PICASSO

El Guernica es un leo sobre lienzo, con unas dimensiones de 3,50 m de alto por
7,80 m de largo.1 A pesar de su ttulo, y de las circunstancias en que fue realizado, no
hay en l ninguna referencia concreta al bombardeo de Guernica ni a la Guerra Civil
Espaola.2 No es, por lo tanto, un cuadro narrativo, sino simblico.3 Est pintado
utilizando nicamente el blanco y negro, y una variada gama de grises.
La estructura del cuadro es semejante a la de un trptico, cuyo panel central est
ocupado por el caballo agonizante y la mujer portadora de la lmpara. 4 Los laterales
seran, a la derecha, la casa en llamas con la mujer gritando, y, a la izquierda, el toro y
la mujer con su hijo muerto. El del trptico no es, sin embargo, el nico principio de
ordenacin espacial presente en el Guernica. Las figuras estn organizadas en
tringulos, de los cuales el ms importante es el central, que tiene como base el
cuerpo del guerrero muerto, y como vrtice la lmpara.4
En el cuadro aparecen representados nueve smbolos: seis seres humanos y tres
animales (toro, caballo y paloma). De izquierda a derecha, los personajes son los
siguientes:
Detalle Madre con hijo muerto
Detalle Guerrero muerto
Detalle Hombre implorando

Toro. Aparece en la izquierda del cuadro, con el cuerpo oscuro y la cabeza

blanca. Este voltea y parece mostrarse aturdido ante lo que ocurre a su alrededor.
Al ser preguntado sobre el simbolismo del toro, Picasso indic que simbolizaba
"brutalidad y oscuridad".5 Se ha indicado tambin que la figura del toro, como en
otros cuadros anteriores de Picasso (como la Minotauromaquia de 1935), puede
ser, en cierto modo, un autorretrato del propio artista. 6 y junto con la mujer con
nio muerto sera, segn A. Visedo, la imagen en espejo de Velzquez con Agustina
Sarmiento de Las meninas.

Madre con hijo muerto. Se sita bajo el toro, como protegida por l, con la
cara vuelta hacia el cielo en un ademn o grito de dolor. Su lengua es afilada como
un estilete y sus ojos tienen forma de lgrimas. Sostiene en sus brazos a su hijo ya
muerto. Los ojos del nio carecen de pupilas, ya que est muerto. El modelo
iconogrfico de esta figura es, segn los crticos, la "Piet",7 esto es, la
representacin, habitual en el arte cristiano, de la Virgen Mara sosteniendo en sus
brazos a su hijo muerto. Segn la muy discutida interpretacin de Juan Larrea, el
grupo madre-hijo simbolizara a la ciudad de Madrid, sitiada por las tropas de
Franco pero para A. Visedo se trata de la Repblica huyendo de Madrid hacia fuera
del lienzo (hacia Valencia) al tiempo que se dirige al toro, Picasso, en demanda de
ayuda (ayuda en forma de propaganda participando en la Feria de Pars).

Paloma. Situada entre el toro y el caballo, a la altura de sus cabezas, no resulta

visible a simple vista, pues, excepto por una franja de color blanco, es del mismo
color que el fondo y nicamente est trazada su silueta. Tiene un ala cada y la
cabeza vuelta hacia arriba, con el pico abierto. Generalmente se ha considerado un
smbolo de la paz rota. Sin embargo puede tratarse de la alegora de la Msica, una
de las Artes destruidas por los militares rebeldes durante el bombardeo de Madrid.
En los bocetos fechados en abril, la msica, estaba representada por una oreja.

Guerrero muerto. En realidad, slo aparecen los restos de la cabeza, brazo

completo o antebrazo derecho y antebrazo izquierdo. Un brazo tiene la mano
extendida. El otro brazo sostiene una espada rota y una flor, que puede
interpretarse como un rayo de esperanza dentro de ese panorama descorazonador
o que la espada florece, por ser de madera, como el resto del guerrero, indicando
que es una talla rota, es decir, otra de las Artes destruida por los rebeldes, la
Escultura.

Bombilla. Es una de las imgenes que ms intriga despierta, imagen ubicada

en el centro del cuadro. Se puede relacionar el smbolo bombillacon bomba.
[cita requerida]
Se ha dicho que esta simboliza el avance cientfico y electrnico que se
convierte en una forma de avance social pero al mismo tiempo en una forma de
destruccin masiva en las guerras modernas.[cita requerida] El bombardeo de Guernica
pudo ser una prueba de esta tecnologa. La bombilla tambin puede ser
interpretada como una pupila del ojo de la providencia. Se encuentra dentro de un
sol; para A. Visedo es un guio al ttulo de la Exposicin (de las Artes, en la vida
Moderna); el sol es Pegaso, el caballito alado que vimos salir de la herida del
costado del caballo-yegua, convertido en Constelacin (Pegaso) representando el
Arte puesto a salvo.

Caballo. Ocupa el centro de la composicin. Su cuerpo est hacia la derecha,

pero su cabeza, igual que la del toro, se vuelve hacia la izquierda. Adelanta una de
las patas delanteras para mantenerse en equilibrio, pues parece a punto de caerse.
En su costado se abre una herida vertical y est, adems, atravesado por una
lanza. Tiene la cabeza levantada y la boca abierta, de donde sobresale la lengua,
terminada en punta. Su cabeza y su cuello son grises, el pecho y una de sus patas
de color blanco, y el resto de su cuerpo est recubierto por pequeos trazos.
Simboliza a las vctimas inocentes de la guerra. De la herida vertical sala en algn
boceto previo Pegaso. Segn la versin de A. Visedo, Pegaso representa el Arte;
Picasso cuenta en el lienzo que las obras de Arte que contena la Pinacoteca del
Prado (yegua) fueron sacadas y puestas a salvo por los milicianos de Madrid. Esta
yegua, con el quinqu y la Constelacin Pegaso, forma un tro que recuerda a La
Trinidad del Greco, aunque en espejo.

Mujer arrodillada. Otra versin es que la mujer est herida y se acerca a la

yegua para descansar de sus heridas. La pierna de la mujer que camina hacia el
centro est visiblemente dislocada o cortada, con una hemorragia que trata de
frenar intilmente con su mano derecha, por lo que lleva la pierna arrastrada y ya
medio muerta.[cita requerida] Tal descripcin es reforzada por la coloracin blanquecina
del pie que arrastra en comparacin al otro que conserva un color ms fuerte, y
tambin comparndolo con los desmembrados miembros del soldado, que yacen
con la misma coloracin, significando probablemente la prdida de sangre.
[cita requerida]
La hemorragia de alguna manera se puede deducir en un sombreado
oscuro que parece justo en la articulacin dislocada de la pierna de la mujer. Ella
lleva un ridculo tocado y en retoques previos Picasso la pint llorando, tal como
representaba siempre a Dora Maar, su amante.

Mujer del quinqu. Ilumina la estancia con una vela y avanza con la mirada
perdida, como en un estado de shock. Esta mujer se interpreta como una alegora
fantasmagrica de la Repblica.8 Tiene su otra mano aprisionndose el pecho justo
entre sus dos senos, que salen a relucir a travs de la ventana. No obstante
recuerda a M Teresa Walter en "mujer con vaso", una de las esculturas que Picasso
cedi para ser expuestas en el Pabelln de Pars.

Casa en llamas. Picasso logra resaltar la expresividad en la configuracin de

cada uno de los detalles de sus personajes a travs de simples lneas. La casa se
convierte en una nueva alusin a las Bellas Artes que estn siendo destruidas, la
Arquitectura.

Hombre implorando. Un hombre mirando al cielo como rogando a los aviones

que dejen de bombardear, est inspirado en el cuadro de Goya El tres de mayo de
1808 en Madrid. Es la forma artstica de decir basta de guerras. En opinin de A.
Visedo esta figura tiene pecho femenino, salta, vuela o danza con las alas ovaladas
que tiene a ambos lados. Para este autor representa a Olga Khokhlova, bailarina del
ballet ruso, su esposa, a quien quema para olvidarla y a quien en los momentos
iniciales del mural la dispuso sobre una pira de lea. Al destruirla quemndola
tambin est representando la destruccin de la Danza (otra de las Artes) por los
sublevados.

Flecha oblicua. Situada bajo las nalgas del caballo. Su figura simboliza la
elevacin del espritu del fallecido sobre la opresin de los poderes hegemnicos. El
alma del cado sufre y suplica arrepentimiento a la desdichada madre. l y el nio
harn juntos el paso al ms all. La flecha es considerada por otros, smbolo de la
guerra; de sta guerra.

La mujer con los brazos al cielo. Brazos en alto, cayendo vertical, envuelta
en su casa que arde y se desploma, clamando al cielo ante ese fuego que cae
desde l, desde unos aviones que en el cuadro no figuran, la mujer arriba a la
derecha se ha convertido, junto con esa otra a la izquierda que lleva en brazos a su
hijo muerto, en smbolo del horror de la guerra moderna. Picasso no deja de
hablarnos, en su obra, de s mismo y de sus circunstancias y aqu no poda ser
distinto. Se ha retratado como Velzquez en un lateral y ha colocado a las tres
mujeres con las que actualmente tiene algn tipo de relacin en este escenario: a
M T. Walter con quinqu (como en Minotauromaquia, su inspiracin); a Dora, su
actual amante, la mujer que llora, en actitud implorante y a su esposa, Olga,
bailarina que le est haciendo la vida imposible, quemada entre los restos del
Madrid bombardeado.

EUGENE DELACROIX
La Libertad guiando al pueblo es un cuadro pintado por Eugne
Delacroix en 1830 y conservado en el Museo del Louvrede Pars.
El lienzo representa una escena del 28 de julio de 1830 en la que el pueblo de Pars
levant barricadas. El rey Carlos X de Francia haba suprimido el parlamento por
decreto y tena la intencin de restringir la libertad de prensa. Los disturbios iniciales
se convirtieron en un levantamiento que desemboc en una revolucin seguida por
ciudadanos enojados de todas las clases sociales. No existi un nico cabecilla. Por eso
Delacroix representa a la Libertad como gua que conduce al pueblo. Tampoco est
representada de una forma abstracta, sino que es una figura alegrica muy sensual y
real.
El espectador slo tiene dos posibilidades, el unirse a la masa, o el ser arrasado por
ella. El pueblo es la unin de clases: se representa al burgus con su sombrero de copa
y empuando el fusil, al lado un andrajoso y un herido que pide clemencia a Francia. Al
fondo aparecen brumas y humos de la batalla que diluyen un barrio francs bastante

realista. A los pies de la Libertad un moribundo la mira fijamente indicndonos que ha

valido la pena morir por ella.
El cuadro fue comprado por el Estado Francs en 1831, pero ante las crticas recibidas
parece ser que fue devuelto al autor en 1839. Sin embargo, en 1848 el director de los
museos nacionales lo reclam, siendo entregado por el autor al ao siguiente. Cuando
se instaur el Segundo Imperio la tela pas a formar parte de la reserva del Louvre,
hasta que qued expuesto en 1863, despus de la muerte del autor. La obra se ha
convertido en un icono universal de la lucha por la libertad.
He emprendido un tema moderno, una barricada, y si no he luchado por la patria, al
menos pintar para ella.
Eugne Delacroix
ndice
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1Tema

2Cuadro

2.1Personajes

2.2Composicin

2.3Otros aspectos
3Enlaces externos

Tema[editar]
El tema de la obra es la insurreccin burguesa que tuvo lugar los das 27, 28 y 29 de
julio de 1830 (denominadas las Tres jornadas gloriosas). Es una de las revoluciones
burguesas, y ms concretamente la que puso fin al terror blanco tras los diecisis aos
de restaurada la monarqua borbnica, encarnada en el ultraconservador Carlos X, que
fue expulsado del trono y sustituido por Luis Felipe de Orleans, el llamado Rey burgus,
con lo que se consum el acceso al poder de la burguesa liberal, aunque no se
instaur la repblica. Delacroix estuvo del lado de los revolucionarios, es ms, l mismo
se ha representado en el cuadro como el hombre que lleva el sombrero de copa negro
y que se encuentra entre los combatientes y en primera fila.
La revuelta se inici el 27 de julio como protesta contra una serie de ordenanzas que
restringan libertades ciudadanas. En esa noche jvenes republicanos se pusieron al
frente de la insurreccin y ya de da se elevaron barricadas (de hecho al cuadro se le
conoce tambin como La Barricada). El da 29 los revolucionarios eran dueos de la
ciudad. La revuelta rebas las fronteras de Francia y dio lugar a levantamientos
similares, de lucha contra los monarcas reaccionarios o de liberacin nacional (como
los belgas sublevados contra los holandeses), en varios pases europeos.
Segn G. C. Argan nos encontramos ante el primer cuadro poltico de la pintura
moderna, pues en su opinin la historia contempornea es la lucha poltica por la
libertad. Libertad que, segn este mismo autor, estaba ligada indisolublemente en
aquella poca al concepto de Patria. De ah que la figura central de la mujer, que es
alegora de la libertad, lo sea tambin de la nacin. Hemos de recordar que la lucha por
la libertad y por la nacin (el nacionalismo) es una constante en los romnticos. El

mismo autor trata idntico tema en otras obras como La matanza de Quos y Grecia
sobre las ruinas de Missolonghi, cuadro este ltimo en el que la nacin aparece
igualmente representada por una mujer -en este caso con el pecho sin descubrir
totalmente- y que adems refleja un episodio de la lucha del pueblo griego por su
liberacin del yugo turco, en el que pereci colaborando con el bando griego- el gran
poeta romntico Lord Byron.
Cuadro[editar]
Se ve una estructura en posicin de pirmide con los muertos por la Libertad en la
base y sta en la cima sosteniendo en la mano derecha la bandera tricolor y en la
extremidad opuesta un fusil. El ligero pincel de Delacroix y la fuerza luminosa de sus
colores exaltan la vitalidad de sus cuadros. Para aumentar la tensin y el movimiento
aadi contrastes complementarios junto a la oposicin de los claroscuros. El color
para Delacroix no solo tena un valor de representacin, sino sobre todo un significado
emocional propio, con el que intentaba plasmar sobre el lienzo el sentimiento y la
disposicin de nimo de las personas. De fondo se ve el cielo de Pars tormentoso (otra
caracterstica romntica).
Se utilizan colores plidos con pinceladas sueltas destacando el azul, el rojo y el blanco
de la bandera.
Personajes[editar]
En el cuadro aparecen jvenes, adultos, clase
obrera, burgueses y soldados defendiendo a la Libertad que, como ya se ha dicho, en
este caso se identifica tambin con Franciay es representada como una mujer
empuando un fusil de la poca (rasgo realista) y con el pecho al descubierto, hecho
este ltimo que escandaliz a crticos y a parte de la sociedad de la poca. Entre los
muertos del primer plano (abajo, a la derecha del espectador) aparecen tambin
soldados leales a Carlos X.
El personaje del sombrero es un burgus, en el que se autorretrata Delacroix a pesar
de que no particip en los hechos. En una carta fechada el 18 de octubre
de 1830 escribi a su hermano: "He comenzado un cuadro de tema moderno, una
barricada... y, si no he luchado por la patria, por lo menos pintar para ella". Aunque,
como era habitual en los romnticos, Delacroix criticaba a la pequea burguesa por su
estrechez de miras, l mismo proceda de una familia de la alta burguesa y
frecuentaba los salones y los ambientes de las altas esferas burguesas. Por otra parte,
as como fue revolucionario en 1830, adopt una postura contrarrevolucionaria
en 1848, en la que comienza a emerger la clase obrera (ese ao Marx publica
su Manifiesto Comunista). En cualquier caso como ocurri con David, fue un autor
polticamente comprometido.
La figura de la Libertad (que recuerda a algunos la Venus de Milo y a otros la Victoria
alada de Samotracia) porta dos smbolos revolucionarios: el gorro frigio y la bandera
tricolor, que el nuevo rgimen -a pesar de ser monrquico- adopt nuevamente. En
segundo plano, a la derecha del espectador, encontramos Notre-Dame de Pars, en una
de cuyas torres ondea la bandera revolucionaria, quizs para afirmar el sometimiento
de la iglesia, que haba sido uno de los apoyos de la restauracin borbnica. Esta figura
se ha convertido en una de las primeras representaciones de la Marianne francesa ms
famosas.
Composicin[editar]
La composicin del cuadro es claramente piramidal, presentando muchas coincidencias
con La Balsa de Medusa de Gricault, obra en la que posiblemente se inspira. Argan ha
sealado que al igual que en la balsa, el plano de apoyo es inestable, construido con
vigas inestables (la barricada), y de esta inestabilidad nace y se desarrolla in crescendo

el movimiento de la composicin que acaba culminando en una persona que agita

algo, en el caso de la balsa un harapo y en este una bandera. Los dos muertos en
primer trmino tambin guardan un cierto paralelismo con los cuerpos sin vida en
primer plando de la obra de Gricault. Incluso, las piernas alzadas del difunto de la
izquierda parecen inspirarse en las del muerto del lado opuesto de La Balsa. No
obstante, este mismo autor seala que aunque hay similitudes, tambin hay
diferencias, y as en mientras que en la obra de Gricault el movimiento es de delante
hacia atrs, en la Libertad es todo lo contrario (hacia el espectador). Cuadros
de Goya como La carga de los mamelucos o Los fusilamientos del 3 de mayo, parecen
tambin haber influido en esta obra, por las asimetras, las diagonales y los estallidos
de color.
Caractersticas formales

Forma abierta

La sensacin de perspectiva est presente en la obra gracias a los edificios del

fondo y a la multitud, que se va alejando y reduciendo en tamao al fondo del
lienzo.

La lnea del horizonte es algo inestable, sera la lnea imaginaria entre las
cabezas de la multitud al fondo del cuadro, que se difuminan con el humo y los
edificios del fondo del lienzo.

Los tres elementos (bandera, camisa del muerto de la izquierda y vestimenta

del herido que se alza frente a la Libertad) forman una lnea recta imaginaria que
forma un eje central.

Las figuras principales se enmarcan dentro de una pirmide que asciende en el

vrtice de la cual el eje central es la Libertad y los dos muertos en primer trmino
cierran el tringulo.

La luz del cuadro es irreal, ilumina la Libertad con la bandera tricolor, una parte
del cuerpo del nio que hay a su lado, al moribundo de la chaqueta azul, al muerto
del margen inferior izquierdo y las manos y media del hombre del sombrero de
copa. En este caso la luz y el color tienen un objetivo en comn: potenciar el
movimiento.

Las pinceladas muestran una gran desenvoltura y ondulacin. El rojo y el azul

de la bandera, de la vestimenta del herido que se alza delante de la Libertad, y de
la camisa del muerto de la izquierda resaltan por encima de todo el predominio de
las tonalidades ocres y grises del conjunto.

Otros aspectos[editar]
Junto a la figura alegrica de la Libertad, se dan otros detalles tremendamente realistas
como puede ser el pubis desnudo de la persona muerta que hay en primer plano, abajo
a la izquierda (obrero de la camisa blanca). Es un cuadro alegrico o histrico? No
parece que sea ninguna de las dos cosas, por cuanto que lo nico alegrico es la figura
de la mujer-libertad-patria y tampoco representa un hecho concreto real. Thophile
Thor elogi la obra y refirindose a la mujer dijo: Es una muchacha del pueblo? Es
el genio de la libertad? Es ambas cosas [...] La verdadera alegora debe tener el doble
carcter de ser una figura viviente y un smbolo.

La obra est impregnada de movimiento no solo por los gestos dramticos de los
personajes, y por la composicin en diagonales, sino porque los del primer plano
avanzan sobre la quietud de los muertos que se encuentran en la base de la
composicin y todas las formas muestran ondulaciones que ponen de manifiesto la
admiracin del autor por Rubens. Por otra parte la luz lo refuerza, pues es una luz
dramtica y compleja, con zonas iluminadas y otras en penumbra, pero cuyo origen no
se vislumbra. Las figuras del primer plano aparecen iluminadas por un foco lateral,
pero a su vez se recortan a contraluz sobre un fondo encendido, humeante y nuboso,
que dota de ms inquietud a la composicin. No obstante, ese tenebrismo aludido no
da como resultado figuras homogneas en tonos de bronce como en Caravaggio-,
pues incorpora con gran maestra ms fuerza y variedad cromtica, como por ejemplo
el azul de la bandera o de la camisa del personaje que postrado mira fijamente a la
Libertad. Lo que pone de manifiesto que Delacroix domina tambin el color, del que fue
un fino estudioso.
La perfecta combinacin de tema, movimiento, luz y color, junto a una pincelada suelta
que en los planos posteriores (por ejemplo, los combatientes de detrs de la mujer)
recuerdan a Goya, determinan que nos encontramos ante una obra y un autor de una
tremenda trascendencia en la pintura contempornea. Por otra parte su maestra en
ordenar grandes composiciones como La muerte de Sardanpalo o la de esta obra, es
tambin evidente. Delacroix, que tuvo una formacin neoclsica, reaccion contra el
academicismo y lleg a convertirse en el culminador del romanticismo del que su
amigo Gricault tempranamente muerto- fue iniciador. Con Delacroix se produce una
ruptura con la herencia clsica a consecuencia de la cual, y como dice Argan, el arte
deja de mirar hacia lo antiguo y empieza a plantearse el ser, a toda costa, de su propio
tiempo.

BOTTICELLI
La primavera es una de las obras maestras del pintor renacentista Italiano Sandro
Botticelli. Est realizado al temple de huevo sobre tabla. Mide 203 cm de alto y 314 cm
de ancho y fue realizada entre 1480 y 1481.
ndice
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1Datacin

2Iconografa

3Anlisis de la obra

4Fuentes literarias

5Interpretacin poltica

6Referencias

7Notas

8Enlaces externos
Datacin[editar]
Un inventario de 1499, que no se descubri hasta 1975, enumera la propiedad de
Lorenzo di Pierfrancesco y su hermano Giovanni y permite afirmar que en el siglo XV La
Primavera estaba sobre un letuccio ("divn") en una antesala adyacente a las
habitaciones de Lorenzo di Pierfrancesco en la ciudad de Florencia. Posteriormente
debi trasladarse a la villa de los Mdici en Castello, donde la sita Vasari en 1551,
quien deca que representaba a "Venus, adornada con flores por las Gracias, anuncia la
llegada de la primavera".
Cuadros con un formato tan grande no eran inusuales en las residencias privadas de
las familias poderosas. La Primavera es, sin embargo, altamente ilustrativa de la
iconografa y forma clasicista, representando a dioses clsicos casi desnudos y a
tamao natural, con un complejo simbolismo filosfico cuya interpretacin requera un
hondo conocimiento de la literatura y sincretismo renacentistas.
Iconografa[editar]
Es una obra impregnada de cultura humanstica y neoplatnica de la corte de Lorenzo
el Magnfico. Tiene un tono de narracin situada fuera del tiempo real. Se presenta una
atmsfera de fbula mitolgica en la que se celebra una especie de rito pagano.
Rompe con la pintura religiosa cristiana al ilustrar un rito pagano de primavera. 1
La crtica no se muestra de acuerdo sobre su exacta alegora. Se debate sobre su
significado y por consiguiente el ttulo. Si por un lado se produce un cierto acuerdo
sobre la individualizacin de alguno de los nueve personajes representados, hay
discusiones que han nacido a lo largo de los aos, en particular a partir de la segunda
mitad del siglo XIX, sobre los referentes literarios ms especficos y los significados que
esconde la obra. Algunas teoras sostienen que el dios Mercurio (el personaje situado
ms a la izquierda) representa a Julio, el hijo de Lorenzo de Mdici, y que la gracia que
mira al dios, representa a la amante de Julio.
Anlisis de la obra[editar]
Giulio Carlo Argan pone en evidencia cmo esta tabla se pone en contraste con todo el
desarrollo del pensamiento artstico del siglo XV a travs de la perspectiva. Identifica el
arte con la interpretacin racional de la realidad, que culmina con la grandiosa
construccin terica de Piero (della Francesca).
Botticelli opta aqu por un formato monumental, con figuras de tamao natural, y lo
compagina con una gran atencin al detalle. Esto puede verse en las diversas piezas
de orfebrera, representadas minuciosamente, como el casco y la empuadura de la
espada de Mercurio o las cadenas y los broches de las Gracias.
Estudios interesantes son los que se han realizado sobre las relaciones dimensionales
de las partes de la escena en referencia a reglas musicales.
La composicin muestra una disposicin simtrica, con una figura central Venus la
diosa del amor, la belleza y la fertilidad, que parte la escena en dos mitades y marca el
eje.
Mientras algunas de las figuras estaban inspiradas por esculturas antiguas, estas no
eran copias directas sino adaptadas al lenguaje formal propio de Botticelli: figuras de
elevada estatura, delgadas, ligeramente alargadas, muy idealizadas, muy dibujadas
con unas limpias lneas que marcan los perfiles, cuyos cuerpos a veces parecen
artificiosamente estirados y presagian el estilo elegante y corts
del manierismo del siglo XVI. Como fuente iconogrfica para la representacin de las

tres Gracias Botticelli parece recurrir a la Puerta del Paraso realizada por Ghiberti en
el Baptisterio de Florencia, en particular el grupo de siervas en el relieve de Esa y
Jacob.
Las figuras destacan contra el fondo por la claridad de su piel y sus ropajes, de colores
claros e incluso transparentes. Esta palidez en los colores muestra la anatoma del
desnudo, que da ms volumen a la representacin, esta tcnica recuerda a la de los
paos mojados de Fidias. La luz unifica la escena, incluso parece emanar de los propios
cuerpos.
La composicin participa del fondo arbolado, con un bosque ordenado y vertical para
servir de fondo, casi plano y severo, a la danza y al corro. Los personajes se sitan en
un paisaje de naranjos, rboles tradicionalmente relacionados con la familia Mdici. No
obstante, hay quien apunta a que son en realidad mandarinas, cuyo nombre
clsico, medica mala, aludira a los Mdici. Detrs de Venus hay un mirto, planta
tradicionalmente sagrada para ella. Mientras, la parte derecha est hecha de rboles
doblados por el viento o por la fuerza creadora, en concreto laureles, lo que sera una
alusin al novio, Lorenzo, en latn Laurentius. El paisaje es arbitrario, este tipo de
escenarios sometidos a la razn son muy tpicos del quattrocento.
El suelo es una capa de hierba muy oscura en la que estn detalladas flores
tpicamente toscanas que aparecen en el mes de mayo. Son tambin reconocibles las
de Flora: en la cabeza lleva violetas, aciano y una ramita de fresas silvestres; en torno
a su cuello, una corona de mirto; en el manto lleva rosas; por ltimo, va
esparciendo nomeolvides, jacintos, iris, siemprevivas, clavellinas y anmonas.
Fuentes literarias[editar]
La obra ms citada como posible fuente para esta escena son los Fastos de Ovidio, un
calendario potico que describa las festividades romanas. La fiesta de Flora se llama
Floralia. En el mes de mayo relata cmo Flora fue una vez la ninfa Cloris, que exhalaba
flores al respirar. Suscit una pasin ardiente en Cfiro, dios del viento, quien la sigui
y la tom como esposa por la fuerza. Arrepintindose de su violencia, el dios la
transforma en Flora, y como regalo le da un hermoso jardn en el cual reine
eternamente la Primavera.
Botticelli estara as representado en el mismo cuadro dos momentos separados de la
narrativa de Ovidio: la persecucin ertica de Cloris por parte de Cfiro y su posterior
transformacin en Flora. Por esta razn las ropas de las dos mujeres, que adems
parecen ignorarse, soplan en direcciones diferentes. Flora est parada junto a Venus,
derramando rosas, las flores de la diosa del amor.
Otra fuente ovidiana para la obra seran Las metamorfosis. En su poema didcticofilosfico, De Rerum Natura el escritor clsico Lucrecio celebr a ambas diosas en una
misma escena de primavera. Dado que el fragmento contiene referencia a otras figuras
que aparecen en el grupo de Botticelli, es probablemente una de las fuentes
principales para la pintura:
Vienen la primavera y Venus,/ Y el chico de Venus, el heraldo alado, aparece primero,/
Y dura sobre las huellas de Cfiro la Madre Flora,/ Arpejando los caminos antes de ellos,
llena todo/ De colores y olores excelentes.
Otras fuentes literarias sealadas por los autores para esta obra son:
las Odas de Horacio que como el resto de la literatura clsica, llegaba a travs de
autores contemporneos como Leon Battista Alberti y Poliziano. De hecho, no parece
probable que Botticelli leyera directamente estas obras en latn, sino que conociera su
contenido por las conferencias de Poliziano. Precisamente en el ao 1481 Poliziano
pronunci discursos en pblico sobre el calendario de Ovidio. . De gran importancia son
las Stanze de Poliziano, en cuyos versos se hace referencia al amor entre Juliano de

Mdici y Simonetta Cattaneo (Simonetta Vespucci), esposa de Marco Vespucci, a los

que algunos autores han identificado como Mercurio y la Gracia de la izquierda,
respectivamente.
Interpretacin poltica[editar]
Otra interpretacin en la pintura es la de plasmar el marco poltico de la pennsula
itlica durante el siglo XV; segn esta visin: Las figuras son las ciudades-estado donde
Flora es Florencia, Mercurio-Miln, Cupido (Amor)-Roma, como las tres
gracias Pisa, Npoles y Gnova, la ninfa Maya-Mantua, Venus-Venecia y BoreasBolzano.

EL FUSILAMIENTO GOYA
El 3 de mayo en Madrid (tambin conocido como Los fusilamientos en
la montaa del Prncipe Po2 3 o Los fusilamientos del tres de mayo1 ) es un
cuadro del pintor aragons Francisco de Goya terminado en 1814 que se conserva en
el Museo del Prado (Madrid, Espaa). La intencin de Goya al elaborarlo era plasmar la
lucha del pueblo espaol contra la dominacin francesa en el marco del Levantamiento
del dos de mayo, al inicio de la Guerra de la Independencia Espaola. Su pareja es El
dos de mayo de 1808 en Madrid tambin llamada La carga de los mamelucos.
Ambos cuadros son de la misma poca y corriente artstica. Su tcnica y cromatismos
propios del Goya maduro. Goya sugiri el encargo de estos cuadros de gran formato a
la regencia liberal de Luis Mara de Borbn y Vallabriga, antes de la llegada del
rey Fernando VII. Habitualmente se deca que adornaron un arco del triunfo dedicado al
rey en la Puerta de Alcal4 pero ltimas investigaciones lo desmienten.5 En cualquier
caso, la intencin de Goya para hacer estos cuadros queda plasmada en una carta
autgrafa del aragons, donde escribe:
Siento ardientes deseos de perpetuar por medio del pincel las ms notables y heroicas
acciones o escenas de nuestra gloriosa insurreccin contra el tirano de Europa.
pud Glendinning (2005), pg. 120.6 7
La pintura es oscura, muestra imgenes fuertes y crea el arquetipo del horror en
la pintura espaola, que Goya aprovech en esa poca para sus aguafuertes
titulados Los desastres de la guerra.
El tres de mayo de 1808 ha inspirado numerosos cuadros, como El fusilamiento de
Maximiliano, de douard Manet, as como otras obras de ste relativas a la accin
blica. Guernica y Masacre en Corea son las dos obras de Pablo Picasso en que se
aprecia la influencia de Los fusilamientos.
En la dcada de 1850 el pintor Jos de Madrazo entonces director del Prado puso
en duda que Goya hubiese pintado este lienzo. Afirm que el cuadro es de calidad
muy inferior a otros retratos del maestro Goya.8 Dcadas despus, durante el apogeo
del impresionismo y del romanticismo, adquiri fama mundial al ser considerada
antecedente directo de tales estilos. La obra fue trasladada a Valencia en 1937 junto
con todo el fondo del Museo para evitar posibles daos durante la Guerra Civil, pero
durante el trayecto la obra sufri un accidente. Los desperfectos se fueron reparando
gracias a las restauraciones emprendidas en 1938, 1939, 1941 y 2008. En esta ltima
se ha procedido a la limpieza completa del cuadro, a base de rebajar los barnices
amarillentos que cubran gran parte de la obra.9
ndice

[ocultar]

1Contexto histrico

2Anlisis

3Referencias en otras obras de Goya

4Influencias

5Destino
o

5.1Restauraciones

6Legado en el arte universal

7Composiciones musicales

8Vase tambin

9Referencias

10Bibliografa utilizada

10.1En espaol

10.2En ingls
11Enlaces externos

Contexto histrico[editar]

El dos de mayo de 1808 en Madrid, pareja de Los fusilamientos. En ambos se

representa la pelea de los espaoles contra las tropas de Francia, as como la represin
que los invasores usarn a modo de escarmiento.
Napolen Bonaparte se autoproclam cnsul de la Primera Repblica Francesa el 18 de
febrero de 1799, y en 1804 Po VII le coron emperador. Espaa controlaba el acceso

al Mar Mediterrneo y posea varias colonias, por lo que era un punto crucial en el
mapa europeo que los franceses deban dominar cuanto antes. Carlos IV, un hombre
ablico y desinteresado por el gobierno, era el rey de Espaa desde 1788. La
reina Mara Luisa de Parma y su supuesto amante, el primer ministro Manuel Godoy,
eran quienes manejaban el reino.10 Napolen tom ventaja de la situacin y propuso al
gobierno espaol conquistar Portugal y repartirlo entre ambas naciones.11 El Prncipe de
la Paz como se conoca a Godoy negoci el trato y poco despus acepta gustoso la
oferta, y permite a los franceses penetrar en territorio espaol. Sin embargo, las
verdaderas intenciones del emperador eran otras, conquistar Espaa y Portugal
simultneamente y situar a su hermano Jos Bonaparte desde 1806, soberano de
Npoles a la cabeza de ambos reinos. Pero el acuerdo casi subrepticio de Godoy con
el Primer Imperio Francs desat descontento en varias esferas de la sociedad
espaola, lo cual fue capitalizado por el prncipe Fernando de Borbn, acrrimo
adversario de Godoy. Junto a otras personalidades del gobierno, como el infante
Antonio Pascual, Fernando entendi claramente que era un plan de los franceses para
hacerse con el reino y pens en asesinar al ministro e incluso a sus padres, para tomar
l el poder y sacar a las tropas de Napolen.11

Retrato de Manuel Godoy, por Goya (1801).

Ms de 20 000 soldados franceses entraron a Espaa en noviembre de 1807, con la
misin de reforzar al ejrcito hispano para atacar Portugal. Los espaoles no opusieron
resistencia y permitieron su libre trnsito.12 Hacia febrero de 1808, los autnticos
planes de Napolen comenzaron a saberse y hubo pequeos brotes de rebelda en
varias partes de Espaa, como Zaragoza.13 Joaqun Murat, comandante de las fuerzas
francesas, crea que Espaa reaccionara mejor bajo el mando de Jos I de Npoles,
hermano de Napolen, que gobernada por Carlos IV o por su hijo Fernando. As lo
expres al emperador en una carta del 1 de marzo de 1808.14 En marzo se produce
el Motn de Aranjuez. Carlos IV debe destituir a Godoy y ste tiene que salir del pas por
temor a morir linchado a manos del pueblo. Obligado por la penosa situacin, el rey
abdica y Fernando se convierte en el nuevo monarca espaol. Al conocer los sucesos
en Espaa, Napolen se precipita y aprehende a Fernando VII, que debe devolver la
corona a su padre y ste la pone en manos del francs. Napolen no duda en traspasar
la corona a su hermano y desde el 6 de junio de 1808, Jos Bonaparte es rey de
Espaa.
El pueblo espaol haba aceptado gobernantes extranjeros en el pasado a la Casa de
Borbn en 1700, con Felipe de Anjou (posteriormente Felipe V) como rey, pero esta
vez no estaba dispuesto a permitir una ocupacin francesa. El dos de mayo el gobierno
invasor decret la salida de los ltimos miembros de la familia real, entre ellos los
infantes Mara Luisa y Francisco de Paula. Al percatarse de ello, el cerrajero Blas
Molina grit al pueblo: Traicin! Nos han quitado a nuestro rey y quieren llevarse a
todos los miembros de la familia real! Muerte a los franceses!. Comenz as
el levantamiento. Murat escribi sobre ello a Jos Bonaparte que el pueblo de Madrid
se ha levantado en armas, dndose al saqueo y a la barbarie. Corrieron ros de sangre
francesa. El ejrcito demanda venganza. Todos los saqueadores han sido arrestados y
sern fusilados.15Tal como escribi el general, esa noche comenz en la capital una

implacable persecucin de presuntos sublevados. Cualquiera que llevase una navaja

comn entre los artesanos madrileos era arrestado y condenado a muerte sin previo
juicio. Las ejecuciones se realizaron a las cuatro de la maana en Recoletos, Prncipe
Po, la Puerta del Sol, La Moncloa, el Paseo del Prado y la Puerta de Alcal.16 Cerca de
all se encontraba la montaa del Prncipe Po, donde se dieron los sucesos que
inspiraron al artista de Fuendetodos para la obra que emprendera un lustro ms tarde.
Pocos das despus, la poblacin de Madrid tena ya en un altsimo concepto de
heroicidad a los cados la noche del tres de mayo y algn tiempo despus circularon
estampas en las que conmemoraba su lucha contra Napolen visto ya como la
personificacin del Anticristo catlico.
La vasta mayora de los ejecutados en Prncipe Po actualmente conocida como plaza
de Espaa eran condenados por una Comisin Militar que no les conceda derecho a
defensa, aunque casi todos los rehenes haban participado activamente en la
insurreccin y se les aprehendi con las armas en la mano.17 Goya debi de
documentarse abundantemente para sus obras como era habitual en l y para ello
utiliz algunos testimonios de presos que lograron fugarse, como uno que huy hacia la
ribera del Manzanares.18
El pintor conmemorar los hechos acaecidos en la reyerta del dos de mayo en La carga
de los mamelucos, donde un grupo de milicianos franceses a caballo pelean contra el
pueblo sublevado en la Puerta del Sol, escenario de varias horas de fiero
combate.14 Muchos de los rebeldes fueron sofocados, arrestados y fusilados en las
localidades cercanas a Madrid durante los das siguientes, hecho que representa El tres
de mayo de 1808. La oposicin espaola persisti durante los siguientes cinco aos, en
forma de una dura guerra de guerrillas.14 Tiempo ms tarde unieron sus ejrcitos con
portugueses y britnicos, bajo la direccin de Arthur Wellesley, duque de Wellington
militar que tuvo su bautizo de fuego en la Pennsula hacia agosto de 1808. Como
ya se ha dicho, en la poca en la que Goya concibe este cuadro los espaoles haban
mitificado a tal extremo a los rebeldes de mayo de 1808 que eran ya sinnimo de
patriotismo y herosmo.19

Yo lo vi, lmina 44 de Los desastres de la guerra, h. 1810-1812. Con estos aguafuertes,

Goya pretende testimoniar el momento histrico que vive, a semejanza de una
crnica.20
Como otros espaoles de ideas liberales y prximas a las de la revolucin francesa
llamados, casi peyorativamente, afrancesados, en referencia a su supuesta simpata
por Bonaparte,21 Goya mantena una difcil postura ante la invasin francesa, puesto
que mantena esperanzas de que Espaa sufriese cambios similares a los que vivi el
vecino pas aos atrs, al tiempo que se senta herido en lo ms profundo de su orgullo
espaol.22 Comparta esta visin con otros amigos intelectuales como Juan Melndez
Valds y Leandro Fernndez de Moratn. Un autorretrato de Goya de 1798 fue regalado
al embajador francs Ferdinand Guillemardet, quien profesaba al aragons una gran

admiracin.23 24 25 Para mantener su puesto de pintor de cmara, Goya debe servir a

Jos I Bonaparte vase la Alegora de la villa de Madrid, a pesar de que siempre ha
sentido un desprecio por la autoridad y llega a degradarla en sus
retratos.26 27 28 Mientras tanto, es testigo de la forma en que sus compatriotas pelean
ante los franceses, lo que motivar algunas obras en que refleja la crueldad de los
actos blicos.29Celebrrimo es El coloso basado en los horrores fsicos de la invasin y
en La profeca del Pirineo, poesa de Juan Bautista Arriaza. Las acciones de la lucha
hispanofrancesa le inspiran a grabar la serie conocida como Los desastres de la
guerra(1810-1815).23

Y no hay remedio.30

31

En febrero de 1814 los franceses son expulsados de Espaa y Goya aprovecha para
escribir una carta fechada el 24 de febrero al gobierno provisional, presidido
por Luis Mara de Borbn y Vallabriga, donde propone la realizacin de una pintura que
pudiese perpetuar por medio del pincel las ms notables y heroicas acciones o
escenas de nuestra gloriosa insurreccin contra el tirano de Europa.32 Ello no obsta
para que Mena considere que no existe documentacin relevante, para aclarar si la
idea de estos grandes lienzos parti de Goya. Su carta, que no se conserva, pudo
haber sido su contestacin y sus condiciones econmicas a un encargo de la regencia
de preparar una serie de lienzos conmemorativos de la defensa contra Napolen, ante
el inminente regreso de Fernando VII, que entraba en Madrid el 19 de mayo de ese
ao. As, el 9 de marzo la Tesorera le informaba de la siguiente manera, a fin de que
comenzara a trabajar cuanto antes en sus cuadros:
En consideracin a la grande importancia de tan loable empresa y la notoria capacidad
del dicho profesor para desempearla, ha tenido bien admitir su propuesta y mandar
en consecuencia que mientras el mencionado Dn. Francisco Goya este empleado en
este trabaxo, se le satisfaga por Tesorera mayor, adems de lo que por sus cuentas
resulte invertido en lienzos, aparejos y colores, la cantidad de mil y quinientos reales
de vellon mensuales por via de compensacin.
Carta de un oficial de la Tesorera a Francisco de Goya, 9 de marzo de 1814.
A pesar de no conocerse a ciencia cierta si presenci o no las revueltas y los
ajusticiamientos,23 han existido muchos intentos de probar que as fue.33 Por aquel
tiempo el aragons habitaba una casa sita en la esquina de la Puerta del Sol, marco de
la ms brutal matanza del pronunciamiento. Supone Antonio de Trueba que el pintor
presenci los eventos de mayo de 1808. Esto se lo cont, supuestamente, Isidoro
Trucha, el jardinero de Goya, que afirma haber acompaado al pintor durante la noche
de la masacre a observar los cuerpos de los ejecutados. El testimonio de Trucha es
reconstruido por Trueba: en medio de charcos de sangre vimos una porcin de
cadveres, unos boca abajo, otros boca arriba, en la postura del que estando
arrodillado, besa la tierra, otro con las manos levantadas al suelo, que pide venganza o
tal vez misericordia.34 Es probable que sea verdico, pues la narracin incluye la

descripcin de un personaje temeroso y mordindose los puos y un charco de

sangre, que en el cuadro Goya pintar con gran realismo.35
Anlisis[editar]

Napolen cruzando los Alpes, de Jacques-Louis David.

Puede decirse que es pionera de una nueva generacin pictrica, que rompe con las
costumbres artsticas impuestas por el cristianismo y el Antiguo Rgimen, ya en
decadencia. No tiene ningn precedente en las pinturas de guerra y es reconocida
como una de las primeras obras de lo que se conoce como arte contemporneo.
Kenneth Clark es tajante al afirmar es la primera pintura que puede llamarse grande y
revolucionaria en toda la extensin de la palabra, en su temtica, en su gnero y en su
intencin.36
Goya prescinde de los elementos del neoclasicismo imperante para representar la
gesta. Coloca nicamente en el cuadro a los ejecutados y a sus poco visibles captores.
Se trata, en fin, como considera Bozal,37 de uno de los cuadros ms apreciados y que
ms repercutieron en la obra de Goya y en la forma en que ha sido examinada.
Tambin, enuncia el historiador, refleja como pocas obras el punto de vista
contemporneo hacia la comprensin de la esencia de toda conflagracin.
Habitualmente podra esperarse un cuadro que ensalzara al hroe como protagonista
del cuadro. Bozal aprecia que Goya pudo colocar en el centro de su composicin a los
militares que ms descollaron durante la guerra, Daoz y Velarde, para establecer un
opuesto paralelismo con aquellas obras que manifestaban el poder del emperador galo
cuyo prototipo era Napolen cruzando los Alpes.
El aragons crea una composicin en que el protagonismo cae en manos del colectivo
annimo que llega al ms bajo estrato de violencia, diferencindose de las estampas
sobre el tema que haban publicado Toms Lpez Engudanos, Zacaras Gonzlez
Velzquez y Juan Carrafa. Estas imgenes fueron reproducidas por Jos Ribelles y
Alejandro Blanco (h. 1813), y para cuando Goya aborda la ejecucin de sus cuadros de
historia, las lminas constituidas a modo de Aleluya ya eran parte de la
imaginacin popular.

Monumento a Daoz y Velarde..

Se categoriza dentro de la pintura histrica, que tena algunos antecedentes en el arte
espaol e italiano, pero ninguno tan realista como el de Goya. 38 En lontananza se
admira la silueta de algunos edificios, pero se aprecian tan desdibujados que no logran
identificarse con exactitud.38Sin embargo, no es inverosmil la hiptesis de que uno de
ellos pueda tratarse del Cuartel del Conde-Duque, visible desde el monte del Prncipe
Po.
Contrasta demasiado con su pareja, La carga de los mamelucos. Aqu la fuerza
escnica recae en el momento previo a la ejecucin y no en los instantes de sta. Los
franceses no tienen rostro, a manera de enemigo annimo y mortfero. Seala
Glendinning que el nico intento de Goya por suavizar el tremebundo impacto
psicolgico que produce un fusilamiento son los poco claros frontispicios de
construcciones.38
Entre los personajes que van a ser asesinados existe una enorme diversidad: un
religioso en actitud de oracin; un hombre con gorra que espera con resignacin su
inminente destino; el hombre en primer plano, que alza las manos al cielo. 39 40 Incluso
es posible la categorizacin de los prisioneros en tres grupos: los ya muertos, los que
estn siendo fusilados y los que aguardan su turno. La irrupcin de la mujer en el
cuadro es notoria, aunque es una sola fmina.38 41
Como es habitual en Goya, hay mltiples variedades de interpretaciones. Tiene una
composicin equilibrada y una tonalidad oscura y pavorosa, herencia de lo Sublime. Se
ha dicho que quiz se pint a modo de complemento para La carga, a pesar de que
ste tiene una composicin y tonos totalmente distintos. Schlegel le defini como
romntico, un trmino an en ciernes. Tambin afirm que Goya marca en ello un
deseo de romper con las costumbres del siglo XVIII.42

Autorretrato de Goya en 1815. En la poca de este autorretrato nace El tres de mayo

de 1808 en Madrid.
El momento capturado por Goya en el lienzo acaece durante la madrugada del 3 de
mayo de 1808.43 Clark indica que las vctimas y los verdugos se enfrentan en un
estrecho espacio, al afirmar que una pincelada del genio ha contrastado las actitudes
de los soldados y el objetivo irregular de sus rifles.44 La lmpara que yace en el suelo
se transforma en la fuente de luz, perceptible en la tonalidad amarillenta que muestra
el cuadro en su parte central, para toda la obra, y la mayor parte de la iluminacin
recae en los muertos localizados en la izquierda y en el fraile que reza arrodillado. As
podran cumplirse las rdenes de un implacable Murat, deseoso de venganza que
decide ejecutar a religiosos y miembros de las clases bajas en un intento por acallar la
resistencia de los espaoles.45 En el desorden que refleja el conjunto de las figuras
subyace el deseo de Goya por nicamente conmemorar a las vctimas, pero no crea un
fortsimo sentimiento patritico que ensombrezca al rey Fernando. 45
El grupo de militares erecto en el lado derecho est sumido por completo en la sombra
y aparentan formar un conjunto monoltico.46 Al observarse desde la distancia podra
parecer que las bayonetas, los uniformes y el resto de las armas se han
metamorfoseado en artefactos implacables e inmutables. Tampoco se pueden
contemplar las caras de los soldados, pero una de las vctimas reacciona horrorizada al
mirar a los soldados, convirtindose ambos gestos en una fuente inagotable de
dramatismo para la obra en especial si se admira el cuadro desde lejos. El papel de
la multitud de personas que se mantienen alejados de la ejecucin y que cargan
antorchas no se ha dilucidado, pero las dos hiptesis ms difundidas establecen que se
trata de soldados o de simples curiosos.47
Mena sugiere, a diferencia de lo planteado por Glendinning y Tomlinson, que Goya ha
recreado con maestra el enclave del sacrificio patritico con una exactitud casi
topogrfica. La historiadora sostiene que es posible identificar edificios destruidos en el
siglo XIX el cuartel del Prado Nuevo, el colegio de doa Mara de Aragn, el cuartel
del Conde Duque e incluso el palacio de Godoy. Tambin, seala Mena, se puede
reconocer, a tenor de los uniformes, a los soldados como parte del Batalln de
Marineros de la Guardia Imperial. Junto a su sable de tiros largos, los soldados llevan
tambin el capote de reglamento. Respecto a esta cuestin Mena conjetura que la
noche se haba tornado fra debido a la lluvia.
La misma estudiosa afirma que el cuadro obtiene cierto rigor histrico al pintar Goya a
un sacerdote, pues en la montaa del Prncipe Po fue el nico lugar en todo Madrid
donde esa noche se ajustici a un eclesistico, Francisco Gallego y Dvila. El conjunto
de los historiadores concuerda en destacar el aspecto fsico de los condenados,
algunos sin camisa y mal vestido. Su captura, el da anterior, se produjo durante una
jornada calurosa y soleada.
Es muy factible que La carga de los mamelucos y El tres de mayo de 1808 hayan sido
planeados como parte de una serie mayor. Tomlinson48 y Buenda49 defienden la idea de
que Goya pint cuatro leos para representar los hechos de mayo de 1808 en la capital
espaola: los dos ya conocidos, Levantamiento de los patriotas ante el Palacio
Real y La defensa del Parque de Artillera. Fuente vital para dicha teora constituyen los
testimonios de Jos Caveda, acadmico de la Real Academia de Bellas Artes de San
Fernandoque escribi en 1867 un informe en el que mencionaba otras dos pinturas
alusivas al dos de mayo por parte del aragons, y Cristbal Frriz coleccionista y
estudioso del arte goyesco que indaga sobre los ya mencionados temas de las obras
que hoy permanecen en paradero desconocido.48 Algunos estudios, como el de Janis
Tomlinson, hablan acerca de la desaparicin como una medida que reprobaba
tajantemente la representacin de la revuelta popular ofrecida por dichos cuadros de
Goya.48

La libertad guiando al pueblo, de Eugne Delacroix, 1830. Ejemplo de arte

revolucionario, del cual Goya fue pionero con El dos y el tres de mayo de 1808.50
El estudio de la pieza ha provocado reacciones divergentes. Se le considera una de las
mejores obras de la pintura de historia, pero el poco heroico carcter que muestran los
personajes del lienzo hace que muchos crticos pongan en duda su idoneidad para
representar una escena blica. El escritor Richard Schickel analiza las deficiencias
tcnicas e historiogrficas de El tres de mayo, como la colocacin en ngulos estrechos
de los soldados. Segn l, ello se aleja de ser realista, ya que Goya slo deseaba
alcanzar el reconocimiento acadmico por este cuadro y su pareja, sino reforzar el
impacto de la guerra y perdurar la memoria del levantamiento en el pueblo espaol.
Esta teora, de acuerdo a Schickel, se apoya en la carta del pintor a la regencia.
El atractivo principal de El tres de mayo consiste en el manejo de la tcnica,
apartndose de las convenciones pintoresquistas vigentes.51 El romanticismo idealiz
las obras de Goya y las tom de ejemplo, pues estaban imbuidas de la injusticia, la
guerra y la muerte; las temticas predilectas y que en su trabajo enfatizara Goya
de los artistas de dicha corriente.47 La balsa de la medusa, de Thodore Gricault, y La
libertad guiando al pueblo, de Eugne Delacroix, son ejemplos de la pintura romntica
que inspir el aragons.50

Detalle de la mano derecha de una de las vctimas, que muestra un estigma.52

El asunto que trata este cuadro, as como su estructura, tienen bases en la iconografa
tradicional del martirio en el arte cristiano. Esta cuestin se halla ejemplarizada por el
dramtico empleo del claroscuro, yuxtapuesto a la inevitable ejecucin. 52 Se puede
admirar la impronta de algunos trabajos religiosos de Jos de Ribera, con la tortura y la
muerte final como caracterstica comn, un elemento habitual en la pintura espaola
hasta el siglo XIX.53
En el centro, el hombre de camisa blanca con los brazos abiertos en el punto central
recuerda la crucifixin de Cristo, pues su postura evoca a Jess de Nazaret en el Monte
de los Olivos vase el cuadro homnimo de Caravaggio y El prendimiento de
Cristo o Cristo en el huerto de los olivos, del propio Goya.52 La figura central de nuevo
porta un estigma en la mano, muy parecida a las marcas de Cristo.52 La linterna sita en
el centro ha sido, tradicionalmente, un instrumento atribuido a la soldadesca que

prendi a Jesucristo. Sobre todo a partir del siglo XII abundan las representaciones de
los romanos que portan una linterna arrestando a Jess, y Pedro intentado frustrar
sus planes con una espada, accin que evita Cristo.

El martirio de San Bartolom, de Giovanni Battista Tiepolo.

Adems, existen en El tres de mayo algunas otras referencias al arte del cristianismo,
como la gama cromtica los principales colores que se muestran son el amarillo y el
blanco, a la sazn, los smbolos herldicos del Papa.52 A diferencia de la iconografa
cristiana, aqu no persiste el ideal de salvacin que pregona el catolicismo, sino que se
mira a la muerte como algo inevitable.
El ya mencionado recurso de la linterna surge durante los albores del barroco y es
perfeccionado por Caravaggio, usndose tradicionalmente como una metfora de la
presencia de Dios.54 De igual forma, la luz emitida por las antorchas o por un
candelabro tiene connotaciones religiosas, pero en El tres de mayo demuestra una
intencin totalmente diferente a lo hasta entonces conocido. El pelotn de fusilamiento
se mueve en penumbras, y trata, quizs, de infligir ms dolor a sus vctimas. 54
El conjunto de los fusilados permanece tan annimo como sus verdugos. Los
prisioneros ruegan a Dios, aunque no de la manera ms ortodoxa. Al sentir que sus
plegarias son desodas, los patriotas espaoles que han cado presos se dejan morir a
manos de los franceses. Es aqu donde radica el punto crucial de la falta de herosmo:
la negativa de la salvacin.
Como contrapeso a este punto Goya ha pensado en crear una apologa del martirio
vivido. Nuevamente vemos a los tres grupos de cautivos: un cadver desfigurado y
sangriento, los que en ese preciso momento son ajusticiados y los que pronto lo sern.
Para Licht en Goya el martirio individual carece de sentido, lo que en el pintor ser la
gnesis de toda una ejecucin masiva.52 55
El italiano Giovanni Battista Tipolo es autor de una de las obras ms violentas y que
supuran ms dramatismo en todo el barroco: El martirio de San Bartolom. Es muy
probable que la hiptesis mencionada por Glendinning relativa a que Goya debi de

haber visto el cuadro en cuestin durante su viaje a Italia en 1771 sea verdica. 56 As
lo sostienen otros autores como Chantal Eschenfelder.57 En todo caso, ambos lienzos
irradian terror y merced a ello se convirtieron en piezas aclamadas por sus
contemporneos.
La manera de pintar retratos colectivos que Goya utiliza tiene un precedente en
la historia del arte occidental, mas siempre se presentaba como una vctima que es
asesinada en solitario.58 Los fusilamientos en la montaa del Prncipe Po ofrece una
visin menos catrtica al crear una procesin de condenados que mueren uno tras otro.
La esttica de lo Sublime ha quedado atrs, de forma que no hay posibilidad alguna de
resurreccin.50 El efecto que Goya desea producir en el espectador es que el
patriotismo est antes de todo, incluso que la muerte.55
Al creer que sujeto y sufrimiento estn ntima e indisolublemente ligadas, Goya no
hace ni el ms mnimo intento por amortiguar su composicin.59 La pincelada carente
de atractivo y a los colores sangrientos, circunscritos slo a la oscuridad, 60 originan una
de las composiciones goyescas ms fuertes y llenas de dramatismo, superada
nicamente por las Pinturas negras.59

LAS DOS FRIDAS

Las dos Fridas es un cuadro al leo de Frida Kahlo pintado en 1939. Esta obra
constituye un autorretrato doble de la artista, en la cual se duplica su imagen a manera
de espejo y tomada de la mano, pero con diferente vestimenta. Ambas figuras se
encuentran sentadas sobre un banco verde tejido y en el fondo se observa un cielo
grisceo. Es de acuerdo a Seeman (2004) su cuadro ms famoso. 1 2
Creacin[editar]
En 1939, Frida haba estado viviendo durante ms de seis meses entre Nueva York y
Pars debido a sus exposiciones individuales y tras haber alcanzado el reconocimiento
de los artistas ms destacados de la poca en Europa. A su regreso a Mxico, la
tristeza invadi a la artista debido al rompimiento de su matrimonio con el tambin
pintor Diego Rivera, formalizando el divorcio el 6 de noviembre de 1939 en vsperas de
la segunda guerra mundial y sumado al aumento de sus dolores fsicos, fueron el
motivo para realizar esta obra.1

Frida Kahlo pint este doble autorretrato mientras se tramitaba su divorcio con Diego
Rivera. Es un lienzo enorme (las figuras son casi de tamao natural) y como todas sus
obras, simboliza lo que estaba viviendo en ese momento.
Frente a un fondo tormentoso, dos Fridas gemelas, agarradas de la mano, comparten
un banco verde. La de la derecha es la Frida amada por Diego y la de la izquierda es la
Frida que el pintor ha rechazado. Las dos tienen el corazn a la vista, expuesto y
vulnerable, pero el de la Frida de blanco est adems roto. Los vestidos que llevan las
dos permiten a la artista reivindicar sus races europeas e indgenas (su madre, Matilde
Caldern, era mexicana y su padre, Guillermo Kahlo, era de origen alemn). La Frida
rechazada lleva un vestido de novia estilo colonial, parecido al que llevaba su madre

cuando se cas con su padre (podis verlo en este cuadro: http://bit.ly/1pNdGbb), y la

segunda Frida lleva el traje regional de tehuana, el tipo de indumentaria que empez a
utilizar cuando se cas con Diego.
Las dos mujeres comparten la misma sangre, que pasa de un corazn a otro a travs
de una larga vena. Del corazn de la Frida tehuana, sale otra vena que se le enrosca
por el brazo y acaba en la miniatura que sujeta en la mano. Es un diminuto retrato de
Diego, que hizo a partir de una fotografa de cuando era nio. Sin embargo, la vena que
sale del corazn de la Frida rechazada est cortada. A pesar de que ella intenta detener
la hemorragia con unas pinzas, la sangre sigue saliendo, manchando su vestido blanco
(las gotas se confunden con las flores bordadas de la falda). Gracias a una frase que
escribi en su diario, dedicada a Diego, podemos saber qu significaba este cuadro
para ella: Mi sangre es el milagro que viaja por las venas del aire, de mi corazn al
tuyo. Al separarse de Diego, Frida se desdobla en la mujer que era antes de conocerle
(la Frida de blanco, ms europea) y la mujer que era cuando estaba con l (la Frida
tehuana). La ruptura ha cortado la vena que la una orgnicamente a Diego (la
miniatura) y por mucho que intente contener la sangre, smbolo de su amor por l, sta
continuar brotando, hasta desangrarla por completo.
LA ULTIMA CENA DA VINCI

Anlisis[editar]
Leonardo ha escogido, puede que a sugerencia de los dominicos, el momento quiz
ms dramtico. Representa la escena de la ltima Cena de los ltimos das de la vida
de Jess de Nazaret segn narra el Nuevo Testamento. La pintura est basada
en Juan 13:21, en la cual Jess anuncia que uno de sus doce discpulos le traicionar.
Llegada la hora, Jess se sent a la mesa con los apstoles y les dijo Yo tena gran
deseo de comer esta pascua con vosotros antes de padecer. Porque os digo que ya no
la volver a comer hasta que sea la nueva y perfecta Pascua en el Reino de Dios,
porque uno de vosotros me traicionar.23

La ltima cena, detalle de la mesa, con sta y el plato en perspectiva.

La afirmacin de Jess uno de vosotros me traicionar causa consternacin en los
doce seguidores de Jess, y ese es el momento que Leonardo representa, intentando
reflejar "los movimientos del alma", las distintas reacciones individualizadas de cada
uno de los doce apstoles: unos se asombran, otros se levantan porque no han odo
bien, otros se espantan, y, finalmente, Judas retrocede al sentirse aludido.
Aunque se basa en las representaciones precedentes de Ghirlandaio y Andrea del
Castagno, Leonardo crea una formulacin nueva. Como puede verse en el dibujo
preparatorio, Leonardo pens inicialmente en la composicin clsica, con Judas delante
de la mesa, y los otros once apstoles enfrente, con Jesucristo en el medio como uno
ms. Leonardo se apart de esta tradicin iconogrfica e incluye a Judas entre los
dems apstoles, porque ha elegido otro momento, el posterior a su anuncio de que

uno lo traicionar. Leonardo cambi la posicin de Jesucristo, que inicialmente estaba

de perfil hablando con Juan Evangelista, que parece en pie a su lado, (hay otro apstol
que tambin estaba de pie), y lo sita en el centro, hacia el que convergen todas las
lneas de fuga, destacando an ms al perfilarse contra el ventanal del centro,
rematado con un arco y separndolo de los apstoles. A ambos lados de Jesucristo,
aislados en forma de tringulo y destacados con colores rojo y azul, estn los
apstoles, agrupados de tres en tres.24
La mesa con los trece personajes se enmarca en una arquitectura clsica representada
con exactitud a travs de la perspectiva lineal, concretamente central, de manera que
parece ampliar el espacio del refectorio como si fuera un trampantojo salvo por la
diferente altura del punto de vista y el monumental formato de las figuras. Ello se logra
a travs de la representacin del pavimento, de la mesa, los tapices laterales, las tres
ventanas del fondo o, en fin, los casetones del techo. Esta construccin en perspectiva
es lo ms destacado del cuadro.
La escena parece estar baada por la luz de las tres ventanas del fondo, en las que se
vislumbra un cielo crepuscular, de igual manera que por la luz que entrara a travs de
la ventana verdadera del refectorio. Dicha luminosidad, as como el fresco colorido, han
quedado resaltados a travs de la ltima restauracin. Los doce Apstoles estn
distribuidos en cuatro grupos de tres. Ello sigue un esquema de tradas platnicas, de
acuerdo a la escuela florentina de Ficino y Mirandola. Analizando de izquierda a
derecha, en la segunda trada se encuentra Judas, cuya traicin rompe la trada,
colocndole fuera de ella. La tercera trada desarrolla la teora del amor platnico. El
amor es el deseo de la belleza, la esencia de Dios es amor y el alma va hacia su amor
embriagada de belleza. En la cuarta trada se observa a Platn, Ficino y quiz al propio
Leonardo; trata del dilogo filosfico que lleva a la verdad de Cristo.
En la obra, los discpulos y Jess aparecen sentados y detrs de ellos se puede apreciar
un paisaje como si fuera un bosque o incluso como si fuera
el paraso.25 Los apstolesse agrupan en cuatro grupos de tres, dejando a Cristo
relativamente aislado. De izquierda a derecha segn las cabezas,
son: Bartolom, Santiago el Menor y Andrs en el primer grupo; en el segundo Judas
Iscariote con pelo y barba negra, Simn Pedro y Juan, el nico imberbe del grupo;
Cristo en el centro; Toms, Santiago el Mayor y Felipe, tambin sin barba en el tercer
grupo; Mateo, aparentemente sin barba o con barba rala, Judas Tadeo y Simn el
Celote en el ltimo. Todas las identificaciones provienen de un manuscrito autgrafo de
Leonardo hallado en el siglo XIX.

Bartolom, Santiago el Menor y Andrs.

Judas Iscariote, Simn Pedro y Juan.

Toms, Santiago el Mayor y Felipe.

Mateo, Judas Tadeo y Simn Zelote.

En la obra tambin se puede notar que entre Pedro Simn y Judas Iscariote se ve una
mano sosteniendo un cuchillo, de lo cual Bruce Boucher, del New York Times,
argumenta:
El dibujo preliminar y las copias posteriores de La ltima Cena demuestran que la
mano y el cuchillo pertenecen a Pedro y segn una cita en el Evangelio segn San Juan,
Pedro sac la espada en defensa de Jess contra el enemigo, quien en ese momento
entregaba a Dios con un beso.26
En la pintura, segn fuentes, Leonardo se autorretrat como San Judas Tadeo, lo cual es
una objecin hacia la obra. Tambin, si la miran con detalle, en la mesa el nico
utensilio que se logra ver es el que aparece entre Pedro Simn y Judas, el que nos deja
una duda sobre el motivo por el cual hay un cuchillo en la cena donde se nombra la
traicin.3

EL NACIMEINTO DE VENUS

Nombre del artista: Sandro di Mariano Filipepi, conocido como Botticelli

http://es.wikipedia.org/wiki/Sandro_Botticelli
Nacionalidad del artista: Italiano
Tipo de pintura: tempera
Dnde puedo ver esta obra: Galeria Uffizi, Florencia, Italia
Quin es Botticelli?

El verdadero nombre de este artista era Alessandro di Mariano Filipepi. A lo mismo que
sus hermanos se los apodaba como Boticcelli, lo que significaba pequeos barriles en
Italiano, despus de su hermano mayor, quien fue un exitoso hombre de negocios en
la venta de barriles. Su apodo casi ciertamente aludi a su riqueza ms que su
estatura.
Sandro Botticelli fue el principal pintor italiano en Florencia en la segunda mitad del
siglo 15. Su estilo era muy refinado y femenino. Sus principales patrones fueron la
dinasta Medici para quien este artista realiz muchas obras como retablos, porta
retratos, alegoras y banderas.
Porqu es tan famosa esta pintura?
Esta obra fue la primera pintura hecha en gran escala en el tiempo del renacimiento
con un motivo exclusivamente secular y mitolgico. Esta es considerada una de las
pinturas mas famosas en la historia del arte. Celebra la idea fundamental de la
apariencia de la belleza en la tierra. Aqui encontramos representados los tres
elementos esenciales de la materia: aire, tierra y agua.
El nacimiento de Venus retrata uno de los ms pintorescos mitos clsicos que nos
transporta en un mundo de sueos y poesa. Antiguamente el nico cuerpo desnudo
femenino pintado por muchos artistas haba sido EVA. Sus tpicas escenas incluan la
famosa serpiente que la tentaba o expulsaba del paraso por desobedecer a Dios. Su
desnudo se asociaba mas a un acto de vergenza del pecado original. En El
nacimiento de Venus, por primera vez, se muestra lo opuesto. Venus se encuentra
radiante y su imagen esta llena de vitalidad. Boticcelli invita a sus espectadores a
considerar una armona entre la mente y el cuerpo.
Les describo esta escena.

Aqui vemos una Diosa Venus transportada sobre las aguas en una concha gigantesca.
Venus se encuentra en el centro, a su derecha una pareja formada por Cfiro y su
consorte Cloris. A su izquierda se encuentra la Hora Primavera. Observamos como
desembarca en la playa de una de las islas Chipre, Pafos o Citerea donde hay un
naranjal mientras una lluvia de rosas caen a su alrededor y es empujada por el soplo
de los dioses.
El nacimiento de esta Diosa representa el alma en el camino de la encarnacin de los
reinos espirituales. Venus montando una concha representa el acto mismo de la
encarnacin y esperar ser cubierta por una tnica roja simboliza que obtendr un
cuerpo material. En pocas palabras, el nacimiento de Venus alegricamente ilustra el
misterio de nuestro nacimiento. El renacimiento a la vida por el Bautismo del cristiano.
Quines son cada personaje y qu simbolizan?

VENUS : Venus es su nombre romano; los griegos la llamaban Aphrodita. Ella es

la diosa del amor, belleza, risa y matrimonio. Venus trae belleza al mundo y por lo
tanto los que aman la belleza persiguen valores que son elevados e incluso celestiales.
Una de las mas importantes diosas de la antigedad.
CEFIRO: tambin conocido como el hijo de Aurora ( el alba ) es el Viento del
Oeste.
CLORIS: Ella era la ninfa de la brisa, consorte de Cfiro. Su nombre tambien
significa plido. Los romanos la apodaron Flora, pero tambien la han identificado con
Aura, diosa de la brisa.
PRIMAVERA: una de las diosas de las estaciones. La estacin del renacer.

VENUS:
Quin era la modelo de Venus?

Simoneta Vespucci fue una musa italiana del renacimiento, esposa de Marco Vespucci
de Florencia, familiar de Amrico Vespucio. Pintada por Botticelli en varias ocasiones,
fue la familia Vespucci que la di a conocer al mundo. Muchos pintores en Florenica
quedaron locos con ella y desearon usarla como modelo. Entre stos, los hermanos
Lorenzo y Giuliano, de la familia de los gobernantes Medici.

En mitologa, Venus-Afrodita naci de la espuma de mar. La teologa romana

presenta a Venus como el principio de rendimiento, esencial para la generacin y el
equilibrio de la vida. Ella puede dar la victoria militar, el xito sexual, la buena fortuna
y prosperidad.

Venus se encuentra en la pose llamada contrapuesto ( contrapposto ) que es

mucho mas elegante que si la modelo estuviera parada con ambos pies juntos y
derechos en el suelo.

La pose de la Venus de Botticelli es una reminiscencia de una Venus de la

coleccin Medici. Una escultura de mrmol de la antigedad clsica que Botticelli tuvo
oportunidad de estudiar. En ambas obras , Venus oculta sus senos y la zona genital con
sus brazos.

En El Nacimiento de Venus, ella no cubre mas de lo que cubrira un pequeo

bikini. Sin embargo, el movimiento de su brazo le trae a la vida y permite que el artista
ponga sus manos en una posicin realista.

De ojos sonadores y tmidos mirando hacia ningn lugar en particular.

Su mente est en otro lado como si recordara el lugar lejano de donde proviene.

Completamente desnuda porque acaba de nacer. Este es un nacimiento inusual

porque es el nacimiento de una diosa. Segn la leyenda Venus ya era una adulto
cuando naci.

Venus casi siempre es mostrada desnuda porque ella es un ser sobrenatural.

Nada puede afectar ni lastimarla como lo hara el fro o alguna otra cosa a un ser
humano.

Boticelli quiso mostrarnos en la expresin soadora de Venus que no basta con

reconocer cuan hermosa era sino que tambin tenemos que entender que su belleza
viene de otro mundo. Un mundo que no podemos conocer o entender, donde todo debe
ser perfecto como lo es ella.
Qu significa la inmensa concha en la que descansa Venus?

Los caracoles han sido siempre considerandos como smbolos de la fertilidad femenina.
El dorso de la cscara se asemeja a un vientre de embarazada, y la parte inferior de la
cscara se asemeja a una vulva. La concha, como smbolo de Venus, significa el
renacer de una persona, su resurreccin; es decir,la muerte o superacin del
ego(egosmo y egocentrismo) para dar paso al autntico yo (sencillo y humilde).
Esta gran concha es conocida como La Concha del peregrino porque en la Edad
Media, una de las peregrinaciones cristianas ms importantes era la que se realiz al
el santuario del apstol Santiago de Compostela, en Espaa. A partir de aqu se
desarrollaron una de las leyendas donde se sostiene que la ruta del Camino de
Santiago era una especie de encuentro con sus orgenes, imprescindible en el ser
humano para su propia supervivencia. La ruta tena ya un significado devoto y
penitencial, en cierta manera un encuentro cotidiano con Tierra Sagrada.

Segn la leyenda, el apstol Santiago El Mayor (muerto en Jerusaln en el 44 DC) fue

enterrado all. La concha es el smbolo de la direccin del camino de Santiago a su
paso por la ciudad de Len. Este peregrino tambin llev una concha con l en su
vestimenta. Por esta razn,se convirti en costumbre que los peregrinos, que
caminaban por varios das y horas, recogan a su paso las conchas de la orilla del mar
para demostrar que no haban renunciado a lo largo del camino. Ah es donde viene el
nombre de concha de Santiago ( concha del peregrino).

Una versin alternativa de la leyenda sostiene que, si bien los restos del apstol
Santiago estaban siendo transportados a Galicia (Espaa) de Jerusaln, el caballo de un
caballero cay al agua, y emergi cubierto en conchas.
CEFIRO y CLORIS:

A la izquierda del cuadro observamos los primeros dos personajes de esta obra. Cefiro
es conocido como el Viento del Oeste. El es la suave brisa de la primavera que impulsa
a Venus a la orilla. Aqui lo vemos entrelazado con la diosa Cloris a quien la haba
secuestrado. Ellos simbolizan la unin de la materia y del espiritu.
Cmo la secuestr a Cloris?
La ninfa Cloris fue secuestrada por Cfiro en el jardn de las Hesperides. Cfiro se
enamor de su victima y ella consinti convertirse en su esposa. De esta manera la
ninfa subi su rango a diosa. Asi fu como esta nueva diosa sostena el perpetuo
dominio sobre las flores.
Qu significaban las rosas?

De acuerdo a la mitologa antigua , la rosa fue creada al mismo tiempo que el

nacimiento de la diosa del amor. La rosa con su exquisita fragancia y belleza, es el
smbolo del amor. Sus espinas nos recuerdan que el amor puede ser doloroso.
Porqu esta pareja tiene diferentes colores de piel?

Primero les comento que esta no es una pintura cristiana, por lo tanto no existen
ngeles. Esta pareja tienen alas porque viven en el cielo. Boticcelli quiso diferenciar
dos tipos de vientos de diferente fortaleza. Por esta razn, los pint como un hombre y
una mujer. Tradicionalmente las figuras masculinas se pintaban con una piel mate ms
oscura como si hubieran sido bronceadas por el sol. Las mujeres se mostraban
usualmente con una piel mas clara como si siempre se protegan del sol. Asi es como
aparecen mas suaves, delicadas y frgiles.
Cmo definan su fortaleza?
Como ellos son conocidos como los Vientos, se encuentran soplando hacia Venus para
que ella pueda llegar a la orilla. Los soplos de aire dibujados por Boticelli eran lineas
blancas mas marcadas. Un soplo de aire ms fuerte para Cfiro que para Cloris. El
soplo de Cfiro alcanza a levantar el pelo de Venus y la tnica roja que trae una de las
Horas.
HORA PRIMAVERA:

Ella era una de las tres gracias, que eran las tradicionales compaeras de
Venus. En su vestimenta asi como en la tnica que trae se encuentran dibujadas
muchas flores primaverales porque Venus naci en la primavera.

Esta Hora se encuentra en las puntas de sus dedos de los pies, para no perderse
la llegada de Venus. Con su brazo levantado y lista para poner la capa sobre sus
hombros.

Su traje es blanco y est bordado de acianos**. Un cinturn de rosas ( la flor de

Venus ) rodea su cintura y en el cuello luce una elegante guirnalda de mirto *** ( la
planta de Venus ). Entre sus pies florece una anmona azul **** que refuerza la idea de
la llegada de la primavera.
Para terminar, observemos las olas del mar..
En esta pintura no podemos esperar que la naturaleza sea el tema principal porque
Boticelli no necesitaba hacer una fiel replica del mar. Aprovechando la necesidad de
imitar unas olas reales, fue creando un patrn de V formas. Todas ellas muy estilizadas
que a medida que se alejaban en la distancia, se reducan en tamao y al acercarse a
los pies de la concha cambiaban su forma.
Una mirada general del cuadro nos muestra.

Toda la pintura esta baada por un resplandor dorado que muestra un mundo
transformado por la belleza de Venus. Todo el cuadro fue pintado usando colores claros
y suaves. La piel de Venus es muy parecida al color de las perlas. Aqui Venus aparece
como una estatua hecha de puro mrmol mas que de carne.
La parte derecha del cuadro es mas oscura pero todo sugiere que la presencia de
Venus har que esa sombras desaparezcan.

Vocabulario:
pdica: En latn significa casta, virtuosa y modesta
acianos: El aciano o azulejo (Centaurea cyanus) es una planta hernacea anual o
bienal de la familia de las asteraceas.
mirto: Flores axilares, blancas, fragantes y muy olorosas .Se cultiva desde la
antigedad por sus flores y sus hojas aromticas y se la consideraba el smbolo del
amor y la belleza.
anmonas: Son animales ssiles que se fijan al substrato marino, ya sea la arena del
fondo.
EL ABRAZO GLZ CAMRENA

El abrazo es una obra pictrica del artista mexicano Jorge Gonzlez Camarena de 1980 que
se conserva en el Museo Soumaya de la Ciudad de Mxico. El autor hered el cuadro a su
hijo Jorge Gonzlez Camarena Barre de Saint-Leu, y en octubre de 2013 la obra fue vendida a
a Fundacin Carlos Slim.

Es una pintura de caballete ejecutada en acrilico sobre lino, aunque anteriormente se pens
que estaba realizada en leo sobre lienzo1 , que mide 200 x 140 cm. Fue realizada a partir del
mural La fusin de dos culturas, anteriormente llamado La conquista, conservado en el Museo
Nacional de Historia, y que el mismo autor rebautiz.
La obra fue pintada en 1980, veinte aos despus de la obra mural, en esta versin el autor
suprime el caballo, dejando al caballero guila y al conquistador espaol arrodillados uno
frente al otro, en un mismo nivel en un abrazo mortal.2 Su nombre, El abrazo, hace una
metfora de la conquista; donde el artista contrapone dos ideas; por un lado dos culturas que
se encuentran, se abrazan y se fusionan; por otro lado, el choque de dos cosmoviosiones que
al encontrarse se destruyen. De este origen, proviene la raza mexicana. 2
ARNULFO Y SU ESPOSA JAN VAN EYCK

El Retrato de Giovanni Arnolfini y su esposa es un cuadro del pintor flamenco Jan van
Eyck; fechado en 1434, representa al rico mercader Giovanni Arnolfini y a su esposa Jeanne
Cenami, que se establecieron y prosperaron en la ciudad de Brujas(hoy Blgica),
entre 1420 y 1472. Al da de hoy, los historiadores del arte discuten exactamente la imagen
que el cuadro presenta; la tesis durante mucho tiempo dominante, introducida por Erwin
Panofsky en un ensayo de 1934, sostiene que la imagen corresponde al matrimonio de
ambos, celebrado en secreto y atestiguado por el pintor. Sin embargo, muchas otras
interpretaciones se han propuesto acerca del cuadro, y el consenso actual es que la teora de
Panofsky es difcilmente sostenible.
En todo caso, la pintura desde 1842 en la National Gallery de Londres tras desaparecer
misteriosamente en 1813 del Palacio Real de Madrid se considera una de las obras ms
notables de van Eyck. Es uno de los primeros retratos de tema no hagiogrfico que se
conservan, y a la vez una informativa escena costumbrista. La pareja aparece de pie, en su
alcoba; el esposo bendice a su mujer, que le ofrece su mano derecha, mientras apoya la
izquierda en su vientre. La pose de los personajes resulta teatral y ceremoniosa,
prcticamente hiertica; algunos especialistas ven en estas actitudes flemticas cierta
comicidad, aunque la extendida interpretacin que ve en el retrato la representacin de una
boda atribuye a ello su aire pomposo.
ndice
[ocultar]

1El estilo

2El verdadero contenido de la obra

o

2.1El realismo

2.2El simbolismo

2.3La controversia

3Contexto
o

3.1Identificacin del estilo

3.2Identificacin de la obra

3.3Identificacin del autor

3.4Relacin de la obra con su poca histrica

3.5Incidentes sufridos por la pintura

4Referencias

5Enlaces externos

El estilo[editar]
La obra es un fiel reflejo de las caractersticas estilsticas de los primitivos flamencos y, sobre
todo, es un compendio del estilo de su autor.[cita requerida] En su composicin sobresalen:

La minuciosidad. Al ser una pintura concebida para la exhibicin domstica, lo que

permite verla de cerca, los detalles se plasman con una escrupulosidad microscpica, slo
posible gracias al empleo del leo y de plumillas especiales. Por ejemplo, en el espejo del
fondo en cuyo marco estn representadas diez escenas de la Pasin de Cristo se
refleja toda la habitacin vista desde atrs, incluyendo todo el mobiliario, el matrimonio,
otras dos personas y el ventanal con una vista de Brujas.

El deleite en la reproduccin de objetos. Los flamencos se enorgullecen del bienestar

material que han logrado, de sus pequeas posesiones, y las representan en sus obras: la
lmpara, los muebles finamente labrados, la ropa, etc. En esta obra aparecen, adems,
otros objetos aparentemente injustificados; la tesis de Panofsky se apoya en alto grado en
ellos.

El naturalismo. Van Eyck se preocupaba mucho por representar la realidad con la

mayor exactitud posible, aunque al ojo moderno la imagen parezca escasamente realista
por la actitud hiertica de los retratados incluso el perro. El movimiento es nulo en la
imagen; las formas tienen una solidez escultrica, y la escena, en general, es rgida,
teatral y poco espontnea.

La preocupacin por la luz y la perspectiva, propias de van Eyck, que en ello se

adelant a su tiempo: la luz que penetra por la ventana es suave y envuelve las formas
delicadamente, la claridad se disuelve, poco a poco, en una atmsfera tangible; el marco
arquitectnico y el recurso del espejo del fondo dan una sensacin de profundidad muy
verosmil. El propio Velzquez se inspir en esta obra al pintar Las Meninas.

El verdadero contenido de la obra[editar]

Los protagonistas

Giovanni de Arrigo Arnolfini, rico comerciante italiano (oriundo de Lucca), afincado en Brujas hacia 1421.
Desempe cargos de importancia en la corte de Felipe el Bueno, duque de Borgoa, a cuyo
archiducado pertenecan entonces los Pases Bajos.

Jeanne o Giovanna Cenami proceda de una acaudalada familia italiana que viva en Pars. Su
matrimonio se haba concertado con sumo cuidado, pero por desgracia no result como se esperaba: no
tuvieron hijos y, aos despus, Arnolfini fue llevado a los tribunales por una amante despechada que
buscaba compensacin.

El realismo[editar]

Llama la atencin el realismo ptico basado en la minuciosidad microscpica y en una

magistral captacin de la luz y la perspectiva, la quietud y, sobre todo, el orgullo por el
bienestar material que han logrado, y por sus pequeas posesiones: la lmpara, los muebles
finamente tallados, la ropa ste es un aspecto muy llamativo en esta obra, ya que aparecen
infinidad de objetos sin motivo aparente.

El simbolismo[editar]
Pero, gracias, precisamente, a estos pequeos objetos, propios de una sociedad que vive en
la opulencia, el experto en Historia del Arte, Erwin Panofsky, logr desvelar el significado de
este cuadro, el cual interpreta como una alegora del matrimonio y de la maternidad. Para ello,
nos desvela el sentido de multitud de detalles que, aparentemente, carecen de importancia,
pero que dan una nueva dimensin al cuadro. Algunos de estos pormenores son:

En primer lugar, la representacin de los esposos, que es antagnica y revela los

diferentes papeles que cumple cada cual en el matrimonio. No olvidemos que hablamos
de una sociedad de hace ms de 500 aos, a caballo entre la Edad Media y la Edad
Moderna: l es severo, bendice o, quiz, jura (fides levata) en cualquier caso, ostenta el
poder moral de la casa (potestas) y sostiene con autoridad la mano de su esposa (fides

manualis), que agacha la cabeza en actitud sumisa y posa su mano izquierda en su

abultado vientre, seal inequvoca de su embarazo (que no es real), que sera su
culminacin como mujer. Las mismas ropas que llevan refuerzan este mensaje, a pesar de
que la ambientacin sugiere un tiempo veraniego o, cuando menos primaveral, lleva
pesadas tnicas que revelan su alta posicin socioeconmica. El tabardo de l es oscuro y
sobrio (aunque los remates de piel de marta resultaban particularmente caros), y ella luce
un ampuloso vestido, de colores vivos y alegres, con puos de armio (complementados
con un collar, varios anillos y un cinturn brocado, todo de oro). Hay, en segundo lugar,
multitud de objetos que aparecen sin justificacin aparente, si bien todo lo que contiene el
cuadro proclama la riqueza de la joven pareja, desde la ropa y los muebles hasta la fruta
en el alfizar de la ventana. Lo cierto es que esta pareja parece haber recopilado objetos
de muchos pases de Europa: Rusia, Turqua, Italia, Inglaterra, Francia... Sin duda,
Arnolfini, rico mercader, trab amistad o negocios con empresarios de toda Europa. Como
se sabe, Brujas, donde se instal Giovanni, era un hervidero de burgueses de todas
partes; y este mercader que protagoniza el cuadro se jactara de sus relaciones con todos
ellos. En definitiva, lo cierto es que todos tienen un significado ntido que da una nueva
dimensin a la obra:

Las naranjas, importadas del sur, eran un lujo en el norte de Europa por lo que
simboliza la riqueza de la familia y la prosperidad econmica que les aguarda, o quizs
aluden al origen mediterrneo de los retratados. Conocidas en el norte como "manzanas
de Adn", representaban adems la fruta prohibida del edn (quiz sean una evocacin
del paraso perdido), en alusin al pecado mortal de la lujuria, probable motivo de la

prdida de la gracia. Los instintos pecaminosos de la humanidad se santifican mediante el

ritual del matrimonio cristiano.

La cama tiene relacin, sobre todo en la realeza y la nobleza, con la continuidad

del linaje y del apellido. Representa el lugar donde se nace y se muere. Los tejidos rojos
simbolizan la pasin adems de proporcionar un poderoso contraste cromtico con el
verde de la indumentaria femenina. En todo caso, era costumbre de la poca, en las
casas acomodadas de Borgoa, colocar una cama en el saln donde se reciban las
visitas. Aunque, generalmente, se usaba para sentarse, ocasionalmente, era tambin el
lugar donde las madres recin paridas reciban, con su beb, los parabienes de familiares
y amigos.

La fruta

La cama

La alfombra

Los zuecos

La alfombra que hay junto a la cama es muy lujosa y cara, procedente de Anatolia,
otra muestra de su fortuna y posicin.1

Los zuecos esparcidos por el suelo ellos van descalzos representan el vnculo
con el suelo sagrado del hogar y tambin son seal de que se estaba celebrando una
ceremonia religiosa. La posicin prominente de los zapatos es tambin relevante: los de
Giovanna, rojos, estn cerca de la cama simbolizando que era la encargada del hogar; los
de su marido, ms prximos al mundo exterior, simbolizan que es l el encargado de
trabajar para llevar la prosperidad econmica a la casa. En aquel tiempo se crea que
pisar el suelo descalzo aseguraba la fertilidad.

Los rosarios eran un presente habitual del novio a su futura esposa. El cristal es
signo de pureza, y el rosario sugiere la virtud de la novia y su obligacin de ser devota.
Tambin el cristal del espejo alude a la pureza del sacramento del matrimonio (speculum
sine macula).

El espejo es uno de los mejores ejemplos de la minuciosidad microscpica

conseguida por van Eyck (mide 55 centmetros y cada una de las escenas de la pasin
que le rodean mide 15 centmetros), y enlaza con el siguiente asunto. En torno al espejo
se muestran 10 de las 14 estaciones del Va Crucis (las paradas del camino de Cristo
hasta su muerte en el Glgota). Su presencia sugiere que la interpretacin del cuadro
debe ser cristiana y espiritual en igual medida que legal y recuerda el sacrificio que tienen
que soportar los esposos. Por cierto que estos pequeos espejos convexos eran muy
populares en aquella poca; se llamaban brujas y se usaban para espantar la mala
suerte. A menudo se encontraban junto a ventanas y puertas, para buscar efectos
lumnicos en las estancias. Que se sepa, sta es la primera vez que se usan como

recurso pictrico. La idea tuvo mucho xito y fue imitada, como hemos visto. El
experto Craig Harbison ve en el espejo el centro de gravedad de todo el cuadro; es lo que
ms nos llama la atencin: una especie de crculo mgico calculado con increble
precisin para atraer nuestra mirada y revelarnos el secreto mismo de la historia del
cuadro: But there's the key!.

La lmpara slo tiene una vela, que simboliza la llama del amor era costumbre
flamenca encender una vela el primer da de la boda. Pero tambin recuerda
la candelaque luce siempre en el sagrario de la iglesia, la permanente presencia de Cristo.

La lmpara

El vestido

Santa Margarita

El perro

Giovanna lleva un elegante vestido verde (el color de la fertilidad), propio de un retrato
de aparato y un cuadro de boda. No est embarazada, su postura se limita a delatar el
vientre, que entonces se tena por una de las partes ms bellas del cuerpo. Tambin cabe
pensar que su pose y la exagerada curvatura del vientre sugieran su fertilidad y deseada
preez que nunca result.

En el cabezal de la cama se ve la talla de una mujer con un dragn a los pies.

Es probable que sea Santa Margarita, patrona de los alumbramientos, cuyo atributo es el
dragn; pero por la escobilla que hay al Lado podra ser Santa Marta, patrona del hogar,
que comparte idntico atributo.

El perro pone una nota de gracia y desenfado en un cuadro que es, por lo dems, de
una apabullante solemnidad. El detallismo del pelo es toda una proeza tcnica. En los
retratos, los perros suelen simbolizar, como aqu, la fidelidad y el amor terrenal.

Los nicos que faltaran son el sacerdote y el testigo, necesarios en todas las bodas, pero
ambos personajes aparecen reflejados en el espejo, junto a la pareja: un clrigo y el propio
pintor, que acta como testigo, y que, con su firma, no slo reclama la autora del cuadro, sino
que testifica la celebracin del sacramento: Johannes de Eyck fuit hic 1434(Jan van Eyck
estuvo aqu en 1434). El cuadro sera, por tanto, un documento matrimonial. No obstante, es
tambin un cuadro evidentemente intemporal porque se refiere simultneamente a hechos
que tienen lugar dentro del matrimonio, pero en fases diversas a lo largo del tiempo.

Al margen del significado metafrico, cabe preguntarse cul es el motivo de ese espritu
ilusionista, de ese deseo de reproducir con prodigiosa fidelidad la epidermis del mundo.
Sabemos que las obras flamencas estaban ideadas para ser vistas de cerca; asimismo
mostraban el orgullo que senta la alta sociedad flamenca por sus ciudades, por sus viviendas
y por sus objetos, pero estas razones, con ser aceptables, no llegan al fondo de asunto. En
este sentido, es una creencia extendida que Jan van Eyck despliega en sus cuadros un himno
a la naturaleza; de ah que estn poblados de smbolos que se descifran con placer. El ms
mnimo detalle, una brizna de hierba, por ejemplo, nos recuerda la obra divina; es, pues, un
modesto homenaje del pintor a la belleza natural. Es un sentimiento positivo que
probablemente Jan van Eyck comparti con la alta sociedad flamenca y que est en el espritu
prehumanista de la Baja Edad Media.

LA ESCUELA DE ATENAS

Nombre del artista: Rafael Sanzio

http://es.wikipedia.org/wiki/Rafael_Sanzio
Nacionalidad del artista: Italiano
Tipo de pintura: Pintura al fresco
Dnde se encuentra esta obra? Museos Vaticanos Ciudad del Vaticano,
Roma.
Una breve descripcin de este artista. Rafael Sanzio

Arquitecto y pintor del Alto Renacimiento. La escuela de Atenas, es considerada

una de sus obras cumbre. La mayor parte de su trabajo est alojado en los Museos
Vaticanos. Los proyectos en el Vaticano ocuparon la mayor parte de su tiempo,
pero aun as pint algunos retratos donde mostr una gran medida de gracia y
armona.
Las composiciones de Rafael han sido siempre admiradas y estudiadas, y se han
convertido en una joya del arte acadmico. Rafael fue patrocinado por el Papa
Julio II y su sucesor Len X, quien lo nombr como arquitecto papal en 1514.
Qu son las estancias de Rafael?
Las Estancias de Rafael (en italiano, Stanze di Raffaello) son cuatro habitaciones o
salas situadas en el segundo piso del Palacio Apostlico (Ciudad del Vaticano).
Fueron decoradas con frescos de este pintor y sus discpulos en el periodo entre
1508 y 1524.
Cmo se llamaban estas salas?
Sus nombres eran: Estancia de la Signatura I, Estancia de la Signatura II, Estancia
del Incendio del Borgio, La Sala de Heliodoro y La Estancia de Constantino.
Dnde se encontraba La Escuela de Atenas ?

Esta obra se encuentra en la habitacin llamada la Estancia de la Signatura I. Esta

habitacin fue utilizada como biblioteca y el lugar donde el Papa Julio II firm los
decretos del tribunal eclesistico.
Existen cuatro temas ( uno en cada pared ): filosofa, teologa, poesa y el derecho.
En esta ocasin hablar de la obra que ilustra la filosofa, la cual contiene
muchas imgenes de algunos de los ms grandes exponentes de esa disciplina.
Qu es La Escuela de Atenas ?
Rafael situ la Escuela de Atenas en un templo romano dominado por la
perspectiva. Orden una composicin rtmica con bvedas de un edificio enorme,
una especie de templo de la sabidura que recuerda laarquitectura de la nueva
baslica de San Pedro de Bramante. En el centro, dos estatuas : Apolo, Dios de la
razn y Atenea, Dios de la Sabidura. Apolo que representa la filosofa abstracta y
terica y Aristtelesrepresenta la filosofa natural y emprica.
Rafael tuvo xito en traer al mundo antiguo a la vida a travs de lainclusin
de muchas figuras de su propio tiempo.

Conozcamos a algunos de los personajes:

1: Zenn de Citio o Zenn de Elea 2: Epicuro 3: Federico II Gonzaga

4: Boecio o Anaximandro o Empdocles 5: Averroes 6: Pitgoras
7: Alcibades o Alejandro Magno 8: Antstenes o Jenofonte 9: Hipatia(pintada
como Margherita o el joven Francesco Maria della Rovere)
10: Esquines o Jenofonte 11: Parmnides 12: Scrates 13: Herclito(pintado
como Miguel ngel) 14: Platn sosteniendo el Timeo (pintado como Leonardo da
Vinci) 15: Aristteles sosteniendo la tica 16: Digenes de Sinope
17: Plotino 18: Euclides o Arqumedes junto a un grupo de estudiantes (pintado
como Bramante) 19: Estrabn o Zoroastro? 20: Claudio Ptolomeo
R: Apeles como Rafael 21: Protgenes como El Sodoma
Platn ( 14 ) esta situado en el centro con el dedo levantado hacia el mundo de las
ideas y el timeo bajo el brazo. Aristteles ( 15 ) tiende su mano hacia la tierra osea
hacia una realidad fsica mas concreta, sosteniendo al mismo tiempo la Etica con la
otra mano.

Un grupo de filsofos y hombres de ciencia se sitan alrededor de estas dos figuras

y la mayora de ellos eran griegos.
Pitagoras ( 6 )
El era un renombrado
matemtico griego cuyas proposicionesgeomtricas todava se ensean en las
escuelas. Aqui lo vemos comodemuestra una de ellas a un grupo cautivado, uno de
los cuales tiene una pizarra. Pitagoras tambin personifica la aritmtica y la
msica.

Heraclito ( 13 )
Esta figura solitaria situada en los escalones fue aadida en el ltimo momento, ya
que no esta incluida en dibujos preliminares. Aparentemente, la figura
representa Herclito, filsofo melanclico que lloraba regularmente por la locura
humana. La figura, que llevaba la ropa de un cantero, es en realidad un retrato
de Miguel ngel. Rafael, asombrado por el poder de la obra de este artista, incluy
un retrato de l como un tributo.

Alejandro ( 7 ) y Socrates ( 12 )
Alejandro Magno, Rey de Macedonia y un alumno de Aristteles, escucha
atentamente a Scrates. Este filsofo griego enfatiza los puntos individuales con
sus dedos. Cuestionar y anlisis del rea era el centro de la filosofa de Scrates.

Epicurus ( 2 )
Epicurus era la figura regordeta con una corona de hojas de parra. Este
filsofo griego ense que la felicidad radica en la bsqueda de los placeres de la
mente.

Digenes el perro ( 16 )
La figura esculida que se extiende a travs de la escalinata es Digenes,el
cnico que odiaba a las posesiones mundanas y viva en un barril lo que le vali el
apodo de el perro. Su estoicismo se ilustra mejor cuando ignor una invitacin
a la coronacin de Alejandro Magno. El nuevo reypag una visita preguntando si
haba algo que pudiera hacer por el envejecido filsofo y se le dijo, usted no
puede bloquear la luz del sol.

Euclides ( 18 )
Aqui vemos a Euclides, griego matemtico y otro discpulo mas
deScrates, exponiendo uno de sus principios geomtricos. El grupo a su
alrededor sugiere entusiastas estudiantes que estn a punto de conseguirun difcil
concepto.

Parmenides ( 11 )

Fundador de la escuela Eletica, Parmnides expuso su filosofa en forma de versos

y su nica obra que ha perdurado se nutre de extensos fragmentos de un poema
didctico, sobre la naturaleza. Sus reflexiones pueden considerarse como
precursoras del idealismo Platnico.
Hipatia ( 9 )

Representada por Margherita Luti, amante de Rafael, Hipatia de Alejandra fue

filsofa y maestra neoplatnica. Lider de la escuela neoplatnica de Alejandra,
destac en numerosos campos entre los que se encontraban la geometra, el
grebra y la astronoma. No se conservan sus obras pero numerosas fuentes de la
poca la situan como una figura muy influyente y respetada.
Dnde esta retratado Rafael?

Rafael incluye un retrato de s mismo. l es el joven al lado de Ptolomeo,y l mira

directamente afuera de la foto, como para captar nuestra atencin y hacerse
notar. Muchas de las otras figuras son retratos dehombres clebres de la poca
de Rafael: Platn se parece a Leonardo
daVinci, y Euclides se parece a Bramante. Era una forma de conectar el pasado y el
presente, y de pagar un tributo a los grandes hombres de su poca.
Ptolomeo ( 20 ) y Zoroastro ( 19 )

Ptolomeo era un astrnomo y gegrafo, quien pensaba que la Tierra era elcentro
del universo. Aqui lo vemos sosteniendo un globo terrestre. Junto a l, se encuentra
otra figura sosteniendo un globo celeste. Este es probablemente el profeta
persa Zoroastro.

Has visto las figuras de los dioses de la razn y la sabidura?

La figura en el nicho de la izquierda, sujetando una lira es Apolo, el Diosdel Sol,

que representa la armona y sobriedad. Tambin representa a la
iluminacin filosfica y el poder civilizador de la razn. Esta imgen esta basada en

una escultura de Miguel Angel, El esclavo moribundo, la cual se encuentra

actualmente en el museo de Louvre de Paris.

El esclavo moribundo
La figura en el nicho de la derecha representa a la diosa de la sabidura, Minerva.
Ella es la que preside sobre la paz y la guerra defensiva. Es la encarnacin de la
sabidura, que es la patrona tradicional de las instituciones dedicadas a la bsqueda
del conocimiento y el logro artstico.

Observemos la arquitectura y perspectiva de esta obra.

La disposicin de perspectiva se permite debido al hecho de que la pinturase

encuentra encima de la cabeza (ver la parte superior del marco de la puerta en la
parte inferior izquierda). El escenario arquitectnico es imaginario, pero su escala,
la magnificencia, y la armona representan los ideales del Renacimiento,
que trataron de expresar de una manera sobrehumana en lugar de los valores
humanos.

Cmo estn dispuestos todos los personajes?

Cada grupo de figuras es un modelo de armona escultural y continuo movimiento.
Por lo tanto, la postura adoptada por Platn apuntando al cielo poda unos
segundos ms tarde convertirse en la de Aristtelessealando hacia abajo. De esta
manera, las figuras estn visualmente vinculadas de una manera que les da un
extraordinario sentido de la armona.
Qu nos transmite este cuadro?
Este cuadro nos transmite una sensacin de confianza y de armona. Esto es debido
al brillo de los colores, la luminosidad del entorno, la elegancia de la composicin
y las expresiones relajadas y gestos naturales de lasfiguras.
Qu se ha querido ver en esta pintura?
Aqui podemos ver una representacin de las siete artes liberales. En el primer
plano, a la izquierda: Gramtica, Aritmtica y Msica, a la derecha: Geometra y
Astronoma y en lo alto de la escalinata Retrica y Dialctica. En definitiva una
continuidad entre el conjunto del saber antiguo y moderno teniendo como
protagonista al hombre.