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BESART / RINEKE DIJKSTRA

Rineke Dijkstra
A fotgrafa holandesa Rineke Dijkstra (1959, Sittard, Holanda) retrata crianas, adolescentes ou jovens adultos desde o incio dos anos de 1990. As suas sries fotogrcas parecem pertencer ao mbito do registo documental, marcado pela observao sociolgica e antropolgica, mas rapidamente assumem uma leitura esttica ou de cariz formal. Optando pelo grande plano do rosto dos retratados, ou por fotograas de meio corpo ou corpo inteiro, a artista busca uma captao directa e indiferenciada dos rostos, mas tambm das poses assumidas pelas pessoas que colaboram nesse projectos documentais. Ao abordar jovens em espaos pblicos (praias, parques, discotecas), Dijkstra procura fazer o registo naturalista ou a actualizao da ideia de retrato, com base na tradio retratista ocidental de uma srie extraordinria de pessoas jovens que anunciam, por si s, o futuro da nossa sociedade. A artista confessa: eu interesso-me pelo paradoxo entre a identidade e a uniformidade, pelo poder da vulnerabilidade de cada indivduo e de cada grupo. esse paradoxo que eu tento visualizar concentrando-me nas poses, atitudes, gestos e expresses. Das excentricidades normalizao do comportamento e da pose, os retratados no se apercebem que esto a participar numa espcie de exaustivo arquivo iconogrco sobre a juventude que faz a transio entre o segundo e o terceiro milnio. Por outro lado, toda a literatura sobre o retrato destaca a caracterizao psicolgica como um dos seus atributos principais. Ditado pelo semblante ou expresso da face, o indivduo manifesta-se a em toda a sua idiossincrasia. Conana, dvida, indiferena, orgulho, tristeza ou esperana so ento alguns dos pers psicolgicos que se podem identicar num rosto retratado, sobretudo inserido na lgica da pose consciente e deliberada. Mesmo quando os retratados se apresentam, na sua individualidade, como pertena de um grupo especco, como no caso das fotograas de forcados, percebemos que o que prevalece a psicologia da sua expresso facial, no efeito de uma serializao que regista a sua individualidade, afastando qualquer leitura sobre a identidade especca do colectivo. Concentrando-se no olhar dos retratados, Dijkstra busca, na linha da tradio retratstica, uma dignidade individual que supere todas as reminiscncias quotidianas, os actos passados ou a aco futura, exercendo o seu fascnio enquanto imagens de seres humanos comuns, apesar dos vestgios da sua diferenciao social e cultural. David Santos
Bibliograa seleccionada Rineke Dijkstra and Bart Domburg: Die Berliner Zeit, DAAD Galerie, Berlim, 2001. Menschenbilder, Museum Folkwang Essen, Essen, 1998. Rineke Dijkstra. Beaches, Codax Publishers, Zurique, 1996.

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BESART / RINEKE DIJKSTRA

Vila Franca, Portugal, May 8, 1994 B, 1994 Prova por revelao cromognea 90 x 72,5 cm Edio 3/6

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BESART / RINEKE DIJKSTRA

Montemor, Portugal, May 1, 1994 C, 1994 Prova por revelao cromognea 92 x 74,5 cm Edio 3/6

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BESART / WILLIE DOHERTY

Willie Doherty
Willie Doherty (1945, Derry, Irlanda do Norte, Reino Unido) faz da fotograa e do vdeo os meios preferenciais para desenvolver uma interveno artstica que testemunha uma experincia de vida passada em estreito contacto com uma sociedade dividida por questes religiosas e polticas. Muitos dos seus trabalhos esto associados sua terra natal, Derry, cidade que foi campo de conitos durante mais de trinta anos, desde o Domingo Sangrento, em 1972. A sua produo fotogrca retrata o medo e a insegurana que marcaram o seu olhar, bem como a desconana que os mass media lhe provocam. Assim, numa fase do seu trabalho, iniciada em 1985, a sua obra testemunha a complexidade e a indistino de fronteiras entre a esfera da percepo e da memria, da verdade e da co, entre os mundos fsico e interpretativo, oferecendo leituras opostas ocial, construda sobre os acontecimentos que abalaram a Irlanda do Norte. Numa fase mais recente da sua produo visual, Doherty transcende factos polticos mas d continuidade ao tratamento de noes de identidade, de memria e de verdade, colocando sobretudo em perspectiva a forma como recordamos as nossas experincias e avaliamos o seu grau de objectividade. Nas cinco fotograas da srie Grey Day (2007), pertencentes BESart Coleco Banco Esprito Santo, o artista cartografa paisagens quotidianas, produzindo imagens a preto e branco que, apesar de estarem destitudas de presena humana, revelam a identidade e a singularidade dos lugares. Dessas imagens, de subtis sinais e apontamentos de composio como uma linha traada no cho, uma parede ou um muro de uma casa, advm marcas e vestgios da congurao cultural e da circunscrio humana do territrio. So fotograas que revelam fsica e metaforicamente a condio irlandesa, a experincia pessoal e colectiva do artista, e nos conduzem partilha de pontos de vista e estados de alma sobre a realidade. A sua obra tem sido apresentada em numerosas exposies colectivas desde os anos de 1980, destacando-se simultaneamente o interesse crescente que desperta a sua produo no domnio da arte vdeo. De entre as suas mais signicativas apresentaes na cena artstica internacional, rera-se a sua participao na Bienal de Veneza, em 1993 e 2007, e na Bienal de So Paulo, em 2003. Willie Doherty foi nomeado duas vezes para o Turner Prize, em 1994 e 2003. Sandra Vieira Jrgens
Bibliograa seleccionada Willie Doherty. Somewhere Else, Tate Gallery Liverpool, 1998. Willie Doherty. Same old Story, Firstsite, Colchester, Matts Gallery, Londres, Orchard Gallery, Derry, 1997. Willie Doherty. In the Dark, Projected Works, Kunsthalle Bern, Berna, 1996. Willie Doherty, Douglas Hyde Gallery, Dublin, Grey Art Gallery and Study Center, New York University, Nova Iorque, Matts Gallery, Londres, 1993. Willie Doherty. Unknown Depths, Ffotogallery, Cardiff, Orchard Gallery, Derry, Third Eye Centre, Glasgow, 1990.

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BESART / WILLIE DOHERTY

Grey Day I, 2007 Prova gelatina sal de prata, colada sobre alumnio 101,5 x 87 cm Edio 2/3 Grey Day III, 2007 Prova gelatina sal de prata, colada sobre alumnio 101,5 x 87 cm Edio 2/3 Grey Day IV, 2007 Prova gelatina sal de prata, colada sobre alumnio 101,5 x 87 cm Edio 2/3

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BESART / WILLIE DOHERTY

Willie Doherty Grey Day VIII, 2007 Prova gelatina sal de prata, colada sobre alumnio 101,5 x 87 cm Edio 1/3 Grey Day X, 2007 Prova gelatina sal de prata, colada sobre alumnio 101,5 x 87 cm Edio 1/3

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BESART / STAN DOUGLAS

Stan Douglas
Desde que comeou a expor, no nicio da dcada de 1980, que Stan Douglas (1960, Vancouver, Canad) se tornou um dos artistas de maior prestgio da sua gerao, tendo exibido o seu trabalho na Bienal do Whitney (1995) em Nova Iorque, no Skulptur Projekte (1997) em Mnster e na mtica Documenta X (1997) em Kassel. Mais recentemente, entre Setembro de 2007 e Janeiro de 2008, o seu trabalho foi exibido em Stan Douglas Past Imperfect. Works 1986-2007, uma imensa retrospectiva apresentada pelo Wrttembergisher Kunstverein e pela Staatsgalerie Stuttgart, em Estugarda. Ainda em 2008, Stan Douglas ganhou o Bell Award para arte vdeo. Enquanto fotgrafo e videasta, Stan Douglas tem gerido habilmente uma das questes fulcrais do discurso crtico do sculo XX: a articulao do cinema com a psicanlise o par romntico por excelncia. A sua relao, no entanto, se bem que imensamente descrita continua pouco compreendida. Como numa novela policial ou no ensaio de Freud, Das Unheimlich, as coincidncias sucedem-se: a primeira descrio da psicanlise aparece em 1896; imediatamente antes, em 28 de Dezembro de 1895, os irmos Lumire organizavam a primeira sesso de cinema da histria mostrando os seus primeiros lmes. Um lxico comum emerge: falamos de projeco, de associao, de fragmentao, e descrevemos ambas as prticas com o mesmo arsenal de adjectivos. Mas o cinema uma metfora para o inconsciente ou o inconsciente uma metfora para o cinema? Stan Douglas situa-se no cerne desta questo. Os seus lmes, sobretudo Der Sandmann (1995) e Journey Into Fear (2001), so elpticos e fragmentrios, compostos por um puzzle de aluses e referncias, ao qual faltam sempre peas ou do qual sobram sempre peas. Emulando o inconsciente enquanto linguagem, apresentam-nos um semblante de determinao que nunca se resolve. nesse sentido que a fotograa se torna fundamental para a compreenso da sua obra. A determinao a da fotograa ela prpria, pela resoluo e exactido da imagem. A irresoluo tambm a irresoluo da fotograa ela prpria, a forma como pela sua auto-evidncia uma imagem documental ilude a signicao. por isso que La Casa de la Moneda / Concert Hall, Habana Vieja e Las Siervas de Nuestro Seor (ambas de 2004) so fotograas documentais que registam, antes de mais, o sujeito potico do sculo da psicologia. Ana Pinto
Bibliograa seleccionada Stan Douglas Past Imperfect. Works 1986-2007, Hatje Cantz, Ostldern, 2007. Stan Douglas, Vancouver Art Gallery, Vancouver, 1999. Stan Douglas, Centre Pompidou, Paris, 1994. Stan Douglas. Monodramas and Loops, UBC Fine Arts Gallery, Vancouver, 1992. Samuel Beckett. Teleplays, Vancouver Art Gallery, Vancouver, 1988.

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BESART / STAN DOUGLAS

Las Siervas de Nuestro Seor Convent Chapel/Manuel Bisbe Secondary School Library, Miramar, 2004 Prova por revelao cromognea, colada sobre alumnio 126 x 142 cm Edio 3/7

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BESART / STAN DOUGLAS

La Casa de la Moneda/Concert Hall, Habana Vieja, 2004 Prova por revelao cromognea, colada sobre alumnio 122 x 139 x 6 cm Edio 2/7

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BESART / WILLIAM EGGLESTON

William Eggleston
No mbito da histria recente da fotograa, o nome de William Eggleston (1939, Memphis, Tennessee, EUA) praticamente incontornvel. Quando, em 1976, o Museu de Arte Moderna de Nova Iorque apresentou uma exposio com cerca de setenta e cinco das suas fotograas, a comunidade artstica no demorou a dividir-se face ao que viria a conrmar-se como um momento de viragem nos destinos deste meio: esta exposio no apenas aparecia como o culminar de uma lenta e prudente legitimao da fotograa a cores no contexto artstico, como a aparente trivialidade dos temas abordados por Eggleston contrariava uma persistente e restrita ideia de dignidade que ainda governava a tica do momento fotogrco. Tendo iniciado a sua actividade no nal dos anos de 1950, Eggleston teve nas obras de Walker Evans e de Henri Cartier-Bresson as suas maiores referncias. Do primeiro reteve o olhar sobre a iconograa do lugar, a sua objectividade e clareza; do segundo guardou a liberdade e a uidez do enquadramento, e uma renovada noo de amplitude tonal. Quando em meados da dcada de 1960 Eggleston inicia o seu trabalho com a cor, ambas as inuncias concorrem na formao de um universo visual dominado pela esttica do quotidiano, pela expressiva manipulao cromtica, e pela explorao de distncias e ngulos pouco convencionais. A srie Dust Bells (1965-75), constituda por uma seleco de obras realizadas entre 1965 e 1975, um testemunho concreto das opes tcnicas e formais que celebrizaram este autor. Mas talvez mais importante ainda, este conjunto permite-nos intuir como a fora do projecto de Eggleston reside no seu carcter serial na forma como estas imagens despoletam um ntimo jogo de sentido entre si, como se se tratassem de captulos avulsos de uma estria mais vasta. Uma estria erigida sobre um mundo visual sem hierarquias, e atravs do exerccio de um olhar democrtico. De entre os diversos prmios que a sua obra granjeou, destacam-se o Hasselblad Award em 1998, e o prmio PHotoEspaa em 2004. Bruno Marchand
Bibliograa seleccionada Michael Almereyda, 5x7, Twin Palms, Santa Fe, 2006. Los Alamos, Museu de Arte Contempornea de Serralves, Porto, 2003. Mark Holborn, William Eggleston. Ancient and Modern, Random House, Nova Iorque, 1992. Eudora Welty, The Democratic Forest, Doubleday, Nova Iorque, 1989. John Szarkowski, William Egglestons Guide, The Museum of Modern Art, New York, 1976.

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BESART / WILLIAM EGGLESTON

Dust Bells 2 Record Album in Rear Window, 1965-1975 Prova por transferncia de corantes 72,5 x 55,5 cm Edio 3/15 Dust Bells 2 Woman Walking on Sidewalk, 1965-1975 Prova por transferncia de corantes 72,5 x 55,5 cm Edio 3/15

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BESART / WILLIAM EGGLESTON

Dust Bells 2 Light Bulb on Plywood Ceiling, 1965-1975 Prova por transferncia de corantes 56,5 x 70 cm Edio 3/15 Dust Bells 2 Couple in Red Car at Drive-in Restaurant, 1965-1975 Prova por transferncia de corantes 56,5 x 70 cm Edio 3/15 Dust Bells 2 Car and Bicycles in Garage, 1965-1975 Prova por transferncia de corantes 56,5 x 70 cm Edio 3/15

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BESART / WILLIAM EGGLESTON

Dust Bells 2 Child on Bureau, 1965-1975 Prova por transferncia de corantes 56,5 x 70 cm Edio 3/15 Dust Bells 2 Torch Caf Billboard, 1965-1975 Prova por transferncia de corantes 56,5 x 70 cm Edio 3/15 Dust Bells 2 Brown House in Sunshine, 1965-1975 Prova por transferncia de corantes 56,5 x 70 cm Edio 3/15 Dust Bells 2 Poster in Hallway, 1965-1975 Prova por transferncia de corantes 56,5 x 70 cm Edio 3/15

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BESART / OLAFUR ELIASSON

Olafur Eliasson
O sentido da experincia impe-se com eccia e naturalidade na maioria dos trabalhos de Olafur Eliasson (1967, Copenhaga, Dinamarca). Ao predomnio na cultural ocidental da visualidade retiniana e da sua interpretao signicacional, o artista dinamarqus procura contrapor a experincia do corpo na sua globalidade sensvel, evitando de um modo deliberado tudo o que suscite um relacionamento estritamente interpretativo. Na esteira de James Turrel, recorre-se aqui sobretudo aos efeitos lumnicos para encetar uma espcie de evaso espiritual que no se prende tradio do visvel mas que, pelo contrrio, estabelece a possibilidade de uma verdadeira comunho entre o ser e o espao arquitectnico ou natural envolvente. Desse modo, o clima, o ambiente, a luz, a cor, o tempo e o espao geogrco so alguns dos temas recorrentes no exerccio criativo de Eliasson, que se apoia ainda nos resultados da cincia para uma efectivao dessas propostas. A visibilidade dos seus intentos ganhou uma expresso extraordinria quando, em 2004, apresentou The Weather Project na amplitude vertical da sala das turbinas da Tate Modern, em Londres. A experincia sensorial desencadeada a pelo grande disco de luz amarela remetia o observador para uma outra e mais intensa dimenso comunicativa, simultaneamente corporal e temporal, levando-o a permanecer no espao de inuncia da instalao muito para alm de uma simples e fugaz observao. O desejo de permanecer junto dessa pea remetia desde logo para um ecaz sentido de atraco que, de modo inequvoco, convocava a experincia do sublime, essa categoria muitas vezes evocada mas, na realidade, pouco presente na prtica da arte contempornea. De outra forma, esse trabalho concentrava o grande desgnio proposto por Eliasson: perscrutar uma riqueza sensorial que o paradigma visual euclidiano reduziu substancialmente desde a poca renascentista. O conjunto de vinte fotograas que constituem The Hekla Twilight Series (2006) conrma assim a pluralidade processual da arte de Eliasson e ainda como a captao da luz e dos seus cambiantes, como expresso de um fenmeno natural, pode exercer sobre o receptor um efeito de consciencializao maior sobre a temporalidade do cosmos. Em termos genricos, cheguei concluso de que a luz muito menos imaterial do que pensava. A luz , em grande parte, fsica; tem um corpo, no num sentido escultural, mas numa espcie de sentido subconsciente arma o artista, para quem sentir o poder material da luz poder resultar verdadeiramente num modo mais fecundo de interiorizao sobre a nossa humanidade. David Santos
Bibliograa seleccionada Your House, Library Council of The Museum of Modern Art, Nova Iorque, 2006. Olafur Eliasson, Phaidon, Londres, 2002. Peter Weibel (org.), Olafur Eliasson. Surroundings Surrounded: Essays on Space and Science, The MIT Press, Londres, 2001. www.olafureliasson.net

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BESART / OLAFUR ELIASSON

the hekla twilight series, 2006 Provas por revelao cromognea 20 x (30 x 40 cm); 145 x 240 cm (total) Edio 2/6

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BESART / MITCH EPSTEIN

Mitch Epstein
Mitch Epstein (1952, Holyoke, Massachusetts, EUA) usa a fotograa a cores para revelar a ambiguidade e a banalidade que se escondem nas paisagens dos espaos pblicos e nos gestos das pessoas. Inuenciado por autores como William Eggleston e Gary Winnogrand, bem como pelo estudo da pintura, destacou-se nos nais dos anos de 1970 e ao longo dos anos de 1980, com sries de trabalhos dedicados Amrica e outras realizadas em lugares como a ndia e o Vietname. Um dos elementos que singularizam a sua abordagem o modo como trata as possibilidades cromticas oferecidas pelo real. Para Mitch Epstein, a cor alis uma forma de ver e um elemento que pode ser usado para alcanar efeitos emotivos, psicolgicos ou estticos. O resultado deste entendimento pode ser observado nas fotograas da srie Recreation: American Photographs 1973-1998 onde as cores podem signicar, ou no, inocncia, abandono ou desespero bem como nas imagens, de cores lvidas, de Family Business, trabalho em torno da falncia do negcio do pai do prprio artista, apresentado em 2004 na Yancey Richardson Gallery, em Nova Iorque. As duas fotograas desta exposio fazem parte de American Power, srie que explora visualmente a paisagem como lugar marcado pelas relaes entre o homem e a natureza. So imagens que mostram algo para l da sua aparente familiaridade: uma estranha quietude assinalada ora no contraste do vermelho vivo do equipamento dos jogadores com o fumo cinzento da fbrica (Amos Coal Power Plant, Poca, West Virginia, 2004), ora na alvura abandonada dos capacetes prestes a ser tomada pela escurido (Palm Springs, California, 2006). Apresentada em 2007, na Sikkema Jenkins & Company, American Power lida, de forma subtil e complexa, com questes formais a representao da paisagem e polticas a Amrica do ps-11 de Setembro. Mitch Epstein realiza tambm incurses no lme e no vdeo. Em 2008 foi distinguido com o Berlin Prize in Arts and Letters, da Academia Americana de Berlim. Jos Marmeleira
Bibliograa seleccionada Mitch Epstein. Work, Steidl, Londres, 2007. Siddhartha Deb, FRATERNITY, Toluca Editions, Paris, 2006. Family Business, Steidl, Londres, 2003. Vietnam. A Book of Changes, W.W. Norton/DoubleTake, Nova Iorque, 1996. In Pursuit of India, Aperture, Nova Iorque, 1987.

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BESART / MITCH EPSTEIN

Palm Springs, California, 2006 Prova por revelao cromognea 114 x 147 cm Edio 1/6 Amos Coal Power Plant, Poca, West Virginia, 2004 Prova por revelao cromognea 114 x 147 cm Edio 4/6

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BESART / ELGER ESSER

Elger Esser
Do trabalho de Elger Esser (1976, Estugarda, Alemanha) pode dizer-se que sofre a inuncia de duas referncia distintas e, aparentemente, opostas. Foi aluno do casal Becher em Dusseldorf, mas no seu trabalho manifesta-se toda a tradio do romantismo alemo. As paisagens que fotografa so prolongamentos naturais das paisagens de Caspar David Friedrich: essa a sua atmosfera e o mistrio que mantm em cada uma das imagens que produz. Do casal Becher recebeu a lio de que, luz da xao do conceito de Romntico feita por Novalis, a mais sublime intensidade sentimental exige um mtodo de extremo e inclemente rigor. Para os romnticos, e Esser expressa essa conscincia, o gesto criativo um gesto de sacrifcio por ser um gesto de anlise, de decomposio e, sempre, de destruio. O olhar de Esser est dirigido para aquilo a que ele prprio designa como lugares arcaicos perdidos em nenhures, mas os nenhures de Esser so lugares reais com uma geograa prpria (todas as fotograas tm, no seu ttulo, a indicao da sua localizao). O elemento arcaico do seu trabalho, s vezes expresso numa esttica muito prpria do sculo XIX, diz respeito aos lugares onde a sensibilidade se pode formar. So paisagens em que a sensibilidade aprende a conhecer-se, lugares de descoberta de sentimentos antigos, que Esser desloca novamente para a contemporaneidade. Poder-se-ia dizer que o movimento mais permanente dos seus trabalhos o de deslocao: do que est longe para perto, de um atrs no tempo para um agora sensvel, do arcaico para o presente. A enorme escala com que trabalha (por exemplo, 181 x 242 cm ou 400 x 282 cm) a dimenso necessria para que nos possamos afundar nas imagens e transformar esses lugares geogrcos em lugares precisos da sua sentimentalidade. Se verdade que o trabalho de Esser , fundamentalmente, sobre a paisagem, o exterior, a natureza, tambm verdade que este se desdobra num movimento sentimental que o espectador realiza sobre si prprio. A grandeza do trabalho de Esser est assim na tenso que nasce entre as paisagens encontradas e registadas pelo artista e a experincia daquele que as contempla. Nuno Crespo
Bibliograa seleccionada Views Pictures from an Archive, Schirmer/Mosel, Munique, 2008. Cap DAntifer. tretat, Schirmer/Mosel, Munique, 2002. Vedutas and Landscapes, Schirmer/Mosel, Munique, 2001.

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BESART / ELGER ESSER

Baie de la Somme, France, 2005 Prova por revelao cromognea, colada sobre Diasec 181 x 242 cm Edio 3/7

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BESART / HANS-PETER FELDMANN

Hans-Peter Feldmann
A cultura arquivstica, e a apropriao de materiais encontrados, so algumas das caractersticas mais signicativas da prtica artstica de Hans-Peter Feldmann (1941, Dusseldorf, Alemanha). Considerado um dos representantes da cena artstica alem dos anos de 1960 e 1970, a primeira etapa da sua actividade artstica, que decorre de 1968 a 1980, est marcada pela criao de colagens e pela produo de uma extensa srie de cadernos, de pequeno ou grande formato, que produz atravs do tratamento plstico de fotograas aparentemente triviais a preto e branco, e da reunio de cartas, cartazes, postais ou simples folhas de jornal. A sua faceta de coleccionador e arquivista leva-o ainda a trabalhar com outros materiais encontrados, como brinquedos, e com reprodues escultricas clssicas em gesso pintado que frequentemente produz em srie. Usa estes objectos na condio de readymades, descontextualizando-os da sua existncia inicial, evidenciando o desapego perante a noo convencional de autoria. Este seu interesse por antiguidades e a sua atitude crtica em relao produo original de objectos, leva-o de resto a interromper a sua actividade artstica em 1980, para abrir uma loja onde vendia objectos em segunda mo. Feldman retomaria o circuito artstico dez anos mais tarde, para prosseguir uma prtica ancorada em questes directamente ligadas ao acto de reproduo e apropriao de objectos e imagens. Atravs dos seus trabalhos onde procede recolha de imagens de autores annimos, Feldmann considerado um precursor das prticas de apropriao de nais dos anos de 1980. Da sua prtica destaca-se igualmente o recurso manipulao das imagens e a explorao de processos criativos assentes na desconstruo, no desvio e na produo de interferncias o caso dos cortes no plano da fotograa, como bem patente na obra Two Little Girls (2004). Em trabalhos como este, Feldmann mostra-se tambm interessado em provocar e fazer coabitar planos de associao complementares, enigmticos, que impliquem a contnua reabilitao do poder evocador de cada imagem. Sandra Vieira Jrgens
Bibliograa seleccionada Album, Walther Knig, Colnia, 2008. Hans-Peter Feldmann. 272 Pages, Fundaci Antoni Tpies, Barcelona, 2001. Die Toten 1967-1993, Feldmann Verlag, Dusseldorf, 1998. Der berfall, Wolfgang Hake Verlag, Colnia, 1975. Bilder, Galerie Paul Maenz, Colnia, 1971.

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BESART / HANS-PETER FELDMANN

Two Little Girls, 2004 Prova manipulada 41 x 27 cm Edio nica

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BESART / JOO PAULO FELICIANO

Joo Paulo Feliciano


Surgido nos nais dos anos de 1980, Joo Paulo Feliciano (1963, Caldas da Rainha, Portugal) foi um dos primeiros artistas portugueses a usar a msica pop-rock como matria e referente de fotograas, instalaes e vdeos. O seu percurso, porm, comeou marcado pela pintura, que logo abandonou a favor do trabalho com materiais industriais e onde se revelavam questes associadas ao Minimalismo e ao Conceptualismo. Na dcada de 1990, desenvolveu outras solues formais que passavam por jogos semnticos entre as palavras dos ttulos e as imagens das obras, produzindo um discurso, to ldico quanto reexivo (sobre a linguagem, a percepo, a experimentao), que remetia no s para o universo da arte contempornea, como para a histria e imaginrio da msica pop. Em 1994, a sua actividade criativa passou a privilegiar outros campos como a produo multimdia e o trabalho em design grco (no mbito, por exemplo, do atelier Sectretonix), mas j no incio deste sculo regressou ao circuito artstico com vrias exposies individuais. Flow Motion Original Digital Files (2004) assinala esse momento e exemplica a atraco conceptual e sensorial do artista pela luz: fascnio que remonta a meados dos anos de 1990 no contexto de obras que, exactamente, combinavam a luz e a cor. Trata-se de um conjunto de imagens abstractas que Feliciano criou entre 1999 e 2000, a partir de fragmentos de imagens digitais, recorrendo a manipulao em Photoshop. Os materiais desta obra so os mesmos usados no vdeo Flow Motion (2004), com a diferena de que aqui as imagens existem em estado puro, no so animadas por manipulaes e efeitos. Imveis, desaam a percepo num jogo entre fotograa e pintura, cor e luz. O trabalho de Joo Paulo Feliciano produzido entre 1989 e 1994 foi objecto de uma importante exposio realizada em 2006, na Culturgest, em Lisboa. J em 2007, o Contemporary Art Centre de Cincinatti apresentou The Blues Quartet, uma exposio individual, que depois foi apresentada em Coimbra, no Centro de Artes Visuais, e em Lisboa, no Museu do Chiado Museu Nacional de Arte Contempornea. Jos Marmeleira
Bibliograa seleccionada Joo Paulo Feliciano The Possibility of Everything, Culturgest, Lisboa, 2006. Momentos de Luz, Fundao EDP, Lisboa, 2006. Joo Paulo Feliciano, Museu de Arte Contempornea de Serralves, Porto, 2004.

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BESART / JOO PAULO FELICIANO

Flow Motion Originals, 2004 Prova de impresso digital a jacto de tinta 125 x 250 cm Edio nica

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BESART / PETER FISCHLI E DAVID WEISS

Peter Fischli e David Weiss


Desde o seu encontro, que ocorreu no nal da dcada de 1970, a dupla de artistas Peter Fischli (1952, Zurique, Sua) e David Weiss (1946, Zurique, Sua) elegeu a simplicidade e a normalidade como propsitos conceptuais, para a partir da sua obra constituirem o que os prprios denem como uma enciclopdia de interesses pessoais. Do corpo do seu trabalho fazem parte esculturas que so rplicas de poliuretano produzidas a partir de objectos encontrados em ambientes familiares, na cozinha (Divider, 1987) ou no estdio (Tisch, 1992), vdeos que registam reaces de objectos em cadeia (The Way Things Go, 1986-87) ou situaes banais, como uma ida ao dentista (At the Dentist, 1995), a visita a uma unidade de fabrico de queijo (Cheesemaking, 1995), ou o simples acompanhamento dos movimentos de um gato (Cat in Venice, 1995). Esta concepo to particular do trabalho desta dupla de artista suios tem especial relevncia na sua produo fotogrca, onde sem preocupaes tcnicas e prossionais foram constituindo um grande conjunto de imagens realizadas durante os passeios que fazem pela sua cidade ou no decurso das viagens que foram efectuando ao longo de muitos anos pelo seu pas e mundo fora. Regra geral, so fotograas de ores, captadas na sua cidade natal e nos seus subrbios, atravs de exposies duplas de imagem, ou de paisagens naturais com efeitos tursticos de cor e luz, que realam a natureza extica e paradisaca de certos lugares distantes, por onde passaram na qualidade de artistas ou simples turistas. Poderiam at ser imagens publicitrias anunciando a chegada da Primavera ou do Vero, realizadas ao mais elevado gosto kitsch, mas no so. Tratando-se de exerccios de acumulao que revelam interesses e realidades quotidianas destitudas de especial relevncia, h a destacar as caractersticas ldicas de que se revestem as suas intervenes. So traos que alm de reectir uma atitude cmplice perante as casualidades e banalidades do mundo real, deixam entrever o modo em que tem lugar o seu entendimento da actividade artstica: We look at the visible world. Sandra Vieira Jrgens
Bibliograa seleccionada Fischli, Weiss. Flowers & Questions: a Retrospective, Tate Publishing, Londres, 2006. Arthur C. Danto, Robert Fleck, Beate Sntgen, Peter Fischli David Weiss, Phaidon Press, Londres, 2005. Fotografas, Walther Knig, Colnia, 2005. Mundo Visvel, Museu de Arte Contempornea de Serralves, Porto, 2001. Peter Fischli, David Weiss (XLVI Biennale di Venezia), Lars Mller Publishers, Baden, 1995.

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BESART / PETER FISCHLI E DAVID WEISS

Sem ttulo (Summer), 1997-98 Prova de impresso digital a jacto de tinta 5 x (74 x 107 cm) Edio 7/9

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BESART / PETER FISCHLI E DAVID WEISS

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BESART / PETER FISCHLI E DAVID WEISS

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BESART / ROBERT FRANK

Robert Frank
Nascido na Sua (1924, Zurique, Suia) e tendo emigrado para os Estados Unidos depois da II Guerra Mundial, Robert Frank encarna, mais do que nenhum outro fotgrafo americano, a modernidade da estrada, o esprito on the road e a imagem de uma outra Amrica, fora da grande recuperao econmica da dcada de 1950, marginal e alterada. A prpria fotograa de Robert Frank sofre, desde a dcada de 1940, profundas alteraes, passando da documentalidade do preto e branco, at produo de uma fotograa cida e displicente, romanticamente contracultural, construindo uma abordagem do fotogrco que sai para l dos limites da fotograa para se armar no campo geral da ccionalidade a partir da autobiograa. Em 1958, Robert Frank publica a sua monumental obra The Americans, um enorme fresco sobre os Estados Unidos construdo a partir da sua viso secamente humanista e desencantada prxima da viso de On the Road, de Jack Kerouac de 1956 (na altura recm publicado). Em 1959, Frank iniciou um percurso como realizador, com a produo de Pull My Daisy, um lme experimental (falsamente displicente e informal), no qual entram guras centrais da Beat Generation, como Jack Kerouac e Allen Ginsberg. Outro dos seus lmes famosos (embora, por razes legais, muito pouco apresentado) o documentrio que realizou sobre os Rolling Stones em 1972 intitulado Cocksucker Blues, um testemunho intenso sobre o universo do rockn roll. As imagens que integram esta coleco pertencem a diferentes categorias da produo de Robert Frank. A fotograa de 1949, N.Y.C., pertence ao universo do seu primeiro mapeamento da Amrica, imagem melanclica de algum que espera num diner, a jukebox em primeiro plano, numa interminvel espera pelo anno mirabilis de 1950. A segunda imagem, compsita a partir de um conjunto de fotograas do casaco do seu pai, signicativa da metodologia de edio cinematogrca do seu trabalho (mesmo da fotograa), criando situaes que remetem para um universo pessoal, subjectivo e, paradoxalmente, universal. O casaco foi dado a Robert Frank pela sua me, Rosa, quando o pai faleceu em 1976, com a recomendao de o usar. Frank pendurou-o junto janela, ao p das latas com os seus lmes e da planta de Alo. Mais tarde comprou um emblema sovitico, uma efgie de Lenine, que colocou na lapela e passou a us-lo nos invernos nova-iorquinos, como um elo renovado com o pai. A peculiaridade do imenso percurso de Robert Frank reside na maneira como o cinemtico, o ccional e o autobiogrco afectaram a straight photography e vieram a conferir-lhe uma abertura, frequentemente literria e narrativa, para o campo da fotograa contempornea. Delm Sardo
Bibliograa seleccionada Robert Frank. Story Lines, Tate Publishing, Londres, 2005. Hold Still, Keep Going, Centro Cultural de Belm, Lisboa, 2001. The Americans (1. edio, 1958), Scalo, Zurique, 1998 (6. edio).

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BESART / ROBERT FRANK

My Father's Coat, New York City, 2001 Provas de impresso digital a jacto de tinta 20,16 x 40,96 cm N.Y.C., 1949 Prova gelatina sal de prata 28 x 36 cm

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BESART / ANNA GASKELL

Anna Gaskell
Numa entrevista com Massimiliano Gioni, Anna Gaskell (1969, Des Moines, Iowa, EUA) arma ter lido inmeras vezes, enquanto jovem, os livros da coleco Choose Your Own Adventure. No nal de cada captulo, o leitor escolhia um dos vrios desfechos apresentados e determinava assim o rumo da histria. Sob a aparncia de incuas fbulas infantis, familiares vista desarmada, as fotograas, lmes e desenhos de Anna Gaskell ocultam ces; e aproximam-se da realidade no que esta tem de estranheza e ambiguidade. Nas suas mise en scnes esto presentes os ingredientes encantatrios, que se tornam perversos a cada instante. Atrada pelo cinema e inspirada em textos literrios, o seu trabalho no , todavia, ilustrativo ou interpretativo das narrativas que o motivam: a artista parte delas para evocar ambientes e, a partir da, tecer novos episdios. Estes constituem, nas palavras de Nancy Spector, ces da co. O tempo das fotograas de Gaskell medial e fragmentrio: tratam-se de momentos vrios de um estado intermdio, sem prlogo nem concluso. A srie inicial wonder (1996) baseia-se na histria da Alice no Pas das Maravilhas. As duplas Alices, um par de adolescentes gmeas, mantm uma aura de perfeio atravs da beleza. A artista recorre, por norma, a modelos ou actrizes, camuagem ideal para acontecimentos bizarros. Em by proxy (1999), os gestos falsamente ternos resvalam em atitudes ameaadoras. A srie Short Story of Happenstance (2003) deriva igualmente de contos infantis e de imagens provenientes do cinema e da histria da arte. Sem ordem certa, as imagens permanecem unidas dentro da srie pelo ambiente inquietante e pelo mistrio, e pelos grandes planos de arvoredo, habitados apenas pela desenquadrada gura de vestido e sapatos negros. Em 2000, Gaskell, recebeu o Citibank Photography Prize. Lusa Especial
Bibliograa seleccionada At Sixes and Sevens, Galerie Yvon Lambert, Paris, 2004. Damien Sausset, Anna Gaskell, in Art Press, Paris, Abril 2004. Thom Jones, Nancy Spector, Caesura, PowerHouse Books, Nova Iorque, 2001.

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BESART / ANNA GASKELL

Sem ttulo #100 (A Short Story of Happenstance), 2003 Prova por revelao cromognea 181,6 x 256,5 cm Edio 2/3

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BESART / GILBERT & GEORGE

Gilbert & George


Gilbert Prousch (1943, San Martino, Itlia) e George Passmore (1942, Devon, Reino Unido) conheceram-se em 1967, enquanto estudavam na Central Saint Martins College of Art and Design, em Londres, e desde esse perodo que trabalham juntos, apresentando-se como entidade nica. The Singing Sculpture (1969) o ttulo da performance com que os artistas se assumiram enquanto escultura viva literalmente, a sua vida enquanto arte e com a qual se apresentaram, durante os anos de 1970, ao mundo artstico, ganhando um rpido reconhecimento internacional. A performance consistia nos dois artistas, com a pele pintada de uma s cor (escultura), ambos de p sobre uma mesa (pedestal), cantando uma msica popular sobre a vida quotidiana de dois vagabundos. Art for all [Arte para todos] o motor da prtica destes artistas: o trabalho a partir do quotidiano, de uma maneira directa e acessvel. Os artistas armam que encontraram todos os assuntos que quiseram trabalhar nas ruas circundantes da sua casa, e que o mundo (a ideia de Babilnia) est condensado naquelas ruas londrinas. As preocupaes, questes e tabus sociais foram agitadas em paralelo com o questionamento das prprias convenes artsticas, traduzidas numa linguagem que recorreu a performances, ao vdeo, ao desenho e fotograa. Desde os anos de 1980 que Gilbert & George elegem a fotograa, de grande dimenso, sempre em dilogo com a sua auto-representao: smbolos religiosos, graftis, excrementos, parangonas de jornais justapostas com o envelhecimento dos seus corpos. A obra Devout (2004) pertence ao conjunto de obras compostas por painis (pelas quais os artistas se tornaram amplamente conhecidos) compostos por quadrculas, de variado nmero, que perfazem enormes representaes coloridas com cores primrias. Neste caso, o assunto de concentrao, e que recorrente no seu trabalho, o da prtica crist aqui perspectivado sobre um olhar irnico, problematizante e pardico, elementos sntese que emergem no seu trabalho. Maria do Mar Fazenda
Bibliograa seleccionada Gilbert & George. Major Exhibition, Tate, Londres, 2007. Gilbert & Geroge. Intimate Conversations with Franois Jonquet, Phaidon, Londres, 2004. Carter Ratcliff, Robert Rosenblum, Gilbert & Geroge. The Singing Sculpture, Thames and Hudson, Londres, 1993. Gilbert & George. New Democratic Pictures, Aarhus Kunstmuseum, Aarhus, 1992. Gilbert & George. The Complete Pictures 1971-1985, Thames and Hudson, Londres, 1986.

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BESART / GILBERT & GEORGE

Devout, 2004 Tcnica mista 189 x 300 cm Edio nica

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BESART / NAN GOLDIN

Nan Goldin
Nan Goldin (1953, Washington, EUA) marcou uma poca. Todo um tipo de lifestyle, o heroin chic, o estilo grunge, a Face ou a I-D, enm, toda a vida de uma gerao se inspirou nas fotograas que Nan Goldin tirou na dcada de 1980. Nan Goldin forjou um gnero, com uma fotograa mais inuente que qualquer outra nos ltimos vinte anos dir o New York Times em 2003. E esse gnero foi reproduzido, imitado e distribudo como nenhum outro. Ao ponto de canibalizar a sua prpria criadora, banalizando as suas imagens e dissolvendo a sua autoria. Donde a imensa importncia de se voltar a olhar para o trabalho de Goldin. Nan Goldin comeou o seu percurso como artista documentando o seu grupo de amigos e a sua vida quotidiana, num impulso que a prpria artista diz ter-lhe surgido a partir do trauma do suicdio da sua irm, e da consequente ansiedade em preservar as suas memrias. no entanto ao mudar-se para Nova Iorque em 1978, que vai descobrir os motivos que a iro acompanhar at hoje. Na Bowery vai encontrar os seus modelos, primeiro documentando o movimento ps punk e new age do incio da dcada de 1980, em seguida descobrindo a vibrante cena gay que no mais deixar de a fascinar. a que produz a sua primeira exposio emblemtica: The Ballad of Sexual Dependency (1986), ttulo que cita Brecht. As fotograas documentam um estilo de vida que faz abundante uso de drogas e lcool, desvendam sinais de violncia fsica e insinuam relaes abusivas. Mas, sobretudo, atravs do uso do ash e do alto contraste, as fotograas criam uma penetrante aura esttica que exala romantismo, transformando os seus sujeitos em cones de transgresso e de individualidade. Sobre Nan Goldin j se escreveu que as suas fotograas representam uma viagem privada tornada pblica. Na verdade, o que realmente representam o momento histrico em que todo o privado se tornou publico e em que no existe diferena entre a intimidade e a exposio. A intimidade exposio. Ana Pinto
Bibliograa seleccionada Devils Playground, Phaidon Press, Londres, 2003. Nan Goldin. Recent Photographs, Contemporary Arts Museum, Houston, 1999. Couples and Loneliness, Korinsha Press, Tquio, 1998. Emotions and Relations, Taschen, Colnia, 1998. The Ballad of Sexual Dependency, Aperture, Nova Iorque, 1986.

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BESART / NAN GOLDIN

Bruno smiling at Valrie out of the shadow, Paris, 2001 Prova por destruio selectiva de corantes (Ilfochrome) 101,5 x 70 cm Edio 3/5

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BESART / NAN GOLDIN

Jimmy Paulette on Davids Bike, NYC, 1991 Prova por destruio selectiva de corantes (Ilfochrome) 44 x 64 cm Edio 12/25

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BESART / NAN GOLDIN

Mysty in Sheridan Square, NYC, 1991 Prova por destruio selectiva de corantes (Ilfochrome) 76,2 x 101,6 cm Edio 19/25

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BESART / PIERRE GONNORD

Pierre Gonnord
Reconhecido pelos retratos fotogrcos das diferentes tribos urbanas, que tem captado na rua e em estdio desde 1998, Pierre Gonnord (1963, Cholet, Frana) um autodidacta fascinado desde adolescente pelos grandes mestres do retrato, tanto no domnio da fotograa quanto da pintura. Essa dedicao ao gnero tem-se desenvolvido em sries onde os retratados tm sempre alguma ligao ou anidade entre si (seja pela aparncia juvenil, pelo estilo de vida, prosso, lugar que habitam ou condio social), sem que nesse imaginrio colectivo em que se inserem se perca a sua prpria individualidade. Gonnord concentra-se sobretudo na expressividade do olhar e opta por enquadrar os bustos dos escolhidos para melhor explorar a capacidade que esse recorte da face at ao nvel dos ombros tem de reectir a personalidade de cada sujeito e a sua inscrio numa cultura especca. Da a sua ateno s marcas mais subtis na prpria sionomia do rosto humano (sinais, cicatrizes, tatuagens, feridas, etc.), interessando-lhe tudo o que nele pode sugerir, ao mesmo tempo, diferena e semelhana, individualidade e pertena a uma comunidade ou grupo. Exemplo disso mesmo so as fotograas que realizou em Madrid (onde se xou h mais de uma dcada), Paris ou Tquio, e que tm vindo a integrar os seus diversos trabalhos, sintomaticamente intitulados Fashion (1998), Interiores (1999), Regards / Miradas (2000), City (2001) e Far East (este ltimo, mostrado em 2003 na segunda, e incontornvel, individual realizada na galeria madrilena Juana de Aizpuru). Neles h faces que emergem de fundos negros, armando uma presena to nica quanto cmplice de um enredo que comum a toda a srie. So personagens que evocam histrias de vida por vezes marginais, habitualmente marcadas por experincias migratrias, e que resultam de um dilogo com a prpria histria da arte, citando inclusive alguns dos seus antecedentes pictricos (Caravaggio, Goya, Murillo, Ribera, Velsquez, entre outros). Esse contributo para a genealogia do prprio gnero seria entretanto habilmente mostrado numa das exposies mais destacadas do percurso de Gonnord, realizada, j em 2007, no Museo de Bellas Artes de Sevilla, onde as faces contemporneas fotografadas por Gonnord conviviam com a coleco de retratos barrocos do prprio museu. Lcia Marques
Bibliograa seleccionada Pierre Gonnord. Testigos, Ediciones Universidad de Salamanca, Salamanca, 2008. Pierre Gonnord. Regards, TF Editores, Madrid, 2005. Pierre Gonnord. Maison europenne de la photo, Paris, 2005.

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BESART / PIERRE GONNORD

Akinori, 2003 Prova cromognea de ampliao digital (Processo LightJet Lambda), colada sobre Diasec 100 x 100 cm Edio 1/3 Eva, 2003 Prova cromognea de ampliao digital (Processo LightJet Lambda), colada sobre Diasec 100 x 100 cm Edio 2/3

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BESART / DOUGLAS GORDON

Douglas Gordon
A linguagem, a comunicao e a memria so vertentes exploradas por Douglas Gordon (1966, Glasgow, Esccia) no sentido do duplo. Para o artista, o texto uma imagem. As suas frases, instrues intimidatrias, so escritas em forma de carta e disseminadas por e-mail, ditas por telefone como mensagens annimas, inscritas nas paredes de uma exposio ou tatuadas no corpo. Interessam-lhe sobremaneira as dicotomias; uma das mais presentes na sua obra a luta entre o bem e o mal. Em Never, Never (Black, Negative, Mirrored), 2000, a palavra tatuada remete para o carcter de permanncia de uma tatuagem e, de modo simblico, para a durabilidade de uma relao. A obra relaciona-se com o dptico Never, Never (2000) e evoca o conhecido auto-retrato de Robert Mapplethorpe, de 1975, em que o brao do artista tambm atravessa horizontalmente a imagem vazia. Em Self Portrait You+Me (Jayne Manseld), 2006, o espectador incorporado na obra atravs da eliso dos elementos identicativos da retratada. Estes so substitudos por espelhos, num jogo de (in)visibilidades identitrias. As estrelas so, nesta srie, vrias Bond Girls e a violncia exercida sobre os seus retratos atravs do fogo alude venerao dos cones. Aproxima-se da lgica das suas Hollywood Blind Stars. Outra obra tambm pertencente coleco, Black Spot (Negative), 2000, a ampliao de um sinal que pontua a palma de uma mo (visvel no trabalho posterior de treze fotograas Hand with Spot, 2001). semelhana das tatuagens, trata-se de uma marcao, nessa srie associada culpa e condenao morte, referncia ao romance intitulado A Ilha do Tesouro (1883), de Robert Louis Stevenson. A importncia desta srie acentuada pelo facto do artista ter tido uma exposio denominada Black Spot na Tate Liverpool, em 2000. Douglas Gordon ganhou o Turner Prize em 1996 e o Premio 2000 na Bienal de Veneza em 1997. O Centro Cultural de Belm (Lisboa) dedicou-lhe uma exposio individual em 1999. Lusa Especial
Bibliograa seleccionada Douglas Gordon. Superhumanatural, National Galleries of Scotland, Glasgow, 2007. Douglas Gordon. Timeline. Museum of Modern Art, Nova Iorque, 2006. El que vols que digui... Jo ja soc mort, Fundaci Joan Mir, Barcelona, 2006. Black Spot, Tate Liverpool, Liverpool, 2000. Douglas Gordon. Centro Cultural de Belm, Lisboa, 1999.

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BESART / DOUGLAS GORDON

Never, Never (Black, Negative, Mirrored), 2000 Prova por revelao cromognea 61 x 76 cm Edio 2/13 Self Portrait You+Me (Jayne Manseld), 2006 Prova por revelao cromognea, queimada 90,5 x 80,5 cm Edio nica

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BESART / MARGARIDA GOUVEIA

Margarida Gouveia
Fotgrafa com uma carreira muito recente, Margarida Gouveia (1977, Torres Vedras, Portugal) estudou design, tendo efectuado os seus estudos ps-graduados de fotograa no Ar.Co, Centro de Artes Visuais e Comunicao, em Lisboa. Com um percurso que tem vindo a recorrer a uma viso contempornea da fotograa como prtica artstica, Margarida Gouveia produz imagens construdas ou manipuladas que lidam, invariavelmente, com a questo da leveza, da construo da imagem a partir do recorte, da remontagem ou da encenao. As suas imagens, frequentemente de grande dimenso, propem uma reexo irnica sobre a presena do corpo na paisagem, por vezes com subtis aluses prpria histria da fotograa. Esse , alis, o caso da imagem que pertence a esta coleco. Captada no Ar.Co, em Almada, parece tratar-se de uma simples imagem de um modelo feminino. No entanto, a colocao das pernas, a forma como se destacam do tronco e avanam na imagem em direco ao espectador invocam a srie La Poupe (1936/1975), de Hans Bellmer. Se, no caso deste fotgrafo surrealista, a ideia de dppelganger, de autmato e de duplo era sugerida pela representao do corpo feminino recongurado e metamorfoseado pela manipulao de corpos de bonecas, no caso de Margarida Gouveia a citao localizada numa aluso irnica e aparentemente ldica ao estatuto do corpo feminino como objecto de representao. Claro que a aluso a Bellmer j uma constante na histria da fotograa recente (como o caso da sua apropriao por Cindy Sherman), mas, no caso do uso que lhe dado pela jovem fotgrafa portuguesa, h uma clara aluso a que retirada a intensa carga de perverso que o mbil do fotgrafo surrealista. A imagem que pertence coleco , assim, signicativa do jogo de duplos, ausncias e identidades que povoa a fotograa de Margarida Gouveia, apontando, tambm (e de uma forma quase didctica) para algumas das origens do seu trabalho recente. Delm Sardo
Bibliograa seleccionada Ar.Co Bolseiros & Finalistas 05, Ar.Co, Lisboa, 2006.

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BESART / MARGARIDA GOUVEIA

Sem ttulo, 2004 Prova por revelao cromognea 120 x 140 cm Edio de 3 + PA

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BESART / DAN GRAHAM

Dan Graham
A Dan Graham (1942, Urbana, Illinois, EUA) comummente atribudo um papel pioneiro na utilizao conceptual da fotograa, nomeadamente na obra Homes for America (1966), um artigo de revista constitudo por texto e imagens, que sempre pretendeu estar simultaneamente dentro e fora do campo da arte. Este projecto hoje considerado uma pea conceptual cannica, embora altura trouxesse histria da arte algumas diculdades; anal de contas, como classicar um trabalho que oscila entre o arquivo e a pea artstica, que se socorre de fotograas banais, sob muitos aspectos semelhantes a quaisquer imagens empregues pela indstria imobiliria? A verdade que nos anos de 1960 as zonas suburbanas da Califrnia tornaram-se um caso de estudo para Dan Graham. Por um lado, a repetio de elementos na montona e modular arquitectura permitia-lhe produzir registos fotogrcos que comungavam das preocupaes da escultura minimalista, nomeadamente a ausncia de composio, e o mero esgotar de possibilidades associativas; por outro, interessava-lhe trabalhar um contexto social e politicamente problemtico. O artista no se queria limitar, nas suas palavras, a reproduzir efeitos perceptivos, ou fenomenolgicos: [...] queria mostrar que o Minimalismo se referia a uma situao social real que se podia documentar. Contrariando a ideia de que os subrbios seriam um contexto menos digno para a reexo intelectual e para a criao artstica, Dan Graham decide fotograf-los obsessivamente. Note-se, no entanto, que a questo suburbana no seu trabalho nunca est associada tradio americana da escola de Walker Evans, na qual se documentavam as condies de vida dos trabalhadores desde um ponto de vista humanista e psicologista. Dan Graham ser alis um dos primeiros artistas a perceber na utilizao da fotograa a possibilidade de expulsar auto-expressividade, psicologia, originalidade, subjectividade. Ricardo Nicolau
Bibliograa seleccionada Brian Wallis (org.), Rock My Religion. Writings and Projects 1965-1990, The MIT Press, Cambridge, 1994. Dan Graham, Centro Galego de Arte Contempornea, Santiago de Compostela, 1997. David Campany, Conceptual Art History or A Home for Homes for America, in Rewriting Conceptual Art, Reaktion Books, Londres, 1999, pp. 129-139. Marianne Brouwer, Benjamin Buchloh, Eric de Bruyn, Corinne Diserens, Markus Muller, Dan Graham. Catalogue Raisonn, Richter Verlag, Nova Iorque, 2001. Pietro Valle, Adachiara Zevi, Dan Graham. Half Square Half Crazy, Charta, Milo, 2005.

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BESART / DAN GRAHAM

Battery Park 2 Way Mirror Ofce Building, New York, N.Y., 1991 Prova por revelao cromognea 65,4 x 55,9 cm Edio nica High Rise Apartment, 1996 Prova por revelao cromognea 65,4 x 55,9 cm Edio nica

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BESART / DAN GRAHAM

Dan Graham Em cima: Tourist-bus Portugal, 1980 Em baixo: New Highway Restaurant in New Housing Development, Jersey City, N.Y., 1967 Provas por revelao cromognea 76 x 54 cm Edio nica

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BESART / RODNEY GRAHAM

Rodney Graham
Artista que tanto lida com a cincia, como com as narrativas da cultura popular, Rodney Graham (1949, Abbotsford, Canad) um dos nomes mais relevantes da arte contempornea. A sua abordagem multidisciplinar apoiada, por vezes, em estratgias de apropriao, concretiza-se numa extensa paleta de suportes, onde se incluem, entre outros, a instalao, a msica, o vdeo e a fotograa. Surgiu na cena internacional associado chamada Escola de Vancouver, ao lado de nomes como Jeff Wall ou Ian Wallace. O contacto com a arte conceptual permitiu-lhe incorporar elementos textuais e tericos e atravs da fotograa concentrar a sua prtica no desenvolvimento de ideias. Apesar da diversidade estilstica e temtica da sua obra, identicam-se interesses ou assuntos: a msica pop-rock, a literatura, as relaes entre a natureza e a cultura, ou a histria da arte. Old Growth Cedar (#2), Seymour Reservoir (2002) uma imagem de uma rvore invertida que podemos associar a uma srie iniciada nos anos de 1980 e que remete para outro trabalho, Camera Obscura (1979), uma estrutura em forma de cmara pinhole, com a qual Graham realizou as primeiras imagens das suas rvores. O mecanismo ptico (que atravs do efeito da luz no escuro projecta imagens invertidas) desta forma evocado para interrogar no s a natureza da nossa percepo, como a representao da prpria natureza. Paradoxical Western Scene (2006) inspirado na capa de um disco do msico country Marty Robbins e cita a iconograa do Western. Vemos a gura estereotipada de um cowboy o prprio Rodney Graham e junto a esta um cartaz que se repete at ao innito como uma mise en abme. Cena celebrativa ou irnica, sugere ao espectador revelaes ou sentidos que nunca chegam. Rodney Graham participou na Bienal de Veneza, em 1997, como representante ocial do Canad, e expe desde os anos de 1990 nos mais importantes museus internacionais. Recebeu em 2006 o Kurt-Schwitters-Preis. Jos Marmeleira
Bibliograa seleccionada Wet on Wet: My Late Early Styles The Middle Period, Walther Konig, Colnia, 2008. Josee Belisle, Rodney Graham: A Group of Literary, Musical, Sculptural, Photographic and Film Pieces, Musee dart contemporain de Montreal, Montreal, 2006. Grant Arnold, Lynne Cooke, et al., Rodney Graham: A Little Thought, The Museum of Contemporary Art, Los Angeles; Art Gallery of Ontario, Ontario, 2004. Carolyn Christov-Bakargiev, Anthony Spira, et al., Rodney Graham, Hatje Cantz, Ostldern, 2003. Yves Gevaert, Jeff Wall, et al., Rodney Graham. Works from 1976 to 1994, Art Gallery of York University, Totonto, 1994.

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BESART / RODNEY GRAHAM

Old Growth Cedar (#2), Seymour Reservoir, 2002 Prova gelatina sal de prata 183 x 130,5 cm Edio 3/4 Paradoxical Western Scene, 2006 Transparncia por revelao cromognea, montada em caixa de luz 147,3 x 121,9 x 17,8 cm Edio 3/5

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BESART /

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BESART / ANDREAS GURSKY

Andreas Gursky
Aps ser sucessivamente apresentada como um dos fetiches do ps-modernismo, a obra de Andreas Gursky (1955, Leipzig, Alemanha) comeou a ser analisada como um dos plos referenciais do retorno fotograa pictrica, assente na imagem-quadro, que nos habituamos a ler como uma sntese conceptual. So imagens monumentais de um acontecimento intemporal, formalmente organizado pela perspectiva monocular ou uma generalizao facilmente apreensvel como modelo, como por exemplo o dptico 99 Cent II (2001), mas tambm Dusseldorf Airport (1987) ou mesmo May Day V (2006). De resto, Gursky fotografa habitualmente a paisagem urbana onde o homem, diminudo pela concepo de paisagem distanciada, no a mais signicante do que qualquer outro elemento continente. O que vemos so espaos pblicos (como a praia que faz parte desta coleco) ou os seus equipamentos: aeroportos, supermercados, a bolsa ou qualquer fragmento de paisagem urbana no seu papel funcional, que somos levados a reconhecer como um todo signicante. A organizao deste todo to armativa que, tal como nas paisagens, concebidas a partir da Idade Moderna, somos levados a afastar-nos da representao para a abrangermos num conjunto previamente admitido, o que nos aproxima mais do conceito de espao urbano do que de alegoria, de fragmento ou realismo, j que a imagem perde a sua evidncia naturalista. Mas a adeso ao modelo no simples, j que o fotgrafo el ao conceptualismo contemporneo e insinua a alteridade da fotograa: admitimos a paisagem urbana, captados pela organizao da aparncia da imagem-quadro e um assente conhecimento ptico, mas sentimos, ao mesmo tempo e de forma ambgua, a sua estranheza, acentuando a convico de que se trata apenas de uma fotograa, o que nega a sua generalidade. Na fotograa Schnorchler, Rias Bajas, de 1988, a praia urbana -nos armada com a presena de banhistas perdidos na totalidade da paisagem, mas a sombra que parcela categoricamente a praia insinua-nos sensaes e no percepes. A imagem de 2004, Dior Homme, ganha a horizontalidade de um continuum geometrizado e dilui a identicao do detalhe, reduzindo a sntese a um sincretismo estetizante como uma metfora. Maria do Carmo Sern
Bibliograa seleccionada Andreas Gursky. Architecture, Hatje Cantz, Ostldern, 2008. Andreas Gursky. Museum of Modern Art, Nova Iorque, 2002. Andreas Gursky. Photographs from 1984 to the Present, Te Neues, Kempen, 2001. Andreas Gursky. Photographs 1994-1997, Hatje Cantz, Ostldern, 1998. Andreas Gursky. Montparnasse, Portikus, Frankfurt, Oktagon, Estugarda, 1995.

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BESART / ANDREAS GURSKY

Schnorchler, Rias Bajas, 1988 Prova por revelao cromognea 59 x 75 cm Edio 9/12

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BESART / ANDREAS GURSKY

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BESART / ANDREAS GURSKY

Dior Homme, 2004 Prova por revelao cromognea 187 x 371,3 cm Edio 6/6

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BESART / JOO MARIA GUSMO E PEDRO PAIVA

Joo Maria Gusmo e Pedro Paiva


Dupla de artistas formada desde o tempo em que estudaram juntos na Faculdade de Belas Artes da Universidade de Lisboa, Joo Maria Gusmo (1979, Lisboa, Portugal) e Pedro Paiva (1977, Lisboa, Portugal) tm merecido um rpido e crescente reconhecimento internacional, ao ponto de j terem integrado com destaque, no seu breve mas intenso percurso expositivo, as Bienais de So Paulo (2006) e Mercosul (2007), a Trienal de Luanda (2006) e a PHotoEspaa (2008), para alm das mostras que a prpria dupla tem organizado sistematicamente nos ltimos seis anos em territrio nacional e estrangeiro. A obra que tm desenvolvido em colectivo tem utilizado preferencialmente o lme em formato Super 8, mas tambm a fotograa e a escultura, adoptando mais recentemente o formato da instalao. Procura assim tirar partido da especicidade tcnica e semntica de cada elemento, e articul-los como um todo em cada interveno. tambm marcada por uma forte sustentao terica atravs da produo de textos baseados em autores seminais no domnio da losoa, esttica e literatura (Alain Badiou, Gilles Deleuze, Alfred Jarry, Ren Daumal, Victor Hugo, entre outros), de modo a explorar de modo criativo uma srie de temticas para-cientcas. O Homem Magntico (2004) um exemplo resultante desse iderio especulativo em torno de fenmenos associados afectao dos corpos, e constitui um dos mltiplos desdobramentos tipolgicos elaborados pela dupla servindo-se da propriedade documental da fotograa, mas tambm da sua capacidade de dar concretude e visibilidade a um acontecimento ou efeito encenado. Este modelo ccional, conseguido pela fabricao de uma verdade iludida atravs da especicidade de determinados dispositivos pticos, j havia sido esboado numa das exposies fundadoras da dupla Gusmo-Paiva (DeParamnsia, Galeria ZDB / Tercenas do Marqus, Lisboa, 2002), mas tem-se tornado profundamente engenhoso e reexivo em mostras mais recentes, tais como Evio Magntico (2004-2006) e Abissologia: Para uma Cincia Transitria do Indescernvel (2008). Lcia Marques
Bibliograa seleccionada Abissologa, Horizonte de Acontecimientos, Associao Z dos Bois, Lisboa, La Fabrica Editorial, Madrid, 2008. Evio Magntico, Associao Z dos Bois, Lisboa, vol. 1, 2005. Joo Maria Gusmo e Pedro Paiva. Intruso: The Red Square, Museu do Chiado Museu Nacional de Arte Contempornea, Lisboa, 2005. Air Liquide, Ara Galeria de Arte, Lisboa, 2002.

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BESART / JOO MARIA GUSMO E PEDRO PAIVA

Homem Magntico, 2004 Prova cromognea de ampliao digital (Processo LightJet Lambda) 160 x 140 cm Edio 2/3 + 1 PA

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BESART / DANIEL GUSTAV CRAMER

Daniel Gustav Cramer


Grande parte da obra de Daniel Gustav Cramer (1975, Neuss, Alemanha), a quem foi atribuido o Jerwood Photography Award em 2005, est cuidadosamente organizada numa trilogia fotogrca em curso: Woodland, Underwater e Mountain. As categorias paisagsticas escolhidas com a surpreendente investida subaqutica denotam uma busca de lugares inatingveis e quase ideais. O seu nome tambm tem trs elementos, como o de Karl Gustav Carus, que acompanhou as grandes guras romnticas alems e com o qual partilha o nome do meio. Poder-se-ia quase brincar biblioteca innita com os dois nomes, como no projecto homnimo do artista (em colaborao com Haris Epaminonda). O projecto aglutina dois livros, X e Y, colando a pgina dois de um livro pgina dois do outro e assim sucessivamente. Este corta e cola, esta livre associao de documentos reivindicando uma intemporalidade, ou melhor, um destacamento do tempo pelo processo associativo, caracterstico do mtodo de trabalho de Cramer. Do nome obra, a relao com o Romantismo surge como um apelo demasiado aliciante. Com efeito, a experincia contemplativa da paisagem, com um ponto de vista sucientemente extremo para ser perturbante, motivou Charles Darwent a falar de um novo sublime1. E, de facto, a suas imagens edicam uma viso precisa e quase cientca da paisagem, desconstruida de imediato pela sua inconclusividade. Todavia, e tal como as telas dos grandes romnticos, a questo do ponto de vista essencial e aqui a sua importncia redobrada porque se trata de fotograa, ou seja, de um registo: algum esteve ali. As duas imagens aqui apresentadas, Sem ttulo (woodland) #43 (2005), e Sem ttulo (mountain) #3 (2006), embrenham-nos numa paisagem com um centro negro e um centro luminoso: ambas projectam o espectador para l do que ele pode ver. Mostram tanto quanto escondem. Progressivamente, a ausncia de cho, de pontos de referncia de escala, a beleza sufocante de uma natureza em que o homem dicilmente encontra um lugar, induz uma dvida quanto realidade da imagem. Poder-se-ia tratar de uma maqueta ou de uma manipulao. A actualidade tecnolgica, a tradio fotogrca do artifcio contraposto ao registo permite a dvida. E se sabemos que Cramer se submeteu aos caprichos da luz e da meteorologia para as fazer, no deixamos de encontrar um verdadeiro prazer em deixar pairar a questo, como uma nvoa teimosa. Joana Neves
Bibliograa seleccionada Daniel Gustav Cramer, Haris Epaminonda, Innite Library, (13 exemplares nicos), 2008. Charles Darwent, Deep Waters, in Art Review, Londres, Maro 2006. Craig Burnett, Daniel Gustav Cramer, in The Guardian, Londres, Outubro 2004. Daniel Gustav Cramer, Untitled (Mother), Letter Press, Londres, 2003. www.danielgustavcramer.com 1 Charles Darwent, Deep Waters, in Art Review, Londres, Maro 2006.

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BESART / DANIEL GUSTAV CRAMER

Sem ttulo (mountain) #3, 2006 Prova por revelao cromognea 41 x 41 cm Edio 1/5 Sem ttulo (woodland) #43, 2005 Prova por revelao cromognea 41 x 41 cm Edio 2/5

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BESART / MONA HATOUM

Mona Hatoum
Para Mona Hatoum (1952, Beirute, Lbano) todos os meios apresentam possibilidades criativas. O que determinante no seu trabalho no o exerccio sobre um meio especco, mas as intensidades que cria atravs dos mltiplos recursos que pe em aco em cada uma das suas peas. E o seu trabalho deliberadamente intenso, radical, disruptor. E uma das suas marcas mais caractersticas o modo como alia uma potica muito peculiar a uma conscincia e aco polticas. Os lugares mais caractersticos do seu trabalho relacionam-se com a violncia, a opresso ou o voyeurismo, mas em todos eles a referncia ao corpo humano na sua funo de dispositivo expressivo e catalisador de transformaes perceptivas uma constante. Porque no corpo, ou na referncia ao corpo humano, que Hatoum encontra o centro para onde convergem as diferentes reaces ao seu trabalho: beleza e horror, desejo e repulsa. Qualquer que seja o elemento material ou formalmente predominante nos seus trabalhos, o efeito que sempre consegue o de colocar o espectador em contacto com emoes conituosas, face s quais o desao encontrar o sentido das construes plsticas. Possuindo um carcter minimal, no sentido em que reduz ao mnimo as mediaes entre o espectador e aquilo que as obras apresentam, todo o seu trabalho encerra um sentido de humor, e neste aspecto quase surrealista. Mas o humor um recurso de que a artista se socorre no enquanto efeito plstico, mas como mecanismo de compreenso: o riso provocado por algumas das suas peas sinal de que se est a compreender qualquer coisa que contradiz a expectativa, um riso no cnico que assinala a existncia de um desajustamento entre o habitual e aquilo que a artista apresenta. Os Static Portraits (2000) so um bom exemplo do tipo de mecanismos que a artista convoca. Fotograas que so retratos nos quais, devido a uma aco invisvel e incontrolvel, o cabelo dos retratados destri a pose habitual na esttica do retrato. Muito signicativo o duplo sentido de esttica, que traduz o conceito da fsica em termos de organismo, de sionomia, de comportamento humano (o sentido de ausncia de movimento indicada por esse conceito revela-se ilusrio, porque tudo est sempre em movimento). O resultado so retratos que, de algum modo, deixam perceber a energia ou carga elctrica que um corpo parado possui no seu interior. Um elemento habitualmente invisvel, para o qual a artista encontra uma forma visvel: rostos que transbordam de electricidade, de energia, a qual, devido sua imobilidade, sai pelos cabelos. Atravs da representao dessa energia, Hatoum parece sublinhar a necessidade do corpo humano se expressar, com vista ao seu equilbrio e na fsica a esttica tem que ver igualmente com o estudo do equilbrio dos corpos , a energia que se condensa num corpo transforma-se num gesto, numa sionomia, numa imagem. Nuno Crespo
Bibliograa seleccionada Mona Hatoum, Hatje Cantz, Ostlfern, 2004. Mona Hatoum. Domestic Disturbance, Museum of Contemporary Art, So Francisco, 2001. Mona Hatoum, Phaidon, Londres, 1997.

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BESART / MONA HATOUM

Static Portraits (Galen), 2000 Prova de revelao instantnea (Polaroid) 72 x 56 cm Edio nica Static Portraits (Karl), 2000 Prova de revelao instantnea (Polaroid) 72 x 56 cm Edio nica Static Portraits (Lisa), 2000 Prova de revelao instantnea (Polaroid) 72 x 56 cm Edio nica

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BESART / CANDIDA HFER

Candida Hfer
As fotograas de Candida Hfer (1944, Eberswalde, Alemanha) so sobre as qualidades estticas do espao e os seus limites, e sobre a relao que o olhar estabelece com as grandezas determinadas arquitectnica e esculturalmente. As escolhas que faz no so direccionadas por algum tipo de interesse documental, histrico ou cultural, como tambm no so bilhetes postais ou investigaes sobre o mundo multicultural e global em que vivemos. O seu mpeto , antes de mais, puramente fotogrco: desenvolve um programa estritamente esttico, em que a objectividade fotogrca o seu primeiro princpio e no qual existe a ambio de criar um registo objectivo, material e vericvel das coisas mundanas. A sua preocupao com a qualidade do objecto fotogrco uma constante, por oposio a uma certa tendncia contempornea de sobrevalorizao da imagem em detrimento da prpria fotograa. Trata-se de um estilo e maneira de fotografar regidos por um olhar exaustivo para os espaos e pela descoberta do melhor ponto de vista, o que signica a descoberta do ponto material atravs do qual melhor se pode observar o mundo, as coisas e, no limite, ns prprios. O ponto de vista, com a sua carga subjectiva, afectada e patolgica, nos trabalhos de Hfer substitudo por uma espcie de ponto de localizao fsico e material o standpunkt, que designa o stio geogrco onde se est sicamente e do qual se pode observar aquilo que h. No seu caso tratam-se de espaos interiores vazios. O seu exerccio de viso, depois transformado em objecto fotogrco, um afundamento da perspectiva (e da objectiva) na camada visvel dos espaos. Desta espcie de ginstica mental surge uma extrema e delicada organizao do campo visual, quase como se de uma pintura se tratasse,. Entenda-se: a preocupao com o tipo de organizao e hierarquizao que uma imagem exprime (seja esta a imagem da pintura, da fotograa ou do vdeo) uma constante em qualquer fazedor de imagens. O primeiro exemplo histrico que temos deste fazer da imagem o da pintura, por isso esta disciplina serve como matriz. No caso de Hfer a escolha do local de onde fotografa prende-se, de facto, com uma determinada compreenso dos espaos com que se depara. Por isso, s suas escolhas corresponde a eleio dos aspectos a valorizar nas imagens que produz e este quadro de valores pictricos ou, se quisermos, pictogrcos o elemento que determina o objecto nal (onde se nota uma diferena profunda entre imagem e fotograa). Nuno Crespo
Bibliograa seleccionada Jos Saramago, Shelley Rice, Candida Hfer. Em Portugal / In Portugal, Schirmer/Mosel, Munique, 2007. Umberto Eco, Libraries, Schirmer/Mosel, Munique, 2006. Constance Glenn, Virginia Heckert, Mary-Kay Lombino, Candida Hfer. Architecture of Absence, Aperture, Nova Iorque, 2005. Candida Hfer. Zwlf Twelve, Schirmer/Mosel, Munique, 2003. Candida Hfer. Photographie, Schirmer/Mosel, Munique, 1998.

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BESART / CANDIDA HFER

Rijksmuseum Amsterdam II, 2003 Prova por revelao cromognea 185 x 152 cm Edio 5/6

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BESART / CANDIDA HFER

Palcio Nacional da Ajuda Lisboa VIII, 2006 Prova por revelao cromognea 200 x 258 cm Edio 1/3 PA + 6 Biblioteca do Palcio Nacional de Mafra III, 2006 Prova por revelao cromognea 152 x 171 cm Edio 1/3 PA + 6

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BESART / CANDIDA HFER

Biblioteca Geral da Universidade de Coimbra III, 2006 Prova por revelao cromognea 260 x 200 cm Edio 1/3 PA + 6

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BESART / RONI HORN

Roni Horn
O trabalho de Roni Horn (1955, Nova Iorque, EUA) abala a noo de identidade. A sua prtica fotogrca estabelece uma dvida quanto representao. Roni Horn despoja a imagem, confrontando o espectador com o que est a ver e induzindo-o a elaborar uma ideia do que v. A srie This is Me, This is You (1999-2000) foi, segundo a artista, extrada do comportamento lingustico infantil, quando a criana aponta para um objecto inanimado num livro e diz este sou eu e, apontando para outra coisa, isto s tu. No seu trabalho notria uma busca insistente no que respeita projeco. O constante vai e vem entre rosto, cabea, cara e paisagem traduz esta preocupao na sua relao com o acto de nomear. Ser este ltimo aspecto que a artista colocar em causa, ao multiplicar imagens do mesmo sujeito, elemento e objecto. Abismados perante a diversidade do mesmo, somos levados a concluir que a identidade se forja na relao e no na unilateralidade nominal. Na srie Some Thames, de 2000, exposta na Dia Art Foundation, Nova Iorque, em 2002, mas j em 2001, no Museu de Arte Contempornea de Serralves, as guas turvas do rio Tamisa so fotografadas e expostas progressivamente, como um horizonte que se alastra pelas paredes da exposio. Esta demonstrao heracliteana da instabilidade do ser manifesta-se amide no elemento aqutico ao qual a artista dedicou recentemente uma obra in loco na biblioteca de Stikkishlmur na Islndia (Library of Water, 2007). Clowd and Cloun (Blue) (2000), uma srie de imagens arrojada. Aqui, ningum olha o espectador nos olhos, e o habitual elemento aqutico to etreo como a identidade sexual que Roni Horn se compraz a apagar. O palhao gura j por si assexuada e sem contornos precisos est desfocado, em movimento. A nuvem parece mais estvel, mais apaziguadora do que a presena levemente angustiante do palhao preso sua descaracterizao. Esta srie enigmtica uma das mais fascinantes de Roni Horn, lembrando a fora da srie Sem ttulo #..., cabeas de pssaros fotografados de trs, com os seus longos pescoos, dos quais emana um erotismo desligado de qualquer gnero ou identidade. A artista consegue extrair do pssaro e do palhao uma ideia de emoo pura, desvinculada do objecto. E passa indubitavelmente do nome para o adjectivo. Joana Neves
Bibliograa seleccionada bird, Steidl, Gttingen, 2008. Rings of Lispector (Agua Viva), Steidl, Gttingen, 2006. Cabinet of, Steidl, Gttingen, 2003. If on a winters night, Steidl, Gttingen, 2003. This is Me, This is You, Edition 7L, Paris, 2002.

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BESART / RONI HORN

Sem ttulo (Fox), 1998 Provas de impresso digital a jacto de tinta (Processo Iris) 2 x (78 x 78,5 cm) PA / Edio de 12 + PA

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BESART / RONI HORN

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BESART / RONI HORN

Clowd and Cloun (Blue) Group 2, 2000-2001 Provas por revelao cromognea 3 x (68,58 x 88,9 cm); 3 x (68,58 x 68,58 cm) Edio 4/4

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BESART / SABINE HORNIG

Sabine Hornig
A artista alem Sabine Hornig (1964, Pforzheim, Alemanha) reparte a sua actividade pela escultura e pelo uso da fotograa, numa articulao que cruza as duas metodologias para denir espaos complexos e paradoxais. No peculiar caminho que Sabine Hornig deniu, a fotograa frequentemente parte integrante de esculturas que se assemelham a modelos arquitectnicos, por vezes escala natural, outras com alteraes de escala que confundem a nossa percepo espacial (ou mesmo por vezes, atravs da criao de espaos duplos, a nossa orientao espacial). Assim, a fotograa de Hornig desempenha dois importantes papis no seu trabalho: ou um dos elementos que compem obras tridimensionais que incluem imagens fotogrcas , no sentido de potenciar efeitos de trompe lil, ou utilizada como fotograa em sentido estrito, sabendo que, neste caso, o seu objecto , quase sempre, janelas, fachadas de edifcios envidraadas ou montras de lojas abandonadas. No caso do uso instrumental de imagens fotogrcas na composio das suas esculturas arquitectnicas, a tcnica de ensanduichar imagens entre planos de vidro, que compem pontos de vista sobre o espao, provoca uma complexidade na composio que, por vezes, torna difcil a destrina, pelo espectador, entre espao real e espao virtual/fotogrco. Nesse sentido, o uso da fotograa transforma-se numa operao espacial, mais do que numa simples utilizao da imagem enquanto tal, passando a integrar as questes escultricas que interessam a Hornig. Quando usa imagens fotogrcas isoladas, a artista toma como seu objecto sempre planos de vidro (montras ou janelas), fazendo do jogo de reexos e transparncias um novo desao para o espectador. Frequentemente estas imagens so ampliadas para a sua escala natural, exercendo, desta forma, um efeito de presena real dos elementos que, na imagem, so resultado de reexos, coadjuvados pelos reexos que a prpria superfcie fotogrca, ampliada pela tcnica da montagem em plexiglas, provoca. Neste caso, o espectador, entre os reexos da imagem e os da prpria sala, confrontado com um estranho limbo entre realidade e co. o que acontece com a imagem Weiber Vorhang III (2006), na qual o reexo da rua, a viso do que est para l da superfcie de vidro e o reexo da sala na sua instalao convoca um complexo jogo salientado pelos autocolantes no vidro fotografado, simultaneamente provas da sua realidade e elementos dbios que podem parecer ter sido colocados posteriori na prpria superfcie de Plexiglas que cobre a imagem. Sabine Hornig realizou a sua primeira exposio antolgica de grande dimenso no Centro Cultural de Belm (Lisboa) em 2005. Delm Sardo
Bibliograa seleccionada Sabine Hornig. Landscape Negative, Cristina Guerra Contemporary Art, Lisboa, Barbara Thumm, Berlim, 2008. Sabine Hornig. Der Zweite Raum, Hatje Cantz, Ostldern, 2006.

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BESART / SABINE HORNIG

Weiber Vorhang III, 2006 Prova por revelao cromognea, montada em Plexiglas 150 x 181 cm Edio 6/6

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BESART / CRAIGIE HORSFIELD

Craigie Horseld
Olhar para a imagem fotogrca descobrir a ausncia, o outro lugar qualquer que leva a ateno a virar-se sobre si prpria, transformando-se em devaneio e reexo.1 Esta armao de Craigie Horseld (1949, Cambridge, Reino Unido) uma sntese da particularidade do seu trabalho. Chamar-lhe fotgrafo ajustado, mas insuciente. Trata-se de um trabalho que passa no s pela criao de imagens, mas tambm pelo pensamento ( autor de extensos e complexos textos de reexo sobre a sua disciplina e as tenses presentes no mundo contemporneo) e pela utilizao dos recursos que a sua linguagem lhe permite: vdeo, som, e sempre o relacionamento, intenso e quase amoroso, com os seus objectos. O devaneio de que o artista fala prende-se com a natureza do acto criativo, e a reexo o pressuposto da totalidade da sua actividade: no pode haver arte sem reexo, sem pensamento. O aspecto relacional que a totalidade da experincia esttica implica crucial para este artista. No s porque designa o modo como os homens conhecem o mundo O mundo conhecido pela relao, arma o prprio , mas tambm porque apresenta uma metodologia artstica. Se verdade que a arte tende a ser entendida como a-metodolgica e a-sistemtica, para Horseld a construo de um pensamento sobre os limites e possibilidades da sua disciplina essencial para a xao da natureza particular de cada um dos seus gestos. O movimento, reexivo e plstico, que este artista efectua, encontra no conjunto das foras da inteligncia humana o seu mbito e no ca circunscrito ao mbito do trabalho artstico. A relao tambm social e cognitiva e resulta no nascimento (que j uma ruptura de conceitos, de palavras) de objectos a que se chamam fotograas. A linguagem , muitas vezes, impotente para dizer o necessrio, mas sempre uma linguagem possvel. Trata-se de um elemento essencial, porque segundo o artista, a arte s compreendida atravs da linguagem qual todos ns nos dedicamos. Parece que a linguagem a mediao que possibilita a uma imagem deixar de ser uma simples representao do mundo, para ser uma imagem signicativa. Porque se, como arma Horseld, a imagem fotogrca est entre a coisa e o dizer, isso signica que o dizer da imagem o momento da sua conscincia e do seu nascimento enquanto acto simblico. A metfora da linguagem extremamente potente. Mas Horseld parece estar condenado fotograa: assumi, ao longo da minha vida, que a linguagem que uso corrupta. Ela no pode ser a depositria da verdade absoluta. No vivemos com este tipo de certezas. Contudo, esta linguagem tudo o que tenho. No se trata de um lamento, antes da constatao dos limites inerentes a todos os modos expressivos: h sempre uma barreira que no se consegue transpor a barreira do indizvel, do infotografvel, do invisvel. Nuno Crespo
Bibliograa seleccionada Craigie Horseld. Napoli Conversations, Electa Napoli, Npoles, 2008. La Ciutat de la Gent, Fundaci Antoni Tpies, Barcelona, 1997. Craigie Horseld. A Discussion with Jean-Francois Chevrier and James Lingwood, Institute of Contemporary Art, Londres, 1991. 1 Todas as citaes retiradas de Relation, Centro de Arte Moderna / Fundao Calouste Gulbenkian, Lisboa, 2006.

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BESART / CRAIGIE HORSFIELD

Moll de Sant Bertain, Zona Franca, Barcelona, March 1996, 1996 Prova gelatina sal de prata 140 x 140 cm Edio nica Dark Bottles One Blue, 2006 Prova de impresso digital a jacto de tinta (Processo Dry Print) 128 x 112 cm Edio nica

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BESART / ZHANG HUAN

Zhang Huan
Artista e performer chins, Zhang Huan (1965, An Yang, China), usa preferencialmente a performance como meio de expresso artstica, sendo pioneiro na utilizao das tcnicas performativas na China contempornea. Acompanhando o progressivo interesse que a arte contempornea chinesa despertou no Ocidente, Zhang Huan tem alcanado uma crescente visibilidade na ltima dcada. Formado em pintura, Zhang Huan decide mudar-se em 1991 para Pequim, e nesta cidade que se verica o seu afastamento em relao ao domnio dos suportes convencionais e uma maior apetncia pelo desenvolvimento de uma prtica artstica alicerada no carcter mais experimental da performance. Em 1998 decide deixar a China, passando a residir em Nova Iorque, onde convidado a apresentar o seu trabalho em instituies importantes da cena artstica internacional. hoje considerado um dos nomes mais relevantes do panorama artstico chins. Esta srie de nove imagens pertencentes BESart Coleco Banco Esprito Santo, Shanghai Family Tree (2001), exemplar do trabalho performativo de Zhang Huan, no sentido em que esto presentes as caractersticas fundamentais da sua actividade artstica: a inspirao na Body Art, a referncia tradio cultural chinesa e a realizao de aces inspiradas em conceitos e rituais orientais que documenta em sries fotogrcas de cunho narrativo. Nesta obra em particular, observa-se uma interveno artstica baseada no progressivo encobrimento do rosto de trs personagens, atravs de um exerccio de escrita caligrca que consiste em registar a rvore genealgica de uma famlia de Shanghai. Paralelamente forte carga simblica desta aco, que visa questionar os limites da individualidade perante o colectivo, bem como a fragilidade do ser humano na sociedade actual, este trabalho tem ainda a particularidade de se vincular a uma das suas sries mais famosas, Family Tree (2001), tambm composta por nove fotograas onde o artista realizara uma interveno semelhante. Zhang Huan integrou exposies no San Francisco Museum of Modern Art, no Whitney Museum e no PS1 Contemporary Art Center de Nova Iorque, Museum of Contemporary Art de Chicago, Kunstmuseum Bern, em Berna, e participou nas Bienais de Veneza, Leon e Gwangju. Em 2007 a Fundacin Telefnica, em Madrid, realizou uma exposio dedicada totalidade do seu trabalho, no mbito do PHotoEspaa, Festival Internacional de Fotografa y Artes Visuales. Sandra Vieira Jrgens
Bibliograa seleccionada Zhang Huan, PHotoEspaa e Fundacin Telefnica, Madrid, 2007. Melissa Chiu, Zhang Huan: Altered States, Charta, Milo, Asia Society, Nova Iorque, 2007. Yilmaz Dziewior, Zhang Huan, Hatje Cantz, Osterldern, 2003.

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BESART / ZHANG HUAN

Shanghai Family Tree, 2001 Prova por revelao cromognea 9 x (50,8 x 76,2 cm) Edio 15/25

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BESART / ZHANG HUAN

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BESART / ZHANG HUAN

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BESART / AXEL HTTE

Axel Htte
Discpulo de Bernd Becher, Axel Htte (1951, Essen, Alemanha) lida com problemas que compreendem a paisagem e a arquitectura. As suas paisagens, cuja localizao identicada pelos ttulos, so precisas e abstractas ao mesmo tempo, pois no contm referncias visuais facilmente identicveis. Aparentam estar em estado bruto, pr-histrico, e caracterizam-se pela neutralidade. Esvaziadas de sentido narrativo, no se encontram nelas quaisquer vestgios de aco humana. O fotgrafo viaja longamente em busca da imagem perfeita, e espera pela luz ideal bem como pelas condies climatricas favorveis. Assim, ao gesto innitesimal do disparo, contrape-se o tempo da expedio e a longa espera no local. Como resultado, Htte apresenta-nos paisagens despojadas, propcias meditao e espera, que esto implcitas no processo. As suas imagens tm sido comparadas pintura do Romantismo, em especial no que diz respeito evocao das paisagens nostlgicas e solitrias de Caspar David Friedrich. Mesmo quando se concentra na paisagem urbana, como acontece na srie As Dark As Light, Htte examina-a com o mesmo grau de despojamento, veiculando uma viso distncia, situada entre o anonimato e a vaga sensao de familiaridade. Htte trabalha em grandes formatos, como o caso do dptico Djupavatnet, Diptychoc, Norway (2000). Este integra a srie North/South, composta por imagens provenientes da Islndia, Noruega, Alaska, Gronelndia, Alemanha, Amrica e frica do Sul. Lado a lado com as superfcies de neve inspitas e a frieza dos glaciares, coexistem neste trabalho, num dilogo de contrastes, os pntanos exticos e a opulncia das selvas tropicais. Htte ganhou, em 1983, o Hermann Claasen Prize. O Museu Nacional Centro de Arte Reina Sofa acolheu uma retrospectiva da sua obra em 2004. Lusa Especial
Bibliograa seleccionada Axel Htte. North/South, Henie Onstad Art Centre, Hovikodden, 2006. Axel Htte. As Dark as Light, Schirmer/Mosel, Munique, 2001. Axel Htte. Fecit, Museum Kurhaus Kleve, Richter Verlag, Dusseldorf, 2000. Axel Htte. Landscape. The Trace of the Sublime, Keber, Bielefeld, 1998.

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BESART / AXEL HTTE

Djupavatnet, Diptychoc, Norway, 2000 Prova por revelao cromognea, colada sobre Diasec 187 x 147 cm (Dptico) Edio 3/4

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BESART / SARAH JONES

Sarah Jones
Sarah Jones (1959, Londres, Reino Unido) expe individualmente desde 1987. O seu trabalho assume, durante a dcada de 1990, uma vocao temtica que se vai revelar transversal no seu percurso e que se prende com a desconstruo simblica do espao fsico do lugar da psicanlise. Divs de consultrios, sistematicamente catalogados em imagens fotogrcas de idntica geometria composicional mas varivel incidncia cromtica , so retratos implcitos que indiciam as sries posteriormente desenvolvidas em espaos domsticos habitados por adolescentes enfastiadas. A ausncia humana intuda nos consulting rooms dos analistas transita assim, em continuidade, para a sua presena efectiva nos living ou dining rooms das manses vitorianas da burguesia britnica ascendente. As salas de Jones aprisionam objectos codicados rigorosamente relacionados e ritualmente dispostos, sobre ou em redor de mesas imaculadamente polidas. A associao compsita dos mementos cenografados traduz-se em naturezas-mortas geminadas (porque reectidas) que, imperturbveis no seu estaticismo e simetria, evocam o espao tradicionalmente convencionado para a manifestao da autoridade patriarcal e da construo de status social. A recorrncia do sujeito e a coreograa estereotipada dos seus gestos suspensos contribuem para criar a tenso ccional que as imagens encerram. O formalismo estrutural, a perspectiva frontal, o enquadramento rigoroso, a intensa paleta de cores, a planura das camadas ou a escala natural (em formato quadrado), so as caractersticas tcnicas do olhar disciplinado de Sarah Jones, quer este se detenha em raparigas ou em cabelos, rvores ou rosas. Imortalizar no tempo as coisas que crescem, mais ou menos selvagens, em espaos hostis sua condio de juventude (lugares de submisso e excluso), a sua tarefa fundamental. O trabalho de Sarah Jones integrou recentemente as exposies colectivas Street & Studio: An Urban History of Photography (Tate Modern, Londres, 2008) e The Society of London Ladies (Dispari & Dispari Project, Reggio Emilia, 2008). Sarah Jones: Photographs, no National Media Museum (Bradford, 2007), foi a sua mais recente exposio individual num espao institucional. Lgia Afonso
Bibliograa seleccionada Street & Studio: An Urban History of Photography, Tate, Londres, 2008. Sarah Jones, Sarah Jones on August Sander, Thomas Ruff and Walker Evans, in TATEetc, Londres, Vero, 2008. Sarah Jones, Martin Reed, Silver Gelatin: A Users Guide to Liquid Photographic Emulsions, Amphoto, Nova Iorque,1996.

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BESART / SARAH JONES

The Dining Room Table (Mulberry Lodge) II, 1998 Prova por revelao cromognea, colada sobre alumnio 150 x 150 cm Edio 1/3 The Park (II), 2002 Prova por revelao cromognea, colada sobre alumnio 130 x 170 cm Edio de 3/5 + 1 PA

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BESART / THOMAS JOSHUA COOPER

Thomas Joshua Cooper


Thomas Joshua Cooper (1946, So Francisco, EUA) exibe o seu trabalho de uma maneira sistemtica em vrias galerias e instituies internacionais desde os anos de 1960. Paralelamente sua continuada prtica artstica, Joshua Cooper desenvolveu proliferamente as actividades didcticas (foi fundador do departamento de fotograa da Glasgow School of Arts) e tericas (reuniu, em colaborao com Paul Hill, uma srie de entrevistas a fotgrafos em Dialogue with Photography, 1979). Em 2005 viu consagrado o seu trabalho com o prmio Creative Scotland Award. O trabalho de Joshua Cooper frequentemente enquadrado no contexto dos artistas britnicos que exploraram o conceito de Paisagem (posteriormente nomeado como Land Art), nos anos de 1960, sendo que estes, predominantemente, contornavam por via de outras solues formais, a prpria representao da paisagem: Hamish Fulton, Andy Golldsworthy ou Richard Long reuniam e posteriormente trabalhavam os elementos naturais respigados nos passeios em paisagens inspitas, desertas, inultrapassveis. Joshua Cooper tambm um artista nmada, que se move segundo direces precisas quase sempre envolvendo as extremidades geogrcas. Com o itinerrio delineado, o artista procura encontrar as localizaes signicativas do seu prprio mapeamento, utilizando em exclusivo a fotograa tradicional (trabalha unicamente com uma mquina de grande formato manual e a as provas nais so produzidas segundo os meios artesanais do sculo XIX), fazendo com que o artista tenha que habitar estes locais isolados e extremos por vrios dias. As fotograas Cabo da Roca (1994) imagem da srie The Worlds Edge, Porto Moniz, Madeira (2003), e The Azores, Portugal (2004), traduzem o lado meditativo da experincia e da vontade losca do mapeamento de nisterrae. Maria do Mar Fazenda
Bibliograa seleccionada Point of No Return, Haunch of Venison, Londres, 2004. At the Edge of the World, Odense, 1999. Dialogue with Photography: Interviews by Paul Hill and Thomas Cooper, Dewi Lewis Publishing, Stockport, 1998. A Simples Contagem das Ondas, Centro de Arte Moderna / Fundao Calouste Gulbenkian, Lisboa, 1994.

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BESART / THOMAS JOSHUA COOPER

Cabo da Roca, Portugal, 1994 Prova gelatina sal de prata 102 x 137 cm Edio 3/3 Porto Moniz, Madeira, 2003 Prova gelatina sal de prata 102 x 137 cm Edio 3/3 The Azores, Portugal, 2004 Prova gelatina sal de prata 102 x 137 cm Edio 2/3

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BESART / ISAAC JULIEN

Isaac Julien
Os seus lmes e instalaes poderiam ser visionados numa sala de cinema. No entanto, Isaac Julien (1960, Londres, Reino Unido) arma que o contexto mais adequado para o seu trabalho a cena museolgica e galerstica, isenta de constrangimentos externos ao mundo da arte. O artista utiliza frequentemente fotograas a acompanhar as suas complexas e magncas instalaes de ecrs mltiplos. Estas combinam documento e co e circunscrevem os efeitos da globalizao na movimentao do Homem no mundo. Em conjunto com Fantme Afrique (2005), as sries True North (2004) e Western Union (2007) enformam uma trilogia de instalaes flmicas audiovisuais. O tema da viagem e a paisagem sublime so dois eixos comuns a essas duas ltimas sries. Em True North, Julien reabilita a memria de Matthew Henson, um afro-americano que acompanhou Robert Peary na expedio ao Plo Norte. A sua histria no recordada ao contrrio do que sucede relativamente ao seu companheiro de viagem apesar de ter sido relatada na primeira pessoa. Tanto o lme quanto as fotograas (stills que dele derivam), contemplam paisagens glaciares soberbas, e aliam mestria tcnica uma elevada densidade potica. J a srie Western Union versa a imigrao clandestina no Mediterrneo, cujo imperativo escapar fome e s guerras. True North e Western Union aproximam-se, nalmente, no intuito de conferir visibilidade a questes marginais e na reinterpretao do papel do negro na cultura ps-colonial. Isaac Julien fundou a Sankofa Film (1983) e o Video Collective (1992) e a Normal Films (1999). Em 2005 o Centre Pompidou consagrou-lhe uma exposio individual. Foi nomeado para o Turner Prize em 2001, recebeu os prmios MIT Eugene McDermott Award in the Arts (2001) e o Frameline Lifetime Achievement Award (2002). Lusa Especial
Bibliograa seleccionada Isaac Julien. True North Fantme Afrique, Kestner Gesellschaft, Hanver, Hatje Cantz Ostldern. Isaac Julien, Irish Museum of Modern Art, Dublin, 2005. The Film Art of Isaac Julien, Center for Curatorial Studies / Bard College, Nova Iorque, 2000. Chris Darke, Kobena Mercer, Isaac Julien, Ellipsis Minigraph, Londres, 2001.

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BESART / ISAAC JULIEN

True North Series, Ice Project Work No. 8, 2007 Transparncia (Duratrans) por revelao cromognea, montada em caixa de luz 123 x 247 x 7 cm Edio 1/6 + 1 PA

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BESART / ISAAC JULIEN

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BESART / ISAAC JULIEN

Western Union Series No. 2 (Flight Towards Other Destinies 1), 2007 Transparncia (Duratrans) por revelao cromognea, montada em caixa de luz 120 x 244 x 7 cm Edio 5/6

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BESART / AINO KANNISTOA

Aino Kannisto
Na ltima dcada, a fotograa nlandesa atingiu particular realce com artistas como Marjaana Kella, Esko Mnikk ou, mais recentemente, Elina Brotherus. Aino Kannisto uma das representantes da nova gerao, tendo exposto em 2008 na 2. Bienal de Arte Contempornea do Havre e em vrios pases como Espanha, Alemanha ou Sucia. Caracterizando-se por uma qualidade tcnica impressionante, a escola nlandesa assume com frontalidade o espao fotogrco como simulacro do mundo, mas organizado de modo a desenhar uma especicidade temtica, simblica ou psicolgica. Aino Kannisto (1973, Espoo, Finlndia) fotografa-se a si prpria em situaes de vida contraditrias, que afastam a hiptese do documentrio ou at a do auto-retrato. Cria uma personagem que acompanhamos em situaes de introspeco ou de casualidade quotidiana. Contudo, parece estar consciente no tanto do facto de ser objecto de uma fotograa, mas da postura que assume dentro da imagem: surpresa estudada num corredor de hotel, ou jovialidade numa casa-de-banho decrpita, ou ainda soberba contida numa sala de estar burguesa... A artista nlandesa cria um universo feminino proteiforme por ela incarnado, apoiando-se na teatralidade das imagens. Cada objecto, cada cenrio, tem um papel to rigorosamente determinado como a prpria personagem. A imagem abre um mundo que o espectador identica intuitivamente. As diversas situaes denotam um universo afectivo (melancolia, abandono, desespero, cansao, tdio...). A artista joga assim com a sugesto de uma co e a possibilidade de o espectador a manusear como se fosse ele o editor do lme ausente. Mas as fotograas de Aino Kannisto no tm nem antes nem depois. A co ca suspensa, nas mos do observador, pervertendo a sua vocao voyeurstica, sempre latente. Explorando a narratividade aberta da imagem, enclausurada numa expectativa cinematogrca, Aino Kannisto estabelece um jogo de espelhos com o seu prprio corpo. Sem ttulo (Black Mirror) (2005), Sem ttulo (Red Kitchen) e Sem ttulo (White Sliding Doors), de 2004, so disso exemplo: o corpo feminino amide cortado, velado, distorcido, dissimulado por portas, paredes e por vezes pelo prprio enquadramento. Ora reexo, ora matria (pela sua ausncia), a personagem oscila entre realidade ccional e corpo inatingvel, imerso no tecido do mundo. Joana Neves
Bibliograa seleccionada Aino Kannisto, Transit Art Space, Skansekaien, Stavanger, 2006. Aino Kannisto, Galeria Coln XVI, Bilbau, 2006.

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BESART / AINO KANNISTOA

Sem ttulo (Red Kitchen), 2004 Prova por revelao cromognea, colada sobre alumnio 90 x 117 cm Edio 5/6 Sem ttulo (Black Mirror), 2005 Prova por revelao cromognea, colada sobre alumnio 90 x 110 cm Edio 6/6 Sem ttulo (White Sliding Glass Doors), 2004 Prova por revelao cromognea, colada sobre alumnio 90 x 116 cm Edio 4/6

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BESART / PERTTI KEKARAINEN

Pertti Kekarainen
A obra de Pertti Kekarainen (1965, Oulu, Finlndia) submete a prtica fotogrca a uma sensibilidade pictrica e, de algum modo, escultural. Tendo inicialmente explorado a instalao e o readymade, o artista enveredou em 1993 pela fotograa. Desde ento, exps em inmeros pases, participando em exposies na Kulturhus em Estocolmo (Sucia), na Bienal de Praga e na Bienal de Pontevedra, por exemplo. A fotograa aqui pretexto para sobrepor tcnicas e formas criando espaos que tanto revelam a dimenso real como a sua possvel distoro ou melhoramento atravs da memria ou de uma percepo sensvel modulao. Assim, um ponto de fuga, um canto, uma parede, uma sala de estar so relatados por ela mais do que representados. Ora vejamos: a srie Tila, da qual faz parte a imagem aqui apresentada, Tila (Passage V) (2007), apresenta inmeras portas e janelas ou ainda espaos entre duas pessoas por vezes as suas sombras , mas este espao da imagem obturado por pequenas auras, pontos de luz, formas que em vez de continuar a geometria evidente do espao o abrem para outro mundo. A questo que se coloca toca esse mundo, interroga-o: de que natureza ? O que desvenda? Na lngua nlandesa a palavra Tila, diz quem sabe, tem vrios signicados: lugar, espao, stio, mas num sentido tanto literal como simblico. Signica porm, igualmente, um estado de esprito ou de graa. Ao intitular assim um conjunto de imagens, que produz desde 2005, Kekarainen aglutina a dimenso realista da imagem (que a importante escala das fotograas recria) a uma outra, mais insondvel e mental, colocando um vu sobre ela e desdobrando-lhe articialmente o espao. Jogando com as pequenas nebulosidades do olhar, o artista nlands traz-nos para a superfcie de uma imagem na qual espervamos mergulhar. A sua formao de pintor revela-se, nomeadamente no uso de pequenos vidros convexos, provocando fenmenos de anamorfose. Convoca assim a a pintura e as diferentes tcnicas pticas, que jogavam ao gato e ao rato com a representao do mundo, mas tambm com a posio do pintor e do espectador em relao tela. Assim, a srie de monocromos da srie Density (1995-2002), que, tal como a anterior, o artista desenvolveu ao longo de vrios anos, emprega a objectividade da cor e da superfcie para nos ligar tanto ao tecido vertiginoso do mundo como quele, mais opaco e absorvente, da imagem-ecr. Joana Neves
Bibliograa seleccionada Pertti Kekarainen. Density Tila Series, Photology, Milo, 2006. Pertti Kekarainen. Site 1, NYKY, Helsnquia, 1999.

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BESART / PERTTI KEKARAINEN

Tila (Passage V), 2007 Prova por revelao cromognea 195 x 125 cm Edio 2/5

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BESART / JOSEF KOUDELKA

Josef Koudelka
Diz-se que h um certo pendor nostlgico de Josef Koudelka (1938, Boskovice, Repblica Checa) em relao pequena aldeia checa de cerca de quatrocentos habitantes onde nasceu. A comearia a tirar fotograas antes de ingressar na Universidade Tcnica de Praga, onde se tornaria engenheiro. Em 1961 faz a sua primeira exposio fotogrca, Divadlo Semafor. Em 1967 torna-se fotgrafo a tempo inteiro, abandonando a engenharia e dedicando-se, na Romnia, a um projecto minucioso sobre ciganos. No regresso Checoslovquia em Agosto de 1968, e em plena Primavera de Praga, Koudelka tira fotograas invaso da capital pelos tanques soviticos, que depois envia sob anonimato para a Magnum, sendo publicadas na Sunday Times Magazine. As imagens correm mundo e, no ano seguinte, Koudelka, o Fotgrafo de Praga annimo, ganha o Robert Capa Gold Medal Award, atribudo pela National Press Photographers Association (EUA). J tinha sido premiado no seu pas, pela Unio dos Artistas Checoslovacos, em 1967, e continuaria a acumular distines toda a sua vida. Em 1970 vai viver para Inglaterra, onde faz duas exposies, Gypsies (1975), que tambm o seu primeiro livro, e Exiles (1988). Verdadeiramente internacional, a obra de Koudelka est presente em coleces do mundo inteiro. Seja nas suas imagens sobre o mundo simultaneamente alegre e trgico dos ciganos, seja pela sua fantstica capacidade em realar a passagem do homem pelos territrios mais desabridos, o seu tema primeiro, destacando, precisamente a teimosa poesia dessa fragilidade humana, que termina na morte e se confunde com os seus cus opacos e cinzentos ou os sulcos que deixa na lama dos caminhos, a imensa persistncia no viver. Mas que ainda se arma quando a paisagem parece esquecer a sua presena, mas no o seu mistrio. Estas duas fotograas panormicas onde os elementos dinmicos da natureza (a areia e o mar) desaam a aco do homem, cabem expressamente na actualizao mais recente deste conceito. Maria do Carmo Sern
Bibliograa seleccionada Invasion Prague 68, Aperture, Nova Iorque, 2008. Chaos, Phaidon, Londres, 2008. Limestone, Groupe Lhoist, Paris, 2001. Cerny Trojhelnik Podkrusnohor Fotograe: 1990-1994, Sprva Prazskeho, Praga, 1994. Gypsies, Aperture, Nova Iorque, 1975.

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BESART / JOSEF KOUDELKA

Near Guincho Beach, 2004 Prova cromognea de ampliao digital (Processo LightJet Lambda) 67 x 165 cm

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BESART / JOSEF KOUDELKA

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BESART / JOSEF KOUDELKA

Granja, 2004 Prova cromognea de ampliao digital (Processo LightJet Lambda) 67 x 165 cm

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BESART / BARBARA KRUGER

Barbara Kruger
Para Barbara Kruger (1945, Newark, New Jersey, EUA) a fotograa deve ofuscar o seu prprio meio, apostando numa lgica apropriacionista que apaga deliberadamente qualquer valor autoral e enfatiza a uidez intercambial dos signos nas sociedades contemporneas. Da resulta uma permuta de valores e signicados produzidos a partir de pequenas e subtis intervenes, sobretudo de carcter lingustico, que invertem o signicado original, quase sempre associado a uma mensagem comum, estereotipada e sexista. Neste sentido, a crtica feminista perpetuao do poder masculino na produo de sentido ser uma constante da sua obra, encetando uma intensa anlise do poder ao seguir de perto as sugestes tericas de Roland Barthes sobre a morte do autor ou a valorizao da leitura poltica da imagem fotogrca apontada por Susan Sontag. Baseados em procedimentos alegricos de cunho apropriacionista, trabalhos como Sem ttulo (Let Go) (2004) procuram criar condies de superao da nossa hipnose colectiva, desenvolvendo um grande impacte visual com recurso a fotomontagens e palavras que invertem o seu sentido original. A estratgia de desocultao ou transparentizao da mediao opressora conduz Barbara Kruger, como ela prpria nos confessa, a denunciar o controlo sobre o real exercido pela pluralidade de signos que circulam no interior da sociedade. Neste sentido, a tradio da anlise semitica e todo o pensamento ps-estruturalista unir-se-o numa referncia terica fundamental para o seu trabalho. No recurso a estratgias visuais derivadas da sua prpria experincia prossional na rea da publicidade, Barbara Kruger elabora um comentrio feroz e desarmante sobre a manipulao exercida pelo poder atravs da mediao visual da nossa avassaladora contemporaneidade. A artista usa o mesmo mtodo, ou seja, a manipulao grca, para subverter por completo as justas intenes da mensagem original. Sejam homens ou mulheres, os receptores destes trabalhos rapidamente se apercebem, pela imediata familiaridade observada entre as novas imagens e a imagtica publicitria, da armadilha visual que os estrutura, explorando um jogo contraditrio entre texto e imagem, entre a palavra e o visual, que obriga a um questionamento sobre temas emblemticos e fracturantes do nosso tempo, como a questo do aborto, a intolerncia religiosa, o racismo, a violncia domstica, o sexo ou a liberdade de expresso. Kruger constri com os seus trabalhos uma dimenso crtica de contra-linguagem e descentramento do sentido como forma mais ecaz de instabilizar os cdigos dominantes e apontar a uma subtil evanescncia do sujeito. David Santos
Bibliograa seleccionada Barbara Kruger. Desire Exists When Pleasure is Absent, Kerber, Bieleeld, 2007. Twelve, Tramway, Londres, 2006. Barbara Kruger. Thinking of You, The Museum of Contemporary Art, Los Angeles, 1999. Barbara Kruger, Phil Mariani (ed.), Remaking History (Discussions in Contemporary Culture, No. 4), New Press, Nova Iorque, 1998. Barbara Kruger, Remote Control: Power, Culture, and the World of Appearances, The MIT Press, Cambridge, 1994.

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BESART / BARBARA KRUGER

Sem ttulo (Let Go), 2004 Fotograa e impresso tipogrca 165,1 x 241,3 cm Edio 3/5

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BESART / LOUISE LAWLER

Louise Lawler
O trabalho de Louise Lawler (1947, Nova Iorque, EUA) prope uma reexo sobre o circuito social da obra de arte. Relaciona-se directamente com obras de outros artistas, que fotografa em diferentes contextos da apresentao: enquanto expostas num museu, durante a montagem ou desmontagem, nas reservas ou em casa de coleccionadores particulares. Na colaborao com Douglas Crimp no livro On the Museums Ruins (1993), o seu trabalho fotogrco corre em paralelo com o ensaio textual do autor: ambos se debruam sobre a obra de arte como inevitavelmente condicionada pela moldura institucional. Em What Else Could I Do (Oldenburg) (1994-1995), a artista fotografa a escultura de Claes Oldenburg Soft Light Switches Ghost Version, de 1963. A pea mostrada tal qual est numa qualquer exposio, em condies de total assepsia. Em White Gloves (2002/2004), por contraste, a artista opta, semelhana do que fez em muitas outras obras, pela perspectiva descentrada da obra de arte com o objectivo de conferir primazia ao seu contexto. Lawler refere-se aqui proteco da obra e sua embalagem para transporte, no que so os bastidores de uma grande instituio museolgica. Trata-se da desmontagem da exposio temporria de Gerhard Richter, patente no MoMA em 2002, denominada Forty Years of Painting. A pintura de Richter pertence srie 48 Portraits (1971-1972), e o sujeito retratado James Franck, Prmio Nobel de Fsica em 1925. Os retratos pstumos destes quarenta e oito homens vestidos com fatos negros adquirem uma propositada neutralidade ideolgica, niveladora como as imagens de uma enciclopdia. Na fotograa de Lawler, em letras quase ilegveis e imediatamente por cima do retratado, aparece uma mensagem escrita. Esta apela ao manuseamento cuidadoso da pea e ao zelo pela sua integridade. A nitidez com que a obra de Richter gura na imagem confere a impresso de estar envolta numa aura, enquanto tudo o que a rodeia encontra-se na penumbra e dbio. Lusa Especial
Bibliograa seleccionada Twice Untitled and Other Pictures (Looking Back): Louise Lawler, The MIT Press, Cambridge, 2006. Louise Lawler and Others, Hatje Cantz, Ostldern, 2004. An Arrangement of Pictures, Assouline, Nova Iorque, 2000. Louise Lawler. For Sale, Reihe Cantz, Ostldern, 1994. Douglas Crimp, On the Museums Ruins, The MIT Press, Cambridge, 1993.