principais teóricos. Os retratos deformados pelas superposições de planos ainda não conseguiam expressar com clareza sua concepção teórica. A partir desse momento começaram a aparecer as referências cubistas em suas obras. Um ano mais tarde. Ao retornar. mas já em 1915 separou-se definitivamente do grupo. entre eles La Pittura Metafísica (1919) e La Mia Vita (1943). Suas obras ainda deixavam transparecer a preocupação do artista com os conceitos propostos pelo cubismo. em Milão. UMBERTO BOCCIONI (1882-1916). Fez então algumas viagens a Paris. Carrà não deixou de comparecer às exposições futuristas de Paris. Em 1900 fez sua primeira viagem a Paris. desprezo pela representação naturalista. sua obra se manteve sob a influência do cubismo. Modigliani e Picasso. Dinamismo Plástico). Durante a Primeira Guerra Mundial. na cidade de Verona. influenciou a arte de seu país nas décadas de 1920 e 1930. Morreu dois anos depois.

. A coragem. Queremos celebrar o homem que segura o volante. as academias de todo tipo. 128 . as locomotivas de amplo peito que se empertigam sobre os trilhos como enormes cavalos de aço refreados por tubos e o vôo deslizante dos aeroplanos. o patriotismo. O poeta deve prodigalizar-se com ardor. devoradoras de serpentes fumegantes: as fábricas suspensas das nuvens pelos contorcidos fios de suas fumaças. Queremos exaltar o movimento agressivo. cantaremos a maré multicor e polifônica das revoluções nas capitais modernas. porque queremos libertar este país de sua fétida gangrena de professores. o salto mortal. É da Itália que lançamos ao mundo este manifesto de violência arrebatadora e incendiária com o qual fundamos o nosso Futurismo. 1908. o gesto destruidor dos anarquistas. A poesia deve ser concebida como um violento assalto contra as forças ignotas para obrigá-las a prostrar-se ante o homem. de suores inúteis. um automóvel rugidor. publicado em 1909. Já não há beleza senão na luta. o hábito da energia e da temeridade.. Nenhuma obra que não tenha um caráter agressivo pode ser uma obra-prima. a insônia febril. que parece correr sobre a metralha. cujas hélices se agitam ao vento como bandeiras e parecem aplaudir como uma multidão entusiasta.empaste de escórias metálicas. cuja haste ideal atravessa a Terra. se queremos arrombar as misteriosas portas do Impossível? O Tempo e o Espaço morreram ontem. Queremos cantar o amor do perigo. contundidos e enfaixados os braços. 5. com o vulto coberto pela boa lama das fábricas . Queremos destruir os museus. os navios a vapor aventurosos que farejam o horizonte. 7. mas impávidos. a bofetada e o murro. pois criamos a eterna velocidade onipresente. Estamos no promontório extremo dos séculos!. 6. cantaremos o vibrante fervor noturno dos arsenais e dos estaleiros incendiados por violentas luas elétricas: as estações insaciáveis. cintilantes ao sol com um fulgor de facas. lançada a toda velocidade no circuito de sua própria órbita. o feminismo e toda vileza oportunista e utilitária. Cantaremos as grandes multidões agitadas pelo trabalho. Afirmamos que a magnificência do mundo se enriqueceu de uma beleza nova: a beleza da velocidade. e combater o moralismo. Por que haveremos de olhar para trás. 8. Um carro de corrida adornado de grossos tubos semelhantes a serpentes de hálito explosivo.Fragmento "Fundação e manifesto do futurismo". 9. arqueólogos. fausto e munificência. as bibliotecas.. 11. de fuliges celestes -.. a velocidade. é mais belo que a Vitória de Samotrácia. ditamos nossas primeiras vontades a todos os homens vivos da terra: 1. pelo prazer ou pela sublevação.única higiene do mundo -. o êxtase e o sono. a audácia e a rebelião serão elementos essenciais da nossa poesia. a fim de aumentar o entusiástico fervor dos elementos primordiais. cicerones e antiquários. as pontes semelhantes a ginastas gigantes que transpõem as fumaças. 3. 4. 10. as belas idéias pelas quais se morre e o desprezo da mulher. o militarismo. "Então. Vivemos já o absoluto. Até hoje a literatura tem exaltado a imobilidade pensativa. 2. Queremos glorificar a guerra .

tão ruinosa quanto a tutela prolongada dos pais para certos jovens embriagados por seu os prisioneiros. a alegria de ver flutuar à deriva..) é. as velhas telas gloriosas!. nossa frágil coragem. os martelos e destruam sem piedade as cidades veneradas! Os mais velhos dentre nós têm 30 anos: resta-nos assim...Há muito tempo a Itália vem sendo um mercado de belchiores. em vez de projetá-la para longe.. Museus: dormitórios públicos onde se repousa sempre ao lado de seres odiados ou desconhecidos! Museus: absurdos dos matadouros dos pintores e escultores que se trucidam ferozmente a golpes de cores e linhas ao longo de suas paredes! Que os visitemos em peregrinação uma vez por ano.. rasgadas e descoradas sobre as águas.. em violentos arremessos de criação e de ação. da qual saís fatalmente exaustos... vá lá. desperdiçar todas as vossas melhores forças nessa eterna e inútil admiração do passado. para os artistas.Pois é isso que queremos! Nossos sucessores virão de longe contra nós. nós. Aqui!. das bibliotecas e das academias (cemitérios de esforços vãos. estendendo os dedos aduncos de predadores e farejando 129 . tudo bem. Admirar um quadro antigo equivalente a verter a nossa sensibilidade numa urna funerária. como se visita o cemitério no dos dos mortos. Por que devemos nos envenenar? Por que devemos apodrecer? E que se pode ver num velho quadro senão a fatigante contorção do artista que se empenhou em infringir as insuperáveis barreiras erguidas contra o desejo de exprimir inteiramente o seu sonho?. como manuscritos inúteis.. pelo menos um decênio mais jovens e válidos que nós jogarão no cesto de papéis. Queremos libertá-la dos incontáveis museus que a cobrem de cemitérios inumeráveis. dançando à cadência alada dos seus primeiros cantos. Oh. diminuídos e espezinhados? Em verdade eu vos digo que a frequentação cotidiana dos museus.. pois. Ponham fogo nas estantes das bibliotecas!. do passado. já que para eles o futuro está barrado.. Empunhem as picaretas.. Quereis. os machados. os alegres incendiários com seus dedos carbonizados! Ei-los!. calvários de sonhos crucificados. de toda parte. Mas não admitimos passear diariamente pelos museus nossas tristezas. Museus: cemitérios!. Mas nós não queremos saber dele. . realmente.. Desviem o curso dos canais para inundar os museus!. jovens e fortes futuristas! Bem-vindos. Que uma vez por ano se desponta uma coroa de flores diante da Gioconda... pois.. Idênticos. pela sinistra promiscuidade de tantos corpos que não se conhecem. registros de lances truncados!. vá lá: o admirável passado é talvez um bálsamo para tantos os seus males... nossa mórbida inquietude.

A forte e sã Injustiça explodirá radiosa em seus olhos . Martins Fontes. não pode ser senão violência. de amor. crueldade e injustiça. sob um triste galpão tamborilado por monótona chuva.. impelidos por um ódio tanto mais mais implacável quanto seus corações estiverem ébrios de amor e admiração por nós. Basta! Basta! Já as conhecemos. Cabeça erguida!... ofegantes de angústia e despeito. inestancável audácia. .. Nossa bela e mendaz inteligência nos afirma que somos o resultado e o prolongamento dos nossos ancestrais. e nos verão agachados junto aos nossos aeroplanos trepidantes..Chipp. Eretos sobre o pináculo do mundo. Estais admirados? É lógico.... delirantemente. precipitadamente. de ódio e de velocidade!.. Mas nós não estaremos lá. Os mais velhos dentre nós têm 30 anos: no entanto.. até perder o fôlego. 1993) 130 . mais uma vez lançamos o nosso desafio às estrelas. sem jamais repousar.caninamente." (Teorias da Arte Moderna. se precipitarão para matar-nos. Eles se amotinarão à nossa volta.. H. mil tesouros de força.. Ai de quem nos repetir essas palavras infames!. Olhai para nós! Ainda não estamos exaustos! Nossos corações não sentem nenhuma fadiga. sem calcular.. Por fim eles nos encontrarão .. às portas das academias. de fato. Mas que importa? Não queremos entender!.. mais uma vez lançamos o nosso desafio às estrelas! Vós nos opondes objeções?. Já entendemos!.A arte.Talvez!.uma noite de inverno . já prometidas às catacumbas das bibliotecas. de audácia.. e todos.. temos já esbanjado tesouros.B. o bom cheiro das nossas mentes em putrefação. Seja!... de astúcia e de vontade rude. porque estão nutridos de fogo.. pois não vos recordais sequer de ter vivido! Eretos sobre o pináculo do mundo. aquecendo as mãos ao fogo mesquinho proporcionado pelos nossos livros de hoje flamejando sob o vôo das nossas imagens.em campo aberto. exasperados pela nossa soberba... sem jamais hesitar.

131 . Giorgio De Chirico constitui um caso singular: poucas vezes um artista alcançou tão rapidamente a fama para em seguida renegar o estilo que o celebrizara e cair em um esquecimento quase absoluto. em que buscava a unidade das coisas do universo. enigmáticos e sem rosto. legumes. solitários. nus ou vestidos à moda clássica. através de associações pouco comuns de objetos totalmente imprevistos. numa transfiguração toda especial. sombras sedutoras e cores ricas e profundas. nascido na Grécia. principal representante da "pintura metafísica". Notável por suas naturezas-mortas. em curiosas perspectivas divergentes. ciência que estuda tudo quanto se manifesta de maneira sobrenatural. idealizadas. pintor italiano. Tem inspiração na Metafísica. caixas e lâmpadas velhas. pintor italiano. que pareciam simbolizar a estranheza do ser humano diante do seu meio ambiente. GIORGIO MORANDI (1890-1964).PINTURA METAFÍSICA A pintura deve criar um impressão de mistério. de plástica despojada e escultural. recorte intimista e atmosfera de luz cinza-clara às naturezas-mortas que pintou usando como modelos frascos. Também usada nas suas obras manequins. As suas obras retratam cenários arquitetônicos. A pintura metafísica explora os efeitos de luzes misteriosas. perpassado de inquietações metafísicas. frutas. irreais e enigmáticos. garrafas. onde colocava objetos heterogêneos para revelar um mundo onírico e subconsciente. Conferiu imobilidade e transparência de formas. muitas vezes com a inclusão de estátuas. Principais Artistas: GIORGIO DE CHIRICO (1888-1978). manequins. em arcadas e arquiteturas puras.

religião. Esse nome escolhido não fazia sentido. exilados na Suíça. o Dadaísmo defende o absurdo. assim como a arte que perdera todo o sentido diante da irracionalidade da guerra. Depois fez interferências (pintou bigodes na Mona Lisa. se tivessem permanecido em seus respectivos países. pronto. Fundaram um movimento literário para expressar suas decepções em relação a incapacidade da ciências. firma-se como um protesto contra uma civilização que não conseguiria evitar a guerra. Politicamente . pintor e escritor francês. surrealismo e dadaísmo. para demonstrar seu desprezo pela arte tradicional). Sendo a negação total da cultura. selecionado e combinando elementos por acaso. Dada é uma palavra francesa que significa na linguagem infantil "cavalo de pau". eram contrários ao envolvimento dos seus próprios países na guerra. a desordem. sua arte abriu caminho para movimentos como a pop art e a op art das décadas de 1950 e 1960. adquiriam a condição de objeto de arte. a incoerência. Ready-Made significa confeccionado. o Dada foi um movimento de negação. Colaborou com Tristan Tzara na revista Dada. antes do surgimento do grupo Dada (Zurique. inventou mecanismos ópticos. filosofia que se revelaram pouco eficazes em evitar a destruição da Europa. Reinterpretou o cubismo a sua maneira. O experimentalismo e a provocação o conduziram a idéias radicais em arte. Envolveu-se sucessivamente com os principais movimentos estéticos do início do século XX. tratado como objeto de arte por opção do artista. Criou os ready-mades.DADAÍSMO Formado em 1916 em Zurique por jovens franceses e alemães que. Em 1917 foi rejeitado ao enviar a uma mostra um urinol de louça que chamou de "Fonte". Principais artistas: Marcel Duchamp (1887-1968). após leve intervenção e receberem um título. A palavra Dada foi descoberta acidentalmente por Hugo Ball e por Tzara Tristan num dicionário alemão-francês. Durante a Primeira Guerra Mundial. 132 . como cubismo. interessando-se pelo movimento das formas. o caos. teriam sido convocados para o serviço militar. Expressão criada em 1913 pelo artista francês Marcel Duchamp para designar qualquer objeto manufaturado de consumo popular. artistas de várias nacionalidades. objetos escolhidos ao acaso. François Picabia (1879-1953). O fim do Dada como atividade de grupo ocorreu por volta de 1921. 1916). pintor e escultor francês. Sua proposta é que a arte ficasse solta das amarras racionalistas e fosse apenas o resultado do automatismo psíquico. e que.

esteve envolvido em outros movimentos artísticos. fotógrafo e pintor norte-americano. a raiografia. com a nova atividade. e esfregar um lápis de cor ou grafita. abandonou a abstração pura que praticara por anos e criou pinturas baseadas na figura humana. Em 1921 contata com o movimento surrealista na pintura. ou fotograma. são exuberantes nas cores e sugerem formas metálicas que se encaixam umas nas outras. Max Ernest (1891-1976). Man Ray (1890-1976). composições que sugerem a múltipla identidade dos objetos por ele escolhidos para tema. o frottage também era considerado um método que dava acesso ao inconsciente. com a superposição de formas lineares e transparentes. de modo que o papel adquira o aspecto da superfície posta debaixo dele. como a madeira de veios salientes. em 1915 conhece o pintor francês Marcel Duchamp. Formas e cores tornaram-se a seguir mais discretas. Depois de 1927. adepto do irracional e do onírico e do inconsciente. 133 . até que por volta de 1916 o artista se concentrou nos engenhos mecânicos do dadaísmo.Suas primeiras pinturas cubistas. pintor alemão. desenvolve a sua arte. de índole satírica. Como o artista não tinha controle sobre o quadro que estava criando. criando técnicas em pintura e escultura. eram mais próximas de Léger do que de Picasso. Inventou técnicas como a decalcomania e o frottage. Trabalha como fotógrafo para financiar a pintura e. criando imagens abstratas (obtidas sem o auxílio da câmara) mas com a exposição à luz de objetos previamente dispersos sobre o papel fotográfico. com quem funda o grupo dadá nova-iorquino. No Dadaímo contribuiu com colagens e fotomontagens. que consiste em aplicar uma folha de papel sobre uma superfície rugosa.

É uma linguagem completamente abstrata. Abstracionismo não se prende a realidade existente. Existem muitas outras formas geométricas que foram usadas por eles e que de forma nenhuma estão inspirados na realidade. cores e texturas. vivendo em um clima tenso.ABSTRACIONISMO O período do abstracionismo começou em mais ou menos 1911. Essa época coincide quando Kandinsky vira uma tela de aquarela de ponta cabeça. mas que ninguém sabe ao certo se foram eles que a criaram. O grego também foi um povo que usou muito do abstracionismo. O abstracionismo surgiu por vários fatores sendo um deles o cansaço do realismo. Esses desenhos se desprendem da realidade enquanto formas. Outro motivo seria uma nova visão decorrente do impressionismo (pinceladas soltas que se parecem com manchas abstratas). que são criadas por um processo muito interior. e retiradas do mundo externo. Ele pode ter uma somatória de características além do abstrato. mas pode também ser um símbolo além do abstrato. Aos poucos. passa a ter uma linguagem muito diferente chamada de linguagem geométrica. Próximos da segunda guerra mundial. Quando você cria um desenho livre pode até ser um trabalho abstrato. A Alemanha foi o país que participou mais intensamente desse movimento e uma boa parte da Europa também teve participações mais irregulares. No aspecto social seria a previsão do início de guerra. essas combinações levaram a surgir outros momentos e não movimentos de pintura. Ex. São formas criadas pelo homem. no período da pedra lascada quando o homem fazia desenhos figurativos. no período da pedra polida. Quando se fala de abstracionismo falamos também de representar formas. abstrato colorido. quando o homem vai ter que lutar por aquilo que precisa sem ter que depender tanto de suas magias. Abstrato preto-branco. É uma ausência da realidade. O abstracionismo acompanha o homem desde a época pré-histórica. A revolução Russa também influenciou muito no abstracionismo. Você pode se envolver ou se inspirar em alguma coisa existente mas não vai retratar fielmente aquela figura. Mandalas. abstrato puro ou outras combinações. Como exemplo temos as "gregas" que foram usadas. sem medidas. surgindo uma série de borrões que vão ser admirados. o homem tentava negar a realidade em que vivia. Ex. 134 . Nos dias de hoje. Esse movimento foi muito forte na pintura e na arquitetura.

Um trabalho pode ser completamente abstrato e só ter tons pastéis e sem nenhum contraste. Optar por colocar uma cor quente ou fria em determinado espaço para dar impressão de proximidade. A arte abstrata é livre de contexto. equilíbrio e de formas que estão ligados ao conceito de geometria. quando o abstracionismo começou. não existindo nenhum compromisso com a realidade. ele pode ser irracional. Uma pintura irracional é colocar as cores e formas simplesmente por acaso. Ex. Um trabalho abstrato não tem essa limitação. Ao fazer negações desse tipo. No abstracionismo não existe a obrigatoriedade de se combinar cores. no qual a movimentação da mão vai determinar o trabalho com pinceladas (no caso utilizando-se pincel) mais fortes ou mais suaves. O pintor abstracionista sempre tem uma representação muito pessoal que envolve os aspectos de técnicas de sua pintura como também o do contexto onde o artista vive. Da mesma forma que você representa uma forma real você pode representar uma forma irreal dando volumetria. Temos dois tipos de trabalhos abstracionistas: Abstracionismo gestual e geométrico. As cores que mais sofrem destaques normalmente são cores que provocam contrastes entre elas mesmas. O abstrato é um dos tipos de trabalho que faz parte da arte moderna. distanciamento ou efeito de volume. tem buscado estabelecer planos diferenciados na pintura através da cor e da forma. sem medidas e técnicas precisas. mas não é obrigatório. pois ele será abstrato em qualquer época. tanto no gestual como no geométrico. As formas. 135 . é enquadrado na arte moderna. Outra forma é programar a distribuição de cores e formas sem estar reproduzindo uma realidade. Ex. Existe uma série de regras que determina cada estilo de arte. Em pleno período de conflitos mundiais vão pensar em contestar tudo isso com uma arte que não era fácil de ser entendida. mas produzindo uma distribuição racional dessas cores e formas. No abstracionismo não se respeita nenhuma regra é uma negação completa a qualquer outro momento da arte. O abstracionismo Geométrico é muito preso a aspectos de simetria.: Preto-vermelho. são criadas pelo artista. As formas geométricas são precisas dentro do trabalho. Todos os dois podem provocar emoções.Em 1911. hoje em dia. intuitivamente. mas ele vem acompanhando o homem desde a pré história e em vários momentos da sua vida. amarelo-vermelho. Se você fizer hoje um trabalho impressionista será chamado de néo-impressionista. Os artistas abstracionistas. enquanto movimento. foi considerado um marco dentro da chamada arte moderna. O abstracionismo. Um trabalho abstracionista está dentro de um contexto de arte moderna. Cores contrastantes são comuns aparecerem em trabalhos abstratos. Muitas vezes é um porquê racional que pertence só ao artista. mas nem todo trabalho de arte moderna será um trabalho abstrato. O abstracionismo não é um processo racional. O Gestual é o abstracionismo no qual a pintura é muito livre. o abstracionismo dificilmente passa a ser aceito pelo mundo.

que representava um monte de feno.Comentário: "A música existe por ela mesma sem ter a letra. técnicas diferenciadas ou não. Porque um quadro precisa ter forma explícita para agradar?". Quando se observa uma obra de arte. não do abstracionismo que aparece desde o período da pedra polida. principalmente a abstrata. Um trabalho abstrato pode ser rico ou não em simbologias. O fato de utilizarse só da cor demonstra uma negação da realidade. desafiando-se perante o novo. O lado direito é o lado sensitivo. Kandinsky passou por várias fases da pintura e na sua primeira visita à Paris viu o quadro de Monet. A partir dai começa a pesquisar e fazer uma série de testes em cima de cor e textura. O lado esquerdo do cérebro é o lado racional. outras não. de pintura e desenho. Eles tinham todo um aspecto filosófico que faziam com que os alunos tivessem que passar por diversos estágios de evolução. etc. Essa escola foi criada (+/-) 1919/1920 em Weimar. Essa escola tem um destaque muito importante dentro da história da arte e da arquitetura. sem se preocupar com a forma e o conteúdo. 136 . É considerado o iniciador da pintura moderna abstrata. etc. não dá para estabelecer parâmetros racionais. A simbologia é uma representação criada pelo homem baseada nas formas abstratas. Artistas abstratos: Vassily Kandinsky (1866-1944) Nasceu em Moscou e morreu em Paris. é preciso ver o quanto aquela obra oferece de informações inovadoras. passando depois para Dessau. cores. A obra abstrata não precisa ter conteúdo. Vassily Kandinsky tinha por característica usar cores fortes e apelativas. Algumas obras abstratas passam algum conteúdo. Eles buscavam. precisa de símbolos que tenha alguma informação já conhecida antes. que integrou a BAUHAUS (escola de arte). principalmente se for uma simbologia mais evidente. não tem necessidade de passar algum tipo de informação. evoluir todos os sistemas industriais possíveis que tinham sidos retomados durante a revolução industrial. As obras podem ser bem diferenciadas umas das outras pela infinidade de possibilidades de representações através de texturas. e vai ficar encantado com as cores e a textura. A falta de intimidade com a arte abstrata é que leva o homem a não apreciá-la. deixando de ter toda essa abstração e ganhando um significado que você tenha descoberto e não necessariamente tenha sido criado pelo artista. Não existe essa mesma liberdade na pintura acadêmica. Vassily Kandinsky foi um dos professores. cidade alemã. conhecer novos materiais. Quanto mais simbologias ele tiver é mais fácil as pessoas se identificarem com ele. O abstracionismo levou uma série de discussões em cima do que era chamado de simbologia.

o que é figurativismo. mas sim um aprimoramento das invenções.Obs. Vai dizer também que nós temos uma mentalidade muito ligada a dos renascentistas. Adorava criar entidades que pudessem apoiar a arte. etc. alegria. Kandinsky escreveu um livro neste período chamado "O Espiritual da Arte". distribuída. os trabalhos de Kandinsky foram se tornando cada vez mais introspectivos. mas estando sempre associadas a alguma coisa que passa sensações para nós. de utensílios e vai se tornar muito conhecida mundialmente. Chega a provar que a arte acadêmica é que é abstrata. o que é abstracionismo. De um modo geral. as linhas e cores adquirem novos valores expressivos e uma nova vida própria despertando no observador emoções e sugestões de acordo com a sua sensibilidade". A Bauhaus é uma escola que vai aprimorar os designs dos objetos de uso do dia a dia.: ferro.: A revolução industrial não significa somente invenções industriais. Em dois anos ele fundou 22 entidades entre galerias de artes e museus. O pintor é abstrato é que é um realista. ou seja. Tem uma frase interessante que ele comenta sobre o conteúdo em uma obra de arte: " A presença de uma imagem visual ou a representação da realidade. O abstracionismo está muito ligado em algumas coisas com o expressionismo. O seu trabalho é informal. e que seriam aspectos ligados a parte sensitiva de cada um de nós. e sendo assim. tristeza. No seu trabalho vai predominar uma idéia de sentimento. também trabalhou em cima do abstracionismo com um caráter sentimental. Influenciou realmente o design de peças das mais diversas que encontramos hoje. no sentido de que ele não é preso ao geometrismo. soltando-se por completo. Design: significa desenho Designer: significa desenhista Kandinsky se preocupava mais com a evolução do desenho junto a seus alunos. as cores e as formas acontecem livremente. plástico. uma composição que não interfere o nosso lado sentimental. Neste livro filosófico vai questionar muito sobre o aspecto de conteúdo da arte. Como por ex. 137 . Na sua fase final ele está completamente abstrato. Ele inclusive vai pegar você pela emoção do prazer ou não prazer. Em algumas etapas de seu trabalho ele se utiliza propositadamente da geometria de forma intensa. que se baseavam no belo e no real. Não é aquele tipo de abstracionismo que você comenta sobre se a composição está muito bem equilibrada. extremamente desenvolvido e a combinação de materiais. Bandeira. Foi nomeado um tipo de assessor cultural. : A palavra fórmica é nome de uma marca. diminui a beleza que as formas e as cores possuem em si mesmas. laminado melanínico (que significa fórmica) Obs. Vai mexer com nosso emocional proporcionando-nos sensações do tipo exuberante. Ele cria formas livremente que não são definidas pela natureza ou geometria. Fala que temos que negar o que é a realidade para representar a realidade. da negação do prazer ou do êxtase com relação a obra. independente de qualquer representação. artista brasileiro.

Neoplasticismo. 138 . significa prova de artista. Curiosidades: Tachismo (de tache = mancha). Orfismo tem ligação com a música. São manchas criadas impulsivamente com toda a liberdade ou efusão emocional do artista. Principal artista: Larionov/Gontcharova Abstracionismo Geométrico ou Formal. as formas e as cores devem ser organizadas de tal maneira que a composição resultante seja apenas a expressão de uma concepção geométrica. Raionismo formado por raios. É muito comum que os vários artistas que passaram pelo abstracionismo tenham participado do expressionismo. conhecido como Cavaleiro Branco. Também existe um tipo de abstrato informal formado por manchas. sendo rigorosamente aplicado à arquitetura. Onde as cores e as formas são organizadas de maneira que a composição resulte apenas na expressão de uma concepção geométrica. deslizes e riscos com luminosidade. do cubismo. Kandinsky foi considerado um “expert” do abstracionismo informal. Consegue nos convencer da dor que o homem está sentindo e que estava ligado ao aspecto da guerra. ou de alguma coisa própria do artista. azul e amarelo). Formado por manchas coloridas colocadas lado a lado em um certo parâmetro ou limite. pode ser Cavaleiro Azul.". mais provável.Ex. no mínimo o braço do artista.: A obra "O grito" por pouco não é abstrato pela deformação. Trabalhos bem conhecidos de Kandinsky: Série de "Improvisações" "A Tela Amarela" "A Pintura com Três Manchas" Obs. porém. e que também. Principal artista: Sonia Delaunay. Este trabalho não deixa de ser um teste do artista que pode ter ido adiante para um trabalho final ou não.: Quando você encontra uma obra com o símbolo "P. O ângulo reto é o símbolo do movimento. Grafismo é todo abstracionismo formado por uma grafia não cognificada. ou de outros momentos que “tem um pé dentro e outro fora realidade”. seu criador e princiapl teórico foi Piet Mondrian.A. elas não possuem parâmetro definido pelo braço do artista como no Tachismo. Um dos grupos que ele fundou foi chamado de DÉR BLAUE REITER. Resulta às linhas verticais e horizontais e às cores puras (vermelho. estanques.

foi um dos principais integrantes do movimento futurista em seu país. de pé. A maioria de suas obras estão no Museu "MOMA". cores e formas que obtém. Curiosidades: Suprematismo. já para o europeu a arte faz parte de sua formação acadêmica. Suas características são rígidas e se baseiam nas relações formais e perceptivas entre a forma e a cor. triângulo e a cruz. holandês) Piet Mondrian desenvolveu uma série de pesquisas em cima do abstracionismo. obtendo formas extremamente definidas e geométricas. é uma pintura com base nas formas geométricas planas. Ele usou. Jackson Pollock Pintor americano. mas pode ser notado um aspecto expressionista nele.: A obra de abstração da "Árvore". de ponta cabeça. tinha um componente emocional que sempre se inspirava naquilo que ele via. que foi e voltou e passou por várias fases. O manifesto do Suprematismo. Quando fazia o seu trabalho já tinha uma preocupação de distribuir tanto as formas como as cores na tela. Teve uma evolução bastante gradual e oposta a de Kandinsky. Outro trabalho muito conhecido é "Pier e o Oceano". em Nova York. Apesar de ele ter uma obra extremamente geométrica. informal e o apelo de seu trabalho está num conjunto de tudo. de longe. Antes de ser um pintor era um conhecedor de arte. Ele influenciou muito os artistas alemães da geração atual. como quiser. A sua obra mais conhecida chama-se "Boogie Odgie na Broadway". assinado por Malevitch e Maiakovski. Ele transformava as formas e cores e purificava tudo em uma visão bem geométrica. Mais racional que as obras abstratas de Kandisky e Paul Klee. Os elementos principais são: retângulo. um estacionamento de barcos e o oceano. sempre buscando um equilíbrio. cores mais fortes e depois foi usando cada vez mais tonalidades pastéis. que ao olhar o seu trabalho visualizamos às vezes figuras que transferimos para a nossa realidade. mas de colocação de uma cor ao lado da outra. mas sempre tem um apelo forte a emoção. 139 . Ex. sem qualquer preocupação de representação. Sua obra deve ser vista de perto. Ele é bastante movimentado. no início de seu trabalho. Ele é bastante expressivo. não de contorno. defendia a supremacia da sensibilidade sobre o próprio objeto. à pureza geométrica do quadrado. Buscava uma definição. Ele teve uma evolução bastante progressiva.Piet Mondrian (1872-1944 . de técnica. reduz as formas. A maioria dos americanos não estuda história da arte em seu currículo escolar. Pesquisa os efeitos perceptivos do quadrado negro sobre o campo branco. Tinha o objetivo de desenvolver um abstracionismo geométrico onde as formas e as cores eram organizadas de tal maneira que a composição resultante fosse uma expressão de uma concepção geométrica. poeta russo. nas variações ambíguas de fundo e forma. Ele não usa figuras explícitas. É um trabalho que lembra uma marina. Seu trabalho é abstrato. círculo.

vidro moído. utilizando tinta à óleo. · Destruição dos meios tradicionais de execução . Essa técnica de pintura chama-se Action Painting que significa “pintura por ação”. geométricas e perfeitas em cima de um fundo extremamente chapado. 140 . Ele deixava a tela de pé. etc. na Holanda. Rússia e outros dispersos. Viveu sua vida artística quase que inteira no abstracionismo geométrico. Participou do grupo de Kandinsky "Cavaleiro Azul". chegando à criação de um estilo original. A natureza também é uma arte. Teve um processo bastante evolutivo. Nem sempre trabalhava com esse processo "Action Painting". Kasimir Malevich Artista russo. que faz o que ela quer. Jackson Pollock deixava que a tinta agisse por si só. insistindo sempre no geometrismo. formas extremamente rígidas. espontaneidade e automatismo. fundou-se nos Estados Unidos. assim como a natureza. Tem trabalhos em Amsterdã. Em 1937. balançar o pincel para respingar sobre a tela. Foi o que mais se desvinculou da idéia de realidade. Ele não quer passar nenhum sentimentalismo através de sua obra. Características da Pintura: · Compreensão da pintura como meio de emoções intensas. etc. Paul Klee demorou para muito para decidir ser pintor devido as influências recebidas de seus pais que eram músicos. lançava a tinta. ou inclinada para que a tinta jogada pudesse escorrer. pasta espessa de areia. Curiosidades: Action Painting ou pintura de ação gestual. em telas enormes. Ele soube colocar a sua própria expressão. Toda viagem que fazia recebia muita influência. deixava secar e depois fazia intervenções sobre esse trabalho. no chão. O abstracionismo cresce e se desenvolve nas Américas. trincha. Passou por diversas fases sem precisar voltar a nenhuma delas. mas sempre utilizando quadrados e retângulos na sua maioria. Raríssimas obras não serão geométricas. · Técnica: pintura direta na parede ou no chão. Jackson Pollock usava dois processos para jogar a tinta na tela.pincéis. espátulas. Uma de suas obras feitas pelo processo "Action Painting" chama-se "Ritmo Autônomo". Teve uma formação acadêmica tradicional que rejeitava. Ele pintou inúmeros trabalhos só com cor e retângulo.: Lançar a tinta pode ser um processo de jogar a tinta com um balde. a Sociedade dos Artistas Abstratos. Essas figuras geométricas são na maioria das vezes chapadas também. Ele escolhia a posição que ia colocar a tela. Não existiu nenhum artista que tivesse influenciado Paul Klee diretamente. criada por Jackson Pollock nos anos de 1947 a 1950 faz parte da Arte Abstrata Americana. · Execução cheia de violenta agressividade. A sua composição é bastante variada. Obs.Usou muito a técnica de jogar a tinta sobre a tela deixando que ela agisse por conta dela mesma. Paul Klee Nasceu em 1878 e morreu em 1940. Não teve muitas obras.

Willem de Kooning (1904-1997) Nos anos 20 e 30. Paul Klee explorava esse tipo de arte.: É conceituado como arte primitivista todo o desenho folclórico. ela torna-o visível".Paul Klee também foi um dos professores da Bauhaus. secundado por De Koonning e companhia. o maior de todos. aquele que todos fazem (casinha. apesar dos contextos racionais da arte. Para Paul Klee "O ilógico coexiste com o lógico. De cultura européia. pastel e outros materiais. "Minha obra vive de incluir as coisas. Com seus borrões e respingos de tinta atirados contra ela a tela. Ele não se prendeu só a pintura à óleo. e o irreal com o real" O desenho de "setas" vai aparecer muito em seus trabalhos. tornando-se um admirador da obra de seu conterrâneo Rembrandt e do francês Cèzanne. Obs. o jovem De Kooning. Teve uma variedade muito grande de estilos. do mesmo modo que explorou o expressionismo e o cubismo. que no começo do século converteram sua arte numa forma de panfletagem político-social.a marca da diferença em seu trabalho. perto de Nova York. Pollock. deslocou de Paris para Nova York a capital mundial das artes. começou a vida como carpinteiro e pintor de paredes. revolucionaria a pintura americana. traçados e pinceladas em seus trabalhos. 141 . Ao final dos anos 40. fundando a vanguarda expressionista abstrata. Assimilou muita coisa do cubismo. Segundo Paul Klee: "A arte não restitui o visível. a vanguarda expressionista ianque tratou de banir a política de seus quadros. antes de atacar suas telas. expressionismo e primitivismo. não de excluí-las". florzinha). às vezes só a título de experiência. Ele tinha uma visão muito espiritual. Diversamente dos expressionistas europeus. Você reconhecerá a sua obra através de sua essência. preferindo expremir as misérias da condição humana nos limites da existência individual. usou também aquarela. que aboliram a representação figurativa de seus quadros. Arshile Gorky e Mark Rothko. que abandonou a Holanda aos 22 anos a bordo de um cargueiro. junto com Jackson Pollock. Ao contrário de seus colegas de vanguarda. Morreu vítima do mal de Alzheimer em sua casa-ateliê em Long Island. costumava afirmar. De Kooning herdaria o apreço ela arte figurativa. como todos os outros abstracionistas. De Konning fez das figuras femininas .

SURREALISMO
Em 1924 surge um grupo de pintores que vai se interessar muito pelo subconsciente, onde ocorre aí a falta de lógica. Eles se interessavam demais pelo sonho, pelo fantástico, pelo irreal, pela loucura, tudo que contrariasse a lógica. • Loucura • Sonho • Irreal • Ilógico A forma que eles pintavam é muito realística, mas o conteúdo é sem lógica. Freud estava em moda. A arte que é muito lógica, como iria acompanhar o ritmo se este já não é mais lógico? A arte tem que acompanhar a época. Vai haver, portanto, uma série de trabalhos que chamamos de surrealista. É uma arte do inconsciente. O surrealismo não é uma arte só do inconsciente, é também uma arte sem limites de qualquer espécie no conteúdo. O surrealismo vai surgir na pintura, na poesia, na música, no tipo humano (aquela pessoa surreal). O pintor, o poeta e todos os outros artistas procuram dois mundos: um visível e o outro submerso, vago, indeterminado, que é o subconsciente da gente. Vão procurar pintar esse subconsciente que não é fácil. Nós vivemos hoje, segundo Mali, em um mundo com métodos muito lógicos. Isso dificulta o entendimento do mundo surreal. O surreal não tem lógica nenhuma. É o nonsense total. Os fins lógicos não escapam de nós, mas os fins ilógicos sim. Tudo que não tem lógica e que foge do nosso controle, nós não gostamos. O surreal passa a ser a arte pura do sonho e da fantasia. Vão usar muito álcool, excitantes, hipnose, símbolos esotéricos, alquimia. Na arte surrealista não vai haver uma lógica discursiva. Ela não vai ter começo, meio e fim. O surrealista vai usar primeiro elementos justapostos, quer dizer, elementos que podem estar no mesmo tempo no mesmo lugar e podem ou não estar mesmo espaço. Ex.: Quando Paul Delvaux vai pintar uma moça nua em uma estação de trem com uma vela na mão como se fosse uma sonâmbula, isso incomoda muita gente, porque não tem lógica. Surrealismo tem muito recollection. É o sonho mal resolvido que agente tem. Paul Delvaux é um pintor surrealista que vai pintar muito estação de trem. Coloca uma mulher da época barroca fazendo justaposição de tempo e de elementos com mulheres mais clássicas no plano de trás. A forma é perfeita como uma fotografia mas a história ou o conteúdo é estranho. Paul Delvaux é belga e morreu em 1994. Em "off": Quando ele era mocinho, tinha paixão por trem, morava em uma casa próximo à uma estação ferroviária. Seu pai resolveu então levá-lo para uma viagem de trem. Quando eles chegaram lá o trem já tinha saído. Isso vai marcar muito pelo resto de sua vida, influenciando sua pintura. 142

O "acaso" para os surrealistas é uma coisa muito importante. Vai funcionar como uma "mis en cene" = "fundo" Ex: Dali pegava um papel e colocava ao ar livre por 3, 4 dias. O que acontecesse com aquele papel ele ia aproveitar para fazer em suas obras, como borrões. É o acaso. Na pintura surrealista, a técnica é ligada à criatividade. Vai ter que pintar muito bem a forma para que seja muito fácil de entender. Não pode pintar uma coisa muito complicada porque senão o fruidor não vai conseguir ler a obra. Se a forma não for perfeita e a história complicada, vai ser impossível de entender a obra. Pintores Bélgas importantes: Paul Delvaux, surrealista René Magritte, surrealista Rubens, barroco Para os surrealistas o acaso, a técnica, a decalcmania, fotomontagens, vão ser muito importantes. Vai atingir até a literatura e o cinema. Na literatura brasileira nós temos: João Cabral de Mello Neto Ariano Suassuna Júlio Cortasa Filme Surrealista: Filme inglês "Spell Bound", com Ingrid Bergmann. A cenografia é do Salvador Dali. O diretor é o Hitchcock (??). Surrealismo é um estado de espírito, é um propósito, é uma arte de sonho. Principais pintores surrealistas: Salvador Dali René Magritte Paul Delvaux Marx Hess, tem uma fase pequena surrealista. Foi cubista também.

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SALVADOR FILIPE JACINTO DALI ERA O NOME COMPLETO DE DALÍ.
Nasceu em 11 de maio de 1904. Em Figueiras, espanhol da Catalônia. Nasceu de família rica. Já era excêntrico desde que fez escola de Belas Artes. Em 1927 Dalí fez sua primeira visita à Paris. Picasso já tinha feito em 1900. Dalí começou pintando como impressionista. Ficou amigo de Garcia Lorca e Brunuel (diretor de cinema espanhol famoso). Os três eram muito amigos. Dalí vai ter muita influência de Picasso, em uma de suas fases. Ele teve um caso com Garcia Lorca. Brunuel não se conformava pois era muito machista. Dalí vai se tornar um grande surrealista. Em 1929, Dalí conhece Gala, que é Helena, e vai ser sua musa inspiradora e sua paixão até ele morrer. Ela foi uma dançarina russa. Quando Dalí a conheceu ela era esposa de Paul Edward (grande poeta francês). Quando Dalí viu Gala, numa festa na casa de Brunuel, ela estava de costas para o sol e com os ombros de fora. Ele se apaixonou pelo ombro dela e disse que ia casar com aquela mulher. Conseguiu tirá-la de Paul Edward e vão ficar juntos até ela morrer. Fofoca: Dali tinha um problema físico. Tinha o “elemento” pequeno que não funcionava muito. Gala conseguiu resolver essa situação. Ele devia isso a Gala. Foi a primeira mulher realmente que ele se resolveu. Ele era bissexual e tinha muitos casos. Nunca mais vai largar Gala na sua vida. Ela teve também muitos casos com marinheiros que Dalí sabia e aceitava numa boa. Dalí é o protótipo do homem surrealista. Ele é escandaloso e só pintou o irreal. É um cabotino (aquele indivíduo de maneira afetada, que procura chamar a atenção, ostentando qualidades reais ou fictícias) e só pensava em dinheiro. Adorava Picasso como artista e como pessoa. Picasso nunca deu bola para Dalí. Eles nunca foram amigos. Picasso não admitia a forma de viver de Dalí, apesar dele também ser extravagante. Dalí vai pintar muitos símbolos fálicos, como os ciprestes pontudos. Vai pintar muito costeletas penduradas em Gala, significando que gosta de “comer” Gala. Ele pinta também muitas muletas. Acha que todo mundo tem muletas. A sua muleta era Gala. Ele representa a muleta como se fosse forquilha (tipo muleta para segurar as oliveiras) A religião para Dalí é um campo de investigação. Ele foi muito místico. Ele fez coisas muito loucas, como a "Apoteose do Dólar". Era um quadro cheio de dólar assinado com um cifrão. Ele ficou muito rico. Quando a Gala morreu em 1982 ele estava sofrendo o mal de Parkinson. Dalí vai viver até o fim de sua vida de forma muito extravagante. Morre em 1986.

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145 . entre os quais estavam Masson. Nessa época. Dois anos depois adquiriu forma La masía. Miró também se dedicou à cerâmica e à escultura. Breton falava dela como o máximo do surrealismo e se permitiu destacar o artista como um dos grandes gênios solitários do século XX e da história da arte. Leiris. mas difíceis de serem elucidadas. Tudo dele é fantasticamente absurdo. fez amizade com Picabia e pouco depois com Picasso e seus amigos cubistas. PAUL DELVAUX (1898-1994) É pintor belga. É o pintor surrealista do absurdo. em Barcelona. onde se formara um grupo de amigos pintores. obra fundamental em seu desenvolvimento estilístico posterior e na qual Miró demonstrou uma grande precisão gráfica. onde conheceu a obra dos impressionistas e fauvistas franceses. Artaud e Lial. Ele vai fazer sobreposições até o infinito. embora se apresentem de forma amistosa ao observador. Em 1912 entrou para a escola de arte de Francisco Gali. Toda obra que você vê. Pinta o irreal. A partir daí sua pintura mudou radicalmente. você se questiona se é ou não real. nas quais extravasou suas inquietações pictóricas. Em 1920 Miró instalou-se em Paris (embora no verão voltasse para Montroig). Usa metáfora em todos os quadros. A famosa magia de Miró se manifesta nessas telas de traços nítidos e formas sinceras na aparência. RENÉ MAGRITTE (1898-1967) É também pintor belga.JOAN MIRÓ iniciou sua formação como pintor na escola de La Lonja. Ele investe em você o tempo todo. em cujo grupo militou durante algum tempo. Ele é um campo muito vasto para a nossa imaginação. Tinha obsessão pelo rosto de mulher e estações de trem. a desconfiança do irreal.

látex. a Pop Art se apoiava e necessitava dos objetivos de consumo. um dos principais artistas da Pop Art. Com o objetivo da crítica irônica do bombardeamento da sociedade pelos objetos de consumo. Era a volta a uma arte figurativa. de Andy Warhol. o pop art começou a tomar forma no final da década de 1950. usando como materiais. Principais Artistas: Robert Rauschenberg (1925) Depois das séries de superfícies brancas ou pretas reforçadas com jornal amassado do início da década de 1950. sobretudo os que eram provenientes dos Estados Unidos. brilhantes e vibrantes. a Pop Art proporcionou a transformação do que era considerado vulgar. Roy Lichtenstein (1923-1997). de poderosa influência na vida cotidiana na segunda metade do século XX. adotou a técnica de impressão em silk-screen para aplicar imagens fotográficas a grandes extensões da tela e unificava a composição por meio de grossas pinceladas de tinta. Seu interesse pelas histórias em quadrinhos como tema artístico começou provavelmente com uma pintura do camundongo Mickey. poliéster. a arte para poucos. desmitificando. usando como materiais principais. assim. em refinado. tinta acrílica. do cinema e da publicidade. sua denominação foi empregada pela primeira vez em 1954. virou moda. já que se utilizava de objetos próprios delas. Com raízes no dadaísmo de Marcel Duchamp. Além disso. como a arte tem um determinado valor e significado conforme o contexto histórico em que se realiza. pelo crítico inglês Lawrence Alloway. Representavam. para designar os produtos da cultura popular da civilização ocidental. que realizou em 1960 para 146 . produtos com cores intensas. como aconteceu por exemplo. Rauschenberg criou as pinturas "combinadas". ilustrações e designs. com garrafas de Coca-Cola. em oposição ao expressionismo abstrato que dominava a cena estética desde o final da segunda guerra. tinta acrílica. Sua iconografia era a da televisão. e já que tanto o gosto. dos quadrinhos. Por volta de 1962. Esses trabalhos tiveram como temas episódios da história americana moderna e da cultura popular. da fotografia. reproduzindo objetos do cotidiano em tamanho consideravelmente grande. e aproximou a arte das massas. nos quais se inspirava e muitas vezes o próprio aumento do consumo. quadrinhos. com as Sopas Campbell. usando como materiais principais. ilustrações e designam. passaram a transformá-los em tema de suas obras. muito do que era considerado brega. ela operava com signos estéticos massificados da publicidade.POP-ART Movimento principalmente americano e britânico. embalagens de produtos industrializados e pássaros empalhados. transformando o real em hiper-real. quando alguns artistas. os componentes mais ostensivos da cultura popular. Mas ao mesmo tempo que produzia a crítica. após estudar os símbolos e produtos do mundo da propaganda nos Estados Unidos.

Empregou. as latas de sopa Campbell. e usando sobretudo a técnica de serigrafia. o artista pretendia oferecer uma reflexão sobre a linguagem e as formas artísticas. apesar da ascensão social e da celebridade. Andy Warhol (1927-1987). por exemplo. Cores brilhantes. Ele foi figura mais conhecida e mais controvertida do pop art. ampliou as características das histórias em quadrinhos e dos anúncios comerciais. planas e limitadas. crucifixos e dinheiro. Warhol entendia as personalidades públicas como figuras impessoais e vazias. Produziu filmes e discos de um grupo musical. símbolos ambíguos do mundo moderno. como Elvis Presley e Marilyn Monroe. uma técnica pontilhista para simular os pontos reticulados das historietas. automóveis. como garrafas de Coca-Cola. incentivou o trabalho de outros artistas e uma revista mensal 147 . intelectuais. Warhol mostrou sua concepção da produção mecânica da imagem em substituição ao trabalho manual numa série de retratos de ídolos da música popular e do cinema. e reproduziu a mão. os procedimentos gráficos. Com essas obras. Seus quadros. delineadas por um traço negro. Em seus quadros a óleo e tinta acrílica. Da mesma forma. destacou a impessoalidade do objeto produzido em massa para o consumo. O resultado é a combinação de arte comercial e abstração.os filhos. aparecem como imagens frias. com fidelidade. desvinculados do contexto de uma história. contribuíam para o intenso impacto visual.

a Op Art passou por um desenvolvimento relativamente lento. ele verificou que se mantivesse as formas suspensas.OP-ART A expressão “op-art” vem do inglês (optical art) e significa “arte óptica”. que se modificam desde que o contemplador mude de posição. Os seus primeiros trabalhos eram movidos manualmente pelo observador. Mas. Ela não tem o ímpeto atual e o apelo emocional da Pop Art. como diz o artista. que se modifica a cada instante. sua montagem é muito complexa. Apesar do rigor com que é construída. Apesar de ter ganho força na metade da década de 1950. Victor Vassarely . em comparação.Criou os móbiles associando os retângulos coloridos das telas de Mondrian à idéia do movimento. parece obedecer a duas finalidades. Defendia para arte "menos expressão e mais visualização". Embora. Sugerir facilidades de racionalização para a produção mecânica ou para a multiplicidade. Por outro lado. As suas composições se constituem de diferentes figuras geométricas. em preto e branco ou coloridas. ao qual não são estranhos efeitos luminosos. por outro lado. elas se movimentariam pela simples ação das correntes de ar. O geometrismo da composição. os móbiles pareçam simples. Principais artistas: Alexander Calder (1898-1976) . parece excessivamente cerebral e sistemática. São engenhosamente combinadas. suas possibilidades parecem ser tão ilimitadas quanto as da ciência e da tecnologia. solicitar ou exigir a participação ativa do contemplador para que a composição se realize completamente como "obra aberta". depois de 1932. mais próxima das ciências do que das humanidades. simboliza um mundo precário e instável. de modo que através de constantes excitações ou acomodações retinianas provocam sensações de velocidade e sugestões de dinamismo.criou a plástica cinética que se funda em pesquisas e experiências dos fenômenos de percepção ótica. 148 . mesmo quando em preto e branco. pois exige um sistema de peso e contrapeso muito bem estudado para que o movimento tenha ritmo e sua duração se prolongue.

Nunca. a partir daí virou celebridade. destacam-se os artistas: Alex Vallauri. destruição moral. Características gerais: * Spray art . também se destacam artistas de vanguarda como: Os Gêmeos: Otávio e Gustavo. 149 . Tikka e T. Boleta. principalmente no contexto político e social. valoriza-se a cor. instalando-se em coleções privadas e cobrindo com seus rabiscos e signos os mais variados objetos de consumo.o metrô . um dos principais espaços de vanguarda de Nova York. existe a valorização do desenho. No Brasil.pixação de signos. em 1981. por outros. Nina.(1960-1988). de obras famosas. Com 21 anos participou da sua primeira coletiva em Nova York. * Stencil art . palavras ou frases de humor rápido. e principalmente ícones da cultura e consumo americanos. como o genocídio. Morreu prematuramente em virtude de depressão e drogas. no PS 1. Foi patrocinado por Andy Warhol (Pop Art). A primeira grande exposição de Grafite foi realizada em 1975 no "Artist's Space". As temáticas do seu trabalho refletem suas preocupações. iniciou sua carreira grafitando as paredes e muros de Nova York. só deixa passar a tinta pelos orifícios determinados. Seus grafites mostravam símbolos de variadas culturas. o Grafite saiu do seu gueto .e das ruas das galerias e museus de arte. nascido no Haiti. vandalismo puro e simples". de Nova York. com apresentação de Peter Schjeldahl. Speto. a opressão e o racismo.GRAFFITI Definido por Norman Mailler como" uma rebelião tribal contra a opressora civilização industrial" e. Principal artista: Jean Michel Basquiat . como "violação.o grafiteiro utiliza um cartão com formas recortadas que. mas a consagração veio com a mostra "New York/New Wave" organizada por Diego Cortez. Freak. ao receber o jato de spray. Waldemar Zaidler e Carlos Matuck. anarquia social.

Assim. Esse isolamento situa o art naïf numa faixa próxima à da arte infantil. das folhinhas suburbanas ou das imagens de santos. embrulhos em locais públicos. Ponte Neuf (Paris) embrulhada para presente. Características gerais: · Composição plana. juntamente com a escultura e outros materiais. sem que. o artista naïf é marcadamente individualista em suas manifestações mais puras. do fazer artístico sem escola nem orientação.INTERFERÊNCIA Como a pintura já não é claramente definível e deixou de ser a única fornecedora de memoráveis imagens visuais. Alguns artistas interferem na paisagem. nem tampouco no conceito de arte popular. como numa arte mais intelectualizada.Berlim). Atualmente. Não se trata. bidimensional. tende à simetria e a linha é sempre figurativa 150 . Obras Destacadas:: Cortina no Vale. para ativar o espaço arquitetônico. existem os realmente marcantes e outros nem tanto. de uma criação totalmente subjetiva. INSTALAÇÃO São ampliações de ambientes que são transformados em cenários do tamanho de uma sala. portanto é instintiva e onde o artista expande seu universo particular. seja quase sempre possível descobrir-lhes a fonte de inspiração na iconografia popular das ilustrações dos velhos livros. sem nenhuma referência cultural. no entanto. Trata-se de um tipo de expressão que não se enquadra nos moldes acadêmicos. mesmo nesses casos. Art naïf (arte ingênua) é o estilo a que pertence a pintura de artistas sem formação sistemática. guardasóis. É utilizada a pintura. e não somente à aprecia. Guarda-sóis colocados em um vale da Califórnia e mais recentemente o Reichstag ( Parlamento Germânico em 1988 . nem nas tendências modernistas. da criatividade autêntica. Claro que. ressaltamos Christo. O espectador participa da obra. portanto. da arte do doente mental e da arte primitiva. se confunda com elas. que foi envolvido em tecido sintético com duração de duas semanas. o único artista que se destaca com suas interferências. O artista naïf não se preocupa em preservar as proporções naturais nem os dados anatômicos corretos das figuras que representa. muito embora. ARTE NAÏF É a arte da espontaniedade. Obra Destacada: Homenagem a Chico Mendes do artista Roberto Evangelista. colocam cortinas.

Robert Delaunay e outros intelectuais e artistas. seu trabalho foi reconhecido em Paris e posteriormente influenciou o surrealismo. Estreou com uma original obra-prima. Guillaume Apollinaire. Nos primeiros anos do século XX. · Pinceladas contidas com muitas cores. 151 . e de empregar as cores de modo arbitrário. "Um dia de carnaval". homem de pouca instrução geral e quase nenhuma formação em pintura. no Salão dos Independentes. Pablo Picasso. após despertar a admiração de Alfred Jarry.· Não existe perspectiva geométrica linear. Em sua primeira exposição foi acusado pela crítica de ignorar regras elementares de desenho. Principal Artista: Henri Rousseau (1844-1910). Criou exóticas paisagens de selva que lembram tramas de sonho e parecem motivadas pelos sentimentos mais puros. composição e perspectiva.

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