APOSTILA HISTÓRIA DA ARTE

PROFESSORA: MEIRE DE FALCO
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História da Arte  Linha do Tempo o Pré-História  Arte Pré-histórica o Idade Antiga  Arte Egípcia  Arte Grega  Arte Romana  Arte Paleocristã  Arte Bizantina  Arte Islâmica o Idade Média  Arte Românica  Arte Gótica o Idade Moderna  Renascimento  Maneirismo  Barroco  Rococó o Idade Contemporânea  Neoclássico  Arte Romântica  Realista  Impressionismo  Expressionismo  Cubismo  Abstracionismo

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Fauvismo Construtivismo Surrealismo Dadaísmo Op Art Pop Art Instalação Interferência Cobra Futurismo Arte Naif Pintura Metafísica

o Arte Brasileira  Pré-História  Arte Indígena  Arte Colonial  Arte Holandesa  Barroco  Missão Francesa  Arte Acadêmica  Semana de 22  Expressionismo  Arte Naif

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PRÉ HISTÓRIA
A arte nasceu com o homem e deu-lhe a consciência de sua capacidade criadora, a possibilidade de imaginar. É muito importante lembrar que a arte revela o ser, independente de cor, religião, locais geográficos, independente de qualquer coisa. Se a arte não revela o ser ela não será arte. A arte é comunicação. Esse sistema de comunicação é sempre ligado a um processo histórico. A arte pressupõe um público. Mesmo que ela não seja feita para o público sempre haverá um que irá olhar. A arte é emissora e receptora, ela emite e recebe ao mesmo tempo. Na pré-história, o homem se tornou artista há 400 séculos ou 40.000 anos. Esse homem apareceu na fase da Pedra Lascada, em um período chamado PALEOLÍTICO (Paleo=Velho, Litico=Pedra). Esses homens tinham uma sensibilidade criadora incrível, habilidade e inteligência para a arte quase como os homens de hoje. Homens da pedra-lascada, homens primitivos, homens das cavernas tem o mesmo significado. Ha 4 milhões de anos antes dos homens paleolíticos já existia homem na terra quase como macaco. Dessa época não temos nenhum registro. Não sabemos o que eles fizeram, apenas que eles sobreviveram. De arte só sabemos a partir de 400 séculos atrás. Nesses 2 últimos milhões dos 4 milhões de anos agente já sabe que o homem se utilizava de pedras e de paus. O homem, com certeza, desde 4 milhões de anos atrás já usava um instrumento, porque o macaco como exemplo pega uma planta ou uma pedra para jogar em outro macaco. Então tudo isso o homem já devia usar. Só que transformar pedras em utensílios levou séculos. Primeiro ele pensou o que fazia com os seixos (pedras lascadas) ou com gravetos. A partir dai ele vai associar forma à função, criando assim o utensílio. A madeira por não ser resistente não durou para que pudéssemos ter como prova mas, os objetos de pedra permanecem até hoje. Esse objetos pessoais foram se aperfeiçoando. Com o aperfeiçoamento desses objetos iremos entrar no Paleolítico, época da pedra lascada. O mundo era totalmente diferente, os homens viviam em cavernas, a temperatura era baixa, sempre no gelo. Viviam em regiões que correspondem hoje a França, Espanha, Inglaterra, Alpes, Síria, Palestina, Norte da África, em plena Ásia, no Himalaia. Viviam em grupos bem grandes para se protegerem. A caça era abundante nessas regiões. Apesar de se chamarem homens das cavernas, eles pouco habitavam nelas. Ficavam muito mais do lado de fora, por serem sufocantes, malcheirosas, sem luz,e feias. Do lado de fora eles podiam ver a mudança do dia e noite, o que achavam fantástico e completamente inexplicável para eles. As cavernas eram mais usadas como abrigos das intempéries do que como moradas. Esses homens são chamados de primitivos, não por serem mais simples do que nós, porque eles foram os primeiros do local mais próximo de onde começou a humanidade. O processo de pensamento deles era muito complicado, muito complexo. 2

mas mais de conteúdo). As ferramentas rudimentares que usaram foram feitas com a mão. bisontes. É uma história de artistas. Ele precisava do animal para sobreviver e não do homem. ele passava o dedo no pó da caverna e este nas paredes. Não separavam o visível do invisível. São cavernas lotadas de pinturas rupestres. depois o pincel bem rudimentar feito de pêlos e penas de animais. Pintavam mamutes. Não sabia a diferença do real para o irreal. Depois começaram a pintar os animais sempre no fundo da caverna. Foram descobertos vestígios de luz artificial. O que difere são as idéias. sementes. O homem pré-histórico desenhou muito bem os animais. do mesmo jeito que não pintava a flora. Primeiro utilizou o dedo como pincel. não distinguindo o real do irreal. o mundo para eles era uma realidade só e única. marrons. idéias (conteúdo e formas. Se ele tivesse um poder sobre outro homem isso iria causar muito medo. em locais inóspitos. É tão bom quanto os de hoje. Esses locais eram bem inacessíveis e provavelmente subiam um em cima do outro para alcançarem.e os ossos para ele usar. tochas recobertas de gordura animal. decorar. O padrão de qualidade não difere do nosso hoje. A magia propiciatória era o pintar e o matar o animal através do desenho. de pessoas em mutações. Ele precisava do outro homem para preencher aquela imensidão do mundo que estava totalmente vazia. A explicação disso tudo é “a magia propiciatória”. As cores empregadas eram ocre. quer dizer. O domínio técnico dos homens da caverna é surpreendente. Se ele não matasse o animal. ossos carbonizados. Mesmo hoje vai ser chamada de “pintura rupestre” aquela pintura feita em tons crus. Essas cores eram devido aos materiais orgânicos de que eram feitas como: fibras. O homem era monista. bisontes (era como avô do elefante ou do boi). vermelho. carvão vegetal (que usamos até hoje). para poder iluminar o fundo da caverna. A história da arte não é uma história de progressos de técnicas. Essa pintura vai ser uma “pintura realística e figurativa” porque ele vai pintar tal qual ele vê.Existem milhares de pinturas rupestres (como são chamadas as pinturas das cavernas). sangue. Você pode ter muita técnica mas se não tiver uma concepção artística dificilmente fará alguma coisa. Antes do homem pintar os mamutes. ocres. Ele não desenhou nunca homens porque ele não queria matar outro homem dessa forma. As mais importantes cavernas citadas na História da Arte são: Altamira na Espanha e Lascaux na França. Séculos depois ele vai pegar um osso e soprar o pó sobre sua mão na parede da caverna deixando a marca do contorno de sua mão nela. como se fosse uma mágica. Não sabiam a diferença do mundo material do espiritual. Não iríamos pintar hoje com a finalidade de fazer magia propiciatória. e não de técnicas. Não existia requinte por não haver intenção de fazer arte. ele morria. sépia. 3 . a pele para ele se vestir. bem escondidos. com criações. O animal dava a carne para ele se alimentar. É a primeira vez que existe um estilo na história da arte. Ele pintava o que via.

A arte é realmente a expressão de uma época. ao acaso. paleolítica. porque não existe na natureza. só da fêmea. quadrados. mamutes. 4 . Nessas aldeias não tinha chefe. amontoar um monte de ossos. 18 metros de comprimento e 9 metros de largura. Nunca ele fizeram representação escultórica de macho. quando um pai fazendo um picnic com sua filha. na Espanha. O homem neolítico consegue o controle sobre a sua alimentação. Eles então largavam tudo lá e escolhiam outro lugar. Os homens abandonaram a vida nômade. sem deixar espaço para andar. como as tintas foram feitas com materiais orgânicos. porque com a temperatura amena podiam ficar mais tempo no mesmo local. Com o tempo mais estável eles passam a ter uma vida sedentária. Outras formas de arte são as gravuras. O homem será representado mais forte e mais alto do que a mulher. Os retângulos. triângulos. Eles também começaram a dançar e a cantar. Os cientistas não gostam de que sejam fotografados esses desenhos. Tem uma ordem entre as figuras que parecem um código de composição. como eles pintavam. É um estudo muito sério e não se sabe a realidade. É através do carbono 14 que se constata tudo da época pré-histórica. O pré-histórico da era paleolítica fez esculturas de figuras femininas em pedra. A arte passa a ser feita do lado de fora na entrada das cavernas com o objetivo de serem vistas. a cultivar e se organizar socialmente formando aldeias. há pouco tempo. E. Foi descoberta em 1879. ventre saltado e nádegas enormes. mulheres de seios enormes. Obs. como uma forma de leitura de suas vidas. Eles acham que podem ser desenhos referentes a extra-terrestres. etc.A caverna de Lascaux foi descoberta em 1940. A temperatura era mais amena. entrar água. Ela corre para avisar o pai e esse chama os peritos para estudar a caverna. como “deusas da fertilidade”. essa descobre um buraco que a leva a outras salas com muitos desenhos. touros pintados de tamanho natural e de corpo inteiro. que não existe na natureza. Começa o período neolítico. na pedra-polida. Deve ser por causa da fertilidade. Na época do paleolítico ficavam pouco tempo na caverna. 8000 anos depois (dos 40. Não é mais uma magia propiciatória. tem 2 metros de altura. Pintam do lado de fora mostrando os atos da vida coletiva deles. Começa a plantar.000). Se não fossem os terremotos e os deslocamentos de terra que tamparam essas cavernas. não saberíamos nada sobre esses “museus do mundo”. Eles fazem incisões nas cavernas aproveitando os relevos para dar volume nos desenhos. Eram pinturas sobre a caça. Assim vão documentar para as vidas futuras o que a sua comunidade fazia. Tem dezenas de representações de animais como: cavalos. bisontes. É a conquista do pré-histórico de sua capacidade de representar as três dimensões. A arte é feita pela arte. nem rei por não haver ainda uma hierarquia. pois esta começava a deteriorar. Vai surgir as primeiras figuras masculinas. elas permaneceram até hoje. O auge do abstracionismo é fazer quadrado. e é chamada a catedral das cavernas. que seria a representação de mulheres grávidas. Altamira. Nas cavernas do período paleolítico foram descobertas algumas simbologias inexplicáveis como o “quadrado”. vacas. não se sabe como eles tinham conhecimento dessas formas.

As suas preocupações são outras. A última animal a ser domesticado foi o cavalo porque eles se alimentavam dele. Vai aparecer tudo. Vão aparecer as primeiras esculturas dos “deuses”. Eles guardavam as coisas nas cerâmicas porque elas conservam a quentura. papoulas. Ele percebe que tem uma coisa que domina e toma conta dele. A mulher só poderia ter outro homem quando o dela morria. Ele tem a concepção que existe um ser. O sexo era um ato animal.O cantar era um ajuntamento de sons para cultivar os trabalhos coletivos do plantio e da colheita. lentilhas. A arte neolítica dá um passo atrás pintando da mesma forma que a criança pinta hoje. Eles percebem que se derem as mãos e saírem cantando a colheita iria ser muito mais interessante. No período neolítico é que o homem podia ter quantas mulheres quisesse e a mulher não. e feito na posição (por trás) como os animais. maçãs. Eram muito primitivos. Uma das coisas muito interessantes do homem pré histórico é quando ele toma consciência da dependência que vivia do bem e do mal. símbolos sagrados. alguma a coisa a mais que é dono de tudo isso e que precisa tomar cuidado. Começa então a surgir a religião para protegê-lo. ervilhas. Ele pode cultivar e. Depois domesticou o boi. benéfico ou maléfico. Tudo é geometrizado e certinho. Ele percebe que quem rege o destino do solo é a natureza. Ele auxiliava na caça. A mulher fica em casa cozinhando. Passa a ser um ser social. Ex. cerimônias fúnebres. Eles cultivavam trigo. amigo. Acha-se que a primeira plantação foi feita na região Mesopotâmica indo depois para o resto da Europa. É a primeira mudança de estilo na história da arte. Eles faziam para dormir uma grande cama de cerâmica em formato de barco para segurar o calor. Vai existir a cerâmica crua e cozida. Com certeza esse cultivo começou no oriente médio por causa do clima muito seco. não ter essa colheita por causa de uma chuva de granizo ou de uma tempestade. A cerâmica cozida era feita mais no período neolítico. que é a natureza. artística econômica e política. era fiel. mas de alguma coisa além dele. O homem passa de figurativo realista para a pintura geométrica. A cerâmica era super importante porque utilizavam-na para tudo. O 5 . Ele percebe que a colheita não depende dele. linho. de repente. Uma das atividades artísticas mais importantes do neolítico é a cerâmica. uvas. cenouras e nozes.: prato. leite e fibra para tecido. o porco e a cabra que abastecia de carne. O primeiro animal domesticado pelo homem foi o cão. Vai pintar de uma forma muito esquematizada e muito pior que o homem paleolítico. Ex. sepultamento. Vai acontecer uma revolução social. cevada. Vão surgir também mitos. Depois da cerâmica é que vai surgir a madeira. ajudá-lo. A partir da consciência desse ser vai surgir a necessidade da crença e do culto. Restaram apenas pedaços dessas peças e muitos desenhos desse período neolítico documentando isso tudo.: “deus da colheita” Não tinha ainda a definição de uma mulher para um homem. O cavalo como besta de carga só vai aparecer na idade do bronze e como montaria só no final da idade do bronze quase na Idade Média. tecendo e fazendo tarefas domésticas.

Vários pintores do século XX vão trabalhar em cima da história da arte primitiva. E. Os grandes cozinheiros vão ser na época de Luís XIV. O homem não cozinhava. para finalizar. A preocupação do homem na idade do bronze era em cima das descobertas técnicas. não comendo mais carne crua e vão usar sal pela primeira vez. Somente depois na Idade Média é que o homem vai aparecer cozinhando. O único homem que cozinhava era o mágico da tribo para ele fazer rituais. é o caso de Picasso. e utilitárias para a época. Durante séculos o homem vai ser proibido de cozinhar. É quando eles fazem rodas. Esses minérios derretidos formaram o bronze que quando esfriava endurecia rapidamente. A idade do Bronze também foi descoberta por acaso. Os utensílios ficaram bem melhores. quando estavam fazendo uma fogueira em um acampamento quando. Eles passam a cozinhar a carne. no Barroco. Na hora de colher a colheita a mulher e os filhos participavam. a Idade do bronze foi muito pobre artisticamente. No final da idade do bronze já não é mais considerado pré história. 6 . de repente. Eles achavam que se o homem cozinhasse a comida seria uma comida envenenada.homem sai para o campo para caçar e fazer a plantação. etc. Uma grande descoberta sempre leva a outra grande descoberta. carros. Essa liga possibilitou modelar uma infinidade de coisas. Não vai cozinhar comida. derreteram uma pedra que tinha cobre e estanho. Obs. mais do que com a beleza.

As cidades eram independentes umas das outras. 7 . Foi o local onde todos os povos como sumerianos. O culto aos deuses era muito forte. enquanto a arte da Mesopotâmia teve muitas. Foi tão importante quanto o Egito. Faziam tijolos pequenos um a um à mão. etc. os Sumerianos foram os primeiros a dominá-la. Até a metade do século XIX pouco se sabia da Mesopotâmia. Os rios Tigre e Eufrades inundaram toda a Mesopotâmia. foram convidados para construir esse templo imenso. Quando as civilizações européias ainda estavam na pedra polida. Com o passar do tempo essas construções não resistiram às mudanças e nada restou. dos sumerianos. depois de muita procura. todos os povos da Mesopotâmia fizeram as construções assim. Os arqueólogos descobriram vários montes chamados tells (téus) e que tinham lá no fundo tinham a civilização. Foi chamada de “TORRE de BABEL”.C. Os templos da Mesopotâmia que tinham esse formato chamavam-se Zigurat.C. sepulturas.MESOPOTÂMIA MESOPOTÂMIA: quer dizer em grego região entre os rios Tigre e Eufrates. ninguém se entendia. Foi o dilúvio que a Bíblia comenta. Tudo o que sabíamos sobre a Mesopotâmia era através da Bíblia. Esse templo enorme que era equivalente a um prédio de 20 andares. colocavam para secar e depois construíam palácios. escravos e não escravos. tinha força de lei. só que eles não faziam como os egípcios que trabalhavam em pedras. A Mesopotâmia foi uma civilização fantástica como a Egípcia.000 anos. do lado de fora.. ajudaram na construção. os mosaicos. na Mesopotâmia... Cada povo falava uma língua. Havia. Todos. O Museu do Louvre está lotado sobre as peças da cultura Mesopotâmica. Entre os muitos povos que faziam parte da Mesopotâmia. fenícios. Era como se tivesse acabado o mundo. etc. etc. ou seja até 2. Tinha também só uma porta com uma escadaria que conduzia o povo a subir para rezar lá em cima.C. Existia uma cidade chamada Uruqui. pintar. A religião era magia. eles trabalhavam com adornos (que são tijolos pequenos de terra). Os templos para os sacerdotes era a construção mais bem organizada. Eles eram muitos povos como: caldeus. babilônios. A arte Egípcia teve poucas variações. escrever. acharam a cidade de “Hur” que começou 5000 A. No interior tinha tijolos bem pequenos e coloridos. O sumeriano é o protótipo mais antigo das construções de dentro de casa. assírios. somente a força da religião era que unia todas elas. surgindo aí a técnica dos mosaicos. Isso ocorre 5.Tinham tesouros soberbos como os dos egípcios. Durante 3. onde estaria mais próximo de “deus”.000 A. Nessa cidade tinha um templo fantástico todo branco. fenícios.000 A. Todos tinham uma forma muito diferenciada de falar. Aparece Noé com seu barco e os animais para se salvar do dilúvio. Em 1927 os arqueólogos. Situada no Oriente Antigo. a Mesopotâmia já era uma civilização. Em 1927 eles escavaram os montes e descobriram as cidades da Mesopotâmia. lindíssimo. no interior do Zigurat. etc.

grandiosa. Eram povos unidos só pela religião. cantarem. bem feita. O azul era feito lápis-lasure. A cabeça era cuidadosamente elaborada. estava no rosto e o corpo servia só de suporte. especialmente para os sumerianos.000 A. foram gravados na argila.000 a 2. Vão implantar o terror na Babilônia.A invenção da escrita aparece na Mesopotâmia em +/. Tinha um curioso detalhe: a desproporção entre a cabeça e o corpo. O que eles produziram de arte era somente ligado às guerras e aos reis. imperial. chamada Zigurat para que as pessoas rezassem mais próximas de “deus”. escreverem. O material usado para fazer as esculturas era muito variado. Dominam toda a Mesopotâmia e toda a Síria. A escrita chamava-se cuneiforme por ser em forma de cunha.C. eles pegavam um estilete em forma de cunha e gravavam na parede. A escultura era super importante. É um povo interessante. principalmente o caráter. Os assírios eram tremendamente guerreiros e tinham um exército muito poderoso. Os sinais da escrita ao invés de serem desenhados. Relembrando: Vão construir uma torre na Babilônia. guiados pelo rei Sargão.C. Os acarianos vão aparecer em 3. O que vai ter de diferente são as famosas “estrelas” ou “estelas” que são as pedras desenhadas.C. gravadas ou esculpidas. dando expressão de fé e serenidade. Vão acabar com o primeiro Império Babilônico. São guerreadores mas não são grandes artistas. concha marítima. A escrita da Mesopotâmia (3. sendo que estes dois últimos não duraram com o tempo. 8 . a alma das pessoas. prendendo as pessoas e fazendo atrocidades com elas. Os assírios permaneceram na Babilônia de 1100 A. Eles só não acabam com a cultura babilônica pois vão adquiri-la através da forma deles pintarem. A arquitetura era pomposa. sendo completamente diferentes um do outro. Portanto a arte acariana é muito parecida com a arte sumeriana.3.C. Quando a argila estava mole. Eles copiam a arte sumeriana. gesso. Era uma civilização tão rica quanto a do Egito. Era uma cerâmica muito ruim. A arte era feita para “deus”. Iraque. Os olhos eram enormes e bem expressivos. Ex.. e falarem.) vai bater mais ou menos com os hieróglifos egípcios. Fizeram desses escravos os construtores das grandes cidades. Eles utilizavam pedras.000 A. Eles chegaram a dominar o Egito e a Fenícia. Kudurros eram os contratos feitos em pedra e escritos em cuneiforme. gigantescas. Assurbanipal era o guerreiro imperador. É por isso chamado de cunheiforme. Descobriram que por baixo dos “tells” (montes) existia uma civilização fantástica.: A civilização mexicana aparece bem depois de Cristo. mármore.C.. A Mesopotâmia não ficou tão famosa porque o material usado nas construções não resistiu ao tempo por serem feitos de adobe (tijolinhos de pedra). É um passo enorme da Humanidade.500 A. Isso acontece porque para o povo sumeriano. Obs.: os Maias. enquanto o corpo eles nem ligavam. Para construí-las pegavam cidades inteiras. até 612 A. A fase histórica é praticamente a mesma. O poder deles chegou até o Egito. O branco dos olhos era feito de conchas. A Mesopotâmia fica hoje mais ou menos onde estão os países Irã. Assur é uma cidade muito famosa. principalmente a escultura. Era como os contratos de doações de terras.

Tinha um enorme harém com 37 camas. 77 quartos. Não fazia o povo de escravo só para construir para eles. o que seria mais ou menos 10. somente o Zigurat. Na arte assíria o que mais se destacou foi o relevo. No museu do Louvre você poderá ver esses relevos. Deixaram tudo por escrito. tortura. Essa muralha tinha sete portas e era ao redor do palácio medindo 300 hectares. Tudo isso foi erguido em apenas 6 anos por causa do trabalho escravo. A moradia dos monarcas eram obras arquitetônicas fantásticas só que construídas com tijolinhos de barro. trabalho forçado. armazéns. auxiliando séculos mais tarde com esses conhecimentos. Eles utilizavam números cabalísticos como o 7 e o 14. Tem um relevo famoso que é “A leoa ferida”. matança em massa. No grande Zigurat eles rezavam para que suas conquistas fossem sempre maiores. Não sobrou um monumento pronto. músicos tocando. Sempre mostra o horror. eles faziam relevo e arquitetura. Isso também vai aparecer no Egito. 17 dormitórios de empregados e 7 banheiros. Tudo isso para estudarem a ciência. Nos próprios registros das esculturas é que constatam que eram guerreiros e cruéis. mortandade. Na síria. está no museu do Louvre e era do Palácio do Assurbanípal. Pegavam milhares de escravos até eles resistirem. Somente em Ninive é que Assurbanípal mandou fazer baixos relevos. Os assírios pegavam a população e testavam a resistência dos velhos e crianças para ver quem conseguiria ficar mais tempo sem comer. Ele realmente ele vai colocar essa tranqüilidade através dos relevos de árvores frondosas. Fizeram transplante de córnea. Muito do que sabemos vêm de pergaminhos desenhados.: pegavam 2 irmãos e arrancavam o olho de um para colocar no olho do outro. principalmente. O palácio do Sargão tinha 300 salas. Eles colocam só os assírios como vencedores. A cabala vai aparecer muito na Mesopotâmia e no Egito. lagos. O mal era que ajudava e não o bem. Tem uma maquete no British Museum. 10 salas de tronos.000 m2. para seu descanso. A muralha tinha a altura de um prédio de 8 andares. mulheres passeando. Fizeram imensos tambores de cerâmica cheios de água para testar também a resistência das pessoas sob o sol fortíssimo com a água subindo. Quando não resistiam mais substituíam por outros. O rei Sargão da Síria. Através dos escravos eles sabiam a resistência que eles precisavam ter. embora 9 . Tinha 97 pátios. Nesse palácio eles faziam rituais para o demônio. O Rei Sargão cultuava essa coisa do mal. Essas 37 moças desse harém não eram as preferidas. As outras 37 ficavam na expectativa de algum dia serem chamadas.O assírio foi o pior povo da antigüidade. por ex. Eles não escondiam essa crueldade. Tinha o super harém com 7 preferidas. cativeiro. Não acreditavam em outra vida. construiu um palácio com uma muralha. Depois testavam a resistência sem dar comida e depois sem dar água também. Eles quase não pintavam. pássaros. onde tudo parecia ser bem tranqüilo. celeiros. Os egípcios ao contrário do que se pensa não só tinha os escravos como pessoas do próprio povo que ajudavam nas construções faraônicas. vai aparecer a primeira propaganda onde o rei sempre aparece vencendo e os povos caindo e morrendo. 22 salas de recepção. Ajudava os seus sacerdotes a cultuar o mal.

para indicar que o homem não estava em casa. Quando eles casavam passava para o outro dedo anular da mão esquerda. No patamar azul. Mais tarde os judeus foram estudar como eles fizeram essa irrigação para resolver esse problema na terra deles. Eles obrigavam as mulheres a usar ouro. a folha e flor eram azuis também. Todos os povos tinham medo deles. inóspito. Era uma árvore parecida com romã. Quando essas moças casavam elas passavam a usar somente o bracelete no braço com ouro de 2 tons sem rubis e esmeraldas. A flores e folhas eram da mesma cor. sendo portanto tiradas dos cintos. Depois é que vai surgir mais tarde a aliança. feito também em ouro. graças a irrigação.C. Elas colocavam um cinto no quadril. Eles usavam uma substância vermelha que eles tiravam de uma árvore que hoje não existe mais. eram distribuídas por vários patamares debaixo para cima.muitas vezes eles fossem os perdedores. azul. ou outro motivo. Daí a Babilônia vai ser mais uma vez a mais esplêndida cidade do Oriente. bem mais tarde dominou a Babilônia. o caule. Não era um cinto como o de castidade ainda. As solteiras usavam um bracelete no braço. misturando também com outras substâncias. Os jardins suspensos da Babilônia vão ser reconstruídos. Aí começou o cinto da castidade. Ficava na unha por um ano. Quando o homem era solteiro (mas noivo) ele tinha um grande anel no dedo anular. Ex. As pedras eram usadas só nas solteiras. Em UR eles gostavam tanto de ouro que faziam muita jóia usando também muito rubi. amarela e branca. O anel era tão grande que ocupava o dedo todo sem poder dobrá-lo. Após casar o marido é que representava as pedras preciosas. quando os maridos saiam de casa para guerrear. Na realidade era uma tinta. e ouro vermelho que mandavam buscar no mundo inteiro. 10 . Em todos os museus do mundo você vai encontrar essas jóias. na época da Néo-Babilônia. Só na Idade Média é que surgiu o cinto de castidade do jeito que conhecemos. Em 612 A. Eram sete patamares. Foi o fim do esplendor da Babilônia. era só apoiado no quadril e não tinham pedras preciosas. um grande colar e uma pulseira também na perna. onde eles plantaram grama e flores em um lugar completamente árido. os assírios foram destruídos pelos MEDOS (médos). Os jardins da Babilônia eram feitos de flores de várias cores sendo que. Tinha um sistema de irrigação no qual a água passava por todos os patamares. Tiravam o colar do pescoço porque elas não estavam mais presas aos pais e sim ao marido. esmeralda. violeta. A única pintura que foi registrada da Mesopotâmia é a cidade de Ur. Era uma substância orgânica que eles maceravam até conseguir o vermelho. destruiu tudo com exceção do Zigurat por considera-lo um marco muito forte. Na Mesopotâmia é que vai aparecer o esmalte pela primeira vez. Eles vieram da Ásia e junto com os babilônios que ainda restavam eles destruíram os assírios e reconstruíram a Babilônia que é chamada depois de Néo-Babilônia. O rei é o vencedor e todo o resto da humanidade perdedor. rei da Pérsia. pois só hoje é que denominamos esmalte. Todo homem e mulher casada tinham que usar nos pés e nas mãos. Quando Siro. Tinha um platô na parte lateral.

assírio. qualquer povo. as viúvas tinham que casar.Quando ficavam viúvos tinham que pintar as unhas de preto. Essa lei vai vigorar todo o tempo na Mesopotâmia. Tinha uma fila de homens esperando porque o marido deixava toda a herança para a mulher e não para os filhos. As mulheres viúvas tinham que casar 3 meses depois que o marido morria. qualquer um caldeu. 11 . A casta da Mesopotâmia. Todos esses povos de uma forma ou de outra eram guerreiros.: Na antiga Babilônia é onde se encontra Saddam Hussein hoje. Obs. Até 18 anos os filhos eram considerados crianças só podendo guerrear. A mulher não tinha direito sobre a herança enquanto o marido estava vivo. O homem viúvo não tinha que cumprir essa lei. dependendo se estes eram bons ou não. mas não podiam ter nada. Ela é que iria decidir se dava ou não a herança para os filhos.

o Egito já estava totalmente com a civilização feita.C. Não podia existir nada fora do domínio do faraó ou dos sacerdotes. que tornava as terras férteis graças às inundações periódicas. Quem vivia nos templos eram os ricos Sacerdotes e Faraós. As dinastias vão surgir depois desses grandes clãs. Não era só trabalho do escravo. as cerâmicas. Era uma organização social simples. os tecidos. os mortos. Não tinha dinastias e nem faraós. “rio deus”. as jóias eram todas concentradas no domínio real ou dos templos. É um vale estreito cheio de montanhas nos dois lados. O Egito é uma espécie de oásis no centro de uma região desértica. passando do Paleolítico para o Bronze. os aspectos sociais. econômicos. Os mestres gregos estudaram no Egito. equilibrada e geométrica.000 A. O Egito foi dividido em Alto e Baixo. A alma do Egito era o Nilo. A arte é totalmente feita para a eternidade. e chegou ainda como civilização organizada egípcia até 30 A. todo mundo se matando. especialmente o trigo que fazia daquele país no meio desértico o celeiro da antigüidade. Nessas terras férteis eram cultivados os cereais. Na arte egípcia sempre vai ser exaltado o sentimento de morte e eternidade. A arte e a ciência eram muito avançadas para a época. culturais e religiosos eram o seguinte: O comércio. A arte e civilização Egípcia duraram 40 séculos. Dos lados tem dois dos maiores desertos do mundo Saara e Núbia. Durante a época das inundações. Ela continuou depois. cereais. as armas. Toda construção do Egito é feita de pedra proveniente das abundantes jazidas que existem no Egito. O Egito tem sido considerado desde a mais remota antigüidade o berço da civilização. Os mais pobres eram enterrados em uma vala comum. Os Templos também são monumentos colossais. mas de todo o povo.C. simétrica. A arte egípcia é extremamente regular. São todos monumentos faraônicos e todos de pedra para durarem para a eternidade. Para controlar as águas do Nilo foram erguidas obras hidráulicas de represamento e irrigação. A indústria da época como: manufatura de papiros. mas sempre para os faraós ou pessoas da família dele. quando surgem os faraós. Ela começou mesmo como civilização em 5. era exercido pelos faraós e seus funcionários.EGITO Tudo no Egito é feito para a eternidade. do qual viviam muito da venda do ouro. os trabalhadores interrompiam o trabalho agrícola quando grande parte da população estava disponível para as grandes construções. 12 . Após se formarem as dinastias. Só os sacerdotes ou amigos dos sacerdotes é podiam exercê-las. As Pirâmides e as Mastabas são túmulos onde residem os mortos.C. milênio. A primeira civilização egípcia no 5o. sendo uma arte simbólica e convencional. A arte egípcia é toda dirigida para a religião. os moldes belíssimos. mas como civilização forte até 30 A. Enquanto a Europa era completamente bárbara. anterior às dinastias dos faraós eram divididos em clãs familiares. E nas Pirâmides.

sobre o que achava dele próprio como artista do novo império: “Conheço o segredos das palavras divinas. Só que eles tinham que aprender tudo: anatomia. não podia criar nada.onde colocavam os produtos sobre as mesinhas. tronco de frente. Os artistas tinham que aprender bem cedo o estilo. Existiam muitos ofícios no Egito: escultores que faziam esculturas em pedra e madeira. os braços e pés de perfil para melhor representar as características da pessoa. As mãos eles fazem sempre sobre o joelho. Era uma demonstração de revolta. Depois vinham os trabalhadores do campo que tinham uma casa razoável. joalheiros que faziam jóias fantásticas. Conhecia tudo. onde seria o Cairo hoje. porque não era permitido. mais valiosa ela era. com cores. o homem tinha que ser mais alto que a mulher. e os escravos que moravam em palhoças como se fossem animais. Quanto mais branca. Sou chefe de todos os segredos dos rituais cabalísticos. lei da frontalidade. Ficou 5.000 anos sem mudar nada na escultura. No estilo egípcio existiam leis muito rigorosas que não podiam nunca ser mudadas. assim que o Egito começa a acabar a sua arte acaba também. conheço a flor. A arte egípcia estava tão ligada ao país que. conheço a conduta das festas. o olhar de alguém à seu auxiliar. O artista tinha que saber mitologia e ser anônimo. A arte egípcia ficou 3000 anos sem mudar nada. etc. mas era um mero artista ignorado. bebida. a postura de quem lança o arpão.. anéis e miniaturas de jóias vistas só com lupa. o Egito vale a pena enquanto arte e civilização. prateleiras para vender ou trocar por comida. No Egito existiam escolas de arte cuja função era formar artistas. lidar com tintas. Mas o artista não podia passar disso. 13 . foi descoberto mais tarde. pintura. olho de frente. As regras passavam de geração a geração sem nenhuma renovação. braceletes. feitas de pedra e o telhado de palha. em hieróglifos.As habitações da classe média eram na periferia. o que significava a força que a pessoa tinha. Os homens tinham que ter a pele mais escura que a da mulher. até fazer hieróglifos. Eles tinham uma espécie de feira. o que quer dizer que sempre a figura humana vai ser representada com o rosto de perfil. Vejo Ra em suas manifestações. É uma demonstração que o pintor estava insatisfeito. Conheço a pose da mulher. Eles tinham paixão por pele clara. O patrão tinha que ser maior que a esposa. Nada do que se refere à esse assunto de magia me é oculto. Um homem acima do comum por meus conhecimentos. Elas tomavam banho de leite de cabra para ficarem bem brancas. É a lei do ver melhor. Sei toda a magia que pratiquei sem que nada me escapasse. Um texto escrito por um artista. conheço o amor. Até 30 A. sou um artista!” Ele se valorizava. O egípcio tem uma mistura com preto. sem exagero.C. Toda pintura egípcia tem a lei da frontalidade. sobre uma pedra. Ninguém podia saber quem tinha feito o trabalho pois o artista não podia assinar. Existe um estilo egípcio tão forte que durante milênios não vai mudar nada. A partir daí começa a decadência do estilo e arte Egípcia. Sou um artista excelente em minha arte. os filhos e os criados. O artista tinha que aprender que sempre que fosse pintado o homem e a mulher.

Só depois é que tiram o corpo dessa solução e não se sabe como secavam esse corpo. só que um pouco mais idealizado. para depois fechar a pirâmide. Colocam uma solução de ácidos e sais aromáticos deixando o corpo banhado nisso por (+/-) 6 meses a 1 ano. Acreditavam na vida eterna. Depois da mumificação não podiam mais tocar no morto pois a sua alma poderia ficar perambulando por milhares de séculos. até nos ajudantes dele. Eles tinham uma obsessão pela imortalidade da alma. etc. que ficava ao lado da múmia. algodão. eles sabiam que a pessoa que morria só ficaria contente se tivesse tudo o que tinha em vida e que gostasse junto com ele. também era colocado junto ao morto. Se ela fosse profanada a alma iria ficar sofrendo pelo resto da eternidade. Ex: Um faraó que ia ser enterrado e que gostasse de bailarinas. Se esta fosse violada o faraó teria um outro corpo. Elas tinham que continuar casando com o filho. na sua plenitude. Na mumificação era cortada a cabeça. surgindo com isso a mumificação. Obs: No Vaticano tem uma múmia egípcia que está parte desenrolada podendo ver até a carne e um pouco do cabelo. Com o passar do tempo. A múmia depois de pronta nunca mais poderia ser vista e nem tocada. é meramente uma transição para uma outra dimensão. Eles limpam tudo o que tem dentro do tronco e enchem de bucha. de trapo. A mumificação era feita em toda casta do faraó. Dentro da pirâmide o morto iria “ascender” para se encontrar com “deus”. mais jovem. os membros ( braços. Nos primeiros 2 milênios iam todos juntos. Daí eles costuram tudo novamente. igual ao do faraó. Elas iam com vontade pois significava uma honra. não daria continuidade a sua dinastia. Ela então. seria colocada na pirâmide e esta bem fechada. Os escravos e os trabalhadores não eram mumificados porque era muito caro fazer a mumificação. Eles acreditavam profundamente na imortalidade da alma. ou o faraó com a filha. Os egípcios levavam tudo aquilo que o morto gostava para o túmulo a fim de que a alma continuasse a gozar de tudo o que eles gostavam enquanto vivos. pernas) deixando só o tronco. nas outras dinastias não era levado ninguém mais vivo para ser enterrado. É porisso que existia muita riqueza nos túmulos. feito em pedra. O faraó era convicto de que se a mulher dele fosse enterrada junto. estas iriam ser enterradas vivas junto com ele. ou outro parente. O corpo do morto não podia ser tocado. Esta escultura sempre vai ter o rosto esculpido idealizado. A parte política e econômica do faraó era também muito importante para que a mulher do faraó desse continuidade. Eles acreditavam que a alma continuava a viver. Nas primeiras dinastias. vivas. Para evitar que fossem tocadas. Para o egípcio a morte não é um acontecimento triste.Desde o começo da pré-dinastia a arte egípcia era completamente ligada à morte. comidas. O faraó era mumificado e em seguida colocado na pirâmide junto com as pessoas que gostava. Na realidade ninguém nunca mais conseguiu fazer mumificação. bonito. só que com as mesmas necessidades terrenas. roubadas e profanadas é que iriam ser colocadas em monumentos colossais que seriam as 14 . Eles não tinham a mesma concepção moral que nós temos. mas com as características do faraó. Era uma continuação da vida terrena. Depois eles montam tudo novamente e estará pronto para ser enterrado nas pirâmides. Eles também esculpiam um outro corpo. Jóias.

na lateral. onde cada barcaça levaria 2 pedras amarradas embaixo da água para que ficassem mais leves. Onde hoje tem a famosa represa de Assuã. construção. O túmulo é a pirâmide. tendo 146 metros de altura. no Egito. Os historiadores acham que a forma mais certa daquelas pedras chegarem seria através de barcos pelo Rio Nilo. Gisé. só para proteger o faraó.600. Esse local onde existiam pedras se chamava Assuã.000 blocos de granito e calcário. na América do Sul. Esses blocos eram trazidos de uma região há 1000 km de distância. Quando descobriram a pirâmide de Quéops já não tinha mais nada dentro. Ela tem 121 metros de base e 60 metros de altura. Eles pensaram muito antes de construírem as pirâmides. México. Não tinha nenhuma gravidade. 15 . A pirâmide é um tipo de construção que proliferou no Egito muito mais do que se pensa. e deixaram cair uma ferramenta. Não existe nenhum elemento de ligação como o cimento ou argamassa para unir ou sustentar essas colunas de pedras nas pirâmides. Na construção foram empregadas 2.” Algumas pirâmides eram fechadas no topo e outras abertas. Não há um consenso de como foram construídas as pirâmides. Na terceira dinastia. é um altiplano rochoso (que não se mexe). fogo está no centro. e a estátua do morto que era colocada ao lado da múmia é chamada hoje em dia de “o duplo”. “O vértice da grande pirâmide corresponde ao polo e o perímetro do Equador. pois já tinha sido violada. na planície de Gisé. A etimologia da palavra pirâmide: É uma palavra de origem grega onde “piro” quer dizer fogo e “amid” quer dizer está no centro. Existem muitas portas falsas e corredores falsos que não levam a nada para. que os franceses fizeram um buraco próximo à base. local onde foram construídas as pirâmides. a base é do tamanho do “Maracanã”. Quefrém e Miquerinos. Obs: Há 6 anos atrás saiu na Geográfica Universal. eles tinham que ser polidos de uma forma manual. na escala exata. A pirâmide de Quéops é a maior das 3. Para esses blocos ficarem sobrepostos perfeitamente encaixados. Central. Está tudo perfeito até hoje. a qual flutuou. Desde 3500 A. Em todo o mundo aparece pirâmides feitas em épocas diferentes.C. Só que durante todos esses séculos nenhuma pedra foi encontrada no Rio Nilo. Cada lado da pirâmide foi projetada para corresponder a curvatura de 1/4 do hemisfério norte. Após muitas pesquisas descobriram que em Maio a cada dois anos naquele local não tem gravidade. Peru. Dois séculos depois foram construídas as famosas pirâmides de Quéops. Foi construída em Sacara. Cada bloco pesa de 2 a 20 toneladas. que é a primeira pirâmide dos degraus. e em alguns lugares da terra também.pirâmides. Os blocos eram sobrepostos somente através de cálculos matemáticos absolutamente precisos. etc. Essas pirâmides eram totalmente racionais. Na região não haviam pedras. até hoje não houve nenhum terremoto. Hoje somente o raio lazer conseguiria deixar a superfície tão lisa. isto é. Tem pirâmide na China. foi construída a primeira pirâmide. no Egito (que hoje é o Cairo).

da manhã até Tebas. ela só aparece excepcionalmente. Do outro lado do Nilo está o outro templo da rainha Hasétsud. Ela era uma rainha faraó. Os moradores passavam a noite no terraço tocando música. O azul era feito com o pó raspado do lápis lázure e misturavam também com goma arábica. madeira. Técnica da pintura Egípcia: Tudo o que os egípcios desenhavam. O que ficou de melhor está localizado perto das pirâmides. A mitologia egípcia lida muito com o demônio. Todas tinham terraço com cobertura. Até hoje as construções são um mistério. A pirâmide de Quéops tem uma força. As construções civis perto das pirâmides. A luz vai ser feita pela mão do homem. A organização da iluminação inteira dos templos era um verdadeiro “mis en cène”. Eram todos de classe média. esta ficará gelada. Nos templos egípcios a iluminação é importante porque vai haver uma abertura para passar a luz do sol somente no que for divino. era chapada. muro. são dois templos ligados entre si localizados na cidade de Tebas. É um calor infernal. 16 . ele é que vai deixar iluminar o que ele quer. mumifica. As janelas eram abertas para o pátio interno. quase nada restou até hoje. Depois das pirâmides o que existe de mais fantástico é Karnak e Luxor. propositadamente. sobre as esculturas dos deuses. Foi uma rainha poderosa que conseguiu unir o alto e o baixo Egito. cores planas. uma energia. Elas não eram tão importantes quanto os templos. O sol era o divino. A cor vermelha era dada pelo óxido de ferro.Todas as 3 maiores pirâmides e as outras 70 que tinham no Egito já tinham sido violadas e roubadas. Uma distância como se fosse de São Paulo à Salvador. Pegavam um pincel fino feito de bambu e desenhavam no gesso ainda úmido. depois passavam uma massa fina de gesso sobre o reboco. Os deuses que tem a ligação com a lua vão ser iluminados pela luz da lua. faziam primeiro o esboço em pedras arenosas chamadas de ostrakas (porque a pedra parecia com uma concha). A lua era o demônio para eles. O templo é do tamanho de Manhattan. O palácio era fantástico. 150 leitos para os maridos. Estando no Cairo pega-se um avião às 5hs. não apodrece. porque era feito para a eternidade. A pintura não tem nenhum efeito de luz e sombra. Não chovia nunca. Na iluminação da arquitetura egípcia não há quase janela. clara e um pouco de óleo de amêndoa. A partir desse esboço eles elaboravam a obra definitiva sobre a parede. Esses templos foram construídos através de 3000 anos. por assim dizer. Se for colocado água quente sob o sol. que estão dentro da pirâmide e que tem ligação com o sol. Tinha silos de cajal. que tudo que está localizado próximo num raio de 200 metros não morre. Após secar colocavam a cor. cantando. As esculturas estão sempre fechadas no escuro e só vão ser clareadas naquele momento quando a luz passa por aquela abertura. As moradias descobertas próximas às pirâmides eram construídas em alvenaria e pedra. Faziam com goma arábica e clara de ovo. Primeiro eles faziam um reboco grosso sobre a parede. Os historiadores acham que as pirâmides foram construídas através de montes de terra ao lado da construção para apoiar as pedras para serem erguidas.

ou uma espécie de catapulta para erguê-lo. Tingiam o cabelo de Rena. 17 . A mulher realmente era muito bem conceituada na vida privada.“o sol”. Hoje . e com madeira para arrematar. A água do Rio Nilo vinha canalizada e quando chegava lá estava gelada conservando assim esses animais para o futuro da vida dela. ou foram destruídos por terremotos. colocados sobrepostos sem andaime. E durante a noite eles tem outros buracos para passar a luz da lua. Descobriram um shampoo e condicionador feito de papiro (que solta um sebo) e adicionaram flores para perfumar. da rainha HATSEPSUT. Quando Napoleão foi ao Egito ele pegou aquele obelisco de Karnak e Luxor e levou até a praça da Concórdia. ou então o nome do deus a quem tinha dedicado o obelisco. sem muita divisão. Os maridos dividiam as tarefas. também para a pele. abatidos congelados em conservação. atingindo equivalente a um prédio de 10 ou 12 andares. O seu palácio fica no Vale das Rainhas. para iluminar os outros deuses. Só que lá não chovia. Ela foi sucessora do seu pai. não tinha andaime. etc. Eles erguiam o obelisco quando ganhavam uma guerra como se fosse um troféu. mesmo sendo faraó. só tem quatro obeliscos. Muitas vezes aparece a rainha abraçando o faraó como se estivesse protegendo-o. bois. onde aparece pela primeira vez. Hoje em dia quase em todos os países tem obelisco do Egito. Tinham sombra azul para os olhos e cajal para o contorno. O faraó mandava fazer o obelisco de mandava deixar gravado o nome dele. no meio daquele deserto. Os historiadores acham que construíam rampas de areia ao lado até chegar na altura. de peruca. Tinha mais de 200 pares de sapatos. feitos de mármore. Era uma rainha que tinha Silos de Cajal. Os Obeliscos vão ser importantes no Egito. Os buracos seriam as janelas com a função de projetar o canhão de luz . Todo o resto foi retirado. Eles eram altíssimos. que foi feito em sua homenagem medindo 42 metros de altura e nele está escrito tudo sobre a sua vida. que vem da palavra grega “obelos” que quer dizer coluna terminada em ponta. no Egito. Eles faziam buracos nas paredes. Obs: O Shampoo apareceu no Egito para a Hatsepsut que tinha um cabelo muito feio (por ser descendente de preto). na França. Teve mais de 7 maridos. Geralmente todos os obeliscos vão ser para comemorar algum feito político ou alguma homenagem que o faraó desejava celebrar. Ela era uma faraó muito poderosa que uniu o alto e o baixo Egito. sandálias. Nunca foi compreendido como eles foram construídos. ou afundados em solo. Alguns foram levados por estrangeiros conquistadores. O rei e a rainha apareciam abraçados. Tudo era muito sofisticado. cavalos. Tem um obelisco muito bonito em Karnak. Tinha câmaras frigoríficas embaixo com mais de 200 animais. Isso é uma característica do antigo império. mas era feito como precaução para o dia que chovesse.Os gregos foram estudar a iluminação dos teatros com os egípcios. Também tem um obelisco na praça Navona. Alguns maridos ela mandou matar e casou também com o filho dela. 150 leitos para os seus maridos. Viveu até mais ou menos 70 anos. Em Karnak 10 obeliscos foram destruídos. Existia muito pouca madeira. Tomavam banho de leite para clarear a pele e a gordura era acondicionada em potes feitos de lápis lázure. Tinham cremes feitos de leite de cabra. em cima do que eles quisessem. Existia entalhes para o escoamento de águas pluviais.

A mulher dele era belíssima e se chamava NEFERTITE. misterioso. Vai querer que suas filhas. Como ele era inglês. Ele não vai ser reverenciado como um deus. descobriram o maior sepulcro do século. Só na antecâmara encontrou 700 peças. Era uma indulgência daquela época. Vai ter um refinamento de etiquetas de como se portar socialmente. Obs.: Tem um filme que conta essa história “A maldição da múmia”(?). A religião estava virando um comércio. para ele. se abraçando. TUTANKAMON. inscrições para a vida eterna. somente no Novo Império. esperto. prata. É a primeira tentativa do monoteísmo. Essas cenas em outros impérios eram consideradas um desrespeito com a família real e. Ele disse que deus tem que ser só um. Vasos de 18 . mas como um homem. foi ser rei aos 9 anos de idade. Eles casavam muito entre parentes. deus do sol. Chegou lá. Os filhos não tinham condições físicas de serem faraós. Vai aparecer o FARAÓ AMENOFIS IV no novo Império que vai mudar completamente a religião e a arte. no colo. teve que escrever para a Inglaterra para saber se podia abri-lo ou não. Muito metal. São cenas domésticas. Tinha 2 estátuas de 2 metros de altura de ouro maciço. E ele vai querer que o pintem sem idealizá-lo. O homem egípcio usava brinco de argola na orelha. vai ter seu rosto muitas vezes esculpido. considerada “A BELA”. ouro. de cabeça comprida e eram bem magras. cheiroso para eles. até então nunca visto. era uma porta lacrada e ficou esperando naquela época por mais ou menos 18 meses por uma resposta em carta vinda de navio pois não havia avião naquela época. ele e sua esposa ficassem bem natural nas esculturas. Não vai ser um faraó muito rico por ter sido faraó por pouco tempo. Aminofis teve quase todas as filhas doentes. sendo pintado com bengala para se apoiar. sucessor de AMINOFIS. Ele briga com os sacerdotes porque estes estavam ganhando dinheiro vendendo fórmulas. Ele vai ser um revolucionário inovador que muita gente não vai gostar. No Metropolitan tem uma escultura de um homem egípcio com uma argola na orelha e pendurado nela um gatinho. Então Amenofis IV disse que para ele só um deus era supremo o “ATON”.Tinha ourives que só faziam jóias para as mulheres. Faziam muita coisa para o cabelo e usavam muito pente. uma nova maneira de ser. Antigamente isso jamais seria feito. O rei. Esse túmulo dele no Vale dos Reis foi a maior descoberta arqueológica do Egito. Faziam muita coisa com formato de gato porque era um animal muito forte. carruagens de ouro e prata. bonito. Mostra a sua fragilidade humana. Ele conseguiu a permissão e abriu a porta. o respeito era mostrar a realidade como ela era. Vai ser a única vez que poderá ser visto isso no Egito. Então ele vai mudar o seu nome para AQUENATON (onde sufixo aton é “deus do sol”) . Assim que ele morre tudo volta a ser como era. Ele tinha uma cabeça bem comprida. Em 1922 Haward Carter chegou perto do Cairo e descobriu um sepulcro. A NEFERTITE. Esta arte vai ser de cunho realístico que vai durar por todo o reinado dele. Até ele chegar na última sala levou 6 anos cavando e descobrindo só maravilhas e riquezas. inclusive um rico trono de ouro. sem “endeusar” ou idealizar. O parente mais próximo vai ser Tutankamon com 9 anos e que irá morrer aos 18 anos. livros dos mortos. Quando ele entrou na ante-sala com mais 3 britânicos e uns 20 egípcios. a corte e a rainha foram esculpidos de forma realista. Vai mudar também a arte não querendo que sigam mais a lei da frontalidade.

Começavam as pesquisas de sexo. Ao lado de Karnak e Luxor tinha um grande lago. os sacerdotes e a família toda. sexo de todas as formas. Eles faziam até oferenda de crianças e de seus próprios filhos. turquesa. Era uma época de esplendor da civilização egípcia. onde todos estavam trajados de branco. Arcas repletas de roupas do tamanho de um container. Levaram séculos para serem construídos e passava de faraó para faraó. Os valores morais eram outros. Só quem podia entrar no templo de Karnak e Luxor eram os iniciados. a múmia e algumas coisas ficaram no Egito. como uma busca ou necessidade de se saber tudo. na lua cheia. outros de doença que mais tarde foi constatado fungo (manchas na pele que degenerava o tecido) por ter ficado 5000 anos fechado. Não são bacanais. É aqui que vai aparecer pela primeira vez no mundo as colunas. 19 . como ocorria na Grécia. mas uma pesquisa séria. dependendo do que fossem fazer. a faraó. é um grande faraó que vai ter uma grande autoridade imperial. A pintura de Karnak e Luxor é o auge da pintura Egípcia. Está no museu do Cairo. RAMSÉS II. Haward Carter ficou muito rico e muita coisa foi para a Inglaterra. magia. Os gregos vão até o Egito para aprender sobre as construções. Na busca de uma coisa que fosse melhor para eles. Ele é um grande arquiteto e tudo o que construía era o mais alto. Ele vai fazer uma avenida como uma via expressa. Eles entravam no templo como uma procissão. Muita gente começou a morrer de maneira estranha. Karnak e Luxor tem vários templos. porque todos sabiam que tinha uma grande riqueza. Na primeira sala entrava o povo todo. Quase todos os túmulos. O sarcófago. A múmia real Tutankamon era protegido por 3 sarcófagos. perto da represa de Assuã. sucessor de Tutankamon. Ele foi o último a morrer. São esculturas todas em pedra. onde ele após morto passearia até o seu túmulo. na segunda sala o povo ficava do lado de fora e entravam só os iniciados e na terceira sala entravam os iniciados. Muitas vezes eles iam para Karnak e Luxor através do Nilo como se fosse uma imensa apoteose.1. o faraó. Estátuas de proporções gigantescas. Teria mais ou menos 12 km. 90 % foram violados. ou 27 semanas.2 metros. Ele é da época do Novo império e depois Baixa Época. sendo a última de ouro maciço. Faziam testes de mistura de sangue. O estudo dos deuses do bem e do mau era feito em Karnak e Luxor. após ficarem também um tempo em jejum. voltando novamente para o templo para dormir e no dia seguinte sairem de lá. e 86 esculturas de aproximadamente 2 metros de altura cada ladeando a represa com um espaço entre elas de 1. Todos da expedição morreram. Os dois templos mais importantes de Karnak e Luxor eram destinados aos deuses Amon e Rá e ligados entre si por uma monumental avenida. eles saíam e iam se limpar nesse lago. Após tomar banho no lago eles deixavam a roupa suja lá e vestiam outra roupa branca. Depois de acabar toda essa reunião. Karnak e Luxor são ricas em obeliscos. Muita coisa de coral. Lá eles ficavam trancados sempre (com números de final 7) como 17 semanas. As colunas mais importantes do Egito são as de Karnak e Luxor. os mais importantes foram construídos por Ramsés e Amenofis.5m de alabastro.

um mapa dos céus. Tudo o que eles fizeram foi para a eternidade. vindo da Macedônia. com toda a sua beleza. fizeram um calendário solar. o fim do Egito como civilização. sábio francês. os gregos permanecem no Egito. tanto nas artes e nas ciências. a Cleópatra. a astronomia. como por exemplo a mumificação que foram se aperfeiçoando durante milênios. Quando o Cristianismo chega para valer no IV século. Na medicina. os médicos egípcios especializaram em realizar um trabalho de grande valor na descoberta de droga para dor e nas doenças. vai ocorrer no IV século da nossa era quando o Cristianismo está no auge. mas que infelizmente morreu. Não deixaram a fórmula. No setor cirúrgico as maiores conquistas deles foram fantásticas. Depois dos persas chegam os gregos chefiados por Alexandre Magno. Surge então esculturas híbridas com rosto grego e corpo egípcio. Alexandria vai ser o encontro das culturas ocidentais e orientais. O Egito foi a primeira nação a centralizar os poderes do Estado em uma só pessoa. Aí vai aparecer o Marco Antônio. Eles não vão aceitar nenhum outro deus. e o grego com aquele escândalo artístico. Elas nos falam da glória de uma nação de um povo que não queria morrer. Tinham uma espécie de antibiótico que era quase que a penicilina nossa. porém para “Mali”. No século XIX.C. Vão lutar com Cleópatra e ela vendo que vai perder pega uma cobra venenosa deixando-a picar e morre. até 30 A. 20 . A ruptura final da tradição egípcia cultural.C. como essas pinturas. esculturas que estamos costumadas a ver. mostra o legado para o mundo futuro. Ele vai fundar. Eles desenvolveram a matemática. como na organização política e social. a química. Hoje só ruínas restaram. vão acabar todos os templos egípcios. Entre 332 A. Numa visão retrospectiva da história de civilização e da cultura que esse povo alcançou.C. vão quebrar quase tudo o que existia aí e na Grécia. última dos Ptolomeus suicida-se depois de ser derrotada pelos romanos. Aos poucos as formas artísticas passam a conviver cada uma com seu mundo próprio. único. o faraó. É o primeiro grego que chega a reinar o trono Egípcio. consegue decifrar os hieróglifos e com isso ele vai permitir que a arqueologia dê um salto fantástico no século XIX. Cleópatra em 30 A. assírios e aí nunca mais durante toda a antigüidade o Egito voltará a ser uma nação tão importante e independente como era. a cidade de Alexandria. pois “Cristo” é um só deus. Estes brigam com os gregos e com os egípcios. É a tentativa de uma coexistência entre o estilo egípcio que é próprio. A escultura grega vai ser independente da escultura egípcia.Depois da morte de Ramsés II começa a chamada Baixa Época. elas parecem que possuem vida. que são a grega e a egípcia. à beira do Mediterrâneo. Champollion.. quando o Egito vai ser dominado pelos persas..

Esses templos famosos eram como se fossem esculturas para eles. A essência do Helenismo era. Fizeram magníficos prédios. ordem. Os deuses tinham que ter a forma humana. As casas não eram importantes porque eles não tinham reis e nem governantes. estamos nos referindo a Grécia e Roma e nunca ao Egito. social e cultural. SÓCRATES. chamados “templos”. O homem é o centro de todas as coisas e do universo. 21 . PÉRICLES e muitos outros para quem o homem era a medida para todas as coisas. pelos costumes ou pela religião deles. Os antigos gregos. “Nada em excesso”. A partir do homem você constrói tudo. Os gregos não procuravam nem o paraíso e nem o inferno. Foi nessa civilização que surgiu OMERO. significando “nada em excesso”. nas Acrópoles (que quer dizer acima das cidades). bem feito. Os gregos exaltavam a razão de uma forma tal que eles conseguiam superar a fé. Os gregos dividiram a humanidade em duas partes: os “Helenos” que eram os habitantes da Grécia e os outros eram chamados de “Bárbaros”. para protegerem as estátuas dos deuses. E. PLATÃO (que escreveu “A República”). O grego dava muito valor ao Homem. Tudo muito bem organizado. É uma verdadeira elevação à virtude. PITÁGORAS (dizem que ele deu o nome de “filosofia” à filosofia). O “homem” de hoje é o Grego. moderação e proporção. E é por causa disso que existem tantos deuses. simplesmente e sem adornos. As casas não tinham a menor pretensão de serem muito suntuosas. Vamos usar o termo “estilo clássico” quando se quer dizer de beleza. é o que realmente vai refletir o espírito do homem ocidental. A arquitetura grega é a mais familiar de todas para nós do que qualquer outra arquitetura de qualquer época no mundo. O grego. No Egito acontecia exatamente o oposto. excelência. Eles recusavam a se ajoelhar diante de deus porque o homem era considerado mais importante. Os gregos glorificavam o homem como a mais importante criatura do universo. Os deuses gregos tinham feições humanas porque a beleza estava na forma do ser humano. quando se fala em “antigüidade clássica” . Por conseqüência. Nenhuma outra Nação no mundo teve tão forte devoção pela liberdade e uma crença tão firme nas realizações humanas. Os Templos eram fantásticos e super importantes.ARTE GREGA O termo “clássico” surgiu na Grécia. proporcional. na realidade. tanto a escultura quanto a arquitetura encarnavam os ideais de harmonia. ao amor e ao prazer de ver”. Platão falou o seguinte sobre os templos: “O templo deverá ser um ponto visto à distância e em aberto. ICTINOS. se sentiam diferentes dos outros povos. é o lema do grego que quer ver tudo claramente. e sempre construídos em locais elevados acima das cidades. ARISTÓTELES.seja pelo idioma grego que falavam. FIDIAS. entre todos os povos do mundo antigo.

construído. Na Acrópole. jônica e coríntia. mas sobre uma base decorada. o koilon ou arquibancada. através da arte.representava a graça e o feminino. para os atores. o artista se empolga pela vida e tenta. para o coro. mas seres inteligentes e justos que se dedicavam ao bem-estar do povo. se encontram as Cariátides homenageavam as mulheres de Cária. Na sua constante busca da perfeição. também. dos quais o mais importante é o Partenon de Atenas. interesse pelo homem. que era o caminho da virtude.o capitel era formado com folhas de acanto e quatro espirais simétricas. O capitel era uma almofada de pedra. Um exemplo típico é o Teatro de Epidauro. nela se expressa o pensamento. Nascida do sentir do povo grego. exprimir suas manifestações. A estética vai aparecer aqui. Enquanto a arte egípcia é uma arte ligada ao espírito. A arte grega volta-se para o gozo da vida presente. As colunas sustentavam um entablamento horizontal formado por três partes: a arquitrave. A característica mais evidente dos templos gregos é a simetria entre o pórtico de entrada e o dos fundos. amor pela beleza. no 22 . Ele tinha que ver só beleza. A coluna apresentava fuste mais delgado e não se firmava diretamente sobre o estilóbata. . O capitel era formado por duas espirais unidas por duas curvas. Sendo a mais antiga das ordens arquitetônicas gregas. O degrau mais elevado chamava-se estilóbata e sobre ele eram erguidas as colunas.Ordem Jônica . o artista grego cria uma arte de elaboração intelectual em que predominam o ritmo. b) Teatros. . essa pequena criatura que é “a medida de todas as coisas”.era simples e maciça. a harmonia ideal. de um modo a variar e enriquecer aquela ordem. A ordem dórica traduz a forma do homem e a ordem jônica traduz a forma da mulher. Contemplando a natureza. a ordem dórica. e a democracia.Ordem Coríntia . que eram construídos em lugares abertos (encosta) e que compunham de três partes: a skene ou cena. Eles tem como características: o racionalismo. a arte grega liga-se à inteligência. muito usado no lugar do capitel jônico. Os principais monumentos da arquitetura grega: a) Templos. a konistra ou orquestra. As colunas e entablamento eram construídos segundo os modelos da ordem dórica.Ordem Dórica . por sua simplicidade e severidade. ARQUITETURA As edificações que despertaram maior interesse são os templos. o equilíbrio. para os espectadores. Sugere luxo e ostentação. O fuste da coluna era monolítico e grosso. o friso e a cornija. pois os seus reis não eram deuses. O templo era construído sobre uma base de três degraus.O Grego tinha que se maravilhar com tudo. empresta uma idéia de solidez e imponência . na Grécia.

vasilha em forma de coração. água) tinha três asas. Primeiramente aparecem esculturas simétricas. 23 . entre outras coisas. composto por 55 degraus divididos em duas ordens e calculados de acordo com uma inclinação perfeita. a sua forma correspondia à função para que eram destinados: . Chegava a acomodar cerca de 14. grandes figuras de homens. Além de servir para rituais religiosos. entre eles. IV a.(derivado de ydor. o movimento. O maior pintor de figuras negras foi Exéquias. esses vasos eram usados para armazenar. mas também pela harmonia entre o desenho. A pintura grega se divide em três grupos: 1) figuras negras sobre o fundo vermelho 2) figuras vermelhas sobre o fundo negro 3) figuras vermelhas sobre o fundo branco ESCULTURA A estatuária grega representa os mais altos padrões já atingidos pelo homem. etc. edifícios destinados à cultura física. servia para misturar água com o vinho (os gregos nunca bebiam vinho puro). ao ar livre. as cores e o espaço utilizado para a ornamentação. Por isso. Esse tipo de estátua é chamado Kouros (palavra grega: homem jovem). em rigorosa posição frontal.Ágora onde os gregos se reuniam para discutir os mais variados assuntos. com o gargalo largo ornado com duas asas. além do equilíbrio e perfeição das formas.Ânfora . c) Ginásios. Os vasos gregos são também conhecidos não só pelo equilíbrio de sua forma. PINTURA A pintura grega encontra-se na arte cerâmica.C. d) Praça . As estátuas adquiriram. Na escultura.. com o peso do corpo igualmente distribuído sobre as duas pernas. água. .000 espectadores e tornou-se famoso por sua acústica perfeita.Cratera .séc.tinha a boca muito larga. em mármores. filosofia. . As pinturas dos vasos representavam pessoas em suas atividades diárias e cenas da mitologia grega. o antropomorfismo . No Período Arcaico os gregos começaram a esculpir. azeite e mantimentos.Hidra .esculturas de formas humanas .foi insuperável. uma vertical para segurar enquanto corria a água e duas para levantar. vinho. com o corpo em forma de um sino invertido.

talvez o mais famoso de todos. podendo fixar o movimento sem se quebrar. autor de Zeus Olímpico. As festas olímpicas serviam de base para marcar o tempo.homem arremessando o disco. . mas também segundo as emoções e o estado de espírito de um momento. autor de Doríforo . Posseidon: deus das águas. Os primeiros jogos começaram em 776 a. para isto. as figuras de mulher eram esculpidas sempre vestidas. 24 . foi o primeiro artista que esculpiu o nu feminino. se começou a usar o bronze que era mais resistente do que o mármore. sua obra-prima.No Período Clássico passou-se a procurar movimento nas estátuas.C. em honra a Zeus. Atenéia: deusa da guerra. mas de grupos de figuras que mantivessem a sugestão de mobilidade e fossem bonitos de todos os ângulos que pudessem ser observados. . Entre as mais famosas: Édipo Rei de Sófocles. entre os gregos a lira era o instrumento nacional. celebrado pela graça das suas esculturas. representava os homens “tal como se vêem” e “não como são” (verdadeiros retratos). Foi Lisipo que introduziu a proporção ideal do corpo humano com a medida de oito vezes a cabeças.Praxíteles. .Fídias. Olimpíadas: Realizavam-se em Olímpia. Teatro: Foi criada a comédia e a tragédia. Música: Significa a arte das musas.Lisipo. autor do Discóbolo . Para seu conhecimento: Mitologia: Zeus: senhor dos céus. Período Helenístico podemos observar o crescente naturalismo: os seres humanos não eram representados apenas de acordo com a idade e a personalidade. Realizou toda a decoração em baixos-relevos do templo Partenon: as esculturas dos frontões. . e Atenéia. Os principais mestres da escultura clássica grega são: . métopas e frisos. Surge o nu feminino.Policleto. criou padrões de beleza e equilíbrio através do tamanho das estátuas que deveriam ter sete vezes e meia o tamanho da cabeça. pela lânguida pose em “S” (Hermes com Dionísio menino). pois no período arcaico. entre outros. cada 4 anos.condutor da lança. Apolo: deus das artes e da beleza.Miron. Afrodite: deusa do amor. O grande desafio e a grande conquista da escultura do período helenístico foi a representação não de uma figura apenas.

eram centro de reuniões sociais e esportes. Para citar uma. Mais tarde. As mais famosas são as termas de Caracala que. pórticos e jardins. piscina. iniciada no governo de Júlio César. * grandeza material. ARQUITETURA As características gerais da arquitetura romana são: * busca do útil imediato. Dos jogos praticados temos: 25 . já com o Cristianismo. foi de Roma que se originou o circo. 2) Comércio e civismo: Basílica A princípio destinada a operações comerciais e a atos judiciários. Um dos legados culturais mais importantes que os etruscos deixaram aos romanos foi o uso do arco e da abóbada nas construções. vias de comunicação. (de quatro a cinco mil metros) dividida em várias colunatas. O Panteão. termas. 3) Higiene: Termas Constituídas de ginásio. as termas eram o centro social de Roma. para tribunal e leitura de editos.ARTE ROMANA A arte romana sofreu duas fortes influências: a da arte etrusca popular e voltada para a expressão da realidade vivida. a basílica servia para reuniões da bolsa. * predomínio do caráter sobre a beleza. * originais: urbanismo. Os mais conhecidos são o templo de Júpiter Stater. com sua planta circular fechada por uma cúpula. 4) Divertimentos: a) Circo: extremamente afeito aos divertimentos. de acordo com as funções: 1) Religião: Templos Pouco se conhece deles. além de casas de banho. passou a designar uma igreja com certos privilégios. orientada para a expressão de um ideal de beleza. senso de realismo. a basílica Julia. e a da greco-helenística. As construção eram de cinco espécies. esse templo romano. cria um local isolado do exterior onde o povo se reunia para o culto. * energia e sentimento. anfiteatro. realçando a idéia de força. A basílica apresenta uma característica inconfundível: a planta retangular. foi concluída no Império de Otávio Augusto. construído em Roma durante o reinado do Imperador Adriano foi planejado para reunir a grande variedade de deuses existentes em todo o Império. o de Saturno. o da Concórdia e o de César.

ginásios . Externamente o edifício era ornamentado por esculturas. Essas lutas compunham um espetáculo que podia ser apreciado de qualquer ângulo. O principal teatro é o de Marcelus. 26 . 6) Moradia: Casa Era construída ao redor de um pátio chamada Atrio.C. Essas colunas.executados por cavaleiros conduzidos por escravos.C. jogos de escravos . Dos circos romanos. que foram soterradas pela erupção do Vesúvio em 79 a. com seu característico friso em espiral que possui a narrativa histórica dos feitos do Imperador em baixos-relevos no fuste. o mais célebre é o "Circus Maximus". Os estudiosos da pintura existente em Pompéia classificam a decoração das paredes internas dos edifícios em quatro estilos. e por três andares com as ordens de colunas gregas (de baixo para cima: ordem dórica. Tinha cenários versáteis. mas apenas de ornamentá-la. Foi erguida por ordem do Senado para comemorar a vitória de Trajano sobre os dácios e os partos.corridas de carros. c) Anfiteatro: o povo romano apreciava muito as lutas dos gladiadores.000 pessoas sentadas e mais de 5. Assim era o Coliseu. jogos de Tróia . que dava impressão de placas de mármore. PINTURA O Mosaico foi muito utilizado na decoração dos muros e pisos da arquitetura em geral. b) Coluna Triunfal: a mais famosa é a coluna de Trajano. Esse anfiteatro de enormes proporções chegava a acomodar 40. O mais famoso deles é o arco de Tito. b) Teatro: imitado do teatro grego. ordem jônica e ordem coríntia).jogos circenses . Sob a influência grega. giratórios e retiráveis. 5) Monumentos decorativos a) Arco de Triunfo: pórtico monumental feito em homenagem aos imperadores e generais vitoriosos. construído no Forum Romano para comemorar a tomada de Jerusalém. que ficavam dentro dos arcos. todo em mármore. Pois a palavra anfiteatro significa teatro de um e de outro lado. não tinham a função de sustentar a construção.incluídos neles o pugilato. A maior parte das pinturas romanas que conhecemos hoje provém das cidades de Pompéia e Herculano.aquele em que havia torneios a cavalo. pois ficavam presas à estrutura das arcadas. Primeiro estilo: recobrir as paredes de uma sala com uma camada de gesso pintado. os verdadeiros jogos circenses romanos só surgiram pelo ano 264 a.000 em pé. Portanto. certamente o mais belo dos anfiteatros romanos. na verdade eram meias colunas.

a estatuária romana teve seu maior êxito nos retratos. ESCULTURA Os romanos eram grandes admiradores da arte grega. imitando um cenário teatral. suas esculturas são uma representação fiel das pessoas e não a de um ideal de beleza humana. como fizeram os gregos. geralmente cópia de obra grega. tendo ao centro uma pintura.perde o domínio do seu vasto território do Ocidente para os invasores germânicos.Segundo estilo: Os artistas começaram então a pintar painéis que criavam a ilusão de janelas abertas por onde eram vistas paisagens com animais. adotando soluções de clara matriz decorativa. os masaístas chegaram a resultados onde existe uma certa parte de estudo direto da natureza. aves e pessoas. V precisamente no ano de 476 . MOSAICO Partidários de um profundo respeito pelo ambiente arquitetônico. eram muito diferentes dos gregos. tornar-se-ão essenciais para medir a ampliação das primeiras igrejas cristãs. no séc. Retratavam os imperadores e os homens da sociedade. Por serem realistas e práticos. Com a invasão dos bárbaros as preocupações com as artes diminuíram e poucos monumentos foram realizados pelo Estado. 27 . Nos séculos seguintes. mas por temperamento. Era o começo da decadência do Império Romano que. As cores vivas e a possibilidade de colocação sobre qualquer superfície e a duração dos materiais levaram a que os mosaicos viessem a prevalecar sobre a pintura. Terceiro estilo: representações fiéis da realidade e valorizou a delicadeza dos pequenos detalhes. Mais realista que idealista. Quarto estilo: um painel de fundo vermelho. formando um grande mural.

Para entender melhor a simbologia: Jesus Cristo poderia estar simbolizado por um círculo ou por um peixe. lugar civil destinado ao comércio e assuntos judiciais.Nesses locais.C. forma as iniciais da frase: "Jesus Cristo de Deus Filho Salvador". cemitérios subterrâneos em Roma. dando início à 2a fase da arte paleocristã : a fase basilical. o cordeiro "Jesus Cristo é o Cordeiro de Deus". mas também a todos aqueles que aceitaram sua condição de profeta e acreditaram nos seus princípios.ARTE PALEOCRISTÃ Enquanto os romanos desenvolviam uma arte colossal e espalhavam seu estilo por toda a Europa e parte da Ásia. onde os primeiros cristãos secretamente celebravam seus cultos. que recebe este nome devido às catacumbas.Com o surgimento de um "novo reino" espiritual. Com o fim da perseguição aos cristãos. Passagens da Bíblia também eram ali simbolizadas. pois a palavra peixe. Esse tratamento artístico também foi dado aos mausoléus e os sarcófagos feitos para os fiéis mais ricos eram decorados com relevos usando imagens de passagens bíblicas. até que em 313 d. Eram edifícios com grandes dimensões: um plano retangular de 4 a 5 mil metros quadrados com três naves separadas por colunas e uma única porta na fachada principal. Esta perseguição marcou a primeira fase da arte paleocristã: a fase catacumbária. os romanos cederam algumas basílicas para eles pudessem usar como local para as suas celebrações. o poder romano viu-se extremamente abalado e teve início um período de perseguição não só a Jesus. Os romanos testemunharam o nascimento de Jesus Cristo. O mosaico. Jonas engolido pelo peixe e Daniel na cova dos leões. em grego ichtus. o imperador Constantino legaliza o cristianismo. Os cristãos foram perseguidos por três séculos. a pintura é simbólica. 28 . Tanto os gregos como os romanos. adotavam um modelo de edifício denominado "Basílica" (origem do nome: Basileu = Juíz) .Surge a arte cristã primitiva. por exemplo: Arca de Noé. foi o material escolhido para o revestimento interno das basílicas. o qual marcou uma nova era e uma nova filosofia. nos arredores de Roma. Ainda hoje podemos visitar as catacumbas de Santa Priscila e Santa Domitila. muito utilizado pelos gregos e romanos. utilizando imagens do Antigo e do Novo Testamento. Outra forma de simboliza-lo é o desenho do pastor com ovelhas "Jesus Cristo é o Bom Pastor" e também. os cristãos (aqueles que seguiam os ensinamentos de Jesus Cristo) começaram a criar uma arte simples e simbólica executada por pessoas que não eram grandes artistas.

c. 1453. até que. 29 .. e Arcádio ficou com o Império Romano do Oriente. O império Romano do Ocidente sofreu várias invasões. 476 d.C. com a capital Constantinopla (antiga Bizâncio e atual Istambul). foi completamente dominado(esta data. marca o fim da Idade Antiga e o início da Idade Média). dos ataques bárbaros e das pestes. tendo Roma como sua capital . quando a sua capital Constantinopla foi totalmente dominada pelos muçulmanos (esta data. Já o Império Romano do Oriente (onde se desenvolveu a arte bizantina). apesar das dificuldades financeiras.. o Novo e a de São Vital com riquíssimos mosaicos.Honório ficou com o Império Romano do Ocidente. em 476 d. principalmente de povos bárbaros.C. Em 395 d.. conseguiu se manter até 1453.Na cidade de Ravena pode-se apreciar o Mausoléu de Gala Placídia e a igreja de Santo Apolinário. marca o fim da Idade Média e o início da Idade Moderna). o imperador Teodósio dividiu o Império Romano entre seus dois filhos: Honório e Arcádio.

Grécia e do Oriente. ela possui uma cúpula de 55 metros apoiada em quatro arcos plenos.O regime era teocrático e o imperador possuía poderes administrativos e espirituais. projetada pelos arquitetos Antêmio de Tralles e Isidoro de Mileto.Por volta do século IV. organizar também as artes. e. Neles. Toda essa atração por decoração aliada a prevenção que os cristãos tinham contra a estatuária que lembrava de imediato o paganismo romano.O que se encontra restringe-se a baixos relevos acoplados à decoração. facilitou a formação dos Reinos Bárbaros e possibilitou o aparecimento do primeiro estilo de arte cristã . tanto que se convencionou representá-lo com uma auréola sobre a cabeça.ARTE BIZANTINA O cristianismo não foi a única preocupação para o Império Romano nos primeiros séculos de nossa era. elas eram planejadas sobre uma base circular. além das suas funções. rico tanto na técnica como na cor. octogonal ou quadrada imensas cúpulas. A união de alguns elementos dessa cultura formou um estilo novo. afasta o gosto pela forma e conseqüentemente a escultura não teve tanto destaque neste período.Plasticamente. ao clero cabia. sentimentos de universalidade e poder absoluto. era o representante de Deus. por exemplo. dos profetas e dos vários imperadores. criando-se prédios enormes e espaçosos totalmente decorados. colunas com capitel ricamente decorado com mosaicos e o chão de mármore polido. mas instruir os fiéis mostrando-lhes cenas da vida de Cristo. foi um dos maiores triunfos da nova técnica bizantina.A mudança da capital foi um golpe de misericórdia para a já enfraquecida Roma. começou a invasão dos povos bárbaros e que levou Constantino a transferir a capital do Império para Bizâncio. tornando os artistas meros executores.Tal método tornou a cúpula extremamente elevada. sugerindo. o mosaico bizantino em nada se assemelha aos mosaicos romanos. são confeccionados com técnicas diferentes e seguem convenções que regem inclusive os afrescos. as pessoas são representadas de frente e verticalizadas para criar certa espiritualidade. A arquitetura das igrejas foi a que recebeu maior atenção da arte bizantina. cidade grega. 30 . A Igreja de Santa Sofia (Sofia = Sabedoria). ladeando a Virgem Maria e o Menino Jesus. não raro encontrar um mosaico onde esteja juntamente com a esposa. na hoje Istambul. depois batizada por Constantinopla. a perspectiva e o volume são ignorados e o dourado é demasiadamente utilizado devido à associação com maior bem existente na terra: o ouro. O mosaico é expressão máxima da arte bizantina e não se destinava apenas a enfeitar as paredes e abóbadas. Apresenta pinturas nas paredes. por associação à abóbada celeste.Arte Bizantina. Graças a sua localização(Constantinopla) a arte bizantina sofreu influências de Roma. A arte bizantina está dirigida pela religião.

A arte bizantina não se extinguiu em 1453.Constituía na destruição de qualquer imagem santa devido ao conflito entre os imperadores e o clero.E essa arte extravasou em muito os limites territoriais do império. no mármore profundamente talhado dos capitéis das colunas das naves laterais. há uma beleza natural na sua magnificência espacial e nos jogos de sombra e luz .um claro-escuro admirável quando os raios de sol penetram e iluminam o seu interior". durante a segunda metade do século XV e boa parte do século XVI. a maior igreja de Constantinopla.Um olhar mais atento permite ao visitante ver o trabalho requintado dos artífices bizantinos no colorido resplandecente dos mosaicos agora restaurados. nos países eslavos. sobre um solo de mármore.Porém. mosaicos e afrescos. a arte daquelas regiões onde ainda florescia a ortodoxia grega permaneceu dentro da arte bizantina.No alto. por exemplo. resplandece a grande cúpula. penetrando. logo sucedeu-se um período de crise chamado de Iconoclastia. 31 . durante o reinado do Imperador Justiniano. bordada em filigrama de sombras dos candelabros suspensos. encontra-se no seu vasto interior. capital do Império Bizantino.A arte bizantina teve seu grande apogeu no século VI. pois. UM POUCO MAIS DE SANTA SOFIA "A verdadeira beleza de Santa Sofia. folhas de acantos envolvem o monograma de Justiniano e de sua mulher Teodora. Embora a igreja tenha perdido a maior parte da decoração original de ouro e prata.

A área de oração era coberta. desde seu início. começou a rápida expansão do Islã até a Palestina. Na complexidade de sua análise. mausoléus e mosteiros. a arte islâmica foi na realidade. na função de governantes e guardiães do povo e conscientes da importância da religião como base para a organização política e social. Aparentemente sensual. No entanto. Essas funções foram herdadas por mesquitas e alguns edifícios públicos. A representação figurativa era considerada uma má imitação de uma realidade fugaz e fictícia. enquanto no pátio estavam as fontes para as abluções. Índia. os muçulmanos demoraram certo tempo para estabelecer-se definitivamente e assentar as bases de uma estética própria com a qual se identificassem. centro político. seguindo o modelo da casa de Maomé em Medina: uma planta quadrangular. e a Grande Mesquita de Damasco. No âmbito sagrado evitou-se a arte figurativa. em Jerusalém. Pérsia. eles realizavam suas obras para a comunidade de acordo com os preceitos muçulmanos: oração. inevitavelmente devem ter absorvido traços estilísticos dos povos conquistados. Contudo. transformandoos em seus próprios sinais de identidade. Ao fazer isso. sendo exemplo disso as obras dos primeiros califas: Basora e Kufa. com um pátio voltado para o sul e duas galerias com teto de palha e colunas de tronco de palmeira. conceitual e religiosa. como exclusividade das classes altas e dos príncipes mecenas. que no entanto souberam adaptar muito bem ao seu modo de pensar e sentir. Ásia Menor. No entanto. De lá. hospital e refúgio para os mais pobres. que eram os únicos economicamente capazes de construir mesquitas. ARQUITETURA As mesquitas (locais de oração) foram construídas entre os séculos VI e VIII. sob a orientação dos califas. Daí o emprego de formas como os arabescos. Norte da África e Espanha. a arte islâmica se mostra. resultado da combinação de traços ornamentais com caligrafia. persistiu a 32 . o profeta Maomé se exilou (hégira) na cidade de Yatrib e para aquela que desde então se conhece como Medina (Madinat al-Nabi. esmola. jejum e peregrinação. combinados com os coloridos mosaicos. Foi assim que as cúpulas bizantinas coroaram suas mesquitas. as decoraram. As letras lavradas na parede lembram o neófito. sucessores do profeta. no início. que desempenham duas funções: lembrar o verbo divino e alegrar a vista. concentrando-se no geométrico e abstrato. De origem nômade.ARTE ISLÂMICA No ano de 622. A casa de Maomé era local de reuniões para oração. Síria. a Cúpula da Roca. e os esplêndidos tapetes persas. no Iraque. que contempla uma obra feita para deus. mais simbólico do que transcendental. cidade do profeta). a arquitetura sagrada não manteve a simplicidade e a rusticidade dos materiais da casa do profeta.

era o antigo minarete da cidade. Seus palácios eram planejados num estilo semelhante. as escolas de teologia. De planta quadrangular e cercado de muralhas sólidas. A construção de palácios. Outra das construções mais originais e representativas do Islã foi o minarete. Exemplo disso é o Alhambra. embora não tenha existido um modelo comum. À medida que foram se tornando sedentários. Na realidade. de motivos florais. Entre os desenhos mais clássicos estão os de utensílios. semelhantes às mesquitas na forma e destinados a santos e mártires.preocupação com a preservação de certas formas geométricas. pensados como um microcosmo e constituíam o hábitat privativo do governante. em Granada. convidando-os à oração. Os fabricados antes do século XVI chamam-se arcaicos e possuem uma trama de 80 000 nós por metro quadrado. como povo nômade. em Sevilha. Outras construções representativas foram os mausoléus ou monumentos funerários. além de cumprir uma função fundamental nas mesquitas. esses eram os únicos materiais utilizados para decorar o interior das tendas. uma espécie de torre cilíndrica ou octogonal situada no exterior da mesquita a uma altura significativa. as sedas. de decoração. Diferentemente da tecedura dos tecidos. As oficinas mais importantes foram as de Shiraz. não deve ficar em contato com a terra. As residências dos emires constituíram uma arquitetura de segunda classe em relação às mesquitas. como o quadrado e o cubo. para que a voz do almuadem ou muezim pudesse chegar até todos os fiéis. o palácio tinha aspecto de fortaleza. foi um dos sistemas mais utilizados na construção de mesquitas. no Ocidente. embora se comunicasse com a mesquita por meio de pátios e jardins. e Palermo. Para começar. mas nem sempre conservaram sua forma. As numerosas variações locais mantiveram a distribuição dos ambientes. semelhantes àquelas na forma. O aposento mais importante era o diwan ou sala do trono. TAPETES Os tapetes e tecidos desde sempre tiveram um papel muito importante na cultura e na religião islâmicas. Os mais valiosos são de origem persa e têm 40 000 nós por decímetro quadrado. 33 . A cúpula de pendentes. brocados e tapetes passaram a decorar palácios e castelos. no Oriente. era ele quem realmente projetava o edifício. que permite cobrir o quadrado com um círculo. As mesquitas transferiram depois parte de suas funções aos edifícios públicos: por exemplo. A Giralda. e os geométricos. ao rezar. já que o muçulmano. com animais e plantas. enquanto o segundo controlava sua realização. O geômetra era tão importante quanto o arquiteto. castelos e demais edifícios públicos merece um capítulo à parte. de caça. Tabriz e Isfahan. a do tapete constitui uma unidade em si mesma.

sofresse uma grande influência indiana. para ilustrar livros religiosos. Estreitamente ligada à pintura. 34 . bizantina e inclusive chinesa. A mesma função desempenhava a cerâmica. A miniatura não foi usada. para acompanhar a narração. junto com a cerâmica. No início. muito poucas chegaram até nossos dias em bom estado de conservação. para tornar mais claro o texto. tornando-se uma das disciplinas mais importantes na decoração de mesquitas e palácios. cobriam as paredes internas e externas dos edifícios. complexos desenhos multicoloridos. calculados com base na simbologia numérica islâmica. mas sim nas publicações de divulgação científica. esquematizado. segundo o lugar. embora. mas paulatinamente foram se abstraindo. Elas eram geralmente usadas para decorar paredes de palácios ou de edifícios públicos e representavam cenas de caça e da vida cotidiana da corte. e nas literárias. combinando com a decoração de gesso das cúpulas. O Corão era decorado com figuras geométricas muito precisas. muito parecido com o das miniaturas bizantinas.PINTURA E GRÁFICA As obras de pintura islâmica são representadas por afrescos e miniaturas. até se transformarem em folhas e flores misturadas com letras desenhadas artisticamente. por exemplo. Das primeiras. semelhantes às antigas. encontra-se a arte dos mosaicistas. Assim. como no cristianismo. O estilo era um tanto estático. a fim de marcar a organização do texto. separando um capítulo de outro. as representações eram completamente figurativas. o que é conhecido como arabesco. Ela foi herdada de Bizâncio e da Pérsia antiga. Seu estilo era semelhante ao da pintura helênica. Caligrafias de incrível preciosidade e formas geométricas multiplicadas até o infinito criaram superfícies de verdadeiro horror ao espaço vazio. mais utilizada a partir do século XII e que atingiu o esplendor na Espanha. onde foram criadas peças de uso cotidiano. com fundo dourado e ausência de perspectiva.

Trata-se da Torre de Pisa que se inclinou porque. que aparecem no cruzamento das naves ou na fachada. estilizadas e duras dessas igrejas é o fato da arte românica não ser fruto do gosto refinado da nobreza nem das idéias desenvolvidas nos centros urbanos.ARTE ROMÂNICA Em 476. A explicação mais aceita para as formas volumosas. e * arcos que são formados por 180 graus. assim a ser encarada como uma extensão do serviço divino e uma oferenda à divindade. com o passar do tempo. A concepção de mundo dominada pela figura de Deus proposto pelo cristianismo é chamada de teocentrismo (teos = Deus). tinha poderes ilimitados. As características mais significativas da arquitetura românica são: * abóbadas em substituição ao telhado das basílicas. 35 . tem início o período histórico conhecido por Idade Média. com a tomada de Roma pelos povos bárbaros. Os valores da religião cristã vão impregnar todos os aspectos da vida medieval. * aberturas raras e estreitas usadas como janelas. A arte desse período passa. é um estilo essencialmente clerical. Na Itália. com o Cristianismo a arte se voltou para a valorização do espírito. não apresenta formas pesadas. ARQUITETURA No final dos séculos XI e XII. A primeira coisa que chama a atenção nas igrejas românicas é o seu tamanho. Deus é o centro do universo e a medida de todas as coisas. Na Idade Média a arte tem suas raízes na época conhecida como Paleocristã. duras e primitivas. A mais famosa é a Catedral de Pisa sendo o edifício mais conhecido do seu conjunto o campanário que começou a ser construído em 1.174. * pilares maciços que sustentavam e das paredes espessas. diferente do resto da Europa. A igreja como representante de Deus na Terra. surge a arte românica cuja a estrutura era semelhante às construções dos antigos romanos. Elas são sempre grandes e sólidas. na Europa. trazendo modificações no comportamento humano. * torres. o terreno cedeu. Daí serem chamadas: fortalezas de Deus.

para representar o próprio céu. conheceu seu auge na época do românico. sem preocupação com meios tons ou jogos de luz e sombra. que colocadas lado a lado vão formando o desenho. A deformação. A pintura românica desenvolveu-se sobretudo nas grandes decorações murais. 36 . Não podemos estudá-las desassociadas da arquitetura. através da técnica do afresco. isto é. curtas ou alongadas. de vários formatos e cores. pequeninas pedras. O colorismo realizou-se no emprego de cores chapadas. é originária do Oriente onde a técnica bizantina utilizava o azul e dourado. Na porta. é sempre maior do que as outras que o cercam. As características essenciais da pintura românica foram a deformação e o colorismo. por exemplo. Usado desde a Antigüidade. Imitação de formas rudes. MOSAICO A técnica da decoração com mosaico. A figura de Cristo. na verdade. a Igreja recorria à pintura e à escultura para narrar histórias bíblicas ou comunicar valores religiosos aos fiéis. a área mais ocupada pelas esculturas era o tímpano. Os motivos usados pelos pintores eram de natureza religiosa. ausência de movimentos naturais. nome que recebe a parede semicircular que fica logo abaixo dos arcos que arrematam o vão superior da porta. pois não havia a menor intenção de imitar a natureza. que originalmente era uma técnica de pintar sobre a parede úmida. traduz os sentimentos religiosos e a interpretação mística que os artistas faziam da realidade.PINTURA E ESCULTURA Numa época em que poucas pessoas sabiam ler.

Ele são muito diferentes entre si. No começo do século XII. tem início uma economia fundamentada no comércio. Obs. em seu esplendor. Inglês. O peso das paredes cedem o lugar aos vitrais. O Gótico Francês é bem diferente do Gótico Italiano. O Renascimento classifica de “bárbaros” os Góticos. A cidade de Chartres nasceu com as pessoas que foram chegando e morando ao redor da catedral. até o fundo. A forma de vê-la é fragmentada. as cidades começam a nascer ao seu redor devido ao número grande de pessoas que trabalham na construção. entre os anos 1150 e 1500.: A Basílica da Catedral é renascentista. O templo grego é só para ser visto.ARTE GÓTICA O termo Gótico vem da palavra GODOS que vem de Bárbaros. mas já começaram a aparecer as primeiras mudanças que conduziram a uma revolução profunda na arte de projetar e construir grandes edifícios. A catedral Gótica é muito grande e não dá para abrangê-la com um só olhar. Isso faz com que o centro da vida social se desloque do campo para a cidade e apareça a burguesia urbana. A idade Média é a época do Gótico. Vai surgir uma coisa fantástica na Idade Média que são as Catedrais Góticas. para o lado direito e por último atravessar o rio Sena pela ponte para vêla do outro lado No século XII. A Catedral vai ser vertical que é para “levar” você para o céu. Espanhol. enquanto que os templos gregos horizontais. que leva de 200 a 300 anos. é como uma gaiola de vidro e de pedras. Em 1840 ao redor da Catedral de Notre Dame existia muitas casas medievais que foram retiradas ao seu redor para que ela fosse vista melhor de longe. É quase que uma visão cubista. dando leveza à construção. As Catedrais Góticas vão ser verticais. Para ver a Catedral de Notre Dame devemos começar a vê-la de frente. A Catedral Gótica é para o homem rezar dentro. CARACTERÍSTICAS DO ESTILO ROMÂNICO: As paredes são grossas Na frente da Catedral românica tem rosáceas (foi quando começou a surgir as rosáceas) Tem vitrais Não tem frontão 37 . Ao ser construída a Catedral Gótica. indo depois para o lado esquerdo. a arquitetura predominante ainda é a românica. Tanto a Catedral Gótica quanto o Templo Grego tem uma arquitetura fantástica. O gótico. Português. A arte Gótica vai nascer com as cidades.

como se vê nas pontas agulhadas das torres de algumas igrejas góticas. ESCULTURA As esculturas estão ligadas à arquitetura e se alongam para o alto. somente na Europa. a crença na existência de um Deus que vive num plano superior. não vai existir na América. ou então é um privilégio da quase mítica China). alongamento exagerado das formas. ARQUITETURA A primeira diferença que notamos entre a igreja gótica e a românica é a fachada. As catedrais góticas mais conhecidas são: Catedral de Notre Dame de Paris e a Catedral de Notre Dame de Chartres. a igreja gótica tem três portais que dão acesso à três naves do interior da igreja: a nave central e as duas naves laterais. demonstrando verticalidade.. Enquanto. O desenvolvimento de tal genero está ligado à difusão dos livros ilustrados patrimônio quase exclusivo dos mosteiros: no clima de fervor cultural que caracteriza a arte gótica. de modo geral. A rosácea é um elemento arquitetônico muito característico do estilo gótico e está presente em quase todas as igrejas construídas entre os séculos XII e XIV. tudo se volta para o alto. exercendo a função de ilustrar os ensinamentos propostos pela igreja. ILUMINURA Iluminura é a ilustração sobre o pergaminho de livros manuscritos (a gravura não fora ainda inventada. os manuscritos também eram encomendados por 38 . Outros elementos característicos da arquitetura gótica são os arcos góticos ou ogivais e os vitrais coloridíssimos que filtram a luminosidade para o interior da igreja. e as feições são caracterizadas de formas a que o fiel possa reconhecer facilmente a personagem representada. a igreja românica apresenta um único portal.CARACTERÍSTICAS DO ESTILO GÓTICO: Tem que ter rosácea Contraforte (é o que segura a Catedral) Arcobotante Gárgulas Janelas vitrais (muitos vitrais) O vitral é fundamental pois vai surgir quando eles descobrem uma técnica de colocar o vidro no meio da parede de pedra não prejudicando a sustentação do prédio. projetando-se na direção do céu. O Gótico que é do ano de 1100 DC. Nessa época as Américas não tinham sido descobertas. A arquitetura expressa a grandiosidade.

Nota-se em suas pinturas um cuidado com a perspectiva. Durante o século XII e até o século XV. em direção ao plano celeste. Os principais artistas na pintura gótica são os verdadeiros precursores da pintura do Renascimento (Duocento): * Giotto . XIV e no início do século XV. ocupando sempre posição de destaque na pintura. com o olhar voltado para cima. apresentava personagens de corpos pouco volumosos.a característica principal do seu trabalho foi a identificação da figura dos santos com seres humanos de aparência bem comum. procurando mostrar os detalhes e as paisagens.. quase sempre tratando de temas religiosos. Ao realizar essa tarefa. que vai cada vez mais se firmando até ganhar plenitude no Renascimento. os títulos ou as letras maiúsculas com que se iniciava um texto. que seus trabalhos acabaram influenciando outros pintores. E esses santos com ar de homem comum eram o ser mais importante das cenas que pintava. a arte ganhou forma de expressão também nos objetos preciosos e nos ricos manuscritos ilustrados. a pintura de Giotto vem ao encontro de uma visão humanista do mundo. os cabeçalhos. Assim. Obras destacadas: Afrescos da Igreja de São Francisco de Assis (Itália) e Retiro de São Joaquim entre os Pastores. cobertos por muita roupa. 39 . Sua principal particularidade foi a procura o realismo na representação dos seres que compunham as obras pintadas. Obras destacadas: O Casal Arnolfini e Nossa Senhora do Chanceler Rolin. a segunda é que os artistas ilustradores do período gótico tornaram-se tão habilidosos na representação do espaço tridimensional e na compreensão analítica de uma cena. pois destinava-se aos poucos possuidores das obras copiadas. aristocratas e burgueses. PINTURA A pintura gótica desenvolveu-se nos séculos XII. deixavam espaços para que os artistas fizessem as ilustrações. quando começou a ganhar novas características que prenunciam o Renascimento.particulares. É precisamente por esta razão que os grandes livros litúrgicos (a Bíblia e os Evangelhos) eram ilustrados pelos iluministas góticos em formatos manejáveis.procurava registrar nas suas pinturas os aspectos da vida urbana e da sociedade de sua época. Os copistas dedicavam-se à transcrição dos textos sobre as páginas. Da observação dos manuscritos ilustrados podemos tirar duas conclusões: a primeira é a compreensão do caráter individualista que a arte da ilustração ganhava. * Jan Van Eyck .

No regime feudal existia a troca de serviços e mercadorias. O Renascimento ocorre entre 1400 e 1600 D. Expansão: É quando o homem descobre a América.C. Shakespeare . sem roupa.C. nada a ver com civilização. através da imprensa que Gutemberg criou e que permite mandar a informação para o mundo inteiro.RENASCIMENTO “OUSO TUDO QUE UM HOMEM PODE OUSAR. Quando todo mundo tinha uma civilização super organizada na Europa e o homem descobre outro mundo com pessoas primitivas. 40 .C. Auge da Pré-história 3500 a 2500 A. Teria o mesmo significado da descoberta da existência de um planeta habitado. Emancipação: O trabalhador passa pela primeira vez a ser assalariado. que passa a ser muito mais valorizado. Era muito trabalhoso. pirâmide) Grécia Clássica ou de Péricles -Construção do Parthenon na Acrópoles Roma Gótico Renascimento 40 D. praticamente sem organização social. 1 A.C. Tinham que escrever muitas cópias para fazerem uma divulgação. expressão e emancipação. Expressão é uma coisa impressa. QUEM OUSAR MAIS DO QUE ISSO NÃO O É” Lord Macbeth . a máquina vai fazer milhares de cópias. Passa a ter mais consciência da importância de seu trabalho. A frase acima significa que tudo tem limites. com a linguagem muito diferente.pai do renascimento.C.Shakespeare. já que era muito complicado escrever. Expressão: É a invenção da imprensa por Gutemberg. 350 A. Anteriormente as coisas eram mais faladas do que escritas.000 A. Com o advindo da imprensa.C. É o começo do renascimento quando o homem descobre que tem de ser ousado. Auge do Egito (esfinge. APOGEU ----------------------------------------------------------------------------------------------------------40.C. É lógico que a visão do mundo e da arte foi modificada. Renascimento é expansão. 1400 a 1600 D. facilitando a divulgação e o trabalho. Vai sair do regime feudal da Idade Média. Expressão implica consciência daquilo que é expresso.C. a 1100 D. mas respeitando os limites.

No Renascimento a ciência liga-se às técnicas e às artes. O “homem” renasce. A escultura e pintura nós conhecemos desde a Grécia. Não inventavam e não criavam nada. da vontade de mudar a humanidade. várias línguas. A Idade Média estava muito parada. na Alemanha). Renascimento é o resultado de um impulso universal.C. É neste momento que surge o conceito do individualismo. 41 . pois as casas eram feitas de madeira. porque estão baseados na cultura Grega. Vão aparecer os “Humanistas”. Depois se alastrou por toda Europa Ocidental dominando o mundo completamente entre 1400 a 1600 D. Todas as invenções e criações eram feitas em função daquela Igreja. Essa busca do conhecimento das leis da natureza. nada impede que essa criação de Deus seja feita à serviço da humanidade. O homem tinha horror à natureza pois viviam muito mal. Tudo isso pode assistido no filme “O nome da Rosa”. Não é o saber pelo saber pela essência como na antiga Grécia. renova-se e religa-se. O Renascimento começou em Florença. como ela reage. do homem possuidor de direitos inalienáveis. que surge a arte de todos os pintores do mundo. estagnada. A medida que a natureza se transforma em uma coisa digna de ser usada.Renascimento é um renovar. na Itália. Vai procurar saber sobre a natureza. Surge da Idade Média onde o homem não tinha nenhum valor. Quando construíam uma Catedral Gótica ficavam 200 anos ao redor daquela Catedral para a sua construção. da mesma forma que os gregos faziam. é o saber para poder usufruí-la melhor. A BAUHAUSS. anatomia. mas posso conversar com ele. será uma escola que fará o trabalho em cima do Renascimento (1929.. Durante a Idade Média “Deus” era poderoso e distante. Até agora a natureza não era valorizada. Vai mudar muito a relação do homem com a natureza. Platão vai ser muito importante para eles. mas as pinturas dos pintores famosos que encontramos nos museus começaremos a conhecer a partir daqui. é único. O “especialista” é o homem do século XX. As pessoas morriam de frio e dormiam mal com as casas de madeira. da antigüidade. ela passa a ser valorizada. é para melhor aproveitá-la às necessidades do homem. O mundo passa a ser encarado criação de “Deus”. “Deus” existe. É um renascer em cima da Grécia Antiga. renascer. etc. que surgirá no futuro. recomeçar. A ciência liga-se à técnica e à arte. Não impede que Deus sirva à humanidade. O homem tem que entender de literatura. homens que conhecem tudo profundamente e que jamais serão especialistas. período muito forte. É no Renascimento. Viviam muito em função da Igreja. É uma necessidade de uma mudança de ver e sentir. No Renascimento. Mas. As cidades pegavam fogo. O homem passa a ser o centro de todas as coisas e não mais “deus”. que perdura até hoje. O renascimento vai criar uma “nova concepção do homem”. de uma disposição de espírito. As construções eram demoradas porque não tinham uma tecnologia desenvolvida.

A arte verdadeira. Em Estética da Arte: a arte pode ser idealizada ou verdadeira (em meados séc. quando vão desenhar o corpo realmente como ele é. Era uma arte totalmente sacra. 42 . Esta obra é o momento em que Deus aponta para o homem que está deitado no chão. o qual se ergue perante Deus. mas o estilo é renascentista. As figuras dos santos eram postas uma do lado da outra para que o povo. Ninguém fazia quadro para ser pendurado em casa. Para Mali. XX). Era uma história montada. o quadro “Adão” que está na Capela Sixtina. Vão estudar o vento dando o surgimento dos moinhos de vento. eles percebem que a natureza pode ajudar muito. ao chegar à Igreja. pintado por Michelangelo. Os santos eram duros. De repente. é o símbolo do Renascimento. As pessoas não sabiam ler. Vão estudar a água. pudesse reconhecê-los facilmente. A arte era feita de uma forma que a leitura fosse muito acessível. A natureza era uma coisa muito nefasta. Homens importantes do Renascimento: Giotto Michelangelo Leonardo da Vinci Raphael Ticciano Tintoretto Dante Alighieri Botticelli Colombo Gutemberg Vasco da Gama Bosch William Shakespeare (por volta de 1600. Até o Renascimento as pessoas não pintavam nada naturalista. mas complementá-los. apresentando depois uma queda e voltando a aparecer em finais do século XX. As esculturas das igrejas eram um protótipo do que seriam os “santos”. Eles não vão imitar os antigos. o que existia de melhor. no final) A arte passa a ser naturalista.Em locais muito ensolarados as pessoas morriam de calor. As pessoas posavam. Vão se basear nas melhores idéias dos antigos. sem imitá-la. A arte idealizada é aquela que nós vimos na Grécia. onde ela deixa de ser natural ao copiar o corpo humano e aperfeiçoá-lo. Essa pintura não podia existir na Idade Média. E vão estudar uma série de coisas que até agora não tinham estudado. sem nenhuma vergonha do seu corpo nu e Deus está apontando com o dedo quase à sua imagem e semelhança. É um renovar em cima da Antigüidade. Passam a pintar a natureza nos quadros porque vão valorizá-la e adequar-se à ela. vai surgir por volta do século XX. Não existia o natural por que a Igreja não permitia. no Renascimento. sem movimento e vestidos completamente. aparecendo as represas.

Até hoje pintamos baseados no Renascimento. Dante Alighieri se refere ao Giotto na “Divina Comédia” como o “meu amigo pintor Giotto”. 43 . Ninguém fazia isso. marceneiros. que ao ir a bancarrota. Um dos banqueiros mais importantes era o “Bardi”. O estilo que chamamos de Sienês (de Siena) chegou até o século VX (1400) e custou muito a aceitar o estilo renascentista. da Idade Média e Renascentistas. O aspecto mais importante era o pintor conseguisse pintar fielmente a figura real. Florença era uma cidade muito rica e. A pintura ainda era bizantina. Giotto consegue pintar expressando os sentimentos através dos gestos. As condições para o aprimoramento na arte já estavam criadas. até então (entre 1400 e 1500). são grandes acadêmicos que fazem a arte exatamente igual a natureza. A peste matou quase todos os banqueiros. mas comparada com o que existia anteriormente na Idade Média era muito mais expressiva e solta. A cidade de Pádua é a que oferece as melhores obras de Giotto para serem vistas. No século XV Florença lançou as bases da pintura Européia dos cinco séculos seguintes. foi a que mais demorou para se afastar dos moldes antigos (bizantinos) da Idade Média. Pré Renascimento: A pintura. as massas em pouquíssimo tempo controlaram o poder em Florença. Os pintores até então eram considerados como alfaiates. Quando dava uma festa ele pedia que o convidado levasse uma ave. é importante comparar as pinturas Pré-renascentistas. Eram homens ricos que gostavam de beleza e vão investir em arte.Começaram a perceber que o homem podia pintar a natureza tal qual ela se apresenta. Giotto é que vai receber pela primeira vez na História da Arte o nome “Pintor”. os escultores já tinham criado um novo estilo depois do gótico. As soluções da pintura foram amadurecendo aos poucos. Para nós hoje. vinho ou fruta. Em “off”: Dizem que ele era “super pão-duro”. que pintou muito À FRESCO em busca de um realismo. com essa peste. Leonardo da Vinci e outros. Começa aí a pintura acadêmica que nos referimos. Ao redor de 1394 a peste negra acabou com quase toda a população Toscana (Florença é na região de Toscana). Em 1400 o poder voltou de novo aos banqueiros e desta vez. um pouquinho idealizada. mas a pintura não. As cidades onde as primeiras pinturas “acadêmicas” vão aparecer serão Siena e Florença. No Museu Metropolitam. dentre todas as artes do ocidente. do olhar. os “Médicis” eram os mais importantes. ainda poderá parecer uma pintura dura. Giotto foi contemporâneo do grande poeta Dante Alighieri que escreveu “A Divina Comédia”. Os arquitetos. Ele conseguiu iniciar um novo capítulo na História da Arte se impondo na profissão de pintor e sendo respeitado por isso. pão. Giotto foi o primeiro artista dentro da História da Arte que aparece sendo chamado como “PINTOR”. É uma profissão que sobe de nível na hierarquia social. Um desses importantes pintores é GIOTTO. que até então não faziam. a crise financeira foi muito forte. Pouco a pouco tornaram-se “senhores de Florença”.

Obs. Eles estão enterrados em Brujes. escultor. a Cúpula da Catedral de Florença não tinha sido construída. mas que vendia bem. Ele era ambicioso e queria ser muito conhecido. Por ser pintor estimulou o filho a ser pintor também. quando bolou a grande Cúpula da Catedral de Florença que vai ficar para o resto da vida. Os irmãos Van EYKES descobrem que a luz também é muito importante. e suas obras podem ser vistas hoje nos Museus. vai apresentá-lo a seu filho. Eles pintavam o ar. O pai de Raphael era um medíocre pintor. Nasceu na cidade de Urbino. era quase Gótica e Brunelleschi vai simplificar essa estrutura criando um novo eixo. Os italianos vão copiar a fórmula. Quando ele aparece. Foi o iniciador da arquitetura da renascença que vai permanecer por mais 500 anos. muito badalado na época. A pintura flamenga vai reinar em Florença. : Raphael está enterrado no Pantheon. RAPHAEL DE SANTI nasceu em 1483 e morreu em 1520. Até 1900 vai ser usada essa Cúpula. A pintura com tinta a óleo era fantástica por permitir ao pintor que pudesse corrigir os erros. Giovani de Santi que era muito amigo do grande pintor Perugino. Até então se pintava à fresco. em Roma. O resto do mundo vai copiar essa Cúpula de Brunelleschi. Itália. É bom lembrar que junto com o Renascimento. Eles pintavam admiravelmente bem. Volta para Florença onde vai ficar muito rico. Uma região com paz e prosperidade. encáustica. Os irmãos VAN EYKES vão descobrir esse aglutinante que era “o óleo de amêndoas”. arquiteto. Michelângelo vai se basear na Cúpula de Brunelleschi para fazer a Basílica de São Pedro. Eles romperam com tudo. Ele foi para Roma estudar estudar o Pantheon antigo. Essa Cúpula é anterior ao ano de 1500. um dos maiores arquitetos de todos os tempos. o belíssimo “Domus”. Na realidade eles só aprimoraram a fórmula. porque foram os inventores da pintura à óleo. 44 . abria um grande atelier. A arquitetura Renascentista: BRUNELESCHI. A cúpula do Pantheon tinha muita sustentação. a pintura Flamenga Renascentista foi muito importante. a luz “condicionados ao momento”. que se chamava Giovani de Santi. na Itália. etc. Quase todos os dicionários falam que eles foram os inventores da pintura à óleo. O Médicis compraram muita obra do pai de Raphael. Pintavam em paredes ou em madeiras para poderem transportar. Raphael vai ser aprendiz do Perugino. Escola Renascentista funcionava assim: Todo grande pintor. mas na verdade eles descobriram que um padre italiano tinha descoberto a fórmula da tinta mas que estava faltando um aglutinante.Os irmãos VAN EYKES pertencem à pintura FLAMENGA (de Flandres que é hoje a Bélgica).

Rubens tinha 150 ajudantes. Era muito rápido. tornando-se muito popular rapidamente. em 1504. até hoje. As “madonas” são belezas idealizadas em cima da Grécia. Raphael foi perfeito no desenho e na composição. bissexual (não se sabe ao certo). Não são míticas. Vai pintar com mais de 50 ajudantes. Ele tinha o quadro mais perfeito em composição de todo o Renascimento. a qual nunca foi feita. no dia de seu aniversário. Viveu como um príncipe. Quando chegava a fazer os desenhos com perfeição. Os outros alunos de Perugino só vão conseguir copiá-lo. rico. Eram chamados também de lojas. carismático. Raphael disse que iria aprender com esses pintores. Como o pai era um homem muito querido. ele vai pintar os quartos. Fazia o chassis. Os aprendizes pintavam quase toda a obra. Morreu jovem aos 37 anos. após sua morte. criativo e responsável. Em 1509 Raphael foi de Florença para Roma. Quando você entra na Capela Sixtina você vai passar por vários quartos. badalado. pois tinham recebido uma encomenda para pintar a “Câmara dos Vereadores”. na Capela Sixtina. Ele era um homem muito bonito. comida. Quando Raphael chegou lá. com exceção dos rostos que era sempre “Mestre” que terminava. Depois disso iria aprender a desenhar. Entre 1508 e 1509 era a época em que Michelângelo estava pintando a Capela Sixtina. a Capela Sixtina. Ela vai ser um clássico de Raphael. Dizem que o papa fez dele um Cardeal. 45 . tendo que morar com seus tios maternos. Aos 18 anos vai para Florença e começa a receber fama por pintar muito bem e rápido. simpático. Raphael vai saber descobrir seu estilo. Aos 21 anos já estava famoso. Vai ser muito rodeado por artistas. Ela passa uma certa sensualidade.Quando uma pessoa ia estudar com o grande pintor ou escultor. “A Virgem Maria” vai ser adotada por muitos anos depois. Com isso ele ficou famoso por pintar pela primeira vez “madonas” tão lindas. Depois passava por um estágio de uns 3 meses onde ele aprendia a montar as telas. como se fosse um empregado. podia optar pela escultura ou pintura. salas que são chamadas de “STANZI”. quase todos pintados por Raphael. Essa técnica de ensino vai ser retomada na BAUHAUSS mais tarde. O aprendiz comprava as tintas. em uma sexta-feira Santa. cordial. Os grandes artistas podiam aprender uma técnica nova. Raphael vai ser muito querido. meigo. O Papa Júlio II é o mesmo que encomendou para Michelângelo. carinhoso. Raphael chegou em Florença na época em que Leonardo da Vinci e Michelângelo estavam na cidade. ele vai receber muita ajuda dos amigos do pai e de Perugino. mas já tinham o seu próprio estilo. a pedido do Papa Júlio II. famoso. começava-se primeiro como se fosse um “office boy”. apesar de serem humanas e meio sensuais. apesar de já ser um grande pintor. Raphael com 10 anos perdeu sua mãe e o pai vai morrer quando ele tinha 14 anos. Começou a pintar as “madonas” que são muito especiais.

aos 67 anos. físico. urbanista. na cidade de Florença. Verocchio foi um grande pintor. 46 . Quando Leonardo da Vinci nasceu.: No Epcot Center. Leonardo da Vinci vai estudar com Verocchio. químico. Agora que está morto. lâmina de barbear (ele tinha uma barba muito cerrada).Raphael está enterrado no Pantheon . As rotas da Europa para o Oriente foram fechadas. geólogo. a Itália não era essa Itália de hoje. brinquedos com corda. em tudo o que se referia também ao espetáculo. Era do signo de Áries. pára-quedas. porcas e pintor. Leonardo cantava e também escrevia muito bem poesias. Existe em seu túmulo uma frase muito bonita em latim: “Aqui jaz Raphael: quando vivia a natureza temia por ele ser vencida. Cantava admiravelmente bem. Quando ele tinha 16 anos. Leonardo da Vinci. Leonardo da Vinci. tinha 1. Quando ele morreu foi uma aflição para todos os seus amigos. tem o “Leonardo da Vinci” que está pintando a Monalisa enquanto ela balança o pé. ela própria teme morrer. mas também serviu de obstáculo. Obs: Leonardo da Vinci foi modelo de “David” para o Verocchio. O seu pai disse que já que ele tinha nascido com esse dom ele deveria estudar mais.90 m de altura e era provavelmente bissexual. fazendo ele próprio o acompanhamento na lira que ele havia inventado e com isso deliciava a corte inteira. escreveu muito sobre Leonardo: “Seu encanto. e em particular. Além do talento. Tem um outro grande escritor que se chama GARDIANO e que escreveu o seguinte sobre Leonardo: “Ele era tão excepcional e tão ricamente dotado que a natureza parecia ter logrado um milagre em sua pessoa. da hidráulica. Vai pintar por 5 anos a Monalisa. da balística. Os turcos tinham conquistado Constantinopla. escultor. Ele era o árbitro em todas as questões que diziam respeito a elegância. Era uma Itália calma e tinha acabado o Império Bizantino. Leonardo da Vinci era considerado em seu tempo uma obra prima da natureza. engenheiro. inventor do escafandro. Era um homem muito vaidoso. Dizem que sua beleza abriu muito as portas para ele. que era enorme. O grande escritor George Vassari. em Roma. Vassari vai ser o Historiador dos Pintores. Tudo o que existia do Oriente na Grécia passa a não existir mais por muito tempo. Ele era arquiteto. já desenhava e pintava muito bem. Não apenas por causa de sua beleza física. uma perfeita obra de arte. isqueiro.” Obs. mas também entre outros dotes numerosos de que a natureza o havia provido e que ele se valia com a perfeita maestria. “ Segundo Gardiano. cansada de esperar ele pintar. mecânico. botânico. Leonardo tinha muitas vantagens ao ser tão bem dotado. precursor da aviação. matemático.” LEONARDO DA VINCI nasceu em 1452 e morreu em 1519 . Com isso termina a Idade Média. que era esposa de um comerciante amigo dele. sua generosidade e seu espírito brilhante não eram inferiores à beleza de sua pessoa. despertando muita inveja das pessoas. ponte-pêncil.

mas era muito pouco para Leonardo. desenhava tudo dentro das regras do renascimento. o escafandro. O que significava uma antecipação da teoria de Copérnico que diz que “a Terra é que gira ao redor do Sol”. vias elevadas. Tinha uma mente extremamente cientista. ele tinha um pouco de medo de escrever de forma muito legível. do século XX. As pessoas posavam para ele e ele também tinha muitos auxiliares. Ele queria saber por exemplo quantos tons de vermelho ele podia fazer. que pode ser visto ainda no Museu do Vaticano. Em todos os escritos aparece sempre um dizer “o sol não se move”.Vassari fala o seguinte: Leonardo tinha um ar tão imponente que só de vê-lo a tristeza desaparecia. Obs.: A conceito de “tom” só aparece no Renascimento após a invenção da tinta à óleo pelos irmãos Van Eykes. cientista. Ele queria saber mais e saber por que as coisas existiam. Ele começava a fazer uma coisa e depois parava para fazer outra. Os historiadores acham que. Muita informação do que se sabe são relatos de seus alunos que o adoravam e escreviam tudo sobre ele. tudo perfeito. o helicóptero. A “Adoração dos Reis Magos “. Com sua cultura universal. Antes do Renascimento não se falava em “tons”. Os seus escritos só poderiam ser lidos através de um espelho. Ele era canhoto e escrevia da direita para a esquerda. Leonardo da Vinci pintava com requinte. segundo os historiadores. Apenas essas 8 obras foram cientificamente comprovadas em sua autenticidade. Ele fez um projeto urbanista fantástico para a cidade de Milão. Leonardo da Vinci consegue ser o Mestre da pintura com apenas 8 telas. artista. mas em cores. Tudo o que ele fazia e criava. fazia muitos esboços. era desenhado. deixando muitas obras inacabadas. Leonardo da Vinci era também um músico. que está no Vaticano. escultura. por suas descobertas serem um pouco avançadas para a época. Se a inquisição soubesse disso. Leonardo dissecou mais de 30 cadáveres. Com Verocchio ele aprendeu tudo na pintura. 47 . Quase foi preso por causa disso. Pintou a Monalisa. outros apreciavam a sua presença. Leonardo elaborou projetos que levaram séculos para serem aprovados como a asa delta. eles o matariam. Muitas pessoas o elogiavam por ser filósofo. com calçadões. etc. As duas grandes pinturas que ficaram mais conhecidas foram a “Monalisa” (Gioconda) e a mais reproduzida no mundo todo que é a “Última Ceia”. quiosques. Não foi feito porque cobrava muito caro o que ele fazia. Inventou um órgão movido à água. O ideal de Leonardo da Vinci era atingir a verdade por experiências objetivas. enquanto tocava esse órgão. Ele queria estudar anatomia para poder pintar melhor. está inacabada. Só que muitas vezes ele não terminava a obra porque tinha muitos outros projetos na cabeça. As outras pinturas existentes não possuem essa certeza.

indignação. Ele pediu que o seu auxiliar a terminasse. você é que vai terminar a obra. O rei francês Francisco I admirava muito Leonardo da Vinci. Quando você olha o lado esquerdo. No final de sua vida. os vegetais. A cena é sobre Jesus que estava falando: “Um entre vós me trairás”. ele falava que os rochedos tinham alma. uma se encontra no Louvre e outra na National Galery de Londres. mais ereto do que o ombro do lado direito. A obra “Última Ceia” tem 9 metros de largura por 4. de altura. Tudo que é natureza tem alma.20 m. Leonardo da Vinci descobre a técnica do “SFUMATO”. onde a única pessoa que está calma é Jesus. Se for bem observada a obra. que parece estar mais solto. Levou 3 anos para ser feita. em Clos Lucé. A OBRA GIOCONDA: A Monalisa é como se fosse um ser vivo. Ele é ainda muito pesquisado pois estava muito à frente de sua época. portanto uma obra em aberto. “Jesus” vai estar no centro do quadro.. inclusive a Monalisa. Fazia também muitas outras experiências. Não está muito claro porque Leonardo da Vinci foi viver os últimos anos de sua vida no Castelo na cidade de Amboise. Na obra “Virgem dos Rochedos”. O que é Sfumato? É coisa indistinta. ele não vai terminar nem os olhos e nem a boca. Antes de pintar essa obra.Uma de suas obras muito importante é “A Virgem dos Rochedos”. Descobriram que a obra que está no Louvre. não terminada. Anima é alma. parecendo sobrenatural. Esse estudo era para ele saber passar aquele “espanto” e todas as expressões somente através dos gestos. o que é proposital para dar o movimento aos ombros. A obra que se encontra em Londres. de pergunta. o ombro parece estar mais alto. outra hora parece estar triste. a linha de fundo da direita está em diferente altura da linha da esquerda. de dúvida. Freud estudou muito sobre Leonardo da Vinci. Existem duas obras da “Virgem do Rochedo”. 48 . ele estava doente e com dificuldade de articulação nas mãos (quase todos os pintores tem problemas de articulação). Dentro de suas pesquisas tudo é baseado no animismo. já em 1500 D. Cada um dos apóstolos tem uma expressão muito forte. Leonardo falava que tudo para ele tinha alma. Saía no temporal para ver como aconteciam os relâmpagos. Durante séculos as pessoas ficaram se questionando qual era a verdadeira. Ela parece mudar toda vez que você a olha. sem contorno definido. O horizonte do lado esquerdo parece estar mais baixo que o direito. Uma hora ela parece sorrir. etc. O rei Francisco I vai sempre visitá-lo. O fundo do quadro é completamente impressionista. Leonardo começou a pintar quando foi chamado para ir à Milão e teve que interrompê-la. onde ele vai usar muito claro-escuro.C. Tem uma intenção muito dramática. por ser Renascentista. . isto é. Os cantos dos olhos e da boca são esfumaçados. As duas são de Leonardo da Vinci. Leonardo da Vinci pintou sozinho. Leonardo leva consigo quase todas as suas obras. Ela tem um sorriso muito enigmático. Leonardo da Vinci estudou muito como os surdos e mudos se comunicam através dos gestos. como o metal. Começou a pintar cada vez menos.

Obras autênticas de Leonardo da Vinci: Monalisa. Ele ficou com 1200 desenhos e que isso era a terça parte da produção de Leonardo. barcos para a guerra. Eles eram muito amigos. carros de combate. Inventou máquinas de afiar. Inventou o compasso de proporção. sobre a transformação de sólidos. Leonardo recebe o rei (jovem) que ao se aproximar dele e sustentando a sua cabeça em seus braços.Ele fala que não quer receber visita de ninguém. Ele foi um grande projetista militar.80 m (+/-) A Última Ceia. no Louvre (ao lado da Monalisa) Anunciação. Obs. Maria e o Menino Jesus. está em um refeitório de uma Igreja em Milão. no Louvre em Paris Esboço de “Sant’Ana e a Virgem” que é um desenho que está no National Gallery. e assim enunciou 2 teoremas fantásticos sobre a geometria. está no Museu de Vaticano. É um afresco que está muito deteriorado. Quer ficar isolado. Louvre (Paris) e National Gallery de Londres. National Gallery de Washington. na Inglaterra.: Muitos desenhos de Leonardo da Vinci podem ser encontrados no Castelo de Windsor. Adoração dos Magos. com várias pessoas ao seu redor. 49 . etc. inacabado. Ele tem um discípulo chamado Francisco Melzi que herdou de Leonardo quase todos os desenhos. Inventou máquinas hidráulicas para limpeza e drenagem de rios e canais. Deitado na cama. nem dos seus alunos. Esta está muito ruim pois Leonardo da Vinci não se preocupou com o tipo de tinta que usou. Já fizeram até galinheiro nesse refeitório. São João Batista. planador. metralhadoras. Entre esses desenhos que ele deixou para Francisco Melzi tem o “Código de Urbino”. no Louvre. Sant’Ana. Estudava qual a melhor forma de abordar um barco grande através de um pequeno. Leonardo vai dizer-lhe que não reconhecia honra maior do que morrer nos braços de um rei. em Londres. São Jerônimo. No dia 2 de Maio o Rei Francisco I vai visitá-lo ao saber que ele não estava passando bem. (deve ter 1. Fechou os olhos e morreu. Dizem que ele tinha caso com Leonardo da Vinci. helicóptero e pára-quedas. A partir do vôo dos pássaros. “Código de Atlantis”. no Louvre Madona Benois. perfuratrizes. estudos e anotações de Leonardo da Vinci. Leningrado ( ex-Rússia). vários desenhos de como ele fazia a geometria (explicando tudo o que aprendeu de geometria através de suas pesquisas). Ganhou muito dinheiro com desenho de canhões. está no Museu de Hermitage. Estudou. Virgem dos Rochedos. No campo da física ele trabalhou muito sobre a dinâmica e baseou seus estudos na leitura de Aristóteles. determinou os princípios para a construção de um aparelho mais pesado que o ar e capaz de voar aproveitando a força do vento: asa-delta. sendo usado depois para elaborar a obra “Monalisa”. sobre a formulação de teorias sobre o centro de gravidade dos sólidos. os efeitos do atrito e sobre as condições de equilíbrio num campo inclinado. na física.

gula. Casou-se com uma órfã muito rica. Era também um grande poeta. Uma dessas obras é a famosa “Os Sete Pecados Capitais”. um dos maiores pintores e desenhistas de todos os tempos. avareza. pintura. muito surrealista e muito simbolista. Resolve estudar as esculturas gregas da antigüidade da coleção dos Médicis (os mecenas). Ele já tinha uma idéia bem diferente de arte. um gênio. Tinha uma inesgotável capacidade criadora. masoquista. descobre ter uma afinidade muito grande com a Grécia e que ele era escultor da “figura humana”. mas se ele nasceu em 1516 ele morreu em 1566. da mesma forma como todos os pintores faziam na escola renascentista. Resolve. Vai revolucionar no campo da pintura com a obra que faz para a “Capela Sixtina”. Bosch cria a SEITA ADAMITA : “os irmãos dos espíritos livres”. Quando ele começa a estudá-las. grande pintor da época. mas é considerado um grande Surrealista. não tanto como Leonardo da Vinci que dissecou 33 cadáveres. homossexual. dissecar também para conhecer melhor e se aprofundar mais na figura humana. As obras que escaparam foram para a Espanha. em 1564. A sua pintura era muito diferenciada e misteriosa..HYERONYMUS BOSCH Nasceu entre 1450 ou 1516. Ele era 23 anos mais jovem que Leonardo da Vinci e viveu mais 45 anos após a sua morte. Essa seita dizia que o homem tinha que fazer todos os pecados na Terra para ganhar o Céu. onde vai representar todos os pecados capitais: vaidade. feia e religiosa. Outra obra importante é a pintura do “Jardim das Delícias”.C. Ele não ficou muito satisfeito com o que aprendeu. pois não gostava da arte renascentista (toda centralizada. MICHELÂNGELO Nasceu em 1475 e morreu no dia 6 de março. levadas pelo Rei Felipe II. É uma pintura sobre “o céu e o inferno”. Era filho e neto de pintores. Só se sabe que ele nasceu onde seria hoje a Holanda (a cidade tinha o nome Bosch) e viveu 66 anos. Com isso todo mundo queria se afiliar à Seita Adamita. toda feita com incrustação em pedra. Muitas de suas obras foram destruídas pelos protestantes em 1629. O seu trabalho na pintura. Foi escultor insuperável. A inquisição não o impediu porque os Reis o protegeram. Se Bosch nasceu em 1450 ele deve ter morrido em 1516. incrível como escultor. pois foge completamente do estilo da arte Renascentista. enfim. preguiça. ninguém sabe ao certo. 50 . certinha). Dalí dizia que o grande “Papa” do surrealismo era Bosch. Os três são considerados os maiores artistas do Renascimento. inveja. Ele estava a 400 anos adiantados para sua época. ira. Michelângelo era neurastênico. hipocondríaco. aos 89 anos. Ele nasceu na época do Renascimento. Ele foi estudar com o grande mestre “Domênico Ghirlandaio”. luxúria. sobre uma mesa redonda. As suas obras só vão ser destruídas pelos protestantes por volta de 1600 D. Vai aprender todas as técnicas do ofício em desenho. escultura. escultura e poesia é considerado do mesmo nível dos trabalhos de Leonardo da Vinci e Raphael.

Ao se envolver em uma briga com esse seu amigo. Infelizmente a obra nunca foi executada porque Leonardo da Vinci foi chamado em Milão fazer o projeto ‘’urbanístico” que não deu certo e Michelângelo foi chamado pelo Papa Júlio II em Roma para trabalhar lá. Ao voltar o “Papa” fala que não vai mais querer que faça o túmulo. participando muito dos “Saraus Culturais” onde conversava sobre filosofia. estética. Vai pintar e esculpir com perfeição. Quando Michelângelo chegou em Roma. Michelângelo tinha um amigo chamado Torrigliani. Foi um estigma muito grande para um homem que gostava muito de beleza. reclamava e ia a fundo com tudo) e solitário. Foi aí que a cidade de Florença convidou Michelângelo e Leonardo da Vinci para pintarem o grande painel na Câmara dos Vereadores. na casa dos Médicis. narigudo e muito triste. O “Papa” vai chamá-lo novamente em Roma e pede à Michelângelo que pinte uma Capela para 51 . Estudou muito sobre Platão. baixo. O pai de Michelângelo vai intervir pedindo ao “Papa” que fizesse alguma coisa para ajudar o seu filho que estava muito desmotivado. esse traço violento. que foram grandes escultores do classicismo. Michelângelo era um homem feio. Michelângelo fica muito desgostoso e decide não voltar mais à Roma. vão ser muito fortes em sua pintura. Essa paixão. Vai ser um grande mestre da figura humana. que vai ficar quebrado e torto para o resto de sua vida. temperamental e dizia que não tinha paciência com a mediocridade alheia. Tinha um temperamento muito irrequieto. No fundo.De repente a figura humana não tinha mais segredo para ele. Era um homem passional (brigava. não saberíamos o que eles iriam fazer. Leonardo da Vinci também fez uma descrição comentando sobre esse episódio. Existe uma cópia em Florença feita por Michelângelo. Com isso vai fazer esculturas e pinturas belíssimas de seres humanos para compensar a sua feiura. Sófocles. filósofos e dramaturgos gregos e também sobre os grandes mestres. na região de Florença. Ao estudar com os Médicis. Michelângelo recebe um soco no nariz. ele era um romântico. De outra forma. Sócrates. conseguindo recriá-la. Aos 30 anos já era conhecido como um dos grandes mestres da escultura. fica muito amigo da família. Michelângelo pediu para ir até a cidade de Carrara (cidade dos mármores) porque iria fazer o túmulo todo em mármore. Sugestão: Assistir ao filme “Michelângelo” que tem nas locadoras de vídeo. o Papa Júlio II pede à ele que fizesse o maior túmulo do mundo para quando ele morresse. Michelângelo insistiu tanto que conseguiu estudar arte. da pintura que ele ia executar com Leonardo da Vinci. Sua uma família era aristocrática. Vai ficar em Carrara para escolher as peças de mármore (estudando os veios) por mais ou menos 11 meses. que estudava junto com ele. ter um nariz torto e ficando muito feio. etc. e o pai não admitia que o filho fosse artista. Não conseguiu se relacionar com ninguém por não se aceitar como era. Ele era tão bom ou talvez melhor do que os escultores gregos como Fídias (que fez o Parthenon) e Praxiteles. Teve um pai bastante violento.

Vai colocar imagens de profetas. Você vai observar “Cristo” irado e “Nossa Senhora” se escondendo atrás Dele. pelo grande artista que era. ele volta para pintar o fundo da Capela com a obra “O Juízo Final”. Vai pintar no teto da Capela Sixtina. Pegava outro bloco e começava outra obra. Guirlandaio e Perugino. Quando ele termina Moisés o Papa Júlio II morre e o túmulo não fica terminado. Essa obra vai ficar incompleta. discutindo. em diversas atitudes. Ele deitava e passava dias assim. mas que durante o trabalho vai brigar com todos eles ficando sozinho para continuar. Ao terminá-la. em nicho. Chegaram à conclusão que criava muita coisa apenas para preencher o espaço vazio que existia. lendo. 52 . Vai ser encontrada muita obra incompleta dele nos Museus do Louvre. escrevendo. etc. O papa pede que ele pinte o teto e o fundo da Capela. com músculos desenvolvidos e cabeça de mulher. A Capela Sixtina já era decorada. São episódios que vão desde a criação do homem. dos dois lados. conversando. É praticamente impossível um ser humano fazer o que ele fez em apenas 4 anos. Tentaram saber se era alegoria o que ele pintava porque ele fugia muito da história que existia na Bíblia. O “Juízo Final” é uma visão terrível do fim do mundo. baseados no Antigo Testamento. O esforço físico para ele fazer a obra era incrível. Teve muitos ajudantes. E. Ele fez muitas outras obras incompletas porque. nas paredes laterais. deixando o observador na dúvida. Michelângelo aceita pintar somente o teto. vai parar a obra para não estragar a natureza. Pintou todas essas figuras de homens e mulheres como se fossem pessoas comuns e não “santos”. Essa obra foi iniciada em 1508 e terminada em 1512. pelos grandes pintores Boticelli. alternando isso com Sibilas (são as moças muito bonitas que ele faz). É uma forma quase expressionista de pintar. Ele pintava as moças com corpo de homem. Michelângelo respondeu: ”Mas eu sou escultor e não pintor”. Essa Capela tinha sido mandada fazer pelo papa “Sixto IV”. que em sua homenagem recebeu o nome “Capela Sixtina”. Era o que tinha sobrado de parede sem pintura. o dilúvio e a embriaguez de Noé. o Papa vai pedir de novo para ele fazer o túmulo. Michelângelo brigava muito com o “Papa” e seu pai vai pedir à ele que tivesse muita paciência com o seu filho. os “doze apóstolos”. É como se fosse “tromp’oleil”. Michelângelo vai então à Carrara. não tendo coragem de eliminá-lo. como se fosse a própria arquitetura.ele. Ele não conhecia muito bem o corpo feminino. volta com o mármore e começa a fazer a figura de Moisés. Trinta anos após terminar o teto da Capela Sixtina. etc. tinha pena de estragar o mármore da obra que estava esculpindo quando encontrava um veio bonito. Fazia o desenho no chão e depois subia nos andaimes para desenhar tudo novamente lá em cima e pintar. Galeria Ufizi (em Florença). Michelângelo vai pintá-la já de uma forma bem diferente da pintura que fez no teto da Capela.

já um grande mestre. A primeira escultura “Pietà”. Chamavam-no de “Divino”. que ocupou toda a sua velhice. Disse que essa obra ele a fez “À Serviço de Deus porque era um presente dele para Deus e de Deus para ele”.: Todas as esculturas do lado de fora da Basílica foram feitas pelo Bernini. Depois em 1559. Obs. Somente a Cúpula será de estilo Renascentista. em vida. algumas esculturas. distorcendo um pouco as formas. 53 . pediram para tirar as roupas novamente. vai fazer com menos de 25 anos. e esta foi executada por outros. Entre 1555 e 1559 no Pontificado de Paulo IV. A “Pietà” se encontra embaixo dessa Cúpula (onde tem uma clarabóia). Sua grande obra. são completamente expressionistas. O final de sua vida ele vai ser muito expressionista. na época do Barroco. Ele só fez a pintura da Capela Sixtina. Era considerado. as figuras da pintura de Michelângelo na Capela Sixtina foram todas vestidas a pedido dele. o resto da Basílica é de estilo Barroco. Ele desenhou e projetou a Cúpula. Michelângelo era muito religioso e apesar dele cobrar muito caro o seu trabalho vai fazer esse projeto sem cobrar um tostão.O teto da Capela é feito em estilo mais acadêmico e o fundo dela de um estilo mais expressionista. e uma obra que está na Galeria de Ufizi em Florença. As outras “Pietà”. vai ser a grande Cúpula na Basílica de São Pedro. que era um Papa muito chato.

com a cúpula principal sobre o transepto. Alguns historiadores o consideram uma transição entre o renascimento e o barroco. Os artistas se vêem obrigados a partir em busca de elementos que lhes permitam renovar e desenvolver todas as habilidades e técnicas adquiridas durante o renascimento.MANEIRISMO Paralelamente ao renascimento clássico. lembrando uma exuberante selva de pedra que confunde a vista. um movimento artístico afastado conscientemente do modelo da antiguidade clássica: o maneirismo (maniera. significa maneira). pode-se dizer que as verdadeiras mudanças que este novo estilo introduz refletem-se não somente na construção em si. em italiano. conchas e volutas cobrem muros e altares. mas agora com um espírito totalmente diferente. que na maior parte das vezes não levam a lugar nenhum. produzem uma atmosfera de rara singularidade. Os grandes impérios começam a se formar. Mais adiante. Reinam a desolação e a incerteza. que são. No entanto. espirais e proporções estranhas. do ano de 1520 até por volta de 1610. mas também na distribuição da luz e na decoração. Pintores. e o homem já não é a principal e única medida do universo. ARQUITETURA A arquitetura maneirista dá prioridade à construção de igrejas de plano longitudinal. coros com escadas em espiral. Valendo-se dos mesmos elementos do renascimento. essa arte acabaria cultivada em todas as grandes cidades européias. arquitetos e escultores são impelidos a deixar Roma com destino a outras cidades. Caracóis. balaustradas povoadas de figuras caprichosas são a decoração mais característica desse estilo. Uma evidente tendência para a estilização exagerada e um capricho nos detalhes começa a ser sua marca. com espaços mais longos do que largos. é que o maneirismo é uma conseqüência de um renascimento clássico que entra em decadência. propriamente dito. · Guirlandas de frutas e flores. Principais características: Nas igrejas: · Naves escuras. sem dúvida. típicas do renascimento clássico. enquanto outros preferem vê-lo como um estilo. Carlos V. extrapolando assim as rígidas linhas dos cânones clássicos. mas toda a Europa estava dividida após a Reforma de Lutero. depois de derrotar as tropas do sumo pontífice. iluminadas apenas de ângulos diferentes. saqueia e destrói Roma. deixando de lado as de plano centralizado. Não só a Igreja. a marca inconfundível do estilo maneirista. O certo. criam uma arte de labirintos. desenvolve-se em Roma. 54 . porém. Uma de suas fontes principais de inspiração é o espírito religioso reinante na Europa nesse momento.

Vasari é conhecido por sua obra literária Le Vite (As Vidas). (1508-1580). Principais Artistas: BARTOLOMEO AMMANATI . Vasari também trabalhou em colaboração com Michelangelo em Roma. sem deixar de fazer comentários mal-intencionados e elogios exagerados. com base nos quais planejou uma cidade ideal. além de fazer um resumo da arte renascentista. Suas biografias. que proibiam o nu nas obras de arte. Seu interesse pela arquitetura o levou a estudar os tratados de Alberti e Brunelleschi. mais do que marcar a transição entre duas épocas. · A decoração de interiores ricamente adornada e os afrescos das abóbadas coroam esse caprichoso e refinado estilo. o palácio dos Mantova. que. Sob a proteção de Aretino. Passou os últimos dias de sua vida em Florença. dedicado à arquitetura. na qual. reduzido a uma expressão mínima. fizeram tanto sucesso que se seguiram várias edições. a fonte da Piazza della Signoria.Nos ricos palácios e casas de campo: · Formas convexas que permitem o contraste entre luz e sombra prevalecem sobre o quadrado disciplinado do renascimento. expressa a necessidade de renovação. mas muito interessante sobre os grandes artistas da época. De acordo com os preceitos dos jesuítas. conseguiu realizar uma de suas únicas obras significativas: os afrescos do palácio Cornaro. Somente dez anos depois iria se dedicar à arquitetura sacra em Veneza. cujo caráter é rigorosamente clássico e no qual a clareza de linhas e a harmonia das proporções preponderam sobre o decorativo. (1511-1574). PALLADIO. a villa na Porta del Popolo. legou a eles todos os seus bens. tais como: a construção do túmulo do conde de Montefeltro. na década de 30. O interesse que tinha pelas teorias de Vitrúvio se reflete na totalidade de sua obra arquitetônica. Não se pode dizer que Palladio tenha sido um arquiteto tipicamente maneirista. GIORGIO VASARI. com a construção das igrejas San Giorgio Maggiore e Il Redentore. Autor de vários projetos arquitetônicos por toda a Itália. 55 . publicadas em 1550. A obra de Palladio foi uma referência obrigatória para os arquitetos ingleses e franceses do barroco. é um dos mais importantes desse período. (1511-1592). no entanto. apresenta um relato às vezes pouco fiel.

de um drapeado minucioso e cores brilhantes. com quem realizou algumas obras. Ao fundir as formas iconográficas bizantinas com o desenho e o colorido da pintura veneziana e a religiosidade espanhola. · Os verdadeiros protagonistas do quadro já não se posicionam no centro da perspectiva. onde trabalhou praticamente com exclusividade para a corte de Filipe II.PINTURA É na pintura que o espírito maneirista se manifesta em primeiro lugar. no ano de 1567 emigrou para Veneza. acredita-se que começou como pintor de ícones no convento de Santa Catarina. 56 . afastados dos cânones renascentistas. Depois de alguns anos de permanência em Madri ele se estabeleceu na cidade de Toledo. Homem com a Mão no Peito. De acordo com documentos existentes. Entre suas obras mais importantes estão O Enterro do Conde de Orgaz. completamente irreais. Esta última lhe custou a expulsão da corte. Os músculos fazem agora contorsões absolutamente impróprias para os seres humanos. Principais características : · Composição em que uma multidão de figuras se comprime em espaços arquitetônicos reduzidos. · Rostos melancólicos e misteriosos surgem entre as vestes. Principal Artista: EL GRECO. · mas em algum ponto da arquitetura. onde o olho atento deve. produzindo sombras inadmissíveis. · A luz se detém sobre objetos e figuras. e uma atmosfera de tensão permanente. São os pintores da segunda década do século XV que. Na verdade. sua obra não foi totalmente compreendida por seus contemporâneos. O resultado é a formação de planos paralelos. onde começou a trabalhar no ateliê de Ticiano. a meio caminho entre o retrato e a espiritualidade mística. procurando deformar uma realidade que já não os satisfaz e tentando revalorizar a arte pela própria arte. · Nos corpos. encontrá-lo. (1541-1614). em Cândia. as formas esguias e alongadas substituem os membros bem-torneados do renascimento. não sem certa dificuldade. O Sonho de Filipe II e O Martírio de São Maurício. criam esse novo estilo. Nascido em Creta. para os conventos locais e para a nobreza toledana.

Você olha e pensa que está vendo uma coisa que na realidade não existe. Ex. O jardim é fundamental. enfim. bem comportado. A cenografia é muito forte. No Barroco vai haver uma fusão de diferentes estilos da arte.BARROCO O Barroco é um estilo muito ligado a acontecimentos históricos. Versailles é o protótipo do jardim à francesa. Caravaggio. Tem também muita água e muita luz. 57 . Essa pintura é chamada de TROMP'OLEIL (engana olho). É um movimento muito forte.catedral Palácio da cidade Palácio do campo Vai surgir nessa época a preocupação com o urbanismo. Barroco é fazer a arte dos jardins. O Barroco é mais que um estilo de arquitetura. emoções. No Barroco a escada é muito importante porque elas dão movimento. A luz é fundamental (contrastes da luz). O Barroco apela muito para sensações. Central. A arte Barroca não pode ser chamada de arte do absolutismo porque ela não é só do absolutismo. ou melhor. ansioso. Vão pegar um pouco do renascimento. É uma atitude de encarar a vida. do homem primitivo. É muito movimentada e dinâmica. Como estilo ele é ambíguo. o "Rei Sol". Ela tem esculturas Barrocas e. Ela é também descentralizada. A composição Barroca tem sempre linhas inclinadas. Jardins à francesa. As Igrejas Barrocas tem sempre escadarias. religiosos. novidade. dão a impressão de levar ao infinito. Surgiu bem no auge do Renascimento que era muito racional. mais que uma pintura. Em todos os países as igrejas vão ter salões pintados com cenas arquitetônicas que levam ao infinito. Vai aparecer no mundo todo. Os católicos tinham uma preocupação maior com o esplendor mundano. Vai mostrar o espírito da contra reforma e reforma que vai acontecer na igreja católica. econômicos e sociais. A pintura Barroca é muito teatral. Temos a música e o teatro Barroco. Não era assim no Renascimento. ficando muito bem na América do Sul. uma audaciosa mistura de estilos. pintura de uma cortina na parede que não existe. A Piazza Navona. na Itália. é gosto também. para os sentidos. O Barroco surgiu para combater a reforma religiosa. Começou em Roma e espalhou-se por toda a Europa indo depois para a América. mais do que com a fé religiosa. O Barroco atingiu o auge com Luís XIV na França. Estilos da época do Barroco: Igreja . "Eu sou o Poder". Ex. etc. O dourado e o espelho também vão ser muito importantes no Barroco. Velásquez. Vamos ver muitos efeitos luminosos como os de: Rubens. um obelisco egípcio. Procuram fazer as ruas de forma a irem todas de encontro com a Igreja. fantasias. A arquitetura pintada vai ser muito usada. encarar a arte. Vai ser o estilo do Barroco. Ele é movimento. no centro.

O Barroco é afetuoso. com suas fontes.começa acadêmico. Artistas mais importantes do Barroco: Caravaggio Rubens (tinha 150 ajudantes em sua oficina de arte) Rembrandt Velásquez Cannaletto Jeorges de La Tour (pintor francês que usava muito a vela como recurso do claro-escuro) Jean Vermeer (holandês) Van Dick Vateaux Reinolds (inglês) Thomás Garburn (inglês) Goya (teve uma fase Barrôca). Renascentista também não. mas nunca poderia ser sua. barroco e depois expressionista Tiepolo No pontificado do Leão X (tem seu retrato pintado por Rafael). Nunca poderíamos ter uma catedral gótica porque em 1100 o Brasil não tinha nem sido descoberto. Central e Sul.O Barroco não é clássico. sua obridade e autoridade apelarando para um caráter afetivo e grandioso no estilo. A Igreja Gótica. que significa pérola torta. pois inquisição já existia. É tão grandiosa que pertence a humanidade. Não é fria e nunca deixa você distante. o dourado. um grupo de homens piedosos (católicos) fundaram a congregação do oratório que iam purificar a igreja. Os jesuítas irão depois para a América do Sul e levarão o Barroco para lá. escadas (subidas e descidas). Vai começar aparecer esse nome em Roma. fez parte do classicismo. Esse movimento desenvolveu-se rapidamente e esses homens resolveram que era muito importante criar um novo estilo de pintura para trazer de volta os fiéis que tinham abandonado a igreja. 58 . A igreja tinha que se renovar. Tinham muita disciplina e conseguiram trazer os hereges de volta. Eles seguem uma disciplina muito rígida. O nome Barroco vem do nome Barrueco. muito militar. Vai aparecer também a ordem dos jesuítas em 1540 (Ignácio de Loyola). que mostrar sua supremacia. Ela é afetiva e puxa você para ela. A igreja e o estilo Barroco vem junto para as Américas: do Norte. ela tem muito coisa próxima a você. como a Notre Dame de Paris. Os jesuítas se tornaram uma arma eficaz para a igreja católica conseguindo trazer muitos fiéis de volta. A escultura Barroca é dinâmica e a Gótica estática. podendo fazer parte do seu ser. O Mosteiro de São Bento em Olinda onde você vê as palmeiras é aconchegante e lembra cenas de casa. Isso acontece em Roma. mas é muito ambíguo. é muito grandiosa. No Brasil só existe o estilo Barroco. Esses homens é que vão se converter mais tarde e fazer a inquisição. porque aconteceu em 1400. ela iria trazer de volta os fiéis. grandioso e envolvente. Sendo assim. A igreja Barroca de Ouro Preto já faz parte do dia-a-dia da sua vida. A arte Barroca é afetiva e grandiosa. escuro). Uma obra Barroca é fantástica com seus contrastes de luz (claro. Quando se entra em uma igreja Barroca você sente aquela sensação intimista.

É em Minas Gerais que ocorre o Barroco mais forte no Brasil. Ele era muito forte "O estado sou Eu. o grande canal e toda a panorâmica de Veneza. Outro projeto que também não deu certo foi o do Louvre e suas modificações. Aleijadinho é o maior artista barroco mineiro. bem quadradinhas com o telhado em forma de ponta. Ele subiu ao trono em 1643 bem criança e só começou a reinar em 1660. Fazem pintura na abóbada da igreja como se ela fosse aberta para o céu (Tromp’Oleil). BARROCO NA FRANÇA O Barroco foi um movimento muito forte na época de Luís XIV. Escolheu um lugar. Em 1599 Henrique II teve 3 filhos. para ir a Paris e fazer o projeto do palácio que não deu certo. A Igreja foi o primeiro cliente dos arquitetos. para depois trazer a capital da França de Paris para Versailles. Ao se aplicar o termo "clássico" ao estilo Luís XIV. jardim pavilhão de caça. Ele era totalmente absolutista. A arquitetura era feita de tijolos e pedras.Temos uma ligação muito forte com o Barroco de Lisboa. e na Itália está ligado a IGREJA. sobriedade e reserva. de Roma. Mandou fazer um palácio. Vai pintar o Palácio dos Dodges. A época de Luís XIV é fantástica onde aparecerão apenas 2 grandes pintores: Nicolas Poussin Claude Lorrain Nessa época a vida era totalmente subordinada ao fausto e a majestade dele. reorganizou a França e deixou as Bases do Poder Absolutista para Luís XIV. vai ter todos esses significados e mais a emoção do Barroco. a arquitetura francesa era muito pobre. Daí com a chegada de Henrique IV. Sóbria é uma obra clássica. ele terminou com as lutas. A arte vai então tender para o espetáculo. ou para obras influenciadas pela antigüidade. Vai ser muito fiel à sociedade de sua época pintando os carnavais. Existia uma concentração de poder muito grande com Luís XIV. O termo "clássico" é usado para obras que suportam a passagem do tempo. Ele modelou a civilização francesa à sua imagem. os quais foram incapazes de manter a unidade do país (França). Veneza também foi um grande local de arte Barroca. o Deus sou Eu". Ficou muito conhecido pelos turistas que queriam levar retratos de Veneza. Um dos principais pintores Barrocos de Veneza foi Canaletto que nasceu em 1697 e morreu em 1768. As casas são só de tijolinhos. O objetivo essencial da arte é provocar o fervor das multidões. O século XVII vai conhecer o seu apogeu com o Luís XIV. 59 . Como eles não tinham distração procuravam fazer espetáculos através do estilo barroco. morrendo em 1715. Luís XIV ficou conhecido no mundo inteiro até hoje através de Versailles. A época clássica da arte francesa é a época de Luís XIV. Chamou o arquiteto Bernini. Barroco na França está muito ligado a ARISTOCRACIA. Na época do Henrique IV. ou ainda . Ele se torna um pouco cansativo por pintar muito os canais de Veneza. tanto que seu nome ficou conhecido como Canaletto. Ele sempre dizia "o poder sou eu". embora ela seja Barroca. O Barroco é a busca da fé pela emoção dos sentidos. os espetáculos. etc. escultores e pintores do século XVIII.

fingindo não tomar conhecimento. A peruca surge na Ópera em Paris. como se o seio fosse pular para fora do decote. Eles usavam pó de arroz por todo o corpo para ficar bem brancos. Não tem nenhuma criatividade. Foram morar em Versailles com 11. Obs. 60 . Os escravos passavam uma esponja úmida no corpo deles à noite. A comida era muito importante e feita como se fosse uma arte. A mulher vai ser muito importante e muito fútil. Começam os desfiles de moda na França. Queria que todos esperassem ele passar quando fosse para a igreja com a família. No Barroco vai aparecer a lavanda. as pessoas comiam com as mãos. os que estavam próximos à ele. Não surge nenhum grande escultor. Os nobres desfilavam com essas toalhas ostentadas sobre os ombros.000 pessoas. Tudo é imitação de Roma e Grécia. espartilhos. As estátuas do lado de fora do palácio são imitações da antigüidade. Quanto mais suja a toalha mais cara era. tinham que aceitar o que ele determinava. A mulher na época do Rei Luís XIV e Luís XV vai ser muito delicada e requintada. sendo importante por causa do problema do banho. Um pouco antes na época de Henrique IV. A aristocracia. Depois os desfiles de perucas (vindos de Paris). Versailles começa a ditar a moda. os espelhos são importantes nessa época sendo usados nas casas no mundo inteiro. Luís XIV deixou que o desfile acontecesse. Os decotes eram generosos e a lingerie levantava o busto. menu. Surge também o perfume. Os desfiles passam a ser importantes. não tinha faca. o rei e a rainha iam para o mato e se limpavam com toalhinhas que eram vendidas para a corte. brancas e douradas. na tapeçaria. o que foi considerado um escândalo na época. Não tinha banheiro. Foi um acontecimento muito para frente. Todos tinham que acordar e deitar quando ele queria. Foi feito um desfile de espartilho na corte. houve uma peste onde morreu muita gente. calças. Vai surgir o servir à francesa. sapatos. Existia uma escala onde as pessoas tomavam banho de 6 em 6 meses. O Filme "Ligações perigosas" mostra esses rituais. No grande salão. Eles acharam que foi devido a água resultando um medo grande até hoje e consequentemente ao banho também. as rendas nas roupas. Vão aparecer festas de “Petit Comittee” em Versailles. no imobiliário. Surge a langerie da mulher. Todos queriam espelhos pela casa como os de Versailles. vão receber os grandes convidados de Luís XIV. A galeria dos espelhos e os belíssimos jardins assumem grande importância. A arte vai se desenvolver na arquitetura. e ditava o menu para a semana toda.A planta inteira de Versailles se concentra no quarto dele. Como não havia banheiro. o guardanapo. E à noite isso era retirado com esponja úmida. O "se mostrar". Não vai ter grandes pintores. de vanguarda. Resolve depois receber só para os almoços aos domingos. Antes do Barroco. Só se comia o que ele gostava. Eles trocavam muito de roupa. Como na ópera as perucas eram prateadas. eles passam também a usá-las em Versailles. todos queriam ter um “Versailles”.

denso. A Arte Clássica que é anterior ao Renascimento. A mulher com 25 anos já era considerada madura. com a figura centralizada. Até a libertinagem deles era galante. O Rococó na Europa é o Barroco no Brasil. Vão usar incrustações de todas as espécies nos móveis de madeira como laca. nunca vulgar. vestidos e sem peruca. Foi tornando-se extremamente 61 . E para isso precisavam de lacaios para ajudar (de 6 a 8). O pensamento na época era científico e objetivo. São extravagantes. Ex. Houve um naufrágio daquela invencível armada. inclusive a Holanda. Fizeram muitas tapeçarias lindíssimas. Para organizar o poder realizou-se a contra-reforma. Era como se fosse um "Spa" para engordar. peças de teatro de amadores (em Versailles). BAROS= vem do grego e significa pesado. namorado (eles não tinham o que fazer). Vão pintar muita porcelana. e o rosto branco (o carmim que era o rouge). O ideal de beleza da época era moça gorda a partir dos 25 anos. madrepérolas. O pensamento ou conteúdo é poético. Antes dessa idade elas tinham que ser muito magras. BARRUECO= vem do espanhol que significa uma pérola com reentrâncias. Tem que ter emoção e sensação. na reforma protestante. O ideal de peso para a mulher era 75 quilos. É uma arte que engloba outra série de estilos. nunca ordinária. Ter um quadro nu em casa também era muito importante para ser contemplado. Quando ela encontrava um pretendente. Ninguém aparecia sem pintar os lábios. O Barroco vai desde o século XVI. Tinha conteúdo espiritual. Por sua vez a Holanda cresceu tanto que as perspectivas econômicas eram grandes. Foi uma época licenciosa. usava formas lineares. As mulheres tinham um hábito de se pintar que era quase uma paixão. nunca simétricas (uma forma de identificar o estilo Barroco). a ordem dos Jesuítas em 1534 com Ignácio de Loyola. Rococó é o excesso do Barroco. Na Arte Barroca existe muita liberdade com muitas curvas e diagonais. fazia um regime de engorda. O nu passou a ser visto também no gobelain. e até porcelanas para enfeitar os móveis. nas porcelanas e antecamas. que vai ser também muito importante nessa época.: Colocavam uma música de fundo e pessoas imitando um quadro de Velásquez ou Rembrandt. Foi na Espanha a época em que conquistaram quase o mundo todo. Ela tinha que ter muito leite. conforme estudo feito em “Estética da Arte”. Vão fazer muito "quadro vivo". O homem queria sentir a "carne" da mulher. irregular. Não apareciam nunca para ninguém sem estarem pintados. Os espanhóis depois perderam muito. Sempre homens e mulheres com seios descobertos. Todo mundo aprendia a bordar. Vão acontecer muitos espetáculos com máscaras. no auge do Renascimento. rígidas e bem definidas. a igreja católica teve que rever suas atitudes com o Conselho de Trento.Tinham liberdade muito grande. Com a revolta de Lutero. O sujeito é subjetivo. braços e pernas enroscados. Muito requinte. e chega ao seu apogeu no século XVII finalizando no século XVIII com o nome de Rococó. Era violenta a troca de marido. Tanto os móveis como a tapeçaria são assimétricas. Isso refletiu na arte onde irão pintar muito o “nu”.

burguesa. A França, Áustria e Alemanha vão se tornar totalmente absolutistas. A ostentação toma conta da Europa. A França será o auge da ostentação com Luís XIV (rei-sol). Essa época vai ser marcada por sua dramaticidade e tragédia. A Igreja Católica irá dividir tudo entre o céu e o inferno. Nessa época vai haver muito medo do inferno. Eles chamam o homem para o igreja (o lado bom, o céu) através da arte espetaculosa, trágica, da emoção, sensação. Como naquela época não existia a mídia, essa era a sua forma de divulgação, o seu recurso. A própria arte trará de volta os hereges. Na Holanda, Bélgica e Espanha o Barroco vai atender muito bem os interesses da burguesia. PRINCIPAIS CARACTERÍSTICAS DO BARROCO: 1. Predomínio sempre do emocional sobre o racional.

2. Liberdade completa de criação no conteúdo, mais do que na forma. O artista se emancipa de qualquer regra ou padrão. 3. A inspiração é muitas vezes popular. Ex.: a representação da sagrada família é feita como se fosse uma família comum. É o oposto do renascimento onde a representação da santa é diferenciada, com raras exceções. 4. Dinamismo muito grande na composição com diagonal. verticais

5. A linha vertical vai dominar a linha horizontal. Vai haver muito mais linhas do que horizontais, além da diagonal. 6.

Existe uma fuga do geométrico. Nada é muito concentrado. Vai haver um entrelaçamento da arte, da escultura e arquitetura. Na Igreja barroca vai ter muita escultura na parte externa. No renascimento as Igrejas quase não apresentarão esculturas externas. 7. Valorização do entalhe na pedra e na madeira. As construções de altares e retábulos vão ser luxuosamente decorados com aplicações em ouro e muita policromia (muitas cores). Retábulo - é o que fica na frente do altar, feito de madeira toda trabalhada. É o que divide o altar do resto da igreja. Tripo-retábulo, abre e fecha para ser transportado. É para rezar. Como os escravos não podiam freqüentar a igreja, eles construíam o seus retábulos para rezar, transportando-o facilmente para suas casas. Os retábulos existem desde a época do bronze, com características diferentes. Volutas (origem grega). Quase todas as igrejas Barrocas tem volutas. . 62

8.

9.

A igreja Santa Maria Maggiore em Veneza tem 8 cúpulas ligadas a 8 grandes 10. Frontão. Existe também sempre um grande frontão ladeado por 2 torres.

volutas.

11. antes.

A pintura tem violentos contrastes de claro-escuro. Inovaram o espaço pictórico através do claro-escuro. Nunca ninguém fez isso em arte

12. Faziam tentativas de sugerir o infinito através de Tromp'Oleil (engana olho), com perspectiva e profundidade ilusórios. Tinha a função de aumentar ilusoriamente os espaços e conseguir o infinito. Os palácios pareciam imensos e redondos. Eles faziam pinturas nas quinas das paredes para dar a impressão de serem arredondadas. 13. Usavam muitas escadas, jogos de luz e muitas fontes. Tinham gosto pelo teatral. Era como se fosse um cenário.

O Barroco tem muito exagero, muito fausto, muita riqueza. Libera muita emoção na gente. O Barroco abraçou tantas ramificações artísticas que somente 200 anos atrás é que os historiadores chamaram esse acontecimento, no seu conjunto, de arte Barroca. Era uma mistura tão grande de estilo renascentista, egípcio, grego, etc, que ficou difícil definir na época o estilo Barroco. Temos os Barroco da Corte, das comunidades católicas e protestantes. O Barroco foi uma reforma na contra-reforma. Os países protestantes também a incorporaram por ter sido um movimento muito forte e bonito. O Barroco surgiu após a teoria de Copérnico que vai mudar para sempre o lugar do Homem no universo. A Terra, segundo Copérnico, é que se move ao redor do sol, não é mais o centro do universo. O Homem não é mais o único propósito da criação. O Barroco vai surgir nessa época com essa nova concepção, com novo sentimento de autorespeito, de orgulho. Isso tudo refletirá na arte ao saber que o Homem fazia parte de um mundo infinito, mostrando assim essas idéias através de luzes exageradas, impetuosas, em diagonal, como se realmente estivessem exprimindo o infinito. A História da arte mostra sempre o contexto do momento em que se está vivenciando. Ela abrange o campo científico, histórico, econômico e social. A época Barroca foi a de maior liberação do ver, do sentir e da intuição. A arte Barroca é a arte que passa a reconhecer que “A regra é apenas uma norma, jamais uma lei". Picasso séculos mais tarde disse: "Na arte não existe regra de beleza. Beleza é o que o instinto e o cérebro vai reconhecer como belo". 63

Fatos importantes que marcaram na época do Barroco A Inglaterra faz tratado de defesa com a Holanda em 1608 Em 1609- A Espanha reconhece a independência da Holanda. (A Espanha perde a Holanda). Em 1650- A Inglaterra importa chá da Índia, quebrando uma série de monopólios. Em 1656- começa a fabricação de meias (bem trabalhadas) em Paris. A Europa comprar meias só em Paris. Em 1626 a 1648- Acontece a guerra dos 30 anos que vai mudar muito a Europa. Em 1694- Estabelecimento do banco mais importante da Europa, o Banco da Inglaterra. Em 1675- surge o observatório de Greenwitch. Em 1678- vai ser reconhecido na França a profissão de cozinheiro-mor (tão importante como advogado). Depois cai a lei e retorna só em 1900. O cozinheiromor e confeiteiro-mor trabalham para o rei. Em 1679, na Inglaterra é criada a lei "ABIAS CORPUS" . BARROCO EM FLANDRES (Bélgica e Antuérpia) Pintura Flamenga é uma pintura de Flandres, jamais Espanhola. Na Bélgica se fala flamengo e francês. A pintura de Flandres vai ser muito importante no início do século XVII. O sul dos países baixos (Bélgica) continuava sobre o domínio Espanhol. É por esse fato que se usou o nome Flamengo, devido ao domínio espanhol que existia lá. Era o território mais rico dos espanhóis e que por ser espanhol continuava no seio da igreja católica. A pintura vai ser sobre a religião católica. A Aristocracia e a Igreja patrocinaram muito as artes e contribuíram muito para o surgimento do estilo Flamengo. Flandres recebeu muito bem o Barroco na pintura, menos na arquitetura. Os Flamengos viam no Barroco um pretexto para os ornamentos. Sendo assim, os edifícios na praça principal de Bruxelas é gótica na arquitetura, estrutura. Os ornamentos e a decoração externa é 64 passa a

Barroca. Para não demolir a estrutura, eles a deixavam por trás e enfeitavam com dourados e volutas na frente. As casas da Holanda também tem estrutura gótica e barroco nos ornamentos da frente. A arquitetura belga e holandesa é gótica e a decoração tanto externa como interna Barroca. BARROCO NA HOLANDA As províncias do norte dos países Baixos (Holanda), também tinham pintura Flamenga. Eram os países pobres da escola Flamenga. No século XVII os Holandeses eram protestantes quase não vai aparecendo pintura religiosa. É uma enorme mudança que ocorre na História da Arte. Rembrandt, por exemplo, sempre teve sua inspiração nas escrituras. Só que os temas que escolhia eram baseados no que ele via. Ele tinha que colocar o contexto das escrituras mas sempre no que ele via. O tema vai ter liberdade total. Vai pintar sobre as pessoas que convive no dia a dia. Caravaggio vai usar o "santo" enquanto que Rembrandt vai usar o homem do povo. Os Holandeses guerrearam contra a Espanha para não aceitar o catolicismo. Eles venceram e permaneceram protestantes. Eles tanto lutaram que ilustraram mais sobre essas guerras, combates do que a fé protestante. O tema da pintura Holandesa portanto será sobre essa guerra que participaram. Vermeer pintou muito também sobre a realidade do cotidiano. Jamais veremos uma pintura Holandesa com cenas mitológicas, cenas históricas ou abstratas (liberdade, fé). As pinturas de Rubens sobre a religião católica, idéias abstratas sobre a fé e liberdade, só foram feitas sob encomenda. O Holandês não vai pintar nada mitológico. Pintavam retratos das pessoas e tudo o que fazia parte da vida daquela pessoa na obra. Os burgueses viviam em casas confortáveis mas bem menores que as nossas. Não gostavam de viver em palácios. É por isso que não se encontra muitos palácios na Holanda. Não eram faustosos e a obra de arte tinha que ser pequena para caber nas casas em que viviam. Eram portanto pinturas pequenas que retratavam o cotidiano da época. A Holanda era um país próspero, o povo era muito trabalhador e tinha uma imensa indústria leiteira que abastecia toda a Europa. Sabiam construir muito bem barcos os quais eram vendidos e utilizados para navegar por todo o mundo. Tinham também monopólio do comércio das especiarias. Essas especiarias é que conservavam os gêneros alimentícios. Quando os navios faziam longas viagens a carne era conservada através desses condimentos. Era considerado fino ter um boi em casa conservado por condimentos. Rembrandt tem uma obra que mostra uma moça abrindo a porta e olhando para o boi pendurado. RESUMO: . Barroco na França - faustoso . Barroco na Itália - ligado ao catolicismo 65

Amsterdã também é igual.Roma. França Versailles. Parece dourada. É barroco mais tardio.de 1680.construída por Bernini. Capela dos inválidos em Paris . com suas fontes. colunas. Petit Trianon. lagos. à beira do Danúbio. Praça de São Pedro e colunatas em frente a Basílica . Igreja de Santo Inácio . frisos. próximo de Viena. 66 . Antigo colégio dos Jesuítas. Palácio de Brera. Igreja de São Carlos Borromeu em Viena. na Itália. Holanda A grande praça em Bruxelas tem estrutura gótica e a decoração barroca. Vão ter colunas. árvores em diagonal. Igreja de Santo André do Quirinau em Roma . Igreja de 4 andares.Construídos entre 1656 a 1665.: A catedral de Milão é gótica e não barroca e a catedral de São Pedro é da época do renascimento. inclusive a decoração é quase Rococó. Tem reentrâncias e muita forma côncavo-convexo. repleta de ouro. é de 1630. Obs. É cenográfica com sua ampla escadaria na frente.. Espanha Palácio Real de Madrid é interno e externamente barroco. construído em 1668.na Bélgica (chamada de Veneza do Norte). na praça do Mercado as casas tem frontões pontiagudos. portais ricamente esculpidos no estilo barroco. Roma. Igreja de Santa Maria da Saúde em Veneza. A Praça Maior em Salamanca. volutas. na arte de Fídeas.Igreja "Il Gesú" construída entre 1568 até 1577.Em 1645. na Espanha. PRINCIPAIS OBRAS ARQUITETÔNICAS DO ESTILO BARROCO NA EUROPA E NA AMÉRICA: Itália Roma . Brujes. Áustria. sua construção começou em 1717 e terminou em 1737.planta de Borromini em 1667 .: A parte central da fachada nas Igrejas barrocas são sempre mais ricas que as laterais. A primeira igreja católica barroca foi construída em Roma e recebeu o nome "Il Gesú".: A arte Barroca Francesa é muito inspirada no classicismo. volutas. Palácio principal de Viena. escadarias. Obs. Igreja de São Carlos das 4 pontes . escultor e arquiteto grego da época clássica. em Milão. frontão grego. Obs. Monastério de Melk. Igreja de São Lourenço em Turim. na fachada tem frontões. A galeria dos espelhos e o imenso pátio com esculturas que não eram famosas. arcos.

É hoje considerado pela "estética da arte" como pintor naturalista. Caravaggio praticamente fechou o ciclo dos pintores italianos não aparecendo depois nenhum outro pintor importante. México Catedral do México City. trabalhadores braçais. no Rio de Janeiro MICHELÂNGELO DE CARAVAGGIO Nasceu em Milão no ano de 1573 e morreu em 1610. Ele cobrava seus quadros muito caro e gastava fácil o dinheiro com presentes. em Recife Igreja Nossa Senhora das Neves. apesar do seu estilo barroco.: os apóstolos eram representados como trabalhadores comuns (o que eles realmente eram). Igreja de São Domingos no México. Era pintado de forma muito real. Não tinha o menor respeito pela beleza idealizada pois ela tinha que ser verdadeira. Ficou muito pobre e muito doente. mulheres e bebidas.Portugal Santuário de Bom Jesus de Monte Braga. Brigou com padres e bispos se indispondo com a igreja católica. em João Pessoa Igreja e Mosteiro de São Bento. achavam que sua pintura era estranha e a sua fama só voltou no século XIX quando foi considerado um dos maiores pintores Barrocos. Igreja da Companhia de Jesus em Cusco. Pintou muitas encomendas religiosas de uma forma nada convencional para a época. Após seu falecimento. Tinha um temperamento muito impetuoso e mulherengo. em Vitória Igreja da Ordem Terceira do Carmo. em Olinda Convento e Igreja de Santo Antônio. Caravaggio foi muito briguento. BRASIL: Igreja de São Francisco de Salvador Ordem Terceira de Salvador Catedral de Belém Igreja do Rosário. Estudou muito sobre a Bíblia. Queria pintar a realidade tal como ele a via. No século XVIII Caravaggio "saiu de moda". Não soube quem era seu pai. com sífilis. Era como se os eventos sagrados acontecessem naquele momento. 67 . porque pintava o natural e não o idealizado. Ex. É chamado pintor naturalista do estilo barroco.

No primeiro casamento sua esposa morreu quando ele tinha 52 anos. cabelos. Começou a pintar. Ele fazia o desenho e depois terminava o quadro pintando o rosto e as mãos dando uma unidade geral da obra. Casou-se com uma jovem muito rica e feia. não tendo nada de misticismo. mas não tinha tempo para se dedicar. porisso ficava atualizado com as descobertas através das correspondências. Era muito mais sensual do que místico. Aprendeu logo a pintar e aos 23 anos em 1600 foi para Roma (paraíso dos pintores) onde ficou estudando por 8 anos.PETER PAUL RUBENS (1577/1640). jóias. maltratada. onde só formava pintores. REMBRANDT VAN RIJN (1606-1669) Nasceu na cidade de Leyden (cidade das tulipas e da porcelana azul e branca). Foi quase um diplomata. roupas. Cada um era encarregado de uma especialidade na pintura como. Tinha mais encomenda do que podia dar conta. Morreu rico. Foi o protótipo do pintor barroco. saúde e força. Não fez nenhuma mulher magra. Tinha muita facilidade com cores e com isso vai pintar muito bem o "nu". Era como se fosse um cônsul belga. No Louvre ele tem uma sala só com seus quadros. Sofreu influência no começo de sua carreira do pintor Michelângelo de Caravaggio. com uma alegria muito grande de viver. ele se pintava como se tivesse somente 30 anos. Chegou a colecionar obras de arte e até antigüidades. e passava isso para sua pintura. etc. roupagem. Era um homem iluminado. Pintou muito e prosperou bastante. Abriu uma oficina de arte com 200 auxiliares. sensual. Todos os quadros que ele pintou retratando os dois. Pintava o que era faustoso. Comprou uma belíssima casa. Foi um homem muito feliz deixando também feliz todos os que viviam ao seu redor. etc. Tudo o que pintava era com perfeição. Era uma arte que estimulava a pompa e o esplendor dos palácios barrocos. Fazia as mulheres bem arredondadas. As suas telas são cheias de vitalidade e reais. Era um homem interessante e se relacionava muito bem com os católicos e com os protestantes. jóias. Com isso ele teve milhões de obras. Foi morar em Amsterdã. na universidade de Leyden. Fazia amizade com todos. Ganhou muito dinheiro. É um dos maiores pintores da história da arte. Ele não fazia anotações como Leonardo da Vinci e nem era diplomata como Rubens. decorativa e teatral. Classe média bem situada. Nasceu na Antuérpia. Era especialista em fazer o tom de pele (carnação) que parecia verdadeira. Teve fama em vida como nenhum pintor já tivera. Bélgica. Rubens casou-se 2 vezes. não muito cedo. 68 . recebendo um belo dote. Volta à Antuérpia com 30 anos. O rei da Inglaterra deu a ele o grau de cavalheiro "SIR". Foi considerado o maior pintor holandês. como ele mesmo dizia. na Holanda. Era muito intelectual e mantinha correspondência em latim com todos os intelectuais da Europa. Era arqueólogo. No segundo casamento sua esposa tinha somente 16 anos e foi uma paixão que durou até a sua morte. ainda em vida. muito bonitas e cheias de vitalidade. Rubens pintava os palácios e as igrejas. Sua pintura era bem vigorosa. Durante sua vida artística sempre retratou a si mesmo por diversas vezes em várias épocas de sua vida.

Isso determinava aquela luminosidade. Em 1982 foi publicado o primeiro volume sobre as obras de Rembrandt e se refere as obras do período de 1625 a 1631. Obs. É estabelecer o conjunto de obras autênticas dos artistas. Já tem o volumes 2.: Ticciano e Raphael também assinavam as obras de seus alunos. Os personagens tinham importância de acordo com a luz. Cada aluno só pintava com uma cor. além dos seus alunos que pintavam como ele. É uma história de persuasão para “ganhar o paraíso ou padecer no inferno”. É por isso que encontramos hoje muitos quadros que não são realmente de Rembrandt. Naquela época ele tinha muitos ajudantes para pintar suas obras. Rembrandt pintou muito retrato de grupo de pessoas. Pintou cenas de batalhas e voluntários da guerra. Os seus alunos pintavam igual à ele. tem o Vermeer na Holanda um companheiro. Ele retrata a essência da pessoa. o sofrimento. muito limpo e arrumado. Deixa de pintar para vender pincéis. Perdendo o mercado e ficando pobre. por exemplo o ocre ou o marrom. Existe muito Rembrandt falsificado como o do MASP e o do Metropolitan. Lembrete: Barroco Católico: A pintura torna-se instrumento para a Igreja. Vermeer teve pouquíssimas obras e não se sabe nada sobre sua vida. Ele fazia o desenho antes e marcava onde ia ter os pontos de luz. tintas. Buscou a ordem no interior. Não vai idealizar. Rembrandt tinha muitos alunos talentosos. Apareceram 600 obras de Rembrandt. Vai pintar os olhos penetrantes e fundos e utiliza muito os tons de sépia. começa a namorar uma moça mais pobre ainda. Sua popularidade como pintor cai após a sua obra "Ronda da Noite". mais condizente com o puritanismo protestante ou com a mentalidade burguesa. os amarelos. o que causa muita polêmica hoje em dia em seus quadros. Barroco Protestante: Poussin. As vezes ele assinava o quadro de seus alunos para que fosse vendido mais facilmente. Todos esses artistas constituíram no Barroco uma tendência construtiva. O projeto de pesquisa Rembrandt chama-se PPR. etc. a dor. Foi descoberto 15 anos atrás que muitas obras de Ticciano e Raphael eram de seus alunos. Não importava em saber quais os personagens que iriam ficar no escuro.Em 1642 morre sua esposa e fica viúvo com muito dinheiro. 69 . Sistema de pintura de Rembrandt: Colocava primeiro todos os ocres. É um meio de propagação e ação. depois os marrons. A tinta à óleo utilizada era bem mais oleosa do que a de hoje. Fica tão pobre e doente que vai parar em um asilo. Ele pinta seus auto-retratos como se fosse um ser humano bem real. No final do trabalho ele integrava as cores e as pinceladas. Foi um péssimo administrador e acabou logo com sua fortuna. o calor humano. Naquela época todos pintavam igual ao mestre e hoje o objetivo é cada um ter que encontrar seu caminho na pintura. no rigor de suas linhas retas. Na realidade seria muita obra pelo seu tempo de vida.

que não as religiosas. na Itália (Florença). O barroco protestante é bem mais contido. em São Roque (séc. no tocante. Obs. lojas. (As missões) dos Jesuítas. Capela de Iporanga. Os historiadores achavam que o Renascimento por ser organizado. Passou-se a considerar a existência de um barroco protestante e em seu aspecto genérico formal. 70 . de um classicismo dentro do próprio barroco. Esse sim. destaca-se Vermeer. traria seu sentido. Egito. em São Paulo. Ele vai surgir no auge do Renascimento. quartos. não de tensão nos contrastes. Barroco Clássico: É quando o Barroco mistura as artes da Grécia. XVII). século XVIII. Vai ter uma conotação muito forte principalmente na arquitetura que vai ser muito clássica. gênio da musicalidade da luz. ao genes social do estilo. Na arquitetura predominava o maneirismo. O nomadismo. sem excessos e perfeito. O BARROCO. em São Paulo. O mesmo se dava em São Paulo. o povoamento se concentrou em Curitiba (Paranaguá). Descobre o retrato dos camponeses e de suas vidas íntimas. é chamado pelos historiadores de "BARROCO CLÁSSICO". Vão retratar a arquitetura do campo. Matriz de São Miguel. Barroco no Campo: Vai ter outras expressões. em São Paulo. OBRAS BARROCAS BRASILEIRAS: Algumas ruínas na igreja de São Miguel. em Embú. bem mais sensual (como o de Vermeer) e bem mais contemplado. Gente sedentária de pouca iniciativa. Capela da Fazenda de Santo Antônio. Vão retratar cozinhas. com efeito. era melhor que o Barroco. É assim chamado de barroco clássico. não proporcionou possibilidades de atividades artísticas. Matriz de Santana do Parnaíba. incentivado pelo espirito bandeirístico. Entre esses artistas. porque vai ter muita ligação com Roma e Grécia. na França.: O Museu do Louvre é em parte barroco com suas colunas gregas. tavernas.A existência de tal grupo de artistas levou a reconsideração de toda uma linha interpretativa no Barroco. Depois ele vai chegar ao excesso sendo chamado de "ROCOCÓ". mas de harmonia nos contrastes. Nossa Senhora do Rosário. Roma. Barroco no Sul do Brasil: Com o ouro e a prata.

Moram em casas pequenas. Barroco Flamejante: O auge do Flamejante é no Gótico. em São Paulo. Na Áustria e na Alemanha não chegou a ter o barroco clássico. 71 . em Itanhaém. com raras exceções. O arco botante e contra forte utilizados nas igrejas barrocas não são para dar auxílio a arquitetura. em São Paulo. Igreja de São Francisco. porque é limpo. Foi mal restaurada. Igreja de Nossa Senhora. Toda igreja gótica tem contraforte e arco botante. O Flamejante surge no final do barroco em Roma. Não existe a pintura Rococó porque este estilo só vai aparecer na decoração e no interior das casas. O móvel colonial aveludado.: Colonial e Barroco é a mesma coisa. Igreja de São Vicente. Áustria e Alemanha vão estilo Rococó na parte interna das casas. que vai relatar sobre as Missiones). Roma não vai ter Rococó nem em igrejas e nem em lugares públicos. São burgueses e muito práticos. Estilo colonial significa que vem das colônias portuguesas. Parati é toda barroca. na arte decorativa dos mobiliários e tapeçarias. de 1554. Ruínas da igreja "Missiones". O ROCOCÓ só vai ocorrer na França. Galpões das fazendas também são do estilo barroco. um pouco antes do Rococó. Versailles é de estilo Rococó por dentro e tem por fora uma arquitetura clássica barroca. Igreja de Embú. Países Baixos não usam Rococó. (Ler o livro "O tempo e o vento" de Érico Veríssimo. Obs. em São Paulo. Pátio do Colégio. é uma versão muito mal interpretada do estilo barroco. Só vai acontecer em Roma. “clean”.Município de Santo Ângelo no Rio Grande do Sul. em adornos. mas sim para decorar. Eles queriam enfeitar mais ainda as igrejas (as últimas que foram construídas) se inspirando muito no gótico.

É plasticamente perfeito. Grande projeto de Borromini: Igreja de São Carlos (com 4 fontes). O telhado dessa igreja é côncava e convexa. Não interfere com o resto. BORROMINI Era o oposto de Bernini. Nesta mesma praça se encontra a Embaixada Brasileira. como se fosse de borracha. charmoso. Emocionalmente instável o que o levou ao suicídio. que é renascentista e barroca. Tem no centro um obelisco egípcio e muitas luzes. na Igreja de Santa Maria de La Vitória. impávido. É uma arquitetura fantástica e difícil para ser executada com a tecnologia da época. mulherengo. fechado. mal-humorado. 72 . Como essa igreja demorou muito para ser construída ela passou por diversos artistas em diferentes épocas. pois a obra é perfeita e não tem o que terminar. Quieto. Todas as construções em Roma eram feitas eles. “Santa Teresa” foi uma grande santa na época da contra-reforma. Nos quatro cantos tem muita escultura de anjos e atrás tem um vitral iluminado. Tem arcabouço e cúpula renascentistas. Borromini fica tão deprimido que acaba suicidando-se. Trabalhou muito na Basílica de São Pedro. O barroco deixa a obra em aberto para que você a conclua. bonitão. Borromini e Bernini eram amigos e confidentes. Não tinham ciúmes um do outro. sozinho. Outra obra: Piazza Navona com uma fonte maravilhosa. Bernini fez o Tabernáculo que se encontra no fundo da Basílica de São Pedro. o rei dos reis. Quem trabalhou na cúpula foi Michelângelo. Borromini depressivo foi distanciando-se de Bernini. São 4 colunas Salomônicas de Bronze. em Roma. Já o David de Bernini é humano.DOIS ARQUITETOS MUITO IMPORTANTES DA ITÁLIA: BERNINI (1598-1680) Foi o maior arquiteto e escultor do seu tempo. A decoração é barroca. também de estilo barroco. Bernini e Borromini são o auge da escultura e arquitetura barroca em Roma. É muito diferente do David de Michelângelo. em Roma. muito reservado. falante e conquistava a todos. Obra prima de Bernini: Capela Carnaro onde está o "Êxtase de Santa Teresa". Bernini era um homem simpático. Embaixo do tabernáculo se encontra o Túmulo de São Pedro. Bernini também fez a escultura de David sem o “Golias” de forma tão perfeita que você percebe a falta dele. É uma obra em aberto. No renascimento não existe essa abertura.

PINTORES BARROCOS JAN VERMEER VAN DELT (1632 a 1675) Nasceu no Delta. Morreu cedo aos 43 anos. Não pintou muitos quadros, mas o que pintou foi considerado obra-prima. Pintou figuras bem simples com tarefas singelas como: limpar, tocar, varrer, olhar. Mulheres em seus afazeres domésticos e sempre no interior das casas holandesas. Consegue o milagre de transformar essas cenas através de texturas, cores e formas, como se fossem velhos retratos. Ele suaviza os contornos, dá muita luz e serenidade nas suas obras. Dá muito Recollection. Pinta o que ele vê. Não se sabe sobre a vida do Vermeer os livros não chegaram à um consenso. Usavam óleo e têmpera no Barroco. DIEGO RODRIGUES DA SILVA Y VELÁSQUEZ Sofreu grande influência do Caravaggio. Quando ele tinha 20 anos pintou sua famosa tela "O Aguadeiro de Sevilla". Perceberam daí que ele era um gênio por ser tão jovem e pintar tão bem. Fica muito amigo de Rubens que percebe o seu talento sugere a ele então que vá estudar em Roma. Visitou os museus de pintura em Roma para estudar os grandes mestres. Foi ver o que Michelângelo e Raphael tinham feito. Descobre que não tem muito o que aprender lá. Em 1630 passou 1 ano em Roma e voltou logo à Madri. Em Madri é nomeado pintor da Corte de Felipe IV. Vai ficar em Madri até o fim de sua vida. Sua tarefa era pintar os membros da corte de Felipe IV cuja família era muito feia e se vestiam muito mal. Eram considerados "cafonas". Ele transforma esses retratos em pinturas fascinantes, captando até a personalidade das pessoas retratadas. Vai empregar muita luz em seus quadros. Sua pintura tem um realismo visual muito diferente da pintura do Renascimento. Realismo visual é a impressão geral de um objeto e não só de um detalhe. Ex.: Com uma só pincelada dava a impressão dos pelos de um cão. Vai ser o gurú dos impressionistas mais tarde. Sua pintura tem pinceladas bem largas e soltas. Seu quadro mais famoso é "As Meninas", o qual se encontra no Museu do Prado. Ele consegue retratar o momento real do tempo muito antes de inventarem a máquina fotográfica. Essa obra “As Meninas” será muito ambígua. Você não sabe se Velásquez está pintando o Rei e a Rainha ou se está pintando as meninas. Ele deixa essa dúvida de propósito. O termo "As Meninas" era usado para se referir as damas de honra na época. Esse título foi dado pelos historiadores. Após sua morte foi pintado, no peito de seu retrato, uma condecoração em sua homenagem. JORGES DE LA TOUR (1593-1652) É um pintor francês. Mestre dos efeitos luminosos. Sua pintura é muito original. Vai usar muito claro-escuro utilizando-se do efeito da vela, pintando muito rápido. Vai passar a narrativa suave do caráter transitório. Muita ternura e intimidade. Muito recollection. 73

FRANCISCO GOYA (1746-1828) Nasceu em Saragosa, na Espanha Um dos grandes pintores de todos os tempos. Obs.: A Espanha é riquíssima por pintores famosos: Ex.: Velásquez, Murilo, Goya, Dali, Picasso, Miró. Aos 13 anos foi estudar com um pintor que se chamava Don Lusar. Ele não gostava de pintar, desenhar ou fazer tintas. Decidiu participar mais das touradas não deixando a pintura. Mais tarde tentou entrar na Academia de Artes em Madri não passando nos exames. O pai fica arrasado. Tenta novamente três anos mais tarde e novamente fracassa. Arrasado e frustrado, resolve ser toureiro. Recebeu uma chifrada no joelho ficando manco por muito tempo o que impedia essa atividade. Resolveu ser pintor na Itália. Lá, passeando num campo, em frente a um convento, vai conhecer 2 freiras e se apaixona por uma delas. Vão se corresponder por carta até que resolve raptá-la. A freira amarrou um monte de lençóis e jogou por cima do muro para que ele pudesse subir. Como ele estava manco e bateu com o joelho no muro, Goya cai ao chão machucando muito a cabeça. Depois dessa tragédia toda o romance acaba por aí. Vai para a cidade de Parma, na Itália, conseguindo entrar na Academia Real da Itália. Começa a pintar já com uma certa idade. Vende muito bem as suas obras. Escreve para seu pai comunicando que estava pintando muito e ganhando dinheiro. O pai pede que ele retorne a Saragosa. Lá em Saragosa vai ter muitas encomendas como pintor. Vai à Madri onde receberá uma encomenda muito grande de pintar uma série de canvas (cartões desenhados para que as pessoas pudessem depois bordar). Era quase que industrializado, Vai pintar o povo, os jovens que eram chamados de najas (ricos da época) e que mudariam muito o comportamento social da época. Esses najas vão ditar muito a moda na época. Em 1780 ele foi eleito por unanimidade Membro da Academia de Arte de Madri (que o havia rejeitado 2 vezes). Casa-se com Josefa e começa a ter uma vida de luxo e de riqueza. Compra um cabriolé (seria um carro conversível hoje) para sua esposa desfilar. Vai comprar também muitas jóias e ações para o futuro. Tem um filho chamado Francisco Xavier Pedro. Vai ser nomeado mais tarde Pintor da Corte do Rei (título máximo). O rei da época era Carlos IV. Goya vai ter uma doença infecciosa ficando à beira da morte. Nessa época não existia a penicilina. Consegue sobreviver mas fica surdo para o resto de sua vida. Essa surdez torna-o visualmente mais agudo. Vai pintar também a Corte Espanhola. Será uma releitura de Velásquez, pintando sem compaixão toda a família do rei. A rainha parecia um abutre, as condecorações dos condecorados eram como se fossem teias de aranhas. Toda a Corte tinha olhos lacrimejantes e boca murcha. Mesmo assim eles vão adorar porque vai ter muito luxo nas roupas, muita esmeralda, muito veludo, enfim, muita suntuosidade. Eles só se importavam com o luxo. Góya acaba recebendo muitas encomendas e ganhando muito dinheiro.

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MÚSICA BARROCA:
Apareceram muitos instrumentos novos na época do barroco o que fez com que a música ficasse muito mais rica. Apareceram os conjuntos de Câmara e a Ópera que conhecemos hoje. O conjunto de Câmara tinha a mesma função que um aparelho de som tem nos dias de hoje. O instrumento mais importante que vai surgir é o violino e é com ele que vai se enriquecer a partitura. Antônio VIVALDI teve um gênero inovador, além de ter sido excelente compositor e muito habilidoso para tocar. Suas obras mais conhecidas são: Ex.: As quatro estações de Vivaldi Concerto La Stravaganzza Muitas cantatas Foi considerado, pelos críticos no século XX, o “Caravaggio” da música Barroca. É praticamente o primeiro grande compositor que surge e que vai influenciar muito os compositores posteriores de sua época. Joan Sebastian Bach, protestante, tinha paixão pelas igrejas góticas católicas e seus detalhes. É onde vai buscar inspiração para compor nesse estilo gótico (como as rosáceas, vitrais e sobre as minúcias). Foi mestre de capela, que era tão importante quanto pintor da corte. É o homem que vai reger, o maestro, o diretor. Deixou cantatas, missas, corais, "Paixão Segundo São Mateus", "A Grande Missa", "Cravo Bem Temperado", os "Concertos Braudenburguer", as "Fugas". As fugas tem um conteúdo psicológico, não significando uma fuga dos problemas, mas sim uma fuga da perda de um sentimento, uma emoção, com inteligência, com consciência. Uma fuga dos empecilhos emocionais. É a consciência livre, solta, uma fuga sem perdas, "deixando tudo para trás numa boa". Haendel, alemão, é o próprio compositor barroco. A sua obra é monumental, forte. Fez a obra "Doze Concertos de Gross". Hayden, compositor refinadíssimo que compôs sonatas, quartetos, sinfonias. Começou a tocar em Conjunto de Câmaras nas casas dos nobres, como mero tocador. Fez a "Sinfonia de Londres" e o "Quarteto do Imperador" que foi utilizado, em parte, no Hino Nacional da Alemanha.

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"Em busca do tempo perdido". Naquela época onde existia tempo para pintar a Capela Sixtina em 5 anos ou Velásquez 4 anos para pintar "As meninas". XIX. porque Rococó é o final do barroco. A música de Mozart foi elaborada numa época de despedida. Dois grandes escultores Brasileiros do século XVII são: Frei Agostinho da Piedade (1620-1661). Frei Agostinho de Jesus circulou muito no Rio de Janeiro e São Paulo. a "Ópera Don Giovanni". enquanto os brasileiros em barro. Frei Agostinho de Jesus nasceu na Bahia e foi educado em Portugal. trabalhou muito com barro. porque os índios e os negros vão construir igrejas. para serem artistas também. o barroco que estava no auge já estava sendo abandonado e estavam começando o neoclassicismo. dos próprios índios. Vai ser uma busca para novos estilos. o prazer de viver. "Concerto em Ré Menor". para depois começar a corrida no século XX pelas máquinas. 76 . depois que os Holandeses foram expulsos do nordeste (Pernambuco) e as igrejas destruídas pela invasão. O que existia em madeira vinha de Portugal. Em 1822. esculturas. Sua composição começa a sugerir um mundo que começa e uma outra forma de viver. Criou tudo o que foi possível em música. gênio que apareceu no Rococó (final do barroco). foram muitas delas restauradas pelos brasileiros. quando houve a mudança da capital do Brasil para o Rio de Janeiro. É uma busca do tempo perdido onde cada 50 anos vai valer 500. "Requiém" que é muito lindo e triste. Tem gênero melancólico. Frei Agostinho de Jesus (1600-1661) O museu de Arte Sacra de São Paulo tem suas obras. Fez muita escultura em madeira que aprendeu em Portugal. BARROCO BRASILEIRO O Barroco no Brasil atingiu seu apogeu em 1763. Nessa época os portugueses esculpiam em madeira. As esculturas de barro eram cozidas em forno de pão. Os missionários aqui no Brasil traziam artistas da Europa ou treinavam a mão de obra escrava. volta ao passado. A mão de obra vai ser brasileira. A Igreja da Bahia. "Concerto em Dó Menor". indústrias. com a independência do Brasil. a doçura de viver.de Prússel (?) vai ser descrito sobre os séculos XVII.Mozart. XVIII. É o final de Versailles. etc. XX e XXI. Obras: Sinfonias. Nessa época o mundo perde as coisas fortes como o prazer. Era Austríaco e tocava desde os 5 anos.

na sua pintura e arquitetura um estilo diferenciado. da tarde tem um coral cantando. Nosso estilo forte é o feito em barro. interessante e se diferencia completamente dos outros. cheia de movimento como todo estilo barroco. Barroco no Rio de Janeiro: no princípio o Rio de Janeiro era quase um vilarejo e quando abriram a estrada do caminho novo que ligou Minas Gerais ao Porto do Rio de Janeiro. as igrejas barrocas começaram a serem construídas de forma diferente do barroco mineiro. A cidade vai se tornar o centro cultural do país.Ex. Tudo é bem pensado para que você sinta emoção.: A primeira Igreja do Brasil é a do Pátio do Colégio em São Paulo. Outras levaram quase 50 anos para ficarem prontas por falta de mão de obra qualificada. principalmente o mineiro. arquitetos. resultando em construções mais ricas na região. A Igreja da Ordem Terceira de São Francisco. AS 3 FASES BARROCAS COLONIAIS: A primeira fase ocorre na descoberta do Brasil. Quase todos os materiais de construção eram importados. feita por um arquiteto português chamado Francisco Xavier de Brito. músicos e intelectuais começaram a chegar no porto do Rio de Janeiro. Tinham uma dificuldade muito grande no transporte do material de São Vicente para São Paulo. Quase todas as construções grandes foram feitas no Rio de Janeiro. O escritor Fernando Sabino (mineiro) escreveu para Carlos Drummond de Andrade um texto sobre o povo mineiro. Às 6 hs. que é um povo diferente. Ao redor do Porto. O Barroco Mineiro é forte. Artistas plásticos. do ano de 1554. Livro recomendado: "A Muralha" de Inácio de Queirós. em Salvador é toda barroca (de Lisboa). que era montada aqui. vai ter no seu trabalho. com muitos entalhes. com muitas luzes. A Igreja de São Francisco. começou a escoar todo o ouro pelo porto. em Santos. Com isso o barroco nordestino vai ter uma influência muito grande de Portugal. onde o material chegava de navio. As primeiras construções barrocas tinham linhas mais estilizadas devido ao pouco material que conseguiam para a construção. O mineiro. como pode ser visto na Igreja Nossa Senhora do Carmo. de navio. Nesse livro ele explica tudo isso e se refere sobre a mata atlântica como uma “muralha”. É dramática. O exterior é simples e o interior é riquíssimo. é lindíssima e levou quase 100 anos para ser feita. não existia essa dificuldade. Ela começa bem simples e vai se sofisticando a medida que chega material. Mostra a dificuldade dos bandeirantes no transporte do material.: A igreja de Olinda foi restaurada na época (+/-) 400 anos atrás. Ex. Às vezes traziam uma igreja quase inteira. Entre os anos 1600 a 1800. 77 . mudando completamente a vila.

que o barroco mineiro extrai sua força e originalidade. na igreja mineira. dessa sóbria elegância. Em Minas Gerais o "negro" só entrava na igreja para acender as lamparinas. Era muito importante ter um lugar para ser feito o “sermão”. Franciscanas. O católico mineiro posicionou a igreja como sendo a localização geográfica mais importante do vilarejo. ocorre uma vontade de dominação do povo através do ouro. Elas se comunicavam através de bilhetes que passavam pelas frestas da janela. a grosso modo. pode-se dizer. eram levadas para a igreja com o véu ou lenço sobre seus rostos. O nosso barroco é diferente dos das Américas Central e Sul. A divisão física da igreja mineira também difere do resto das igrejas brasileiras. menos rebuscado que o barroco do resto do Brasil. Tinha uma conotação social. As classes sociais vão ocupar espaços diferentes na igreja. das imagens. Ex. Existia uma hierarquia. Moucharabi. na tentativa de harmonizar a vida naquele vilarejo. Outro aspecto importante era o realismo das esculturas. As jovens dentro de casa podiam ver através dessas janelas.O auge do barroco mineiro ocorre com a descoberta de pedras preciosas e ouro em uma grande região que vai ser denominada Minas Gerais. Essas janelas vão aparecer até no nordeste. Depois dos 14 anos elas podiam ir sem véu e com o cabelo solto para poder arrumar pretendentes. As ordens religiosas Carmelitas. os homens ficavam separados das mulheres e os Balcões Laterais eram reservados para as autoridades e seus familiares. para todas as classes sociais. Foi confiada a mão de obra local dos mulatos e negros. colocava no altar mor a irmandade. Tudo acontecia em função do ouro. tendo grande influência entre eles. Influência política que ocorre no barroco na construção ou arquitetura: Com o processo revolucionário da Inconfidência Mineira. menos monumental. desse despojamento. Dominicanas. Mariana. mas não podiam ser vistas.: A Igreja mineira. As jovens. antes dos 14 anos. não rebuscada. O sermão. Por vezes os dois se aproximam. É justamente dessa simplicidade. Por esse motivo o negro vai construir sua própria igreja. Eram venezianas "quadradinhas" que avançavam um pouco para frente como se fossem "Bay window". Na Nave. resultado da cobiça do ouro. que o barroco brasileiro mineiro é num todo mais rural. Obs. por sua vez. das pinturas. Outra característica é que ele vai pouco a pouco se transformando num estilo representativo dos anseios do povo. O assunto do sermão abordava os problemas atuais do momento e do local. significava a influência moura ou árabe. que vai aparecer nas casas de Ouro Preto. de um modo geral a irmandade Franciscana. Assim. desse senso de medida e proporção. cada uma tinha sua maneira de distribuir os fiéis na igreja. Na América Latina coexistem 2 tipos de barroco: O Luso-Brasileiro e o Hispânico-Americano. mas nunca se confunde um com o outro. Sabará. era feito em uma linguagem acessível. Isso deu 78 .

Os flageladores e perseguidores de Cristo são ridicularizados por pobres e ignorantes. Aleijadinho vai trabalhar muito com o tema Inconfidência Mineira. Athaíde também era mulato e Aleijadinho era filho de escravo com Português. Era o que eles viam. 79 . Deve provavelmente ter sido reumatismo deformante. Suas faces são castigadas sem piedade pelo Aleijadinho. Era mulato. A arte de um povo tão jovem tinha que mostrar atrevimento. O teto foi pintado por Manuel da Costa Athaíde que vai fazer uma pintura lindíssima com pássaros. A igreja foi desenhada. Satanás será o malfeitor da zona de prostituição. Nunca estudou e nunca foi a Portugal mas era auto didata e aproveitava tudo o que existia de informações ao seu redor como ex. tem na garganta uma corda e o coração está sangrando. Na época usava-se o termo "encarnar" que significava o mesmo que pintar. Ele somente não a pintou. Teve esse apelido aos 50 anos de idade devido a uma doença que atrofiou e deformou os seus dedos. em Mariana (cidade vizinha de Ouro Preto) e vai morrer em 1837. onde executou a maior parte de suas obras. As pilastras são substituídas por colunas nas fachadas.oportunidade aos artistas de trabalharem com esse material e utilizar o barroco como forma criativa e original para expor seus desejos. foi considerado o maior estilo e artista brasileiro da época barroca. Esculpia em cedro e em pedra sabão. Viveu 26 anos em Congonhas do Campo. A pintura da Madona (que é parecida com a namorada dele) e os anjos são mulatos. em Vila Rica. não premeditado. Duas obras arquitetônicas de Ouro Preto são fundamentais para conhecer a arte de Aleijadinho: São Francisco de Assis: Início em 1776 e término em 1794. tal qual dos escravos fujões. Manuel da Costa Athaíde que nasceu no ano de 1762. Tudo era baseado no povo. Os anjos vão ser os meninos robustos que trabalhavam nas ladeiras. Quem pintava era Athaíde (grande arquiteto também). Cristo aparece com as mãos e pés decepados. Seus dedos não caíram. sonhos e fantasias. O altar-mor foi feito na época da Inconfidência Mineira. Os púlpitos são colocados na entrada da capela-mor. Jeremias tem os pés presos no grilhão.: a Bíblia Ele esculpia com o instrumento amarrado à sua mão. Era o oposto da Europa. Era um fazer a arte quase que irracional. Esses artistas são: Antônio Francisco Lisboa (Aleijadinho) que nasceu no ano de 1774. porque deformava com apelo à emoção. Seu estilo que é do tipo “expressionista". Isso é feito na época em que Tiradentes foi decepado e esquartejado. Os evangelistas que Aleijadinho vai esculpir tinha as feições do mandachuva da cidade. construída e decorada somente por Aleijadinho. São caras bem distorcidas.

A cada canto da abóbada dessa igreja. Quem fez o projeto foi Aleijadinho que somente iria orientar a obra. belíssima. da Ponte. é sereno. no Adro da igreja (entrada). sugerindo a Athaíde que mudasse os azulejos. tem uma grande figura como São Agostinho. etc. no Santuário do Senhor Bom Jesus do Matosinho. tem doçura na carne. nações fortes e fracas. de Dirceu e Marília (recebe este nome por estar em frente a casa do casal). O expressionismo tradicional no Brasil. Desenhada pelo pai de Aleijadinho. por falta de tempo. acabava às vezes num caricatural do expressionismo. segundo a sugestão de Aleijadinho. No plano da arte não existe homens pequenos e grandes. Este trabalho se encontra ao relento. O Arco-cruzeiro que está na frente é atribuído também a Aleijadinho. toda feita de pedra cantareira. Foi toda pintada por Manuel da Costa Athaíde. Você a vê como uma mulher do povo. tem banco para sentar e namorar. Chafariz do Conto. Todos são expressionistas e feitos em madeira pelo Aleijadinho. Essas pedras são todas de tonalidade cinza. Nossa Senhora do Carmo é uma Igreja muito importante. Aleijadinho achava que a pintura deveria ser diferente da pintura Portuguesa. Chafariz de Ouro Preto: Não se encontra na Europa. pois era uma arte barroca. Não tinha importância. São de tamanho natural e "encarnados" (pintados) por Athaíde. de Athaíde. A pintura é de Athaíde. São Gregório. Matriz Nossa Senhora do Pilar: Situada em Ouro Preto. em qualquer ponto da igreja. Congonhas do Campo: Guarda o maior conjunto artístico criado pelo mestre Aleijadinho. pai de Aleijadinho e terminada pelo próprio Aleijadinho. Santo Ambrósio e São Jerônimo. Ele também não tinha dinheiro para investir tanto. Outro mestre mineiro: Carlos Drummond de Andrade. 80 . Essa igreja foi desenhada por Manuel Francisco Lisboa. pedrasabão e itacolomi. porque Aleijadinho é no tempo e na história. Existem cupins (que atacam pedras) e estão destruindo tudo. com apelo maternal. que escreveu o Barroco Mineiro: Trecho onde se refere a entrada da Igreja em Congonhas do Campo: "Não entrarei Senhor no Templo Seu Frontispício me basta Vossas flores e querubins Já são matéria de muito amar".A Nossa Senhora é vista por vários ângulos. o seio bem modelado e não sensual. Eles foram portanto refeitos. Muda as linhas de fuga para conseguir esse efeito. Aleijadinho não detalhava os pés e nada da cintura para baixo. Ele é o símbolo dessa verdade simples. É como se fosse uma mãe. Conjunto de 66 figuras de madeira: São os Passos da Paixão e ficam em capelinhas de madeira também ao relento. a afirmação austera e firme do poder da grandeza dos povos humildes e porque ele é universal na sua arte. O rosto da Santa. Ele vai mudar até a perspectiva para que pudesse ser vista por todos. São os doze profetas feitos em pedra-sabão. carnudo. Este era o modo típico de expressão de Aleijadinho. em que o artista (sem escola) se improvisava no esforço de alcançar o jeito de exprimir um sentimento. É uma igreja que recebeu mais pintura do que as outras e os azulejos foram pintados por Athaíde imitando os de Portugal.

Os temas utilizados eram cenas eróticas ou galantes da vida cortesã (as fêtes galantes) e da mitologia. difundiu-se principalmente na parte católica da Alemanha.ROCOCÓ Rococó é o estilo artístico que surgiu na França como desdobramento do barroco. motivos religiosos e farta estilização naturalista do mundo vegetal em ornatos e molduras. responsável pela abadia beneditina de Ottobeuren. · Possui leveza. Principal Artista: Johann Michael Fischer. tais como conchas. pastorais. caráter intimista. o centro artístico da Europa transferiu-se de Roma para Paris. por volta de 1770. Grande mestre do estilo rococó. elegância. entre 1700 e 1780. mosteiros e palácios. · A estrutura das construções ganhou leveza e o espaço interno foi unificado. técnica de incrustação de conchas e fragmentos de vidro utilizadas originariamente na decoração de grutas artificiais. na Prússia e em Portugal. o rococó foi a principal corrente da arte e da arquitetura pós-barroca. responsável por vários edifícios na Baviera. Características gerais: · Uso abundante de formas curvas e pela profusão de elementos decorativos. com maior graça e intimidade. a luz difusa inundou os interiores por meio de numerosas janelas e o relevo abrupto das superfícies deu lugar a texturas suaves. o rococó é também chamado estilo Luís XV e Luís XVI. 81 . Vigoroso até o advento da reação neoclássica. Na França. ARQUITETURA Durante o Iluminismo. bizarro. Principais características: · Cores vivas foram substituídas por tons pastéis. alusões ao teatro italiano da época. laços e flores. Nos primeiros anos do século XVIII. Desenvolveu-se na Europa do século XVIII. mais leve e intimista que aquele e usado inicialmente em decoração de interiores. o rococó era a princípio apenas um novo estilo decorativo. alegria. frivolidade e exuberante. e da arquitetura disseminou-se para todas as artes. que significa "embrechado". (1692-1766). marco do rococó bávaro. O termo deriva do francês rocaille. Surgido na França com a obra do decorador Pierre Lepautre. Restaurou dezenas de igrejas.

Os grandes grupos coordenados dão lugar a figuras isoladas. (1709-1772). quer estilisticamente. Mais do que nas peças esculpidas. obras-primas dos interiores rococós. sempre com grande perfeição no desenho. e um dos mais antigos precursores do impressionismo. não é possível traçar uma clara linha divisória entre o barroco e o rococó. Fragonard destacou-se principalmente como pintor do amor e da natureza. de cenas galantes em paisagens idílicas. que dessa maneira contribuem para o equilíbrio geral da decoração interior das igrejas. (1732-1806). cada uma com existência própria e individual. é em sua disposição dentro da arquitetura que se manifesta o espírito rococó. No final do reinado de Luís XIV. desenhista e retratista de talento. as expressões ingênuas e maliciosas de suas numerosas figuras de deusas e ninfas em trajes sugestivos e atitudes graciosas e sensuais não evocavam a solenidade clássica. caracterizado por uma arte alegre e sensual. escultor alemão. ao contrário do que ocorreu na arquitetura. Principais Artistas: Antoine Watteau. em que se afirmou o predomínio político e cultural da França sobre o resto da Europa. que durante muito tempo obscureceu a verdadeira contribuição do artista para a pintura do século XIX. Ignaz Günther. 82 . escultor alemão. Além dos quadros de caráter mitológico. distinguiu-se pela criação de santos e anjos de grande tamanho. alguns retratos. pintou. apareceram as primeiras pinturas rococós sob influência da técnica de Rubens. (1684-1721). "Pietà". o rococó francês ficou restrito às artes decorativas e teve pequeno impacto na escultura e pintura francesas. um dos maiores representantes do estilo rococó na Alemanha. paisagens ("O casario de Issei") e cenas de interior ("O pintor em seu estúdio"). Foi um dos últimos expoentes do período rococó. François Boucher. "Anjo da guarda". (1725-1775). Principais Artistas: Johann Michael Feichtmayr. membro de um grupo de famílias de mestres da moldagem no estuque. mas a alegre descontração do estilo rococó.ESCULTURA Na escultura e na pintura da Europa oriental e central. Jean-Honoré Fragonard . Suas esculturas eram em geral feitas em madeira e a seguir policromadas. PINTURA Durante muito tempo. as figuras e cenas de Watteau se converteram em modelos de um estilo bastante copiado. "Anunciação". quer cronológica. (1703-1770).

que dessem brioches à eles. o povo são os vencedores. que esquecem dos detalhes. isto é. Em Paris vão construir a Igreja "La Madeleine". nas roupas. O pintor néo-clássico. Abandonando o estilo barroco que era trabalhoso. o néo-gótico. as cidades de Pompéia e Herculano. Com a revolução francesa eles se achavam a própria encarnação dos heróis gregos e romanos. vai surgir o espírito dos tempos modernos. por sua vez. pela imitação dos modelos antigos greco-latinos. Tudo isso vem como conseqüência da revolução. No renascimento existe uma renovação da antigüidade. O néo-clássico vai copiar o clássico e ao adaptar à sua época. sujeição aos modelos e às regras ensinadas nas escolas ou academias de belas-artes. Principais características: * retorno ao passado. sobre a literatura medieval e sobre a mitologia. Todos ficam muito ligados a Roma. com suas virtudes. de comer. Todos são néo-clássicos. Pintam fatos históricos.: As esculturas gregas originais quando feitas em mármore tinham os olhos pintados e quando feitas em bronze tinham pedras para decorar os olhos. onde a burguesia. que vai aparecer no mobiliário. A escultura grega na Itália era feita sem os olhos. num verdadeiro culto à teoria de Aristóteles. que estava morrendo de fome. Pintam cenas de arqueologia e cenas heróicas. O pintor néo-clássico fica tão ligado ao clássico. * arte entendida como imitação da natureza. por toda Europa e resto do mundo. Começam a usar as formas gregas e góticas nas construções. pintou Napoleão sem os olhos. temos como conseqüência a mudança do estilo na arte. piora um pouco a arte. um recomeçar. isto é. através das escavações. Com o passar dos tempos os cristãos tiraram as pedras preciosas dos olhos das esculturas que então ficaram sem o olhar. Obs. Foram descobertas nessa época. * academicismo nos temas e nas técnicas. Grécia. Os pintores achavam que as esculturas gregas não tinham olhar de propósito e não que fosse devido a uma destruição do tempo. com a Revolução Francesa.NEOCLASSICISMO No final do século XVIII. o "Arco do Triunfo" (mandado ser construído por Napoleão). Como exemplo vai surgir o Néo-classicismo na Inglaterra com as construções de castelos néo-góticos. etc. 83 . à base de cera. Os pintores imitam as esculturas na suas pinturas. Na época do néo-classicismo. Napoleão pede para ser pintado com a mão no bolso. levando-o a uma pintura pejorativa. É o começo dos tempos modernos da história da Arte. depois o gosto geral de se vestir. Surge o estilo Império. como se fosse um grego. quase que caricaturista. Por esse motivo temos o néo-classicismo. Vai cair a "Maria Antonieta" quando diz ao povo. As pinturas que eram "encáusticas". foi derretendo com o tempo.

retratos e paisagens. Suas obras geralmente expressam um vibrante realismo. e não o retórico e inflamado Delacroix. mas algumas delas exprimem fortes emoções.foi considerado o pintor da Revolução Francesa. a arquitetura neoclássica seguiu o modelo dos templos greco-romanos ou o das edificações do Renascimento italiano. O detalhismo também é uma das suas marcas registradas. ocasionando a construção de tantos edifícios brancos. nus. Para seu conhecimento: Forte influência da arquitetura neoclássica foi a descoberta arqueológica das cidades italianas de Pompéia e Herculano que. e a Porta do Brandemburgo. por exemplo. o mais revolucionário dos dois. numa época em que se consumava o processo de aliança entre a nobreza e a burguesia. repetia a seus alunos. 84 . registrou fatos históricos ligados à vida do imperador. principalmente no gosto pelo poder e na sua confiança na individualidade. Ingres passou a vida brigando contra a vanguarda artística francesa representada pelo pintor romântico Eugène Delacroix. ele afirmava. Características da pintura: * Formalismo na composição. Seus retratos são invariavelmente enriquecidos com mantos aveludados. mas a crítica moderna vê nos retratos e nus o seu trabalho mais admirável. Diante daquelas construções. Ingres soube registrar a fisionomia da classe burguesa do seu tempo. sobretudo em Rafael. rendas. tornou-se o pintor oficial do Império de Napoleão. sem dúvida. " A pincelada deve ser tão fina como a casca de uma cebola". os historiadores de arte acreditavam que os edifícios gregos eram recobertos com mármore branco.ARQUITETURA Tanto nas construções civis quanto nas religiosas.. no ano de 79 a. contudo foi Ingres. mais tarde. Sua obra abrange. que desenhar uma linha perfeita era muito mais importante do que colorir. Exemplos dessa arquitetura são a igreja de Santa Genoveva. foram cobertas pelas lavas do vulcão Vesúvio. em Paris. Obra destacada: Bonaparte atravessando os Alpes e Morte de Marat.C. Exemplo: Casa Branca dos Estados Unidos. além de composições mitológicas e literárias. mestre inegável do equilíbrio da composição. Ardoroso defensor da pureza das formas. flores e jóias. num erro de interpretação. na recusa a produzir qualquer julgamento moral a respeito deles. transformada depois no Panteão Nacional. * Exatidão nos contornos * Harmonia do colorido Os maiores representantes da pintura neoclássica são. o pintor foi uma espécie de cronista visual da sociedade de seu tempo. PINTURA A pintura desse período foi inspirada principalmente na escultura clássica grega e na pintura renascentista italiana. em Berlim. Jacques-Louis David . Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867). Durante o governo de Napoleão. refletindo racionalismo dominante. A modernidade de Ingres está justamente na visão distanciada que tinha de sue retratados. Amante declarado da tradição. Ingres acreditava qua a tarefa primordial da arte era produzir quadros históricos.

* a valorização da natureza como princípios da criação artística. grosso modo. A essência do romantismo é a glorificação dos instintos. mas em língua românica. provocando a divisão do trabalho e o início da especialização da mão-deobra. Pintam muitas paisagens. Mais cor e menos desenho. e pela Revolução Francesa que lutava por uma sociedade mais harmônica. ARQUITETURA E ESCULTURA A escultura e a arquitetura registram pouca novidade. Observa-se. O propósito dos artistas românticos era a volta à natureza sublime. pitoresca. Igualdade e Fraternidade. Os artistas românticos procuraram se libertar das convenções acadêmicas em favor da livre expressão da personalidade do artista. o amor. Tudo é muito romântico e assim lidam com a emoção pela emoção. Do mesmo modo.ROMANTISMO A palavra vem de romance. a violência. o neoclássico. Escreviam não em latim. menos razão. em que os direitos individuais fossem respeitados. o poder. Vão escrever muito sobre a lenda do Rei Artur. forte. e * Dramaticidade 85 . Pregam a liberdade individual acima de regras e de normas. * Valorização das cores e do claro-escuro. eles adoram a liberdade. Tem mais liberdade e menos regras que o néo-clássico. O pintor vai ser muito dramático e emotivo. O belo para eles é muito relativo e individual. Vez por outra retomou-se o estilo gótico da época medieval. Mais sentimentos.O século XIX foi agitado por fortes mudanças sociais. traduziu-se essa expectativa na Declaração dos Direitos do Homem e do Cidadão. Obra Destacada: Edifício do Parlamento Inglês PINTURA Características da pintura: * Aproximação das formas barrocas. políticas e culturais causadas por acontecimentos do final do século XVIII que foram a Revolução Industrial que gerou novos inventos com o objetivo de solucionar os problemas técnicos decorrentes do aumento de produção. profunda veneração à natureza. a permanência do estilo anterior. e * os sentimentos do presente tais como: Liberdade. gerando o neogótico. * o nacionalismo. Amam os gregos também. Em nome do romance. * Composição em diagonal sugerindo instabilidade e dinamismo ao observador. a atividade artística tornou-se complexa. História das aventuras medievais. Características gerais: * a valorização dos sentimentos e da imaginação.

Culto.Temas da pintura: * Fatos reais da história nacional e contemporânea da vida dos artistas. Representava assuntos abstratos personificando-os (alegorias). * Natureza revelando um dinamismo equivalente as emoções humanas. Obras destacadas: Chuva. Trabalhou temas diversos: retratos de personalidades da corte espanhola e de pessoas do povo.representou grandes movimentos da natureza. aquele em que a burguesia revolucionária colhia os frutos de seu triunfo sobre a monarquia dos reis Capeto. em 1828. das luzes e das sombras. Nascido num momento crucial da História da França. de interpretar a realidade. muitas vezes tomado como um símbolo das lutas populares e republicanas. O comportamento romântico caracteriza-se pelo sonho. em 1963. Vapor e Velocidade e O Grande Canal. seres deformados. Seu quadro mais conhecido A Liberdade Guiando o Povo. "A principal qualidade de um quadro é ser uma festa para os olhos". Turner . Assistiu à ascensão e queda de Napoleão Bonaparte. rico e namorador. escreveu na derradeira nota de seus famosos diários. 86 . finalmente. Amigo do compositor Frèderic Chopin. de agir. os horrores da guerra. o pintor viveu a maior parte da vida jovem e adulta num mundo que voltava aos poucos à antiga ordem natural das coisas. Delacroix tinha noção da própria grandeza. Veneza. Morreu em Bordeaux. procurou descrever certa atmosfera da paisagem. mas por meio do estudo da luz que a natureza reflete. em 1746. dando-nos a sensação de grande movimentação. admirado pelo poeta Charles Baudelaire e indiferente às demais celebridades de seu tempo.Nasceu no pequeno povoado de Fuendetodos. Goya e sua mitologia povoada por sonhos e pesadelos. Senhor absoluto da caricatura do seu tempo. menos de dois meses antes de morrer. cenas históricas e as lutas pela liberdade. a ação incompreensível de monstros. a entronização do rei Luís Felipe. Eugène Delacroix (1798-1863). a restauração da dinastia dos Bourbon e. dono de uma língua ferina. por uma atitude emotiva diante das coisas e esse comportamento pode ocorrer em qualquer tempo da história. foi feito por inspiração do movimento que levou Luís Felipe ao trono da França. Obra destacada: Os Fuzilamentos de 3 de maio de 1808. tons opressivos. inimigo do romancista Honoré de Balzac. Uma das primeiras vezes que a arte registra a presença da máquina (locomotiva). Para seu conhecimento: A palavra romantismo designa uma maneira de se comportar. em 1830. suas obras apresentam forte comprometimento político e o valor da pintura é assegurado pelo uso das cores. Espanha. e * Mitologia Grega Principais artistas: Goya .

uma nova tendência estética chamada Realismo. Além disso. um estilo delimitado no tempo. lojas. em Paris. armazéns. que se desenvolveu ao lado da crescente industrialização das sociedades. ESCULTURA Auguste Rodin . São características gerais: * o cientificismo * a valorização do objeto * o sóbrio e o minucioso * a expressão da realidade e dos aspectos descritivos ARQUITETURA Os arquitetos e engenheiros procuram responder adequadamente às novas necessidades urbanas. escolas. assumindo muitas vezes uma intenção política em suas obras. Os Burgueses de Calais. O Beijo e O Pensador. Entre 1850 e 1900 surge nas artes européias. As cidades não exigem mais ricos palácios e templos. a Torre Eiffel. Não existem temas abstratos para o realista. Sua característica principal é a fixação do momento significativo de um gesto humano.Romantismo designa uma tendência geral da vida e da arte. inclusive em suas criações artísticas. Em 1889. Obras destacadas: Balzac. etc. hoje logotipo da "Cidade Luz". como a mitologia. PINTURA Características da pintura: * Representação da realidade com a mesma objetividade com que um cientista estuda um 87 . deixando de lado as visões subjetivas e emotivas da realidade. ferroviárias. estações. nomeia um sistema. Ao contrário. hospitais e moradias. REALISMO Aparece quando o romantismo está no auge. portanto. sobretudo na pintura francesa. criadas pela industrialização. Gustavo Eiffel levanta. O homem europeu. os escultores preferiam os temas contemporâneos. bibliotecas. tanto para os operários quanto para a nova burguesia. Elas precisam de fábricas. que tinha aprendido a utilizar o conhecimento científico e a técnica para interpretar e dominar a natureza convenceu-se de que precisava ser realista. procurou recriar os seres tais como eles são.não se preocupou com a idealização da realidade.

Passam o dia pintando na floresta. e. "Angelus". * Pintura social denunciando as injustiças e as imensas desigualdades entre a miséria dos trabalhadores e a opulência da burguesia. * Ao artista não cabe "melhorar" artisticamente a natureza. A escola de Barbizon é muito importante porque vai ser a primeira vez que vão pintar ao ar livre antes do impressionismo.tornaram-se assunto freqüente da pintura realista. Obra destacada: Moças Peneirando o Trigo. próximo à Paris. o relâmpago. criou uma obra realista na qual o principal elemento é a ligação atávica do homem com a terra. Heróis que nada têm a ver com os idealizados heróis da pintura romântica. Jean-François Millet. * Revelação dos aspectos mais característicos e expressivos da realidade.foi considerado o criador do realismo social na pintura. por exemplo. mais tarde. É o caso. Temas da pintura: * Politização: a arte passa a ser um meio para denunciar uma ordem social que consideram injusta. elevando esses tipos à categoria de heróis. a arte manifesta um protesto em favor dos oprimidos. principalmente das classes populares. como era a natureza. Essa obra vai ser reproduzida muitas vezes. Vermeer. Pintam muito o outono com sua luz dourada fantástica. Rembrandt. a chuva. Pintam muitas paisagens modestas. Os artistas incorporavam a rudeza. que são duas pessoas rezando à tarde.o povo. a vulgaridade dos tipos que pintavam. final de dia. Seus numerosos desenhos de paisagens influenciaram. ESCOLA DE BARBIZON Barbizon era um vilarejo nas bordas da floresta de Fontaineblaux. em resumo . Todos os artistas de Barbizon admiram profundamente a arte Holandesa (da época barroca. a fealdade. Alguns pintores do romantismo vão pintar ao ar livre para ver como cai o granizo. Manifesta sua simpatia particular pelos trabalhadores e pelos homens mais pobres da sociedade no século XIX. Pissarro e Van Gogh. As pessoas das classes menos favorecidas . sensível observador da vida campestre. 88 . Trabalhou na lavoura desde muito cedo. ou seja o pintor buscava representar o mundo de maneira documental. Barbizon vai querer empregar a luz pela primeira vez. pois a beleza está na realidade tal qual ela é. sendo quase que científica a sua forma de pensar. pois procurou retratar em suas telas temas da vida cotidiana.) e também gostam muito da burguesia e quase todos os artistas também são burgueses. etc. tem um duplo movimento. Principais pintores: Courbet . O grande pilar dessa escola é MILLET que vai pintar "Angelus". Em arte. Foi educado num meio de profunda religiosidade e respeito pela natureza.fenômeno da natureza.

O termo Realismo significa um estilo de época que predominou na segunda metade do século XIX. mas sendo o personagem em segundo plano e a paisagem em primeiro. realista. COROT: Outro grande pintor da escola. Para seu conhecimento Courbet dizia: "Sou democrata. A escola de Barbizon é um estilo que significa "ao ar livre". seivadores.Millet nasceu camponês e vai pintar semeadores. socialista. ocorreram bem próximos num movimento de 100 anos. por uma atitude racional das coisas pode ocorrer em qualquer tempo da história. às vezes introduzindo um cachorro ou uma pessoa no meio da paisagem. romantismo e realismo. Pinta paisagens. Esses pintores vão participar de uma exposição universal em 1855. DAUMIER: Também pinta camponeses. bem próximo ao impressionismo cujo primeiro quadro surgiria em 1874. A paisagem barroca era encomendada aqui na escola de Barbizon. não só por encomenda. Vão pintar paisagens e são aceitos na exposição universal em Paris. republicano. 89 . É a primeira vez que a paisagem é reconhecida como obra de arte. O néo-classicismo. como a água corre. É considerado o pintor mais importante da Escola de Barbizon. amigo da verdade e verdadeiro" A palavra realismo designa uma maneira de agir. Esse comportamento caracteriza-se pela objetividade. de interpretar a realidade. Vai pintar o rio. A partir de 1855 é que o pintor começa a pintar o que sente.

* As sombras devem ser luminosas e coloridas. combina as várias cores. muito mais práticas do que teóricas. 90 . como os pintores costumavam representá-las no passado. ao admirar a pintura. um amarelo próximo a um violeta produz uma impressão de luz e de sombra muito mais real do que o claro-escuro tão valorizado pelos pintores barrocos. discutir suas idéias. foi eleito o chefe desse movimento que estava se iniciando. Assim. de ser técnica para se óptica. definir suas metas. pois as cores da natureza se modificam constantemente. Havia algumas considerações gerais. e não escuras ou pretas. devem ser puras e dissociadas nos quadros em pequenas pinceladas. * As cores e tonalidades não devem ser obtidas pela mistura das tintas na paleta do pintor. Principais características da pintura: * A pintura deve registrar as tonalidades que os objetos adquirem ao refletir a luz solar num determinado momento. obtendo o resultado final. Mas o público e a crítica reagiram muito mal ao novo movimento. A primeira vez que o público teve contato com a obra dos impressionistas foi numa exposição coletiva realizada em Paris. * Os contrastes de luz e sombra devem ser obtidos de acordo com a lei das cores complementares. dentre os pintores impressionistas. Ele foi o mais atacado pela crítica e pelo público. dependendo da incidência da luz do sol. pois ainda se mantinham fiéis aos princípios acadêmicos da pintura.IMPRESSIONISMO O Impressionismo foi um movimento artístico que revolucionou profundamente a pintura e deu início às grandes tendências da arte do século XX. Fez duas telas: "Olimpiá" (sobre as prostitutas) e cujo tema chocava o público e "O almoço na relva" (onde os homens se encontravam com as mulheres) causando um escândalo na época. Pelo contrário. * As figuras não devem ter contornos nítidos. Edward Manet. que era o mais tradicionalista. pois a linha é uma abstração do ser humano para representar imagens. HISTÓRIA DO IMPRESSIONISMO O Café Guerbois era o local onde os impressionistas se encontravam para bater papo. que os artistas seguiam em seus procedimentos técnicos para obter os resultados que caracterizaram a pintura impressionista. tal como é a impressão visual que nos causam. em abril de 1874. portanto. A mistura deixa. É o observador que.

O Impressionismo é definido como tentativa inédita de pegar a realidade da luz. Nas suas pinturas vão empregar o caráter inacabado. 7. Os valores mudam completamente. O Impressionismo. A fotografia vai ser importante nesse momento. 3. Uso da temática japonesa. PRINCIPAIS CONCEITOS DO IMPRESSIONISMO 1. Diante disso o artista teve que repensar seu momento para mudar sua arte. 10. Muita luz e sombra. mutável das coisas. Ele passa a ter consciência do caráter transitório. Vão fazer poucos detalhes. O efêmero. as impressões do momento. os barrocos é que a descobriram. é fonte imediata de sensações. 11. 12. É retirado o preto da palheta. O homem percebe que sua existência é uma luta. Os Impressionistas captam esse aspecto transitório da vida e do mundo. Resolvem fazer um salão só para eles que vai ser denominado de "O salão dos recusados". Pinceladas bem amplas porque o tempo é escasso. 6. sem qualquer regra. Eles nunca tiveram a pretensão de descobrir a luz. A forma é dada pela cor. 2. 9. O maior pintor Impressionista é Claude Monet. pois provocaram uma verdadeira revolução na Arte. o fugaz. 5. de substituir tudo por coisas novas e industrializadas. Vão inventar a máquina fotográfica portátil. Eles começam a pintar mais o que SENTEM do que o que eles VÊEM. foi a solução que abriu definitivamente novos horizontes para a Arte Moderna. Liberdade para captar. Passaram a fotografar tudo ao ar livre.O aprimoramento técnico em todos os setores do desenvolvimento industrial imperava o desejo do novo. O impressionismo é inovador não só da prática ao ar livre. Tentam entrar nos salões e são impedidos. O pintor sai do atelier e vai pintar ao ar livre (acaba o “posar”). uma competição. 4. com todos esses conceitos. Vão lutar 30 anos para serem aceitos. Desaparecem os contornos das figuras. 91 . 8. Muita luz e amarelo. Mistura ótica das cores. o reflexo como a luz e a fumaça e as nuvens são usadas constantemente. Para os impressionistas a natureza não é um material de reflexão. Imperava a máquina fotográfica. mas também no seu método de trabalho.

A paisagem torna-se aquele "pega no ar". É uma simplificação idealista das perspectivas na superfície do quadro. etc. que foram os que mais sofreram influência japonesa. etc. Os impressionistas já tinham a técnica inovadora. Monet. um Samurai. O motivo é captado quase que anarquicamente pelo primeiro olhar. A arte japonesa era uma arte pitoresca. Esta arte japonesa vai influenciar pintores como Manet. ele apenas a sugere. O imaginário é super importante. em sua pintura. acinzentadas e muita montanha. Degas e Van Gogh. Ele vão fazer a composição com o objetivo de registrar o momento. Os portos do Japão foram abertos e começou a chegar muitos produtos japoneses. requintada e lendária (de muitos séculos). Em 1862 foram abertos os armazéns do Porto de Desoye. etc. É uma obra em aberto. Como os impressionistas eram artistas de vanguarda. Achavam que o Japão era um povo diferenciado. O impressionismo não é uma reprodução servil da realidade. através de uma série de coisas. Eles achavam que os japoneses tinham uma arte mais decorativa do que considerada como um estilo. por exemplo. também colocou elementos da pintura japonesa como o biombo japonês com pássaros e flores. Foi um modismo da época. uma técnica nova. Eles utilizam cores leves. 92 . A forma de perspectiva japonesa “perspectiva em corte de viés” vai ser usada algumas vezes por Van Gogh e Degas. O tempo é o que importa e o que pela primeira vez foi representado. A originalidade impressionista de captar o instante é chamada de "A Impressão Primeira". (maçãs embaladas em papel. JAPONISMO NO IMPRESSIONISMO: A casa de Claude Monet era inteirinha decorada pela pintura japonesa que estava no auge. Os impressionistas vão extrair. uma cultura nova. na história da arte. De um modo geral. que é transitório. a montanha da pintura japonesa e colocar na pintura deles como uma recordação. aquele olhar que capta tudo. Manet.Eles renunciaram a visão das formas que nós temos e a substituíram por um método em que o imaginário tem sempre um papel a desempenhar. eles ficavam muito impressionados pelo novo. onde os navios começaram a chegar com as mercadorias estrangeiras. é o "Triunfo do Espírito de Análise".). popular. Para a pintura japonesa o tema não é tão importante. pelos impressionistas. Os artistas impressionistas descobriram o Japão por eles próprios. eles retiraram todos os conhecimentos dos japoneses.

A breve passagem pela cidade está documentada nas cartas que enviou do Brasil a seus familiares na França. Taunay no livro No Rio de Janeiro de Dom Pedro II (1947). Foi então melhorando seu desenho e 93 . tornou-se amigo de Claude Monet e outros pintores impressionistas. No início da guerra franco-prussiana de 1870. Em 1859. chocados com a presença de uma mulher nua em meio a homens vestidos. em 1862. preferia ficar na praia. Manet a expôs. Já no colégio Rollin. em junho de 1849. Manet casou-se com Suzanne Leenhoff em 1863. Quando ele tinha 5 anos a família foi morar no porto de Le Havre. filho de um comerciante de especiarias (que hoje seria um empresário). a tela "Olympia" provocou novo escândalo. Tinha uma mania de fazer caricaturas em seu caderno desde os 7 anos de idade. Embora inspirado em obras de antigos mestres como Giorgione e Rafael. onde fez os primeiros estudos. ingressou no ateliê de Thomas Couture e. Em 1863. Émile Zola publicou então um artigo em que o elogiava. CLAUDE MONET: Nasceu em 1840 e morreu em 1926. o infinito do mar. Na época. Não foi aluno brilhante na escola. no Salon des Refusés (Salão dos Recusados). No ano seguinte. a água. embarcou com destino ao Rio de Janeiro. Tinha uma relação muito ativa e dinâmica com a obra de arte. mas a família rejeitou sua pretensão de tornar-se pintor. Aprendeu a vibrar com a paisagem. o júri do Salão da Academia Real rejeitou o quadro "Déjeuner sur l'herbe". A liberdade. No ano seguinte. onde provocou a admiração dos jovens pintores que mais tarde integrariam o grupo impressionista.PRINCIPAIS ARTISTAS ÉDOUARD MANET Édouard Manet nasceu em Paris. com o momento. Jamais teve uma contemplação passiva com a natureza. Foi aí que aconteceu a segunda guerra mundial. seus pais finalmente aceitaram sua carreira de pintor. então. "O pífaro". obra revolucionária para os padrões da época. com a liberdade. a obra do pintor finalmente obteve reconhecimento. pintou "O bebedor de absinto" e. rejeitado pelo Salão. entre elas "As corridas de Longchamp". como aprendiz de piloto. após seis anos. demonstrou interesse pelo desenho. cena ao ar livre que reúne figuras da sociedade parisiense do segundo império. o quadro provocou violenta reação dos críticos. com o instante. foi exposto no ateliê de Manet. Manet se alistou na guarda nacional. Nasceu em Paris. instalou seu próprio ateliê. A preocupação dele foi sempre reter na tela o sol. Após regressar à França. o horizonte foi muito importante na sua formação. Após a exposição realizada em sua memória. o vento. onde o mar vai assumir muita importância para ele. Manet morreu em Paris em 30 de abril de 1883. no instante em que isso acontecia e da maneira como o olho percebia. "Música nas Tulherias". Em dezembro de 1848. traduzidas e comentadas por Afonso de E. Em 1874. No Salão de 1865. começou a pintar cenas de hipódromos. Tinha uma forma de ver e sentir a dinâmica do tempo como nenhum outro pintor impressionista teve. em 23 de janeiro de 1832.

O pai incentiva-o a ir estudar em Paris. onde vai passar frio e fome. Os pais voltam a dar ajuda financeira até que Monet (de classe média alta) vai viver com uma modelo de classe social bem modesta. Em 1859 Monet leva uma carta de apresentação de uma tia (que pintava mal).passando a receber encomendas de mais caricaturas. Passa a fazer até caricaturas nos bares. Quando seu pai descobriu cortou sua mesada. Não cobrava dos amigos. Não quis seguir nenhuma profissão que o pai escolhera para ele. cada uma de uma cor. etc. Monet estava tão pobre a ponto de quase não ter o que comer. Cada um levava uma alimento como: pão. chamado Paul Duran Ruel. Desta vez Monet passa a cobrar dos marinheiros pois não os conhecia (10 a 20 francos por caricatura). Monet antes de voltar à Paris passará pela Bélgica. Com 17 anos decidiu ser pintor. Renoir. O fundamental para os impressionistas era usar as cores amarelo. como Monet já tinha lutado na guerra anteriormente. Todos os domingos os chamados rebeldes como: Pissarro. Começa a construir seu primeiro jardim. laranja e verde). Os pais não gostando dessa situação vai cortar novamente a ajuda financeira. Em 1866 pintou uma moça que achou muito bonita chamada Camille e expôs o quadro obtendo muito sucesso. Na França vai morar as margens do Sena a poucos quilômetros de Paris. crítico. Ele ficou tão desesperado que tentou o suicídio para que a sua família percebesse o seu problema. Prestou um exame. Em Paris volta a pintar e nessa época vai conhecer Renoir e Sisley. Lá ele conheceu Pissarro que foram pintar juntos em Mont Martre (onde os pintores pintavam muito). Holanda com o trem Maria-fumaça. Vai conhecer um comerciante de arte riquíssimo. E. Vai pintar o Parlamento em Londres (Renoir também pintou o parlamento). vai pegar sua esposa e filho e fugir para Londres. muito aberta e livre. costume que os franceses não tinham. francês. Vai praticamente sustentar Monet que vai pinta muitos quadros para ele. O “Atelier Suíço” era uma escola de vanguarda. conseguiu entrar. Sisley. Na Bélgica vai gostar mais do trabalho de Rubens. 94 . em Argenteuil. A partir daí eles começaram a trabalhar “o que era impressionismo”. Nessa época aconteceu a guerra franco-prussiana. Manet se reuniam para pintar na casa de Monet. onde se empolga muito com o trabalho de Rembrandt. O dinheiro que arrecadava comprava mais material para sua pintura. Monet passa por dificuldades financeiras quando nasce nessa época o seu primeiro filho Jean. os marinheiros também se interessaram e pediram então a ele que também fizesse caricaturas. No cais de Le Havre. Foi nessa época interrompido pelo serviço militar tendo que ir para Argélia. não ter dinheiro para pegar uma condução para visitar a esposa no Hospital que tinha dado a luz. azul e vermelho (cores primárias) e as cores complementares (roxo. mas achou uma escola muito acadêmica. ele resolve então casar com Camille. Como não deram atenção. sem exames e de ensino muito informal. messenas. Monet vai pedir para que todos levassem flores. com exceção de Basile que morreu na guerra da Prússia. Conheceu também Coubert (pintor Realista). para estudar na escola de Belas Artes de Paris. Vai estudar muito as obras de Constable e Turner. pato. Monet passa a convidar gente para ir à casa dele. Criava galinhas. para o próximo encontro. onde ficou super depressivo. que vai dar apoio substancial aos impressionistas. Vai decidir estudar no "Atelier Suíço". Os seus amigos ajudavam dando comida para ele sobreviver. Ele é banqueiro. queijo e uma plantinha para fazer o seu jardim. Voltando da Argélia foi para a casa dos pais para se recuperar e onde decidiu voltar logo à Paris.

bem iluminadas. Começa a viver lá com os filhos que tinha e com a mulher e filhos de Hoscheder. Vai melhorando e aumentando a casa. As sombras vão ser obtidas mediante o emprego das cores complementares. vai a falência. obras bem claras. Pinta cada vez mais e vai visitar Cezanne em L'Staque e depois Renoir. sendo quase que uma abstração do conteúdo. Em 1875 conheceu um milionário chamado Hoscheder que vai ajudá-lo muito. ou as pessoas. Só que 1 ano depois em 1879 morre sua esposa. Passa a ser muito mais interessante a atmosfera do que a paisagem. etc. pois vai refletir a tristeza que sentia pela morte de sua esposa. Quando vai ao campo. O artista vai se ligar muito na atmosfera. Kandinski fica muito encantado ao ver os quadros de feno de Monet. Em 1878 nasce seu segundo filho Michael. Vão tirar da paleta o preto e quase todas as terras como: terra-de-siena. pintando ao contrário. É a busca do tempo perdido. onde é inverno e de uma tristeza profunda. Um dia passando por Rouen encontra uma casinha encantadora em Giverny. A atmosfera muda o tempo todo conforme a hora. Monet percebeu que as sombras não eram simplesmente áreas mais escuras. que eram amigos da família de Monet. Essa obsessão das cores complementares vai acontecer quando vão pintar ao ar livre. Todos moravam ali por perto. Resolvem pintar também em outros lugares como na Cote d'Arzur. a temperatura. Hoje você passa por baixo dessa estrada por um túnel. Monet faz uma série de quadros de feno e outra série de pinturas. O seu trabalho mais importante dessa época chama-se "Rua da Aldeia". Fica muito encantado com aquela pintura que dava a impressão de feno. deixando-o muito deprimido. Eles vêem a natureza com a mente além dos olhos. Fica feliz com o nascimento de seu segundo filho e nesta época também está ganhando melhor. deixa de viajar ao longo do espaço para viajar ao longo do tempo. O que a pouco tinha uma forma volumosa. bonitas e suas composições são melhores. as Ninféias. Kandinski com essa influência do Monet consegue se desenvolver para o abstrato. Monet vai sair de Paris e Hoscheder e sua família. Vai pintar muito pouco e obras bem tristes. Constrói um jardim oriental aquático do lado de lá. mas sombras com tonalidades diferentes e não mais só de uma cor. as brumas. Vai ser uma característica muito típica da linguagem impressionista. O que importa para Monet é ver a luminosidade. A situação pessoal dele tinha altos e baixos. As cores complementares virão sempre ao lado das cores primárias. Ao ar livre a cor do objeto muda muito em função da atmosfera que filtra a luz e permite o reflexo. festivas. Vai pintar em uma plataforma numa estação de trem para ver o trem sair e chegar. Vai 95 . pega uma charrete e volta para Giverny onde vai compra aquela casa. Monet passa a pintar mais em Giverny e a ganhar mais. Já não interessa tanto percorrer o rio Sena a fim de pintar as diversas situações que aconteciam as suas margens. do momento. Ele vai expor 56 telas na galeria do Duran Ruel sendo quando quase um sucesso (pois não vendeu todas as telas). Monet vai deixar de escurecer as sombras. quando suas obras são mais alegres. em uma exposição na Rússia. Depois de deixar o trem. Durante 30 anos Monet vai morar em Giverny pintando a mesma coisa. "Quando o artista Monet toma plena consciência da importância da atmosfera. ele prefere focalizar o mesmo ambiente nas diferentes horas do dia". Constrói um jardim de estilo normando maravilhoso.As cores complementares vão ser um dogma para os impressionistas. e todo aquele envolvimento que o trem faz. o lugar. de repente pode ser uma leve sugestão. Resolve comprar o terreno do outro lado da estrada em frente a casa. que tinha sumido. comprando muitas obras durante 3 anos. Percebe que tem que viajar ao longo do tempo.

São dezenas de trabalhos em estudos. “Monet buscou sempre a luz em movimento em uma atmosfera mágica”. Um político francês fica encantado com seu trabalho e a partir de 1896 Monet é considerado o mais famoso pintor dos impressionistas. aqui e ali intensamente azuis. na cidade de Cagnes-sur-Mer. Em 1896 vai expor essas pinturas na Galeria Duran Ruel. Renoir (1841-1919) começou muito cedo a ganhar a vida como pintor de porcelana. evidente na longa série Banhistas. Renoir nunca deixou de dar importância à forma . Renoir vai pintar as encomendas da família do banqueiro e as meninas no piano. inverno. Começou a pintar a série das ninféias no ano de 1899. onde faz o maior sucesso. com motivos que lembram o mestre Ingres. Teve uma espécie de malária o que não diminuiu o seu trabalho. Ele fica muito rico. era conseguir realizar uma obra agradável aos olhos. São inesquecíveis poesias cromáticas. por sua beleza e sensualidade. AUGUSTE RENOIR De origem humilde.pintar a Catedral de Rouen em 20 variantes no verão. idoso. conseguindo expor e vender. aceito publicamente antes de todos os outros pintores. Monet pintava o que gostava. buscando o impressionismo por toda a sua vida e por esse aspecto vai ser muito mais bem aceito do que o próprio Renoir. Monet e Bazille. Morreu no sul da França. além de aperfeiçoar sua técnica. etc. outono. conquistou a amizade de Sisley. Desde o princípio sua obra foi influenciada pelo sensualismo e pela elegância do rococó. Aluga uma casinha em frente a Catedral para pintá-la em suas variações durante o dia. Morreu em 05 de dezembro em 1926. teve um período de rebeldia diante das obras de seus amigos. como ele próprio afirmava. Mesmo doente. em que conseguiu elaborar uma atmosfera de vivacidade e alegria à sombra refrescante de algumas árvores. Enquanto Renoir trabalhava por encomenda. Mais tarde retomaria a plenitude da cor e recuperaria sua pincelada enérgica e ligeira. ganhando muito bem. nada o afasta de seu trabalho. Monet pintava o que queria. Em 1900 Renoir foi nomeado Cavalheiro da Legião de Honra. com quem compartilhou dias de muita conversa e teorização em Paris e de árduo trabalho em Argenteuil. no qual se voltou para uma pintura mais figurativa. Seu principal objetivo. Assistindo às aulas no ateliê de Gleyre. embora não faltasse um pouco da delicadeza de seu ofício anterior como decorador de porcelana. Apesar de sua técnica ser essencialmente impressionista. Monet era mais aberto e por isso vai ser um pintor quase que contemporâneo. telas.de fato. pintando ao ar livre. 96 . ofício que aprendeu numa escola noturna. Sua obra de maior impacto é O Baile no Moulin de la Galette.

quase cegas. apenas uma vez por semana. Entre 1875 e 1877 Seurat freqüenta o Curso de Desenho numa escola estatal noturna. Nos primeiros quadros. em Le Raincy. freqüentou os melhores colégios de Paris e concluiu seus estudos de direito sem dificuldade. Depois inscreveuse na Academia de Belas-Artes. nº 60. cujo pai era banqueiro. o que melhor se utilizou da fotografia. fez uma viagem à Itália. nº 110. Chrysostome-Antoine Seurat. quando. 97 . que o escultor Justin Lequien dirigia. Degas foi. descendia de uma família abastada da classe média Parisiense. O tema principal de suas obras se concentrou nas cenas cotidianas e íntimas do mundo feminino. um aluno de Jean Auguste Dominique Ingres. mas ampliou depois esses critérios. O filho tinha uma relação estreita e afetuosa com ela. embora tivesse continuado a se dedicar aos quadros históricos e de gênero. O pai. juntamente com Aman-Jean. Então iniciou uma amizade com Edmond Aman-Jean. Ele estuda os antigos mestres no Louvre. onde assistia às aulas de Lamothe. Em fevereiro de 1878. algo que Degas admirava em Ingres. fez uma série de quadros de balé. ou numa casa na La Villette. Isso lhe valeu críticas e o apelido de solteirão misógino. fato que se reflete ainda mais em suas últimas obras. Visitava a família. Monet e Renoir. tecnicamente falando. Seurat é admitido. o comerciante de tecidos Paul Haumonté-Faivre. Suas obras se encontram nos museus mais importantes do mundo. principalmente. em 19 de março. Entre os anos de 1856 e 1857. entre outros. que foi aluno de Ingres. que morava desde 1862 na Boulevard Magenta. Voltando à França entrou em contato com o grupo de impressionistas. fazendo tentativas com planos e pontos de vista inusitados. Durante o tempo da instrução escolar (1869-1876). Ernestine Faivre. para estudar a obra dos mestres do cinquecento. em Paris. A mãe. interessado nas teorias de seus amigos do café Guerbois. Degas (1834-1917). Todos esses temas lhe permitiram fazer experiências com a cor e o movimento e. Tinha reunido uma pequena fortuna e levou uma vida solitária como reformado na sua casa de Verão. Em 1876 estudou a Gramática das Artes do Desenho de Charles Blanc. na turma de pintura de Henri Lehmann. Também se interessou vivamente pelos quadros de Ukiyo-e japoneses. com a força descritiva do traço. A partir de 1870. tinha sido antes oficial de diligências em La Villette. na École des Beaux-Arts e ingressou. Seurat é introduzido na pintura pelo seu tio materno. tendentes à desmitificação da mulher. ópera e corrida de cavalos. só podia pintar com pastel. GEOGES SEURAT Georges Pierre Seurat nasceu em 2 de dezembro de 1859 na Rue de Bondy. ele também era um pintor amador.EDGAR DEGAS Nascido em uma família rica. não hesitou em aplicar todas as teorias renascentistas sobre espaço e perspectiva. De todos os impressionistas.

dá forma plástica ao amor. Gauguin voltou com os pais para a França. No ano de 1891. ao medo. As cores se estendem planas e puras sobre a superfície. mais precisamente para Orléans. Em 1887 entrou para a marinha e mais tarde trabalhou na bolsa de valores. à prostituição. segundo conhecidos do pintor. trata-se de uma pintura dramática. Suas primeiras obras tentavam captar a simplicidade da vida no campo. Suas telas surgem carregadas da iconografia exótica do lugar. à solidão. em busca de novos temas. representava uma forma de pensar a pintura como filosofia de vida. mas queriam leválos mais longe. Corrente artística concentrada especialmente na Alemanha entre 1905 e 1930. é verdade que teve seguidores e que pode ser considerado o fundador do grupo Navis. quase decorativamente. que. trágico e sombrio OBSERVAÇÃO: Alguns historiadores determinam para esses pintores o movimento ”Pós Impressionista”. * técnica violenta: o pincel ou espátula vai e vem. ao ciúme. * cores resplandecentes. Apesar disso. de 98 . Principais características: * pesquisa no domínio psicológico. que resultou numa produção artística singular e determinante das vanguardas do século XX. inesperado. fundidas ou separadas. em oposição a qualquer naturalismo. Predominância dos valores emocionais sobre os intelectuais. Principais artistas : PAUL GAUGUIN (1848-1903) Depois de passar a infância no Peru. áspera. martelada. para se libertar dos condicionamentos da Europa. Deforma-se a figura. subjetiva. Os três primeiros pintores abaixo estão incluídos nessa designação. * dinamismo improvisado. à miséria humana. Sua obra.PÓS-IMPRESSIONISMO O Expressionismo é a arte do instinto. abrupto. empastando ou provocando explosões. para ressaltar o sentimento. Utilizando cores irreais. * pasta grossa. vibrantes. o pintor parte para o Taiti. fazendo e refazendo. longe de poder ser enquadrada em algum movimento. Começou assim uma vida de viagens e boemia. mais do que um conceito artístico. * preferência pelo patético. foi tão singular como a de seus amigos Van Gogh ou Cézanne. Os pintores não queriam destruir os efeitos impressionistas. como demonstra o seu famoso Cristo Amarelo. fruto. algo que ele consegue com a aplicação arbitrária das cores. e não faltam cenas que mostram um erotismo natural. Aos 35 anos tomou a decisão mais importante de sua vida: dedicar-se totalmente à pintura. “expressando” sentimentos humanos.

Ele sempre andava vagando sozinho pelos bosques. com cabelo espetado. Essa loja chamava-se Galeria Gropil com filiais em Haia. Em 1873 após esse encontro Van Gogh sai de Haia e vai trabalhar em Londres com o tio. Esse tio teve um papel muito importante na sua vida. o seu outro “eu”. Outra coisa que detesta em 99 . Vai se apaixonar por uma moça loira muito bonita. A sede principal era em Haia. Em 1872 Théo (com apenas 15 anos) vai se encontrar com Van Gogh em Haia. Achava que tinha condições para se desenvolver como pintor. sobre os problemas da família. apaixonando-se por arte. não se dava com ninguém. Nasceu um ano depois que sua mãe perdeu o primeiro filho. teologia. Lia muito Platão. Era um homem muito culto. Van Gogh foi morar e trabalhar com esse tio. vivendo só 37 anos. pensando. A moça dizia para ele que era horroroso. amarelos. mas fixou-se definitivamente na ilha Dominique. o que deixou-o muito perturbado. a quem escreveu mais de 650 cartas. o qual tinha o mesmo nome de Vicent Van Gogh. VINCENT VAN GOGH Nasceu em 30 de março em 1853 e morreu em 1890. Foi a primeira grande desilusão amorosa de sua vida. realizou uma exposição individual na galeria de Durand-Ruel. Van Gogh começa a ver as reproduções dos grandes pintores. Gostava muito de ler. em quem podia confiar. Nasceu em Zundert. Ele se achava também muito feio. seu confidente. estudando essas gravuras. tinha uma cadeia de lojas de livros de arte. Quando voltou a Paris. Os dois sempre vão ser muito leais e amigos um com o outro. A família se preocupava com ele. Amsterdã e Paris. Ele vai primeiro para Haia trabalhar como empacotador de livros e despachos também. filha do senhorio da casa onde ele está hospedado. Resolve não se apaixonar mais por ninguém. ficando alguns dias com ele. Théo é o seu irmão. Embora tenha estudado muito pouco. Obra Destacada: Jovens Taitianas com Flores de Manga. verdes e violetas. Van Gogh passou a sua vida toda vendo a lápide atrás de sua casa com seu nome. não sendo nada correspondido. A cor adquire mais preponderância representada pelos vermelhos intensos. Van Gogh tinha um tio que era próspero negociante em Haia. Queria que ele se desse bem em alguma coisa na vida. Tem um livro chamado "As cartas de Van Gogh para Théo" (para quem quiser saber muito sobre sua vida). filosofia. É por isso que foi um grande acontecimento em sua vida. problemática. Quando eles se separam começam a se corresponder por sentirem muito a falta um do outro. mas não de escrever. as cartas que escreveu. Em primeiro de março de 1857 nasceu seu irmão mais moço chamado Théo que vai ser o protetor de Van Gogh por toda sua vida. próximo a fronteira da Bélgica. sua cultura vem de sua autoinstrução. Van Gogh nessa época tinha 19 anos. de gravuras e de pinturas. voltou ao Taiti. Van Gogh vê no Théo sua alma gêmea. e a partir daí eles permanecem ligados para o resto da vida. Cresceu sob o estigma do seu irmão morto. Van Gogh começa a falar de arte com o irmão. Tudo o que se sabe sobre Van Gogh foi obtido através dessas cartas.sua paixão pelas nativas. e que o entendia plenamente como se fosse o outro "eu" dele. por que não deu certo e fica nervoso. etc. Essa criança nasceu e morreu logo após o seu nascimento e a mãe o enterrou atrás de sua casa. A sua vida escolar foi muito fraca. na aldeia holandesa de Brabant. extremamente solitário. Vicent Van Gogh foi uma criança muito difícil.

100 . reprovado nos exames de admissão. faltava do emprego para ir visitar as outras galerias. Em Paris vai ler muito sobre os grandes escritores da época como "Floubert. vai socorrê-lo. mas achava que era impossível que ele fosse tão maníaco por religião. à parte: A obsessão pela religião parecia uma fuga da sociedade. Em 1876 ele sofre sua primeira grande crise nervosa depressiva. enquanto trabalhava vendendo gravuras na loja do seu tio. pois poderia seguir a carreira do pai e do avô. seu irmão. para passar o Natal com os pais. Vai à Paris em 1875. ver o sol e os impressionistas que estavam acontecendo. Fica muito deslumbrado com a luz de Paris e suas ruas movimentadas. Foi. Só que o seu conhecimento por línguas era deficiente. Começa então a desavença com o tio. Resolve ensinar francês e alemão num bairro pobre da metrópole. pois o tio era bom e só tentou ajudá-lo. ele tinha que visitar as famílias dos estudantes. Em Paris. perto de Zundert. Fica quase com pneumonia e Théo. O tio exige que ele freqüente somente a galeria dele ou que então Van Gogh vá embora. Fica frustado por querer ser pastor e o seu pai não o entender. Devido a sua crise espiritual. Tornou-se assistente de um pastor metodista e começou a pregar. da família. no Boulevard do Capuccino. Incumbido de cobrar taxas da escola. porque nasceu num país que tem somente 3 meses de sol por ano (junho. Van Gogh era muito inconstante. das suas frustrações amorosas. Obs. tudo o seduz. Chega a passar uma noite em Paris. O pai fica indignado com Van Gogh. em uma escola infantil. Resolve voltar para a Inglaterra.Londres é a falta de sol. onde é muito mal recebido. Van Gogh falava que apreciava muito as outras galerias por ter outras pinturas bem diferentes e que o tio só tinha pintura acadêmica. Passa a brigar com a clientela querendo impor o que ele achava. que não eram vendidas na galeria de seu tio. Tinha a alma muito parecida com a dos pintores latinos. O seu pai era pastor. Vai pensar o que fazer da vida. Ao invés de desistir. Tudo o que ele fazia era extremamente exagerado. A partir dessa sua primeira crise. suas palavras acabavam mais perturbando do que confortando os ouvintes. Tudo encanta. onde viviam os operários. em Etten. A família resolve ajudá-lo a estudar teologia em Amsterdã. ficando muito frustado e sem perspectiva para o futuro. Não gostava dos países nórdicos porque era anglo-saxão. ele vai ficar extremamente místico e fervorosamente religioso. Quer ser pastor de pobre e não de rico. mas não adiantava dizer nada. O irmão fica horrorizado. portanto. fez um curso de pastor leigo em Bruxelas. tinha crises fortes de rolar no chão (epilepsia). levando-o a conhecer as condições miseráveis da zona leste de Londres. Em 1878 volta à Holanda. Boudelert". Com 22 anos briga com o tio. Resolve voltar para a casa dos pais. muitas vezes em seus sermões. A impressão sofrida fortaleceu o desejo de trabalhar com os pobres e os humildes. Seu tio ficava muito aborrecido por ele ir visitar as galerias concorrentes. Adora Paris e odeia o seu emprego. Só Théo o compreende. Van Gogh resolve ficar na galeria. Escreve uma carta para o irmão dizendo que a miséria o atraía. Só que Van Gogh falava para os fregueses que comprassem as pinturas de outros pintores. Era maníaco-depressivo. só para ver a água da chuva batendo na luz e caindo nas poças. julho e agosto).

Ela tinha um bebê e estava grávida de outro. como Cristo deu tudo aos pobres. foi buscá-lo de volta para a casa. perspectiva e anatomia humana. Quando a família ficou em cima. Resolve voltar para Haia. Quando ele foi para lá a sua mãe. Estava em uma profunda crise mística. Em Haia recebe um conselho de um primo artista também. Seu pai preocupado com as condições que o filho vivia. Pintou também "Camponesa Varrendo". mudou-se para Borinage na Bélgica. Théo vai escrever que se ele continuar com essa mulher ele vai parar de mandar dinheiro para sustentá-lo. sua irmã e camponeses em seus afazeres. Depois do parto ela voltou a beber e Van Gogh não teve mais como ajudá-la. as suas roupas para os pobres. dividindo o quarto com uma prostituta chamada Christine Sien. Anthon Von Rappard. ela pulou fora do relacionamento indo morar com os seus pais em Amsterdã. Viajou a Courrières. mas estava doente com tuberculose. os homens que trabalhavam na terra quase só para comer e. Quando ele decidiu mudar-se para o campo. volta a pintar com a mesma paixão que ele teve no misticismo. Théo começa a sustentá-lo a partir daí. Em 1882 vai morar num quarto horrível em uma casa. Ele estava tão pobre que o dinheiro que recebia do irmão era pouco para comprar o material de pintura. Um deles era o seu estúdio onde em 1885 vai pintar uma de suas mais famosas obras "Os Comedores de Batatas". 101 . Perto de sua casa tinha uma viúva muito bonita chamada Kee Vos. distrito mineiro do norte da França. fez uma mala farta de roupas. Passou a desenhar seus pais. Por 2 anos não tem nada escrito que fale como ele sobreviveu esse tempo. agasalhos. que era uma prima afastada. Ele queria viver e casar com ela. Vai pintar obras fantásticas dessa prostituta. Em abril de 1881 foi visitar Théo em Etten. Ela estava começando a gostar dele. Van Gogh. Multiplicaram-se nesse período os desenhos com que retratava. que o adorava. Vendo aquela pobreza. pobre e seus pais resolvem não ajudá-lo mais. Acolhido como amigo.Três meses depois. porque estava afastando os pobres da Igreja. Mas a família foi contra o relacionamento porque ela era viúva recente e prima. Um dos quadros mais bonitos que vai pintar sobre ela chama-se "Tristeza". aprendeu. a congregação o despede. etc. Em 1883 Van Gogh vai à Holanda ver seu pai que tinha uma nova paróquia e sentindo-se incompreendido foi viver em dois quartos alugados nas proximidades. Vai pintar muito o que tinha visto em Borinage. em seu estúdio. Mais uma vez não deu certo sua vida amorosa. "Natureza Morta com Cinco Garrafas e Tigela". Apaixona-se perdidamente por ela. etc. em suas cartas. onde passou a conviver com os mineiros. a vida daquela gente. Quando ele ficou péssimo. em novembro de 1878. Ele sempre sabia que seria e se considerava um grande pintor. o de desenhar diretamente temas da natureza. também. dizendo que iria pegar mal na sociedade. A ligação não durou muito. Christine não o acompanhou. Fica praticamente sem roupas. Só que a miséria que ele achou na região era muito pior do que ele pensava. mas sabia que seria um grande pintor. distrito belga de mineração de carvão. em sua casa. Passa dias sem comer porque o que recebia dos pais ele dava aos pobres. Passou a estudar desenho em Bruxelas com um jovem estudante da Academia. ele começa a dar tudo o que ele tem. meias. Ela o aceitou. quase não toma banho e muito sujo.

Vai morar com seu irmão. Lá ele faz amizade com todo mundo. Disse para o seu irmão que aquela era a pátria dele e que gostaria de viver para sempre lá. Fica encantado com a luz do impressionismo e pinta algumas obras totalmente impressionistas. Volta a Paris onde passará dois anos frutíferos entre 1886 e 1888. em um apartamento muito bonito. Vai escrever: "Eu quero a luz que vem de dentro. Cidade próxima de Marsseilles. Quando chega o verão. Pelo histórico Van Gogh deve ter sido bissexual devido a tendência de gostar de mulheres e homens. Van Gogh sai de Paris e vai para uma cidade no sul da França chamada Arles. simplesmente porque ela existe. Van Gogh destoava dos outros artistas porque os outros eram de família rica. Resolve fazer uma colônia de artistas. Renoir. Van Gogh fica apaixonado pelo sol que era tão forte a ponto de perturbar as vistas.Em 1884. Monet. O sol do sul da França parecia explodir de tão forte e era o sol que ele chegou a pintar exatamente como era mais tarde. eram mais boêmios. Antes de seguir para Paris. pois a cor é bela e o belo é sempre verdadeiro". As pinturas de Rubens estavam espalhadas pelas igrejas e museus da cidade. Fica impressionado com essas obras. freqüentavam as grandes galerias. Van Gogh não conseguia expor o que pintava. Vai pintar o carteiro. Não acreditava que não tivesse vivido lá anteriormente. que gerenciava uma galeria em Mont Martre. Fica muito amigo do proprietário do café e do tenente do exército. Van Gogh e Toulouse Lautrec que também tinha uma vida bem à parte. 102 . Van Gogh entra numa fase furiosa de pintar onde vai fazer uns 300 quadros em menos de 4 meses. O primeiro que quis que morasse com ele foi Gauguin. Pinta a família Rolan. A luz vai iluminar os girassóis que pinta. quero que as cores representem o meu coração". onde fará as pinturas que mais conhecemos hoje. que ele não tinha. de ter abandonado toda a família e tudo para morar em Taiti (?). O motivo talvez tenha sido a morte do seu pai ou então o desejo de estar perto do irmão que se mudara para Paris. que dê ajuda financeira à ele. Deve-se aproveitar sempre isso. eu quero que as cores representem as minhas emoções. Não chega a ficar íntimo. só serviu para ele fazer desenhos sobre nus. Teve uma paixão por Paul Gauguin onde via a coragem nele. Em outubro chega Paul Gauguin para trabalhar com Van Gogh. Vai de qualquer modo deixar a Holanda para sempre. Expor para os impressionistas ainda era um obstáculo quase intransponível. ficou em Antuérpia alguns meses. pinta todo mundo. já que não consegue vender. Fica íntimo da família do carteiro. Nessa época ainda não tinha crise nenhuma e estava pintando muitos quadros impressionistas em Arles. Degas e achava que todos eram antipáticos e metidos. Continua a pintar como impressionista. Vai começar a pintar cada vez mais rápido. porém. Vai convidar todo mundo para viver com ele ali. Vai conhecer Manet. no bairro dos intelectuais e dos artistas. Em seguida fica muito amigo de Pissarro e Paul Gauguim. viviam bem. O impressionismo estava no auge. o padeiro. Pede a Théo. É aí que vai pintar seu primeiro auto-retrato. Descobre a cor e escreve para o Théo: "A cor expressa algo em si. Resolve se matricular em uma Academia de pintura acadêmica. O sul da França para ele tinha uma equivalência com o Japão. Aluga um sobrado amarelo numa praça chamada "La Martine". Mas. mudou-se novamente para França. os grandes cafés e ele não.

em frente ao espelho. do seu trabalho. Volta a trabalhar com muita fúria. Tinha uma consciência muito grande do que tinha. fica encantado. no prostíbulo. Eles eram completamente diferentes. Um dia um pintor pontilhista chamado Signac vendo um quadro de Van Gogh. achando que era "Deus" e que podia reformar o mundo. Ele já estava completamente expressionista distorcendo a imagem por vê-la também distorcida. onde irá pintar o seu quarto. Vai visitar Van Gogh e faz com que um amigo seu. próximo a Arles onde vai ficar 10 dias internado. Théo vai acumulando seus quadros. Gauguin era muito macho. Os médicos deixaram que ele transformasse o seu quanto em um atelier. ao redor do hospital até ao anoitecer. Van Gogh corta o lóbulo da orelha e o embrulha pedindo para entregarem à Gauguin. Começou a ter outra vez uma série de crises místicas. Pintava. na casa de Théo. volta para sua casa amarela. Mandava seus quadros para Théo que não conseguia vendêlos. Acham que Van Gogh era louco e pedem para que o prefeito de Arles expulsem-no da cidade. Eles brigavam o tempo todo. com as tintas. todas as pessoas de Arles passam a detestá-lo por isso. Vai para um outro hospital chamado Saint Rémy. Ele adorava pintar lá. a morte talvez não seja a coisa mais difícil" (já começa daí a ter idéias sobre a morte). Van Gogh queria que Gauguin pintasse a mesma figura que ele e ficava discutindo sobre a pintura que saía diferente uma da outra. Van Gogh achava que tinha perdido muito tempo durante sua crise sem pintar que fora dela passava a pintar tudo muito rápido em busca do tempo perdido.Gauguin era muito organizado com tudo. Ele se achava um grande pintor e por isso não acreditava porque não conseguia vender nada. publique sua primeira e única crítica. enfim. Cria um clima muito negativo para ele. Van Gogh pede ao irmão que o leve para um hospital psiquiátrico (não para completamente loucos) chamado Saint Paul. O seu olhar era de espanto. No meio a uma discussão feia. passava a pintar muitas paisagens que agrediam pela sua violência. a janela. Vivia intensamente cada momento de sua vida. Em maio de 1889 ele fala para o Théo que não dava para viver assim e que precisava ficar um tempo maior internado para melhorar e tomar remédio. Não gostou da cidade achando-a muito parada. monótona. Gauguin jogou vinho na cara do Van Gogh e foi embora para morar em um prostíbulo. o seu quadro onde aparece com a orelha cortada. ainda em Arles. É nesse momento então que vai pintar. todo o hospital. Théo pergunta para o Van Gogh o que achava que deveria fazer. irritando-se muito com Van Gogh. Isso perturbou mais Gauguin dizendo que jamais pisaria ali novamente. Ao sair do hospital. dono de um jornal da França. muito elogiosa. Nesse momento escreve novamente para Théo: "Na vida de um artista. 103 . Van Gogh jogou na cara do Gauguin que o Théo estava sustentando ele também. de mágoa. Vai querer sair para pintar lá fora também. Gauguin ficou muito nervoso e Van Gogh ameaçou ele com uma navalha. tem uma melancolia muito forte. Os médicos consentiram mas com a condição de que fosse vigiado por um guarda. Vê anjos e demônios. os pincéis e muito cheio de vida. Estando tão bem no hospital em Saint Rémy. Cada vez que tinha uma crise e voltava muito fraco e abatido. após suas crises. Van Gogh desesperado declara que gostava muito dele e de todas as formas.

Diz a Théo que vai cuidar dele. porque além de ser maníaco-depressivo. amigo dos artistas e que tinha uma visão muito moderna da psiquiatria. Gachet fala para o Théo que a situação de Van Gogh era grave e que estava no limite da loucura. Pissarro. No dia 29. que ele está muito feliz. sem guarda para tomar conta dele. "Retrato do Dr. Não se sabe onde se encontra esse quadro. Gachet e dizendo ao seu irmão: "A miséria teve fim". Van Gogh vai gostar muito dele. Um dia. Disse que não adiantava prendê-lo. toda estrutura para que ele pudesse pintar. O médico consegue explicar que ele estava passando por uma crise dificílima e que tinha que fazer isso. além do seu irmão. Gachet. morre na presença do Dr. já que é um grande artista.Gachet perguntou para onde gostaria de ir e ele respondeu à “Paris”. fazendo um preço especial. fazem uma estrutura para ele pintar um pouco melhor. Dr. tentando socorrê-lo. Hoje em dia. Nesse período. entrevista Van Gogh. Acaba então o momento de Paris onde ficou apenas 10 dias e volta com o médico para "Anvers". Todos violentos. Van Gogh não quer ver o irmão e Théo fica muito magoado. 104 . Foi o único quadro de Van Gogh vendido durante toda sua vida. ele pinta os seus famosos quadros: "Os Ciprestes". É carregado para a casa do Dr. Pinta mais de 200 desenhos e mais de 40 quadros a óleo em menos de 2 meses. descobre que era epiléptico (devido às crises em que rolava no chão) ou esquizofrênico. ainda vivo. Gachet. Ele não morre na hora. Pinta seus últimos trabalhos e começa a aceitar a sua doença achando que não tinha mais jeito. pincéis. Gachet toda vez que ia a Paris trazia tintas. Gachet". Gachet estava querendo matá-lo e depois voltando atrás dizendo que não. Van Gogh é bem recebido por ele. vai para um campo de trigo bem próximo a sua casa. com um revólver na mão. psiquiatra muito famoso na Europa. Dr. que era muito amigo de Théo. mas isso não ocorre. Toulouse Lautrec. O médico achou que ele não devia ir sozinho e resolve acompanhá-lo até Paris onde vai encontrar Toulouse Lautrec. Em outro dia ele entra numa crise horrível. Sisley. no final de sua vida. escreve para Théo. retorcidos. Dr. telas. quando começa a ter mania de perseguição. O filho do Dr. Ele tinha 37 anos. Somente seis meses após essa publicação alguém resolve comprar o quadro "A vinha vermelha". céu incrivelmente azul. E ele consegue colocar na tela todo aquele desespero interior. que era próximo a Saint Rémy. Nessa fase Van Gogh consegue uma certa paz interior ao encontrar alguém que o compreende. Van Gogh tinha que ter a liberdade de trabalhar ao ar livre e pintar o que quisesse para depois voltar para casa. Gachet e que precisava sair para respirar. notável e cheio de problemas. Van Gogh. no sul da França. Ele dizia que não poderia morrer enquanto seu irmão não chegasse. mas Lautrec conversa com o médico pois o acha muito perturbado. Gachet onde passa a noite fumando cachimbo esperando por seu irmão Théo. O sol e os grãos estavam bem dourados. "O Trigal com Corvos". dois dias depois. ficando em uma casa bem próxima a do Dr. Falava que gostava do Dr. estando muito tranqüilo e lúcido. Vai confiar muito no médico.Pensou que essa crítica fosse ajudar a vender algum quadro. pinta seu último quadro e dá um tiro no seu peito. num domingo ensolarado (detestava domingos onde o tempo parava e ele era muito ativo). sozinho. Gachet houve o tiro e sai correndo. Dr. Diz a Théo que o Dr. achando-o fantástico. acham que ele deve ter tido uma lesão cerebral ocorrida no parto. com Théo segurando sua mão. Em 27 de julho de 1890.

O seu apelo era para ele mesmo e não para a pessoa que estivesse vendo a sua pintura. Corre-se o risco de se fazer dele um herói e de se fazer dele distante. fundariam uma comunidade de artistas. por que nos olhos deles há o que não existe em nenhuma catedral e em nenhuma construção. Corre-se o risco de se perder no turbilhão confuso de sua pintura. como a que ele reclamava para contra balançar "a decadência do Ocidente". Nunca concordou quando Théo pedia para ele distorcer menos para que suas obras fossem vendáveis. As vezes pintava com o dedo. pintava com grossas camadas de tintas. O seu apelo social ocorreu antes dele entrar nessa fase. da qual seriam os pioneiros. Pinta a sua realidade e o que vive. Escreve para o Théo: "Quando eu começo a pintar. Então pedira a seu irmão Theo que o ajudasse a convencer Gauguin que fosse à Provença morar com ele. É chamado de pintor expressionista. Passa para sua pintura toda a sua perturbação e toda a sua tristeza. Mas. Sua pintura é como um diário. Gostava demais de Millet. mas que sobreviveu através de sua pintura. uma reflexão profunda do seu ser. telas pequenas. em Paris. Não se sabe bem se pelo pintor. Essa técnica chama-se "empaste". procuro uma técnica simples que não é impressionismo e nem pontilhismo. nessa casa amarela. somente ele. Muitas vezes pegava o tubo e colocava a tinta diretamente na tela. Ali. Não procurou agradar nunca os outros. um expressionista sempre deforma com apelo à emoção e apelo social. pelo homem ou se pelo seu trabalho. É um grande pintor de todos os séculos. Gauguin a dirigiria e novos pintores chegariam para integrar essa confraria ou comuna fraternal. Os olhos dos homens são imponentes e majestosos. existiam 700 quadros de Van Gogh sem comprador. embatido pelos sintomas da doença. depois os pintores franceses como Delacroix. "Quando se estuda Van Gogh corre-se o risco de se apaixonar. Ele queria pintar somente o que ele sentia. e ficará fascinado com a personalidade arrebatadora desse artista aventureiro que acabava de voltar do Panamá e da Martinica com uns quadros cheios de luz e de vida primitiva. Ele pintava muito para ele próprio. 105 .No sótão da galeria Gropil de Paris. muita espátula. onde Théo tomava conta dessa galeria. Van Gogh não vai deformar com um apelo social em sua fase expressionista. Teve uma fase impressionista bem curta. dominado pela doença. homem incomum. E corre-se o risco de cada vez mais entender Van Gogh” Van Gogh era um homem de uma riqueza interior genial. A HISTÓRIA DE DOIS AMIGOS Van Gogh conheceu Gauguin poucos meses antes. Pinta muita figura humana e fala para o Théo: "Amo mais pintar os olhos dos homens do que as catedrais. Eu quero pintar de uma forma que todo mundo que tenha dois olhos possa ver claro." Exagerou muito nas cores. onde tudo seria partilhado. Deve ter pintado mais de 1000 obras. dava uma textura muito grande à sua tela. Vermeer. Isso é o que eu chamo de simplicidade técnica". Técnicas de pinturas utilizadas por Van Gogh: Suas primeiras influências foram os pintores holandeses como Rembrandt. Essa distorção era feita para ele e não importava se você entendesse ou não. se viveria pela e para a beleza e não existiriam a propriedade privada nem o dinheiro.

uma discussão no Café Estação.Os dois meses que Van Gogh e Gauguin passaram em Arles. termina de modo abrupto: o holandês lança sua taça contra o amigo.acentua-se cada vez mais."). PAUL CÈZANNE (1839-1906) Sua tendência foi converter os elementos naturais em figuras geométricas . nos meses seguintes. entre outubro e dezembro de 1888. de tal forma que se torna impossível para ele recriar a realidade segundo “impressões” captadas pelos sentidos. Véspera de Natal de 1888. como que assediado por um incômodo permanente. era teimoso e pediu sementes a seu amigo Daniel de Monfreid. embrulhada num jornal a Rachel. Embora nunca voltassem a ver-se. Punaauia. como se tratasse de alguém muito alheio a ele ("Foi uma sorte para ele. prostituta com quem Van Gogh saia. Às 7 da manhã volta à Casa Amarela. No entanto. em Auvers-sur-Oise. caso o episódio se repetisse. que essa ausência esteve muito presente nos 15 anos de vida que lhe restavam. quando está atravessando o Parque Victor Hugo. quando todo mundo lhe garantira que essa flor exótica nunca havia conseguido aclimatar-se na Polinésia? Mas o "selvagem peruano". ele poderia reagir com igual violência e apertarlhe o pescoço. Na véspera. Depois havia voltado ao seu quarto e ido dormir em meio a um mar de sangue. foge. os amigos de Arles trocaram algumas cartas. 'Quando do suicídio de Van Gogh. No dia seguinte lhe comunica a intenção de mudar-se para um hotel pois. ao se sentir descoberto. Guaguin vai passar a noite num hotelzinho próximo. Gauguin sente passos às suas costas. são os mais misteriosos de suas biografias. nas quais o episódio da mutilação da orelha e suas experiências em Arles primam pela ausência. Obras Destacadas: Castelo de Médan e Madame Cézanne 106 . que. no Taiti. como gostava de se chamar. lhe diz.como cilindros. Volta-se e vê Van Gogh com uma navalha na mão. Gauguin e os policias o transferem para o Hotel Dieu e Gauguin parte para Paris na mesma noite. enquanto bebiam absinto. enquanto Van Gogh permanecia um ano inteiro no sanatório de Saint Rémy. Van Gogh havia cortado parte da orelha esquerda. E nos anos seguintes evitará falar do holandês. com uma bala de revólver no estômago. Gauguin fará um comentário brevíssimo e ríspido. no bordel de madame Virginie. em Arles e a descobre rodeada de vizinhos e policiais. Por que se empenhou em semear girassóis diante de sua cabana em Punaauia. depois do incidente no parque. puderam deleitar-se com aquelas estranhas flores amarelas que acompanhavam a trajetória do Sol. que mal se desvia dela. talvez de um modo que nem sequer foi sempre consciente. o fim de seus sofrimentos. levando-a. um ano e meio depois. Ao anoitecer. é óbvio que não o esqueceu. e trabalhou a terra com tal perseverança que afinal seus vizinhos indígenas e os missionários daquele lugar perdido. cones e esferas .

demonstrou pouco interesse pelas paisagens e dedicou-se aos interiores. Em 1883. voltou a beber. sentia a estética acadêmica como algo cada vez mais restritivo e insuportável. Entregouse ao alcoolismo e seus modos irônicos não disfarçavam o sofrimento decorrente de sua deformidade. gênero a que conferiu incomum aprofundamento psicológico com grande economia de meios. desagradava a Toulouse-Lautrec.veemente defensor das normas acadêmicas e contrário aos impressionistas --. Toulouse-Lautrec dedicou-se à litografia. 107 . passou alguns meses num sanatório mas. Montou um estúdio particular em meados da década de 1880 e passou a freqüentar os teatros e cabarés do bairro parisiense de Montmartre. de linhas livres e onduladas. Apesar do apoio do novo mestre. em 24 de novembro de 1864. no ano seguinte.La Goulue". executada necessariamente em óleo sobre tela. Menos de um ano depois. Entre as mais de 300 que produziu. Interpretada como reação à condição física do próprio artista.” Henri-Marie-Raymonde de Toulouse-Lautrec-Monfa nasceu em Albi. Em 1872. destaca-se a série Elles. O estilo pessoal de Toulouse-Lautrec. "Au salon de la rue des Moulins" e inúmeros retratos. São famosos "Moulin Rouge". As cores intensas. em 1881. Dedicou então cada vez mais tempo à pintura. Em 1891 ele criou seu primeiro cartaz de propaganda. França. dançarinas de cancã dos cabarés e outros personagens da vida noturna parisiense da década de 1890 eram seus modelos prediletos. em combinações rítmicas. ingressou no Liceu Fontanes (posterior Liceu Condorcet) e.TOULOUSE-LAUTREC (1864-1901) Henry Marie Raymond de Toulouse Lautrec “A idéia da pintura como obra de arte elevada. sugerem movimento. enfrentou a oposição familiar e decidiu tornar-se pintor. que passa a ser apenas sugerido. Ao contrário dos impressionistas. transgride freqüentemente as proporções anatômicas e as leis da perspectiva em favor da expressividade. A partir de 1892. Em 1899. quando sofreu um acidente e quebrou o fêmur esquerdo. Um de seus primeiros mestres profissionais. sensível panorama da vida nos bordéis. Léon-Joseph-Florentin Bonnat -. Toulouse-Lautrec passou ao estúdio de Fernand Cormon. As figuras são situadas na tela de forma a que as pernas não fiquem visíveis. abominava os desenhos do aluno. "Moulin Rouge -. A simplificação do contorno e o uso de grandes áreas em uma só cor caracterizam os cartazes. onde conheceu Van Gogh e Émile Bernard. após grave colapso nervoso. Nunca pôde se restabelecer e suas pernas atrofiadas e disformes dificultavam-lhe a locomoção. que estão entre suas obras mais significativas. que foi afixado nos muros de Paris. O surgimento da série coincidiu com a deterioração de seu estado físico e mental. recebeu educação artística e praticou esportes até os 14 anos. essa característica elimina a obviedade do movimento. As prostitutas. quebrou o direito. De família aristocrática. depois de bacharelar-se. que tornaria célebres em sua obra. em Paris.

a partir de então. executou uma de suas obras mais importantes: "O violoncelista". Modigliani morreu em Paris. sobretudo das esculturas do Congo e do Gabão. que Modigliani esculpia sempre diretamente na pedra. Modigliani marcou a pintura da primeira metade do século XX com suas figuras alongadas. Em 1906 mudou-se para Paris e. Jane Avril. como o fauvismo. o cubismo e o expressionismo. que iniciou na cidade natal e prosseguiu em Veneza e Florença. só posteriormente reconheceu-se a importância de sua obra. muito influenciado por Cézanne. que por um longo período abandonou a pintura pela escultura. Essa fase se prolongou até 1914. em 12 de julho de 1884. Influenciado pelo cubismo e fauvismo. filho de abastada família judia. Os temas preferidos de Modigliani foram. Toulouse-Lautrec e Picasso. segundo o artista. AMEDEO MODIGLIANI (1884-1920) Um dos principais integrantes da escola de Paris. em 9 de setembro de 1901. O encontro com o escultor Constantin Brancusi marcou a carreira de Modigliani. na tentativa de preservar a unidade plástica do bloco. sem dispor dos recursos necessários à produção de esculturas. que expôs no Salão dos Independentes de 1909. além das numerosas litografias. caracterizada por um despojamento que alguns críticos creditaram a sua inclinação para a escultura. Essa breve fase final do artista foi a mais importante de sua obra. o pintor alemão deu formas geométricas às cores e despojou-as de sua função decorativa por meio de contrastes agressivos. em 24 de janeiro de 1920. o artista executou nesse período esculturas nas quais se misturam influências da escola de Siena e da arte da África negra. os retratos e os nus femininos com modelos que. KIRCHNER (1880-1938) Foi um dos fundadores do grupo de pintura expressionista Die Brücke. como os que fez para Aristide Bruant.Henri de Toulouse-Lautrec morreu no castelo de Malromé. Gironde. retornou à pintura. ao fim de três anos de vida boêmia. Impressionado pelo cubismo. mas pelo movimento e pelo alongamento dos traços. com o fim de manifestar sua verdadeira 108 . Amedeo Clemente Modigliani nasceu na cidade italiana de Livorno. que prefigurou revolucionários movimentos artísticos do Século 20. Apesar da excepcional popularidade de seus cartazes publicitários. quando o artista. que se destacam pelo despojamento e pela estilização. Também a influência dos kouroi (esculturas gregas que representam jovens atletas desnudos) se faz sentir nesses trabalhos. expressavam "a muda aceitação da vida". Com o raro dom de conseguir uma imediata empatia entre seus retratos e o observador. dotou suas figuras de uma sensualidade que se transmite não pela nudez. May Belfort e outros artistas. Por causa da saúde precária não recebeu educação formal e voltou-se para o estudo da pintura. França.

Entre eles merecem ser mencionados Anatomia de Afrodite. Sensivelmente influenciado pelos desastres da guerra. pode expressar ritmo e movimento". Flores Noturnas e Villa R. ver sua obra ser destruída e desprestigiada pelos órgãos de censura.. Kirchner continuou sua formação na cidade de Munique. Depois de uma viagem pela Itália. numa referência à frase do escritor: “. voltou a pintar ao ar livre. criados. Klee estudou com o mestre Von Stuck em Munique. Mas a grande descoberta ocorreria dois anos depois. na primeira exposição dos surrealistas. Veio então a época em que os pintores se reuniam numa casa de veraneio em Moritzburg e se dedicavam apenas ao que mais lhes interessava: pintar. mas antes apresentou suas obras em Paris. 109 . Klee deixou vários trabalhos escritos que resumem seu pensamento artístico. Pouco tempo depois reuniu-se com os pintores Heckel e Schmidt-Rottluf em Berlim. em sua primeira viagem a Túnis. com quadros de caráter quase surrealista.. e um ano depois tentou o suicídio. onde se encontrou com Delaunay. em cima de "matéria e sonhos". produto de uma profunda tristeza. seus quadros se transformaram num amontoado neurótico de cores contrastantes e agressivas.visão da realidade. Depois de lutar durante dois anos na Primeira Guerra. Paralelamente. Em 1914 Kirchner foi convocado para a guerra. Tendo concluído seus estudos de arquitetura na cidade de Dresden. para seis anos mais tarde. em 1931.a ponte que conduz ao super-homem”). Em 1912 viajou para Paris. Suas obras mais importantes estão dispersas pelos museus de arte moderna mais importantes da Alemanha. Em 1933. Dessa época são os quadros mais ousados de paisagens e nus. em 1940. Klee escreveu: "A cor. PAUL KLEE (1879-1940) Considerado um dos artistas mais originais do movimento expressionista. Quando suas mãos se recuperaram do ferimento. bem como cenas circenses e de variedades. em sua casa ao pé dos Alpes. Sua última exposição em vida aconteceu em Basiléia.No final de 1938 o pintor pôs fim à própria vida. Iniciou uma fase de grande produtividade. Demônios. Klee juntou-se em 1924 ao grupo Die vier Blauen. Klee emigrou para a Suíça. Kirchner tentou mostrar em toda a sua produção pictórica uma realidade de pesadelo e decadência. com os quais. Quando finalmente sua contribuição para a arte alemã foi reconhecida. foi nomeado membro da academia de Berlim. entrou em contato com os pintores da Nova Associação de Artistas e finalmente uniu-se ao grupo de artistas do Der Blaue Reiter. As formas cúbicas da arquitetura e os graciosos arabescos na terracota deixaram sua marca na obra do pintor. que seria de vital importância para suas obras posteriores. Além de sua obra pictórica. A exemplo de Kandinski. este pintor dedicou-se durante a toda sua carreira a buscar o ponto de encontro entre realidade e espírito. motivados pela leitura de Nietzsche. fundou o grupo Die Brücke (A Ponte. começou a trabalhar como professor em Dusseldorf e mais tarde na escola da Bauhaus em Weimar. durante o nazismo. como a forma. Convencido de que a realidade artística era totalmente diferente da observada na natureza. segundo o pintor.

bem preta dos contornos ao redor das figuras. não importa a cor. Essa revista veio a comentar que aqueles artistas expressavam só dor. Ninguém vai pintar mais sobre a “belle epoque” pois. solidão interior. O expressionismo vai surgir. não pode ser chamado de um simples estilo. Deformava em uma busca muito forte. quando o homem deformava um bisonte ou abutre. Tanto o abstracionismo quanto o expressionismo estão muito fortes ainda no século XX. mudando tudo sobre a estética grega que estávamos acostumados a ter como padrão ou ideal de beleza. Essa falta de comunicação. etc. Obs. um apelo a sua emoção. Ex. É muito forte. etc. como corrente artística. Lá existe uma falta de comunicação muito grande. no princípio do século XX. vermelho. mas sempre vai ter contrastes violentos no interior da figura. Existem dois aspectos no expressionismo: o aspecto técnico e o psicológico. Vem do comportamento introvertido do homem. Pode ser preto. no final de sua vida. música. de não facilidade para se expandir e falar com o próximo é que faz com que surja o expressionismo. que sempre existiu. filmes. O aspecto técnico é aquela acentuação bem forte. o oposto da pincelada delicada do impressionista. Desde a pré história. O expressionismo nunca vai pintar sobre aquela emoção gostosa que se observa nos quadros impressionistas. registrar a dor humana. do que estava acontecendo no seu país. roxo. amargura. Esse termo vai existir também na música. É uma constante na história da arte. Normalmente usam cores puras. quando ocorre uma grande catarse que se projetará na pintura. Artistas alemães do princípio do século: Edward Münch (papa dos expressionistas) 110 . muito rápidas. Os primeiros artistas plásticos que foram chamados de expressionistas foram os alemães.: Quase todas as principais correntes expressionistas são nórdicas. ficando meses trancados em casa por causa das tempestades de neve. Desde que o homem é homem ele faz expressionismo embora não fosse consciente dessa denominação. já era expressionista sem saber. fotos. o tempo é ruim com pouco sol.: música expressionista. muito violento. mas com conteúdo atual. O impressionismo continua forte somente na forma e não mais no conteúdo. a belle epoque. Pode-se usar a mesma técnica hoje. É muito forte na Alemanha e nos países nórdicos.O EXPRESSIONISMO O expressionismo sempre existiu e sempre vai denunciar. No aspecto psicológico é uma arte quase que de instinto. Goya. ele já era expressionista deformando por necessidade própria. porque as pinceladas são muito nervosas. O expressionismo. Foi publicada pela primeira vez em uma revista alemã chamada de "A tempestade". não tem mais sentido de pintar o impressionismo hoje com o conteúdo do século passado. O expressionismo vai surgir entre 1904 a 1909. ao redor de tudo.

Portanto. Eles vão pensar que o homem é livre. O idealismo é a busca da beleza ideal superior a beleza. parecendo uma fotografia. É lógico que essas correntes vão ter influências entre si. néo-clássica) Expressionismo (Pintura barroca. Esse grupo é fantástico formado por três artistas citados anteriormente excluindo-se Edward Münch e Emil Nolde. É uma arte muito instintiva. etc. o interesse pelo drama individual (oposto do impressionismo que só retratava o belo). primitiva. Protesto contra tudo.Kirchiner. "A Ponte" também vai ter alguma coisa de arte selvagem. Todo o classicismo grego é idealista. "A Ponte" significa a ligação entre o visível e o invisível. acadêmica. como também é no renascimento. como todas essas correntes do princípio do século que ficam encantadas com essa arte. Ernest L. É a própria deformação da figura. Normalmente a Arte Selvagem está muito ligada principalmente à arte da Polinésia Francesa. Tudo é exagerado e tudo é distorcido para retratar "aquela emoção. expressionismo. fovismo. renascentista. Expressionista é a emoção e o Impressionista a sensação. “Arte selvagem” é a arte da descoberta da existência da África. dadaísmo. com perfeição. todos os pintores expressionistas vão descobri-la. Essa influência "exótica" foi muito forte para os franceses e para os nórdicos. É a representação mais usada no mundo todo. realista. Registra fielmente possível aquilo que os sentidos percebe. Dentro da estética da arte existem 3 formas para representar o mundo: Realismo (Pintura hiper-realista) Idealismo (Pintura clássica grega. fantástica e onde colocam tudo o que eles sentem e sem muitos parâmetros com a arte acadêmica. Quando o artista deforma a figura ele obedece a um desejo de fazer um apelo à emoção com muito vigor até mesmo na alegria. A arte da Polinésia é muito expressionista. Karl Schimt Rotluff Otto Muller Emil Nolde Esses alemães vão fazer um trabalho chamado "A Ponte". contra a burguesia (o expressionismo sempre vai ser um protesto). que se encontra dentro da própria pessoa. Todas essa correntes do principio do século vão ter influência da arte selvagem (dos africanos). aquela dor". Os principais enfoques do expressionismo são: No aspecto social. o expressionismo tem a ver com a arte selvagem. abstracionismo. 111 . impressionismo. Nesse principio do século XX vai aparecer todos os “ismos” como: cubismo. abstrata) O realismo é quando o pintor representa o mundo exatamente como é. cubista. Os impressionistas eram muito “doces” para esse “amargo” nórdico. Como o Picasso.

separando esses pintores. como no renascimento. Guerra Mundial. nasceu na cidade e vai pintar de uma forma primitiva. Um assunto expressionista é sempre distorcido. Primitivo é o homem que nasce na selva. Rousseau nunca tinha visto uma floresta na vida. como se fossem vitrais e a Joana D'Arc (que vai fazer um contorno preto na figura da Joana D'Arc como se fosse vitral). acabou em 1913 por causa da guerra. nascido no Brasil. Tudo é possível. O nome expressionismo surgiu em 1912. da época dos impressionistas. “Primitivo” é o homem que nasce na selva. O impressionista vivia sempre em grupos. Existia uma diferença de conteúdo entre os pintores expressionistas nórdicos alemães e os pintores nórdicos franceses. A corrente expressionista tem uma forte distorção. A personalidade do pintor expressionista tem como característica a necessidade de se isolar para criar uma técnica própria adequada para os seus fins pessoais expressivos. Existe uma abertura muito maior que no impressionismo. pois seu pai era médico e Münch presenciou esse assunto. na Alemanha. pintor francês expressionista. Vai pegar uma santa que jamais será tema dos expressionistas nórdicos alemães. que é um assunto brasileiro.O expressionismo é praticamente o século XX. etc. O individualismo em um pintor expressionista é muito forte. "A Ponte". Não tem nenhuma aberração. amargo. “Naífe” é o homem civilizado que sabe ler. do leão. fragmentado. mas pegou um livro de estória de seu filho e de lá tirou a imagem do macaco. 112 . Só pode ser colocado que se caracteriza pela distorção. dolorido. ou melhor "Naífe" (porque não nasceu na floresta e sim na França) vai pintar muito sobre a selva.: Edward Münch pintou muito sobre a morte. O expressionismo vai expandir fortemente antes da 1a. Ex. a dor é bonita. que surgira no início do século XX (1905-1906) e queria ligar os 2 mundos. é latino e vai pintar muito a igreja católica. Os pintores expressionistas não eram muito unidos. com as emoções. Mexe com a cabeça. os pintores se dispersaram tanto que quase acabaram com a corrente. O seu conteúdo será sobre os retirantes. no barroco (com a diagonal e sem uma figura no centro). Rousseau é um pintor primitivo. O homem do século XX é extremamente individualista. O conteúdo é muito de cada um. uso de cores fortes. Uma obra expressionista é um golpe para quem a vê. os santos. mas cada um tem o seu estado mental que pode colocar no seu trabalho. A caricatura também é expressionista. ressurgindo novamente mais tarde. mas o estado mental difere de cada um que pinta. Portinari é expressionista. É um pintor de 1885 ou 1886. O expressionismo não é belo no sentido da estética. Rotluff. só que vai pintar de forma primitiva. Jamais seria um conteúdo dos países nórdicos. porque distorce para representar algo interessante e tem humor. etc. Não existe uma regra ou característica muito unida. Com a guerra.

horrível. ele tem que ser separado dos expressionistas por ter uma pintura diferenciada. quando era jovem e foi pintar em Nova York. Em 1921 foi professor de desenho da Bauhauss. Um pintor chamado Franz Marc pintou um quadro chamado "Cavaleiro Azul". às vezes primitivo e louco. Paul Klee nega a realidade da percepção normal transformando tudo o que você acha que é certo e normal. Entre os artistas modernos ele é o mais individualista. viveu muitos anos na Europa e escreveu que teve muita influência de Giotto e Velásquez. É considerado um dos grandes artistas do século XX. Criou flores. em 1933. Kandinsky (grande paixão deles) e Franz Marc. nasceu em Berna. etc. No pós-guerra. Expressionistas mexicanos: Diego Rivera Orosco Siqueiros Diego Rivera pintor mexicano. Voltou ao México fazendo grandes murais em edifícios públicos da cidade do México. Paul Klee. Exilados. Embora tenha pertencido ao grupo do "Cavaleiro Azul". ficou impressionado pelo mural de Diego Rivera pedindo para que fosse ajudante dele. uma fauna estranha.: Jackson Pollock. Hitler. Os expressionistas usam muita gravura em metal. Não segue nenhuma corrente artística. expressionista. na Suíça. que surgiu no expressionismo. Para ele tudo era normal e tinha lógica. Eles eram partidários do abstracionismo. Esses pintores desse grupo foram: Paul Klee. Ele era um homem extremamente intelectual. Era desenhista supremo. Obs.Surge um outro grupo de expressionismo chamado de "O cavaleiro azul". etc. muralista. Expressionistas brasileiros: Mário Gruber Anita Malfati Portinari Grassmann. Outros pintores acharam fantástico o seu trabalho e se reuniram ao seu redor formando um grupo chamado Cavaleiro Azul (devido a esse quadro). Paul Klee. os expressionistas ressurgem com grande energia na Alemanha. Alguns críticos acham-no um pouco infantil. Tudo era religioso e mágico. vai expulsar todos eles porque achava que pintavam uma arte degenerada. vão ressurgir em várias partes do mundo como no Brasil. acabou deixando de ser para se tornar Paul Klee mesmo. No Rockfeler Center também se encontra um grande mural dele. de gente louca. Nova York. Pollock acabou ajudando no trabalho de 113 . na Alemanha. Tinha um mundo próprio por criar leis próprias de perspectiva e de lógica. detalhista e sua arte se desdobra até o infinito.

Esse encontro dos dois não chegou a influenciar na pintura de Pollock. a tradição dos Maias. 114 . Vai ter a coragem de pintar numa época muito difícil da realidade mexicana. do que na própria técnica. É também muralista. Ele não pintava a beleza. Ele era um homem de personalidade muito forte. Tem uma linguagem de expressividade muito forte. muito forte. Astecas. muito dolorida. O governo mexicano pedia que ele fizesse sua pintura de determinado forma por precisar do dinheiro americano mas. episódios da mitologia mexicana. Aquela revolução mexicana. mas a realidade e por isso sua vida foi difícil por quererem que ele pintasse a beleza.Diego Rivera. gerou uma pintura muito forte. mesmo assim ele se tornou um pintor de peso. Diego Rivera vai pintar muito o seu folclore. Mas. Zapotecas. na figura do artista. ele jamais modificou o seu trabalho por causa disso. Sua influência se deu mais na “força do homem".

dizia: "Quero incendiar a Escola de Belas Artes com meus vermelhos e azuis. em arte. em Paris.FOVISMO Em 1905. Na década de 1920. com os quais se tornou um dos principais pintores fovistas. Quem lhes deu este nome foi o crítico Louis Vauxcelles." Adotou mais tarde estilo entre expressionista e realista. com o gradual desaparecimento da gestualidade espontânea das primeiras obras. Após romper com o fovismo. não correspondendo à realidade. ANDRÉ DERAIN (1880-1954) Pintor francês. Seu estilo. retratos e naturezas-mortas haviam adquirido uma entonação neoclássica. · Ausência de ar livre. em virtude da intensidade com que usavam as cores puras. pretendendo a sensação física da cor que é subjetiva. ligou-se a Maurice de Vlaminck e a Matisse. no Salão de Outono. · Pintura por manchas largas. 115 . Características da pintura: · Pincelada violente. Nessa fase. não mudou. · Colorido brutal. Principais Artistas: MAURICE DE VLAMINCK (1876-1958) Pintor francês. formando grandes planos. em 1908. · As linhas e as cores devem nascer impulsivamente e traduzir as sensações elementares. seus nus. · Criar é seguir os impulsos do instinto. como saem das bisnagas. dizia: "As cores chegaram a ser para nós cartuchos de dinamite." Por volta de 1900. pintou figuras e paisagens em brilhantes cores chapadas. · Uso exclusivo das cores puras. sofreu influências de Cézanne e depois do cubismo. alguns artistas foram chamados de fauves (em português significa feras). no mesmo estado de graça das crianças e dos selvagens. desde então. pois estavam expostas um conjunto de pinturas modernas ao lado de uma estatueta renascentista. · A cor pura deve ser exaltada. espontânea e definitiva. recorrendo a traços impulsivos e a pinceladas descontínuas para obter suas composições espontâneas. as sensações primárias. Os princípios deste movimento artístico eram: · Criar. sem misturá-las ou matizá-las. foi o mais autêntico fovista. não tem relação com o intelecto e nem com sentimentos.

Morreu um ano depois de receber o prêmio de pintura da bienal de Veneza. que exploraram o sensualismo das cores fortes. RAOUL DUFY (1877-1953) Pintor. ilustrador e litógrafo. também. tanto das figuras como das suas cores. escultor.HENRI MATISSE (1869-1954) Pintor francês. Nas suas pinturas ele não se preocupa como realismo. Contrastes tonais e a geometrização da forma caracterizaram sua obra. Foi. depois de travar contato com Matisse. Impressionista a princípio. Abandonou assim a perspectiva. O que interessa é a composição e não as figuras em si. como de pessoas ou de naturezas-mortas. gravador e decorador francês. ele foi o único a evoluir para o equilíbrio entre a cor e o traço em composições planas. Dos pintores fovistas. 116 . sem profundidade. evoluiu gradativamente para o fovismo. as técnicas do desenho e o efeito de claro-escuro para tratar a cor como valor em si mesma.

Para ser um bom pintor cubista na essência certamente será um homem culto. 1907 pelo Picasso quando ele pintou "Le Mademoiseille D'Avignon". os mais famosos. O cubismo virou 400 anos de arte de pernas para o ar. do que emoçional e de sensação. O Cubismo vai ser uma reação contra a afirmação de que o mundo que nos cerca é acadêmico. É extremamente conceitual muito mais que perceptual. O cubismo não aceita nunca o momento estático. Braque. Fernando Leger. É por isso que é muito racional. foram muito apoiados na imprensa pelos escritores que publicavam sobre essa nova arte muito intelectual. Vai depender muito da minha memória. desde o pré-renascimento até hoje. É preciso muito estudo e intelectualidade. sobre o consciente e inconsciente. Vai ser uma nova forma de ver e representar o mundo. segundo o conhecimento intelectual que ele tem dessa representação. da razão. Os pintores Cubistas como Picasso. por exemplo. A minha memória é que vai ter que olhar essas partes e montar novamente o objeto. No ano de 1904 Einstein escreve sobre a teoria da relatividade que vai mudar totalmente o conceito do universo. Durante cinco séculos. O Cubismo se vale muito da memória do fruidor do que dos objetos concretamente vistos pelos olhos. vão pintar muito mais o que sentem do que o que vêem. Na arte também houve uma série de mudanças. no início do século XX. Já em uma pintura como a Barroca ou Impressionista o fruidor vai usar o que sente para entendê-las. Os cubistas vão pintar e representar um objeto através do lado que nós vemos e do lado que nós não vemos desse objeto. Quando se fala em mudança precisamos falar de um estilo que mudou muito a arte no mundo e provocou uma revolução na estética. Em 1900. 117 . criar fragmentos para representar todos os lados do objeto. Pode também ser notado. o surgimento de muitas dúvidas e interrogações. Dúvidas. É a recuperação da nova visão da arte através de um conceito intelectual. Juan Griss. ano em que Picasso chegou à Paris em sua primeira visita. etc. O Cubismo procura a essência da visão humana. os pintores. Freud estava publicando a interpretação dos sonhos. Essa revolução foi fantástica. Em uma pintura Cubista. De repente. Essa mudança foi realizada em 1906. Ele é totalmente dinâmico. Ele vai imaginar. a partir de 1900. da arte. racional. a particularidade cultural de cada objeto. O pintor cubista vai pegar um objeto e quebrá-lo em partes. A arte Cubista é muito mais conceitual. o fruidor vai ter que usar muito o raciocínio para entender a obra. A arte Cubista é uma arte muito elaborada.CUBISMO É o início da idade moderna do mundo. os artistas vão buscar em suas pinturas as aparências externas e o bom pintor será aquele que vai pintar realmente o objeto como ele é.

Foi um homem artista em perene evolução. ele vai pintar tudo com cabra.: um olho pode estar localizado no dedo do pé. como exemplo: Durante a segunda guerra mundial quando os alemães bombardeavam Paris e ocorria o black-out. etc. por ex. FASE SINTÉTICA. Dizem que foi Matisse que ao olhar o quadro do Picasso com Braque disse: "Você está pintando só cubo! Mas isso é cubismo!" Muitos outros também tiveram a mesma opinião. Essas obras são as melhores de cada fase. Ele é extremamente individualista. sua obra é inconfundível. Para que possamos entender Picasso. Dono de uma dinâmica constante. o artista fragmenta e decompõe. por ex. seu bichinho de estimação. Antes de falar sobre sua vida é preciso deixar registrado a soberba vitalidade de um artista continuamente dedicado à criação até seus últimos momentos de vida. o Cubismo é considerado uma arte bastante intelectualizada. Tem aspectos extremamente renovadores para a época. na região a que pertence. quando é totalmente fragmentado. Nessa fase toda sua pintura terá panos roxos. no Museu Moma mas. Dificilmente houve alguém que tivesse superado Picasso no sentido do que seria arte do século XX. 118 .Os Cubistas não dão valor à perspectiva. Sempre numa constante busca e inovação. Quando morre sua cabra. A sua memória é que vai ter que montar a figura. quando os artistas e principalmente Picasso e Braque se interessam e estudam muito as obras de Cezanne. “Arte” é uma perene evolução. quando começaram a fazer “colagens”. tem 8 obras dele. mas como foi pensado pelo artista. temos que conhecer o homem e o artista. os aliados pediam que colocassem panos escuros roxos nas janelas para que os aviões não avistassem as luzes das casas. É muito importante conhecer Picasso porque todas as fases de sua pintura tem muito a ver com a retratação de sua própria vida e da época em que viveu. Tem muita obra de Picasso em Barcelona. é procura. o que marcou sua obra. No museu Gugueheim. Você tem que montar a figura toda como em um quebra-cabeça. Eles constróem espaços pictóricos onde eles determinam as representações. É busca. Picasso sempre esteve em movimento criando e deixando estilos e frases de forma a garantir uma obra cuja característica básica era a busca de sua individualidade. Foi cubista somente 5 anos e depois foi “Picasso”.: o artista vai representar um olho no lugar da testa e o outro na orelha. O movimento cubista se divide em várias fases: FASE CEZANEANA. FASE ANALÍTICA. O objeto nunca vai ser representado como foi visto. esculturas. a do Museu Gugueheim é a melhor. A técnica cubista apresenta várias texturas. É um espaço pictórico que não tem nada a ver com a representação da realidade. no próprio rosto. em New York. Nunca irá colocar o olho no joelho. inclusive broches. Na estética da arte.

triste. Braque. etc. mais sentirá essa emoção. Braque e Picasso vão pintar juntos na montanha (onde Cezanne pintava).Picasso falou o seguinte: "Para que vou pintar um pedaço de madeira. mas também pode ser abstrato. exatamente nessa época que ocorre o cubismo. Eles voltaram e surgiram com a idéia da colagem. que era introspectivo. sobre perdas. a mulher. É o novo homem que vai pegar esse hábito de ler jornal. festas. areia. na National Gallery de Londres. se posso colar a própria madeira na pintura?. É o cotidiano. Um tio chamado Salvador Ruiz. etc. para que as pessoas soubessem distinguir entre Picasso e Braque. a imagem já é quase um abstrato. As letras gráficas vão aparecer com Picasso e Braque. etc. Por esse fato ele recebeu o nome do tio em 119 . em "off": Picasso não chorou ao nascer. Esse tio sem querer deu uma baforada no rosto da criança que começou a chorar. Málaga. Uma obra cubista tem que ser vista pela razão para depois sentir a emoção. morte e sempre de circunstâncias do cotidiano como alguém que perdeu uma cadeira. Os dois quadros ficaram idênticos. Seu nome completo é Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remédios Cipriano de La Santíssima Trinidad Ruiz y Picasso. Uma obra de arte do século XX. O mesmo com o jornal. Na verdade o abstracionismo tem muito a ver com o cubismo. PICASSO (1881-1973) Nasceu em 25 de outubro de 1881. nesse começo de século. Quando o cubismo fragmenta tudo chega a ser quase um abstrato. somente recortava assuntos fúnebres. Essa exposição mostrava a diferença entre os dois: Picasso tinha recortes de jornal somente de assuntos alegres sobre touradas. O jornal vai ser muito usado na colagem. Tinha 2 irmãs e como filho único foi muito mimado. No cubismo analítico. Teve uma exposição somente com esses trabalhos. Picasso jamais iria fazer isso. de forma muito parecida e não vão assinar seus nomes. O cubismo sempre vai ser figurativo de um modo geral. Obs. para depois sentir a emoção. Houve muita confusão para que os historiadores identificassem a obra de um e de outro. a vida. na Espanha. Quanto mais você sabe. que parecia um cone. entrou no quarto e achou que o nenê não estava respirando. que fumava charuto.” Isso vai mudar muito a visão da arte. Esse hábito vai ser registrado historicamente nas obras de Picasso. já que era um estudo. Picasso vai assinar o nome no meio da obra como que fazendo parte dela. cada um escolhendo seu pedaço de jornal. entender. você tem primeiro que saber.

muito requisitada. onde Picasso fará cópias das obras de El Greco. Tanto Van Gogh como Toulouse Lautrec vão influenciar o trabalho de Picasso por pelo menos uns quatro meses. da beleza. da estética da cor. Essa mescla do brilho. falante. O pai ao saber que o filho ganhou uma medalha de ouro resolve incentivá-lo a estudar em Madri. Alguns dos grandes pintores da Espanha: Velásquez (barroco) Goya (no final da vida era expressionista) Murillo (barroco) Miró Gaudi (grande arquiteto) Salvador Dali Picasso Em 1900 Picasso vai à Paris em uma grande aventura para visitar a exposição internacional. Picasso era um homem cheio de vida. Essa obra vai ser premiada em Madri em uma exposição muito importante. Fica então enlouquecido com o trabalho de Van Gogh e Toulouse Lautrec. da doçura. Com 15 anos o pai já o considerava pintor e resolve alugar um espaço para montar o seu atelier. Aos 23 anos Picasso começa a ser famoso em um lugar fora de sua pátria. onde os toureiros vão mostrar muita habilidade. Ele disse que não iria querer nunca estar preso a nenhum marchand na sua vida e que queria ser um homem livre. Ele não tinha como pagar um lugar melhor para se viver. nesse "Bateaux". Nessa época ele vai pintar uma obra chamada "Ciência e Caridade" e o seu pai vai posar como médico para ele. Ele disse que fazia até dez por mês mas que não queria ficar preso a esse tipo de compromisso. O prédio em que morava parecia um barco e era tão feio que o pessoal da região apelidou de "le bateaux larvoir". tudo vai influenciar Picasso para o resto de sua vida. muito sangue. O atelier dele. Foi morar em Mont Martre que era mais barato e onde só vivia os intelectuais. As pessoas admiravam o fato dele ser tão novo e ter um estúdio montado pelo pai para ele. Goya. Em "off": Em 1900. Não queria que ninguém cobrasse ou controlasse a sua vida. Foi auto-didata. dos odores. Numa praça de touros ocorre um espetáculo brilhante com cores vivas. Quando Picasso tinha 14 anos já pintava com perfeição. Picasso adorava o pai que sempre o levava às touradas. Essa atitude de se colocar o sobrenome de todos os parentes na criança é muito comum na Espanha. O marchand chegou a oferecer até um fixo mensal mesmo se ele fizesse somente uma obra por mês. no Museu do Prado. carismático. Velásquez. etc. um marchand vai se oferecer para cuidar de seus quadros. de escritores. vai ser o ponto de encontro de artistas. da crueldade. Nessa época Monet também estava vivo (vai viver até 1910). quando Picasso saiu da Espanha. fazer exposições. 120 . Picasso conseguiu manter sua importância desde jovem até os 92 anos. Cada parente que chegava e adorava a criança os pais colocavam o sobrenome no filho. muita elegância e também muita crueldade.seu sobrenome. principalmente porque ele era o único menino daquela família que só tinha menina. mas ele não vai aceitar.

O azul tem uma ligação muito grande com o melancólico. Ele vai acabar com 30 séculos de arte ocidental. vai ter um encontro com a Arte Primitiva Africana. Nunca mais no futuro vai retornar a essa fase azul. Obs. badalados e ricos. Foi um escândalo tão marcante que Braque ficou sem falar com ele por 6 meses. lugar onde Picasso vai viver até o começo da 2a. inspirando-se na cultura espanhola cheia de superstições. sendo conhecido como "O centro de arte moderna do mundo". você vai encontrar muitas máscaras africanas de várias origens. que o colocam na alta sociedade onde irão comprar muito suas obras. não conhece Fídeas. vista como arte do século XX.: No mercado das pulgas de Paris. Em 1906 ele já era o jovem pintor mais conhecido de Paris. Mont Parnasse. As máscaras que ele mais vai gostar são as máscaras da Polinésia. fica amigo de muitos marchands. A mudança foi radical. Esse encontro vai ser decisivo para ele. Picasso vai pintar entre 1906 e 1907 a famosa obra "Les Mademoiselle D'Avignon". A sua vida se torna "rosa". Conhece 2 marchands: os irmãos Léo e Gertrudes Stein. Ele vendia tudo o que pintava. Começou a freqüentar lugares muito alegres. Obs. A arte africana vai ser o momento decisivo no entendimento da arte. Vai morar lá durante a sua “fase rosa” e onde começa a refletir sobre o seu trabalho que já estava cansado de fazer. o "triste". voltando somente após o Cubismo. fascinantes. começa a vender bastante. Conhece Braque. Ao parar de produzir a sua “fase rosa” ele vai falar: "Eu não procuro. que são as histórias folclóricas e a arte negra. Ele vai pintar o que ele sente. As fases “azul” e “rosa” são as únicas que ele não vai voltar nunca mais. A partir daí vai começar a “Fase Negra”.guerra mundial. Passa a pintar só de "rosa". O cubismo para Picasso foi uma paixão exploratória que durou somente 5 anos. Roma. histórias fantasmagóricas e folclores. que apelidou de "Rose Bombom". atraía muito os intelectuais. figuras que vivem à margem da sociedade. Mudou-se para Mont Parnasse. Nessa fase ele vai retratar seres cruéis. dançarinas sem olho (irreais). A fusão de dois mundos mágicos. as figuras solitárias e melancólicas. sobrenaturais.Entre 1901 e 1904 ocorre a sua "Fase Azul". 121 . Ele vai entrar e sair dessa “fase negra”. quando ele vai pintar sobre as ruas pobres de Mont Martre. Nesse momento de pesquisa. Grécia. É uma nova visão de compreender a arte. onde até hoje moram os artistas. É chamado de fase azul porque o azul é que predomina em todos os tons. A partir de 1908 Picasso lidera o movimento cubista da Europa. De repente ele se liberta dessa melancolia ao conhecer uma moça chamada Rose. muito felizes. Quando se fala de tristeza. o azul é o "Bleu". eu acho". de um modo geral. Picasso percebe que o artista negro não pinta raciocinando porque ele não conhece os cânones da arte (regras de beleza da arte). vão fazer surgir no século XX uma das tendências mais importantes que é o CUBISMO.

que representa o povo. é um jogo. quando acontece a guerra civil espanhola. Só gênio consegue pode pintar uma coisa que é real e irreal. mostrando que é um pintor consciente e engajado socialmente na luta contra os mais fracos. Em 1920 se casou com uma bailarina russa chamada Olga. não tinha o porquê. A arte é perigosa. Ele fez três coisas de imediato: 1o. tendo muito a ver com a arte do século XX: "A arte não é casta. Dois dias depois a Europa toda sabia da história." Segundo Mali: Tudo o que Picasso pintava era realista e irreal. Picasso 24 horas depois do acontecido começa a esboçar Guernica. Durante 3 horas jogaram bombas matando cerca de 1765 pessoas. desistindo depois. De repente. Em 1936 ele vai ser nomeado diretor do Museu do Prado. branco e cinza. Ninguém falava de guerra. Guernica é um mural bem trágico onde vai mostrar a tragédia humana. No dia 26 de abril de 1937 ninguém falava de guerra. objetivo e subjetivo ao mesmo tempo. Se é casta ou não se revela. Guernica era um vilarejo Basco na província de Biscaia. era um dia de feira. Não esconde sua obsessão pelo sexo. convicção e com inúmeros desenhos preparatórios. que vai ser o símbolo da justiça.Em 1915 ele volta à um realismo mais sutil até 1925. 2 se suicidaram porque ele as deixou. traspassado com uma lança nas costas.000 habitantes. O touro de perfil que personifica a brutalidade. Picasso tem muitas fases. objetivo e subjetivo. 3o. uno e mutilado. Das 5 esposas. uno e mutilado. além dos casos que tinha por fora. Isso é estilo pessoal de um gênio. Ele disse o seguinte: “o retorno periódico à determinadas fases era como uma volta a obra à ordem dele”. Nunca mais vai voltar à Espanha até o Franco morrer. Ele chegou a pintar as duas no mesmo dia. bombardearam a cidade. Vai casar com Dora Maar e pintar muitos retratos dela. 2o. Fez o cavalo agonizante. não é arte. As pessoas saíram da feira e foram fazer a sesta. Vai escrever o seguinte. período onde sua pintura fica mais calma. Em 1931 essa bailarina foi substituída por Maria Teresa Walker. A cidade tinha somente 6. Fica o tempo todo morando na França e saudoso de seu país. Levou mais ou menos uns 4 meses para elaborar a obra. Ele tinha uma boa organização e um sistema de trabalho. A mulher sustentando uma lâmpada na mão. mas sua pintura não é difícil de ser reconhecida. Vai pintar sua obra prima "Guernica". A Dora Maar (que era fotógrafa) fotografou todas as etapas. Guernica era uma obra que tinha as cores preto. Nesse período ele não vai querer voltar à Espanha para assumir a direção do Museu do Prado. esquadrilhas de aviões das forças nazistas aliadas à Franco. Começou a pintar em cores. Casou-se 5 vezes. é reveladora. à 1 hora da tarde. Foi então o primeiro bombardeio aéreo da história da humanidade de uma cidade inteiramente civil. Ele precisava voltar para se ordenar novamente interiormente. Teve caso com as duas ao mesmo tempo e permaneceu com elas por algum tempo. Foi pintada com paixão. Picasso tinha uma personalidade muito forte que vai ser muito importante para sua obra. Vai buscar a luz. 122 . trabalhando sem cessar.

Picasso sempre pintava sozinho. a fugir. mulher e filhos. Quis ser pintor e tornei-me Picasso". 123 . se fores frade acabarás a papa. foi você quem fez isso!". aos 55 anos. Em 1946 Picasso vai casar com a 4a. Guernica é trágica. com quem ele vai ter os filhos Claude e Paloma. não usando cores. em Madri. Além de transmitir uma grande emoção. sem nunca ter se naturalizado. Guernica tem 7. Picasso ao terminar Guernica em 1939. Nessa época vai morar na Cote D'Azur. baseada nos pintores clássicos. mulher “François Gilot”. Em "off": Na segunda guerra mundial quando os nazistas entraram na França e acabaram com Paris. ele fez 57 esboços gerais diferentes antes da composição final. fez um monte de cerâmica terracota para ela. bem na ponta do cabo. Picasso disse que tinha repúdio a toda regra e convenções e com isso ele permanece um criador inesgotável. Então o embaixador sai de seu atelier sem falar nada. mas quando fez Guernica deixou que André Morrow (?).50 de altura. está rico. ficando com ela. Nessa época ele já tinha 68 anos e vai trabalhar com cerâmica. Vai morar e pintar muito. De repente a Gestapo surgiu em seu Atelier quando Picasso estava pintando. Picasso recebeu muito apoio dos pais. Obs. Estava em Cap D'Antibes. a sua forma é extremamente racional. Picasso pertencia a Resistência ajudando muito os espanhóis. Picasso inventa e cria formas que ele abandona e depois volta a pintar novamente. tinha a Gestapo e a Resistência. Por isso seu trabalho é tão polivalente. Eram esculturas parecidas com ela. Essas esculturas ajudaram-na futuramente quando arrecada um bom dinheiro ao leiloá-las para ajudar financeiramente a sua obra de “proteção aos animais”. Disse: "Quando eu era criança minha mãe me dizia: se fores soldado chegarás a general. Chega o embaixador espanhol nazista que verá uma fotografia bem grande de “Guernica”. que eram judeus. Paul Edward entrassem para ver a sua obra. Mas. Ele continuou estrangeiro na França.80 m de comprimento e 3. gravura. É o pior do retrato do sofrimento humano. Esta obra se encontrava no Museu do Prado e agora está no Museu da Rainha Sofia. em “off”: Salvador Dali conseguiu conquistar a mulher de Paul Edward. Fofoca: Quando a Brigite Bardot foi visitá-lo e ele se encontrava com 60 anos aproximadamente. a sua força criadora não pára. É uma fantástica mistura de processos de composição. com animais. ao mesmo tempo que revela o palpitar da vida. com muita fama. além de ter muito mais esboços específicos. etc. Fazendo uma análise da forma pode-se notar uma composição de estilo piramidal. Em termos de conteúdo vai mostrar sempre o palpitar da vida e a quietude da morte. em um castelo do século XVII que foi adquirido por ele. O embaixador pergunta a Picasso: "Foi você que pintou isso?" Picasso responde: "Não. Ele resolve não esconder nada. escultura e jóias.Nessa época.

” BRAQUE Georges Braque (1882-1963). 124 . Eu tento achar influências do mestre. a superfície da madeira e as superfícies douradas. Por isso a filha de Jorge Amado chama-se Paloma Amado. se uniu ao Fauvismo durante dois anos (1905/7). em aprendiz de decorador: tinha que imitar o mármore. essas coisas tão humanas. iniciou-se também como rotulista. o conduzem para a experiência cubista. quando começou a I Guerra Mundial. Foi filmado por Clouseaux. outro diretor. mas ninguém pode querer pintar como Picasso. Vai adquirir muito mais imóveis também. Mais de 30 filmes foram feitos sobre sua vida além de mais de 1400 livros em 40 línguas. dizendo: "Concordo com Dom Quixote: meu repouso é a batalha". A posterior admiração por Cézanne e o deslumbramento causado pelo autor das Les demoiselles d' Avigon. à vez. o imprevisto. vai comprar também uma ilha enorme onde vai construir um castelo como o da Espanha que tinha. entre eles a “releitura das meninas de Velásquez”. o mistério e o risco de ousar. próximo à Capri. o "Pombo" (Paloma) que para ele é o símbolo da paz. uma outra fazenda em Marbela. Georges introduziu-se na tradição familiar graças a seu próprio pai. por sua vez. Pintando o que nunca se viu. ele mostrou a aventura do olhar. não teve e nem tem seguidores. Em "Off": Jorge Amado que tinha adoração e muita amizade por Picasso. influência à qual temos que acrescentar a de Renoir com sua Moulin da Galette. pintor francês. Para terminar. a ocasião. Vai então desenvolver uma série de trabalhos nessa época. com quem tinha estabelecido uma sólida amizade. Mali descreve em seu livro: "Por estranho que pareça esse grande e talvez o maior artista plástico de nosso século. Contudo. porque ele foi o único. um duplex no Central Park. realizou as obras que hoje são conhecidas como cubismo analítico. Morreu aos 92 anos em 09 de abril.Em 1954 ele vai viver uma paixão muito forte com Jaqueline Roque. fantástico diretor francês e por Alan Ransmie. a festa da revelação. que ele nunca foi e onde mora hoje sua filha Paloma. o mural "Guerra e Paz". Em seguida fez experiências com colagem até 1914. etc. Compra também em Málaga uma fazenda imensa. era um consagrado pintor aficionado. do encontro. Atraído por Matisse e por seu movimento. seu pai negociava com a pintura e a decoração e. convertendo-se. a influência decisiva que Paris exerceu sobre ele foi através das salas do Louvre dedicadas à escultura egípcia e grega primitiva. Um exemplo desse estilo é Violino e jarro (1910). De 1910 a 1912. Um apartamento duplex em Paris. pintura que admirou e saboreou até saciar-se. um bom retratista de personagens famosos. Picasso compra um castelo na França e uma casa da Idade Média também. A aprendizagem técnica lhe fez entrar adulto na escola de Belas Artes do Havre e posteriormente no ateliê do pintor Lécin Bonnat . convidou-o para ser padrinho da filha levando-a para a França. Na Itália.

continuou sua amizade com Picasso. Integrou-se ao movimento modernista e ligou-se com especial interesse à questão da brasilidade. com quem se casou em 1924. Foram apresentadas suas diversas fases e deu-se destaque ao quadro "Operários" (1933). Mobilizado. mas não seu vínculo artístico. em São Paulo. de retorno ao primitivo. 125 . uma localidade na Normandia francesa cuja fria luminosidade parecia adaptar-se muito bem a seu próprio temperamento. Em 1922 participou em Paris do Salão dos Artistas Franceses. TARSILA DO AMARAL Tarsila participou ativamente da renovação da arte brasileira que se processou na década de 1920. Concluído o conflito. Mário de Andrade e Oswald de Andrade. com Anita Malfatti. Morreu no dia 31 de agosto com oitenta e um anos. sob a orientação de Émile Renard. Tarsila morreu em São Paulo SP em 17 de janeiro de 1973. variante brasileira do cubismo. Tarsila do Amaral nasceu em Capivari SP em 1886. na Pinacoteca do Estado de São Paulo. percorreu as cidades históricas mineiras em companhia do escritor francês Blaise Cendrars. no Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo. Formou. da fase social. o chamado Grupo dos Cinco. Deslumbrada com a decoração popular das casas dessas cidades. e depois com George Fischer Elphons.A I Guerra Mundial separou a ambos artistas. Braque recebeu uma séria ferida na cabeça que deixou cego. Presente na I e II Bienais de São Paulo. e "São Paulo". embora lentamente conseguiu recuperar a vista. Em Paris freqüentou a Académie Julien. que com o passar do tempo o levou a freqüentar Varengeville. Estudou com Pedro Alexandrino. Em 1926 Tarsila expôs na galeria Percier em Paris. Outra obra do mesmo período é "Segunda classe". Em 1960 o Museu de Arte Moderna de São Paulo organizou retrospectiva de sua obra. em suas produções posteriores aparecem paisagens e temas normandos. e estruturou sua personalidade artística a partir das influências cubistas. assimilou a tradição barroca brasileira às recém-adquiridas teorias e práticas cubistas e criou uma pintura que foi denominada Pau-Brasil. Na Bienal de São Paulo de 1963. e influenciou Portinari. Desta forma. Retornando ao Brasil em 1924. cujo estilo a marcou sobremodo. na XXXII Bienal de Veneza (1964) e na mostra Arte da América Latina desde a Independência (1966). André Lhote e Albert Gleisse. foi premiada na primeira. da qual o exemplo mais notável é o quadro "Abaporu". Braque seguiu o seu próprio caminho. Entrou em contato com Fernand Léger. a partir de 1917. Tarsila esteve ainda representada na mostra Arte Moderna no Brasil (1957). Entre suas demais telas destacam-se "A negra". Menotti del Picchia. em que as cores são mais sombrias mas a nitidez anterior é conservada. Essa pintura inspirou um movimento. Iniciou-se então sua fase antropofágica. Recebeu a Cruz de Guerra e da Legião de Honra. sala especial foi dedicada à retrospectiva de sua obra.

126 . CARLO CARRA (1881-1966). Dissolvido o movimento. O segundo manifesto. "é mais belo um ferro elétrico que uma escultura". junto com Giorgio De Chirico. Na volta a Roma. Os futuristas saúdam a era moderna. na Academia Albertina de Turim. ele se separaria finalmente do futurismo para se dedicar àquilo que eles próprios dariam o nome de Pintura Metafísica. e nele. mostrou grande preocupação com o dinamismo das formas. de 1910. Em 1895 o pintor mudouse para Roma. aderindo entusiasticamente à máquina. O artista futurista não está interessado em pintar um automóvel. Para Balla. dizendo que "o esplendor do mundo enriqueceu-se com uma nova beleza: a beleza da velocidade. Embora em princípio Balla continuasse influenciado pelos divisionistas. resultou do encontro do poeta com os pintores Carlo Carra. em sua obra o pintor italiano tentou endeusar os novos avanços científicos e técnicos por meio de representações totalmente desnaturalizadas. sua cidade natal. Para os futuristas. ou vários tempos num só espaço. Preocupado. os objetos não se esgotam no contorno aparente e seus aspectos se interpenetram continuamente a um só tempo. mas captar a forma plástica a velocidade descrita por ele no espaço. Russolo. Cinco anos mais tarde. Severini. Boccioni e Severini.. Um automóvel de carreira é mais belo que a Vitória de Samotrácia". em encontrar uma maneira de visualizar as teorias do movimento. de dois meses de duração. juntava-se a eles para assinar o Manifesto Técnico da Pintura Futurista. Um ano mais tarde. A formação acadêmica de Balla restringiu-se a um curso noturno de desenho. Balla retornou às suas pinturas realistas e se voltou para a escultura e a cenografia. conheceu Marinetti. com a situação da luz e a integração do espectro cromático. Um recurso dos mais originais que ele usou para representar o dinamismo foi a simultaneidade. onde entrou em contato com a obra dos impressionistas e neo-impressionistas e participou de várias exposições.FUTURISMO O primeiro manifesto foi publicado no Le Fígaro de Paris. Principais artistas: GIACOMO BALLA . embora sem chegar a uma total abstração. O grupo pretendia fortalecer a sociedade italiana através de uma pregação patriótica que incluía a aceitação e exaltação da tecnologia. Procura-se neste estilo expressar o movimento real. numa repetição quase infinita. fez uma viagem a Paris. em 22/02/1909. como seus companheiros.Mesmo assim. o poeta italiano Marinetti. apresentou em 1912 seu primeiro quadro futurista intitulado Cão na Coleira ou Cão Atrelado. O futurismo é a concretização desta pesquisa no espaço bidimensional. Boccioni e Giacomo Balla. onde apresentou regularmente suas primeiras obras em todas as exposições da Sociedade dos Amadores e Cultores das Belas-Artes. não demorou a encontrar uma maneira de se ajustar à nova linguagem do movimento a que pertencia. que permitia ao observador captar de uma só vez todas as seqüências do movimento. registrando a velocidade descrita pelas figuras em movimento no espaço. ou desintegração das formas.

Publicou vários trabalhos.Enquanto ganhava seu sustento como pintor-decorador freqüentava as aulas de pintura na Academia Brera. Boccioni conseguiu finalmente fazer a representação do movimento por meio de cores e planos desordenados. Durante a Primeira Guerra Mundial. desprezo pela representação naturalista. do qual foi um dos principais teóricos. 127 . Escultura Futurista. Um ano mais tarde assinou o Primeiro Manifesto Futurista. Logo fez amizade com os pintores Balla e Severini. Ao voltar. redigido pelo poeta italiano e publicado no jornal Le Figaro. Nascido em Reggio di Calábria. indiferença em relação aos críticos de arte e rejeição dos conceitos de harmonia e bom gosto aplicados à pintura. entre eles La Pittura Metafísica (1919) e La Mia Vita (1943). Um ano mais tarde. participou da primeira exposição futurista. Boccioni mudou-se ainda muito jovem para Roma. entrou em contato com Carrà e Marinetti e um ano depois se encontrava entre os autores do Manifesto Futurista de Pintura. No início. Juntou-se a Giorgio De Chirico e realizou sua primeira pintura metafísica. Fez então algumas viagens a Paris. mas já em 1915 separou-se definitivamente do grupo. mas incorporando os conceitos de dinamismo e simultaneidade: formas e espaços que se movem ao mesmo tempo e em direções contrárias. Dinâmico Plástico (Pintura. Suas obras ainda deixavam transparecer a preocupação do artista com os conceitos propostos pelo cubismo. Scultura Futurista. Foi com a intenção de procurar as bases dessa nova estética que ele viajou a Paris. Ao voltar. sua obra se manteve sob a influência do cubismo. Em 1912. com sua obra Dinamismo de um Jogador de Futebol. pintor italiano. no qual foram registrados os princípios teóricos da arte futurista: condenação do passado. Em 1900 fez sua primeira viagem a Paris. Modigliani e Picasso. na cidade de Verona. por definição suas obras mais futuristas. influenciou a arte de seu país nas décadas de 1920 e 1930. São Petersburgo e Milão. Nessa época iniciou seus primeiros estudos e esboços de Ritmo dos Objetos e Trens. contratado para a decoração da Exposição Mundial. publicou o Manifesto Técnico da Pintura Futurista. Carrà não deixou de comparecer às exposições futuristas de Paris. em Milão. como num pseudofotograma. em 1916. principalmente na obra de Cézanne. UMBERTO BOCCIONI (1882-1916). A partir desse momento começaram a aparecer as referências cubistas em suas obras. Morreu dois anos depois. onde estudou em diferentes academias. retomou as aulas na Academia Brera e conheceu Boccioni e o poeta Marinetti. Representante do futurismo e mais tarde da pintura metafísica. De lá mudouse para Londres. Os retratos deformados pelas superposições de planos ainda não conseguiam expressar com clareza sua concepção teórica. mostrou-se interessado na pintura impressionista. onde se encontrou com Picasso e Braque. Em suas últimas obras retornou ao cubismo. Ao retornar. Londres e Berlim. o pintor se alistou como voluntário e ao voltar publicou o livro Pittura. Dinamismo Plástico). Numa segunda viagem a Paris entrou em contato com Apollinaire.

. cintilantes ao sol com um fulgor de facas. de fuliges celestes -. A poesia deve ser concebida como um violento assalto contra as forças ignotas para obrigá-las a prostrar-se ante o homem. o êxtase e o sono. 11. Estamos no promontório extremo dos séculos!. Já não há beleza senão na luta. devoradoras de serpentes fumegantes: as fábricas suspensas das nuvens pelos contorcidos fios de suas fumaças. Vivemos já o absoluto. lançada a toda velocidade no circuito de sua própria órbita. 8. pois criamos a eterna velocidade onipresente. porque queremos libertar este país de sua fétida gangrena de professores. cantaremos a maré multicor e polifônica das revoluções nas capitais modernas.única higiene do mundo -. pelo prazer ou pela sublevação. Queremos exaltar o movimento agressivo. Até hoje a literatura tem exaltado a imobilidade pensativa. que parece correr sobre a metralha. Queremos glorificar a guerra . Queremos destruir os museus. as locomotivas de amplo peito que se empertigam sobre os trilhos como enormes cavalos de aço refreados por tubos e o vôo deslizante dos aeroplanos. A coragem. O poeta deve prodigalizar-se com ardor. Queremos cantar o amor do perigo. os navios a vapor aventurosos que farejam o horizonte. 6. 3. as bibliotecas.empaste de escórias metálicas. Queremos celebrar o homem que segura o volante. a fim de aumentar o entusiástico fervor dos elementos primordiais. 1908. É da Itália que lançamos ao mundo este manifesto de violência arrebatadora e incendiária com o qual fundamos o nosso Futurismo. arqueólogos. e combater o moralismo. ditamos nossas primeiras vontades a todos os homens vivos da terra: 1. o hábito da energia e da temeridade. a bofetada e o murro. o salto mortal. a audácia e a rebelião serão elementos essenciais da nossa poesia. de suores inúteis. fausto e munificência. mas impávidos. publicado em 1909.Fragmento "Fundação e manifesto do futurismo". "Então. 10. o gesto destruidor dos anarquistas. as pontes semelhantes a ginastas gigantes que transpõem as fumaças. Nenhuma obra que não tenha um caráter agressivo pode ser uma obra-prima. com o vulto coberto pela boa lama das fábricas . o militarismo. Afirmamos que a magnificência do mundo se enriqueceu de uma beleza nova: a beleza da velocidade. a velocidade. contundidos e enfaixados os braços. cujas hélices se agitam ao vento como bandeiras e parecem aplaudir como uma multidão entusiasta. é mais belo que a Vitória de Samotrácia. 7. cuja haste ideal atravessa a Terra. 4. 5. se queremos arrombar as misteriosas portas do Impossível? O Tempo e o Espaço morreram ontem.. 128 .. cantaremos o vibrante fervor noturno dos arsenais e dos estaleiros incendiados por violentas luas elétricas: as estações insaciáveis. 9. as academias de todo tipo. o feminismo e toda vileza oportunista e utilitária. 2. Cantaremos as grandes multidões agitadas pelo trabalho. Por que haveremos de olhar para trás. Um carro de corrida adornado de grossos tubos semelhantes a serpentes de hálito explosivo. um automóvel rugidor.. o patriotismo. as belas idéias pelas quais se morre e o desprezo da mulher. a insônia febril. cicerones e antiquários.

Mas nós não queremos saber dele. dançando à cadência alada dos seus primeiros cantos. em violentos arremessos de criação e de ação.. Queremos libertá-la dos incontáveis museus que a cobrem de cemitérios inumeráveis. os martelos e destruam sem piedade as cidades veneradas! Os mais velhos dentre nós têm 30 anos: resta-nos assim.. pois.) é. em vez de projetá-la para longe.. Quereis. nós. vá lá: o admirável passado é talvez um bálsamo para tantos os seus males. nossa frágil coragem.. pois.. de toda parte. estendendo os dedos aduncos de predadores e farejando 129 . rasgadas e descoradas sobre as águas.. as velhas telas gloriosas!. jovens e fortes futuristas! Bem-vindos. da qual saís fatalmente exaustos. vá lá. Oh.. os alegres incendiários com seus dedos carbonizados! Ei-los!. pelo menos um decênio mais jovens e válidos que nós jogarão no cesto de papéis. calvários de sonhos crucificados.. tudo bem. desperdiçar todas as vossas melhores forças nessa eterna e inútil admiração do passado. tão ruinosa quanto a tutela prolongada dos pais para certos jovens embriagados por seu os prisioneiros. Admirar um quadro antigo equivalente a verter a nossa sensibilidade numa urna funerária.. Por que devemos nos envenenar? Por que devemos apodrecer? E que se pode ver num velho quadro senão a fatigante contorção do artista que se empenhou em infringir as insuperáveis barreiras erguidas contra o desejo de exprimir inteiramente o seu sonho?. Museus: cemitérios!.. como se visita o cemitério no dos dos mortos... pela sinistra promiscuidade de tantos corpos que não se conhecem.. .Pois é isso que queremos! Nossos sucessores virão de longe contra nós. realmente. Ponham fogo nas estantes das bibliotecas!. os machados. já que para eles o futuro está barrado.... das bibliotecas e das academias (cemitérios de esforços vãos. Idênticos. como manuscritos inúteis. para os artistas. registros de lances truncados!. a alegria de ver flutuar à deriva.. do passado. Museus: dormitórios públicos onde se repousa sempre ao lado de seres odiados ou desconhecidos! Museus: absurdos dos matadouros dos pintores e escultores que se trucidam ferozmente a golpes de cores e linhas ao longo de suas paredes! Que os visitemos em peregrinação uma vez por ano. Desviem o curso dos canais para inundar os museus!. Mas não admitimos passear diariamente pelos museus nossas tristezas.Há muito tempo a Itália vem sendo um mercado de belchiores. Que uma vez por ano se desponta uma coroa de flores diante da Gioconda. nossa mórbida inquietude. Aqui!. Empunhem as picaretas. diminuídos e espezinhados? Em verdade eu vos digo que a frequentação cotidiana dos museus..

. inestancável audácia.. de amor. precipitadamente. de astúcia e de vontade rude. aquecendo as mãos ao fogo mesquinho proporcionado pelos nossos livros de hoje flamejando sob o vôo das nossas imagens... Nossa bela e mendaz inteligência nos afirma que somos o resultado e o prolongamento dos nossos ancestrais. A forte e sã Injustiça explodirá radiosa em seus olhos . sob um triste galpão tamborilado por monótona chuva. temos já esbanjado tesouros.. e todos. de audácia.B. H. não pode ser senão violência.. sem calcular. Ai de quem nos repetir essas palavras infames!..A arte. Basta! Basta! Já as conhecemos. mais uma vez lançamos o nosso desafio às estrelas! Vós nos opondes objeções?.Chipp.. às portas das academias. Os mais velhos dentre nós têm 30 anos: no entanto. e nos verão agachados junto aos nossos aeroplanos trepidantes. sem jamais hesitar..caninamente.. 1993) 130 . mais uma vez lançamos o nosso desafio às estrelas. impelidos por um ódio tanto mais mais implacável quanto seus corações estiverem ébrios de amor e admiração por nós. exasperados pela nossa soberba. ofegantes de angústia e despeito.. Martins Fontes. Cabeça erguida!. mil tesouros de força. Mas que importa? Não queremos entender!. . Por fim eles nos encontrarão . Eles se amotinarão à nossa volta.. delirantemente. Eretos sobre o pináculo do mundo.." (Teorias da Arte Moderna. porque estão nutridos de fogo.em campo aberto. pois não vos recordais sequer de ter vivido! Eretos sobre o pináculo do mundo. de fato.uma noite de inverno . sem jamais repousar. já prometidas às catacumbas das bibliotecas... se precipitarão para matar-nos. de ódio e de velocidade!... o bom cheiro das nossas mentes em putrefação... Olhai para nós! Ainda não estamos exaustos! Nossos corações não sentem nenhuma fadiga... crueldade e injustiça.. Seja!. até perder o fôlego. Mas nós não estaremos lá. Estais admirados? É lógico. Já entendemos!.Talvez!.

idealizadas. 131 . em curiosas perspectivas divergentes. em que buscava a unidade das coisas do universo.PINTURA METAFÍSICA A pintura deve criar um impressão de mistério. As suas obras retratam cenários arquitetônicos. que pareciam simbolizar a estranheza do ser humano diante do seu meio ambiente. solitários. através de associações pouco comuns de objetos totalmente imprevistos. Tem inspiração na Metafísica. Principais Artistas: GIORGIO DE CHIRICO (1888-1978). Giorgio De Chirico constitui um caso singular: poucas vezes um artista alcançou tão rapidamente a fama para em seguida renegar o estilo que o celebrizara e cair em um esquecimento quase absoluto. pintor italiano. Conferiu imobilidade e transparência de formas. garrafas. nus ou vestidos à moda clássica. caixas e lâmpadas velhas. ciência que estuda tudo quanto se manifesta de maneira sobrenatural. Também usada nas suas obras manequins. nascido na Grécia. manequins. irreais e enigmáticos. muitas vezes com a inclusão de estátuas. perpassado de inquietações metafísicas. legumes. sombras sedutoras e cores ricas e profundas. Notável por suas naturezas-mortas. pintor italiano. em arcadas e arquiteturas puras. enigmáticos e sem rosto. numa transfiguração toda especial. onde colocava objetos heterogêneos para revelar um mundo onírico e subconsciente. GIORGIO MORANDI (1890-1964). de plástica despojada e escultural. frutas. principal representante da "pintura metafísica". A pintura metafísica explora os efeitos de luzes misteriosas. recorte intimista e atmosfera de luz cinza-clara às naturezas-mortas que pintou usando como modelos frascos.

antes do surgimento do grupo Dada (Zurique. Esse nome escolhido não fazia sentido. após leve intervenção e receberem um título. Criou os ready-mades. Sendo a negação total da cultura. O experimentalismo e a provocação o conduziram a idéias radicais em arte. Principais artistas: Marcel Duchamp (1887-1968). tratado como objeto de arte por opção do artista. Fundaram um movimento literário para expressar suas decepções em relação a incapacidade da ciências. como cubismo. O fim do Dada como atividade de grupo ocorreu por volta de 1921. Envolveu-se sucessivamente com os principais movimentos estéticos do início do século XX. e que. o caos. exilados na Suíça. Ready-Made significa confeccionado. filosofia que se revelaram pouco eficazes em evitar a destruição da Europa. teriam sido convocados para o serviço militar. sua arte abriu caminho para movimentos como a pop art e a op art das décadas de 1950 e 1960. A palavra Dada foi descoberta acidentalmente por Hugo Ball e por Tzara Tristan num dicionário alemão-francês. assim como a arte que perdera todo o sentido diante da irracionalidade da guerra. Em 1917 foi rejeitado ao enviar a uma mostra um urinol de louça que chamou de "Fonte". François Picabia (1879-1953). pintor e escultor francês. Dada é uma palavra francesa que significa na linguagem infantil "cavalo de pau". objetos escolhidos ao acaso. eram contrários ao envolvimento dos seus próprios países na guerra. o Dadaísmo defende o absurdo. pintor e escritor francês. para demonstrar seu desprezo pela arte tradicional). 1916). artistas de várias nacionalidades.DADAÍSMO Formado em 1916 em Zurique por jovens franceses e alemães que. a desordem. selecionado e combinando elementos por acaso. surrealismo e dadaísmo. Depois fez interferências (pintou bigodes na Mona Lisa. interessando-se pelo movimento das formas. adquiriam a condição de objeto de arte. religião. inventou mecanismos ópticos. firma-se como um protesto contra uma civilização que não conseguiria evitar a guerra. pronto. a incoerência. Reinterpretou o cubismo a sua maneira. Expressão criada em 1913 pelo artista francês Marcel Duchamp para designar qualquer objeto manufaturado de consumo popular. Colaborou com Tristan Tzara na revista Dada. Politicamente . o Dada foi um movimento de negação. Sua proposta é que a arte ficasse solta das amarras racionalistas e fosse apenas o resultado do automatismo psíquico. 132 . Durante a Primeira Guerra Mundial. se tivessem permanecido em seus respectivos países.

de índole satírica. ou fotograma. criando imagens abstratas (obtidas sem o auxílio da câmara) mas com a exposição à luz de objetos previamente dispersos sobre o papel fotográfico.Suas primeiras pinturas cubistas. Formas e cores tornaram-se a seguir mais discretas. No Dadaímo contribuiu com colagens e fotomontagens. desenvolve a sua arte. criando técnicas em pintura e escultura. composições que sugerem a múltipla identidade dos objetos por ele escolhidos para tema. Trabalha como fotógrafo para financiar a pintura e. com a superposição de formas lineares e transparentes. eram mais próximas de Léger do que de Picasso. 133 . em 1915 conhece o pintor francês Marcel Duchamp. adepto do irracional e do onírico e do inconsciente. até que por volta de 1916 o artista se concentrou nos engenhos mecânicos do dadaísmo. Man Ray (1890-1976). Em 1921 contata com o movimento surrealista na pintura. esteve envolvido em outros movimentos artísticos. abandonou a abstração pura que praticara por anos e criou pinturas baseadas na figura humana. pintor alemão. Max Ernest (1891-1976). que consiste em aplicar uma folha de papel sobre uma superfície rugosa. como a madeira de veios salientes. Inventou técnicas como a decalcomania e o frottage. Como o artista não tinha controle sobre o quadro que estava criando. com a nova atividade. e esfregar um lápis de cor ou grafita. Depois de 1927. de modo que o papel adquira o aspecto da superfície posta debaixo dele. são exuberantes nas cores e sugerem formas metálicas que se encaixam umas nas outras. o frottage também era considerado um método que dava acesso ao inconsciente. fotógrafo e pintor norte-americano. com quem funda o grupo dadá nova-iorquino. a raiografia.

Esse movimento foi muito forte na pintura e na arquitetura. o homem tentava negar a realidade em que vivia. no período da pedra lascada quando o homem fazia desenhos figurativos. O grego também foi um povo que usou muito do abstracionismo. A Alemanha foi o país que participou mais intensamente desse movimento e uma boa parte da Europa também teve participações mais irregulares. Abstrato preto-branco. Aos poucos. No aspecto social seria a previsão do início de guerra. quando o homem vai ter que lutar por aquilo que precisa sem ter que depender tanto de suas magias. Existem muitas outras formas geométricas que foram usadas por eles e que de forma nenhuma estão inspirados na realidade. 134 . Quando você cria um desenho livre pode até ser um trabalho abstrato. passa a ter uma linguagem muito diferente chamada de linguagem geométrica. Ele pode ter uma somatória de características além do abstrato. O abstracionismo surgiu por vários fatores sendo um deles o cansaço do realismo. Esses desenhos se desprendem da realidade enquanto formas. no período da pedra polida. Próximos da segunda guerra mundial. É uma ausência da realidade. cores e texturas. Outro motivo seria uma nova visão decorrente do impressionismo (pinceladas soltas que se parecem com manchas abstratas). O abstracionismo acompanha o homem desde a época pré-histórica. Nos dias de hoje. mas pode também ser um símbolo além do abstrato. abstrato puro ou outras combinações. sem medidas. que são criadas por um processo muito interior. vivendo em um clima tenso. Mandalas. mas que ninguém sabe ao certo se foram eles que a criaram. Essa época coincide quando Kandinsky vira uma tela de aquarela de ponta cabeça. Como exemplo temos as "gregas" que foram usadas. Ex. É uma linguagem completamente abstrata.ABSTRACIONISMO O período do abstracionismo começou em mais ou menos 1911. A revolução Russa também influenciou muito no abstracionismo. surgindo uma série de borrões que vão ser admirados. Abstracionismo não se prende a realidade existente. São formas criadas pelo homem. Você pode se envolver ou se inspirar em alguma coisa existente mas não vai retratar fielmente aquela figura. abstrato colorido. e retiradas do mundo externo. Ex. essas combinações levaram a surgir outros momentos e não movimentos de pintura. Quando se fala de abstracionismo falamos também de representar formas.

Outra forma é programar a distribuição de cores e formas sem estar reproduzindo uma realidade. O pintor abstracionista sempre tem uma representação muito pessoal que envolve os aspectos de técnicas de sua pintura como também o do contexto onde o artista vive. não existindo nenhum compromisso com a realidade. Em pleno período de conflitos mundiais vão pensar em contestar tudo isso com uma arte que não era fácil de ser entendida. Um trabalho abstracionista está dentro de um contexto de arte moderna. 135 . mas não é obrigatório. O Gestual é o abstracionismo no qual a pintura é muito livre. Se você fizer hoje um trabalho impressionista será chamado de néo-impressionista. Existe uma série de regras que determina cada estilo de arte. Optar por colocar uma cor quente ou fria em determinado espaço para dar impressão de proximidade. mas nem todo trabalho de arte moderna será um trabalho abstrato. hoje em dia. o abstracionismo dificilmente passa a ser aceito pelo mundo. Ex. tanto no gestual como no geométrico. No abstracionismo não existe a obrigatoriedade de se combinar cores. Os artistas abstracionistas. Um trabalho abstrato não tem essa limitação. Muitas vezes é um porquê racional que pertence só ao artista. Uma pintura irracional é colocar as cores e formas simplesmente por acaso. Ao fazer negações desse tipo.Em 1911. As cores que mais sofrem destaques normalmente são cores que provocam contrastes entre elas mesmas. sem medidas e técnicas precisas. ele pode ser irracional. Da mesma forma que você representa uma forma real você pode representar uma forma irreal dando volumetria. As formas geométricas são precisas dentro do trabalho. No abstracionismo não se respeita nenhuma regra é uma negação completa a qualquer outro momento da arte. A arte abstrata é livre de contexto. Cores contrastantes são comuns aparecerem em trabalhos abstratos. amarelo-vermelho. equilíbrio e de formas que estão ligados ao conceito de geometria. O abstracionismo Geométrico é muito preso a aspectos de simetria.: Preto-vermelho. foi considerado um marco dentro da chamada arte moderna. O abstracionismo. Ex. Todos os dois podem provocar emoções. pois ele será abstrato em qualquer época. é enquadrado na arte moderna. O abstracionismo não é um processo racional. Temos dois tipos de trabalhos abstracionistas: Abstracionismo gestual e geométrico. no qual a movimentação da mão vai determinar o trabalho com pinceladas (no caso utilizando-se pincel) mais fortes ou mais suaves. mas ele vem acompanhando o homem desde a pré história e em vários momentos da sua vida. Um trabalho pode ser completamente abstrato e só ter tons pastéis e sem nenhum contraste. mas produzindo uma distribuição racional dessas cores e formas. enquanto movimento. intuitivamente. As formas. tem buscado estabelecer planos diferenciados na pintura através da cor e da forma. distanciamento ou efeito de volume. quando o abstracionismo começou. O abstrato é um dos tipos de trabalho que faz parte da arte moderna. são criadas pelo artista.

Quando se observa uma obra de arte. não dá para estabelecer parâmetros racionais. O lado direito é o lado sensitivo. A simbologia é uma representação criada pelo homem baseada nas formas abstratas. Essa escola foi criada (+/-) 1919/1920 em Weimar. 136 . Não existe essa mesma liberdade na pintura acadêmica. A obra abstrata não precisa ter conteúdo. Quanto mais simbologias ele tiver é mais fácil as pessoas se identificarem com ele. A partir dai começa a pesquisar e fazer uma série de testes em cima de cor e textura. O fato de utilizarse só da cor demonstra uma negação da realidade. técnicas diferenciadas ou não. Porque um quadro precisa ter forma explícita para agradar?". As obras podem ser bem diferenciadas umas das outras pela infinidade de possibilidades de representações através de texturas. Um trabalho abstrato pode ser rico ou não em simbologias. evoluir todos os sistemas industriais possíveis que tinham sidos retomados durante a revolução industrial. não do abstracionismo que aparece desde o período da pedra polida. outras não. O abstracionismo levou uma série de discussões em cima do que era chamado de simbologia. de pintura e desenho. Eles buscavam.Comentário: "A música existe por ela mesma sem ter a letra. e vai ficar encantado com as cores e a textura. deixando de ter toda essa abstração e ganhando um significado que você tenha descoberto e não necessariamente tenha sido criado pelo artista. não tem necessidade de passar algum tipo de informação. É considerado o iniciador da pintura moderna abstrata. sem se preocupar com a forma e o conteúdo. etc. Kandinsky passou por várias fases da pintura e na sua primeira visita à Paris viu o quadro de Monet. Algumas obras abstratas passam algum conteúdo. é preciso ver o quanto aquela obra oferece de informações inovadoras. etc. cores. Artistas abstratos: Vassily Kandinsky (1866-1944) Nasceu em Moscou e morreu em Paris. principalmente se for uma simbologia mais evidente. cidade alemã. desafiando-se perante o novo. Vassily Kandinsky foi um dos professores. O lado esquerdo do cérebro é o lado racional. principalmente a abstrata. que integrou a BAUHAUS (escola de arte). A falta de intimidade com a arte abstrata é que leva o homem a não apreciá-la. precisa de símbolos que tenha alguma informação já conhecida antes. passando depois para Dessau. Essa escola tem um destaque muito importante dentro da história da arte e da arquitetura. Vassily Kandinsky tinha por característica usar cores fortes e apelativas. conhecer novos materiais. que representava um monte de feno. Eles tinham todo um aspecto filosófico que faziam com que os alunos tivessem que passar por diversos estágios de evolução.

: A revolução industrial não significa somente invenções industriais. tristeza. Ele cria formas livremente que não são definidas pela natureza ou geometria. distribuída. Design: significa desenho Designer: significa desenhista Kandinsky se preocupava mais com a evolução do desenho junto a seus alunos. etc. Fala que temos que negar o que é a realidade para representar a realidade. No seu trabalho vai predominar uma idéia de sentimento. também trabalhou em cima do abstracionismo com um caráter sentimental. plástico. e que seriam aspectos ligados a parte sensitiva de cada um de nós. alegria. Como por ex.Obs. Bandeira. Ele inclusive vai pegar você pela emoção do prazer ou não prazer. Tem uma frase interessante que ele comenta sobre o conteúdo em uma obra de arte: " A presença de uma imagem visual ou a representação da realidade. 137 . Na sua fase final ele está completamente abstrato. de utensílios e vai se tornar muito conhecida mundialmente. o que é abstracionismo. Adorava criar entidades que pudessem apoiar a arte. diminui a beleza que as formas e as cores possuem em si mesmas. no sentido de que ele não é preso ao geometrismo. mas sim um aprimoramento das invenções. Em dois anos ele fundou 22 entidades entre galerias de artes e museus. Chega a provar que a arte acadêmica é que é abstrata. o que é figurativismo. e sendo assim. os trabalhos de Kandinsky foram se tornando cada vez mais introspectivos. De um modo geral. Em algumas etapas de seu trabalho ele se utiliza propositadamente da geometria de forma intensa. O abstracionismo está muito ligado em algumas coisas com o expressionismo. Kandinsky escreveu um livro neste período chamado "O Espiritual da Arte". artista brasileiro. ou seja. soltando-se por completo. Vai mexer com nosso emocional proporcionando-nos sensações do tipo exuberante. que se baseavam no belo e no real.: ferro. extremamente desenvolvido e a combinação de materiais. Foi nomeado um tipo de assessor cultural. A Bauhaus é uma escola que vai aprimorar os designs dos objetos de uso do dia a dia. as linhas e cores adquirem novos valores expressivos e uma nova vida própria despertando no observador emoções e sugestões de acordo com a sua sensibilidade". : A palavra fórmica é nome de uma marca. Não é aquele tipo de abstracionismo que você comenta sobre se a composição está muito bem equilibrada. Vai dizer também que nós temos uma mentalidade muito ligada a dos renascentistas. independente de qualquer representação. da negação do prazer ou do êxtase com relação a obra. laminado melanínico (que significa fórmica) Obs. Influenciou realmente o design de peças das mais diversas que encontramos hoje. mas estando sempre associadas a alguma coisa que passa sensações para nós. as cores e as formas acontecem livremente. O pintor é abstrato é que é um realista. uma composição que não interfere o nosso lado sentimental. Neste livro filosófico vai questionar muito sobre o aspecto de conteúdo da arte. O seu trabalho é informal.

pode ser Cavaleiro Azul. Consegue nos convencer da dor que o homem está sentindo e que estava ligado ao aspecto da guerra. Resulta às linhas verticais e horizontais e às cores puras (vermelho. seu criador e princiapl teórico foi Piet Mondrian. estanques. O ângulo reto é o símbolo do movimento. Neoplasticismo. elas não possuem parâmetro definido pelo braço do artista como no Tachismo. Principal artista: Larionov/Gontcharova Abstracionismo Geométrico ou Formal.: A obra "O grito" por pouco não é abstrato pela deformação. Kandinsky foi considerado um “expert” do abstracionismo informal. Também existe um tipo de abstrato informal formado por manchas. sendo rigorosamente aplicado à arquitetura.A. azul e amarelo). Orfismo tem ligação com a música. ou de alguma coisa própria do artista. 138 .Ex. significa prova de artista. Formado por manchas coloridas colocadas lado a lado em um certo parâmetro ou limite. Curiosidades: Tachismo (de tache = mancha). Um dos grupos que ele fundou foi chamado de DÉR BLAUE REITER. as formas e as cores devem ser organizadas de tal maneira que a composição resultante seja apenas a expressão de uma concepção geométrica.: Quando você encontra uma obra com o símbolo "P. São manchas criadas impulsivamente com toda a liberdade ou efusão emocional do artista. conhecido como Cavaleiro Branco. Onde as cores e as formas são organizadas de maneira que a composição resulte apenas na expressão de uma concepção geométrica. Trabalhos bem conhecidos de Kandinsky: Série de "Improvisações" "A Tela Amarela" "A Pintura com Três Manchas" Obs. do cubismo. deslizes e riscos com luminosidade. ou de outros momentos que “tem um pé dentro e outro fora realidade”. É muito comum que os vários artistas que passaram pelo abstracionismo tenham participado do expressionismo. Grafismo é todo abstracionismo formado por uma grafia não cognificada. Raionismo formado por raios. no mínimo o braço do artista. Este trabalho não deixa de ser um teste do artista que pode ter ido adiante para um trabalho final ou não. porém. e que também. mais provável.". Principal artista: Sonia Delaunay.

Ex. cores mais fortes e depois foi usando cada vez mais tonalidades pastéis. Ele não usa figuras explícitas. obtendo formas extremamente definidas e geométricas. sempre buscando um equilíbrio. Ele usou.Piet Mondrian (1872-1944 . Outro trabalho muito conhecido é "Pier e o Oceano". Ele transformava as formas e cores e purificava tudo em uma visão bem geométrica. A maioria dos americanos não estuda história da arte em seu currículo escolar. não de contorno. sem qualquer preocupação de representação. à pureza geométrica do quadrado. que ao olhar o seu trabalho visualizamos às vezes figuras que transferimos para a nossa realidade. Pesquisa os efeitos perceptivos do quadrado negro sobre o campo branco. Ele teve uma evolução bastante progressiva. mas de colocação de uma cor ao lado da outra. Ele influenciou muito os artistas alemães da geração atual. nas variações ambíguas de fundo e forma. triângulo e a cruz. é uma pintura com base nas formas geométricas planas. Mais racional que as obras abstratas de Kandisky e Paul Klee. de ponta cabeça.: A obra de abstração da "Árvore". Antes de ser um pintor era um conhecedor de arte. assinado por Malevitch e Maiakovski. tinha um componente emocional que sempre se inspirava naquilo que ele via. Quando fazia o seu trabalho já tinha uma preocupação de distribuir tanto as formas como as cores na tela. defendia a supremacia da sensibilidade sobre o próprio objeto. Seu trabalho é abstrato. Apesar de ele ter uma obra extremamente geométrica. no início de seu trabalho. holandês) Piet Mondrian desenvolveu uma série de pesquisas em cima do abstracionismo. poeta russo. cores e formas que obtém. de pé. círculo. Sua obra deve ser vista de perto. mas pode ser notado um aspecto expressionista nele. um estacionamento de barcos e o oceano. informal e o apelo de seu trabalho está num conjunto de tudo. mas sempre tem um apelo forte a emoção. que foi e voltou e passou por várias fases. Buscava uma definição. A maioria de suas obras estão no Museu "MOMA". Os elementos principais são: retângulo. de longe. Tinha o objetivo de desenvolver um abstracionismo geométrico onde as formas e as cores eram organizadas de tal maneira que a composição resultante fosse uma expressão de uma concepção geométrica. É um trabalho que lembra uma marina. A sua obra mais conhecida chama-se "Boogie Odgie na Broadway". como quiser. já para o europeu a arte faz parte de sua formação acadêmica. de técnica. Teve uma evolução bastante gradual e oposta a de Kandinsky. Jackson Pollock Pintor americano. Curiosidades: Suprematismo. 139 . Suas características são rígidas e se baseiam nas relações formais e perceptivas entre a forma e a cor. Ele é bastante movimentado. em Nova York. reduz as formas. foi um dos principais integrantes do movimento futurista em seu país. O manifesto do Suprematismo. Ele é bastante expressivo.

Jackson Pollock deixava que a tinta agisse por si só. espontaneidade e automatismo. utilizando tinta à óleo. Ele não quer passar nenhum sentimentalismo através de sua obra.pincéis. chegando à criação de um estilo original. insistindo sempre no geometrismo. ou inclinada para que a tinta jogada pudesse escorrer. mas sempre utilizando quadrados e retângulos na sua maioria. A sua composição é bastante variada. Viveu sua vida artística quase que inteira no abstracionismo geométrico. Não teve muitas obras. Obs. a Sociedade dos Artistas Abstratos. Paul Klee demorou para muito para decidir ser pintor devido as influências recebidas de seus pais que eram músicos.Usou muito a técnica de jogar a tinta sobre a tela deixando que ela agisse por conta dela mesma. deixava secar e depois fazia intervenções sobre esse trabalho. Curiosidades: Action Painting ou pintura de ação gestual. Essas figuras geométricas são na maioria das vezes chapadas também. Teve um processo bastante evolutivo. Essa técnica de pintura chama-se Action Painting que significa “pintura por ação”. na Holanda. Raríssimas obras não serão geométricas. A natureza também é uma arte. Tem trabalhos em Amsterdã. no chão. Teve uma formação acadêmica tradicional que rejeitava. em telas enormes. assim como a natureza. geométricas e perfeitas em cima de um fundo extremamente chapado. Participou do grupo de Kandinsky "Cavaleiro Azul". Rússia e outros dispersos. Ele pintou inúmeros trabalhos só com cor e retângulo. balançar o pincel para respingar sobre a tela. Uma de suas obras feitas pelo processo "Action Painting" chama-se "Ritmo Autônomo". Ele soube colocar a sua própria expressão. Não existiu nenhum artista que tivesse influenciado Paul Klee diretamente. Paul Klee Nasceu em 1878 e morreu em 1940. trincha. Nem sempre trabalhava com esse processo "Action Painting". Foi o que mais se desvinculou da idéia de realidade. fundou-se nos Estados Unidos. etc. etc. Ele escolhia a posição que ia colocar a tela. lançava a tinta. formas extremamente rígidas. pasta espessa de areia. · Técnica: pintura direta na parede ou no chão. Ele deixava a tela de pé. criada por Jackson Pollock nos anos de 1947 a 1950 faz parte da Arte Abstrata Americana. · Destruição dos meios tradicionais de execução . Características da Pintura: · Compreensão da pintura como meio de emoções intensas. Em 1937. · Execução cheia de violenta agressividade. 140 . O abstracionismo cresce e se desenvolve nas Américas. espátulas. Toda viagem que fazia recebia muita influência.: Lançar a tinta pode ser um processo de jogar a tinta com um balde. Jackson Pollock usava dois processos para jogar a tinta na tela. Passou por diversas fases sem precisar voltar a nenhuma delas. vidro moído. que faz o que ela quer. Kasimir Malevich Artista russo.

Willem de Kooning (1904-1997) Nos anos 20 e 30. o maior de todos. o jovem De Kooning. 141 . pastel e outros materiais. junto com Jackson Pollock. Arshile Gorky e Mark Rothko. que no começo do século converteram sua arte numa forma de panfletagem político-social. Ele não se prendeu só a pintura à óleo. Pollock. Segundo Paul Klee: "A arte não restitui o visível. aquele que todos fazem (casinha. secundado por De Koonning e companhia. às vezes só a título de experiência. deslocou de Paris para Nova York a capital mundial das artes. Ele tinha uma visão muito espiritual. De Konning fez das figuras femininas . e o irreal com o real" O desenho de "setas" vai aparecer muito em seus trabalhos. costumava afirmar. ela torna-o visível". como todos os outros abstracionistas. Paul Klee explorava esse tipo de arte. apesar dos contextos racionais da arte. revolucionaria a pintura americana. expressionismo e primitivismo. antes de atacar suas telas. Para Paul Klee "O ilógico coexiste com o lógico. começou a vida como carpinteiro e pintor de paredes. tornando-se um admirador da obra de seu conterrâneo Rembrandt e do francês Cèzanne. De cultura européia.a marca da diferença em seu trabalho. Assimilou muita coisa do cubismo. preferindo expremir as misérias da condição humana nos limites da existência individual. Ao contrário de seus colegas de vanguarda. florzinha). De Kooning herdaria o apreço ela arte figurativa. que abandonou a Holanda aos 22 anos a bordo de um cargueiro. que aboliram a representação figurativa de seus quadros. do mesmo modo que explorou o expressionismo e o cubismo. a vanguarda expressionista ianque tratou de banir a política de seus quadros. Diversamente dos expressionistas europeus. não de excluí-las". traçados e pinceladas em seus trabalhos. usou também aquarela. Você reconhecerá a sua obra através de sua essência.: É conceituado como arte primitivista todo o desenho folclórico. fundando a vanguarda expressionista abstrata. Morreu vítima do mal de Alzheimer em sua casa-ateliê em Long Island. perto de Nova York. "Minha obra vive de incluir as coisas. Com seus borrões e respingos de tinta atirados contra ela a tela. Ao final dos anos 40. Obs.Paul Klee também foi um dos professores da Bauhaus. Teve uma variedade muito grande de estilos.

SURREALISMO
Em 1924 surge um grupo de pintores que vai se interessar muito pelo subconsciente, onde ocorre aí a falta de lógica. Eles se interessavam demais pelo sonho, pelo fantástico, pelo irreal, pela loucura, tudo que contrariasse a lógica. • Loucura • Sonho • Irreal • Ilógico A forma que eles pintavam é muito realística, mas o conteúdo é sem lógica. Freud estava em moda. A arte que é muito lógica, como iria acompanhar o ritmo se este já não é mais lógico? A arte tem que acompanhar a época. Vai haver, portanto, uma série de trabalhos que chamamos de surrealista. É uma arte do inconsciente. O surrealismo não é uma arte só do inconsciente, é também uma arte sem limites de qualquer espécie no conteúdo. O surrealismo vai surgir na pintura, na poesia, na música, no tipo humano (aquela pessoa surreal). O pintor, o poeta e todos os outros artistas procuram dois mundos: um visível e o outro submerso, vago, indeterminado, que é o subconsciente da gente. Vão procurar pintar esse subconsciente que não é fácil. Nós vivemos hoje, segundo Mali, em um mundo com métodos muito lógicos. Isso dificulta o entendimento do mundo surreal. O surreal não tem lógica nenhuma. É o nonsense total. Os fins lógicos não escapam de nós, mas os fins ilógicos sim. Tudo que não tem lógica e que foge do nosso controle, nós não gostamos. O surreal passa a ser a arte pura do sonho e da fantasia. Vão usar muito álcool, excitantes, hipnose, símbolos esotéricos, alquimia. Na arte surrealista não vai haver uma lógica discursiva. Ela não vai ter começo, meio e fim. O surrealista vai usar primeiro elementos justapostos, quer dizer, elementos que podem estar no mesmo tempo no mesmo lugar e podem ou não estar mesmo espaço. Ex.: Quando Paul Delvaux vai pintar uma moça nua em uma estação de trem com uma vela na mão como se fosse uma sonâmbula, isso incomoda muita gente, porque não tem lógica. Surrealismo tem muito recollection. É o sonho mal resolvido que agente tem. Paul Delvaux é um pintor surrealista que vai pintar muito estação de trem. Coloca uma mulher da época barroca fazendo justaposição de tempo e de elementos com mulheres mais clássicas no plano de trás. A forma é perfeita como uma fotografia mas a história ou o conteúdo é estranho. Paul Delvaux é belga e morreu em 1994. Em "off": Quando ele era mocinho, tinha paixão por trem, morava em uma casa próximo à uma estação ferroviária. Seu pai resolveu então levá-lo para uma viagem de trem. Quando eles chegaram lá o trem já tinha saído. Isso vai marcar muito pelo resto de sua vida, influenciando sua pintura. 142

O "acaso" para os surrealistas é uma coisa muito importante. Vai funcionar como uma "mis en cene" = "fundo" Ex: Dali pegava um papel e colocava ao ar livre por 3, 4 dias. O que acontecesse com aquele papel ele ia aproveitar para fazer em suas obras, como borrões. É o acaso. Na pintura surrealista, a técnica é ligada à criatividade. Vai ter que pintar muito bem a forma para que seja muito fácil de entender. Não pode pintar uma coisa muito complicada porque senão o fruidor não vai conseguir ler a obra. Se a forma não for perfeita e a história complicada, vai ser impossível de entender a obra. Pintores Bélgas importantes: Paul Delvaux, surrealista René Magritte, surrealista Rubens, barroco Para os surrealistas o acaso, a técnica, a decalcmania, fotomontagens, vão ser muito importantes. Vai atingir até a literatura e o cinema. Na literatura brasileira nós temos: João Cabral de Mello Neto Ariano Suassuna Júlio Cortasa Filme Surrealista: Filme inglês "Spell Bound", com Ingrid Bergmann. A cenografia é do Salvador Dali. O diretor é o Hitchcock (??). Surrealismo é um estado de espírito, é um propósito, é uma arte de sonho. Principais pintores surrealistas: Salvador Dali René Magritte Paul Delvaux Marx Hess, tem uma fase pequena surrealista. Foi cubista também.

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SALVADOR FILIPE JACINTO DALI ERA O NOME COMPLETO DE DALÍ.
Nasceu em 11 de maio de 1904. Em Figueiras, espanhol da Catalônia. Nasceu de família rica. Já era excêntrico desde que fez escola de Belas Artes. Em 1927 Dalí fez sua primeira visita à Paris. Picasso já tinha feito em 1900. Dalí começou pintando como impressionista. Ficou amigo de Garcia Lorca e Brunuel (diretor de cinema espanhol famoso). Os três eram muito amigos. Dalí vai ter muita influência de Picasso, em uma de suas fases. Ele teve um caso com Garcia Lorca. Brunuel não se conformava pois era muito machista. Dalí vai se tornar um grande surrealista. Em 1929, Dalí conhece Gala, que é Helena, e vai ser sua musa inspiradora e sua paixão até ele morrer. Ela foi uma dançarina russa. Quando Dalí a conheceu ela era esposa de Paul Edward (grande poeta francês). Quando Dalí viu Gala, numa festa na casa de Brunuel, ela estava de costas para o sol e com os ombros de fora. Ele se apaixonou pelo ombro dela e disse que ia casar com aquela mulher. Conseguiu tirá-la de Paul Edward e vão ficar juntos até ela morrer. Fofoca: Dali tinha um problema físico. Tinha o “elemento” pequeno que não funcionava muito. Gala conseguiu resolver essa situação. Ele devia isso a Gala. Foi a primeira mulher realmente que ele se resolveu. Ele era bissexual e tinha muitos casos. Nunca mais vai largar Gala na sua vida. Ela teve também muitos casos com marinheiros que Dalí sabia e aceitava numa boa. Dalí é o protótipo do homem surrealista. Ele é escandaloso e só pintou o irreal. É um cabotino (aquele indivíduo de maneira afetada, que procura chamar a atenção, ostentando qualidades reais ou fictícias) e só pensava em dinheiro. Adorava Picasso como artista e como pessoa. Picasso nunca deu bola para Dalí. Eles nunca foram amigos. Picasso não admitia a forma de viver de Dalí, apesar dele também ser extravagante. Dalí vai pintar muitos símbolos fálicos, como os ciprestes pontudos. Vai pintar muito costeletas penduradas em Gala, significando que gosta de “comer” Gala. Ele pinta também muitas muletas. Acha que todo mundo tem muletas. A sua muleta era Gala. Ele representa a muleta como se fosse forquilha (tipo muleta para segurar as oliveiras) A religião para Dalí é um campo de investigação. Ele foi muito místico. Ele fez coisas muito loucas, como a "Apoteose do Dólar". Era um quadro cheio de dólar assinado com um cifrão. Ele ficou muito rico. Quando a Gala morreu em 1982 ele estava sofrendo o mal de Parkinson. Dalí vai viver até o fim de sua vida de forma muito extravagante. Morre em 1986.

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Pinta o irreal. A partir daí sua pintura mudou radicalmente. Ele investe em você o tempo todo. Ele é um campo muito vasto para a nossa imaginação. 145 . Ele vai fazer sobreposições até o infinito. Toda obra que você vê. A famosa magia de Miró se manifesta nessas telas de traços nítidos e formas sinceras na aparência. a desconfiança do irreal. Em 1912 entrou para a escola de arte de Francisco Gali. mas difíceis de serem elucidadas. onde conheceu a obra dos impressionistas e fauvistas franceses. Dois anos depois adquiriu forma La masía. em Barcelona. É o pintor surrealista do absurdo. Nessa época. Tinha obsessão pelo rosto de mulher e estações de trem.JOAN MIRÓ iniciou sua formação como pintor na escola de La Lonja. obra fundamental em seu desenvolvimento estilístico posterior e na qual Miró demonstrou uma grande precisão gráfica. Em 1920 Miró instalou-se em Paris (embora no verão voltasse para Montroig). fez amizade com Picabia e pouco depois com Picasso e seus amigos cubistas. embora se apresentem de forma amistosa ao observador. você se questiona se é ou não real. entre os quais estavam Masson. Miró também se dedicou à cerâmica e à escultura. Breton falava dela como o máximo do surrealismo e se permitiu destacar o artista como um dos grandes gênios solitários do século XX e da história da arte. PAUL DELVAUX (1898-1994) É pintor belga. Usa metáfora em todos os quadros. RENÉ MAGRITTE (1898-1967) É também pintor belga. nas quais extravasou suas inquietações pictóricas. onde se formara um grupo de amigos pintores. Leiris. Artaud e Lial. Tudo dele é fantasticamente absurdo. em cujo grupo militou durante algum tempo.

em refinado. Roy Lichtenstein (1923-1997). dos quadrinhos. de poderosa influência na vida cotidiana na segunda metade do século XX. poliéster. embalagens de produtos industrializados e pássaros empalhados. já que se utilizava de objetos próprios delas. sua denominação foi empregada pela primeira vez em 1954. para designar os produtos da cultura popular da civilização ocidental. de Andy Warhol. tinta acrílica. e aproximou a arte das massas. Mas ao mesmo tempo que produzia a crítica. o pop art começou a tomar forma no final da década de 1950. usando como materiais principais. em oposição ao expressionismo abstrato que dominava a cena estética desde o final da segunda guerra. Representavam. sobretudo os que eram provenientes dos Estados Unidos. após estudar os símbolos e produtos do mundo da propaganda nos Estados Unidos. com as Sopas Campbell. que realizou em 1960 para 146 . ilustrações e designs. látex. virou moda. produtos com cores intensas. usando como materiais principais. nos quais se inspirava e muitas vezes o próprio aumento do consumo. Seu interesse pelas histórias em quadrinhos como tema artístico começou provavelmente com uma pintura do camundongo Mickey. a Pop Art se apoiava e necessitava dos objetivos de consumo. a Pop Art proporcionou a transformação do que era considerado vulgar. Além disso.POP-ART Movimento principalmente americano e britânico. Esses trabalhos tiveram como temas episódios da história americana moderna e da cultura popular. Com o objetivo da crítica irônica do bombardeamento da sociedade pelos objetos de consumo. Sua iconografia era a da televisão. com garrafas de Coca-Cola. a arte para poucos. usando como materiais. quando alguns artistas. reproduzindo objetos do cotidiano em tamanho consideravelmente grande. muito do que era considerado brega. um dos principais artistas da Pop Art. Principais Artistas: Robert Rauschenberg (1925) Depois das séries de superfícies brancas ou pretas reforçadas com jornal amassado do início da década de 1950. adotou a técnica de impressão em silk-screen para aplicar imagens fotográficas a grandes extensões da tela e unificava a composição por meio de grossas pinceladas de tinta. passaram a transformá-los em tema de suas obras. Era a volta a uma arte figurativa. Por volta de 1962. quadrinhos. ilustrações e designam. os componentes mais ostensivos da cultura popular. da fotografia. e já que tanto o gosto. ela operava com signos estéticos massificados da publicidade. transformando o real em hiper-real. do cinema e da publicidade. como aconteceu por exemplo. assim. Rauschenberg criou as pinturas "combinadas". desmitificando. pelo crítico inglês Lawrence Alloway. tinta acrílica. brilhantes e vibrantes. como a arte tem um determinado valor e significado conforme o contexto histórico em que se realiza. Com raízes no dadaísmo de Marcel Duchamp.

automóveis. Produziu filmes e discos de um grupo musical. apesar da ascensão social e da celebridade. intelectuais. e reproduziu a mão. Em seus quadros a óleo e tinta acrílica. delineadas por um traço negro. destacou a impessoalidade do objeto produzido em massa para o consumo. Cores brilhantes. as latas de sopa Campbell. Warhol mostrou sua concepção da produção mecânica da imagem em substituição ao trabalho manual numa série de retratos de ídolos da música popular e do cinema. desvinculados do contexto de uma história. como garrafas de Coca-Cola. incentivou o trabalho de outros artistas e uma revista mensal 147 . Andy Warhol (1927-1987). O resultado é a combinação de arte comercial e abstração. Com essas obras. como Elvis Presley e Marilyn Monroe. Seus quadros. Ele foi figura mais conhecida e mais controvertida do pop art. ampliou as características das histórias em quadrinhos e dos anúncios comerciais. o artista pretendia oferecer uma reflexão sobre a linguagem e as formas artísticas.os filhos. crucifixos e dinheiro. Empregou. e usando sobretudo a técnica de serigrafia. planas e limitadas. por exemplo. contribuíam para o intenso impacto visual. com fidelidade. Da mesma forma. aparecem como imagens frias. símbolos ambíguos do mundo moderno. os procedimentos gráficos. Warhol entendia as personalidades públicas como figuras impessoais e vazias. uma técnica pontilhista para simular os pontos reticulados das historietas.

pois exige um sistema de peso e contrapeso muito bem estudado para que o movimento tenha ritmo e sua duração se prolongue. ele verificou que se mantivesse as formas suspensas. Apesar de ter ganho força na metade da década de 1950. Mas. mesmo quando em preto e branco. Apesar do rigor com que é construída. sua montagem é muito complexa. Defendia para arte "menos expressão e mais visualização". solicitar ou exigir a participação ativa do contemplador para que a composição se realize completamente como "obra aberta". Os seus primeiros trabalhos eram movidos manualmente pelo observador. parece obedecer a duas finalidades. As suas composições se constituem de diferentes figuras geométricas. como diz o artista. em comparação. mais próxima das ciências do que das humanidades. que se modificam desde que o contemplador mude de posição. Embora. São engenhosamente combinadas. suas possibilidades parecem ser tão ilimitadas quanto as da ciência e da tecnologia. Sugerir facilidades de racionalização para a produção mecânica ou para a multiplicidade. que se modifica a cada instante. elas se movimentariam pela simples ação das correntes de ar. em preto e branco ou coloridas. Victor Vassarely . 148 . parece excessivamente cerebral e sistemática.OP-ART A expressão “op-art” vem do inglês (optical art) e significa “arte óptica”. a Op Art passou por um desenvolvimento relativamente lento. depois de 1932. de modo que através de constantes excitações ou acomodações retinianas provocam sensações de velocidade e sugestões de dinamismo.Criou os móbiles associando os retângulos coloridos das telas de Mondrian à idéia do movimento. os móbiles pareçam simples. por outro lado.criou a plástica cinética que se funda em pesquisas e experiências dos fenômenos de percepção ótica. Por outro lado. Ela não tem o ímpeto atual e o apelo emocional da Pop Art. ao qual não são estranhos efeitos luminosos. simboliza um mundo precário e instável. O geometrismo da composição. Principais artistas: Alexander Calder (1898-1976) .

No Brasil. Nina.o grafiteiro utiliza um cartão com formas recortadas que.GRAFFITI Definido por Norman Mailler como" uma rebelião tribal contra a opressora civilização industrial" e. Características gerais: * Spray art . ao receber o jato de spray. vandalismo puro e simples". Waldemar Zaidler e Carlos Matuck. só deixa passar a tinta pelos orifícios determinados. Speto. no PS 1. Tikka e T. como "violação.pixação de signos. principalmente no contexto político e social. existe a valorização do desenho. palavras ou frases de humor rápido.o metrô . destruição moral. mas a consagração veio com a mostra "New York/New Wave" organizada por Diego Cortez.(1960-1988). de Nova York. Com 21 anos participou da sua primeira coletiva em Nova York. como o genocídio. a opressão e o racismo. o Grafite saiu do seu gueto . em 1981. * Stencil art . As temáticas do seu trabalho refletem suas preocupações. Principal artista: Jean Michel Basquiat . também se destacam artistas de vanguarda como: Os Gêmeos: Otávio e Gustavo. Freak.e das ruas das galerias e museus de arte. e principalmente ícones da cultura e consumo americanos. 149 . destacam-se os artistas: Alex Vallauri. Foi patrocinado por Andy Warhol (Pop Art). iniciou sua carreira grafitando as paredes e muros de Nova York. Boleta. valoriza-se a cor. Morreu prematuramente em virtude de depressão e drogas. instalando-se em coleções privadas e cobrindo com seus rabiscos e signos os mais variados objetos de consumo. A primeira grande exposição de Grafite foi realizada em 1975 no "Artist's Space". Seus grafites mostravam símbolos de variadas culturas. nascido no Haiti. por outros. anarquia social. a partir daí virou celebridade. de obras famosas. com apresentação de Peter Schjeldahl. Nunca. um dos principais espaços de vanguarda de Nova York.

da criatividade autêntica. ressaltamos Christo. sem que. Obra Destacada: Homenagem a Chico Mendes do artista Roberto Evangelista. que foi envolvido em tecido sintético com duração de duas semanas. portanto é instintiva e onde o artista expande seu universo particular. muito embora. se confunda com elas. guardasóis. nem nas tendências modernistas. Art naïf (arte ingênua) é o estilo a que pertence a pintura de artistas sem formação sistemática. O espectador participa da obra. Trata-se de um tipo de expressão que não se enquadra nos moldes acadêmicos. Atualmente. de uma criação totalmente subjetiva. existem os realmente marcantes e outros nem tanto. seja quase sempre possível descobrir-lhes a fonte de inspiração na iconografia popular das ilustrações dos velhos livros. da arte do doente mental e da arte primitiva. Alguns artistas interferem na paisagem. o artista naïf é marcadamente individualista em suas manifestações mais puras. juntamente com a escultura e outros materiais. Claro que. Características gerais: · Composição plana. como numa arte mais intelectualizada.INTERFERÊNCIA Como a pintura já não é claramente definível e deixou de ser a única fornecedora de memoráveis imagens visuais. Ponte Neuf (Paris) embrulhada para presente.Berlim). bidimensional. nem tampouco no conceito de arte popular. tende à simetria e a linha é sempre figurativa 150 . Obras Destacadas:: Cortina no Vale. e não somente à aprecia. no entanto. do fazer artístico sem escola nem orientação. Não se trata. para ativar o espaço arquitetônico. colocam cortinas. ARTE NAÏF É a arte da espontaniedade. Esse isolamento situa o art naïf numa faixa próxima à da arte infantil. INSTALAÇÃO São ampliações de ambientes que são transformados em cenários do tamanho de uma sala. portanto. Guarda-sóis colocados em um vale da Califórnia e mais recentemente o Reichstag ( Parlamento Germânico em 1988 . o único artista que se destaca com suas interferências. É utilizada a pintura. embrulhos em locais públicos. das folhinhas suburbanas ou das imagens de santos. mesmo nesses casos. sem nenhuma referência cultural. Assim. O artista naïf não se preocupa em preservar as proporções naturais nem os dados anatômicos corretos das figuras que representa.

e de empregar as cores de modo arbitrário. Em sua primeira exposição foi acusado pela crítica de ignorar regras elementares de desenho. composição e perspectiva. 151 . no Salão dos Independentes. após despertar a admiração de Alfred Jarry. homem de pouca instrução geral e quase nenhuma formação em pintura. "Um dia de carnaval". Robert Delaunay e outros intelectuais e artistas. seu trabalho foi reconhecido em Paris e posteriormente influenciou o surrealismo. · Pinceladas contidas com muitas cores. Criou exóticas paisagens de selva que lembram tramas de sonho e parecem motivadas pelos sentimentos mais puros. Nos primeiros anos do século XX. Guillaume Apollinaire. Pablo Picasso. Estreou com uma original obra-prima. Principal Artista: Henri Rousseau (1844-1910).· Não existe perspectiva geométrica linear.