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El cine de animación
©Enrique Martínez-Salanova Sánchez
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el siglo XXI el cine de animación
El cine de animación
La animación es la técnica que da sensación de movimiento a imágenes, dibujos, figuras, recortes, objetos,
personas, imágenes computerizadas o cualquier otra cosa que la creatividad pueda imaginar, fotografiando o
utilizando minúsculos cambios de posición para que, por un fenómeno de persistencia de la visión, el ojo
humano capte el proceso como un movimiento real. Según el animador norteamericano Gene Deitch,
«animación cinemática es el registro de fases de una acción imaginaria creadas individualmente, de tal forma
que se produzca ilusión de movimiento cuando son proyectadas a una tasa constante y predeterminada,
superior a la de la persistencia de la visión en la persona.»
Mientras en el cine de imagen real se analiza y descompone un movimiento real (24 imágenes por segundo),
en el cine de animación se construye un movimiento inexistente en la realidad (desde 24 hasta 8 imágenes por
segundo).
Con la invención del paso de manivela, Chomón estableció los principios fundamentales de la animación.
Mas tarde Cohl los aplicó al campo gráfico, y estableció las bases de lo que con los años se convertiría en la
poderosa industria de los dibujos animados. McCay dio al dibujo animado la técnica básica con la que se ha
mantenido hasta el presente, pues los principios de la animación en papel, en acetato o por ordenador, la
forma técnicamente más avanzada del género, son exactamente los mismos; sólo cambian las apariencias.
En el caso del ordenador, el truco del paso de manivela es llevado al extremo: la unidad elemental
manejada, el píxel, es mucho más pequeña que el fotograma, el resultado es que el animador tiene el control
total tanto del espacio -el objeto filmado- como del tiempo -el movimiento de las imágenes. En el futuro, el
abaratamiento de costes permitirá una aplicación generalizada en investigaciones científicas, en la generación
de gráficos y recursos para la educación, en simulaciones de todo tipo, y en campos en los que, como suele
suceder, las aplicaciones aun están por llegar.
Diversos tipos de animación

Existen numerosas formas de animación, que dependen de la creatividad de los animadores y de la
técnica o de los objetos que se utilicen.
Dibujo animado
Los dibujos animados se crean dibujando cada fotograma. Al principio se pintaba cada fotograma y luego
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Los dibujos animados se crean dibujando cada fotograma. Al principio se pintaba cada fotograma y luego
era filmado, proceso que se aceleró al aparecer la animación por celdas o papel de acetato inventada por
Bray y Hurd en la década de 1910. Usaron láminas transparentes sobre las que animaron a sus personajes
sobre el fondo. Más tarde, al técnica se agilizó mediante los dibujos realizados en computador, pues
existen programas que asisten a la creación de los cuadros intermedios.
Stop motion
Cuando la animación no entra en la categoría anterior, del dibujo animado, se llama stop motion, en la
que se le da vida a objetos de todo tipo, maquetas, objetos a escala, muñecos, sean articulados o de
plastilina, tomadas de la realidad mediante fotografía o filmación. Para ello se utiliza la grabación
«fotograma a fotograma» o «cuadro a cuadro», cuyo iniciador fue Segundo de Chomón con su llamado
«paso de manivela». Cuando lo que se animan son recortes, cartón, papel o fotografías, se llama
Animación de recortes (cutout animation).
En la animación con plastilina o con otros materiales moldeables, las figuras se van transformando o
moviéndose en el progreso de la animación paso a paso. es un proceso muy laboriosos que requiere
fidelidad a los tiempos determinados y a la credibilidad de los movimientos, en ocasiones ojos y boda de
muñecos, para cuando sea proyectada a veinticuatro imágenes por segundo. Cualquier materia que pueda
ser fotografiada, puede utilizarse para ser animada: arena, agua, agujas, etc. Actualmente, los ordenadores
facilitan la tarea.
Stop trick (literalmente «truco de parar»)
Tipo de efecto especial cuando se filma un objeto y, mientras la cámara está apagada, el objeto se coloca
fuera de la vista de la cámara y entonces se vuelve a encender. Al ver la película al espectador le parece
que el objeto desaparece.
Georges Méliès descubrió el stop trick accidentalmente cuando estaba rodando el tráfico de una calle de
París. El mecanismo de la cámara se atascó; el tráfico siguió moviéndose normalmente pero la cámara dejó
de rodar hasta que Méliès pudo arreglar el mecanismo. Más tarde, al proyectar la película, quedó atónito al
ver a un ómnibus transformarse de repente en un coche fúnebre. Lo que realmente había sucedido es que
el ómnibus se había movido fuera de plano tras atascarse la cámara y había sido reemplazado por el coche
fúnebre cuando ésta siguió rodando. Méliès usó esta técnica para filmar trucos de magia. Por ejemplo,
podía filmar a un mago y su chica ayudante; el mago hacía un gesto y Méliès paraba la cámara. Luego le
decía a la chica que se pusiera fuera de la vista de la cámara y empezaba a rodar de nuevo. Al ver la
película completa, parecía que la chica había desaparecido tras el gesto del mago.
Esta técnica no debe confundirse con la técnica stop motion, en el que se crea la totalidad de lo rodado
fotograma a fotograma.
Recambio de piezas
La técnica de «recambio de piezas», «replacement animation» (animación por reemplazamiento, o por
sustitución). El sistema de captura es básicamente el mismo que el del stop-motion convencional, pero los
muñecos empleados aquí, normalmente tallados en madera, no poseen partes móviles, sino piezas
intercambiables. Consiste en crear tantas piezas como movimientos o expresiones vaya a necesitar el
personaje. Un ejemplo fácil de comprender es diseñar diferentes cabezas –con una sonrisa, triste,
enfadada…- e ir colocando la cabeza que corresponda en el momento adecuado del plano. Las piezas se
elaboran previamente siguiendo la animación esbozada en papel, y luego en vez de mover los miembros de
los muñecos, lo que se hace es reemplazar las piezas. De esa forma un sencillo movimiento podría
requerir un gran cantidad de piezas, en torno a las 20.
Puppertoons
El termino Puppertoons fue acuñado por Geor Pal y su socio Dave Bader, se compone de los términos
puppet –marioneta- y cartoons –dibujos animados-. Ya que se trataba de animar las marionetas siguiendo la
técnica clásica de animación de los dibujos, o sea, una figura del personaje diferente para cada fotograma.
Film directo
Se denomina así al que directamente se dibuja, raya, se pinta o se compone sobre el mismo celuloide.
Len Lye, neozelandés, fue un pionero. En ocasiones, como en el caso de Norman Mclaren, dibujaba
también la banda sonora.
Pixilación
Se denomina pixilación a una variante del stop-motion, en la que se animan personas u objetos
cotidianos. Para ello se fotografía repetidas veces desplazando ligeramente el objeto. En el caso de
personas se suprimen secciones de una filmación con el fin de crear una sensación diferente. Norman
McLaren fue pionero de esta técnica (utilizada con anterioridad por Emile Cohl), empleada en su corto
animado A Chairy Tale, en el que da movimiento una silla o su cortometraje Vecinos, Neighbours (1952), en el
que dos personas realizan movimientos muy complicados. Norman McLaren también experimentó con el
dibujo directamente sobre le celuloide, tanto de las imágenes como la realización de la misma banda
sonora. Ver McLaren
Rotoscopía
Disney animó a Blancanieves en momentos de cierta complicación, bajada de escaleras, bailes, y a otros
personajes sobre la filmación de personas reales. El equivalente en infografía es la técnica llamada motion
capture.
Animación limitada
Es un proceso de creación de dibujos animados que disminuye la cantidad de cuadros por segundos. En
vez de realizar la animación de 24 imágenes por segundo, muchos de esos cuadros son duplicados, se usa
arte abstracto, simbolismo, repetición de fondos y de movimientos para crear el mismo efecto por lo que el
dibujo se hace más imperfecto, pero abarata mucho los costes. Un ejemplo característico son los Picapiedra.
Animación flash
Flash es un programa de edición multimedia con varias finalidades crear animaciones, contenido
multimedia, juegos, etc. Con él se pueden realizar animaciones y de hecho muchas productoras están en la
actualidad realizando trabajos de animación en 2-D con este sistema para páginas web y sitios web
multimedia.
Animación en 3D
Hace referencia a un tipo de animación que simula las tres dimensiones. se realiza mediante un proceso
denominado renderización, que generar una imagen de 2D desde un modelo de 3D. Así podría decirse
que en el proceso de renderización, la computadora «interpreta» la escena en tres dimensiones y la plasma
en una imagen bidimensional.
Foto-realidad
Consiste en trasladar al mundo virtual de la forma más realista posible el mundo real. Una película
realizada con esta técnica fue Final Fantasy, en 2002, de Hironobu Sakaguchi que, aunque fracasó
comercialmente, quedará como una herramienta con la que investigar en el futuro.
Animación motion capture y performance capture
La «Performance Capture» es un avance recientes de las técnicas de captura de imagen por ordenador.
Se podría traducir como captura de la interpretación, cuando la «Motion Capture», el sistema anterior, en el
que se basa, era la captura de algunos movimientos del cuerpo mediante sensores que son interpretados
por un ordenador. Ver cine siglo XXI.
La prehistoria de la animación. La animación antes del cine (Ver: Pre-cine)

En las manifestaciones artísticas, desde que se conocen, la especie humana ha intentado representar la
ilusión del movimiento, en las pinturas rupestres, o en el arte egipcio y griego, o las sombras chinescas. Sin
embargo, fue Anthonasius Kircher el que en 1640 inventó la Linterna mágica, con la que proyectaba
diversas fases de un movimiento mediante grabados en cristales, que cambiaba de forma mecánica.
En 1824, Peter Mark Roget descubrió el «Principio de Persistencia de la Visión», fundamento en el que se
basan todas las imágenes proyectadas que conocemos hoy en día. Demostraba que el ojo humano retiene la
imagen que ve durante el tiempo suficiente para ser sustituida por otra, y así sucesivamente, hasta realizar un
movimiento completo y el Dr. John Ayrton Paris puso a la venta en Londres el taumatropo. Primer juguete
óptico que explota la persistencia de la imagen sobre la retina, compuesto de un disco y de hilos vinculados a
las extremidades de su diámetro. Sobre cada cara hay un dibujo; al hacer girar sobre un eje el disco, se ven
simultáneamente los 2 dibujos.
En 1828, Joseph Plateau (Belgica, 1801-1883) estableció que una impresión luminosa recibida sobre la retina
persiste 1 de segundo después de la desaparición de la imagen; concluye que imágenes que se suceden a más
d e 10 por segundo dan la ilusión del movimiento (el descubrimiento del principio de persistencia de las
impresiones retinianas se remonta al siglo II.).
Dos personas, no se sabe quien lo hizo antes que el otro, inventaron las primeras ruedas de este tipo en
1832. Simon Ritter von Stamfer, de Viena, en Austria, que le llamó Stroboscopio, y el mismo Joseph Plateau,
que le llamó Phenakistoscopio. Estos fueron los primeros instrumentos capaces de crear la impresión de una
imagen que se movía realmente.
Mientras tanto, nació la fotografía, sin la cual no existiría el cine. Hacia 1852, las fotografías comenzaron a
sustituir a los dibujos en los artilugios para ver imágenes animadas. A medida que la velocidad de las
emulsiones fotográficas aumentó, fue posible fotografiar un movimiento real en vez de poses fijas de ese
movimiento.
En 1877, el francés Émile Reynaud, logró mayor flexibilidad en el movimiento aparente de las figuras con el
Praxinoscopio, un tambor giratorio con un anillo de espejos colocado en el centro y los dibujos colocados en
la pared interior del tambor que al girar parecían cobrar vida. Lo aplicó al «teatro praxinoscópico» en el a
través de una combinación de espejos se movían tenues figuras luminosas. Permitía proyectar películas
animadas dotadas de argumento en una pantalla para un público, y, acompañadas de música y efectos sonoros,
mantuvo un espectáculo de dibujos animados desde 1892, tres años antes de la primera sesión pública de cine,
hasta finales del siglo XIX. Las representaciones se hacían en el Museo Grévin de París con películas que
duraban unos 10 min. y en las que empleaba ya las bases de la moderna animación, dibujando los personajes
sobre papeles transparentes para evitar la repetición de fondos.
Los pioneros de la animación cinematográfica
El año oficial del nacimiento del cine es el 1895, pero el nacimiento del cine de animación se produjo
unos diez años más tarde, en 1905. Fue ese año cuando Segundo de Chomón realizó El hotel eléctrico,
1905, quizá la primera animación de la historia, aunque la historia oficial, escrita sobre todo por
anglosajones y franceses, dice que este honor corresponde a La casa encantada, The haunted house, 1907, del
inglés afincado en los Estados Unidos James Stuart Blackton. En 1907, Chomón realizó para los
hermanos Pathé, Los Ki ri ki, uno de los primeros films coloreados con un sistema ideado por el propio
James Stuart Blackton Chomón. Lo cierto es que el honor del primer film de animación se lo disputan los cineastas Stuart
Blackton, norteamericano, Segundo de Chomón, español, y Emile Cohl, francés.
James Stuart Blackton (1875-1941), ilustrador y periodista, rodó en 1900 The enchanted drawing, una de
las primeras producciones de animación, muy imitada por sus contemporáneos, en la que realizaba
dibujos de rostros rápidamente en una pizarra, donde los personajes cambiaban de expresión por medio
de trucos de sustitución. En 1906 realizó Humorous Phases of Funny Faces, por algunos considerado el
primer dibujo animado de la historia, puesto que los movimientos de los personajes se consiguen por la
sucesión rápida de los fotogramas. En un cortometraje Haunted Hotel, 1907, puede verse una mesa bien
servida en la que los cubiertos se mueven solos, en donde se utilizó la técnica del stop motion e se
introdujo la animación de objetos en tres dimensiones. A ese film le siguió otro, The Magic Fountain Pen
,1909, en el que una pluma animada con vida propia traza dibujos sobre un folio blanco. Blackton tenía
grandes contactos con con Albert E. Smith, Edison y los fundadores de la Vitagraph.
Segundo de Chomón (1871-1929). El gran invento de Chomón fue el mecanismo de control del paso
de la manivela de la cámara mediante el cual se podía trucar el tiempo y el movimiento de les imágenes.
Fue el punto de partida de todo el cine de animación y en el que se sustenta hasta la actualidad. A partir
Segundo de Chomón de este descubrimiento (stop-motion), desarrolló un aparato la «cámara 16», que filmaba imagen por
imagen con la que realizó sus más arriesgados proyectos. Hizo El hotel eléctrico, producida en 1908 por la
Pathé, tal vez inspirada en El hotel embrujado (1906) de Stuart Blackton. Entre lo más significativo de la
obra de Chomón en cuanto a la animación está La poule aux oeufs d'or (1905), basado en la fábula de La
Fontaine, en los que figura un cuadro de gallinas que se convierten en bailarinas gracias al paso de
manivela, un huevo transfigurado en murciélago y otro que alberga la cabeza de un demonio. En La
maison hantee (1906) narra una pesadilla mediante transparencias y sombras chinescas, en Le Theatre du Bob
(1906) utiliza muñecos articulados que luchas a esgrima, boxean, y hacen gimnasia. En muchos otros film
Chomón utilizó su creatividad para trucar utilizando sus sistemas de paso de manivela, coloreado y otros.
Emile Cohl. Fue dibujante de cómics. Desde 1908 realizó los primeros cortometrajes de dibujos
Emile Cohl animados, viendo los trabajos de Chomón, Méliès y Blackton, sobre todo La casa encantada de este último,
e imaginó nuevas posibilidades para aquel tipo de cine. Con la misma técnica del registro fotograma a
fotograma, realizó Fantasmagorie (La pesadilla de Fantoche), film que tiene el valor de abrir la animación al
campo del grafismo y que se considera la primera película de dibujos animados y el primer personaje al
cual se le consagraría más de un filme. Entre 1908 y 1921, Cohl realizó 250 animados, todos inspirados
por la filosofía del grupo de Los Incoherentes, quienes estaban convencidos de que la locura, las
alucinaciones, los sueños y las pesadillas eran la mayor fuente de inspiración estética. Combinó
personajes de carne y hueso con animados en Clair de lune espagnol, realizó en Estados Unidos la serie de
los Snookums, y de regreso a Francia, en 1918, Los pies niquelados. También hizo Los alegres microbios (1910-
1911), La lámpara que humea, filmes de trucos a partir de conferirle falsa movilidad a los objetos, Las cerillas
animadas, y una versión de Fausto con muñecos.
Billy Bitzer, (1874-1944), utilizaba el stop motion para hacer que bustos y estatuas aparezcan riéndose y
hasta fumando, en The Sculptor’s Nightmare. Pero su popularidad se debe a dos grandes cualidades: sus
George Méliès continuos experimentos durante las filmaciones o toma de fotografías que marcaron el camino de futuros
directores y directores de arte y su asociación con Griffith. A Bitzer, conmsiderado el primer director de
fotografía de la historia del cine, se deben numerosos inventos técnicos y procedimientos de filmación
que hicieron avanzar el lenguaje cinematográfico.
George Méliès (1861-1938). Utilizó en sus filmes abundantes efectos realizados con técnicas de
animación. Fue un famoso Mago a fines del XIX y llevó a la pantalla alguno de los trucos que le hicieron
popular en los escenarios. Algunas de sus películas de este periodo ofrecen trucajes conseguidos al rodar
ciertas escenas fotograma a fotograma.
Cecil Hopworth (1874-1953), en el RU. dirigió The Electricity Cure, primera de una serie cuyos títulos
Cecil Hopworth son suficientemente expresivos: The Electrical Goose (1905), The Electric Hotel (1906), The Electric Belt
(1907), Liquid Electricity (1907), The Electric Servant (1909) y The Electric Vitaliser (1910), plagados de efectos
de animación.
Pionero indiscutible de los dibujos animados fue Winsor McCay que era caricaturista y autor de
cómics en el New York Herald y que se sintió atraído por el espectáculo cinematográfico, por lo que
comenzó a experimentar con los dibujos animados. Realizó todos los dibujos del film Little Nemo (1911),
que el llevaron cuatro años. inspirado en su historieta Little Nemo in Slumberland. Hizo también Gertie the
dinosaur (1914), que realizó él mismo cartón por cartón, y que contenía diez mil cuadros. El filme
consolidó su técnica de animar los movimientos intermedios entre dos posiciones extremas. Jersey Skeeters
(1916), El hundimiento del Lusitania (1918) -Ver documental animado- y The dream of a rarebit friend(1921),
títulos esenciales en la historia de estas técnicas.
John Randolph Bray (1879-1978) fue el primero en darse cuenta de las posibilidades industriales del
John Randolph Bray (1879-1978) fue el primero en darse cuenta de las posibilidades industriales del
dibujo animado. En 1903 creó la serie Little Johnny and His Teddy Bears. Fundó unos estudios y produjo
varias películas, entre las que destaca Colonel Heeza liar's african hunt (1914). Fue quien desarrolló la técnica
de acetato trasparentes superpuestas (Cel-Systems), que fue una revolución en la realización de dibujos
animados y que se ha mantenido hasta la era de la informática. El cel systems es atribuido a Bray y también
a Earl Hurd. Ambos se unieron y formaron la Bray-Hurd Process Company. En 1919 dirigió el primer
Charles Bowers, y los dibujos de animado bicromático The Debut of Thomas Cat, pero el procedimiento se juzgó demasiado caro para uso
Harry Fisher comercial.
El personaje de Krazy Kat, un divertido felino creado en 1910 por George Herriman para una de las
principales cabeceras de Hearst, el New York Journal, pasó a formar parte del mundo del cine en 1916,
en que se realizaron varios cortos, de unos tres minutos de duración, acerca del personaje. Poco después,
influidos por el éxito de este felino, un ejecutivo de la compañía Paramount Pictures, John King, contrató
a dos dibujantes de cómics, Pat Sullivan y Otto Messmer para que realizaran una película protagonizada
por un personaje inventado por Sullivan, el gato Félix. Su primera película fue Feline Follies (1918).
Dignos de reseñar son Arnaldo Ginna, 1890-1982, pintor, escultor y director de cine italiano, que creó
la técnica de pintar directamente sobre celuloide, que luego adoptarán Len Lye y Norman McLaren.
Opinaba que el color y las formas podían mostrarse igual que los motivos musicales de una pieza.
Wladislaw Starewicz
Wladislaw Starewicz, en La venganza del camarógrafo (1912), una obra maestra del stop motion con figuras en
tercera dimensión, en este caso escarabajos disecados. Wladislaw Starewicz, llamado en Francia Ladislas
Starewitch, realizó en Francia en 1927 La cigale et la fourmi y La reine des papillons.
El canadiense Raoul Barre fundó su propio estudio y desarrolló una técnica de animación basada en el
rasgado y recortado para lograr diversos niveles en la imagen. Charles Bowers, llevó a la pantalla las
historietas creadas por Harry Fisher para diversos periódicos, e n Mutt and Jeff (en español Benitín y
Eneas), que se mantuvo como figura protagónica del dibujo animado hasta bien avanzados los años
veinte. La serie incluyó unos 500 animados, y finalizó en 1928.
En España, tras los experimentos de Segundo de Chomón, la primera película íntegramente animada
Pat Sullivan y Otto Messmer española, fue El Toro Fenómeno, de diez minutos de duración, realizada en 1919 por Fernando Marco,
cinta que podría haber sido la primera de una prometedora serie que nunca se produjo dadas las
dificultades de explotación con las que tuvo que enfrentarse su autor.
Félix el gato
El Gato Félix y los dibujos animados que incluían al personaje
disfrutaron de un enorme éxito en los años 1920 y se mantuvieron
hasta 1930 con una breve resurrección en 1936. Félix el gato no
superó los avatares que en el cine se sucedieron con la revolución
del color y el sonido y fue superado por la factura de otros
estudios, como Disney , pues no pudo competir con Mickey
Mouse.
Los orígenes de Félix son cuestionados. Pat Sullivan,
caricaturista y empresario de cine de origen australiano y el
animador estadounidense Otto Messmer han afirmado ser los
creadores, y la evidencia parece sostener ambas demandas. Felix el gato, la primera imagen que
Muchos historiadores, sin embargo, incluyendo John Canemaker, fue difundida por una emisora de
televisión
afirman que fue Sullivan quien plagió a Messmer. Lo que es
seguro es que el gato salió del estudio de Sullivan, y los dibujos
animados que incluían al personaje disfrutaron de un enorme éxito
en los años 1920. Paramount Pictures distribuyó las primeras
películas entre 1919 y 1921. Margaret J. Winkler distribuyó los
cortos entre 1922 y 1925, el año en que Educational Pictures
asumió el control de la distribución de los cortos. En 1928,
Education dejó de sacar los dibujos animados de Félix y muchos
fueron reemitidos por First National Pictures. Copley Pictures lo
distribuyó desde 1929 hasta 1930. Tuvo una breve resurrección en
1936 por Van Beuren Studios, pero la gloria de los viejos tiempos
desapareció durante el breve paso del gato por el color y el
sonido.
La consolidación del cine de animación en todo el mundo

El dibujo animado fue siempre a la par con las técnicas de animación, ya en 1914 el pintor franco-
ruso-finlandés Leopold Survage, compañero de alojamiento y correrías de Modigliani, convenció a la
compañía Gaumont, para que el financiara una serie de películas de dibujo abstracto, semejante al
dibujo animado. El alemán Hans Richter, tal vez influido por el anterior, realizaba cortometrajes
experimentales abstractos, como Rhythmus 21 (1921). La animación norteamericana se concentró en
Nueva York hasta finales de los años veinte y principio de los treinta. La Guerra Mundial abatió las Kapten Grogg, de Víctor Bergdahl.
Nueva York hasta finales de los años veinte y principio de los treinta. La Guerra Mundial abatió las Kapten Grogg, de Víctor Bergdahl.
escuelas de animación y preparó el predominio norteamericano, una situación que se confirmó luego de
la II Guerra Mundial.
Lotte Reiniger, fue una pionera que realizó dibujos animados en Alemania a partir del teatro de
sombras, personajes opacos sobre fondos blancos, como Las aventuras del príncipe Ahmed (1926), el primer
largometraje de dibujos animados que se conserva. (El primer largometraje de animación fue mudo y
argentino, El Apóstol (1917) de Quirino Cristiani, película que se ha perdido porque el celuloide en el
que había sido revelado fue utilizado posteriormente, siguiendo la costumbre de la época, en la
fabricación de peines. En Suecia, en 1916, se realizó la serie Kapten Grogg, de Víctor Bergdahl. El
británico Anson Dyer, realizó John Bull’s Animated Sketchbook (1920), Three Little Pigs (1922) y Little Red Lotte Reiniger
Riding Hood (1923).
Windsor McCay, en 1918, realizó el que es considerado el primer documental animado, The Sinking
of the Lusitania, con 25 000 cuadros, en un estilo muy realista, en el que debió poner documentación e
imaginación para relatar un hecho en el que no había imágenes fotográficas.
En las primeras décadas del siglo XX se hicieron películas como Symphonie diagonale (1921-24), de
Vicking Eggeling, mediante recortes en estaño creaba relaciones rítmicas entre formas y líneas
geométricas simples mediante la proporción, las relaciones numéricas y la intensidad lumínica, a partir
de las cuales surgía algo así como una música lumínica para los ojos. Es de destacar igualmente Emak
Bakin (1926), d e Man Ray, dadaísta y más tarde uno de los fundadores del surrealismo. Ambos
abrieron un camino que, con el tiempo, seguirían otros cineastas.
En Japón, a partir de experimentos de varios dibujantes procedentes de la historieta o de las artes
plásticas, surgió un interesante movimiento de animación que se inició con algunos experimentos en el Seitarou Kitayama
año de 1914, pero fue en 1917 Oten Shimokawa, quién realizó el primer corto animado de 5 minutos
titulado Imokawa Mukuzou (E l Portero). También e 1917, Junichi Kouchi realizó un corto titulado
Hanahekonai Meitou no Kani (El sable nuevo y flamante), y Seitarou Kitayama, realizó Sarukani Gassen (La
guerra de monos y cangrejos). Kitayama, trabajó en animación hasta que en 1918 logró el primer éxito
mundial de la animación japonesa con Momotarou (El Chico Durazno). Noburu Ofuji, en 1927, realizó
Kujira, La ballena en papel semitransparente, cuyo resultado recuerda las siluetas de Lotte Reiniger. En
1952 rodó remake de La ballena. Yasuji Murata empleó acetatos en El hueso del pulpo, 1927, donde recreó
un mundo de animales antropomórficos. En 1931 Kenzo Masaoka realizó sonora, Chikara to onna no yo
no naka, El mundo del poder y de las mujeres, primer animado sonoro japonés, en el que utilizó parcialmente
celuloide, muy caro en Japón en aquellos momentos. En 1935, Mitsuyo Seo, uno de los grandes
pioneros en animación del país, que había sido dibujante para Kenzo Masaoka, realizó varias películas
propagandísticas en torno al conflicto chino-japonés
Mickey Mouse fue un punto de inflexión importante en la historia del cine de animación, a partir del
cual se desarrolló una de las mejores épocas del cine de animación. Walt Disney y Ub Iwerks (quien
diseño a Mickey), comprendieron la importancia de los dibujos animados en el cine y, a pesar de su
dificultad y los riesgos económicos, apostaron por esa vía cinematográfica. El éxito de Mickey Mouse,
protagonista de Steamboat Willie (1928), les lleva a investigar y a superar las miles de dificultades, aplicar
sonido y efectos de todo tipo, combinar personajes animados y actores reales, que consiguen con la
serie de cortometrajes que inicia Alice in Wonderland (1923), y que que perfeccionaron con el tiempo,
sobre todo al inventar la cámara multiplano, desarrolada por Iwerks, que siempre estuvo más
preocupado de las innovaciones técnicas que de las historias o la animación en sí, fundamental para
obtener una profundidad de campo, que sirvió para aumentar el realismo de la producción de dibujos
animados en el futuro. Fue Blancanieves y los siete enanitos (1937), una de las primeras películas de dibujos
animados de metraje largo, la que hizo conocer en el mundo entero la posibilidad del dibujo animado
como cine que podía competir con cualquier otra película.
En los mismos tiempos, los hermanos Dave y Max Fleischer, competían en las pantallas con
Disney, con personajes tan populares del comic norteamericano como Betty Boop y Popeye. En 1916
comenzaron la serie Out of the Inkwell (Fuera del tintero), protagonizada por el payaso Koko, que se hizo
hasta 1930. En largometraje hicieron Los viajes de Gulliver, Gulliver's Travels (1939), en el que utilizaron el
rotoscopio, un aparato inventado por ellos en 1915, con el que mejoraban los movimientos de los
dibujos animados y que fue utilizado posteriormente por muchos animadores. El rotoscopio permite
diseñar imágenes a partir de referencias filmadas en vivo y reimprimir la película y, por tanto, que
aparezcan juntos personas y objetos reales con dibujos animados. Disney lo utilizó en Blancanieves y los
siete enanitos y puede ser considerado un precursor de la técnica de captura de movimiento digital. Los
Fleischer realizaron animaciones educativas: The Einstein Theory of Relativity (1923) y Darwin’s Theory of
Evolution (1925), películas didácticas. En 1924, los hermanos Fleischer le dieron forma a The Song Car-
Tunes, donde se animaban canciones de moda, con el texto subtitulado y una bolita que permitía seguir
la letra por donde iba el cantante. En 1930 presentaron el personaje de Betty Boop en Dizzy Dishes,
creado por Grim Natwick, el mismo que animó a la Blancanieves de Disney. En 1937 realizaron Popeye
The Sailor meets Simbad the Sailor, rodada en plataformas o escenarios cuyos fondos eran modelos en tres
dimensiones sobre los cuales se colocaban los personajes dibujados en cristales transparentes. En 1939 Betty Boop
realizaron su primer largometraje, Los viajes de Gulliver y más tarde Mr. Bug goes to Town (1941). A
principios de los cuarenta hicieron la serie de Superman, en la que introdujeron abstracciones y una serie
de elementos realistas.
Paul Terry, pionero en casi todas las técnicas de animación desde 1915, realizó su serie más famosa:
Aesop’s Film Fables . y sobre todo a partir de los años veinte, en la Paramount: Ugly Ducking (1925),
Aesop’s Film Fables . y sobre todo a partir de los años veinte, en la Paramount: Ugly Ducking (1925),
Dinner’s Time (1928), el primer dibujo animado sonoro, Queen Bee (1929), The Bull Fight (1935), The Mouse
of Tomorrow (1942). Produjo cerca de 1.300 dibujos animados hasta 1955, entre ellos los Terrytoons.
Walter Lantz, autor de cómics, pasó a colaborar como animador en los Estudios Bray y
posteriormente creó una compañía para el desarrollo de dibujos animados, primero para el cine y más Popeye The Sailor meets Simbad
adelante destinados a la televisión. Uno de los personajes más conocidos de Walter Lantz es el Pájaro the Sailor
Loco. En 1924 produjo la serie de Dinky Doodles. Más tarde con la Universal, convirtió en héroe al
conejo Oswald, Oswald the Lucky Rabbitt. Oswald había sido creado por Disney pero perdió los
derechos sobre su comercialización.
En 1925, Willis O’Brien animaba figuras en tercera dimensión, con modelos de arcilla, con la técnica
del stop motion. Realizó los efectos especiales da varias películas importantes, la más famosa de ellas el
gorila a animado de King Kong que, aunque aparentaba en la gran pantalla una altura de quince metros,
era en realidad un muñeco articulado de alrededor de 45 centímetros de envergadura. King Kong, 1933,
fue dirigida por Merian C. Cooper y Ernest B. Schoedsack.
El neozelandés Len Lye pintaba directamente sobre el celuloide en The color box (1935), una técnica El pájaro loco
retomó Norman McLaren, otro influyente autor de cortometrajes experimentales. Por su parte, el
ruso Alexander Ptushko empleó personas y marionetas flexibles para rodar El nuevo Gulliver (1936).
Ub Iwerks, separado de Disney, abrió su propio estudio en 1930, adaptó el cuento Th e Brave Tin
Soldier, de Hans Christian Andersen, para sus Comicolor Cartoons. Más tarde pasó a la Warner (hasta
1940). Fue el creador de Jack and the Beanstalk (1933), Don Quixote (1934), Aladdin and the Wonderful Lamp
(1934), Humpty Dumpty (1935), The Three Bears (1935), Ali Baba (1936), The Frog Pond (1938) y otros.
L a s Silly Symphonies de Disney, melodías animadas con personajes, fueron imitadas en varias
ocasiones. En 1930 nacieron los Warner Brothers Cartoons con el corto Sinking in the Bathtub.
Harman, Ising y Freleng, habían sido colaboradores de Disney y, dirigidos por Leon Schlesinger Alexandre Alexeieff y la animación
crearon los Looney Tunes. En 1934, se hizo la primera Merry Melody en colores de la Warner, pues los con alfileres
Looney Tunes fueron en blanco y negro hasta 1943. En los años cincuenta, los ejecutivos de la Warner
decidieron quemar casi todos estos filmes, pues necesitaban espacio de almacenaje. I Haven´t Got a Hat,
primer éxito de Porky Pig, dentro de las Looney Tunes, firmado por Fritz Freleng. En 1931, se crearon
las Merrie Melodies, cuyo primer film fue Lady Play Your Mandolin.
En 1932, el checo Berthold Bartosch realizó L'Idée, La idea, un corto eminentemente político, radical
y revolucionario, que presenta a la idea como algo que no puede ser destruido, a pesar de
persecuciones o dogmatismos. Realizado a base de pinceladas gruesas y sombras arriesgadas, resaltadas
por el uso del blanco y negro. Dura media hora, con partitura de Arthur Honegger, uno de los
compositores de la vanguardia musical francesa de ese tiempo. Utiliza técnicamente el principio de la Iván Ivanov-Vanó
animación por sustracción de fotogramas, que también utilizó Norman Mclaren, el cut-out, animación
con recortes o papel recortado, y pegar los recortes en diferentes cristales a diferentes distancias, que
simulan profundidad. Bartosch fue uno de los muchos colaboradores de Lotte Reiniger en su etapa
alemana. Su obra se ha perdido casi por completo, excepto el corto L'Idée, pues los nazis destruyeron
toda su obra, depositada en la Cinématheque Française antes de la segunda guerra mundial.
Oskar Fischinger, un pintor abstracto alemán que debió emigrar a EEUU, realizó en 1930 dos
primeras partes de la serie Studie (hasta 1932), con una técnica que denominó animación absoluta, donde
combina la geometría con la música. Hizo películas en colores Muratti Marches on y Composition in Blue,
en 1936. Colaboró en la realización de Fantasía, de Disney, cuyo segmento no fue incluido en el
montaje final y, a finales de los años cuarenta, realizó las famosas Motion Painting I y II, imágenes Berthold Bartosch, L'Idée
geométricas para animar música clásica.
En Francia, Alexandre Alexeieff, grabador y decorador ruso, realizó junto a Claire Parker, en 1932,
Une nuit sur le Mont Chavre, inspirado en música de Mussorgski. Se animaban una serie de alfileres,
fotografiados cuadro a cuadro. Los alfileres, sobre tela, con la luz alumbrando en unos perfectos 45
grados, las sombras de los alfileres creaban sombra o luz, negro o blanco. Si los alfileres se sacaban,
generaban sombra y la pizarra quedaba negra, si los alfileres se metían, la pantalla quedaba blanca.
En Rusia, en 1934, Iván Ivanov-Vanó fue uno de los pioneros de la animación soviética. El mercado
lo valorizó de tal manera que se le empezó a conocer como «el Disney de Rusia». La mayoría de sus
temas se basan en cuentos tradicionales rusos, tomando referencias de la poesía local, los bordados, las
tallas y la arquitectura. Los trabajos más conocidos en Occidente de los primeros años son El zar Oskar Fischinger
Durandai (1934), La cigarra y la hormiga (1936) y Los tres mosqueteros (1938). Iván Ivanov-Vanó siguió como
director de prestigio hasta los años 50 del siglo XX. Alexander Ptushko realizó en 1935 El nuevo
Gulliver, que combina figuras reales y animados en tercera dimensión (muñecos moldeados en cera). En
1939, realizó el filme de marionetas La llave dorada.
En 1935, Len Lye, neozelandés, admirador de Oskar Fischinger, realizó Color Box, una de las
primeras obras maestras de la animación, Pintaba directamente sobre el celuloide, sin necesidad de
cámara, sincronizados con una canción popular de Don Baretto. Una mesa de expertos de animación en
el festival de Annecy de 2005 lo consideró como una de las diez obras más importantes de la historia
de la animación. Su técnica la heredaría Norman McLaren. Más tarde realizó con el mismo sistema
Kaleidoscopio (1936), Rainbow Dance (1937) y Trade Tatoo (1938). En Free Radicals Lye (1958), utilizó película Puppetoons
negra sobre la que rascaría dibujos sobre la emulsión.
En 1936, Tex Avery dibujó para la Warner el personaje de Porky. Más tarde hizo también el personaje
de Duffy Duck y las Gold Diggers, 1937. Robert Clampett continuó con el personaje de Porky, y creó al
canario Tweety, Piolín en español. Chuck Jones debutó con The Night Watchman, 1938, muy influido por
canario Tweety, Piolín en español. Chuck Jones debutó con The Night Watchman, 1938, muy influido por
Disney. Poco después creó el personaje de Sniffles, un ratoncito parlanchín. En 1940 definió el
personaje de Bugs Bunny, junto a Chuck Jones, Bob Clampett, Fritz Freleng y Frank Tashlin. En
contraposición a los estilos Disney, Tex Avery realizó Red Hot Riding Hood, que comienza como una
versión común de Caperucita roja hasta que los personajes se rebelan ante los papeles que deben
interpretar, como una revisión del cuento clásico, con exageraciones que hicieron que algunas partes de Len Lye. Free Radicals Lye
la película y el final, fueran censuradas. Realizó más tarde King Size Canary (1947) y Bad Luck Blackie
(1949).
En España se produjeron intentos de producir animación, como los del caricaturista Ricardo García
López, conocido como K-Hito, entre los cuales destaca Francisca, la mujer fatal de 1933, y los de
Joaquín Xauradó, dibujante que hizo famoso su perrito y que realizó dos interesantes películas: Un
drama en la costa y El Rata primero, que hizo en colaboración con K-Hito.
En 1943, los hermanos Whitney, John y James , llamaron a su cine, cine puro, vinculado a las
vanguardias cinematográficas y más cercano a la fotografía y al movimiento que la llamado cine de
animación. Realizaron el film Five Abstract Film Exercises. En 1941 habían realizado Variations, a partir de
los movimientos de las bandas sonoras, y en 1957, los Whitney consiguieron los primeros gráficos
analógicos por ordenador.
George Pal, húngaro, fue el precursor de las películas realizadas por Steven Spielberg y George Bobe Cannon,, Robin Hoodlum
Lucas. En 1940 inició la serie de los Puppetoons, contratado por la Paramount, que revolucionó la
animación tridimensional por el empleo de la técnica del recambio de piezas (ver arriba).
En 1945, en Estados Unidos, un grupo de dibujantes y creativos separados de la Disney
constituyeron la UPA (United Productions of America) decididos a realizar cosas diferentes.
Estrenaron Brotherhood of Man, de Bobe Cannon, y Robin Hoodlum. Mr Magoo, creado por Peter Burns,
fue una de las estrellas de la UPA.
Len Lye. El film directo

«El neozelandés Len Lye es un artista que escapa a la
catalogación dentro de las vanguardias de comienzos del
siglo pasado y que sin embargo participó en ellas con su
obra pictórica, escultórica y cinematográfica. Pintura,
esculturas cinéticas y películas animadas fueron los
soportes elegidos por este "nuevo salvaje" (fascinado por el
ar te primitivo y aborigen) para plasmar la esencia del
movimiento.».
(De la Web del Centre de Cultura Contemporània de
Barcelona)
Su película de 1935, A colour box, un anuncio de embalaje
barato, fue el primer filme directo proyectado ante una
audiencia. En Free Radicals Lye utilizó película negra sobre la
que rascaría dibujos sobre la emulsión. El resultado es un
danzante patrón de líneas y marcas, tan dramático como el
rayo en el cielo nocturno. En 2008, esta película fue
incluída en el United States National Film Registry.
Lye experimentó con las posibilidades del cine directo
hasta el final de su vida. En varios filmes utilizó un diverso
rango de tintes, plantillas, aerógrafos, rotuladores, sellos,
peines e instrumentos de cirugía, para crear imágenes y
texturas sobre el celuloide. En Color Cry, emplearía el
método del fotograma combinado con varias plantillas y
materiales para crear patrones abstractos.
Cámara multiplano Rotoscopio inicial de Fleischer Figura rotoscopiada
El cine de animación tras la Segunda Guerra Mundial
Tras la segunda Guerra Mundial se dio el gran desarrollo del cine de animación, que consolidó totalmente
con los largometrajes de Disney y los cortometrajes de la Warner Bros.
Estados Unidos
Wal Disney. Finalizada la guerra mundial Disney se dedicó a todo tipo de cine. Aparte de los dibujos
Pinocho animados que siguió creando, realizó documentales y películas de aventuras con actores reales. En momentos
de dificultades Disney decidió economizar e iniciar la producción de dos películas mucho menos ambiciosas. La
primera de ellas, The Reluctant Dragon (1941), combinaba la acción real con tres cortos de dibujos animados. La
segunda fue Dumbo (1941). Con los materiales recopilados durante una gira por América del Sur, Disney hizo
dos largometrajes: Saludos, amigos (1943) y Los tres caballeros (1945), Canción del Sur (1946), en la que se mezclaban
los personajes de carne y hueso con los dibujos animados. La Cenicienta (1950), Alicia en el país de las maravillas
(1951), Peter Pan (1953), La dama y el vagabundo (1955), que fue el primer Disney en cinemascope marcaron nuevos
tiempos para Disney. En la primera intentó recrear antiguos esplendores. Las restantes están llenas de
Blancanieves momentos inolvidables. La bella durmiente (1959) marcó el final de otra era de los estudios Disney, pues fue la
última película dibujada totalmente a mano, un proceso enormemente costoso que se vio sustituido en 101
dálmatas (1961) por otro más barato, aunque menos creativo, el llamado Xeroxed. Posteriormente la compañía
abordó la producción de películas de muy diverso contenido. Merlín el encantador (1963), Mary Poppins (1964), en
el que se intercalaban y convivían personales reales con los animados y El libro de la selva (1967), con las que el
estudio conoció triunfos como los de épocas pasadas.
United Productions of America (UPA). Walt Disney soportó en 1941 una huelga de animadores que supuso
la huida de varios de sus mejores dibujantes, entre ellos Stephen Bosustow, uno de los creadores de la UPA,
Peter Pan que funcionó desde 1943, y John Hubley, en desacuerdo con el estilo ultrarealista de Disney. Influenciado
por la obra de Chuck Jones, comenzaron a promover la idea de que la animación debía seguir con mayor
libertad en la búsquedas de nuevas formas de expresión artística. Bosustow prefiere un tipo de dibujo
esquemático, muy caricaturesco, expresivo y muy alejado de los parámetros realistas tan apreciados por Disney
y quienes le siguen siendo fieles. Durante la II Guerra Mundial, la UPA hizo cortometrajes de propaganda pero,
acabada la guerra, su futuro era incierto. Ya no había demanda de propaganda, y algunos de sus socios
abandonaron la compañía. La Columbia Pictures contrató a la UPA como estudio de animación y se comenzaron
a realizar cartoons para el público general. Su personaje de lanzamiento fue Mr. Magoo, un anciano al que su
miopía le hace pasar por las peripecias más complicadas. Los miembros de la UPA deseaban diferenciarse del
resto de los estudios, sobre todo de Disney, la Warner y MGM, por lo que en 1951 hicieron más libre y
personal su estilo gráfico, buscando relatos más modernos y menos convencionales. Comenzaron con Gerald
McBoing-Boing, de Robert Cannon, en 1953 realizaron Unicorn in the Garden, de Bill Hurtz, nominado al Oscar, y
al año siguiente es premiado When Magoo Flew. En el mismo año hicieron The Tell-Tale Heart , una adaptación de
Edgar Allan Poe que utilizaba técnicas y estilos nuevos de dibujo para profundizar en los estados psicológicos
de los personajes. La UPA fue vendiendo paulatinamente sus estudios a la TV, hasta 1959 en que Paul Terry
Fantasía vendió los Terrytoons a la CBS. El primer y último largometraje fue 1001 Arabian Knights, que cerró ese año las
puertas.
Chuck Jones y Friz Freleng fueron animadores, caricaturistas, guionistas, productores y directores, y sus
trabajos más importantes los cortometrajes de Looney Tunes y Merrie Melodies del estudio de animación de Warner
Brothers. Chuck Jones obtuvo un Oscar por su cortometraje The Dot and the Line, El punto y la línea (1965) y
otro honorífico por su labor en la industria cinematográfica. Fue uno de los primeros en incorporar la técnica de
animación limitada, rompiendo así con la influencia de una animación más detallada y trabajada por parte del
estudio de Disney, adoptando un estilo que sería posteriormente conocido como «estilo UPA», que abarataba
La dama y el vagabundo los costes aunque hacía mucho más imperfecto el dibujo. Sus creaciones más populares son Pepé Le Pew y El
Coyote y el Correcaminos (Road Runner). En 1953, utilizó la técnica de las 3-D en Lumber Jack Rabbit, el único
cortometraje animado de Warner Bros que ha incorporado dicho efecto. Es considerado por muchos como un
maestro en la caracterización y la coordinación de las imágenes. Friz Freleng introdujo varias de las estrellas
más importantes del estudio, como Porky Pig, Piolín, El gato Silvestre, Sam Bigotes, Speedy Gonzales y La
pantera rosa. Fue el director del estudio Termite Terrace de Warner, incluso se convirtió en el más premiado de
los directores, ganando cuatro premios Oscar. Fue encargado de crear la secuencia al comienzo de la película
La pantera rosa. El personaje se volvió tan popular que en 1964, con un cortometraje para United Artists, obtuvo
un premio Oscar. En 1957, Chuck Jones y Fritz Freleng realizaron What´s Opera Doc?, de la que algunos
El libro de la selva
historiadores afirman que es una obra maestra. Es un resumen de seis minutos de El anillo de los nibelungos en un
cartoon que parodia la Fantasía de Disney. En 1963, Fritz Freleng dio vida a La pantera rosa para los créditos de un
filme de Blake Edwards; luego se convertiría en una serie de animados que estaría en pleno auge diez años
después.
Tex Avery, en 1948, en la MGM, trabajando junto a Hanna y Barbera, creó personajes tan famosos de los
años cuarenta y cincuenta como Chilly-Willy The Penguin y Droopy The Dog. Cuando cerró Cierra el departamento
de animación de la MGM, William Hanna y Joseph Barbera fundaron la Hanna-Barbera Productions, que
trabajó con muchísimo éxito para la TV. En 1955 fueron nominados al Oscar por los cortos Good Will to Men
(1955) y One Droopy Knight (1957). En 1959 crearon la serie de los Huckleberry Hound, con la que ocupan los
principales espacios televisivos al poco tiempo, viéndose en todo el mundo. Influenciados por la UPA,
siguieron la técnica de animación limitada, de figuras un tanto envaradas y fondos muy sencillos. Realizaron más
de 100 películas, y sus personajes, The Flintstones, Yogi Bear, Huckleberry Hound, Pixie y Dixie, Top Cat, y muchos
otros, se hicieron famosos en todo el mundo.
otros, se hicieron famosos en todo el mundo.
Unicorn in the Garden
Charles M. Schulz. En 1950 nace la serie de los Peanuts, que logró veinte años de éxito mundial para el
animador , quien en 1969 comenzó la secuela Charlie Brown y sus amigos. Bill Meléndez continuó la serie en TV y
realizó varias secuelas para cine: Charlie Brown Christmas (1965), Charlie Brown Thanksgiving (1973), entre otras.
James Whitney, en 1955, siguiendo los pasos de su hermano John, realizó Yantra. El término yantra proviene
del sánscrito, del prefijo yan, que significa concebir y por antonomasia, concepción mental. En un complicado
sistema de formas ópticas se planteaba evocar el ascenso espiritual. Además de Yantra, otras obras como; Catalog
(1961) de John Whitney o Lapis (1963-66) de James Whitney, son pioneras en la aplicación del ordenador
elaborando las imágenes fotograma a fotograma.
1001 Arabian Knights
En 1961, Jordan Belson, representante de la Visual music, establece la animación vanguardista a partir de la
manipulación de luces y la toma continua. Realiza Allures (1961), Samadhi (1967), Light (1973), Fountain of Dreams
(1984) y Epilogue (2005) que representan abstracciones orgánicas en perpetuo movimiento, entre otras, muy en la
línea de Lye, McLaren y los hermanos Whitney.
Canadá
El National Film Board of Canada promovió todo tipo de experimentos vanguardistas, lo que convertiría a
Canadá en una potencia de primer orden. Destaca el trabajo de uno de los principales animadores
experimentales y abstractos de todos los tiempos: Norman McLaren. Aún hoy se pueden ver conceptos que
inventó McLaren hasta en anuncios y videoclips.
Francia
En 1947, el cortometraje Petit Soldat, de Paul Grimault, consagra internacionalmente a la animación francesa,
al alcanzar el premio máximo en Venecia, compartido con un corto de Disney. En 1949 se produjo mucho para
la TV, sobre todo Jean Image, ilustrador de cuentos infantiles, que hizo varios largometrajes: Jeannot l’intrepide
(1949), Las fabulosas aventuras del barón Fantástico (1979), Aladino y la lámpara maravillosa (1985), y famosas series
como Joë chez les abeilles (1960). El más interesante largometraje animado lo produjo en 1950 Paul Grimault, La
pastora y el deshollinador, que transformó y amplió en 1979 en Le roi et l’oiseau. En 1963 el ruso Alexandre
Alexeieff hace en Francia Le nez, inspirada en Gogol. En 1964, el polaco Walerian Borowczyk realiza en
Francia Les Jeux de anges.
Checoslovaquia
Correcaminos
En los países del bloque soviético, el Estado promovió intensamente la animación. Esto permitió a muchos
animadores trabajar sin presiones comerciales y crear obras de inmensa variedad y riesgo. Jiri Trnka, (ver
recuadro) fue un ilustrador, escenógrafo y director de películas de animación checo, sobre todo en la animación
con marionetas. Consagró, con más de 20 películas, entre ellas 6 largometrajes, lo que se denominó «estilo
checo» de animación. Su obra en este campo ejerció una innegable influencia sobre otros cineastas. La mayoría
de sus películas estaban dirigidas al público adulto, y muchas de ellas eran adaptaciones de obras literarias, de
autores checos o extranjeros. Por la cantidad y calidad de sus films y su gran influencia en una infinidad de
Mr. Magoo animadores posteriores fue denominado el Walt Disney de la Europa del Este. En 1950, Bretislav Pojar hizo
La cabaña de mazapán, y en 1953, Un vaso de más, animación de títeres contra el abuso del alcohol. Karel Zeman,
realizó Inspiración (1947), El rey Lavra (1951), El tesoro de la isla de los pájaros (1953), Viaje a la prehistoria (1955), etc. y
en 1958, combinando actores reales y animaciones, hizo La invención diabólica, inspirada en Julio Verne. En 1959,
Baron Munchausen, imitaba el estilo de los grabados de Doré, en 1977, Historia de una locura y Aprendiz de brujo, en
1977. Un animador de marionetas, Jan Svankmajer hizo La última broma (1964), Jardín (1968), Dimensiones del
diálogo (1982) y Diario de Leonardo (1988).
Rusia
Piolin
Iván Ivanov-Vanó , llamado el Walt Disney soviético, hizo en 1946, tras tres años de trabajo, el primer
largometraje animado soviético, El caballito jorobadito, una de las obras maestras de la animación. Los negativos
del filme se extraviaron y, en 1975, Ivanov-Vanó realizó una nueva versión. Adaptó algunos cuentos rusos:
Snegurochka (1952), La liebre valiente (1955), La aventura de Burattino (1959) y muchos otros. En más de 50 años de
dirección de cine animado, realizó interesantes películas como The Snow Maiden, 1953, basada en la obra de
Ostrovsky, y Once Upon a Time (1963), The seasons, 1964, basada en la música de Tchaikovsky, es una
interpretación imaginativa y colorista de los paisajes de Rusia. Pero la más poderosa y mejor diseñada de sus
películas es The Battle of Kerzhenets(Secha pri Kerzhentse), 1971, basada en la leyenda de la ciudad invisible de
Kitezh de Rimsky-Korsakov. La película es una fusión de los antiguos iconos rusos, transparentes, brillantes y
de elegante diseño, y el ritmo de la música, haciendo un excelente uso del tiempo y el espacio y los aspectos
dinámicos. Lev Atamanov realizó La bella y la bestia (1952) y La reina de las nieves (1957), en una línea que pudiera
llamarse neoclásica y que influiría notablemente a Miyasaki.
Yugoslavia
El gato silvestre
La escuela de Zagreb. «La característica esencial de la Escuela de Zagreb es que no intentamos imitar a los
demás. Nuestro poder está en nuestra imaginación y en la habilidad de expresarla dibujando» (Dusan Vukotic).
En 1956, con El robot juguetón, de Dusan Vukotic, se inicia la producción del Estudio de Zagreb, en
Yugoslavia, que a la vuelta de unos años ganaría prestigio mundial por su prioridad a los principios de la plástica
contemporánea y su estrategia de animación reducida. En 1961 realizó Surogat, que logró el Óscar al Mejor
Cortometraje de Animación en 1961, primer no estadounidense en conseguirlo. En la Escuela de Zagreb donde
también estuvieron Vlado Kristl, Aleksandar Marks, Nikola Kostelac y Boris Kolar.
también estuvieron Vlado Kristl, Aleksandar Marks, Nikola Kostelac y Boris Kolar.
Polonia
El punto y la línea Antes de Jan Lenica y de Walerian Borowczyk el cine de animación era un género poco valioso en Polonia
considerado únicamente como diversión para niños y desprovisto de aspiraciones artísticas, ideológicas y
filosóficas. En 1957, ambos dieron consistencia, contenido y arte al cine de animación en Érase una vez., mediante
una novedosa técnica de collage y de empleo de sonido de modo asincrónico y con fines satíricos. Combinan el
dibujo y el collage (cut-out stop-motion) con imágenes reales, introducen el humor negro, gags surrealistas y
una técnica nueva basada en la repartición del guión en escenas. En 1958 realizaron la obra surrealista La casa
(1958), en el que utilizan una gran variedad de estilos, materiales y técnicas, collages, deformación de movimientos y
animación de objetos. Laberinto y Los rinocerontes son dos de las películas de Jan Lenica, que trabajó durante tres
años para realizar Adán II. Borowczyk aportó el pertubador Theatre de M. Mme Kabal (1967) sobre la
deshumanización del mundo moderno. Ambos salieron del país, uno, Lenica, para afincarse en Alemania y el
otro, Borowczyk, en Francia. Witold Giersz es una de las grandes figuras del cine animado polaco, sobre todo
La pantera rosa de miniaturas e incluso de pintura al óleo, con El secreto del viejo castillo (1956); Epigrama de neón (1959); El pequeño
oeste (1960); La espera (1962), premiado en Cannes, Moscú y Edimburgo. Daniel Szczechura es la revelación
desde el estudio Se-Ma-For y con el taller de la Academia de Bellas Artes de Varsovia. Dirigió Conflicto (1961),
Primero, segundo y tercero (1964), En la calle (1966), Castillo en el bosque (1971), Arena (1973), El problema (1977),
Fatamorgana I y II (1981-1983), Historia de una mala época (1997).
Italia
Francesco Guido, de seudónimo Giba, creó el primer corto de animación italiano de la postguerra (L’ultimo
Huckleberry Hound sciuscia). Después, alternaría su trabajo como animador con la labor de historietista: Menenio e i petrolieri (1961), Le
Papillon (1962), Il racconto della giungla (1973), Il nano e la strega (1974), Scandalosa Gilda (1984), Kim (1994), etc. 1960.
Se estrena I paladini di Francia, de Giulio Gianini y Emanuele Luzzati, los principales animadores de títeres y
marionetas en Italia. Ambos directores serían nominados al Oscar por La gazza ladra (1964) y Pulcinella (1973). En
1949, en el Festival de Venecia se presentaron los dos primeros largometrajes italianos de animación: I fratelli
Dinamite (de Nino Pagot) y La rosa di Bagdad, de Antón Domeneghini.(Información de Miradas audiovisuales
http://www.eictv.co.cu/miradas)
Japón
Charlie Brown Christmas
En 1947, Kon Ichikawa realizó la adaptación de la pieza de teatro kabuki Una muchacha en el templo de Dojo,
con títeres. En 1959, Osamu Tezuka trabajó en el largometraje Diario del oeste, modernizó el manga y consiguió
convertirlo en un fenómeno de masas, fue el pionero de la animación televisiva, para la cual realizó la primera
serie de dibujos animados vista en Japón. Además de Astro Boy (presentado en 1961) fue el creador, en los años
sesenta y setenta, de Kimba, el león blanco, Jungle Taitei, Blackjack, Memory, Broken Down Film, Cyborg 009, El pájaro de
fuego y muchas otras. En 1963, se impuso la animación surrealista y experimental del japonés Yoji Kuri: Locus,
Face, Amor, Discovery of Zero, The Chair, son cortos de este año, seguidos por Samurai (1965), The Eggs (1966), Flower
Yantra ( 1 9 6 7 ) , Imagination ( 1 9 6 9 ) y Midnight Parasite (1977). Información de Miradas audiovisuales
http://www.eictv.co.cu/miradas)
España
En 1945, se hizo Garbancito de la Mancha, dirigida por Arturo Moreno, el primer largometraje de animación
netamente español, realizado en plena posguerra y periodo de penuria y escasez, de manera artesanal, por lo que
significó todo un acontecimiento para los niños de todo el país. Garbancito, de trasfondo quijotesco, lucha
Allures
contra las fuerzas del mal encarnadas en la Tía Pelocha y el gigante Caramanca, para salvar a su cabrita
Peregrina y a sus amigos Quiriqui y Chirili. Las aventuras continuaron en 1948 con Alegres Vacaciones, realizada
por Arturo Moreno y dirigida por José María Blay. En la animación española nació La familia Telerín, de Juan Luis
Moro, quien realizaría en el 72 La calabaza Ruperta, del programa televisivo 1, 2, 3.
Norman McLaren y el National Film Board of Canada

Ver McLaren
Norman McLaren (1914-1987) fue un animador escocés y director de
Samadhi cine reconocido por sus trabajos en el National Film Board of Canada.
Fue un gran admirador del cine de Eisenstein. Pronto se dio cuenta de la
importancia del séptimo arte como medio de expresión y comenzó a
innovar.
Su trabajo como camarógrafo en 1936 durante la guerra civil española
f u e tan duro que, en los momentos anteriores a la Segunda Guerra
Mundial, emigró a los Estados Unidos y en 1941 a Canadá, donde se
incorporó al National Film Board, para abrir un estudio de animación y
Petit Soldat
enseñar a animadores canadienses.
Es famoso por sus experimentos con la imagen y el sonido, al dibujar Neighbours
directamente sobre la película, incluso la banda sonora, o raspando el
celuloide para provocar nuevos sonidos ópticos, explorando aspectos que
posteriormente fueron de suma importancia para la industria
cinematográfica. Muchos trucos, efectos y estilos de animación que hoy
cinematográfica. Muchos trucos, efectos y estilos de animación que hoy
estamos habituados a ver, tanto en el cine como en la televisión, fueron el
Les Jeux de anges resultado de los experimentos que realizó a lo largo de toda su vida: pintar
sobre celuloide, la pixilación, animación con foto fija de seres humanos,
la slow motion, el filme estereoscópico, etc. Muchas de ellas, dedicadas a
mostrar las metamorfosis de una figura en el tiempo.
En 1933, dio forma a las primeras animaciones vanguardistas dentro de Pas de deux
The Battle of Kerzhenets
la unidad de dibujos animados formada por Grierson, en Londres: Hand.
Painted Abstraction (1933), Camera Makes Whoopee (1935), Colour Cocktail
(1936). En 1939 realizó el abstracto Love on the Wing, anuncio para el
correo aéreo, y en 1939, Allegro.
Los técnicos del Film Board of Canada le construyeron un sistema
especial de cámara y proyector para que él pudiera experimentar sin
limitaciones. Dollar Dance y Hen Hop (1943). En 1951, realizó los primeros
films tridimensionales: Around is around (1952) y Now is the time (1952).
Animaba todo lo que le era posible, una silla en A chairy tale (1958) y a
Surogat seres humanos animados, en su célebre técnica que llamó Pixillation, en
Neighbours (ganadora del Oscar en animación en 1953) y en Canon, 1965, así
como realizo películas completas raspando y pintando sobre el celuloide
c omo Blinkity Blank (1955) y Caprice en couleurs. Investigó sobre los
movimientos de la danza y dejó obras maestras con la participación de
destacados bailarines, Adagio (1972), Pas de deux (1968) y Narciso (1983), su
última película, en las que manipuló el tiempo dando como resultado
imágenes de increíble belleza y una dimensión desconocida del ballet.
Jan Lenica y Walerian Borowczyk
René Jodoin fundó la sección francesa del National Film Board en 1966
y lo dirigió hasta 1977. Allí desarrolló un acercamiento muy interesante
hacia el cine de animación, dedicado particularmente a la innovación, las
propuestas experimentales y las producciones educativas. Trabajó en los
comienzos, época de trabajo artesanal, con ángulos, líneas, curvas o lados
perfectos debían ser escrupulosos al extremo. Jodoin co-dirigió, junto con
Nor man McLaren, Alouette (1944) y Spheres (1969); esos fueron sus
primeros pasos en los que integraron criterios y estilos en común. Jodoin
interpretó la intención social de McLaren como nadie, enrolándose en el
Daniel Szczechura ejercicio de cierta responsabilidad en la formación ciudadana a través de la
producción artística. Una de sus obras más características es Notes on a
triangle (1966)
En 1969, Caroline Leaf, norteamericana, asentada en se asentó en el René Jodoin junto a Norman
National Film Board se convirtió en maestra de la animación en arena con McLaren filmando Spheres, 1969
Sand- Or Peter and the Wolf.
Notes on a triangle 1966

Nino Pagot
Jiri Trnka y el estilo checo

Jiri Trnka, (1912-1969) fue ilustrador, escenógrafo y director de
Astro Boy
películas de animación checo. Además de por su extensa carrera como
ilustrador, especialmente de libros infantiles, es conocido sobre todo por
su trabajo en la animación con marionetas, que inició en 1946.
Aunque él no animaba directamente las marionetas (hacía los guiones y
las diseñaba y en ocasiones fabricaba y disponía de un equipo técnico de
altura), su obra en este campo ejerció una innegable influencia sobre otros
La familia Telerín cineastas. La mayoría de sus películas estaban dirigidas al público adulto,
y muchas de ellas eran adaptaciones de obras literarias, de autores checos
o extranjeros.
A lo largo de su carrera experimentó con diferentes técnicas de
animación, desde los dibujos animados tradicionales, en sus primeros
cortos, hasta la animación con sombras chinescas. Sin embargo, su
cortos, hasta la animación con sombras chinescas. Sin embargo, su
procedimiento preferido, y el que le dio fama mundial, fue la animación
llamada stop-motion con marionetas. Trnka no alteraba la fisonomía de
sus muñecos sino que prefería plasmar sus emociones y sentimientos
mediante cambios de encuadre y la iluminación.
Formó su propio teatro de marionetas en 1936, y después de la guerra
fundó un estudio de animación, donde realizó algunos cortometrajes de
La calabaza Ruperta dibujos animados en celuloide: Zasadil dedek repu (E l abuelo plantó una
remolacha, 1945) y Zvírátka a petrovstí (Los animales y los bandidos, 1946), ambas
de dibujos animados. Por la última fue premiado en el primer Festival de
Cannes.
Pronto pasó a la animación con marionetas, que empezó a experimentar
en 1946. Su primer largometraje fue Spalicek (El año checo, 1947) basado en
un libro ilustrado por Mikoláš Aleš. Fue premiada en numerosos
festivales internacionales, incluyendo el de Venecia. A partir de ahí
comenzó a recibir subvenciones estatales.
Siguieron otros largometrajes, como Cisaruv slavík (El ruiseñor del emperador,
1949), basado en un cuento de Hans Christian Andersen, en la que
intervienen también actores reales y algunos cortometrajes en 1949, con
muñecos animados, como Román s basou (Historia de un contrabajo),
adaptación de un cuento de Antón Chéjov, Certuv mlýn (El molino del diablo)
y Arie prerie (Canción de la pradera).
En 1950 hizo su tercer largometraje de animación con marionetas, Bajaja
(El príncipe Bayaya), basado en dos cuentos de la escritora Bozena
Nemcová, Viejas leyendas checas (1953), El bravo soldado Schweik (1954), Sueño
de una noche de verano (1959, ficción realizada con títeres), y La mano (1965).
Regresó a los dibujos animados con O zlaté rybce (El pez dorado, 1951), y
El estilo checo
animó sombras chinescas en Dva mrazíci (1953). En Veselý Circus (El alegre
circo, 1951) empleó la técnica stop-motion con recortes de papel
bidimensionales.
En 1953 estrenó Staré povesti ceské (Antiguas leyendas checas), su cuarta
película de larga duración, que narra la historia del pueblo checo.
En 1955 adaptó para la animación con marionetas la sátira antibelicista
Dobrý voják Svejk (El buen soldado Švejk) , de Jaroslav Hašek, por la que
recibió varios premios en festivales.
Su último largometraje los rodó en 1959, Sen noci svatojanske (El sueño de
una noche de verano), adaptación de una de las obras de William Shakespeare,
al que dio un aire de ballet. Las marionetas las fabricó de un plástico más
flexible y es reconocida como una de las obras maestras de Trnka.
Se considera su testamento artístico el cortometraje Ruka (L a mano,
1965), el último rodado por el cineasta, una especie de himno rabioso a la
libertad creativa.
1950: Jiri Trnka, el maestro checo de la animación con títeres,
marionetas y muñecos tridimensionales, realizó El príncipe Bayaya (1950).
Garbancito de la Mancha. Cine español de la posguerra

Dirigida por Arturo Moreno y producida en los estudios
barceloneses de Balet y Blay, en 1945, es el primer largometraje de
animación netamente español, realizado en plena posguerra y periodo
de penuria y escasez, de manera artesanal, por lo que significó todo
u n acontecimiento para los niños de todo el país (es la primera
película que vi en mi vida). El guión está basado en el cuento de un
falangista muy conocido, Jaime Parera, y la historia posee un mensaje
subliminal notable favorable al franquismo (las arengas contra los
malvados se hacen siempre en nombre de Dios, en un lenguaje muy
parecido al del régimen).
Sin embargo, el hecho de su realización supone un hito en el
dibujo de animación y en el equilibrio con el sonido, impensable con
l os medios que se tenían en la España de la posguerra. Entre
dibujantes, animadores y técnicos, hubo varios represaliados por el
franquismo por sus sospechas de republicanismo.
Garbancito, de trasfondo quijotesco, lucha contra las fuerzas del
mal encarnadas en la Tía Pelocha y el gigante Caramanca, para salvar
a su cabrita Peregrina y a sus amigos Quiriqui y Chirili. Las aventuras
a su cabrita Peregrina y a sus amigos Quiriqui y Chirili. Las aventuras
continuaron en 1948 con Alegres Vacaciones, realizada por Arturo
Moreno y dirigida por José María Blay.
Dalí con Disney en Destino, 1946

En 1945, Dalí conoció a Walt Disney y firmó un contrato para un
cortometraje de animación de pocos minutos de duración que debía
combinar ballet y dibujos animados. El proyecto, titulado Destino, quedó
entonces truncado por diversos problemas, entre ellos la crisis económica
que siguió al final de la II Guerra Mundial. Se ha rescatado y completado
recientemente con el centenar largo de escenas, dibujos y pinturas
conservadas y siguiendo las instrucciones y los esbozos del artista.
Es, básicamente, una historia de amor entre Dahlia y Chronos, que se
sirve de las imágenes y del simbolismo de Dalí para indagar en la
naturaleza de las relaciones humanas.
Dalí adaptó la técnica de escritura automática a la pintura, una forma de
creación particularmente apropiada para la animación, ya que permite
mezclar y ensamblar libremente imágenes salidas directamente del
inconsciente. En el filme s e mezclan bailarinas, jugadores de béisbol,
hormigas convertidas en bicicletas, tortugas gigantes y la Torre de Babel,
no sigue una trama lógica, y deja gran parte del argumento en manos de la
imaginación del espectador. Dalí siempre decía: «S i lo entendéis, he
fracasado».
La animación hasta 1980

La vida del cine de animación se mantuvo, a pesar de la influencia de la televisión, trasladándose a
otros canales de distribución, y los cortometrajes animados desaparecieron de los cines, salvo los grandes
largometrajes de Disney, que hasta la última década del siglo XX, fue reticente a cambiar los cines por
otros canales de distribución como el vídeo o más tarde el DVD. Sin embargo, al cine de animación
prosperó, se tecnificó y se especializó, fundamentalmente en los festivales de cine y el la televisión. En
Estados Unidos, Hanna-Barbera dominó la animación para televisión y Disney la animación para cine.
Hanna-Barbera. William Hanna y Joseph Barbera, ambos hijos de inmigrantes libaneses, trabajaron
juntos por primera vez en el estudio de animación de Metro-Goldwyn-Mayer en 1939, cuando Los Picapiedra
aparecieron Tom y Jerry. La productora Hanna-Barbera introdujo la animación limitada, popularizada por
UPA (United Productions of America), como un método para reducir el costo de producción. Esto
contrajo una reducción en la calidad de la animación. Se especializaron en la animación para televisión
por la que ganaron ocho premios Óscar. Sus series animadas más características son Loopy De Loop, The
Huckleberry Hound Show, The Yogi Bear Show , Tiro Loco McGraw, Don Gato, Jonny Quest, Los Supersónicos, y
especialmente Los Picapiedra. En 1969, estrenaron uno de sus personajes más populares: Scooby Doo, que se
transformaría en uno de los programas de televisión (ABC) más vistos de toda la historia.
Filmation, una empresa norteamericana, produjo teleseries basadas protagonizadas por personajes
famosos del cómic y de la literatura: Flash Gordon, Tarzán, el Zorro, Batman y Robin, entre otros.
Ralph Bakshi, El Señor de los anillos
Ralph Bakshi. A través de sátira y comentarios políticos Ralph Bakshi, con sus primeras películas
pertenecientes al movimiento underground, abrió el camino a la animación para adultos, en la que fue
pionero, en ocasiones con la técnica de la rotoscopia, por la que dio calidad en movimientos y dibujo.
Realizó la primera adaptación de El Señor de los Anillos (1978), con técnicas de rotoscopia, y películas
como Cool World (1993) que mezcla imagen real con dibujos animados. También creó animaciones para
adultos como Fritz el gato (1972) basado en el personaje de Robert Crumb.
Las industrias de Europa del Este y la URSS, se convirtieron en las más potentes del mundo: la
producción fue enorme en volumen y variedad, desde las series de televisión para niños hasta los
cortometrajes artísticos más vanguardistas y radicales. En 1965, el dibujante de historietas Nedeljko
Dragic dirigió su primer corto, Elegía, exploración en un mundo absurdo, lleno de humor, dentro de la
llamada Escuela de Zagreb. Dragic continuó con los cortos Domador de caballos salvajes (1966), Strip-tease
(1969), La puerta (1970) y Tup Tup, de 1972, que obtuvo una nominación al Oscar. De entre los muchos
artistas importantes, el más famoso es el checo Jan Svankmajer, que trabaja con muñecos, utilizando la
técnica de stop-motion. No obstante, ha empleado también actores reales, máquinas, figuras de arcilla,
muñecas antiguas, esqueletos de animales y otras muchas cosas. Consigue crear un clima de pesadilla.
Algunos de sus largometrajes son Neco z Alenky (Alice, 1988, basado en «Alicia en el país de las
maravillas», de Lewis Carroll, Faust (Fausto, 1994) y en los últimos tiempos Otesánek (2000, y Sílení (2005).
Ha influido mucho en cineastas actuales como Tim Burton o Terry Gilliam.
En Japón es de destacar Osamu Tezuka , pionero del cómic actual japonés (manga) y de los dibujos
animados nipones (anime). Creó su propia empresa, Mushi Productions, y con ella la primera serie de
dibujos animados de Japón: Tetsuwan Atom (Astroboy). Más tarde Janguru Taitei (Kimba el león blanco), que
dibujos animados de Japón: Tetsuwan Atom (Astroboy). Más tarde Janguru Taitei (Kimba el león blanco), que
rodaría más tarde Disney con el nombre El rey león, y Ribbon no Kishi (La princesa caballero).
En Europa occidental se hicieron películas los logros fueron más puntuales: películas como Yellow
Submarine (El submarino amarillo, 1968), de George Dunning, un largometraje de animación cuyos
personajes principales representan a The Beatles. La original estética de los dibujos, con colorido y estética
entre naïf y psicodélica, emanó del estilo y el trazo de Heinz Edelmann, un conocido ilustrador y
diseñador alemán. Hace una panoplia de homenajes a pintores como los relojes blandos de Dalí, los
bombines y las manzanas de Magritte, y a personajes del cine como Frankenstein o Marilyn Monroe. En
Francia continuó el ruso Iván Ivanov-Vanó que estrenó Se puede, No se puede, seguido por La leyenda del Yellow Submarine
gigante malvado (1968), Ave María (1972), El lago mágico (1979) y La fábula del zar Saltán (1984), que cierra su
filmografía. René Goscinny se inspiró en la famosa historieta francesa de Asterix El Galo para concebir
series de televisión, largometrajes para cine y recopilaciones en video y DVD.
Bruno Bozzetto es un famoso animador de nacionalidad italiana creador de muchos cortometrajes,
principalmente de naturaleza política o satírica. En 1965 realizó su primer largometraje animado, West and
Soda, parodia de los western americanos. En 1968 hizo VIP, mio fratello superuomo, en donde parodiaba el
género de superhombres. Su personaje más famoso, es el Signor Rossi, protagonista de siete
cortometrajes animados, y del que se llegaron a realizar tres películas: El Sr. Rossi busca la felicidad (1976),
Los sueños del Sr. Rossi (1977), y Las vacaciones del Sr. Rossi (1977). Su trabajo más conocido es Allegro non
troppo, 1976, un montaje a base de trozos de sus cortos, aplicados a la música clásica a la manera de la
Fantasía de Disney. En 2002 hizo Mammuk, un filme animado sobre el cine en épocas prehistóricas. En la
actualidad está haciendo cortometrajes satíricos con la técnica del flash.
René Laloux ejercitó de manera conjunta la direccion de películas de animación y la pintura, en un
desbordante universo en el que cualquier fantasía era posible. En 1960, hizo su primera película de
animación, en el estudio de Paul Grimault, Les dents du singe (Los dientes del mono), un cortometraje escrito
y dibujado por un grupo de enfermos de la clínica psiquiátrica de Cour Cheverny, de la que era director.
Con el grafista Roland Topor hizo tres películas: Les temps morts (Tiempo muerto, 1964), Les escargots (Los
caracoles, 1965), y La planète sauvage (Planeta salvaje, 1973), con el que ganó el Grand Prix del Festival de
Cannes. Con el dibujante de comics Moebius hizo Les maîtres du temps (Los amos del tiempo, 1982), y con Bruno Bozzetto
Philippe Caza, el cortometraje Comment Wang Fo fut sauvé (Cómo fue salvado Wan-Fo , 1988) y el largometraje
Gandahar (Caza para Gandahar, 1988). En 1979, El rey y el pájaro, Paul Grimault, realizó uno de los mejores
animados de todos los tiempos, inspirado en Andersen.
En el cine de animación canadiense, además dentro de la continuación de las actividades del National
Film Board of Canada y de Norman Mclaren, en 1970, Frederic Back, una de las leyendas del cine
de animación canadiense, consiguió su primer gran éxito internacional con Abracadabra (1970), seguido de
Inon ou la conquete du feu (1971), La creation des oiseaux (1973), Illusion (1974), Tout Rien (1979, nominado al
Oscar y Crac, 1983, que fue seleccionada como una de las seis obras maestras de la animación en la
Olimpiada de este disciplina, celebrada en Los Angeles. Caroline Leaf alcanzó fama internacional con
The Street, en pintura sobre cristal. Dirigió más tarde The Metamorphosis of Mr. Samsa(1977) y Le tigre et le
renard (1986). (Obtenida en Miradas audiovisuales http://www.eictv.co.cu/miradas)
En 1975, Garri Bardin, ruso, que fue director del teatro de marionetas, realizó El fin del cielo. En la
década de los 80 realizó animación tridimensional de objetos, títeres y marionetas de diversos materiales:
El lobo gris y la caperucita roja (1990). En 1980, Yuri Norstein presentó El cuento de los cuentos, considerada
una de las mejores película de animación jamás realizada.
En España, se realizó en 1965 El mago de los sueños, protagonizada por la familia Telerín, de Francisco
La planète sauvage
Maciá, quien junto a Cruz Delgado y José Luis Moro se convirtieron en los puntales de la animación
española, junto a Maite Ruiz de Austri, la autora de El regreso del viento norte (1995) y La leyenda del unicornio
(2001).
John Whitney, los inicios de la animación por ordenador

John Whitney (1917-1995/USA). Es uno de los pioneros más
destacados de la animación con ordenador y el padre del arte
generativo. Su obra recorrió desde los dominios de lo óptico, lo
análogo a lo digital.. Su interés por la técnica y su talento Crac
artístico lo condujeron a utilizar con una finalidad creativa
algunos mecanismos de computadoras análogas creadas con
finalidad bélica y construir su propia máquina, a partir de un
cañón antiaéreo de la segunda guerra mundial, precursora de la
motion control, para desarrollar sus gráficos y animaciones,
tanto en el ámbito experimental como en el comercial. Tanto en
sus primeros experimentos, realizados a mano por John y su
hermano James, que era pintor, como en los posteriores, que
llevaron a cabo por separado, sirviéndose del optical printer y
de los primigenios ordenadores, el color, las formas geométricas
y la música componen algunos de los mejores films abstractos El mago de los sueños
psicodélicos.
Su trabajo, recordando sus propias palabras, consiste en «evocar
las emociones más explícitas de una forma directa, mediante sencillas
las emociones más explícitas de una forma directa, mediante sencillas
configuraciones formales de tonos de tiempo»
En los años 60 del siglo XX fundó la Motion Graphics Inc.,
dedicada a realizar producciones audiovisuales a partir de un
computador analógico, y en la década de los 80, trabajaba ya en
formato digital, creando el Whitney-Reed RDTD, un software
que combinaba gráficos hechos por computador a través de una
entrada de audio.
Realizó la secuencia inicial de Vértigo (De entre los muertos), para
Alfred Hitchcock, junto al diseñador Saul Bass.
Whitney sostenía que «la innovación tecnológica nos proveerá
de los medios para desarrollar un nuevo arte para el ojo y el
oído. Las computadoras son el único instrumento que nos
permite crear música relacionada con colores en movimiento y
gráficas, y aunque su complementariedad es aún experimental,
se puede prever grandes y promisorias consecuencias.»
El cine de animación en occidente en las últimas décadas

El cine de animación ha conocido un desarrollo sin precedentes. La caída del telón de acero logró
además que muchos animadores de los países del este pasaran por todo el mundo aportando su
experiencia.
Disney continuó en EEUU con sus momentos de esplendor, con películas como La Sirenita, (The little
mermaid, 1989, de John Musker y Ron Clements y La bella y la bestia (Beauty and the Beast, 1991) , de Trousdale
y Wise, y y su decadencia, al mismo tiempo que crecía una pequeña entidad, Pixar, de John Lasseter que
de ser una desconocida empresa infográfica experimental en los años 80 pasó a ser la más importante
productora de animación del mundo, con películas tan bien acogidas como Toy Story, Bichos, Monstruos S.A.,
etc. En 1991 Pixar y Disney unieron fuerzas e hicieron varios largometrajes en común. En 2004 Pixar y los
estudios Disney rompieron sus relaciones, hasta que en enero de 2006 Disney adquirió Pixar Animation
Studios y cedió el control de su estudio de animación a los directores creativos de Pixar.
Frederic Back, canadiense, en 1988, realizó L´Homme qui plantait des arbres, con el que ganó abundantes
internacionales y el Oscar al mejor cortometraje de animación del año; después hizo Le Fleuve aux grandes
eaux (1993), que recibió el gran premio en el Festival de Annecy y también fue nominado al Oscar.
Brad Bird, un animador educado en la serie Los Simpson, realizó en 1999 El gigante de hierro (The iron
giant), película que está a la altura de las mejores películas de dibujos animados. Está ambientada en en
plena paranoia de la Guerra Fría, y cuenta la historia de un niño que hace amistad con un robot venido del
espacio, un relato lleno de ternura basado en un relato que que el poeta Ted Hughes escribió para
consolar a sus hijos de la muerte de su madre. es una película independiente hecha con pocos medios para
lo que el cine de animación suele utilizar.
Pesadilla antes de Navidad (Tim Burton's The Nightmare Before Christmas, 1993) de Henry Selick, está basada
en un poema de Tim Burton, que había trabajado con Disney . Fue producida por él mismo, está realizada
con muñecos de látex y tiene todos los elementos característicos del cine de Burton. El guión y los
derechos estaban desde hacía años en manos de la Disney, por lo que Burton volvió a la compañía para
poder realizarlo. Aunque tuvo mala recaudación y fue muy criticada en su momento, actualmente es una
película de culto. Mástarde hizo, en 2005 y con el mismo sistema, La novia cadáver, Tim Burton's Corpse Bride.
El estilo de Burton es de influencias góticas, llenas de romance y fantasía. En ocasiones relatan las
vivencias de personajes lisiados, fenómenos, seres excluidos de la sociedad o personajes populares que no
se logran sentir en concordia con su estatus social. Actualmente está trabajando en Alicia en el País de las
Maravillas, adaptación de la novela infantil y contará con la técnica «3-D» y «Performance Capture» en su
rodaje, y su siguiente proyecto será un remake de su cortometraje, Frankenweenie, el cual habrá de adaptar
en un filme «3-D» acompañado de la técnica «stop-motion».
Bill Plympton realizó varios cortometrajes y dos largometrajes de cierto interés, Me casé con un extraño (I
married a strange person!, 1997) y Mutant aliens (2001). Bill Plympton es un frenético humorista, que realiza sus
dibujos de forma muy artesanal, de gran expresividad y tintes surrealistas y bastante duros y gamberros,
con escenas fuertes de sexo y violencia.
En Francia, Michel Ocelot ha abierto el camino para un número creciente de películas de ambiciones y
calidad notables. Tras trabajar con Disney, que no le sedujo, probó diversos estilos. Los tres inventores (1980)
es un largometraje realizado con papel blanco recortado y blondas de pasteles. Su infancia en Guinea,
Africa, la reflejó en Kirikú la Bruja, 1998, y Kirikou et les bêtes sauvages (2005), que le llevaron a la fama.
Realizó también Princes et princesses (1999) y Azur & Asmar (2004), ambientada en Oriente, sobre la
inmigración y la integración entre culturas.
Sylvain Chomet es un animador francés influenciado por el surrealismo de Svankmajer y los dibujos de
Walt Disney, conoció a Didier Brunner, el productor de Las Trillizas de Belleville, con los que trabajó desde
Canadá. En 1995 dirigió La Vieille Dame et les Pigeons con Nicolas de Crécy, con los que recibió varios
premios y estuvo nominado al Oscar y al César. En 2002 dirigió Leon La Came y más tarde continuó con la
producción de Las trillizas de Belleville. Su estilo tiene mayor influencia de la cámara que de la animación, y
producción de Las trillizas de Belleville. Su estilo tiene mayor influencia de la cámara que de la animación, y
está basado sobre el mimo y la interpretación de los personajes.
Pascal Morelli, aunque nació en parís, trabajó muchos años como animador en Los Ángeles y Tokio y
trabajó en storyboards para largometrajes. En 1994, dirigió las series de dibujos animados The busy world of
Richard Scarry, para Paramount, Arsene Lupin para France Animation, y Calamity Jane para Warner Bros-
Kayenta. Admirador de Hugo Pratt, realizó en 2002 Corto Maltesse: La cour secrète des Arcanes.
En el Reino Unido, la productora Aardman Animations (dedicada principalmente a animación con
plastilina) se hizo popular a ambos lados del Atlántico con sus cortometrajes (especialmente la saga de
Wallace y Gromit, de Nick Park). Nick Park, británico, creo los personajes animados en plastilina de
Wallace y Gromit, por ejemplo Wallace y Gromit: la maldición de las verduras (2005) y colaboró en varios
proyectos ganadores del Óscar de Hollywood. En 2000 dirigió Evasión en la granja, Chicken Run .
Siguiendo la tradición de la animación con marionetas, el checo Jan Werich, realizó el largometraje
titulado Fimfárum, 2002, una moraleja humorística acerca de la vida de los hombres, que reúne cinco
cuentos de varios libros conocidos, divertidas parodias sobre el destino del ser humano. Werich influyó en
varios animadores checos, Petr Poš y Martin Velíšek.
Como animador cubano hay que destacar a Juan Padrón, dibujante de historietas, que comenzó a
trabajar en el ICAIC (Instituto Cubano de Arte e Industrias Cinematográficas) en 1974 como director de
dibujos animados. Creó las series de animados Filminuto y Quinoscopio, esta última en colaboración con el
humorista argentino Quino, creador de Mafalda. Su primer largometraje, en 1979, fue Elpidio Valdés y el
segundo, Vampiros en La Habana, en 1985.
La animación japonesa en los últimos tiempos

Tras Osamu Tezuka , el anime japonés se ha convertido en la industria más prolífica del planeta,
popularizándose en todo el mundo. Las series de televisión son innumerables, y siempre van unidos el
cine, la televisión y el cómic, en cualquiera de sus dos facetas, el «shojo manga», o relato romántico para el
público femenino, y el «mecha», o historia de robots, por lo general repleta de escenas de lucha y
devastación. Es frecuente que cuando una compañía desarrolla una nueva línea de cómics (los llamados
manga), tenga presente su adaptación a dibujos animados (anime), que se emitirán en forma de teleserie,
serán vendidos en vídeo o llegarán al cine en forma de largometraje. y siguen siendo la atracción principal
para millones de aficionados. La fuerza, tras unos años de inactividad del cine japonés, llegó de la mano de
Nausicaa del valle del viento de Hayao Miyazaki y Akira (1998) de Katsuhiro Otomo, sin olvidar al animador
independiente Koji Yamamura, que combina la escultura en barro con figuras tridimensionales,
fotografía, crayola y multimedia, mezclando técnicas y tendencias como el puntillismo y minimalismo, y
que ha logrado un gran reconocimiento en Occidente, ni a Akira Toriyama el responsable de la moda del
manga y el anime con la producción Dragonball (1986-1989). Para llevar a dibujo animado la historieta de
Osamu Tezuka, Metrópolis, se unieron dos directores, Rintaro y Katsuhiro Otomo, en un cuento adulto de
ciencia ficción, donde no falta el barroquismo urbanístico high-tech.
El anime se caracteriza en general, aunque hay obras de mayor complejidad, por la sencillez de su trazo,
la estructura narrativa lineal y una tecnología basada en la economía de imágenes, lo que hace el proceso
de elaboración relativamente rápido, que los convierte en productos baratos en los mercados
internacionales. Se han dado así coproducciones importantes para televisión con los países occidentales,
como Heidi (1974), Vickie el vikingo (1974-1975) y Las aventuras de la abeja Maya (1975-1976), con la empresa
alemana Bastei Verlag, Ulises 31 (1988) con el estudio francés de Jean Chalopin y Las aventuras de Sherlock
Holmes (1984-1985) con Radiotelevisión Italiana (RAI).
Hayao Miyazaki
Hayao Miyazaki (1941) es un ilustrador, dibujante y animador
japonés.
En sus primeros años como animador colaboró con Isao
Takahata en los anime Heidi y Marco y participó en la obra Ana de
Las Tejas Verdes. En 1978 dirigió su primera serie Conan el niño del
futuro y en 1979 su primera película El castillo de Cagliostro.
La mayor parte de su obra ha estado enfocada a los niños. Su
obra trata temas de contenido, con mensajes antibélicos, o
abordando temas complejos como el hombre y la naturaleza, el
individualismo o la responsabilidad, lo que le ha valido el
reconocimiento público de Occidente y de los especialistas. Se
confesó ecologista, pacifista y feminista.
El viaje de Chihiro (Sen to Chihiro no Kamikakushi, 2001), recibió el
Oso de Oro de la Berlinale 2002, el Oscar a la mejor cinta
animada en 2002 y el reconocimiento a su trayectoria en el
Festival Internacional de Cine de Venecia. Howl´s Moving Castle
(El Castillo Ambulante) postuló al Óscar 2005 como mejor película
(El Castillo Ambulante) postuló al Óscar 2005 como mejor película
animada. Otras obras caracteríticas son Nausicaä del Valle del Viento
(Kaze no tani no Naushika, 1984), y La princesa Mononoke (Mononoke
Hime, 1997). Su última obra, Ponyo en el acantilado (2008), es una de las
más apasionantes historias de amor del reciente cine contemporáneo.
El camino del cine digital actual de animación

Desde la última década del siglo XX, el gran cambio que ha sufrido el cine de animación se debe a la
inclusión de ordenadores en el proceso técnico y creativo de las películas. La primera secuencia en la que
se utilizó el ordenador para su crear un diseño y ambiente que diera la idea de que la cámara se movía en
todas las direcciones, fue en 1991, en el baile de La bella y la bestia. desde entonces, la tecnología digital ha
entrado de lleno en la realización de películas animadas, facilitando la tarea de diseñadores y creativos y
finalizando casi por completo la animación tradicional.
Toy Story, la primera película realizada totalmente por ordenador, en 1995, la produjo Disney y la realizó
la compañía especializada Pixar, con un rotundo éxito comercial que dio vía libre a todo un mundo de
posibilidades creativas.
Hormigaz, Antz, (1998), la segunda película por ordenador, se realizó en los estudios Dreamworks,
fundados por Steven Spielberg y el antiguo jefe de animación de Disney Jeffrey Katzenberg. Esta película
compitió con el predominio de Disney y creó las bases para unos nuevos contenidos en el cine de
animación.
Los dibujos animados, compiten en las últimas décadas entre esos grandes estudios, por una parte
Disney-Pixar (que se unen y se desunen), con películas como Toy Story 2, Bichos, Monstruos S.A. o Buscando
a Nemo, que ganó el Oscar a la mejor película de animación en marzo de este año y Dreamworks, con
grandes éxitos de taquilla como Shrek y Shrek 2, que se ha convertido en la cinta animada más taquillera de
la historia.
Mientras tanto otros estudio han iniciado su carrera por los dibujos animados: Fox, La edad del hielo y sus
secuelas, Columbia, con Final Fantasy, Paramount, Jimmy Neutron y Warner, The Polar Express, de Robert
Zemeckis.
En España, la empresa gallega Dygra Films, hizo su primera película El bosque animado, largometraje
basado en la novela de Wenceslao Fernández Flores. Tras ellas, como se ve en otra parte de está página,
otras productoras han hecho apuestas por un cine animado de calidad, realizados por excelentes
profesionales, que compiten claramente en calidad y tecnología con productos de otros países.
Dreamworks. DreamWorks Pictures (SKG)

SKG, por las iniciales de sus promotores, Dreamworks.
DreamWorks Pictures, traducido al español como «La Fábrica de
los Sueños», es un estudio cinematográfico fundado en 1994 por
Steven Spielberg, David Geffen y Jeffrey Katzenberg. El sueño
de Spielberg fracasó y vendió su empresa a Paramount, que ha
realizado numerosas películas de ficción, algunas de ellas de un
gran éxito, como Gladiator, Salvar al soldado Ryan y American Beauty.
E n octubre de 2008 DreamWorks acordó el fin de su
vinculación con Paramount Pictures y volvió a establecerse como
empresa independiente con el apoyo financiero de un grupo
indio, RBE, continuando con sus películas de animación.
Antz (1998), El príncipe de Egipto, Chicken Run: Evasion en la
Granja, Joseph: King of Dreams y La ruta hacia El Dorado (The Road to
El Dorado) en el 2000. Shrek (2001), Spirit: Stallion of the Cimarron
(2002), Simbad: Legend of the Seven Seas (2003), Shrek 2, Ghost in the
Shell 2: Innocence, El espantatiburones en 2004, Madagascar y Wallace y
Gromit: La maldición de las verduras en 2005, Vecinos invasores,
Ratonpolis en 2006, Shrek III y Bee Movie en 2007, Madagascar 2:
Escape de África y Kung Fu Panda en 2008, Monstruos vs. Aliens y
Crood Awakening en 2009 y están en proyecto para estrenar en
2010 How to Train Your Dragon, Shrek Goes Fourth, y para 2011 Kung
Fu Panda 2: Pandamonium, Puss in Boots: The Story of an Ogre Killer,
Madagascar 3 y para 2013, Shrek 5
Pixar/Disney
Pixar Animation Studios es una compañía de animación por
ordenador especializada en 3D, ubicada en California. Ha ganado
7 premios Óscar de la Academia por sus cortometrajes,
largometrajes y logros técnicos.
Tras Toy Story, 1995, la primera película comercial totalmente
realizada por ordenador en 3D, ha alcanzado por su propio
sistema de renderización (RenderMan), una alta calidad. Fue
dirigida por John Lasseter antiguo trabajador de Walt Disney, y
recibió, además de otros Óscar, un Oscar honorífico especial por
ser la primera película animada por ordenador de la historia.
Con Monsters, Inc.(considerada por muchos el mejor film de
Pixar hasta la fecha) transformó en imágenes la perfección. En
2004 Pixar y los estudios Disney rompieron relaciones que
restituyeron en 2006 cuando la Disney compró Pixar, haciendo a
Pixar un subsidiaria completamente de Disney.
Los largometrajes que ha realizado: 1995, Toy Story, 1998, Bichos
(A Bug's Life), 1999, Toy Story 2, 2001, Monsters, Inc., 2003, Buscando
a Nemo (Finding Nemo), 2004, Los Increíbles (The Incredibles), 2006,
Cars, 2007, Ratatouille, 2008, WALL·E, 2009, Up. Es de destacar
For The Birds (2000), Óscar al mejor corto de animación.
La industria española del dibujo animado

He hablado más arriba sobre la película Garbancito de La Mancha (1945), realizada en época de estrecheces
económicas. En el cine español de la posguerra siempre hubo excelentes animadores, José Luís Moro, por
ejemplo, que creó personajes para la publicidad y la televisión, responsable junto a su hermano Santiago,
del renacimiento de los dibujos animados en España a finales de los años 40; y desde que fundó Estudios
Moro en 1955, junto a Movierecord, también de la publicidad animada para cine y televisión. Los Estudios
Moro ganaron cinco años consecutivos tres Palmas de Oro de Cannes, dos copas en Venecia y más de
cien premios internacionales de publicidad. Pero su inmensa popularidad se la deben a La familia Telerín y
su mítico separador publicitario Vamos a la cama, reconocido como uno de los mayores hitos de televisión
española.
Cruz Delgado fue ilustrador de historietas infantiles y realizó experimentos por su cuenta en el campo
del dibujo animado. Trabajó en Estudios Moro y Belvision de Bruselas. En España fundó en 1963 una
productora dedicada exclusivamente a la producción de películas de dibujos animados, siendo la primera
de ellas el cortometraje titulado El gato con botas, premiada en el Certamen Internacional de Cine de Gijón
en 1964 y en Gottwaldov (Checoslovaquia) en 1965. En 1968, para Televisión Española, realizó una serie
de trece episodios sobre su personajes «Molécula». Realizó varios largometrajes, Mágica aventura, 1973, El
desván de la Fantasía,1978, con el ilustrador José Ramón Sánchez, Los viajes de Gulliver, 1983, Los cuatro músicos
de Bremen, 1988. Sin embargo, su aportación principal al cine de animación está en la serie que para
televisión en 1978, coprodujo con José Javier Romagosa, 39 episodios sobre la obra de Miguel de
Cervantes Don Quijote de La Mancha.
Se pueden añadir a la lista dos filmes rodados en Cataluña, Peraustrinia 2004 (1989), de Ángel García, una
ingeniosa película sobre lo tranquila pero a la vez aburrida que puede ser una vida sin el toque mágico del
azar, y Despertaferro, el grito del fuego (1990), de Jordi Amorós, en torno a la odisea de Llúria, un niño de doce
años fascinado con la historia de los almogávares, y otros dos rodados en el País Vasco, La leyenda del viento
del norte (1992), de Carlos Varela y Maite Ruiz de Austri, las aventuras de dos gemelos que viven en el
pueblo ballenero de San Juan, y El regreso del viento del norte (1993), de Maite Ruiz de Austri, con los mismos
personajes que la anterior y similares aventuras.
Es esperanzador el futuro para los creadores que trabajan e investigan el cine digital, que cuentan con
una demanda creciente. Son film de muy buena calidad técnica, realizados por una nueva generación de
animadores. Desde El bosque animado, 2001, de Ángel de la Cruz y Manolo Gómez, hasta Pérez, el ratoncito de
tus sueños (2006), una coproducción hispanoargentina de Juan Pablo Buscarini, Nocturna (2007), de Adrià
García; y El Cid, la leyenda (2003) y Donkey Xote (2007), ambas de José Pozo.
Dygra Films es un estudio de animación por ordenador fundado en 1987, situado en La Coruña, España,
como un estudio de diseño gráfico. Su primer largometraje por ordenador fue El bosque animado, 2001, El
sueño de una noche de San Juan, 2005, Espíritu del bosque, secuela de El bosque animado, 2008, Noche de paz,
estimada para diciembre de 2009, El asno de oro, para 2011 y En busca de Oniria, estimada para 2012.
Jose Pozo, tras trabajar durante años en series de animación para televisión, se incorporó en 2000 al
grupo Filmax para el diseño y desarrollo artístico de varios proyectos. Asumió en 2003 el guión y
dirección de El Cid, La Leyenda y dirigió Donkey Xote, en 2007. Filmax hizo Nocturna y Donkey Xote (2007) y
Pérez, el ratoncito de tus sueños (2008). Dygra, hizo en 2008 la segunda parte de El bosque animado, que lleva
por título El espíritu del bosque (2008), La crisis carnívora (2008), Forma Animada con Misión en Mocland, una
aventura superespacial (2008), de Juan manuel Suárez. Kandor Moon realizó El lince perdido (2008), y La dama y
la muerte, seleccionada para los Oscars 2010 en la categoría de mejor cortometraje de animación.
la muerte, seleccionada para los Oscars 2010 en la categoría de mejor cortometraje de animación.
Dibujos animados con personajes para niños que se difunden por todo el mundo son Pocoyó (Zinkia),
Bernard y Sally McKay. Un éxito en todo el mundo ha sido Planet 51, 2009, de Jorge Blanco, en
coproducción con RU, un éxito internacional que puede competir con Pixar. Tiene como protagonista a un
astronauta estadounidense que aterriza en un planeta plagado de alienígenas con un estilo de vida
semejante al de la década de los años cincuenta del siglo pasado.
Fernando Trueba y Javier Mariscal se unieron para realizar Chico y Rita, en 2010, dibujos animados para
adultos, ganadora del premio Goya al mejor filme de animación, que narra la historia del pianista Chico y la
cantante Rita, dos personalidades volcánicas que protagonizan una destructiva relación sentimental. La
música juega un papel decisivo en el desarrollo de la trama. y forma parte de la historia de un modo muy
íntimo, con Bebo, y piezas de Cole Porter, Charlie Parker, Dizzy Gillespie o Chano Pozo.
Animación para televisión

Aunque la animación para televisión la ocupa prácticamente la japonesa, anime, hay que desatacar dos productos
occidentales que han ocupado una gran parte del mercado.
Los Simpsom, realizados por Gracie Films para Twentieth Century Fox y Fox Network, cuyo creador es Matt
Groening, que comenzaron como un breve espacio de 2' en el programa televisivo "The Tracey Ullman Show" en
1987. Se consolidó como serie autónoma en diciembre de 1989 aunque las transmisiones regulares no empezaron
hasta enero de 1990. Es una imagen irreverente da la familia norteamericana, muy peculiar. A partir de ella se hace
una crítica de toda la cultura occidental y sus valores.
South Park es una serie distribuida por Warner Bros. y transmitida por Comedy Central desde el año 1997 en
Estados Unidos. Trata sobre las aventuras de cuatro niños que viven en el pequeño pueblo llamado South Park,
Colorado. Es una crítica de muchos aspectos de la cultura estadounidense y de sus firmes creencias, con un
lenguaje desenfadado.
El documental animado
Sheila M. Sofian define el documental de animación como «toda película animada que parte de materiales
de no ficción».
Los historiadores sitúan el origen del documental animado en 1918, año en que el pionero Winsor
McCay realizó El hundimiento del Lusitania, The sinking of Lusitania, recreación del episodio ocurrido en 1915,
que recrea el ataque de un submarino alemán a un lujoso crucero Británico con 2000 pasajeros, que marcó
la entrada de Estados Unidos en la Primera Guerra Mundial y del que no se habían registrado imágenes
documentales. El hundimiento del Lusitania
Siguiendo esta tradición en la animación y coincidiendo con el éxito de Nanook el esquimal, Nanook of the (1918)
North, de Flaherty, considerado el primer documental de la historia, los hermanos Fleischers (Max, Dave,
Joe, y Lou), inventores, animadores y hábiles comerciantes que rivalizaban con el poderoso Disney,
produjeron el primer largometraje de animación, el cual fue precisamente de no ficción: Einstein´s Theory of
Relativity, en 1923.
En el terreno de la animación experimental, John y Faith Hubley realizaron diversos cortos entre 1959 y
1973 que partían de la grabación de las voces de sus hijos. Wallace y Gromit, ha dedicado buena parte de
s u filmografía a encontrar una expresión animada para esas derivas del habla cotidiana que no suelen
encontrarse en los estudios de doblaje: en sus series de cortos Animated conversations (BBC, 1978) y
Conversation pieces (Channel 4, 1982), las voces grabadas de taquilleras de cine, pensionistas y presos Persépolis (2007)
inspiraban una sucesión de registros animados.
Algunos ejemplos cercanos en el tiempo son Late Edition (Peter Lord y David Sproxton, 1983) sobre un
hombre que trabaja en la última edición de una revista y que utiliza grabaciones de gente y locaciones
reales como bases. Grave of the fireflies(Isao Takahata, 1988) basada en la novela del japonés Akiyuki Nosaka
y que narra, su experiencia infantil en los bombardeos de la segunda guerra, basado en hechos reales y
personales. El corto Abductees (1995), de Paul Vester, que recreaba testimonios de supuestos abducidos por
extraterrestres.
Otros documentales animados son Waking life (2001), de Richard Linklater, con sus diálogos filosóficos, o
la autobiográfica Persépolis (2007), de Marjane Satrapi y Vincent Paronnaud. Vals con Bashir (2008)
Vals con Bashir, 2008, de Goldman, recupera en clave autobiográfica, la matanza sucedida en los campos
de refugiados palestinos de Sabra y Chatila durante la guerra del Líbano. Chicago 10, de Brett Morgen,
sobre el juicio a los Siete de Chicago, es un punto de inflexión en la historia de la contracultura americana.
Ver cine siglo XXI
En Truth has fallen (Sheila Sofian, 2009), se combina animación e imagen real, para denunciar los casos de
personas que han sido erróneamente encarcelados, mediante los recuerdos de esos falsos culpables, en
clave de pesadilla.
Cine artesanal animado en el siglo XXI

Cine artesanal animado en el siglo XXI
Arrugas
España. 2011. 80 min.
DIRECTOR. Ignacio Ferreras
GUIÓN. Ángel de la Cruz, Paco Roca, Ignacio Ferreras, Rosanna Cecchini (Cómic: Paco Roca)
MÚSICA: Nani García
PREMIOS
2011: 2 Premios Goya: Mejor película de animación y mejor guión adaptado
2011: Premios Annie: Nominada a Mejor película
2012: Festival de Annecy: Distinción especial (2º mejor largometraje)
2012: Premios del Cine Europeo: Nominada a Mejor película de animación
2012: Festival de Ottawa: Gran Premio al Mejor largometraje de animación
SINOPSIS. Emilio y Miguel, dos ancianos recluidos en un geriátrico se hacen amigos. Emilio, que padece un
principio de Alzheimer, cuenta inmediatamente con la ayuda de Miguel y otros compañeros que tratarán de evitar
que vaya a parar a la planta de los desahuciados. Su disparatado plan tiñe de humor y ternura el tedioso día a día de
la residencia, pues para ellos acaba de empezar una nueva vida. Largometraje de animación 2D para adultos, basado
en el cómic homónimo de Paco Roca (Premio Nacional de Cómic 2008).
Un gato en París. Une vie de chat (A Cat in Paris)

Francia-Holanda-Suiza-Bélgica. 2010. 70 min.
DIRECTOR. Jean-Loup Felicioli, Alain Gagnol
GUIÓN. Alain Gagnol, Jacques-Rémy Girerd
MÚSICA. Serge Besset
PREMIOS
2011: Oscar: Nominada a Mejor largometraje de animación
2011: Premios del Cine Europeo: Nominado a Mejor largometraje de animación
2011: Premios Annie: Nominada a Mejor película
SINOPSIS. Dino es un gato que lleva una doble vida. De día, vive con Zoé, la única hija de Jeanne, una comisaria
de policía. De noche, en cambio, se pasea por los tejados de París con Nico, un avezado ladrón. Jeanne no puede
más: no sólo tiene que perseguir al intrépido compañero de Dino, autor de varios robos de joyas; sino que además
debe vigilar el Coloso de Nairobi, una gigantesca estatua codiciada por Víctor Costa, el culpable de la muerte de un
policía, marido de Jeanne y padre de Zoé, encerrada desde entonces en un mutismo total. Los sucesos se precipitan la
noche en que Zoé sorprende a Costa y su banda. Se inicia entonces una persecución hasta los tejados de la catedral
de Nôtre-Dame.
Nuevas técnicas mixtas en el cine de animación

Disney, Pixar
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r , se encargaron de hacer realidad las mismas fantasías de siempre para las nuevas
generaciones, aunque con distintas técnicas; todavía se precisaba de la mano del animador, aunque los ordenadores
desplazaron muchas veces a los lápices. Hubo intentos de recuperar el viejo encanto como Tiana y el sapo (2009), que
no dieron los resultados de taquilla deseados. Los dibujos parecía que terminaban para dar paso al ordenador.
Sin embargo, llega a finales de 2012 Rompe Ralph, última película de los estudios Disney, que puede ser el
comienzo de una nueva era para la animación. El filme es tan digital como sus predecesoras (está producido en
CGI o animación por ordenador e inspirado en un mundo tan sintético como el de los videojuegos), pero representa
la simbiosis más perfecta que haya conocido la industria entre las dos y las tres dimensiones. Una comunión que no
solo se da en el largometraje, sino también en el cortometraje Paperman, que acompaña al estreno. Ambos mundos,
aparentemente antagónicos, se dan al fin la mano en un nuevo estilo en el que el personaje creado por ordenador se
beneficia de esa sutileza que solo la línea creada a mano es capaz de dar a la animación.
Los creadores de Rompe Ralphanto provienen del campo de la animación informática, pero se han unido a otros,
como Mark Henn y Eric Goldberg, enamorados del trazo del lápiz, que han creado un híbrido con lo mejor de los
dos mundos, en una película que mantiene vivo ese trazo, esa armonía y agilidad, pero dándole el volumen de la
animación por ordenador. Con ello, puede ser que se esté creando una nueva técnica.
, rax iP ed l av i r onrete , skrm
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r ,4102 nE , odi rbíh otcudorp oiporp us a tceyorp Me and my shadow, en donde se mezclará
animación tradicional y por ordenador. La idea es animar de forma tradicional las sombras de unos personajes
creados por ordenador en una historia donde el mundo de las sombras se rebela contra el de los humanos.

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