Nombre de la asignatura

asignatura:: Apreciación de la Pintura

Parcial de estudio: Segundo

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Nombre de la asignatura: Apreciación de la Pintura
Parcial de estudio: Segundo

Actividades de Aprendizaje 2.1

Realizar un cuadro comparativo observando las características de los pintores renacentistas Miguel
Ángel y el Greco e impresionistas Edgar Degas y Eduard Manet.

CUADRO COMPARATIVO ENTRE LOS PINTORES RENACENTISTAS MIGUEL ANGEL Y

EL GRECO
EL GRECO MIGUEL ANGEL

Fue un pintor de estilo manierista que El propio Miguel Ángel experimento en su

llevó a cabo una obra tan genial que última obra el placer de la transgresión,
no creó escuela. desdibujando sus figuras o dejando
inacabadas sus obras.
El Manierismo era un estilo que
exageraba la “maniera” (el término Su estilo proviene de su escultura. Se
procede de esta palabra). Ponía desentiende del paisaje y de lo anecdótico.
énfasis en el virtuosismo del artista y Tiene un concepto de la pintura
en la estilización de sus imágenes. monumental. Pinta grandes héroes,
arquetipos de Mesías, hombres grandes en
En las obras manieristas el espacio cuerpo y en alma.
se comprimía, los colores eran
extravagantes y las figuras se Desarrolla el equilibrio inestable del
alargaban y retorcían formando manierismo entre figuras que se sientan mal
complejas posturas. en estructuras insuficientes, posiciones
antiestáticas que provocan una tensión,
Su singular estilo es la suma de parece que están a punto de caer.
todos los elementos que
determinaron su formación en
Grecia y en Italia, junto con la
religiosidad y el misticismo de la
España en que vivió. En este
sentido hay que mencionar la
enorme importancia de la religión
para la pintura de Theotokópoulos,
siendo sin ninguna duda el tema
predominante de su obra.
Fue uno de los más grandes
retratistas de la historia. Las personas
retratadas en sus lienzos suelen
aparecer con la gorguera o gorguilla
(más sencilla) típica de la época.
El color que usa El Greco es
inimitable. En este campo se aprecia
la influencia de Tintoretto y Tiziano, A) Angustia del espacio. Se descompone el
de quienes absorbió la riqueza de los espacio racional clásico y se desequilibra.
colores y el uso libre y espontáneo Zonas muy vacías junto a zonas muy llenas,
del pincel. composición irregular y descompensada, sin
ejes de simetría
B) Inestabilidad de las figuras. No están en
reposo, pero tampoco en movimiento. Están
en un equilibrio inestable, a punto de caerse.

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Es muy característica en muchas de
sus composiciones la contraposición
del mundo celestial al terrenal.
Asimismo, es importante comentar el
tratado que El Greco da a las nubes
que aparecen en algunas de sus
composiciones. Son unas nubes muy
algodonosas, opacas y sólidas.
Como aspecto curioso, hay que
mencionar que el artista solía firmar
sus cuadros con caracteres griegos,
ya que siempre se sintió orgulloso de
su nacionalidad.
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C) El dibujo es deformador de la realidad. Se
imponen las curvas largas, la línea
"serpentinata” de doble curva. Dibujo
sofisticado y artificioso para acentuar los
gestos y los escorzos.
D) El colorido está pensado sin valor plástico,
no sirve para modelar sino para decorar. Los
colores preferidos son molestos, agrias
combinaciones de azul y verde, de diferentes
amarillos sucios, son colores inarmónicos,
ácidos y fríos, todo lo contrario, al color
suave del Renacimiento clásico.
En general:
A) Liberación del culto a la belleza clásica, a
la serenidad al equilibrio y a la claridad del
Renacimiento. A veces se trata de hacer lo
contrario de lo que se hacía en el
Renacimiento.
B) Alejamiento de la realidad. Las obras
reflejan una tensión interior que termina en
el irrealismo y la abstracción olvidando la
fidelidad a la realidad del Renacimiento.
C) Es un arte intelectual, refinado y
cortesano, por eso no tuvo expansión en las
clases populares y quedó reducido a ciertas
élites.

CUADRO COMPARATIVO ENTRE LOS PINTORES IMPRESIONISTAS EDUARD MANET Y

EDGAR DEGAS

IMPRESIONISMO: El paisaje como tema principal, su t{técnica es rápida, de largas

pinceladas cargadas de pintura, eliminan de su paleta el color negro, ausencia de
perspectiva euclidiana que regía el concepto de la pintura plana y dimensional.

Eduard Manet Edgar Degas

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Utilizaba colores fuertes y contrastados, se podía
obtener sutiles representaciones de luz por la
yuxtaposición de colores.
Obras:"Bar en el Folies Bergere", 1882 -
London,
Manet tiene características decididamente
impresionistas como utilizar el negro, pintar
contornos, trabajar en interiores, etc. Sería en
realidad un pintor a caballo entre el realismo y el
impresionismo, y esto lo puedes observar en los
cuadros expuestos, unos son muy realistas y otros
más impresionistas.
Su temática es variada pero siempre profundiza en
la psicología de los personajes, pinta tanto
exteriores como interiores, su colorido es intenso y
variado, su pincelada es cambiante, a veces precisa
y clara, otras veces deshilachada y suelta. Utiliza
frecuentemente contornos nítidos y definidos.
Actividades de Aprendizaje 2.2
Observar y analizar el estilo cubista y el surrealista y encuentre las diferencias y semejanzas que existen
entre las obras de Pablo Picasso (violín colgado en la pared) y Salvador Dalí (Cristo de San Juan de la
Cruz).
SEMEJANZAS Y DIFERENCIAS ENTRE LAS OBRAS VIOLIN COLGADO EN LA PARED(Pablo Picasso) Y
CRISTO DE SAN JUAN DE LA CRUZ(Salvador Dalí)
SEMEJANZAS
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Sus retratos son muy apreciados por la
complejidad psicológica y sensación de
verdad que transmiten.
Degas fue uno de los grandes dibujantes de la
no historia por su magistral captación de la
sensación de vida y movimiento,
especialmente en sus obras de bailarinas,
carreras de caballos y desnudos.
El estilo de Degas se distingue por sus zonas
inacabadas, incluso en pinturas altamente
detalladas.
En sus pinturas de bailarinas y lavanderas,
Degas refleja las ocupaciones de ambas no
solo por su atuendo sino por su estructura
física: sus bailarinas exhiben un físico atlético
y grácil, mientras que las lavanderas poseen
un cuerpo pesado y sólido.
"Sus obras eran bien preparadas, calculadas,
practicadas, y desarrolladas en etapas.
Estaban compuestas de partes. El ajuste de
cada parte para crear un todo, el arreglo
lineal, era la ocasión para reflexión infinita y
experimentación".
DIFERENCIAS
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Llevaron cierto tipo de realidad en sus cuadros u
obras.
Sus obras están hechas mediante la técnica del
óleo sobre lienzo, de estilo surrealista.
La originalidad de la perspectiva y la habilidad
técnica a la hora de pintar los cuadros los han
hecho muy populares.
Ambas obras tienen fuertes claroscuros que
sirven para resaltar sus obras, ya que provocan
un efecto dramático.
Usan nuevas técnicas en las que se pegan
fragmentos de elementos cotidianos en el
soporte.
Mayor consistencia material de las obras.
Actividades de Aprendizaje 2.3
Mediante un cuadro sinóptico, analice los siguientes estilos que surgieron en el siglo XX:
Dadaísmo, expresionismo, surrealismo, minimalismo, Ready Made, arte cinético, pop art.
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Picasso abandona progresivamente el cubismo
analítico para internarse en el "cubismo
sintético", donde la obra de arte camina hacia la
escultura, ya que se trata de componer (proceso
contrario al cubismo analítico). y esto lo hace
con distintos materiales que le otorgan un
aspecto tridimensional.
Dio con una nueva forma de arte: la
"assemblage", una traslación del collage.
Dalí se inspiró en su pintura en un dibujo del
místico San Juan de la Cruz conservado en el
convento de la Encarnación de Ávila y en una
imagen que decía haber soñado de un círculo
dentro de un triángulo.
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Dadaismo(1915/1922)
• Este estilo ace en Suiza, con la obra de Tristan Tzara, fue anarquista, se mostro en contra de cualquier norma social, moral oestetica.
• Su objetivo principal era cuestionar unos criterios artísticos fuertemente afianzados y aceptados en la época. Gracias al movimiento dadaísta, el Arte abrió sus fronteras y aceptó
otros modos de expresión artística, lo que fue su mayor aportación. Fue el nacimiento del arte conceptual.

Expresionismo(1905/1913)
• Surgio en Alemania, trata de dar al espectador una vision de los sentimientos del artista. Forma, color y textura están al servicio de esa transmisión de los estados de ánimo del autor.
Supone el inicio de la pintura abstracta en sentido estricto ya que se desvincula por fin del referente. Es una pintura subjetiva que deforma y exagera.
• Sus influencias fueron autores como Goya y el Greco, entre otros.

Surrealismo (1924/1939)
Comienza con un manifiesto escrito esta vez por el poeta André Breton. Se desarrolla en un periodo inestable de entreguerras en el que los intelectuales
tratan de comprender la profundidad psíquica del hombre, los sueños, lo inconsciente. Podemos hablar de dos tipos de Surrealismo pictórico y dos
grandes grupos de pintores surrealistas. Por un lado, los pertenecientes al Surrealismo figurativo, entre los que se encontraban Max Ernst, René Magritte,
Dalí y Chagall, quienes exploraron el surrealismo desde una óptica de realismo formal. nunca abandonaron la referencia real de los objetos. el Surrealismo
abstracto contaba con Yves Tanguy, Miró, Klee y Hans Arp.

Minimalismo Tendencia raionalista

• Comenzo siendo una vanguardia mas, su proyeccion e influencia ha sido enorme en el arte y el dieño de final del siglo XX y principios del siglo XXI. Inspirada en el arte oriental, tiene
como lema “menos es más”, de modo que, si una imagen, un interior, un objeto industrial,
• produce imágenes limpias, aparentemente vacías y simples, aunque con gran carga estética más que funcional. Uno de sus representantes fue Sol le Witt.

Ready Made
Se deriva de la palabra inglesa lo ya visto:"objeto encontrado" del surrealismo. Proviene de un acto practicado por primera vez por Marcel Duchamp, en
1915, y consiste en titular "artísticamente" objetos producidos industrialmente, con una mínima o ninguna intervención, declarándolos de esta manera
"obras de arte", porque según Duchamp, "arte es lo que se denomina arte" y por lo tanto, lo puede ser cualquier cosa.
Los primeros ready made fueron una rueda de bicicleta, y un urinario, aún más famoso que el anterior, que Duchamp tituló como Fontaine y firmó con
seudónimo, provocando revuelos en la crítica, ya que este tipo de actos plantea todo un problema semántico, cuestionando las categorías estéticas que
determinan qué es arte y qué no lo es.

Arte cinetico
Tiene como principio básico el movimiento, de manera que ha estado más presente en escultura que en pintura. Las obras de arte cinético se pueden
encuadrar en tres subcategorías: obras con movimiento propio, ya que se mueven por medio de un mecanismo (motores, ingenios eléctricos) o por acción
de algún elemento independiente (música, viento, temperatura), obras de ilusión óptica en las que se encuadra la pintura cinética, y obras interactivas en
las que el espectador debe accionar o ejecutar alguna acción.
Representantes: representantes de cada uno de estos grupos podemos nombrar a Alexander Calder, con sus móviles, estructuras colgantes muy ligeras
que se mueven con el viento, al español Eusebio Sempere, con sus serigrafías de líneas muy finas y geométricas que al entrecruzarse producen la
sensación óptica de movimiento, y a Marcel Duchamp respectivamente.

Pop Art
Primera vanguardia neo representativa de origen norteamericano inspirada en artes consideradas menores como son el cómic, la ilustración y el cartel.
Trataban de impulsar esa estética de aspecto infantil y lenguaje bidimensional, mostrando en muy ocas ocasiones la pincelada. Utiliza la tinta plana y los
colores muy saturados por lo que muchos de los artistas pop recurren al grabado que favorece ese efecto, en especial a la litografía y a la serigrafía. Sus
principales componentes son Roy Linchestein, Andy Warhol, Jasper Jons y David Hockney

Actividades de Aprendizaje 2.4

Analice y realice un resumen de las características de la obra de los siguientes artistas contemporáneos
además realice un boceto emulando el body art.

Pop art: (Andy Warhol)

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Trabajaba a partir de variaciones fotográficas de un mismo tema mítico. “Marilyn Monroe”, “Elvis
Presley”, o “200 latas de sopa Campbell’s” son algunas de sus obras maestras.

Warhol quería eliminar de la obra de arte cualquier signo de manualidad, por eso muchas de sus
obras están hechas a partir de fotografías proyectadas sobre el lienzo.

Happening: (Allan Kaprow)

Allan Kaprow (1927-2006) ha pasado a la Historia del Arte como creador de los Happenings, pero para él
no fueron sino el inicio de un proceso que le llevó más allá de las fronteras de los géneros artísticos. Dado
el carácter efímero y a menudo irrepetible de sus propuestas, no sería de extrañar que su obra escrita,
indistinguible de la artística, y tan influyente, se convierta en su contribución más importante. La
educación del des-artista es hoy un texto más vigente que nunca, un inusitado manual para creadores
donde el Arte y su Historia son desactivados por una mirada crítica, una conciencia estética y una práctica
artística al servicio de la vida.

Kaprow cambió su práctica en lo que él llamó «Actividades», relacionando íntimamente piezas para uno
o varios jugadores y dedicadas al examen de los comportamientos y hábitos cotidianos de una manera
casi indistinguible de la vida ordinaria. A su vez, su obra influye en Fluxus, el arte de performance y la
instalación artística.

Body art: (Gesine Marwedel).

El body paint de Gesine Marwedel, fauna que habita el cuerpo.

Se considera arte efímero a las técnicas artísticas que utilizan como soporte al cuerpo
humano para su ornamentación. Es efímero porque sus características estéticas sólo
perduran mientras se consume como producto, en particular de la expresión de un rito o

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fiesta mayor dentro de una cultura, a veces inconexo de un carácter religioso, pero casi
siempre simbólico con relación a una celebración en un grupo social.
La artista alemana Gesine Marwedel lleva la práctica del body Paint a un nivel superior
que puede identificarse con la pintura mural. Marwedel logra una completa integración
del cuerpo de sus modelos con la figura que representa, normalmente animales marinos
y aves que se adaptan a las formas estilizadas del cuerpo femenino.
Además de la pintura corporal, Gesine trabaja la pintura sobre muros y la hena; antes de
utilizar el cuerpo como canvas, la alemana desarrolló sus habilidades sobre tela y
madera.
Land art. (Christo)
Land Art: Christo y Jeanne-Claude

“Land Art” se refiere a una corriente dentro del arte contemporáneo que se basa en la
utilización del marco y los materiales de la naturaleza, es decir, piedras, arena, agua,
fuego, etc.). Por ello, generalmente las obras de esta corriente se encontrarán en el
exterior y sometidas a la erosión natural.

Las primeras obras del “Land Art” se hicieron en los paisajes desérticos del oeste de
EEUU a finales de los años 60′. Las obras realizadas con equipos de construcción son las
llamas earthworks.

La finalidad del “Land Art” es producir emociones plásticas en el espectador, que se

encuentra enfrentándose a un paisaje determinado. Por ello, quieren alterar el paisaje para
producir la máxima cantidad de sensaciones en el público, intentando reflejar la relación
hombre-tierra, medio ambiente-mundo…

El artista de esta corriente usa como materia prima y principal para crear sus obras el
medio ambiente. Así, el soporte y el material es el mismo: el paisaje existente. Su
principal técnica es la instalación en el paisaje.

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Instalaciones: (Daniel Buren)

Daniel Buren es uno de los artistas vivos más importantes de la escena

internacional del arte contemporáneo. Su propuesta artística se ubica dentro del
campo de los discursos conceptuales y se caracteriza por el uso crítico de una
estética abstracta minimalista, enfocada al espacio concreto y no a la
representación de imágenes.

La producción de Buren se definió, a finales de los sesenta, hacia la tendencia de

la Crítica Institucional (arte en contra de las políticas del museo moderno y de la
autonomía de la obra de arte) y después hacia la integración del arte
contemporáneo en espacios históricos, a través de instalaciones en contexto e
intervenciones monumentales a edificios y entornos urbanos.

Hiperrealismo: (Chuck Clse)

Chuck Close es un artista, pintor y fotógrafo norteamericano, que padeció

hemiplejia (parálisis de una mitad del cuerpo), pero continuó su carrera como
pintor con el uso de diversos métodos para pintar. Chuck estudió y sacó su
carrera en la Universidad de Yale. Más adelante, su primera exposición se
inauguró en el Museo de Arte Moderno de Nueva York. Chuck, trabaja sobre
todo retratos, retratos de tamaño gigante, porque para él, el tamaño era algo
importante. Chuck tiene prosopagnosia, la dificultad de reconocer rostros, por
ello quizás, es que tiene tal obsesión por el detalle y la minuciosidad a la hora
de pintarlos. En 1988 Chuck, sufrió de un colapso en la arterial de la espina
dorsal, lo que lo convirtió definitivamente en un parapléjico. Aun así siguió
pintando dando uso a su boca para ello.

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Obras:
Industrialización del arte (Jeff Koons)

Clasificado como minimalista o Neo-pop, al principio realizó trabajos de

escultura conceptual que fue transformándose en monumental. Su obra se
desarrolla en la escultura de instalación, la pintura, y la fotografía, valiéndose
de objetos cotidianos. El artista consolidó su carrera gracias a una atractiva
influencia neo-pop que logró llegar a las masas a través de iconos de la
cultura televisiva y musical. Considerado por algunos como el principal artista
del kitsch, por obras como la escultura de porcelana a tamaño natural de
Michael Jackson y su mono Bubbles. El falso lujo también aparece en algunas
de sus piezas, así como referencias a arquetipos.

Su imponente Puppy (la escultura de un perro de 12 metros de altura

construida con flores y un sistema de riego interno), o los tulipanes
exteriores del museo Guggenheim de Bilbao (un ramo de flores concebidas a
modo de globos de colores de proporciones gigantescas que miden más de 2
metros de alto y 5 metros de ancho, perteneciente a la serie Celebration

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iniciada en 1994), forman parte de sus obras más conocidas. También realizó
la portada y el arte del tercer álbum de Lady Gaga, ARTPOP.
realice un boceto emulando el body art. Por ejemplo:

Actividades de Aprendizaje 2.5

Mediante un mapa conceptual, describa cronológicamente los cambios surgidos en la pintura
ecuatoriana, época precolombina, colonial, republicana, contemporánea y sus máximos exponentes.

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