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Historia

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de la ópera

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Breve historia
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de la ópera
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Textos extraídos del libro “La magia de la ópera”,


escrito por Karl Schumann en 1993 y editado
en el mismo año por Phillips Classics Productions
Traducción de Jesús Cabanillas, Luis Carlos Gago e Isabel García
Orígen de la ópera

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la ópera
Origen de

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este círculo. Poco más tarde, en la libretistas y compositores durante
década de 1590, empezó a la temprana historia de la ópera.
Orígen de la ópera

reunirse otro grupo en el palacio La música de dafne, gran parte de

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del acaudalado comerciante conde la cual se ha perdido, la compuso
Jacopo Corsi. Jacopo Peri, con unos pocos

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añadidos del conde Corsi. Los
Además de tomar ideas estéticas fragmentos supervivientes
de la antigüedad, los artistas de permiten hacerse una idea de
este círculo, entre los que se cómo debía sonar, con su stile
contaban el poeta Otavio Rinuccini espressivo y su stile

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y el compositor Jacopo Peri, rappresentativo declamatorio.
hallaron inspiración en el drama
pastoril, especialmente en Il pastor Esto mismo puede verse en otra

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Fido ("El pastor fiel"), de Giovanni colaboración Rinuccini-Peri, un
Battista Guarini, que, en lo que se drama per musica titulado

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refiere a la estructura del
argumento, al contenido y a la
técnica poética, ejerció una
influencia duradera en la ópera.
Euridice, representado el año 1600
para celebrar el casamiento de
Enrique IV de Francia y Maria de
Medici. La asociación de la ópera
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con festividades y manifestaciones
Es importante observar que, pese de poder y grandeza se perpetuó
al gran interés mostrado por los en los teatros de los príncipes
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intelectuales italianos hacia el menores y en los teatros de ópera


drama y la música antigua, las subvencionados.
primeras óperas fueron pastoriles,
no tragedias. Originalmente, la función festiva se
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derivó de los intermedi, los


El primer fruto de la relación Corsi- interludios grandiosos y
Rinuccini-Peri fue la escénicamente espectaculares
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representación de Dafne, insertados en los entreactos de las


considerada generalmente como la comedias que se representaban
primera ópera. El libreto de para celebrar los acontecimientos
Rinuccini deriva del mito griego de domésticos importantes -
la naturaleza que habla de la bella coronaciones, nacimientos, bodas
ninfa Dafne, tal como lo relata - en las vidas de los príncipes
Ovidio en las Metamorfosis. El dios italianos del siglo XVI.
del sol Apolo persigue a Dafne y la
convierte en árbol. Eurídice es la primera de las
muchas óperas basadas en el mito
El mundo mágico e idílico de los de Orfeo, el cantor y tañedor de
dioses y los semidioses conjurado lira tracio. Eurídice, la esposa de
por Ovidio siguió atrayendo a Orfeo, muere a causa de la

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alcanzar un lugar permanente en el

Claudio repertorio. El texto lo había escrito


Claudio Monteverdi

Antonio Striggio, un funcionario de la


corte. Diez años después de que el

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Monteverdi dramma per musica hubiera venido al
mundo, esta obra constituida en hito

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incide aún en el mito de Orfeo y tiene una
gran deuda con el tratamiento que dio
Claudio Monteverdi fue el primer genio Peri a la misma historia. La acción es
incontestable de la historia de la ópera. presentada por las alegóricas figuras bien
Sin un conocimiento de la lengua italiana, conocidas de las obras y

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las óperas de Peri y Caccini (que representaciones renacentistas.

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compuso la música para la Eurídice de
Rinuccini al objeto de rivalizar con la de Orfeo y Eurídice, recien casados,
Peri) presentan obstáculos aparecen en un entorno idílico con ninfas

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insuperables al oyente y pastores. Tras la muerte de Eurídice,
contemporáneo. No es este el conmovedoramente descrita por el
caso de Monteverdi, como mensajero, Orfeo se aventura en el

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muestran las recientes
representaciones con gran éxito
de sus tres óperas
supervivientes. Los modernos
mundo inferior al objeto de rescatar a su
amada. A causa de su amor infringe la
orden de no volver su rostro y mirar a
Eurídice en el camino de retorno. Su
oyentes, ya sean expertos o esposa es condenada al Hades de nuevo.
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profanos, quedan cautivados por el Las óperas primitivas tendían a sustituir
Claudio Monteverdi modo en que Monteverdi era capaz de los finales trágicos por finales felices y
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1567-1643 insuflar vida expresiva en sus Orfeo no es una excepción: Apolo


personajes, son arrastrados por el aparece como un deux ex machina y
ímpetu dramático de sus obras y conduce a Orfeo al Paraiso, donde se
encantados por la riqueza y la plenitud reunirá para siempre con Eurídice.
tonal de la música.
Los pastores celebran la apoteosis de
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Monteverdi nació en 1567, tres años Orfeo con una danza. Habían nacido las
después que Shakespeare, hijo de un reglas perdurables de una estructura
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médico de Cremona, la ciudad de los dramática: el lieto fine (final feliz) como
constructores de violines. Empezó a requissito operístico; la alternancia de
componer madrigales a una edad muy escenarios en fuerte contraste (idilio,
temprana y se fue a la corte de los mundo inferior, paraiso), que se
Gonzaga en Mantua, donde llegó a ser convertirá en un rasgo esencial de la
maestro di capella en 1601; no era un ópera barroca francesa; la combinación
simple y vulgar tejedor de notas sino un de recitativos y números independientes,
intelectual, insólitamente bien educado, coros, danzas, números ariosos,
sensible, coherente, dueño de sí mismo y ritornellos y danzas, canciones para
versátil. Vio enseguida las limitaciones y varias voces. La orquesta adquiere una
las posibilidades de la nueva forma mayor significación, caracterizando las
teatral. escenas dramáticas y los
acontecimientos con su colorido y
Su respuesta fue llevar a la escena, el 24 utilizando los instrumentos para efectos
de febrero de 1607, en Mantua, L'Orfeo, simbólicos.
favola in musica, la primera ópera en

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En veintiseis pasajes instrumentales importantes de Italia. En Venecia fue
independientes su efecto es relevante en donde tuvieron lugar las primeras
Claudio Monteverdi

la medida en que apoya e interpreta la representaciones de las últimas óperas


acción. En la orquesta de Monteverdi de Monteverdi. El héroe de Il ritorno

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había unos cuarenta ejecutantes. La d'Ulisse in patria (1641) es Ulises,
partitura no consigna todos los también llamado Odiseo, quien tras vagar

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particulares; marca la tónica general sin largamente durante su viaje de retorno al
entrar en detalles. Por la época del Orfeo hogar de la guerra de Troya llega a Itaca
Monteverdi estableció los principios de su y derrota a los pretendientes de su
nuevo estilo - seconda prattica como esposa Penélope. L'incoronazione di
opuesta a la tradicional prima prattica - Y Popea (1642) es una de las primeras

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afirmó que "el compositor moderno actúa óperas históricas; llena de introspección

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sobre la base de ser fiel a la realidad". psicológica e ironía, es la historia de una
cortesana que se casa con el emperador
La siguiente ópera de Monteverdi se basó romano Nerón. Tras el mito griego y la

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en la leyenda griega de Ariadna. Sólo leyenda homérica la historia universal se
sobrevive un fragmento, el famoso y apodera de la escena operística. Alborea
seminal Lamento d'Arianna (1608), una el realismo, aunque sea con vestidura

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efusión enormemente expresiva cantada
por Ariadna tras ser abandonada por
Teseo, su amante, en la isla de Naxos.
Cuando la cantante que interpretaba el
clásica. Aparecen ya personajes cómicos;
esas figuras periféricas son retratadas
con viveza y vigor, anticipando la opera
buffa. Monteverdi murió a una avanzada
papel de Ariadna cayó enferma antes del edad en Venecia en 1643.
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estreno, Monteverdi introdujo una actriz:
estaba más interesado por la expresión Entretanto, la condición social de la ópera
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verbal que por el canto bello. Monteverdi estaba cambiando, convirtiéndose en un


ensayó Arianna durante cinco meses, espectáculo musical dramático para el
iniciando así el hábito de la larga y público en general. Hasta entonces había
completa preparación para lograr estado reservada a la corte, era un
representaciones modélicas. La corte de asunto esotérico de las clases nobles.
mantua celebraba también fiestas en las Ahora, en marzo de 1637, el músico y
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que figuraban de manera preeminente administrador Benedetto Ferrari abría el


óperas y ballets de Monteverdi. teatro San Cassiano en Venecia, un
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teatro de ópera abierto a todo el que


adquiriese una entrada. Todo el mundo
Durante esta época la vida de Monteverdi concurrió a la maravilla de la ópera, el
se ensombreció; su esposa murió; hubo portento que había estado reservado a
dificultades en Mantua; hubo un brote de las clases dominantes. Tan sólo dos años
peste; en 1618 empezó la guerra de los más tarde Ferrari estaba en condiciones
Treinta Años; la ciudad de los Gonzaga de abrir otros dos teatros de ópera.
fue saqueada en 1630 y ardieron muchas Pronto hubo dieciocho en Venecia;
obras inéditas de Monteverdi. Monteverdi recibían el nombre de las parroquias en
se trasladó de Mantua, donde las que se hallaban situados. La ópera se
relaciones con el duque reinante se había convertido en un pasatiempo
hicieron tensas, a Venecia, que pronto se popular.
convertiría en un baluarte de la ópera.
Allí, en 1613, fue designado director de
música de la Basílica de San Marcos, uno En Roma hubo algunas quejas acerca de
de los puestos musicales más los "aburridos recitativos" y el énfasis

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literario dominante. La nueva forma la cuerda floja de la bancarrota. Los
artística se enriqueció con música en muchos teatros que competían en Italia
Claudio Monteverdi

forma de arias y coros y particularmente equilibraban sus balances combinando


con elementos tomados del teatro sus actividades operísticas con mesas de

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renacentista, preseentando escenas juego, restaurantes y otros servicios. Un
religiosas y seculares, espectáculos ejemplo reciente de esto en nuestros días

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varios, desfiles carnavalescos y es en Montecarlo, donde casino y teatro
procesiones triunfantes (trionfi), florecen bajo el mismo techo.
espectáculos alegóricos o bíblicos,
interludios cómicos y commedia dell’arte.

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El ansia de novedades de los italianos se
Joseph

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hizo extensiva a la ópera; los excesos
barrocos de escenografía y tramoya
estaban ya cercanos. Las costumbres
Haydn

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piadosas fueron secularizadas; los
rituales litúrgicos quedaron reflejados en
las numerosas escenas con templos y

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sacerdotes, las procesiones religiosas en
desfiles, coros masivos y cabalgatas. La
ópera conformó su ser en un país
católico, donde la liturgia se impregna de
No sería posible escribir una historia de la
sinfonía, del cuarteto de cuerda o de la
sonata para piano sin dedicar
teatralidad, el ceremonial se confunde un extenso capítulo a
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con la escenografía. La difusión más Joseph Haydn (1732-
rápida tuvo lugar en los vecinos países 1809), el máximo
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católocos de Francia y Austria. La ópera exponente de la Viena


llegó a las áreas de habla alemana a clásica. En el desarrollo
través de Viena, Salzburgo y Praga. de la ópera, sin embargo,
Haydn es una figura
El norte protestante manifestó sus estimable e incluso genial
reservas. Sólo los grandes puertos y los pero un tanto marginal. Las
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centros comerciales, donde soplaba un trece partituras que nos han


viento de libertad, le abrieron sus puertas llegado han sido siempre Joseph Hayd
1732-1809
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a la nueva diversión. Por otra parte, la material periférico hasta su


Guerra de los Treinta Años había redescubrimiento a mediados
desvastado y empobrecido grandes de nuestro siglo, sobre el escenario y
zonas de Europa. No fue sino hasta 1678 particularmente en discos.
cuando se abrió el primer teatro de ópera
en suelo alemán; fue el Theater am A Haydn no le habría importado que sus
Gänsemarkt (Teatro del Mercado de los obras escénicas quedaran relegadas
Gansos) en la ciudad libre hanseática de
durante tanto tiempo, pues él mismo las
Hamburgo, una empresa privada sin consideraba críticamente composiciones
subvención. que "he proyectado para el lugar"- el
teatro del Prícipe Esterházy en Hungría,
Los teatros de ópera, ya estuvieran en un pequeño cortesano en una remota
manos cortesanas o privadas, pronto provincia- y "condicionadas a nuestras
hicieron el descubrimiento fundamental fuerzas", que consistía en una pequeña
de que la ópera es un entretenimiento compañía italiana. La emperatriz María
caro que siempre anda balanceándose en Teresa fue una gran admiradora de las

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representaciones de Haydn en la ópera Hacia 1955 el promotor berlinés Walter
de Eszterháza. Escribir óperas para el Felsestein rescató a Giovanni Paisiello
Joseph Hydn

teatro de su principesco patrón era (1740-1816) de los polvorientos archivos.


aceptado como una de las obligaciones Este compositor del sur de Italia, a quien

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del Kapellmeister. Mozart admiraba, había escrito Il barbiere
di Siviglia ovvera La precauzione inutile

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Hijo de un carretero de Rohrau, en la en San Petesburgo en 1782, basándose
frontera lingüística entre Austria y en la comedia que Beaumarchais había
Eslovenia, permaneció al servicio del escrito en 1775. Este dramma giocoso
príncipe durante tres décadas, lejos de concentra el ingenio burlesco de la obra
los grandes centros musicales, antes de con su crítica social pre-revolucionaria, en

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que le llegara la fama europea, primero diecisiete breves números musicales.

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con las sinfonías escritas para París y
luego con las sinfonías y oratorios en La comedia de Paisiello quedó
Londres y Viena. oscurecida por Il barbiere di Siviglia de

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Rossini en 1816. Un ameno sucesor de
La grandeza de Haydn reside en la Pergolesi, el italiano Domenico Cimarosa
música instrumental comparativamente (1749-1801), fue autor de partituras de

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abstracta antes que en la capacidad
dramática. Sus óperas desbordan de

a ser prolijas e incluso los libretos


considerable éxito a fines del siglo XVIII,
especialmente en Viena, donde sucedió a
música suntuosa y melódica, pero tienden Antonio Salieri como director de música
de la corte. Su Il matrimonio segreto
carecen de un impacto dramático (Viena,1792) fue la única opera comica
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particular. Las situaciones escénicas de finales del siglo XVIII que se hizo un
están anegadas en música pero no están lugar en el repertorio junto a las obras
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cristalizadas en la música. Por otra parte, escénicas de Mozart.


los círculos cortesanos de Eszterháza
querían que les divirtiesen, no que les
edificasen; deseaban cocerse en una
profusión de melodías y deleitarse con
voces agradables e ingeniosas.
Christoph Willibald
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Las óperas de Haydn datan de los años


Ritter von Gluck
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1768-1791. Haydn hizo tres incursiones


en el campo de la opera buffa: Lo
speziale, L'infedetá delusa y La canterina.
Abordó la opera seria cuatro veces:
L'isola disabitata, Armida, Acide y L'anima A medida que los gustos cambiaban con
del filosofo ossia Orefeo ed Euridice los tiempos la vida iba siendo sentida de
(compuesta en 1791 para Londres pero modo diferente. La simetría barroca y la
no representada hasta 1951 en circunvolución rococó empezaban a
Florencia). Haydn hizo seis ensayos en la difuminarse; hasta mediados del siglo XIX
opera semiseria, un estilo que combina la palabra "barroco" (del portugués
elementos serios y de farsa: Le pescatrici, "barocco", que significa piedrecilla, perla
L'incontro improvviso e Il mondo de la oval irregular) tenía el sentido de
luna (ambas basadas en Goldoni), La "peculiar", "estrafalario", "sobrecargado
vera costanza, La fedeltá premiata y de ampulosidad". El punto de partida del
Orlando Paladino (basada en el Orlando clasicismo tuvo lugar en Francia;
furioso de Ariosto). parafraseando a Rousseau, el maestro de

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ballet Noverre advertía: "¡Sed originales y Gluck supo ver los signos de los tiempos
naturales y copiad sólo a la naturaleza!". y la tendencia hacia los claros perfiles del
Cristoph Willibald

arte clásico. La reforma de la ópera exigía


La revolución en el teatro musical, que ha tres elementos: un compositor con la

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sido alabada desde los tiempos de simplicidad como ideal, un escritor capaz
Wagner como una reforma en línea con la de redactar textos concisos y un promotor

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antigüedad griega, la realizó Christoph teatral dispuesto a correr el riesgo de la
Willibald Ritter von Gluck, que había novedad. Se encontrarón juntos en Viena:
nacido en 1714 en el distrito bávaro de Gluck, que estaba impregnado de los
Oberpfalz, hijo de un guardabosques al principios de Lully y Rameau; Raniero
servicio del príncipe bohemo Lobkowitz, y de'Calzabigi, escritor y aventurero, y el

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que murió rico en Viena en 1787. Hizo el duque Durazzo, "Inspector General de

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obligatorio periplo de los estudiantes de Espectáculos" en el antiguo teatro
música a Italia y fue discípulo de municipal.
Sanmartini en Milán.

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El 5 de Octubre de 1762, mientras los
Desde el principio escribió óperas "conservadores" como Metastasio y J. A.
y ballets para la escena; la Hesse rechinaban los dientes, tuvo lugar

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llamada música absoluta le era
totalmente ajena. Durante casi
treinta años no hubo el menor
indicio de que fuera a reformar el
la primera representación de Orfeo ed
Euridice, una "azione teatrale per musica"
en tres actos, con tan sólo tres cantantes
principales, coros y ballet. El subtítulo
teatro musical; compuso óperas italiano indicaba cuál había sido la
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serias y cómicas, alternando los intención de Gluck: hacer que la música,
Christop Willibald Ritter estilos francés e italiano, si bien con expurgada de arias de coloratura y da
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Von Gluck
1714-1787
una tendencia clara hacia la concisión, capo, estuvieran al servicio del drama y
los efectos sorprendentes y el del texto. El drama estaba construido en
entusiasmo rítmico. Entre sus obras línea con el estilo parisino, con varios
escénicas se cuentan La clemenza di tableaux de fuerte contraste. El primer
Tito, L'ivrogne corrigé y La recontre acto, en la tumba de Eurídice, se parecía
imprévu (conocida en alemán como Die a las escenas fúnebres francesas
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Pilger von Mekka).


El segundoacto se trasladaba desde el
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Se estableció en Viena, capital de la inframundo de los demonios al Elíseo de


ópera en lengua alemana, donde trabajó los espíritus bienaventurados. El tercer
lenta y concienzudamente, sacándole acto se desgarraba entre un laberinto de
partido varias veces a toda inspiración oscura roca y el magnificente templo de
melódica o rítmica, y haciendo ostensible Eros. Sobrevivía una convención en el
su estatuto aristocrático, al que se había dios del amor como deus ex machina
visto elevado como miembro de la Orden patrocinando el lieto fine, la feliz reunión y
de la Espuela de Oro. Como Monteverdi transfiguración de la pareja. El drama,
antes que él, insistió en largos períodos concentrado con gran rigor, había
de ensayos en el teatro y bajo su prevalecido sobre las fórmulas
despótica autoridad de director. Hizo operísticas. Los vieneses, acostumbrados
pocos amigos entre sus colegas; las a los números de bravura, quedaron un
relaciones de la familia Mozart con él tanto confusos ante el estilo vocal sencillo
fueron circunspectas. y melódico, sin florituras ni bel canto
amanerado.
Gracias a sus viajes y a su agudeza, Entre las novedades más

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desconcertantes estaba la austera drama interior del alma. A la orquesta se
emotividad de Gluck, sus personajes le adjudica una función psicológica, nada
Cristoph Willibald

estatuarios, los ritmos tersos y la menos; la tormenta desatada por los


economía y dignidad verdaderamente dioses, que sustituye a la obertura,

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espartana de su lenguaje musical. expresa también el conflicto en el alma de
Ifigenia, y cuando Orestes proclama que

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Los efectos de esta primera ópera está recuperando el sosiego la orquesta
reformista se hicieron notar hasta Berlioz, le desmiente y revela que ha omitido el
Liszt y Wagner, pero la historia de esta asesinato de su madre. Este fue el punto
influencia no empieza realmente hasta de partida de Wagner, que sentía
1774, cuando la nueva versión ampliada veneración por Gluck; su orquesta

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se presentó como Orphée et Euridice en también sabe más de lo que los

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la Academie Royale de París. Gluck hizo personajes dicen y revela
algunas concesiones al gusto francés; psicológicamente la auténtica verdad.
Orfeo no fue cantado por un castrato

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contralto sino por un tenor alto; la Danza El éxito alcanzado por Gluck en situar el
de los Espíritus Bienaventurados y la drama por encima de la música afectó a
representación de los Campos Elíseos la historia de la ópera tanto de forma

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fueron interpolados, los recitativos fueron
escritos de nuevo y el texto fue traducido
del italiano al francés.
directa como indirecta. No hubo vuelta
atrás de sus reformas. Goethe y Schiller
le admiraban; E.T.A. Hoffmann escribió un
cuento sobre él; sus partituras las
Pasados ya los sesenta años, Gluck se estudiaban los románticos, con Hector
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presentó en París llevando consigo Berlioz, a la cabeza; Wagner y Richard
Alceste (1767), una paráfrasis de Strauss escribieron óperas reformistas;
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Calzabigi a la tragedia de Eurípides; de algunos le consideraron simplemente


nuevo muestra a los dioses del destino como el padre fundador de la ópera
apaciguados por el amor conyugal. Las nacional alemana. Hasta mediados de
cosas no fueron fáciles para Gluck en este siglo las óperas de Gluck se
París. Los partidarios de la ópera italiana representaban principalmente traducidas;
se levantaron contra él; su nuevo recientemente, las lenguas originales han
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libretista, el marqués de Roullet, era un sido la norma.


socio difícil, inquebrantablemente
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adherido al pathos de Racine. Gluck fue tomado como modelo por


compositores de ópera del período
Por otra parte, el estilo sin adornos de clásico, como Luigi Cherubini (1760-
Gluck, estando al servicio del drama, 1842), que había nacido en Florencia
sintonizaba con el tipo de racionalismo pero alcanzó la maestría en París; pese a
francés que sitúa el texto, la acción y la que retrocedió a la forma estilística de la
naturalidad por encima del flujo de notas opera seria italiana (Medée,1797),
de las óperas escritas para los cantantes. colaboró en los avances respecto a la
Iphigénie en Aulide (1774), La Cythère ópera de "números" en obras como Les
asségée (1775), una nueva versión de deux journées (1800) y Lodoïska (1805),
Alceste (1775), Armide (1777), Echo et que se asemejan a las óperas de terror y
Narcisse e Iphigénie en Tauride (1779) liberación de la era revolucionaria.
fueron escritas para París; Iphigénie auf
Tauris de Goethe fue escrita entre 1779 y El italiano Gasparo Spontini (1774-1851)
1787. La ópera-tragedia de Gluck es un dio al estilo de Gluck un giro grandioso,
monumento a la pasión humana, no un napoleónico. La vestale (1807), situada

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en el período final del imperio romano y Leopoldo Mozart (1719-1787), que era
que trata del amor de una virgen del compositor, director musical y autor del
Wolfang Amadeus Mozart

templo y su negligencia, fue, junto con Versuch einer gründlichen Violinschule


Ferdinando Cortez ou la coquête de (Ensayo sobre un método bäsico

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Mexique (1810), la gran ópera festiva, de violín). La familia
decorativa, de la era napoleónica. En procedía del distrito

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1820 Spontini fue nombrado Director bávaro de Schwaben.
General de Música en Ver´lín, el primer Mozart asombró a toda
nombramiento de este género en la Europa como niño
historia de la ópera. Como Gluck, se prodigio en
basaba en la melodía sucinta, los efectos composición y tocando

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escénicos vivídos y la potencia de un el piano.

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motivo rítmico dominante.
Tenía sólo doce años
Como director, introdujo el uso de la cuando escribió Bastien und Wolfang Amadeus Mozart

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batuta, organizó la ubicación de los Bastienne, un Singspiel (ópera 1719-1787
elementos de la orquesta y ensayó cómica alemana con diálogo
meticulosamente y ofreció hablado) para Viena, pero desde el

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representaciones modélicas de sus
propias óperas así como de las de
compositores como Mozart y Weber.
Como Gluck y su propio sucesor
principio Mozart utilizó las formas
consolidadas de la música dramática y
les confirió profundidad, convirtiendolas
en panoramas de la naturaleza humana,
Meyerbeer, fue un hombre de teatro, sin sin "inventar" jamás algo nuevo, dejando
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interés por la música fuera del escenario. aparte los recursos estilísticos
revolucionarios.
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Se adueñó primeramente de los


vehículos establecidos y les dio un

Wolfang Amadeus contenido de inimaginable riqueza. Sus


veintiuna obras para la escena van del
Singspiel religioso y la ópera académica
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Mozart latina, que era tradicional en el


arzobispado de Salzburgo, pasando por
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algunas óperas serias y casi oratorios


escritos preferentemente para Milán,
En su corta vida Mozart escribió una hasta la humanizada, expresivamente
enorme cantidad de música de todos los realzada forma de ópera seria
géneros, pero se consideraba a sí mismo (Idomeneo,1781
un compositor dramático. Sus siete
grandes óperas, escritas entre 1781 y su La clemenza di Tito,1791), hasta la opera
muerte en 1791 nunca han salido del buffa napolitana (Le nozze di Figaro,
repertorio. Sólo sus obras juveniles han 1786; Così fan tutte, 1790), hasta el
precisado una recuperación y en dramma giocoso (Don Giovanni,1787) y
grabaciones han tenido más éxito que en lo que fue llamado específicamante
los teatros. La obra completa de Mozart "ópera alemana" (Die Zauberflöte, que
ha quedado disponible en compact disc. está llena de elementos del Singspiel,
Mozart prefiere la lengua alemana a la
Wolfgang Amadeus Mozart nació el 27 de italiana, más convencional. Llegaba la
enero de 1756 en Salzburgo, hijo de época del hombre común; como cliente

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que pagaba, el hombre corriente quería amoroso situado a medio camino entre la
que en el teatro se dirigiesen a él en una seriedad y el humor bufo, cayendo en la
Wolfang Amadeus Mozart

lengua que le fuera familiar. categoría de sentimental en cuanto a su


estilo expresivo. El libreto de Metastasio

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Mozart estuvo toda su vida preocupado para Il re pastore está lleno de poesía a la
por conseguir que le hiciesen encargos moda sobre los pastores. La boga de

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de óperas, tanto en los años en que ya Turquía había llegado al teatro musical y
había crecido y veía oscurecerse su fama el exotismo se difundía por la ópera; la
de niño prodigio, como en su última primera ofrenda de Mozart en este
década, cuando se embarcó en la terreno fue el Singspiel alemán Zaide
dificultosa vida de músico independiente (1781).

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en Viena. Trabajaba con rapidez e

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intensidad, adaptando las partes Los tratadistas discrepan acerca de si
cantadas al carácter y la tesitura de los Mozart estaba más interesado en
cantantes con los que contaba. regenerar la opera seria o en dignificar la

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opera buffa, que era adaptable y realista,
Unas veces trataba de forma hasta el nivel de la comedia musical de
acomodaticia con los libretistas y otras les carácter, un espejo de la fragilidad

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planteaba exigencias en beneficio de la
obra. Dirigió la mayor parte de las
primeras representaciones desde el
clavicordio o clavicémbalo y siempre
humana. Mozart escribió dos óperas
serias durante los últimos diez años de su
vida; para Munich, en 1781, escribió
Idomeneo, re di Creta, una versión griega
insistía en la mayor expresión dramática de la historia de Jefté del Antiguo
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posible; en pocas palabras, era un Testamento, y en 1791 La clemenza di
inspirado y estimulante hombre de teatro Tito (de Metastasio) para Praga, una
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musical. llamada a la compasión del gobernante,


siempre bien recibida en aquellos días,
Sus primeras obras fueron recuperadas basada en un episodio de la vida del
en Salzburgo en la década de 1950, emperador romano Tito
primero en ejecuciones de concierto y
luego en representaciones escénicas y en Mozart emprendió Idomeneo con ardiente
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grabaciones. El interludio latino Apollo et entusiasmo y un acusado sentido


Hyacinthus (1767) mostró cómo se dramático. En Munich, a donde el Elector
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manejaba el muchacho con el tema culto, había llevado la famosa orquesta de la


mientras La finta semplice (1769), según corte de Mannheim, Mozart encontró la
la obra de Goldoni, se convirtió en la mejor y la más moderna orquesta de
primera opera buffa de Mozart. Milán, que Europa y una compañía escénica
estaba bajo dominio austríaco, contempló competente; como dice brillantemente su
las obras escénicas que escribió durante biógrafo Alfred Einstein, en ninguna de
su adolescencia: Mitridate, re di pronto sus partituras operísticas invirtió tanta
(1770), Ascanio in Alba (1771) y Lucio música y de una especie tan elaborada
Silla (1772). como en Idomeno. Incluso la
instrumentación - variada, plena de
Basadas en temas convencionales colorido, rica en simbolismo tonal -
relativos al mundo antiguo, estaban llenas representa un punto cimero en la larga
de audacias expresivas y música historia de la opera seria.
suntuosa. Il sogno di Scipione la escribió
para Salzburgo en 1772, y en 1775 La Esta forma decadente recibió una
finta giardiniera para Munich, un enredo expresión enaltecedora, un complejo

11
estilo compositivo y un aspecto más La opera buffa queda elevada a comedia
humano. La clemenza di Tito, por otra de género. El aria se concentra en el
Wolfang Amadeus Mozart

parte, es el ocaso de la opera seria, en retrato de un personaje o en el relato de


realidad un requiem por la misma. Un una situación; unos animados conjuntos

S
suave tono crepuscular traspasa las impulsan la acción. Los finales del
arias, que pertenecen aún al estilo segundo y tercer acto se convierten en

RA ON
VO
virtuoso pero que siguen pautas amplios terrenos de conflicto en el que
diferentes: recitativo acompañado, luego todos actúan contra los restantes y todos
la sección lenta, después el allegro con la permanecen individualmente
principal coloratura. caracterizados incluso en la más densa
escritura vocal.

ST C
Mozart se presentó en Viena con el

TI
Singspiel Die Entführung aus dem Serrail, En el "dramma giocoso" Don Giovanni
un vástago de la ópera popular "turca" de (Praga, 1787), los puntos focales tanto de
la época. Concurrían incluso factores la música como de la acción dramática

O
exteriores: el emperador José II prefería son proporcionados una vez más por las
el "Singspiel nacional alemán" a la ópera partes de conjuntos finales. El final del
italiana. La estructura dramática iba a primer acto, con las orquestas escénicas

MO NT
convertirse en un modelo que duraría
hasta la operete vienesa - una pareja de
amantes serios, una pareja de amantes
cómicos y entre ellos el adversario o
ejecutando ritmos de danza
contrapuestos al mismo tiempo y con sus
grupos de intereses encontrados es una
obra maestra de complejidad. El tema de
adversarios. La partitura es Don Juan, tomado de la España
DE E
evidentemente una forma mixta; la pareja renacentista, es tratado con
seria y el vigilante del harén, Osmin, distanciamiento irónico, con gran
S UM

actúan con arias ampliadas con complejidad de estratos.


coloratura, mientras que la pareja cómica
da la nota del Singspiel. Die Entführung Este filibustero sensual se mueve entre
fue la primera de las obras escénicas de destacadas figuras de la opera seria
Mozart en hacerse popular rápidamente, (Donna Anna, Don Ottavio, el
si bien sólo en los países de habla Commendatore), tipos tragicómicos
NE C

germánica. (Donna Elvira, Masetto) y personajes de


la opera buffa (Zerlina, Leporello). Las
FI DO

La comedia inconfundiblemente categorías empiezan a resultar mixtas - la


revolucionaria de Beaumarchais Le respuesta de la ópera a los grandes
mariage de Figaro ou la folle journée, cambios de alrededor de 1800. El siglo
secuela de Le barbier de Seville, fue XIX manifestó su desaprobación a Così
prohibida por los censores en Viena pero fan tutte (1790), la última opera buffa que
en 1786 se les permitió a Mozart y a Mozart escribió con Da Ponte, porque la
Lorenzo da Ponte (1749-1838), un encontraba lasciva y caprichosa. Richard
libretista de genio, basar una opera buffa Strauss, en tanto que entusiasta de
en la obra teatral que opone el ingenio del Mozart, fue el primero en modificar tal
hombre de clase baja al poder arbitrario punto de vista.
de la nobleza. Las intrigas se
desenvuelven como un mecanismo de En nuestros días, esta obra para seis
relojería a lo largo de los cuatro actos, personajes, construida simétricamente a
pero los personajes implicados en el la manera de una comedia francesa, es
embrollo no son ya tipos sino seres considerada una "comedia negra", una
humanos con todas sus contradicciones. alegoría mitad irónica, mitad indulgente

12
de la mutabilidad de las emociones. La final de Napoleón (1815) vieron una
opera buffa napolitana es elevada, hasta Europa inmersa en guerras, confusión,
Wolfang Amadeus Mozart

el punto en que la música florece en privaciones y desdichas. El orden


sensualidad, por un proceso a la vez jerárquico del Antiguo Régimen saltó en

S
deliberado y críptico, hasta el nivel de pedazos. El teatro musical, siempre a
comentario de las debilidades humanas. tono con los tiempos, borró las fronteras

RA ON
VO
divisorias entre los estilos cómico y serio,
A partir de las reformas ilustradas de José entre el pathos heróico y el idilio
II, la demanda de una ópera en alemán doméstico; derivó hacia formas mixtas
se había ido elevando cada vez más alto (como la ópera semiseria), incidió en las
y más claro. El 30 de septiembre de realidades de una época turbulenta y

ST C
1791, pocas semanas antes de la muerte flexibilizó sus pautas formales.

TI
de Mozart, se llevó a cabo con gran éxito
la primera representación de Die El hedonismo de las épocas barroca y
Zauberflöte, una obra escénica en que los rococó se había extinguido

O
elementos estilísticos contrastantes se por rancio y había
combinan para crear una obra nuevamente interés en
aparentemente ingenua pero en realidad la ética, los ideales, el

MO NT
dotada de múltiples estratos: los de la
opera seria (La Reina de la Noche), las
reformas de Gluck (arias breves), la
estructura dramática mozartiana (finales
heroismo y la
emoción. El héroe o la
heroína solitarios, el
individuo excepcional,
complejos), decorado y tramoya se convirtieron en
DE E
espectaculares, cuento de hadas oriental, objeto de culto, de
ideas masónicas de fraternidad y farsa manera destacada en la
S UM

suburbana vienesa (Papageno). ópera de terror y evasión que Ludwig Van Beethoven
1770-1827
procedía de París; estas
El texto fue escrito por el actor, óperas tenían relación con el
empresario y dramaturgo Emanuel abuso de poder y la arbitrariedad del
Schikaneder, que fue el primero en mismo y con los inocentes prisioneros
interpretar el papel de Papageno. El amenazados de muerte, demostrándose
NE C

hombre se purifica mediante las pruebas en conclusión que la perseverancia


y alcanza la felicidad paso a paso. Los individual del oprimido y el valor ante la
FI DO

ideales clásicos de la humanidad muerte conduce a la victoria de una


empiezan a brillar. Goethe quería escribir causa justa.
una segunda Zauberflöte. La íltima ópera
de Mozart aún da que pensar hoy día. Docenas de óperas pintaron los terrores
de la prisión y el acto del rescate en la
escena. El ejemplo paradigmático del
nuevo estilo que se había hecho hueco

Ludwig van en el repertorio es Fidelio, de Ludwig van


Beethoven (1770-1827), cuyo argumento
es el mismo al que pusieron música

Beethoven Pierre Gaveaux, Ferdinando Paër y


Simmon Mayr. La fuente original era un
texto dramático del francés Jean Nicolas
Bouilly, Léonore ou l'amour conyugale
Los años que transcurren entre el (1798), basado en un incidente que
estallido de la Bastilla (1789) y la caída Bouilly había conocido como inspector de

13
prisiones. Beethoven, que sólo daba su Uno de los objetivos de Beethoven había
aprobación a los dramas escénicos sido el de acercar el texto y la música lo
Ludwig van Beethoven

siempre que fueran esencialmente más posible e incluso, en realidad, crear


moralizadores, puso música a una una música que estuviera muy cercana al

S
traducción alemana del texto francés, discurso. Los compositores de la
insistió en titularla Leonore y la configuró sedicente música programática, en

RA ON
VO
en tres actos. consecuencia, tienen cierta justificación
para citarle. La música programática ha
Dirigió la primera representación en Viena caído en el descrédito, quizás porque se
en 1805, estando la ciudad imperial la ha confundido pertinazmente con la
ocupada por los franceses, y no suscitó música ilustrativa, única que retrata

ST C
gran expectación. Beethoven revisó la simplemente lo que se halla en el texto o

TI
obra y la tercera versión, de 1814, tenía en cualquier otra fuente.
la estructura en dos actos que hoy
conocemos y se titulaba Fidelio. Para el francés Hector Berlioz (1803-

O
Beethoven llegó a escribir cuatro 1869), que es considerado el padre de la
oberturas para la ópera, las tres llamadas música programática, era cuestión de
"Leonore" y la breve conocida como expresar ideas poéticas con un lenguaje

MO NT
"Fidelio", en mi. El sentimiento heroico de
leonora reside en el contexto de Singspiel
de la gente corriente (Rocco, Marcellina,
Jachino), en la medida en que responde
orquestal original, desinhibido, distinto,
como en la Symphonie fantastique
(1830), que retrata el destino de un
artista. Tomando a Gluck y Beethoven,
al imperativo moral del amor conyugal y sus deidades personales, como puntos
DE E
se expone a un riesgo extremo con tal de de partida para su excéntrica
rescatar a Florestan de su arbitrario imaginación, Berlioz escribió dos grandes
S UM

encarcelamiento y de la muerte absurda. óperas al estilo de la tragedia lírica.


Benevenuto Cellini (1838) es un drama
La heroína de ópera seria se ha acerca de un artista situado en la Roma
convertido en una heroína altamente renacentista que se vale de un episodio
dramática del imperativo moral; la escena de la azarosa vida del escultor y orfebre
de Florestan en la cárcel se convierte en para cuestionarse si el éxito de una obra
NE C

una pintura tenebrosa de la maldita celda de arte excusa las lacras morales de su
(dicho en lenguaje actual) y la partitura creador, en tanto que Les Troyens (1863)
FI DO

simétricamente construida se desarrolla tiene reminiscencias del ambiente


vigorosamente, culminando en el jubiloso dramático de Gluck en su forma de
do mayor del rescate final. El tipo representar los episodios de la Eneida del
fundamental de la gran ópera heroica se poeta latino Virgilio.
abre al realismo por el uso ocasional del
melodrama y del diálogo hablado, En Cellini aparece el leitmotif, que
tomados del Singspiel y de la comedia Wagner elevó a sistema, en el estadio
musical francesa. Beethoven no escribió preliminar de sonidos y armonías
más óperas; rechazó todos los temas que "directrices" que penetran toda la partitura
le ofrecieron, particularmente los de y concentran la acción musical. En sus
cuentos de hadas y leyendas. No últimos años Berlioz rindió homenaje a su
obstante, escribió música incidental para ídolo, Shakespeare, en la comedia
la tragedia de Goethe Egmont (1810), con musical de transparente partitura Béatrice
la intención de ensalzar y complementar et Bénedict, basada en Much Ado About
el sentido dramático. Nothing ("Mucho ruido y pocas nueces").

14
En París ocurrieron dos acontecimientos en la gramática orquestal hasta el día de
que inflamaron el entusiasmo de Berlioz. hoy.
Ludwig van Beethoven

Hacia 1830 el poeta Victor Hugo (1802-


1885) proclamaba el romanticismo

S
francés en sus obras
estremecedoramente pintorescas y la
Gioacchino Rossini

RA ON
VO
aparición de las tragedias de
Shakespeare en los escenarios de París
liberó al teatro francés del clasicismo
estricto de Racine y Corneille, cuyas
formas dramáticas se remontaban a

ST C
Aristóteles. Las campañas de Napoleón habían

TI
dejado a Europa agitada. La gente estaba
Había dado comienzo una pronunciada cansada de patrioterismo, tanto en la vida
transformación estética. Berlioz respondió real como en el teatro. Llegaba ahora la

O
a esta emancipación de la imaginación época de la Restauración y del estilo
con dos partituras en las que las Biedermeier; el ciudadano profundamente
fantásticas versiones musicales van más frustrado podía darle vueltas a sesudos

MO NT
allá de lo posible en la escena: fueron la
sinfonía dramática Roméo et Juliette
(1839), tomada de Shakespeare, y la
pensamientos entre sus cuatro paredes
pero en el teatro buscaría relajarse,
ánimo alegre y placer. Había llegado la
leyenda dramática La damnation de Faust hora de Gioacchino Rossini, nacido en
(1846), adaptación libre de algunos 1792, hijo de un músico de banda del
DE E
episodios de la acción de la I parte del puerto de Pesaro. Sus cuarenta y tantas
Faust de Goethe, desde el pacto con el óperas tienen algo para todo el mundo:
S UM

diablo hasta el encarcelamiento de para los cantantes, a los que dio papeles
Gretchen, concluyendo con el viaje de con bravura, para los gerentes de los
fausto al infierno. teatros ávidos de éxitos de
taquilla y para el público
Las geniales traducciones de Gérard De en busca de solaz.
Nerval habían hecho a Goethe bien
NE C

conocido en Francia, donde se le Hablando


consideraba un romántico. Había estadísticamente,
FI DO

comenzado la larga serie de óperas sobre Rossini escribió


Fausto, centradas en el legendario principalmente óperas
símbolo heroico del individualismo. En su serias, sucesoras de la
versión, Berlioz mezcló elementos de la opera seria del período
ópera con elementos del teatro moderno, rococó, pero sus óperas
superrealista, el lirismo con la cómicas, descendientes de la Giacchino Rossini
fantasmagoría, el realismo gráfico con los opera buffa napolitana, 1792-1868
efectos mecánicos. En esta mezcla de conservaban tal vitalidad que
estilos se puso de manifiesto como un durante mucho tiempo se habló sólo de
sucesor del teatro musical del período Rossini en términos del "genio siempre
revolucionario, enemigo del alegre del toque ligero", excepto cuando
encorsetamiento del contrapunto, que así se le menospreciaba como un vacío
era como se le sentía, y abogado del tejedor de arias, como lo fue por parte de
lenguaje instrumental bien definido. Su Berlioz y algunos de los románticos
Traité d'instrumentation et d'orchestation alemanes. Rossini escribió casi
modernes (1884) ha sido el libro vigente exclusivamente para el teatro,

15
inicialmente al modo tradicional, pero ópera de Rossini, que se representó en
mostrando ya sus rasgos distintivos ocasiones con final feliz, fue la versión
Gioacchino Rossini

desde el Tancredi (1813) en adelante, musical de referencia de este drama de


entre ellos una línea vocal vigorosamente celos. En algunas óperas de Rossini el

S
emotiva, conjuntos y finales modelados al personaje cntral es una mezzosoprano
estilo de Mozart, sorprendentes pautas con una coloratura flexible; estos papeles

RA ON
VO
rítmicas que incorporan ostinatos y fueron pensados para la primera esposa
crescendos y un sonido orquestal de gran de Rossini, la cantante española Isabella
complejidad, realzado por una escritura Colbran. Uno de ellos fue Elisabetta,
virtuosística para los instrumentos de regina d'Inghilterra (1815), que fue
madera, más destacable cuanto que notable por dos innovaciones: la

ST C
tenían un papel puramente de coloratura estaba escrita en su totalidad,

TI
acompañamiento. sin dejarla al antojo de la cantante, y
había un recitativo stromentato totalmente
Escribiendo por encargo para un teatro escrito en la partitura, en lugar del

O
tras otro, entre Italia y Viena, ciudad que recitativo secco.
se le rindió al primer intento, compuso
ópera tras ópera a toda velocidad. Los Mosè in Egitto (1818) resultó ser un

MO NT
temas orientales que se habían hecho
populares estaban verdaderamente
plagados de situaciones cómicas, como
en L'italiana en Algeri (1813) e Il turco in
precursor de Nabucco de Verdi,
presentando a los israelitas en cautividad
en Egipto, con Moisés al frente de su
pueblo cruzando el Mar Rojo. La idea del
Italia (1814), en que el enrevesado tejido Risorgimento (la unificación de Italia, una
DE E
de confusión está compuesto por una vez liberada del dominio extranjero)
disputa para iniciados acerca de un emerge en una forma críptica, a través
S UM

libretista al límite de su ingenio que busca del Antiguo Testamento. La Preghiera


tema para una ópera. (escena de la oración) del último acto
sigue siendo una de las melodías más
Al principio los italianos se tomaron a mal populares de Rossini. En Maometto
que en 1816 Rossini se aventurase a Secondo (1820) Rossini presentó una
seguir los pasos de Paisiello con una forma sublimada de la ópera turca
NE C

versión de Il barbiere di Siviglia a base convencional. En 1826 ambas óperas


de música chispeante. El humor de las serias fueron revisadas y ampliadas para
FI DO

pegadizas arias y de los conjuntos París al estilo que ya se avecinaba en la


enmascararon el carácter incendiario y historia de la ópera.
pre-revolucionario de la comedia de
Beaumarchais. El Barbiere ha París resultó ser el último lugar de
conservado su lugar en los programas descanso de Rossini. La transformación
incluso cuando las óperas de Rossini han de la tragédie lirique en grand opéra la
sido consideradas "basura extranjera". La llevaron a cabo el libretista Eugène
Cenenterola ossia la bontà in trionfo Scribe, las óperas serias de François
(1817) es una versión embellecida del Esprit Auber (1782-1871), como La
cuento de Cenicienta que tiene una muette de Portici (1828) y finalmente por
exposición llena de alegre encanto, La juive (1835) de Jacques Fromental
incluso en su línea mecánica. Halévy (1799-1862); se trataba de óperas
sobre temas históricos, que presentaban
El primer hito en sus óperas serias fue decorados suntuosos y espléndidas,
Otello (1816). Hasta que Verdi adaptó el sensacionales escenas de multitudes.
argumento de Shakespeare en 1887 la Siempre se había pensado que París

16
tenía los mejores técnicos de en modelo para muchas otras escenas de
escenografía. Rossini se alineó con este despedida y muerte, en tanto que Lucia di
Gioacchino Rossini

último cambio de estilo mediante las Lammermoor (1835) es una adaptación


revisiones de sus primeras óperas, con de Sir Walter Scott, construida sobre un

S
Le comte Ory, una comedia situada en la papel de soprano con coloratura a la vez
edad media, con la grotesca comedia de brillante y expresivo. La ópera histórica

RA ON
VO
su cantata escénica Il viaggio a Reims y había llegado a Italia, si bien en un estilo
con su última obra para la escena menos melódico. El siciliano Vincenzo
Guillaume Tell (1829). Bellini (1801-1835), el maestro de la
ópera italiana del bel canto, fue todo lo
Esta descomunal ópera en cuatro actos que un melodista tenía que ser en sus

ST C
acerca de Guillermo Tell da un cierto tinte bellas y sublimes cantinelas.

TI
suizo a la impresionante serie de arias y
conjuntos de bravura, se sirve de motivos Los personajes femeninos ocupan los
conductores como base de la melodía y papeles centrales, una soprano lírica de

O
la armonía y adelanta las escenas de coloratura en La sonnambula (1831), que
conspiración de Verdi en el juramento de es la conmovedora historia de una joven
Rütli. A los treinta y siete años Rossini que camina dormida en las montañas de

MO NT
dejó de componer óperas, quizás porque
previó el advenimiento de una época en
la que no habría lugar para él. Dando un
irónico paso atrás como hombre de
Suiza, y una gran heroína dramática en
Norma (1831), la gran ópera trágica de
Bellini admirada por Verdi. Cuando los
romanos se enfrentan con sus súbditos
mundo, vivió de su fama como un en la Galia la gran sacerdotisa Norma
DE E
monumento a sí mismo, compuso los resulta trágicamente desgarrada entre el
"Pecados de la Edad Provecta" y murió amor y el deber sacerdotal. Wagner tenía
S UM

en Passy, cerca de París, en 1868. en un alto concepto a Bellini, que "se


eleva a las alturas trágicas de la antigua
Entretanto, el romanticismo había Grecia" y "transfigura de forma
cruzado la frontera de Italia. Gaetano característica todas las pasiones" en
Donizetti (1797-1848), que había nacido "canto de belleza y nobleza sencillas".
en Bergamo el mismo año que Heine y
NE C

Schubert, compuso alrededor de setenta


óperas; su Don Pasquale (1843) fue la
FI DO

última opera buffa italiana hasta el


Falstaff (1893) de Verdi. Combinó la
sensualidad de la ópera napolitana con Carl Maria
elementos del estilo francés. L'elisir
d'amore (1832), con sus arias, cavatinas
y conjuntos cómicos, ofrece una variante von Weber
del filtro de amor de Tristan, domesticada
por la época Biedermeier.
Lo mágico y lo sobrenatural habían
El estilo melódico lírico y pleno de gracia estado desde el principio en la esfera de
de Donizetti adquirió una energía lo operístico. En la era romántica ganaron
dramática en las óperas serias como terreno, cuando el mito fue sustituido por
Maria Stuarda (1834), que descansa en el cuento de hadas, la saga y la leyenda.
dos papeles femeninos de gran contraste Suben a las tablas temas nuevos: la
y tiene una escena final (la marcha de infinitud, las tinieblas, la media luz, los
María hacia el patíbulo) que se convirtió sueños, las personificaciones de las

17
fuerzas naturales, la cósmica "alma del en la ópera, ni tampoco Robert
universo" y la noción de que todas las Schumann (1810-1856), que tuvo poco
Carl Maria von Weber

cosas tienen raíces comunes. La ópera éxito como compositor dramático, sino
romántica va dirigida a una audiencia Carl Maria von Weber, un experto hombre

S
burguesa y, en consecuencia, utiliza la de teatro, pianista y escritor, que había
lengua vernácula. nacido en 1786, hijo de un actor y

RA ON
VO
aventurero de Baden que con toda
Esta tendencia hacia una ópera nacional probabilidad se había otorgado a sí
se vio acelerada en Alemania por el júbilo mismo el título aristocrático. Weber causó
patriótico de las guerras de liberación; sensación como director de ópera en
igual que Napoleón había sido expulsado, Praga y Dresde.

ST C
había que sacudirse la tiranía del gusto

TI
italiano y francés. Ideas similares se En 1821 puso en escena Der Freischütz
instalaron en los países eslavos un poco en Berlín, lo que inmediatamente fue
más tarde. celebrado como un acontecimiento

O
nacional. Siguiendo a Hans Pfizner, el
El año de la caida final de héroe de la ópera es el bosque alemán,
Napoleón, 1816, fue un año con toda su melancolía y todo su

MO NT
señalado. Louis Spohr (1784-
1859), el virtuoso violinista y
director, natural de Brunswick,
estrenó una ópera, Faust, en
encanto, lleno de espectros nocturnos y
espíritus malignos.

De hecho, Weber, que era un genio del


Praga que, al igual que la exótica teatro, había logrado una mezcla de
DE E
Jessonda (1823), era una estilos por medio de su potencia
Carl Maria Con Weber
originalísima combinación de tradición melódica; en la sección en allegro de su
S UM

1785-1826 con innovaciones formales y gran aria, Agathe canta como una
armónicas, situándose más o menos primadonna italiana, Ännchen procede de
entre Mozart y el primer Wagner. El año la opéra comique francesa, Max adopta el
1816 vio también la primera lenguaje del compositor parisino Etienne
representación en Berlín de la ópera tipo Méhul, Kaspar está basado en el Osmin
cuento de hadas, Undine, del poeta, de Mozart y los únicos elementos
NE C

músico y autor teatral Ernst Theodor firmemente asentados en suelo alemán


Amadeus Hoffmann (1776-1822), natural son los coros y las melodías cantables
FI DO

de Könisberg, en Prusia oriental; también como "Schöner, grüner Jungfernkranz".


esta partitura era en parte convencional y Der Freischütz marca el hito más
en parte profética. importante en el desarrollo de la ópera
alemana entre Die Zauberflöte y Wagner.
La importancia musical de Hoffmann fue
oscurecida por su posición dominante Los románticos añoraban la dorada edad
como heraldo literario del romanticismo. media y sus caballeros. Elevándose
Muchos compartían sus sentimientos sobre un libreto mediocre, la suntuosa
cuando escribió: "La música es la más música de Weber para Euryanthe (Viena,
romántica de todas las artes; se podría 1823) ofrecía todos los personajes
decir que es la única arte auténticamente favoritos del primitivo romanticismo:
romántica, porque su objeto no es otro nobles caballeros y malignos adversarios,
que el infinito". un ángel de inocencia y una villana
viperina. Del mismo modo que Weber
No fue Heinrich Marschner (1795-1861) había utilizado símbolos musicales
quien llevó al triunfo el espíritu romántico sucintos en Der Freischütz, así las claves

18
relacionales en Euryanthe hacen lograr representaciones
presagiar la partitura de Lohengrin de ejemplares, tanto en París
Giacomo Meyerber

aquel entusiasta de Weber, Wagner. como en Berlín, donde se


Mortalmente enfermo, Weber se arrastró convirtió en Director

S
hasta Londres y escribió Oberon en 1826, General de Música en
el año de su muerte. Cuento de hadas, 1842. Murió en París en

RA ON
VO
caballeros y turcos, bordea la más 1864, casi en el mismo
sublime música, pero es una especie de día en que el rey Luis II
revista operística, abstrusa y de Baviera llamaba a
extravagante, pensada para los gustos Wagner a Munich.
imperantes entre los ingleses.

ST C
Les Huguenots (1836) dio

TI
Giacomo Mayerber
instantáneamente la vuelta al 1791-1864
mundo operístico. Con el
trasfondo de la masacre del día

O
de San Bartolomé (1572) se despliega
una complicada intriga en cinco actos,
Giacomo Meyerber basada en el conflicto entre católicos y

MO NT calvinistas. El escalofriante ritual de la


consagración de las espadas, con sus
tinieblas demoníacas y su fanatismo, es
uno de los grandes conjuntos románticos.
Entre 1840 y el fin de siglo Giacomo Le prophète (1849), centrado en torno al
DE E
Meyerbeer fue una potencia mundial en papel dominante de contralto de la Madre
música, con cifras astronómicas de Fides, es un espectáculo turbulento sobre
S UM

representaciones. Hijo de un acaudalado el movimiento reformista de los


comerciante de ázucar de Berlín, halló su anabaptistas en la región de Münster.
propio estilo sólo gradualmente, tras unos L'africaine, representada, póstumamente,
inicios convencionales. Robert le diable por primera vez en 1865, tiene por
(1831), una ópera romántica de terror argumento los viajes de Vasco de Gama
creada en colaboración con el libretista durante el descubrimiento de las Indias
NE C

Eugène Scribe y representada por Orientales; plena de color exótico,


primera vez en París con gran termina con el Liebestod (amor-muerte)
FI DO

ceremonial, introdujo la última variante de de Selica bajo un hipo venenoso.


la opera seria, la ópera histórica de vasto
aliento. Las óperas históricas de Meyebeer, muy
admiradas y muy denigradas, fueron
La técnica escénica barroca volvió con el consideradas en la segunda mitad del
escenario sobrecargado, con personajes siglo XIX como la quintaesencia de la
y situaciones en agudo contraste y con gran ópera, con influencia en Verdi (I
todo tipo de efectos en las escenas de Vespri siciliani y Don Carlo), en el joven
masas. Para Meyerbeer el teatro Wagner, en el maestro de Puccini,
funcionaba en un plano más elevado, Amilcare Ponchielli (La Gioconda, 1876) y
reuniendo voces opulentas, estrategia La Reina de Saba, del húngaro Karl
dramática y despliegue técnico en Goldmark.
escena. En términos musicales,
Meyerbeer combinaba elementos de los La otra gran línea dominante fue la opéra
estilos italiano y francés con minuciosidad comique, que se atuvo a su fórmula
alemana. Se afanó meticulosamente para tradicional (números musicales y diálogo)

19
en cuanto que se movió en dos
direcciones diferentes: hacia la ópera
Giacomo Meyerber

realista, con el ejemplo característico de


Carmen, de Bizet, en 1875, con su

S
localización española, y hacia la opera
buffa burlesca y satírica de Jacques Giussepe Verdi

RA ON
VO
Offenbach (1819-1880), natural de
Colonia emigrado a París. François
Boieldieu (1775-1834) puso de manifiesto
una sensibilidad ingenua en su ópera El de 1813 fue un año marcado por el
cómica La dame blanche (1825). Adolphe destino para Europa. La campaña de

ST C
Adam (1803-1856) alcanzó el nivel de lo Rusia y la batalla de Leipzig sellaron el

TI
sensacional con su Le postillon de destino de Napoleón. Los compositores
Longjumeau (1836), ensalzando la vida Verdi y Wagner vinieron al mundo, así
sencilla en un tono Biedermeier. como los escritores Hebbel y Büchner y el

O
filósofo Kierkegaard. Nacido el 10 de
El compositor más influyente fue François octubre en Roncole, cerca de Busseto
Esprit Auber (1782- 1871), que escribió (Parma), Verdi tenía sus ancestros en

MO NT
cerca de cincuenta obras para la escena,
una de las cuales, La muette de Portici
(1828), relativa a un levantamiento de
pescadores, en un estilo próximo a
una humilde aldea; él mismo se tuvo
siempre por un campesino.

La rutina de sus primeros años le obligó a


Meyerbeer, hizo historia política: la trabajar con libretos convencionales que
DE E
representación de Bruselas desencadenó le entregaban, como la variante del tema
la "revolución de septiembre" de 1830, de Don Juan, Oberto, conte di San
S UM

que condujo a la independencia de Bonifacio (1839), la comedia sobre el rey


Bélgica. polaco Stanislas Leszczynski,
Un giorno di regno (1840) y I
Entre sus óperas cómicas su obra lombardi alla prima
maestra es Fra Diavolo (1830), una crocciata (1843), un
variante de la historia de Don Juan, relato de la época de las
NE C

situada entre las partidas de bandidos de cruzadas. Más allá de las


los Abruzzos. La ópera francesa fue el reminiscencias de
FI DO

modelo para Albert Lortzing (1801-1851), Rossini y Bellini, el


nacido en Berlín, que era cantante, actor, compositor dramático iba
dramaturgo y compositor. Su melódico dejando su impronta.
encanto lírico prendió sólo en los países Italia estaba en plena
de habla alemana (Zar und Zimmermann, fermentación. En el movimiento Giussepe Verdi
Der Waffenschmied, Undine). Der político conocido como 1813-1901
Wildschütz, basado en Kotzebue, nos "Risorgimento" cada una de las
muestra un Lortzing satírico y seguidor de provincias quería sacudirse la dominación
Mozart en la construcción de conjuntos. extranjera y unirse entre sí. El nombre de
La prioridad de Lortzing en la escena era Verdi pronto estuvo en labios de todos;
el efectismo, al igual que para Friedrich las cinco letras de su nombre se tomaron
von Flotow, cuya comedia romántica como las siglas de "Vittorio Emanuele Re
Martha oder Der Markt zu Richmond D'Italia", el rey elegido y largamente
sigue la estela del estilo bufo francés. esperado. La ópera era política en una
medida apenas conocida hasta entonces;
con atavío bíblico o histórico, las óperas

20
del joven Verdi, escritas con el esforzó implacablemente por alcanzar la
Risorgimento en la cabeza, inspiraban la verosimilitud en el lenguaje armónico
Giussepe Verdi

idea de liberación. Nabucco (1842), cuyo expansivo y orquestal del romanticismo


argumento es el cautiverio de los pero mantuvo los pies sobre el suelo

S
israelitas en Babilonia, se convirtió en un operístico, ya fuera en obras sombrías e
faro del Risorgimento. El coro de los irreductibles como Macbeth (1847-1865)

RA ON
VO
judíos, su himno. Las óperas tempranas y Simon Boccanegra (1857 y 1881), o en
de Verdi,que tienen breves indicaciones óperas próximas a la grand opéra
al principio de cada escena a la manera parisiense y a Meyerbeer, como I Vespri
romántica, siempre se sirven de la voz siciliani (1855), La forza del destino
cantante de coloratura para aportar la (1862, 1869) y Don Carlos (1867, versión

ST C
expresión. Verdi ajustó las partes de italiana de 1884), o incluso en Aida

TI
soprano a la tesitura de la cantante (1871), que, compuesta para El Cairo, se
Giuseppina Strepponi, que se convertiría sitúa en Egipto y es casi su única ópera
más tarde en su segunda esposa. de tema mitológico.

O
Verdi siempre tuvo predilección por los Se inspiró en el poderoso sentimiento de
temas literarios o históricos; sus libertad de Schiller para I Masnadieri

MO NT
libretistas, siempre en pugna con los
censores, dieron forma operística al tema
elegido, de modo que, pese a ser obras
totalmente originales, las formas
(1847), Luisa Miller (1849), Giovanna
d'Arco (1854) y, en particular, Don Carlos.
Quedó fascinado por el espectacular
drama moderno de Victor Hugo (Ernani
tradicionales despuntaban en mayor o en 1844 y Rigoletto en 1851), al igual que
DE E
menor medida: el recitativo con por el drama romántico español inspirado
acompañamiento orquestal y las escenas en Hugo, como el tratamiento por parte
S UM

de bel canto, conjuntos llenos de de Gutiérrez del asunto histórico (Il


agitación apasionada, grandes entradas trovatore, 1853; Simon Boccanegra).
corales, contrastantes cambios de escena Reflejó la ópera rococó, que le era
y un final expansivo antes del entreacto totalmente ajena, en Un ballo in
principal. maschera (1859). Llevó su propia época
Los estereotipos persistieron en amplia a la escena una sola vez, y con ciertas
NE C

medida: el héroe y la heroína tenían connotaciones autobiográficas; compuso


voces altas, los personajes atormentados La Traviata en 1853, basándose en La
FI DO

y los villanos estaban en tesitura de dame aux camélias de Dumas hijo.


barítono, las villanas, los dignatarios y los
padres eran contraltos y bajos. Verdi Íntima, sensible, escrita casi como una
intensificó el realismo de la ópera de cámara, tiene un impresionante
pronunciación; hizo brotar, con su sentido realismo que la conecta con el verismo.
pesimista, el lado sombrío de la vida; hizo Verdi forcejeó durante años con El rey
el lenguaje orquestal mucho más perfecto Lear de Shakespeare y acabó por
expresivamente para caracterizar la rendirse. En Macbeth ya se había
acción, insistió enérgicamente en la aventurado por latitudes septentrionales
dicción clara, fue derivando con confianza en las brumosas oscuridades de su ídolo
hacia el drama musical, pero en todo ello y su amor por Shakespeare se consumó
era siempre un italiano, y como tal estaba en la hondura psicológica de Otello
atado por la supremacía de la voz y de la (1887) y en la comedia lírica Falstaff
forma. (1893). Arrigo Boito, el compositor de la
ópera fáustica Mefistofele (18689, que
Siguiendo a su ídolo Shakespeare, se era también un hombre de letras, fue su

21
mano derecha como libretista. Apasionado por la naturaleza desde su
infancia hasta su muerte, en sus años
Giussepe Verdi

En su dramática intensidad, Otello mozos intentó ardientemente ser un


presenta cierta similitud con el drama escritor como Shakespeare y un

S
musical, en tanto que Falstaff fue la compositor como Beethoven .Hizo sus
primera opera buffa italiana destacada estudios con Theodor Weinlich, El Cantor

RA ON
VO
desde Don Pasquale de Donizetti, de Santo Tomás, e inició su carrera como
estando compuesta por sorprendentes director musical en teatros de provincias.
recitativos declamatorios, arias fundidas Desde sus primeras óperas puso música
en el conjunto y resonantes finales a sus propios textos.
contrapuntísticos. Comedia, lirismo y

ST C
poesía romántica de la naturaleza se Fueron estas Die Feen, una pieza

TI
combinan en Falstaff. Las palabras romántica en alemán en la estela de
finales, en el sentido de que todo en este Weber y Marsxhner, que no se representó
mundo es una broma y que todos hemos hasta 1888, y Das Liebesverbot (1836),

O
nacido necios transforman el pesimismo una ópera con un aire más bien francés o
de Verdi en serena resignación. italiano, que expresa el ansia de
vitalidad y libertad del

MO NT
Cuando Verdi murió el 27 de enero de
1901 en Milán, la ciudad que había
aplaudido sus primeras y sus últimas
óperas, su obra se elevaba a la máxima
movimiento de la Junger
Deutschland (Joven
Alemania).

cúspide en el arte operístico italiano Desde el principio


DE E
desde Rossini, como la mejor Wagner sintió que era un
combinación posible de verosimilitud artista político, un
S UM

implacable con la brillantez vocal y agitador, a causa de su


orquestal. En el proceso de búsqueda de idea de un arte teatral
una expresión dramática independiente la destinado a transformar el Richard Wagner
ópera italiana del bel canto se había mundo y no sólo a divertirlo, 1813-1883
transformado de la manera más combinando todas las artes
asombrosa, alcanzando el más alto vigor independientes en "una obra de
NE C

artístico y el aplauso más generalizado. arte del futuro", que sería la muy
polémica Gesamtkunstwerk ("obra de arte
FI DO

total"). En cuanto personalidad romántica


universal fue muchas cosas a la vez:
compositor, escritor, teórico, polemista,
director, gerente y administrador de
Richard Wagner teatro.

Su espíritu inquieto le llevó al exilio, tanto


voluntario como forzado, así como a las
barricadas revolucionarias de Dresde en
El sueño de Jean Paul acerca de un 1849, a la corte del rey Luis II de Baviera,
artista "que escribe el texto y la música de a la construcción de un teatro en
una ópera al mismo tiempo" se hizo Bayreuth - nunca antes un escritor
realidad de la forma más presentánea y dramático había necesitado un teatro
controvertida con Richard Wagner. para él sólo - y finalmente a sus cuarteles
Wagner nació en Leipzig el 22 de mayo de invierno en Venecia, donde murió el 13
de 1813, hijo de un funcionario policial . de febrero de 1883.

22
Tras escapar a Suiza para evitar un
Wagner se propuso primeramente arresto bajo acusación de actividades
Richard Wagner

"sobrepasar todas las manifestaciones revolucionarias, Wagner escribió Tristán


previas de la grand opéra" con Rienzi und Isolde, que se representó por primera

S
Dresde, 1842), una obra histórica de vez en Munich en 1865; la partitura
largo aliento siguiendo las pautas de determinó el destino de la armonía

RA ON
VO
Spontini; su tema central, en términos moderna y del drama musical psicológico.
grandiosos, es un tributo popular de la En su tejido de acontecimiento,
Roma renacentista que cae víctima de remembranzas y anhelos
sus propias ideas reformistas. Aunque no psicológicamente motivados, este
es todavía un drama musical, Dier "tratamiento en tres actos" está muy

ST C
fliegende Holländer (Dresde, 1843) no es adelantado a su tiempo en la historia del

TI
una ópera tradicional; representada sin drama; la omnisciente, ubicua escritura
interrupciones, es la siniestra balada de sinfónica orquestal expresa la agitación
un marinero maldito que sólo puede ser interna de los personajes de la escena;

O
redimido por un amor que llegue al casi todo rastro de la ópera convencional
sacrificio. ha sido eliminado; se requieren pocos
personajes cuando la romántica unión de

MO NT
Ya es típicamente wagneriano en la
unidad de contexto (dar cabida al océano,
las fuerzas naturales, el ambiente de
marinería), la serie de armonías
amor, noche y muerte se consuma.

La armonía se aporxima a los límites de


la tonalidad; la partitura de Tristán ha
dominantes y motivos directrices (trazos inspirado a compositores atonalistas;
DE E
musicales que caracterizan a los verdaderamente, da al traste con el
personajes o las situaciones), la elevada sistema armónico tradicional mediante su
S UM

expresión orquestal, el tono emotivo que cromatismo sistemático y la progresión


desplegó durante toda su vida y la semitonal que viene a simbolizar la
versión secularizada de la idea cristiana expresión del sufrimiento. El mundo
de redención, tanto para el individuo sonoro del siglo XX ya apuntaba.
como para la totalidad del mundo
degenerado, despreciablemente egoísta. Wagner tendía a la universalidad, al
NE C

simbolismo, a los significados profundos


Tannhäuser und der Sängerkrieg auf dem que subyacen a las realidades de la vida;
FI DO

Wartburg (Dresde,1845) y Lohengrin el mito, la saga y la leyenda están, así, en


(Weimar, 1850), las dos obras dramáticas el centro de su visión. Se inclinó hacia
denominadas específicamente "óperas una interpretación libre de la historia en la
románticas", combinana reminiscencias obra dramática festiva en brillantes claves
de la gran ópera heroica con la tecnica de tono mayor que concluyó después de
del leitmotif, la idea de la redención y el Tristán. Die Meistersingers von Nürnberg
estilo declamatorio vigorosamente era una comedia en tres actos, seria y
emotivo; esta es la contribución de divertida a la vez, que se representó por
Wagner a la glorificación romántica de la primera vez en Munich en 1868. La
edad media, el mundo caballeresco y la acción simbólica está situada en
grandeza del pasado. Las fórmulas Nuremberg en la época de la Reforma y
operísticas aún destellan en las escenas muestra cómo la juventud tempestuosa
airosas, los conjuntos, los coros, las lanzada hacia el progreso puede
procesiones y los finales de gran reconciliarse con las fuerzas de la
extensión. tradición.

23
Por analogía, Wagner se reconcilió él con una velada preliminar y tres veladas
mismo con las convenciones de la principales. Der Ring des Nibelungen era
Richard Wagner

comedia, al presentar un par de amantes una combinación de varias sagas


serios y una pareja bufa. Beckmesser se germánicas, un mito en versos aliterados,

S
interpone entre ello, con un enredo una recreación romántica de la tragedia
dictado por la envidia, y están luego el griega que todos los reformadores de la

RA ON
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poeta zapatero remendón Hans Sachs, ópera han contemplado como un ideal
que triunfa sobre la "estulticia" (Wahn) del remoto y oscuro.
egoísmo para hallar la sabiduría y la
resignación serenas; el "pére noble" Wagner mostró un espejo admonitorio de
Pogner; el ostentoso pedante Kothner; los su propio siglo enredado en políticas de

ST C
maestros y el resto de la gente. poder y consideraciones de conveniencia;

TI
egoísmo, ansia de poder, compromisos y
La idea de redención queda reducida a rivalidades son la ruina de los dioses que
una escala manejable, incluyendo el rodean a Wotan. El ardorosamente

O
control de la contumacia ciega y el disputado anillo mágico perteneciente al
equilibrio de los opuestos. En línea con enano Alberich lanza sus destellos como
las fórmulas dramáticas antiguas nos un símbolo del poder destructivo. Wagner

MO NT
encontramos de nuevo con pasajes
ariosos tipo canción, procesiones corales,
un conjunto (en este caso un quinteto),
monólogos, un discurso formal, danza
quería que esta alegoría del fin de los
dioses se representara como un ciclo, y
así sucedió por primera vez en el Teatro
del Festival expresamente construido en
formal, danza popular y sobre todo finales Bayreuth.
DE E
expansivos, incluso con una doble fuga
en el final del segundo acto, que El drama iba a tener un efecto de
S UM

representa un alboroto general. El purificación en los peregrinos


lenguaje emocional es suavizado por el concurrente, la antigua idea griega de la
verso arcaico alemán, utilizado por el catarsis adquiere una nueva dimensión.
histórico Hans Sachs. Cada uno de los cuatro dramas utiliza
variantes de los mismos leitmotifs y de las
El drama musical se humaniza con las mismas ideas básicas, especialmente en
NE C

armonías brillantes y cálidas en tono la amplia y omnisciente orquesta, pero


mayor, apartándose de la expresividad de cada una de las partes es completa y
FI DO

Tristán. Este fue el punto de partida para comprensible en sí misma, en parte


algunos de los sucesores de Wagner, gracias a que los acontecimientos previos
especialmente su hijo Sigfried (1869- son ingeniosamente recapitulados en la
1930), que compuso óperas sobre propia estructura dramática.
cuentos de hadas y leyendas, y Engelbert
Humperdinck (1854-1921), natural de Das Rheingold, ópera en un acto y cuatro
Renania, cuyo cuento de hadas Hänsel escenas, muestra cómo los esfuerzos de
und Gretel (1893) se ha convertido en la Wotan por exaltar su poder y su grandeur
ópera favorita de navidad de Alemania, desencadenan el mecanismo de su
fundamentalmente debido a sus melodías perdición; Die Walküre trata de la hija de
pegadizas y a la vivacidad de las escenas Wotan, Brünhilde, y del amor entre los
en que aparece la bruja. hermanos Sigmund y Sieglinde; Siegfried
presenta al héroe puro elegido como
Wagner abordó algo que ningún redentor; Götterdämmerung retrata la
compositor de ópera había intentado catástrofe de Siegfried y Wotan. El
jamás: una tetralogía, una fiesta escénica leitmotif técnico tiene una influencia

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permanente, al igual que la típica pensamientos, intenciones, tentativas e
distribución de las voces por parte de indicios se revelan lógicamente mediante
Richard Wagner

Wagner: una soprano sumamnete la orquestación extraordinariamente sutil,


dramática (Brünnhilde), una joven en el simbolismo instrumental y en las

S
soprano dramática (Sieglinde), un fuerte armonías portentosamente fluidas.
tenor heroico (Siegfried) y un bajo- Wagner, como dramaturgo, sublima la

RA ON
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barítono heroico (Wotan). Estas acción teatral. El escenario es
características vocales, modificadas en simplemente un código para los procesos
ocasiones, han seguido siendo la norma interiores.
para las obras escénicas de los
sucesores espirituales de Wagner. Como Gluck, al que veneraba, Wagner

ST C
fue casi exclusivamente un compositor

TI
"La última y la más sagrada de mis obras" dramático, poniendo en práctica sus
fue lo que Wagner dijo del "festival personales visiones mediante las
escénico sagrado" que se representó por palabras y la música. Sus escasas

O
vez primera en 1882 en Bayreuth; canciones y piezas instrumentales son
Parsifal, el héroe del poema medieval de irrelevantes. Muchos compositores de
Wolfran von Eschenbach, es el "necio fines del siglo XIX parecen haber sido

MO NT
puro" que se convierte en redentor de los perturbados por Wagner, positiva o
caballeros del Santo Grial, que están
anquilosados por la culpa y el
negativamente. El contragolpe al drama
musical lo dio Igor Stravinsky (1882-
inmovilismo. La noción que Wagner tiene 1971), que insistió en la forma clásica, el
de la redención y la regeneración muestra ritmo irresistible y la severidad lacónica,
DE E
claramente sus orígenes cristianos; el especialmente en la tragedia-oratorio
Grial que los caballeros guardan es la Oedipus Rex. Paul Hindemith (1895-
S UM

vasija en que fue recogida la sangre de 1963) volvió a las formas autónomas
Cristo en el Gólgota. barrocas en Mathis der Maler (1938), un
El misticismo envuelve la acción, que es drama en torno a un artista, y en el
completamente estática. Los provocativamente expresionista Cardillac
acontecimientos del escenario simbolizan (1926). El drama musical de Wagner se
la vida interna de los personajes; el teatro ponía en cuestión cuando de nuevo la
NE C

simbolista y expresionista da sus gente estaba ansiosa de ópera.


primeros pasos. La maraña de
FI DO

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