1. Donatello, San Jorge, 1416.

Museo Bargello, Florencia

Gnero y Temtica: escultura exenta, en bronce, representa a un David
muy joven (adolescene) que, tras derrotar a Goliat, le ha cortado la cabeza,
y la pisa con aire pensativo, sosteniendo la espada de Goliat y su honda.
Acabado: la sencillez del desnudo se rompe con el calzado y el abigarrado
adorno del yelmo de Goliat, al detalle con relieves y adornos del 1
Renacimiento (in candelieri). As mismo, el tocado con sombrero tpico de
la Toscana y la corona de hojas de amaranto (= hroe griego)
Forma y estilo: Donatello se caracteriza por representar al ser humano en
sus diferentes estados y por intentar adaptar los motivos clsicos a la
iconografa cristiana. Se interpreta el tema bblico (espada/honda) como
desnudo clsico; 1 desnudo renacentista. Elementos clsicos:
Apolo = David
Contrapposto = curva Praxteles. Adems, aire melanclico,
pensativo. Perfeccin anatmica con moldeado suave, difuminado,
casi femenino.
Contexto: Se puede ubicar en la plenitud del Quattrocento florentino; es un
encargo de Cosme de Mdicis en torno a 1440. Significado simblico:
monumento cvico-patritico de la victoria de Florencia (David, por el
sombrero toscano) vs. Miln (Goliat, espada). Su inscripcin hace referencia a ello: A los que
valientemente lucharon por la madre patria, los dioses darn su ayuda incluso ante los ms
terribles enemigos.
Anlisis: David ya no es el hroe resuelto, sino un adolescente pensativo, casi sorprendido de
su gesta. Ello se expresa mediante su cuerpo, que se balancea ligeramente y ha de ser
sujetado por ambas piernas y el deslizamiento de la cadera. La inestabilidad se acenta por la
espada, demasiado pesada. Todo ello se traduce en los reflejos sobre los tenues salientes de
los msculos o la sombre del ala del sombrero. Hay influencia de Ghiberti y Brunelleschi, pero
Donatello fue en la prctica quien liber la escultura del marco arquitectnico.
Componente humanista anacronismo (desnudo pero con botas y sombrero toscano).
Smbolo del nuevo hroe virtuoso. Lneas suaves, pureza y serenidad en el rostro, ensalzan
optimismo. David ser para los escultores renacentistas un tema recurrente, pero lo
interpretarn de variadas maneras (Verrocchio, Miguel ngel, Bernini). Donatello es el 1 en
romper con la concepcin medieval de David, al mostrarlo como hroe y no como rey, y
relegado a la arquitectura.
2. Donatello, David, ha. 1440, Museo Nacional de Bargello, Florencia.
Gnero y Temtica: escultura exenta en mrmol, realizada en 1417.
Estatua de San Jorge, heroe cristiano que se enfrent a un dragn por
salvar a una dama.
Acabado: La figura, ligeramente rotacin alrededor del eje central, se
basa en la superposicin de tres lneas ovales: la cara con las cejas, el
pecho y el escudo. El trazo de la cabeza, en la direccin opuesta a la
del torso, es un recurso del artista para dinamizar la obra.
Forma y estilo: Posee una dimensin radicalmente equilibrada. El
escultor expresa el clasicismo en monumentalidad y presencia
compacta del volumen. Tratado con la armona que proporciona la
verticalidad de la figura y el equilibrio compositivo de la cruz del
escudo. En el relieve utiliza la tcnica schiacciato o relieve plano.
Contexto: creada en 1417 para el gremio de fabricantes de armas
Florencia (razn por la que se eligi el tema). Originalmente, tendra
casco, espada y lanza, fabricados por el gremio. Para el gremio y la autoridad florentina el
embellecimiento de Orsanmichele era tan importante como la catedral. El auge artstico iba
unido al mecenazgo y una mentalidad mercantil.
Anlisis: Con gesto firme y seguro, tiene marcada personalidad, aunque a su vez armonioso
y monumental. Porta armadura clsica, no medieval, que recuerda ms al legionario que al
caballero. En el escudo luce la Cruz de San Jorge, atributo principal. La apariencia de
naturalidad va unida al aplomo y seguridad, o lo que los romanos denominaron virtus.

Donatello escoge el momento en que San Jorge se encomend a Dios antes de enfrentarse al
dragn. Recuerda as mismo al hroe Perseo.

3. Masaccio, Trinidad, 1427

Giotto, Crucifixion, ha.1310

Gnero y Temtica: fresco
que
representa
la
Crucifixin de Cristo, junto
con la Trinidad, con la
Virgen,
San
Juan
y
donantes. Pintado en uno de
los muros laterales de Sta.
Mara Novella, en Florencia,
es de las obras ms
clebres de Masaccio.

Forma y estilo: TRINIDAD: notable

influencia de Crucifixin de Giotto.
Importancia de la perspectiva y los
marcos arquitectnicos, propios de
Bruneleschi. Importancia del mensaje:
fui lo que eres y lo que soy yo sers (en
la tumba del esqueleto).
Contexto MASACCIO, an joven, ya se distingua por
el dominio de la perspectiva y por plasmar
sentimientos de los personajes.
Los crticos del siglo XIX vieron en ella una revelacin de los principios de Brunelleschi en
arquitectura y el uso de la perspectiva, hasta el punto de que algunos creyeron que
Brunelleschi intervino directamente en el diseo de la obra.
Anlisis: En esta obra usar un lenguaje totalmente nuevo: frente a la imagen plana del
Gtico, que bloquea la mirada sobre la superficie a travs del fondo dorado, lo que Masaccio
planteaba era abrir una ventana imaginaria sobre una supuesta realidad pictrica. La obra es
una revelacin de los principios de Brunelleschi en arquitectura y el uso de la perspectiva
lineal, en capas. En 1 trmino hay un altar tpico de las capillas laterales de la catedral; en l
se abre un nicho, con un sepulcro con esqueleto donde se inserta el mensaje. Sobre ese
espacio aparecen los donantes.
Esto supone una ruptura total con el arte precedente, que adjudicaba a los donantes tamao
menor al de las figuras divinas por su menor jerarqua teocentrista. Aqu, sin embargo, se
respetan las leyes de la perspectiva y proporcin en todas las figuras. La diferencia est en
que la Virgen y San Juan se sian un escaln por encima, llorando a los pies de la cruz, donde
Cristo aparece en eje con el Espritu Santo y Dios.
Los donantes pertenecen al mundo real, del espectador;
El misterio cristiano, con el punto de vista ms fronta, adquiere as un espacio
sobrenatural
La pintura puede leerse en vertical: ascensin hacia la salvacin eterna, desde el esqueleto
(muerte) hasta la Vida eterna (Dios), pasando por oracin (donantes), intercesin de los
santos (S. Juan y la Virgen), y redencin (Cristo).
Se muestra una arquitectura de carcter renacentista y clara inspiracin romana por los
casetones de la bveda y los rdenes. El conjunto busca la perspectiva lineal, y se aprecian en
la pared las lneas que el artista marc para lograrlo.

4) Botticelli, El nacimiento de Venus, Florencia, Galera Uffizi, 1478

Gnero y Temtica: Pintura al temple sobre
lienzo. Representa la llegada de Venus recin
nacida a la isla de Citera, empujada por Cfiro,
dios del viento y Aura, diosa de la brisa (tal y
como describa Homero), en una concha
(fecundidad). En tierra le espera Flora, diosa de
la naturaleza, identificada con la de Primavera
(estacin del amor), para arroparla con un
manto, entre una lluvia de rosas (amor, que
nacieron con Venus).
Otra interpretacin religiosa: el cristiano nace a
la verdadera religin a travs de las aguas del
bautismo.
Forma y estilo: Fuerte sentido narrativo. En el centro de la composicin triangular se dibuja
a la diosa con una concepcin anatmica que revela gran idealizacin, en el cuerpo (cuello
demasiado largo y hombros demasiado estrechos y cados) y en su posicin de contrapposto.
Los personajes laterales forman los lados del tringulo y dirigen sus acciones a Venus,
dotando al conjunto de dinamismo, en contraste con la serenidad de Venus. Todo ello
enmarcado en un paisaje solitario e ideal, acorde con la belleza de Venus. Lineas
serpenteantes dan profundidad.
Prevalece la lnea (dibujo muy marcado) sinuosa y sensual desentendindose del volumen y la
perspectiva (las olas del mar son un esquema de pequeas lneas iguales). La luz cenital,
uniforme (sin claroscuros), limpia y cristalina acenta la sensacin de inmaterialidad, lo
mismo que las tonalidades clidas.
Herencia del mundo clsico, la figura reforzada en sus contornos, parece una estatua clsica y
mantiene la postura de las Venus clsicas. Destacan los ropajes pegados a los cuerpos,
repletos de pliegues y detalles.
Contexto: realizado por Boticelli, en el Quattrocento, hacia 1478, para una de las villas de
ocio Medicis, donde era habitual el gusto por la temtica mitolgica, campestre, primaveral.
Se nota la influencia del neoplatonismo de los Medicis y del propio artista, en busca de la
belleza ideal, procediendo al desnudo clsico para mostrar la belleza espiritual, a su vez pura
y recatada.
5) Ghirlandaio, La natividad de la Virgen, Florencia, 1491
Gnero y Temtica: Fresco que
representa el nacimiento de Mara,
recogido en los Evangelios y apcrifos.
En la escena, Santa Ana se incorpora
del lecho para recibir al grupo de
damas, mientras dos sirvientas sujetan
a Mara y otra vierte agua en una
vasija.
Forma y estilo: Gran esmero en los
detalles, ricos ropajes y atencin al
fondo, ambos al estilo renacentista, con
grandes reminiscencias clsicas. Rico
colorido para ser al fresco, ser el
principal antecedente de Verons.
Contexto: esta temtica sola reflejarse en obras que permitan representar lujosos interiores
burgueses contemporneos, y en este caso, fue destinada a Santa Mara Novella, Florencia,
encargada por la familia Tornabuoni.
Anlisis: Mara fue concebida sin pecado, mediante un abrazo de sus padres en la Puerta
Dorada de Jerusaln, lo que queda reflejado en los dos personajes abrazados, en lo alto de la
escalera. Esta escena se representa como si se tratase de una Corte, abundando personajes

elegantemente vestidos a la moda del momento, en el interior de un tpico palacio del

Quattrocento florentino, repleto de motivos clsicos. Al fondo, la escalera y la bveda de
can consiguen la perspectiva y punto de fuga. Las mujeres parecen autnticos retratos
gracias a su naturalismo, con un toque ms anecdtico y profano dentro de una obra religiosa.
6) Sibila Eritrea, Capilla Sixtina. Miguel ngel, 1509
Gnero y temtica: Fresco. Representa a la
Sibila Eritrea, una de las cinco Sibilas
pintadas por Miguel ngel. Las Sibilas eran
profetisas, segn el Tratado de Lactancio,
que predijeron el nacimiento de Cristo. En
concreto, la Sibila Eritrea (que tambin se
crea que predijo la Guerra de Troya) aparece
sentada en un trono, pasando las pginas de
un libro sujeto en un atril cubierto con un
pao azulado, mientras un amorcillo
enciende una lmpara (adivinacin) y el 2
se frota los ojos en la oscuridad.
Forma y estilo: Predominio y maestra del
dibujo, con contornos marcados que
potencian el relieve. Profundo estudio
anatmico. Figuras que se contorsionan en
un espacio exiguo. La volumetra se consigue mediante claroscuros y ricas combinaciones
cromticas de las telas, con tonalidades claras y brillantes en complicada asociacin. El
movimiento queda reforzado con los paos que cubren su cuerpo, poniendo atencin en cada
uno como si fuera una escultura.
Contexto: ya que predijeron el origen del Cristianismo, Julio II se interes en que figuraran en
la Capilla Sixtina. Rene influencias de Ghirlandaio, Giotto, Masaccio, Donatello.
Anlisis: Las sibilas, adems de anunciadoras del Cristianismo pueden representar diferentes
partes geogrficas, y en ese caso, la Sibila Eritrea correspondera a Asia Menor. Por otra parte,
la Sibila est girando su cuerpo hacia Ezequiel, estableciendo con l una relacin. Su actitud
grave y desafiante se refuerza por la estructura anatmica que exhibe potentes brazos y
acentuado torso.
7) Rafael Sanzio, La Virgen del Gran Duque, Florencia, Palacio Pitti, 1501
Gnero y temtica: leo sobre lienzo. Representa a la
Virgen con el Nio sobre un fondo negro.
Formas y estilo: Sencilla y diestramente trazada, la
composicin se equilibra con la ligera rotacin de los
cuerpos. As mismo, el artista sabe dotar de apariencia
divina a los personajes, mediante el sfumato y la dulzura del
modelado (influencia de Leonardo), que hace de la obra una
imagen eterna de la maternidad.
Contexto: Por haber pertenecido a Fernando III de Medici,
Gran Duque de Toscana, se la conoce como Madona del
gran duque. Quizs fue pintada en 1501, poco despus de
que Rafael llegase a Florencia. La influencia de Leonardo,
cuyas obras consigui conocer all, puede verse en el uso
del sfumatto. La obra tendr gran repercusin e influencia,
sobre todo en Ingres
Anlisis: Es una de las Madonas ms sencillas pero a la vez
ms acertadas de las que hizo en Florencia, cuya belleza
resulta sobrecogedora. Se intuye tambin la gran influencia
de Perugino. Y esta obra supuso la superacin de todas las
propuestas tcnicas: (sfumatto da Vinci) + Sencillez y cumplimiento tcnicas.
8) Rafael, El papa Len X y dos cardenales, Florencia, Galera Uffizi, ha. 1518
Gnero y temtica: leo sobre tabla. Representa al papa Leon X (de la familia Medici) con
dos cardenales, Giulio de Medici (futuro Clemente VII) y Lorenzo de Rossi.

Contexto: en aquella poca, la Santa Sede era un

hervidero de conjuras. Posiblemente se ha retratado a
Len X con ambos guardianes ante la reciente conjura del
cardenal Petrucci, castigado con la muerte cuando fue
descubierto. Adems, se trata del 1 retrato de grupo,
centrado en la figura del Papa. El libro y la campana,
ricamente adornados, reflejan los exquisitos gustos
artsticos del Papa, gran mecenas; adems, los lujosos
ropajes dan fe de pompa y poder, anticipndose al
barroco.
Anlisis: Len X se presenta en diagonal, sentado ante
una mesa donde hay un cdice y la campana con que el
Papa llama a sus sirvientes; sujeta entre las manos
(delicadas, de erudito) una lupa. Llama la atencin la
inteligencia de sus ojos y el gesto duro y enrgico, as
como la riqueza de los ropajes y armona de la gama de
tonos rojos, que contrasta con un fondo oscuro donde se
intuye una cornisa, de la Biblioteca Vaticana (ya que se
refleja en la bola del respaldo). Adems, la expresin de
los cardenales tambin es interesante. Al contrario que en
las Madonas, en el retrato no hay nada idealizado. El tono
uniforme de color, expresada en los matices rojos, la
serena atmsfera, alusiva al poder del Papa y el esplendor de la corte; y la armona
compositiva, hacen del retrato una de las obras ms significativas de Rafael.
Comparativa con Tiziano: Se suele relacionar la obra con otra posterior, el retrato de Pablo
III y la familia Farnesio, realizado por Tiziano. Frente a la imagen rafaelesca, destac la figura
sobre un fondo oscuro, cuya mirada interpela al espectador, mostrando su carcter; adems
juega con el contraste rojo/blanco y la pincelada suelta veneciana. En l tambin se intuye las
conjuras y pretensiones de la Santa Sede, sobre todo de Pablo III respecto a la consolidacin
del poder en su familia; por ello expresa la plenitud de su poder (1546) y la ambicin de
Alejandro al acariciar el trono, y reconocimiento de la autoridad de Ottavio al hacer la
reverencia. Sern ambas las imgenes de la intriga maquiavlica de la poltica del momento.

9) Jan Van Eyck, El matrimonio Arnolfini, 1434. Londres, National Gallery

Gnero y temtica: leo sobre tabla.
Controversia por la cantidad de elementos
simblicos. Representa una pequea
estancia con un hombre y una mujer en
actitud solemne, cogidos de la mano. A su
lado, un perro mira al espectador. Sobre
ellos, un candelabro de seis brazos con una
vela encendida, pero la luz proviene de un
ventanal. Frente a la ventana, una cama con
dosel de ricas telas rojas, y en ltimo plano,
un silln del que sobresalen unos zapatos.
Sobre este silln hay un rosario de cristal y
un espejo convexo parece presidir la escena,
donde se reflejan los protagonistas,
posiblemente el autor del cuadro y un joven
vestido de rojo.
Formas y estilo: De pincelada corta y
precisa y de textura lisa, la lnea no aparece
como silueta o trazo negro aunque s
delimita de forma suave y natural los
contornos. El modelado representa
perfectamente el volumen con gradaciones
de color y suaves contrastes de luz natural
que penetra por una ventana con suaves
contrastes. Los colores son vivos y bien
combinados.
La perspectiva est muy cuidada, con los
muebles y el suelo que convergen en el
punto de fuga. Se consigue con una
composicin sencilla, con los personajes en 1 plano y la tcnica del espejo, que le da
profundidad. Adems destaca el detallismo extremo, incluso en los pequeos relieves del
espejo, que presentan escenas de la Pasin y muerte de Cristo, muy propio de los flamencos
primitivos. El Matrimonio Arnolfini es sntesis de las caractersticas de la escuela:
minuciosidad, inters por el color, naturalismo y estudio de la perspectiva.
Contexto: Van Eyck fue el mejor representante de pintura flamenca. Se sabe exactamente la
fecha de la creacin por la inscripcin del espejo (Van Eyck estuvo aqu: que a su vez se
entiende como testigo de la boda). Trabajaba para los Duques de Borgoa y a veces para
Felipe III. El matrimonio Arnolfini representa a la clase de ricos mercaderes flamencos, y la
gran calidad de sus ropajes refleja el gusto por el textil de factura flamenca. Se trata de
Giovanni Arnolfini y su mujer, Jeanne Cenami.
Anlisis: Su significado trasciende la apariencia trivial del tema para convertirse en retrato
matrimonial. Es el momento en que el hombre se promete a la mujer, tomndola de la mano y
levantando la otra (juramento sagrado); ella le entrega su mano tambin a modo de
respuesta. En la poca, la ceremonia matrimonial no requera la presencia del clero, sino
solamente algunos testigos. Se trata pues de un retrato de bodas y documento que atestigua
sta. Cada objeto tiene su propia identidad semntica, y todos aluden a la riqueza de los
recin casados.
Manos juntas: UNION DE en 1 carne. Sobre ellas, grgola sonriente (exorcismo alejar el mal,
la falta de hijos).
Descalzos: Vnculo suelo sagrado del hogar. Ella rojos, cerca de la cama = encargada del
hogar. l: prximos al exterior, encargado de trabajar para prosperidad econmica a la casa.
Cristal: signo de PUREZA. Obligacin devota
Perro: fidelidad conyugal
Lmpara: MISTERIO CRISTO todo lo ve. 1 vela encendida = el matrimonio o llama del amor,
que puede consumirse (costumbre flamenca encender vela el 1 da de la boda). Lo mismo
con la escultura de Santa Margarita, abogada en los partos difciles.

Naranjas: importadas del Sur. Lujo y riqueza. Origen Mediterrneo de los retratados. Adems
sealan el estado de inocencia de los hombres, antes del pecado original.
Espejo circular + marco con 10 de las 14 estaciones del Vacrucis. Muestra la escena
de la habitacin a la inversa (tras la pareja, otras 2 personas, testigos de la ceremonia, entre
los que podra estar el pintor)
La forma de representar los smbolos, camuflados por objetos cotidianos, es muy del gusto del
XV, para elevar lo terrenal hacia un estadio ms espiritual. Tendr gran trascendencia, sobre
todo por la iluminacin a travs de la ventana lateral, ampliamente utilizado en el Barroco.
ngel admonitor del desengao del mundo Antonio de Pereda
Gnero y temtica: leo sobre lienzo.
Presenta a un ngel admonitor,
mensajero divino, que recuerda a los
mortales que el aprecio a las cosas
mundanas tiene su fin.
Formas y estilo: Suele tener las
caractersticas propias de un bodegn,
solo que repleto de simbolismo y
alegoras a la muerte y la fugacidad de
la vida. La obra se caracteriza por el
grandsimo
Contexto: En el Barroco la Vanitas
adquiri valor por s misma,
desvinculndose del retrato. Fue un
fenmeno derivado del Barroco, que se
expandi por toda Europa, centrndose
en el binomio vida/muerte. En Espaa
tuvo mucho xito y caractersticas
propias gracias a artistas como Pereda, e influencias de la literatura; adems, la mentalidad
de vanitas (vacuidad de lo mundano) penetr en todos los estratos sociales, que demandaban
este arte, sumidos en un siglo de crisis y desengao.
Anlisis: Un medalln presenta a Carlos V sobre el globo terrqueo (emperador que domin
el mundo, tambin est muerto y su fama se perdi en el tiempo = Poder, Gloria pasajeros);
sometido al tiempo, sealado por el reloj dorado y junto al l, una medalla de Augusto y 3
retratos femeninos a la moda de Felipe II (tambin sucumbe la belleza). Otros materiales
aluden a la inutilidad de las posesiones efmeras (joyas, cartas, monedas). La vela apagada es
smbolo del fin de la vida; la calavera sobre los libros, el triunfo de la muerte sobre el saber. Y
destaca tambin la frase: Nil omne (todo es nada). Fue una obra sin precedentes, que
inaugur una importante forma expresiva del XVII.
Duda de Santo Toms. Caravaggio

Naturalismo Claro Oscuro: Luz con sentido

cientfico, tensin en la escena o
dramatismo
leo sobre lienzo de uno de los artistas
ms importantes del barroco de toda la
historia. Su estilo conjuga la belleza de los
personajes con un desgarrado realismo.
Introduccin como novedad de un nuevo
tratamiento luminico, el tenebrismo.
Destaca el personaje o escena principal
mediante potente foco de luz y el resto de
la escena en oscuridad o penumbra.

Se trata de un encargo por parte de la familia Giustiniani, aristocratas y banqueros romanos

que patrocinaron bajo su mecenazgo un gran nmero de artistas.
Se representa una escena biblica del evangelio de san juan, por tanto tema religioso: Jesus
aparece resucitando entre sus discipulos pero santo tomas se muestra reacio a creer en su
aparicion por lo que el maestro le induce a tocar las heridas que le causaron la muerte.
En cuanto al espacio interior, el artista no proporciona ningun dato ms, con un fondo neutro
los personajes sern la escena principal de la composicion. En el lado derecho se aprecia la
figura de Jesucristo con una encarnacion blanquecina que remite a su estado post mortem,
con la misma tunica blanca con la que fue enterrado y que abre en el costado para guiar el
dedo de su incrdulo discpulo. el autor no representa a un Jesus triunfante ante la muerte.
este conjunto es completado con dos discipulos mas que observan la escena. El punto focal a
donde la obra nos remite, es el dedo de Santo Toms en la herida, siendo asi una escena
hiriente y realista.
La obra resulta realista hasta el punto de ser desgarradora, no solo por la prueba de santo
Toms sino porque el pintor lo representa de la foma ms realista posible, hombres con rostros
realistas y ropajs humildes.
la luz persigue los efectos tenebristas de las obras caravaggiescas, proveniente de un foco
exterior que el expectador no puede identificar pero que esta enfocado con fuerza hacia los
personajes principales de la escena dejando el resto en tinieblas.
Caravaggio, La Vocacin de San Mateo
Oleo sobre lienzo, pintura religiosa.
Tema: paisaje biblico en que se narra como Mateo
se convirtioen apostol de cristo
Colores marrones y ocres y pincelada pastosa,
haciendo ms cotidiano el momento. La obra est
articulada por la luz que divide el cuadro en fuertes
contrastes claroscuro, caracteristica principal del
denominado tenebrismo. A travs de la luz el
pintor concentra la atencion en lo que desea. Un
foco de luz proviniente de una claraboya ilumina la
instancia y unos personajes muy expresivos a
traves del rostro y las manos. Se trata de una luz
artificial, subrayando el componente dramtico.
Claramente se trata de una obra barroca, y ms
concretamente al tenebrismo.
Funcion: proyecto general para decorar la capilla
del cardenal mateo en la iglesia romana de san luis
de los franceses.

Iconogrfico: en la escena representada entran por la derecha dos hombres con atuendos
biblicos, siendo uno de ellos el propiop cristo que seala a mateo para que le siga, momento
culminante en el que este reacciona sorprendido, sealandole con el dedo. de sus compaeros
dos miran a cristo igualmente sorprendidos, mientras optros dos, uno joven y otro viejo, se
afanan a mirar las monedas y a contarlas sin prestar atencion a Cristo, establenciendo
relacion entre los que avanzan en la vida espiritual y los que lo hacen en la vida material
Iconolgico: lo ms curioso es el tratamiento dela historia, mayor novedad incorporada por
Caravaggio. el tratamiento de una historia sagrada como si fuera una escena de la vida
cotidiana, hasta el punto de poder confundirla con una escena de unos jugadores de cartas.
Cristo la figura principal parece casi oculto a nuestra vista, y solo un pequeo resplandor de
halo a nuestra vista, casi imperceptible, nos permite reconocerlo.
El modelo del artista, son las gentes de la calle pintadas con extremo realismo
refleja la colision entre dos mundos, el poder de la fe inmortal y el ambiente mundano,
indicado con el dinero

Retrato de Gaspar Melchor JOVELLANOS. GOYA

Oleo sobre lienzo. Retrato tipo realista a uno de los hombres mas
famosos e ilustrado de la Espaa de los siglos xvlll y xix, Gaspar
Melchor de Jovellanios.
Se trata de un politico ilustrado que gozo de gran fama y respeto.
El ilustrado mostro una gran admirancion por la figura del pintor
zaragozano, siendo esta la segunda opcasion que dejaba un
retrato suyo en sus manos. es posible que el retrato se hiciera
como conmemoracion a un viaje del politico aa su tierra tras aos
de ausencia.
Goya representa a Jove como Ministro de Gracia y Justicia,
cansado y apesadumbrado en su despacho, apoyado sobre la
mesa del despecho donde descansan un sinfin de documentos
aun sin revisar.
Se trata de un retrato sobri y frio, no posee ninguna medalla o
galon, tan solo el peso de su responsabilidad. La obra sigue una
composicion clasicista, el representado aparece sedente en una
silla de despacho, sosteniendo su rostro con las manos que apoya
en la mesa, mientras que con la otra sostiene una nota sopbre sus rodillas.
El artista que alagaba sus retratos llega a su fin, haciendo esta de una forma veraz y realista,
tal y como es, un hombre de pelo cano y mejillas sonrosadas, un intelectual y un melancolico.
Su posicin y la aparicion de la lechuza, hace que algunos historiadores hayan establecido
una relacion entre esta y uno de los caprichos de Goya
Aprovecha el papel de la mano para firmar la obra.

Est sobre la mesa Minerva, diosa de la sabiduria y de las artes, que extiende su mano hacia
jovellanos en seal de proteccion. La estatua lleva el logo del real instituto asturiano de
nautica y minearologia, institucion creada por el mismo en Gijon.
Destaca con la figura de jovellanos con el juego de luces diferenciandolo claramente del fondo
tenue y con tonos oscuros. tonos ocres y calidos para la silla y la mesa, acompaados de
sobrios grises y blancos de su ropaje que le diferencian y destacan de resto de la composicion.
SEORITAS DE AVIGNON. Picasso
leo sobre lienzo. Una de las primeras obras del
movimiento cubista
Podemos identificar a cinco figuras femeninas que
por el titulo, podemos describir como cinco
prostitutas de un burdel situado en dicha calle de
Barcelona
Las figuras femeninas todas desnudas, se organizan
en 3 bandas verticales, sieno las dos figuras
centrales las ms clasicas, a pesar de que se
observa la redduccion de la anatomia femenina a
su forma mas esquemtica, y aunque aparecen de
pies, la posicion de los brazos por detras de la
cabeza se asemeja a la de las venus de otras
etapas artisticas. aparecen representadas como si
fuesen vistas desde un punto de vista alto, aunque
las otras 3 sean vistas desde una posicion frontal.
Los colores usados aparecen si gradacin, de forma
plana y renunciando a los principios de iluminacin,
sombras y volumen tradicionales de la pintura.

La figura situada a la izq del espectador, corriendo una cortina de color rojo, aparece con el
rostro de perfil y su color ms oscuro que las otras, quiza haciendo referencia a diferencias de
tipo racial. Las formas de su cuerpo quedan simplicadas al maximo a formas geneticas planas.
En el extremo lateral derecho, dos mujeres, una sentada y otra de pie, que son las que
presentan un trato mas apartado de la pintura CONVENCIONAL. Sus rostros aparecen
deformados, guardando semejanza con mascaras africanas, como si se quisiera representar la
naturaleza salvaje e indomable de las muchachas. Las cinco en conjunto ocupan casi el total
del lienzo, en un espacio plano, sin perspectiva. Se aprecia dos zonas diferenciadas por el
color, el espacio rjizo de la izq. de una cortina, y el azulado del centro y el lado derecho de la
composicion. No sabemos si se trata de exterior o interior, aunque la cortina le da un aspecto
de teatrealidad a la escena acentuando la exhibicion publica de estas mujeres, ofrecidas como
objetos de escaparate y cuyas miradas expresan tristeza unas y hostilidad otras.
En la parte inferior aparece un bodegon formado por una tajada de sandia, unas uvas y unas
peras cuyas foprmas tambien se han simplicado a formas geometricas.
Por primera vez picasso se acerca a un tema viejo de la pintura, el desnudo femenino, dando
paso a formas angulosasy planas, simplificadas como si quisiera olvidar la evolucion de los
ultimos 500 aos. Rompe con las leyes de la perspectiva, llegando a mostrar un mismo rostro
desde dos puntos de vista, lateral y frontal.
El bodegn inferior sera un nexo de union entre lo antiguo y lo moderno, al ser algo
tradicional pero tratado desde una optica diferente.
PAISAJE DE L ESTAQUE. Braque

leo sobre lienzo, cubista.

Realmente Braque se interes por la pintura fauvista
aunque su obra comenzo a tender hacia elementos
geometricos debido a su relacion con Picasso y la influencia
de la obra de Cezanne. Con el tiempo el artista comenz a
desligarse a las diversas influencias y su obra adquirio una
personalidad propia con colores brillantes y el predomini de
la linea curva sobre la recta.
La obra representa una vista del pueblo de Estanque y se
relaciona con una serie de paisajes que el artista pinto de
esta localidad de la zona de Marsella. En realidad el pintor
no se preocupo por captar la veracidad del paisaje sino que
lo quee buscaba era realizar un estudio compositivo a base
de formas geometricas. El pueblo aparecer representado
con formas cubicas y triangulares en las que apenas se
observan unas pocas construcciones. Vegetacin plasmada
tambin por elementos geometricos.
En primer plano nos encontramos con verdosas formas vegetales que dan paso a una maraa
de casas y arboles.
Siguiendo los parmetros de la estetica cubista opta por reducir los objetos a elementos
simples. La tercera dimensin aparece relegada en pro de formas poliedricas simples:
cuadrado, rectangulo o el triangulo, esenciales en la obra.
Se puede encajar esta obra dentro de los principios de la fase del cubismo analitico, donde el
objeto representado aun es posible de identificar. De esta manera el artista rechaza los
canones clasicos de la perspectiva tradicional y realista, y la multiplicidad de puntos de vista.
El volumen aparece gracias al sombreado de los objetos, logrando que tengan tanto
tridimensionalidad como aspecto plano.
La gama cromtica mezcla colores calidos, gama de ocres: amarillo terroso, marrones, o
colores frios como el azul o el gris del cielo. la luz no procede de ningun foco concreto, son los
mismos objetos los que emanan lus propia a trave de rapidas pinceladas en su superficie.

La escalera. Leger

oleo sobre lienzo.

Fernand Leger desarrola un tipo de cubismo propio
denominado tubismo, que descomponia las figuras
humanas en conos, esferas, cilindras y otras formas
geometricas, para representar la deshumanizacion del
hombre, que habia sido absorbido por la industrializacion
y las maquinas. Por eso estas figuras no tiene rasgos que
las identifiquen unas de otras, son como robots que se
dirigen al trabajo mecanimente, unos rojos y otros azules,
ms que nada que podamos separarlas visualmente.
Figuras que parecen estar vestidas porque estan en la
calle, como indican los edificios de la izquierda, y que no
sabemos bien si suben o bajan la escalera. Todo depende
de nuestro punto de vista: si nos fijamos en la barandilla
de la izquierda parece que suben, pero si miramos los
grandes escalones amarillos de la derecha, a la impresion
de que bajan.

Mezcl el lenguaje cubista con el futurismo y ello le llevo a representar figuras en movimiento
con formas tubulares.
Baco joven. Caravaggio 1598
leo sobre lienzo, barroco italiano
La realizaria bajo el mecenazgo del cardenal Francesco
Mara del Monte, quien colecciono un buen numero de
obras de este autor.
Tnica blanca, ofreciendo copa de vino, con aspectos
androginos que hacen del dios una encarnacion dee
ambos generos. se aprecia torso derecho, brazo
musculado. Sobre la cabeza hojas de parra que lo
coronan y uvas a conjunto con el bodegon de frutas de
la mesa en primer plano.
La luz aun manierista, se desplaza por toda la
habitacion y se aleja de la tendencia tenebrista que se
desarrolla el proximas obras. En el cristal de la copa
aparece reflejado el propio artista
Continua avanzando en esta obra hacia la naturalidad y
la captacion espontanea de los modelos. Al igual que
ocurra con su baco enfermo, probablemente nos
encontramos ante un autoretrato con la pose frontal
tipica del pintor que se mira en el espejo para pintar sus propios rasgos. erl modo de
representar al dios del vino es un tanto irreverente, renuncia a los dos formas tipicas de pintar
a Baco: como un viejo gordo y jovial o como un hermoso joven. Se pinta a s mismo, con unos
rasgos que distan mucho de las pinturas del siglo anterior. De este modo, parece como si el
personaje tan solo hubiera disfrazado a Baco, aunque no es un mero disfraz: elige los
emblemas de Baco para expresar su propia actitud sibarita. La imagen es de una excelente
calidad tecnica.
Los objetos por su sensacion de realidad son prodijiosos los objetos representados/habilidad
para describir materiales como la jarra redonda de vino.
El joven Baco nos ofrece una copa de vino retratado con una excelente realidad.
en esta obra de desmitifica al dios al tratarlo con sentido burlesco

Corversion de San Pablo. Caravaggio 1600

leo sobre lienzo.
La obra muestra las principales caracteristicas de este
autor, tanto tenebrismo como el naturalismo de las
escenas misticas, teatralidad del barroco.
Lienzo de gran formato encargada por la iglesia de santa
maria del popolo de roma.
un dia cuando ib con su sirviente por el bosque un haz
de luz divina le derribo del caballo preguntandole porque
le perseguia. Saulo quedo ciego hasta que un grupo de
cristianos se apiadaron de el y lo cuidaron, desde aquel
momento el joven soldado se convirtio al cristianismo
pasando a la historia como San Pablo.
Representa a Saulo tirado en el suelo con los brazos
hacia arriba y las piernas extendidas. Su cuerpo
extendido en un ponente escorzo ocupa buena parte de
toda la composicion.
Marcando una profunda diagonal el artista ha dispuesto
al caballo que parece girarse para observar a su dueoo
derribado, la musculatura del animal ha sido muy
estudiada por el artista y enlla se observa una gran
calidad moldeando las formas con luces y sombras.
Completando la escena aparece el sirviente de Saulo del quee apenas podemos ver su rostro
escondido tras el caballo.
Figuras demasiado grandes para el marco. Tratamiento lumnico tpico del artista, una luz
tenebrista que se centra en el protagonista del lienzo y que deja el resto de la composicion
sumida en la penumbra.
Se observan ciertos elementos de misticismo, asi en el centro de la obra el artista ha
reservado un espacio vacio donde el protagonista es la luz divina. El joven Saulo ojos cerrados
por el golpe en su rostro sumido en un estado de extasis sereno y placentero.
Ruptura personajes en la composicion, cambio de significados, tenebrismo, escorzo
hizo una primera version de esta obra que fue rechazada por su realismo excesivo, sin
embargo su obra se considera una de las mas vinculadas al espiritu de la contrarrefoprma,
cumpliendo asi la finalidad de persuasion barroca relacinada con el poder religioso.