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Generos
-Los géneros de cine son meramente tomados de los géneros literarios (policial, western,
melodrama)
-El género pauta como es el texto y ciertas características especiales (el western tiene una
frontera, un pueblo, un sheriff, etc.) Altman revisa los géneros para refutarlos y no pensarlos en
un sentido textual, sino que es un proceso a lo largo de la historia.
-Escribe de los géneros basándose en los films de América. El problema se presenta en cómo
vamos a presentar los géneros en América latina, el cual se basa en dos ejes, cine industrial, que
es el cine pre-fabricado, desenlace marcado, etc. y otro es el género autoral que se narra desde
el punto de vista del género y el autor (aparece después del cine industrial )
- Las películas de género comparten valores fundamentales, (el placer del espectador)
(jugar con la lógica y hacer intertextualidades con las anteriores, por eso cierran en si
mismos y por eso crean un universo simbólico)
-Los géneros surgen de la experimentación con rasgos que evolucionan hasta llegar a
una estructura coherente o por parte de una estructura existente de un nuevo conjunto de
rasgos (los géneros deben su existencia de usuarios que emplean su lenguaje de manera
distinta)
-En el primer periodo los géneros latinos no se inventan, Hollywood los creó, y se
establece una relación intertextual con los géneros de Hollywood con puntos de vistas
culturales de países latinos.
-En México se fusiona la música popular de ahí, y también las culturas populares
indígenas. (La ranchera) (ej: "María candelaria" cuenta la historia de un linchamiento
social a una indígena por ser hija de una prostituta)
En 2da instancia hacia mediados de siglo ya no se piensa el género como la fusión que
era una función modelo, si no que se empezó a pensar como una relación critica con
los modelos genéricos, (de una forma negativa), Las criticas provienen por el lado de
criticar a una dominación estatal.
como "el dios y el diablo en la tierra del sol" de Glauve rocha (Brasil) que trabaja con
el elemento de los géneros negativa y disruptivamente, y quieren buscar interpelar al
espectador, que sienta alguna incomodidad, más que una identificación.
El cine argentino del período silente (1897-1931-33) plantea las bases temáticas e
incluso formales de todo el cine sonoro, por lo menos hasta mediados del siglo veinte.
El ultimo malón, inaugura para el cine argentino una tradición de cierto realismo
crítico, tal como han observado y elogiado los críticos y los historiadores, se va a
alimentar del imaginario criollo.
MELODRAMA
-los títulos de las obras de melodrama hacen alusión a misterios o a ambigüedades que rondan
el mundo, a enigmas irresueltos.
Va a haber siempre una amenaza (alguien que ponga en causa la supervivencia de la virtud y la
inocencia)
Trabaja con extremos opuestos (bien vs malo) polarización. Muchas veces lo malo no está
motivado, no hay necesidad de justificarlo, es malo porque si. El juramento melodramático es
absoluto, nunca se piensa en violarlo.
El monologo se ha vuelto autoexpresión pura y simple, articulación de lo que uno es, del yo
tomado en sus componentes morales y sentimentales. El melodrama tiene necesidad de
golpes de teatro porque en estas situaciones los personajes nombran los atributos morales del
universo y enuncian su naturaleza. Es radicalmente hiperbolico y expresionista. Decir su propia
naturaleza moral y la de los otros ocupa un gran lugar en la acción y en la sustancia misma del
melodrama. Se lo observa particularmente en el rol del malvado, que no deja nunca de
expandirse, en un momento o en otro, en declaraciones sobre su naturaleza malhechora y
sobre sus malas intenciones
El lugar sin límites: Se opone al melodrama clásico. Lo crítica. Predominancia del rojo
saturado que nos alude al amor, al sexo, a sangre a pecado.
La mujer heroína es un travesti, (la manuela) hay un momento que quiere ser hombre y
contrasta con pancho. Hay una masculinización de la japonesita, y hay una feminización de
pancho. Don alejo debería ser la figura protectora pero no impide la muerte de Manuela. El
personaje más fiel al melodrama clásico es el cuñado que reprime el baile de pancho con la
manuela. Pancho es el personaje más castrado. La cámara fija es porque están en un mundo
estancado.
-"no soporto vivir sin el/ella: moriré" es la sentencia que articula cualquier verdad
melodramática
-El melodrama sexualiza el cuerpo, y de ahí viene la pasión melodramática del cuerpo.
Nada, queda, la vida no vale nada porque al quedar sujeto excluido de la pasión (de toda
pasión), queda castrado, solo , abandonado, inútil, va y viene (sin destino) entre lo activo y lo
pasivo.
En el ultimo malón: (de elementos del criollismo, western y melodrama) hay una voluntad
realista en la narración, y también hay algo de melodramático; los intertitulos fijan un sentido
particular en la imagen.
En vidas secas, buscan emanciparse del dominio del género hollywoodense del western,
instrumentalizando en la representación del desierto.
Glauber y su cine resulta inamisible a una acción política sobre la historia. Esto difiere
mucho del cine político argentino que creía que la violencia revolucionaria era
impensable sin la construcción de un nuevo poder o nuevo estado. Criticaba a Solanas
por su representación de la burguesía del pueblo y su uso militante del cine. Glauber
proponía no un pueblo victima de los opresores, pero un pueblo ignorante, servil que se
equivoca y fracasa.
En los 70 el cinema Novo se vuelve sobre la figura del intelectual, activistas políticos.
El cine de Glauber se vuelve mas discontinuo y la puesta en escena más brechtiana.
México: el nuevo cine mexicano de los 60-70 constituye a una crítica a lo estatal, no fue
tan revolucionario como Brasil y Argentina, pero no dejó de elaborar un pensamiento
político cinematográfico que tuvo en su centro tanto los géneros de industria como la
historia nacional.
En prisioneros de la tierra hay un mundo yerbatal y hay otro mundo originario que hay
opresión y no hay nada armado. Las pulsiones son destructivas, se vuelve un mundo
que tiene que ver con el sin fondo, es un mundo formado de pedazos. Es algo que
tiene un comienzo radical y un fin absoluto (destrucción). El doctor no puede curar, la
vida es igual a la muerte.
Cavell da un alcance general de los géneros. La única manera de hablar del género es
con un corpus. Altman decía que disimuladamente los géneros del cine tienen una
herencia de la literatura. y Cavell dice que las comedias se definirían entre
conversaciones del hombre y la mujer para encontrar una experiencia que tenga una
unión, ahí el corpus sería el re matrimonio y la búsqueda de la felicidad.
María candelaria: por medio de la apariencia (identidad) se puede llegar a aquello que se
desea (la felicidad) lo mismo en martes orquídeas y en vidalita que esta en función del
deseo. La apariencia pone en escena aquello que no se podría poner en escena por
medio de la apariencia.
Cuando un género se parodia es porque esta agotado, criollismo no existe como género,
es un imaginario. El nuevo cine ignora el mundo criollista y el tango.
Lugar común del lenguaje: El juego de la silla. Discurso que no reconoce la subjetividad
del hablante. Los personajes no son estereotipados (el malo, el inocente) son personajes
comúnes. El personaje se basa en una formación previa de lenguaje.
-El padre de la mujer u otro rol, está al lado de la ley, y no del deseo.
En la rubia en el camino uno no se queda con un rol de una mujer, el rol estaba bien y
es deformado por la sociedad. no progresa el rol.
En esposo último modelo hay una división jerárquica entre el hombre y la mujer. Hay
una especie de humillación hacia la dignidad del hombre. Ella le toma el pelo a Alfonso,
hay una idea puesta en la modernidad. Ella conduce la acción, el esta feminizado.
En el melodrama de la mujer desconocida no hay educación del hombre y de la mujer
entre sí.la mujer y el hombre deben aprender a ser nuevo hombre y nueva mujer. En
esposo último modelo el hombre aprende a ser el nuevo hombre, ella se transforma a
través de la maternidad que ella aprende con respecto a la casa.
El nuevo cine argentino, retoma una parte del cine moderno, películas que se centran en
la marginalidad (crónica de una fuga) frente a un cine que ya agotó al espectador
apareció este nuevo cine (social, político) La imagen es importante como recurso.
Hay un interés por la marginalidad en la realidad, surge también un cine con una nueva
imagen en una autonomía del cine. Por un lado tenemos a Murúa (social, margen) y por
otro tenemos a Antin (recursos modernos de narración como falso raccord)
En 1966 hay un cine liberación en la que la película sirve como medio de revolución (la
hora de los hornos)Con la dictadura el cine moderno queda cortado, el cine nuevo
retoma el cine moderno. Te quiere mostrar la realidad social y también se puede decir
algo a través de la imagen. Entonces el nuevo cine Argentino se divide entre social y la
imagen.
Antes se escondía. Fue visto como modo miserabilista por parte del estado. Politiza la
cuestión del hambre. Debería haber una violencia negativa para erradicar el hambre
según rocha. La violencia del hambriento no es primitiva. El cinema novo es una
estetica de la violencia antes de ser primitivo o revolucionario (no es ninguna de estas
dos) . Glaube no entiende la violencia del hambre con métodos revolucionarios, solo
con la violencia el colonizador puede entender al colonizado. La violencia puede estar
vinculada al amor, no al odio, (amor de acción y transformación)
La mujer del Cinema Novo busca una salida por el amor, dado que es imposible amar el
hambre.
Fantasmización
una obra revolucionaria no debe solo actuar de forma política si no promover alguna
explicación filosófica
Dice que una reivindicación de la violencia seria una violencia mística (lanza su vida
sobre una idea) esto está plasmado en dios y el diablo en la tierra del sol cuando no hay
misticismo la revolución fracasa. Esto es el único lenguaje que trasciende de la
revolución.
-héroe westerniano: Antonio das martes, el planifica las muertes, es consciente de lo que
hace, tiene voluntad.
Tono alegórico: los personajes vienen de leyendas y están mistificados (su muerte),
utiliza sla historia y la leyenda y las modifica, Glauber es anti didáctico, no quiere
enseñar historia, quiere hacer pensar. La música narra.
-la estética de Glauber rompe con la estética de Hollywood, tiene su propia estética
brasileña.
- el mito es el arma de su cine, dice que con el mito se puede iniciar una revolución.
Tierra en trance:
No es didáctica: lleva la irracionalidad al extremo, al anarquismo.
-ni el populismo ni la dictadura (casi como dios y el diablo)
-hace un cine poético, son imágenes y textos poéticos. Tierra en trance es el discurso
poético de un poeta que le pasa como flashback el momento de su muerte.
-no hay transparencia: el sonido no es natural del ambiente, como el sonido de guerra
cuando Paulo pelea con díaz. Acciones exaltadas y teatrales , no se respeta la
continuidad del espacio (están en el coche/están en el desierto)
También está el western mexicano, que fue hecho en base a la revolución mexicana.
Altman dice que los géneros son procesos que se van definiendo a medida del uso de
los géneros, no hay un modelo de género en su estado puro, van variando a lo largo
del tiempo.
Degeneración: tiene que ver con la cuestión de estados más que de géneros. Es la
moral individual de los héroes.
El juego de la silla toma como modelo de rejman, muchos personajes que expresan sus
emociones a través de primeros planos.
En vámonos con pancho villa es machista, mundo de machos, y hay pruebas para
probar la hombría, es un Western, está claro porque es muy típico la virilidad en el
género este, se puede mostrar como una construcción. Luego se feminiza mas al
heroe, se pone en evidencia la construcción mediante como están presentadas las
mujeres en las películas del western.
Teoria de bazin: Oposición entre la moral individual y la ley.( llama ley al proceso
revolucionario mas alla de la individualidad)
Revolución mexicana:
Pancho villa - una vez pasado el prologo de pasada la revolución, toda la película está
basada en la muerte de los combatientes.
Read México insurgente, la soldadera y tiempo de morir: Tiene lugar despues de los '60
y es el nuevo cine revolucionario. El nuevo cine mexicano es tardío en relacion a otros
paises como Arg y Brasil. También tiene que ver con el modo de la concepción
moderna que no la ven como estos dos paises, agarra el genero, en vez de persuadirlo.
El genero es una forma de ver el mundo. Otros aspectos a tener en cuenta es la
importancia de la feminidad y la caida de la virilidad, y la fantasmizacion. En tiempo de
morir es muy importante la feminidad y la fantasmizacion.: se trata de peliculas de
genero porque hay una estructura de duelo de western, pero a la vez el duelo tiene
lugar en el pasado y se repite de modo inquietante en el presente. La critica que hace
la película de género es una crítica muy sutil. Todos los personajes conviven en cierto
sentido en función del pasado, los que no hacen nuevas vinculaciones.
La ideologia se basa en politica economica porque quieren comprar sus tierras (la
soldadera) y los actos de los personajes no tienen ningun tipo de epicidad.
Hay una presunción de que el documental huye de la ideología de las formas por esto
eligieron el documental. El documental es una imagen objetiva, no hay espacio para la
duda.
Gleyser trabajaba con las entrevistas porque para el es allí donde están las evidencias.
La hora de los hornos: Contexto social, años 60, guerra fría, revolución cubana
nouvelle-vague. Fue hecho en colaboración con cineastas cubanos. Es un documental
expositivo (los antetítulos y la voice over guían al espectador) El montaje fragmentario
le hace huir del documental clásico. Todo el tiempo hay una ilusión al peronismo, es la
solución. El fin es que el latinoamericano tiene que buscar la revolución, es la única
forma de recuperar la existencia. (te sensibiliza para generar una acción, y hay un
planteo moral, si no lo haces, sos cobarde )