I.E.S. PABLO RUIZ PICASSO.

MÚSICA

4º E.S.O.

TEMA 3

MÚSICAS POPULARES URBANAS CONTEMPORÁNEAS

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1. Introducción: ¿Qué son las músicas populares urbanas contemporáneas?.

Una de las características principales de la música de nuestro tiempo es la aparición de un nuevo fenómeno
social y musical: las músicas populares urbanas, la mayoría de las veces dirigidas a los jóvenes. Estos estilos
musicales son “populares” porque los escucha gran cantidad de gente en todo el mundo, aunque en muchas
ocasiones se parezcan más al “pop” en cuanto a que tienen finalidades comerciales. La denominación de
“urbanas” viene de que todos estos estilos han surgido en las grandes ciudades, como necesidad de expresión de
ciertas clases sociales (sobre todo las más marginadas o las que querían lanzar un mensaje diferente, renovador
o destructivo) o ciertos grupos de edad (especialmente los jóvenes).
Llegado este punto, ya queda plenamente justificada la presente unidad: la expresión “músicas populares
urbanas contemporáneas” se refiere a que son músicas muy conocidas, surgidas en las ciudades, y es música de
nuestro tiempo (todos los estilos que vamos a comentar a continuación siguen existiendo en la actualidad).
Nunca, en ninguna otra época de la historia de la música (ya sea culta o popular), hay una expansión tan grande
de la música “popular” dirigida especialmente para jóvenes.

2. Antes del Jazz.

2.1. Gospel.

Entre los siglos XVII y XIX, miles de personas fueron llevadas como esclavos desde el África occidental
hasta América. El comercio de esclavos recogió a la fuerza a senegaleses, yorubas, dahomeianos y ashantis,
cada uno con sus tradiciones propias, y los depositó en las plantaciones de tabaco, azúcar y algodón del Caribe
y el sur de los Estados Unidos. Las tradiciones de los esclavos no eran iguales entre sí, ni tampoco lo eran de
sus propietarios.
Los católicos (franceses, portugueses y españoles) respetaron más la cultura del África Occidental que los
protestantes británicos, que prohibieron los bailes y tambores. Pero los esclavos siguieron haciendo su música
que, al mezclarse con la de los europeos, dio origen a nuevos estilos musicales.
Uno de los primeros resultados fue la mezcla entre la música africana y la religiosa europea. Así, los negros
aprendieron muchos del os himnos y canciones espirituales de los blancos.
La mejor forma de relacionarse con Dios era a través de la música. Así nacieron los espirituales negros,
canciones de tema religioso en las que se mezclaba la polirritmia característica de la música africana con las
melodías de los himnos religiosos.
Muchos de estos himnos fueron aprendidos mediante la antigua costumbre escocesa del “responso”: el
predicador canta una línea y la congregación la repite después o responde cantando palabras como “Aleluya”.
El parecido de los responsos con la forma de la canción de trabajo tradicional africana contribuyó, sin duda, a la
popularidad de este estilo. Muchos de los textos de los himnos se usaron, en parte o en su totalidad, como base
de los espirituales negros, que se cantaban en las reuniones al aire libre.
En la interpretación, los espirituales negros diferían de los blancos. Era significativo el uso de síncopas,
introducidas por grupos dentro de la congregación, que variaban los acentos por retraso o anticipación de la
nota esperada. Los contratiempos eran marcados por palmas y, en aquellas confesiones que lo permitían, por el
“baile sagrado”, sin cruzar los pies.

Estructuralmente, era común el canto responsorial, ya fuera en respuesta a un verso o a una estrofa cantada
por el líder, o por medio del canto colectivo de la segunda mitad del verso iniciado en solitario. Las cualidades
del timbre vocal, incluyendo el uso de falsetes ásperos y agudos, y los gritos y clamores interpolados como
“¡Gloria!”, u otras frases de ánimo o afirmación, enriquecían el sonido.
Cuando acabó la Guerra Civil americana (1865), los negros dejaron de ser esclavos, y algunos se dedicaron
a hacer un espectáculo de su música. Uno de estos grupos fue el Fisk Jubilee Singers, famoso coro de una de las
primeras universidades negras norteamericanas, que presentó los espirituales negros en Europa en 1875. A
partir de ahí, el espiritual adquirió gran popularidad.

2.2. Blues.

El blues es un tipo de canción propia de la gente de color de los Estados Unidos que surgió en la segunda
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mitad del siglo XIX, en las zonas rurales de los estados del Sur, y adquirió gran popularidad, llegando a ser uno
de los elementos fundamentales de casi todos los tipos de jazz y de gran parte de la música popular.
En los primeros blues, los cantantes, acompañados por un banjo o una guitarra, expresaban sus
sentimientos, temores y esperanzas de una forma muy particular. El blues, en gran medida, fue creado por gente
que no sabía leer música, y por tanteo era una música aprendida de oído e improvisada. Los intérpretes daban
gran importancia a la capacidad de “poner rima a una canción”, y para facilitar la improvisación, tanto de
versos como de música, se desarrollaron una serie de patrones, el más familiar de los cuales era el del blues de
doce compases. La estructura de doce compases consiste en tres frases o secciones de cuatro compases cada
una. El texto del blues se adapta a esta estructura, utilizando los cuatro primeros compases para decir algo, los
cuatro siguientes para repetirlo y los cuatro últimos para concluir la idea. El blues de doce compases, en su
forma más simple, utiliza una serie armónica de tres acordes de tres notas cada una, construidas sobre la 1ª, la
4ª y la 5ª nota de una escala.
Literalmente, la palabra “blue” significa “triste” o “azul”. Sin embargo, en la música puede describir:

- Un estado de tristeza, o una música que produce cierta melancolía.

- Una estructura poética formada por dos versos que se repiten más uno distinto que rima con los
primeros.
- Un tipo de música determinado.
- Un tipo de secuencia o progresión armónica. Un blues puede ser rápido o lento, y aunque generalmente
es triste, también los hay alegres. Puede tener texto o puede ser solamente instrumental, y la secuencia
de acordes puede ser más sencilla o más complicada, pero para que una pieza sea un blues, la condición
principal es que la secuencia armónica esté presente en un esquema de doce compases.
- Un tipo de escala (la escala de blues), o pentatónica (de 5 sonidos).
- Cualquier combinación de los aspectos mencionados.

2.3. Ragtime.

El Ragtime (literalmente “ragged time” o “ritmo sincopado”) tuvo su origen a finales del siglo XIX en los
cafés y burdeles de las ciudades del sur de los Estados Unidos. Es ante todo un estilo escrito (mientras el jazz es
principalemte una improvisación) que adquirió gran popularidad debido a la difusión que tuvo gracias a la
imprenta.
Por aquella época, las partituras eran aún el principal medio de difusión de la música, y el piano era el
instrumento de los aficionados con alguna instrucción musical. Por eso, aunque algunos críticos lo
desaprobaron por haberse engendrado en los burdeles, el ragtime fue la primera música considerada negra
(aunque no lo fuera) aceptada por los blancos, y el estilo se difundió en la comunidad blanca por medio de los
pianos caseros y las partituras simplificadas que guiaban al pianista aficionado.
Cientos de ragtimes de Scott Joplin y otros compositores se publicaron entre 1895 y 1910, no sólo en
partituras, sino también en rollos para pianola que transcribían directamente la partitura sin ayuda de intérprete.
Así, los ragtimes de moda podían escucharse en pianolas mecánicas que funcionaban con monedas.
En el ragtime se advierten algunas de las características propias de las marchas militares (un estilo de
música europea muy popular en la mayoría de las ciudades estadounidenses a finales del siglo XIX), entre
otras, los tiempos marcados, similares a los del bombo y el platillo, de la mano izquierda del pianista.
Estructuralmente consta de cuatro períodos de dieciséis compases, con una introducción, a veces, de cuatro
compases. Los patrones comunes eran AABBACCDD, AABBCCDD y AABBCCA. Aunque hay algunos
ragtimes en compás de tres tiempos, la mayoría estaban escritos en compás de 2/4, y en muchos se indicaba
Tempo di marcia en su encabezamiento.
La decadencia del ragtime se remonta, tal vez, al momento en que las grabaciones sustituyeron, como
principal fuente de diversión doméstica, a los rollos de pianola y a su supresión hacia 1915 por el jazz. Para
aquel entonces ya había influido en compositores europeos como Satie, Stravinsky, Milhaud o Hindemith. Sin
embargo, a finales de los años sesenta, algunos intérpretes y compositores descubrieron en el ragtime clásico un
importante tipo de música seria americana para piano, un eslabón, pro así decir, entre las tradiciones populares
y las clásicas. Estos y otros músicos compusieron nuevos rags que debían mucho al estilo de Scott Joplin. El
ragtime se incluyó entonces en numerosos conciertos y bandas sonoras cinematográficas, así como en otras
facetas de la vida musical norteamericana.

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3. El Jazz: orígen de las músicas populares urbanas.

Vamos a comenzar a abordar el tema del jazz aclarando, en cierta medida, el origen de la denominación
“jazz”. En primer lugar, hay que señalar que no se sabe bien de dónde procede el término etimológicamente,
aunque hay diversas teorías:

1. “Jasm”.- Hace alusión, en el idioma de los negros africanos, a “hablar”, “algarabía”, recreándose en el
sonido de las palabras.
2. “Jasí”.- Es el concepto de vivir aceleradamente.
3. “Jazzbell”.- Es el término de mayor aceptación, y hace referencia a la denominación de las prostitutas de
Nueva Orleans, y que alude a la Jezabel bíblica.

El jazz es la fusión de dos grandes tradiciones musicales, la negra y la occidental. De todos modos, el jazz
no se puede separar de otras formas de expresión, como son el gospell, el blues..., ya que está interrelacionado
con multitud de músicas populares. Además de los estilos señalados, encontramos el ragtime, forma musical
surgida a partir de ciertas bandas de música que interpretan un estilo musical parecido al de las marchas, pero,
al realizarse a partir de los pasacalles, tiene una idea mucho menos rígida y de acercamiento al público. Todo
esto sucede en Nueva Orleans, donde el jazz va a ir adquiriendo unas características propias, como la
improvisación y las bases rítmicas.
A partir del concepto de libertad, el jazz es el eje fundamental que influye y es influido por la música
clásica, latinoamericana, étnica, etc..., donde el mestizaje y la fusión es un rasgo. Desde sus orígenes, hay dos
corrientes dentro del jazz:

- Una basada en la “pureza” de sus orígenes.

- Otra que incita a esta recreación de las distintas mezclas, que es la que se impone.

3.1. El estilo Nueva Orleans.

El jazz nació en Nueva Orleans, un importante puerto en el estado americano de Lousiana que, a finales del
siglo XIX, era una ciudad próspera, llena de bares y salones de baile, en los que se interpretaba música en vivo.
En la década de 1890, muchos elementos musicales y sociales hicieron posible el nacimiento de esta nueva
música. Las bandas de instrumentos de metal, los blues y el efecto estimulante de los rags pianísticos
desempeñaron en ello su papel. Tras la Guerra Civil americana y la desmovilización, la abundancia de
instrumentos militares baratos (trombones, tambores, bombos y platillos) proporcionó los medios para que los
músicos de color pudiesen adquirirlos. Así, formaron sus bandas, en las que tocaban sus propias versiones de
las marchas europeas en desfiles, bailes, excursiones por el río y funerales, introduciendo ritmos sincopados y
cambiando algunas notas de las melodías originales o improvisando nuevas melodías.
Por otra parte, en 1897 se permitió la creación de un barrio legal de burdeles que se llamó Storyville hasta
1917, año en que se cerró por considerarse nocivo para la moral. Con sus prostíbulos y teatros, dio un impulso
inesperado a esta nueva música que no conocía inhibiciones y que, despreciada por los árbitros de la cultura y
luego vilipendiada por la prensa, en la década de los veinte se continuaba considerando una música inferior. Los
pianistas tocaban en los salones de los burdeles, mientras que las bandas más numerosas lo hacían en las calles
y las más pequeñas (formadas por unos seis o siete músicos que tocaban corneta o trompeta, clarinete, trombón,
banjo o piano, contrabajo o tuba y batería) en salones y clubes.
Las primeras manifestaciones del jazz tuvieron sus raíces en el ragtime, el blues y la música de las bandas
de metal. Sin embargo, casi al mismo tiempo, surgieron otras bandas en las que:

- Gran parte de la música era improvisada.

- El ritmo era más relajado, anticipando lo que sería el swing.
- Se generaban composiciones que conformaron un repertorio propio.
- La improvisación colectiva creó un producto musical más complejo que el del ragtime, el blues o las
marchas.
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 Esta nueva modalidad del jazz (conocida como Jazz Clásico, Jazz T radicional o estilo de Nueva Orleans)
era interpretada por bandas que tocaban en cafés y salas de baile de dicha ciudad. Por estilo Nueva Orleans
entendemos generalmente a un grupo de instrumentos, donde el intérprete de corneta o trompeta, que expone el
tema, es el "líder" o director de la banda. El clarinete (o eventualmente un violín) añade frases decorativas en el
registro agudo y el trombón toca en los graves otras melodías (más simples que las del clarinete). Estos
instrumentos (y algunas veces un cantante) se van sucediendo de uno en uno en la interpretación de la melodía
principal, mientras los otros siguen tocando "riffs" (pequeñas melodías improvisadas). Los solistas tienen el
apoyo de la sección rítmica, donde hay una batería integrada por unos pocos instrumentos que mantiene un
ritmo invariable; un banjo o un piano emite acordes incansablemente, y un contrabajo (o una tuba) toca la línea
del bajo. De las numerosas bandas que había en Nueva Orleans a comienzos de siglo, llegaron a adquirir gran
popularidad, entre otras cosas, la de Buddy Bolden y la Joe "King" Oliver´s Creole Band.
Al escuchar a los primeros grupos de Nueva Orleans, da la sensación de que la música no es improvisada.
Nadie hace solos largos, y nunca se desvían demasiado del tema original. Pero ese sonido es engañoso. Las
primeras bandas de jazz de Nueva Orleans funcionaban como las bandas callejeras: todos tocaban al mismo
tiempo, entretejiendo las líneas que definen el tema. Pero las líneas se adornan y modifican constantemente, con
una manera de tocar que se llama "contrapunto libre" (varias melodías libres). En las bandas tradicionales de
Nueva Orleans, la interacción principal se da entre la fuerza de la trompeta o corneta, las sonoras y sinuosas
líneas del trombón y las melodías más punzantes del clarinete. Aunque al evolucionar el jazz varió la
instrumentación, este sonido característico persistió hasta bien entrados los años treinta.

3.2. El estilo Dixieland.

Nueva Orleans siguió siendo el centro del jazz hasta 1918, cuando muchos de sus bares y salones de baile
fueron cerrados. Los músicos de jazz perdieron su trabajo y abandonaron la ciudad. Así viajaron hacia el norte,
a San Luis, Kansas, Chicago y Nueva York, llevando con ellos su música.
Desde este momento, el sonido clásico y tradicional del jazz de Nueva Orleans fue evolucionando y dando
lugar a numerosos estilos. Aunque no fue un solo músico quien creó el jazz ni quien desencadenó sus cambios,
han existido genios de excepción que enriquecieron con nuevos e ingeniosos sonidos las distintas modalidades
del jazz.
Muchos "jazzmen" pronto descubrieron que la vida era mejor en el norte. Mientras en Nueva Orleans
solían cobrar un dólar por noche, en Chicago llegaron a percibir 25 dólares a la semana. Allí algunas bandas de
Nueva Orleans grabaron sus primeros discos. También surgieron nuevas bandas, formadas por músicos blancos,
que imitaban el estilo de Nueva Orleans, como por ejemplo la New Orleans Rhythm Kings o la Original
Dixieland Jazz Band. Por el nombre de esta última, el estilo Dixieland fue identificado como un jazz blanco
tocado a la manera de los conjuntos tradicionales. Sin embargo, el término también se utiliza como sinónimo de
la música de Nueva Orleans y, por tanto, del jazz negro emanado del sur.
Sin embargo, ninguna de estas bandas llegaron a ser muy famosas. Ninguna de ellas pudo competir con el
sonido peculiar de la banda de Louis Armstrong, una de las máximas figuras del jazz de todos los tiempos,
seguidor del estilo Nueva Orleans.

3.3. El Swing.

A finales de los años 20 se habían abierto muchos caminos para desarrollar el jazz que, en la siguiente
década, estuvo dedicado a una mayor exploración de los recursos orquestales. Así nació un nuevo estilo de jazz,
el swing. Adquirió tanta popularidad que a la década de los 30 se le suele llamar "la era del swing".
Esta música se interpretaba con bandas más numerosas (big bands) integradas por unos doce o trece
músicos que tocaban una música escrita. Cada banda contaba con un arreglista, que adaptaba canciones y piezas
de jazz famosas. En el swing, a diferencia de los estilos jazzísticos anteriores, cada detalle de la música se
escribía con anticipación, y debía ser practicado por la banda. Los músicso tenían que saber leer música o, en su
defecto, tener facilidad para aprender a tocar su parte de oído.
La formación más habitual de las bandas de swing constaba de tres secciones: la de los instrumentos de
viento-metal (3 trompetas y 3 trombones), la de los instrumentos de viento-madera (clarinete, 2 saxos altos y 2
tenores) y una sección rítmica (piano, contrabajo, guitarra y batería). El trabajo del arreglista consistía en
escribir las partes correspondientes a cada uno de los instrumentos.
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 Las bandas más famosas fueron la de Count Basie y la de Benny Goodman, considerado "el Rey del
Swing" hacia 1935.
En comparación con el jazz anterior, en el swing se observan las siguientes características:

- La música es interpretada por big bands.

- La batería está integrada por más instrumentos, y se incorpora el charleston.
- La improvisación colectiva es poco frecuente. Sólo suele improvisar un solista acompañado por la
banda.
- El ritmo es menos marcado.
- Muchos de los arreglos requerían un alto nivel técnico en la ejecución de los instrumentos.
- El banjo es reemplazado por una guitarra.
- Uso de Riffs: esquemas melódicos repetidos que en ocasiones pasaban de una sección a otra en la
banda, estructurándose en forma de "pregunta" y "respuesta".

3.4. Estilos posteriores.

Después de la segunda guerra mundial, llega la primera gran revolución, revisando sus cualidades rítmicas
o expresivas, no como una evolución, sino explotando las cualidades expresivas del jazz, apareciendo el bebop.
Aquí aparecen nombres como Charlie Parker (pianista), D. Gillespie (trompeta), T. Monk, Miles Davis, Charles
Mingus, etc..., y otros como Es la época donde se plantean los primeros conceptos de fusión del jazz con el
Rhythm & Blues y el scat. El scat (cualidad de la voz de imitar el sonido de los instrumentos), lo impone Ella
Fitzgerald, y supone la adecuación de las improvisaciones rítmicas de los instrumentos, mediante
onomatopeyas que permiten “dialogar” con otros instrumentos. La musa del bebop va a ser, sobre todo, S.
Vaughan. Al introducirse la relación con el rythm & blues, aparecen algunos grandes músicos como Ray
Charles, Elta James, Chuck Berry... Hay dos compañías discográficas que tienen las mejores grabaciones de
esta época: Blue Note y Verve.
Bill Evans, por su parte, colabora con Miles Davis e inventan el “cool jazz”, otro subestilo dentro del
amplio espectro del jazz.
En los años 60 surge el “free jazz”, con planteamientos más radicales, y con un estilo más duro al oído y
mucho más minoritario. Entre los músicos más característicos de este estilo encontramos a W. Marsalis, H.
Hancock, S. Getz, Thelonius Monk, C. Wilson, Gato Barbieri (saxo), Chuck Mangione (trompeta), S. Rollings,
A. Gilberto, L. Malle, R. Vadim, K. Jarreth...
Otros músicos muy destacables son M. A. Antonioni, Bill Evans, Wather Report (“funk jazz”), M. Petrucciani,
Etta James, D. Washington, C. Wilson, Nina Simone, Aflorce Silver...

4. Desde la aparición del Rock and Roll hasta principios de los 60.

4.1. El Rock and Roll

Hasta la aparición del Rock and Roll la juventud americana ( y de cualquier otra parte del mundo) no tenía
un idioma propio, una forma de expresión colectiva que le permitiera definir su propia identidad y proclamarla
a los cuatro vientos. Hasta entonces había simplemente música ligera, la misma para jóvenes, niños o ancianos.
Las canciones de Frank Sinatra, el swing de Glenn Miller o la trompeta de Louis Armstrong, eran apreciados
por igual por generaciones que cada vez se diferenciaban más en su actitud ante la vida. Esa era la música de
los blancos, ya que en los Estados Unidos existía una fuerte barrera racial. Por un lado estaban las casas
editoras de discos y las emisoras de música “blanca” y por otro las de música “negra” que producían los “Race
records” o “discos raciales” para uso exclusivo de los negros, considerados ciudadanos de segunda categoría.
Esa juventud rebelde, que empezaba a abrirse paso en la vida con un estilo propio, no podía conformarse
con la música que bailaban sus padres y admiraban sus abuelos. Los jóvenes blancos empezaron a interesarse
por el ritmo de los negros y su peculiar forma de cantar. Así surgieron algunos tímidos intentos de hacer una
música híbrida, entre el ritmo de los negros y la melodía tradicional blanca. Hubo muchos pioneros. Algunos
surgieron del jazz (concretamente del Rhythm and blues, interpretado por músicos negros) y otros del country
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(la música de los blancos del sur). Los intentos de gente como Fats Domino o Joe Turner (músicos negros) no
llegaron a cuajar, ya que el fuerte de la industria musical estaba manejado por blancos. Por eso, el camino tuvo
que partir del lado opuesto.
Así surgió la primera “estrella” del rock and roll, Bill Haley, quien con su banda (los Comets) grabó en
1954 Rock Around the Clock (Rock alrededor del reloj), uno de los mayores éxitos musicales acaecidos hasta el
momento, y del que se vendieron 15 millones de discos. Bill Haley, llegado al rock and roll a través de la
música country, se convirtió en la figura amable que la industria blanca necesitaba para no hacer un estilo
demasiado violento. Pero pronto Haley se vio desbordado por su propia creación y músicos más violentos y
agresivos ocuparon su puesto. El éxito de Bill Haley fue superado cuando, en 1956, una joven estrella, Elvis
Presley, grababa su Heartbreak Hotel (Hotel nostálgico) y lo llevaba al número uno de las listas.

4.2. El Soul.

Algunos se refieren al soul como “la música de los derechos civiles”, y es que la música soul fue, desde
finales de los 50, el medio de expresión y de reunión de todo un pueblo miserable y desocupado, acorralado en
los guetos sórdidos de las grandes ciudades industriales. Las canciones de este género tenían un aspecto social y
crítico muy marcado y apoyaban las marchas de protesta, las “sentadas” y los boicoteos antisegregacionistas de
los cuales Martin Luther King fue el símbolo político y moral. Entre estos músicos destacan Sam Cooke, James
Brown, Aretha Franklin... que cantaron los himnos paganos que suscitaban una toma de conciencia por parte del
pueblo negro de su identidad. El movimiento soul fue reforzado por la publicación de algunas obras literarias
importantes en las que ciertos autores negros, hoy clásicos, ponían en evidencia, a través de la novela o del
ensayo, la injusticia de la condición negra. En todos los suburbios negros y en los guetos, los cantos soul
acompañaban a los manifestantes pacifistas o amotinados. La música soul fue el cimiento de sus luchas.

4.3. El Twist.

El twist fue un tipo de baile que surgió a comienzos de la década de 1960. Fue difundido como canción y
baile para todas las edades por Chubby Checker. No existían pasos preestablecidos y el movimiento básico era
un enérgico giro de la cadera y los pies. Fue uno de los primeros bailes que se podían bailar sin pareja, aunque
frecuentemente se intercalaba entre otros. Por eso pudo ser al mismo tiempo sensual y moralmente aceptable,
lleno de vitalidad juvenil o más tranquilo en el caso de bailarines de más edad. Gracias a su gran popularidad en
todo el mundo y para públicos de todas las edades, fue visto como un sustituto del rock and roll precedente. Los
beneficios comerciales fueron inmediatamente aprovechados pro las salas de baile y la industria de la moda.
Este éxito se debió en gran medida a la publicidad, y ninguno de los bailes que lo reemplazaron a partir de 1965
pudo igualar su impacto.

5. Los Beatles y el nacimiento del Pop.

5.1. Aclaraciones terminológicas.

El término “pop” quiere decir “popular”. Cuando el arte no utiliza un lenguaje especializado o académico,
cuando se difunde entre la gente y a través del pueblo, se conserva y se hace tradicional, se dice que es popular.
Por la definición misma de la palabra “popular” o de su apócope “pop”, los movimientos pop habrían existido
desde el origen del mundo. En efecto, desde el comienzo de nuestra civilización, existen el arte, la literatura y la
música populares. De todos modos, como sabemos, la música “pop” no es lo mismo que la música “popular”,
ya que la primera se transmite a través de los medios de comunicación de masas y se hace famosa así entre el
pueblo, pero no pertenece a la tradición musical de dicho pueblo (como en el caso de la música popular).
Un factor importante al considerar el nacimiento de los movimientos pop es el surgimiento de una sociedad
de masas que produce una cultura del mismo signo en la que el arte está al alcance de todo el mundo en forma
de discos, ediciones y reproducciones baratas. El pop es, en este sentido, el arte y la música de masas y de
consumo.
Pero aún hay un matiz más que añadir a la palabra “pop”. En cuanto a categoría artística y según las
definiciones anteriores, el adjetivo “pop” sería aplicable a cualquier música de masas que se transmite gracias a
los medios modernos de comunicación. Por lo tanto, estilos como el Rock, el Rock and Roll, o la canción de
autor se podrían considerar dentro del “pop”, al ser estilos famosos entre el pueblo. Sjn embargo, también
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podemos referirnos al pop como estilo musical, con unos rasgos mucho más suaves que el rock y con ciertas
influencias del folk. Este estilo fue creado por los Beatles a principios de los años 60.

5.2. Los Beatles.

Los Beatles representaron en Europa un fenómeno similar al de los primeros rockeros americanos y, sobre
todos ellos, Elvis Presley. Tras su primer contrato de grabación, en 1962 se convirtieron en el grupo más
famoso de Gran Bretaña, prácticamente de la noche a la mañana. En unos pocos meses, millones de personas
de todo el mundo conocían la música de los Beatles.
En febrero de 1963 grabaron su primer LP, Please Please me, que contenía diez canciones. Cuando el
álbum apareció, en marzo, la música inglesa cambió definitivamente. Los Beatles eran el mayor fenómeno
musical que habían dado las Islas y los primeros que conseguían imponer un álbum de pop inglés en las listas
de su propio país (el disco fue el primero en ventas durante 37 semanas).
Los Beatles consiguen entonces que los jóvenes ingleses, y por extensión los europeos, perdieran ese
respeto, casi idolátrico, por todo lo que venía de América, rehaciendo el equilibrio; cuando, a partir de 1964,
conquistan arrasadoramente el mercado estadounidense, quedará constancia para siempre de que la música
joven no es exclusiva de ningún país ni de ninguna forma de vida. Pero esto que ahora nos puede parecer tan
corriente, en aquel entonces era una novedad, pues durante muchos años las reglas del rock and roll se habían
dictado en América y los grupos europeos se habían limitado a imitarlas.
Así, durante años, cada país que visitan los Beatles conoce escenas de histeria colectiva que nadie había
podido provocar hasta entonces. En público, la muchedumbre de “fans” les acosa hasta el punto de hacer
necesaria la intervención de la policía; los Beatles participan en los mayores shows televisados de la BBC,
graban varias películas en las que se incluyen sus canciones, y aparece la moda Beatles o Beatlemanía: ropa,
pelucas para aparentar cabellos largos...; nace así todo un comercio, mientras la prensa se hace eco de este
fantástico fenómeno social.
Tan sólo ocho años de carrera (el grupo se disolvió en 1970) fueron suficientes para hacer una verdadera
revolución en el mundo de la música pop y convertir al grupo en un auténtico mito cuya música, treinta años
más tarde, sigue siendo escuchada y cantada por miles de jóvenes y adultos de todos los países y regiones del
mundo.
Las primeras canciones de los Beatles estaban basadas en los mismos estilos que habían influido en el rock
and roll: tenían tanto la fuerza del rhythm and blues como las sencillas melodías del country. Una tercera
influencia venía del folk inglés. Era, probablemente, la mezcla de estos tres elementos lo que daba a la música
de los Beatles un sonido totalmente diferente a lo que se había escuchado hasta el momento.
En sus comienzos, el grupo estaba integrado por voces, guitarras acústicas y eléctricas y batería, pero a
partir de 1965 los Beatles no se conforman con ser el típico grupo de batería, bajo y dos guitarras y empiezan a
buscar nuevas dimensiones para su sonido. Esta tendencia queda confirmada con la edición de su sexto álbum,
Rubber soul. Np solo introducen un órgano, armónium y piano, sino una serie de hallazgos armónicos que
marcan ya la madurez del grupo. En el álbum hay canciones como Michelle, Girl y Norwegian wood, donde pro
vez primera George Harrison toca el sitar hindú.
En sus dos álbumes siguientes, los textos son más profundos que en sus primeras canciones y más
comprometidos con la realidad social de la época; además, el grupo manifiesta interés en la utilización de
nuevas ideas musicales y de nuevos sonidos. En 1967 aparece una de sus obras maestras, el LP Sargent
Peppers Lonely Hearts Club Band. Después de este disco, la música pop empezó a ser otra cosa diferente,
convirtiéndose en un particular género musical y distinguiéndose de las variaciones puramente comerciales.
En 1968, los Beatles viajan a la India, y a su regreso graban sus cuatro últimos álbumes. Los Beatles fueron
muy importantes para la música pop. Su trabajo ayudó a que los textos, las melodías y las armonías de la
música pop fuesen más variadas e interesantes, e introdujeron diversas ideas novedosas como la utilización de
instrumentos de cuerda (violines y violoncello), los “collages sonoros”, o los instrumentos y efectos sonoros de
la música hindú. Todos estas aportaciones contribuyeron a la amplia variedad de estilos en la producción
musical posterior.

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6. Años 70.

6.1. Música de Baile y Sonido Disco.

El sonido Disco conforma un estilo musical que arranca en la década de los setenta, inicialmente entre la
gente de color, combinando ritmos rápidos del Pop con elementos del Funk, la música electrónica y arreglos de
cuerda, en la mayoría de los casos, dando lugar a un estilo algo barroco y melódico a la vez. La música disco
triunfó en los 70 y parte del comienzo de los 80. Todos los temas estaban orientados a su consumo en las pistas
de baile, con figuras prominentes como Donna Summer, KC and the Sunshine Band y muchos otros que, como
buenos oportunistas, supieron apuntarse a la moda en el momento apropiado.

6.2. Música electrónica.

La música electrónica, dentro de las músicas populares urbanas (en la música culta adquiere otro
significado), es un género musical que tuvo sus comienzos con la aparición de los primeros sintetizadores en los
años setenta, aunque también se podría considerar como tal algunos aspectos de la música interpretada por la
banda británica Pink Floyd antes de acabar los sesenta. Es un término muy amplio en el que la composición se
basa en la presencia de teclados, sintetizadores y cajas de ritmo. Kraftwerk y Can han sido pioneros en este tipo
de música, pero no debe olvidarse el potente movimiento Tecno-Pop de principios de los años 80, con grupos
como Depeche Mode, Soft Cell o The Human League, por una parte, y facciones más exageradas (denominadas
a veces “industriales”) con grupos como Cabaret Voltaire, SPK o Einsturzende Neubaten.

6.3. El Reggae.

El término “reggae” hace referencia al estilo musical moderno jamaicano. El reggae invirtió los
tradicionales modelos del rock, permitiendo que la guitarra mantuviera la tensión rítmica, con frecuentes
acordes a contratiempo, mientras el bajo de guitarra interpretaba modelos melódicos. Jimmy Cliff fue la
primera estrella internacional del reggae, debido en gran medida a su papel protagonista en la película The
Harder They Come (Caiga quien caiga, 1973, de Perry Henzell) y a su banda sonora, que incluye una canción
de Jimmy Cliff.
Bob Marley fue el cantante más prolífico de la siguiente generación. Combinó melodías influidas por el
soul con letras contestatarias. Su música se inspira en el rastafarismo, mezcla de misticismo bíblico y
conciencia afrocaribeña. Marley trató de la liberación de la opresión y la lucha por los derechos. En el momento
de la muerte de Marley en 1981, él y su grupo The Wailers eran conocidos en todo el mundo.
Intérpretes de otras culturas no afroamericanas como Eric Clapton, Paul Simon yThe Police han adoptado
muchos elementos de la música reggae. En el mismo sentido, el grupo inglés UB40 consiguió un gran éxito en
1988 con Red Red Wine.

6.4. El Funk Disco.

El funk disco es una derivación anárquica del Soul, tomando su lado más salvaje, caracterizado por sus
ritmos duros de batería y bajo, aderezados con riffs de guitarra eléctrica. En su día fue la música underground
de color, iniciada en los Estados Unidos en los años 70. Su auténtico impulsor y estandarte fue George Clinton,
que a través de los años y a través de múltiples formaciones le ha dado vida durante muchos años. Asimismo,
James Brown colaboró a su difusión internacional.

6.5. El movimiento Punk.

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 El Punk es un movimiento originario de las islas británicas, influido en gran medida por las que se dieron
en llamar “bandas de garaje”, surgidas años antes en Norteamérica. Basado en el Rock, pero más rápido, seco y
salvaje, el Punk fue una reacción al aburrimiento general que se vivía en la música Rock a mediados de los
setenta, con la juventud sobrecargada de sinfonismo y pretenciosidad. Sus más famosos exponentes fueron los
Sex Pistols, aunque no fueron ni los primeros ni los únicos. The Clash y The Damned fueron otros dos claros
exponentes de la agitación juvenil que supuso el Punk. Aunque en la mayoría de las ocasiones sus protagonistas
carecían prácticamente de conocimientos musicales, muchos de los temas del momento han quedado
convertidos en clásicos de un género, fotografías de una reacción de elevado contenido anti-sistema. Pasado el
tiempo, el Punk ha resultado tener más trascendencia de la que en su momento se creyó. En los 90, muchas
jóvenes bandas británicas y norteamericanas han vuelto a integrar en su m´suica evidentes elementos del Punk.

6.6. El Heavy metal.

La expresión “Heavy metal”, en su sentido literal, se define como “metal duro y pesado”, y serán sobre
todo grupos como Deep Purple con su álbum Shades of Deep Purple (1968) y Led Zeppelin, a principios de
1969, con la publicación de su primer álbum Led Zeppelin I, los que inauguran la era de las superbandas de
rock y marcan en el plano internacional las líneas maestras del heavy metal, al extremar aún más la postura
enérgica adoptada por el hardcore y el glam en las postrimerías de los años sesenta.
La confrontación artificial planteada entre una supuesta y homogénea actitud “dura” en el rock y la
correspondiente línea “blanda”, de la que fueran principales exponentes las bandas británicas The Rolling
Stones y The Beatles, se reproduciría en los primeros tiempos del heavy metal.
El heavy metal, en una primera etapa, se configuró sobre la marcha con el propósito de redefinir y
reivindicar el rock genuino, y por oposición a la decadencia general de los grupos e intérpretes representativos
del mundo del rock (este mismo carácter de reacción airada contra el estancamiento que alumbraba el punk a
finales de los setenta), que lo condenaba a ser caricatura de sí mismo y juguete sometido a al dictadura de la
comercialidad impuesta por las grandes casas discográficas.
Dentro de este estilo debemos citar a grupos y solistas como Black Sabbath, con su famoso tema Paranoid;
Alice Cooper; AC-DC; Iron Maiden; Scorpions...

7. Desde los años 80 hasta la actualidad.

7.1. Música Techno.

La música Techno apareció en Detroit a mediados de la década de 1980, y comenzó con tres amigos (Juan
Atkins, Derrick May y Kevin Sauderson), que coincidieron en el Instituto de Belleville (Detroit) en 1984.
Juntos crearon música sintetizada que reflejaba la decadencia postindustrial de su ciudad y el aumento de la
importancia de la tecnología informática. Atkins utilizó por primera vez la palabra “techno” para describir sus
experimentos con sintetizadores analógicos y digitales. Posteriormente se ha aplicado a una desconcertante
variedad de estilos de música de baile. Influido por la música pop electrónica europea (especialmente por el
grupo alemán Kraftwerk, primer conjunto que utilizó exclusivamente sonidos sintetizados en su música) y el
“funk” psicodélico de George Clinton y Bootsy Colins, el Techno de Detroit creó paisajes futuristas apoyándose
en ritmos de danza. Mientras, la música House de Chicago (una amalgama de música disco, soul y funk) se
apoyó en los graves poderosos y en un inamovible compás binario. El antiguo techno experimentaba con
diferentes parámetros del sonido para producir diversos ritmos y ambientes.
En Estados Unidos, la música tecnopop ha sido eclipsada durante mucho tiempo por el estilo hip-hop (base
de la música rap). En Europa, sin embargo, es un estilo omnipresente tanto en la música de baile comercial
como en la underground, y se ha expandido en innumerables formas a partir de 1985.

7.2. El Rap y el Hip.hop.

El Rap es un estilo musical que surge en los barrios negros e hispanos neoyorkinos, y está vinculado desde
principios de los 80 a los ambientes de la cultura hip-hop, a imagen y semejanza de ésta , integra diversas
corrientes, como la break-dance music, el electro, el graffiti urbano o el scratch.

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 Si el hip-hop se distinguió por evolucionar a partir de las formas primigenias de la música religiosa de la
comunidad negra de Estados Unidos, a través de una expresividad laica y popular que se concilió muy a
menudo con el funk, el rap se desarrolla sobre todo por dos vías: rompe sus lazos con el funk y la música disco
de consumo, acentúa su relación con el break dance al tiempo que radicaliza sus signos de identidad callejeros
mediante formas autónomas y un lenguaje específico y combativo. En sus primeras manifestaciones, y
siguiendo la pauta “break”, el rap surgió de las operaciones que en las salas de baile ejecutaba un disc jockey
(“pinchadiscos”, también llamados DJ´s), utilizando uno o varios temas , al objeto de conseguir de las
interrupciones y mezclas resultantes una composición que sirviera como vehículo sonoro a la recitación del
solista o, con mayor frecuencia, a un nutrido conjunto de intérpretes. La púa del tocadiscos, en consecuencia, se
convertía en un elemento fundamental de los temas rap y mediante las ráfagas breves y reiterativas, salpicadas
de arrastres rítmicos, enfatizando rimas que se nutren de jergas, efectos onomatopéyicos, bromas y consignas,
se desencadenaba un juego de réplicas y contrarréplicas muy sugestivo, que a su vez se complementaba con
provocativas escenificaciones.

ACTIVIDADES

1.- Explica a qué estilos musicales se aplica la denominación de “músicas populares urbanas contemporáneas”.

2.- ¿Qué tres estilos se consideran antecesores del Jazz?. Resume brevemente sus características principales.

3.- ¿Cuándo y cómo surge el jazz?. Explica las diferencias entre el estilo Nueva Orleáns y el Dixieland.

4.- Enumera algunos estilos posteriores al swing dentro del jazz.

5.- ¿Cuál fue el primer rock and roll famoso de la historia? ¿y el primer cantante famoso de este estilo? ¿quién
fue el mayor ídolo del rock and roll de todos los tiempos?

6.- ¿Qué relación guarda el Soul con las luchas llevadas a cabo por Martin Luther King y la comunidad negra a
favor de sus derechos?.

7.- ¿Cuándo surge y cuáles son las principales características del Twist? ¿suele tener fines comerciales? ¿por
qué?. Nombra algún cantante de twist famoso.

8.- El Twist surge como alternativa a un estilo de música ¿de qué estilo se trata? ¿qué novedades aporta el twist
respecto a otros bailes anteriores?.

9.- ¿De qué tres maneras se puede entender la palabra “pop”?.

10.- Explica las características y aportaciones de los Beatles al desarrollo posterior del pop.

11.- Enumera las influencias y características principales del sonido Disco. ¿Qué relación guarda este estilo con
la música electrónica?.

12.- ¿Cuándo y dónde surge el sonido Disco?.

13.- ¿Has escuchado alguna vez alguna canción “Reggae”? ¿cuáles son las características principales de este
estilo? ¿cuál era la ideología de Bob marley?. Nombra algunos de los grupos en los que ha influido el Reggae.
Varios de vosotros traeréis a clase algunos ejemplos de este estilo musical, que escucharemos y comentaremos
en el aula.

14.- Explica las relaciones y diferencias principales existentes entre el estilo Soul y el Funk Disco. Algunos de
vosotros buscaréis grabaciones de Funk (también conocido como “Funky”) que escucharemos y analizaremos
en el aula.

15.- Comenta las características comunes y diferencias que existen entre el Punk y el Heavy Metal. ¿Hasta qué
punto se trata de estilos “rebeldes” o “reivindicativos”? ¿dónde surge cada uno de estos estilos?. Nombra
11
algunos de los cantantes o grupos más importantes del punk y del heavy metal. En clase, escucharemos algunos
ejemplos musicales de estos estilos a través de diversas grabaciones que traeréis algunos de vosotros al aula.

16.- ¿Cómo surgió el Techno? ¿a qué tipo de música se aplica actualmente esta denominación?. Enumera
algunas de sus características más importantes.

17.- ¿Cómo se produce la evolución desde el hip-hop hasta el rap? ¿cuándo y dónde surge el rap? ¿cuáles son
algunas de sus características principales?. En el aula, escucharemos algunas de estas propuestas musicales a
través de diversas grabaciones que aportaréis.

18.- Analiza las relaciones y diferencias existentes entre el Hip-hop y el Rap.

19.- A modo de conclusión, escribe una reflexión de al menos una página en la que comentes la importancia (o
no) de las músicas populares urbanas, la manera de pensar y las características musicales de las que consideres
más importantes, la importancia de los aspectos sociales por encima de los musicales en muchos de los casos y
tu opinión personal.

20.- ¿Por qué podemos afirmar con rotundidad que, en todos estos estilos musicales, predominan los aspectos
sociales por encima de los musicales?.

21.- Completa el siguiente cuadro:

Lugar y
década en Cantantes y/o
Características principales.
la que grupos destacados.
surge.
Gospel
Blues

12
DxielandEstilo Nueva Orleáns y Estilo

Lugar y
década en Cantantes y/o
Características principales.
la que grupos destacados.
surge.
Swing
Jazz)Estilos posteriores al Swing (dentro del

13
Rock and Roll
Soul

Lugar y
década en Cantantes y/o
Características principales.
la que grupos destacados.
surge.
Twist
El Pop y los Beatles

14
 DiscoLa música de baile y el sonido
Música electrónica

Lugar y
década en Cantantes y/o
Características principales.
la que grupos destacados.
surge.
Reggae

15
Funk Disco
Punk
Heavy Metal

Lugar y
década en Cantantes y/o
Características principales.
la que grupos destacados.
surge.

16
 Rap y Hip-hop Música Techno

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