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Apostila de Artes - Pronta

Apostila de Artes - Pronta

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APOSTILA HISTÓRIA DA ARTE

PROFESSORA: MEIRE DE FALCO
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História da Arte  Linha do Tempo o Pré-História  Arte Pré-histórica o Idade Antiga  Arte Egípcia  Arte Grega  Arte Romana  Arte Paleocristã  Arte Bizantina  Arte Islâmica o Idade Média  Arte Românica  Arte Gótica o Idade Moderna  Renascimento  Maneirismo  Barroco  Rococó o Idade Contemporânea  Neoclássico  Arte Romântica  Realista  Impressionismo  Expressionismo  Cubismo  Abstracionismo

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Fauvismo Construtivismo Surrealismo Dadaísmo Op Art Pop Art Instalação Interferência Cobra Futurismo Arte Naif Pintura Metafísica

o Arte Brasileira  Pré-História  Arte Indígena  Arte Colonial  Arte Holandesa  Barroco  Missão Francesa  Arte Acadêmica  Semana de 22  Expressionismo  Arte Naif

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PRÉ HISTÓRIA
A arte nasceu com o homem e deu-lhe a consciência de sua capacidade criadora, a possibilidade de imaginar. É muito importante lembrar que a arte revela o ser, independente de cor, religião, locais geográficos, independente de qualquer coisa. Se a arte não revela o ser ela não será arte. A arte é comunicação. Esse sistema de comunicação é sempre ligado a um processo histórico. A arte pressupõe um público. Mesmo que ela não seja feita para o público sempre haverá um que irá olhar. A arte é emissora e receptora, ela emite e recebe ao mesmo tempo. Na pré-história, o homem se tornou artista há 400 séculos ou 40.000 anos. Esse homem apareceu na fase da Pedra Lascada, em um período chamado PALEOLÍTICO (Paleo=Velho, Litico=Pedra). Esses homens tinham uma sensibilidade criadora incrível, habilidade e inteligência para a arte quase como os homens de hoje. Homens da pedra-lascada, homens primitivos, homens das cavernas tem o mesmo significado. Ha 4 milhões de anos antes dos homens paleolíticos já existia homem na terra quase como macaco. Dessa época não temos nenhum registro. Não sabemos o que eles fizeram, apenas que eles sobreviveram. De arte só sabemos a partir de 400 séculos atrás. Nesses 2 últimos milhões dos 4 milhões de anos agente já sabe que o homem se utilizava de pedras e de paus. O homem, com certeza, desde 4 milhões de anos atrás já usava um instrumento, porque o macaco como exemplo pega uma planta ou uma pedra para jogar em outro macaco. Então tudo isso o homem já devia usar. Só que transformar pedras em utensílios levou séculos. Primeiro ele pensou o que fazia com os seixos (pedras lascadas) ou com gravetos. A partir dai ele vai associar forma à função, criando assim o utensílio. A madeira por não ser resistente não durou para que pudéssemos ter como prova mas, os objetos de pedra permanecem até hoje. Esse objetos pessoais foram se aperfeiçoando. Com o aperfeiçoamento desses objetos iremos entrar no Paleolítico, época da pedra lascada. O mundo era totalmente diferente, os homens viviam em cavernas, a temperatura era baixa, sempre no gelo. Viviam em regiões que correspondem hoje a França, Espanha, Inglaterra, Alpes, Síria, Palestina, Norte da África, em plena Ásia, no Himalaia. Viviam em grupos bem grandes para se protegerem. A caça era abundante nessas regiões. Apesar de se chamarem homens das cavernas, eles pouco habitavam nelas. Ficavam muito mais do lado de fora, por serem sufocantes, malcheirosas, sem luz,e feias. Do lado de fora eles podiam ver a mudança do dia e noite, o que achavam fantástico e completamente inexplicável para eles. As cavernas eram mais usadas como abrigos das intempéries do que como moradas. Esses homens são chamados de primitivos, não por serem mais simples do que nós, porque eles foram os primeiros do local mais próximo de onde começou a humanidade. O processo de pensamento deles era muito complicado, muito complexo. 2

A explicação disso tudo é “a magia propiciatória”. Ele não desenhou nunca homens porque ele não queria matar outro homem dessa forma.Existem milhares de pinturas rupestres (como são chamadas as pinturas das cavernas). Não iríamos pintar hoje com a finalidade de fazer magia propiciatória. O animal dava a carne para ele se alimentar. Depois começaram a pintar os animais sempre no fundo da caverna. sangue. e não de técnicas. O padrão de qualidade não difere do nosso hoje. ele morria. não distinguindo o real do irreal. tochas recobertas de gordura animal. É uma história de artistas. do mesmo jeito que não pintava a flora.e os ossos para ele usar. As cores empregadas eram ocre. como se fosse uma mágica. As ferramentas rudimentares que usaram foram feitas com a mão. O homem era monista. Não sabia a diferença do real para o irreal. Essa pintura vai ser uma “pintura realística e figurativa” porque ele vai pintar tal qual ele vê. de pessoas em mutações. mas mais de conteúdo). marrons. sementes. carvão vegetal (que usamos até hoje). Pintavam mamutes. vermelho. Ele pintava o que via. Antes do homem pintar os mamutes. em locais inóspitos. decorar. bem escondidos. Séculos depois ele vai pegar um osso e soprar o pó sobre sua mão na parede da caverna deixando a marca do contorno de sua mão nela. Mesmo hoje vai ser chamada de “pintura rupestre” aquela pintura feita em tons crus. ocres. sépia. Você pode ter muita técnica mas se não tiver uma concepção artística dificilmente fará alguma coisa. O domínio técnico dos homens da caverna é surpreendente. Ele precisava do outro homem para preencher aquela imensidão do mundo que estava totalmente vazia. ele passava o dedo no pó da caverna e este nas paredes. com criações. Não separavam o visível do invisível. bisontes. depois o pincel bem rudimentar feito de pêlos e penas de animais. As mais importantes cavernas citadas na História da Arte são: Altamira na Espanha e Lascaux na França. Ele precisava do animal para sobreviver e não do homem. Primeiro utilizou o dedo como pincel. Foram descobertos vestígios de luz artificial. o mundo para eles era uma realidade só e única. Esses locais eram bem inacessíveis e provavelmente subiam um em cima do outro para alcançarem. Essas cores eram devido aos materiais orgânicos de que eram feitas como: fibras. São cavernas lotadas de pinturas rupestres. bisontes (era como avô do elefante ou do boi). É tão bom quanto os de hoje. É a primeira vez que existe um estilo na história da arte. Não existia requinte por não haver intenção de fazer arte. a pele para ele se vestir. A história da arte não é uma história de progressos de técnicas. Não sabiam a diferença do mundo material do espiritual. 3 . Se ele tivesse um poder sobre outro homem isso iria causar muito medo. idéias (conteúdo e formas. O homem pré-histórico desenhou muito bem os animais. quer dizer. O que difere são as idéias. para poder iluminar o fundo da caverna. A magia propiciatória era o pintar e o matar o animal através do desenho. Se ele não matasse o animal. ossos carbonizados.

quadrados. bisontes. Se não fossem os terremotos e os deslocamentos de terra que tamparam essas cavernas. O pré-histórico da era paleolítica fez esculturas de figuras femininas em pedra. Altamira. não saberíamos nada sobre esses “museus do mundo”. Nessas aldeias não tinha chefe. O homem será representado mais forte e mais alto do que a mulher. A arte é feita pela arte. elas permaneceram até hoje. ventre saltado e nádegas enormes. quando um pai fazendo um picnic com sua filha. Nunca ele fizeram representação escultórica de macho. mamutes. Eles fazem incisões nas cavernas aproveitando os relevos para dar volume nos desenhos. como eles pintavam. Vai surgir as primeiras figuras masculinas. Outras formas de arte são as gravuras. como uma forma de leitura de suas vidas. Tem uma ordem entre as figuras que parecem um código de composição. É um estudo muito sério e não se sabe a realidade. Obs. Eles acham que podem ser desenhos referentes a extra-terrestres. amontoar um monte de ossos. A arte é realmente a expressão de uma época. porque com a temperatura amena podiam ficar mais tempo no mesmo local. O auge do abstracionismo é fazer quadrado. essa descobre um buraco que a leva a outras salas com muitos desenhos. Os cientistas não gostam de que sejam fotografados esses desenhos. e é chamada a catedral das cavernas. Eles também começaram a dançar e a cantar. pois esta começava a deteriorar. Começa o período neolítico. O homem neolítico consegue o controle sobre a sua alimentação. sem deixar espaço para andar. Eles então largavam tudo lá e escolhiam outro lugar. Começa a plantar. etc. na pedra-polida. A arte passa a ser feita do lado de fora na entrada das cavernas com o objetivo de serem vistas. Assim vão documentar para as vidas futuras o que a sua comunidade fazia. ao acaso. Ela corre para avisar o pai e esse chama os peritos para estudar a caverna. entrar água. 4 .000). É a conquista do pré-histórico de sua capacidade de representar as três dimensões. Os retângulos. só da fêmea. porque não existe na natureza. nem rei por não haver ainda uma hierarquia. há pouco tempo. Deve ser por causa da fertilidade. 18 metros de comprimento e 9 metros de largura.A caverna de Lascaux foi descoberta em 1940. na Espanha. a cultivar e se organizar socialmente formando aldeias. Com o tempo mais estável eles passam a ter uma vida sedentária. vacas. mulheres de seios enormes. 8000 anos depois (dos 40. Na época do paleolítico ficavam pouco tempo na caverna. Foi descoberta em 1879. Tem dezenas de representações de animais como: cavalos. como as tintas foram feitas com materiais orgânicos. como “deusas da fertilidade”. Pintam do lado de fora mostrando os atos da vida coletiva deles. Não é mais uma magia propiciatória. touros pintados de tamanho natural e de corpo inteiro. Eram pinturas sobre a caça. triângulos. não se sabe como eles tinham conhecimento dessas formas. tem 2 metros de altura. que não existe na natureza. A temperatura era mais amena. que seria a representação de mulheres grávidas. paleolítica. Nas cavernas do período paleolítico foram descobertas algumas simbologias inexplicáveis como o “quadrado”. E. Os homens abandonaram a vida nômade. É através do carbono 14 que se constata tudo da época pré-histórica.

Eles percebem que se derem as mãos e saírem cantando a colheita iria ser muito mais interessante. Eram muito primitivos. A arte neolítica dá um passo atrás pintando da mesma forma que a criança pinta hoje. Passa a ser um ser social. alguma a coisa a mais que é dono de tudo isso e que precisa tomar cuidado. O cavalo como besta de carga só vai aparecer na idade do bronze e como montaria só no final da idade do bronze quase na Idade Média. Uma das coisas muito interessantes do homem pré histórico é quando ele toma consciência da dependência que vivia do bem e do mal. benéfico ou maléfico. Ele pode cultivar e. Vai existir a cerâmica crua e cozida. A partir da consciência desse ser vai surgir a necessidade da crença e do culto.: prato. artística econômica e política. Ele percebe que tem uma coisa que domina e toma conta dele. amigo. A cerâmica era super importante porque utilizavam-na para tudo.O cantar era um ajuntamento de sons para cultivar os trabalhos coletivos do plantio e da colheita. sepultamento. É a primeira mudança de estilo na história da arte. As suas preocupações são outras. Depois domesticou o boi. símbolos sagrados. Ex. de repente. A mulher só poderia ter outro homem quando o dela morria. Vão surgir também mitos. A última animal a ser domesticado foi o cavalo porque eles se alimentavam dele. Vão aparecer as primeiras esculturas dos “deuses”. o porco e a cabra que abastecia de carne. mas de alguma coisa além dele. cevada. cerimônias fúnebres. A cerâmica cozida era feita mais no período neolítico. e feito na posição (por trás) como os animais. Vai acontecer uma revolução social. lentilhas. No período neolítico é que o homem podia ter quantas mulheres quisesse e a mulher não. maçãs. Vai pintar de uma forma muito esquematizada e muito pior que o homem paleolítico. cenouras e nozes. Ele percebe que a colheita não depende dele. Tudo é geometrizado e certinho. Vai aparecer tudo. O 5 . Ele tem a concepção que existe um ser. uvas. Eles faziam para dormir uma grande cama de cerâmica em formato de barco para segurar o calor. Ele auxiliava na caça. Uma das atividades artísticas mais importantes do neolítico é a cerâmica. Depois da cerâmica é que vai surgir a madeira. O homem passa de figurativo realista para a pintura geométrica. Eles cultivavam trigo. tecendo e fazendo tarefas domésticas. Ex. linho. A mulher fica em casa cozinhando. Começa então a surgir a religião para protegê-lo. Acha-se que a primeira plantação foi feita na região Mesopotâmica indo depois para o resto da Europa.: “deus da colheita” Não tinha ainda a definição de uma mulher para um homem. O primeiro animal domesticado pelo homem foi o cão. era fiel. não ter essa colheita por causa de uma chuva de granizo ou de uma tempestade. ervilhas. Ele percebe que quem rege o destino do solo é a natureza. ajudá-lo. Restaram apenas pedaços dessas peças e muitos desenhos desse período neolítico documentando isso tudo. O sexo era um ato animal. papoulas. Com certeza esse cultivo começou no oriente médio por causa do clima muito seco. Eles guardavam as coisas nas cerâmicas porque elas conservam a quentura. leite e fibra para tecido. que é a natureza.

Durante séculos o homem vai ser proibido de cozinhar. é o caso de Picasso. e utilitárias para a época. No final da idade do bronze já não é mais considerado pré história.homem sai para o campo para caçar e fazer a plantação. Essa liga possibilitou modelar uma infinidade de coisas. 6 . Os utensílios ficaram bem melhores. Os grandes cozinheiros vão ser na época de Luís XIV. carros. Eles passam a cozinhar a carne. quando estavam fazendo uma fogueira em um acampamento quando. E. no Barroco. de repente. não comendo mais carne crua e vão usar sal pela primeira vez. O único homem que cozinhava era o mágico da tribo para ele fazer rituais. Obs. É quando eles fazem rodas. Vários pintores do século XX vão trabalhar em cima da história da arte primitiva. Eles achavam que se o homem cozinhasse a comida seria uma comida envenenada. A preocupação do homem na idade do bronze era em cima das descobertas técnicas. Uma grande descoberta sempre leva a outra grande descoberta. Não vai cozinhar comida. mais do que com a beleza. para finalizar. Somente depois na Idade Média é que o homem vai aparecer cozinhando. A idade do Bronze também foi descoberta por acaso. O homem não cozinhava. Na hora de colher a colheita a mulher e os filhos participavam. Esses minérios derretidos formaram o bronze que quando esfriava endurecia rapidamente. etc. a Idade do bronze foi muito pobre artisticamente. derreteram uma pedra que tinha cobre e estanho.

Foi o dilúvio que a Bíblia comenta.000 A. etc. somente a força da religião era que unia todas elas. Foi o local onde todos os povos como sumerianos. Existia uma cidade chamada Uruqui. Em 1927 os arqueólogos. surgindo aí a técnica dos mosaicos. a Mesopotâmia já era uma civilização. Todos tinham uma forma muito diferenciada de falar.. escravos e não escravos. colocavam para secar e depois construíam palácios. no interior do Zigurat. Os templos para os sacerdotes era a construção mais bem organizada. Os templos da Mesopotâmia que tinham esse formato chamavam-se Zigurat. lindíssimo. Tinha também só uma porta com uma escadaria que conduzia o povo a subir para rezar lá em cima. O Museu do Louvre está lotado sobre as peças da cultura Mesopotâmica. todos os povos da Mesopotâmia fizeram as construções assim. A arte Egípcia teve poucas variações.C. Aparece Noé com seu barco e os animais para se salvar do dilúvio. Todos. Nessa cidade tinha um templo fantástico todo branco. tinha força de lei. etc. os mosaicos. só que eles não faziam como os egípcios que trabalhavam em pedras.. Tudo o que sabíamos sobre a Mesopotâmia era através da Bíblia. Durante 3. Em 1927 eles escavaram os montes e descobriram as cidades da Mesopotâmia. A religião era magia. ajudaram na construção. assírios.000 anos. escrever.000 A. Até a metade do século XIX pouco se sabia da Mesopotâmia. etc. Isso ocorre 5. fenícios. Era como se tivesse acabado o mundo. acharam a cidade de “Hur” que começou 5000 A. Cada povo falava uma língua. Quando as civilizações européias ainda estavam na pedra polida. babilônios. Os rios Tigre e Eufrades inundaram toda a Mesopotâmia. fenícios. Entre os muitos povos que faziam parte da Mesopotâmia. dos sumerianos. Esse templo enorme que era equivalente a um prédio de 20 andares.C. etc. enquanto a arte da Mesopotâmia teve muitas. O culto aos deuses era muito forte. O sumeriano é o protótipo mais antigo das construções de dentro de casa. Havia. Foi tão importante quanto o Egito. 7 . Com o passar do tempo essas construções não resistiram às mudanças e nada restou. sepulturas. os Sumerianos foram os primeiros a dominá-la. do lado de fora. No interior tinha tijolos bem pequenos e coloridos. pintar. depois de muita procura. onde estaria mais próximo de “deus”. Foi chamada de “TORRE de BABEL”.C. ou seja até 2. Os arqueólogos descobriram vários montes chamados tells (téus) e que tinham lá no fundo tinham a civilização. na Mesopotâmia.Tinham tesouros soberbos como os dos egípcios. ninguém se entendia. As cidades eram independentes umas das outras. Situada no Oriente Antigo. Eles eram muitos povos como: caldeus..MESOPOTÂMIA MESOPOTÂMIA: quer dizer em grego região entre os rios Tigre e Eufrates. Faziam tijolos pequenos um a um à mão. A Mesopotâmia foi uma civilização fantástica como a Egípcia. foram convidados para construir esse templo imenso. eles trabalhavam com adornos (que são tijolos pequenos de terra).

Vão implantar o terror na Babilônia. A arte era feita para “deus”. Os assírios permaneceram na Babilônia de 1100 A.: A civilização mexicana aparece bem depois de Cristo. Fizeram desses escravos os construtores das grandes cidades. Vão acabar com o primeiro Império Babilônico. enquanto o corpo eles nem ligavam.000 A. O branco dos olhos era feito de conchas. dando expressão de fé e serenidade. A cabeça era cuidadosamente elaborada. Era uma civilização tão rica quanto a do Egito.C. concha marítima. grandiosa. Relembrando: Vão construir uma torre na Babilônia. Era como os contratos de doações de terras. Quando a argila estava mole. A arquitetura era pomposa. A fase histórica é praticamente a mesma.C. principalmente o caráter. Eles chegaram a dominar o Egito e a Fenícia. Isso acontece porque para o povo sumeriano. O que eles produziram de arte era somente ligado às guerras e aos reis. Eles só não acabam com a cultura babilônica pois vão adquiri-la através da forma deles pintarem.500 A. Kudurros eram os contratos feitos em pedra e escritos em cuneiforme.) vai bater mais ou menos com os hieróglifos egípcios. gigantescas. Dominam toda a Mesopotâmia e toda a Síria. Assur é uma cidade muito famosa. cantarem. Tinha um curioso detalhe: a desproporção entre a cabeça e o corpo. gravadas ou esculpidas. estava no rosto e o corpo servia só de suporte. Ex. Para construí-las pegavam cidades inteiras. sendo que estes dois últimos não duraram com o tempo. O poder deles chegou até o Egito. Eles utilizavam pedras. A Mesopotâmia não ficou tão famosa porque o material usado nas construções não resistiu ao tempo por serem feitos de adobe (tijolinhos de pedra).3. É por isso chamado de cunheiforme. A escrita da Mesopotâmia (3. A Mesopotâmia fica hoje mais ou menos onde estão os países Irã. O material usado para fazer as esculturas era muito variado. mármore.C.C. principalmente a escultura. gesso. sendo completamente diferentes um do outro. Era uma cerâmica muito ruim. guiados pelo rei Sargão. Os assírios eram tremendamente guerreiros e tinham um exército muito poderoso. a alma das pessoas. Os sinais da escrita ao invés de serem desenhados. Eram povos unidos só pela religião. chamada Zigurat para que as pessoas rezassem mais próximas de “deus”. A escultura era super importante. até 612 A. Portanto a arte acariana é muito parecida com a arte sumeriana. Assurbanipal era o guerreiro imperador. foram gravados na argila.000 a 2. Obs. É um passo enorme da Humanidade.: os Maias. bem feita. Os acarianos vão aparecer em 3. A escrita chamava-se cuneiforme por ser em forma de cunha. e falarem. 8 . É um povo interessante.A invenção da escrita aparece na Mesopotâmia em +/.C. Os olhos eram enormes e bem expressivos.000 A. O que vai ter de diferente são as famosas “estrelas” ou “estelas” que são as pedras desenhadas. prendendo as pessoas e fazendo atrocidades com elas. O azul era feito lápis-lasure. Iraque. eles pegavam um estilete em forma de cunha e gravavam na parede. Eles copiam a arte sumeriana. especialmente para os sumerianos. imperial. São guerreadores mas não são grandes artistas. Descobriram que por baixo dos “tells” (montes) existia uma civilização fantástica. escreverem...

celeiros. mulheres passeando. embora 9 . tortura. Os assírios pegavam a população e testavam a resistência dos velhos e crianças para ver quem conseguiria ficar mais tempo sem comer. Nos próprios registros das esculturas é que constatam que eram guerreiros e cruéis.O assírio foi o pior povo da antigüidade. Eles utilizavam números cabalísticos como o 7 e o 14. Através dos escravos eles sabiam a resistência que eles precisavam ter. A muralha tinha a altura de um prédio de 8 andares. Quando não resistiam mais substituíam por outros. Na síria. 17 dormitórios de empregados e 7 banheiros. o que seria mais ou menos 10. está no museu do Louvre e era do Palácio do Assurbanípal. construiu um palácio com uma muralha. No grande Zigurat eles rezavam para que suas conquistas fossem sempre maiores. Os egípcios ao contrário do que se pensa não só tinha os escravos como pessoas do próprio povo que ajudavam nas construções faraônicas. Fizeram transplante de córnea. Ajudava os seus sacerdotes a cultuar o mal. Tudo isso foi erguido em apenas 6 anos por causa do trabalho escravo. Tudo isso para estudarem a ciência. Eles não escondiam essa crueldade. As outras 37 ficavam na expectativa de algum dia serem chamadas. armazéns. Tinha um enorme harém com 37 camas. matança em massa.000 m2. Tem um relevo famoso que é “A leoa ferida”. No museu do Louvre você poderá ver esses relevos. para seu descanso. vai aparecer a primeira propaganda onde o rei sempre aparece vencendo e os povos caindo e morrendo. Deixaram tudo por escrito. O rei Sargão da Síria. onde tudo parecia ser bem tranqüilo. A moradia dos monarcas eram obras arquitetônicas fantásticas só que construídas com tijolinhos de barro. Tem uma maquete no British Museum. eles faziam relevo e arquitetura. Somente em Ninive é que Assurbanípal mandou fazer baixos relevos. 22 salas de recepção. O mal era que ajudava e não o bem. Ele realmente ele vai colocar essa tranqüilidade através dos relevos de árvores frondosas. Nesse palácio eles faziam rituais para o demônio. Essa muralha tinha sete portas e era ao redor do palácio medindo 300 hectares. Tinha 97 pátios. principalmente. O palácio do Sargão tinha 300 salas. Não acreditavam em outra vida. Isso também vai aparecer no Egito. cativeiro. Muito do que sabemos vêm de pergaminhos desenhados. Não sobrou um monumento pronto. lagos. O Rei Sargão cultuava essa coisa do mal. Eles quase não pintavam. Não fazia o povo de escravo só para construir para eles. Eles colocam só os assírios como vencedores. por ex. Na arte assíria o que mais se destacou foi o relevo. 10 salas de tronos. músicos tocando. Fizeram imensos tambores de cerâmica cheios de água para testar também a resistência das pessoas sob o sol fortíssimo com a água subindo. Sempre mostra o horror. trabalho forçado. Pegavam milhares de escravos até eles resistirem. mortandade. 77 quartos. somente o Zigurat. Tinha o super harém com 7 preferidas. Essas 37 moças desse harém não eram as preferidas. Depois testavam a resistência sem dar comida e depois sem dar água também.: pegavam 2 irmãos e arrancavam o olho de um para colocar no olho do outro. pássaros. A cabala vai aparecer muito na Mesopotâmia e no Egito. auxiliando séculos mais tarde com esses conhecimentos.

Era uma árvore parecida com romã. A única pintura que foi registrada da Mesopotâmia é a cidade de Ur. Só na Idade Média é que surgiu o cinto de castidade do jeito que conhecemos. O rei é o vencedor e todo o resto da humanidade perdedor. Na Mesopotâmia é que vai aparecer o esmalte pela primeira vez. Em 612 A. os assírios foram destruídos pelos MEDOS (médos). o caule. e ouro vermelho que mandavam buscar no mundo inteiro. Aí começou o cinto da castidade. Quando o homem era solteiro (mas noivo) ele tinha um grande anel no dedo anular. Mais tarde os judeus foram estudar como eles fizeram essa irrigação para resolver esse problema na terra deles. Em UR eles gostavam tanto de ouro que faziam muita jóia usando também muito rubi. Após casar o marido é que representava as pedras preciosas. A flores e folhas eram da mesma cor. No patamar azul. Ficava na unha por um ano. um grande colar e uma pulseira também na perna. para indicar que o homem não estava em casa. quando os maridos saiam de casa para guerrear. Foi o fim do esplendor da Babilônia. Eles usavam uma substância vermelha que eles tiravam de uma árvore que hoje não existe mais. Tinha um sistema de irrigação no qual a água passava por todos os patamares. Em todos os museus do mundo você vai encontrar essas jóias. Quando essas moças casavam elas passavam a usar somente o bracelete no braço com ouro de 2 tons sem rubis e esmeraldas. azul. inóspito. Tinha um platô na parte lateral. violeta. Era uma substância orgânica que eles maceravam até conseguir o vermelho. Na realidade era uma tinta. O anel era tão grande que ocupava o dedo todo sem poder dobrá-lo.muitas vezes eles fossem os perdedores. Todo homem e mulher casada tinham que usar nos pés e nas mãos. pois só hoje é que denominamos esmalte. Ex. graças a irrigação. ou outro motivo. Elas colocavam um cinto no quadril. Todos os povos tinham medo deles. Os jardins suspensos da Babilônia vão ser reconstruídos. As pedras eram usadas só nas solteiras. onde eles plantaram grama e flores em um lugar completamente árido. Não era um cinto como o de castidade ainda. Depois é que vai surgir mais tarde a aliança. a folha e flor eram azuis também. na época da Néo-Babilônia. Quando eles casavam passava para o outro dedo anular da mão esquerda. feito também em ouro. Eles obrigavam as mulheres a usar ouro. bem mais tarde dominou a Babilônia. 10 . esmeralda. Tiravam o colar do pescoço porque elas não estavam mais presas aos pais e sim ao marido. Eram sete patamares. eram distribuídas por vários patamares debaixo para cima. amarela e branca. sendo portanto tiradas dos cintos. rei da Pérsia. era só apoiado no quadril e não tinham pedras preciosas. Eles vieram da Ásia e junto com os babilônios que ainda restavam eles destruíram os assírios e reconstruíram a Babilônia que é chamada depois de Néo-Babilônia. As solteiras usavam um bracelete no braço. Daí a Babilônia vai ser mais uma vez a mais esplêndida cidade do Oriente. Quando Siro. destruiu tudo com exceção do Zigurat por considera-lo um marco muito forte. misturando também com outras substâncias.C. Os jardins da Babilônia eram feitos de flores de várias cores sendo que.

Todos esses povos de uma forma ou de outra eram guerreiros. A mulher não tinha direito sobre a herança enquanto o marido estava vivo. A casta da Mesopotâmia. as viúvas tinham que casar. O homem viúvo não tinha que cumprir essa lei. qualquer povo. 11 . Essa lei vai vigorar todo o tempo na Mesopotâmia. Até 18 anos os filhos eram considerados crianças só podendo guerrear. Obs. Ela é que iria decidir se dava ou não a herança para os filhos. As mulheres viúvas tinham que casar 3 meses depois que o marido morria.Quando ficavam viúvos tinham que pintar as unhas de preto. mas não podiam ter nada. Tinha uma fila de homens esperando porque o marido deixava toda a herança para a mulher e não para os filhos. assírio. qualquer um caldeu.: Na antiga Babilônia é onde se encontra Saddam Hussein hoje. dependendo se estes eram bons ou não.

“rio deus”. O Egito foi dividido em Alto e Baixo. mas como civilização forte até 30 A. Dos lados tem dois dos maiores desertos do mundo Saara e Núbia. A indústria da época como: manufatura de papiros. mas de todo o povo. do qual viviam muito da venda do ouro. Era uma organização social simples. Após se formarem as dinastias. simétrica. A arte egípcia é toda dirigida para a religião.C. Enquanto a Europa era completamente bárbara. Na arte egípcia sempre vai ser exaltado o sentimento de morte e eternidade. quando surgem os faraós. Só os sacerdotes ou amigos dos sacerdotes é podiam exercê-las.EGITO Tudo no Egito é feito para a eternidade. Não tinha dinastias e nem faraós. Ela começou mesmo como civilização em 5. todo mundo se matando. A alma do Egito era o Nilo. Quem vivia nos templos eram os ricos Sacerdotes e Faraós. A arte e civilização Egípcia duraram 40 séculos. O Egito tem sido considerado desde a mais remota antigüidade o berço da civilização. era exercido pelos faraós e seus funcionários. as jóias eram todas concentradas no domínio real ou dos templos. Ela continuou depois. especialmente o trigo que fazia daquele país no meio desértico o celeiro da antigüidade. Os Templos também são monumentos colossais.C. os aspectos sociais. milênio. equilibrada e geométrica. mas sempre para os faraós ou pessoas da família dele. O Egito é uma espécie de oásis no centro de uma região desértica. os mortos. os trabalhadores interrompiam o trabalho agrícola quando grande parte da população estava disponível para as grandes construções. Não podia existir nada fora do domínio do faraó ou dos sacerdotes. culturais e religiosos eram o seguinte: O comércio. Toda construção do Egito é feita de pedra proveniente das abundantes jazidas que existem no Egito. Os mestres gregos estudaram no Egito. São todos monumentos faraônicos e todos de pedra para durarem para a eternidade. A arte egípcia é extremamente regular. e chegou ainda como civilização organizada egípcia até 30 A. os tecidos. econômicos. cereais. As dinastias vão surgir depois desses grandes clãs. Nessas terras férteis eram cultivados os cereais. 12 . Não era só trabalho do escravo. Durante a época das inundações. Os mais pobres eram enterrados em uma vala comum. que tornava as terras férteis graças às inundações periódicas. sendo uma arte simbólica e convencional. E nas Pirâmides.C. Para controlar as águas do Nilo foram erguidas obras hidráulicas de represamento e irrigação. A arte é totalmente feita para a eternidade. passando do Paleolítico para o Bronze.000 A. os moldes belíssimos. as cerâmicas. A primeira civilização egípcia no 5o. o Egito já estava totalmente com a civilização feita. as armas. anterior às dinastias dos faraós eram divididos em clãs familiares. As Pirâmides e as Mastabas são túmulos onde residem os mortos. A arte e a ciência eram muito avançadas para a época. É um vale estreito cheio de montanhas nos dois lados.

olho de frente. O artista tinha que saber mitologia e ser anônimo.. No estilo egípcio existiam leis muito rigorosas que não podiam nunca ser mudadas. Até 30 A. conheço a conduta das festas. o que significava a força que a pessoa tinha. Sou chefe de todos os segredos dos rituais cabalísticos. o olhar de alguém à seu auxiliar. sou um artista!” Ele se valorizava. Existiam muitos ofícios no Egito: escultores que faziam esculturas em pedra e madeira. A arte egípcia estava tão ligada ao país que. No Egito existiam escolas de arte cuja função era formar artistas. Quanto mais branca. os filhos e os criados. até fazer hieróglifos. a postura de quem lança o arpão. Eles tinham uma espécie de feira. Sou um artista excelente em minha arte. porque não era permitido. foi descoberto mais tarde.C. Vejo Ra em suas manifestações. Os artistas tinham que aprender bem cedo o estilo. Ficou 5. O egípcio tem uma mistura com preto. etc. O patrão tinha que ser maior que a esposa. A arte egípcia ficou 3000 anos sem mudar nada. Existe um estilo egípcio tão forte que durante milênios não vai mudar nada. Conheço a pose da mulher. conheço a flor. não podia criar nada. Os homens tinham que ter a pele mais escura que a da mulher. sobre o que achava dele próprio como artista do novo império: “Conheço o segredos das palavras divinas. É uma demonstração que o pintor estava insatisfeito. Toda pintura egípcia tem a lei da frontalidade. pintura. com cores. os braços e pés de perfil para melhor representar as características da pessoa. Depois vinham os trabalhadores do campo que tinham uma casa razoável. Elas tomavam banho de leite de cabra para ficarem bem brancas. É a lei do ver melhor. Só que eles tinham que aprender tudo: anatomia. mais valiosa ela era. 13 . lei da frontalidade. joalheiros que faziam jóias fantásticas. e os escravos que moravam em palhoças como se fossem animais. Eles tinham paixão por pele clara. Ninguém podia saber quem tinha feito o trabalho pois o artista não podia assinar. feitas de pedra e o telhado de palha.As habitações da classe média eram na periferia.000 anos sem mudar nada na escultura. Conhecia tudo. As mãos eles fazem sempre sobre o joelho. assim que o Egito começa a acabar a sua arte acaba também. Nada do que se refere à esse assunto de magia me é oculto. anéis e miniaturas de jóias vistas só com lupa. Um texto escrito por um artista. Sei toda a magia que pratiquei sem que nada me escapasse. o homem tinha que ser mais alto que a mulher. o que quer dizer que sempre a figura humana vai ser representada com o rosto de perfil. As regras passavam de geração a geração sem nenhuma renovação. sobre uma pedra. onde seria o Cairo hoje. mas era um mero artista ignorado. Era uma demonstração de revolta. O artista tinha que aprender que sempre que fosse pintado o homem e a mulher. lidar com tintas. A partir daí começa a decadência do estilo e arte Egípcia. Um homem acima do comum por meus conhecimentos. prateleiras para vender ou trocar por comida. o Egito vale a pena enquanto arte e civilização. Mas o artista não podia passar disso. tronco de frente.onde colocavam os produtos sobre as mesinhas. conheço o amor. braceletes. sem exagero. em hieróglifos. bebida.

feito em pedra. Eles limpam tudo o que tem dentro do tronco e enchem de bucha. para depois fechar a pirâmide. Eles tinham uma obsessão pela imortalidade da alma. Colocam uma solução de ácidos e sais aromáticos deixando o corpo banhado nisso por (+/-) 6 meses a 1 ano. Ela então. não daria continuidade a sua dinastia. surgindo com isso a mumificação. na sua plenitude. Eles também esculpiam um outro corpo. Ex: Um faraó que ia ser enterrado e que gostasse de bailarinas. só que com as mesmas necessidades terrenas. eles sabiam que a pessoa que morria só ficaria contente se tivesse tudo o que tinha em vida e que gostasse junto com ele. Os escravos e os trabalhadores não eram mumificados porque era muito caro fazer a mumificação. Se ela fosse profanada a alma iria ficar sofrendo pelo resto da eternidade. Eles acreditavam profundamente na imortalidade da alma. pernas) deixando só o tronco. Era uma continuação da vida terrena. algodão. Na mumificação era cortada a cabeça. ou o faraó com a filha. Na realidade ninguém nunca mais conseguiu fazer mumificação. Dentro da pirâmide o morto iria “ascender” para se encontrar com “deus”. até nos ajudantes dele. Se esta fosse violada o faraó teria um outro corpo. nas outras dinastias não era levado ninguém mais vivo para ser enterrado. Jóias. Nas primeiras dinastias. Nos primeiros 2 milênios iam todos juntos. de trapo. só que um pouco mais idealizado. Obs: No Vaticano tem uma múmia egípcia que está parte desenrolada podendo ver até a carne e um pouco do cabelo. O faraó era convicto de que se a mulher dele fosse enterrada junto. Esta escultura sempre vai ter o rosto esculpido idealizado. Eles não tinham a mesma concepção moral que nós temos.Desde o começo da pré-dinastia a arte egípcia era completamente ligada à morte. igual ao do faraó. Depois da mumificação não podiam mais tocar no morto pois a sua alma poderia ficar perambulando por milhares de séculos. Acreditavam na vida eterna. Para o egípcio a morte não é um acontecimento triste. O corpo do morto não podia ser tocado. bonito. vivas. roubadas e profanadas é que iriam ser colocadas em monumentos colossais que seriam as 14 . ou outro parente. mais jovem. comidas. seria colocada na pirâmide e esta bem fechada. estas iriam ser enterradas vivas junto com ele. A mumificação era feita em toda casta do faraó. Depois eles montam tudo novamente e estará pronto para ser enterrado nas pirâmides. Para evitar que fossem tocadas. Eles acreditavam que a alma continuava a viver. Elas tinham que continuar casando com o filho. também era colocado junto ao morto. O faraó era mumificado e em seguida colocado na pirâmide junto com as pessoas que gostava. A múmia depois de pronta nunca mais poderia ser vista e nem tocada. que ficava ao lado da múmia. é meramente uma transição para uma outra dimensão. É porisso que existia muita riqueza nos túmulos. Só depois é que tiram o corpo dessa solução e não se sabe como secavam esse corpo. etc. A parte política e econômica do faraó era também muito importante para que a mulher do faraó desse continuidade. Com o passar do tempo. mas com as características do faraó. Daí eles costuram tudo novamente. Elas iam com vontade pois significava uma honra. Os egípcios levavam tudo aquilo que o morto gostava para o túmulo a fim de que a alma continuasse a gozar de tudo o que eles gostavam enquanto vivos. os membros ( braços.

Cada bloco pesa de 2 a 20 toneladas. Após muitas pesquisas descobriram que em Maio a cada dois anos naquele local não tem gravidade.C. Os blocos eram sobrepostos somente através de cálculos matemáticos absolutamente precisos. Essas pirâmides eram totalmente racionais. construção. na lateral. que é a primeira pirâmide dos degraus. tendo 146 metros de altura. Desde 3500 A. Existem muitas portas falsas e corredores falsos que não levam a nada para. Para esses blocos ficarem sobrepostos perfeitamente encaixados. a qual flutuou. Não há um consenso de como foram construídas as pirâmides. é um altiplano rochoso (que não se mexe). Tem pirâmide na China. Esses blocos eram trazidos de uma região há 1000 km de distância. Quefrém e Miquerinos. local onde foram construídas as pirâmides. A etimologia da palavra pirâmide: É uma palavra de origem grega onde “piro” quer dizer fogo e “amid” quer dizer está no centro. Só que durante todos esses séculos nenhuma pedra foi encontrada no Rio Nilo. onde cada barcaça levaria 2 pedras amarradas embaixo da água para que ficassem mais leves. Obs: Há 6 anos atrás saiu na Geográfica Universal. O túmulo é a pirâmide. Cada lado da pirâmide foi projetada para corresponder a curvatura de 1/4 do hemisfério norte. no Egito (que hoje é o Cairo). na escala exata. isto é. Na região não haviam pedras. México. e a estátua do morto que era colocada ao lado da múmia é chamada hoje em dia de “o duplo”. Está tudo perfeito até hoje. etc.600. Central.000 blocos de granito e calcário. foi construída a primeira pirâmide. a base é do tamanho do “Maracanã”. Dois séculos depois foram construídas as famosas pirâmides de Quéops. Na construção foram empregadas 2. e deixaram cair uma ferramenta. Não existe nenhum elemento de ligação como o cimento ou argamassa para unir ou sustentar essas colunas de pedras nas pirâmides. só para proteger o faraó. Gisé. Ela tem 121 metros de base e 60 metros de altura.” Algumas pirâmides eram fechadas no topo e outras abertas. pois já tinha sido violada. Não tinha nenhuma gravidade. Esse local onde existiam pedras se chamava Assuã. na América do Sul. fogo está no centro. Onde hoje tem a famosa represa de Assuã. Em todo o mundo aparece pirâmides feitas em épocas diferentes. A pirâmide de Quéops é a maior das 3.pirâmides. Quando descobriram a pirâmide de Quéops já não tinha mais nada dentro. Na terceira dinastia. A pirâmide é um tipo de construção que proliferou no Egito muito mais do que se pensa. na planície de Gisé. no Egito. que os franceses fizeram um buraco próximo à base. 15 . Foi construída em Sacara. até hoje não houve nenhum terremoto. eles tinham que ser polidos de uma forma manual. Os historiadores acham que a forma mais certa daquelas pedras chegarem seria através de barcos pelo Rio Nilo. Peru. “O vértice da grande pirâmide corresponde ao polo e o perímetro do Equador. Eles pensaram muito antes de construírem as pirâmides. Hoje somente o raio lazer conseguiria deixar a superfície tão lisa. e em alguns lugares da terra também.

Ela era uma rainha faraó.Todas as 3 maiores pirâmides e as outras 70 que tinham no Egito já tinham sido violadas e roubadas. A luz vai ser feita pela mão do homem. cantando. A partir desse esboço eles elaboravam a obra definitiva sobre a parede. Não chovia nunca. É um calor infernal. ele é que vai deixar iluminar o que ele quer. Primeiro eles faziam um reboco grosso sobre a parede. muro. sobre as esculturas dos deuses. Pegavam um pincel fino feito de bambu e desenhavam no gesso ainda úmido. ela só aparece excepcionalmente. Estando no Cairo pega-se um avião às 5hs. Os deuses que tem a ligação com a lua vão ser iluminados pela luz da lua. Faziam com goma arábica e clara de ovo. Os historiadores acham que as pirâmides foram construídas através de montes de terra ao lado da construção para apoiar as pedras para serem erguidas. Esses templos foram construídos através de 3000 anos. quase nada restou até hoje. depois passavam uma massa fina de gesso sobre o reboco. da manhã até Tebas. As moradias descobertas próximas às pirâmides eram construídas em alvenaria e pedra. são dois templos ligados entre si localizados na cidade de Tebas. Técnica da pintura Egípcia: Tudo o que os egípcios desenhavam. por assim dizer. O sol era o divino. 150 leitos para os maridos. Depois das pirâmides o que existe de mais fantástico é Karnak e Luxor. As janelas eram abertas para o pátio interno. não apodrece. Eram todos de classe média. 16 . que tudo que está localizado próximo num raio de 200 metros não morre. porque era feito para a eternidade. As esculturas estão sempre fechadas no escuro e só vão ser clareadas naquele momento quando a luz passa por aquela abertura. cores planas. A lua era o demônio para eles. Nos templos egípcios a iluminação é importante porque vai haver uma abertura para passar a luz do sol somente no que for divino. esta ficará gelada. propositadamente. O azul era feito com o pó raspado do lápis lázure e misturavam também com goma arábica. Os moradores passavam a noite no terraço tocando música. uma energia. A mitologia egípcia lida muito com o demônio. Após secar colocavam a cor. clara e um pouco de óleo de amêndoa. Elas não eram tão importantes quanto os templos. faziam primeiro o esboço em pedras arenosas chamadas de ostrakas (porque a pedra parecia com uma concha). madeira. O templo é do tamanho de Manhattan. Do outro lado do Nilo está o outro templo da rainha Hasétsud. que estão dentro da pirâmide e que tem ligação com o sol. Se for colocado água quente sob o sol. O palácio era fantástico. As construções civis perto das pirâmides. Uma distância como se fosse de São Paulo à Salvador. Na iluminação da arquitetura egípcia não há quase janela. A pintura não tem nenhum efeito de luz e sombra. mumifica. A pirâmide de Quéops tem uma força. A cor vermelha era dada pelo óxido de ferro. era chapada. Até hoje as construções são um mistério. Todas tinham terraço com cobertura. Tinha silos de cajal. Foi uma rainha poderosa que conseguiu unir o alto e o baixo Egito. O que ficou de melhor está localizado perto das pirâmides. A organização da iluminação inteira dos templos era um verdadeiro “mis en cène”.

onde aparece pela primeira vez. atingindo equivalente a um prédio de 10 ou 12 andares. mas era feito como precaução para o dia que chovesse. Tinham cremes feitos de leite de cabra. 150 leitos para os seus maridos.“o sol”. Os buracos seriam as janelas com a função de projetar o canhão de luz . Também tem um obelisco na praça Navona. Descobriram um shampoo e condicionador feito de papiro (que solta um sebo) e adicionaram flores para perfumar. mesmo sendo faraó. Quando Napoleão foi ao Egito ele pegou aquele obelisco de Karnak e Luxor e levou até a praça da Concórdia. Todo o resto foi retirado. sandálias. cavalos. A água do Rio Nilo vinha canalizada e quando chegava lá estava gelada conservando assim esses animais para o futuro da vida dela. 17 . Nunca foi compreendido como eles foram construídos. ou foram destruídos por terremotos. Tem um obelisco muito bonito em Karnak. ou afundados em solo. sem muita divisão. O seu palácio fica no Vale das Rainhas. na França. feitos de mármore. que vem da palavra grega “obelos” que quer dizer coluna terminada em ponta. ou uma espécie de catapulta para erguê-lo. Os Obeliscos vão ser importantes no Egito. Hoje . Alguns maridos ela mandou matar e casou também com o filho dela. no meio daquele deserto. abatidos congelados em conservação. não tinha andaime.Os gregos foram estudar a iluminação dos teatros com os egípcios. O rei e a rainha apareciam abraçados. Tinha câmaras frigoríficas embaixo com mais de 200 animais. Obs: O Shampoo apareceu no Egito para a Hatsepsut que tinha um cabelo muito feio (por ser descendente de preto). da rainha HATSEPSUT. Teve mais de 7 maridos. Era uma rainha que tinha Silos de Cajal. Ela era uma faraó muito poderosa que uniu o alto e o baixo Egito. Alguns foram levados por estrangeiros conquistadores. em cima do que eles quisessem. Em Karnak 10 obeliscos foram destruídos. Tomavam banho de leite para clarear a pele e a gordura era acondicionada em potes feitos de lápis lázure. Muitas vezes aparece a rainha abraçando o faraó como se estivesse protegendo-o. colocados sobrepostos sem andaime. Só que lá não chovia. Tingiam o cabelo de Rena. também para a pele. e com madeira para arrematar. Tinha mais de 200 pares de sapatos. A mulher realmente era muito bem conceituada na vida privada. Viveu até mais ou menos 70 anos. Ela foi sucessora do seu pai. que foi feito em sua homenagem medindo 42 metros de altura e nele está escrito tudo sobre a sua vida. Tudo era muito sofisticado. E durante a noite eles tem outros buracos para passar a luz da lua. só tem quatro obeliscos. bois. ou então o nome do deus a quem tinha dedicado o obelisco. Tinham sombra azul para os olhos e cajal para o contorno. de peruca. Eles eram altíssimos. Isso é uma característica do antigo império. Existia entalhes para o escoamento de águas pluviais. Geralmente todos os obeliscos vão ser para comemorar algum feito político ou alguma homenagem que o faraó desejava celebrar. no Egito. etc. para iluminar os outros deuses. Eles erguiam o obelisco quando ganhavam uma guerra como se fosse um troféu. Hoje em dia quase em todos os países tem obelisco do Egito. Eles faziam buracos nas paredes. Existia muito pouca madeira. Os historiadores acham que construíam rampas de areia ao lado até chegar na altura. Os maridos dividiam as tarefas. O faraó mandava fazer o obelisco de mandava deixar gravado o nome dele.

teve que escrever para a Inglaterra para saber se podia abri-lo ou não. Esta arte vai ser de cunho realístico que vai durar por todo o reinado dele. A religião estava virando um comércio. ouro. Esse túmulo dele no Vale dos Reis foi a maior descoberta arqueológica do Egito. sucessor de AMINOFIS. São cenas domésticas. Obs. ele e sua esposa ficassem bem natural nas esculturas. Até ele chegar na última sala levou 6 anos cavando e descobrindo só maravilhas e riquezas. Ele tinha uma cabeça bem comprida. Era uma indulgência daquela época. Essas cenas em outros impérios eram consideradas um desrespeito com a família real e. Eles casavam muito entre parentes. livros dos mortos. Aminofis teve quase todas as filhas doentes. O homem egípcio usava brinco de argola na orelha. Não vai ser um faraó muito rico por ter sido faraó por pouco tempo. O rei. Ele disse que deus tem que ser só um. Vai mudar também a arte não querendo que sigam mais a lei da frontalidade. sendo pintado com bengala para se apoiar. sem “endeusar” ou idealizar. Só na antecâmara encontrou 700 peças. Ele briga com os sacerdotes porque estes estavam ganhando dinheiro vendendo fórmulas. misterioso. Assim que ele morre tudo volta a ser como era. Quando ele entrou na ante-sala com mais 3 britânicos e uns 20 egípcios. Vasos de 18 . Como ele era inglês. O parente mais próximo vai ser Tutankamon com 9 anos e que irá morrer aos 18 anos. de cabeça comprida e eram bem magras. considerada “A BELA”. para ele. se abraçando. Ele conseguiu a permissão e abriu a porta. Antigamente isso jamais seria feito. Muito metal. a corte e a rainha foram esculpidos de forma realista. Ele não vai ser reverenciado como um deus. até então nunca visto. A NEFERTITE. mas como um homem.Tinha ourives que só faziam jóias para as mulheres. Então ele vai mudar o seu nome para AQUENATON (onde sufixo aton é “deus do sol”) . Ele vai ser um revolucionário inovador que muita gente não vai gostar. cheiroso para eles. Então Amenofis IV disse que para ele só um deus era supremo o “ATON”. A mulher dele era belíssima e se chamava NEFERTITE. esperto. somente no Novo Império. Vai aparecer o FARAÓ AMENOFIS IV no novo Império que vai mudar completamente a religião e a arte. Em 1922 Haward Carter chegou perto do Cairo e descobriu um sepulcro. Vai ser a única vez que poderá ser visto isso no Egito. bonito. carruagens de ouro e prata. era uma porta lacrada e ficou esperando naquela época por mais ou menos 18 meses por uma resposta em carta vinda de navio pois não havia avião naquela época. Vai querer que suas filhas. Faziam muita coisa com formato de gato porque era um animal muito forte. inclusive um rico trono de ouro. Tinha 2 estátuas de 2 metros de altura de ouro maciço. deus do sol. E ele vai querer que o pintem sem idealizá-lo. prata. Chegou lá.: Tem um filme que conta essa história “A maldição da múmia”(?). no colo. vai ter seu rosto muitas vezes esculpido. uma nova maneira de ser. descobriram o maior sepulcro do século. É a primeira tentativa do monoteísmo. inscrições para a vida eterna. TUTANKAMON. Mostra a sua fragilidade humana. No Metropolitan tem uma escultura de um homem egípcio com uma argola na orelha e pendurado nela um gatinho. foi ser rei aos 9 anos de idade. Faziam muita coisa para o cabelo e usavam muito pente. Os filhos não tinham condições físicas de serem faraós. o respeito era mostrar a realidade como ela era. Vai ter um refinamento de etiquetas de como se portar socialmente.

Os dois templos mais importantes de Karnak e Luxor eram destinados aos deuses Amon e Rá e ligados entre si por uma monumental avenida. os mais importantes foram construídos por Ramsés e Amenofis. na segunda sala o povo ficava do lado de fora e entravam só os iniciados e na terceira sala entravam os iniciados. onde ele após morto passearia até o seu túmulo. turquesa. RAMSÉS II. Levaram séculos para serem construídos e passava de faraó para faraó. após ficarem também um tempo em jejum. Quase todos os túmulos. a múmia e algumas coisas ficaram no Egito. Os gregos vão até o Egito para aprender sobre as construções. Haward Carter ficou muito rico e muita coisa foi para a Inglaterra. os sacerdotes e a família toda. sucessor de Tutankamon. É aqui que vai aparecer pela primeira vez no mundo as colunas. Está no museu do Cairo. onde todos estavam trajados de branco. Karnak e Luxor são ricas em obeliscos. Muita gente começou a morrer de maneira estranha. Muita coisa de coral. Lá eles ficavam trancados sempre (com números de final 7) como 17 semanas. O sarcófago. ou 27 semanas. Ele vai fazer uma avenida como uma via expressa. sexo de todas as formas. Estátuas de proporções gigantescas. Na busca de uma coisa que fosse melhor para eles. Era uma época de esplendor da civilização egípcia. magia. Teria mais ou menos 12 km. Todos da expedição morreram. Começavam as pesquisas de sexo. e 86 esculturas de aproximadamente 2 metros de altura cada ladeando a represa com um espaço entre elas de 1. A múmia real Tutankamon era protegido por 3 sarcófagos. Ao lado de Karnak e Luxor tinha um grande lago. Ele foi o último a morrer. Eles entravam no templo como uma procissão. Faziam testes de mistura de sangue. Ele é da época do Novo império e depois Baixa Época. 90 % foram violados.2 metros. As colunas mais importantes do Egito são as de Karnak e Luxor. mas uma pesquisa séria. Após tomar banho no lago eles deixavam a roupa suja lá e vestiam outra roupa branca. outros de doença que mais tarde foi constatado fungo (manchas na pele que degenerava o tecido) por ter ficado 5000 anos fechado. perto da represa de Assuã. como ocorria na Grécia. Muitas vezes eles iam para Karnak e Luxor através do Nilo como se fosse uma imensa apoteose. São esculturas todas em pedra. voltando novamente para o templo para dormir e no dia seguinte sairem de lá. Karnak e Luxor tem vários templos. na lua cheia. Só quem podia entrar no templo de Karnak e Luxor eram os iniciados. Os valores morais eram outros. eles saíam e iam se limpar nesse lago. como uma busca ou necessidade de se saber tudo. Eles faziam até oferenda de crianças e de seus próprios filhos.5m de alabastro. Ele é um grande arquiteto e tudo o que construía era o mais alto. A pintura de Karnak e Luxor é o auge da pintura Egípcia. porque todos sabiam que tinha uma grande riqueza. o faraó. Na primeira sala entrava o povo todo. dependendo do que fossem fazer. 19 . Não são bacanais. sendo a última de ouro maciço. Depois de acabar toda essa reunião.1. a faraó. é um grande faraó que vai ter uma grande autoridade imperial. Arcas repletas de roupas do tamanho de um container. O estudo dos deuses do bem e do mau era feito em Karnak e Luxor.

os gregos permanecem no Egito. Estes brigam com os gregos e com os egípcios. Tudo o que eles fizeram foi para a eternidade. última dos Ptolomeus suicida-se depois de ser derrotada pelos romanos. e o grego com aquele escândalo artístico. 20 . mostra o legado para o mundo futuro. elas parecem que possuem vida. Hoje só ruínas restaram. Numa visão retrospectiva da história de civilização e da cultura que esse povo alcançou.. vindo da Macedônia. Quando o Cristianismo chega para valer no IV século. um mapa dos céus. até 30 A. a química. único. Aos poucos as formas artísticas passam a conviver cada uma com seu mundo próprio. a astronomia.C. vai ocorrer no IV século da nossa era quando o Cristianismo está no auge. porém para “Mali”. a cidade de Alexandria. A ruptura final da tradição egípcia cultural. No século XIX. Tinham uma espécie de antibiótico que era quase que a penicilina nossa. os médicos egípcios especializaram em realizar um trabalho de grande valor na descoberta de droga para dor e nas doenças. Entre 332 A. Cleópatra em 30 A.Depois da morte de Ramsés II começa a chamada Baixa Época. esculturas que estamos costumadas a ver. O Egito foi a primeira nação a centralizar os poderes do Estado em uma só pessoa. o faraó.C. assírios e aí nunca mais durante toda a antigüidade o Egito voltará a ser uma nação tão importante e independente como era. No setor cirúrgico as maiores conquistas deles foram fantásticas. Depois dos persas chegam os gregos chefiados por Alexandre Magno. como por exemplo a mumificação que foram se aperfeiçoando durante milênios. quando o Egito vai ser dominado pelos persas. consegue decifrar os hieróglifos e com isso ele vai permitir que a arqueologia dê um salto fantástico no século XIX.C. à beira do Mediterrâneo. Ele vai fundar. tanto nas artes e nas ciências. É o primeiro grego que chega a reinar o trono Egípcio. Surge então esculturas híbridas com rosto grego e corpo egípcio. que são a grega e a egípcia. pois “Cristo” é um só deus. Vão lutar com Cleópatra e ela vendo que vai perder pega uma cobra venenosa deixando-a picar e morre. Na medicina. Elas nos falam da glória de uma nação de um povo que não queria morrer. Eles não vão aceitar nenhum outro deus.. a Cleópatra. fizeram um calendário solar. como essas pinturas. com toda a sua beleza. vão acabar todos os templos egípcios. como na organização política e social. o fim do Egito como civilização. Aí vai aparecer o Marco Antônio. A escultura grega vai ser independente da escultura egípcia. Eles desenvolveram a matemática. sábio francês. É a tentativa de uma coexistência entre o estilo egípcio que é próprio. Champollion. Não deixaram a fórmula. Alexandria vai ser o encontro das culturas ocidentais e orientais. mas que infelizmente morreu. vão quebrar quase tudo o que existia aí e na Grécia.

A partir do homem você constrói tudo. pelos costumes ou pela religião deles. Os gregos glorificavam o homem como a mais importante criatura do universo. Fizeram magníficos prédios. é o que realmente vai refletir o espírito do homem ocidental. PLATÃO (que escreveu “A República”). No Egito acontecia exatamente o oposto. O grego dava muito valor ao Homem. Os gregos dividiram a humanidade em duas partes: os “Helenos” que eram os habitantes da Grécia e os outros eram chamados de “Bárbaros”. se sentiam diferentes dos outros povos. quando se fala em “antigüidade clássica” . As casas não eram importantes porque eles não tinham reis e nem governantes. é o lema do grego que quer ver tudo claramente. ARISTÓTELES. O “homem” de hoje é o Grego. A essência do Helenismo era. Os Templos eram fantásticos e super importantes. nas Acrópoles (que quer dizer acima das cidades). proporcional. na realidade. FIDIAS. tanto a escultura quanto a arquitetura encarnavam os ideais de harmonia.seja pelo idioma grego que falavam. O homem é o centro de todas as coisas e do universo. estamos nos referindo a Grécia e Roma e nunca ao Egito. Foi nessa civilização que surgiu OMERO. entre todos os povos do mundo antigo. Por conseqüência. ordem. simplesmente e sem adornos. E é por causa disso que existem tantos deuses. As casas não tinham a menor pretensão de serem muito suntuosas. bem feito. “Nada em excesso”. Os antigos gregos. Tudo muito bem organizado. Os deuses tinham que ter a forma humana. e sempre construídos em locais elevados acima das cidades. Platão falou o seguinte sobre os templos: “O templo deverá ser um ponto visto à distância e em aberto. moderação e proporção. A arquitetura grega é a mais familiar de todas para nós do que qualquer outra arquitetura de qualquer época no mundo. Os gregos exaltavam a razão de uma forma tal que eles conseguiam superar a fé. Os gregos não procuravam nem o paraíso e nem o inferno. Nenhuma outra Nação no mundo teve tão forte devoção pela liberdade e uma crença tão firme nas realizações humanas. ao amor e ao prazer de ver”. SÓCRATES. Esses templos famosos eram como se fossem esculturas para eles. E. chamados “templos”. PITÁGORAS (dizem que ele deu o nome de “filosofia” à filosofia). 21 . Eles recusavam a se ajoelhar diante de deus porque o homem era considerado mais importante. social e cultural. É uma verdadeira elevação à virtude. Os deuses gregos tinham feições humanas porque a beleza estava na forma do ser humano. ICTINOS.ARTE GREGA O termo “clássico” surgiu na Grécia. para protegerem as estátuas dos deuses. significando “nada em excesso”. excelência. PÉRICLES e muitos outros para quem o homem era a medida para todas as coisas. O grego. Vamos usar o termo “estilo clássico” quando se quer dizer de beleza.

Contemplando a natureza. para os atores. O capitel era formado por duas espirais unidas por duas curvas. que eram construídos em lugares abertos (encosta) e que compunham de três partes: a skene ou cena. Eles tem como características: o racionalismo.O Grego tinha que se maravilhar com tudo. o artista grego cria uma arte de elaboração intelectual em que predominam o ritmo. Na sua constante busca da perfeição. a harmonia ideal. A estética vai aparecer aqui. jônica e coríntia. A arte grega volta-se para o gozo da vida presente. de um modo a variar e enriquecer aquela ordem. Um exemplo típico é o Teatro de Epidauro. Na Acrópole. no 22 . b) Teatros. na Grécia. exprimir suas manifestações. nela se expressa o pensamento. para os espectadores. Os principais monumentos da arquitetura grega: a) Templos. empresta uma idéia de solidez e imponência .o capitel era formado com folhas de acanto e quatro espirais simétricas. a konistra ou orquestra. Nascida do sentir do povo grego. pois os seus reis não eram deuses. o artista se empolga pela vida e tenta. a arte grega liga-se à inteligência. interesse pelo homem. que era o caminho da virtude. O degrau mais elevado chamava-se estilóbata e sobre ele eram erguidas as colunas. a ordem dórica. A ordem dórica traduz a forma do homem e a ordem jônica traduz a forma da mulher.era simples e maciça. o koilon ou arquibancada. se encontram as Cariátides homenageavam as mulheres de Cária. Sugere luxo e ostentação. o equilíbrio. O fuste da coluna era monolítico e grosso. e a democracia. essa pequena criatura que é “a medida de todas as coisas”. Sendo a mais antiga das ordens arquitetônicas gregas.Ordem Dórica . . mas seres inteligentes e justos que se dedicavam ao bem-estar do povo. para o coro.Ordem Jônica . amor pela beleza. O templo era construído sobre uma base de três degraus.Ordem Coríntia . por sua simplicidade e severidade. mas sobre uma base decorada. dos quais o mais importante é o Partenon de Atenas. . Enquanto a arte egípcia é uma arte ligada ao espírito. Ele tinha que ver só beleza. através da arte. As colunas e entablamento eram construídos segundo os modelos da ordem dórica. muito usado no lugar do capitel jônico.representava a graça e o feminino. o friso e a cornija. ARQUITETURA As edificações que despertaram maior interesse são os templos. O capitel era uma almofada de pedra. construído. A característica mais evidente dos templos gregos é a simetria entre o pórtico de entrada e o dos fundos. também. A coluna apresentava fuste mais delgado e não se firmava diretamente sobre o estilóbata. As colunas sustentavam um entablamento horizontal formado por três partes: a arquitrave.

mas também pela harmonia entre o desenho. No Período Arcaico os gregos começaram a esculpir.vasilha em forma de coração. vinho. com o corpo em forma de um sino invertido. O maior pintor de figuras negras foi Exéquias. com o peso do corpo igualmente distribuído sobre as duas pernas. Na escultura.000 espectadores e tornou-se famoso por sua acústica perfeita. a sua forma correspondia à função para que eram destinados: . servia para misturar água com o vinho (os gregos nunca bebiam vinho puro). uma vertical para segurar enquanto corria a água e duas para levantar. edifícios destinados à cultura física. As pinturas dos vasos representavam pessoas em suas atividades diárias e cenas da mitologia grega. Além de servir para rituais religiosos. entre eles.C. grandes figuras de homens. esses vasos eram usados para armazenar. Chegava a acomodar cerca de 14.foi insuperável. o movimento.Ânfora . .. As estátuas adquiriram. PINTURA A pintura grega encontra-se na arte cerâmica. IV a. ao ar livre. d) Praça .Hidra . as cores e o espaço utilizado para a ornamentação. água.Cratera .esculturas de formas humanas . entre outras coisas. A pintura grega se divide em três grupos: 1) figuras negras sobre o fundo vermelho 2) figuras vermelhas sobre o fundo negro 3) figuras vermelhas sobre o fundo branco ESCULTURA A estatuária grega representa os mais altos padrões já atingidos pelo homem. em mármores. o antropomorfismo . água) tinha três asas. em rigorosa posição frontal. com o gargalo largo ornado com duas asas.(derivado de ydor. . Os vasos gregos são também conhecidos não só pelo equilíbrio de sua forma. Por isso. azeite e mantimentos. etc. filosofia. c) Ginásios. 23 . além do equilíbrio e perfeição das formas. composto por 55 degraus divididos em duas ordens e calculados de acordo com uma inclinação perfeita.Ágora onde os gregos se reuniam para discutir os mais variados assuntos.tinha a boca muito larga.séc. Primeiramente aparecem esculturas simétricas. Esse tipo de estátua é chamado Kouros (palavra grega: homem jovem).

entre os gregos a lira era o instrumento nacional.Miron.No Período Clássico passou-se a procurar movimento nas estátuas. Para seu conhecimento: Mitologia: Zeus: senhor dos céus. Posseidon: deus das águas. Foi Lisipo que introduziu a proporção ideal do corpo humano com a medida de oito vezes a cabeças. autor de Zeus Olímpico. em honra a Zeus. mas também segundo as emoções e o estado de espírito de um momento. pois no período arcaico.C. Realizou toda a decoração em baixos-relevos do templo Partenon: as esculturas dos frontões. cada 4 anos.Lisipo. as figuras de mulher eram esculpidas sempre vestidas. Teatro: Foi criada a comédia e a tragédia.homem arremessando o disco.Fídias.condutor da lança. entre outros. se começou a usar o bronze que era mais resistente do que o mármore. . métopas e frisos. Entre as mais famosas: Édipo Rei de Sófocles. pela lânguida pose em “S” (Hermes com Dionísio menino). autor de Doríforo . mas de grupos de figuras que mantivessem a sugestão de mobilidade e fossem bonitos de todos os ângulos que pudessem ser observados. . 24 . Os principais mestres da escultura clássica grega são: . criou padrões de beleza e equilíbrio através do tamanho das estátuas que deveriam ter sete vezes e meia o tamanho da cabeça. sua obra-prima. Afrodite: deusa do amor. Período Helenístico podemos observar o crescente naturalismo: os seres humanos não eram representados apenas de acordo com a idade e a personalidade. Os primeiros jogos começaram em 776 a. Atenéia: deusa da guerra. representava os homens “tal como se vêem” e “não como são” (verdadeiros retratos). talvez o mais famoso de todos. Apolo: deus das artes e da beleza.Praxíteles. . foi o primeiro artista que esculpiu o nu feminino. Música: Significa a arte das musas. As festas olímpicas serviam de base para marcar o tempo. e Atenéia. . autor do Discóbolo . Olimpíadas: Realizavam-se em Olímpia. para isto. celebrado pela graça das suas esculturas.Policleto. Surge o nu feminino. O grande desafio e a grande conquista da escultura do período helenístico foi a representação não de uma figura apenas. podendo fixar o movimento sem se quebrar.

para tribunal e leitura de editos. Mais tarde. pórticos e jardins. orientada para a expressão de um ideal de beleza. foi concluída no Império de Otávio Augusto. o da Concórdia e o de César. A basílica apresenta uma característica inconfundível: a planta retangular. O Panteão. piscina. foi de Roma que se originou o circo. vias de comunicação. cria um local isolado do exterior onde o povo se reunia para o culto. Para citar uma. * grandeza material. iniciada no governo de Júlio César. realçando a idéia de força. As construção eram de cinco espécies. Os mais conhecidos são o templo de Júpiter Stater. a basílica servia para reuniões da bolsa. eram centro de reuniões sociais e esportes. além de casas de banho. ARQUITETURA As características gerais da arquitetura romana são: * busca do útil imediato. já com o Cristianismo. * energia e sentimento. senso de realismo. e a da greco-helenística. (de quatro a cinco mil metros) dividida em várias colunatas. Um dos legados culturais mais importantes que os etruscos deixaram aos romanos foi o uso do arco e da abóbada nas construções. esse templo romano. 4) Divertimentos: a) Circo: extremamente afeito aos divertimentos. Dos jogos praticados temos: 25 . a basílica Julia. passou a designar uma igreja com certos privilégios. * originais: urbanismo. * predomínio do caráter sobre a beleza. termas. construído em Roma durante o reinado do Imperador Adriano foi planejado para reunir a grande variedade de deuses existentes em todo o Império. 2) Comércio e civismo: Basílica A princípio destinada a operações comerciais e a atos judiciários. com sua planta circular fechada por uma cúpula. 3) Higiene: Termas Constituídas de ginásio. As mais famosas são as termas de Caracala que. as termas eram o centro social de Roma. o de Saturno. anfiteatro. de acordo com as funções: 1) Religião: Templos Pouco se conhece deles.ARTE ROMANA A arte romana sofreu duas fortes influências: a da arte etrusca popular e voltada para a expressão da realidade vivida.

C. pois ficavam presas à estrutura das arcadas.000 pessoas sentadas e mais de 5. O mais famoso deles é o arco de Tito. Tinha cenários versáteis. Externamente o edifício era ornamentado por esculturas. Portanto. Assim era o Coliseu. jogos de Tróia . com seu característico friso em espiral que possui a narrativa histórica dos feitos do Imperador em baixos-relevos no fuste. o mais célebre é o "Circus Maximus". Pois a palavra anfiteatro significa teatro de um e de outro lado. Primeiro estilo: recobrir as paredes de uma sala com uma camada de gesso pintado. mas apenas de ornamentá-la.jogos circenses .corridas de carros. b) Teatro: imitado do teatro grego. PINTURA O Mosaico foi muito utilizado na decoração dos muros e pisos da arquitetura em geral. na verdade eram meias colunas. jogos de escravos . giratórios e retiráveis. Essas lutas compunham um espetáculo que podia ser apreciado de qualquer ângulo. certamente o mais belo dos anfiteatros romanos. ordem jônica e ordem coríntia).executados por cavaleiros conduzidos por escravos.aquele em que havia torneios a cavalo. Esse anfiteatro de enormes proporções chegava a acomodar 40. Foi erguida por ordem do Senado para comemorar a vitória de Trajano sobre os dácios e os partos.000 em pé. 6) Moradia: Casa Era construída ao redor de um pátio chamada Atrio. A maior parte das pinturas romanas que conhecemos hoje provém das cidades de Pompéia e Herculano. O principal teatro é o de Marcelus. ginásios . não tinham a função de sustentar a construção. 5) Monumentos decorativos a) Arco de Triunfo: pórtico monumental feito em homenagem aos imperadores e generais vitoriosos. que dava impressão de placas de mármore. e por três andares com as ordens de colunas gregas (de baixo para cima: ordem dórica. todo em mármore. b) Coluna Triunfal: a mais famosa é a coluna de Trajano. Essas colunas. os verdadeiros jogos circenses romanos só surgiram pelo ano 264 a. 26 .incluídos neles o pugilato. construído no Forum Romano para comemorar a tomada de Jerusalém. que foram soterradas pela erupção do Vesúvio em 79 a. Dos circos romanos.C. Sob a influência grega. que ficavam dentro dos arcos. Os estudiosos da pintura existente em Pompéia classificam a decoração das paredes internas dos edifícios em quatro estilos. c) Anfiteatro: o povo romano apreciava muito as lutas dos gladiadores.

imitando um cenário teatral. a estatuária romana teve seu maior êxito nos retratos. aves e pessoas. Mais realista que idealista. suas esculturas são uma representação fiel das pessoas e não a de um ideal de beleza humana. geralmente cópia de obra grega. os masaístas chegaram a resultados onde existe uma certa parte de estudo direto da natureza. formando um grande mural. adotando soluções de clara matriz decorativa. ESCULTURA Os romanos eram grandes admiradores da arte grega. MOSAICO Partidários de um profundo respeito pelo ambiente arquitetônico. V precisamente no ano de 476 . 27 . Com a invasão dos bárbaros as preocupações com as artes diminuíram e poucos monumentos foram realizados pelo Estado. Quarto estilo: um painel de fundo vermelho. no séc. Retratavam os imperadores e os homens da sociedade. Nos séculos seguintes.Segundo estilo: Os artistas começaram então a pintar painéis que criavam a ilusão de janelas abertas por onde eram vistas paisagens com animais. como fizeram os gregos. Era o começo da decadência do Império Romano que.perde o domínio do seu vasto território do Ocidente para os invasores germânicos. tornar-se-ão essenciais para medir a ampliação das primeiras igrejas cristãs. As cores vivas e a possibilidade de colocação sobre qualquer superfície e a duração dos materiais levaram a que os mosaicos viessem a prevalecar sobre a pintura. tendo ao centro uma pintura. Terceiro estilo: representações fiéis da realidade e valorizou a delicadeza dos pequenos detalhes. eram muito diferentes dos gregos. mas por temperamento. Por serem realistas e práticos.

Tanto os gregos como os romanos.ARTE PALEOCRISTÃ Enquanto os romanos desenvolviam uma arte colossal e espalhavam seu estilo por toda a Europa e parte da Ásia. nos arredores de Roma. Os cristãos foram perseguidos por três séculos. o qual marcou uma nova era e uma nova filosofia. Passagens da Bíblia também eram ali simbolizadas. a pintura é simbólica. até que em 313 d. Esse tratamento artístico também foi dado aos mausoléus e os sarcófagos feitos para os fiéis mais ricos eram decorados com relevos usando imagens de passagens bíblicas. pois a palavra peixe. Ainda hoje podemos visitar as catacumbas de Santa Priscila e Santa Domitila. Para entender melhor a simbologia: Jesus Cristo poderia estar simbolizado por um círculo ou por um peixe. Esta perseguição marcou a primeira fase da arte paleocristã: a fase catacumbária. adotavam um modelo de edifício denominado "Basílica" (origem do nome: Basileu = Juíz) .C. onde os primeiros cristãos secretamente celebravam seus cultos. forma as iniciais da frase: "Jesus Cristo de Deus Filho Salvador".Nesses locais. utilizando imagens do Antigo e do Novo Testamento. o poder romano viu-se extremamente abalado e teve início um período de perseguição não só a Jesus.Com o surgimento de um "novo reino" espiritual. Com o fim da perseguição aos cristãos. dando início à 2a fase da arte paleocristã : a fase basilical. o imperador Constantino legaliza o cristianismo. lugar civil destinado ao comércio e assuntos judiciais. foi o material escolhido para o revestimento interno das basílicas. O mosaico. os romanos cederam algumas basílicas para eles pudessem usar como local para as suas celebrações.Surge a arte cristã primitiva. Eram edifícios com grandes dimensões: um plano retangular de 4 a 5 mil metros quadrados com três naves separadas por colunas e uma única porta na fachada principal. muito utilizado pelos gregos e romanos. os cristãos (aqueles que seguiam os ensinamentos de Jesus Cristo) começaram a criar uma arte simples e simbólica executada por pessoas que não eram grandes artistas. Jonas engolido pelo peixe e Daniel na cova dos leões. em grego ichtus. 28 . cemitérios subterrâneos em Roma. por exemplo: Arca de Noé. Os romanos testemunharam o nascimento de Jesus Cristo. Outra forma de simboliza-lo é o desenho do pastor com ovelhas "Jesus Cristo é o Bom Pastor" e também. que recebe este nome devido às catacumbas. mas também a todos aqueles que aceitaram sua condição de profeta e acreditaram nos seus princípios. o cordeiro "Jesus Cristo é o Cordeiro de Deus".

principalmente de povos bárbaros. quando a sua capital Constantinopla foi totalmente dominada pelos muçulmanos (esta data. marca o fim da Idade Média e o início da Idade Moderna). 476 d.Na cidade de Ravena pode-se apreciar o Mausoléu de Gala Placídia e a igreja de Santo Apolinário. em 476 d. dos ataques bárbaros e das pestes. 29 .Honório ficou com o Império Romano do Ocidente. 1453. até que. foi completamente dominado(esta data.c. O império Romano do Ocidente sofreu várias invasões. Em 395 d.C. tendo Roma como sua capital . o Novo e a de São Vital com riquíssimos mosaicos. conseguiu se manter até 1453. apesar das dificuldades financeiras. marca o fim da Idade Antiga e o início da Idade Média). com a capital Constantinopla (antiga Bizâncio e atual Istambul). e Arcádio ficou com o Império Romano do Oriente. o imperador Teodósio dividiu o Império Romano entre seus dois filhos: Honório e Arcádio.. Já o Império Romano do Oriente (onde se desenvolveu a arte bizantina).C...

começou a invasão dos povos bárbaros e que levou Constantino a transferir a capital do Império para Bizâncio. A arte bizantina está dirigida pela religião. não raro encontrar um mosaico onde esteja juntamente com a esposa. são confeccionados com técnicas diferentes e seguem convenções que regem inclusive os afrescos. ladeando a Virgem Maria e o Menino Jesus. tornando os artistas meros executores. ao clero cabia.Arte Bizantina. além das suas funções. o mosaico bizantino em nada se assemelha aos mosaicos romanos. sentimentos de universalidade e poder absoluto. elas eram planejadas sobre uma base circular. organizar também as artes. Graças a sua localização(Constantinopla) a arte bizantina sofreu influências de Roma. projetada pelos arquitetos Antêmio de Tralles e Isidoro de Mileto. ela possui uma cúpula de 55 metros apoiada em quatro arcos plenos. por exemplo. 30 .O regime era teocrático e o imperador possuía poderes administrativos e espirituais. facilitou a formação dos Reinos Bárbaros e possibilitou o aparecimento do primeiro estilo de arte cristã . e. afasta o gosto pela forma e conseqüentemente a escultura não teve tanto destaque neste período. cidade grega. mas instruir os fiéis mostrando-lhes cenas da vida de Cristo. Apresenta pinturas nas paredes. as pessoas são representadas de frente e verticalizadas para criar certa espiritualidade.Por volta do século IV. A Igreja de Santa Sofia (Sofia = Sabedoria). colunas com capitel ricamente decorado com mosaicos e o chão de mármore polido. era o representante de Deus. depois batizada por Constantinopla. foi um dos maiores triunfos da nova técnica bizantina.Tal método tornou a cúpula extremamente elevada.ARTE BIZANTINA O cristianismo não foi a única preocupação para o Império Romano nos primeiros séculos de nossa era. rico tanto na técnica como na cor. A união de alguns elementos dessa cultura formou um estilo novo. sugerindo. criando-se prédios enormes e espaçosos totalmente decorados. tanto que se convencionou representá-lo com uma auréola sobre a cabeça. Toda essa atração por decoração aliada a prevenção que os cristãos tinham contra a estatuária que lembrava de imediato o paganismo romano.A mudança da capital foi um golpe de misericórdia para a já enfraquecida Roma. na hoje Istambul. Grécia e do Oriente.Plasticamente. por associação à abóbada celeste.O que se encontra restringe-se a baixos relevos acoplados à decoração. Neles. a perspectiva e o volume são ignorados e o dourado é demasiadamente utilizado devido à associação com maior bem existente na terra: o ouro. octogonal ou quadrada imensas cúpulas. dos profetas e dos vários imperadores. O mosaico é expressão máxima da arte bizantina e não se destinava apenas a enfeitar as paredes e abóbadas. A arquitetura das igrejas foi a que recebeu maior atenção da arte bizantina.

Porém. durante o reinado do Imperador Justiniano.Um olhar mais atento permite ao visitante ver o trabalho requintado dos artífices bizantinos no colorido resplandecente dos mosaicos agora restaurados. Embora a igreja tenha perdido a maior parte da decoração original de ouro e prata. durante a segunda metade do século XV e boa parte do século XVI.Constituía na destruição de qualquer imagem santa devido ao conflito entre os imperadores e o clero. bordada em filigrama de sombras dos candelabros suspensos. há uma beleza natural na sua magnificência espacial e nos jogos de sombra e luz .A arte bizantina teve seu grande apogeu no século VI. a arte daquelas regiões onde ainda florescia a ortodoxia grega permaneceu dentro da arte bizantina.E essa arte extravasou em muito os limites territoriais do império. nos países eslavos. por exemplo. resplandece a grande cúpula.No alto. no mármore profundamente talhado dos capitéis das colunas das naves laterais. folhas de acantos envolvem o monograma de Justiniano e de sua mulher Teodora. A arte bizantina não se extinguiu em 1453. UM POUCO MAIS DE SANTA SOFIA "A verdadeira beleza de Santa Sofia.um claro-escuro admirável quando os raios de sol penetram e iluminam o seu interior". pois. capital do Império Bizantino. penetrando. sobre um solo de mármore. mosaicos e afrescos. 31 . encontra-se no seu vasto interior. a maior igreja de Constantinopla. logo sucedeu-se um período de crise chamado de Iconoclastia.

seguindo o modelo da casa de Maomé em Medina: uma planta quadrangular. inevitavelmente devem ter absorvido traços estilísticos dos povos conquistados. sucessores do profeta. os muçulmanos demoraram certo tempo para estabelecer-se definitivamente e assentar as bases de uma estética própria com a qual se identificassem. Aparentemente sensual. em Jerusalém. Foi assim que as cúpulas bizantinas coroaram suas mesquitas. hospital e refúgio para os mais pobres. e os esplêndidos tapetes persas. a Cúpula da Roca. No entanto. centro político. Pérsia. começou a rápida expansão do Islã até a Palestina. como exclusividade das classes altas e dos príncipes mecenas. na função de governantes e guardiães do povo e conscientes da importância da religião como base para a organização política e social. eles realizavam suas obras para a comunidade de acordo com os preceitos muçulmanos: oração. a arte islâmica se mostra. Ao fazer isso. a arte islâmica foi na realidade. A área de oração era coberta. Contudo. que no entanto souberam adaptar muito bem ao seu modo de pensar e sentir. ARQUITETURA As mesquitas (locais de oração) foram construídas entre os séculos VI e VIII. sob a orientação dos califas. transformandoos em seus próprios sinais de identidade. as decoraram. que contempla uma obra feita para deus. no Iraque. desde seu início. Ásia Menor. mausoléus e mosteiros. No entanto. que desempenham duas funções: lembrar o verbo divino e alegrar a vista. No âmbito sagrado evitou-se a arte figurativa. Daí o emprego de formas como os arabescos. De origem nômade. mais simbólico do que transcendental. A representação figurativa era considerada uma má imitação de uma realidade fugaz e fictícia. Essas funções foram herdadas por mesquitas e alguns edifícios públicos. o profeta Maomé se exilou (hégira) na cidade de Yatrib e para aquela que desde então se conhece como Medina (Madinat al-Nabi. resultado da combinação de traços ornamentais com caligrafia. jejum e peregrinação. Síria. combinados com os coloridos mosaicos. esmola.ARTE ISLÂMICA No ano de 622. De lá. enquanto no pátio estavam as fontes para as abluções. com um pátio voltado para o sul e duas galerias com teto de palha e colunas de tronco de palmeira. conceitual e religiosa. As letras lavradas na parede lembram o neófito. Norte da África e Espanha. e a Grande Mesquita de Damasco. persistiu a 32 . A casa de Maomé era local de reuniões para oração. a arquitetura sagrada não manteve a simplicidade e a rusticidade dos materiais da casa do profeta. Índia. no início. sendo exemplo disso as obras dos primeiros califas: Basora e Kufa. cidade do profeta). Na complexidade de sua análise. que eram os únicos economicamente capazes de construir mesquitas. concentrando-se no geométrico e abstrato.

era o antigo minarete da cidade. as sedas. Tabriz e Isfahan. brocados e tapetes passaram a decorar palácios e castelos. Diferentemente da tecedura dos tecidos. já que o muçulmano. uma espécie de torre cilíndrica ou octogonal situada no exterior da mesquita a uma altura significativa. enquanto o segundo controlava sua realização. As oficinas mais importantes foram as de Shiraz. O geômetra era tão importante quanto o arquiteto. embora não tenha existido um modelo comum. além de cumprir uma função fundamental nas mesquitas. A construção de palácios. semelhantes àquelas na forma. convidando-os à oração. no Ocidente. O aposento mais importante era o diwan ou sala do trono. que permite cobrir o quadrado com um círculo. De planta quadrangular e cercado de muralhas sólidas. no Oriente. Outra das construções mais originais e representativas do Islã foi o minarete. Outras construções representativas foram os mausoléus ou monumentos funerários. de caça. ao rezar. com animais e plantas. de decoração.preocupação com a preservação de certas formas geométricas. Os fabricados antes do século XVI chamam-se arcaicos e possuem uma trama de 80 000 nós por metro quadrado. e os geométricos. As residências dos emires constituíram uma arquitetura de segunda classe em relação às mesquitas. semelhantes às mesquitas na forma e destinados a santos e mártires. para que a voz do almuadem ou muezim pudesse chegar até todos os fiéis. À medida que foram se tornando sedentários. Na realidade. 33 . Para começar. pensados como um microcosmo e constituíam o hábitat privativo do governante. a do tapete constitui uma unidade em si mesma. Entre os desenhos mais clássicos estão os de utensílios. foi um dos sistemas mais utilizados na construção de mesquitas. de motivos florais. TAPETES Os tapetes e tecidos desde sempre tiveram um papel muito importante na cultura e na religião islâmicas. As numerosas variações locais mantiveram a distribuição dos ambientes. como povo nômade. As mesquitas transferiram depois parte de suas funções aos edifícios públicos: por exemplo. como o quadrado e o cubo. em Sevilha. o palácio tinha aspecto de fortaleza. esses eram os únicos materiais utilizados para decorar o interior das tendas. A Giralda. castelos e demais edifícios públicos merece um capítulo à parte. era ele quem realmente projetava o edifício. embora se comunicasse com a mesquita por meio de pátios e jardins. em Granada. mas nem sempre conservaram sua forma. A cúpula de pendentes. Exemplo disso é o Alhambra. Seus palácios eram planejados num estilo semelhante. as escolas de teologia. e Palermo. Os mais valiosos são de origem persa e têm 40 000 nós por decímetro quadrado. não deve ficar em contato com a terra.

complexos desenhos multicoloridos. semelhantes às antigas. mas paulatinamente foram se abstraindo. calculados com base na simbologia numérica islâmica. o que é conhecido como arabesco. Elas eram geralmente usadas para decorar paredes de palácios ou de edifícios públicos e representavam cenas de caça e da vida cotidiana da corte. com fundo dourado e ausência de perspectiva. junto com a cerâmica. encontra-se a arte dos mosaicistas. bizantina e inclusive chinesa. muito parecido com o das miniaturas bizantinas. segundo o lugar. O Corão era decorado com figuras geométricas muito precisas. Caligrafias de incrível preciosidade e formas geométricas multiplicadas até o infinito criaram superfícies de verdadeiro horror ao espaço vazio. Estreitamente ligada à pintura. muito poucas chegaram até nossos dias em bom estado de conservação. até se transformarem em folhas e flores misturadas com letras desenhadas artisticamente. combinando com a decoração de gesso das cúpulas. por exemplo.PINTURA E GRÁFICA As obras de pintura islâmica são representadas por afrescos e miniaturas. a fim de marcar a organização do texto. para tornar mais claro o texto. O estilo era um tanto estático. como no cristianismo. No início. Das primeiras. para ilustrar livros religiosos. sofresse uma grande influência indiana. e nas literárias. para acompanhar a narração. A miniatura não foi usada. tornando-se uma das disciplinas mais importantes na decoração de mesquitas e palácios. Seu estilo era semelhante ao da pintura helênica. A mesma função desempenhava a cerâmica. embora. onde foram criadas peças de uso cotidiano. cobriam as paredes internas e externas dos edifícios. separando um capítulo de outro. mas sim nas publicações de divulgação científica. Assim. 34 . as representações eram completamente figurativas. esquematizado. Ela foi herdada de Bizâncio e da Pérsia antiga. mais utilizada a partir do século XII e que atingiu o esplendor na Espanha.

* aberturas raras e estreitas usadas como janelas. Trata-se da Torre de Pisa que se inclinou porque. assim a ser encarada como uma extensão do serviço divino e uma oferenda à divindade. tinha poderes ilimitados. o terreno cedeu. com o passar do tempo. A mais famosa é a Catedral de Pisa sendo o edifício mais conhecido do seu conjunto o campanário que começou a ser construído em 1. A explicação mais aceita para as formas volumosas. Daí serem chamadas: fortalezas de Deus. A primeira coisa que chama a atenção nas igrejas românicas é o seu tamanho. Deus é o centro do universo e a medida de todas as coisas. com o Cristianismo a arte se voltou para a valorização do espírito.ARTE ROMÂNICA Em 476. trazendo modificações no comportamento humano. As características mais significativas da arquitetura românica são: * abóbadas em substituição ao telhado das basílicas. surge a arte românica cuja a estrutura era semelhante às construções dos antigos romanos. diferente do resto da Europa. não apresenta formas pesadas. na Europa. Elas são sempre grandes e sólidas. * torres. com a tomada de Roma pelos povos bárbaros. A arte desse período passa. tem início o período histórico conhecido por Idade Média. ARQUITETURA No final dos séculos XI e XII. Na Itália.174. e * arcos que são formados por 180 graus. Os valores da religião cristã vão impregnar todos os aspectos da vida medieval. duras e primitivas. A igreja como representante de Deus na Terra. A concepção de mundo dominada pela figura de Deus proposto pelo cristianismo é chamada de teocentrismo (teos = Deus). estilizadas e duras dessas igrejas é o fato da arte românica não ser fruto do gosto refinado da nobreza nem das idéias desenvolvidas nos centros urbanos. que aparecem no cruzamento das naves ou na fachada. Na Idade Média a arte tem suas raízes na época conhecida como Paleocristã. * pilares maciços que sustentavam e das paredes espessas. é um estilo essencialmente clerical. 35 .

Imitação de formas rudes. Os motivos usados pelos pintores eram de natureza religiosa. O colorismo realizou-se no emprego de cores chapadas. isto é. Usado desde a Antigüidade. As características essenciais da pintura românica foram a deformação e o colorismo. MOSAICO A técnica da decoração com mosaico. Na porta. traduz os sentimentos religiosos e a interpretação mística que os artistas faziam da realidade. para representar o próprio céu. que originalmente era uma técnica de pintar sobre a parede úmida. na verdade. A deformação. pois não havia a menor intenção de imitar a natureza. Não podemos estudá-las desassociadas da arquitetura. que colocadas lado a lado vão formando o desenho. sem preocupação com meios tons ou jogos de luz e sombra. é sempre maior do que as outras que o cercam. conheceu seu auge na época do românico. pequeninas pedras. nome que recebe a parede semicircular que fica logo abaixo dos arcos que arrematam o vão superior da porta. a área mais ocupada pelas esculturas era o tímpano. a Igreja recorria à pintura e à escultura para narrar histórias bíblicas ou comunicar valores religiosos aos fiéis. ausência de movimentos naturais.PINTURA E ESCULTURA Numa época em que poucas pessoas sabiam ler. A figura de Cristo. A pintura românica desenvolveu-se sobretudo nas grandes decorações murais. por exemplo. de vários formatos e cores. através da técnica do afresco. é originária do Oriente onde a técnica bizantina utilizava o azul e dourado. 36 . curtas ou alongadas.

Isso faz com que o centro da vida social se desloque do campo para a cidade e apareça a burguesia urbana. Em 1840 ao redor da Catedral de Notre Dame existia muitas casas medievais que foram retiradas ao seu redor para que ela fosse vista melhor de longe. As Catedrais Góticas vão ser verticais. Ao ser construída a Catedral Gótica. que leva de 200 a 300 anos. é como uma gaiola de vidro e de pedras. O gótico. O peso das paredes cedem o lugar aos vitrais. O Renascimento classifica de “bárbaros” os Góticos. enquanto que os templos gregos horizontais. Ele são muito diferentes entre si. a arquitetura predominante ainda é a românica. Inglês. A idade Média é a época do Gótico. Vai surgir uma coisa fantástica na Idade Média que são as Catedrais Góticas. até o fundo. Para ver a Catedral de Notre Dame devemos começar a vê-la de frente. A catedral Gótica é muito grande e não dá para abrangê-la com um só olhar. em seu esplendor.: A Basílica da Catedral é renascentista. dando leveza à construção. A Catedral vai ser vertical que é para “levar” você para o céu. A Catedral Gótica é para o homem rezar dentro.ARTE GÓTICA O termo Gótico vem da palavra GODOS que vem de Bárbaros. O templo grego é só para ser visto. No começo do século XII. mas já começaram a aparecer as primeiras mudanças que conduziram a uma revolução profunda na arte de projetar e construir grandes edifícios. as cidades começam a nascer ao seu redor devido ao número grande de pessoas que trabalham na construção. É quase que uma visão cubista. Tanto a Catedral Gótica quanto o Templo Grego tem uma arquitetura fantástica. Espanhol. indo depois para o lado esquerdo. CARACTERÍSTICAS DO ESTILO ROMÂNICO: As paredes são grossas Na frente da Catedral românica tem rosáceas (foi quando começou a surgir as rosáceas) Tem vitrais Não tem frontão 37 . A cidade de Chartres nasceu com as pessoas que foram chegando e morando ao redor da catedral. tem início uma economia fundamentada no comércio. entre os anos 1150 e 1500. A forma de vê-la é fragmentada. A arte Gótica vai nascer com as cidades. O Gótico Francês é bem diferente do Gótico Italiano. Obs. para o lado direito e por último atravessar o rio Sena pela ponte para vêla do outro lado No século XII. Português.

ou então é um privilégio da quase mítica China). e as feições são caracterizadas de formas a que o fiel possa reconhecer facilmente a personagem representada. a igreja românica apresenta um único portal. As catedrais góticas mais conhecidas são: Catedral de Notre Dame de Paris e a Catedral de Notre Dame de Chartres. demonstrando verticalidade. alongamento exagerado das formas.. Outros elementos característicos da arquitetura gótica são os arcos góticos ou ogivais e os vitrais coloridíssimos que filtram a luminosidade para o interior da igreja. Enquanto. exercendo a função de ilustrar os ensinamentos propostos pela igreja. projetando-se na direção do céu. ARQUITETURA A primeira diferença que notamos entre a igreja gótica e a românica é a fachada. Nessa época as Américas não tinham sido descobertas. a igreja gótica tem três portais que dão acesso à três naves do interior da igreja: a nave central e as duas naves laterais. ESCULTURA As esculturas estão ligadas à arquitetura e se alongam para o alto.CARACTERÍSTICAS DO ESTILO GÓTICO: Tem que ter rosácea Contraforte (é o que segura a Catedral) Arcobotante Gárgulas Janelas vitrais (muitos vitrais) O vitral é fundamental pois vai surgir quando eles descobrem uma técnica de colocar o vidro no meio da parede de pedra não prejudicando a sustentação do prédio. não vai existir na América. de modo geral. O desenvolvimento de tal genero está ligado à difusão dos livros ilustrados patrimônio quase exclusivo dos mosteiros: no clima de fervor cultural que caracteriza a arte gótica. A rosácea é um elemento arquitetônico muito característico do estilo gótico e está presente em quase todas as igrejas construídas entre os séculos XII e XIV. os manuscritos também eram encomendados por 38 . A arquitetura expressa a grandiosidade. como se vê nas pontas agulhadas das torres de algumas igrejas góticas. somente na Europa. O Gótico que é do ano de 1100 DC. tudo se volta para o alto. ILUMINURA Iluminura é a ilustração sobre o pergaminho de livros manuscritos (a gravura não fora ainda inventada. a crença na existência de um Deus que vive num plano superior.

procurando mostrar os detalhes e as paisagens. os títulos ou as letras maiúsculas com que se iniciava um texto. Os principais artistas na pintura gótica são os verdadeiros precursores da pintura do Renascimento (Duocento): * Giotto . * Jan Van Eyck . quase sempre tratando de temas religiosos. que vai cada vez mais se firmando até ganhar plenitude no Renascimento. Sua principal particularidade foi a procura o realismo na representação dos seres que compunham as obras pintadas. que seus trabalhos acabaram influenciando outros pintores. Ao realizar essa tarefa. cobertos por muita roupa. Os copistas dedicavam-se à transcrição dos textos sobre as páginas.particulares. É precisamente por esta razão que os grandes livros litúrgicos (a Bíblia e os Evangelhos) eram ilustrados pelos iluministas góticos em formatos manejáveis. pois destinava-se aos poucos possuidores das obras copiadas. PINTURA A pintura gótica desenvolveu-se nos séculos XII. XIV e no início do século XV. Durante o século XII e até o século XV. 39 . aristocratas e burgueses. a arte ganhou forma de expressão também nos objetos preciosos e nos ricos manuscritos ilustrados. ocupando sempre posição de destaque na pintura. Nota-se em suas pinturas um cuidado com a perspectiva. Obras destacadas: O Casal Arnolfini e Nossa Senhora do Chanceler Rolin.procurava registrar nas suas pinturas os aspectos da vida urbana e da sociedade de sua época. com o olhar voltado para cima.a característica principal do seu trabalho foi a identificação da figura dos santos com seres humanos de aparência bem comum. E esses santos com ar de homem comum eram o ser mais importante das cenas que pintava. apresentava personagens de corpos pouco volumosos. em direção ao plano celeste. os cabeçalhos. deixavam espaços para que os artistas fizessem as ilustrações. a segunda é que os artistas ilustradores do período gótico tornaram-se tão habilidosos na representação do espaço tridimensional e na compreensão analítica de uma cena. a pintura de Giotto vem ao encontro de uma visão humanista do mundo. quando começou a ganhar novas características que prenunciam o Renascimento. Da observação dos manuscritos ilustrados podemos tirar duas conclusões: a primeira é a compreensão do caráter individualista que a arte da ilustração ganhava. Assim. Obras destacadas: Afrescos da Igreja de São Francisco de Assis (Itália) e Retiro de São Joaquim entre os Pastores..

Anteriormente as coisas eram mais faladas do que escritas. 350 A. Com o advindo da imprensa. Era muito trabalhoso. QUEM OUSAR MAIS DO QUE ISSO NÃO O É” Lord Macbeth . O Renascimento ocorre entre 1400 e 1600 D.RENASCIMENTO “OUSO TUDO QUE UM HOMEM PODE OUSAR. Auge do Egito (esfinge. A frase acima significa que tudo tem limites. APOGEU ----------------------------------------------------------------------------------------------------------40.C.C. nada a ver com civilização. que passa a ser muito mais valorizado.C. através da imprensa que Gutemberg criou e que permite mandar a informação para o mundo inteiro. expressão e emancipação. a máquina vai fazer milhares de cópias.C. Expressão é uma coisa impressa. É o começo do renascimento quando o homem descobre que tem de ser ousado.C. Renascimento é expansão. Expressão implica consciência daquilo que é expresso. 1 A.C. 1400 a 1600 D. sem roupa. com a linguagem muito diferente. já que era muito complicado escrever. pirâmide) Grécia Clássica ou de Péricles -Construção do Parthenon na Acrópoles Roma Gótico Renascimento 40 D. Quando todo mundo tinha uma civilização super organizada na Europa e o homem descobre outro mundo com pessoas primitivas.C. Teria o mesmo significado da descoberta da existência de um planeta habitado. a 1100 D. Expansão: É quando o homem descobre a América. Vai sair do regime feudal da Idade Média. No regime feudal existia a troca de serviços e mercadorias.Shakespeare.pai do renascimento. facilitando a divulgação e o trabalho. Expressão: É a invenção da imprensa por Gutemberg. Auge da Pré-história 3500 a 2500 A. Tinham que escrever muitas cópias para fazerem uma divulgação. Shakespeare . praticamente sem organização social. Emancipação: O trabalhador passa pela primeira vez a ser assalariado. 40 . mas respeitando os limites.C. É lógico que a visão do mundo e da arte foi modificada.000 A. Passa a ter mais consciência da importância de seu trabalho.

várias línguas. é o saber para poder usufruí-la melhor. Renascimento é o resultado de um impulso universal. A BAUHAUSS. período muito forte. renascer. Todas as invenções e criações eram feitas em função daquela Igreja. estagnada. mas as pinturas dos pintores famosos que encontramos nos museus começaremos a conhecer a partir daqui. A Idade Média estava muito parada. Não impede que Deus sirva à humanidade. Mas. Platão vai ser muito importante para eles. ela passa a ser valorizada. etc. Tudo isso pode assistido no filme “O nome da Rosa”. No Renascimento. homens que conhecem tudo profundamente e que jamais serão especialistas. recomeçar.C. Viviam muito em função da Igreja. Até agora a natureza não era valorizada.. As construções eram demoradas porque não tinham uma tecnologia desenvolvida. de uma disposição de espírito. da vontade de mudar a humanidade. Não inventavam e não criavam nada. O renascimento vai criar uma “nova concepção do homem”. que surgirá no futuro. da antigüidade. porque estão baseados na cultura Grega. As cidades pegavam fogo. da mesma forma que os gregos faziam. Quando construíam uma Catedral Gótica ficavam 200 anos ao redor daquela Catedral para a sua construção. É um renascer em cima da Grécia Antiga. O mundo passa a ser encarado criação de “Deus”. é único. que surge a arte de todos os pintores do mundo. O “especialista” é o homem do século XX. Essa busca do conhecimento das leis da natureza. que perdura até hoje. será uma escola que fará o trabalho em cima do Renascimento (1929. O homem tem que entender de literatura. Depois se alastrou por toda Europa Ocidental dominando o mundo completamente entre 1400 a 1600 D. Durante a Idade Média “Deus” era poderoso e distante. renova-se e religa-se. Vai mudar muito a relação do homem com a natureza. As pessoas morriam de frio e dormiam mal com as casas de madeira. No Renascimento a ciência liga-se às técnicas e às artes.Renascimento é um renovar. Vão aparecer os “Humanistas”. nada impede que essa criação de Deus seja feita à serviço da humanidade. na Itália. anatomia. “Deus” existe. na Alemanha). pois as casas eram feitas de madeira. O homem passa a ser o centro de todas as coisas e não mais “deus”. Não é o saber pelo saber pela essência como na antiga Grécia. do homem possuidor de direitos inalienáveis. É no Renascimento. A ciência liga-se à técnica e à arte. É uma necessidade de uma mudança de ver e sentir. A escultura e pintura nós conhecemos desde a Grécia. O Renascimento começou em Florença. A medida que a natureza se transforma em uma coisa digna de ser usada. é para melhor aproveitá-la às necessidades do homem. O homem tinha horror à natureza pois viviam muito mal. O “homem” renasce. mas posso conversar com ele. Vai procurar saber sobre a natureza. como ela reage. Surge da Idade Média onde o homem não tinha nenhum valor. 41 . É neste momento que surge o conceito do individualismo.

Para Mali. sem imitá-la. no final) A arte passa a ser naturalista. Ninguém fazia quadro para ser pendurado em casa. A natureza era uma coisa muito nefasta. A arte verdadeira. E vão estudar uma série de coisas que até agora não tinham estudado. Era uma história montada. ao chegar à Igreja. no Renascimento. sem movimento e vestidos completamente. Em Estética da Arte: a arte pode ser idealizada ou verdadeira (em meados séc. pudesse reconhecê-los facilmente. é o símbolo do Renascimento. aparecendo as represas. sem nenhuma vergonha do seu corpo nu e Deus está apontando com o dedo quase à sua imagem e semelhança. As pessoas posavam. Vão estudar o vento dando o surgimento dos moinhos de vento. Passam a pintar a natureza nos quadros porque vão valorizá-la e adequar-se à ela. o qual se ergue perante Deus. XX). onde ela deixa de ser natural ao copiar o corpo humano e aperfeiçoá-lo. o que existia de melhor. Homens importantes do Renascimento: Giotto Michelangelo Leonardo da Vinci Raphael Ticciano Tintoretto Dante Alighieri Botticelli Colombo Gutemberg Vasco da Gama Bosch William Shakespeare (por volta de 1600. As esculturas das igrejas eram um protótipo do que seriam os “santos”. Vão estudar a água. Vão se basear nas melhores idéias dos antigos. eles percebem que a natureza pode ajudar muito. pintado por Michelangelo. Os santos eram duros. mas o estilo é renascentista. Até o Renascimento as pessoas não pintavam nada naturalista. A arte idealizada é aquela que nós vimos na Grécia. vai surgir por volta do século XX. A arte era feita de uma forma que a leitura fosse muito acessível. As pessoas não sabiam ler. As figuras dos santos eram postas uma do lado da outra para que o povo. Esta obra é o momento em que Deus aponta para o homem que está deitado no chão. É um renovar em cima da Antigüidade. Era uma arte totalmente sacra.Em locais muito ensolarados as pessoas morriam de calor. apresentando depois uma queda e voltando a aparecer em finais do século XX. quando vão desenhar o corpo realmente como ele é. Não existia o natural por que a Igreja não permitia. Eles não vão imitar os antigos. De repente. 42 . o quadro “Adão” que está na Capela Sixtina. Essa pintura não podia existir na Idade Média. mas complementá-los.

da Idade Média e Renascentistas. As condições para o aprimoramento na arte já estavam criadas. Ele conseguiu iniciar um novo capítulo na História da Arte se impondo na profissão de pintor e sendo respeitado por isso.Começaram a perceber que o homem podia pintar a natureza tal qual ela se apresenta. A peste matou quase todos os banqueiros. Dante Alighieri se refere ao Giotto na “Divina Comédia” como o “meu amigo pintor Giotto”. Pouco a pouco tornaram-se “senhores de Florença”. Giotto foi o primeiro artista dentro da História da Arte que aparece sendo chamado como “PINTOR”. Florença era uma cidade muito rica e. as massas em pouquíssimo tempo controlaram o poder em Florença. até então (entre 1400 e 1500). ainda poderá parecer uma pintura dura. são grandes acadêmicos que fazem a arte exatamente igual a natureza. Ninguém fazia isso. mas a pintura não. Leonardo da Vinci e outros. No século XV Florença lançou as bases da pintura Européia dos cinco séculos seguintes. 43 . Quando dava uma festa ele pedia que o convidado levasse uma ave. Um desses importantes pintores é GIOTTO. Os pintores até então eram considerados como alfaiates. Um dos banqueiros mais importantes era o “Bardi”. Ao redor de 1394 a peste negra acabou com quase toda a população Toscana (Florença é na região de Toscana). No Museu Metropolitam. O estilo que chamamos de Sienês (de Siena) chegou até o século VX (1400) e custou muito a aceitar o estilo renascentista. Em 1400 o poder voltou de novo aos banqueiros e desta vez. a crise financeira foi muito forte. foi a que mais demorou para se afastar dos moldes antigos (bizantinos) da Idade Média. é importante comparar as pinturas Pré-renascentistas. O aspecto mais importante era o pintor conseguisse pintar fielmente a figura real. A pintura ainda era bizantina. Eram homens ricos que gostavam de beleza e vão investir em arte. um pouquinho idealizada. os escultores já tinham criado um novo estilo depois do gótico. os “Médicis” eram os mais importantes. marceneiros. do olhar. vinho ou fruta. A cidade de Pádua é a que oferece as melhores obras de Giotto para serem vistas. Pré Renascimento: A pintura. mas comparada com o que existia anteriormente na Idade Média era muito mais expressiva e solta. Giotto consegue pintar expressando os sentimentos através dos gestos. Giotto foi contemporâneo do grande poeta Dante Alighieri que escreveu “A Divina Comédia”. É uma profissão que sobe de nível na hierarquia social. que até então não faziam. Começa aí a pintura acadêmica que nos referimos. que pintou muito À FRESCO em busca de um realismo. pão. As soluções da pintura foram amadurecendo aos poucos. Até hoje pintamos baseados no Renascimento. dentre todas as artes do ocidente. Os arquitetos. As cidades onde as primeiras pinturas “acadêmicas” vão aparecer serão Siena e Florença. que ao ir a bancarrota. Giotto é que vai receber pela primeira vez na História da Arte o nome “Pintor”. com essa peste. Em “off”: Dizem que ele era “super pão-duro”. Para nós hoje.

em Roma. Por ser pintor estimulou o filho a ser pintor também. Raphael vai ser aprendiz do Perugino.Os irmãos VAN EYKES pertencem à pintura FLAMENGA (de Flandres que é hoje a Bélgica). RAPHAEL DE SANTI nasceu em 1483 e morreu em 1520. Ele foi para Roma estudar estudar o Pantheon antigo. Essa Cúpula é anterior ao ano de 1500. escultor. abria um grande atelier. Itália. Eles pintavam o ar. 44 . Até 1900 vai ser usada essa Cúpula. quando bolou a grande Cúpula da Catedral de Florença que vai ficar para o resto da vida. e suas obras podem ser vistas hoje nos Museus. encáustica. O resto do mundo vai copiar essa Cúpula de Brunelleschi. que se chamava Giovani de Santi. Eles romperam com tudo. a pintura Flamenga Renascentista foi muito importante. Os irmãos VAN EYKES vão descobrir esse aglutinante que era “o óleo de amêndoas”. Nasceu na cidade de Urbino. mas na verdade eles descobriram que um padre italiano tinha descoberto a fórmula da tinta mas que estava faltando um aglutinante. vai apresentá-lo a seu filho. Obs. Volta para Florença onde vai ficar muito rico. era quase Gótica e Brunelleschi vai simplificar essa estrutura criando um novo eixo. Foi o iniciador da arquitetura da renascença que vai permanecer por mais 500 anos. : Raphael está enterrado no Pantheon. A arquitetura Renascentista: BRUNELESCHI. o belíssimo “Domus”. Eles estão enterrados em Brujes. Michelângelo vai se basear na Cúpula de Brunelleschi para fazer a Basílica de São Pedro. a Cúpula da Catedral de Florença não tinha sido construída. um dos maiores arquitetos de todos os tempos. Quando ele aparece. Quase todos os dicionários falam que eles foram os inventores da pintura à óleo. Os italianos vão copiar a fórmula. A pintura com tinta a óleo era fantástica por permitir ao pintor que pudesse corrigir os erros. Giovani de Santi que era muito amigo do grande pintor Perugino. Ele era ambicioso e queria ser muito conhecido. O Médicis compraram muita obra do pai de Raphael. arquiteto. Na realidade eles só aprimoraram a fórmula. É bom lembrar que junto com o Renascimento. Escola Renascentista funcionava assim: Todo grande pintor. Uma região com paz e prosperidade. O pai de Raphael era um medíocre pintor. etc. muito badalado na época. na Itália. Eles pintavam admiravelmente bem. A cúpula do Pantheon tinha muita sustentação. Os irmãos Van EYKES descobrem que a luz também é muito importante. Até então se pintava à fresco. a luz “condicionados ao momento”. mas que vendia bem. A pintura flamenga vai reinar em Florença. Pintavam em paredes ou em madeiras para poderem transportar. porque foram os inventores da pintura à óleo.

ele vai pintar os quartos. Ela vai ser um clássico de Raphael. Aos 18 anos vai para Florença e começa a receber fama por pintar muito bem e rápido. começava-se primeiro como se fosse um “office boy”. Os outros alunos de Perugino só vão conseguir copiá-lo. no dia de seu aniversário. ele vai receber muita ajuda dos amigos do pai e de Perugino. Rubens tinha 150 ajudantes. a pedido do Papa Júlio II. comida. Vai ser muito rodeado por artistas. Raphael disse que iria aprender com esses pintores. Em 1509 Raphael foi de Florença para Roma. bissexual (não se sabe ao certo). O aprendiz comprava as tintas. criativo e responsável. Fazia o chassis. Quando chegava a fazer os desenhos com perfeição. As “madonas” são belezas idealizadas em cima da Grécia. mas já tinham o seu próprio estilo. “A Virgem Maria” vai ser adotada por muitos anos depois. Não são míticas. Entre 1508 e 1509 era a época em que Michelângelo estava pintando a Capela Sixtina. com exceção dos rostos que era sempre “Mestre” que terminava. em 1504. Com isso ele ficou famoso por pintar pela primeira vez “madonas” tão lindas. como se fosse um empregado. Vai pintar com mais de 50 ajudantes. Raphael foi perfeito no desenho e na composição. Raphael vai ser muito querido. Aos 21 anos já estava famoso. Raphael vai saber descobrir seu estilo. simpático. Ele tinha o quadro mais perfeito em composição de todo o Renascimento. Os grandes artistas podiam aprender uma técnica nova. Começou a pintar as “madonas” que são muito especiais. Dizem que o papa fez dele um Cardeal. Os aprendizes pintavam quase toda a obra. Ele era um homem muito bonito. Raphael com 10 anos perdeu sua mãe e o pai vai morrer quando ele tinha 14 anos. a Capela Sixtina.Quando uma pessoa ia estudar com o grande pintor ou escultor. podia optar pela escultura ou pintura. após sua morte. Quando Raphael chegou lá. Essa técnica de ensino vai ser retomada na BAUHAUSS mais tarde. badalado. tornando-se muito popular rapidamente. apesar de serem humanas e meio sensuais. Ela passa uma certa sensualidade. na Capela Sixtina. Eram chamados também de lojas. famoso. a qual nunca foi feita. tendo que morar com seus tios maternos. Era muito rápido. Como o pai era um homem muito querido. carinhoso. até hoje. Depois disso iria aprender a desenhar. 45 . Depois passava por um estágio de uns 3 meses onde ele aprendia a montar as telas. cordial. em uma sexta-feira Santa. meigo. O Papa Júlio II é o mesmo que encomendou para Michelângelo. rico. pois tinham recebido uma encomenda para pintar a “Câmara dos Vereadores”. Viveu como um príncipe. Raphael chegou em Florença na época em que Leonardo da Vinci e Michelângelo estavam na cidade. Quando você entra na Capela Sixtina você vai passar por vários quartos. salas que são chamadas de “STANZI”. quase todos pintados por Raphael. Morreu jovem aos 37 anos. carismático. apesar de já ser um grande pintor.

Agora que está morto. cansada de esperar ele pintar. mecânico. As rotas da Europa para o Oriente foram fechadas. Era do signo de Áries.: No Epcot Center. Ele era arquiteto. Dizem que sua beleza abriu muito as portas para ele. Leonardo da Vinci era considerado em seu tempo uma obra prima da natureza. O seu pai disse que já que ele tinha nascido com esse dom ele deveria estudar mais. escultor. O grande escritor George Vassari. Tudo o que existia do Oriente na Grécia passa a não existir mais por muito tempo. Vassari vai ser o Historiador dos Pintores. “ Segundo Gardiano. tem o “Leonardo da Vinci” que está pintando a Monalisa enquanto ela balança o pé. 46 . a Itália não era essa Itália de hoje. Além do talento. físico. Com isso termina a Idade Média. mas também entre outros dotes numerosos de que a natureza o havia provido e que ele se valia com a perfeita maestria. Existe em seu túmulo uma frase muito bonita em latim: “Aqui jaz Raphael: quando vivia a natureza temia por ele ser vencida. uma perfeita obra de arte. que era enorme. Verocchio foi um grande pintor. Leonardo cantava e também escrevia muito bem poesias. em Roma.” Obs. Cantava admiravelmente bem. geólogo. matemático. aos 67 anos. mas também serviu de obstáculo. em tudo o que se referia também ao espetáculo. que era esposa de um comerciante amigo dele. lâmina de barbear (ele tinha uma barba muito cerrada). botânico. Leonardo da Vinci. da balística. Quando Leonardo da Vinci nasceu. brinquedos com corda. Obs: Leonardo da Vinci foi modelo de “David” para o Verocchio. tinha 1. fazendo ele próprio o acompanhamento na lira que ele havia inventado e com isso deliciava a corte inteira.” LEONARDO DA VINCI nasceu em 1452 e morreu em 1519 . na cidade de Florença. Não apenas por causa de sua beleza física.Raphael está enterrado no Pantheon . Leonardo tinha muitas vantagens ao ser tão bem dotado. isqueiro. Leonardo da Vinci vai estudar com Verocchio. e em particular. porcas e pintor. inventor do escafandro. já desenhava e pintava muito bem. urbanista.90 m de altura e era provavelmente bissexual. Leonardo da Vinci. precursor da aviação. Os turcos tinham conquistado Constantinopla. despertando muita inveja das pessoas. da hidráulica. Quando ele tinha 16 anos. ela própria teme morrer. Vai pintar por 5 anos a Monalisa. sua generosidade e seu espírito brilhante não eram inferiores à beleza de sua pessoa. ponte-pêncil. Era um homem muito vaidoso. Tem um outro grande escritor que se chama GARDIANO e que escreveu o seguinte sobre Leonardo: “Ele era tão excepcional e tão ricamente dotado que a natureza parecia ter logrado um milagre em sua pessoa. escreveu muito sobre Leonardo: “Seu encanto. químico. Era uma Itália calma e tinha acabado o Império Bizantino. engenheiro. Ele era o árbitro em todas as questões que diziam respeito a elegância. pára-quedas. Quando ele morreu foi uma aflição para todos os seus amigos.

Em todos os escritos aparece sempre um dizer “o sol não se move”. do século XX. Ele queria saber por exemplo quantos tons de vermelho ele podia fazer. Antes do Renascimento não se falava em “tons”. Leonardo elaborou projetos que levaram séculos para serem aprovados como a asa delta. Pintou a Monalisa. fazia muitos esboços. era desenhado. o helicóptero. mas era muito pouco para Leonardo. A “Adoração dos Reis Magos “. enquanto tocava esse órgão. Ele queria saber mais e saber por que as coisas existiam. Leonardo da Vinci era também um músico.Vassari fala o seguinte: Leonardo tinha um ar tão imponente que só de vê-lo a tristeza desaparecia. artista. eles o matariam. por suas descobertas serem um pouco avançadas para a época. Tinha uma mente extremamente cientista. segundo os historiadores. o escafandro. tudo perfeito. Não foi feito porque cobrava muito caro o que ele fazia. As duas grandes pinturas que ficaram mais conhecidas foram a “Monalisa” (Gioconda) e a mais reproduzida no mundo todo que é a “Última Ceia”. As outras pinturas existentes não possuem essa certeza. desenhava tudo dentro das regras do renascimento. Ele fez um projeto urbanista fantástico para a cidade de Milão. que está no Vaticano. Ele queria estudar anatomia para poder pintar melhor. Os seus escritos só poderiam ser lidos através de um espelho. Inventou um órgão movido à água. vias elevadas. Leonardo dissecou mais de 30 cadáveres. Obs. cientista. com calçadões. Apenas essas 8 obras foram cientificamente comprovadas em sua autenticidade. outros apreciavam a sua presença. As pessoas posavam para ele e ele também tinha muitos auxiliares. que pode ser visto ainda no Museu do Vaticano. deixando muitas obras inacabadas. Muitas pessoas o elogiavam por ser filósofo. Leonardo da Vinci pintava com requinte. escultura. Só que muitas vezes ele não terminava a obra porque tinha muitos outros projetos na cabeça. Tudo o que ele fazia e criava. 47 . Com sua cultura universal. Leonardo da Vinci consegue ser o Mestre da pintura com apenas 8 telas. Quase foi preso por causa disso. Se a inquisição soubesse disso. ele tinha um pouco de medo de escrever de forma muito legível.: A conceito de “tom” só aparece no Renascimento após a invenção da tinta à óleo pelos irmãos Van Eykes. está inacabada. O que significava uma antecipação da teoria de Copérnico que diz que “a Terra é que gira ao redor do Sol”. Ele era canhoto e escrevia da direita para a esquerda. O ideal de Leonardo da Vinci era atingir a verdade por experiências objetivas. Com Verocchio ele aprendeu tudo na pintura. etc. Muita informação do que se sabe são relatos de seus alunos que o adoravam e escreviam tudo sobre ele. Os historiadores acham que. Ele começava a fazer uma coisa e depois parava para fazer outra. mas em cores. quiosques.

O fundo do quadro é completamente impressionista. Uma hora ela parece sorrir. ele não vai terminar nem os olhos e nem a boca. o ombro parece estar mais alto. A obra que se encontra em Londres. “Jesus” vai estar no centro do quadro. etc. de altura. inclusive a Monalisa. Leonardo da Vinci descobre a técnica do “SFUMATO”. Quando você olha o lado esquerdo. como o metal. que parece estar mais solto. Ela parece mudar toda vez que você a olha. O horizonte do lado esquerdo parece estar mais baixo que o direito. Leonardo falava que tudo para ele tinha alma. Anima é alma. Leonardo da Vinci pintou sozinho. onde a única pessoa que está calma é Jesus. portanto uma obra em aberto. Levou 3 anos para ser feita. Freud estudou muito sobre Leonardo da Vinci.Uma de suas obras muito importante é “A Virgem dos Rochedos”. A obra “Última Ceia” tem 9 metros de largura por 4. Começou a pintar cada vez menos. 48 . Tudo que é natureza tem alma.C. O rei francês Francisco I admirava muito Leonardo da Vinci.. No final de sua vida. Fazia também muitas outras experiências. os vegetais. outra hora parece estar triste. Antes de pintar essa obra. uma se encontra no Louvre e outra na National Galery de Londres. Na obra “Virgem dos Rochedos”. Existem duas obras da “Virgem do Rochedo”. A cena é sobre Jesus que estava falando: “Um entre vós me trairás”. A OBRA GIOCONDA: A Monalisa é como se fosse um ser vivo. Dentro de suas pesquisas tudo é baseado no animismo. Durante séculos as pessoas ficaram se questionando qual era a verdadeira. você é que vai terminar a obra. O que é Sfumato? É coisa indistinta. Leonardo começou a pintar quando foi chamado para ir à Milão e teve que interrompê-la. ele falava que os rochedos tinham alma. indignação. Ele pediu que o seu auxiliar a terminasse. Leonardo da Vinci estudou muito como os surdos e mudos se comunicam através dos gestos. Tem uma intenção muito dramática. mais ereto do que o ombro do lado direito. de dúvida. . Ela tem um sorriso muito enigmático. a linha de fundo da direita está em diferente altura da linha da esquerda. Saía no temporal para ver como aconteciam os relâmpagos. sem contorno definido. Esse estudo era para ele saber passar aquele “espanto” e todas as expressões somente através dos gestos. ele estava doente e com dificuldade de articulação nas mãos (quase todos os pintores tem problemas de articulação). em Clos Lucé. de pergunta. Os cantos dos olhos e da boca são esfumaçados. As duas são de Leonardo da Vinci. Cada um dos apóstolos tem uma expressão muito forte. parecendo sobrenatural. já em 1500 D.20 m. não terminada. onde ele vai usar muito claro-escuro. o que é proposital para dar o movimento aos ombros. Leonardo leva consigo quase todas as suas obras. isto é. Se for bem observada a obra. por ser Renascentista. Descobriram que a obra que está no Louvre. Ele é ainda muito pesquisado pois estava muito à frente de sua época. O rei Francisco I vai sempre visitá-lo. Não está muito claro porque Leonardo da Vinci foi viver os últimos anos de sua vida no Castelo na cidade de Amboise.

Ele foi um grande projetista militar. Quer ficar isolado. está em um refeitório de uma Igreja em Milão. São Jerônimo. Inventou máquinas de afiar. planador. “Código de Atlantis”. no Louvre em Paris Esboço de “Sant’Ana e a Virgem” que é um desenho que está no National Gallery. Eles eram muito amigos. No dia 2 de Maio o Rei Francisco I vai visitá-lo ao saber que ele não estava passando bem. São João Batista. Sant’Ana.80 m (+/-) A Última Ceia. sendo usado depois para elaborar a obra “Monalisa”. Fechou os olhos e morreu. Estudava qual a melhor forma de abordar um barco grande através de um pequeno. e assim enunciou 2 teoremas fantásticos sobre a geometria. está no Museu de Hermitage. Ele ficou com 1200 desenhos e que isso era a terça parte da produção de Leonardo. na Inglaterra. (deve ter 1. nem dos seus alunos.: Muitos desenhos de Leonardo da Vinci podem ser encontrados no Castelo de Windsor. Ganhou muito dinheiro com desenho de canhões. etc. na física. Entre esses desenhos que ele deixou para Francisco Melzi tem o “Código de Urbino”. barcos para a guerra. sobre a formulação de teorias sobre o centro de gravidade dos sólidos. em Londres. determinou os princípios para a construção de um aparelho mais pesado que o ar e capaz de voar aproveitando a força do vento: asa-delta. carros de combate. É um afresco que está muito deteriorado. os efeitos do atrito e sobre as condições de equilíbrio num campo inclinado. Já fizeram até galinheiro nesse refeitório. Leonardo recebe o rei (jovem) que ao se aproximar dele e sustentando a sua cabeça em seus braços. Louvre (Paris) e National Gallery de Londres. com várias pessoas ao seu redor. estudos e anotações de Leonardo da Vinci. no Louvre (ao lado da Monalisa) Anunciação. no Louvre. Leonardo vai dizer-lhe que não reconhecia honra maior do que morrer nos braços de um rei. sobre a transformação de sólidos. Maria e o Menino Jesus. Ele tem um discípulo chamado Francisco Melzi que herdou de Leonardo quase todos os desenhos. 49 . Deitado na cama. Dizem que ele tinha caso com Leonardo da Vinci. vários desenhos de como ele fazia a geometria (explicando tudo o que aprendeu de geometria através de suas pesquisas). metralhadoras. Obs. Virgem dos Rochedos. Adoração dos Magos. Esta está muito ruim pois Leonardo da Vinci não se preocupou com o tipo de tinta que usou. inacabado. Obras autênticas de Leonardo da Vinci: Monalisa. helicóptero e pára-quedas. Leningrado ( ex-Rússia). No campo da física ele trabalhou muito sobre a dinâmica e baseou seus estudos na leitura de Aristóteles. National Gallery de Washington.Ele fala que não quer receber visita de ninguém. perfuratrizes. Inventou o compasso de proporção. Estudou. no Louvre Madona Benois. está no Museu de Vaticano. A partir do vôo dos pássaros. Inventou máquinas hidráulicas para limpeza e drenagem de rios e canais.

A sua pintura era muito diferenciada e misteriosa. enfim. certinha). Vai aprender todas as técnicas do ofício em desenho. grande pintor da época. Era também um grande poeta. dissecar também para conhecer melhor e se aprofundar mais na figura humana. onde vai representar todos os pecados capitais: vaidade. Michelângelo era neurastênico. um gênio. descobre ter uma afinidade muito grande com a Grécia e que ele era escultor da “figura humana”. aos 89 anos. Ele estava a 400 anos adiantados para sua época. Ele era 23 anos mais jovem que Leonardo da Vinci e viveu mais 45 anos após a sua morte. Só se sabe que ele nasceu onde seria hoje a Holanda (a cidade tinha o nome Bosch) e viveu 66 anos. Foi escultor insuperável. Era filho e neto de pintores. Os três são considerados os maiores artistas do Renascimento. da mesma forma como todos os pintores faziam na escola renascentista. hipocondríaco. gula. As obras que escaparam foram para a Espanha. 50 . Dalí dizia que o grande “Papa” do surrealismo era Bosch. ira. inveja.C. Ele nasceu na época do Renascimento. escultura e poesia é considerado do mesmo nível dos trabalhos de Leonardo da Vinci e Raphael. pois não gostava da arte renascentista (toda centralizada. Bosch cria a SEITA ADAMITA : “os irmãos dos espíritos livres”.HYERONYMUS BOSCH Nasceu entre 1450 ou 1516. preguiça. avareza. luxúria. Uma dessas obras é a famosa “Os Sete Pecados Capitais”. Resolve. A inquisição não o impediu porque os Reis o protegeram. Vai revolucionar no campo da pintura com a obra que faz para a “Capela Sixtina”. É uma pintura sobre “o céu e o inferno”. um dos maiores pintores e desenhistas de todos os tempos. MICHELÂNGELO Nasceu em 1475 e morreu no dia 6 de março. sobre uma mesa redonda. Ele já tinha uma idéia bem diferente de arte. em 1564. Casou-se com uma órfã muito rica. homossexual. Ele não ficou muito satisfeito com o que aprendeu.. O seu trabalho na pintura. Essa seita dizia que o homem tinha que fazer todos os pecados na Terra para ganhar o Céu. ninguém sabe ao certo. levadas pelo Rei Felipe II. masoquista. Ele foi estudar com o grande mestre “Domênico Ghirlandaio”. pintura. Com isso todo mundo queria se afiliar à Seita Adamita. mas se ele nasceu em 1516 ele morreu em 1566. feia e religiosa. Resolve estudar as esculturas gregas da antigüidade da coleção dos Médicis (os mecenas). As suas obras só vão ser destruídas pelos protestantes por volta de 1600 D. muito surrealista e muito simbolista. Se Bosch nasceu em 1450 ele deve ter morrido em 1516. Outra obra importante é a pintura do “Jardim das Delícias”. mas é considerado um grande Surrealista. Tinha uma inesgotável capacidade criadora. toda feita com incrustação em pedra. incrível como escultor. Muitas de suas obras foram destruídas pelos protestantes em 1629. escultura. não tanto como Leonardo da Vinci que dissecou 33 cadáveres. pois foge completamente do estilo da arte Renascentista. Quando ele começa a estudá-las.

Estudou muito sobre Platão. filósofos e dramaturgos gregos e também sobre os grandes mestres. Sugestão: Assistir ao filme “Michelângelo” que tem nas locadoras de vídeo. baixo. Aos 30 anos já era conhecido como um dos grandes mestres da escultura. Tinha um temperamento muito irrequieto. Vai ficar em Carrara para escolher as peças de mármore (estudando os veios) por mais ou menos 11 meses. Sócrates. O “Papa” vai chamá-lo novamente em Roma e pede à Michelângelo que pinte uma Capela para 51 . Michelângelo pediu para ir até a cidade de Carrara (cidade dos mármores) porque iria fazer o túmulo todo em mármore. que vai ficar quebrado e torto para o resto de sua vida. na casa dos Médicis. Michelângelo tinha um amigo chamado Torrigliani. Foi aí que a cidade de Florença convidou Michelângelo e Leonardo da Vinci para pintarem o grande painel na Câmara dos Vereadores. Michelângelo era um homem feio. Ao voltar o “Papa” fala que não vai mais querer que faça o túmulo. Michelângelo recebe um soco no nariz. Ele era tão bom ou talvez melhor do que os escultores gregos como Fídias (que fez o Parthenon) e Praxiteles. No fundo.De repente a figura humana não tinha mais segredo para ele. Infelizmente a obra nunca foi executada porque Leonardo da Vinci foi chamado em Milão fazer o projeto ‘’urbanístico” que não deu certo e Michelângelo foi chamado pelo Papa Júlio II em Roma para trabalhar lá. Sófocles. ele era um romântico. Era um homem passional (brigava. Não conseguiu se relacionar com ninguém por não se aceitar como era. o Papa Júlio II pede à ele que fizesse o maior túmulo do mundo para quando ele morresse. que foram grandes escultores do classicismo. Vai ser um grande mestre da figura humana. Ao se envolver em uma briga com esse seu amigo. fica muito amigo da família. Michelângelo insistiu tanto que conseguiu estudar arte. Michelângelo fica muito desgostoso e decide não voltar mais à Roma. conseguindo recriá-la. Existe uma cópia em Florença feita por Michelângelo. Teve um pai bastante violento. De outra forma. etc. ter um nariz torto e ficando muito feio. Quando Michelângelo chegou em Roma. participando muito dos “Saraus Culturais” onde conversava sobre filosofia. esse traço violento. que estudava junto com ele. O pai de Michelângelo vai intervir pedindo ao “Papa” que fizesse alguma coisa para ajudar o seu filho que estava muito desmotivado. estética. Com isso vai fazer esculturas e pinturas belíssimas de seres humanos para compensar a sua feiura. narigudo e muito triste. Leonardo da Vinci também fez uma descrição comentando sobre esse episódio. da pintura que ele ia executar com Leonardo da Vinci. na região de Florença. Ao estudar com os Médicis. Sua uma família era aristocrática. Vai pintar e esculpir com perfeição. vão ser muito fortes em sua pintura. não saberíamos o que eles iriam fazer. temperamental e dizia que não tinha paciência com a mediocridade alheia. Foi um estigma muito grande para um homem que gostava muito de beleza. Essa paixão. e o pai não admitia que o filho fosse artista. reclamava e ia a fundo com tudo) e solitário.

nas paredes laterais. Teve muitos ajudantes. não tendo coragem de eliminá-lo. Ao terminá-la. discutindo. os “doze apóstolos”. É como se fosse “tromp’oleil”. conversando. Vai ser encontrada muita obra incompleta dele nos Museus do Louvre. Michelângelo vai pintá-la já de uma forma bem diferente da pintura que fez no teto da Capela. Vai pintar no teto da Capela Sixtina. Ele não conhecia muito bem o corpo feminino. Você vai observar “Cristo” irado e “Nossa Senhora” se escondendo atrás Dele. Vai colocar imagens de profetas. O esforço físico para ele fazer a obra era incrível. Ele deitava e passava dias assim. o Papa vai pedir de novo para ele fazer o túmulo. etc. em diversas atitudes. pelos grandes pintores Boticelli. volta com o mármore e começa a fazer a figura de Moisés. o dilúvio e a embriaguez de Noé. A Capela Sixtina já era decorada. Essa obra vai ficar incompleta. O “Juízo Final” é uma visão terrível do fim do mundo. com músculos desenvolvidos e cabeça de mulher. É praticamente impossível um ser humano fazer o que ele fez em apenas 4 anos. lendo. O papa pede que ele pinte o teto e o fundo da Capela. Pintou todas essas figuras de homens e mulheres como se fossem pessoas comuns e não “santos”. Essa Capela tinha sido mandada fazer pelo papa “Sixto IV”. 52 . Michelângelo vai então à Carrara. tinha pena de estragar o mármore da obra que estava esculpindo quando encontrava um veio bonito. escrevendo. Michelângelo aceita pintar somente o teto. baseados no Antigo Testamento. Michelângelo respondeu: ”Mas eu sou escultor e não pintor”. E. Pegava outro bloco e começava outra obra. alternando isso com Sibilas (são as moças muito bonitas que ele faz). dos dois lados. vai parar a obra para não estragar a natureza. Guirlandaio e Perugino. Trinta anos após terminar o teto da Capela Sixtina. ele volta para pintar o fundo da Capela com a obra “O Juízo Final”. deixando o observador na dúvida. Essa obra foi iniciada em 1508 e terminada em 1512. Ele fez muitas outras obras incompletas porque. como se fosse a própria arquitetura. Ele pintava as moças com corpo de homem. Galeria Ufizi (em Florença). em nicho. Michelângelo brigava muito com o “Papa” e seu pai vai pedir à ele que tivesse muita paciência com o seu filho. É uma forma quase expressionista de pintar. Fazia o desenho no chão e depois subia nos andaimes para desenhar tudo novamente lá em cima e pintar. Era o que tinha sobrado de parede sem pintura. Tentaram saber se era alegoria o que ele pintava porque ele fugia muito da história que existia na Bíblia.ele. Chegaram à conclusão que criava muita coisa apenas para preencher o espaço vazio que existia. Quando ele termina Moisés o Papa Júlio II morre e o túmulo não fica terminado. pelo grande artista que era. que em sua homenagem recebeu o nome “Capela Sixtina”. mas que durante o trabalho vai brigar com todos eles ficando sozinho para continuar. São episódios que vão desde a criação do homem. etc.

em vida. Entre 1555 e 1559 no Pontificado de Paulo IV. O final de sua vida ele vai ser muito expressionista. algumas esculturas. A primeira escultura “Pietà”. As outras “Pietà”. Somente a Cúpula será de estilo Renascentista. vai fazer com menos de 25 anos. e uma obra que está na Galeria de Ufizi em Florença. que era um Papa muito chato. na época do Barroco.O teto da Capela é feito em estilo mais acadêmico e o fundo dela de um estilo mais expressionista. o resto da Basílica é de estilo Barroco. Depois em 1559. pediram para tirar as roupas novamente. vai ser a grande Cúpula na Basílica de São Pedro. Ele desenhou e projetou a Cúpula. Michelângelo era muito religioso e apesar dele cobrar muito caro o seu trabalho vai fazer esse projeto sem cobrar um tostão. Ele só fez a pintura da Capela Sixtina. Sua grande obra. Disse que essa obra ele a fez “À Serviço de Deus porque era um presente dele para Deus e de Deus para ele”. 53 . as figuras da pintura de Michelângelo na Capela Sixtina foram todas vestidas a pedido dele.: Todas as esculturas do lado de fora da Basílica foram feitas pelo Bernini. que ocupou toda a sua velhice. Chamavam-no de “Divino”. e esta foi executada por outros. distorcendo um pouco as formas. já um grande mestre. Obs. Era considerado. A “Pietà” se encontra embaixo dessa Cúpula (onde tem uma clarabóia). são completamente expressionistas.

que são. produzem uma atmosfera de rara singularidade. desenvolve-se em Roma. um movimento artístico afastado conscientemente do modelo da antiguidade clássica: o maneirismo (maniera. extrapolando assim as rígidas linhas dos cânones clássicos. espirais e proporções estranhas. mas agora com um espírito totalmente diferente. Pintores. do ano de 1520 até por volta de 1610. porém. Reinam a desolação e a incerteza. e o homem já não é a principal e única medida do universo. enquanto outros preferem vê-lo como um estilo. propriamente dito. Os grandes impérios começam a se formar. que na maior parte das vezes não levam a lugar nenhum. Os artistas se vêem obrigados a partir em busca de elementos que lhes permitam renovar e desenvolver todas as habilidades e técnicas adquiridas durante o renascimento. pode-se dizer que as verdadeiras mudanças que este novo estilo introduz refletem-se não somente na construção em si. criam uma arte de labirintos. depois de derrotar as tropas do sumo pontífice. conchas e volutas cobrem muros e altares. com espaços mais longos do que largos. Principais características: Nas igrejas: · Naves escuras. Não só a Igreja. Uma de suas fontes principais de inspiração é o espírito religioso reinante na Europa nesse momento. coros com escadas em espiral. Mais adiante. 54 . deixando de lado as de plano centralizado. Valendo-se dos mesmos elementos do renascimento. O certo. Alguns historiadores o consideram uma transição entre o renascimento e o barroco. saqueia e destrói Roma. Uma evidente tendência para a estilização exagerada e um capricho nos detalhes começa a ser sua marca. ARQUITETURA A arquitetura maneirista dá prioridade à construção de igrejas de plano longitudinal. com a cúpula principal sobre o transepto. mas toda a Europa estava dividida após a Reforma de Lutero. Carlos V. é que o maneirismo é uma conseqüência de um renascimento clássico que entra em decadência. essa arte acabaria cultivada em todas as grandes cidades européias. em italiano. significa maneira). a marca inconfundível do estilo maneirista. Caracóis. iluminadas apenas de ângulos diferentes. · Guirlandas de frutas e flores. mas também na distribuição da luz e na decoração.MANEIRISMO Paralelamente ao renascimento clássico. No entanto. balaustradas povoadas de figuras caprichosas são a decoração mais característica desse estilo. arquitetos e escultores são impelidos a deixar Roma com destino a outras cidades. típicas do renascimento clássico. sem dúvida. lembrando uma exuberante selva de pedra que confunde a vista.

Seu interesse pela arquitetura o levou a estudar os tratados de Alberti e Brunelleschi. mas muito interessante sobre os grandes artistas da época. cujo caráter é rigorosamente clássico e no qual a clareza de linhas e a harmonia das proporções preponderam sobre o decorativo. no entanto. O interesse que tinha pelas teorias de Vitrúvio se reflete na totalidade de sua obra arquitetônica. é um dos mais importantes desse período. GIORGIO VASARI. fizeram tanto sucesso que se seguiram várias edições. a villa na Porta del Popolo. 55 . Vasari também trabalhou em colaboração com Michelangelo em Roma. Vasari é conhecido por sua obra literária Le Vite (As Vidas). Não se pode dizer que Palladio tenha sido um arquiteto tipicamente maneirista. Somente dez anos depois iria se dedicar à arquitetura sacra em Veneza. legou a eles todos os seus bens. mais do que marcar a transição entre duas épocas. que proibiam o nu nas obras de arte. na qual. publicadas em 1550. expressa a necessidade de renovação. apresenta um relato às vezes pouco fiel. o palácio dos Mantova. que. reduzido a uma expressão mínima. Suas biografias. (1511-1592). tais como: a construção do túmulo do conde de Montefeltro. Principais Artistas: BARTOLOMEO AMMANATI . (1511-1574). (1508-1580). além de fazer um resumo da arte renascentista. Passou os últimos dias de sua vida em Florença. a fonte da Piazza della Signoria. · A decoração de interiores ricamente adornada e os afrescos das abóbadas coroam esse caprichoso e refinado estilo. com base nos quais planejou uma cidade ideal. A obra de Palladio foi uma referência obrigatória para os arquitetos ingleses e franceses do barroco. De acordo com os preceitos dos jesuítas. conseguiu realizar uma de suas únicas obras significativas: os afrescos do palácio Cornaro. com a construção das igrejas San Giorgio Maggiore e Il Redentore.Nos ricos palácios e casas de campo: · Formas convexas que permitem o contraste entre luz e sombra prevalecem sobre o quadrado disciplinado do renascimento. sem deixar de fazer comentários mal-intencionados e elogios exagerados. dedicado à arquitetura. na década de 30. Sob a proteção de Aretino. Autor de vários projetos arquitetônicos por toda a Itália. PALLADIO.

PINTURA É na pintura que o espírito maneirista se manifesta em primeiro lugar. afastados dos cânones renascentistas. · Os verdadeiros protagonistas do quadro já não se posicionam no centro da perspectiva. completamente irreais. De acordo com documentos existentes. em Cândia. para os conventos locais e para a nobreza toledana. Entre suas obras mais importantes estão O Enterro do Conde de Orgaz. criam esse novo estilo. onde começou a trabalhar no ateliê de Ticiano. não sem certa dificuldade. · Rostos melancólicos e misteriosos surgem entre as vestes. Nascido em Creta. de um drapeado minucioso e cores brilhantes. Na verdade. · Nos corpos. acredita-se que começou como pintor de ícones no convento de Santa Catarina. procurando deformar uma realidade que já não os satisfaz e tentando revalorizar a arte pela própria arte. Depois de alguns anos de permanência em Madri ele se estabeleceu na cidade de Toledo. Principal Artista: EL GRECO. São os pintores da segunda década do século XV que. onde trabalhou praticamente com exclusividade para a corte de Filipe II. Principais características : · Composição em que uma multidão de figuras se comprime em espaços arquitetônicos reduzidos. encontrá-lo. sua obra não foi totalmente compreendida por seus contemporâneos. a meio caminho entre o retrato e a espiritualidade mística. · mas em algum ponto da arquitetura. com quem realizou algumas obras. 56 . e uma atmosfera de tensão permanente. O resultado é a formação de planos paralelos. O Sonho de Filipe II e O Martírio de São Maurício. Esta última lhe custou a expulsão da corte. produzindo sombras inadmissíveis. · A luz se detém sobre objetos e figuras. no ano de 1567 emigrou para Veneza. Os músculos fazem agora contorsões absolutamente impróprias para os seres humanos. Homem com a Mão no Peito. onde o olho atento deve. as formas esguias e alongadas substituem os membros bem-torneados do renascimento. Ao fundir as formas iconográficas bizantinas com o desenho e o colorido da pintura veneziana e a religiosidade espanhola. (1541-1614).

ficando muito bem na América do Sul. A Piazza Navona. encarar a arte. Tem também muita água e muita luz. O Barroco atingiu o auge com Luís XIV na França. mais do que com a fé religiosa. na Itália. A composição Barroca tem sempre linhas inclinadas. O Barroco surgiu para combater a reforma religiosa. O Barroco apela muito para sensações. É uma atitude de encarar a vida. religiosos. 57 . Não era assim no Renascimento. Os católicos tinham uma preocupação maior com o esplendor mundano. Velásquez. O Barroco é mais que um estilo de arquitetura. É muito movimentada e dinâmica. Barroco é fazer a arte dos jardins. Procuram fazer as ruas de forma a irem todas de encontro com a Igreja. ou melhor. Ex. A pintura Barroca é muito teatral. uma audaciosa mistura de estilos. Você olha e pensa que está vendo uma coisa que na realidade não existe. dão a impressão de levar ao infinito. no centro. do homem primitivo. bem comportado. Ela é também descentralizada.BARROCO O Barroco é um estilo muito ligado a acontecimentos históricos. pintura de uma cortina na parede que não existe. A arte Barroca não pode ser chamada de arte do absolutismo porque ela não é só do absolutismo. Como estilo ele é ambíguo. Vai ser o estilo do Barroco. Vão pegar um pouco do renascimento. emoções. Essa pintura é chamada de TROMP'OLEIL (engana olho). enfim. econômicos e sociais.catedral Palácio da cidade Palácio do campo Vai surgir nessa época a preocupação com o urbanismo. é gosto também. O dourado e o espelho também vão ser muito importantes no Barroco. Jardins à francesa. Estilos da época do Barroco: Igreja . mais que uma pintura. um obelisco egípcio. o "Rei Sol". Versailles é o protótipo do jardim à francesa. A arquitetura pintada vai ser muito usada. É um movimento muito forte. ansioso. "Eu sou o Poder". fantasias. Ela tem esculturas Barrocas e. Surgiu bem no auge do Renascimento que era muito racional. Ex. As Igrejas Barrocas tem sempre escadarias. Em todos os países as igrejas vão ter salões pintados com cenas arquitetônicas que levam ao infinito. para os sentidos. Central. Vai mostrar o espírito da contra reforma e reforma que vai acontecer na igreja católica. A cenografia é muito forte. Vamos ver muitos efeitos luminosos como os de: Rubens. Caravaggio. A luz é fundamental (contrastes da luz). Começou em Roma e espalhou-se por toda a Europa indo depois para a América. Temos a música e o teatro Barroco. Ele é movimento. No Barroco vai haver uma fusão de diferentes estilos da arte. No Barroco a escada é muito importante porque elas dão movimento. etc. Vai aparecer no mundo todo. novidade. O jardim é fundamental.

grandioso e envolvente. escuro). A igreja Barroca de Ouro Preto já faz parte do dia-a-dia da sua vida. escadas (subidas e descidas). Os jesuítas irão depois para a América do Sul e levarão o Barroco para lá. A igreja e o estilo Barroco vem junto para as Américas: do Norte. como a Notre Dame de Paris. Nunca poderíamos ter uma catedral gótica porque em 1100 o Brasil não tinha nem sido descoberto. Artistas mais importantes do Barroco: Caravaggio Rubens (tinha 150 ajudantes em sua oficina de arte) Rembrandt Velásquez Cannaletto Jeorges de La Tour (pintor francês que usava muito a vela como recurso do claro-escuro) Jean Vermeer (holandês) Van Dick Vateaux Reinolds (inglês) Thomás Garburn (inglês) Goya (teve uma fase Barrôca). barroco e depois expressionista Tiepolo No pontificado do Leão X (tem seu retrato pintado por Rafael). Esse movimento desenvolveu-se rapidamente e esses homens resolveram que era muito importante criar um novo estilo de pintura para trazer de volta os fiéis que tinham abandonado a igreja. Renascentista também não. mas nunca poderia ser sua. muito militar. Os jesuítas se tornaram uma arma eficaz para a igreja católica conseguindo trazer muitos fiéis de volta. Uma obra Barroca é fantástica com seus contrastes de luz (claro. Eles seguem uma disciplina muito rígida. Não é fria e nunca deixa você distante. Sendo assim.começa acadêmico. O Barroco é afetuoso. fez parte do classicismo. Isso acontece em Roma. 58 . A arte Barroca é afetiva e grandiosa. O Mosteiro de São Bento em Olinda onde você vê as palmeiras é aconchegante e lembra cenas de casa. sua obridade e autoridade apelarando para um caráter afetivo e grandioso no estilo. O nome Barroco vem do nome Barrueco. que mostrar sua supremacia. Ela é afetiva e puxa você para ela. com suas fontes. é muito grandiosa. um grupo de homens piedosos (católicos) fundaram a congregação do oratório que iam purificar a igreja. A igreja tinha que se renovar. A escultura Barroca é dinâmica e a Gótica estática. Vai começar aparecer esse nome em Roma. o dourado. Quando se entra em uma igreja Barroca você sente aquela sensação intimista. A Igreja Gótica. podendo fazer parte do seu ser. Tinham muita disciplina e conseguiram trazer os hereges de volta. Central e Sul. porque aconteceu em 1400. ela tem muito coisa próxima a você. Esses homens é que vão se converter mais tarde e fazer a inquisição. pois inquisição já existia. mas é muito ambíguo.O Barroco não é clássico. Vai aparecer também a ordem dos jesuítas em 1540 (Ignácio de Loyola). No Brasil só existe o estilo Barroco. que significa pérola torta. ela iria trazer de volta os fiéis. É tão grandiosa que pertence a humanidade.

escultores e pintores do século XVIII. de Roma. jardim pavilhão de caça. Barroco na França está muito ligado a ARISTOCRACIA. O Barroco é a busca da fé pela emoção dos sentidos. ou para obras influenciadas pela antigüidade. os quais foram incapazes de manter a unidade do país (França). Luís XIV ficou conhecido no mundo inteiro até hoje através de Versailles. Ele era muito forte "O estado sou Eu. Daí com a chegada de Henrique IV. Em 1599 Henrique II teve 3 filhos. o grande canal e toda a panorâmica de Veneza. sobriedade e reserva. BARROCO NA FRANÇA O Barroco foi um movimento muito forte na época de Luís XIV. Ele modelou a civilização francesa à sua imagem. O objetivo essencial da arte é provocar o fervor das multidões. Vai pintar o Palácio dos Dodges. Vai ser muito fiel à sociedade de sua época pintando os carnavais. Chamou o arquiteto Bernini.Temos uma ligação muito forte com o Barroco de Lisboa. Ao se aplicar o termo "clássico" ao estilo Luís XIV. É em Minas Gerais que ocorre o Barroco mais forte no Brasil. reorganizou a França e deixou as Bases do Poder Absolutista para Luís XIV. os espetáculos. A época clássica da arte francesa é a época de Luís XIV. Ficou muito conhecido pelos turistas que queriam levar retratos de Veneza. o Deus sou Eu". Fazem pintura na abóbada da igreja como se ela fosse aberta para o céu (Tromp’Oleil). O século XVII vai conhecer o seu apogeu com o Luís XIV. Escolheu um lugar. Existia uma concentração de poder muito grande com Luís XIV. Outro projeto que também não deu certo foi o do Louvre e suas modificações. Ele subiu ao trono em 1643 bem criança e só começou a reinar em 1660. ele terminou com as lutas. a arquitetura francesa era muito pobre. As casas são só de tijolinhos. Ele sempre dizia "o poder sou eu". e na Itália está ligado a IGREJA. bem quadradinhas com o telhado em forma de ponta. Aleijadinho é o maior artista barroco mineiro. Como eles não tinham distração procuravam fazer espetáculos através do estilo barroco. O termo "clássico" é usado para obras que suportam a passagem do tempo. etc. Um dos principais pintores Barrocos de Veneza foi Canaletto que nasceu em 1697 e morreu em 1768. A época de Luís XIV é fantástica onde aparecerão apenas 2 grandes pintores: Nicolas Poussin Claude Lorrain Nessa época a vida era totalmente subordinada ao fausto e a majestade dele. Ele se torna um pouco cansativo por pintar muito os canais de Veneza. embora ela seja Barroca. vai ter todos esses significados e mais a emoção do Barroco. Na época do Henrique IV. A Igreja foi o primeiro cliente dos arquitetos. A arquitetura era feita de tijolos e pedras. para depois trazer a capital da França de Paris para Versailles. morrendo em 1715. ou ainda . Mandou fazer um palácio. Ele era totalmente absolutista. A arte vai então tender para o espetáculo. 59 . para ir a Paris e fazer o projeto do palácio que não deu certo. Sóbria é uma obra clássica. tanto que seu nome ficou conhecido como Canaletto. Veneza também foi um grande local de arte Barroca.

tinham que aceitar o que ele determinava. vão receber os grandes convidados de Luís XIV. A comida era muito importante e feita como se fosse uma arte. Surge também o perfume. O "se mostrar". Eles usavam pó de arroz por todo o corpo para ficar bem brancos. O Filme "Ligações perigosas" mostra esses rituais. Resolve depois receber só para os almoços aos domingos. Não tinha banheiro. A galeria dos espelhos e os belíssimos jardins assumem grande importância. As estátuas do lado de fora do palácio são imitações da antigüidade. Foram morar em Versailles com 11.A planta inteira de Versailles se concentra no quarto dele. Queria que todos esperassem ele passar quando fosse para a igreja com a família. Antes do Barroco. A mulher na época do Rei Luís XIV e Luís XV vai ser muito delicada e requintada. os que estavam próximos à ele. as rendas nas roupas. A mulher vai ser muito importante e muito fútil. No Barroco vai aparecer a lavanda. Foi um acontecimento muito para frente. Não tem nenhuma criatividade. Eles acharam que foi devido a água resultando um medo grande até hoje e consequentemente ao banho também. Como não havia banheiro. Vão aparecer festas de “Petit Comittee” em Versailles. brancas e douradas. no imobiliário. Foi feito um desfile de espartilho na corte. Não vai ter grandes pintores. sapatos. A aristocracia. o rei e a rainha iam para o mato e se limpavam com toalhinhas que eram vendidas para a corte. No grande salão. Quanto mais suja a toalha mais cara era. como se o seio fosse pular para fora do decote. Versailles começa a ditar a moda. de vanguarda. 60 . as pessoas comiam com as mãos. na tapeçaria. Vai surgir o servir à francesa. A peruca surge na Ópera em Paris. A arte vai se desenvolver na arquitetura.000 pessoas. Surge a langerie da mulher. Todos queriam espelhos pela casa como os de Versailles. Um pouco antes na época de Henrique IV. o que foi considerado um escândalo na época. Todos tinham que acordar e deitar quando ele queria. não tinha faca. Os decotes eram generosos e a lingerie levantava o busto. eles passam também a usá-las em Versailles. houve uma peste onde morreu muita gente. Não surge nenhum grande escultor. E à noite isso era retirado com esponja úmida. Depois os desfiles de perucas (vindos de Paris). Começam os desfiles de moda na França. Os nobres desfilavam com essas toalhas ostentadas sobre os ombros. menu. o guardanapo. todos queriam ter um “Versailles”. Luís XIV deixou que o desfile acontecesse. Só se comia o que ele gostava. Eles trocavam muito de roupa. espartilhos. Os desfiles passam a ser importantes. Obs. e ditava o menu para a semana toda. Tudo é imitação de Roma e Grécia. Os escravos passavam uma esponja úmida no corpo deles à noite. sendo importante por causa do problema do banho. os espelhos são importantes nessa época sendo usados nas casas no mundo inteiro. Como na ópera as perucas eram prateadas. calças. fingindo não tomar conhecimento. Existia uma escala onde as pessoas tomavam banho de 6 em 6 meses.

namorado (eles não tinham o que fazer). Ela tinha que ter muito leite. Até a libertinagem deles era galante. Tanto os móveis como a tapeçaria são assimétricas. Foi tornando-se extremamente 61 . Foi uma época licenciosa. São extravagantes. nunca vulgar. a igreja católica teve que rever suas atitudes com o Conselho de Trento. irregular. O ideal de beleza da época era moça gorda a partir dos 25 anos. Era violenta a troca de marido. fazia um regime de engorda. Vão fazer muito "quadro vivo". peças de teatro de amadores (em Versailles). rígidas e bem definidas. vestidos e sem peruca. Vão pintar muita porcelana.Tinham liberdade muito grande. Sempre homens e mulheres com seios descobertos. Tem que ter emoção e sensação. Por sua vez a Holanda cresceu tanto que as perspectivas econômicas eram grandes. Quando ela encontrava um pretendente. nunca ordinária. Não apareciam nunca para ninguém sem estarem pintados. O Rococó na Europa é o Barroco no Brasil. denso. O Barroco vai desde o século XVI. Fizeram muitas tapeçarias lindíssimas. Na Arte Barroca existe muita liberdade com muitas curvas e diagonais. Isso refletiu na arte onde irão pintar muito o “nu”. O ideal de peso para a mulher era 75 quilos. Ex. Vão acontecer muitos espetáculos com máscaras. A mulher com 25 anos já era considerada madura. E para isso precisavam de lacaios para ajudar (de 6 a 8). Todo mundo aprendia a bordar. Antes dessa idade elas tinham que ser muito magras. e chega ao seu apogeu no século XVII finalizando no século XVIII com o nome de Rococó. Com a revolta de Lutero. Ter um quadro nu em casa também era muito importante para ser contemplado. Muito requinte. Tinha conteúdo espiritual. Vão usar incrustações de todas as espécies nos móveis de madeira como laca. inclusive a Holanda. e até porcelanas para enfeitar os móveis. no auge do Renascimento. e o rosto branco (o carmim que era o rouge). com a figura centralizada. É uma arte que engloba outra série de estilos. O pensamento na época era científico e objetivo. Houve um naufrágio daquela invencível armada. usava formas lineares. A Arte Clássica que é anterior ao Renascimento. Era como se fosse um "Spa" para engordar. madrepérolas. Foi na Espanha a época em que conquistaram quase o mundo todo. conforme estudo feito em “Estética da Arte”. O sujeito é subjetivo. a ordem dos Jesuítas em 1534 com Ignácio de Loyola. O nu passou a ser visto também no gobelain. Para organizar o poder realizou-se a contra-reforma. nas porcelanas e antecamas. Os espanhóis depois perderam muito. na reforma protestante. BAROS= vem do grego e significa pesado. Rococó é o excesso do Barroco. nunca simétricas (uma forma de identificar o estilo Barroco). BARRUECO= vem do espanhol que significa uma pérola com reentrâncias. Ninguém aparecia sem pintar os lábios. braços e pernas enroscados. O pensamento ou conteúdo é poético. que vai ser também muito importante nessa época. As mulheres tinham um hábito de se pintar que era quase uma paixão.: Colocavam uma música de fundo e pessoas imitando um quadro de Velásquez ou Rembrandt. O homem queria sentir a "carne" da mulher.

burguesa. A França, Áustria e Alemanha vão se tornar totalmente absolutistas. A ostentação toma conta da Europa. A França será o auge da ostentação com Luís XIV (rei-sol). Essa época vai ser marcada por sua dramaticidade e tragédia. A Igreja Católica irá dividir tudo entre o céu e o inferno. Nessa época vai haver muito medo do inferno. Eles chamam o homem para o igreja (o lado bom, o céu) através da arte espetaculosa, trágica, da emoção, sensação. Como naquela época não existia a mídia, essa era a sua forma de divulgação, o seu recurso. A própria arte trará de volta os hereges. Na Holanda, Bélgica e Espanha o Barroco vai atender muito bem os interesses da burguesia. PRINCIPAIS CARACTERÍSTICAS DO BARROCO: 1. Predomínio sempre do emocional sobre o racional.

2. Liberdade completa de criação no conteúdo, mais do que na forma. O artista se emancipa de qualquer regra ou padrão. 3. A inspiração é muitas vezes popular. Ex.: a representação da sagrada família é feita como se fosse uma família comum. É o oposto do renascimento onde a representação da santa é diferenciada, com raras exceções. 4. Dinamismo muito grande na composição com diagonal. verticais

5. A linha vertical vai dominar a linha horizontal. Vai haver muito mais linhas do que horizontais, além da diagonal. 6.

Existe uma fuga do geométrico. Nada é muito concentrado. Vai haver um entrelaçamento da arte, da escultura e arquitetura. Na Igreja barroca vai ter muita escultura na parte externa. No renascimento as Igrejas quase não apresentarão esculturas externas. 7. Valorização do entalhe na pedra e na madeira. As construções de altares e retábulos vão ser luxuosamente decorados com aplicações em ouro e muita policromia (muitas cores). Retábulo - é o que fica na frente do altar, feito de madeira toda trabalhada. É o que divide o altar do resto da igreja. Tripo-retábulo, abre e fecha para ser transportado. É para rezar. Como os escravos não podiam freqüentar a igreja, eles construíam o seus retábulos para rezar, transportando-o facilmente para suas casas. Os retábulos existem desde a época do bronze, com características diferentes. Volutas (origem grega). Quase todas as igrejas Barrocas tem volutas. . 62

8.

9.

A igreja Santa Maria Maggiore em Veneza tem 8 cúpulas ligadas a 8 grandes 10. Frontão. Existe também sempre um grande frontão ladeado por 2 torres.

volutas.

11. antes.

A pintura tem violentos contrastes de claro-escuro. Inovaram o espaço pictórico através do claro-escuro. Nunca ninguém fez isso em arte

12. Faziam tentativas de sugerir o infinito através de Tromp'Oleil (engana olho), com perspectiva e profundidade ilusórios. Tinha a função de aumentar ilusoriamente os espaços e conseguir o infinito. Os palácios pareciam imensos e redondos. Eles faziam pinturas nas quinas das paredes para dar a impressão de serem arredondadas. 13. Usavam muitas escadas, jogos de luz e muitas fontes. Tinham gosto pelo teatral. Era como se fosse um cenário.

O Barroco tem muito exagero, muito fausto, muita riqueza. Libera muita emoção na gente. O Barroco abraçou tantas ramificações artísticas que somente 200 anos atrás é que os historiadores chamaram esse acontecimento, no seu conjunto, de arte Barroca. Era uma mistura tão grande de estilo renascentista, egípcio, grego, etc, que ficou difícil definir na época o estilo Barroco. Temos os Barroco da Corte, das comunidades católicas e protestantes. O Barroco foi uma reforma na contra-reforma. Os países protestantes também a incorporaram por ter sido um movimento muito forte e bonito. O Barroco surgiu após a teoria de Copérnico que vai mudar para sempre o lugar do Homem no universo. A Terra, segundo Copérnico, é que se move ao redor do sol, não é mais o centro do universo. O Homem não é mais o único propósito da criação. O Barroco vai surgir nessa época com essa nova concepção, com novo sentimento de autorespeito, de orgulho. Isso tudo refletirá na arte ao saber que o Homem fazia parte de um mundo infinito, mostrando assim essas idéias através de luzes exageradas, impetuosas, em diagonal, como se realmente estivessem exprimindo o infinito. A História da arte mostra sempre o contexto do momento em que se está vivenciando. Ela abrange o campo científico, histórico, econômico e social. A época Barroca foi a de maior liberação do ver, do sentir e da intuição. A arte Barroca é a arte que passa a reconhecer que “A regra é apenas uma norma, jamais uma lei". Picasso séculos mais tarde disse: "Na arte não existe regra de beleza. Beleza é o que o instinto e o cérebro vai reconhecer como belo". 63

Fatos importantes que marcaram na época do Barroco A Inglaterra faz tratado de defesa com a Holanda em 1608 Em 1609- A Espanha reconhece a independência da Holanda. (A Espanha perde a Holanda). Em 1650- A Inglaterra importa chá da Índia, quebrando uma série de monopólios. Em 1656- começa a fabricação de meias (bem trabalhadas) em Paris. A Europa comprar meias só em Paris. Em 1626 a 1648- Acontece a guerra dos 30 anos que vai mudar muito a Europa. Em 1694- Estabelecimento do banco mais importante da Europa, o Banco da Inglaterra. Em 1675- surge o observatório de Greenwitch. Em 1678- vai ser reconhecido na França a profissão de cozinheiro-mor (tão importante como advogado). Depois cai a lei e retorna só em 1900. O cozinheiromor e confeiteiro-mor trabalham para o rei. Em 1679, na Inglaterra é criada a lei "ABIAS CORPUS" . BARROCO EM FLANDRES (Bélgica e Antuérpia) Pintura Flamenga é uma pintura de Flandres, jamais Espanhola. Na Bélgica se fala flamengo e francês. A pintura de Flandres vai ser muito importante no início do século XVII. O sul dos países baixos (Bélgica) continuava sobre o domínio Espanhol. É por esse fato que se usou o nome Flamengo, devido ao domínio espanhol que existia lá. Era o território mais rico dos espanhóis e que por ser espanhol continuava no seio da igreja católica. A pintura vai ser sobre a religião católica. A Aristocracia e a Igreja patrocinaram muito as artes e contribuíram muito para o surgimento do estilo Flamengo. Flandres recebeu muito bem o Barroco na pintura, menos na arquitetura. Os Flamengos viam no Barroco um pretexto para os ornamentos. Sendo assim, os edifícios na praça principal de Bruxelas é gótica na arquitetura, estrutura. Os ornamentos e a decoração externa é 64 passa a

Barroca. Para não demolir a estrutura, eles a deixavam por trás e enfeitavam com dourados e volutas na frente. As casas da Holanda também tem estrutura gótica e barroco nos ornamentos da frente. A arquitetura belga e holandesa é gótica e a decoração tanto externa como interna Barroca. BARROCO NA HOLANDA As províncias do norte dos países Baixos (Holanda), também tinham pintura Flamenga. Eram os países pobres da escola Flamenga. No século XVII os Holandeses eram protestantes quase não vai aparecendo pintura religiosa. É uma enorme mudança que ocorre na História da Arte. Rembrandt, por exemplo, sempre teve sua inspiração nas escrituras. Só que os temas que escolhia eram baseados no que ele via. Ele tinha que colocar o contexto das escrituras mas sempre no que ele via. O tema vai ter liberdade total. Vai pintar sobre as pessoas que convive no dia a dia. Caravaggio vai usar o "santo" enquanto que Rembrandt vai usar o homem do povo. Os Holandeses guerrearam contra a Espanha para não aceitar o catolicismo. Eles venceram e permaneceram protestantes. Eles tanto lutaram que ilustraram mais sobre essas guerras, combates do que a fé protestante. O tema da pintura Holandesa portanto será sobre essa guerra que participaram. Vermeer pintou muito também sobre a realidade do cotidiano. Jamais veremos uma pintura Holandesa com cenas mitológicas, cenas históricas ou abstratas (liberdade, fé). As pinturas de Rubens sobre a religião católica, idéias abstratas sobre a fé e liberdade, só foram feitas sob encomenda. O Holandês não vai pintar nada mitológico. Pintavam retratos das pessoas e tudo o que fazia parte da vida daquela pessoa na obra. Os burgueses viviam em casas confortáveis mas bem menores que as nossas. Não gostavam de viver em palácios. É por isso que não se encontra muitos palácios na Holanda. Não eram faustosos e a obra de arte tinha que ser pequena para caber nas casas em que viviam. Eram portanto pinturas pequenas que retratavam o cotidiano da época. A Holanda era um país próspero, o povo era muito trabalhador e tinha uma imensa indústria leiteira que abastecia toda a Europa. Sabiam construir muito bem barcos os quais eram vendidos e utilizados para navegar por todo o mundo. Tinham também monopólio do comércio das especiarias. Essas especiarias é que conservavam os gêneros alimentícios. Quando os navios faziam longas viagens a carne era conservada através desses condimentos. Era considerado fino ter um boi em casa conservado por condimentos. Rembrandt tem uma obra que mostra uma moça abrindo a porta e olhando para o boi pendurado. RESUMO: . Barroco na França - faustoso . Barroco na Itália - ligado ao catolicismo 65

Igreja de São Carlos das 4 pontes . repleta de ouro. escadarias. França Versailles. Igreja de São Lourenço em Turim. na Espanha. Holanda A grande praça em Bruxelas tem estrutura gótica e a decoração barroca. Obs. É cenográfica com sua ampla escadaria na frente. próximo de Viena. inclusive a decoração é quase Rococó. PRINCIPAIS OBRAS ARQUITETÔNICAS DO ESTILO BARROCO NA EUROPA E NA AMÉRICA: Itália Roma . Roma. Palácio de Brera. Igreja de Santa Maria da Saúde em Veneza. Obs.Roma. Amsterdã também é igual. Antigo colégio dos Jesuítas. Igreja de Santo André do Quirinau em Roma . árvores em diagonal. à beira do Danúbio. A galeria dos espelhos e o imenso pátio com esculturas que não eram famosas. Palácio principal de Viena.Em 1645.: A catedral de Milão é gótica e não barroca e a catedral de São Pedro é da época do renascimento. Parece dourada. é de 1630. na fachada tem frontões. construído em 1668. Espanha Palácio Real de Madrid é interno e externamente barroco.construída por Bernini. frontão grego. com suas fontes. A primeira igreja católica barroca foi construída em Roma e recebeu o nome "Il Gesú".: A parte central da fachada nas Igrejas barrocas são sempre mais ricas que as laterais. lagos. Monastério de Melk.: A arte Barroca Francesa é muito inspirada no classicismo. Brujes. escultor e arquiteto grego da época clássica. na arte de Fídeas. portais ricamente esculpidos no estilo barroco. frisos. na praça do Mercado as casas tem frontões pontiagudos.. colunas.na Bélgica (chamada de Veneza do Norte). em Milão. na Itália. É barroco mais tardio. sua construção começou em 1717 e terminou em 1737. Obs. 66 . Petit Trianon. Igreja de São Carlos Borromeu em Viena. volutas.de 1680. A Praça Maior em Salamanca. Vão ter colunas.planta de Borromini em 1667 . Igreja de Santo Inácio . Praça de São Pedro e colunatas em frente a Basílica . Áustria. arcos. volutas.Igreja "Il Gesú" construída entre 1568 até 1577.Construídos entre 1656 a 1665. Igreja de 4 andares. Capela dos inválidos em Paris . Tem reentrâncias e muita forma côncavo-convexo.

em Olinda Convento e Igreja de Santo Antônio. BRASIL: Igreja de São Francisco de Salvador Ordem Terceira de Salvador Catedral de Belém Igreja do Rosário. Tinha um temperamento muito impetuoso e mulherengo. Igreja de São Domingos no México. Estudou muito sobre a Bíblia. Não soube quem era seu pai. É hoje considerado pela "estética da arte" como pintor naturalista. Igreja da Companhia de Jesus em Cusco. Ficou muito pobre e muito doente. com sífilis.: os apóstolos eram representados como trabalhadores comuns (o que eles realmente eram). 67 . Caravaggio praticamente fechou o ciclo dos pintores italianos não aparecendo depois nenhum outro pintor importante. Após seu falecimento. em Vitória Igreja da Ordem Terceira do Carmo. Ele cobrava seus quadros muito caro e gastava fácil o dinheiro com presentes.Portugal Santuário de Bom Jesus de Monte Braga. Pintou muitas encomendas religiosas de uma forma nada convencional para a época. No século XVIII Caravaggio "saiu de moda". Brigou com padres e bispos se indispondo com a igreja católica. em João Pessoa Igreja e Mosteiro de São Bento. Era como se os eventos sagrados acontecessem naquele momento. México Catedral do México City. Queria pintar a realidade tal como ele a via. no Rio de Janeiro MICHELÂNGELO DE CARAVAGGIO Nasceu em Milão no ano de 1573 e morreu em 1610. mulheres e bebidas. trabalhadores braçais. Caravaggio foi muito briguento. Não tinha o menor respeito pela beleza idealizada pois ela tinha que ser verdadeira. em Recife Igreja Nossa Senhora das Neves. Ex. Era pintado de forma muito real. porque pintava o natural e não o idealizado. apesar do seu estilo barroco. achavam que sua pintura era estranha e a sua fama só voltou no século XIX quando foi considerado um dos maiores pintores Barrocos. É chamado pintor naturalista do estilo barroco.

Todos os quadros que ele pintou retratando os dois. Chegou a colecionar obras de arte e até antigüidades. Começou a pintar. Foi morar em Amsterdã. É um dos maiores pintores da história da arte. na universidade de Leyden.PETER PAUL RUBENS (1577/1640). jóias. Durante sua vida artística sempre retratou a si mesmo por diversas vezes em várias épocas de sua vida. mas não tinha tempo para se dedicar. Era como se fosse um cônsul belga. e passava isso para sua pintura. Ganhou muito dinheiro. No segundo casamento sua esposa tinha somente 16 anos e foi uma paixão que durou até a sua morte. REMBRANDT VAN RIJN (1606-1669) Nasceu na cidade de Leyden (cidade das tulipas e da porcelana azul e branca). Fazia amizade com todos. Não fez nenhuma mulher magra. Rubens casou-se 2 vezes. muito bonitas e cheias de vitalidade. Tinha mais encomenda do que podia dar conta. Era muito intelectual e mantinha correspondência em latim com todos os intelectuais da Europa. Morreu rico. Pintou muito e prosperou bastante. Comprou uma belíssima casa. Era muito mais sensual do que místico. onde só formava pintores. No primeiro casamento sua esposa morreu quando ele tinha 52 anos. Teve fama em vida como nenhum pintor já tivera. Foi quase um diplomata. 68 . sensual. Era uma arte que estimulava a pompa e o esplendor dos palácios barrocos. Era arqueólogo. maltratada. Cada um era encarregado de uma especialidade na pintura como. Foi considerado o maior pintor holandês. cabelos. como ele mesmo dizia. Ele fazia o desenho e depois terminava o quadro pintando o rosto e as mãos dando uma unidade geral da obra. decorativa e teatral. Tinha muita facilidade com cores e com isso vai pintar muito bem o "nu". Rubens pintava os palácios e as igrejas. jóias. saúde e força. ele se pintava como se tivesse somente 30 anos. Tudo o que pintava era com perfeição. não muito cedo. não tendo nada de misticismo. Volta à Antuérpia com 30 anos. Classe média bem situada. porisso ficava atualizado com as descobertas através das correspondências. ainda em vida. na Holanda. Abriu uma oficina de arte com 200 auxiliares. roupas. No Louvre ele tem uma sala só com seus quadros. Sofreu influência no começo de sua carreira do pintor Michelângelo de Caravaggio. Foi o protótipo do pintor barroco. Fazia as mulheres bem arredondadas. recebendo um belo dote. Bélgica. Era um homem iluminado. Pintava o que era faustoso. Com isso ele teve milhões de obras. Era um homem interessante e se relacionava muito bem com os católicos e com os protestantes. roupagem. O rei da Inglaterra deu a ele o grau de cavalheiro "SIR". Era especialista em fazer o tom de pele (carnação) que parecia verdadeira. com uma alegria muito grande de viver. etc. etc. Aprendeu logo a pintar e aos 23 anos em 1600 foi para Roma (paraíso dos pintores) onde ficou estudando por 8 anos. Nasceu na Antuérpia. Foi um homem muito feliz deixando também feliz todos os que viviam ao seu redor. Casou-se com uma jovem muito rica e feia. As suas telas são cheias de vitalidade e reais. Sua pintura era bem vigorosa. Ele não fazia anotações como Leonardo da Vinci e nem era diplomata como Rubens.

a dor. Vermeer teve pouquíssimas obras e não se sabe nada sobre sua vida. tem o Vermeer na Holanda um companheiro. Buscou a ordem no interior. tintas. Rembrandt pintou muito retrato de grupo de pessoas.Em 1642 morre sua esposa e fica viúvo com muito dinheiro. Existe muito Rembrandt falsificado como o do MASP e o do Metropolitan. Foi um péssimo administrador e acabou logo com sua fortuna. depois os marrons. Pintou cenas de batalhas e voluntários da guerra. Naquela época ele tinha muitos ajudantes para pintar suas obras. É uma história de persuasão para “ganhar o paraíso ou padecer no inferno”. Lembrete: Barroco Católico: A pintura torna-se instrumento para a Igreja. As vezes ele assinava o quadro de seus alunos para que fosse vendido mais facilmente. o calor humano. Naquela época todos pintavam igual ao mestre e hoje o objetivo é cada um ter que encontrar seu caminho na pintura. Já tem o volumes 2. Apareceram 600 obras de Rembrandt. os amarelos. No final do trabalho ele integrava as cores e as pinceladas. Foi descoberto 15 anos atrás que muitas obras de Ticciano e Raphael eram de seus alunos. É estabelecer o conjunto de obras autênticas dos artistas. etc. muito limpo e arrumado. O projeto de pesquisa Rembrandt chama-se PPR. Em 1982 foi publicado o primeiro volume sobre as obras de Rembrandt e se refere as obras do período de 1625 a 1631. Obs. Os personagens tinham importância de acordo com a luz. A tinta à óleo utilizada era bem mais oleosa do que a de hoje. por exemplo o ocre ou o marrom. o que causa muita polêmica hoje em dia em seus quadros. Vai pintar os olhos penetrantes e fundos e utiliza muito os tons de sépia. Ele retrata a essência da pessoa. É por isso que encontramos hoje muitos quadros que não são realmente de Rembrandt. Barroco Protestante: Poussin. Todos esses artistas constituíram no Barroco uma tendência construtiva.: Ticciano e Raphael também assinavam as obras de seus alunos. Rembrandt tinha muitos alunos talentosos. além dos seus alunos que pintavam como ele. Perdendo o mercado e ficando pobre. 69 . no rigor de suas linhas retas. mais condizente com o puritanismo protestante ou com a mentalidade burguesa. Não vai idealizar. Na realidade seria muita obra pelo seu tempo de vida. Isso determinava aquela luminosidade. começa a namorar uma moça mais pobre ainda. Sua popularidade como pintor cai após a sua obra "Ronda da Noite". É um meio de propagação e ação. Ele pinta seus auto-retratos como se fosse um ser humano bem real. Fica tão pobre e doente que vai parar em um asilo. o sofrimento. Deixa de pintar para vender pincéis. Sistema de pintura de Rembrandt: Colocava primeiro todos os ocres. Cada aluno só pintava com uma cor. Ele fazia o desenho antes e marcava onde ia ter os pontos de luz. Os seus alunos pintavam igual à ele. Não importava em saber quais os personagens que iriam ficar no escuro.

incentivado pelo espirito bandeirístico. O BARROCO. Barroco no Sul do Brasil: Com o ouro e a prata. Barroco Clássico: É quando o Barroco mistura as artes da Grécia. Os historiadores achavam que o Renascimento por ser organizado. Depois ele vai chegar ao excesso sendo chamado de "ROCOCÓ". O barroco protestante é bem mais contido. Entre esses artistas. sem excessos e perfeito. Matriz de Santana do Parnaíba. bem mais sensual (como o de Vermeer) e bem mais contemplado. Esse sim. em São Paulo. em São Roque (séc. traria seu sentido. Matriz de São Miguel. século XVIII. Ele vai surgir no auge do Renascimento. lojas. era melhor que o Barroco. Na arquitetura predominava o maneirismo. Barroco no Campo: Vai ter outras expressões. (As missões) dos Jesuítas. no tocante. Capela da Fazenda de Santo Antônio. na Itália (Florença). gênio da musicalidade da luz. Egito. o povoamento se concentrou em Curitiba (Paranaguá). ao genes social do estilo. Vão retratar a arquitetura do campo.: O Museu do Louvre é em parte barroco com suas colunas gregas. Descobre o retrato dos camponeses e de suas vidas íntimas. não proporcionou possibilidades de atividades artísticas. OBRAS BARROCAS BRASILEIRAS: Algumas ruínas na igreja de São Miguel. Roma. não de tensão nos contrastes. em São Paulo. na França. com efeito. XVII).A existência de tal grupo de artistas levou a reconsideração de toda uma linha interpretativa no Barroco. Gente sedentária de pouca iniciativa. em Embú. Capela de Iporanga. destaca-se Vermeer. É assim chamado de barroco clássico. porque vai ter muita ligação com Roma e Grécia. que não as religiosas. tavernas. mas de harmonia nos contrastes. Nossa Senhora do Rosário. O nomadismo. quartos. é chamado pelos historiadores de "BARROCO CLÁSSICO". Vão retratar cozinhas. em São Paulo. Passou-se a considerar a existência de um barroco protestante e em seu aspecto genérico formal. O mesmo se dava em São Paulo. de um classicismo dentro do próprio barroco. Vai ter uma conotação muito forte principalmente na arquitetura que vai ser muito clássica. Obs. 70 .

Moram em casas pequenas. “clean”. Foi mal restaurada. Barroco Flamejante: O auge do Flamejante é no Gótico. em São Paulo. O móvel colonial aveludado. Países Baixos não usam Rococó. é uma versão muito mal interpretada do estilo barroco. Eles queriam enfeitar mais ainda as igrejas (as últimas que foram construídas) se inspirando muito no gótico. na arte decorativa dos mobiliários e tapeçarias. O arco botante e contra forte utilizados nas igrejas barrocas não são para dar auxílio a arquitetura.Município de Santo Ângelo no Rio Grande do Sul. que vai relatar sobre as Missiones). porque é limpo. Versailles é de estilo Rococó por dentro e tem por fora uma arquitetura clássica barroca. Igreja de São Vicente. Ruínas da igreja "Missiones". Pátio do Colégio. em Itanhaém. Estilo colonial significa que vem das colônias portuguesas. Obs. Não existe a pintura Rococó porque este estilo só vai aparecer na decoração e no interior das casas. O ROCOCÓ só vai ocorrer na França. Parati é toda barroca. O Flamejante surge no final do barroco em Roma. em adornos. mas sim para decorar. Galpões das fazendas também são do estilo barroco. Igreja de Nossa Senhora. Roma não vai ter Rococó nem em igrejas e nem em lugares públicos. um pouco antes do Rococó. 71 . Igreja de São Francisco. Só vai acontecer em Roma. Toda igreja gótica tem contraforte e arco botante. (Ler o livro "O tempo e o vento" de Érico Veríssimo. em São Paulo. de 1554. Na Áustria e na Alemanha não chegou a ter o barroco clássico. com raras exceções. Áustria e Alemanha vão estilo Rococó na parte interna das casas. em São Paulo. Igreja de Embú.: Colonial e Barroco é a mesma coisa. São burgueses e muito práticos.

mal-humorado. É muito diferente do David de Michelângelo. Bernini e Borromini são o auge da escultura e arquitetura barroca em Roma. Nos quatro cantos tem muita escultura de anjos e atrás tem um vitral iluminado. “Santa Teresa” foi uma grande santa na época da contra-reforma. É plasticamente perfeito. mulherengo. É uma arquitetura fantástica e difícil para ser executada com a tecnologia da época. Quieto. 72 . Obra prima de Bernini: Capela Carnaro onde está o "Êxtase de Santa Teresa". Grande projeto de Borromini: Igreja de São Carlos (com 4 fontes). Bernini também fez a escultura de David sem o “Golias” de forma tão perfeita que você percebe a falta dele. O telhado dessa igreja é côncava e convexa. Nesta mesma praça se encontra a Embaixada Brasileira. É uma obra em aberto. pois a obra é perfeita e não tem o que terminar. Embaixo do tabernáculo se encontra o Túmulo de São Pedro.DOIS ARQUITETOS MUITO IMPORTANTES DA ITÁLIA: BERNINI (1598-1680) Foi o maior arquiteto e escultor do seu tempo. sozinho. Borromini e Bernini eram amigos e confidentes. Bernini era um homem simpático. Já o David de Bernini é humano. BORROMINI Era o oposto de Bernini. em Roma. O barroco deixa a obra em aberto para que você a conclua. A decoração é barroca. Quem trabalhou na cúpula foi Michelângelo. também de estilo barroco. Borromini fica tão deprimido que acaba suicidando-se. Bernini fez o Tabernáculo que se encontra no fundo da Basílica de São Pedro. Outra obra: Piazza Navona com uma fonte maravilhosa. bonitão. Emocionalmente instável o que o levou ao suicídio. Tem arcabouço e cúpula renascentistas. impávido. charmoso. Borromini depressivo foi distanciando-se de Bernini. Não tinham ciúmes um do outro. como se fosse de borracha. São 4 colunas Salomônicas de Bronze. o rei dos reis. em Roma. Todas as construções em Roma eram feitas eles. na Igreja de Santa Maria de La Vitória. Trabalhou muito na Basílica de São Pedro. Como essa igreja demorou muito para ser construída ela passou por diversos artistas em diferentes épocas. No renascimento não existe essa abertura. Não interfere com o resto. que é renascentista e barroca. muito reservado. Tem no centro um obelisco egípcio e muitas luzes. fechado. falante e conquistava a todos.

PINTORES BARROCOS JAN VERMEER VAN DELT (1632 a 1675) Nasceu no Delta. Morreu cedo aos 43 anos. Não pintou muitos quadros, mas o que pintou foi considerado obra-prima. Pintou figuras bem simples com tarefas singelas como: limpar, tocar, varrer, olhar. Mulheres em seus afazeres domésticos e sempre no interior das casas holandesas. Consegue o milagre de transformar essas cenas através de texturas, cores e formas, como se fossem velhos retratos. Ele suaviza os contornos, dá muita luz e serenidade nas suas obras. Dá muito Recollection. Pinta o que ele vê. Não se sabe sobre a vida do Vermeer os livros não chegaram à um consenso. Usavam óleo e têmpera no Barroco. DIEGO RODRIGUES DA SILVA Y VELÁSQUEZ Sofreu grande influência do Caravaggio. Quando ele tinha 20 anos pintou sua famosa tela "O Aguadeiro de Sevilla". Perceberam daí que ele era um gênio por ser tão jovem e pintar tão bem. Fica muito amigo de Rubens que percebe o seu talento sugere a ele então que vá estudar em Roma. Visitou os museus de pintura em Roma para estudar os grandes mestres. Foi ver o que Michelângelo e Raphael tinham feito. Descobre que não tem muito o que aprender lá. Em 1630 passou 1 ano em Roma e voltou logo à Madri. Em Madri é nomeado pintor da Corte de Felipe IV. Vai ficar em Madri até o fim de sua vida. Sua tarefa era pintar os membros da corte de Felipe IV cuja família era muito feia e se vestiam muito mal. Eram considerados "cafonas". Ele transforma esses retratos em pinturas fascinantes, captando até a personalidade das pessoas retratadas. Vai empregar muita luz em seus quadros. Sua pintura tem um realismo visual muito diferente da pintura do Renascimento. Realismo visual é a impressão geral de um objeto e não só de um detalhe. Ex.: Com uma só pincelada dava a impressão dos pelos de um cão. Vai ser o gurú dos impressionistas mais tarde. Sua pintura tem pinceladas bem largas e soltas. Seu quadro mais famoso é "As Meninas", o qual se encontra no Museu do Prado. Ele consegue retratar o momento real do tempo muito antes de inventarem a máquina fotográfica. Essa obra “As Meninas” será muito ambígua. Você não sabe se Velásquez está pintando o Rei e a Rainha ou se está pintando as meninas. Ele deixa essa dúvida de propósito. O termo "As Meninas" era usado para se referir as damas de honra na época. Esse título foi dado pelos historiadores. Após sua morte foi pintado, no peito de seu retrato, uma condecoração em sua homenagem. JORGES DE LA TOUR (1593-1652) É um pintor francês. Mestre dos efeitos luminosos. Sua pintura é muito original. Vai usar muito claro-escuro utilizando-se do efeito da vela, pintando muito rápido. Vai passar a narrativa suave do caráter transitório. Muita ternura e intimidade. Muito recollection. 73

FRANCISCO GOYA (1746-1828) Nasceu em Saragosa, na Espanha Um dos grandes pintores de todos os tempos. Obs.: A Espanha é riquíssima por pintores famosos: Ex.: Velásquez, Murilo, Goya, Dali, Picasso, Miró. Aos 13 anos foi estudar com um pintor que se chamava Don Lusar. Ele não gostava de pintar, desenhar ou fazer tintas. Decidiu participar mais das touradas não deixando a pintura. Mais tarde tentou entrar na Academia de Artes em Madri não passando nos exames. O pai fica arrasado. Tenta novamente três anos mais tarde e novamente fracassa. Arrasado e frustrado, resolve ser toureiro. Recebeu uma chifrada no joelho ficando manco por muito tempo o que impedia essa atividade. Resolveu ser pintor na Itália. Lá, passeando num campo, em frente a um convento, vai conhecer 2 freiras e se apaixona por uma delas. Vão se corresponder por carta até que resolve raptá-la. A freira amarrou um monte de lençóis e jogou por cima do muro para que ele pudesse subir. Como ele estava manco e bateu com o joelho no muro, Goya cai ao chão machucando muito a cabeça. Depois dessa tragédia toda o romance acaba por aí. Vai para a cidade de Parma, na Itália, conseguindo entrar na Academia Real da Itália. Começa a pintar já com uma certa idade. Vende muito bem as suas obras. Escreve para seu pai comunicando que estava pintando muito e ganhando dinheiro. O pai pede que ele retorne a Saragosa. Lá em Saragosa vai ter muitas encomendas como pintor. Vai à Madri onde receberá uma encomenda muito grande de pintar uma série de canvas (cartões desenhados para que as pessoas pudessem depois bordar). Era quase que industrializado, Vai pintar o povo, os jovens que eram chamados de najas (ricos da época) e que mudariam muito o comportamento social da época. Esses najas vão ditar muito a moda na época. Em 1780 ele foi eleito por unanimidade Membro da Academia de Arte de Madri (que o havia rejeitado 2 vezes). Casa-se com Josefa e começa a ter uma vida de luxo e de riqueza. Compra um cabriolé (seria um carro conversível hoje) para sua esposa desfilar. Vai comprar também muitas jóias e ações para o futuro. Tem um filho chamado Francisco Xavier Pedro. Vai ser nomeado mais tarde Pintor da Corte do Rei (título máximo). O rei da época era Carlos IV. Goya vai ter uma doença infecciosa ficando à beira da morte. Nessa época não existia a penicilina. Consegue sobreviver mas fica surdo para o resto de sua vida. Essa surdez torna-o visualmente mais agudo. Vai pintar também a Corte Espanhola. Será uma releitura de Velásquez, pintando sem compaixão toda a família do rei. A rainha parecia um abutre, as condecorações dos condecorados eram como se fossem teias de aranhas. Toda a Corte tinha olhos lacrimejantes e boca murcha. Mesmo assim eles vão adorar porque vai ter muito luxo nas roupas, muita esmeralda, muito veludo, enfim, muita suntuosidade. Eles só se importavam com o luxo. Góya acaba recebendo muitas encomendas e ganhando muito dinheiro.

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MÚSICA BARROCA:
Apareceram muitos instrumentos novos na época do barroco o que fez com que a música ficasse muito mais rica. Apareceram os conjuntos de Câmara e a Ópera que conhecemos hoje. O conjunto de Câmara tinha a mesma função que um aparelho de som tem nos dias de hoje. O instrumento mais importante que vai surgir é o violino e é com ele que vai se enriquecer a partitura. Antônio VIVALDI teve um gênero inovador, além de ter sido excelente compositor e muito habilidoso para tocar. Suas obras mais conhecidas são: Ex.: As quatro estações de Vivaldi Concerto La Stravaganzza Muitas cantatas Foi considerado, pelos críticos no século XX, o “Caravaggio” da música Barroca. É praticamente o primeiro grande compositor que surge e que vai influenciar muito os compositores posteriores de sua época. Joan Sebastian Bach, protestante, tinha paixão pelas igrejas góticas católicas e seus detalhes. É onde vai buscar inspiração para compor nesse estilo gótico (como as rosáceas, vitrais e sobre as minúcias). Foi mestre de capela, que era tão importante quanto pintor da corte. É o homem que vai reger, o maestro, o diretor. Deixou cantatas, missas, corais, "Paixão Segundo São Mateus", "A Grande Missa", "Cravo Bem Temperado", os "Concertos Braudenburguer", as "Fugas". As fugas tem um conteúdo psicológico, não significando uma fuga dos problemas, mas sim uma fuga da perda de um sentimento, uma emoção, com inteligência, com consciência. Uma fuga dos empecilhos emocionais. É a consciência livre, solta, uma fuga sem perdas, "deixando tudo para trás numa boa". Haendel, alemão, é o próprio compositor barroco. A sua obra é monumental, forte. Fez a obra "Doze Concertos de Gross". Hayden, compositor refinadíssimo que compôs sonatas, quartetos, sinfonias. Começou a tocar em Conjunto de Câmaras nas casas dos nobres, como mero tocador. Fez a "Sinfonia de Londres" e o "Quarteto do Imperador" que foi utilizado, em parte, no Hino Nacional da Alemanha.

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a "Ópera Don Giovanni". As esculturas de barro eram cozidas em forno de pão. Vai ser uma busca para novos estilos. "Em busca do tempo perdido". É o final de Versailles. Os missionários aqui no Brasil traziam artistas da Europa ou treinavam a mão de obra escrava. volta ao passado. Tem gênero melancólico. Frei Agostinho de Jesus nasceu na Bahia e foi educado em Portugal. XX e XXI. Fez muita escultura em madeira que aprendeu em Portugal. enquanto os brasileiros em barro. etc. quando houve a mudança da capital do Brasil para o Rio de Janeiro. Frei Agostinho de Jesus (1600-1661) O museu de Arte Sacra de São Paulo tem suas obras. Dois grandes escultores Brasileiros do século XVII são: Frei Agostinho da Piedade (1620-1661). Era Austríaco e tocava desde os 5 anos. gênio que apareceu no Rococó (final do barroco). A Igreja da Bahia. o barroco que estava no auge já estava sendo abandonado e estavam começando o neoclassicismo.de Prússel (?) vai ser descrito sobre os séculos XVII. Nessa época os portugueses esculpiam em madeira. XIX. A mão de obra vai ser brasileira. XVIII. porque Rococó é o final do barroco. Nessa época o mundo perde as coisas fortes como o prazer. dos próprios índios. para depois começar a corrida no século XX pelas máquinas. Criou tudo o que foi possível em música. o prazer de viver.Mozart. "Requiém" que é muito lindo e triste. indústrias. Naquela época onde existia tempo para pintar a Capela Sixtina em 5 anos ou Velásquez 4 anos para pintar "As meninas". BARROCO BRASILEIRO O Barroco no Brasil atingiu seu apogeu em 1763. Frei Agostinho de Jesus circulou muito no Rio de Janeiro e São Paulo. a doçura de viver. porque os índios e os negros vão construir igrejas. É uma busca do tempo perdido onde cada 50 anos vai valer 500. Obras: Sinfonias. foram muitas delas restauradas pelos brasileiros. com a independência do Brasil. 76 . trabalhou muito com barro. esculturas. "Concerto em Dó Menor". O que existia em madeira vinha de Portugal. para serem artistas também. depois que os Holandeses foram expulsos do nordeste (Pernambuco) e as igrejas destruídas pela invasão. A música de Mozart foi elaborada numa época de despedida. "Concerto em Ré Menor". Sua composição começa a sugerir um mundo que começa e uma outra forma de viver. Em 1822.

O escritor Fernando Sabino (mineiro) escreveu para Carlos Drummond de Andrade um texto sobre o povo mineiro. em Salvador é toda barroca (de Lisboa). de navio. Quase todos os materiais de construção eram importados. Outras levaram quase 50 anos para ficarem prontas por falta de mão de obra qualificada. músicos e intelectuais começaram a chegar no porto do Rio de Janeiro. em Santos. Às vezes traziam uma igreja quase inteira. com muitas luzes. é lindíssima e levou quase 100 anos para ser feita. Nesse livro ele explica tudo isso e se refere sobre a mata atlântica como uma “muralha”. onde o material chegava de navio. Tudo é bem pensado para que você sinta emoção. AS 3 FASES BARROCAS COLONIAIS: A primeira fase ocorre na descoberta do Brasil. do ano de 1554.Ex. na sua pintura e arquitetura um estilo diferenciado. Barroco no Rio de Janeiro: no princípio o Rio de Janeiro era quase um vilarejo e quando abriram a estrada do caminho novo que ligou Minas Gerais ao Porto do Rio de Janeiro. É dramática. O mineiro. Livro recomendado: "A Muralha" de Inácio de Queirós. arquitetos. da tarde tem um coral cantando. como pode ser visto na Igreja Nossa Senhora do Carmo. Mostra a dificuldade dos bandeirantes no transporte do material. as igrejas barrocas começaram a serem construídas de forma diferente do barroco mineiro. O exterior é simples e o interior é riquíssimo. Quase todas as construções grandes foram feitas no Rio de Janeiro. Artistas plásticos. principalmente o mineiro. A Igreja de São Francisco. Às 6 hs. Ela começa bem simples e vai se sofisticando a medida que chega material. não existia essa dificuldade. mudando completamente a vila. 77 .: A primeira Igreja do Brasil é a do Pátio do Colégio em São Paulo.: A igreja de Olinda foi restaurada na época (+/-) 400 anos atrás. que era montada aqui. interessante e se diferencia completamente dos outros. feita por um arquiteto português chamado Francisco Xavier de Brito. Tinham uma dificuldade muito grande no transporte do material de São Vicente para São Paulo. Nosso estilo forte é o feito em barro. cheia de movimento como todo estilo barroco. Ao redor do Porto. Ex. Entre os anos 1600 a 1800. começou a escoar todo o ouro pelo porto. resultando em construções mais ricas na região. com muitos entalhes. vai ter no seu trabalho. Com isso o barroco nordestino vai ter uma influência muito grande de Portugal. que é um povo diferente. A Igreja da Ordem Terceira de São Francisco. A cidade vai se tornar o centro cultural do país. O Barroco Mineiro é forte. As primeiras construções barrocas tinham linhas mais estilizadas devido ao pouco material que conseguiam para a construção.

das imagens. As ordens religiosas Carmelitas. Eram venezianas "quadradinhas" que avançavam um pouco para frente como se fossem "Bay window". que o barroco mineiro extrai sua força e originalidade. Ex. Depois dos 14 anos elas podiam ir sem véu e com o cabelo solto para poder arrumar pretendentes. Na Nave. Mariana. Existia uma hierarquia. Outra característica é que ele vai pouco a pouco se transformando num estilo representativo dos anseios do povo. As jovens dentro de casa podiam ver através dessas janelas. na igreja mineira. antes dos 14 anos. menos monumental. tendo grande influência entre eles. Essas janelas vão aparecer até no nordeste. a grosso modo. As jovens. Na América Latina coexistem 2 tipos de barroco: O Luso-Brasileiro e o Hispânico-Americano. na tentativa de harmonizar a vida naquele vilarejo. Tinha uma conotação social. resultado da cobiça do ouro. Foi confiada a mão de obra local dos mulatos e negros. eram levadas para a igreja com o véu ou lenço sobre seus rostos. Assim. É justamente dessa simplicidade. colocava no altar mor a irmandade. As classes sociais vão ocupar espaços diferentes na igreja. de um modo geral a irmandade Franciscana. Tudo acontecia em função do ouro. Moucharabi. Dominicanas. para todas as classes sociais. mas não podiam ser vistas. Franciscanas. Outro aspecto importante era o realismo das esculturas. O nosso barroco é diferente dos das Américas Central e Sul. dessa sóbria elegância.O auge do barroco mineiro ocorre com a descoberta de pedras preciosas e ouro em uma grande região que vai ser denominada Minas Gerais. das pinturas. que o barroco brasileiro mineiro é num todo mais rural.: A Igreja mineira. Obs. desse senso de medida e proporção. Elas se comunicavam através de bilhetes que passavam pelas frestas da janela. O sermão. Influência política que ocorre no barroco na construção ou arquitetura: Com o processo revolucionário da Inconfidência Mineira. cada uma tinha sua maneira de distribuir os fiéis na igreja. significava a influência moura ou árabe. Isso deu 78 . Em Minas Gerais o "negro" só entrava na igreja para acender as lamparinas. A divisão física da igreja mineira também difere do resto das igrejas brasileiras. era feito em uma linguagem acessível. O católico mineiro posicionou a igreja como sendo a localização geográfica mais importante do vilarejo. Era muito importante ter um lugar para ser feito o “sermão”. não rebuscada. Sabará. que vai aparecer nas casas de Ouro Preto. Por vezes os dois se aproximam. O assunto do sermão abordava os problemas atuais do momento e do local. pode-se dizer. ocorre uma vontade de dominação do povo através do ouro. por sua vez. Por esse motivo o negro vai construir sua própria igreja. mas nunca se confunde um com o outro. os homens ficavam separados das mulheres e os Balcões Laterais eram reservados para as autoridades e seus familiares. desse despojamento. menos rebuscado que o barroco do resto do Brasil.

: a Bíblia Ele esculpia com o instrumento amarrado à sua mão. Era mulato. em Mariana (cidade vizinha de Ouro Preto) e vai morrer em 1837. porque deformava com apelo à emoção. Seu estilo que é do tipo “expressionista". onde executou a maior parte de suas obras. Suas faces são castigadas sem piedade pelo Aleijadinho. Nunca estudou e nunca foi a Portugal mas era auto didata e aproveitava tudo o que existia de informações ao seu redor como ex. Aleijadinho vai trabalhar muito com o tema Inconfidência Mineira. A arte de um povo tão jovem tinha que mostrar atrevimento. Ele somente não a pintou. A pintura da Madona (que é parecida com a namorada dele) e os anjos são mulatos. Duas obras arquitetônicas de Ouro Preto são fundamentais para conhecer a arte de Aleijadinho: São Francisco de Assis: Início em 1776 e término em 1794. Viveu 26 anos em Congonhas do Campo. O altar-mor foi feito na época da Inconfidência Mineira. Era o que eles viam. foi considerado o maior estilo e artista brasileiro da época barroca. Seus dedos não caíram. sonhos e fantasias. Esses artistas são: Antônio Francisco Lisboa (Aleijadinho) que nasceu no ano de 1774. Teve esse apelido aos 50 anos de idade devido a uma doença que atrofiou e deformou os seus dedos. em Vila Rica. Deve provavelmente ter sido reumatismo deformante. A igreja foi desenhada. Cristo aparece com as mãos e pés decepados. Os anjos vão ser os meninos robustos que trabalhavam nas ladeiras. Os púlpitos são colocados na entrada da capela-mor. 79 . O teto foi pintado por Manuel da Costa Athaíde que vai fazer uma pintura lindíssima com pássaros. Manuel da Costa Athaíde que nasceu no ano de 1762. São caras bem distorcidas. tem na garganta uma corda e o coração está sangrando. Esculpia em cedro e em pedra sabão. Os flageladores e perseguidores de Cristo são ridicularizados por pobres e ignorantes. Quem pintava era Athaíde (grande arquiteto também). construída e decorada somente por Aleijadinho. não premeditado.oportunidade aos artistas de trabalharem com esse material e utilizar o barroco como forma criativa e original para expor seus desejos. Isso é feito na época em que Tiradentes foi decepado e esquartejado. Jeremias tem os pés presos no grilhão. Na época usava-se o termo "encarnar" que significava o mesmo que pintar. Era o oposto da Europa. As pilastras são substituídas por colunas nas fachadas. Tudo era baseado no povo. Era um fazer a arte quase que irracional. tal qual dos escravos fujões. Athaíde também era mulato e Aleijadinho era filho de escravo com Português. Os evangelistas que Aleijadinho vai esculpir tinha as feições do mandachuva da cidade. Satanás será o malfeitor da zona de prostituição.

Muda as linhas de fuga para conseguir esse efeito. É uma igreja que recebeu mais pintura do que as outras e os azulejos foram pintados por Athaíde imitando os de Portugal. A pintura é de Athaíde. Matriz Nossa Senhora do Pilar: Situada em Ouro Preto.A Nossa Senhora é vista por vários ângulos. Outro mestre mineiro: Carlos Drummond de Andrade. São os doze profetas feitos em pedra-sabão. Não tinha importância. É como se fosse uma mãe. a afirmação austera e firme do poder da grandeza dos povos humildes e porque ele é universal na sua arte. São Gregório. Existem cupins (que atacam pedras) e estão destruindo tudo. com apelo maternal. porque Aleijadinho é no tempo e na história. que escreveu o Barroco Mineiro: Trecho onde se refere a entrada da Igreja em Congonhas do Campo: "Não entrarei Senhor no Templo Seu Frontispício me basta Vossas flores e querubins Já são matéria de muito amar". Quem fez o projeto foi Aleijadinho que somente iria orientar a obra. pai de Aleijadinho e terminada pelo próprio Aleijadinho. o seio bem modelado e não sensual. tem doçura na carne. etc. Chafariz do Conto. Santo Ambrósio e São Jerônimo. acabava às vezes num caricatural do expressionismo. no Santuário do Senhor Bom Jesus do Matosinho. Todos são expressionistas e feitos em madeira pelo Aleijadinho. no Adro da igreja (entrada). Aleijadinho achava que a pintura deveria ser diferente da pintura Portuguesa. Ele é o símbolo dessa verdade simples. por falta de tempo. é sereno. Essa igreja foi desenhada por Manuel Francisco Lisboa. Ele vai mudar até a perspectiva para que pudesse ser vista por todos. de Athaíde. da Ponte. belíssima. Este era o modo típico de expressão de Aleijadinho. pois era uma arte barroca. Nossa Senhora do Carmo é uma Igreja muito importante. Chafariz de Ouro Preto: Não se encontra na Europa. Foi toda pintada por Manuel da Costa Athaíde. 80 . Eles foram portanto refeitos. No plano da arte não existe homens pequenos e grandes. nações fortes e fracas. tem banco para sentar e namorar. O Arco-cruzeiro que está na frente é atribuído também a Aleijadinho. em qualquer ponto da igreja. O expressionismo tradicional no Brasil. Você a vê como uma mulher do povo. Aleijadinho não detalhava os pés e nada da cintura para baixo. Este trabalho se encontra ao relento. O rosto da Santa. carnudo. segundo a sugestão de Aleijadinho. São de tamanho natural e "encarnados" (pintados) por Athaíde. em que o artista (sem escola) se improvisava no esforço de alcançar o jeito de exprimir um sentimento. toda feita de pedra cantareira. Desenhada pelo pai de Aleijadinho. A cada canto da abóbada dessa igreja. tem uma grande figura como São Agostinho. Essas pedras são todas de tonalidade cinza. de Dirceu e Marília (recebe este nome por estar em frente a casa do casal). Conjunto de 66 figuras de madeira: São os Passos da Paixão e ficam em capelinhas de madeira também ao relento. sugerindo a Athaíde que mudasse os azulejos. Ele também não tinha dinheiro para investir tanto. Congonhas do Campo: Guarda o maior conjunto artístico criado pelo mestre Aleijadinho. pedrasabão e itacolomi.

(1692-1766). a luz difusa inundou os interiores por meio de numerosas janelas e o relevo abrupto das superfícies deu lugar a texturas suaves. caráter intimista. Vigoroso até o advento da reação neoclássica. 81 . responsável pela abadia beneditina de Ottobeuren. O termo deriva do francês rocaille. o centro artístico da Europa transferiu-se de Roma para Paris. entre 1700 e 1780. responsável por vários edifícios na Baviera. Surgido na França com a obra do decorador Pierre Lepautre. que significa "embrechado". pastorais. mais leve e intimista que aquele e usado inicialmente em decoração de interiores.ROCOCÓ Rococó é o estilo artístico que surgiu na França como desdobramento do barroco. Restaurou dezenas de igrejas. bizarro. Os temas utilizados eram cenas eróticas ou galantes da vida cortesã (as fêtes galantes) e da mitologia. técnica de incrustação de conchas e fragmentos de vidro utilizadas originariamente na decoração de grutas artificiais. mosteiros e palácios. alusões ao teatro italiano da época. por volta de 1770. difundiu-se principalmente na parte católica da Alemanha. Desenvolveu-se na Europa do século XVIII. · Possui leveza. Principais características: · Cores vivas foram substituídas por tons pastéis. Características gerais: · Uso abundante de formas curvas e pela profusão de elementos decorativos. e da arquitetura disseminou-se para todas as artes. Na França. ARQUITETURA Durante o Iluminismo. elegância. com maior graça e intimidade. na Prússia e em Portugal. Grande mestre do estilo rococó. Nos primeiros anos do século XVIII. tais como conchas. frivolidade e exuberante. marco do rococó bávaro. laços e flores. motivos religiosos e farta estilização naturalista do mundo vegetal em ornatos e molduras. alegria. o rococó era a princípio apenas um novo estilo decorativo. Principal Artista: Johann Michael Fischer. o rococó foi a principal corrente da arte e da arquitetura pós-barroca. o rococó é também chamado estilo Luís XV e Luís XVI. · A estrutura das construções ganhou leveza e o espaço interno foi unificado.

paisagens ("O casario de Issei") e cenas de interior ("O pintor em seu estúdio"). o rococó francês ficou restrito às artes decorativas e teve pequeno impacto na escultura e pintura francesas. membro de um grupo de famílias de mestres da moldagem no estuque. ao contrário do que ocorreu na arquitetura. (1684-1721). PINTURA Durante muito tempo. quer estilisticamente. (1709-1772). escultor alemão. de cenas galantes em paisagens idílicas. caracterizado por uma arte alegre e sensual. Principais Artistas: Johann Michael Feichtmayr. e um dos mais antigos precursores do impressionismo. 82 . Os grandes grupos coordenados dão lugar a figuras isoladas. distinguiu-se pela criação de santos e anjos de grande tamanho. (1703-1770). que dessa maneira contribuem para o equilíbrio geral da decoração interior das igrejas. escultor alemão. que durante muito tempo obscureceu a verdadeira contribuição do artista para a pintura do século XIX. Fragonard destacou-se principalmente como pintor do amor e da natureza. mas a alegre descontração do estilo rococó. Jean-Honoré Fragonard . em que se afirmou o predomínio político e cultural da França sobre o resto da Europa. alguns retratos. "Anunciação". "Pietà". Foi um dos últimos expoentes do período rococó. quer cronológica. apareceram as primeiras pinturas rococós sob influência da técnica de Rubens. não é possível traçar uma clara linha divisória entre o barroco e o rococó. François Boucher. No final do reinado de Luís XIV. "Anjo da guarda". as expressões ingênuas e maliciosas de suas numerosas figuras de deusas e ninfas em trajes sugestivos e atitudes graciosas e sensuais não evocavam a solenidade clássica. as figuras e cenas de Watteau se converteram em modelos de um estilo bastante copiado. Suas esculturas eram em geral feitas em madeira e a seguir policromadas. Mais do que nas peças esculpidas. Principais Artistas: Antoine Watteau. sempre com grande perfeição no desenho. (1725-1775). Ignaz Günther. cada uma com existência própria e individual.ESCULTURA Na escultura e na pintura da Europa oriental e central. é em sua disposição dentro da arquitetura que se manifesta o espírito rococó. desenhista e retratista de talento. obras-primas dos interiores rococós. (1732-1806). Além dos quadros de caráter mitológico. um dos maiores representantes do estilo rococó na Alemanha. pintou.

Pintam fatos históricos. É o começo dos tempos modernos da história da Arte. como se fosse um grego. Todos são néo-clássicos. depois o gosto geral de se vestir. sujeição aos modelos e às regras ensinadas nas escolas ou academias de belas-artes. que dessem brioches à eles.NEOCLASSICISMO No final do século XVIII. o povo são os vencedores. que esquecem dos detalhes. o néo-gótico. sobre a literatura medieval e sobre a mitologia. quase que caricaturista. Principais características: * retorno ao passado. Por esse motivo temos o néo-classicismo. que vai aparecer no mobiliário. Foram descobertas nessa época. Vai cair a "Maria Antonieta" quando diz ao povo. pela imitação dos modelos antigos greco-latinos. isto é. Na época do néo-classicismo. * arte entendida como imitação da natureza. temos como conseqüência a mudança do estilo na arte. piora um pouco a arte. Começam a usar as formas gregas e góticas nas construções. Como exemplo vai surgir o Néo-classicismo na Inglaterra com as construções de castelos néo-góticos. o "Arco do Triunfo" (mandado ser construído por Napoleão). nas roupas. Abandonando o estilo barroco que era trabalhoso. As pinturas que eram "encáusticas". Os pintores imitam as esculturas na suas pinturas. A escultura grega na Itália era feita sem os olhos. um recomeçar. O néo-clássico vai copiar o clássico e ao adaptar à sua época. de comer. 83 . com suas virtudes. Obs. Em Paris vão construir a Igreja "La Madeleine". por toda Europa e resto do mundo. Os pintores achavam que as esculturas gregas não tinham olhar de propósito e não que fosse devido a uma destruição do tempo. Napoleão pede para ser pintado com a mão no bolso. vai surgir o espírito dos tempos modernos. etc. à base de cera. através das escavações.: As esculturas gregas originais quando feitas em mármore tinham os olhos pintados e quando feitas em bronze tinham pedras para decorar os olhos. por sua vez. foi derretendo com o tempo. * academicismo nos temas e nas técnicas. O pintor néo-clássico. com a Revolução Francesa. No renascimento existe uma renovação da antigüidade. Grécia. isto é. pintou Napoleão sem os olhos. O pintor néo-clássico fica tão ligado ao clássico. onde a burguesia. que estava morrendo de fome. Surge o estilo Império. Com a revolução francesa eles se achavam a própria encarnação dos heróis gregos e romanos. num verdadeiro culto à teoria de Aristóteles. Com o passar dos tempos os cristãos tiraram as pedras preciosas dos olhos das esculturas que então ficaram sem o olhar. Tudo isso vem como conseqüência da revolução. as cidades de Pompéia e Herculano. Todos ficam muito ligados a Roma. levando-o a uma pintura pejorativa. Pintam cenas de arqueologia e cenas heróicas.

ARQUITETURA Tanto nas construções civis quanto nas religiosas. e não o retórico e inflamado Delacroix. em Paris. Ingres passou a vida brigando contra a vanguarda artística francesa representada pelo pintor romântico Eugène Delacroix. principalmente no gosto pelo poder e na sua confiança na individualidade. em Berlim. no ano de 79 a. * Exatidão nos contornos * Harmonia do colorido Os maiores representantes da pintura neoclássica são. os historiadores de arte acreditavam que os edifícios gregos eram recobertos com mármore branco.foi considerado o pintor da Revolução Francesa. ele afirmava. na recusa a produzir qualquer julgamento moral a respeito deles. mestre inegável do equilíbrio da composição. repetia a seus alunos.C. além de composições mitológicas e literárias. registrou fatos históricos ligados à vida do imperador. o mais revolucionário dos dois. sem dúvida. foram cobertas pelas lavas do vulcão Vesúvio. Ingres acreditava qua a tarefa primordial da arte era produzir quadros históricos. Diante daquelas construções. Ardoroso defensor da pureza das formas. Suas obras geralmente expressam um vibrante realismo. flores e jóias. nus. sobretudo em Rafael. Jean-Auguste-Dominique Ingres (1780-1867). retratos e paisagens. Para seu conhecimento: Forte influência da arquitetura neoclássica foi a descoberta arqueológica das cidades italianas de Pompéia e Herculano que. Seus retratos são invariavelmente enriquecidos com mantos aveludados. contudo foi Ingres. ocasionando a construção de tantos edifícios brancos. Amante declarado da tradição. Jacques-Louis David . A modernidade de Ingres está justamente na visão distanciada que tinha de sue retratados. Durante o governo de Napoleão. mais tarde. o pintor foi uma espécie de cronista visual da sociedade de seu tempo. Obra destacada: Bonaparte atravessando os Alpes e Morte de Marat. e a Porta do Brandemburgo. PINTURA A pintura desse período foi inspirada principalmente na escultura clássica grega e na pintura renascentista italiana. mas algumas delas exprimem fortes emoções. Características da pintura: * Formalismo na composição. " A pincelada deve ser tão fina como a casca de uma cebola". que desenhar uma linha perfeita era muito mais importante do que colorir. transformada depois no Panteão Nacional. numa época em que se consumava o processo de aliança entre a nobreza e a burguesia. 84 . Exemplos dessa arquitetura são a igreja de Santa Genoveva. tornou-se o pintor oficial do Império de Napoleão. por exemplo. Ingres soube registrar a fisionomia da classe burguesa do seu tempo.. mas a crítica moderna vê nos retratos e nus o seu trabalho mais admirável. O detalhismo também é uma das suas marcas registradas. a arquitetura neoclássica seguiu o modelo dos templos greco-romanos ou o das edificações do Renascimento italiano. num erro de interpretação. Exemplo: Casa Branca dos Estados Unidos. Sua obra abrange. rendas. refletindo racionalismo dominante.

traduziu-se essa expectativa na Declaração dos Direitos do Homem e do Cidadão.O século XIX foi agitado por fortes mudanças sociais. menos razão. forte. Características gerais: * a valorização dos sentimentos e da imaginação. Pregam a liberdade individual acima de regras e de normas. Vão escrever muito sobre a lenda do Rei Artur. Mais cor e menos desenho. Amam os gregos também. Obra Destacada: Edifício do Parlamento Inglês PINTURA Características da pintura: * Aproximação das formas barrocas.ROMANTISMO A palavra vem de romance. * a valorização da natureza como princípios da criação artística. Escreviam não em latim. a permanência do estilo anterior. ARQUITETURA E ESCULTURA A escultura e a arquitetura registram pouca novidade. Pintam muitas paisagens. e * Dramaticidade 85 . Igualdade e Fraternidade. Vez por outra retomou-se o estilo gótico da época medieval. * Valorização das cores e do claro-escuro. Tem mais liberdade e menos regras que o néo-clássico. o neoclássico. o amor. gerando o neogótico. A essência do romantismo é a glorificação dos instintos. a violência. provocando a divisão do trabalho e o início da especialização da mão-deobra. Em nome do romance. pitoresca. o poder. profunda veneração à natureza. políticas e culturais causadas por acontecimentos do final do século XVIII que foram a Revolução Industrial que gerou novos inventos com o objetivo de solucionar os problemas técnicos decorrentes do aumento de produção. Os artistas românticos procuraram se libertar das convenções acadêmicas em favor da livre expressão da personalidade do artista. Mais sentimentos. mas em língua românica. eles adoram a liberdade. * o nacionalismo. Tudo é muito romântico e assim lidam com a emoção pela emoção. em que os direitos individuais fossem respeitados. Observa-se. grosso modo. e * os sentimentos do presente tais como: Liberdade. e pela Revolução Francesa que lutava por uma sociedade mais harmônica. História das aventuras medievais. * Composição em diagonal sugerindo instabilidade e dinamismo ao observador. a atividade artística tornou-se complexa. O propósito dos artistas românticos era a volta à natureza sublime. Do mesmo modo. O pintor vai ser muito dramático e emotivo. O belo para eles é muito relativo e individual.

os horrores da guerra. O comportamento romântico caracteriza-se pelo sonho. dono de uma língua ferina. Trabalhou temas diversos: retratos de personalidades da corte espanhola e de pessoas do povo. Obras destacadas: Chuva. Culto.Temas da pintura: * Fatos reais da história nacional e contemporânea da vida dos artistas. Para seu conhecimento: A palavra romantismo designa uma maneira de se comportar. "A principal qualidade de um quadro é ser uma festa para os olhos". Espanha. admirado pelo poeta Charles Baudelaire e indiferente às demais celebridades de seu tempo. mas por meio do estudo da luz que a natureza reflete. de agir. inimigo do romancista Honoré de Balzac. 86 . Assistiu à ascensão e queda de Napoleão Bonaparte. finalmente. e * Mitologia Grega Principais artistas: Goya . a restauração da dinastia dos Bourbon e. das luzes e das sombras. a entronização do rei Luís Felipe. de interpretar a realidade. seres deformados. Goya e sua mitologia povoada por sonhos e pesadelos. Eugène Delacroix (1798-1863). Uma das primeiras vezes que a arte registra a presença da máquina (locomotiva). escreveu na derradeira nota de seus famosos diários. menos de dois meses antes de morrer. procurou descrever certa atmosfera da paisagem. Obra destacada: Os Fuzilamentos de 3 de maio de 1808. Representava assuntos abstratos personificando-os (alegorias). em 1746. o pintor viveu a maior parte da vida jovem e adulta num mundo que voltava aos poucos à antiga ordem natural das coisas. por uma atitude emotiva diante das coisas e esse comportamento pode ocorrer em qualquer tempo da história. Morreu em Bordeaux. foi feito por inspiração do movimento que levou Luís Felipe ao trono da França. Senhor absoluto da caricatura do seu tempo. a ação incompreensível de monstros. cenas históricas e as lutas pela liberdade. Delacroix tinha noção da própria grandeza. aquele em que a burguesia revolucionária colhia os frutos de seu triunfo sobre a monarquia dos reis Capeto.Nasceu no pequeno povoado de Fuendetodos. Amigo do compositor Frèderic Chopin. muitas vezes tomado como um símbolo das lutas populares e republicanas. tons opressivos. Nascido num momento crucial da História da França. suas obras apresentam forte comprometimento político e o valor da pintura é assegurado pelo uso das cores. Turner . dando-nos a sensação de grande movimentação.representou grandes movimentos da natureza. em 1828. Veneza. rico e namorador. em 1963. em 1830. Vapor e Velocidade e O Grande Canal. * Natureza revelando um dinamismo equivalente as emoções humanas. Seu quadro mais conhecido A Liberdade Guiando o Povo.

como a mitologia. assumindo muitas vezes uma intenção política em suas obras. Obras destacadas: Balzac. Entre 1850 e 1900 surge nas artes européias. hospitais e moradias. escolas. tanto para os operários quanto para a nova burguesia. REALISMO Aparece quando o romantismo está no auge. os escultores preferiam os temas contemporâneos.não se preocupou com a idealização da realidade. que se desenvolveu ao lado da crescente industrialização das sociedades.Romantismo designa uma tendência geral da vida e da arte. Não existem temas abstratos para o realista. Gustavo Eiffel levanta. Além disso. Ao contrário. ferroviárias. bibliotecas. a Torre Eiffel. Elas precisam de fábricas. etc. PINTURA Características da pintura: * Representação da realidade com a mesma objetividade com que um cientista estuda um 87 . deixando de lado as visões subjetivas e emotivas da realidade. Sua característica principal é a fixação do momento significativo de um gesto humano. portanto. lojas. um estilo delimitado no tempo. inclusive em suas criações artísticas. criadas pela industrialização. nomeia um sistema. As cidades não exigem mais ricos palácios e templos. Em 1889. em Paris. armazéns. Os Burgueses de Calais. que tinha aprendido a utilizar o conhecimento científico e a técnica para interpretar e dominar a natureza convenceu-se de que precisava ser realista. uma nova tendência estética chamada Realismo. procurou recriar os seres tais como eles são. hoje logotipo da "Cidade Luz". sobretudo na pintura francesa. estações. São características gerais: * o cientificismo * a valorização do objeto * o sóbrio e o minucioso * a expressão da realidade e dos aspectos descritivos ARQUITETURA Os arquitetos e engenheiros procuram responder adequadamente às novas necessidades urbanas. O homem europeu. ESCULTURA Auguste Rodin . O Beijo e O Pensador.

fenômeno da natureza.foi considerado o criador do realismo social na pintura. próximo à Paris. como era a natureza. o relâmpago. pois a beleza está na realidade tal qual ela é. ESCOLA DE BARBIZON Barbizon era um vilarejo nas bordas da floresta de Fontaineblaux. * Ao artista não cabe "melhorar" artisticamente a natureza. Jean-François Millet. Essa obra vai ser reproduzida muitas vezes. Temas da pintura: * Politização: a arte passa a ser um meio para denunciar uma ordem social que consideram injusta. O grande pilar dessa escola é MILLET que vai pintar "Angelus". Seus numerosos desenhos de paisagens influenciaram. As pessoas das classes menos favorecidas .) e também gostam muito da burguesia e quase todos os artistas também são burgueses. Passam o dia pintando na floresta. "Angelus". Foi educado num meio de profunda religiosidade e respeito pela natureza. Obra destacada: Moças Peneirando o Trigo. que são duas pessoas rezando à tarde. * Revelação dos aspectos mais característicos e expressivos da realidade. a fealdade. A escola de Barbizon é muito importante porque vai ser a primeira vez que vão pintar ao ar livre antes do impressionismo. em resumo . sensível observador da vida campestre. a vulgaridade dos tipos que pintavam. Os artistas incorporavam a rudeza. final de dia. Todos os artistas de Barbizon admiram profundamente a arte Holandesa (da época barroca. principalmente das classes populares. Em arte. Manifesta sua simpatia particular pelos trabalhadores e pelos homens mais pobres da sociedade no século XIX. por exemplo. pois procurou retratar em suas telas temas da vida cotidiana. Trabalhou na lavoura desde muito cedo. e. Principais pintores: Courbet . mais tarde. sendo quase que científica a sua forma de pensar. 88 .o povo. Vermeer. Pintam muito o outono com sua luz dourada fantástica. * Pintura social denunciando as injustiças e as imensas desigualdades entre a miséria dos trabalhadores e a opulência da burguesia. Alguns pintores do romantismo vão pintar ao ar livre para ver como cai o granizo. Pintam muitas paisagens modestas. Barbizon vai querer empregar a luz pela primeira vez. Heróis que nada têm a ver com os idealizados heróis da pintura romântica. ou seja o pintor buscava representar o mundo de maneira documental. a arte manifesta um protesto em favor dos oprimidos.tornaram-se assunto freqüente da pintura realista. etc. elevando esses tipos à categoria de heróis. Pissarro e Van Gogh. criou uma obra realista na qual o principal elemento é a ligação atávica do homem com a terra. É o caso. tem um duplo movimento. Rembrandt. a chuva.

seivadores.Millet nasceu camponês e vai pintar semeadores. ocorreram bem próximos num movimento de 100 anos. A partir de 1855 é que o pintor começa a pintar o que sente. 89 . O termo Realismo significa um estilo de época que predominou na segunda metade do século XIX. republicano. Vai pintar o rio. Para seu conhecimento Courbet dizia: "Sou democrata. Pinta paisagens. amigo da verdade e verdadeiro" A palavra realismo designa uma maneira de agir. A paisagem barroca era encomendada aqui na escola de Barbizon. Esses pintores vão participar de uma exposição universal em 1855. mas sendo o personagem em segundo plano e a paisagem em primeiro. realista. É considerado o pintor mais importante da Escola de Barbizon. A escola de Barbizon é um estilo que significa "ao ar livre". DAUMIER: Também pinta camponeses. não só por encomenda. por uma atitude racional das coisas pode ocorrer em qualquer tempo da história. de interpretar a realidade. COROT: Outro grande pintor da escola. O néo-classicismo. Esse comportamento caracteriza-se pela objetividade. romantismo e realismo. como a água corre. bem próximo ao impressionismo cujo primeiro quadro surgiria em 1874. socialista. às vezes introduzindo um cachorro ou uma pessoa no meio da paisagem. Vão pintar paisagens e são aceitos na exposição universal em Paris. É a primeira vez que a paisagem é reconhecida como obra de arte.

É o observador que. * Os contrastes de luz e sombra devem ser obtidos de acordo com a lei das cores complementares. de ser técnica para se óptica. muito mais práticas do que teóricas. definir suas metas. obtendo o resultado final. como os pintores costumavam representá-las no passado. A primeira vez que o público teve contato com a obra dos impressionistas foi numa exposição coletiva realizada em Paris. em abril de 1874. e não escuras ou pretas. Mas o público e a crítica reagiram muito mal ao novo movimento. ao admirar a pintura. Edward Manet. discutir suas idéias. Principais características da pintura: * A pintura deve registrar as tonalidades que os objetos adquirem ao refletir a luz solar num determinado momento. * As sombras devem ser luminosas e coloridas. pois ainda se mantinham fiéis aos princípios acadêmicos da pintura. A mistura deixa. Fez duas telas: "Olimpiá" (sobre as prostitutas) e cujo tema chocava o público e "O almoço na relva" (onde os homens se encontravam com as mulheres) causando um escândalo na época. dependendo da incidência da luz do sol. devem ser puras e dissociadas nos quadros em pequenas pinceladas. 90 . Pelo contrário. que os artistas seguiam em seus procedimentos técnicos para obter os resultados que caracterizaram a pintura impressionista. * As figuras não devem ter contornos nítidos.IMPRESSIONISMO O Impressionismo foi um movimento artístico que revolucionou profundamente a pintura e deu início às grandes tendências da arte do século XX. foi eleito o chefe desse movimento que estava se iniciando. que era o mais tradicionalista. pois a linha é uma abstração do ser humano para representar imagens. Havia algumas considerações gerais. tal como é a impressão visual que nos causam. HISTÓRIA DO IMPRESSIONISMO O Café Guerbois era o local onde os impressionistas se encontravam para bater papo. Assim. pois as cores da natureza se modificam constantemente. Ele foi o mais atacado pela crítica e pelo público. combina as várias cores. um amarelo próximo a um violeta produz uma impressão de luz e de sombra muito mais real do que o claro-escuro tão valorizado pelos pintores barrocos. portanto. * As cores e tonalidades não devem ser obtidas pela mistura das tintas na paleta do pintor. dentre os pintores impressionistas.

4. Imperava a máquina fotográfica. Nas suas pinturas vão empregar o caráter inacabado. Desaparecem os contornos das figuras. mutável das coisas. O pintor sai do atelier e vai pintar ao ar livre (acaba o “posar”). Muita luz e amarelo. 91 . A forma é dada pela cor. O Impressionismo é definido como tentativa inédita de pegar a realidade da luz. O efêmero. O impressionismo é inovador não só da prática ao ar livre. Passaram a fotografar tudo ao ar livre. 11. A fotografia vai ser importante nesse momento. Diante disso o artista teve que repensar seu momento para mudar sua arte. o reflexo como a luz e a fumaça e as nuvens são usadas constantemente. Mistura ótica das cores. pois provocaram uma verdadeira revolução na Arte. com todos esses conceitos. foi a solução que abriu definitivamente novos horizontes para a Arte Moderna. sem qualquer regra. de substituir tudo por coisas novas e industrializadas. O homem percebe que sua existência é uma luta. Ele passa a ter consciência do caráter transitório. os barrocos é que a descobriram. O Impressionismo. 7. Para os impressionistas a natureza não é um material de reflexão. Os Impressionistas captam esse aspecto transitório da vida e do mundo. 3.O aprimoramento técnico em todos os setores do desenvolvimento industrial imperava o desejo do novo. 9. Vão fazer poucos detalhes. 10. PRINCIPAIS CONCEITOS DO IMPRESSIONISMO 1. 6. Eles nunca tiveram a pretensão de descobrir a luz. Uso da temática japonesa. Tentam entrar nos salões e são impedidos. Pinceladas bem amplas porque o tempo é escasso. Liberdade para captar. mas também no seu método de trabalho. é fonte imediata de sensações. 12. Vão inventar a máquina fotográfica portátil. Muita luz e sombra. Resolvem fazer um salão só para eles que vai ser denominado de "O salão dos recusados". 2. Vão lutar 30 anos para serem aceitos. Os valores mudam completamente. as impressões do momento. o fugaz. 8. Eles começam a pintar mais o que SENTEM do que o que eles VÊEM. 5. uma competição. É retirado o preto da palheta. O maior pintor Impressionista é Claude Monet.

é o "Triunfo do Espírito de Análise". De um modo geral. aquele olhar que capta tudo. pelos impressionistas. O imaginário é super importante. através de uma série de coisas. O impressionismo não é uma reprodução servil da realidade. A paisagem torna-se aquele "pega no ar". O motivo é captado quase que anarquicamente pelo primeiro olhar. que foram os que mais sofreram influência japonesa. em sua pintura. ele apenas a sugere. popular. etc. (maçãs embaladas em papel. eles retiraram todos os conhecimentos dos japoneses. também colocou elementos da pintura japonesa como o biombo japonês com pássaros e flores. Eles achavam que os japoneses tinham uma arte mais decorativa do que considerada como um estilo. A arte japonesa era uma arte pitoresca. Manet. JAPONISMO NO IMPRESSIONISMO: A casa de Claude Monet era inteirinha decorada pela pintura japonesa que estava no auge. uma cultura nova. requintada e lendária (de muitos séculos). Ele vão fazer a composição com o objetivo de registrar o momento. Em 1862 foram abertos os armazéns do Porto de Desoye. Os impressionistas já tinham a técnica inovadora. Como os impressionistas eram artistas de vanguarda. Foi um modismo da época. Achavam que o Japão era um povo diferenciado. etc. na história da arte. acinzentadas e muita montanha. Para a pintura japonesa o tema não é tão importante. 92 . uma técnica nova. etc. Esta arte japonesa vai influenciar pintores como Manet. que é transitório. por exemplo. Os artistas impressionistas descobriram o Japão por eles próprios. O tempo é o que importa e o que pela primeira vez foi representado. A forma de perspectiva japonesa “perspectiva em corte de viés” vai ser usada algumas vezes por Van Gogh e Degas. É uma simplificação idealista das perspectivas na superfície do quadro. Eles utilizam cores leves. Os impressionistas vão extrair. a montanha da pintura japonesa e colocar na pintura deles como uma recordação. onde os navios começaram a chegar com as mercadorias estrangeiras. Monet. Degas e Van Gogh. um Samurai.Eles renunciaram a visão das formas que nós temos e a substituíram por um método em que o imaginário tem sempre um papel a desempenhar. A originalidade impressionista de captar o instante é chamada de "A Impressão Primeira". É uma obra em aberto. eles ficavam muito impressionados pelo novo. Os portos do Japão foram abertos e começou a chegar muitos produtos japoneses.).

Na época. no Salon des Refusés (Salão dos Recusados). Jamais teve uma contemplação passiva com a natureza. ingressou no ateliê de Thomas Couture e. com o momento. o júri do Salão da Academia Real rejeitou o quadro "Déjeuner sur l'herbe". chocados com a presença de uma mulher nua em meio a homens vestidos. no instante em que isso acontecia e da maneira como o olho percebia. Foi então melhorando seu desenho e 93 . Nasceu em Paris. Em 1874. A liberdade. em junho de 1849. demonstrou interesse pelo desenho. em 23 de janeiro de 1832. com a liberdade. embarcou com destino ao Rio de Janeiro. instalou seu próprio ateliê. o quadro provocou violenta reação dos críticos. Manet casou-se com Suzanne Leenhoff em 1863. "O pífaro". o horizonte foi muito importante na sua formação. então. Em dezembro de 1848. seus pais finalmente aceitaram sua carreira de pintor. No Salão de 1865. Tinha uma mania de fazer caricaturas em seu caderno desde os 7 anos de idade. A breve passagem pela cidade está documentada nas cartas que enviou do Brasil a seus familiares na França.PRINCIPAIS ARTISTAS ÉDOUARD MANET Édouard Manet nasceu em Paris. Não foi aluno brilhante na escola. Quando ele tinha 5 anos a família foi morar no porto de Le Havre. foi exposto no ateliê de Manet. Já no colégio Rollin. preferia ficar na praia. Tinha uma forma de ver e sentir a dinâmica do tempo como nenhum outro pintor impressionista teve. como aprendiz de piloto. onde o mar vai assumir muita importância para ele. onde fez os primeiros estudos. Foi aí que aconteceu a segunda guerra mundial. cena ao ar livre que reúne figuras da sociedade parisiense do segundo império. Manet morreu em Paris em 30 de abril de 1883. Tinha uma relação muito ativa e dinâmica com a obra de arte. onde provocou a admiração dos jovens pintores que mais tarde integrariam o grupo impressionista. Manet se alistou na guarda nacional. No início da guerra franco-prussiana de 1870. CLAUDE MONET: Nasceu em 1840 e morreu em 1926. a tela "Olympia" provocou novo escândalo. após seis anos. A preocupação dele foi sempre reter na tela o sol. Após regressar à França. a obra do pintor finalmente obteve reconhecimento. Em 1859. com o instante. começou a pintar cenas de hipódromos. No ano seguinte. Após a exposição realizada em sua memória. No ano seguinte. mas a família rejeitou sua pretensão de tornar-se pintor. entre elas "As corridas de Longchamp". Embora inspirado em obras de antigos mestres como Giorgione e Rafael. Taunay no livro No Rio de Janeiro de Dom Pedro II (1947). a água. o infinito do mar. rejeitado pelo Salão. "Música nas Tulherias". Em 1863. Aprendeu a vibrar com a paisagem. o vento. pintou "O bebedor de absinto" e. filho de um comerciante de especiarias (que hoje seria um empresário). Émile Zola publicou então um artigo em que o elogiava. Manet a expôs. tornou-se amigo de Claude Monet e outros pintores impressionistas. em 1862. traduzidas e comentadas por Afonso de E. obra revolucionária para os padrões da época.

Passa a fazer até caricaturas nos bares. Nessa época aconteceu a guerra franco-prussiana. A partir daí eles começaram a trabalhar “o que era impressionismo”. Criava galinhas. Não quis seguir nenhuma profissão que o pai escolhera para ele. Desta vez Monet passa a cobrar dos marinheiros pois não os conhecia (10 a 20 francos por caricatura). Vai praticamente sustentar Monet que vai pinta muitos quadros para ele. Vai decidir estudar no "Atelier Suíço". Monet estava tão pobre a ponto de quase não ter o que comer. com exceção de Basile que morreu na guerra da Prússia. para estudar na escola de Belas Artes de Paris. como Monet já tinha lutado na guerra anteriormente. queijo e uma plantinha para fazer o seu jardim. Monet passa por dificuldades financeiras quando nasce nessa época o seu primeiro filho Jean. os marinheiros também se interessaram e pediram então a ele que também fizesse caricaturas. Conheceu também Coubert (pintor Realista). Vai estudar muito as obras de Constable e Turner. mas achou uma escola muito acadêmica. 94 . Os seus amigos ajudavam dando comida para ele sobreviver. Como não deram atenção. Vai conhecer um comerciante de arte riquíssimo. não ter dinheiro para pegar uma condução para visitar a esposa no Hospital que tinha dado a luz. O “Atelier Suíço” era uma escola de vanguarda. conseguiu entrar. em Argenteuil. onde ficou super depressivo. Monet vai pedir para que todos levassem flores. sem exames e de ensino muito informal. Ele é banqueiro. Voltando da Argélia foi para a casa dos pais para se recuperar e onde decidiu voltar logo à Paris. que vai dar apoio substancial aos impressionistas. Renoir. muito aberta e livre. Manet se reuniam para pintar na casa de Monet. onde se empolga muito com o trabalho de Rembrandt. costume que os franceses não tinham. O fundamental para os impressionistas era usar as cores amarelo. etc. Monet passa a convidar gente para ir à casa dele. Lá ele conheceu Pissarro que foram pintar juntos em Mont Martre (onde os pintores pintavam muito). francês. Em Paris volta a pintar e nessa época vai conhecer Renoir e Sisley. chamado Paul Duran Ruel. Com 17 anos decidiu ser pintor. Foi nessa época interrompido pelo serviço militar tendo que ir para Argélia. Holanda com o trem Maria-fumaça. onde vai passar frio e fome. ele resolve então casar com Camille. Não cobrava dos amigos. Em 1866 pintou uma moça que achou muito bonita chamada Camille e expôs o quadro obtendo muito sucesso. laranja e verde). cada uma de uma cor. Vai pintar o Parlamento em Londres (Renoir também pintou o parlamento). Na França vai morar as margens do Sena a poucos quilômetros de Paris. pato. Todos os domingos os chamados rebeldes como: Pissarro.passando a receber encomendas de mais caricaturas. azul e vermelho (cores primárias) e as cores complementares (roxo. Sisley. Ele ficou tão desesperado que tentou o suicídio para que a sua família percebesse o seu problema. Em 1859 Monet leva uma carta de apresentação de uma tia (que pintava mal). E. O dinheiro que arrecadava comprava mais material para sua pintura. O pai incentiva-o a ir estudar em Paris. para o próximo encontro. Monet antes de voltar à Paris passará pela Bélgica. Os pais voltam a dar ajuda financeira até que Monet (de classe média alta) vai viver com uma modelo de classe social bem modesta. Prestou um exame. No cais de Le Havre. messenas. Os pais não gostando dessa situação vai cortar novamente a ajuda financeira. Cada um levava uma alimento como: pão. vai pegar sua esposa e filho e fugir para Londres. Começa a construir seu primeiro jardim. Quando seu pai descobriu cortou sua mesada. Na Bélgica vai gostar mais do trabalho de Rubens. crítico.

Essa obsessão das cores complementares vai acontecer quando vão pintar ao ar livre. As cores complementares virão sempre ao lado das cores primárias. e todo aquele envolvimento que o trem faz. as Ninféias. "Quando o artista Monet toma plena consciência da importância da atmosfera. O que importa para Monet é ver a luminosidade. Vai ser uma característica muito típica da linguagem impressionista. que tinha sumido. em uma exposição na Rússia. as brumas. obras bem claras. pintando ao contrário. As sombras vão ser obtidas mediante o emprego das cores complementares. Passa a ser muito mais interessante a atmosfera do que a paisagem. que eram amigos da família de Monet. vai a falência. Vai 95 . Eles vêem a natureza com a mente além dos olhos. Constrói um jardim de estilo normando maravilhoso. Resolvem pintar também em outros lugares como na Cote d'Arzur. o lugar. Fica feliz com o nascimento de seu segundo filho e nesta época também está ganhando melhor. a temperatura. Monet percebeu que as sombras não eram simplesmente áreas mais escuras. Kandinski com essa influência do Monet consegue se desenvolver para o abstrato. Ele vai expor 56 telas na galeria do Duran Ruel sendo quando quase um sucesso (pois não vendeu todas as telas). Depois de deixar o trem. comprando muitas obras durante 3 anos. Resolve comprar o terreno do outro lado da estrada em frente a casa. Só que 1 ano depois em 1879 morre sua esposa. Em 1875 conheceu um milionário chamado Hoscheder que vai ajudá-lo muito. Ao ar livre a cor do objeto muda muito em função da atmosfera que filtra a luz e permite o reflexo. Quando vai ao campo. quando suas obras são mais alegres. A situação pessoal dele tinha altos e baixos. de repente pode ser uma leve sugestão. Kandinski fica muito encantado ao ver os quadros de feno de Monet. onde é inverno e de uma tristeza profunda. mas sombras com tonalidades diferentes e não mais só de uma cor. Começa a viver lá com os filhos que tinha e com a mulher e filhos de Hoscheder. bonitas e suas composições são melhores. Um dia passando por Rouen encontra uma casinha encantadora em Giverny. Monet faz uma série de quadros de feno e outra série de pinturas. É a busca do tempo perdido. Percebe que tem que viajar ao longo do tempo.As cores complementares vão ser um dogma para os impressionistas. ou as pessoas. Vai pintar em uma plataforma numa estação de trem para ver o trem sair e chegar. O seu trabalho mais importante dessa época chama-se "Rua da Aldeia". O que a pouco tinha uma forma volumosa. do momento. A atmosfera muda o tempo todo conforme a hora. Hoje você passa por baixo dessa estrada por um túnel. Monet passa a pintar mais em Giverny e a ganhar mais. Monet vai sair de Paris e Hoscheder e sua família. Fica muito encantado com aquela pintura que dava a impressão de feno. bem iluminadas. Vai melhorando e aumentando a casa. deixando-o muito deprimido. ele prefere focalizar o mesmo ambiente nas diferentes horas do dia". Pinta cada vez mais e vai visitar Cezanne em L'Staque e depois Renoir. festivas. sendo quase que uma abstração do conteúdo. deixa de viajar ao longo do espaço para viajar ao longo do tempo. Durante 30 anos Monet vai morar em Giverny pintando a mesma coisa. Todos moravam ali por perto. Em 1878 nasce seu segundo filho Michael. pega uma charrete e volta para Giverny onde vai compra aquela casa. etc. pois vai refletir a tristeza que sentia pela morte de sua esposa. Monet vai deixar de escurecer as sombras. Já não interessa tanto percorrer o rio Sena a fim de pintar as diversas situações que aconteciam as suas margens. Constrói um jardim oriental aquático do lado de lá. Vai pintar muito pouco e obras bem tristes. O artista vai se ligar muito na atmosfera. Vão tirar da paleta o preto e quase todas as terras como: terra-de-siena.

por sua beleza e sensualidade. 96 . Monet e Bazille. evidente na longa série Banhistas. Morreu no sul da França. idoso. Aluga uma casinha em frente a Catedral para pintá-la em suas variações durante o dia. Desde o princípio sua obra foi influenciada pelo sensualismo e pela elegância do rococó. Ele fica muito rico. onde faz o maior sucesso. conquistou a amizade de Sisley. Um político francês fica encantado com seu trabalho e a partir de 1896 Monet é considerado o mais famoso pintor dos impressionistas.de fato. etc. com quem compartilhou dias de muita conversa e teorização em Paris e de árduo trabalho em Argenteuil. Renoir nunca deixou de dar importância à forma . ganhando muito bem. Monet pintava o que queria. outono.pintar a Catedral de Rouen em 20 variantes no verão. telas. Sua obra de maior impacto é O Baile no Moulin de la Galette. “Monet buscou sempre a luz em movimento em uma atmosfera mágica”. no qual se voltou para uma pintura mais figurativa. era conseguir realizar uma obra agradável aos olhos. na cidade de Cagnes-sur-Mer. Mais tarde retomaria a plenitude da cor e recuperaria sua pincelada enérgica e ligeira. Renoir vai pintar as encomendas da família do banqueiro e as meninas no piano. inverno. em que conseguiu elaborar uma atmosfera de vivacidade e alegria à sombra refrescante de algumas árvores. Em 1900 Renoir foi nomeado Cavalheiro da Legião de Honra. nada o afasta de seu trabalho. Em 1896 vai expor essas pinturas na Galeria Duran Ruel. Monet pintava o que gostava. ofício que aprendeu numa escola noturna. Seu principal objetivo. AUGUSTE RENOIR De origem humilde. Começou a pintar a série das ninféias no ano de 1899. Apesar de sua técnica ser essencialmente impressionista. Monet era mais aberto e por isso vai ser um pintor quase que contemporâneo. Assistindo às aulas no ateliê de Gleyre. Renoir (1841-1919) começou muito cedo a ganhar a vida como pintor de porcelana. embora não faltasse um pouco da delicadeza de seu ofício anterior como decorador de porcelana. conseguindo expor e vender. teve um período de rebeldia diante das obras de seus amigos. além de aperfeiçoar sua técnica. pintando ao ar livre. aceito publicamente antes de todos os outros pintores. Mesmo doente. Enquanto Renoir trabalhava por encomenda. São dezenas de trabalhos em estudos. buscando o impressionismo por toda a sua vida e por esse aspecto vai ser muito mais bem aceito do que o próprio Renoir. Morreu em 05 de dezembro em 1926. com motivos que lembram o mestre Ingres. aqui e ali intensamente azuis. São inesquecíveis poesias cromáticas. como ele próprio afirmava. Teve uma espécie de malária o que não diminuiu o seu trabalho.

GEOGES SEURAT Georges Pierre Seurat nasceu em 2 de dezembro de 1859 na Rue de Bondy. quando. tecnicamente falando. Em 1876 estudou a Gramática das Artes do Desenho de Charles Blanc. quase cegas. não hesitou em aplicar todas as teorias renascentistas sobre espaço e perspectiva. Nos primeiros quadros. juntamente com Aman-Jean. com a força descritiva do traço. fazendo tentativas com planos e pontos de vista inusitados. O pai. O filho tinha uma relação estreita e afetuosa com ela. nº 110. principalmente. tendentes à desmitificação da mulher. apenas uma vez por semana. fato que se reflete ainda mais em suas últimas obras. Suas obras se encontram nos museus mais importantes do mundo. ópera e corrida de cavalos. Entre os anos de 1856 e 1857.EDGAR DEGAS Nascido em uma família rica. em Le Raincy. Depois inscreveuse na Academia de Belas-Artes. Degas (1834-1917). o comerciante de tecidos Paul Haumonté-Faivre. interessado nas teorias de seus amigos do café Guerbois. o que melhor se utilizou da fotografia. Isso lhe valeu críticas e o apelido de solteirão misógino. O tema principal de suas obras se concentrou nas cenas cotidianas e íntimas do mundo feminino. fez uma série de quadros de balé. freqüentou os melhores colégios de Paris e concluiu seus estudos de direito sem dificuldade. Degas foi. Ernestine Faivre. Em fevereiro de 1878. Chrysostome-Antoine Seurat. um aluno de Jean Auguste Dominique Ingres. na École des Beaux-Arts e ingressou. A partir de 1870. Seurat é admitido. 97 . na turma de pintura de Henri Lehmann. mas ampliou depois esses critérios. Também se interessou vivamente pelos quadros de Ukiyo-e japoneses. que morava desde 1862 na Boulevard Magenta. A mãe. Entre 1875 e 1877 Seurat freqüenta o Curso de Desenho numa escola estatal noturna. em Paris. Durante o tempo da instrução escolar (1869-1876). entre outros. fez uma viagem à Itália. Todos esses temas lhe permitiram fazer experiências com a cor e o movimento e. Voltando à França entrou em contato com o grupo de impressionistas. onde assistia às aulas de Lamothe. para estudar a obra dos mestres do cinquecento. cujo pai era banqueiro. tinha sido antes oficial de diligências em La Villette. ou numa casa na La Villette. Ele estuda os antigos mestres no Louvre. Seurat é introduzido na pintura pelo seu tio materno. em 19 de março. Tinha reunido uma pequena fortuna e levou uma vida solitária como reformado na sua casa de Verão. embora tivesse continuado a se dedicar aos quadros históricos e de gênero. Visitava a família. descendia de uma família abastada da classe média Parisiense. ele também era um pintor amador. nº 60. só podia pintar com pastel. Então iniciou uma amizade com Edmond Aman-Jean. que foi aluno de Ingres. De todos os impressionistas. algo que Degas admirava em Ingres. que o escultor Justin Lequien dirigia. Monet e Renoir.

Apesar disso. vibrantes. mas queriam leválos mais longe. Suas primeiras obras tentavam captar a simplicidade da vida no campo. subjetiva. mais precisamente para Orléans. fruto. empastando ou provocando explosões. trata-se de uma pintura dramática. ao ciúme. Começou assim uma vida de viagens e boemia. Deforma-se a figura. ao medo. à prostituição. Principais características: * pesquisa no domínio psicológico.PÓS-IMPRESSIONISMO O Expressionismo é a arte do instinto. para ressaltar o sentimento. martelada. Corrente artística concentrada especialmente na Alemanha entre 1905 e 1930. No ano de 1891. é verdade que teve seguidores e que pode ser considerado o fundador do grupo Navis. que. em oposição a qualquer naturalismo. áspera. longe de poder ser enquadrada em algum movimento. * pasta grossa. mais do que um conceito artístico. que resultou numa produção artística singular e determinante das vanguardas do século XX. e não faltam cenas que mostram um erotismo natural. inesperado. em busca de novos temas. * técnica violenta: o pincel ou espátula vai e vem. Suas telas surgem carregadas da iconografia exótica do lugar. trágico e sombrio OBSERVAÇÃO: Alguns historiadores determinam para esses pintores o movimento ”Pós Impressionista”. Aos 35 anos tomou a decisão mais importante de sua vida: dedicar-se totalmente à pintura. Predominância dos valores emocionais sobre os intelectuais. As cores se estendem planas e puras sobre a superfície. como demonstra o seu famoso Cristo Amarelo. Utilizando cores irreais. dá forma plástica ao amor. à solidão. “expressando” sentimentos humanos. à miséria humana. * dinamismo improvisado. representava uma forma de pensar a pintura como filosofia de vida. algo que ele consegue com a aplicação arbitrária das cores. de 98 . * cores resplandecentes. segundo conhecidos do pintor. Em 1887 entrou para a marinha e mais tarde trabalhou na bolsa de valores. Sua obra. fazendo e refazendo. o pintor parte para o Taiti. Os três primeiros pintores abaixo estão incluídos nessa designação. quase decorativamente. fundidas ou separadas. * preferência pelo patético. Principais artistas : PAUL GAUGUIN (1848-1903) Depois de passar a infância no Peru. para se libertar dos condicionamentos da Europa. foi tão singular como a de seus amigos Van Gogh ou Cézanne. Os pintores não queriam destruir os efeitos impressionistas. abrupto. Gauguin voltou com os pais para a França.

a quem escreveu mais de 650 cartas.sua paixão pelas nativas. VINCENT VAN GOGH Nasceu em 30 de março em 1853 e morreu em 1890. Embora tenha estudado muito pouco. filosofia. Lia muito Platão. A sede principal era em Haia. mas fixou-se definitivamente na ilha Dominique. Quando eles se separam começam a se corresponder por sentirem muito a falta um do outro. teologia. Os dois sempre vão ser muito leais e amigos um com o outro. não sendo nada correspondido. Van Gogh começa a falar de arte com o irmão. Outra coisa que detesta em 99 . não se dava com ninguém. por que não deu certo e fica nervoso. Van Gogh tinha um tio que era próspero negociante em Haia. Tem um livro chamado "As cartas de Van Gogh para Théo" (para quem quiser saber muito sobre sua vida). sua cultura vem de sua autoinstrução. vivendo só 37 anos. Théo é o seu irmão. Nasceu em Zundert. A sua vida escolar foi muito fraca. e que o entendia plenamente como se fosse o outro "eu" dele. o que deixou-o muito perturbado. Vicent Van Gogh foi uma criança muito difícil. Ele se achava também muito feio. Vai se apaixonar por uma moça loira muito bonita. A moça dizia para ele que era horroroso. próximo a fronteira da Bélgica. amarelos. A família se preocupava com ele. voltou ao Taiti. Van Gogh começa a ver as reproduções dos grandes pintores. na aldeia holandesa de Brabant. Queria que ele se desse bem em alguma coisa na vida. Essa criança nasceu e morreu logo após o seu nascimento e a mãe o enterrou atrás de sua casa. É por isso que foi um grande acontecimento em sua vida. Em 1873 após esse encontro Van Gogh sai de Haia e vai trabalhar em Londres com o tio. Van Gogh foi morar e trabalhar com esse tio. etc. Em 1872 Théo (com apenas 15 anos) vai se encontrar com Van Gogh em Haia. Achava que tinha condições para se desenvolver como pintor. Esse tio teve um papel muito importante na sua vida. Quando voltou a Paris. ficando alguns dias com ele. problemática. Tudo o que se sabe sobre Van Gogh foi obtido através dessas cartas. estudando essas gravuras. as cartas que escreveu. o qual tinha o mesmo nome de Vicent Van Gogh. Van Gogh vê no Théo sua alma gêmea. em quem podia confiar. verdes e violetas. A cor adquire mais preponderância representada pelos vermelhos intensos. de gravuras e de pinturas. e a partir daí eles permanecem ligados para o resto da vida. filha do senhorio da casa onde ele está hospedado. Essa loja chamava-se Galeria Gropil com filiais em Haia. Amsterdã e Paris. tinha uma cadeia de lojas de livros de arte. mas não de escrever. seu confidente. Nasceu um ano depois que sua mãe perdeu o primeiro filho. Ele sempre andava vagando sozinho pelos bosques. apaixonando-se por arte. Ele vai primeiro para Haia trabalhar como empacotador de livros e despachos também. com cabelo espetado. extremamente solitário. Era um homem muito culto. realizou uma exposição individual na galeria de Durand-Ruel. Gostava muito de ler. Foi a primeira grande desilusão amorosa de sua vida. Cresceu sob o estigma do seu irmão morto. Van Gogh nessa época tinha 19 anos. o seu outro “eu”. Van Gogh passou a sua vida toda vendo a lápide atrás de sua casa com seu nome. Obra Destacada: Jovens Taitianas com Flores de Manga. Resolve não se apaixonar mais por ninguém. pensando. sobre os problemas da família. Em primeiro de março de 1857 nasceu seu irmão mais moço chamado Théo que vai ser o protetor de Van Gogh por toda sua vida.

Foi. Quer ser pastor de pobre e não de rico. Em 1876 ele sofre sua primeira grande crise nervosa depressiva. enquanto trabalhava vendendo gravuras na loja do seu tio. Obs. ele vai ficar extremamente místico e fervorosamente religioso. mas não adiantava dizer nada. para passar o Natal com os pais. Fica frustado por querer ser pastor e o seu pai não o entender. vai socorrê-lo. mas achava que era impossível que ele fosse tão maníaco por religião.Londres é a falta de sol. levando-o a conhecer as condições miseráveis da zona leste de Londres. Fica quase com pneumonia e Théo. ficando muito frustado e sem perspectiva para o futuro. Só que Van Gogh falava para os fregueses que comprassem as pinturas de outros pintores. onde viviam os operários. Ao invés de desistir. pois o tio era bom e só tentou ajudá-lo. Resolve voltar para a casa dos pais. Resolve ensinar francês e alemão num bairro pobre da metrópole. pois poderia seguir a carreira do pai e do avô. portanto. O seu pai era pastor. fez um curso de pastor leigo em Bruxelas. Van Gogh era muito inconstante. no Boulevard do Capuccino. A impressão sofrida fortaleceu o desejo de trabalhar com os pobres e os humildes. muitas vezes em seus sermões. Tudo o que ele fazia era extremamente exagerado. Incumbido de cobrar taxas da escola. O tio exige que ele freqüente somente a galeria dele ou que então Van Gogh vá embora. Seu tio ficava muito aborrecido por ele ir visitar as galerias concorrentes. Não gostava dos países nórdicos porque era anglo-saxão. da família. tinha crises fortes de rolar no chão (epilepsia). em Etten. 100 . Van Gogh falava que apreciava muito as outras galerias por ter outras pinturas bem diferentes e que o tio só tinha pintura acadêmica. Resolve voltar para a Inglaterra. Adora Paris e odeia o seu emprego. Em 1878 volta à Holanda. Só Théo o compreende. à parte: A obsessão pela religião parecia uma fuga da sociedade. Devido a sua crise espiritual. Escreve uma carta para o irmão dizendo que a miséria o atraía. faltava do emprego para ir visitar as outras galerias. Começa então a desavença com o tio. Tinha a alma muito parecida com a dos pintores latinos. perto de Zundert. A partir dessa sua primeira crise. julho e agosto). seu irmão. ele tinha que visitar as famílias dos estudantes. Passa a brigar com a clientela querendo impor o que ele achava. Boudelert". Van Gogh resolve ficar na galeria. Em Paris vai ler muito sobre os grandes escritores da época como "Floubert. Vai pensar o que fazer da vida. só para ver a água da chuva batendo na luz e caindo nas poças. Em Paris. porque nasceu num país que tem somente 3 meses de sol por ano (junho. O pai fica indignado com Van Gogh. suas palavras acabavam mais perturbando do que confortando os ouvintes. tudo o seduz. onde é muito mal recebido. Fica muito deslumbrado com a luz de Paris e suas ruas movimentadas. Tudo encanta. Chega a passar uma noite em Paris. que não eram vendidas na galeria de seu tio. Vai à Paris em 1875. das suas frustrações amorosas. Com 22 anos briga com o tio. Era maníaco-depressivo. Só que o seu conhecimento por línguas era deficiente. O irmão fica horrorizado. reprovado nos exames de admissão. Tornou-se assistente de um pastor metodista e começou a pregar. A família resolve ajudá-lo a estudar teologia em Amsterdã. em uma escola infantil. ver o sol e os impressionistas que estavam acontecendo.

Estava em uma profunda crise mística. Ele estava tão pobre que o dinheiro que recebia do irmão era pouco para comprar o material de pintura. Mas a família foi contra o relacionamento porque ela era viúva recente e prima. Por 2 anos não tem nada escrito que fale como ele sobreviveu esse tempo. A ligação não durou muito. Christine não o acompanhou. Passou a desenhar seus pais. a congregação o despede. "Natureza Morta com Cinco Garrafas e Tigela". Multiplicaram-se nesse período os desenhos com que retratava. distrito belga de mineração de carvão. também. Apaixona-se perdidamente por ela. em novembro de 1878. Seu pai preocupado com as condições que o filho vivia. aprendeu. Théo vai escrever que se ele continuar com essa mulher ele vai parar de mandar dinheiro para sustentá-lo. Pintou também "Camponesa Varrendo". Fica praticamente sem roupas. pobre e seus pais resolvem não ajudá-lo mais. Passa dias sem comer porque o que recebia dos pais ele dava aos pobres. as suas roupas para os pobres. meias. Em 1883 Van Gogh vai à Holanda ver seu pai que tinha uma nova paróquia e sentindo-se incompreendido foi viver em dois quartos alugados nas proximidades. Vai pintar obras fantásticas dessa prostituta. Quando ele foi para lá a sua mãe. Ele queria viver e casar com ela. Acolhido como amigo. que o adorava. Mais uma vez não deu certo sua vida amorosa. mas sabia que seria um grande pintor. os homens que trabalhavam na terra quase só para comer e. etc.Três meses depois. que era uma prima afastada. Depois do parto ela voltou a beber e Van Gogh não teve mais como ajudá-la. Perto de sua casa tinha uma viúva muito bonita chamada Kee Vos. Um dos quadros mais bonitos que vai pintar sobre ela chama-se "Tristeza". etc. Quando ele decidiu mudar-se para o campo. em suas cartas. Quando a família ficou em cima. o de desenhar diretamente temas da natureza. Théo começa a sustentá-lo a partir daí. Em abril de 1881 foi visitar Théo em Etten. em sua casa. onde passou a conviver com os mineiros. Ele sempre sabia que seria e se considerava um grande pintor. ele começa a dar tudo o que ele tem. Viajou a Courrières. Ela tinha um bebê e estava grávida de outro. dividindo o quarto com uma prostituta chamada Christine Sien. em seu estúdio. Anthon Von Rappard. Em 1882 vai morar num quarto horrível em uma casa. volta a pintar com a mesma paixão que ele teve no misticismo. distrito mineiro do norte da França. Um deles era o seu estúdio onde em 1885 vai pintar uma de suas mais famosas obras "Os Comedores de Batatas". quase não toma banho e muito sujo. agasalhos. Passou a estudar desenho em Bruxelas com um jovem estudante da Academia. foi buscá-lo de volta para a casa. Em Haia recebe um conselho de um primo artista também. mudou-se para Borinage na Bélgica. dizendo que iria pegar mal na sociedade. mas estava doente com tuberculose. porque estava afastando os pobres da Igreja. fez uma mala farta de roupas. Van Gogh. como Cristo deu tudo aos pobres. Só que a miséria que ele achou na região era muito pior do que ele pensava. Vai pintar muito o que tinha visto em Borinage. Vendo aquela pobreza. 101 . a vida daquela gente. Quando ele ficou péssimo. Ela estava começando a gostar dele. Resolve voltar para Haia. perspectiva e anatomia humana. ela pulou fora do relacionamento indo morar com os seus pais em Amsterdã. Ela o aceitou. sua irmã e camponeses em seus afazeres.

Quando chega o verão. Deve-se aproveitar sempre isso.Em 1884. Lá ele faz amizade com todo mundo. eu quero que as cores representem as minhas emoções. Fica muito amigo do proprietário do café e do tenente do exército. Van Gogh e Toulouse Lautrec que também tinha uma vida bem à parte. freqüentavam as grandes galerias. Continua a pintar como impressionista. Cidade próxima de Marsseilles. Em outubro chega Paul Gauguin para trabalhar com Van Gogh. Monet. porém. O sol do sul da França parecia explodir de tão forte e era o sol que ele chegou a pintar exatamente como era mais tarde. Teve uma paixão por Paul Gauguin onde via a coragem nele. Renoir. Mas. viviam bem. Fica impressionado com essas obras. Vai pintar o carteiro. Van Gogh destoava dos outros artistas porque os outros eram de família rica. Expor para os impressionistas ainda era um obstáculo quase intransponível. pois a cor é bela e o belo é sempre verdadeiro". de ter abandonado toda a família e tudo para morar em Taiti (?). Van Gogh sai de Paris e vai para uma cidade no sul da França chamada Arles. A luz vai iluminar os girassóis que pinta. Pede a Théo. Fica íntimo da família do carteiro. já que não consegue vender. Van Gogh entra numa fase furiosa de pintar onde vai fazer uns 300 quadros em menos de 4 meses. Van Gogh fica apaixonado pelo sol que era tão forte a ponto de perturbar as vistas. É aí que vai pintar seu primeiro auto-retrato. que gerenciava uma galeria em Mont Martre. no bairro dos intelectuais e dos artistas. O impressionismo estava no auge. Descobre a cor e escreve para o Théo: "A cor expressa algo em si. eram mais boêmios. onde fará as pinturas que mais conhecemos hoje. mudou-se novamente para França. simplesmente porque ela existe. Vai conhecer Manet. Vai de qualquer modo deixar a Holanda para sempre. Vai convidar todo mundo para viver com ele ali. Vai começar a pintar cada vez mais rápido. que ele não tinha. O primeiro que quis que morasse com ele foi Gauguin. quero que as cores representem o meu coração". Aluga um sobrado amarelo numa praça chamada "La Martine". em um apartamento muito bonito. Van Gogh não conseguia expor o que pintava. Fica encantado com a luz do impressionismo e pinta algumas obras totalmente impressionistas. Em seguida fica muito amigo de Pissarro e Paul Gauguim. ficou em Antuérpia alguns meses. Degas e achava que todos eram antipáticos e metidos. Pinta a família Rolan. Volta a Paris onde passará dois anos frutíferos entre 1886 e 1888. o padeiro. os grandes cafés e ele não. Não acreditava que não tivesse vivido lá anteriormente. que dê ajuda financeira à ele. As pinturas de Rubens estavam espalhadas pelas igrejas e museus da cidade. Resolve fazer uma colônia de artistas. Pelo histórico Van Gogh deve ter sido bissexual devido a tendência de gostar de mulheres e homens. pinta todo mundo. 102 . Resolve se matricular em uma Academia de pintura acadêmica. só serviu para ele fazer desenhos sobre nus. O sul da França para ele tinha uma equivalência com o Japão. Vai escrever: "Eu quero a luz que vem de dentro. Nessa época ainda não tinha crise nenhuma e estava pintando muitos quadros impressionistas em Arles. Disse para o seu irmão que aquela era a pátria dele e que gostaria de viver para sempre lá. Vai morar com seu irmão. O motivo talvez tenha sido a morte do seu pai ou então o desejo de estar perto do irmão que se mudara para Paris. Antes de seguir para Paris. Não chega a ficar íntimo.

Eles eram completamente diferentes. É nesse momento então que vai pintar. Gauguin jogou vinho na cara do Van Gogh e foi embora para morar em um prostíbulo. Ele se achava um grande pintor e por isso não acreditava porque não conseguia vender nada. publique sua primeira e única crítica. Acham que Van Gogh era louco e pedem para que o prefeito de Arles expulsem-no da cidade. O seu olhar era de espanto. Mandava seus quadros para Théo que não conseguia vendêlos. irritando-se muito com Van Gogh. Van Gogh pede ao irmão que o leve para um hospital psiquiátrico (não para completamente loucos) chamado Saint Paul. Vai visitar Van Gogh e faz com que um amigo seu. Cada vez que tinha uma crise e voltava muito fraco e abatido. Pintava. a morte talvez não seja a coisa mais difícil" (já começa daí a ter idéias sobre a morte). Em maio de 1889 ele fala para o Théo que não dava para viver assim e que precisava ficar um tempo maior internado para melhorar e tomar remédio. Tinha uma consciência muito grande do que tinha. Ele adorava pintar lá. Ao sair do hospital. Não gostou da cidade achando-a muito parada. Gauguin ficou muito nervoso e Van Gogh ameaçou ele com uma navalha. Van Gogh corta o lóbulo da orelha e o embrulha pedindo para entregarem à Gauguin. enfim. Eles brigavam o tempo todo. Estando tão bem no hospital em Saint Rémy. Vai para um outro hospital chamado Saint Rémy. onde irá pintar o seu quarto. Volta a trabalhar com muita fúria. na casa de Théo. todo o hospital. dono de um jornal da França. Vivia intensamente cada momento de sua vida. Um dia um pintor pontilhista chamado Signac vendo um quadro de Van Gogh. ao redor do hospital até ao anoitecer. 103 . achando que era "Deus" e que podia reformar o mundo. o seu quadro onde aparece com a orelha cortada. com as tintas. Os médicos consentiram mas com a condição de que fosse vigiado por um guarda. do seu trabalho. No meio a uma discussão feia. Vai querer sair para pintar lá fora também. muito elogiosa. no prostíbulo. Nesse momento escreve novamente para Théo: "Na vida de um artista. de mágoa. após suas crises. todas as pessoas de Arles passam a detestá-lo por isso. Van Gogh achava que tinha perdido muito tempo durante sua crise sem pintar que fora dela passava a pintar tudo muito rápido em busca do tempo perdido. Van Gogh jogou na cara do Gauguin que o Théo estava sustentando ele também. Théo vai acumulando seus quadros. Cria um clima muito negativo para ele. Ele já estava completamente expressionista distorcendo a imagem por vê-la também distorcida. volta para sua casa amarela. ainda em Arles. Os médicos deixaram que ele transformasse o seu quanto em um atelier. monótona. tem uma melancolia muito forte. Théo pergunta para o Van Gogh o que achava que deveria fazer. em frente ao espelho. Van Gogh desesperado declara que gostava muito dele e de todas as formas.Gauguin era muito organizado com tudo. Vê anjos e demônios. a janela. Começou a ter outra vez uma série de crises místicas. fica encantado. os pincéis e muito cheio de vida. Isso perturbou mais Gauguin dizendo que jamais pisaria ali novamente. próximo a Arles onde vai ficar 10 dias internado. passava a pintar muitas paisagens que agrediam pela sua violência. Van Gogh queria que Gauguin pintasse a mesma figura que ele e ficava discutindo sobre a pintura que saía diferente uma da outra. Gauguin era muito macho.

pincéis. Diz a Théo que o Dr. mas isso não ocorre. Nesse período. Gachet. com Théo segurando sua mão.Pensou que essa crítica fosse ajudar a vender algum quadro. sozinho. dois dias depois. Diz a Théo que vai cuidar dele. "Retrato do Dr. Toulouse Lautrec. retorcidos. Dr. fazem uma estrutura para ele pintar um pouco melhor. Dr. Gachet e que precisava sair para respirar. Van Gogh tinha que ter a liberdade de trabalhar ao ar livre e pintar o que quisesse para depois voltar para casa. pinta seu último quadro e dá um tiro no seu peito. Pinta mais de 200 desenhos e mais de 40 quadros a óleo em menos de 2 meses. Nessa fase Van Gogh consegue uma certa paz interior ao encontrar alguém que o compreende. Gachet estava querendo matá-lo e depois voltando atrás dizendo que não. já que é um grande artista. ainda vivo. Somente seis meses após essa publicação alguém resolve comprar o quadro "A vinha vermelha".Gachet perguntou para onde gostaria de ir e ele respondeu à “Paris”. Disse que não adiantava prendê-lo. que ele está muito feliz. acham que ele deve ter tido uma lesão cerebral ocorrida no parto. "O Trigal com Corvos". ficando em uma casa bem próxima a do Dr. Ele dizia que não poderia morrer enquanto seu irmão não chegasse. Gachet". que era muito amigo de Théo. Foi o único quadro de Van Gogh vendido durante toda sua vida. morre na presença do Dr. O médico consegue explicar que ele estava passando por uma crise dificílima e que tinha que fazer isso. No dia 29. Dr. céu incrivelmente azul. Gachet toda vez que ia a Paris trazia tintas. Sisley. vai para um campo de trigo bem próximo a sua casa. Vai confiar muito no médico. tentando socorrê-lo. amigo dos artistas e que tinha uma visão muito moderna da psiquiatria. Hoje em dia. Gachet houve o tiro e sai correndo. Pissarro. Ele tinha 37 anos. achando-o fantástico. Um dia. quando começa a ter mania de perseguição. Van Gogh não quer ver o irmão e Théo fica muito magoado. entrevista Van Gogh. Gachet. Ele não morre na hora. psiquiatra muito famoso na Europa. O médico achou que ele não devia ir sozinho e resolve acompanhá-lo até Paris onde vai encontrar Toulouse Lautrec. toda estrutura para que ele pudesse pintar. fazendo um preço especial. com um revólver na mão. descobre que era epiléptico (devido às crises em que rolava no chão) ou esquizofrênico. Van Gogh é bem recebido por ele. Van Gogh. E ele consegue colocar na tela todo aquele desespero interior. estando muito tranqüilo e lúcido. além do seu irmão. Dr. Van Gogh vai gostar muito dele. Todos violentos. Pinta seus últimos trabalhos e começa a aceitar a sua doença achando que não tinha mais jeito. Não se sabe onde se encontra esse quadro. mas Lautrec conversa com o médico pois o acha muito perturbado. Em outro dia ele entra numa crise horrível. Acaba então o momento de Paris onde ficou apenas 10 dias e volta com o médico para "Anvers". que era próximo a Saint Rémy. Em 27 de julho de 1890. Falava que gostava do Dr. num domingo ensolarado (detestava domingos onde o tempo parava e ele era muito ativo). no final de sua vida. no sul da França. escreve para Théo. Gachet fala para o Théo que a situação de Van Gogh era grave e que estava no limite da loucura. Gachet e dizendo ao seu irmão: "A miséria teve fim". ele pinta os seus famosos quadros: "Os Ciprestes". Gachet onde passa a noite fumando cachimbo esperando por seu irmão Théo. É carregado para a casa do Dr. porque além de ser maníaco-depressivo. O filho do Dr. 104 . sem guarda para tomar conta dele. notável e cheio de problemas. O sol e os grãos estavam bem dourados. telas.

Deve ter pintado mais de 1000 obras. mas que sobreviveu através de sua pintura. Mas. É chamado de pintor expressionista. dava uma textura muito grande à sua tela. como a que ele reclamava para contra balançar "a decadência do Ocidente". A HISTÓRIA DE DOIS AMIGOS Van Gogh conheceu Gauguin poucos meses antes. Teve uma fase impressionista bem curta. O seu apelo era para ele mesmo e não para a pessoa que estivesse vendo a sua pintura. Essa distorção era feita para ele e não importava se você entendesse ou não. 105 . telas pequenas. existiam 700 quadros de Van Gogh sem comprador. É um grande pintor de todos os séculos. onde Théo tomava conta dessa galeria. fundariam uma comunidade de artistas. procuro uma técnica simples que não é impressionismo e nem pontilhismo. da qual seriam os pioneiros. Escreve para o Théo: "Quando eu começo a pintar. Corre-se o risco de se perder no turbilhão confuso de sua pintura. uma reflexão profunda do seu ser. por que nos olhos deles há o que não existe em nenhuma catedral e em nenhuma construção.No sótão da galeria Gropil de Paris. pintava com grossas camadas de tintas. depois os pintores franceses como Delacroix. Técnicas de pinturas utilizadas por Van Gogh: Suas primeiras influências foram os pintores holandeses como Rembrandt." Exagerou muito nas cores. Isso é o que eu chamo de simplicidade técnica". embatido pelos sintomas da doença. Muitas vezes pegava o tubo e colocava a tinta diretamente na tela. um expressionista sempre deforma com apelo à emoção e apelo social. Eu quero pintar de uma forma que todo mundo que tenha dois olhos possa ver claro. em Paris. onde tudo seria partilhado. pelo homem ou se pelo seu trabalho. dominado pela doença. Então pedira a seu irmão Theo que o ajudasse a convencer Gauguin que fosse à Provença morar com ele. somente ele. Gauguin a dirigiria e novos pintores chegariam para integrar essa confraria ou comuna fraternal. Corre-se o risco de se fazer dele um herói e de se fazer dele distante. Não procurou agradar nunca os outros. muita espátula. Não se sabe bem se pelo pintor. Essa técnica chama-se "empaste". Ele queria pintar somente o que ele sentia. e ficará fascinado com a personalidade arrebatadora desse artista aventureiro que acabava de voltar do Panamá e da Martinica com uns quadros cheios de luz e de vida primitiva. Ele pintava muito para ele próprio. Passa para sua pintura toda a sua perturbação e toda a sua tristeza. nessa casa amarela. Nunca concordou quando Théo pedia para ele distorcer menos para que suas obras fossem vendáveis. homem incomum. se viveria pela e para a beleza e não existiriam a propriedade privada nem o dinheiro. Os olhos dos homens são imponentes e majestosos. E corre-se o risco de cada vez mais entender Van Gogh” Van Gogh era um homem de uma riqueza interior genial. Gostava demais de Millet. As vezes pintava com o dedo. Pinta muita figura humana e fala para o Théo: "Amo mais pintar os olhos dos homens do que as catedrais. Pinta a sua realidade e o que vive. Sua pintura é como um diário. Ali. Vermeer. O seu apelo social ocorreu antes dele entrar nessa fase. "Quando se estuda Van Gogh corre-se o risco de se apaixonar. Van Gogh não vai deformar com um apelo social em sua fase expressionista.

Às 7 da manhã volta à Casa Amarela. no Taiti. que essa ausência esteve muito presente nos 15 anos de vida que lhe restavam. 'Quando do suicídio de Van Gogh. Embora nunca voltassem a ver-se. Depois havia voltado ao seu quarto e ido dormir em meio a um mar de sangue. Gauguin sente passos às suas costas.Os dois meses que Van Gogh e Gauguin passaram em Arles. Volta-se e vê Van Gogh com uma navalha na mão. que. em Arles e a descobre rodeada de vizinhos e policiais. puderam deleitar-se com aquelas estranhas flores amarelas que acompanhavam a trajetória do Sol. foge. ele poderia reagir com igual violência e apertarlhe o pescoço. No dia seguinte lhe comunica a intenção de mudar-se para um hotel pois. No entanto. nas quais o episódio da mutilação da orelha e suas experiências em Arles primam pela ausência. Punaauia. nos meses seguintes. como que assediado por um incômodo permanente. enquanto bebiam absinto.como cilindros. os amigos de Arles trocaram algumas cartas. como se tratasse de alguém muito alheio a ele ("Foi uma sorte para ele. Ao anoitecer."). Gauguin fará um comentário brevíssimo e ríspido. como gostava de se chamar. Na véspera. de tal forma que se torna impossível para ele recriar a realidade segundo “impressões” captadas pelos sentidos. levando-a. cones e esferas . quando está atravessando o Parque Victor Hugo. Gauguin e os policias o transferem para o Hotel Dieu e Gauguin parte para Paris na mesma noite. E nos anos seguintes evitará falar do holandês. que mal se desvia dela. Obras Destacadas: Castelo de Médan e Madame Cézanne 106 . Por que se empenhou em semear girassóis diante de sua cabana em Punaauia. era teimoso e pediu sementes a seu amigo Daniel de Monfreid. PAUL CÈZANNE (1839-1906) Sua tendência foi converter os elementos naturais em figuras geométricas . talvez de um modo que nem sequer foi sempre consciente. ao se sentir descoberto. Guaguin vai passar a noite num hotelzinho próximo. um ano e meio depois. e trabalhou a terra com tal perseverança que afinal seus vizinhos indígenas e os missionários daquele lugar perdido. é óbvio que não o esqueceu. caso o episódio se repetisse. no bordel de madame Virginie. prostituta com quem Van Gogh saia. em Auvers-sur-Oise. o fim de seus sofrimentos. quando todo mundo lhe garantira que essa flor exótica nunca havia conseguido aclimatar-se na Polinésia? Mas o "selvagem peruano". Van Gogh havia cortado parte da orelha esquerda. entre outubro e dezembro de 1888. com uma bala de revólver no estômago. termina de modo abrupto: o holandês lança sua taça contra o amigo. lhe diz.acentua-se cada vez mais. depois do incidente no parque. uma discussão no Café Estação. embrulhada num jornal a Rachel. Véspera de Natal de 1888. enquanto Van Gogh permanecia um ano inteiro no sanatório de Saint Rémy. são os mais misteriosos de suas biografias.

em Paris. Nunca pôde se restabelecer e suas pernas atrofiadas e disformes dificultavam-lhe a locomoção. São famosos "Moulin Rouge".La Goulue". As prostitutas. As cores intensas. que foi afixado nos muros de Paris. gênero a que conferiu incomum aprofundamento psicológico com grande economia de meios. em 1881. sugerem movimento. Toulouse-Lautrec passou ao estúdio de Fernand Cormon. que passa a ser apenas sugerido.veemente defensor das normas acadêmicas e contrário aos impressionistas --. Menos de um ano depois. essa característica elimina a obviedade do movimento. recebeu educação artística e praticou esportes até os 14 anos. Em 1883. quebrou o direito. no ano seguinte. "Au salon de la rue des Moulins" e inúmeros retratos. Interpretada como reação à condição física do próprio artista. A partir de 1892. transgride freqüentemente as proporções anatômicas e as leis da perspectiva em favor da expressividade. voltou a beber. executada necessariamente em óleo sobre tela. O estilo pessoal de Toulouse-Lautrec. 107 . destaca-se a série Elles. Ao contrário dos impressionistas. enfrentou a oposição familiar e decidiu tornar-se pintor. sensível panorama da vida nos bordéis. Dedicou então cada vez mais tempo à pintura. Em 1872.” Henri-Marie-Raymonde de Toulouse-Lautrec-Monfa nasceu em Albi. "Moulin Rouge -. Montou um estúdio particular em meados da década de 1880 e passou a freqüentar os teatros e cabarés do bairro parisiense de Montmartre. O surgimento da série coincidiu com a deterioração de seu estado físico e mental. em combinações rítmicas. que tornaria célebres em sua obra.TOULOUSE-LAUTREC (1864-1901) Henry Marie Raymond de Toulouse Lautrec “A idéia da pintura como obra de arte elevada. desagradava a Toulouse-Lautrec. quando sofreu um acidente e quebrou o fêmur esquerdo. que estão entre suas obras mais significativas. A simplificação do contorno e o uso de grandes áreas em uma só cor caracterizam os cartazes. As figuras são situadas na tela de forma a que as pernas não fiquem visíveis. Entre as mais de 300 que produziu. sentia a estética acadêmica como algo cada vez mais restritivo e insuportável. Um de seus primeiros mestres profissionais. França. de linhas livres e onduladas. Entregouse ao alcoolismo e seus modos irônicos não disfarçavam o sofrimento decorrente de sua deformidade. Em 1891 ele criou seu primeiro cartaz de propaganda. Toulouse-Lautrec dedicou-se à litografia. dançarinas de cancã dos cabarés e outros personagens da vida noturna parisiense da década de 1890 eram seus modelos prediletos. abominava os desenhos do aluno. De família aristocrática. ingressou no Liceu Fontanes (posterior Liceu Condorcet) e. Em 1899. após grave colapso nervoso. Apesar do apoio do novo mestre. em 24 de novembro de 1864. Léon-Joseph-Florentin Bonnat -. demonstrou pouco interesse pelas paisagens e dedicou-se aos interiores. passou alguns meses num sanatório mas. onde conheceu Van Gogh e Émile Bernard. depois de bacharelar-se.

quando o artista. os retratos e os nus femininos com modelos que. Por causa da saúde precária não recebeu educação formal e voltou-se para o estudo da pintura. expressavam "a muda aceitação da vida". Essa breve fase final do artista foi a mais importante de sua obra. Os temas preferidos de Modigliani foram. que expôs no Salão dos Independentes de 1909. sem dispor dos recursos necessários à produção de esculturas. retornou à pintura. Modigliani morreu em Paris. em 9 de setembro de 1901. executou uma de suas obras mais importantes: "O violoncelista".Henri de Toulouse-Lautrec morreu no castelo de Malromé. Essa fase se prolongou até 1914. mas pelo movimento e pelo alongamento dos traços. na tentativa de preservar a unidade plástica do bloco. Toulouse-Lautrec e Picasso. Amedeo Clemente Modigliani nasceu na cidade italiana de Livorno. KIRCHNER (1880-1938) Foi um dos fundadores do grupo de pintura expressionista Die Brücke. como os que fez para Aristide Bruant. Apesar da excepcional popularidade de seus cartazes publicitários. Gironde. o cubismo e o expressionismo. que iniciou na cidade natal e prosseguiu em Veneza e Florença. o pintor alemão deu formas geométricas às cores e despojou-as de sua função decorativa por meio de contrastes agressivos. Com o raro dom de conseguir uma imediata empatia entre seus retratos e o observador. O encontro com o escultor Constantin Brancusi marcou a carreira de Modigliani. Jane Avril. como o fauvismo. a partir de então. ao fim de três anos de vida boêmia. sobretudo das esculturas do Congo e do Gabão. que se destacam pelo despojamento e pela estilização. Impressionado pelo cubismo. Influenciado pelo cubismo e fauvismo. com o fim de manifestar sua verdadeira 108 . que prefigurou revolucionários movimentos artísticos do Século 20. May Belfort e outros artistas. Modigliani marcou a pintura da primeira metade do século XX com suas figuras alongadas. além das numerosas litografias. segundo o artista. França. AMEDEO MODIGLIANI (1884-1920) Um dos principais integrantes da escola de Paris. o artista executou nesse período esculturas nas quais se misturam influências da escola de Siena e da arte da África negra. em 24 de janeiro de 1920. muito influenciado por Cézanne. caracterizada por um despojamento que alguns críticos creditaram a sua inclinação para a escultura. só posteriormente reconheceu-se a importância de sua obra. em 12 de julho de 1884. Também a influência dos kouroi (esculturas gregas que representam jovens atletas desnudos) se faz sentir nesses trabalhos. que Modigliani esculpia sempre diretamente na pedra. Em 1906 mudou-se para Paris e. dotou suas figuras de uma sensualidade que se transmite não pela nudez. filho de abastada família judia. que por um longo período abandonou a pintura pela escultura.

Suas obras mais importantes estão dispersas pelos museus de arte moderna mais importantes da Alemanha. Além de sua obra pictórica. Paralelamente. As formas cúbicas da arquitetura e os graciosos arabescos na terracota deixaram sua marca na obra do pintor. Em 1933. mas antes apresentou suas obras em Paris. criados. Quando finalmente sua contribuição para a arte alemã foi reconhecida. Dessa época são os quadros mais ousados de paisagens e nus. Veio então a época em que os pintores se reuniam numa casa de veraneio em Moritzburg e se dedicavam apenas ao que mais lhes interessava: pintar. 109 . e um ano depois tentou o suicídio. pode expressar ritmo e movimento". Mas a grande descoberta ocorreria dois anos depois. Klee escreveu: "A cor. em sua casa ao pé dos Alpes.a ponte que conduz ao super-homem”). em 1931. Pouco tempo depois reuniu-se com os pintores Heckel e Schmidt-Rottluf em Berlim. durante o nazismo. em sua primeira viagem a Túnis. onde se encontrou com Delaunay. em cima de "matéria e sonhos".. Kirchner continuou sua formação na cidade de Munique. na primeira exposição dos surrealistas. com quadros de caráter quase surrealista. Demônios.No final de 1938 o pintor pôs fim à própria vida. Entre eles merecem ser mencionados Anatomia de Afrodite. com os quais. Convencido de que a realidade artística era totalmente diferente da observada na natureza. Em 1914 Kirchner foi convocado para a guerra.visão da realidade. em 1940. A exemplo de Kandinski. entrou em contato com os pintores da Nova Associação de Artistas e finalmente uniu-se ao grupo de artistas do Der Blaue Reiter. Tendo concluído seus estudos de arquitetura na cidade de Dresden. este pintor dedicou-se durante a toda sua carreira a buscar o ponto de encontro entre realidade e espírito. Depois de uma viagem pela Itália. Quando suas mãos se recuperaram do ferimento. Klee estudou com o mestre Von Stuck em Munique. foi nomeado membro da academia de Berlim.. seus quadros se transformaram num amontoado neurótico de cores contrastantes e agressivas. motivados pela leitura de Nietzsche. como a forma. ver sua obra ser destruída e desprestigiada pelos órgãos de censura. voltou a pintar ao ar livre. começou a trabalhar como professor em Dusseldorf e mais tarde na escola da Bauhaus em Weimar. Klee emigrou para a Suíça. Klee deixou vários trabalhos escritos que resumem seu pensamento artístico. produto de uma profunda tristeza. Em 1912 viajou para Paris. Iniciou uma fase de grande produtividade. que seria de vital importância para suas obras posteriores. numa referência à frase do escritor: “. bem como cenas circenses e de variedades. Klee juntou-se em 1924 ao grupo Die vier Blauen. Flores Noturnas e Villa R. para seis anos mais tarde. Sua última exposição em vida aconteceu em Basiléia. Sensivelmente influenciado pelos desastres da guerra. Kirchner tentou mostrar em toda a sua produção pictórica uma realidade de pesadelo e decadência. fundou o grupo Die Brücke (A Ponte. segundo o pintor. PAUL KLEE (1879-1940) Considerado um dos artistas mais originais do movimento expressionista. Depois de lutar durante dois anos na Primeira Guerra.

Goya. O impressionismo continua forte somente na forma e não mais no conteúdo. não tem mais sentido de pintar o impressionismo hoje com o conteúdo do século passado. Os primeiros artistas plásticos que foram chamados de expressionistas foram os alemães. ficando meses trancados em casa por causa das tempestades de neve. no final de sua vida. vermelho. solidão interior. muito violento. bem preta dos contornos ao redor das figuras. no princípio do século XX. roxo. mas sempre vai ter contrastes violentos no interior da figura. um apelo a sua emoção. É muito forte na Alemanha e nos países nórdicos. ao redor de tudo. como corrente artística. Esse termo vai existir também na música. O aspecto técnico é aquela acentuação bem forte. Desde que o homem é homem ele faz expressionismo embora não fosse consciente dessa denominação. fotos. muito rápidas. É muito forte.: música expressionista. Existem dois aspectos no expressionismo: o aspecto técnico e o psicológico. O expressionismo nunca vai pintar sobre aquela emoção gostosa que se observa nos quadros impressionistas. não pode ser chamado de um simples estilo. Foi publicada pela primeira vez em uma revista alemã chamada de "A tempestade". quando ocorre uma grande catarse que se projetará na pintura. Normalmente usam cores puras. Essa falta de comunicação. Tanto o abstracionismo quanto o expressionismo estão muito fortes ainda no século XX. Vem do comportamento introvertido do homem. amargura. o tempo é ruim com pouco sol. Deformava em uma busca muito forte. Ninguém vai pintar mais sobre a “belle epoque” pois. mudando tudo sobre a estética grega que estávamos acostumados a ter como padrão ou ideal de beleza.O EXPRESSIONISMO O expressionismo sempre existiu e sempre vai denunciar. É uma constante na história da arte. quando o homem deformava um bisonte ou abutre. a belle epoque. música.: Quase todas as principais correntes expressionistas são nórdicas. O expressionismo. Lá existe uma falta de comunicação muito grande. Obs. porque as pinceladas são muito nervosas. mas com conteúdo atual. Artistas alemães do princípio do século: Edward Münch (papa dos expressionistas) 110 . não importa a cor. Desde a pré história. que sempre existiu. Pode ser preto. Essa revista veio a comentar que aqueles artistas expressavam só dor. O expressionismo vai surgir entre 1904 a 1909. No aspecto psicológico é uma arte quase que de instinto. ele já era expressionista deformando por necessidade própria. do que estava acontecendo no seu país. filmes. Ex. já era expressionista sem saber. de não facilidade para se expandir e falar com o próximo é que faz com que surja o expressionismo. etc. O expressionismo vai surgir. o oposto da pincelada delicada do impressionista. registrar a dor humana. Pode-se usar a mesma técnica hoje. etc.

primitiva. Dentro da estética da arte existem 3 formas para representar o mundo: Realismo (Pintura hiper-realista) Idealismo (Pintura clássica grega. Portanto. Todo o classicismo grego é idealista. como também é no renascimento. abstrata) O realismo é quando o pintor representa o mundo exatamente como é. “Arte selvagem” é a arte da descoberta da existência da África. Todas essa correntes do principio do século vão ter influência da arte selvagem (dos africanos).Kirchiner. renascentista. O idealismo é a busca da beleza ideal superior a beleza. Karl Schimt Rotluff Otto Muller Emil Nolde Esses alemães vão fazer um trabalho chamado "A Ponte". Essa influência "exótica" foi muito forte para os franceses e para os nórdicos. fantástica e onde colocam tudo o que eles sentem e sem muitos parâmetros com a arte acadêmica. todos os pintores expressionistas vão descobri-la. Os principais enfoques do expressionismo são: No aspecto social. Os impressionistas eram muito “doces” para esse “amargo” nórdico. É uma arte muito instintiva. o interesse pelo drama individual (oposto do impressionismo que só retratava o belo). o expressionismo tem a ver com a arte selvagem. 111 . Registra fielmente possível aquilo que os sentidos percebe. Como o Picasso. abstracionismo. Nesse principio do século XX vai aparecer todos os “ismos” como: cubismo. Normalmente a Arte Selvagem está muito ligada principalmente à arte da Polinésia Francesa. contra a burguesia (o expressionismo sempre vai ser um protesto). Esse grupo é fantástico formado por três artistas citados anteriormente excluindo-se Edward Münch e Emil Nolde. É lógico que essas correntes vão ter influências entre si. expressionismo. etc. "A Ponte" significa a ligação entre o visível e o invisível. parecendo uma fotografia. É a representação mais usada no mundo todo. cubista. com perfeição. É a própria deformação da figura. A arte da Polinésia é muito expressionista. "A Ponte" também vai ter alguma coisa de arte selvagem. acadêmica. dadaísmo. Eles vão pensar que o homem é livre. néo-clássica) Expressionismo (Pintura barroca. Quando o artista deforma a figura ele obedece a um desejo de fazer um apelo à emoção com muito vigor até mesmo na alegria. como todas essas correntes do princípio do século que ficam encantadas com essa arte. realista. que se encontra dentro da própria pessoa. aquela dor". impressionismo. Ernest L. Expressionista é a emoção e o Impressionista a sensação. Protesto contra tudo. fovismo. Tudo é exagerado e tudo é distorcido para retratar "aquela emoção.

como no renascimento. Jamais seria um conteúdo dos países nórdicos. da época dos impressionistas. etc. Rotluff. Tudo é possível. Não tem nenhuma aberração. A personalidade do pintor expressionista tem como característica a necessidade de se isolar para criar uma técnica própria adequada para os seus fins pessoais expressivos. como se fossem vitrais e a Joana D'Arc (que vai fazer um contorno preto na figura da Joana D'Arc como se fosse vitral). que é um assunto brasileiro. dolorido. Existe uma abertura muito maior que no impressionismo. no barroco (com a diagonal e sem uma figura no centro). “Naífe” é o homem civilizado que sabe ler. pintor francês expressionista. fragmentado. nasceu na cidade e vai pintar de uma forma primitiva.: Edward Münch pintou muito sobre a morte. O conteúdo é muito de cada um. Existia uma diferença de conteúdo entre os pintores expressionistas nórdicos alemães e os pintores nórdicos franceses. que surgira no início do século XX (1905-1906) e queria ligar os 2 mundos. só que vai pintar de forma primitiva. na Alemanha. Uma obra expressionista é um golpe para quem a vê. 112 . separando esses pintores. porque distorce para representar algo interessante e tem humor. amargo. "A Ponte". com as emoções. É um pintor de 1885 ou 1886. Ex. do leão. O impressionista vivia sempre em grupos. Primitivo é o homem que nasce na selva. Os pintores expressionistas não eram muito unidos. O nome expressionismo surgiu em 1912. A corrente expressionista tem uma forte distorção. acabou em 1913 por causa da guerra. etc. O expressionismo não é belo no sentido da estética. nascido no Brasil. é latino e vai pintar muito a igreja católica. Não existe uma regra ou característica muito unida. a dor é bonita. Vai pegar uma santa que jamais será tema dos expressionistas nórdicos alemães. O expressionismo vai expandir fortemente antes da 1a. O seu conteúdo será sobre os retirantes. os pintores se dispersaram tanto que quase acabaram com a corrente. O homem do século XX é extremamente individualista. mas o estado mental difere de cada um que pinta. Rousseau é um pintor primitivo. Guerra Mundial. uso de cores fortes. Rousseau nunca tinha visto uma floresta na vida. Portinari é expressionista. pois seu pai era médico e Münch presenciou esse assunto. ou melhor "Naífe" (porque não nasceu na floresta e sim na França) vai pintar muito sobre a selva. mas cada um tem o seu estado mental que pode colocar no seu trabalho.O expressionismo é praticamente o século XX. Mexe com a cabeça. A caricatura também é expressionista. O individualismo em um pintor expressionista é muito forte. Só pode ser colocado que se caracteriza pela distorção. os santos. Com a guerra. “Primitivo” é o homem que nasce na selva. mas pegou um livro de estória de seu filho e de lá tirou a imagem do macaco. ressurgindo novamente mais tarde. Um assunto expressionista é sempre distorcido.

muralista. Exilados.: Jackson Pollock. No Rockfeler Center também se encontra um grande mural dele. os expressionistas ressurgem com grande energia na Alemanha. Tudo era religioso e mágico. na Alemanha. às vezes primitivo e louco. quando era jovem e foi pintar em Nova York. Os expressionistas usam muita gravura em metal. expressionista. acabou deixando de ser para se tornar Paul Klee mesmo. Para ele tudo era normal e tinha lógica. vão ressurgir em várias partes do mundo como no Brasil. Alguns críticos acham-no um pouco infantil. etc. Obs. É considerado um dos grandes artistas do século XX. ficou impressionado pelo mural de Diego Rivera pedindo para que fosse ajudante dele. Voltou ao México fazendo grandes murais em edifícios públicos da cidade do México. Pollock acabou ajudando no trabalho de 113 . ele tem que ser separado dos expressionistas por ter uma pintura diferenciada. Em 1921 foi professor de desenho da Bauhauss. detalhista e sua arte se desdobra até o infinito. Hitler. Nova York. horrível. etc. Era desenhista supremo. Um pintor chamado Franz Marc pintou um quadro chamado "Cavaleiro Azul". Entre os artistas modernos ele é o mais individualista. que surgiu no expressionismo. uma fauna estranha. Tinha um mundo próprio por criar leis próprias de perspectiva e de lógica. No pós-guerra. Expressionistas mexicanos: Diego Rivera Orosco Siqueiros Diego Rivera pintor mexicano.Surge um outro grupo de expressionismo chamado de "O cavaleiro azul". Embora tenha pertencido ao grupo do "Cavaleiro Azul". vai expulsar todos eles porque achava que pintavam uma arte degenerada. Não segue nenhuma corrente artística. Paul Klee. Criou flores. viveu muitos anos na Europa e escreveu que teve muita influência de Giotto e Velásquez. Paul Klee. na Suíça. de gente louca. em 1933. Esses pintores desse grupo foram: Paul Klee. Kandinsky (grande paixão deles) e Franz Marc. Paul Klee nega a realidade da percepção normal transformando tudo o que você acha que é certo e normal. Ele era um homem extremamente intelectual. Outros pintores acharam fantástico o seu trabalho e se reuniram ao seu redor formando um grupo chamado Cavaleiro Azul (devido a esse quadro). Expressionistas brasileiros: Mário Gruber Anita Malfati Portinari Grassmann. nasceu em Berna. Eles eram partidários do abstracionismo.

Zapotecas.Diego Rivera. Sua influência se deu mais na “força do homem". a tradição dos Maias. mas a realidade e por isso sua vida foi difícil por quererem que ele pintasse a beleza. Mas. Esse encontro dos dois não chegou a influenciar na pintura de Pollock. Ele era um homem de personalidade muito forte. Diego Rivera vai pintar muito o seu folclore. gerou uma pintura muito forte. Ele não pintava a beleza. ele jamais modificou o seu trabalho por causa disso. episódios da mitologia mexicana. do que na própria técnica. Tem uma linguagem de expressividade muito forte. Astecas. É também muralista. na figura do artista. muito dolorida. Aquela revolução mexicana. 114 . mesmo assim ele se tornou um pintor de peso. muito forte. O governo mexicano pedia que ele fizesse sua pintura de determinado forma por precisar do dinheiro americano mas. Vai ter a coragem de pintar numa época muito difícil da realidade mexicana.

foi o mais autêntico fovista. · Ausência de ar livre. no mesmo estado de graça das crianças e dos selvagens. em 1908. Nessa fase. formando grandes planos. recorrendo a traços impulsivos e a pinceladas descontínuas para obter suas composições espontâneas. · As linhas e as cores devem nascer impulsivamente e traduzir as sensações elementares. em virtude da intensidade com que usavam as cores puras. em Paris. Após romper com o fovismo. com o gradual desaparecimento da gestualidade espontânea das primeiras obras. · Colorido brutal. ANDRÉ DERAIN (1880-1954) Pintor francês. seus nus. · A cor pura deve ser exaltada. sofreu influências de Cézanne e depois do cubismo. em arte. retratos e naturezas-mortas haviam adquirido uma entonação neoclássica. Na década de 1920. dizia: "Quero incendiar a Escola de Belas Artes com meus vermelhos e azuis. como saem das bisnagas. dizia: "As cores chegaram a ser para nós cartuchos de dinamite.FOVISMO Em 1905. Características da pintura: · Pincelada violente." Adotou mais tarde estilo entre expressionista e realista. · Uso exclusivo das cores puras. pintou figuras e paisagens em brilhantes cores chapadas. pois estavam expostas um conjunto de pinturas modernas ao lado de uma estatueta renascentista. Seu estilo. não mudou. Quem lhes deu este nome foi o crítico Louis Vauxcelles. no Salão de Outono. Os princípios deste movimento artístico eram: · Criar. sem misturá-las ou matizá-las. pretendendo a sensação física da cor que é subjetiva. não tem relação com o intelecto e nem com sentimentos. as sensações primárias. alguns artistas foram chamados de fauves (em português significa feras). · Pintura por manchas largas. 115 . ligou-se a Maurice de Vlaminck e a Matisse. espontânea e definitiva. Principais Artistas: MAURICE DE VLAMINCK (1876-1958) Pintor francês. desde então. não correspondendo à realidade. · Criar é seguir os impulsos do instinto." Por volta de 1900. com os quais se tornou um dos principais pintores fovistas.

Dos pintores fovistas. tanto das figuras como das suas cores. Nas suas pinturas ele não se preocupa como realismo. como de pessoas ou de naturezas-mortas. as técnicas do desenho e o efeito de claro-escuro para tratar a cor como valor em si mesma. escultor. que exploraram o sensualismo das cores fortes. RAOUL DUFY (1877-1953) Pintor. sem profundidade. ele foi o único a evoluir para o equilíbrio entre a cor e o traço em composições planas. Impressionista a princípio. Foi. 116 .HENRI MATISSE (1869-1954) Pintor francês. Abandonou assim a perspectiva. evoluiu gradativamente para o fovismo. Contrastes tonais e a geometrização da forma caracterizaram sua obra. ilustrador e litógrafo. depois de travar contato com Matisse. Morreu um ano depois de receber o prêmio de pintura da bienal de Veneza. também. gravador e decorador francês. O que interessa é a composição e não as figuras em si.

Para ser um bom pintor cubista na essência certamente será um homem culto. O cubismo virou 400 anos de arte de pernas para o ar. por exemplo. Os cubistas vão pintar e representar um objeto através do lado que nós vemos e do lado que nós não vemos desse objeto. De repente. Durante cinco séculos. O pintor cubista vai pegar um objeto e quebrá-lo em partes. Ele vai imaginar. É por isso que é muito racional. o fruidor vai ter que usar muito o raciocínio para entender a obra. desde o pré-renascimento até hoje. O Cubismo procura a essência da visão humana. Fernando Leger. Braque. Já em uma pintura como a Barroca ou Impressionista o fruidor vai usar o que sente para entendê-las.CUBISMO É o início da idade moderna do mundo. Em 1900. Em uma pintura Cubista. da arte. Na arte também houve uma série de mudanças. do que emoçional e de sensação. Quando se fala em mudança precisamos falar de um estilo que mudou muito a arte no mundo e provocou uma revolução na estética. Essa revolução foi fantástica. Freud estava publicando a interpretação dos sonhos. os pintores. A minha memória é que vai ter que olhar essas partes e montar novamente o objeto. Vai ser uma nova forma de ver e representar o mundo. etc. da razão. foram muito apoiados na imprensa pelos escritores que publicavam sobre essa nova arte muito intelectual. É a recuperação da nova visão da arte através de um conceito intelectual. sobre o consciente e inconsciente. O Cubismo vai ser uma reação contra a afirmação de que o mundo que nos cerca é acadêmico. O Cubismo se vale muito da memória do fruidor do que dos objetos concretamente vistos pelos olhos. No ano de 1904 Einstein escreve sobre a teoria da relatividade que vai mudar totalmente o conceito do universo. o surgimento de muitas dúvidas e interrogações. vão pintar muito mais o que sentem do que o que vêem. segundo o conhecimento intelectual que ele tem dessa representação. a partir de 1900. O cubismo não aceita nunca o momento estático. Vai depender muito da minha memória. Essa mudança foi realizada em 1906. É extremamente conceitual muito mais que perceptual. Os pintores Cubistas como Picasso. Ele é totalmente dinâmico. a particularidade cultural de cada objeto. ano em que Picasso chegou à Paris em sua primeira visita. 117 . Pode também ser notado. racional. A arte Cubista é muito mais conceitual. no início do século XX. criar fragmentos para representar todos os lados do objeto. Juan Griss. É preciso muito estudo e intelectualidade. A arte Cubista é uma arte muito elaborada. os artistas vão buscar em suas pinturas as aparências externas e o bom pintor será aquele que vai pintar realmente o objeto como ele é. os mais famosos. 1907 pelo Picasso quando ele pintou "Le Mademoiseille D'Avignon". Dúvidas.

O objeto nunca vai ser representado como foi visto. Essas obras são as melhores de cada fase. Foi um homem artista em perene evolução. o que marcou sua obra. Ele é extremamente individualista. o Cubismo é considerado uma arte bastante intelectualizada.Os Cubistas não dão valor à perspectiva. Você tem que montar a figura toda como em um quebra-cabeça. inclusive broches. como exemplo: Durante a segunda guerra mundial quando os alemães bombardeavam Paris e ocorria o black-out. etc. Foi cubista somente 5 anos e depois foi “Picasso”. no próprio rosto. É muito importante conhecer Picasso porque todas as fases de sua pintura tem muito a ver com a retratação de sua própria vida e da época em que viveu. 118 . FASE ANALÍTICA. esculturas. Picasso sempre esteve em movimento criando e deixando estilos e frases de forma a garantir uma obra cuja característica básica era a busca de sua individualidade. sua obra é inconfundível. É um espaço pictórico que não tem nada a ver com a representação da realidade. temos que conhecer o homem e o artista. Nessa fase toda sua pintura terá panos roxos. os aliados pediam que colocassem panos escuros roxos nas janelas para que os aviões não avistassem as luzes das casas.: um olho pode estar localizado no dedo do pé. quando começaram a fazer “colagens”. tem 8 obras dele. Nunca irá colocar o olho no joelho. por ex. O movimento cubista se divide em várias fases: FASE CEZANEANA. Na estética da arte. Antes de falar sobre sua vida é preciso deixar registrado a soberba vitalidade de um artista continuamente dedicado à criação até seus últimos momentos de vida. é procura. A sua memória é que vai ter que montar a figura. Quando morre sua cabra. A técnica cubista apresenta várias texturas. no Museu Moma mas. quando os artistas e principalmente Picasso e Braque se interessam e estudam muito as obras de Cezanne. quando é totalmente fragmentado. Sempre numa constante busca e inovação. a do Museu Gugueheim é a melhor. FASE SINTÉTICA. na região a que pertence. Tem muita obra de Picasso em Barcelona. mas como foi pensado pelo artista. “Arte” é uma perene evolução. No museu Gugueheim. o artista fragmenta e decompõe. Para que possamos entender Picasso. ele vai pintar tudo com cabra. em New York. por ex. Dizem que foi Matisse que ao olhar o quadro do Picasso com Braque disse: "Você está pintando só cubo! Mas isso é cubismo!" Muitos outros também tiveram a mesma opinião. Tem aspectos extremamente renovadores para a época. seu bichinho de estimação. Dificilmente houve alguém que tivesse superado Picasso no sentido do que seria arte do século XX.: o artista vai representar um olho no lugar da testa e o outro na orelha. É busca. Eles constróem espaços pictóricos onde eles determinam as representações. Dono de uma dinâmica constante.

” Isso vai mudar muito a visão da arte. Houve muita confusão para que os historiadores identificassem a obra de um e de outro. Málaga. Tinha 2 irmãs e como filho único foi muito mimado. cada um escolhendo seu pedaço de jornal. a imagem já é quase um abstrato. na National Gallery de Londres. entender. Esse tio sem querer deu uma baforada no rosto da criança que começou a chorar. Quando o cubismo fragmenta tudo chega a ser quase um abstrato. PICASSO (1881-1973) Nasceu em 25 de outubro de 1881. O mesmo com o jornal. etc. O cubismo sempre vai ser figurativo de um modo geral. a vida. Os dois quadros ficaram idênticos. de forma muito parecida e não vão assinar seus nomes. etc. Teve uma exposição somente com esses trabalhos. Quanto mais você sabe. que parecia um cone. O jornal vai ser muito usado na colagem. mais sentirá essa emoção. para que as pessoas soubessem distinguir entre Picasso e Braque. etc. No cubismo analítico. areia. você tem primeiro que saber. a mulher. mas também pode ser abstrato. morte e sempre de circunstâncias do cotidiano como alguém que perdeu uma cadeira. É o cotidiano. em "off": Picasso não chorou ao nascer.Picasso falou o seguinte: "Para que vou pintar um pedaço de madeira. As letras gráficas vão aparecer com Picasso e Braque. sobre perdas. exatamente nessa época que ocorre o cubismo. entrou no quarto e achou que o nenê não estava respirando. somente recortava assuntos fúnebres. Na verdade o abstracionismo tem muito a ver com o cubismo. que fumava charuto. Por esse fato ele recebeu o nome do tio em 119 . Essa exposição mostrava a diferença entre os dois: Picasso tinha recortes de jornal somente de assuntos alegres sobre touradas. se posso colar a própria madeira na pintura?. festas. Esse hábito vai ser registrado historicamente nas obras de Picasso. nesse começo de século. Um tio chamado Salvador Ruiz. para depois sentir a emoção. triste. Obs. Braque e Picasso vão pintar juntos na montanha (onde Cezanne pintava). Picasso vai assinar o nome no meio da obra como que fazendo parte dela. Uma obra cubista tem que ser vista pela razão para depois sentir a emoção. Eles voltaram e surgiram com a idéia da colagem. que era introspectivo. É o novo homem que vai pegar esse hábito de ler jornal. Braque. Uma obra de arte do século XX. Picasso jamais iria fazer isso. Seu nome completo é Pablo Diego José Francisco de Paula Juan Nepomuceno Maria de los Remédios Cipriano de La Santíssima Trinidad Ruiz y Picasso. já que era um estudo. na Espanha.

Picasso era um homem cheio de vida. O pai ao saber que o filho ganhou uma medalha de ouro resolve incentivá-lo a estudar em Madri. muita elegância e também muita crueldade. Essa atitude de se colocar o sobrenome de todos os parentes na criança é muito comum na Espanha. etc. da beleza. O marchand chegou a oferecer até um fixo mensal mesmo se ele fizesse somente uma obra por mês. Essa mescla do brilho. Picasso conseguiu manter sua importância desde jovem até os 92 anos. falante. Com 15 anos o pai já o considerava pintor e resolve alugar um espaço para montar o seu atelier. carismático. de escritores. principalmente porque ele era o único menino daquela família que só tinha menina. Tanto Van Gogh como Toulouse Lautrec vão influenciar o trabalho de Picasso por pelo menos uns quatro meses. Ele disse que não iria querer nunca estar preso a nenhum marchand na sua vida e que queria ser um homem livre. da crueldade. um marchand vai se oferecer para cuidar de seus quadros. fazer exposições. O prédio em que morava parecia um barco e era tão feio que o pessoal da região apelidou de "le bateaux larvoir". Quando Picasso tinha 14 anos já pintava com perfeição. 120 . da doçura. Foi auto-didata. no Museu do Prado. O atelier dele. Cada parente que chegava e adorava a criança os pais colocavam o sobrenome no filho. Fica então enlouquecido com o trabalho de Van Gogh e Toulouse Lautrec. muito sangue. Não queria que ninguém cobrasse ou controlasse a sua vida. Aos 23 anos Picasso começa a ser famoso em um lugar fora de sua pátria. Ele não tinha como pagar um lugar melhor para se viver. quando Picasso saiu da Espanha. Alguns dos grandes pintores da Espanha: Velásquez (barroco) Goya (no final da vida era expressionista) Murillo (barroco) Miró Gaudi (grande arquiteto) Salvador Dali Picasso Em 1900 Picasso vai à Paris em uma grande aventura para visitar a exposição internacional. Velásquez. onde os toureiros vão mostrar muita habilidade.seu sobrenome. tudo vai influenciar Picasso para o resto de sua vida. Goya. Nessa época Monet também estava vivo (vai viver até 1910). onde Picasso fará cópias das obras de El Greco. vai ser o ponto de encontro de artistas. Nessa época ele vai pintar uma obra chamada "Ciência e Caridade" e o seu pai vai posar como médico para ele. Picasso adorava o pai que sempre o levava às touradas. da estética da cor. dos odores. Numa praça de touros ocorre um espetáculo brilhante com cores vivas. As pessoas admiravam o fato dele ser tão novo e ter um estúdio montado pelo pai para ele. Ele disse que fazia até dez por mês mas que não queria ficar preso a esse tipo de compromisso. muito requisitada. Essa obra vai ser premiada em Madri em uma exposição muito importante. nesse "Bateaux". mas ele não vai aceitar. Foi morar em Mont Martre que era mais barato e onde só vivia os intelectuais. Em "off": Em 1900.

atraía muito os intelectuais. Passa a pintar só de "rosa".Entre 1901 e 1904 ocorre a sua "Fase Azul". que são as histórias folclóricas e a arte negra. começa a vender bastante. Ele vendia tudo o que pintava. Em 1906 ele já era o jovem pintor mais conhecido de Paris. A partir daí vai começar a “Fase Negra”. É chamado de fase azul porque o azul é que predomina em todos os tons. de um modo geral. Roma. O azul tem uma ligação muito grande com o melancólico. Ele vai acabar com 30 séculos de arte ocidental. Ao parar de produzir a sua “fase rosa” ele vai falar: "Eu não procuro. Esse encontro vai ser decisivo para ele. A partir de 1908 Picasso lidera o movimento cubista da Europa. Ele vai entrar e sair dessa “fase negra”. Conhece Braque. vão fazer surgir no século XX uma das tendências mais importantes que é o CUBISMO. As fases “azul” e “rosa” são as únicas que ele não vai voltar nunca mais. Obs. Conhece 2 marchands: os irmãos Léo e Gertrudes Stein. o "triste". Nesse momento de pesquisa. fica amigo de muitos marchands. figuras que vivem à margem da sociedade. sendo conhecido como "O centro de arte moderna do mundo". lugar onde Picasso vai viver até o começo da 2a. que apelidou de "Rose Bombom". o azul é o "Bleu". quando ele vai pintar sobre as ruas pobres de Mont Martre. as figuras solitárias e melancólicas. vista como arte do século XX. fascinantes. dançarinas sem olho (irreais). Nessa fase ele vai retratar seres cruéis. você vai encontrar muitas máscaras africanas de várias origens. Começou a freqüentar lugares muito alegres. A fusão de dois mundos mágicos. voltando somente após o Cubismo. vai ter um encontro com a Arte Primitiva Africana. De repente ele se liberta dessa melancolia ao conhecer uma moça chamada Rose. A arte africana vai ser o momento decisivo no entendimento da arte. Quando se fala de tristeza. eu acho". sobrenaturais. Vai morar lá durante a sua “fase rosa” e onde começa a refletir sobre o seu trabalho que já estava cansado de fazer. As máscaras que ele mais vai gostar são as máscaras da Polinésia.: No mercado das pulgas de Paris. onde até hoje moram os artistas. histórias fantasmagóricas e folclores. O cubismo para Picasso foi uma paixão exploratória que durou somente 5 anos. A mudança foi radical. Foi um escândalo tão marcante que Braque ficou sem falar com ele por 6 meses. É uma nova visão de compreender a arte. A sua vida se torna "rosa".guerra mundial. Mont Parnasse. Picasso percebe que o artista negro não pinta raciocinando porque ele não conhece os cânones da arte (regras de beleza da arte). Ele vai pintar o que ele sente. não conhece Fídeas. badalados e ricos. 121 . Grécia. Obs. inspirando-se na cultura espanhola cheia de superstições. Mudou-se para Mont Parnasse. muito felizes. que o colocam na alta sociedade onde irão comprar muito suas obras. Picasso vai pintar entre 1906 e 1907 a famosa obra "Les Mademoiselle D'Avignon". Nunca mais no futuro vai retornar a essa fase azul.

Nunca mais vai voltar à Espanha até o Franco morrer. que representa o povo. que vai ser o símbolo da justiça. No dia 26 de abril de 1937 ninguém falava de guerra. branco e cinza. quando acontece a guerra civil espanhola. Guernica era um vilarejo Basco na província de Biscaia. Nesse período ele não vai querer voltar à Espanha para assumir a direção do Museu do Prado. Das 5 esposas. Picasso tem muitas fases. Em 1931 essa bailarina foi substituída por Maria Teresa Walker. Durante 3 horas jogaram bombas matando cerca de 1765 pessoas. 3o. bombardearam a cidade. Ele chegou a pintar as duas no mesmo dia. é reveladora. Vai buscar a luz. Vai casar com Dora Maar e pintar muitos retratos dela. Guernica é um mural bem trágico onde vai mostrar a tragédia humana. Vai pintar sua obra prima "Guernica". 2o. Picasso 24 horas depois do acontecido começa a esboçar Guernica. Não esconde sua obsessão pelo sexo. Em 1920 se casou com uma bailarina russa chamada Olga. era um dia de feira. uno e mutilado. objetivo e subjetivo ao mesmo tempo. além dos casos que tinha por fora. Ele disse o seguinte: “o retorno periódico à determinadas fases era como uma volta a obra à ordem dele”. trabalhando sem cessar. Casou-se 5 vezes. mas sua pintura não é difícil de ser reconhecida. Levou mais ou menos uns 4 meses para elaborar a obra. Ele precisava voltar para se ordenar novamente interiormente. à 1 hora da tarde. De repente.Em 1915 ele volta à um realismo mais sutil até 1925. A arte é perigosa. é um jogo. mostrando que é um pintor consciente e engajado socialmente na luta contra os mais fracos. A mulher sustentando uma lâmpada na mão. Fica o tempo todo morando na França e saudoso de seu país. esquadrilhas de aviões das forças nazistas aliadas à Franco. O touro de perfil que personifica a brutalidade. período onde sua pintura fica mais calma. 122 . As pessoas saíram da feira e foram fazer a sesta. Foi então o primeiro bombardeio aéreo da história da humanidade de uma cidade inteiramente civil. não é arte. Ninguém falava de guerra. Ele tinha uma boa organização e um sistema de trabalho. Só gênio consegue pode pintar uma coisa que é real e irreal. Picasso tinha uma personalidade muito forte que vai ser muito importante para sua obra. Isso é estilo pessoal de um gênio. não tinha o porquê. desistindo depois. A cidade tinha somente 6. tendo muito a ver com a arte do século XX: "A arte não é casta. Começou a pintar em cores. Dois dias depois a Europa toda sabia da história. convicção e com inúmeros desenhos preparatórios. Se é casta ou não se revela. objetivo e subjetivo. Em 1936 ele vai ser nomeado diretor do Museu do Prado. uno e mutilado. Teve caso com as duas ao mesmo tempo e permaneceu com elas por algum tempo. traspassado com uma lança nas costas." Segundo Mali: Tudo o que Picasso pintava era realista e irreal. Fez o cavalo agonizante. 2 se suicidaram porque ele as deixou. Vai escrever o seguinte. A Dora Maar (que era fotógrafa) fotografou todas as etapas. Guernica era uma obra que tinha as cores preto.000 habitantes. Foi pintada com paixão. Ele fez três coisas de imediato: 1o.

se fores frade acabarás a papa. Esta obra se encontrava no Museu do Prado e agora está no Museu da Rainha Sofia. É uma fantástica mistura de processos de composição. De repente a Gestapo surgiu em seu Atelier quando Picasso estava pintando. É o pior do retrato do sofrimento humano.50 de altura.Nessa época. Essas esculturas ajudaram-na futuramente quando arrecada um bom dinheiro ao leiloá-las para ajudar financeiramente a sua obra de “proteção aos animais”.80 m de comprimento e 3. foi você quem fez isso!". Quis ser pintor e tornei-me Picasso". ao mesmo tempo que revela o palpitar da vida. ele fez 57 esboços gerais diferentes antes da composição final. Picasso inventa e cria formas que ele abandona e depois volta a pintar novamente. 123 . Em termos de conteúdo vai mostrar sempre o palpitar da vida e a quietude da morte. Chega o embaixador espanhol nazista que verá uma fotografia bem grande de “Guernica”. Em 1946 Picasso vai casar com a 4a. Guernica é trágica. Nessa época vai morar na Cote D'Azur. mulher “François Gilot”. Vai morar e pintar muito. Guernica tem 7. Paul Edward entrassem para ver a sua obra. Picasso sempre pintava sozinho. ficando com ela. em “off”: Salvador Dali conseguiu conquistar a mulher de Paul Edward. que eram judeus. escultura e jóias. Em "off": Na segunda guerra mundial quando os nazistas entraram na França e acabaram com Paris. em Madri. O embaixador pergunta a Picasso: "Foi você que pintou isso?" Picasso responde: "Não. bem na ponta do cabo. a fugir. Além de transmitir uma grande emoção. com animais. aos 55 anos. Ele resolve não esconder nada. não usando cores. Picasso pertencia a Resistência ajudando muito os espanhóis. mulher e filhos. etc. Picasso ao terminar Guernica em 1939. Obs. Mas. Por isso seu trabalho é tão polivalente. fez um monte de cerâmica terracota para ela. com quem ele vai ter os filhos Claude e Paloma. Ele continuou estrangeiro na França. Estava em Cap D'Antibes. Então o embaixador sai de seu atelier sem falar nada. Eram esculturas parecidas com ela. em um castelo do século XVII que foi adquirido por ele. sem nunca ter se naturalizado. com muita fama. gravura. Nessa época ele já tinha 68 anos e vai trabalhar com cerâmica. está rico. baseada nos pintores clássicos. além de ter muito mais esboços específicos. Disse: "Quando eu era criança minha mãe me dizia: se fores soldado chegarás a general. a sua forma é extremamente racional. a sua força criadora não pára. tinha a Gestapo e a Resistência. Fazendo uma análise da forma pode-se notar uma composição de estilo piramidal. Picasso recebeu muito apoio dos pais. Picasso disse que tinha repúdio a toda regra e convenções e com isso ele permanece um criador inesgotável. Fofoca: Quando a Brigite Bardot foi visitá-lo e ele se encontrava com 60 anos aproximadamente. mas quando fez Guernica deixou que André Morrow (?).

124 . um bom retratista de personagens famosos. Em seguida fez experiências com colagem até 1914. Eu tento achar influências do mestre. o conduzem para a experiência cubista. dizendo: "Concordo com Dom Quixote: meu repouso é a batalha". com quem tinha estabelecido uma sólida amizade. influência à qual temos que acrescentar a de Renoir com sua Moulin da Galette. vai comprar também uma ilha enorme onde vai construir um castelo como o da Espanha que tinha. essas coisas tão humanas. Vai adquirir muito mais imóveis também. ele mostrou a aventura do olhar. a ocasião. próximo à Capri. por sua vez. Georges introduziu-se na tradição familiar graças a seu próprio pai. convertendo-se. porque ele foi o único. a superfície da madeira e as superfícies douradas. Picasso compra um castelo na França e uma casa da Idade Média também. Na Itália. Pintando o que nunca se viu. mas ninguém pode querer pintar como Picasso. Atraído por Matisse e por seu movimento. Morreu aos 92 anos em 09 de abril. quando começou a I Guerra Mundial. Um exemplo desse estilo é Violino e jarro (1910). Mais de 30 filmes foram feitos sobre sua vida além de mais de 1400 livros em 40 línguas. seu pai negociava com a pintura e a decoração e. não teve e nem tem seguidores. o "Pombo" (Paloma) que para ele é o símbolo da paz. em aprendiz de decorador: tinha que imitar o mármore. Foi filmado por Clouseaux. Por isso a filha de Jorge Amado chama-se Paloma Amado. etc. o mistério e o risco de ousar. Vai então desenvolver uma série de trabalhos nessa época. A aprendizagem técnica lhe fez entrar adulto na escola de Belas Artes do Havre e posteriormente no ateliê do pintor Lécin Bonnat . Mali descreve em seu livro: "Por estranho que pareça esse grande e talvez o maior artista plástico de nosso século.” BRAQUE Georges Braque (1882-1963). do encontro. que ele nunca foi e onde mora hoje sua filha Paloma. a festa da revelação. Em "Off": Jorge Amado que tinha adoração e muita amizade por Picasso. A posterior admiração por Cézanne e o deslumbramento causado pelo autor das Les demoiselles d' Avigon. se uniu ao Fauvismo durante dois anos (1905/7). iniciou-se também como rotulista. fantástico diretor francês e por Alan Ransmie.Em 1954 ele vai viver uma paixão muito forte com Jaqueline Roque. uma outra fazenda em Marbela. realizou as obras que hoje são conhecidas como cubismo analítico. o mural "Guerra e Paz". De 1910 a 1912. era um consagrado pintor aficionado. à vez. outro diretor. a influência decisiva que Paris exerceu sobre ele foi através das salas do Louvre dedicadas à escultura egípcia e grega primitiva. convidou-o para ser padrinho da filha levando-a para a França. Para terminar. Compra também em Málaga uma fazenda imensa. o imprevisto. um duplex no Central Park. pintura que admirou e saboreou até saciar-se. entre eles a “releitura das meninas de Velásquez”. Contudo. Um apartamento duplex em Paris. pintor francês.

Em 1960 o Museu de Arte Moderna de São Paulo organizou retrospectiva de sua obra. na Pinacoteca do Estado de São Paulo. Braque recebeu uma séria ferida na cabeça que deixou cego. em suas produções posteriores aparecem paisagens e temas normandos. na XXXII Bienal de Veneza (1964) e na mostra Arte da América Latina desde a Independência (1966). e depois com George Fischer Elphons. Entre suas demais telas destacam-se "A negra". de retorno ao primitivo. Desta forma. Tarsila do Amaral nasceu em Capivari SP em 1886. assimilou a tradição barroca brasileira às recém-adquiridas teorias e práticas cubistas e criou uma pintura que foi denominada Pau-Brasil. André Lhote e Albert Gleisse. 125 . Em 1926 Tarsila expôs na galeria Percier em Paris. Menotti del Picchia. Tarsila esteve ainda representada na mostra Arte Moderna no Brasil (1957). Iniciou-se então sua fase antropofágica. no Museu de Arte Contemporânea da Universidade de São Paulo. e "São Paulo". Foram apresentadas suas diversas fases e deu-se destaque ao quadro "Operários" (1933). Braque seguiu o seu próprio caminho. cujo estilo a marcou sobremodo. da fase social. foi premiada na primeira. sob a orientação de Émile Renard. Essa pintura inspirou um movimento. a partir de 1917. Em 1922 participou em Paris do Salão dos Artistas Franceses. Em Paris freqüentou a Académie Julien. variante brasileira do cubismo. Morreu no dia 31 de agosto com oitenta e um anos. Concluído o conflito. o chamado Grupo dos Cinco. Recebeu a Cruz de Guerra e da Legião de Honra. Tarsila morreu em São Paulo SP em 17 de janeiro de 1973. em São Paulo. Deslumbrada com a decoração popular das casas dessas cidades. Mário de Andrade e Oswald de Andrade. Mobilizado. em que as cores são mais sombrias mas a nitidez anterior é conservada. uma localidade na Normandia francesa cuja fria luminosidade parecia adaptar-se muito bem a seu próprio temperamento. Presente na I e II Bienais de São Paulo. embora lentamente conseguiu recuperar a vista. mas não seu vínculo artístico. Outra obra do mesmo período é "Segunda classe". da qual o exemplo mais notável é o quadro "Abaporu". com Anita Malfatti. continuou sua amizade com Picasso. TARSILA DO AMARAL Tarsila participou ativamente da renovação da arte brasileira que se processou na década de 1920. Formou. percorreu as cidades históricas mineiras em companhia do escritor francês Blaise Cendrars. sala especial foi dedicada à retrospectiva de sua obra. e estruturou sua personalidade artística a partir das influências cubistas.A I Guerra Mundial separou a ambos artistas. e influenciou Portinari. Entrou em contato com Fernand Léger. Retornando ao Brasil em 1924. Na Bienal de São Paulo de 1963. que com o passar do tempo o levou a freqüentar Varengeville. Estudou com Pedro Alexandrino. com quem se casou em 1924. Integrou-se ao movimento modernista e ligou-se com especial interesse à questão da brasilidade.

na Academia Albertina de Turim. ou vários tempos num só espaço. dizendo que "o esplendor do mundo enriqueceu-se com uma nova beleza: a beleza da velocidade. em sua obra o pintor italiano tentou endeusar os novos avanços científicos e técnicos por meio de representações totalmente desnaturalizadas. Embora em princípio Balla continuasse influenciado pelos divisionistas. Boccioni e Giacomo Balla. onde apresentou regularmente suas primeiras obras em todas as exposições da Sociedade dos Amadores e Cultores das Belas-Artes. Para os futuristas. que permitia ao observador captar de uma só vez todas as seqüências do movimento. e nele. em encontrar uma maneira de visualizar as teorias do movimento. Um ano mais tarde. embora sem chegar a uma total abstração. em 22/02/1909. mostrou grande preocupação com o dinamismo das formas. O artista futurista não está interessado em pintar um automóvel. onde entrou em contato com a obra dos impressionistas e neo-impressionistas e participou de várias exposições. o poeta italiano Marinetti. Dissolvido o movimento. registrando a velocidade descrita pelas figuras em movimento no espaço. O segundo manifesto. 126 .Mesmo assim. Russolo. ele se separaria finalmente do futurismo para se dedicar àquilo que eles próprios dariam o nome de Pintura Metafísica. Procura-se neste estilo expressar o movimento real. Na volta a Roma. fez uma viagem a Paris. de 1910. conheceu Marinetti. resultou do encontro do poeta com os pintores Carlo Carra. Em 1895 o pintor mudouse para Roma. junto com Giorgio De Chirico. apresentou em 1912 seu primeiro quadro futurista intitulado Cão na Coleira ou Cão Atrelado. como seus companheiros. Principais artistas: GIACOMO BALLA . com a situação da luz e a integração do espectro cromático.. O futurismo é a concretização desta pesquisa no espaço bidimensional. O grupo pretendia fortalecer a sociedade italiana através de uma pregação patriótica que incluía a aceitação e exaltação da tecnologia.FUTURISMO O primeiro manifesto foi publicado no Le Fígaro de Paris. ou desintegração das formas. "é mais belo um ferro elétrico que uma escultura". juntava-se a eles para assinar o Manifesto Técnico da Pintura Futurista. Severini. não demorou a encontrar uma maneira de se ajustar à nova linguagem do movimento a que pertencia. numa repetição quase infinita. A formação acadêmica de Balla restringiu-se a um curso noturno de desenho. Um automóvel de carreira é mais belo que a Vitória de Samotrácia". Os futuristas saúdam a era moderna. de dois meses de duração. Cinco anos mais tarde. mas captar a forma plástica a velocidade descrita por ele no espaço. Para Balla. sua cidade natal. Preocupado. Um recurso dos mais originais que ele usou para representar o dinamismo foi a simultaneidade. Balla retornou às suas pinturas realistas e se voltou para a escultura e a cenografia. CARLO CARRA (1881-1966). aderindo entusiasticamente à máquina. os objetos não se esgotam no contorno aparente e seus aspectos se interpenetram continuamente a um só tempo. Boccioni e Severini.

entrou em contato com Carrà e Marinetti e um ano depois se encontrava entre os autores do Manifesto Futurista de Pintura. Londres e Berlim. o pintor se alistou como voluntário e ao voltar publicou o livro Pittura. UMBERTO BOCCIONI (1882-1916). Os retratos deformados pelas superposições de planos ainda não conseguiam expressar com clareza sua concepção teórica. Ao voltar. 127 . A partir desse momento começaram a aparecer as referências cubistas em suas obras. Ao retornar. Morreu dois anos depois. Dinamismo Plástico).Enquanto ganhava seu sustento como pintor-decorador freqüentava as aulas de pintura na Academia Brera. com sua obra Dinamismo de um Jogador de Futebol. contratado para a decoração da Exposição Mundial. pintor italiano. do qual foi um dos principais teóricos. em Milão. São Petersburgo e Milão. Logo fez amizade com os pintores Balla e Severini. No início. Um ano mais tarde. Modigliani e Picasso. Um ano mais tarde assinou o Primeiro Manifesto Futurista. mostrou-se interessado na pintura impressionista. Foi com a intenção de procurar as bases dessa nova estética que ele viajou a Paris. Escultura Futurista. Numa segunda viagem a Paris entrou em contato com Apollinaire. Fez então algumas viagens a Paris. Durante a Primeira Guerra Mundial. influenciou a arte de seu país nas décadas de 1920 e 1930. participou da primeira exposição futurista. desprezo pela representação naturalista.Publicou vários trabalhos. publicou o Manifesto Técnico da Pintura Futurista. por definição suas obras mais futuristas. como num pseudofotograma. Nascido em Reggio di Calábria. mas já em 1915 separou-se definitivamente do grupo. Dinâmico Plástico (Pintura. redigido pelo poeta italiano e publicado no jornal Le Figaro. Juntou-se a Giorgio De Chirico e realizou sua primeira pintura metafísica. mas incorporando os conceitos de dinamismo e simultaneidade: formas e espaços que se movem ao mesmo tempo e em direções contrárias. retomou as aulas na Academia Brera e conheceu Boccioni e o poeta Marinetti. principalmente na obra de Cézanne. na cidade de Verona. entre eles La Pittura Metafísica (1919) e La Mia Vita (1943). Scultura Futurista. De lá mudouse para Londres. Em suas últimas obras retornou ao cubismo. Representante do futurismo e mais tarde da pintura metafísica. Boccioni mudou-se ainda muito jovem para Roma. Ao voltar. em 1916. Suas obras ainda deixavam transparecer a preocupação do artista com os conceitos propostos pelo cubismo. sua obra se manteve sob a influência do cubismo. Em 1912. Em 1900 fez sua primeira viagem a Paris. onde estudou em diferentes academias. onde se encontrou com Picasso e Braque. Boccioni conseguiu finalmente fazer a representação do movimento por meio de cores e planos desordenados. no qual foram registrados os princípios teóricos da arte futurista: condenação do passado. indiferença em relação aos críticos de arte e rejeição dos conceitos de harmonia e bom gosto aplicados à pintura. Carrà não deixou de comparecer às exposições futuristas de Paris. Nessa época iniciou seus primeiros estudos e esboços de Ritmo dos Objetos e Trens.

fausto e munificência. mas impávidos. o êxtase e o sono. devoradoras de serpentes fumegantes: as fábricas suspensas das nuvens pelos contorcidos fios de suas fumaças. 1908. Queremos exaltar o movimento agressivo. 4. 128 . 11. 3. Vivemos já o absoluto. 7. cantaremos o vibrante fervor noturno dos arsenais e dos estaleiros incendiados por violentas luas elétricas: as estações insaciáveis. as belas idéias pelas quais se morre e o desprezo da mulher. os navios a vapor aventurosos que farejam o horizonte. as academias de todo tipo. cicerones e antiquários.empaste de escórias metálicas.. um automóvel rugidor. Queremos destruir os museus. 5. A coragem. Cantaremos as grandes multidões agitadas pelo trabalho. cantaremos a maré multicor e polifônica das revoluções nas capitais modernas. o militarismo. Já não há beleza senão na luta. a velocidade. 8. 9. e combater o moralismo. É da Itália que lançamos ao mundo este manifesto de violência arrebatadora e incendiária com o qual fundamos o nosso Futurismo. arqueólogos. as locomotivas de amplo peito que se empertigam sobre os trilhos como enormes cavalos de aço refreados por tubos e o vôo deslizante dos aeroplanos. o feminismo e toda vileza oportunista e utilitária. "Então. Queremos cantar o amor do perigo. cintilantes ao sol com um fulgor de facas.única higiene do mundo -. 2.. de suores inúteis. cuja haste ideal atravessa a Terra. que parece correr sobre a metralha. a bofetada e o murro. se queremos arrombar as misteriosas portas do Impossível? O Tempo e o Espaço morreram ontem. Queremos celebrar o homem que segura o volante. as pontes semelhantes a ginastas gigantes que transpõem as fumaças. Nenhuma obra que não tenha um caráter agressivo pode ser uma obra-prima. 6.. Estamos no promontório extremo dos séculos!. o patriotismo. de fuliges celestes -. as bibliotecas. Até hoje a literatura tem exaltado a imobilidade pensativa. Queremos glorificar a guerra . O poeta deve prodigalizar-se com ardor. lançada a toda velocidade no circuito de sua própria órbita.. o hábito da energia e da temeridade. Por que haveremos de olhar para trás. Afirmamos que a magnificência do mundo se enriqueceu de uma beleza nova: a beleza da velocidade. o gesto destruidor dos anarquistas. ditamos nossas primeiras vontades a todos os homens vivos da terra: 1.Fragmento "Fundação e manifesto do futurismo". pois criamos a eterna velocidade onipresente. com o vulto coberto pela boa lama das fábricas . a fim de aumentar o entusiástico fervor dos elementos primordiais. a audácia e a rebelião serão elementos essenciais da nossa poesia. pelo prazer ou pela sublevação. Um carro de corrida adornado de grossos tubos semelhantes a serpentes de hálito explosivo. A poesia deve ser concebida como um violento assalto contra as forças ignotas para obrigá-las a prostrar-se ante o homem. porque queremos libertar este país de sua fétida gangrena de professores. o salto mortal. publicado em 1909. é mais belo que a Vitória de Samotrácia. cujas hélices se agitam ao vento como bandeiras e parecem aplaudir como uma multidão entusiasta. a insônia febril. contundidos e enfaixados os braços. 10.

nossa mórbida inquietude. a alegria de ver flutuar à deriva. pois. do passado.Há muito tempo a Itália vem sendo um mercado de belchiores. Queremos libertá-la dos incontáveis museus que a cobrem de cemitérios inumeráveis.. Desviem o curso dos canais para inundar os museus!.... jovens e fortes futuristas! Bem-vindos. estendendo os dedos aduncos de predadores e farejando 129 . Museus: dormitórios públicos onde se repousa sempre ao lado de seres odiados ou desconhecidos! Museus: absurdos dos matadouros dos pintores e escultores que se trucidam ferozmente a golpes de cores e linhas ao longo de suas paredes! Que os visitemos em peregrinação uma vez por ano.. vá lá.. rasgadas e descoradas sobre as águas.. os alegres incendiários com seus dedos carbonizados! Ei-los!.. diminuídos e espezinhados? Em verdade eu vos digo que a frequentação cotidiana dos museus... Por que devemos nos envenenar? Por que devemos apodrecer? E que se pode ver num velho quadro senão a fatigante contorção do artista que se empenhou em infringir as insuperáveis barreiras erguidas contra o desejo de exprimir inteiramente o seu sonho?. de toda parte. das bibliotecas e das academias (cemitérios de esforços vãos. nossa frágil coragem. Ponham fogo nas estantes das bibliotecas!... os machados.. como se visita o cemitério no dos dos mortos. Quereis. Empunhem as picaretas. como manuscritos inúteis. realmente. vá lá: o admirável passado é talvez um bálsamo para tantos os seus males. já que para eles o futuro está barrado. Idênticos.. da qual saís fatalmente exaustos.. em violentos arremessos de criação e de ação. pelo menos um decênio mais jovens e válidos que nós jogarão no cesto de papéis. desperdiçar todas as vossas melhores forças nessa eterna e inútil admiração do passado.. Mas não admitimos passear diariamente pelos museus nossas tristezas. Que uma vez por ano se desponta uma coroa de flores diante da Gioconda. . tão ruinosa quanto a tutela prolongada dos pais para certos jovens embriagados por seu os prisioneiros. em vez de projetá-la para longe.. calvários de sonhos crucificados. Mas nós não queremos saber dele.) é. Oh. dançando à cadência alada dos seus primeiros cantos.Pois é isso que queremos! Nossos sucessores virão de longe contra nós. as velhas telas gloriosas!. Admirar um quadro antigo equivalente a verter a nossa sensibilidade numa urna funerária. tudo bem. Museus: cemitérios!. registros de lances truncados!.. pela sinistra promiscuidade de tantos corpos que não se conhecem. pois. para os artistas. Aqui!. nós. os martelos e destruam sem piedade as cidades veneradas! Os mais velhos dentre nós têm 30 anos: resta-nos assim.

. às portas das academias.. Estais admirados? É lógico.. 1993) 130 . porque estão nutridos de fogo. impelidos por um ódio tanto mais mais implacável quanto seus corações estiverem ébrios de amor e admiração por nós. o bom cheiro das nossas mentes em putrefação. de audácia.Talvez!.. de amor. Mas nós não estaremos lá...B.. inestancável audácia.em campo aberto.. ... Nossa bela e mendaz inteligência nos afirma que somos o resultado e o prolongamento dos nossos ancestrais. sem jamais hesitar. delirantemente.. sem jamais repousar.. de ódio e de velocidade!. ofegantes de angústia e despeito. Por fim eles nos encontrarão . aquecendo as mãos ao fogo mesquinho proporcionado pelos nossos livros de hoje flamejando sob o vôo das nossas imagens.. Ai de quem nos repetir essas palavras infames!. Seja!. exasperados pela nossa soberba. sem calcular. mais uma vez lançamos o nosso desafio às estrelas.. crueldade e injustiça. Os mais velhos dentre nós têm 30 anos: no entanto. e todos. Eles se amotinarão à nossa volta. se precipitarão para matar-nos.Chipp. não pode ser senão violência.. precipitadamente.caninamente. Martins Fontes.. de astúcia e de vontade rude..A arte. mais uma vez lançamos o nosso desafio às estrelas! Vós nos opondes objeções?. até perder o fôlego. pois não vos recordais sequer de ter vivido! Eretos sobre o pináculo do mundo. de fato. já prometidas às catacumbas das bibliotecas. A forte e sã Injustiça explodirá radiosa em seus olhos .. Já entendemos!.uma noite de inverno . Cabeça erguida!. Basta! Basta! Já as conhecemos.. Eretos sobre o pináculo do mundo.. sob um triste galpão tamborilado por monótona chuva. e nos verão agachados junto aos nossos aeroplanos trepidantes. Olhai para nós! Ainda não estamos exaustos! Nossos corações não sentem nenhuma fadiga. mil tesouros de força." (Teorias da Arte Moderna. temos já esbanjado tesouros.. H.. Mas que importa? Não queremos entender!.

As suas obras retratam cenários arquitetônicos. frutas. recorte intimista e atmosfera de luz cinza-clara às naturezas-mortas que pintou usando como modelos frascos. Tem inspiração na Metafísica. ciência que estuda tudo quanto se manifesta de maneira sobrenatural. caixas e lâmpadas velhas. manequins. GIORGIO MORANDI (1890-1964). Principais Artistas: GIORGIO DE CHIRICO (1888-1978).PINTURA METAFÍSICA A pintura deve criar um impressão de mistério. onde colocava objetos heterogêneos para revelar um mundo onírico e subconsciente. nus ou vestidos à moda clássica. numa transfiguração toda especial. muitas vezes com a inclusão de estátuas. em curiosas perspectivas divergentes. enigmáticos e sem rosto. nascido na Grécia. Giorgio De Chirico constitui um caso singular: poucas vezes um artista alcançou tão rapidamente a fama para em seguida renegar o estilo que o celebrizara e cair em um esquecimento quase absoluto. pintor italiano. pintor italiano. perpassado de inquietações metafísicas. solitários. Conferiu imobilidade e transparência de formas. garrafas. que pareciam simbolizar a estranheza do ser humano diante do seu meio ambiente. legumes. idealizadas. A pintura metafísica explora os efeitos de luzes misteriosas. Notável por suas naturezas-mortas. em arcadas e arquiteturas puras. Também usada nas suas obras manequins. em que buscava a unidade das coisas do universo. através de associações pouco comuns de objetos totalmente imprevistos. principal representante da "pintura metafísica". irreais e enigmáticos. de plástica despojada e escultural. sombras sedutoras e cores ricas e profundas. 131 .

Em 1917 foi rejeitado ao enviar a uma mostra um urinol de louça que chamou de "Fonte". 132 . a incoerência. Depois fez interferências (pintou bigodes na Mona Lisa. Durante a Primeira Guerra Mundial. Colaborou com Tristan Tzara na revista Dada. Sua proposta é que a arte ficasse solta das amarras racionalistas e fosse apenas o resultado do automatismo psíquico. após leve intervenção e receberem um título. Ready-Made significa confeccionado. objetos escolhidos ao acaso. A palavra Dada foi descoberta acidentalmente por Hugo Ball e por Tzara Tristan num dicionário alemão-francês. para demonstrar seu desprezo pela arte tradicional). tratado como objeto de arte por opção do artista. Principais artistas: Marcel Duchamp (1887-1968). assim como a arte que perdera todo o sentido diante da irracionalidade da guerra. Esse nome escolhido não fazia sentido. O experimentalismo e a provocação o conduziram a idéias radicais em arte. exilados na Suíça. O fim do Dada como atividade de grupo ocorreu por volta de 1921. 1916). eram contrários ao envolvimento dos seus próprios países na guerra. teriam sido convocados para o serviço militar. pronto. François Picabia (1879-1953). antes do surgimento do grupo Dada (Zurique. Envolveu-se sucessivamente com os principais movimentos estéticos do início do século XX. Criou os ready-mades. a desordem. o Dada foi um movimento de negação. Sendo a negação total da cultura. surrealismo e dadaísmo. firma-se como um protesto contra uma civilização que não conseguiria evitar a guerra. inventou mecanismos ópticos. selecionado e combinando elementos por acaso.DADAÍSMO Formado em 1916 em Zurique por jovens franceses e alemães que. se tivessem permanecido em seus respectivos países. interessando-se pelo movimento das formas. religião. pintor e escultor francês. Reinterpretou o cubismo a sua maneira. como cubismo. e que. Fundaram um movimento literário para expressar suas decepções em relação a incapacidade da ciências. Politicamente . o caos. adquiriam a condição de objeto de arte. Dada é uma palavra francesa que significa na linguagem infantil "cavalo de pau". artistas de várias nacionalidades. sua arte abriu caminho para movimentos como a pop art e a op art das décadas de 1950 e 1960. Expressão criada em 1913 pelo artista francês Marcel Duchamp para designar qualquer objeto manufaturado de consumo popular. filosofia que se revelaram pouco eficazes em evitar a destruição da Europa. o Dadaísmo defende o absurdo. pintor e escritor francês.

Inventou técnicas como a decalcomania e o frottage. esteve envolvido em outros movimentos artísticos. criando imagens abstratas (obtidas sem o auxílio da câmara) mas com a exposição à luz de objetos previamente dispersos sobre o papel fotográfico. pintor alemão. o frottage também era considerado um método que dava acesso ao inconsciente. Em 1921 contata com o movimento surrealista na pintura. a raiografia. até que por volta de 1916 o artista se concentrou nos engenhos mecânicos do dadaísmo. ou fotograma. que consiste em aplicar uma folha de papel sobre uma superfície rugosa. Trabalha como fotógrafo para financiar a pintura e. com a superposição de formas lineares e transparentes. No Dadaímo contribuiu com colagens e fotomontagens. desenvolve a sua arte. fotógrafo e pintor norte-americano. composições que sugerem a múltipla identidade dos objetos por ele escolhidos para tema. 133 . Depois de 1927. de índole satírica. como a madeira de veios salientes. de modo que o papel adquira o aspecto da superfície posta debaixo dele. são exuberantes nas cores e sugerem formas metálicas que se encaixam umas nas outras. Man Ray (1890-1976). criando técnicas em pintura e escultura. Max Ernest (1891-1976).Suas primeiras pinturas cubistas. abandonou a abstração pura que praticara por anos e criou pinturas baseadas na figura humana. adepto do irracional e do onírico e do inconsciente. Como o artista não tinha controle sobre o quadro que estava criando. eram mais próximas de Léger do que de Picasso. e esfregar um lápis de cor ou grafita. em 1915 conhece o pintor francês Marcel Duchamp. com quem funda o grupo dadá nova-iorquino. Formas e cores tornaram-se a seguir mais discretas. com a nova atividade.

o homem tentava negar a realidade em que vivia. É uma ausência da realidade. mas pode também ser um símbolo além do abstrato. Quando se fala de abstracionismo falamos também de representar formas. surgindo uma série de borrões que vão ser admirados. quando o homem vai ter que lutar por aquilo que precisa sem ter que depender tanto de suas magias. Essa época coincide quando Kandinsky vira uma tela de aquarela de ponta cabeça. Aos poucos. cores e texturas. e retiradas do mundo externo. Abstrato preto-branco. no período da pedra polida. O abstracionismo acompanha o homem desde a época pré-histórica. Existem muitas outras formas geométricas que foram usadas por eles e que de forma nenhuma estão inspirados na realidade. Outro motivo seria uma nova visão decorrente do impressionismo (pinceladas soltas que se parecem com manchas abstratas). vivendo em um clima tenso. A revolução Russa também influenciou muito no abstracionismo. abstrato puro ou outras combinações. São formas criadas pelo homem. No aspecto social seria a previsão do início de guerra. passa a ter uma linguagem muito diferente chamada de linguagem geométrica. Esses desenhos se desprendem da realidade enquanto formas. Quando você cria um desenho livre pode até ser um trabalho abstrato. mas que ninguém sabe ao certo se foram eles que a criaram. no período da pedra lascada quando o homem fazia desenhos figurativos. sem medidas. O grego também foi um povo que usou muito do abstracionismo. Como exemplo temos as "gregas" que foram usadas. que são criadas por um processo muito interior. 134 . Nos dias de hoje. Ex. essas combinações levaram a surgir outros momentos e não movimentos de pintura. Esse movimento foi muito forte na pintura e na arquitetura. Ex. O abstracionismo surgiu por vários fatores sendo um deles o cansaço do realismo. A Alemanha foi o país que participou mais intensamente desse movimento e uma boa parte da Europa também teve participações mais irregulares. Ele pode ter uma somatória de características além do abstrato. abstrato colorido.ABSTRACIONISMO O período do abstracionismo começou em mais ou menos 1911. Mandalas. Abstracionismo não se prende a realidade existente. Você pode se envolver ou se inspirar em alguma coisa existente mas não vai retratar fielmente aquela figura. É uma linguagem completamente abstrata. Próximos da segunda guerra mundial.

mas não é obrigatório. O pintor abstracionista sempre tem uma representação muito pessoal que envolve os aspectos de técnicas de sua pintura como também o do contexto onde o artista vive. Um trabalho pode ser completamente abstrato e só ter tons pastéis e sem nenhum contraste. Todos os dois podem provocar emoções. Os artistas abstracionistas. O abstracionismo Geométrico é muito preso a aspectos de simetria. Existe uma série de regras que determina cada estilo de arte. Um trabalho abstrato não tem essa limitação. distanciamento ou efeito de volume. As cores que mais sofrem destaques normalmente são cores que provocam contrastes entre elas mesmas. pois ele será abstrato em qualquer época. quando o abstracionismo começou. As formas geométricas são precisas dentro do trabalho. o abstracionismo dificilmente passa a ser aceito pelo mundo. equilíbrio e de formas que estão ligados ao conceito de geometria. As formas. foi considerado um marco dentro da chamada arte moderna. no qual a movimentação da mão vai determinar o trabalho com pinceladas (no caso utilizando-se pincel) mais fortes ou mais suaves. Da mesma forma que você representa uma forma real você pode representar uma forma irreal dando volumetria. não existindo nenhum compromisso com a realidade. Uma pintura irracional é colocar as cores e formas simplesmente por acaso. Em pleno período de conflitos mundiais vão pensar em contestar tudo isso com uma arte que não era fácil de ser entendida. 135 . Ex. tem buscado estabelecer planos diferenciados na pintura através da cor e da forma. O abstracionismo não é um processo racional. Ex. Optar por colocar uma cor quente ou fria em determinado espaço para dar impressão de proximidade. Muitas vezes é um porquê racional que pertence só ao artista. O Gestual é o abstracionismo no qual a pintura é muito livre. Outra forma é programar a distribuição de cores e formas sem estar reproduzindo uma realidade. Temos dois tipos de trabalhos abstracionistas: Abstracionismo gestual e geométrico.: Preto-vermelho. mas nem todo trabalho de arte moderna será um trabalho abstrato. hoje em dia. No abstracionismo não existe a obrigatoriedade de se combinar cores. mas produzindo uma distribuição racional dessas cores e formas. mas ele vem acompanhando o homem desde a pré história e em vários momentos da sua vida. Cores contrastantes são comuns aparecerem em trabalhos abstratos. sem medidas e técnicas precisas. Se você fizer hoje um trabalho impressionista será chamado de néo-impressionista. Ao fazer negações desse tipo. tanto no gestual como no geométrico. A arte abstrata é livre de contexto. ele pode ser irracional. amarelo-vermelho. O abstrato é um dos tipos de trabalho que faz parte da arte moderna. O abstracionismo. é enquadrado na arte moderna. são criadas pelo artista. enquanto movimento. intuitivamente. No abstracionismo não se respeita nenhuma regra é uma negação completa a qualquer outro momento da arte.Em 1911. Um trabalho abstracionista está dentro de um contexto de arte moderna.

e vai ficar encantado com as cores e a textura. não do abstracionismo que aparece desde o período da pedra polida. principalmente a abstrata. passando depois para Dessau. técnicas diferenciadas ou não. Quando se observa uma obra de arte. As obras podem ser bem diferenciadas umas das outras pela infinidade de possibilidades de representações através de texturas. Eles tinham todo um aspecto filosófico que faziam com que os alunos tivessem que passar por diversos estágios de evolução. A partir dai começa a pesquisar e fazer uma série de testes em cima de cor e textura. de pintura e desenho. Não existe essa mesma liberdade na pintura acadêmica. evoluir todos os sistemas industriais possíveis que tinham sidos retomados durante a revolução industrial. Quanto mais simbologias ele tiver é mais fácil as pessoas se identificarem com ele. cidade alemã. O abstracionismo levou uma série de discussões em cima do que era chamado de simbologia. É considerado o iniciador da pintura moderna abstrata. não tem necessidade de passar algum tipo de informação. Artistas abstratos: Vassily Kandinsky (1866-1944) Nasceu em Moscou e morreu em Paris. Vassily Kandinsky foi um dos professores. Vassily Kandinsky tinha por característica usar cores fortes e apelativas. deixando de ter toda essa abstração e ganhando um significado que você tenha descoberto e não necessariamente tenha sido criado pelo artista. não dá para estabelecer parâmetros racionais. O fato de utilizarse só da cor demonstra uma negação da realidade. desafiando-se perante o novo. Eles buscavam. Porque um quadro precisa ter forma explícita para agradar?". precisa de símbolos que tenha alguma informação já conhecida antes. A simbologia é uma representação criada pelo homem baseada nas formas abstratas. A falta de intimidade com a arte abstrata é que leva o homem a não apreciá-la. principalmente se for uma simbologia mais evidente. 136 . conhecer novos materiais. Essa escola foi criada (+/-) 1919/1920 em Weimar. etc. Um trabalho abstrato pode ser rico ou não em simbologias. O lado direito é o lado sensitivo. etc. Algumas obras abstratas passam algum conteúdo. que representava um monte de feno. cores. A obra abstrata não precisa ter conteúdo. outras não. sem se preocupar com a forma e o conteúdo. O lado esquerdo do cérebro é o lado racional. Kandinsky passou por várias fases da pintura e na sua primeira visita à Paris viu o quadro de Monet.Comentário: "A música existe por ela mesma sem ter a letra. Essa escola tem um destaque muito importante dentro da história da arte e da arquitetura. é preciso ver o quanto aquela obra oferece de informações inovadoras. que integrou a BAUHAUS (escola de arte).

também trabalhou em cima do abstracionismo com um caráter sentimental. De um modo geral. alegria. uma composição que não interfere o nosso lado sentimental. Ele inclusive vai pegar você pela emoção do prazer ou não prazer. laminado melanínico (que significa fórmica) Obs. Design: significa desenho Designer: significa desenhista Kandinsky se preocupava mais com a evolução do desenho junto a seus alunos. as linhas e cores adquirem novos valores expressivos e uma nova vida própria despertando no observador emoções e sugestões de acordo com a sua sensibilidade". Foi nomeado um tipo de assessor cultural. No seu trabalho vai predominar uma idéia de sentimento. soltando-se por completo. Ele cria formas livremente que não são definidas pela natureza ou geometria. mas estando sempre associadas a alguma coisa que passa sensações para nós. independente de qualquer representação. no sentido de que ele não é preso ao geometrismo. de utensílios e vai se tornar muito conhecida mundialmente. e que seriam aspectos ligados a parte sensitiva de cada um de nós. tristeza. Como por ex. da negação do prazer ou do êxtase com relação a obra. o que é abstracionismo. diminui a beleza que as formas e as cores possuem em si mesmas.: A revolução industrial não significa somente invenções industriais. os trabalhos de Kandinsky foram se tornando cada vez mais introspectivos. artista brasileiro. Na sua fase final ele está completamente abstrato. plástico. Tem uma frase interessante que ele comenta sobre o conteúdo em uma obra de arte: " A presença de uma imagem visual ou a representação da realidade. Fala que temos que negar o que é a realidade para representar a realidade. Não é aquele tipo de abstracionismo que você comenta sobre se a composição está muito bem equilibrada. Chega a provar que a arte acadêmica é que é abstrata. O pintor é abstrato é que é um realista.: ferro. extremamente desenvolvido e a combinação de materiais. as cores e as formas acontecem livremente. ou seja. Adorava criar entidades que pudessem apoiar a arte. Bandeira. Neste livro filosófico vai questionar muito sobre o aspecto de conteúdo da arte. etc. Em algumas etapas de seu trabalho ele se utiliza propositadamente da geometria de forma intensa. o que é figurativismo. Kandinsky escreveu um livro neste período chamado "O Espiritual da Arte". A Bauhaus é uma escola que vai aprimorar os designs dos objetos de uso do dia a dia. distribuída. mas sim um aprimoramento das invenções. e sendo assim.Obs. Vai mexer com nosso emocional proporcionando-nos sensações do tipo exuberante. O seu trabalho é informal. Em dois anos ele fundou 22 entidades entre galerias de artes e museus. Vai dizer também que nós temos uma mentalidade muito ligada a dos renascentistas. O abstracionismo está muito ligado em algumas coisas com o expressionismo. : A palavra fórmica é nome de uma marca. que se baseavam no belo e no real. Influenciou realmente o design de peças das mais diversas que encontramos hoje. 137 .

138 . Também existe um tipo de abstrato informal formado por manchas. Este trabalho não deixa de ser um teste do artista que pode ter ido adiante para um trabalho final ou não. mais provável. Orfismo tem ligação com a música. e que também. Consegue nos convencer da dor que o homem está sentindo e que estava ligado ao aspecto da guerra. as formas e as cores devem ser organizadas de tal maneira que a composição resultante seja apenas a expressão de uma concepção geométrica. São manchas criadas impulsivamente com toda a liberdade ou efusão emocional do artista.A. Neoplasticismo. pode ser Cavaleiro Azul. Trabalhos bem conhecidos de Kandinsky: Série de "Improvisações" "A Tela Amarela" "A Pintura com Três Manchas" Obs.: A obra "O grito" por pouco não é abstrato pela deformação. Resulta às linhas verticais e horizontais e às cores puras (vermelho. Um dos grupos que ele fundou foi chamado de DÉR BLAUE REITER. no mínimo o braço do artista.Ex. azul e amarelo). deslizes e riscos com luminosidade. significa prova de artista. conhecido como Cavaleiro Branco. do cubismo. Raionismo formado por raios. elas não possuem parâmetro definido pelo braço do artista como no Tachismo. seu criador e princiapl teórico foi Piet Mondrian. Principal artista: Sonia Delaunay.: Quando você encontra uma obra com o símbolo "P. estanques. O ângulo reto é o símbolo do movimento. porém. É muito comum que os vários artistas que passaram pelo abstracionismo tenham participado do expressionismo. Curiosidades: Tachismo (de tache = mancha). Kandinsky foi considerado um “expert” do abstracionismo informal. ou de outros momentos que “tem um pé dentro e outro fora realidade”. Onde as cores e as formas são organizadas de maneira que a composição resulte apenas na expressão de uma concepção geométrica.". Grafismo é todo abstracionismo formado por uma grafia não cognificada. sendo rigorosamente aplicado à arquitetura. Principal artista: Larionov/Gontcharova Abstracionismo Geométrico ou Formal. ou de alguma coisa própria do artista. Formado por manchas coloridas colocadas lado a lado em um certo parâmetro ou limite.

Ele não usa figuras explícitas. defendia a supremacia da sensibilidade sobre o próprio objeto. Seu trabalho é abstrato. poeta russo. de pé. não de contorno. 139 . tinha um componente emocional que sempre se inspirava naquilo que ele via. à pureza geométrica do quadrado. A maioria dos americanos não estuda história da arte em seu currículo escolar. foi um dos principais integrantes do movimento futurista em seu país. Jackson Pollock Pintor americano. em Nova York. Suas características são rígidas e se baseiam nas relações formais e perceptivas entre a forma e a cor. de técnica. A maioria de suas obras estão no Museu "MOMA". é uma pintura com base nas formas geométricas planas. Ele é bastante movimentado. um estacionamento de barcos e o oceano. Curiosidades: Suprematismo. círculo. informal e o apelo de seu trabalho está num conjunto de tudo. Quando fazia o seu trabalho já tinha uma preocupação de distribuir tanto as formas como as cores na tela. Ele usou. holandês) Piet Mondrian desenvolveu uma série de pesquisas em cima do abstracionismo. que ao olhar o seu trabalho visualizamos às vezes figuras que transferimos para a nossa realidade. Ele transformava as formas e cores e purificava tudo em uma visão bem geométrica. mas sempre tem um apelo forte a emoção. É um trabalho que lembra uma marina. que foi e voltou e passou por várias fases. Mais racional que as obras abstratas de Kandisky e Paul Klee. Teve uma evolução bastante gradual e oposta a de Kandinsky. assinado por Malevitch e Maiakovski. Pesquisa os efeitos perceptivos do quadrado negro sobre o campo branco. obtendo formas extremamente definidas e geométricas. como quiser. reduz as formas. Buscava uma definição.: A obra de abstração da "Árvore". Ele influenciou muito os artistas alemães da geração atual. Os elementos principais são: retângulo. cores e formas que obtém. sempre buscando um equilíbrio. Ex. Tinha o objetivo de desenvolver um abstracionismo geométrico onde as formas e as cores eram organizadas de tal maneira que a composição resultante fosse uma expressão de uma concepção geométrica. O manifesto do Suprematismo. de longe. de ponta cabeça. A sua obra mais conhecida chama-se "Boogie Odgie na Broadway". cores mais fortes e depois foi usando cada vez mais tonalidades pastéis. no início de seu trabalho. Outro trabalho muito conhecido é "Pier e o Oceano". mas de colocação de uma cor ao lado da outra. já para o europeu a arte faz parte de sua formação acadêmica. Sua obra deve ser vista de perto. Ele teve uma evolução bastante progressiva. triângulo e a cruz.Piet Mondrian (1872-1944 . sem qualquer preocupação de representação. mas pode ser notado um aspecto expressionista nele. Antes de ser um pintor era um conhecedor de arte. Apesar de ele ter uma obra extremamente geométrica. Ele é bastante expressivo. nas variações ambíguas de fundo e forma.

espontaneidade e automatismo. deixava secar e depois fazia intervenções sobre esse trabalho. que faz o que ela quer.pincéis. Toda viagem que fazia recebia muita influência. fundou-se nos Estados Unidos. Passou por diversas fases sem precisar voltar a nenhuma delas. Teve um processo bastante evolutivo. Não teve muitas obras. ou inclinada para que a tinta jogada pudesse escorrer. Em 1937. Kasimir Malevich Artista russo. Ele escolhia a posição que ia colocar a tela. Participou do grupo de Kandinsky "Cavaleiro Azul". balançar o pincel para respingar sobre a tela. Uma de suas obras feitas pelo processo "Action Painting" chama-se "Ritmo Autônomo". Essa técnica de pintura chama-se Action Painting que significa “pintura por ação”. Paul Klee demorou para muito para decidir ser pintor devido as influências recebidas de seus pais que eram músicos. Nem sempre trabalhava com esse processo "Action Painting". no chão. Jackson Pollock deixava que a tinta agisse por si só. Ele soube colocar a sua própria expressão. · Destruição dos meios tradicionais de execução . Rússia e outros dispersos. Não existiu nenhum artista que tivesse influenciado Paul Klee diretamente. utilizando tinta à óleo. Características da Pintura: · Compreensão da pintura como meio de emoções intensas. Foi o que mais se desvinculou da idéia de realidade. Ele pintou inúmeros trabalhos só com cor e retângulo. insistindo sempre no geometrismo. Curiosidades: Action Painting ou pintura de ação gestual.: Lançar a tinta pode ser um processo de jogar a tinta com um balde. mas sempre utilizando quadrados e retângulos na sua maioria. Teve uma formação acadêmica tradicional que rejeitava. geométricas e perfeitas em cima de um fundo extremamente chapado. espátulas. pasta espessa de areia. Tem trabalhos em Amsterdã. Ele não quer passar nenhum sentimentalismo através de sua obra. A sua composição é bastante variada. Obs. 140 . trincha. assim como a natureza. Essas figuras geométricas são na maioria das vezes chapadas também. Jackson Pollock usava dois processos para jogar a tinta na tela. Ele deixava a tela de pé. Raríssimas obras não serão geométricas. O abstracionismo cresce e se desenvolve nas Américas. em telas enormes. Paul Klee Nasceu em 1878 e morreu em 1940. Viveu sua vida artística quase que inteira no abstracionismo geométrico. na Holanda.Usou muito a técnica de jogar a tinta sobre a tela deixando que ela agisse por conta dela mesma. chegando à criação de um estilo original. lançava a tinta. formas extremamente rígidas. · Técnica: pintura direta na parede ou no chão. · Execução cheia de violenta agressividade. A natureza também é uma arte. a Sociedade dos Artistas Abstratos. criada por Jackson Pollock nos anos de 1947 a 1950 faz parte da Arte Abstrata Americana. vidro moído. etc. etc.

antes de atacar suas telas. tornando-se um admirador da obra de seu conterrâneo Rembrandt e do francês Cèzanne. Com seus borrões e respingos de tinta atirados contra ela a tela. pastel e outros materiais. aquele que todos fazem (casinha. do mesmo modo que explorou o expressionismo e o cubismo. deslocou de Paris para Nova York a capital mundial das artes. Arshile Gorky e Mark Rothko. e o irreal com o real" O desenho de "setas" vai aparecer muito em seus trabalhos.a marca da diferença em seu trabalho. como todos os outros abstracionistas. "Minha obra vive de incluir as coisas. às vezes só a título de experiência. o jovem De Kooning. Segundo Paul Klee: "A arte não restitui o visível. Ao final dos anos 40. Diversamente dos expressionistas europeus. revolucionaria a pintura americana. junto com Jackson Pollock. que aboliram a representação figurativa de seus quadros. Ele tinha uma visão muito espiritual. usou também aquarela. começou a vida como carpinteiro e pintor de paredes. Você reconhecerá a sua obra através de sua essência. De Konning fez das figuras femininas . que abandonou a Holanda aos 22 anos a bordo de um cargueiro. 141 . Assimilou muita coisa do cubismo. fundando a vanguarda expressionista abstrata. Willem de Kooning (1904-1997) Nos anos 20 e 30. Teve uma variedade muito grande de estilos. De cultura européia. Morreu vítima do mal de Alzheimer em sua casa-ateliê em Long Island. Paul Klee explorava esse tipo de arte. traçados e pinceladas em seus trabalhos.: É conceituado como arte primitivista todo o desenho folclórico. florzinha). De Kooning herdaria o apreço ela arte figurativa. que no começo do século converteram sua arte numa forma de panfletagem político-social. Obs. expressionismo e primitivismo. Ele não se prendeu só a pintura à óleo. preferindo expremir as misérias da condição humana nos limites da existência individual.Paul Klee também foi um dos professores da Bauhaus. ela torna-o visível". não de excluí-las". Pollock. secundado por De Koonning e companhia. o maior de todos. a vanguarda expressionista ianque tratou de banir a política de seus quadros. Para Paul Klee "O ilógico coexiste com o lógico. apesar dos contextos racionais da arte. costumava afirmar. perto de Nova York. Ao contrário de seus colegas de vanguarda.

SURREALISMO
Em 1924 surge um grupo de pintores que vai se interessar muito pelo subconsciente, onde ocorre aí a falta de lógica. Eles se interessavam demais pelo sonho, pelo fantástico, pelo irreal, pela loucura, tudo que contrariasse a lógica. • Loucura • Sonho • Irreal • Ilógico A forma que eles pintavam é muito realística, mas o conteúdo é sem lógica. Freud estava em moda. A arte que é muito lógica, como iria acompanhar o ritmo se este já não é mais lógico? A arte tem que acompanhar a época. Vai haver, portanto, uma série de trabalhos que chamamos de surrealista. É uma arte do inconsciente. O surrealismo não é uma arte só do inconsciente, é também uma arte sem limites de qualquer espécie no conteúdo. O surrealismo vai surgir na pintura, na poesia, na música, no tipo humano (aquela pessoa surreal). O pintor, o poeta e todos os outros artistas procuram dois mundos: um visível e o outro submerso, vago, indeterminado, que é o subconsciente da gente. Vão procurar pintar esse subconsciente que não é fácil. Nós vivemos hoje, segundo Mali, em um mundo com métodos muito lógicos. Isso dificulta o entendimento do mundo surreal. O surreal não tem lógica nenhuma. É o nonsense total. Os fins lógicos não escapam de nós, mas os fins ilógicos sim. Tudo que não tem lógica e que foge do nosso controle, nós não gostamos. O surreal passa a ser a arte pura do sonho e da fantasia. Vão usar muito álcool, excitantes, hipnose, símbolos esotéricos, alquimia. Na arte surrealista não vai haver uma lógica discursiva. Ela não vai ter começo, meio e fim. O surrealista vai usar primeiro elementos justapostos, quer dizer, elementos que podem estar no mesmo tempo no mesmo lugar e podem ou não estar mesmo espaço. Ex.: Quando Paul Delvaux vai pintar uma moça nua em uma estação de trem com uma vela na mão como se fosse uma sonâmbula, isso incomoda muita gente, porque não tem lógica. Surrealismo tem muito recollection. É o sonho mal resolvido que agente tem. Paul Delvaux é um pintor surrealista que vai pintar muito estação de trem. Coloca uma mulher da época barroca fazendo justaposição de tempo e de elementos com mulheres mais clássicas no plano de trás. A forma é perfeita como uma fotografia mas a história ou o conteúdo é estranho. Paul Delvaux é belga e morreu em 1994. Em "off": Quando ele era mocinho, tinha paixão por trem, morava em uma casa próximo à uma estação ferroviária. Seu pai resolveu então levá-lo para uma viagem de trem. Quando eles chegaram lá o trem já tinha saído. Isso vai marcar muito pelo resto de sua vida, influenciando sua pintura. 142

O "acaso" para os surrealistas é uma coisa muito importante. Vai funcionar como uma "mis en cene" = "fundo" Ex: Dali pegava um papel e colocava ao ar livre por 3, 4 dias. O que acontecesse com aquele papel ele ia aproveitar para fazer em suas obras, como borrões. É o acaso. Na pintura surrealista, a técnica é ligada à criatividade. Vai ter que pintar muito bem a forma para que seja muito fácil de entender. Não pode pintar uma coisa muito complicada porque senão o fruidor não vai conseguir ler a obra. Se a forma não for perfeita e a história complicada, vai ser impossível de entender a obra. Pintores Bélgas importantes: Paul Delvaux, surrealista René Magritte, surrealista Rubens, barroco Para os surrealistas o acaso, a técnica, a decalcmania, fotomontagens, vão ser muito importantes. Vai atingir até a literatura e o cinema. Na literatura brasileira nós temos: João Cabral de Mello Neto Ariano Suassuna Júlio Cortasa Filme Surrealista: Filme inglês "Spell Bound", com Ingrid Bergmann. A cenografia é do Salvador Dali. O diretor é o Hitchcock (??). Surrealismo é um estado de espírito, é um propósito, é uma arte de sonho. Principais pintores surrealistas: Salvador Dali René Magritte Paul Delvaux Marx Hess, tem uma fase pequena surrealista. Foi cubista também.

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SALVADOR FILIPE JACINTO DALI ERA O NOME COMPLETO DE DALÍ.
Nasceu em 11 de maio de 1904. Em Figueiras, espanhol da Catalônia. Nasceu de família rica. Já era excêntrico desde que fez escola de Belas Artes. Em 1927 Dalí fez sua primeira visita à Paris. Picasso já tinha feito em 1900. Dalí começou pintando como impressionista. Ficou amigo de Garcia Lorca e Brunuel (diretor de cinema espanhol famoso). Os três eram muito amigos. Dalí vai ter muita influência de Picasso, em uma de suas fases. Ele teve um caso com Garcia Lorca. Brunuel não se conformava pois era muito machista. Dalí vai se tornar um grande surrealista. Em 1929, Dalí conhece Gala, que é Helena, e vai ser sua musa inspiradora e sua paixão até ele morrer. Ela foi uma dançarina russa. Quando Dalí a conheceu ela era esposa de Paul Edward (grande poeta francês). Quando Dalí viu Gala, numa festa na casa de Brunuel, ela estava de costas para o sol e com os ombros de fora. Ele se apaixonou pelo ombro dela e disse que ia casar com aquela mulher. Conseguiu tirá-la de Paul Edward e vão ficar juntos até ela morrer. Fofoca: Dali tinha um problema físico. Tinha o “elemento” pequeno que não funcionava muito. Gala conseguiu resolver essa situação. Ele devia isso a Gala. Foi a primeira mulher realmente que ele se resolveu. Ele era bissexual e tinha muitos casos. Nunca mais vai largar Gala na sua vida. Ela teve também muitos casos com marinheiros que Dalí sabia e aceitava numa boa. Dalí é o protótipo do homem surrealista. Ele é escandaloso e só pintou o irreal. É um cabotino (aquele indivíduo de maneira afetada, que procura chamar a atenção, ostentando qualidades reais ou fictícias) e só pensava em dinheiro. Adorava Picasso como artista e como pessoa. Picasso nunca deu bola para Dalí. Eles nunca foram amigos. Picasso não admitia a forma de viver de Dalí, apesar dele também ser extravagante. Dalí vai pintar muitos símbolos fálicos, como os ciprestes pontudos. Vai pintar muito costeletas penduradas em Gala, significando que gosta de “comer” Gala. Ele pinta também muitas muletas. Acha que todo mundo tem muletas. A sua muleta era Gala. Ele representa a muleta como se fosse forquilha (tipo muleta para segurar as oliveiras) A religião para Dalí é um campo de investigação. Ele foi muito místico. Ele fez coisas muito loucas, como a "Apoteose do Dólar". Era um quadro cheio de dólar assinado com um cifrão. Ele ficou muito rico. Quando a Gala morreu em 1982 ele estava sofrendo o mal de Parkinson. Dalí vai viver até o fim de sua vida de forma muito extravagante. Morre em 1986.

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entre os quais estavam Masson. Leiris. Tudo dele é fantasticamente absurdo. 145 . Artaud e Lial. Ele investe em você o tempo todo. onde se formara um grupo de amigos pintores. mas difíceis de serem elucidadas. Nessa época. A partir daí sua pintura mudou radicalmente. você se questiona se é ou não real. A famosa magia de Miró se manifesta nessas telas de traços nítidos e formas sinceras na aparência. Ele é um campo muito vasto para a nossa imaginação. em Barcelona. Em 1920 Miró instalou-se em Paris (embora no verão voltasse para Montroig). obra fundamental em seu desenvolvimento estilístico posterior e na qual Miró demonstrou uma grande precisão gráfica. fez amizade com Picabia e pouco depois com Picasso e seus amigos cubistas. onde conheceu a obra dos impressionistas e fauvistas franceses. em cujo grupo militou durante algum tempo. embora se apresentem de forma amistosa ao observador. Tinha obsessão pelo rosto de mulher e estações de trem. PAUL DELVAUX (1898-1994) É pintor belga. Dois anos depois adquiriu forma La masía. RENÉ MAGRITTE (1898-1967) É também pintor belga. É o pintor surrealista do absurdo. nas quais extravasou suas inquietações pictóricas. Ele vai fazer sobreposições até o infinito.JOAN MIRÓ iniciou sua formação como pintor na escola de La Lonja. Pinta o irreal. Toda obra que você vê. a desconfiança do irreal. Miró também se dedicou à cerâmica e à escultura. Usa metáfora em todos os quadros. Breton falava dela como o máximo do surrealismo e se permitiu destacar o artista como um dos grandes gênios solitários do século XX e da história da arte. Em 1912 entrou para a escola de arte de Francisco Gali.

ela operava com signos estéticos massificados da publicidade. tinta acrílica. produtos com cores intensas. transformando o real em hiper-real. látex. com garrafas de Coca-Cola. Representavam. já que se utilizava de objetos próprios delas. usando como materiais principais. nos quais se inspirava e muitas vezes o próprio aumento do consumo. sua denominação foi empregada pela primeira vez em 1954. dos quadrinhos. passaram a transformá-los em tema de suas obras. virou moda. Mas ao mesmo tempo que produzia a crítica. sobretudo os que eram provenientes dos Estados Unidos. em oposição ao expressionismo abstrato que dominava a cena estética desde o final da segunda guerra. como aconteceu por exemplo. desmitificando. Com raízes no dadaísmo de Marcel Duchamp. quadrinhos. de Andy Warhol. de poderosa influência na vida cotidiana na segunda metade do século XX. quando alguns artistas. assim. da fotografia. Roy Lichtenstein (1923-1997). a Pop Art se apoiava e necessitava dos objetivos de consumo. o pop art começou a tomar forma no final da década de 1950. um dos principais artistas da Pop Art. Além disso.POP-ART Movimento principalmente americano e britânico. os componentes mais ostensivos da cultura popular. a Pop Art proporcionou a transformação do que era considerado vulgar. brilhantes e vibrantes. ilustrações e designs. embalagens de produtos industrializados e pássaros empalhados. do cinema e da publicidade. muito do que era considerado brega. usando como materiais principais. Sua iconografia era a da televisão. e aproximou a arte das massas. reproduzindo objetos do cotidiano em tamanho consideravelmente grande. tinta acrílica. pelo crítico inglês Lawrence Alloway. Era a volta a uma arte figurativa. a arte para poucos. Seu interesse pelas histórias em quadrinhos como tema artístico começou provavelmente com uma pintura do camundongo Mickey. ilustrações e designam. em refinado. Esses trabalhos tiveram como temas episódios da história americana moderna e da cultura popular. e já que tanto o gosto. poliéster. Por volta de 1962. Com o objetivo da crítica irônica do bombardeamento da sociedade pelos objetos de consumo. para designar os produtos da cultura popular da civilização ocidental. Principais Artistas: Robert Rauschenberg (1925) Depois das séries de superfícies brancas ou pretas reforçadas com jornal amassado do início da década de 1950. como a arte tem um determinado valor e significado conforme o contexto histórico em que se realiza. que realizou em 1960 para 146 . após estudar os símbolos e produtos do mundo da propaganda nos Estados Unidos. usando como materiais. Rauschenberg criou as pinturas "combinadas". com as Sopas Campbell. adotou a técnica de impressão em silk-screen para aplicar imagens fotográficas a grandes extensões da tela e unificava a composição por meio de grossas pinceladas de tinta.

Da mesma forma. Andy Warhol (1927-1987). Produziu filmes e discos de um grupo musical. ampliou as características das histórias em quadrinhos e dos anúncios comerciais. crucifixos e dinheiro. delineadas por um traço negro. o artista pretendia oferecer uma reflexão sobre a linguagem e as formas artísticas. e reproduziu a mão. contribuíam para o intenso impacto visual. O resultado é a combinação de arte comercial e abstração. Warhol entendia as personalidades públicas como figuras impessoais e vazias. intelectuais. planas e limitadas. Com essas obras. com fidelidade. incentivou o trabalho de outros artistas e uma revista mensal 147 . por exemplo. desvinculados do contexto de uma história. uma técnica pontilhista para simular os pontos reticulados das historietas. símbolos ambíguos do mundo moderno. Warhol mostrou sua concepção da produção mecânica da imagem em substituição ao trabalho manual numa série de retratos de ídolos da música popular e do cinema. aparecem como imagens frias. Em seus quadros a óleo e tinta acrílica. os procedimentos gráficos. e usando sobretudo a técnica de serigrafia. automóveis. Empregou. as latas de sopa Campbell. Seus quadros. como Elvis Presley e Marilyn Monroe. destacou a impessoalidade do objeto produzido em massa para o consumo. apesar da ascensão social e da celebridade. como garrafas de Coca-Cola.os filhos. Cores brilhantes. Ele foi figura mais conhecida e mais controvertida do pop art.

O geometrismo da composição. a Op Art passou por um desenvolvimento relativamente lento. sua montagem é muito complexa. São engenhosamente combinadas. elas se movimentariam pela simples ação das correntes de ar.criou a plástica cinética que se funda em pesquisas e experiências dos fenômenos de percepção ótica. Sugerir facilidades de racionalização para a produção mecânica ou para a multiplicidade. Apesar de ter ganho força na metade da década de 1950. Principais artistas: Alexander Calder (1898-1976) . ao qual não são estranhos efeitos luminosos. que se modifica a cada instante. mesmo quando em preto e branco. Embora. em comparação. mais próxima das ciências do que das humanidades. Mas. pois exige um sistema de peso e contrapeso muito bem estudado para que o movimento tenha ritmo e sua duração se prolongue. por outro lado. de modo que através de constantes excitações ou acomodações retinianas provocam sensações de velocidade e sugestões de dinamismo. Por outro lado. Apesar do rigor com que é construída. como diz o artista. ele verificou que se mantivesse as formas suspensas. 148 . solicitar ou exigir a participação ativa do contemplador para que a composição se realize completamente como "obra aberta".OP-ART A expressão “op-art” vem do inglês (optical art) e significa “arte óptica”. suas possibilidades parecem ser tão ilimitadas quanto as da ciência e da tecnologia. Os seus primeiros trabalhos eram movidos manualmente pelo observador. que se modificam desde que o contemplador mude de posição. Victor Vassarely . Ela não tem o ímpeto atual e o apelo emocional da Pop Art. Defendia para arte "menos expressão e mais visualização". parece excessivamente cerebral e sistemática. As suas composições se constituem de diferentes figuras geométricas. simboliza um mundo precário e instável. depois de 1932.Criou os móbiles associando os retângulos coloridos das telas de Mondrian à idéia do movimento. em preto e branco ou coloridas. os móbiles pareçam simples. parece obedecer a duas finalidades.

vandalismo puro e simples". só deixa passar a tinta pelos orifícios determinados. 149 . destacam-se os artistas: Alex Vallauri. como "violação. existe a valorização do desenho. Principal artista: Jean Michel Basquiat . Nina. Seus grafites mostravam símbolos de variadas culturas. a opressão e o racismo. destruição moral. no PS 1. iniciou sua carreira grafitando as paredes e muros de Nova York.pixação de signos. com apresentação de Peter Schjeldahl. Boleta. instalando-se em coleções privadas e cobrindo com seus rabiscos e signos os mais variados objetos de consumo.o grafiteiro utiliza um cartão com formas recortadas que. um dos principais espaços de vanguarda de Nova York. Morreu prematuramente em virtude de depressão e drogas. palavras ou frases de humor rápido. a partir daí virou celebridade.GRAFFITI Definido por Norman Mailler como" uma rebelião tribal contra a opressora civilização industrial" e. ao receber o jato de spray. também se destacam artistas de vanguarda como: Os Gêmeos: Otávio e Gustavo. Tikka e T. Waldemar Zaidler e Carlos Matuck. No Brasil. valoriza-se a cor. principalmente no contexto político e social. Freak. nascido no Haiti. Speto. Nunca. Foi patrocinado por Andy Warhol (Pop Art). Características gerais: * Spray art . As temáticas do seu trabalho refletem suas preocupações. e principalmente ícones da cultura e consumo americanos. de Nova York. por outros. A primeira grande exposição de Grafite foi realizada em 1975 no "Artist's Space". anarquia social.e das ruas das galerias e museus de arte. o Grafite saiu do seu gueto . Com 21 anos participou da sua primeira coletiva em Nova York. de obras famosas. mas a consagração veio com a mostra "New York/New Wave" organizada por Diego Cortez. como o genocídio. * Stencil art . em 1981.(1960-1988).o metrô .

Obra Destacada: Homenagem a Chico Mendes do artista Roberto Evangelista. Não se trata. juntamente com a escultura e outros materiais. ARTE NAÏF É a arte da espontaniedade. Esse isolamento situa o art naïf numa faixa próxima à da arte infantil.Berlim). da criatividade autêntica. nem tampouco no conceito de arte popular. Alguns artistas interferem na paisagem. É utilizada a pintura. portanto. existem os realmente marcantes e outros nem tanto. que foi envolvido em tecido sintético com duração de duas semanas. O espectador participa da obra. sem nenhuma referência cultural. para ativar o espaço arquitetônico. no entanto. Atualmente. Assim. mesmo nesses casos. seja quase sempre possível descobrir-lhes a fonte de inspiração na iconografia popular das ilustrações dos velhos livros. Art naïf (arte ingênua) é o estilo a que pertence a pintura de artistas sem formação sistemática. tende à simetria e a linha é sempre figurativa 150 . INSTALAÇÃO São ampliações de ambientes que são transformados em cenários do tamanho de uma sala. Obras Destacadas:: Cortina no Vale. ressaltamos Christo. Trata-se de um tipo de expressão que não se enquadra nos moldes acadêmicos. Guarda-sóis colocados em um vale da Califórnia e mais recentemente o Reichstag ( Parlamento Germânico em 1988 . das folhinhas suburbanas ou das imagens de santos. Ponte Neuf (Paris) embrulhada para presente. Características gerais: · Composição plana. Claro que. muito embora. se confunda com elas. colocam cortinas. bidimensional. nem nas tendências modernistas. de uma criação totalmente subjetiva. embrulhos em locais públicos. portanto é instintiva e onde o artista expande seu universo particular. o único artista que se destaca com suas interferências. como numa arte mais intelectualizada. guardasóis. o artista naïf é marcadamente individualista em suas manifestações mais puras. da arte do doente mental e da arte primitiva. do fazer artístico sem escola nem orientação.INTERFERÊNCIA Como a pintura já não é claramente definível e deixou de ser a única fornecedora de memoráveis imagens visuais. O artista naïf não se preocupa em preservar as proporções naturais nem os dados anatômicos corretos das figuras que representa. sem que. e não somente à aprecia.

Criou exóticas paisagens de selva que lembram tramas de sonho e parecem motivadas pelos sentimentos mais puros. Principal Artista: Henri Rousseau (1844-1910). Guillaume Apollinaire. e de empregar as cores de modo arbitrário.· Não existe perspectiva geométrica linear. Nos primeiros anos do século XX. no Salão dos Independentes. "Um dia de carnaval". Em sua primeira exposição foi acusado pela crítica de ignorar regras elementares de desenho. · Pinceladas contidas com muitas cores. Estreou com uma original obra-prima. composição e perspectiva. homem de pouca instrução geral e quase nenhuma formação em pintura. após despertar a admiração de Alfred Jarry. seu trabalho foi reconhecido em Paris e posteriormente influenciou o surrealismo. Pablo Picasso. 151 . Robert Delaunay e outros intelectuais e artistas.

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