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Indice
1. Antecedentes
2. Los Instrumentos de la Orquesta
1. Antecedentes
Los Antecedentes de la Orquesta Sinfónica Nacional se remontan a principios de
siglo, especificamente a noviembre de 1904. Es en dicho año que se funda el
Octeto del Casino de la Juventud bajo la dirección del Maestro Jose de Jesús
Ravelo. Meses después, el octeto se convierte en una pequeña orquesta
conservando su nombre original.
Arpa, instrumento musical en el que las cuerdas, que suenan al ser pulsadas,
van verticalmente desde el cuello o consola hasta la caja de resonancia o tabla.
Tipos
Las arpas cuentan con tres modelos básicos: arpa arqueada, en la que el cuello y
la tabla tienen forma de arco; arpa angular, en la que forman un ángulo recto y
el arpa de marco, en el que la tercera pieza, la columna, se coloca en el lado
opuesto al ángulo, entre el cuello y la tabla, con lo que forman un triángulo
seguro para soportar la tensión de las cuerdas. El arpa de orquesta moderna es
del tipo de marco, grande y con 46 o 47 cuerdas (seis octavas y media, con siete
cuerdas por octava). Las cuerdas graves están entorchadas, las agudas son de
tripa o nailon. Para producir alteraciones (sostenidos o bemoles), el
instrumento tiene siete pedales de doble acción. Cada pedal controla una cuerda
en cada octava. El arpa se afina en la escala de do bemol mayor: cuando se pisa
el pedal un nivel, cada cuerda controlada por él sube un semitono, de do bemol
a do natural; cuando se pisan dos niveles, sube un tono, de do bemol a do
sostenido.
.
Flautín o Piccolo, instrumento musical que pertenece a la familia de las flautas
traveseras. Consta de un tubo abierto de construcción cónica que puede ser de
madera o de metal, generalmente de una aleación de plata, y utiliza el sistema
ideado por el constructor de flautas alemán Theobald Böhm.
Suena una octava más aguda que la flauta habitual. Su extensión abarca desde el
re3 al do6 y se escribe una octava más baja de lo que suena. A pesar de ello, no
se le considera un instrumento transpositor, pues ésta no es de tonalidad sino
simplemente de altura. Sin duda, es el instrumento de la orquesta sinfónica que
emite los sonidos más agudos. Su color brillante y sonido penetrante le destacan
por encima de cualquier otro. Se utiliza en bandas militares y como instrumento
solista en orquestas sinfónicas, siendo ya habitual la existencia de un ejecutante
propio para este instrumento.
Adquirió gran importancia en el repertorio de orquesta a partir de finales del
siglo XVIII. Beethoven lo incluye por primera vez en el cuarto movimiento de su
Sinfonía nº 5 en do menor, opus 67. Posteriormente también lo han utilizado
compositores como Chaikovski, Debussy o Ravel.
Fagot o Fagote, instrumento grave de viento-madera con doble lengüeta. Su
tubo cónico, de madera, mide unos 2,4 m. Está dividido en cuatro piezas o
cuerpos. El pabellón, levemente abocinado, se fija al tubo bajo o cuerpo grande
que, a su vez, se monta —como la tudelera o cuerpo pequeño— en la culata. El
fagot suele tener ocho agujeros para los dedos (por lo general controlados con
llaves) y diez o más orificios con llaves. La lengüeta se sitúa en el tudel, tubo
metálico curvado que sale de la tudelera. El instrumento se desarrolló hacia
1650 a partir del dolcian (fabricado en una sola pieza de madera) y tiene una
extensión de tres octavas y media aproximadamente desde el si bemol 2. Su
primera función en la orquesta, a finales del siglo XVII, era sobre todo el apoyo
a las cuerdas graves. El contrafagote o contrafagot suena una octava más grave
que el fagot. Su gruñido plañidero fue utilizado por Ludwig van Beethoven en
sus sinfonías y en la escena de la prisión de su ópera Fidelio.
- Sección de Viento-metal
Trompeta, instrumento de viento de metal que produce sonidos por la vibración
de los labios del intérprete contra la boquilla. La familia comprende los
instrumentos derivados del cuerno de los animales y los de tubo más o menos
cilíndrico (entre los que hay de bambú, de madera o de lengüeta). En muchas
culturas se encuentran trompetas hechas con grandes caracolas que se utilizan
como instrumentos rituales. Las trompetas de plata y bronce con tubos largos y
rectos, orificios cónicos y pabellón acampanado han llegado hasta nuestros días
desde el antiguo Egipto y se parecen a otras trompetas antiguas como la hasosra
hebrea, la tuba romana y el salpinx griego.
Tuba (en latín 'trompeta'), el instrumento más grave de la familia del viento
metal. Su tubo es de sección cónica, tiene tres o cuatro válvulas, boquilla de
copa, tubo arrollado en vertical y pabellón dirigido hacia arriba. La patentó en
1835 el director de banda alemán Friedrich Wilhelm Wieprecht y el constructor
de instrumentos Johann Gottfried Moritz. Fue uno de los varios intentos para
proporcionar un instrumento de válvulas bajo a la familia del viento de la
banda. Entre sus antecedentes están el serpentón (instrumento de viento de
madera con forma de S y agujeros para los dedos) y el oficleido (un fliscorno
bajo con llaves). La tuba tiene una extensión de más de tres octavas. La tuba
bajo se afina en mi bemol o fa (el sonido más grave es el si bemol 1 o el do 2) o,
en el caso de la contrabajo, en si bemol o do (sonido más grave: mi bemol 2 o fa
2). El helicón es una tuba con el tubo arrollado en forma de círculo. El sousafón
es una variedad del helicón. Las tubas de Wagner son instrumentos con cuatro
válvulas y tubo más estrecho diseñadas por Richard Wagner, que quería un
color como el de la trompa para su tetralogía El anillo del Nibelungo. El término
tuba se aplica también a otros instrumentos graves, en especial a los
bombardinos.
Todos aquellos instrumentos que hay que golpear, raspar o agitar para que
produscan sonido los clasificamos como instrumentos de percusión. Esta es la
familia de instrumentos mas grande. A continuación algunos instrumentos de
percusión usados en la orquesta.
- Sección de Percusión
Latillos de mano, instrumento de percusión: discos finos, delgados y cóncavos,
de aleación de bronce o latón, que se entrechocan o se golpean separadamente
con baquetas duras o blandas. Se produce así un ruido persistente, con más o
menos volumen, sin afinación determinada. Los platillos tienen normalmente
asas o abrazaderas de piel fijadas por su parte trasera. En las orquestas de baile
un platillo puede estar suspendido en un trípode y ser golpeado
alternativamente por un pedal, o por cepillos metálicos u otras baquetas. Los
platillos, utilizados en las ceremonias religiosas desde tiempos antiguos, son
conocidos en Europa desde la edad media. Durante la moda de la música militar
turca en el siglo XVIII, el instrumento se introdujo en la orquesta. Fabricados
tradicionalmente en Turquía y China, fueron casi planos o con una prominencia
en el centro. Los crótalos (pequeños platillos) con sonido de campana son
conocidos desde la antigüedad.
Bombo, instrumento de percusión que pertenece a la familia de los
membranófonos. Sus dimensiones son mayores que las del tambor y produce un
sonido grave de altura indeterminada. No tiene bordones y se percute con una
maza de cabeza de cuero de forma esférica, rellena de crin de caballo.
Hay bombos de uno o de dos parches. Su caja puede ser de madera o de metal y,
a pesar de su tamaño, se puede tocar en marcha, como ocurre en las bandas
militares. En la orquesta sinfónica descansa sobre un caballete. También se
utiliza en las orquestas de baile, de jazz o en la música pop, junto con otros
instrumentos de percusión, en forma de batería. En estos casos, al estar el
bombo fijo en el suelo, se toca mediante un pedal que se acciona con el pie. Su
función principal es la de marcar los tiempos fuertes y, circunstancialmente,
para producir algún efecto especial, como imitar truenos o cañonazos.
Existen diferentes formas, tamaños y nombres según los distintos países e
incluso regiones que lo utilicen. En España y en los países latinoamericanos se
utiliza, frecuentemente, como elemento de percusión dentro de los grupos
orquestales
Mi equipo:
PC con protools 7.3 LE
Interfaz digidesign DIGI002 + Conversor MOTU 8pre (12 pistas simultaneas)
Microfonia:
- 1 AKG C4000B
- 2 Oktava MK012
- 3 SM57
- 4 Sennheiser e604
- 1 AKG D112
Ya se que son mis microfonos para grabar baterias pero es la unica forma de tirar este proyecto adelante.
Se grabara en un teatro sin publico.
Espero que me podais dar algun consejo sobre ke micro usar para que suene lo mejor posible
La orquesta esta solo compuesta solo por Vientos y percusion
Mensajes: 4
Registrado: 24 Mar 2007 15:04
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Mensajes: 4
Registrado: 24 Mar 2007 15:04
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Buenas noches.
Cuando se trata de grabar a una orquesta de cámara, sinfónica, cuartetos, dúos...cualquier agrupación de
música clásica (todo tiene su salvedad, desde luego), lo que se suele hacer es emplear técnicas microfónicas
estéreo.
Como tienes el par Oktava, yo usaría una ORTF (busca por el foro, que esta técnica ya la describí varias veces y
ahora estoy un poco vago... ). Si los Oktava que tienes son de los que traen varias cápsulas para poder
elegir el diagrama polar, puedes intentar una técnica AB usando las cápsulas omni (¡muy imporante la regla
3:1!). Cualquiera de esas dos formas de grabar te dará muy buenos resultados.
Si la acústica de la sala es buena, tal vez quieras captar un poco de ella. Para eso, puedes usar el AKG en omni
colocándolo en el centro del auditorio, a una altura que permita recoger todas las reflexiones. Esto es más que
nada por si te puede parecer que con tanto micro que tienes sólo te esté recomendando usar dos . En
general, "menos es más", y con un par de micros, puedes obtener resultados espectaculares.
Yo me olvidaría de usar los dinámicos (SM57, 58, e604, ¡D112!), y huiría de microfonear los instrumentos de
cerca como de la peste.
Es una lástima que no tengas micros con diagrama polar en "número 8", pues son muy útiles para grabar este
tipo de cosas utilizando técnicas como Mid-Side, Blumlein, Faulkner...
Si necesitas que sea un poco más concreto dilo, y estaré encantado de ayudar, pero ahora estoy muy cansado
y me da pereza escribir las parrafadas que acostumbro.
Un saludo.
Efectivamente.
Te refieres a este caso, o en general? Yo creo que sí que se emplean técnicas estéreo para grabar en directo,
pero cuando se hace en estudio se utilizan muchos micros.
Otra cosa es que con los que aquí se disponen, sea más aconsejable reducir la mezcla a dos o tres...
De todo hay. Yo he tomado parte en unas pocas grabaciones y he visto de todo. En general, en directo siempre
técnicas estéreo (aunque una vez nos rodearon a todos los músicos de carísimos Schoeps, y sí, era en directo).
Cuando se graba para editar disco (digamos "en estudio"), también he visto de todo: técnicas Mid-side, AB,
Blumlein (nunca me cansaré de aconsejar esta técnica por los excelentes resultados que da), Decca-tree
reforzando con micros "zonales", ORTF (aunque parezca mentira, la han usado con nosotros para grabaciones
"de estudio" y funciona, vaya si funciona...). Incluso para una banda sonora, que puede ser algo más
"contemporáneo" a la hora de grabar, por buscar un sonido más contundente y moderno, más próximo a las
captaciones cercanas como se hace en la música comercial, tiraron con una ORTF y los resultados eran de
meter miedo (no en vano, la película era de terror ). En una ópera, utilizaron AB con PZM´s en las paredes
del foso y funcionó. Para música antigua, en Snape Maltings (Meca para todo el que quiera grabar este tipo de
música) usan este tipo de técnicas estéreo, tan sencillitas ellas.
Estas técnicas valen para grabar desde una guitarra solista (por poner un ejmplo) hasta una orquesta de 75
tíos. Son muy polivalentes, y siempre dan un resultado muy natural (nosotros sólo tenemos dos oídos, y aún
así, no tenemos ningún problema para captar la música con todas sus sutilezas).
Como dicen, no hay técnicas malas, sino malas aplicaciones: si grabas con un micro Fischer Price y suena bien,
tira millas; si grabas con 200 Schoeps y suena como el culo...¡retírate! (groovyswing lleva en su firma un
dicho de no recuerdo qué ingeniero que dice: "si suena bien, está bien"). En general, el uso de técnicas
sencillas o meter micros a todo bicho viviente, lleva implícita una filosofía de hacer música (grabar puede
considerarse, hoy en día, hacer música).
Muchos micros implican dejar el trabajo musical al ingeniero en vez de al director por lo siguiente:
- El ingeniero no se resistirá a mover niveles a su antojo, echando por tierra los que ya le dan el director y los
músicos con su trabajo.
- El ingeniero utilizará EQ según le venga en gana, negando el sonido de cada instrumentista (algo que es sello
y marca de cada músico, algo por lo que se le puede llegar a conocer).
- Colocará los instrumentos en el campo estéreo de forma artificial (dada la propia naturaleza de la toma
multimicrofónica, que no capta el todo, sino muchas individualidades), pues tendrá un mosaico (que por muy
bien hecho que esté, siempre se ven las uniones entre piezas) en vez de un todo coherente.
- Cuando quiera destacar una sección (¡qué manía, si eso ya lo hacen los músicos!), destacará inevitablemente
otra debido al "leackage".
- Las reverbs serán antinaturales por el hecho de ser muchas y distintas, pues cada micro, colocado en distintos
puntos de la sala, captará una diferente.
- Los problemas de fase, con micros a diferentes distancias y las cápsulas apuntando a distintos planos, pueden
ser brutales.
- El sonido de los instrumentos, captado de cerca, suele ser bastante feo (aparte de que se captan ruidos de
llaves, arcos, respiraciones..., sólo se capta una porción de la radiación acústica total de ese instrumento, lo
que hace que cambie el timbre drásticamente).
- Montar "chorrocientos" micros lleva tiempo, es caro y es muy difícil de hacer bien. Montar dos lleva poco
tiempo, es barato y es (digámoslo así) menos difícil (porque hacerlo bien, como todo en esta vida, tampoco es
fácil).
En Inglaterra (país al que siempre miro cuando se trata de grabación de música clásica, pues nos llevan años
de ventaja), no tienen ningún problema en usar las técnicas "single point" en estudio, y orquestas como St.
Martin in the Fields, se graban así sin ningún trauma. El problema es que pensamos que con más micros el
resultado va a ser mejor y, otra vez aprendido en Inglaterra, "less is more". Allí conocen a los técnicos con
ganas de toquetear la mesa como "knob twisters"... dejemos a los músicos y al director que hagan su trabajo,
y el técnico que haga el suyo sin meterse en camisa de once varas.
Con todo esto, no quiero decir que las técnicas multimicrofónicas no valgan (estaría nagando una buena parte
de los discos que hay en el mercado ); cada cosa tiene su "eso", y aconsejar a alguien que empieza que se
meta en berenjenales que no controla, puede ser contraproducente.
De verdad os digo que con técnicas tan sencillas, se consiguen unos resultados sorprendentes.
Un saludo.
...et in Arcadia ego.
http://www.david-valdes.com
davidvaldes
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Registrado: 23 Abr 2006 19:38
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Interesantísima aportación. Te iba a preguntar a qué te dedicabas, pero estoy ahora navegando por tu web...
interesante... Además creo que debemos de tener más de uno y de dos amigos/conocidos comunes.
Con respecto a las grabaciones, tienes toda la razón. Pero también para tomar estas decisiones hay una
persona por encima del técnico de sonido, que es el director artístico, y que puede ser el mismo director de la
orquesta, o algún otro músico capacitado... no?
Saludos.
Vendo Piano Yamaha U1
herrhafen
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Hola.
En general, los directores no tienen ni idea de cuestiones de grabación: lo que ellos quieren es que la cosa
suene bien. Lo normal hoy día es que sea el productor de la casa discográfica el que decida el tipo de sonido; si
al director le plantan una mesa de 986.241 canales, micros a tutiplén, una lucecita roja en el atril que le indica
que se está grabando, un teléfono directo con la sala de control para que el productor pueda decirle esto o lo
otro...lo que piensa es "buf..., cuánto juguetito, qué importante soy, esto tiene que sonar bien por narices...".
Cuando va a control y escucha las tomas en unos supermonitores, donde todo suena apabullantemente
espectacular, y ve a los técnicos retocer perillas, le da igual la naturalidad...
La cosa va por etapas y, referido a la grabación, hoy vivimos la dictadura del técnico de sonido . Pasa lo
mismo con la ópera; hay periodos (años 50, 60, 70) en los que el director musical ordenaba y todo el mundo
callaba. Hoy día, el poder lo ostentan los directores de escena: "quiero a los figurantes desnudos, el tenor que
cante de espaldas al publico, y ambiento "La Boheme" en un periodo post holocausto nuclear porque me sale de
las narices, no he leído el libreto y no tengo ni idea del contexto histórico-dramático..." Depende de las modas,
pero en cuanto a grabación, hoy mandan los "knob twisters" .
Ya me dirás a quién conoces, porque puede ser: sé de varios músicos asturianos que andan por esos
andurriales.
Haciendo un chiste, podemos decir que los directores son músicos discapacitados .
Un saludo.
...et in Arcadia ego.
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davidvaldes
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Hola
Investigando un poco en tu pagina he visto que tocas o has colaborado con la Banda de Gaitas Reina del
Truebano.
Mi pregunta es la siguiente: Para grabar una Banda de Gaitas (lo tendre que hacer en enero) en un auditorio
sin publico, utilizariamos la misma tecnica que para grabar a una sinfonica? y cual crees que sería la colocación
optima de los musicos? la percusion delante, a un lado, detras de las gaitas? ya sabes los problemas que
pueden dar las cajas de alta tension...
Saludos y Gracias
area79
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Nadie tiene ma informacion sobre estos? Me meto a grabar a mediados de enero y e gustaria teer algo mas de
informacion..
area79
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Registrado: 27 Oct 2007 22:20
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El otro día me contaba un técnico que había grabado toda una orquesta con un Neumann U87... ¿Realidad?
¿Ficción?
http://www.myspace.com/yourprunetang
http://cdbaby.com/cd/plasticfangvexer
Briar
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Completamente de acuerdo con David. Yo normalmente uso un par de B&K 4006 en AB..., en directo y en
estudio. Solo en estudio -a veces- reforcé "zonas" con algún micro, para conseguir mejor balance.
Menos es mas.
Salu2
eze-peteze ! (...a ver quien traduce lo que dicen los bebés)
http://www.myspace.com/kadifornia_mastering
caraborso
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17 Dic 2007 15:04
Buenas tardes.
area79, disculpa la tardanza en contestar, pero me olvidé por completo del post.
Con respecto a mi anterior experiencia con bandas de gaitas, no te puedo ayudar mucho porque la grabación
fue con "trampa": lo que hicieron fue seleccionar a 4 gaiteros (los que lo hacían más decentemente) y a unos
pocos precusionistas (más de lo mismo). Lo que se hizo después fue duplicar pistas y colocarlo todo en el
campo estéreo.
Con respecto a tu grabación, no sabría decirte. Coloca a los músicos como normalmente tocáis (así tendrán las
mismas sensaciones, y no se sentirán "raros" al oirse de forma distinta). De las pocas veces que he escuchado
bandas de gaitas en directo (siento decir, y desde ya pido disculpas, que es un tipo de música que no atrae
demasiado, por no decir nada), usaban la técnica AB, con los músicos colocados en tres hileras a lo a lo largo
del escenario.
Siento no ser de más ayuda, pero es lo poco que sé. Te pongo una foto que encontré por internet: yo creo que
con esa formación y una técnica AB debería funcionar.
Un saludo.
Adjuntos
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davidvaldes
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Buenas noches.
La técnica AB es una técnica estéreo espaciada. Consiste en dos micros omnidireccionales separados siguiendo
la regla 3:1.
Esta regla consiste en separar los micros entre sí al menos tres veces la distancia que los separa del
instrumento (en este caso la banda). Con esta separación se evitan problemas de fase ("comb filtering").
Debido al "poderío sonoro" de las gaitas, me decantaría por micros de membrana pequeña, que reaccionan
mejor a los transitorios.
Te pongo una vista en planta (algo asquerosilla) que ya usé en otro post.
Un saludo.
Adjuntos
http://www.david-valdes.com
davidvaldes
Mensajes: 523
Registrado: 23 Abr 2006 19:38
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