Historia del arte
La historia del arte es la evolución del arte a través
del tiempo.
Entendido como cualquier actividad o producto
realizado por el ser humano con
finalidad estética o comunicativa, a través del que
expresa ideas, emociones o, en general, una visión del
mundo, el arte emplea diversos recursos, como
los plásticos, lingüísticos, sonoros o mixtos.
La historiografía del arte, como disciplina académica y
entorno institucional (museos, mercado del
arte, departamentos universitarios, producciones
editoriales) se suele restringir a las denominadas artes
visuales o plásticas (esencialmente
a pintura, escultura y arquitectura), mientras que otras
artes son más específicamente objeto de estudio de
otras disciplinas claramente delimitadas, como
la historia de la literatura o la historia de la música,
siendo todas ellas objeto de atención por la
denominada historia de la cultura o historia cultural,
junto con las historias sectoriales enfocadas a otras
manifestaciones del pensamiento, como la historia de la
ciencia, la historia de la filosofía o la historia de las
religiones. Algunos campos de conocimiento
estrechamente relacionados con la historia del arte son
la estética y la teoría del arte.
A lo largo del tiempo el arte se ha clasificado de muy
diversa manera, desde la distinción medieval entre artes
liberales y artes vulgares (o «mecánicas»), pasando por
la moderna distinción entre bellas artes y artes
menores o aplicadas, hasta la multiplicidad
contemporánea, que entiende como arte casi cualquier
manifestación de la creatividad del ser humano.
La sucesiva ampliación del listado de las «artes
principales» llegó en el siglo XX hasta el número de
nueve: la arquitectura, la danza, la escultura, la música,
la pintura, la poesía —entendida de forma amplia
como literatura con intención estética, que incluye los
distintos géneros del teatro y la narrativa—,
la cinematografía, la fotografía y la historieta (o cómic).
Arte del Renacimiento
El concepto renacimiento se aplica a la época artística
que da comienzo a la Edad Moderna. El término
procede de la obra de Giorgio Vasari Vidas de pintores,
escultores y arquitectos famosos, publicada en 1570,
pero hasta el siglo XIX este concepto no recibió una
amplia interpretación histórico-artística.
Sin embargo, Vasari había formulado una idea
determinante, el nuevo nacimiento del arte antiguo,
que presuponía una marcada conciencia histórica
individual, fenómeno completamente nuevo en la
actitud espiritual del artista.
De hecho el Renacimiento rompe, conscientemente,
con la tradición artística de la Edad Media, a la que
califica, con pleno desprecio, como un estilo de
bárbaros o de godos. Y con la misma conciencia se
opone al arte contemporáneo del norte de Europa.
Desde una perspectiva de la evolución artística general
de Europa, el Renacimiento significa una ruptura con la
unidad estilística que hasta ese momento había sido
supranacional.
Barroco
Tradicionalmente se denomina "Barroco" al período de
transcurre desde el siglo XVII al XVIII. La
especial actitud estilista que caracteriza al arte barroco
alcanzó su momento de madures en Italia hacia 1630 y
se desarrolló en los cuarenta años siguientes. A partir
de ese momento se difundió por todas las naciones
de Europa.
El arte barroco jugó un papel importante en
los conflictos religiosos de este periodo. Frente a la
tendencia protestante a construir los edificios para el
culto de una manera sobria y sin decoración,
la iglesia católica usó para sus fines litúrgicos la
grandiosidad y la complejidad barrocas. El papado
reaccionó contra la división que provocó la reforma
iniciada por Lutero generando el movimiento que se
conoció como la Contrarreforma. La arquitectura, la
escultura y la pintura fueron utilizadas para el prestigio
de la autoridad papal e ilustrar las verdades de la fe. En
este sentido se puede afirmar que el barroco es la
expresión estética de la Contrarreforma.
La monarquía utilizó la magnificencia de este arte
para poder hacer propagandas que los beneficiasen, ya
sea en el arte o en la sociedad.
La burguesía de la época, que había logrado obtener un
papel muy notable, utilizó el Barroco para expresar sus
ideas y trascender más allá de su época.
En la arquitectura se dan las superficies onduladas,
las plantas elípticas y las trabazones interrumpidas,
acompañadas de una exageración de la
monumentalidad. La arquitectura barroca española
influyó activamente en América del Sur y contó entre
sus principales figuras representativas a José de
Churriguera (retablo de San Esteban de Salamanca), a
José de Ribera y a arquitectos del s. XVIII como Hipólito
Rovira, Casas Novoa y Leonardo de Figueroa. Entre sus
manifestaciones se destacan la basílica de Guadalupe, la
fachada del Sagrario de la catedral, la capilla del Pocito y
las iglesias poblanas, en México, y en el Perú una
arquitectura en la que se entremezclan el empleo de la
columna salomónica con el de la hojarasca decorativa
indígena.
Rococó
Arte gótico es la denominación historiográfica del estilo
artístico que se desarrolló en Europa occidental durante
los últimos siglos de la Edad Media, desde mediados
del siglo XII hasta la implantación
del Renacimiento (siglo XV para Italia), y bien entrado
el siglo XVI en los lugares donde el Gótico pervivió más
tiempo. Se trata de un amplio período artístico, que
surge en el norte de Francia y se expande por todo
Occidente. Según los países y las regiones se desarrolla
en momentos cronológicos diversos, ofreciendo en su
amplio desarrollo diferenciaciones profundas: más puro
en Francia (siendo bien distinto el de París y el de
Provenza), más horizontal y cercano a la tradición
clásica en Italia (aunque al norte se acoge uno de los
ejemplos más paradigmáticos, como la catedral de
Milán), con peculiaridades locales en Flandes, Alemania,
Inglaterra y España.1
Arte gótico
Antes de hablar sobre el arte rococó, tendremos que
hablar sobre la etapa Rococó y lo que es o cómo surgió.
Es por ello, por lo que el período de Rococó se
denomina como un movimiento artístico que fue
originario de Francia que está comprendido entre 1730
y 1760. A la hora de diferenciar entre el Rococó y el
Barroco tenemos que destacar que el primero está al
servicio de la burguesía y la aristocracia, a contrario el
Barroco estaba al servicio y a favor del poder
absolutista. Sin embargo, no solo esta es la principal
diferencia si no que a partir del comienzo del arte
Rococó el artista pudo realizar sus obras con más
libertad y se expandió el marcado de arte, además el
Rococó es un arte al servicio de fiesta, lujo y comodidad
es por eso por lo que las representaciones de las obras
son del estilo de vida cotidiano.
Si nos referimos a la diferencia que existe entre el
cambio del Barroco al Rococó con respecto a lo social,
el arte Rococó se comienza a reflejar en el cambio que
da el papel de la mujer ya que se convierte en la
principal organizadora de reuniones para hablar sobre
juegos, literatura, política o para bailar. Además el arte
Rococó intenta reproducir los sentimientos que había
en la vida aristocrática y las preocupaciones que tenían,
además de figuras religiosas o batallas heroicas.
En resumen podemos decir la etapa Rococó comienza
en el siglo XVIII en Francia, además se consideró la
culminación de la época Barroca. Por lo tanto, tiene
grandes diferencias con el Barroco, es decir, el Rococó
se diferencia en la elegancia de las obras, la opulencia y
los colores vivos que son una clara contrariedad de la
oscuridad y el pesimismo que se caracterizaba al
Barroco.

Arte contemporáneo
El arte contemporáneo, en sentido literal, es el que se
ha producido en nuestra época: el arte actual. No
obstante, el hecho de que la fijación del concepto se
hizo históricamente en un determinado momento, el
paso del tiempo lo hace alejarse cada vez más en el
pasado del espectador contemporáneo.
El concepto de la contemporaneidad aplicado
al arte puede ubicarse cronológicamente con distintos
criterios:
Con un criterio extenso, incluye el arte de toda la Edad
Contemporánea (que comienza a finales del siglo XVIII)
Con criterios sucesivamente cada vez más limitados,
incluye únicamente:
el arte del siglo XX (caracterizado por las vanguardias
artísticas);
el arte del mundo actual, que en el momento que se
definió como término historiográfico se entendía era el
posterior a la Segunda Guerra Mundial -1945- (la mayor
parte de los museos de arte suelen denominar «arte
contemporáneo» a las colecciones de ese período);
el arte surgido en la historia inmediata del más cercano
presente, tomando como hito histórico, por ejemplo,
los sucesos del Mayo de 1968 en Francia, la caída del
muro de Berlín (1989) o el atentado de las Torres
Gemelas de Nueva York (2001).
Para mayor confusión, el concepto de Arte moderno no
se aplica al Arte de la Edad Moderna (siglos XV al XVIII),
sino a nuestro arte contemporáneo, porque se aplica no
con un criterio cronológico (periodización),
sino estético, definido por su ruptura con
el academicismo y por su adecuación a renovadas y
provocativas teorías del arte (arte deshumanizado, arte
puro, muerte del arte, crisis del objeto artístico, arte
independiente, etc. Véase también estudio de la historia
del arte).
Lo mismo ocurre con los conceptos
de moderno y contemporáneo aplicados a cada una de
las bellas artes (especialmente de las artes
visuales: arquitectura moderna, arquitectura
contemporánea, pintura moderna y pintura
contemporánea, escultura moderna o escultura
contemporánea); o con el menos usado concepto
de arte postmoderno (desde los años 1970).
Perspectiva
La perspectiva, palabra proveniente
del Latín perspectiva,1 es el arte de dibujar para recrear
la profundidad y la posición relativa de los objetos
comunes. En un dibujo, la perspectiva simula la
profundidad y los efectos de reducción.
Es también la ilusión visual que percibe el observador
que le ayuda a determinar la profundidad y situación de
los objetos a distintas distancias .Por analogía, también
se llama perspectiva al conjunto de circunstancias que
rodean al observador, y que influyen en su percepción o
en su juicio.
Ya en pinturas egipcias se concebía una dimensional de
la superficie a pintar, sin sugerir estrictamente una idea
de concepción espacial. Disponían los personajes en
mayor tamaño, cuanto mayor importancia tuvieran. Es
lo que los historiadores del arte denominan perspectiva
jerárquica o teológica. Posteriormente y hasta llegar al
final de la Baja Edad Media, los intentos de conseguir
una cierta idea de perspectiva se encuentran en
la perspectiva caballera, donde los objetos más alejados
se sitúan en la parte superior de la composición y los
más cercanos, en la inferior.
Vista aérea
Una vista
aérea, vista de
pájaro o vista a Perspectiva frontal
vuelo de pájaro es
La perspectiva frontal es la que tiene un único punto de
una vista de un
fuga, ubicado sobre la línea del horizonte. En esta
objeto desde arriba,
perspectiva, sólo
"en planta" desde
vemos en fuga las
el observador, muy
líneas de
usada en las copias
profundidad, las
azules de
demás las vemos
arquitectura y
paralelas al plano
urbanismo, croquis en planta, y en mapas.
del cuadro.
Desde los años 2000, programas como Google
La perspectiva
Earth y Google Maps han revolucionado el acceso a este
frontal es aquella
tipo de información, haciéndolo mucho más rápido,
que ubica el punto de fuga principal en el centro del
sencillo y universal. Incluso han promovido la creación
cuadro. Este recurso se utiliza para la representación de
de Mashup (aplicación web híbrida), que combina las
objetos con ciertas dimensiones y proporciones, pero
vistas aéreas con otros servicios como fotografías
además para transmitir una sensación de quietud,
(Panoramio) o catastro (Goolzoom).
donde los objetos parecen inamovibles y duraderos.
En inglés, bird’s - eye view significa ‘visión desde el ojo
de un pájaro’. Figuradamente representa una vista
general desde lo alto, por ejemplo, en una ciudad PERSPECTIVA OBLICUA
destacaría sus principales puntos de interés o sus Sistema de proyección para representar un objeto
carreteras más importantes.1 tridimensional mediante un dibujo en perspectiva en el
que las caras paralelas al plano del cuadro se dibujan a
VISTA DE HORMIGA escala real y las líneas perpendiculares tienen una
inclinación con un ángulo cualquiera distinto a 90º, por
La perspectiva es uno de los recursos fotográficos más
lo general inferior a éste para compensar la distorsión.
infrautilizados que constato todos los días en muchas
oblicuo: Sistema de proyección por el que un objeto
fotos que observo en Internet. Nos obsesionamos con el
tridimensional se representa mediante un dibujo en
sujeto, el fondo, la profundidad de campo, la velocidad
perspectiva en el que las caras paralelas al plano del
de disparo o incluso el objetivo, y nos olvidamos por
cuadro están dibujadas a escala real y todas las líneas
completo de un poderoso elemento de composición
perpendiculares al plano del cuadro tienen una
que tenemos a nuestro alcance pero el cual rara vez
inclinación cualquiera distinta de 90°, a menudo inferior
utilizamos: el
para compensar el aspecto distorsionado. También
de disparar
llamada perspectiva oblicua.
desde un
ángulo
diferente y
poco habitual.
La vista de
hormiga es uno de estos ángulos poco explorados por
muchos aficionados a la fotografía.
Para la segunda quincena de enero tendrás que sacar
una foto pero esta vez, me gustaría que te agacharas al
suelo, que te despreocuparas de mancharte la ropa, y te
centraras en captar una buena fotografía a ras del suelo,
a vista de hormiga o cucaracha.
Colores
Cuando se habla de colores hay que precisar entre colores luz y colores pigmento o materiales. Los colores luz no es otra
cosa que la luz que reflejan los cuerpos. A nosotros nos interesan particularmente los colores pigmento, y es a los que
nos vamos a referir.
Colores primarios.
Son aquellos colores que no pueden obtenerse mediante la mezcla de ningún
otro por lo que se consideran absolutos, únicos, siendo estos amarillo, cián y
magenta, aunque hay que advertir que el cián es un color que no existe en
las cartas de colores para artistas, siendo este propio de las artes gráficas y la
fotografía, por lo que los colores primarios considerados por el pintor,
normalmente no coinciden con los colores primarios usados en la teoría del
color, adoptando varias soluciones y entre ellas, una de las posibles, sería
usar, como colores primarios en acuarela, un amarillo medio, el azul cerúleo
y el carmín de garanza. No obstante, el azul cerúleo, en la práctica de la
acuarela, resultar opaco y sucio, por lo que, algunos lo sustituyen por el azul
ultramar o el azul ftalo, el amarillo por el amarillo cadmio claro y el magenta
por el Alizarín crinson
Se considera color primario, antes llamado color primitivo, al color que no se puede obtener mediante la mezcla de
ningún otro. Este es un modelo idealizado, basado en la respuesta biológica de las células receptoras del ojo humano
(conos) ante la presencia de ciertas frecuencias de luz y sus interferencias, y es dependiente de la percepción subjetiva
del cerebro humano. La mezcla de dos colores primarios da origen a un color secundario.

Colores secundarios.
Son los que se obtienen mezclando dos los colores primarios al 50 %, obteniendo: Verde (S), violeta (S) y
naranja o anaranjado (S).
Los colores secundarios son tonalidades perceptivas de color, que se obtienen mezclando a partes
iguales los colores primarios, de dos en dos. Los colores secundarios son un modelo idealizado,
plenamente dependiente de la fuente que represente el color, de la naturaleza del material que lo genere y de las
características subjetivas de la percepción visual.
En una sustancia que no emita luz (pigmento), la luz blanca incide del ambiente hacia el pigmento, el cual absorbe
ciertas longitudes de onda y refleja otras, dando como resultado el color aparente de la sustancia. Si se mezclan
tintes de tal manera que se absorban todas las longitudes de onda, el resultado será el negro. Este modelo de
representación de color se conoce como modelo sustractivo, ya que el pigmento sustrae longitudes de onda para
generar el color. Si, en vez de ello, se utilizan fuentes de luz de color, cada color de luz contiene una mezcla de
longitudes de onda, las cuales son percibidas por el ojo como información de color; la mezcla de todas las
longitudes de onda, al contrario que en el modelo sustractivo, da como resultado el blanco. Este modelo,
consistente en la adición de longitudes de onda para obtener colores, se conoce como modelo aditivo de color.

Colores intermedios.
Mezclando un primario y un secundario se obtienen los llamados
colores intermedios (I), que como su nombre indica están "entre
medio" de un color primario (P) y un secundario (S) o viceversa.
Otra característica de estos colore es que se denominan con los
colores que intervienen en su composición, primero citando el
color primario y a continuación el secundario: amarillo-verdoso,
azul-verdoso, azul-violeta, rojo-violeta, rojo-anaranjado y
amarillo-anaranjado. Estos colores intermedios coinciden con los
denominados colores terciarios.
Un color intermedio es aquel que se obtiene mediante la mezcla
de dos colores definidos. Usualmente es sinónimo de color
terciario,1 en este sentido, se consigue al mezclar partes iguales
de un color primario y un color secundario. Sin embargo, también
suelen considerarse colores intermedios a otras combinaciones,
como los colores tierra (agrisados), colores pastel (aclarados con blanco), oscuros, etc.
Colores cálidos
Como norma general, los colores cálidos son todos aquellos que van del rojo al amarillo, pasando por naranjas,
marrones y dorados. Para simplificar, suele decirse que cuanto más rojo tenga un color en su composición, más cálido
será.
Son los colores del fuego, de la pasión, del atardecer, de las hojas en otoño... Este tipo de tonos, además de la sensación
térmica, transmiten cercanía, intimidad, energía, calidez, etc.

Los colores cálidos son utilizados en diseño gráfico para reflejar entusiasmo, pasión, alegría.
Colores fríos
Por otro lado, los colores fríos son todos los colores que van desde el azul al verde pasando por los morados.
Cuanto más azul tenga un color, más frío será. Los colores fríos son los tonos del invierno, de la noche, de los mares y
lagos, etc.

En diseño, los colores fríos suelen usarse para dar sensación de tranquilidad, calma, seriedad y profesionalidad.
Esta clasificación de colores fríos y cálidos no es estricta aunque suelen representarse como una división por la mitad del
círculo cromático.

Círculo cromático
El círculo cromático o rueda de colores, es una representación ordenada y
circular de los colores de acuerdo con su matiz o tono, en donde se
representa a los colores primarios y sus derivados. Su uso es compatible
tanto con los modelos sustractivos de color (artístico, pictórico), como con
los modelos aditivos (lumínicos).
Los círculos cromáticos pueden representarse escalonados o en degradé
(como en la imagen). Los escalonados pueden tener cualquier cantidad de
colores según el autor, por lo general son 6, 12, 24, 48 o incluso más. El
denominado hexagrama por ejemplo, es una estrella que se coloca en el
centro del círculo cromático, donde la cantidad de picos corresponde a cada
color y se pueden mostrar los opuestos o complementarios.
Las ruedas de colores son antiguas, Alberti en su De Pictura (1436), usando la rueda de colores, pero también el
rectángulo y el rombo, representó el sistema de cuatro colores primarios de su época: amarillo, verde, azul y rojo.
El modelo tradicional de coloración con los tres colores primarios rojo, amarillo y azul fue descubierto en el siglo XVII y
desde entonces se han elaborado muchos trabajos, como el de Moses Harris que en 1766 elaboró un círculo cromático
de 18 colores basándose en este modelo e incluyendo una mayor gama de colores al añadir los derivados claros y
oscuros.1
Este modelo tradicional, también llamado RYB (red-yellow-blue), se popularizó con el libro de Goethe, Teoría de los
colores de 1810, el cual elaboró un círculo cromático con seis colores: amarillo, anaranjado, rojo, violeta, azul y verde, el
cual sigue enseñándose en las artes plásticas y artes gráficas,2 a pesar de que su uso empírico puede presentar serios
inconvenientes o imprecisiones en la composición de color.

Claroscuro
El claroscuro, palabra proveniente del italiano chiaroscuro,1 es una técnica de pintura que consiste en el uso de
contrastes fuertes entre volúmenes, unos iluminados y otros ensombrecidos, para destacar más efectivamente algunos
elementos.2Esta técnica permite crear mayores efectos de relieve y modelado de las formas, a través de la gradación de
tonos lumínicos. Desarrollada inicialmente por los pintores flamencos e italianos del Cinquecento, la técnica alcanzaría
su madurez en el Barroco, en especial con Caravaggio, dando lugar al estilo llamado tenebrismo.3
El término italiano chiaroscuro, aunque significa aparentemente lo mismo, es empleado más específicamente para una
técnica de grabado en xilografía, que por medio de planchas complementarias da colores a las imágenes, como si fuesen
pintadas a la acuarela.4 El primer uso conocido del término, con este significado, se atribuye al grabador italiano del
siglo XVI Ugo da Carpi, quien habría tomado la idea de composiciones de origen alemán o flamenco. Otros grabadores
que trabajaron esta técnica fueron Antonio da Trento y Andrea Andreani. En los grabados de Da Carpi, el efecto del
claroscuro destaca una figura central iluminada por una fuente de luz normalmente ausente del plano del cuadro; sin
embargo, las áreas oscuras no están tan acentuadas como llegarían a verse en la obra de los principales difusores
del chiaroscuro, Caravaggio y Giovanni Baglione.
La técnica se impondría también entre los manieristas, siendo ejemplos de este uso la Última Cena de Tintoretto o su
Retrato de dos hombres, que presagia las composiciones de Rembrandt. El pintor holandés ha sido uno de los más
conspicuos practicantes del claroscuro, utilizando la luz en su composición para destacar sólo su objeto específico.5

Zonas del claroscuro

Las zonas del claroscuro se producen cuando la luz natural o artificial incide sobre el cuerpo. Entre ellas:

Zona de iluminación clara.

Esta zona identifica la parte que recibe los rayos de luz en forma directa

Zona de penumbra.

También llamada medio tono opaco. Esta zona identifica la zona

intermedia entre la zona clara y la zona oscura, va desde la clara y hasta
la oscura pasando por variedad de grises.

Zona oscura.

También llamada sombra propia, es la zona que no recibe ningún rayo

de luz, y se mantiene oscura.

Zona proyectada.

Esta zona identifica la sombra que un objeto proyecta sobre otros

objetos o sobre la superficie donde se encuentra.

Zona de reflejo.

Esta zona es la parte que recibe la luz que reflejan otros cuerpos que la acompañan, se caracteriza por medios
tonos luminosos. Esta técnica realza el volumen de los objetos, retratos, expresiones faciales, da más vida al
dibujo.

Bodegón
Un bodegón, también conocido como naturaleza muerta, es una obra de
arte que representa animales, flores y otros objetos, que pueden ser naturales
(frutas, comida, plantas, rocas o conchas) o hechos por el hombre (utensilios
de cocina, de mesa o de casa, antigüedades, libros, joyas, monedas, pipas,
etc.) en un espacio determinado. Esta rama de la pintura se sirve
normalmente del diseño, el cromatismo y la iluminación para producir un
efecto de serenidad, bienestar y armonía.
Con orígenes en la antigüedad y muy popular en el arte occidental desde el siglo XVII, el bodegón da al artista más
libertad compositiva que otros géneros pictóricos como el paisaje o los retratos. Los bodegones, particularmente antes
de 1700, a menudo contenían un simbolismo religioso y alegórico en relación con los objetos que representaban.
Algunos bodegones modernos rompen la barrera bidimensional y emplean técnicas mixtas tridimensionales, usando
asimismo objetos encontrados, fotografía, imágenes generadas por computadora o sonido y vídeo.
Los bodegones ya adornaban el interior de las tumbas del antiguo Egipto. Se creía que los objetos relacionados con la
comida y la vida doméstica se harían reales en el más allá, dispuestos para que los muertos los usaran. Las pinturas
sobre jarras de la Antigua Grecia también demuestran gran habilidad, al representar objetos cotidianos y animales.
Bodegones parecidos, más simples decorativamente, pero con perspectiva realista, se han encontrado en pinturas
murales de la Antigua Roma y en mosaicos en Pompeya, Herculano y la Villa Boscoreale, incluyendo el motivo
posteriormente tan familiar de un bol de cristal con frutas. Los mosaicos decorativos llamados emblema, que se han
encontrado en casas de romanos ricos, demuestran la variedad de comida de la que disfrutaban las clases superiores, y
también funcionaban como signos de hospitalidad y como celebraciones de las estaciones y de la vida.1
En el siglo XVI, la comida y las flores reaparecerán como símbolos de las estaciones y de los cinco sentidos. También
desde la época romana existe la tradición del uso de cráneos en las pinturas como símbolo de mortalidad y de fugacidad,
a menudo acompañada por la frase Omnia mors aequat («La muerte iguala a todos»).2 Este motivo de la vanidad de las
cosas vanitas, cobrará un gran auge en la pintura barroca posteriormente, en especial con los pintores holandeses de
alrededor del año 1600.3

Diseño
El diseño1 se define como el proceso previo de configuración mental, "prefiguración",
en la búsqueda de una solución en cualquier campo. Utilizado habitualmente en el
contexto de la industria, ingeniería, arquitectura, comunicación y otras
disciplinas creativas.
Etimológicamente deriva del término italiano disegno dibujo, designio, signare, signado
"lo por venir", el porvenir visión representada gráficamente del futuro, lo hecho es la
obra, lo por hacer es el proyecto, el acto de diseñar como prefiguración es el proceso
previo en la búsqueda de una solución o conjunto de las mismas. Plasmar el
pensamiento de la solución o las alternativas mediante esbozos, dibujos, bocetos o
esquemas trazados en cualquiera de los soportes, durante o posteriores a un proceso
de observación de alternativas o investigación. El acto intuitivo de diseñar podría
llamarse creatividad como acto de creación o innovación si el objeto no existe o se
modifica algo existente.
Referente al signo, significación, designar es diseñar el hecho de la solución encontrada.
Es el resultado de la economía de recursos materiales, la forma, transformación y el significado implícito en la obra, su
ambigua apreciación no puede determinarse si un diseño es un proceso estético correspondiente al arte cuando lo
accesorio o superfluo se antepone a la función o solución del problema.
El acto humano de diseñar no es un hecho artístico en sí mismo, aunque puede valerse de los mismos procesos en
pensamiento y los mismos medios de expresión como resultado; al diseñar un objeto o signo de comunicación visual en
función de la búsqueda de una aplicación práctica, el diseñador ordena y dispone los elementos estructurales y
formales, así como dota al producto o idea de significantes si el objeto o mensaje se relaciona con la cultura en su
contexto social.

Tipos de diseño
DISEÑO GRAFICO
Que consiste en concebir y configurar mensajes visuales significantes (logotipos y marcas, carteles, revistas, portadas de
libros, websites, etc.)
El diseño gráfico es una profesión cuya actividad consiste en proyectar comunicaciones visuales destinadas a
transmitir mensajes específicos a grupos sociales, con objetivos determinados. Esta actividad ayuda a optimizar las
comunicaciones gráficas. También se conoce con el nombre de diseño en comunicación visual, diseño de comunicación
visual o diseño visual.
Dado el crecimiento veloz y masivo en el
intercambio de información, la demanda de
diseñadores gráficos es mayor que nunca,
particularmente a causa del desarrollo de nuevas
tecnologías y de la necesidad de prestar atención a
los factores humanos que escapan a la
competencia de los ingenieros que las desarrollan.1
Algunas clasificaciones difundidas del diseño
gráfico son: el diseño gráfico publicitario, el diseño
editorial, el diseño de identidad corporativa,
el diseño web, el diseño de envase, el
diseño tipográfico, la cartelería, la señalética, entre
otros.
La definición de la profesión del diseñador gráfico es más bien reciente, en lo que se refiere a su preparación, su
actividad y sus objetivos. Aunque no existe consenso acerca de la fecha exacta en la que nació el diseño gráfico, algunos
lo datan durante el período de entre guerras. Otros entienden que comienza a identificarse como tal para finales del
siglo XIX.
Puede argumentarse que comunicaciones gráficas con propósitos específicos tienen su origen en las pinturas
rupestres del Paleolítico y en el nacimiento del lenguaje escrito en el tercer milenio a. C. Pero las diferencias de métodos
de trabajo, ciencias auxiliares y formación requerida son tales que no es posible identificar con claridad al diseñador
gráfico actual con el hombre de la prehistoria, con el xilógrafo del siglo XV o con el litógrafo de 1890.
La diversidad de opiniones responde a que algunos consideran como producto del diseño gráfico a cualquier
manifestación gráfica y otros solamente a aquellas que surgen como resultado de la aplicación de un modelo de
producción industrial; es decir, aquellas manifestaciones visuales que han sido "proyectadas" contemplando
necesidades de diversos tipos: productivas, simbólicas, ergonómicas, contextuales, etc.

Diseño industrial
El diseño Industrial es una actividad proyectual diseño de productos seriados
y/o industriales, que podemos diferenciar en dos tipos: bienes de
consumo y bienes de capital. Es una de las múltiples herramientas que busca
mejorar las cualidades de los productos industriales, poniendo énfasis en la
forma, función y uso con un enfoque prioritario hacia el usuario. El diseño
industrial busca satisfacer las necesidades de los usuarios como principal
objetivo. Aunque este énfasis y enfoque no lo limita, ya que también es de
su incumbencia el ciclo de vida del producto, el uso racional de materiales y
recursos en su manufactura, las relaciones socioculturales del objeto con su
entorno social, entre otros muchos. Es empleado por la mercadotecnia como
un instrumento que ayuda a posicionar los productos en el mercado, no solo
a través de sus cualidades intrínsecas, sino además de los medios que
permiten exhibirlo en el mercado ya sean estos stand de feria, envases,
envolturas, Las tiendas o puntos de ventas, solo por mencionar algunos.
También se puede definir como una actividad creativa y técnica que consiste en idear un objeto para que sea producido
en serie por medios industriales que busca mejorar los productos , comunicar y documentar ideas con un lenguaje
sencillo y eficaz.
El diseño industrial como profesión, es ejercido por el Diseñador Industrial, el cual
suele ser un profesional universitario.
Actualmente el diseño industrial es un campo fundamental en áreas tales como la
industria automotriz, la industria electrónica o el sector del mueble, entre otras
muchas. En este último caso, por ejemplo, el diseño industrial es esencial a la hora
de poder crear mobiliario ergonómico, funcional y cómodo que permita que
cualquier usuario no sólo pueda hacer uso del mismo de forma sencilla, sino también
que sea confortable.
El diseño forma parte del desarrollo humano, con la aplicación de nociones de este, el hombre ha podido evolucionar y
satisfacer sus necesidades. El surgimiento de la industria implicó la aparición de una nueva área de aplicación.

Diseño interior
El diseño interior (o interiorismo) es la disciplina proyectual involucrada en el proceso de formar la experiencia del
espacio interior, con la manipulación del volumen espacial así como el tratamiento superficial.
No debe ser confundido con la decoración interior, el diseño interior indaga en aspectos de la psicología ambiental,
la arquitectura, y del diseño de producto, además de la decoración tradicional. Un diseñador interior o de interiores, es
un profesional calificado dentro del campo del diseño interior o quién diseña interiores de oficio como parte de su
trabajo.
El diseño interior es una práctica creativa que analiza la información programática, establece una dirección conceptual,
refina la dirección del diseño, y elabora documentos gráficos de comunicación y de construcción.
Los diseñadores de interiores pueden realizar alguna o todas las actividades siguientes, entre otros deberes y
responsabilidades:
Investigar y analizar la disposición y descripción detallada del producto.
Desarrollar la documentación del contrato para facilitar la tasación, consecución e
instalación de los Mobiliario/muebles.
Proporcionar los servicios de gerencia de proyecto, incluyendo la preparación de
los presupuestos y de los horarios de proyecto.
Elaborar los documentos de construcción que consisten en los planos, elevaciones,
detalles y las especificaciones para ilustrar los varios elementos del concepto de
diseño, incluyendo las disposiciones y localizaciones del tendido de energía y
comunicaciones y las localizaciones no-estructurales o no-sísmicas, del techo,
diseño de iluminación, la disposiciones de los muebles y los materiales.

Diseño de modas
El diseño de moda se encarga del diseño de ropa y accesorios creados dentro de
las influencias culturales y sociales de un período no específico. Representa
el estilo e idea del diseñador según su talento y conocimientos. No debe
confundirse con el corte y confección o la sastrería, pues aunque el diseño de
moda esté muy ligado a estos, en realidad es una tarea distinta.

Diseño textil
El diseño textil es la disciplina involucrada en la elaboración de productos
para la industria textil, tales como fibras, hilos y tejido textil con propiedades
y características específicas, con el fin de satisfacer diversas necesidades
humanas, como la obtención de insumos para el desarrollo de otros
productos en los campos de la confección y decoración. También tiene que
ver con los textiles técnicos, área en la que se desarrollan telas
especializadas para la medicina, arquitectura, ingeniería y deportes, entre
otros.
Como también la creación de diseños que "se estampan" y adornan este
tejido y fibras para ser parte de los insumos.
El diseñador, como un profesional capaz de entender y resolver de manera
creativa y técnica los diferentes problemas de diseño en la industria textil y
de la confección, interviene en los procesos de tejido, estampado, corte y
confección de telas.