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ARTE MODERNO
ALUMNOS QUE HAN PARTICIPADO EN ESTOS COMENTARIOS E INDICE
DE LMINAS
LMINAS Y AUTORES:
1. AYUNTAMIENTO DE MADRID (JUAN GMEZ DE MORA) JAVIER GARCA TENORIO
2. PLAZA MAYOR DE SALAMANCA ANTONIO C. GIL CASTILLO
3. IGLESIA DE LOS INVALIDOS. ANA OTERO ALDEREGUA.
4. SALN O GALERA DE LOS ESPEJOS (MANSART) MARTHA ANTUA GALLEGO.
5. IGLESIA DE LA SORBONA (LEMERCIER) ANTONIO LARE FERNANDEZ
6. PALACIO DEL MARQUS DE DOS AGUAS (HIPLITO ROVIRA MERI ) FRANCISCA AINA BINIMELIS
SERVERA
7.
8. IGLESIA DE LA MAGDALENA (PIERRE VIGNON) FERNANDO FABIN SNCHEZ CORDERO.
9. FACHADA DE LA REAL ACADEMIA DE SAN FERNANDO (DIEGO DE VILLANUEVA) ANTONIO GLVEZ
CARTAGENA
10. DIDEROT (JEAN-ANTOINE HOUDON) FRANCISCA BINIMELLES SERVERA
11. CRISTO YACENTE (GREGORIO FERNNDEZ) JAVIER GARCA TENORIO
12. PLUTN Y PROSERPINA - (BERNINI) ANTONIO LARE FERNNDEZ
13. EL TRANSPARENTE. (NARCISO TOM). ANTOLN BARRERO PEGADO.
14. NATIVIDAD O BELEN - (FRANCISCO SALZILLO ALCARAZ) FRANCISCA AINA BINIMELIS SERVERA
15. CRISTO ATADO A LA COLUMNA. (GREGORIO FERNNDEZ). FERNANDO FABIN SNCHEZ CORDERO. .
16. PAOLINA BORGHESE. (ANTONIO CANOVA) ANA OTERO ALDEREGUA.
17. ADORACIN DE LOS PASTORES (JUAN MARTNEZ MONTAS) ANTONIA SALOMN ROMERO.
18. HOSPICIO DE SAN FERNANDO (PEDRO DE RIBERA) MARTHA ANTUA GALLEGO.
19. ANGEL DEL CENOTAFIO DE LOS ESTUARDO DE (A. CANOVA) ANTONIO C. GIL CASTILLO
20. LA GITANA (FRANS HAL) JAVIER GARCA TENORIO
21. ATALANTA E HIPOMENES (GUIDO RENI) ROSA MARA DE LA TORRE TERCERO
22. LA ALEGORA DE LA PINTURA O ESTUDIO DE ARTISTA (VERMEER) CARMEN MAGDALENO FLORENTN
23. MAGDALENA PENITENTE (GEORGE DE LA TOUR) ANTONIO GLVEZ CARTAGENA
24. EL PUERTO DE OSTIA CON EL EMBARQUE DE SANTA PAULA DE (CLAUDIO DE LORENA) MARTHA
ANTUA GALLEGO
25. EL PALACIO DUCAL DE VENECIA DE (ANTONIO CANAL CANALETTO) FRANCISCO VALVERDE
FERNANDEZ
26. MARTIRIO DE SAN FELIPE. (D. RIBERA ) ANA OTERO ALDEREGUA
27. LA SAGRADA FAMILIA DEL PAJARITO (MURILLO ) FRANCISCO VALVERDE FERNANDEZ
28. PERRO SEMIHUNDIDO. (GOYA ) ANA OTERO ALDEREGUA
29. LA CARGA DE LOS MAMELUCOS / EL DOS DE MAYO DE 1808 (GOYA) MARTHA ANTUA GALLEGO.
30. ANEXO.- LAMINAS RED
COLABORACIN: CORRECCIN Y CONTROL DE:
FERNANDO CARCAMO CUBERO
MONTAJE Y MAQUETACIN
ROSA M DE LA TORRE TERCERO
Descripcin:
Estamos ante una de las ms destacadas obras del arquitecto Juan Gmez de Mora, el
Ayuntamiento de Madrid o Casa de la Villa, fue encargada por el gobierno de Madrid
para que actuara como sede del mismo y cont con la licencia constructiva de Felipe
IV en 1629.
Esta arquitectura civil est incluida en el movimiento postherreriano, aunque otros
autores prefieren encuadrarla en el barroco madrileo. Tiene reminiscencias
escurialenses al igual que la Crcel de Corte del mismo autor y sus formas recuerdan
al Alczar toledano. Este modelo ser utilizado con pequeas variantes durante todo
el siglo XVII.
ANLISIS FORMAL:
En la fachada podemos distinguir su alzado en dos cuerpos donde el ladrillo visto da
ritmo, agilidad y colorido a los grandes bloques simtricos de piedra, concretamente
de granito. Adems podemos observar elementos clasicistas como la conjuncin
rectngulo-tringulo en la fachada. Destaca por su simetra y predominio de la lnea,
en las esquinas, para dar fortaleza y elegancia al conjunto, sobresalen torres
cuadrangulares rematadas por medio de chapiteles de pizarra.
Para suavizar y descargar la fachada encontramos balcones situados sobre el friso de
grandes ventanales que quitan rigidez y a la vez dan ritmo compositivo por los
claroscuros que aportan.
La doble portada sin romper la simetra aporta un gran toque de originalidad.
Ornamentalmente destaca sobre las puertas el escudo de Madrid esculpido en piedra
blanca de Tamajn.
INTERPRETACIN:
La necesidad del gobierno de Madrid de poseer una sede fija y en concordancia con la
institucin llev a este a pedir a Felipe IV la licencia para la construccin de este
edificio. Hasta entonces las reuniones del consistorio se celebraban en una pequea
sala capitular situada encima del prtico de la iglesia de San Salvador, en la calle
Mayor.
Se ajusta a la lnea constructiva de la poca, partiendo del estilo herreriano y llegando
a lo que algunos autores han denominado Barroco madrileo.
Es una construccin civil diseada para cumplir con las funciones de alcalda y de
crcel hecho que influy en su diseo.
Proyecto de Juan Gmez de Mora quien comenz su construccin hasta su muerte en
1648, este hecho hizo que Jos de Villareal continuara con el encargo, terminando la
obra Teodoro de Ardemans y Jos del Olmo en 1696.
EL AUTOR Y SU OBRA:
Juan Gmez de Mora (1586-1648) sobrino de Francisco de Mora se erige como
principal arquitecto del llamado Barroco madrileo del siglo XVII. Sus trabajos ms
destacados se encuentran en Salamanca y en Madrid.
En Madrid destaca adems de la obra anteriormente comentada, la Crcel de Corte,
sede actual del Ministerio de Asuntos Exteriores y la fachada del Alczar Real
(destruida en 1734 tras un incendio). De dudosa atribucin podemos calificar al
Convento de la Encarnacin, oficialmente asignado a Fray Alberto de la Madre de
Dios, aunque algunos autores encuentran en Juan Gmez de Mora a su proyectista.
Su aportacin principal es el uso del ladrillo visto alternndolo con la piedra, dando
calor y color a sus obras.
Guiado por el modelo de la Plaza Mayor pucelana proyecta la Plaza Mayor madrilea,
a modo de casas iguales que hacen parecer un conjunto de una sola pieza.
Su obra ms laureada es la Clereca de Salamanca, diseada en 1618 para servir de
Colegio de Estudios a la orden jesuita, como corresponde a la Compaa de Jess el
modelo a seguir fue la iglesia romana de Il Ges.
BIBLIOGRAFA:
- Visuales Gonzlez, Jess. Historia del Arte Moderno III (El Barroco) UU.DD.
Madrid: UNED, 2006.
- Hartt, Frederick. Historia de la pintura, escultura y arquitectura. Madrid:
Ediciones Akal S.A., 1989.
SALAMANCA)
Anlisis Formal: La plaza consta de cuatro fachadas de tres pisos de altura cada
una y de diferentes longitudes todas ellas. Al no tener la misma medida ninguno de sus
cuatro lados, resulta un espacio irregular, lo cul no desmerece en nada su belleza
monumental. En el centro de la fachada que est orientada hacia el norte, se erige el
edificio que alberga el Ayuntamiento de Salamanca, sobre el cual existe una espadaa
con tres campanas y una veleta. A los lados de sta espadaa existen cuatro esculturas
que algunos historiadores han identificado con las cuatro virtudes cardinales:
prudencia, justicia, fortaleza y templanza, aunque otros afirman que son figuras
alegricas de la agricultura, el comercio, la industria y la astronoma. Tambin hay
quien afirma que sta ltima puede ser la Msica o la Poesa.
sido aadidos posteriormente, como: Toms Bretn, Julin Snchez El Charro (que
combati a los franceses en la Guerra de la Independencia), Miguel de Unamuno (que siendo
rector de la Universidad de Salamanca, proclam la II Repblica a los salmantinos desde el
balcn del ayuntamiento), etc.
Tambin podemos encontrar medallones esculpidos con las figuras de los reyes
castellanos y leoneses, como Alfonso IX de Len (que era nacido en salamanca). As como
los correspondientes a la posterior monarqua borbnica, como Carlos III y hoy da hasta
los monarcas actuales Juan Carlos I de Borbn y Sofa de Grecia. Tambin se ven
reflejadas las dos pocas republicanas espaolas en un monumento alegrico.
Estilo: Esta plaza est considerado uno de los monumentos cumbres del barroco
espaol. Pertenece al llamado Churriguerismo, ltima fase del barroco espaol, a pesar
de contar con indudables influencias herrerianas.
Contenido y Significado: Para la ciudad, esta plaza tiene una gran relevancia.
Como muestra de ello, existe una norma, an vigente, que dicta que el fretro que
contenga el cuerpo de alguien que haya sido alcalde de Salamanca tiene el derecho a
ser portado dando una vuelta de honor bajo los 88 arcos de piedra del gora.
Fotografas: http://www.patrimoniocastillayleon.org/salamanca/especiales/plazamayor
http://www.escuelai.com/spanish_culture/plazamayor_salamanca/plazamayor.html
Descripcin: En 1670, Lus XIV fundaba el Hotel des Invalides, una institucin de
gran importancia ya que en ella se dara acogida a todos aquellos soldados que a lo
largo de tantos aos de guerras haban quedado invlidos. Para ello se decidi
levantar en el llano de Grenelle un gran edificio siguiendo los planos de Libral
Bruant, pero en 1677 el arquitecto de Versalles, Jules-Hardouin Mansart, continua la
labor de su predecesor. En el centro de este conjunto se dispuso una iglesia dedicada
a San Lus que presentaba planta basilical y una sobria decoracin , posteriormente
Lus XIV encarg a Jules-Hordouin Mansart el proyecto de aadir a esta iglesia una
capilla que debera quedar como testimonio de la gloria de su reinado, llegando
incluso a pensar disponer en ella el Panten de los Borbones que se haba proyectado
por Francois Mansart para la abada de Saint-Denis y que no haba llegado a
construirse, y aunque la idea del panten se abandon, el diseo de Saint-Denis
influy en la Iglesia de los Invlidos, tanto en la planta como en la estructura de la
cpula.
La cpula, a la que se aadieron entre las costillas trofeos dorados que ponen una
nota de barroquismo, est sostenida sobre varias volutas, muy decoradas con
guirnaldas y motivos florales, finalmente se alza la linterna con aguja que alcanza los
107 m. desde el suelo. La cpula tiene una primera cpula truncada, por encima de la
cual est la verdadera que recibe una luz a travs de los vanos abiertos en el
segundo cuerpo del tambor que desde el interior de la iglesia estn ocultos de la vista
por la cpula truncada.
El aspecto del interior del edificio es tambin muy barroco, los muros se articulan
mediante un orden corintio a base de pilastras en los brazos de la cruz, y un par de
columnas ante cada uno de los cuatro machones que dan hacia el espacio central,
entre cada uno de estos pares de columnas se abren, bajo unos relieves de piedra, los
vanos que sirven de comunicacin con las capillas angulares.
BIBLIOGRAFA:
H DEL ARTE MODERNO I (ARQ DEL RENACIMIENTO. UUDD Jos Enrique Garca Melero
UNED Madrid 2004
El clasicismo francs. Historia 16.
ANLISIS FORMAL:
La decoracin del saln, que da frente al jardn, se llev cabo en 1678 bajo la
direccin de Charles Le Brun con profusin de mrmoles tallados por el escultor
Antoine Coysevox con una gracia y una delicadeza que, pese a su clasicismo,
presagian bien claramente el arte francs del siglo XVIII.
INTERPRETACIN:
Con una posicin privilegiada que le proporcionaba su cargo de Primer Arquitecto del
Rey (1686), distinguido por Luis XIV con diversos ttulos nobiliarios, sobrino poltico
de Franois Mansart su arquitectura es moderna y vanguardista como el Clasicismo
francs en sus ms variados registros.
BIBLIOGRAFA:
H DEL ARTE MODERNO III (El Barroco. UUDD) Jess Miguel Viuales Gonzlez. UNED Madrid
2007
H del Arte. Salvat. Volmen 7
LA H DEL ARTE. E.H. Gombrich. Debate. Madrid. 1995
H del Arte. Diego Angulo. Madrid 1978
http://www.artehistoria.com
Descripcin:
La lmina propuesta para comentar se corresponde con una vista frontal de la fachada
principal de una obra arquitectnica de carcter religioso cuyo nombre es Iglesia de la
Sorbona, perteneciente a la arquitectura barroca francesa, construida entre 1635 y 1642
por uno de los arquitectos franceses ms representativos de la poca, llamado Jacques
Lemercier.
ANLISIS FORMAL:
La iglesia de la Sorbona, cuya enorme cpula descansa sobre un tambor con ojos de
buey, posee una planta de una sola nave sobre la cual nos encontramos en el centro una
cpula que descansa sobre un tambor con ojos de buey y sobre la que encontramos
cuatro capillas en cada uno de los ngulos, ocupando los espacios rectangulares que
quedan entre la nave y los brazos de sta.
En esta obra arquitectnica, Lemercier dispuso sobre una escalinata un prtico de seis
columnas exentas y un frontn triangular con el escudo del cardenal. Por encima, se alza
la cpula con linterna a la italiana. Posee doble cpula, una real, la interior, y otra
incrementada gracias a la armadura de madera, para que se vea mejor desde el
exterior, siguiendo el mismo esquema constructivo que se llev a cabo con la cpula de
la iglesia de Santa Mara del Fiore (Florencia). A los pies de la mencionada cpula, nos
encontramos con el prtico, que tiene como peculiaridad que se trata de un prtico
hexstilo sobre una escalinata y rematado con un frontn, sobre el cual aparece un
cuerpo rectangular rematado con una balaustrada bajo la cual aparecen unas esculturas
sobre el frontn a modo decorativo. A ambos lados del cuerpo arquitectnico
encontramos dos pequeas torres que ofrecen, junto con el resto de elementos, simetra
y equilibrio en el edificio, mezclndose as elementos barrocos y claramente
renacentistas.
INTERPRETACIN:
Descripcin:
De planta cuadrangular irregular, organizado en torno a un patio y con torres en las
esquinas, sus fachadas se alzan con planta baja y dos alturas, y en un lateral se abre
la puerta principal, realizada en alabastro por Ignacio Vergara sobre diseo de Hiplito
Rovira. Presidida por la imagen de la Virgen, desde ella descienden dos caudales de
agua en alusin al ttulo de los marqueses, con dos atlantes a los lados que simbolizan
dos ros, todo con aspecto de desbordante voluptuosidad.
En esa poca toda la fachada estaba decorada con frescos de Rovira, pero en 1867 el
palacio sufri una nueva remodelacin, y en ella desaparecieron las pinturas, que
estaban en mal estado por la humedad, siendo sustituidas por estucos en tonos grises
y rosas imitando mrmoles, y adems se realizaron tambin los balcones de sabor
francs, con barandillas ondulantes
Fachadas del palacio, la principal est dispuesta sobre un eje central de simetra
formado por la portada, con torres en los extremos como remate de los cinco niveles
horizontales que se rompen visualmente con los huecos de los balcones, con cierta
proyeccin curva, y los culos, de sencilla cerrajera, del semistano y altillo.
ANLISIS FORMAL:
Anlisis de la fachada
La portada, de relativa simetra, se compone de dos cuerpos claramente diferenciados
por una cornisa ondulante. El cuerpo inferior consta de tres planos superpuestos. El
primero, vinculado al rectngulo del umbral de la puerta, es una orla, con enormes
aletones inferiores en forma de espiral, soportada sobre un robusto basamento
ondulante, que asciende por el jambaje y se amplia, al llegar al dintel, sobre dos
solapas en los vrtices del marco, que se remata en el centro con el escudo herldico
coronado de los marqueses, cuya proteccin corre a cargo de dos Hrcules dotados de
mazo o porra, los porrots en denominacin popular. La ptrea orla est decorada con
dos cintas ondulantes a cada lado, rematadas con borlas que imitan un cortinaje
teatral.
En el cuerpo superior aparece como tema central la patrona del marquesado, la Virgen
del Rosario, con el Nio Jess en brazos y el rosario pendulante al aire. En el diseo
original, la virgen deba de estar sedente, ms Vergara modifico el dibujo de Luis
Domingo y la laz en pie, para darle mayor visibilidad desde pie de calle. Si la imagen
original fue tallada en madera y policromada, la actual, que sustituyo a la de Vergara
en la reforma de mediados del siglo XIX, es de piedra. S se ha conservado la
instalacin dentro de una hornacina sobre pedestal de nimbo con una pareja de
querubines, uno de ellos, juguetea con el manto de la Virgen. La hornacina posee unas
puertas que se cierran cuando hace mal tiempo para preservar la integridad de la
imagen. A los pies de la Virgen, pero ya sobre el cornisamiento, se instalan dos figuras
alegricas femeninas, arrodilladas en actitud contemplativa; la una, posiblemente la
Fortuna, con una composicin frutal que se derrama de la cornucopia que sujeta con
su mano izquierda; la otra, la Abundantia, con una vasija a sus pies, de la que surten
monedas. A espaldas de ambas divinidades se sitan grandes vasijas con pie, y, ms
arriba de sus cabezas, clices. De todos ellos surgen densas y serpenteantes columnas
de humo que se entremezclan con los haces de luz que provienen del aura de la Virgen
y el Nio. El humo se convierte ms arriba en cola de ngeles cados (sirenas para
algunos autores), dotados de alas y pechos femeninos. Por ltimo, un nuevo
entablamento, siempre curvo, corre a la altura de la parte superior del nicho, sobre
cuyos laterales se enmarcan cornucopias que derraman con generosidad sus frutos.
Este entablamento es rematado por un frontn formado por dos volutas que flanquean
una bola del mundo sobre la que un ngel, la Fama, dotado de trompeta en su mano
derecha, deposita una corona de laurel con su mano izquierda. La escena de la Fama y
la bola del mundo es revestida con ropajes y enmarcada con volutas que sirven de
marco definitorio, que ya se resalta poco respecto al muro de la fachada debido a la
cercana del balcn superior. Y sirve de colofn una pareja de aletones que mueren en
los extremos del diluido entablamento, sobre el que cuelgan las repetidas cintas
ondulantes rematadas con borlas
ESTILO:
El valiente diseo de Rovira para la portada principal era de tanta dificultad tcnica
que contrat a quiz el mejor escultor de la poca para su ejecucin. El elegido,
Ignacio Vergara (1715-1776), haba que traducir al lenguaje de la piedra no slo
ngeles, atlantes, cintas, borlas, animales o plantas, sino que tambin tena Vergara
que conseguir permutar, la piedra en madera con carcoma, en humo o en agua. Pero
el reto, una vez aceptado, sirvi para que con cuarenta y una galeradas de piedra
alabastrina de las canteras de Nierola, en la cercana localidad de Picassent, propiedad
del marqus, Ignacio Vergara demostr toda la sabidura que haba ido obteniendo en
el taller familiar, junto a su padre, el escultor y arquitecto Francisco Vergara el Mayor,
su hermano Jos, sobresaliente pintor, y su primo Francisco Vergara Bartual el
Romano. En realidad, Ignacio Vergara era experto en esculturas decorativas de
fachadas, como demuestran las figuras que rematan el Palacio de Justicia, que
representan a Carlos III entre las alegoras de la Prudencia y la Justicia, o los ngeles
adorando el anagrama de la Virgen Mara, grupo escultrico instalado sobre la portada
barroca de la catedral valenciana.
Vergara se emple en otros asuntos escultricos del palacio, como la carroza de las
Ninfas, de la que luego hablaremos, algunas columnas y capiteles, determinados
muebles, etc. Para ello cont con la colaboracin del pintor y escultor Luis Domingo
(1718-1770), discpulo de Rovira.
Ya avanzada la dcada de 1720, Rovira marcha, como tantos otros artistas espaoles
pensionados, a Roma, para asimilar las tcnicas y el estilo que se imparte en las clases
de la ya clebre Academia de San Lucas, a cargo del pintor Sebastiano Conca. De l
debi aprender Rovira el gusto por el desnudo masculino (en Roma estaba prohibida,
por orden papal, la representacin del desnudo femenino), as como una gran variedad
de temas mitolgicos y religiosos. Tambin estuvo trabajando en el taller de Corrado
Giaquinto, quien aos despus recalara en Madrid llamado por Fernando VI, en 1753,
para trabajar en la decoracin del palacio real nuevo.
Resulta muy significativo que Rovira viviera en el palacio mientras duraron las obras
(1740-1745), lo que le permita controlar absolutamente todo cuanto se tena que
realizar.
INTERPRETACIN:
Sera en 1740 cuando el marqus, don Giner de Rabassa de Perells decide, acorde a
su linaje y poder econmico, renovar completamente su casa solariega en el centro de
Valencia, junto a la iglesia de San Juan de la Cruz. Para ello, no slo era necesario
modificar la distribucin de las estancias de la antigua casona medieval, con elementos
tpicos del siglo XV (torre almenada, galera corrida de arquillos superiores, arcos de
medio punto en los dinteles), sino, adems, su imagen publica, su podero. Para este
fin, el marqus no dej la reforma en manos de arquitectos, sino que decidi llamar
para llevar la direccin, los diseos y los decorados, al grabador y pintor valenciano
Hiplito Rovira Meri (1693-1765), un artista de una personalidad, tanto intelectual
como artstica, alabada y discutida por sus contemporneos a partes iguales. Su
trayectoria vital y artstica no ha sido todava aclarada suficientemente, pero hasta
ahora ha sido esbozada por Cen Bermdez, Orellana, el barn de Alcahal, Elas
Tormo, Ferrn Salvador, Berchz y Salvador Aldana
LAMINA REALIZADA POR: Francisca Aina Binimelis Servera (Centro Palma de Mallorca)
BIBLIOGRAFA:
H DEL ARTE MODERNO III ( UUDD) Jose Enrique Garca Melero UNED Madrid 2004
Cen Bermdez, A, Diccionario histrico de los ms ilustres profesores de las Bellas Artes en Espaa,
tomo IV, Madrid, 1800, pgs. 251-255.
Arte Historia.com
Wikipedia
Descripcin:
La Iglesia de la Magdalena es, probablemente, el edificio ms representativo del
neoclasicismo francs. Comenzada en 1764 por Lus XVI es Napolen quien la termina
convirtiendo la iglesia de cruz latina con cpula en su interior en un templo perptero
griego en su exterior, dando como resultado una iglesia cristiana de modelo medieval
encerrada en un exterior de templo griego. La iglesia encabeza la Rue Royal de Pars,
entre los palacios gemelos de Gabriel.
ANLISIS FORMAL:
Con Napolen existe un claro inters por este resurgimiento de la arquitectura clsica.
Luis XVI, haba mandado construir en 1664 la iglesia de la Madeleine siguiendo los
cnones de iglesia cristiana provenientes de la Edad Media. Medio siglo ms tarde,
1806, se celebra el concurso para terminar la inacabada obra de los tiempos de Luis
XVI. Para entonces, Napolen ha propiciado el resurgimiento de los rdenes clsicos
en la arquitectura francesa y decreta que la estructura no sera otra que la de un
templo de la gloria. En 1813, tras su derrota en la batalla de Leipzig, renuncia a este
Desde el siglo III no se haba vuelto a construir un templo grecorromano y, con esta
obra, por primera vez un templo catlico adopta la figura del mismo. Con la iglesia de
la Madeleine desaparece la fidelidad al modelo de iglesia creado en la Edad Media,
dotada de fachada vertical con dos torres.
EL AUTOR Y SU OBRA.
Arquitecto francs (1762-1828). Fue discpulo de Claude-Etienne de Beaumont y de
Leodux. Fue junto con Jean Franois Chalgrin fue uno de los arquitectos que
represent en arquitectura el estilo Imperio napolenico.
BIBLIOGRAFA:
Textos de Jos Enrique Garca Melero.
H del Arte. A. Fernndez y otros. Vicen-Vives 1987.
Las claves del arte neoclsico. Isabel Coll. Planeta. 1991.
Historia de la pintura, escultura y arquitectura. Hartt.
H del Arte. J.J. Martn Gonzlez. Gredos. 1986.
026: ARQUITECTURA
Fachada de la Real Academia de San Fernando
(Diego de Villanueva)
Descripcin:
El edificio fue construido, en estilo barroco, entre 1724 y 1725 por el arquitecto Jos
Benito Churriguera, como casa-palacio de don Francisco Miguel de Goyeneche, conde de
Saceda y marqus de Belzunce. Posteriormente sirvi de estanco de tabaco y Gabinete
de Historia Natural, hasta que en 1773 pas a albergar a la Real Academia de Bellas
Artes de San Fernando, funcin que en la actualidad sigue desempeando.
ANLISIS FORMAL:
El estilo barroco del edificio no era del gusto de los acadmicos, quienes decidieron
renovar la fachada y adaptar el edificio a las necesidades de su nuevo uso. Diego de
Villanueva ser el encargado de la reforma, centrando su intervencin en la mutilacin
de todos los componentes barrocos de la obra de Churriguera.
De esta forma se elimin el basamento que imitaba roca natural y los motivos de volutas
y hojarasca del balcn central. Esta decoracin churrigueresca era asociada al
pensamiento tradicional y se quiso que el edificio mostrase lneas clasicistas propias del
mundo ilustrado. Las torres laterales fueron aadidas posteriormente para tapar las
medianeras de los edificios contiguos que eran de mayor altura.
Esta transformacin, es considerada por los especialistas como el fin de una poca y el
principio de otra. Diego otorg una impronta distinta, neoclsica, a su nuevo prtico.
Alter tambin muchos de sus componentes interiores, pero no as la disposicin axial
de su planta ni su escalera imperial, considerada como una de las ms originales de
Madrid. Pese a que Villanueva suprimi la ornamentacin churrigueresca, la 'tectnica'
sobre la que su escalera organiza la nervadura y la circulacin del edificio, conservan
todava destellos del genio de Churriguera. Ascender sus escalones permite adquirir un
ritmo de marcha cuyo tempo avanzante slo es parangonable al que an envuelve a
quienes surcan los de las ms sublimes escaleras de Florencia, con sus peldaos
espaciosos, de mtrica solemne, que piden suavidad a la zancada larga.
En la fachada hay autonoma entre los diferentes cuerpos; con preferencias por las
formas geomtricas que potencien los volmenes; para Diego de Villanueva lo
fundamental es la estructura, lo ornamental se subordina; existe interrelacin entre
espacios interiores con los exteriores; la arquitectura de la fachada se integra en el
paisaje urbano; para el dstilo utiliz del orden drico; la fachada esta proyectada con
racionalidad y es funcionalista; el arquitecto utiliza las luces y sombras como
moldeadores de la arquitectura, todas estas caractersticas definen claramente al
estilo del que ser introductor: el neoclasicismo.
Para entender el proyecto de Diego de Villanueva, nada mejor que reproducir algunas
de sus ideas reflejadas en su obra terica Papeles crticos; para l la conveniencia
"ensea a enlazar entre s la fbrica con el fin que la hace emprender por este
conocimiento un edificio consigue su entera perfeccin" (pg. 36). Y es la perfecta
unidad entre economa, espacialidad interior y simetra exterior, "distribucin,
ordenacin y proporcin" en sus palabras, la que le permite valorar la bondad del
resultado, "... por los exteriores juzgo cul pueden ser los interiores" (pg. 37), y
concluir: "...en cuanto veo fabricado no hallo un ejemplo que pueda ser en el todo
modelo de la conveniencia en un edificio, y por consiguiente una verdadera
arquitectura" (pg. 39). Idea en la que insistir en otros momentos de sus textos
hasta apuntar el mejor medio ilustrado para que aquella obra aflore: "...creo se
llegar a imitar bien cerca la arquitectura griega y romana, debindose esta
revolucin a una juiciosa y fundada crtica, pues donde ella falta, las artes no pueden
llegar a su perfeccin".
surge de la reaccin de los artistas contra el Barroco y su variante el Rococ, con sus
efectos decorativos (curvas en continuo movimiento y decoracin menuda y vegetal).
Para los arquitectos neoclsicos el arte barroco repite los mismos temas, se ha
perdido en los detalles y no se plantea la composicin arquitectnica. Tratan de
recuperar la Razn, contra lo superficial y frvolo de los salones de la nobleza
europea: arquitectura de la Razn o de las Luces. Intentan recuperar el buen gusto y
el rumbo perdido con la vuelta al mundo antiguo, a la arquitectura grecorromana,
pureza y claridad de las formas. La antigedad les da la inspiracin, para elaborar una
arquitectura fresca, recia y pura. Propugnan el Cientifismo, con la vuelta a la
naturaleza y sentimentalismo romntico.
CRONOLOGA: 1741-1828
ESTILO: Neoclsico
DIMENSIONES:
Descripcin:
Se trata de un busto realizado en barro cocido, que haba realizado Jean-Antoine
HOUDON del enciclopedista francs Denis Diderot. Fue el primero de una serie de
esculturas de personajes eminentes de su poca, al que siguieron los de Mirabeau,
D'Alembert, Molire, Voltaire, Rousseau y Franklin.
Tambin hizo retratos de Thomas Jefferson y otros personajes famosos de este pas.
Su prestigio se mantuvo durante la era napolenica y esculpi un busto de Napolen I
Bonaparte... Durante la Revolucin francesa, plasm los rostros de Necker, Lafayette
y Napolen. Cabe destacar tambin su elegante Diana cazadora (1776), de estilo
clasicista.
INTERPRETACIN:
CONTENIDO Y SIGNIFICADO:
Caractersticas de su obra: naturalismo, estudio exhaustivo de la anatoma, no
desdeo el uso de mascarillas, ni mediciones meticulosas. Su precisin cientfica no
disminuyo de ninguna forma el valor de su trabajo. Declaro que su propsito "era
representar con todo el realismo posible y elevar a la inmortalidad a los hombres que
ms haban contribuido a la gloria y a la inmortalidad de sus pases".
Los retratos de Houdon muestran emociones e informan sobre el sujeto que aparece
absorto en meditaciones, o bien abandonado a alguna emocin, o pronunciando un
discurso.
Elev al mximo el dibujo en la escultura.
BIBLIOGRAFA:
Artehistoria.com
Arte. Historia de la pintura, escultura y arquitectura". Hartt, Frederck. Ediciones Akal S.A.
Madrid. 1989.
Descripcin:
Nos hallamos ante una escultura en madera policromada de Cristo muerto, tendido en
un lecho despus de haberse producido el descendimiento de la cruz, tema muy
utilizado durante el Barroco del siglo XVII.
ANLISIS FORMAL:
La figura aparece desnuda, tumbada sobre unos paos con la testa ligeramente
alzada por un cabezal y cada hacia un lado.
Concretamente la lmina nos acerca al rostro de Cristo y el torso superior, donde el
dolor ha dejado mella y la expresin de descanso despus de la tortura se enfrenta a
los restos de la misma, especialmente las heridas producidas por la corona de
espinas.
Los ojos medio abiertos, o ms bien medio cerrados transmiten cansancio. En el torso
diferenciamos la gran herida abierta en la parte derecha del trax. La palidez de la
piel nos demuestra la falta vida, aunque no sea una palidez natural sino inventada por
el autor.
ESTILO:
Gregorio Fernndez (1576-1636) gallego que realiz la mayora de sus obras en
Valladolid, centro crucial de la talla policroma en la Espaa del siglo XVII. En l
encontramos reminiscencias de Leoni aunque su mayor maestro influyente es Juan de
Juni. En sus cristos yacentes destaca la sencillez y la horizontalidad, la suavidad de la
piel, descuidando la anatoma, lo importante era el mensaje. Este nos llega a travs
de la sangre y la mirada, una mirada a camino entre la piedad y el descanso. Destaca
el barroquismo en el tratamiento de los cabellos. El tratamiento de los ropajes es
grosero, con unos pliegues rudos, acartonados y angulosos, que no transmiten
naturalidad.
INTERPRETACIN:
La obra es un encargo de los Capuchinos del Prado, estos trabajos eran muy definidos
por los clientes y el artista se limitaba a realizarlos sin diferir en nada de lo acordado,
eso no quiere decir que cada artista dejara su sello personal en cada obra. A menudo,
como es el caso, las obras se adaptaban a las rgidas normas morales y dogmticas.
Volvemos sin llegar al extremo medieval a la catequtica en la escultura. Estas obras
estaban realizadas para impresionar a los fieles, por eso la ausencia de muchos
detalles anatmicos y la magnfica definicin del rostro de Cristo.
EL AUTOR Y SU OBRA:
Gregorio Fernndez es para algunos especialistas el mejor exponente del Barroco
castellano del siglo XVII.
Las esculturas de Gregorio Fernndez destacan por su gran dominio de la anatoma,
excepto casos puntuales, a su vez es de subrayar el realismo y dramatismo que
adquieren algunas de sus composiciones, especialmente sus Piedades y Dolorosas,
herencia de Juan de Juni. No deberamos olvidarnos de los retablos donde se
consagra como maestro compositivo. Por ltimo el realismo ms puro de este escultor
lo podemos observar en sus Pasos de la Semana Santa, entre estos sobresalen
personajes como Cirineo o la Vernica.
BIBLIOGRAFA:
- Visuales Gonzlez, Jess. Historia del Arte Moderno III (El Barroco) UU.DD.
Madrid: UNED, 2006.
- Hartt, Frederick. Historia de la pintura, escultura y arquitectura. Madrid:
Ediciones Akal S.A., 1989.
Descripcin:
El rapto de Proserpina por Plutn representa un asunto procedente de las
Metamorfosis de Ovidio.
ANLISIS FORMAL:
En cuanto a la composicin es una lnea vertical a la que se contraponen tres
brazos en horizontal, los dos del dios y uno de la joven. Las manos de Plutn se
hunden en el cuerpo terso de la joven y la carne cede bajo la presin. La ceja del dios
se deforma bajo el empuje de la mano de la diosa. A los pies de la estatua el can
cerbero, el monstruoso animal que guarda las puertas del reino de Plutn.
INTERPRETACIN:
Representa a Proserpina (Persfone en la mitologa griega) siendo raptada por Plutn
(Hades en la mitologa griega), soberano de los infiernos. A partir de este mito trata
el tema de la violencia siguiendo los modelos de la escultura helenstica. El
poderoso cuerpo del dios, el de un varn maduro, se encamina hacia delante y el
juvenil y femenino cuerpo de Prosrpina no pisa el suelo pero tiende hacia atrs sus
brazos, pidiendo ayuda con uno y rechazando la cabeza del dios con el otro.
OBRA/TITULO: El Transparente.
AUTOR: * Narciso tom. 1690-1742
CRONOLOGA: 1720.
LOCALIZACIN: Toledo.
ESTILO: Churrigueresco.
TECNICA: Escultura y pintura
MATERIALES UTILIZADOS: Mrmol, jaspe y bronce.
SISTEMA CONSTRUCTIVO: R e t a b l o . D e c o r a c i n d e u n al t a r .
LOCALIZACIN: Catedral de Toledo.*
Descripcin:
El Transparente es un impresionante retablo, donde se representa una espectacular
escenografa realizada en diversos materiales, donde se alternan: la piedra, el mrmol y
el bronce. El retablo recibe el nombre de Transparente debido al efecto que sobre l
emite la luz que es proyectada por una linterna abierta ex profeso.
ANLISIS FORMAL:
Retablo
ELEMENTOS PLASTICOS:
El conjunto muestra pinturas seguramente realizadas con la tcnica al fresco. Las
mismas tambin fueron realizadas por los Tom. La temtica de las mismas es
seguramente de carcter religioso, pero la poca documentacin existente sobre las
mismas denota que el fuerte de la obra es sin duda el conjunto escultrico.
COMPOSICIN:
En el retablo en mrmol, bronces y jaspes propiamente destaca como eje central el
altar. En el destaca en su centro la imagen de la Virgen sedente con el Nio en una
hornacina.
A ambos lados del altar, figuras representando a Santa Casilda y Santa Leocadia, ms
arriba en la misma lnea, San Eugenio y San Ildefonso con bculos y en la cima las tres
virtudes teologales: fe, esperanza y caridad. Tambin en este gran altar encontramos
los cuatro arcngeles con sus atributos: Rafael, Gabriel, Miguel y Uriel.
ESTILO:
Estilo churrigueresco, es la expresin utilizada para designar la ltima etapa de la
arquitectura barroca espaola, desarrollada ya en el siglo XVIII.
Deriva del apellido Churriguera, familia de arquitectos que impulsaron un estilo
eminentemente decorativo, de abigarrada ornamentacin, como es el carcter de la obra
de Tom. El nombre al estilo se acuo en el siglo XIX atribuyndolo a una familia de
Castilla, los Churriguera. Esto no se debe tomar al pie de la letra pues en el resto de la
pennsula trabajaran numerosos arquitectos este estilo confirindole personalidad propia
como es el caso de la Familia* Tom en Toledo.
Sin embargo, en el ngulo inferior de la derecha puede verse una inscripcin grabada en latn
donde se da a conocer al autor:
Narciso Tom, Arquitecto Mayor de esta Santa Catedral Primada, deline, esculpi y a la vez
pint por s mismo toda esta obra compuesta y fabricada de mrmoles, jaspe y bronce
INTERPRETACIN:
CONTENIDO Y SIGNIFICADO:
Al parecer el tema general de dicha obra quiere resaltar la exaltacin de la Eucarista
despus de la contrarreforma. El motivo del mismo se debe al afn de advertir a los
fieles que se hallan pasando por detrs del Santsimo Sacramento.
Como ya he comentado anteriormente, la idea del Transparente se remonta a Bernini,
en la Ctedra de San Pedro, de la cual procede el rompimiento del cielo y la conduccin
de la luz concentrada sobre lo que se desea exaltar.
Esta afortunada obra tuvo mucha repercusin en el arte espaol. Al mismo tiempo
tambin gener grandes crticas. No hay que olvidar que dicho conjunto escultrico est
enclavado en el interior de un templo gtico y la fuerza chocante que introdujo Tom
con el estilo rococ que caracteriza a todos los elementos que componen el famoso
Transparente, motiv una gran polmica sobre si es o no es incompatible con el templo
en que est ensamblado.
FUNCIN:
La idea de hacer este transparente rompiendo el muro absidal surgi con el fin de dar
luz al sagrario que se encuentra justo a su espalda.
FOTOGRAFAS:
http://es.wikipedia.org/wiki/Catedral_de_Santa_Mar%C3%ADa_de_Toledo
http://www.jdiezarnal.com/catedraldetoledo.html
Descripcin:
Beln que realiz para don Jesualdo Riquelme y Fontes. Consta de todas las escenas
precisas y un sinfn de figuras que completan y ambientan un autntico panorama que
el destinatario instalaba en el piso bajo de su casa. Se seala en varias de las figuras
accesorias el trabajo de discpulos, sobre todo de Roque Lpez, pero en los misterios
principales se ve la mano maestra. Como suceda en tantas imgenes de sus pasos,
aqu se visten y adornan de modo anacrnico y en realidad nos hace una fidelsima
presentacin de sus contemporneos y vecinos, ocupados en sus trabajos o
divirtindose saludablemente. Se completa con arquitecturas, tambin
voluntariamente anacrnicas, excepcin hecha del lugar en que sucede el Nacimiento,
resuelto en ruinas de columnas por entre las que entran las Glorias Anglicas.
INTERPRETACIN:
CONTENIDO Y SIGNIFICADO: Est compuesto por 556 figuras de 25-30
centmetros realizadas en barro cocido, madera y cartn. Basndose en los Evangelios
de San Mateo y de San Lucas, Salzillo va relatando la historia bblica del Nacimiento
de Cristo, desde la Anunciacin a la Huida a Egipto, compaginando las escenas
religiosas con otras de carcter popular o costumbrista, siendo fiel reflejo de muchas
de las tradiciones de la poca. Basado en origen en la tradicin del Pesebre
napolitano, creara una autntica escuela de belenes que perdura en Murcia hasta
nuestros das.
Autor:
Francisco naci en Murcia el 21 de mayo de 1707. Su padre, Nicols Salzillo, era un
escultor italiano, procedente de Capua, que unos aos antes se haba afincado en
Murcia. Tras iniciar estudios de Letras con los jesuitas, parece que entr en la Orden
Dominicana como novicio, tras lo cual tuvo que hacerse cargo del taller escultrico de
su padre a la muerte de ste en 1727, cuando Francisco contaba con tan slo veinte
aos.
Salzillo hered el taller de su padre y asumi su direccin, recibi de su padre como
herencia herramientas, dibujos y obras como santos eremitas, figuras de mujer o
modelos infantiles. Gracias a ellos, el autor se fue formando como escultor y fue
construyendo su propio estilo. En el taller, estas piezas eran estudiadas con
frecuencia para ver novedades iconogrficas, soluciones espaciales, formas
anatmicas, giros corporales o expresiones de rostros antes de ser llevados a la
madera.
Empez siendo un taller familiar, en el que trabajaban sus hermanos Jos Antonio y
Patricio, y aos ms tarde se incorporaron diversos discpulos, de los que slo son
conocidos los nombres de Jos Lpez y Roque Lpez. El primero entr a trabajar en
1753, cuando Salzillo estaba comenzando los trabajos de la serie pasionaria de
Viernes Santo y el taller necesitaba de pupilos dispuestos para los trabajos ms
rudimentarios que requera la talla en madera. Por su parte, Roque Lpez se
comprometi mediante contrato en 1765, ao en el que Salzillo inaugur su academia
domstica. Salzillo mantuvo contactos con el arquitecto y escultor Jaime Bort, aunque
nicamente en el mundo del retablo.
En 1746 se cas con Juana Vallejo y Taibilla, matrimonio fruto del cual nacieron dos
hijos: Nicols, nacido en 1750 y muerto al ao siguiente, y Mara Fulgencia.
Toda la vida de Francisco Salzillo tuvo lugar en Murcia, donde se hizo con un nombre
y una fama que trascendieron lo meramente artstico. Slo hay documentado un viaje
suyo fuera de la ciudad de Murcia, el que realiz a Cartagena para la entrega de las
imgenes de los Cuatro Santos en 1755.
Rechaz la invitacin del Conde de Florida blanca para trasladarse a Madrid, lo que le
habra servido para darse a conocer en la Corte.
Con el paso de los aos, su obra fue adquiriendo fama y recibi multitud de encargos
de iglesias y conventos de Murcia y de las provincias limtrofes: Alicante, Albacete y
Almera. En 1755 se le nombr Escultor Oficial del Concejo de Murcia e inspector de
pintura y escultura.
Tras la muerte de su esposa en 1763, las reuniones de Salzillo con otros artistas e
intelectuales murcianos se hicieron ms frecuentes. En 1777 fundaron la Real
Sociedad Econmica de Amigos del Pas de Murcia, que sirvi para que en 1779 se
creara la Escuela Patritica de Dibujo, que tuvo como primer director a Salzillo.
LAMINA REALIZADA POR: Francisca Aina Binimelis Servera (Centro Palma de Mallorca)
BIBLIOGRAFA:
Artehistoria.com
Arte. Historia de la pintura, escultura y arquitectura". Hartt, Frederck. Ediciones Akal S.A.
Madrid. 1989.
Wikipedia, Arte Espaol
Historia del Arte Moderno, programa UNED 2005. Tema 35, UUDD.
DESCRIPCIN.
Esta escultura es obra de Gregorio Fernndez, el mejor escultor de la Escuela
Barroca Castellana. Creador de varios modelos iconogrficos que, posteriormente,
otros imitaran. Escultura realizada en madera policromada que muestra la imagen de
un Cristo atado a la columna y en el que se observan caractersticas propias del estilo
escultrico de Fernndez en particular y del Barroco en general: naturalismo, el uso
de los regueros de sangre, el rostro con expresin de sufrimiento y resignacin, el
plegado metlico y la angulosidad de sus ampulosos paos el realismo exacerbado,
pattico, tan propio de la poca para que el pueblo pudiera comprender sin grandes
esfuerzos lo que se le quera trasladar.
INTERPRETACIN Y ESTILO.
Gregorio Fernndez, el escultor insignia del horizonte escultrico castellano, recal en
Valladolid cuando la Corte se instal en dicha ciudad. Comenz a trabajar en el taller
de Francisco Rincn. Influencias manieristas, probablemente de la escultura de Juan
de Juni y, tambin, de los modelos hispano-flamencos del siglo XV de quienes debe
proceder ese plegado metlico y angulosidad de paos. Gran estudioso de la
anatoma humana y del uso de la sangre para dotar a sus sufrientes figuras del mayor
naturalismo y espiritualismo mstico. Fernndez fue creador de varios prototipos
Su estilo realista, que comparte con la otra gran escuela de escultura barroca: la
andaluza, es ms hiriente, el dolor y la emocin se muestran a flor de piel, en
contraposicin con el mayor sosiego y bsqueda de la belleza de los andaluces.
EL AUTOR Y SU OBRA.
Gregorio Fernndez (Hernndez, segn algunas fuentes), nace en Pontevedra o Sarria
(al igual que su apellido es algo que no est claro) en 1576 y muere en Valladolid en
1636. Hacia 1601 llega a Valladolid, atrado por el establecimiento de la Corte en
dicha ciudad. Trabaja en el taller de Francisco del Rincn. Sus influencias iniciales son
manieristas. Escultores como Juan de Juni o Pompeyo Leoni influyen en l. Ms tarde
evolucionara de ese manierismo a la italiana hacia formas de naturalismo extremo
con las que capto el sentimiento de lo espaol de una manera admirable.
Fernndez, que vivi una poca en la que lo artesanal y lo gremial an prevaleca, fue
un maestro de taller. En l, cont con numerosos aprendices a los que transmiti el
estilo de sus figuras que perdur an despus de su muerte. Estuvo asociado con
una familia de ensambladores, los Velsquez, con los que realiz un buen nmero de
retablos de arquitectura muy sobria y cargados de figuras dramticas.
Gregorio Fernndez fue la figura central del primer tercio del Siglo XVII en la
escultura castellana, as como uno de los ms importante creadores de imgenes
piadosas en Espaa.
BIBLIOGRAFA.
Textos de Jos Enrique Garca Melero.
Historia del Arte. J.J. Martn Gonzlez. Editorial Gredos. Madrid 1986.
Historia del Arte. Diego Angulo. E.L.S.A 1975.
BIBLIOGRAFA:
H DEL ARTE MODERNO IV. UUDD Jos Enrique Garca Melero UNED Madrid 2004
Enciclopedia de Historia del Arte. Editorial Salvat.
Varias pginas Internet.
FOTOGRAFAS: http://www.galleriaborghese.it/
ANLISIS FORMAL:
formacin clsica de Montas. Las figuras son de un bulto prominente, resaltando las
que se encuentran en el primer plano que casi parecen que estn tratadas como figuras
de bulto redondo.
Las esculturas del retablo, estn en el centro de los 3 pisos que componen el retablo,
slo el inferior es totalmente de Montas, en el resto se aprecia las manos de sus
discpulos, que trabajan en su taller. La figura de S. Jernimo, le fue encargada para
hacerla slo l.
INTERPRETACIN:
Las esculturas espaolas estn hechas normalmente por varias personas de un mismo
taller, tallador, tracista (que esculpen la imagen), policromador o estofador, etc.
La escultura con funcin didctica, se localiza tambin en los retablos, que siguen los
esquemas romanos del Renacimiento pero ms complicados. A partir de los ltimos aos
del siglo XVII, se va abandonando el retablo compartimentado, y se hacen retablos
unitarios, con menos esculturas y escenas ms grandes.
Este exagerado naturalismo, tiene como funcin conmover al pueblo, para atraerlo a la
fe. Es el seguimiento de los presupuestos del Concilio de Trento, que decan que la vida
de Jess y los santos, su marrito y sus milagros, parecieran reales, y a la vez invitaran a
la piedad y a la fe. Son en definitiva, las imgenes de la fe.
ANLISIS FORMAL:
Se puede apreciar en sus construcciones que Pedro de Ribera utiliza habitualmente los
mismos elementos y estructuras, que definen su estilo claramente.
INTERPRETACIN:
Declarado Monumento Nacional en 1919, el Hospicio ces en sus funciones en 1922. El edificio fue
adquirido por el Ayuntamiento de Madrid y restaurado profundamente por el arquitecto Luis
Bellido. Tras su restauracin, en 1929 se dedic a albergar las dependencias del Museo Municipal,
funcin que en la actualidad contina desempeando
Descripcin: La figura de ste ngel pertenece a uno de los dos que forman parte
del monumento escultrico obra que en 1819, Antonio Canova realiz para el
cenotafio dedicado los ltimos descendientes de la familia inglesa de los Estuardo o
Stuart, que se encuentran aqu enterrados. Se trata de Jacobo (III) 1688-1766 y sus
dos hijos: Charles Edward 1720-1788 y Henry Benedict 1725-1807 (que fue
Cardenal). Los tres personajes aparecen retratados de perfil por debajo de la
mnsula. Este cenotafio se halla en la nave izquierda de la Baslica de San Pedro del
Vaticano.
Anlisis Formal-Composicin:
En cuanto a la ejecucin destacamos el Modelado escultrico muy perfeccionista,
utilizando el mrmol blanco como nico material. La figura muestra a una figura
humana alada y desnuda, sostenindose sobre una pierna y cruzando la otra, en
actitud de recogimiento. Est apoyado en la pared contigua a una puerta situada a su
derecha. Sostiene con la mano derecha una pieza de tela, como un sudario, la cul
acerca a su cara y parece enjugar sus lgrimas. Esta pieza de tela resulta de un gran
realismo por su textura, su cada y sus pliegues. La figura en s transmite diversas
sensaciones y emociones, que podramos definir como: serenidad, afliccin, etc.
Estilo: Antonio Canova se inici dentro de los patrones del ltimo barroco.
Derivando hacia un estilo propio que puede considerarse el paradigma de la escultura
neoclsica, como es el caso que nos ocupa. Sus obras se inspiran directamente en los
modelos de la antigedad y su maestra en el trabajo del mrmol queda bien patente
a lo largo de su dilatada carrera, que lo llev a ser considerado en su poca el mejor
escultor de toda
Europa.
BIBLIOGRAFA:
CRONICA DE LA HUMANIDAD 1984 Harenberg Kommunikation, Dormund
H DEL ARTE MODERNO 1987-1988 Plaza & Jans Editores Barcelona
FOTOGRAFAS: www.scultura-italiana.com
OBRA/TTULO: La Gitana.
AUTOR: Frans Hal
CRONOLOGA: S. XVII (1628).
LOCALIZACIN: Louvre, Pars.
ESTILO: Barroco.
MATERIAL: leo sobre tabla
Descripcin:
Estamos ante un retrato de gnero, en el podemos observar una mujer de mirada
pcara y alegre que parece invitar a disfrutar de sus encantos. Por si hubiera alguna
duda sobre su profesin la potente iluminacin empleada refleja en su despejado
escote.
ANLISIS FORMAL:
ELEMENTOS PLASTICOS:
leo sobre tabla. Este pintor holands refleja su actitud ante la vida en sus pinturas.
Las pinceladas son rpidas y certeras. El tratamiento del color es casi impresionista
debido a las manchas, fundidos y restregones que son frecuentes en sus obras, esto
da ms vitalidad y movimiento a sus figuras. Otros rasgos de este pintor son la
luminosidad, diafanidad y la precisin en las formas, estas las consigue gracias a los
fondos.
COMPOSICIN:
Se trata de un retrato de medio cuerpo, proporcionado, la mujer se muestra ladeada
como dejndose llevar por la mirada.
ESTILO:
Dentro del barroco holands, estos retratos de gnero, en concreto estos de Frans
Hal, maestro la cotidianidad y del desenfado, son muy atrevidos para una poca
donde no faltan ejemplos moralizantes y dogmticos.
Este estilo enlaza con el estilo domstico holands del que beber el estilo flamenco
contemporneo.
INTERPRETACIN:
El pintor con esta obra muestra la cotidianidad, no podemos obviar que el pintor se
haca rodear de pobres y gentes humildes, incluso marginados y ha sabido como
pocos interpretar la psicologa de los personajes. Sus obras despliegan sensualidad y
atrevimiento. La sonrisa forzada no concuerda con el resto del rostro, nos puede
indicar que slo es una pose?.
EL AUTOR Y SU OBRA:
Frans Hal (1580-1666), uno de los mejores retratistas del Barroco centroeuropeo, es
una artista amante de su tierra y de sus gentes, pionero del genero doelenstukken o
retratos de Corporaciones. Pintor divertido, irreverente para la poca que le toc vivir.
Entre este tipo de retratos, los ms significativos son La milicia de San Adrin, Los
Oficiales de la milicia de San Jorge y la flaca Compaa.
Entre los retratos de gnero adems del citado, la Gitana o la Zngara, debemos
destacar El tocador de zampoa, El alegre bebedor, La bruja y la ms clebre Hille
Bobe.
BIBLIOGRAFA:
- Visuales Gonzlez, Jess. Historia del Arte Moderno III (El Barroco) UU.DD.
Madrid: UNED, 2006.
- Hartt, Frederick. Historia de la pintura, escultura y arquitectura. Madrid:
Ediciones Akal S.A., 1989.
Descripcin:
Obra clave en la produccin de Reni que, inspirado en las Metamorfosis de Ovidio, narra
el mito de Atalanta, hija de Esqueneo, rey de Arcadia, quien se ofreci en matrimonio a
quien pudiera vencerla en una carrera. El castigo para los perdedores, era la muerte.
Hipomenes, enamorado de la joven, acept el desafo ayudado por Venus, quien le
proporcion tres manzanas de oro que el joven debera ir arrojando a su paso para
distraer as a Atalanta y poder ganarla en la competicin.
ANLISIS FORMAL:
Guido Reni escoge un momento sinttico de la accin: para representar la causa del
retraso de Atalanta, y el efecto que ste tiene al permitirle a Hipomenes vencer, elige
una composicin muy compleja que expresa esta oposicin de actitudes.
ELEMENTOS PLASTICOS:
Esta obra resume el ideal de belleza de elegantes proporciones e interpretacin del
mundo clsico, caracterstico del clasicismo romano-bolos. Los colores son fros y
artificiales y slo el fondo oscuro y neutro recuerda la formacin inicial de Reni en el
estilo caravaggista.
COMPOSICIN:
Los gestos y la postura de cada uno de los personajes se oponen
simtricamente: una agachada, el otro en pie, piernas flexionadas,
piernas estiradas... Adems el movimiento es contrario: Atalanta
se vuelve sobre s misma, lo que ha de conducirle a la derrota.
Las manos de Atalanta nos muestran como con la izquierda ha cogido ya dos manzanas
mientras que en el momento que nos
muestra la accin est recogiendo la
tercera y ltima manzana. Hipomenes,
mientras tanto le ha cogido la delantera.
INTERPRETACIN:
CONTENIDO Y SIGNIFICADO:
Este lienzo parece una representacin de danza clsica, con elegantes movimientos,
interaccin fsica entre dos cuerpos jvenes y telas ondeantes. Poco hay que haga
pensar que se trata realmente de una carrera contra la muerte, tal como lo cuenta el
poeta romano, Ovidio. En el se plantea una versin del tema mitolgico de la herona
Atalanta: atleta, cazadora, orgullosa e independiente, Atalanta reta al hroe Peleo en las
carreras que se celebraban tras la muerte de Pelias. Vencedora en todas las pruebas,
fue retada a su vez por Hipomenes, que hubo de recurrir al engao para vencerla: en el
transcurso de la carrera, Hipomenes dej caer en el suelo varias manzanas de oro.
Cuando Atalanta se agach a recogerlas, aquel aprovech para aventajarla y vencer. La
derrota acab en boda, aunque no con un final feliz: ambos fueron transformados en
fieras por haber profanado el templo de Ceres.
Este cuadro perteneci al marqus de Serra y fue adquirido en 1664 por el conde de
Pearanda para el rey Felipe IV (1605-1665). Se conserva otro ejemplar de menor
calidad en el Museo di Capodimonte, Npoles.
FOTOGRAFAS:
o http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/jpg/REA00096.jpg
LAMINA 028.-
Vermeer: La alegora de la Pintura o
Estudio de artista
Descripcin:
Nos muestra una habitacin en la que hay dos personajes, el pintor y su modelo, as
como multitud de detalles dispuestos de forma desordenada como los objetos encima de
la mesa. En primer plano una cortina que se abre y nos muestra ese espacio ntimo del
artista. El pintor lleva un atuendo un tanto anticuado, con la blusa y el pantaln
abombados y parece que est comenzando a pintar el tocado de laurel que la mujer
lleva en su cabeza; hay varios muebles, el caballete, el taburete donde se sienta, otra
silla en primer plano, la mesa con los objetos citados anteriormente, el mapa al fondo
sobre la pared, el techo de vigas con la lmpara y el pavimento con dibujos geomtricos
que suele aparecer en varios cuadros de Vermeer.
ANLISIS FORMAL:
ELEMENTOS PLSTICOS:
La pintura ofrece una
percepcin realista de la
escena, con la utilizacin de
unos colores brillantes con el
azul y los ocres en sus
mltiples variantes como sus
colores preferidos que aqu
estn presentes sobre todo en
el vestido femenino y en el
mapa respectivamente.
Tambin se aprecia como la luz que entra por una supuesta ventana a la izquierda se
refleja en la figura de la mujer, el mapa y los objetos dispuestos sobre la mesa.
Vermeer era especialista en la racionalizacin del espacio (cartesiana o spnoziana), las
gamas tonales perfectamente encajadas cada una en su lugar, por lo que consigue una
pintura directa, intimista y lgica, con una profundidad y serenidad difciles de superar.
INTERPRETACIN:
tratado de pintura, est tambin la mscara que podra ser un estudio de modelado y el
libro de esquemas. Est claro que la pintura es una alegora, podra significar que la
musa de la historia inspira al pintor, pues al encontrarse junto al mapa reclama su
atencin hacia las regiones pintadas en el mapa y los mapas forman parte de la
historia.
Ha sido a partir del siglo XIX cuando Vermeer comenz a ser valorado como el gran
maestro que es, ya que entre sus contemporneos no fue muy considerado, para ellos
era uno ms de los pintores burgueses que vendan bien y trabajaban deprisa, casi en
serie. Sin embargo, no era este su caso, ya que como hemos apuntado antes, pinta
despacio, mide, calcula, repite, corrige hasta conseguir que ese momento potico quede
perfectamente reflejado en el lienzo.
BIBLIOGRAFA:
Viuales Gonzlez, Jess Miguel, H del Arte Moderno, El Barroco, volumen III, Uned .
VVAA, Museos del Mundo, Kunsthistorisches, Viena, Espasa, Espaa, 2007
Kraube, Anna C. Historia de la pintura, del Renacimiento a nuestros das. Hong Kong, Konemann,
1995. Tomo II.
FOTOGRAFAS:
Museo Kunsthistorisches,Viena
Descripcin:
Georges de La Tour es el ms famoso de los tenebristas franceses, recibi la
influencia del pintor italiano Caravaggio, y debi conocer asimismo la obra de Carlo
Saraceni o Gentileschi. No obstante, se le relaciona ms con los tenebristas
holandeses de la escuela de Utrecht, en particular Gerard van Honthorst que con
Caravaggio. En los cuadros de Georges de la Tour, el origen de la luz es concreto: una
vela, una buja, una antorcha u otra forma de luz artificial, mientras que en las obras
de Caravaggio, la luz provena de un foco de origen impreciso.
Estn estos cuadros envueltos en una gran oscuridad cortada bruscamente por una
candela, que puesta en un candelabro o sujeta en la mano por un personaje, ilumina
fuertemente la zona prxima a ella, variando as con respecto a su etapa anterior,
cuyas obras estaban ms prximas al tenebrismo italiano al no percibirse el foco de
luz, que quedaba fuera del lienzo. En estas composiciones se entremezclan
extraamente aspectos muy naturalistas como los espejos o las candelas, con otros
tratados de forma ms esquemtica, como ocurre con algunas partes del cuerpo de la
Magdalena que casi parece un maniqu y que de esta forma ya adelantan lo que ser
propio de su ltima etapa.
Ajeno al frenes de las imgenes barrocas, tanto en pintura como en escultura, la obra
de de la Tour se muestra clsica y serena. En lugar de alejarse del cuerpo, sus gestos
se recogen sobre s. La mirada del espectador es llevada, por el rostro y la mirada de
Magdalena, hacia la protagonista de la escena: la vela y su reflejo, como imagen de
Dios. Nos dice Erwin Panofsky con relacin a la vela encendida que es el smbolo de
Cristo omnividente; es decir, el que todo lo ve.
ANLISIS FORMAL
La iluminacin, que proviene generalmente de una vela, ilumina con luz blanca o
rojiza las figuras. El resto del cuadro queda en la oscuridad, sin que aparezcan
paisajes o arquitecturas. Georges de la Tour utiliza una paleta prcticamente
monocroma: rojo y negro en las escenas nocturnas, blanco y morado en las diurnas.
Con esta tendencia pictrica tuvieron relacin los hermanos Le Nain (Antonio, Lus y
Mateo), siguiendo la lnea ms bien de los llamados bambochantes.
INTERPRETACIN:
Apenas contamos con 50 cuadros del maestro, en los que la luz nocturna o de una
lamparilla marcan la composicin. Sus influencias vienen de Jacopo Bassano y de los
Caravaggistas de Utrecht. Los temas religiosos estn protagonizados por figuras
tremendamente realistas, caracterizadas por la minuciosidad de los detalles. La Tour
consigui una importante fama y falleci en Luneville en 1652. Sin embargo, sus
cuadros no han sido descubiertos hasta el siglo XX; estando firmados muchos de
ellos, se atribuan a Velzquez, Zurbarn o Louis Le Nanin, en 1915 Hermann Voss
descubra su personalidad y desde entonces paulatinamente se ha ido ampliando el
horizonte de su obra.
Vic era una villa episcopal, centro catlico pero con el protestantismo cercano. El
duque de Lorena estaba en continua guerra con el rey de Francia. En 1620 Georges
de La Tour est ya viviendo en Lunville, capital de la regin. Enrique II, Duque de
BIBLIOGRAFA:
Apuntes H DEL ARTE MODERNO
Historia del arte, Enrique Valdearcos Guerrero
El Barroco, Ullmann & Knemann
Historia del Arte, El Barroco, Salvat.
Artehistoria
ANLISIS FORMAL:
Pintor francs de espritu clasicista se forma desde los trece aos en Roma donde
desarrollar su carrera. Tarda ms de 10 aos en darse a conocer y en esa poca
alejado de la fama, conoce todos los alrededores de Roma, dibujando paisajes,
haciendo acopio de bocetos que en su taller traslada al oleo. En sus obras recrea
escenarios naturales salpicados de ruinas clsicas como contraste con la
naturaleza, representada por rboles y sobre todo por el mar y, mucho ms
especialmente, por el horizonte de donde procede una luz intensa, dorada y
melanclica, que ilumina el cuadro desde atrs. Anima los escenarios con
ELEMENTOS PLASTICOS:
Las figuras se sitan en primer plano, perfectamente iluminadas, formando una
escena de elevada solemnidad. Pero ser el efecto lumnico lo que ms nos
atraiga, con esa luz excelentemente estudiada, que provoca magnficos destellos
en el agua. La calidad del dibujo es altsima, igual que el variado colorido. Lorena
pintaba mirando a travs de un espejito que ms tarde se llamar el espejo de
Claude.
ESTILO: ser el efecto lumnico lo que ms nos atraiga de Lorena, con esa luz
excelentemente estudiada, que provoca magnficos destellos en el agua. Al
finalizar la dcada de 1630, Lorena tena una excelente reputacin en Roma
como maestro en paisaje de atmsfera realizando unos paisajes muy
romnticos, inspirados en los manieristas italianos y nrdicos como Elsheimer.
Los paisajes de Lorena consiguen unos maravillosos efectos poticos gracias a
la atmsfera con dorada niebla producida por la luz solar. Normalmente, son
muy similares, siguiendo una composicin predispuesta, muy idealizada. Su
fama mundial provoc la aparicin de mltiples falsificaciones de sus obras, por
lo que el propio Lorena inici una carpeta de dibujos en la cual recoga todas
sus composiciones as como los clientes a quienes se la venda. Esta carpeta se
conoce como el Liber Veritatis, y no se public hasta 1777. Claudio de Lorena
falleci en 1682.
INTERPRETACIN:
FUNCIN: Felipe IV confiara en l para que realizara una serie de obras que,
como sta, decoraran la Galera de Paisajes del madrileo Palacio del Buen
Retiro.
DESCRIPCION.-
El Palacio Ducal y la Piazzeta y el Campanille a la izquierda.
Las vedutte o vistas de Venecia se pusieron de moda en la primera mitad del siglo
XVIII, cuando los cuadros empiezan a reducir su formato para entrar en casas de
personajes menos poderosos, y los temas van dejando atrs la gravedad de los temas
histricos, mitolgicos o religiosos, en busca del efecto decorativo, simplemente
hermoso para la vista.
INTERPRETACION
Canaletto fue uno de los que mejor desarroll este nuevo gnero, que hasta ese
momento no haba sido considerado digno para un buen pintor. Dedic gran parte de
su tiempo no tanto a pintar tales cuadros, sino a investigar la mejor forma de
conseguir esos efectos panormicos y luminosos que los hacen tan especiales. Su
principal hallazgo fue la cmara ptica, una especie de cuerpo de cmara fotogrfica,
que limita la vista que se contempla a travs de ella. A partir de esto, se toman
apuntes y bocetos que sirven de base al paisaje pintado. Se fijan unos puntos de
referencia que nunca se pierden y que sirven para realizar varios puntos de
perspectiva sobre un horizonte extremadamente llano. Otra preocupacin de
Canaletto, y de los jvenes pintores que cultivaron las vedutte, era la conquista de la
luz. Es por ello que su pintura fue muy luminosa, distribuida en pinceladas casi
lquidas, cristalinas y sobre espacios abiertos. Otro recurso para dar luminosidad era
la introduccin de mucho cielo y agua en la superficie pintada, lo cual aumenta la luz
de la atmsfera. Sin duda, Venecia era el tema ideal para una pintura de cielo y agua.
El xito de Canaletto con estas obras motiv su traslado a Gran Bretaa en 1730, en
cuyo mercado ya estaba presente a travs de reproducciones y encargos a distancia.
BIOGRAFIA.-
Giovanni Antonio Canal, ms conocido como El Canaletto, es uno de los ltimos
genios del Barroco Italiano. Naci en Venecia en 1697 e inici su formacin artstica
con su padre, escengrafo de profesin con l que colaborar desde 1716. Tres aos
ms tarde se traslada a Roma, realizando durante un ao decoraciones para peras
de Scarlatti. En Roma se pone en contacto con paisajistas, interesndose por las
vistas urbanas. Al regresar a Venecia, realizar algunas vistas en las que ya aparecen
los fuertes contrastes de luz y sombra que le caracterizarn, siendo ejecutadas
directamente a partir de los modelos, sin realizar bocetos previos. Posteriormente,
Canaletto abandonar esta prctica, sirvindose de bocetos preparatorios.
Sus cuadros tuvieron una excelente acogida en el mercado ingls, por lo que se
traslad a Inglaterra entre 1746 y 1755, realizando numerosos paisajes. Regres a
Venecia, donde muri en 1768, dejando una importante huella en los paisajistas
venecianos, ingleses y franceses, tanto del siglo XVIII como del Romanticismo.
BIBLIOGRAFIA.: ARTEHISTORIA.
HISTORIA DEL ARTE SALVAT-EL PAIS. TOMO 14
Descripcin: Aunque durante mucho tiempo esta pintura estuvo catalogada como el
Martirio de San Bartolom a pesar de no aparecer el atributo del santo, el cuchillo con el
que fue desollado. No fue sino hasta 1953 cuando la historiadora estadounidense
Delphine Fitz Derby indic lo errneo del asunto al tratase en realidad del martirio de
San Felipe, que predic el Evangelio en Escitia y fue crucificado en la ciudad de
Hierpolis, siempre, en las raras representaciones de su martirio, se le presenta atada
con cuerdas a la cruz, como en este caso, y no clavado.
ANLISIS FORMAL:
Est pintado a tamao quiz mayor que el natural. En este lienzo que pudo ser pintado
por Ribera para el rey Felipe IV, presenta el martirio como un impresionante drama
religioso y humano. San Felipe, con sus largos miembros estirados se vuelve hacia el
cielo solicitando en su angustia la ayuda divina, nos presenta a san Felipe como un
hombre de mediana edad y fuerte complexin y no con los ochenta y siete aos que se
le atribuyen histricamente. Sus facciones son ordinarias, con el rostro muy realista y
curtido por el sol, el pelo y bigote cortos, denotan que el santo es de extraccin humilde,
su figura ha sido realizada con todo lujo de detalles, marca su caja torcica al elevar los
brazos y poner una suave resistencia al martirio.
Ribera contrapone la resignacin del santo con el vigoroso esfuerzo fsico que realizan
los dos verdugos al tirar de las cuerdas para izar el travesao de la cruz a lo largo del
poste. Un tercero trata de sujetar a san Felipe por una pierna y los espectadores se
aglomeran para asistir a su cruel destino, apiadados unos e indiferentes otros. Llama la
atencin la figura femenina con un nio en brazos, posible alegora de la Caridad
cristiana. Todo esto sucede bajo un vasto y bello cielo azul. Su firma y fecha se
encuentran sobre la piedra, en el ngulo inferior derecho.
Su maestra en el uso de la luz y las sombras es inigualable, mucho ms audaz que los
tenebristas italianos, aunque lentamente va perdiendo el gusto por los contrastes
lumnicos y su paleta se aclara y dulcifica, influido por los venecianos, dominando la
diagonal, en esta fase destaca el impresionante martirio de san Felipe.
BIBLIOGRAFA:
H DEL ARTE MODERNO (El Barroco. Volumen III) UUDD Jos Enrique Garca Melero UNED
Madrid 2004.
Museo del Prado. Enciclopedia On-Line.
Descripcin:
Una de las obras realizadas por Murillo, en el estilo naturalista que haban puesto de
moda Zurbarn o Velzquez en Sevilla, es la Sagrada Familia del Pajarito, que recibe ese
nombre por el pajarillo que el Nio Jess muestra al perro. La total ausencia de
elementos divinos o celestiales hace que nos situemos ante una escena familiar, como si
el pintor abriera las puertas de su propio hogar para mostrarnos el juego del pequeo
acompaado por su padre, mientras la madre ha parado en sus labores de hilado para
comer una manzana
Anlisis Formal
Son figuras elegantes que no dejan de poseer cierto realismo; el protagonista es el
Nio Jess, iluminado por un potente foco de luz procedente de la izquierda que
provoca contrastes, dejando el fondo en total penumbra sobre el que se recortan las
figuras. No obstante, la iluminacin es matizada y supera el estricto tenebrismo.
El excelente dibujo del que siempre har gala Murillo se aprecia claramente en sus
primeras obras, donde los detalles son tambin protagonistas: el cesto de labor de la
Virgen, los pliegues de los paos, los miembros de las figuras el gesto del perrito.
En relacin con el dibujo, hay que advertir que Murillo fundara una Academia de
INTERPRETACIN:
Colocar a San Jos como protagonista de la escena junto al Nio Jess viene motivado
por las discusiones teolgicas sobre la funcin del santo en la vida de Cristo. Si, en un
principio, se pens que no haba tenido nada que ver en la educacin de Jess (de
hecho, en el trptico de la Adoracin de los Magos de El Bosco aparece en la tabla
lateral) a medida que pasa el tiempo se considera que la labor de San Jos es cada vez
ms importante y, por ello, aqu le vemos como el padre ideal, con un rostro inteligente
y paciente, que incluso relega a la figura de Mara a un segundo plano. Pueden
apreciarse ciertos ecos de la pintura de Rafael en esta Sagrada Familia.
ANLISIS FORMAL:
Esta cabeza de perro que decoraba uno de los muros al lado de la puerta de la sala de la
planta alta, aparece tras una mancha de color, y da la sensacin que la tierra se lo est
tragando en medio de una soledad total, es una de las pinturas mas inquietantes del
Goya avejentado y recluido en su finca, es de un estilo diferente a el resto de las
Pinturas Negras. Esta cabeza hundida en la arena, con la mirada lastimera hacia arriba,
tienen el aire lgubre y se ha relacionado con la idea de la fatalidad de la muerte, siendo
sin duda la ms enigmtica de las Pinturas Negras. El estilo es del Goya ya maduro,
despreocupado por las convenciones acadmicas que se basan en la lnea y la
composicin equilibrada. Esta escena, de formato marcadamente vertical, se halla
completamente vaca en ms de sus dos terceras partes. El tema esta restringido por
una diagonal, un modo poco habitual de resolver un horizonte. La separacin entre el
cielo y la tierra es por completo arbitraria, puesto que ambos tienen un tono amarillento
desvado, que solo la intensidad puede hacer que se diferencien, levemente. Y el tema
es tan mnimo y a la vez tan impactante como esa pequea cabeza animal. Es por lo
tanto, una pintura de lo menos convencional, en la estela de la ltima produccin
goyesca.
Las Pinturas Negras han sido vistas como el origen del arte moderno.
BIBLIOGRAFA:
H DEL ARTE MODERNO. UUDD Jos Enrique Garca Melero UNED Madrid 2004
Museo del Prado.
ANLISIS FORMAL:
ESTILO: Goya es un pintor esencialmente colorista, que como los ingleses, desoye las
predicaciones del Neoclasicismo. Est influenciado por Tiepolo, ms que por la tcnica
terminada a lo Mengs, y se entrega decididamente a la factura suelta de tradicin
barroca, cada vez mas desenfadada y sumaria, factura que refleja la rapidez de su
ejecucin a la que el mismo atribuye eficacia para la bondad de los retratos.
Lo mismo que su verdadero temple de pintor no le permite adscribirse al estilo tan poco
colorista de los davidianos, su vocacin naturalista no le deja sentir entusiasmo por el
neoclasicismo.
Para Goya la libertad es sobre todo libertad artstica. De ah que sienta la necesidad de
crear un nuevo lenguaje, su lenguaje, ni clsico ni romntico, y adems una iconografa,
un nuevo repertorio de imgenes, que en su ambigedad ideolgica parecen perforar la
historia y continuar activas.
Tras la 1 restauracin de las obras, se dejaron en esa zona sendos espacios pintados
en marrn, de nuevo para recordarnos la sinrazn de la guerra.
INTERPRETACIN:
guerra y los logros nacionales, que se atribuyen al pueblo y su voluntad, ms que a sus
dirigentes. En suma, Goya recoge con sus pinceles cmo pudo ser el episodio que
encendi la guerra con toda su violencia y su crueldad para manifestar su posicin
contraria a esos hechos y dar una leccin contra la irracionalidad del ser humano, como
corresponda a su espritu ilustrado.
BIBLIOGRAFA:
Del Neoclasicismo al Realismo. Delfn Rodrguez. Historia 16. Madrid 1996
HISTORIA DEL ARTE. E.H. Gombrich. Debate. Madrid.2006
TVE 1. Programacin del 12 de abril de 2008
http://www.artehistoria.jcyl.es/genios/pintores/listado.htm
ITALIA
Bernini crea una primera plaza formada por dos brazos rectos, ligeramente convergentes que se
abren configurando una gran plaza elptica, formada por dos arcos de crculo cuyos centros estn
separados por un espacio de 50 m. En cada uno de los lados dos fuentes completan el conjunto. En
medio de la plaza se levanta el antiguo obelisco egipcio del circo de Nern. La columnata est
formada por cuatro hileras de columnas toscanas (296 en total), coronadas por un entablamento
liso, y rematada por una balaustrada, decorada con 140 esculturas que
representan a santos y mrtires. Se nos transmite as la sensacin de un espacio
inabarcable, dirigido hacia el infinito, en clara ruptura con la idea de espacio finito, propia del
Renacimiento.
Pero por encima de todo, la Plaza de San Pedro simboliza los brazos de la Iglesia
acogiendo a todos los fieles, una Iglesia que se ha hecho fuerte frente al avance del protestantismo.
La Plaza da acceso, mediante una amplia escalinata, a la Baslica de San Pedro del
Vaticano cuya fachada, obra de Maderno, presenta unas gigantescas columnas de fuste liso, con
capiteles corintios, que sostienen un frontn triangular con un relieve del escudo del Vaticano.
Rematando la fachada aparece un cuerpo de ventanas con una balaustrada en la que se sitan las
efigies de los doce apstoles. La cpula de Miguel ngel, de 131 m de altura, obra capital del
Renacimiento italiano, destaca poderosa sobre todo el conjunto.
Este gigantesco baldaquino, que asemeja un gran palio procesional, al situarse sobre la
tumba de San Pedro, el primer Papa, adquira un profundo significado religioso, pues exaltaba al
papado, cuya primaca en la Iglesia negaban los protestantes, y proclamaba su legitimidad. Por otra
parte, Bernini tambin quiere glorificar al Papa Urbano VIII, mediante la inclusin de los escudos
de la familia Barberini en la obra.
El influjo del Baldaquino de San Pedro del Vaticano fue inmediato y amplio, con
numerosas imitaciones en otros pases europeos.
Se cierra el espacio con una cpula elptica sobre pechinas. La superficie de esa cpula
est decorada con casetones octogonales y cruciformes que se van haciendo progresivamente ms
pequeos hacia la linterna, lo que provoca en el espectador un efecto ilusionista que agranda y
eleva ms dicha cpula, perfectamente iluminada desde la linterna y desde las ventanas
disimuladas en el anillo que la sostiene. Bvedas de cuarto de esfera cierran los espacios sobre los
altares. El altar mayor se sita en el extremo del eje mayor, frente a la puerta de entrada.
Por falta de recursos la fachada no se pudo comenzar hasta 1665. Consta de dos pisos,
cada uno dividido en tres cuerpos verticales y combina un orden gigantesco con otro ms pequeo.
En el piso inferior los dos vanos del extremo son cncavos y el central convexo, unidos por un
entablamento ininterrumpido y ondulante. En el superior los tres vanos son cncavos y el
entablamento queda interrumpido por un medalln ovalado (con una pintura al fresco de la
Coronacin de la Virgen) sostenido por ngeles, lo que anula el efecto de horizontalidad, de forma
que se crea una sensacin de movimiento permanente. Es como si la piedra rgida y fra se hubiese
convertido en un material plstico y moldeable en manos de Borromini. En la fachada, de reducida
superficie, se transmite una cierta sensacin de abigarramiento, y se logra una extraa fusin entre
arquitectura y escultura.
La estrechez de la calle y el
verticalismo de la fachada, reforzado por la
torre campanario sobre el chafln que
contiene la fuente, obligan al espectador a
distanciarse del conjunto y a contemplarlo
con cierta perspectiva.
FRANCIA
Palacio de Versalles. 1661-1756. Louis Le Vau, Jules Hardouin Mansart,
Charles Le Brun y Le Ntre. Versalles, Francia.
El palacio de Versalles tuvo su origen en un sencillo palacete de caza con planta en U
construido para Luis XIII. Posteriormente, Luis XIV, deseoso de fijar su residencia en Versalles (a
21 km de Pars) por diversas razones, encarg a Louis Le Vau en 1668 ampliar este palacete.
Jules Hardouin
Mansart llev a cabo
la ltima ampliacin.
Intervinieron tambin
en la creacin del
conjunto Charles Le
Brun, pintor y
decorador y Le Ntre
en el diseo de los
jardines. Luis XIV
supervis permanentemente las obras, puesto que en realidad el poder absoluto del monarca se
extender tambin a las artes y los artistas sern en realidad meros ejecutores de las directrices del
monarca. El Palacio de Versalles se convertir as en un espectacular reflejo del poder de la
monarqua absoluta y de la hegemona de Francia en Europa.
Versalles aparece como un proyecto global, que integra el palacio propiamente dicho, el
espacio urbano y los jardines, de acuerdo con un eje longitudinal. El palacio es el elemento que
ordena todo el conjunto urbanstico de la ciudad cuyas tres avenidas principales confluyen en el
Patio de Honor y llevan al visitante frente a la habitacin del rey, desde cuyo balcn ste apareca
a sus sbditos. Por otro lado, el palacio se encuentra inmerso en la Naturaleza, cuidadosamente
ordenada en forma de jardn que parece extenderse indefinidamente.
La ampliacin llevada a cabo entre 1668 y 1678 por Louis le Vau conserv el primitivo
edificio integrndolo en el nuevo, que fue como una envoltura del palacete de Luis XIII. La
decisin del rey de que Versalles se convirtiera en sede permanente de la Corte y del Gobierno de
la Nacin haca necesaria una nueva ampliacin. De ello se encargara Jules Hardouin Mansart,
que durante treinta aos dirigi las obras en Versalles donde llegaron a trabajar en algunos
momentos hasta 30.000 obreros. En una primera fase Mansart cerr la terraza que estaba abierta a
los jardines colocando en su lugar la Galera de los Espejos, el saln ms representativo del
carcter ulico de Versalles. Para ampliar el espacio disponible construy dos inmensas alas que
uni perpendicularmente con las alas laterales del patio, una hacia el norte y otra hacia el sur,
aunque las retranque ponindolas en lnea con el acceso al patio y no con la fachada del Parque.
El corazn del palacio es el Cour de Marbre (el Patio de Mrmol), en torno al cual se agrupan los
aposentos reales.
Ejemplo esplndido de estos interiores es la Galera de los Espejos. Se trata de un espacio
de 75 m de longitud iluminado por 17 ventanales a los que corresponden en el lado opuesto otros
tantos espejos, rematados por arcos de medio punto y destinados a ampliar ficticiamente el espacio
y a reflejar la luz que entra del jardn, as como la luz de las velas, creando una esplndida
metfora del Rey Sol. En los extremos de la Galera estn el Saln de la Guerra y el Saln de la
Paz, en los que se enaltecen los triunfos militares del monarca. En el primero Luis XIV triunfa
sobre sus enemigos y en el segundo se celebra la paz instaurada en su reinado. Mrmoles
policromos, trofeos en bronce dorado y estatuas antiguas contribuyen a crear una sensacin de
lujo, como el marco fastuoso que requeran las celebraciones de la Corte y la recepcin de los
huspedes distinguidos. En el techo se narra pictricamente la historia de Francia hasta la Paz de
Nimega, lo que da como resultado una simbiosis plenamente barroca de arquitectura, pintura y
escultura.
Palacio de Versalles
Finalmente habra que hablar de los jardines, diseados por Le Ntre, de acuerdo con el
modelo de jardn francs. Estos jardines estaban destinados a ser el escenario de los lujos y
placeres de la Corte, pero adems reflejaban claramente el poder absoluto del rey que alcanza
tambin a la Naturaleza.
Le Ntre crea un espacio perfectamente ordenado estructurando el jardn en tres zonas,
desde la Naturaleza dominada por la mano del hombre hasta la naturaleza salvaje. El palacio se
integra en los jardines como representacin del mundo artificial creado por el hombre. En la zona
ms cercana al palacio, en un primer escaln se encuentran los parterres donde la Naturaleza se
muestra totalmente dominada por el hombre y al pie de la Galera de los Espejos se sitan dos
estanques donde se refleja el Palacio. Desde aqu se organiza una gran avenida que conduce hasta
el Gran Canal, avenida delimitada por dos grandes fuentes, la de Latona y Apolo, con una clara
intencin simblica. En la fuente de Apolo aparece el dios conduciendo su carro solar para
iluminar la tierra, imagen de Luis XIV como el Rey Sol que iluminaba a Francia. A ambos lados
de la avenida se desarrolla el segundo escaln formado por pequeos bosquecillos donde los
rboles crecen con mayor libertad. Entre ellos se disponen pequeos estanques, estatuas aisladas y
sencillas arquitecturas, entre las que cabra destacar la Columnata, una arquera circular en cuyo
centro se encuentra la estatua del Rapto de Proserpina. En el tercer escaln el agua desempea un
papel fundamental, gracias a un gran estanque en forma de cruz, el Grand y el Petit Canal, por los
que navegaba el rey en las gndolas que le haba regalado el Dux de Venecia. A los lados hay
bosques en los que los rboles crecen en plena libertad, aunque con caminos, ltima intervencin
de la mano humana, pues ms all se extiende el bosque totalmente libre, aunque ya fuera del
Parque.
Versalles constituye el punto culminante de la arquitectura palacial europea, escenificando
a la perfeccin el poder absolutista. La influencia de Versalles se extender por toda Europa, y ser
el referente obligado de todos los palacios de las monarquas europeas.
ESPAA
La primera Plaza del Mercado estaba situada junto a la Catedral Vieja. Con la expansin
de la ciudad hacia el norte, durante la Baja Edad Media, el centro de la vida ciudadana se fue
desplazando en la misma direccin. En el siglo XVIII el corregidor don Rodrigo Caballero y
Llanes, consigui la licencia para la construccin de una nueva plaza y mand la ejecucin de los
planos a Alberto de Churriguera (1676-1750), arquitecto que estaba dirigiendo las obras de la
Catedral Nueva. En 1729 comenzaron las obras concluyndose las dos primeras alas a finales de
1733. Sin embargo, la resistencia de los propietarios particulares a ceder sus casas para la
construccin de dicha plaza oblig a que se interrumpiera su construccin. Tras la dimisin de
Alberto de Churriguera en 1738, el arquitecto Andrs Garca de Quiones se hace cargo de las
obras que se reanudan en 1751 con la construccin de las otras dos alas y el Ayuntamiento, que se
termina en 1755. Se trata de una plaza porticada de planta cuadrangular formada por soportales de
ochenta y ocho arcos de medio punto, en cuyas enjutas se sitan medallones con efigies de medio
busto. Encima se alzan tres plantas de viviendas coronadas por cresteras terminadas en flores de
lis, smbolo de la corte borbnica. Delante de cada ventana hay un balcn con rejas de hierro, a
modo de palco para ver cuanto aconteca en la plaza (generalmente acontecimientos religiosos,
polticos y festivos). La colocacin de los escudos sobre los balcones de la planta principal fue el
nico rasgo distintivo que se permiti a las casas particulares para distinguirse de las municipales.
Dentro de la armona y la uniformidad del conjunto destacan el Pabelln Real y enfrente el
Ayuntamiento. El Pabelln Real (en el lado este) estaba reservado a las autoridades y en l
destaca su gran arco con medallones en los que estn representados algunos reyes espaoles. En
las otras alas los medallones representan a descubridores, sabios, santos... El Ayuntamiento, obra
de Jos Churriguera, presenta un prtico monumental de cinco grandes arcadas y rica
ornamentacin en la fachada. No se colocaron las dos torres previstas en los extremos, dando a
todo el conjunto de la plaza un aspecto ms armonioso y equilibrado. La espadaa y el reloj son de
1852 y las esculturas que coronan el Ayuntamiento representan a la Agricultura, la Industria, la
Msica y la Poesa.
Santa Capilla
La Santa Capilla se levanta en el segundo tramo de la nave central de la baslica, entre los cuatro
grandes pilares que sostienen la cpula. Tiene una planta cruciforme, de extremos redondeados. En
alzado se configura mediante tres prticos curvos, con entablamento y frontones y un muro
cerrado frente al prtico principal, muro en el que se encuentran tres altares: dos altares laterales a
modo de hornacinas con doseles, en los que estn, a la izquierda el grupo de los Siete Convertidos
junto al apstol Santiago, y a la derecha la imagen de la Virgen del Pilar colocada sobre la Santa
Columna, dentro de un camarn de plata con fondo de mrmol verde tachonado de estrellas
formadas por las joyas donadas por los fieles. Entre estos dos
altares se encuentra el esplndido grupo escultrico, en mrmol de Carrara, que representa
la Venida de la Virgen que avanza hacia el espectador destacando sobre resplandores de bronce
dorado, como si acabara de irrumpir flotando milagrosamente entre las dos columnas. La Virgen
vuelve su rostro hacia el grupo de Santiago y sus discpulos, mientras seala con su mano derecha
la Santa Columna, enlazando de forma muy hbil los tres altares, que constituyen de esta forma un
nico espacio narrativo.
El espacio se cubre con una cpula oval y cuatro cuartos de esfera. En la cpula se abren
huecos curvilneos a travs de los cuales se contempla la decoracin al fresco que pint Antonio
Gonzlez Velzquez en la gran cpula que se levanta sobre la Santa Capilla. De esta forma se
confiere ligereza a la cubierta y se pone el espacio interior en relacin dinmica con el exterior del
mismo, es decir, con el espacio de la baslica del Pilar que le circunda. El exterior de la cubierta
est decorado con estatuas de santos y ngeles en estuco blanco que refuerzan el sentido
escenogrfico de todo el conjunto.
Otros destacados escultores, como Carlos Salas o Manuel lvarez, realizaron los
medallones ovales que se disponen en los muros exteriores del recinto, con escenas de la vida de la
Virgen. El propio Carlos Salas esculpira pocos aos despus, entre 1767 y 1769, el gran relieve de
la Asuncin de la Virgen en el trasaltar de la Santa Capilla.
Santa Capilla
Escultura
Apolo y Dafne
escena. Pero adems del movimiento, el artista ha sabido captar de forma extraordinaria el tiempo,
el instante fugaz, el momento ms dramtico, en el que Dafne empieza a metamorfosearse en
laurel, llevndonos a una reflexin sobre la constante transformacin de las apariencias...
Igualmente extraordinaria es la representacin de los sentimientos humanos: Dafne refleja
en su rostro, intensamente expresivo con la boca entreabierta, el horror ante lo que le est
sucediendo y Apolo la sorpresa ante la transformacin de la ninfa. El dramatismo de toda la escena
le confiere una gran teatralidad muy propia del barroco.
Muy barroca tambin es la fusin entre el espacio real y el ficticio, de forma que el
espectador queda incluido en la accin representada.
La utilizacin del mrmol permiti a Bernini mostrar su virtuosismo tcnico logrando
plasmar a la perfeccin las diversas texturas: las ropas, la suavidad de la piel, la rugosidad de las
ramas y el tronco del laurel, la fragilidad de las hojas, la textura spera de la roca que sirve de
base al grupo...
Aunque se trata de una obra de juventud, todava muy influida por la escultura clsica,
como lo refleja la belleza idealizada de los cuerpos, sin embargo, podemos decir que ya aparecen
en ella las caractersticas que definen plenamente al arte barroco: la captacin del movimiento, el
naturalismo en la representacin, la expresin de los sentimientos, la teatralidad...
miembros de la familia Cornaro arrodillados tras unos reclinatorios, observando la escena, al igual
que la observa asombrado el espectador actual.
Cristo yacente
El artista realizar una larga serie de Cristos yacentes, imgenes que solan situarse en el
banco de los retablos y delante del altar mayor de las iglesias el da de Viernes Santo. Ser adems
un tema que quedar como modelo para discpulos y seguidores.
Inmaculada
El influjo de este modelo iconogrfico fue extenso, sobre todo entre sus contemporneos.
Magdalena penitente
PINTURA
CARAVAGGIO (1571-1610)
La vocacin de San Mateo. 1598-1600. leo sobre tela, 322 x 340 m.
Iglesia de San Luis de los Franceses, Roma.
El cardenal Contarelli encarg a Caravaggio la decoracin de una capilla en la Iglesia de
San Luis de los Franceses con tres lienzos que representaban escenas de la vida de San Mateo.
Sobre el altar se encuentra San Mateo y el ngel y en los laterales, La vocacin de San Mateo a la
izquierda y El martirio de San Mateo a la derecha.
destaca su mano, que llama poderosamente nuestra atencin, y recorre despus los rostros de los
personajes. El fuerte contraste de luces y sombras (tenebrismo) tiene un claro simbolismo. La luz
es la luz de la Verdad que penetrando bruscamente en las tinieblas llega, junto a la voz de Cristo,
al corazn del recaudador de impuestos que se convierte en San Mateo el evangelista.
Caravaggio hace un magnfico estudio de las reacciones de los personajes. Mateo se seala
a s mismo con asombro, mientras dirige la mirada hacia Cristo, los dos jvenes ms cercanos
muestran sorpresa, mientras que los personajes ms alejados siguen absortos en su ocupacin.
La divisin horizontal del lienzo en dos partes, la inferior, ocupada por las figuras y la
superior, desde donde entra la luz, casi vaca, intensifica el efecto dramtico de la accin.
En este cuadro aparecen ya muy claramente las caractersticas de la obra de Caravaggio
que encontraremos en sus obras posteriores: el tratamiento naturalista de las escenas sagradas que
las acerca al pueblo, el magistral uso de la luz (tenebrismo), el estudio de los rostros humanos y de
sus reacciones
.
La muerte de la Virgen
El Descendimiento de la Cruz
posteriormente evolucionar hacia una factura ms suelta y libre. El dibujo es poderoso, las
anatomas slidas y escultricas revelan la fuerte influencia de algunos maestros del Renacimiento
italiano (Miguel ngel), del Manierismo (Tintoretto) o del propio Barroco (Caravaggio).
La escena, sin embargo, est representada con cierta teatralidad, reforzada por las
opulentas y ricas vestiduras de los personajes, lo que le resta autenticidad y verdadera emocin
religiosa, que s transmiten las obras de Caravaggio o Rembrandt.
El tema representado es el rapto de las hijas de Leucipo, rey de Tebas, por los Dioscuros,
Cstor y Plux. Cstor levanta desde el caballo a Hilaira, mientras Plux trata de vencer la
resistencia de Febe. Dos amorcillos completan la escena: uno se aferra al encabritado caballo de
Plux, mientras el otro retiene al caballo de Cstor por la brida.
La composicin est dotada de gran dinamismo, al representar el pintor el instante
dramtico del rapto. Las lneas maestras de la composicin son las curvas y diagonales. La
principal de ellas la marca el brazo extendido de Hilaira. En torno a este eje compositivo se sitan
las figuras de la obra, que se compensan a uno y otro lado de la diagonal. Pero hay otras
diagonales que se entrecruzan con la principal, acentuando el ritmo dramtico de la obra, como la
que pasa por las cabezas de los tres personajes del plano superior, y tambin lneas curvas
dibujadas por los cuerpos de las mujeres. A su vez todas las figuras se cierran en un claro crculo.
La fuerza dramtica de la escena queda reforzada porque Rubens elige para su
representacin un punto de vista muy bajo.
Su pintura ha evolucionado, desprendindose del tenebrismo que era posible advertir con
claridad en sus inicios. En esta obra es ya mayor la influencia de la pintura veneciana. La luz
intensa emana de las propias figuras y los colores son brillantes y luminosos. Destacan los
esplndidos tonos nacarados, tpicamente nrdicos, de las anatomas femeninas, que reflejan
claramente el influjo de Miguel ngel. La pincelada de Rubens, apoyada en un dibujo poderoso, se
ha vuelto ms suelta y amplia, pero sin perder el amor por el detalle propio de la tradicin
flamenca, como advertimos por ejemplo en el trenzado del cabello o en los adornos de Febe, en el
mismo paisaje, o en los reflejos de la armadura de Cstor.
REMBRANDT (1606-1669)
La ronda de noche. 1642. leo sobre lienzo cuyas dimensiones son
actualmente de 359 x 438 m, despus de haber sido recortado en el siglo
XVIII. Rijkmuseum de Amsterdam.
Estamos ante la ms clebre de sus composiciones, realizada durante el perodo
culminante de su carrera en 1642. Debido a que la obra estaba bastante oscurecida por sucias capas
de barniz, fue errneamente denominada Ronda de noche, aunque ttulo original era: La Compaa
del capitn Frans Banning y el teniente Willem van Ruitenburch. En 1975 fue objeto de una
agresin y se ha
sometido a un largo
proceso de
restauracin.
Hacia 1640
Rembrandt recibe el
importante encargo de
pintar un lienzo
destinado al gran saln
del Kloveniersloeden,
la sede de la sociedad
de arcabuceros. Haba
que realizar el retrato
de grupo de una
compaa de milicianos civiles, un gnero tpico en la Holanda del siglo XVII. Desde finales de la
Edad Media Amsterdam contaba con milicias ciudadanas, formadas principalmente por burgueses,
que desempearon un papel importante durante el alzamiento de las que seran llamadas
Provincias Unidas contra la ocupacin espaola. Varias obras deban decorar el saln donde se
encontraba la sede de la sociedad de arcabuceros. A Rembrandt le toc retratar a 18 miembros de
la compaa del capitn Banning Cocq, cuyos nombres figuran en el escudo que est en la parte
superior. Dadas las grandes dimensiones de la obra, tuvo que habilitar un lugar especial en su casa
para poder realizarla. El hecho representado parece ser un acontecimiento verdico, aunque no
sabemos exactamente si puede referirse a la visita oficial de Mara de Medici a la ciudad en
septiembre de 1638.
El artista no se ajusta a las convenciones del gnero. Los personajes no aparecen retratados
en fila y en posiciones estticas, sino en pleno movimiento, en el momento en que el grupo de
milicianos, comandados por un capitn y un teniente, van a salir a hacer la ronda por las calles de
la ciudad de Amsterdam. El mismo capitn indica la direccin del avance con su brazo en escorzo.
Los personajes emergen de la oscuridad y avanzan hacia un primer plano iluminado. Detrs de los
oficiales vemos a los soldados en distintas actividades: cargando las armas, descargndolas,
limpindolas, tocando el timbal... En medio de semejante agitacin, una figura femenina,
aparentemente una nia, lujosamente vestida, irrumpe en la escena con un gallo (mascota de la
corporacin) colgado a la cintura. Tambin podemos distinguir entre los personajes un autorretrato
del artista, aunque slo aparece una parte pequea de su rostro.
La composicin aparentemente desordenada, est, sin embargo, construida de un modo
racional con un eje horizontal formado por una serie de personajes en el fondo y en lo alto, que
dejan en primer plano a las dos figuras principales. Las diagonales de la larga lanza y del asta de la
bandera se cruzan en el centro luminoso de la escena.
La fuente de luz est fuera del cuadro y entra por la parte superior izquierda iluminando
selectivamente la escena: la chica con el gallo, los personajes centrales y los rostros casi frontales
de los dems protagonistas. Directamente asociado a la luz est el color, aplicado en pinceladas
densas, casi con relieve. Destacan los tonos clidos de las tierras y los ocres, adems del rojo del
echarpe del protagonista y de la ropa del soldado situado a su derecha. Es esplndido el amarillo
oro del lujoso traje que luce el lugarteniente, amarillo que se repite en las ropas de la nia.
Autorretrato al caballete
Rembrandt llev el gnero a una perfeccin asombrosa, debido a su profundo inters por
lo humano. Su maestra tcnica y sus dotes de agudo observador le permiten ofrecernos una galera
de retratos en los que refleja a la perfeccin, no solo la apariencia externa sino sobre todo la vida
interior, la existencia espiritual. Dos tercios de su produccin, unas 400 obras, son retratos:
autorretratos, retratos individuales o retratos de grupo. De Rembrandt conservamos un nmero
sorprendente de autorretratos (60 pinturas, 20 grabados y 10 dibujos), que constituyen un
asombroso registro de su vida: desde cuando era un maestro al que el xito y la juventud sonrean
hasta su solitaria vejez, cuando su rostro refleja el desengao y la amargura de la soledad y la
miseria. Apenas hay repeticin de gestos ni de posturas. Nos sorprende la abundancia de un tipo de
obras que no le proporcionaban ingresos econmicos. No era, sin embargo, una personalidad
egocntrica, sino que quera expresar a travs de sus autorretratos el profundo inters que senta
por el conocimiento del alma y la vida interior de los seres humanos.
Encontramos aqu a un Rembrandt mayor vestido con atuendo sencillo. Tocado con un
pauelo blanco, su cuerpo mira hacia el caballete situado a la derecha, mientras su rostro se gira
hacia nosotros. En una de sus manos lleva un pincel grande y en la otra, pinceles ms pequeos
junto a la paleta. La luz ilumina intensamente su rostro. El contraste con la sombra es tan vivo que
parece tener la intensidad y la rapidez del relmpago. No proviene de una fuente exterior, sino que
emana de la propia figura, envolvindola en una especie de velo dorado. El color, aplicado en
densas pinceladas, produce impresiones tctiles. Con una dominante parda oscura, tiene sin
embargo una gran riqueza tonal y sobre l destacan con viveza algunos toques claros y brillantes.
VELZQUEZ (1599-1660)
La fragua de Vulcano. 1630. leo sobre lienzo, 223 x 290 m. Museo del
Prado, Madrid.
Entre 1629 y 1631 Velzquez realiz su primer viaje a Italia. All visitar Venecia y con
ayuda del embajador espaol acceder a galeras, palacios y colecciones, completando su
conocimiento de la pintura veneciana que ya haba visto en las colecciones reales de Madrid.
Despus de Venecia pasa por Ferrara y Bolonia, acabando con una larga estancia en Roma donde
conoci a los pintores ms importantes del momento y copi a Rafael y Miguel ngel. Durante
esta estancia pint La Fragua de Vulcano y La Tnica de Jos. A su vuelta las dos obras fueron
compradas para la coleccin real y se colocaron en El Buen Retiro. Pertenecen al inicio de una
nueva etapa en su obra, como resultado de la evolucin sufrida tras su estancia en la corte desde
1623 y su viaje a Italia.
El cuadro representa el momento en el que Apolo, a la izquierda del lienzo, desciende del
Olimpo para comunicar al dios Vulcano que su esposa, Venus, le era infiel con el dios de la guerra,
Marte. Vulcano aparece como un herrero barbudo y cojo, sosteniendo el martillo y las tenazas en
las manos, y rodeado de sus ayudantes. Todos muestran la sorpresa que sienten ante la noticia que
estn recibiendo.
Las figuras estn dispuestas siguiendo un esquema compositivo muy equilibrado y
relativamente esttico que refleja la influencia del clasicismo italiano: el ayudante, situado en el
centro, y el que est al fondo parecen formar un eje de simetra en torno al cual se colocan en
parejas los otros cuatro personajes.
La influencia clsica se refleja tambin en el tratamiento de las anatomas, sobre todo en
la figura de Apolo semidesnudo. El joven dios presenta un desnudo nacarado y menos musculoso
que el de los herreros y lleva en su cabeza una corona de laurel rodeada por una aureola de rayos
solares que parecen iluminar el mbito del taller. Es el nico personaje del cuadro que aparece con
aspecto de divinidad. Vulcano, cuya cojera se aprecia por la descompensacin de su figura con una
inclinacin hacia la izquierda, aparece mostrando un torso desnudo y musculoso, al igual que el
resto de los trabajadores de la fragua. La figura ms perfecta es la del herrero que est en el centro
y de espaldas, que recuerda claramente a la estatuaria clsica.
Destaca tambin la importancia concedida al estudio psicolgico de los rostros y sus
distintas reacciones ante la noticia que acaban de recibir. El herrero situado delante de la chimenea
expresa esta sorpresa con ms intensidad y Vulcano con indignacin.
El cuadro es muy luminoso, luminosidad que proviene de tres focos: los rayos solares de la
cabeza de Apolo, el trozo de metal incandescente sobre el yunque y la llama de la chimenea. La
luz que desprende la figura del dios es el principal foco de atraccin del cuadro que hace que los
ojos del espectador se dirijan hacia l, al igual que las miradas de los personajes del lienzo. En esta
pintura han desaparecido ya los fuertes contrastes de luz y sombra de sus obras anteriores dentro
de la tradicin del tenebrismo y se inicia una nueva etapa en su produccin artstica.
La fragua de Vulcano
Los colores predominantes son los ocres en todas sus gamas, pero destaca por su
luminosidad y belleza el anaranjado encendido del manto de Apolo que tiene su reflejo en el metal
incandescente. Los azules y verdes del cielo que se ve desde la ventana, de la corona de laurel, as
como de la sandalia del joven dios contribuyen a aumentar la variedad y riqueza cromtica del
cuadro.
En La fragua de Vulcano ya se apunta el magistral manejo de la perspectiva area que
encontraremos en obras posteriores de Velzquez, aunque todava lejos de la perfeccin que
alcanzar despus. Es, por ejemplo, excesivo el desdibujamiento de la figura del herrero del fondo,
ya que no es tanta la distancia que hay entre l y sus compaeros. Todava predomina el dibujo en
el contorno de las figuras, reminiscencia de su poca naturalista anterior, pero la pincelada se ha
hecho ya ms suelta y ligera.
El tema mitolgico no es muy habitual entre nuestros pintores. Velzquez pudo dedicar
alguna obra a este gnero por su situacin de privilegio, como pintor real. Sin embargo, trata el
tema como una escena de gnero, como un episodio de marido burlado, propio de la postura
antimitolgica de los autores espaoles del Siglo de Oro, aunque Velzquez sepa darle la dignidad
que este artista confiere a todo lo que pinta.
La rendicin de Breda
Retrato ecuestre del conde duque de Olivares. 1634. leo sobre lienzo,
313 x 239 m. Museo del Prado, Madrid.
Don Gaspar de Guzmn, conde duque de Olivares, y poderoso valido de Felipe IV aparece
retratado por Velzquez, que cont con su apoyo para introducirse en la corte. La obra se inspira
en el Retrato del Duque de Lerma, de Rubens.
En la parte inferior izquierda hay un papel como para poner la firma y fecha, que no
aparecen. Tal vez Velzquez lo dejara en blanco, queriendo decir que no era necesario poner la
firma ya que ningn artista en Espaa poda hacer un retrato as.
El retrato del valido corresponde al momento de apogeo de su poder. Resulta asombrosa su
osada al aparecer en un retrato ecuestre, claramente relacionado con las representaciones de los
reyes, lo que nos revela su fuerte personalidad y poderosa voluntad. Don Gaspar lleva una
armadura negra recamada en oro, y sobre ella la banda carmes de general, a la vez que sostiene en
la mano derecha un bastn o bengala, smbolo del mando militar. Aparece montado a caballo, de
perfil, y mirando al frente, como si se alejase de nosotros, en una postura totalmente escorzada.
Destaca la actitud briosa del caballo y el gesto orgulloso y algo desafiante del jinete, que se dirige
al campo de batalla situado al fondo. Aunque Olivares no fue hombre de armas, como primer
ministro era considerado el artfice de los xitos militares de la monarqua, y entre sus cargos, tena
el mando sobre la caballera.
Se trata de una composicin muy dinmica gracias al movimiento representado por la
postura del caballo que dibuja una diagonal ascendente, reforzada por una serie de diagonales
marcadas por la espada, el bastn, el humo al fondo...
El paisaje representado es tpicamente velazqueo, dentro de una gama de verdes y grises.
El cielo se ha oscurecido con un humo gris azulado que se eleva de la ciudad en llamas.
Las Meninas o La familia. 1656. leo sobre lienzo, 310 x 276 m. Museo
del Prado, Madrid.
Estamos ante una de las obras ms clebres de la historia de la pintura. El cuadro fue
pintado para el despacho de verano del rey en el Alczar de Madrid.
La escena se sita en un aposento del Alczar donde Velzquez tena su taller: una pieza
amplia con varias ventanas en el muro de la derecha, de las que slo dos dejan entrar la luz exterior
y entre las cuales cuelgan cuadros. Al fondo se abre una puerta que da a una escalera muy
luminosa en la que destaca la figura de un hombre vestido de negro, con capa, sombrero en una
mano y que con la otra aparta una cortina. Es Jos Nieto Velzquez, aposentador real. Junto a la
puerta, un espejo de ancho marco negro refleja las imgenes del rey Felipe IV y la reina Mariana
de Austria bajo una cortina o dosel como las que emplea el pintor en sus retratos oficiales. Este
recurso establece un punto de referencia tras los propios espectadores que quedan as incluidos en
el desarrollo de la escena. La parte izquierda est ocupada por el dorso de un enorme lienzo ante el
que se encuentra el artista mirando hacia nosotros. En la mano derecha lleva el pincel y en la
izquierda, con la que sostiene tambin un tiento, la paleta. El pintor va vestido de negro, con
mangas acuchilladas de seda blanca y la cruz roja de la Orden de Santiago aadida, segn la
tradicin por el propio rey. Velzquez no est pintando, sino en actitud de pensar y mirando al
frente
.
Las Meninas
En el centro de la escena se encuentra de pie la infanta Margarita, a la edad de cinco aos,
mirando a sus padres o al espectador. A ambos lados, sus doncellas, llamadas meninas
(lusitanismo) que han dado nombre al cuadro (aparece as nombrado desde 1843). A la izquierda,
arrodillada, doa Agustina Sarmiento que ofrece a la nia un bcaro de barro rojo y a la derecha
levemente inclinada en seal de respeto doa Isabel de Velasco. Junto a ella una enana
macrocfala, Maribrbola, y el enano Nicols de Pertusato con el pie sobre un perro grande y
apacible. Tambin dirige su mirada hacia el espectador un hombre vestido de negro apenas
abocetado, un guardadamas a quien habla una mujer vestida de duea, tal vez Marcela de Ulloa,
guarda menor de damas, que se encuentran en segundo plano.
El argumento del cuadro es la irrupcin de la infanta Margarita en el taller donde
Velzquez pinta probablemente un retrato de los reyes. Las miradas de algunos personajes se
dirigen hacia el espectador situado frente al cuadro. La obra pese a su aparente claridad esconde,
sin embargo, un gran nmero de enigmas que han dado lugar a mltiples y complejas
interpretaciones para encontrar la autntica esencia de su significado.
El cuadro se divide en dos zonas, la mitad superior de la escena est ocupada por las
ventanas y los enormes cuadros del fondo, mientras la mitad inferior es donde se desarrolla la
escena y se sitan todos los personajes.
Velzquez combina magistralmente el uso de la perspectiva lineal y area para crear una
autntica sensacin de profundidad espacial. Revela un dominio absoluto de la perspectiva area al
captar magistralmente el aire existente entre los cuerpos, lo que dota a la obra de una apariencia de
realidad verdaderamente sorprendente. La luz incide sobre los personajes de primer plano y
envuelve en la penumbra a los que estn detrs, cuyos contornos aparecen desdibujados. En el
centro de la composicin Velzquez crea un foco de luz intensa con el que transmite una gran
sensacin de veracidad.
En la obra hay adems una clara alusin a uno de los temas que ms preocuparon a los
pintores del Siglo de Oro: la defensa de la nobleza de la pintura frente a la artesana y los oficios
manuales. La actividad del pintor es idear, inventar, encarnar una idea, siendo la ejecucin de la
obra algo secundario. En esta actitud pensante se autorretrata Velzquez, en ese momento creador
que es el que enaltece al artista.
Las hilanderas
Durante muchos aos se pens que este cuadro representaba simplemente el interior de
una fbrica de tapices. Fue Diego Angulo quien descubri su verdadero significado: el artista quiso
en realidad ilustrar el mito de Atenea y Aracne, segn nos lo cuenta Ovidio en Las Metamorfosis.
La joven Aracne, una hbil tejedora de Lidia, era muy bien considerada por su trabajo. Sus
admiradoras le decan que pareca que la misma Atenea (diosa de las artes) le hubiera enseado, a
lo cual la joven contestaba que la diosa no tena nada que ensearle. Atenea, enfadada por la
soberbia de Aracne, baj al taller de sta, disfrazada de anciana para aconsejarle que no hablara as
de la diosa. Aracne no hizo caso, por lo que Atenea decidi presentarse ante la muchacha con
todos los atributos de su poder y retarla a hacer un tapiz para ver quien lo haca mejor. El tapiz que
teji Aracne era lo suficientemente bueno como para que Atenea se sintiera molesta, pues adems
la joven tuvo la osada de representar en l las aventuras galantes de Zeus, padre de Atenea. sta,
cuando contempl el tapiz, llena de ira, golpe a Aracne con su lanzadera convirtindola en araa
y condenndola a tejer eternamente.
En primer trmino, vemos a la diosa, oculta bajo la apariencia de una anciana y a la joven
compitiendo para ver cul de las dos era ms hbil como tejedora. La joven de la derecha, con
blusa blanca y falda verdosa, puede ser Aracne, mientras que la que aparece a la izquierda con la
pierna descubierta podra encarnar a Atenea disfrazada de anciana, aunque la pierna juvenil que
asoma debajo de su falda descubre su verdadera edad. Ambas figuras aparecen colocadas de
manera contrapuesta, y sus posiciones estn inspiradas en dos desnudos de la Capilla Sixtina.
Al fondo, en un recinto inundado de luz, aparecen tres damas, cuya identidad ha suscitado
mltiples controversias. La dama de la derecha mira hacia el espectador. Tras ellas hay dos
personajes, Palas Atenea armada y Aracne que para algunos autores forman parte del tapiz en que
se representa El Rapto de Europa de Tiziano (verdadero homenaje al pintor veneciano que tanto
admiraba Velzquez) y para otros son personajes reales.
En este cuadro, al igual que en Las Meninas, el artista hace un uso magistral de la
perspectiva area captando a la perfeccin la luz y la sutil vibracin del aire. Hay algunos detalles
de una modernidad asombrosa como la forma de pintar los dedos de la mujer que enrolla la lana, o
la rueda de la rueca, con una magistral reproduccin del movimiento, al desaparecer la visin de
los radios por el giro de la misma y la representacin de la mano que la ha impulsado como una
mancha.
Sobre el significado de la obra hay diversas interpretaciones. Una de las ms aceptadas
sostiene que estamos tambin en esta obra ante un alegato a favor de la nobleza de la pintura a la
que se alude al fondo, frente a los oficios manuales, que estn representados en primer trmino.
MURILLO (1617-1682)
La Sagrada Familia del pajarito. Anterior a 1650. leo sobre lienzo, 144
x 188 m. Museo del Prado, Madrid.
La obra refleja a la perfeccin la personal interpretacin que Murillo hace de los temas
religiosos, llenos de sencillez, ternura y cotidianidad. La escena, que recibe ese nombre por el
pajarillo que el Nio Jess muestra al perro que est a sus pies, est representada como una escena
familiar en la que el Nio juega acompaado por su padre mientras la madre, que ha parado en sus
labores de hilado para comerse una manzana, los observa. La importancia concedida a San Jos es
fruto de las ideas contrarreformistas de valorizacin de su figura. Aqu le vemos representado
como un buen padre, con un rostro inteligente y paciente, quedando la figura de Mara en segundo
plano. En esta obra Murillo anticipa su esplndida captacin del mundo infantil que encontraremos
en sus clebres cuadros posteriores con los nios como protagonistas.
La obra se enmarca todava dentro del naturalismo tenebrista de sus primeras obras. La luz
que entra por la izquierda provoca fuertes contrastes de luz y sombra, dejando el fondo en total
penumbra. Destaca la precisin realista con que estn tratados los objetos, como el cesto de la
labor o los pliegues de los paos.
ZURBARN (1598-1664)
Bodegn de cacharros. 1658-1664. leo sobre lienzo, 046 x 084 cm.
Museo del Prado, Madrid.
El gnero del bodegn no suele estar muy representado en la pintura espaola, ya que
estaba considerado como arte de segunda categora y existan artistas especializados en ello.
Zurbarn presenta varios objetos de cermica y metal alineados sobre una mesa: a la
izquierda, una copa de bronce sobre una bandeja, a continuacin una vasija blanca, una de barro
rojo y en el extremo de la derecha otra vasija blanca sobre una bandeja. El artista demuestra una
extraordinaria maestra en la captacin de las calidades de los objetos. La luz define a la perfeccin
los volmenes que destacan con nitidez sobre el fondo oscuro, crendose un fuerte contraste de luz
y sombra que refleja claramente el influjo del tenebrismo de Caravaggio. La disposicin de los
objetos es de gran austeridad y sencillez y transmite una sensacin de serenidad. Tambin se puede
apreciar cierta simetra en la disposicin de los objetos que nos evoca la de los objetos litrgicos
sobre la mesa del altar.
Bodegn de cacharros
Los martirios son uno de los temas ms representados en la pintura barroca, dentro del
papel concedido por el Concilio de Trento a la obra de arte en la difusin de las ideas religiosas. Se
trata de despertar la compasin de los fieles y reflejar la importancia del martirio como va de
santidad, una va negada por los protestantes.
En el ambiente ttrico de una cripta funeraria u osario, en cuyo fondo se acumulan restos
de esqueletos humanos, una iluminacin tenebrista destaca en primer plano un atad conteniendo
el cadver de un obispo en proceso de descomposicin. Insectos y gusanos repugnantes corroen su
cuerpo muerto con todo lujo de detalles y realismo. A su lado est el cadver de un caballero de la
Orden de Calatrava, envuelto en su manto blanco con el escudo de la Orden. Al fondo de la
estancia, en medio de una gran penumbra, se ve el esqueleto de un rey y numerosos restos
humanos. En la parte superior del cuadro aparece la mano de Cristo, perfectamente identificable
por los agujeros de los clavos de la Crucifixin, que sostiene una balanza con dos platillos. En el
de la izquierda, con la inscripcin Ni ms, hay distintos objetos y figuras que simbolizan los siete
pecados capitales, que llevan al hombre a la condenacin. En el platillo opuesto, con la inscripcin
Ni menos, aparecen los smbolos de la oracin, la penitencia y la caridad, medios para alcanzar la
salvacin. La balanza est equilibrada. Con ello se nos quiere decir que todos los hombres, sin
distincin, sern iguales ante el juicio de Dios. El haber practicado las buenas obras o el mal,
desnivelar la balanza, llevando el alma a la salvacin o a la condenacin.
La intencionalidad de la obra es clara. El pintor hace una reflexin sobre la vanidad de las
cosas mundanas y la fragilidad de la vida y al mismo tiempo quiere transmitir la idea de que hay
que practicar las buenas obras para conseguir la salvacin del alma.
APUNTE BIOGRFICO
En 1792, sufre una enfermedad que le deja como secuela la sordera, factor que
contribuy a aislarle y a favorecer su creacin de un mundo propio repleto de
pesadillas y miedos personales, que se reflejan en su obra, cada vez ms
tormentosa y oscura. Entre los aos 1792 y 1799 realiz la serie de grabados de
Los Caprichos, que reflejan muy bien lo expuesto anteriormente. Tras ellos se
inici un momento verdaderamente esplendoroso para el artista: pint los frescos
de San Antonio de la Florida, La familia de Carlos IV y las dos Majas. En 1808
sufri una nueva crisis debido a la Guerra de la Independencia, de este momento
sern los cuadros del Fusilamiento del dos de Mayo, los Desastres y La
Tauromaquia. Los ltimos aos los pas slo y enfermo en La Quinta del Sordo,
cuyas paredes decor con lo que se conocen como pinturas negras.
En 1823 la situacin en Espaa era insufrible para l por la represin que ejerca
la monarqua, por lo que decide abandonar el pas e instalarse en Francia, donde
morira en 1828. All pint la lechera de Burdeos, una de las ms bellas
creaciones y un importante punto de referencia para el impresionismo.
Pocos artistas nos muestran tan clara imbricacin entre su vida personal y
social, y su evolucin y maduracin artstica. La obra de Goya est
atravesada y condicionada, en todo momento, por los acontecimientos histricos
que se sucedieron a lo largo de su vida. Fue un testigo privilegiado de una poca
de crisis y cambios. Supo ejercer, desde la pintura, la difcil y arriesgada tarea de
criticar los vicios y supersticiones de la sociedad espaola de su tiempo. Su
talante liberal y su sensibilidad social le permitieron ir, no obstante, ms all del
mero cronista, pues denunci las calamidades de la guerra o de la opresin de un
modo lcido y amargo, sin concesiones.
EL ESTILO DE GOYA
Goya tuvo problemas con los tapiceros, pues el primero no comprenda que
fueran cuadros sin ms, sino para utilizarlos de referente en la confeccin de
tapices, con todas las dificultades que ellos comportaba, por lo que abandonara
durante bastante tiempo la confeccin de los mismos. Sus temas preferidos se
extraen de la naturaleza: La Vendimia, la Nevada, la Florera, etc. En estas obras
encontramos a un Goya colorista y luminoso, de tonos amables y colores clidos,
fiel reflejo del optimismo vital de que caracterizaba esta poca de su vida.
Las pinturas para la cpula de la Baslica del Pilar y la ermita de San Antonio de
la Florida en Madrid revelan la gran seguridad tcnica con la que se mova el
artista.
EL RETRATO Y LA HISTORIA
En los retratos de monarqua se muestra muy crtico. Pint a Carlos III cazador.
Hizo lo mismo con Carlos IV y su esposa. Goya est en cualquier caso lejos de la
idealizacin y muestra la antipata que algunos personajes le inspiraban.
En La familia de Carlos IV (1800-18001), se autorretratara el mismo, como lo
hiciera Velzquez, en lo que es un claro tributo al maestro sevillano. En esta obra,
de factura genial aunque de composicin sencilla, la familia real es retratada
como si se tratara de una instantnea fotogrfica. Sobre un fondo sobre el que
cuelgan dos enormes lienzos se sita el plano en el que aparece la familia real.
La riqueza cromtica de esta obra es excepcional. Al contrario que los modelos
neoclsicos, aqu todo es una explosin de colores, dorados, azules y rojos de
vivos contrates. La familia real aparece haciendo ostentacin de su lujosa
riqueza. Sin renunciar a la fidelidad de los rasgos fsicos, Goya penetra en los
rasgos psicolgicos de los rostros de los personajes.
Los Retratos de la nobleza y a la burguesa fueron numerosos: Los Duques de
Osuna y sus hijos,
La condesa de
Chinchn, La
duquesa de Alba,
La marquesa de
Villafranca, etc.
Las Majas son
obras polmicas,
pues no se sabe a
quien representan,
aunque algunos
estudiosos
sostienen que se
trata de la duquesa de Alba, cosa improbable dado el estatus de esta aristcrata
y las implicaciones que tena el desnudo en aquella poca.
Las Pinturas negras fueron pintadas por Goya en 1819 en la casa que compr
cerca del Manzanares, conocida como la Quinta del Sordo. En este momento de
su vida, la sordera le haba llevado a encerrarse en s mismo creando un mundo
personal, desesperanzado, sombro y srdido.
Los colores que emplea ahora son el negro, el marrn, los verdes muy oscuros y
algn tono rojizo. El dolor y la muerte son temas predominantes. En este sentido
se consideran el antecedente del Expresionismo por su recurrencia a la
deformacin como mecanismo de expresin.
De este momento es el Duelo a Garrotazos (la obra alude a la ignorancia del
hombre empeado en autodestruirse). El Aquelarre es una crtica a la
superchera y a la irracionalidad que tanto arraigo tuvieron en Espaa.
En Espaa no exista, hasta la llegada de Goya, una gran tradicin en la tcnica
del grabado al aguafuerte. Los grabados realizados por Goya se agrupan en
cuatro series:
EL ARTE NEOCLSICO
Retrato del rey Carlos III, de A. R. Mengs. Fecha: 1761. Dimensiones: 154 x
110 cm.
Antonio Rafael Mengs, de origen alemn, trabaj para el rey Carlos III, que
pretenda extender la Ilustracin y el Neoclasicismo al panorama cultural espaol.
Este retrato fue realizado a modo de resumen de las nuevas teoras pictricas
que se pretendan implantar. Mengs muestra en este lienzo toda la habilidad de
su tcnica aplicada al retrato de estado. El rey est captado de tres cuartos,
vestido con su brillante armadura, como jefe militar de la monarqua. La banda de
seda que cruza su pecho, con las condecoraciones, parece que se pueda tocar,
puesto que reproduce magistralmente las arrugas de haber estado plegada, y los
brillos fascinantes del tejido. La figura se apoya estructuralmente sobre dos
elementos: en primer lugar, la mesa sobre la que se encuentran los smbolos de
poder. En segundo lugar, por el fondo arquitectnico, que muestra una columna
clsica y una gran cortinaje rojo. Esto presta solidez a la composicin, la misma
solidez que ha de tener un gobernante. El pao rojo brillante es un alegre
contrapunto de color, as como un homenaje a la pintura veneciana, que Mengs
conoca directamente, especialmente a Tiziano. La captacin de las calidades
materiales es asombrosa en su virtuosismo. Pero carece de la penetracin
psicolgica que mostrarn los retratos de poca posterior, durante el
Romanticismo. Es una muestra del retrato oficial o de aparato, en el cual lo
que se pretende es mostrar con solemnidad el status del representado, cosa que
Mengs consigue a la perfeccin. El lienzo hace pareja con el retrato de la reina
M Amalia, que tambin se encuentra en el Museo del Prado.
Realizadas por: ALUMNOS DE HISTORIA DEL ARTE MODERNO DE LA UNED.
LAMINAS_ HISTORIA DEL ARTE MODERNO _ CURSO 2007-2008 UNED
LA PINTURA NEOCLSICA
Todo ello gener una pintura en cierto modo eclctica que pretendi prescindir
de todo detalle superfluo para destacar la importancia del tema; ste es lo
fundamental en la pintura neoclsica porque estaba destinada a regenerar la
sociedad mostrando las virtudes ciudadanas que se interpretaban a travs
de temas sacados de la literatura clsica.
Antonio Canova
Cupido y Psique o El
amor de Psique (1800).
Grupo escultrico
realizado en mrmol.
Introduccin
El concepto de NEOCLASICISMO:
el triunfo de la razn. Objetivismo frente a subjetivismo.
Hay una serie de circunstancias que explican su desarrollo:
1. El redescubrimiento de la Antigedad Clsica a travs de la arqueologa. Las
excavaciones en las ciudades romanas de Pompeya y Herculano mpulsan este
LA REACCIN NEOCLSICA
La reaccin neoclsica contra la esttica barroca se inicia a mediados del s. XVIII;
supondr a ruptura plstica con el arte del Antiguo Rgimen. La asuncin plena
del Neoclasicismo se prolongar durante el perodo napolenico (estilo Imperio),
consolidando el distanciamiento de la burguesa crtica con la aristocracia, amiga
de la razn y el orden. El nuevo emperador se apropiaba del lenguaje de los
csares para plasmar su idea de imperio universal.
Las formas artsticas en que se apoyan resucitan las nobles formas del pasado
greco-romano, de gran prestigio moral por su identificacin con los valores y
virtudes republicanas, tan opuestas a la monarqua absoluta. La austeridad
neoclsica se opondr a la exhuberancia del barroco, permitiendo la
racionalizacin de la vida y la actividad social.
Las dimensiones llegan a ser colosales, con un regusto por la pomposidad muy
marcado. Las formas decorativas se sirven de materiales atractivos y fastuosos.
La evolucin recorre, en su misma sucesin histrica, todos los estilos
dependientes de la antigua construccin por columnas: arquitectura griega,
romana, se imita la baslica paleocristiana, el Renacimiento.
ESPAA
Durante la segunda mitad del s. XVIII el esfuerzo por la depuracin y
simplificacin de las formas arquitectnicas, es una tarea que se abordar desde
la recin creadas Academias. La Academia de San Fernando fiscaliza todo
cuanto se construye en Espaa desde 1780; propugna el estudio de la
arquitectura clsica y enva pensionados a Italia y Pars.
Los autores ms importantes son:
El estilo sigui vigente durante toda la primera mitad del siglo XIX; en 1850 se
terminaba el edificio de las Cortes.