C A R ST E N H Ö L L E R
(ALEMANIA, 1961)
One Minute of Doubt, Un Minuto de
Duda - Video, 1:12" - 1999
Höller saltó a la fama en la década
de 1990 junto a un grupo de
artistas como Maurizio Cattelan,
Douglas Gordon, Pierre Huyghe,
Philippe Parreno, Rirkrit Tiravanija
y Andrea Zittel que trabajaron
en reimaginar la experiencia y el
espacio del arte. Las prácticas de
Höller analizan la naturaleza de las
emociones humanas e incluyen
exploraciones que involucran
elementos lúdicos y sádicos que
cuestionan las formas familiares
de percepción. En una exposición
Höller y Cattelan presentaron
una serie de obras idénticas en
dos galerías diferentes de París,
eliminando todas las diferencias
de estilo o de propiedad. En su
exposición "One Day One Day"
(2003), en Estocolmo, dos obras
se muestran enfrentadas y se
cambian todos los días sin el
conocimiento del público.
En la película de breve duración
"One Minute of Doubt", un
vehículo Mercedes-Benz se
mueve en círculos como un
laboratorio móvil que difunde
dudas con un altavoz. Höller
abraza esta idea de duda para
poner el foco en las supuestas
certezas de la ciencia; esparce
dudas entre los ciudadanos,
dudas sobre lo que sabemos y el
mundo que conocemos.
 A R N O R A FA Ë L
MINKKINEN
(FINLANDIA, 1945)
Autorretratos, 1987-89
El finlandés Arno Rafael Minkkinen
ha dedicado la mayor parte de su
obra al autorretrato y al desnudo.
Esta excepción es instructiva. A
juzgar por sus autorretratos el
artista nos invita a celebrar las
bondades de su cuerpo. Trabaja
una serie de variaciones sobre
el tema de un físico realmente
excepcional. Esquelético,
inmenso (Arno mide casi dos
metros), rota la nariz y hendido
el labio, anuda y desanuda su
larga osamenta como lo haría
con una cuerda. A diferencia de
los autorretratos pesados, sus
posturas desafían la imaginación.
Exhibe su brazo, su pierna, su
pie, sus genitales, y con sencillez
logra cada vez una imagen
novedosa que con lo mínimo
deja al espectador parado en el
asombro.
En la obra de Minkkinen el
paisaje también ocupa un
lugar central, pero su gracia
radica en no reconocer en esa
intemperie ningún lugar. ¿Qué
país es este? Como un papiro, el
paisaje escandinavo conforma la
superficie sobre la cual el artista
dibuja los jeroglíficos que no son
más que sus manos, su cuerpo
flexible y sinuoso.
 GIUSEPPE
C A P O G R OSS I
( I TA L I A , 1 9 0 0 - 1 9 7 2 )
Superficies para la Galleria del
secolo, grabados, 1950

Giuseppe Capogrossi fue un alegóricos, psicológicos o simbólicos,

pintor italiano. En 1930 participó estos elementos estructurales
de la XXVII Bienal de Venecia podrían ensamblarse y conectarse
como miembro de la llamada en innumerables variaciones.
"Escuela romana". En 1933 elaboró Intrincados e insistentes, los signos
y firmó con otros el llamado determinaban la construcción de la
Manifesto del Primordialismo superficie pictórica. Una famosa
Plástico. En el cual discutieron muestra en la Galleria del secolo
la presencia de lo arcaico en el de Roma en 1950 sentó las
mundo contemporáneo. Entre bases, por primera vez, de lo que
1945 y 1948, años posteriores pronto sería el sello distintivo
a la Segunda Guerra, su pintura del estilo de Capogrossi. Estos
figurativa tonal dio paso a un seis grabados que presentamos
estilo geométrico cada vez más fueron realizados como parte de
abstracto, convirtiéndolo en uno aquella exposición.
de los principales exponentes del Participó en la Documenta de
arte informal italiano, junto con Kassel, Alemania, en la Bienal
Lucio Fontana y Alberto Burri. de Arte de São Paulo en Brasil,
Un cambio decisivo en su carrera y sendas retrospectivas en el
tuvo lugar en 1949, cuando Museo Guggenheim NY y la Tate
desarrolló un vocabulario de Gallery de Londres.
signos irregulares. Sin significados
 LYG I A PA P E
(BRASIL, 1927–2004)
Livro da criação (1959) (Libro de la
creación, 1959), filmado en 1967
Nacida en Río de Janeiro, Pape
fue una de las más influyentes
artistas brasileñas del siglo XX
como miembro destacado de
una generación de artistas,
arquitectos y diseñadores que
adoptaron el espíritu optimista
y constructivo de la posguerra
en Brasil. Es particularmente
conocida por su participación
activa en el Movimiento Concreto
y Neo-Concreto de su país durante
los años 1950 y 1960.
Basada en la geometría, y de
carácter experimental, su obra
parece haber funcionado como
un vehículo para las experiencias
de vida existencial, sensorial
y psicológica, promoviendo la
participación intelectual y física
del espectador. Ejerció un papel
fundamental en la transformación
de la dimensión poética del libro
gracias a la trilogía compuesta
por el Livro da criação(1959), el
Livro de la arquitetura (1959-60) y
el Libro do tempo (1961-63). En
estas obras la palabra desaparece
por completo y la narración se
percibe de manera puramente
sensorial.
Al explicar su enfoque, Lygia
Pape dijo: “Mi preocupación
es siempre invención. Siempre
quiero inventar un nuevo idioma
que sea diferente para mí y para
los demás también ... Quiero
descubrir cosas nuevas. Porque,
para mí, el arte es una forma
de conocer el mundo ... de ver
cómo es el mundo ... de conocer
el mundo…” Este video, que
documenta recién en 1967 la
dinámica del primer libro de la
trilogía, es de los pocos registros
que se conservan de la artista
con dicho trabajo.
 ARTUR BARRIO
(BRASIL, 1945)
Livro de Carne, Registro de obra,
1978-79
Brasilero nacido en Portugal,
comenzó a dedicarse a las artes
plásticas en Río de Janeiro a
comienzos de 1965. En 1969
creó sus Situaciones¸ obras
hechas con basura, materiales
orgánicos y objetos fuera de lo
convencional. En el mismo año,
lanza Manifiesto, una protesta
"contra las categorías de arte"
donde expresó categóricamente
su interés particular por
utilizar "materiales baratos y
perecederos" como puntal de
una estética ligada a la ética de
protestar por la situación política
y social del tercer mundo.
Barrio también hizo instalaciones,
performances y esculturas con
objetos cotidianos aspirando a
la universalidad de un lenguaje
desarrollado a través de materiales
no convencionales. Constructor
de una poética radical, en 1970,
colocó 500 bolsas de tela y plástico
visiblemente cubiertas de sangre
seca en varias zonas de Río de
Janeiro. Unos "bultos sangrientos",
en palabras del artista, que
en su interior custodiaban
elementos relacionados con el
cuerpo humano. En 1974 realizó
situaciones como 4 Movimientos
y 4 Piedras, uno de sus clásicos
conceptuales.
El Centro Georges Pompidou
conserva buena parte de sus
registros de obra. El Libro de
Carne ('Livro de Carne' 1978-
79), documento que estamos
exponiendo, es considerado por
él como una versión de libro de
artista.
 H I TO ST E Y E R L
(ALEMANIA, 1966)
‘A Picture of War is Not War’,
(Una imagen de la guerra no es la
guerra), 2004
Artista y ensayista nacida en
Munich en 1966, Hito Steyerl
se dedica hace años al campo
de los medios de comunicación
y al análisis de la circulación
masiva de imágenes. Doctora
en Filosofía por la Universidad
de Viena y profesora de New
Art Media en la Universidad de
Berlín, sus ensayos tanto escritos
como audiovisuales se centran
en temas como el feminismo, la
violencia política y las tecnologías
digitales, la militarización y la
vigilancia, el papel de los medios
en la globalización y la difusión de
imágenes en la cultura.
Su trabajo se desarrolla a partir
de la investigación, entrevistas
y una colección de imágenes
encontradas, proceso que
culminó en la pedagogía y el
trabajo documental (cruza que va
del lenguaje forense al montaje de
ensueño),temáticas que aborda
mediante el uso de la ironía y de la
apropiación de textuales ajenos.
Como artista y documentalista,
participó en bienales de todo
el mundo y su obra forma parte
de las principales colecciones y
museos de arte contemporáneo.
 LO U I S E
BOURGEOIS
(FRANCIA, 1911 –2010)
"No (2)", 1973 (reimpreso en el
2000)

Louise Joséphine Bourgeois fue freudiana de trauma; hacen

una artista franco-estadounidense referencia a la figura humana (sus
conocida por su abordaje de la fragmentos), acentuando en su
escultura a gran escala en cruce carácter la ansiedad y la soledad
con el arte de la instalación, donde del mundo contemporáneo.
fue pionera (y sus esculturas La pieza grabada que mostramos
gigantes de arañas realizadas en nace de un collage de 1973 que
la década del 40 son el ejemplo la artista ejecutó con recortes
central de esta idea). También fue de papel periódico y revistas
una prolífica pintora y grabadora; que mostraban la palabra "no" en
exploró una variedad de temas en varios tipos de letra y tamaños.
el transcurso de su larga carrera Tiene como antecedentes una
incluyendo la domesticidad y la huelga de los empleados del
familia, la sexualidad y el cuerpo, Museo de Arte Moderno de NY
la muerte y el subconsciente. Sus del mismo año; Bourgeois se unió
obras tienen una gran impronta a una marcha de protesta con una
psicoanalítica, forjando un vínculo pancarta en la que repetidamente
en común con el surrealismo y el había pintado la palabra "no". La
arte feminista, aunque Bourgeois pancarta se ejecutó en la parte
no estuvo formalmente afiliada a un posterior de una pintura sin título
movimiento artístico en particular. de 1946-1947 que ahora está en la
Reconocida posteriormente como colección del Rijksmuseum Kröller-
fundadora del Arte Confesional, su Müller en Otterlo, Países Bajos.
trabajo es puramente autobiográfico
y estuvieron fundados en la noción
 E ST H E R
FERRER
( E S PA Ñ A , 1 9 3 7 )
Documentación fotográfica,
1973-2012

Esther Ferrer (San Sebastián, establece así una crítica radical a

1937) es una artista interdisciplinar la representación del cuerpo (en
española, central para el surgimiento especial del femenino, pues las
del arte de la performance de su fotografías documentan la acción
país. Considerada como una de sobre la artista), así como la
las artistas más importantes de mercantilización del ser humano,
su generación, el trabajo de Ferrer que conlleva la eliminación de la
se caracteriza por un minimalismo esfera de lo privado.
muy particular que integra rigor, A principios de la década de los
humor, y el absurdo de maneras 60 creó junto con el pintor José
contundentes para reflexionar Antonio Sistiaga, el primer Taller
sobre el cuerpo femenino. de Libre Expresión, germen
Sus acciones plantean la posibilidad de muchas otras actividades
de medir partes del cuerpo, del paralelas, entre ellas una Escuela
propio y del de los demás, y según experimental en Elorrio.
la propia artista están basadas
en la falocéntrica necesidad
de control y medición. La obra
 H O R AC I O
CO P P O L A
(ARGENTINA, 1906–2012)
Fotografías, 1940
Horacio Coppola nació en 1906
en la ciudad Buenos Aires, donde
murió el 18 de junio de 2012.
Durante 1932 estudió en el
Departamento de Fotografía de
la Bauhaus en Berlín dirigido por
Walter Peterhans, a quien llegó a
través de Grete Stern, fotógrafa
alemana con la que se casaría
tres años más tarde.
Desde su regreso a Buenos Aires
en 1935 se dedicó exclusivamente
a la fotografía. En su vasta obra
se destacan las series sobre arte
precolombino, sobre el trabajo
del escultor brasileño Aleijadinho
y sobre diversos sitios de
Europa. Sus piezas acerca de
la modernidad de las grandes
ciudades, realizadas ya desde
los tempranos años treinta,
constituyen una referencia
insoslayable en la tradición de
imágenes fotográficas que toman
por tema la ciudad. Su trabajo se
enmarca en la escuela moderna
argentina, que junto Annemarie
Heinrich, Anatole Saderman,
y la mencionada Grete Stern
modificaron la forma de utilizar
los medios fotográficos en el
continente.
Esta serie que aquí se presenta,
es un ensayo documental muy
poco conocido de su producción.
Es un conjunto de fotos
que Coppola tomó de forma
monográfica registrando buena
parte del trabajo del gran escultor
argentino Rogelio Yrurtia. Fueron
en total 32 grabados ejecutados
para casa Nagel en septiembre
de 1942.
 PA B LO R U I Z
P I C ASS O
( E S PA Ñ A , 1 8 8 1 - 1 9 7 3 )
Serie “Gavilla de fábulas sin amor”,
1962
Este trabajo de Pablo Ruiz Picasso
formó parte de “Gavilla de fábulas
sin amor”, obra en colaboración
con Camilo José Cela. Fueron 32
litografías a color. El trabajo pudo
surgir en Cannes en el verano de
1960, cuando Picasso leyó ante
varios amigos unos poemas que
había escrito sobre su infancia
malagueña. Las ilustraciones
fueron realizadas originalmente
sobre un papel especial de alta
calidad fabricado por la mítica
casa Guarro, y que, a partir de
entonces se conocería como
“papel Picasso”.
El libro se compuso de forma
manual y se terminó de imprimir
en 1962 en el taller de la Sociedad
Alianza de Artes Gráficas de
Barcelona. Picasso realizó los
dibujos con lápices, tintas y
pasteles. Destacan por su trazo
rápido, limpio, y el esquematismo
característico del autor, aunque
llevando en este caso la figura
humana a un extremo de
simplificación. Una serie popular
de estos grabados se realizó en
1965 con una tirada de 2000
ejemplares.
 LO R E T TA
FA H R E N H O L Z
(ALEMANIA, 1981)
Ditch Plains, video (color, sound),
30 min, 2013
Ditch Plains es una película de
la artista Loretta Fahrenholz que
conecta a los bailarines con una
ciudad en estado de crisis. Los
bailarines, incluidos Ringmasters
Corey, Jay Donn, Marty McFly, Lil
Buck entre otros, improvisan en
departamentos, calles y pasillos,
forjando una narración abstracta
en un ambiente distópico.
Fahrenholz, conocida por las
obras fílmicas que ella llama
"documentales performativos",
analiza temáticamente las
contradicciones de varios medios
sociales, hábitos cotidianos y la
vida urbana contemporánea; las
ficciones y deseos que desarrollan
las narrativas y los medios de
producción. En este sentido,
Fahrenholz da la misma importancia
al acto de manipular un conjunto
de circunstancias y la condición de
dejarse manipular por ellas.
Amenudohacereferenciaagéneros
específicos (por ejemplo, películas
de catástrofes, documentales,
pornografía) permitiendo que
surjan contradicciones narrativas y
formales que, a su vez, fomentan
y dificultan simultáneamente
la identificación. Esta dinámica
se repite en un nivel temático:
en sus películas, los cuerpos
aislados intentan funcionar como
una comunidad, algunas veces
sucede y otras no. Lejos de
permanecer en el documental,
pero no lo suficiente como para
que las películas se perciban
como completamente ficticias, su
enfoque parece desafiar la idea de
la realidad como algo no artificial
y la subjetividad del artista como
constitucional para la autoría.
 ANNE IMHOF
(ALEMANIA, 1978)
Deal, video, duración 21.37”, 2015

Los videos e instalaciones de la

grupo de intérpretes, a menudo
joven artista Anne Imhof, nacida
amigos y pares del artista, cuyos
en Giessen, en 1978 y radicada
ensayos continuos colectivizan
en Frankfurt, ganadora del León
caracterizaciones de ser un "no-
de Oro en la Bienal de Venecia del
persona" (llegando en sus últimos
2017, toman al cuerpo en máxima
proyectos a incorporar animales,
tensión como lugar de reflexión.
un burro o conejos, para estructurar
El rango performativo de las obras
tal fin). El 'lenguaje corporal', un
de Anne Imhof limita la actuación
componente clave en las piezas
a un estudio complejo de ciertos
de Imhof, es después de todo
modos íntimos; el movimiento,
una reflexión profunda sobre la
los gestos y acciones (en su
comunicación física, la sexualidad
mayoría silenciosas) tienden a
y la represión en el capitalismo.
durar varias horas. Deal, la pieza que estamos
Las obras se acumulan como viendo, fue comisionada para el
un léxico corpóreo privado MoMa PS1 en 2015.
compartido por un pequeño
 GENARO PÉREZ
(ARGENTINA, 1839 – 1900)
Cristo, Atribuido a, óleo sobre
tela,120x90cm, 1880

Genaro Pérez, el pintor que da acervo del Museo, y no se sabe

nombre a este Museo, nació del todo si es atribuible o no al
en Córdoba en 1839 y falleció artista. Es por tal que se expone
en la misma ciudad en junio de por primera vez como pieza
1900, fue también un importante central y clave de esta Quatrienal
Abogado y Doctor en Teología, Shanzhai, en tanto cuesta ubicar
llegando a ser diputado provincial su lugar en la historiografía clásica.
en dos ocasiones. Alumno de Destaca particularmente su rostro
Luis Gonzaga Cony en los cursos en sombra, un Cristo a oscuras,
que este Artista dictó desde una visión más desesperanzadora
1857 en la Universidad de San que canónica.
Carlos, es considerado como Pensando la construcción de
uno de los precursores de la identidades, llega a nosotros
pintura de Córdoba. Se dedicódesde la historia oral (se dice que
especialmente al retrato y a la
puede ser una obra de Genaro
pintura de asuntos religiosos,
Pérez), y es por tal que desde el
destacando sus lienzos referidos
mito ya no importa una verificación
a los Misterios del Rosario y a los
porque lo que prima son las
Apóstoles, ubicados en la Basílica
preguntas que despierta en torno
de Santo Domingo y en la Iglesia
a la idea de valor, originalidad,
Compañía de Jesús de la Ciudad.
autenticidad; ejes para leer el
El Cristo que mostramos a grueso de la exposición.
continuación forma parte del
 F R A N C I S CO
GARAMONA
(ARGENTINA, 1976)
Un poema Cristiano, 2017

Nació en Buenos Aires, en 1976, es poeta, editor y músico.

 LETICIA
COSS E T T I N I
(ARGENTINA, 1904-2004)
Documentación de obra,
1933 - 1952
Leticia Cossettini, vivió cien años,
nació en San Jorge, Provincia
de Santa Fe en 1904 y falleció
en 2004; fue artista, maestra
y una de las pedagogas más
reconocidas e importantes de la
Argentina. Entre 1935 y 1950,
junto con su hermana Olga,
desarrolló un transformador
proyecto educativo llamado
Escuela Serena: consiguieron
que las autoridades estatales
declararan a la Escuela como
establecimiento experimental,
modificando así la escuela mixta
en una institución activa con
experiencias de aprendizaje
basadas en la contemplación,
la pintura con acuarela y la
convivencia con el entorno.
En su biografía son casi nulos los
pasajes que refieren a su pasado
como artista. Leticia Cossettini
fue también escultora. Su obra
que fue pretendidamente efímera
y en ese sentido estas seis fotos
exhibidas en la sala son las únicas
referencias a su obra que hemos
podido recuperar. Realizadas
por una mujer a principios de
1930, son piezas efímeras,
representaciones livianas en
sus bases de madera cruda,
elaboradas completamente
con hojas de chala mojada y
modelada, desechos degradables
de una fortaleza zen y a sabiendas
latinoamericanista.
El ensayo que se encuentra en el
centro de la sala puede llevarse y
profundiza mucho más en dicha
investigación.
 A N DY WA R H O L
(EEUU, 1928-1987)

JØRGEN LETH
(DINAMARCA, 1937)
Fragmento del film “66 scenes
from America”, duración 4.28",
1982

En 1982, el director de cine danés alusión al lugar del ser humano

Jørgen Leth, publicó 66 Scenes alienado en la posmodernidad,
From America (66 escenas de o una relación con la tradición
América), una narrativa visual de los mundos intimistas de la
de postales tomadas durante un pintura clásica.
viaje. Simple, pero interesante, En el film, Warhol sintetiza
explora las bases de la cultura también uno de sus conceptos
popular en Estados Unidos. más recordados: todos tendrán
En 1982 el artista Andy Warhol en algún momento sus 15
participó de esta película que minutos de fama en un contexto
el cineasta realizó, y muestra intrascendente. El video es simple,
simplemente a Warhol comiendo sin decir absurdo, adelantándose
una hamburguesa Burger King por décadas a las filmaciones
con ketchup Heinz. La película, caseras intrascendentes de
entendida como pieza autónoma, youtube.
ha tenido múltiples lecturas,
entre ellas entenderla como una