EL ARTE RENACENTISTA Y SU IMPACTO EN EL MÉXICO

FUNDAMENTOS DE LA INVESTIGACIÓN

DURANGO, DGO, MÉXICO DICIEMBRE 2017

 OBJETIVOS
OBJETIVO GENERAL: Conocer como fue la evolución del arte a partir del renacimiento
europeo y la influencia que llegó a tener en la expresión artística del México del siglo XX y
su evolución y prevalencia en la actualidad.
OBJETIVOS ESPECÍFICOS:
Analizar las características principales del arte europeo.
Comprender como impactó la llegada de los conquistadores, así como los cambios que se
dieron en las civilizaciones mexicanas existentes.
Apreciar las expresiones artísticas manifestadas en México como exponente de la historia del
siglo XX.
Comunicar el impacto que siguen teniendo las artes inspiradas en el renacimiento en México
hasta la actualidad.

1
 CONTENIDO

Prólogo………………………………………………………………………. 3

1. Historia del arte renacentista y sus características…………………… 4

1.1 Arquitectura renacentista en Europa……………………………………. 7
1.2 Pintura renacentista en Europa…………………………………………. 11
1.3 Escultura renacentista en Europa………………………………………. 18

2. El renacimiento en Nueva España…………………………………… 33

2.1 Características de la Nueva España……………………………………... 34

3.1. El arte mexicano del siglo XX bajo la influencia renacentista………36

3.1.1 Principales muralistas mexicanos y sus obras………………… 38

3.2. Impacto social del arte renacentista en México……………………...47

Conclusión…………………………………………………………………...50
Glosario………………………………………………………………………51
Fuentes referenciales…………………………………………………………52
Cronograma…………………………………………………………………...60

2
 PRÓLOGO
En esta investigación documentada se hablará sobre el arte renacentista, abarcando 3 ramas:
la pintura, su escultura y arquitectura, así como sus características principales. De manera
breve narraremos la historia del arte europeo en la época renacentista y su desarrollo, así
como su llegada a México en el siglo XVI y su manifestación en el siglo XX dando así una
nueva expresión artística a nuestro país.
Además, se hablará sobre el impacto social que tuvieron estas artes en México en su época
renacentista, así como su evolución y prevalencia del estilo a lo largo de los años llegando así
hasta el arte contemporáneo mexicano que sigue manteniendo la esencia del ate renacentista.

3
 1. HISTORIA DEL ARTE RENACENTISTA Y SUS
CARACTERÍSTICAS
El renacimiento europeo del siglo XVI fue una etapa en la historia que presencio un
esplendor en las artes y ciencias siendo denominado por los conocedores como el siglo de
oro desarrollando el humanismo, antropocentrismo1, optimismo, la curiosidad científica y
la confianza en la razón ya que fue un movimiento cultural que marco el fin de la edad
media dejando así atrás el teocentrismo2 creando en él un gran contraste entre estas dos
épocas.
Visto de manera cronológica, el renacimiento se divide en dos partes:
 Primer renacimiento (siglo XV), caracterizado por rescatar lo antiguo lo que
supone más una búsqueda que la consecución de objetivos concretos.
 Segundo renacimiento: (siglo XVI), esta se divide en dos secciones: clasicismo y
manierismo.
Clasicismo: Tendencia o estilo literario el cual emprende la búsqueda de la serenidad,
equilibrio y la armonía de las tendencias grecorromanas.
Manierismo: Estilo artístico italiano del siglo XVI, se caracterizaba por las formas
difíciles y poco naturales buscando la experimentación visual.
«El Renacimiento despertará un nuevo interés científico por la naturaleza, realidad, el
ansia por conocer en vez de contemplar, y que el conocimiento estuviera basado en la
observación y en la razón. »3

El término Renacimiento se le aporta a Giorgio Vasari, quién fue quien recopilo las
biografías y aportaciones de los grandes artistas del Renacimiento Italiano. Tiempo
después se encargó Jakob Burckhardt, que publicó la obra “La Cultura del Renacimiento
en Italia” (1867), que son hasta la fecha la base de la mayoría de los estudios actuales
sobre el Renacimiento.
El desarrollo del Renacimiento coincidió con el inicio de la Edad Moderna marcada por la
unión de los Estados Europeos, la descomposición del feudalismo, el ascenso de la
burguesía y la afirmación del capitalismo.
El Renacimiento fue conformado por diferentes etapas las cuales tienen características y
fundamentos que iban modificándose conforme pasaba el tiempo, a continuación, se
explicaran cada uno de estos.

_______________________________________________________________________________________________________________________________

1 Antropocentrismo: Pensamiento que afirma que el ser humano es el centro del cosmos.
2Teocentrismo: Pensamiento que pone a Dios o a una divinidad como el centro de la realidad y de todo pensamiento y
actividad del ser humano.
3 Figueroaba, A. Fernandez, M (1996). Historia del Arte 2 ° de Bachillerato. España. (Madrid)p 163

(1ra hoja del tema 1 (1,2 y 3)

4
El Quattrocento (siglo XV):
En esta etapa renacentista aparece la corriente humanista, el hombre se sitúa en el centro
del universo, siendo el punto más importante de la existencia, y con esto entra a su vez el
antropocentrismo.
Estas corrientes se manifiestan en la aparición del artista. La mayor parte de la actividad
artística se va a desarrollar en Florencia y las ciudades del norte de Italia, que se
convertirán en los principales centros artísticos de la época. En los diferentes campos del
arte, surgen novedades;
 En la pintura, aparece el uso de la perspectiva. Caben destacar las figuras de
Botticelli, Piero della Francesca y Mantegna.
 En escultura, se imitará el estilo grecorromano. Destacan las figuras de Donatello
y Ghiberti.
 En la arquitectura, se volverá al uso de los elementos clásicos, destacando las
figuras de Brunelleschi y Alberti.
El Cinquecento (primera mitad del siglo XVI):
Este período se desarrollará casi exclusivamente en la ciudad de Roma, debido al
mecenazgo4 de los Papas, que se convertirán en los principales contratistas de obras. En
esta época, los elementos clásicos del anterior período van a ser interpretados de una
manera más libre por el artista. Dentro de los diferentes campos, destacan:
 En pintura, los grandes genios como Rafael, Leonardo y Miguel Ángel, que elevarán la
categoría de la pintura a niveles insospechados.
 En escultura, Miguel Ángel es el gran escultor de esta época, conocido principalmente
por sus obras religiosas como La Piedad, también cabe destacar otros escultores como
Cellini.
En arquitectura, destacan las obras de Bramante, Miguel Ángel o Vignola. Cabe
destacar, que la figura de Miguel Ángel está presente en todos los campos, siendo éste el
modelo de artista renacentista, el cual cultiva todas las artes.
El Manierismo (segunda mitad del siglo XVI):
El último período del Renacimiento se caracteriza principalmente por la mayor libertad de
expresión que tenían los artistas, dentro del decoro5 que supone el realizar principalmente
obras religiosas, sin embargo, el artista crea sus obras combinando los elementos clásicos.
Durante esta etapa, el artista no buscará las líneas rectas y clásicas, sino que buscará algo
nuevo y sorprendente. En los diferentes campos artísticos, destacan:

________________________________________________________________________________
4 Mecenazgo: Protección o ayuda económica que ejerce un mecenas.
5Decoro: Comportamiento adecuado y respetuoso correspondiente a cada categoría y situación. 6 Historia de México 1(2017)
México recuperado de https://portalacademico.cch.unam.mx/alumno/historiademexico1/unidad1 (08de diciembre del 2017)

5
 En la pintura, destaca Bronzino, Pontorno y Parmigianio entre otros. La pintura
manierista usa formas que ya anticipan el siguiente período, el Barroco.
 En escultura, se rompe con las líneas rectas, y se opta por las líneas curvas y retorcidas.
Destacan las obras de Juan de Bolonia y Cellini.
 En arquitectura, sin duda, destaca la obra de Palladio, el cual se caracteriza por realizar
las arquitecturas renacentistas más perfectas de todo el período. También destaca la obra
de Peruzzi y Bramante.
Teniendo en cuenta las principales cualidades de las épocas renacentistas, mencionaremos
las características principales del arte renacentista europeo
 El retorno a la Antigüedad. Resurgieron tanto las formas de la arquitectura como el
orden clásico, se retoman los temas mitológicos, de historia, así como antiguos electos
simbólicos.
 Aparece una nueva relación con la naturaleza, que va unida a la concepción ideal y
realista de la ciencia.
 El renacimiento hace al hombre medida de todas las cosas.

 Se aplica la razón a la realización de las obras.

 Las matemáticas lo rigen todo, la medida y la proporción llevarán al interés por el

estudio de la perspectiva lineal que a su vez derivará en la búsqueda de la tercera
dimensión en la pintura.

 El artista tiene libertad interpretativa, aunque esté ligado económicamente a un

mecenas.

6
 1.1 ARQUITECTURA RENACENTISTA EN EUROPA
La arquitectura renacentista tiene como principal fuente de inspiración la antigüedad, la cual
provoca una seducción hacia los próximos artistas renacentistas. Dicha fuente de inspiración
se dio a conocer gracias a:

Vitrubio:
“Vitrubio, escritor y arquitecto de la baja romanidad, cuyo manuscrito es redescubierto en
1414 en Monte Cassino y publicado de forma impresa y sucesiva en lengua italiana en los
años 1485, 1521 y 1556. El análisis de sus textos será una fuente importante en la renovación
de la arquitectura, ya que presenta un balance de los conocimientos arquitectónicos en época
de Augusto. El tratado de Vitrubio Los diez libros de Arquitectura influyó, así, de manera
extraordinaria en muchos arquitectos…”

Ruinas grecorromanas:
Los artistas italianos tenían a su alcance el arte antiguo en su propio suelo, por lo tanto,
podían estudiar y analizar directamente.

A través del estudio, la observación y el análisis de estos restos arqueológicos y de los

escritos de Vitrubio recuperan los órdenes clásicos adaptándolos a la nueva realidad
constructiva; revitalizan la mayor parte de los elementos estructurales de la antigua
arquitectura clásica –arcos de medio punto, entablamentos, frontones, cúpulas y la columna y
pilastra como elementos sustentantes-, asimismo incorporan sus elementos ornamentales –
medallones, guirnaldas, putti, grutescos etcétera-.
“El artista renacentista buscará crear y plasmar formas superiores…”
Este motivo se manifiesta en la búsqueda de una ciudad ideal –que es su obsesión
proyectista-, como en edificios concretos (iglesia de San Andrés de Mantua). Todas las
construcciones o proyectos reflejan el deseo humanístico del proyecto perfecto.

La arquitectura renacentista alcanza su máxima expresión en la Florencia del siglo XV.

Después de la revuelta popular de 1378.

MATERIALES
El artista-arquitecto del Renacimiento construye, sobre todo, con ladrillo y aparejo
revestidos de placas de mármol.

7
ARQUITECTURA CIVIL Y URBANA
La ciudad:
“La ciudad renacentista recibe una atención más intelectual que practica, en la que sobresale
especialmente la preocupación urbanística.”
Como resultado de dicha preocupación, se manifiesta en textos de reconocidos artistas del
renacimiento -como Filarete, di Giorgio- diseñan su ciudad ideal.

La Sforzinda, de Filarete (Ciudad ideal)

8
Filarete (1400-1469): fue un escultor, arquitecto y teórico del arte que, en su texto, Trattato
d´Architecttura concibe su Sforzinda6 como un polígono estrellado dentro de una circunferencia de
ocho puntas, reforzadas como si fueran lugares defensivos; en el centro de la plaza principal han de
estar ubicados los edificios de servicios públicos principales -catedral, palacio y mercado- de los
cuales arrancan calles con dirección hacia las puntas del polígono. Hacia la mitad se desarrollan
plazas que albergan palacios, iglesias, mercados, entre otros.
Estas y otros proyectos urbanísticos nacen de la búsqueda de conseguir el ‘proyecto perfecto’ que en
ocasiones no tenía una base o planeación concreta. De hecho los edificios civiles y religiosos son los
que destacan en la ciudad renacentista (se proyectaron, pero no sé lograron) por lo cual se buscaba el
construir con equilibrio y en orden como se observa en la Sforzinda, en general los arquitectos
renacentistas se preocupaban por integrar los edificios en la ciudad.

Palacios:
El palacio deja de ser aquella fortaleza medieval de aspecto militar para convertirse en el símbolo de
la residencia de lo más noble y elegante de la época, el cual servía de residencia o de lugar de trabajo
adquiriendo un carácter humanista.
Estos palacios se vuelven construcciones muy costosas. La estructura arquitectónica con la que
contaban era simple, generalmente era en forma de un cubo, con un espacio vacío en su interior
destinado al patio y rodeado de pórticos, como el siguiente:

Planta de palacio Pitti (Florencia, Italia)

_______________________________________________________________________________________________________________________________

6Sforzinda: es un proyecto de ciudad ideal que nunca llegó a construirse, diseñado por Antonio Averlino "Il Filarete"
alrededor de 1465.

9
ARQUITECTURA RELIGIOSA
La arquitectura religiosa presenta el uso de la cúpula y la pérdida del sentido simbólico del estilo
Gótico.
El templo renacentista puede presentar los siguientes elementos formales:
-El desarrollo horizontal de sus fachadas, adornadas de almohadillado7 rustico o de punta de diamante,
medallones, guirnaldas8.
-La utilización, tanto en las fachadas como en los interiores de los órdenes clásicos, y del nuevo orden
gigante (una columna abarca varios pisos).
-La sustitución de los elementos góticos por elementos clásicos, como columnas, arquitrabes, arcos de
medio punto, techos artesonados, cúpulas semiesféricas etc.
En cuanto a las iglesias de planta centralizada, su primera
expresión renacentista surge gracias a Brunelleschi9: Santa María
de los Ángeles.

Brunelleschi solo construyo la planta, la cual está inspirada en

estructuras circulares y poligonales, donde la cúpula debía
construirse apoyada sobre ocho pilares macizos.
Mediante el tiempo, Alberti10 se convirtió en el gran teórico de
iglesias de este tipo de iglesias y fue quien definió como la planta
ideal para los edificios de tipo religioso. En su tratado de
arquitectura señala que la planta tiene que ser circular o
derivación del circulo (cuadrada, hexagonal, octogonal…), ya que
pensaban que el circulo es la figura más perfecta y natural,
topando a lo divino y así señalando que el templo debe de ser la
expresión terrena de la divina proporción.

Fachada y planta de la iglesia Santa María de los Ángeles.

7Almohadillado: una almohadilla es la parte saliente de un sillar de piedra que se dispone en un paramento proyectado hacia
el exterior con al menos una de sus caras sin labrar, para luego ser tallado para formar molduras decorativas
8Guirnaldas: un arreglo convencional de flores, de follaje o de fruta unidos y suspendidos por cintas, adornados por un nudo
o sostenidos por bocas de leones
9Brunelleschi: fue un arquitecto, escultor y orfebre renacentista italiano. Es conocido, sobre todo, por su trabajo en la cúpula

de la Catedral de Florencia Il Duomo.

10Alberti: Leon Battista Alberti (1404-1472) fue un arquitecto, secretario personal (abreviador apostólico) de tres papas —

Eugenio IV, Nicolás V y Pío II—, humanista, tratadista, matemático y poeta italiano.

10
 1.2 PINTURA RENACENTISTA EN EUROPA

El renacimiento es un movimiento fundamentalmente italiano, rompe con el pasado

medieval y revitaliza paralelamente la tradición.
un estilo nuevo se estaba desarrollado en Italia y Flandes, donde aparecen temas con
cierto valor secular y profano, abundan los retratos de monarcas y de la burguesía de
las ciudades, se pintaba sobre todo el hombre y en menor grado la naturaleza que lo
rodeaba con paisajes, animales y plantas.
A partir del renacimiento la pintura adquiere una mayor arte de ciudadanía, con el
ascenso de la burguesía con su mentalidad de prestigio social, influiría en el
desarrollo de la pintura.
Quattrocento
El arte pictórico en el renacimiento "el objetivo del pintor según Alberti...
circunscribir con líneas y teñir con colores la superficie de apariencia semejante a
cada cuerpo, de modo que aun a cierta distancia y aun a cierta posición respecto al
centro aparezca en relieve y semejante a los dichos cuerpos."
Los pintores no tenían ejemplos de modelos antiguos donde inspirarse ni escritos
teóricos donde ilustrar su arte.
La aplicación de un sistema de proporción, concibiendo a ella como la creadora de la
belleza.
La perspectiva de un punto de fuga, puesta en marcha de las leyes en la óptica.
"el canon11. Es la medida perfecta del cuerpo humano y la relación
proporcionalmente entre sus partes, y este presupuesto fue buscado y aplicado por los
grandes escultores de la antigüedad y constituyo la preocupación fundamental de la
técnica artística del renacimiento."

________________________________________________________________________________
11Canon: Historia del arte, autores: Antonio Figueroba Figueroba, María Teresa Fernández Madrid.

11
 PRINCIPALES ARTISTAS
Masaccio (1401-1428)
Padre de la pintura del 4400 el iniciador de renacimiento; dominaba más y volumen,
predomina la monumentalidad, presta total atención a la esencia pictórica, propugna
una vuelta a la naturaleza y pintor del tema religioso.

La trinidad, 1427-1428(santa María Novella, Florencia)

12
Paolo Uccello(1396-1475)
Gustaba de representar temas de batalla, donde le interesaba la construcción del espacio
atreves de líneas verticales, horizontales y verticales en profundidad.

Batalla san romano

Fra Angélico (1395/1400-1445)

Hombre escolasticismo y el humanismo, pintor de la vida terrenal de Jesús, estilo de
formación miniaturista, presentaba personajes esbeltos, delgados y delicados.

Anunciación (museo del prado, Madrid)

13
Sandro Botticelli (1445-1510)
El gran maestro del quattrocento y cinquecento, sus obras casi un reflejo en pintura de la
pintura literaria, era racional y naturalista, en la segunda época de su obra adquiere un estilo
propio creador de un nuevo tipo de belleza femenina, su belleza era poética.

La primavera, 1478. Temple sobre tabla, 2.03 x 3.14 m (galería de los uffizi, Florencia).

"La influencia italiana tuvo una lenta penetración en la pintura renacentista española debido
fundamentalmente la existencia de una importante clientela eclesiástica..."

La pintura en el cinquecento
Leonardo la belleza visible (1452-1519)
Defensor de la excelencia del arte pictórico sobre las demás artes, para Da Vinci la pintura es
una actividad intelectual que reproduce la realidad.
Viene a considerar que la creación del arte es conocer el mundo visible, lograra saber y
conocer como aparecen las formas de las cosas, colores, luces y sombras.
" Su belleza...es la imitación de todos los diminutos detalles de la naturaleza tal y como son,
según Vasari."
Su protagonista es el hombre como principal sujeto de pensamientos y buscaba expresar el
movimiento como fuente de toda vida.

14
La virgen de las rocas 1483(museo de Louvre, parís).

15
La Gioconda. Óleo sobre tabla, 77x53 cm (museo de Louvre, parís)

16
 La ultima cena, 149-1498(iglesia de santa María de las gracias, milan)

LA PINTURA RENACENTISTA EN ESPAÑA

Es caracterizada por la temática profana y profusión de asuntos religiosos.
La influencia italiana tuvo una lenta penetración en la pintura renacentista española debido
fundamentalmente a la existencia de una importante clientela eclesiástica.
La influencia del manierismo, desarrollado en España en los núcleos de valencia. En este
complejo panorama destacara un modo diferente de entender la pintura.

17
 1.3 ESCULTURA RENACENTISTA EN EUROPA
El desarrollo de la escultura en el Renacimiento se dio en el lugar de Florencia, a causa de
los abundantes encargos realizados por la catedral, el baptisterio12 y el exterior de la
iglesia de Or San Michele. En las obras que se realizan con motivo de dichos encargos se
ponen de manifiesto nuevos rasgos, nuevas maneras de ver las figuras en su relación con
el espacio en las que se envuelve, nuevas formas inspiradas en el clasicismo griego,
nuevos conceptos transmitidos entre residuos góticos.
Esta faceta renacentista de la escultura inicio por Brunelleschi, Ghiberti y Donatello,
seguido por Verrochio y culminado por Miguel Ángel en el primer cuarto del siglo XVI.
En los siguientes años la escultura se abre hacia las corrientes manieristas, hacia el
movimiento barroco, quedando solo imitadores de los grandes maestros.
CARACTERISTICAS GENERALES
 Tiene continuidad con el arte clásico y cristiano. Por lo general, Italia siempre ha
estado conectada con las expresiones del arte clásico, pero también mantuvo un
contacto con el arte cristiano, el cual había evolucionado en Italia ligadas a las
expresiones románicas de carácter bizantino y a las clásicas de artista como N.
Pisano, manifestadas en los pulpitos de pisa y siena.
 Nueva concepción de la escultura, la cual se considera capaz de poder producir
algún placer estético: “Las formas bellas tendrán valor en sí mismas”.
 Su tema principal será el hombre, fundamentalmente desnudo. El artista del siglo
XV vuelve a descubrir la belleza sensual del cuerpo desnudo, generando una
actitud semejante a la mantenida por la Antigüedad clásica. Por lo tanto, es el
sujeto central del arte renacentista.
 Las figuras denotan una gran preocupación por la anotomía, porque, desde el
humanismo antropocentrista buscan expresar la belleza sensitiva, aunque
seguramente, este realismo anatómico sea una crítica hacia el pasado medieval.
 El triunfo del retrato con grandes dosis de realismo: ecuestre, funerario, etc.; los
rasgos dejaran de ser arquetípicos para convertirse en individuales e
identificadores.
 Durante la primera parte del Quattrocento, las estatuas esta hechas para que sean
vistas, por lo que estas se presentan con una posición frontal.
 Durante el periodo del Clasicismo (1495-1527), presenta como rasgo más
significativo la aspiración de conseguir obras perfectas desde el punto de vista
formal. Unos de los exponentes máximo es Miguel Ángel.
ARTISTAS PRINCIPALES DEL QUATTROCENTO
LORENZO GHIBERTI
Ghiberti (1378-1455) hombre polifacético, como correspondía al buen humanista, fue un
arquitecto, escultor, pintor, comentarista de arte. Es la personificación del nuevo artista: el
escultor y también pintor debe de ser liberal en todas las artes: Gramática, Filosofía,
Medicina, Astronomía, Historia, Anatomía, Teoría del Dibujo.
_________________________________________________________________________________
12Baptisterio: Zona en el interior de una iglesia donde se encuentra la pila bautismal y tiene lugar la ceremonia del bautismo.

18
En el año 1436 escribió i commentarii, una especie de apuntes presentado en tres partes: una
breve historia de autores antiguos, una autobiografía, y las teorías sobre el arte.
Unos de sus rasgos más destacados son:
 Apoya la vuelta a la estatuaria grecorromana y con sus trabajos se inicia
realmente el cambio.
 Una de sus técnicas favoritas es trabajar con el bronce.
 Esculpe como si fuera un pintor, sobre todo relieve.
 Trata magistralmente con la profundidad, los paisajes y los detalles, tal vez
como un reflejo de su pasado como orfebre13 en Roma.

Ghiberti: el sacrificio de Isaac, realizado entre 1402 y 1424, es el tema central de

la decoración de una de las puertas del baptisterio de Florencia (lado norte).

_________________________________________________________________________________
13Orfebre: Persona que tiene por oficio hacer o vender objetos artísticos de oro, plata u otros metales preciosos.

19
Ghiberti: las puertas del paraíso, 1425-1452. Gracias al éxito alcanzado con la obra anterior

fue tal que se le encargo la decoración de unas nuevas puertas, de configuración plenamente

renacentista.

20
DONATELLO (1382-1446)
Llamado verdaderamente como Donato di Niccoló Bardi, Donatello es la compleja
personalidad artística del siglo XV en Italia: “Yo soy patriarca en mi arte como vos los
sois en el vuestro, le dirá al Patriarca de Venecia”.
Aprendió en el taller de Ghiberti. Fue un escultor muy técnico, hábil e inteligente. En
algunos aspectos es aun medieval, sobre todo en el expresionismo, pero también es
profundamente clásico, sobre todo en el culto al desnudo y en la elección de las estatuas
ecuestres14.
Coloca al hombre como razón de ser del universo: esculpe la figura humana con todo
tipo de colores, tonos, texturas y trata de captar sus valores y penetrar en su
psicología, dejando todo lo decorativo.

Donatello: San Jorge, 1416, realizada en mármol, tiene 2.08 m. es la personificación del héroe y
del tema del caballero cristiano, aquí representado en una versión perfecta y elegante.

_________________________________________________________________________________
14Ecuestres: Se aplica a la figura o estatua que está representada sobre un caballo

21
Donatello: David, 1440, realizada en bronce, 1.58 m (Museo de Bargello, Florencia). Su significado se
podría interpretar como expresión del tema medieval e incluso renacentista, el cual se identificaba
como el triunfo de David con el triunfo de Cristo sobre el pecado y la muerte. Este tema será también
desarrollado por Verrochio y Miguel Ángel.

22
ANDREA VERROCCHIO (1435-1488)
Artista polifacético (orfebre, pintor y escultor) con un taller propio (en el cual estudio
Leonardo), Verrocchio comenzó como orfebre-platero, pero es básicamente un maestro
del bronce, por lo que sobresale su faceta de modelista y de escultor, siendo Donatello su
punto de referencia para su obra. Fue maestro de Leonardo, Perugino y Boticelli. Sus
obras están impregnadas de sensualidad, movilidad y de una adaptación personal de lo
antiguo.

Verrocchio: Monumento ecuestre de Colleoni, 1479-1488. Hecha de bronce, 4 m (Campo de San Juan
y San Pablo, Venecia). El Colleoni, de colosales proporciones, es un personaje rígido, apoyado en los
estribos, se encarama erguido sobre la silla de su caballo.

23
 Verrocchio: David, 1476, Bronce, 1.26 m (Museo del Bargellio, Florencia) Repite
aquí el tema de Donatello.

OTROS ARTISTAS
Durante el siglo XV, en la misma Florencia, otros artistas desarrollaron obras diganas de
mención, como Nanni di Bianco o los hermanos della Robbia.
Los hermanos della Robbia, principalmente Luca, trabajan en terracotas (O porcelana)
vidriadas polícromas, sin olvidar también el mármol. El aspecto realista que usan en sus
obras son de un carácter más ornamental y, en cierto modo, las figuras adquieren una
mayor delicadeza. Sus temas son apropiados para la técnica: vírgenes con el niño,
ángeles, niños, entre otros, todas impregnadas de suavidad y dulzura. En sus esculturas
reservan el color blanco para las figuras y los colores frecuentemente para los fondos.

24
 Luca della Robbia: Cantoría del duomo de Florencia, 1430-1438. En esta obra, todos los
ángeles están poseídos por una serena armonía entonando el Salmo 150, que aparece en lo
largo del marco: Laudate Dominum.

ARTISTAS PRINCIPALES DEL CINQUECENTO

MIGUEL ÁNGEL (1475-1564)
Miguel Ángel nace en Caprese (Arezzo) en 1475. Su padre era un funcionario (podestá)
de Florencia, por lo que pertenecía a una familia de clase media alta.
Para Miguel Ángel el arte es síntesis: el arte lo abarca todo, por lo que se verá obligado a
mantener una constante búsqueda de valores plásticos, de sentimientos interiores y de
lucha por la salvación.

25
“Si a esto añadimos que la relación del hombre con Dios es tragedia y tensión, nos
hallaremos ante una de las claves que ayudan a comprender su vida”.
Miguel Ángel es fundamentalmente escultor y entenderá el proceso del Arte, y del
hombre, como liberación de la imagen, del espíritu, del peso hostil de la materia, donde
eta contenida. No se puede olvidar las aportaciones de Miguel Ángel en el campo
arquitectónico, al literario y al filosófico, ya que en sus obras se encuentra el simbolismo
neoplatónico inicial como la controversia religiosa de sus últimas obras. Sus escultura y
pintura esta unidas por un lazo común: que es la manera de sentir y expresar el espacio.
Entre 1489 y 1492, comienza con sus estudios en el “Jardín de los Médics”. Y allí
aprende las leyes de la anatomía a través de la escultura de los clásicos y a través de la
investigación directa del cuerpo humano: diseccionaba cuerpos y hacia una serie de
dibujos de modelos que tratan de captar los secretos de la figura humana.
“Gracias a su memoria, concentración y retentiva portentosas, en adelante no habrá
actitud ni movimiento que encuentre difícil dibujar. Es más, las actitudes y posturas
atrevidas estimularan su ambición artística”.

Miguel Ángel: La Virgen de la escalera. 55 x 40 cm. Obra en mármol, (Casa Buonarrotti,

Florencia).

26
Luego de algunas breves estancias en Roma, Miguel Ángel entrará en una fase de
creación que se puede definir como la culminación del Renacimiento. A este momento
pertenecen dos de sus grandes creaciones: Baco y La Piedad.
En el año 1501 regresa a Florencia, donde se ha instaurado la República, presidida por
Piero Sandoreni, amigo de Miguel Ángel. La rica corporación de mercadores de la lana,
encargada del mantenimiento de la ciudad le encomienda el encargo de crear un símbolo
para Florencia. Miguel Ángel elige la figura bíblica de David. Y tras tres años de trabajo,
el David fue trasportado a la Piazza de la Signoria.
En esos años florentinos, Miguel Ángel recibe diversos encargos privados, como el Tondo
Pitti y el Tondo Taddei.

Miguel Ángel: Baco, 1496-1497. Hecho de mármol, 2.03 m (Museo de Bargello, Florencia).
Realizada para el banquero Jacobo Galli.

27
Miguel Ángel: La Piedad, 1498-1499. Mármol, 1.74 m de altura y 1.95 m de base (Basílica de San Pedro
del Vaticano.

El tema proviene del Gótico final: el cadáver de cristo está en brazos de María, descansa sobre sus rodillas
dobladas transmitiendo pesadez, como si estuviera dormido. María es una figura llena de juventud, que
contrasta con la mayor edad de su hijo, lo cual se puede interpretar como un recurso formal para hablar
sobre la niñez de Cristo o quizá queriendo indicar la pureza inmaculada.

28
Miguel Ángel: David, hecha en mármol, 4.10 m (Museo de la Academia, Florencia).

El autor expresa a David estudiando a su rival en un momento de máxima concentración y energía,

como preparando las fuerzas para el asalto, con ira. No representa la acción, sino la intención, la
tensión que trata de vencer la rémora de la materia: por es la figura es musculosa.

29
Miguel Ángel: Piedad del duomo de Florencia, 1550-1555. Mármol (Museo de la Ópera, Florencia)

Conjunto escultórico formado por cuatro figuras, donde al parecer Miguel Ángel le presta su rostro a la
representación de José de Arimatea. A la derecha, la figura de María Magdalena, representando la vida
terrenal; a la izquierda la figura de María, su madre, simbolizando la muerte y la suprema liberación del
alma.

30
 OTROS ESULTORES DEL SIGLO XVI
En el panorama de escultórico del siglo XVI pueden distinguirse dos formas de esculpir:
 Algunos artistas siguen con la idea clasicista, la continuación de una forma de
hacer siguiendo las pautas de las fuentes antiguas y teniendo en cuenta el ideal
clásico. Son artistas que esculpen obras donde lo que priva es la ornamentación.
 Otro grupo de artistas, de tendencia manierista, siguen el estilo de Miguel Ángel,
Leonardo y Rafael. Estos mantienen una postura de reacción ante el clasicismo en
nombre de una nueva estética, una nueva creatividad con respecto al
quattrocentismo y al clasicismo.
Entre todos estos artistas destaca Jacopo Tati Sansovino (1486-1570). Es un escultor de línea
clásica, huido a Venecia tras el Saco de Roma, que trabaja en terracota y bronce. Entre sus
obras esta Neptuno y Marte, figuras esculpidas para las escaleras del patio de los Dux, y las
estatuas de la plaza de San Marcos, que destaca El Mercurio, el cual está inspirado de David
de Donatello. Otros de los escultores son: Benvenutto Cellini (1500-1571), Juan de Bologna
(1529-1608) y el español Berruguete.

LA ESCULTURA RENACENTISTA EN ESPAÑA

Lo más destacado de la escultura renacentista española es su abundante producción en
retablos, sepulcros, silleras de coro e imaginería. El material más utilizado es la madera
policromada, que la dota de una gran capacidad de expresión de sentimientos espirituales que
la aproximan al pueblo.
En una misma obra pueden intervenir diferentes oficiales. Por ejemplo, para la realización de
un retablo se necesita un arquitecto o tracisto, un escultor, un dorador o un pintor.
El tema fundamental es el religioso, también heredado de la tradición gótica.

LOS ARTISTAS ITALIANOS

Domenico Fancelli: su formación es florentina y se caracteriza por su sentido decorativo,
unido a un modelo blando y esfumado. Crea un tipo de sepulcro con esquema de arco
triunfal simbolizando la idea renacentista del triunfo sobre la muerte.

31
 Fancelli: Sepulcro de los reyes católicos (Capilla Real, Granada)

Pietro Torrigiano: artista violento, de espíritu atormentado, que entronca con la

expresividad del Gótico final y de las últimas obras de Donatello.
Ejercerá una gran influencia en el Barroco sevillano por el estudio anatómico y el interés
por reflejar tensión y movimiento.
CONSECUENCIAS Y EVOLUCION DEL ESTILO
En el último tercio del siglo XVI, las enseñanzas de los autores españoles de la primera
mitad de la centuria se unen al desarrollo del Manierismo, principalmente debido a la
influencia de Miguel Ángel, que se extiende por todo el país. Este nuevo arte entronca
con los ideales de la contrarreforma y pervive de tal manera que enlazara con los
escultores naturalistas del siglo XVIII.
Paralelamente al manierismo miguelangelesco, se desarrolla un foco cortesano centrado
en las grandes empresas de El Escorial, que seguirá un camino diferente y servirá como
vehículo de propaganda de los grandes proyectos de la Monarquía.

32
 2. EL RENACIMIENTO EN NUEVA ESPAÑA
El renacimiento impulsa a los hombres de los siglos XV y XVI a intentar y realizar el
descubrimiento, de la conquista y de la colonización, el nuevo mundo, con el asombro que
provoca.
América, por su sola presencia y existencia, la exploración y conquista, con todo lo que
significó de aporte geográfico, histórico y étnico, ofrecieron a la cultura occidental nuevos
campos donde extender e irradiar su acción; motivos y acción que, a su vez, impregnan a esa
cultura con matices jamás conocidos.
A comienzos del siglo XVIII, tras la extinción de la casa de los Habsburgo y el ascenso de los
Borbones en España, se aplicaron una serie de reformas en Nueva España.
Tras la destrucción del Imperio Azteca y el sometimiento de los nativos, los conquistadores
españoles se dispusieron a derribar la antigua capital azteca, y fundar una nueva ciudad de
aspecto europeo, Ciudad de México.
Los europeos trajeron alimentos, animales y utensilios que no se conocían; se impuso una
nueva religión; la mezcla racial dio origen a otra raza, la mestiza, y se organizó el territorio
conquistado con una nueva forma de gobierno; el Virreinato.

33
 2.1 CARACTERISTICAS DE LA NUEVA ESPAÑA
El Virreinato de la Nueva España (1535-1821) fue una entidad territorial del imperio español,
que se estableció después de la conquista y abarcó territorios de Norteamérica,
Centroamérica, Asia y Oceanía. Durante los tres siglos de colonización española gobernaron
el imperio dos familias reales: la de los Habsburgo y la de los Borbón y en la Nueva España
63 virreyes fueron quienes gobernaron en este periodo de tiempo que abarco del siglo XVI al
XIX todos provenientes de la alta nobleza castellana.
Los reyes gobernaron México, desde España, basándose en los informes que recibían y
delegaron su autoridad en instituciones que actuaban en su nombre.

La institución que le seguía al Rey en el gobierno de las colonias americanas, fue el Real y
Supremo Consejo de Indias, integrado por un grupo de ministros nombrados por el rey, sus
funciones abarcaban toda clase de asuntos, administrativos, financieros y eclesiásticos, sus
decisiones, sentencias, leyes y acuerdos, representaban la voluntad real.6

Entre otras características de la época Virreinal se encuentran:

Organización del poder en la época de la Nueva España

Conquista militar: Sojuzgar a los indígenas, 1521-1667

Conquista espiritual (evangelización): Llegada de órdenes religiosas.
Labores de los frailes: Aprender lenguas indígenas, traducir la Biblia, cristianizar, construir
escuelas y enseñar oficios.
Orden político: Se establece el virreinato en nueva España
Labores del virrey: Defender fronteras, nombrar funcionarios, vigilar haciendas, estar al tanto
de los asuntos de la iglesia, rendir cuentas al rey.

34
Actividades económicas: Minería, ganadería, agricultura, comercio.
Mercantilismo: Acumulación de bienes para la subsistencia del país.
Organización social:
1. Virrey y políticos peninsulares.
2. Criollos con cargos políticos menores y sacerdotes.
3. Indígenas.
4. Mestizos y negros.
Inquisición: Institución que defiende al catolicismo de otras religiones.

35
 3.1. EL ARTE MEXICANO DEL SIGLO XX BAJO LA INFLUENCIA
RENACENTISTA
LA CUESTIÓN DEL ARTE EN MÉXICO
Para poder tratar la cuestión de la pintura en México en un terreno objetivo y racional, es
necesario precisar de antemano ver las características propias de la misma y su valor social,
naturalmente, todas las actividades que se conocen y clasifican para la denominación de arte.
Esta actividad es capaz de provocar emociones, asociadas con ideas y en realidad, de toda
la escala de actividades cerebrales, desde el registro de la percepción de un olor, un sabor, un
color, una forma, un sonido o hasta el profundo de los pensamientos.
El arte provoca en los humanos una mayor sensibilidad e inteligencia en razón directa con
la atracción que llegué a tener, una mayor observación a la situación social que atraviesa y la
que podría tener si se pudiera ordenar el funcionamiento de la sociedad en la que convive si
se logran cumplir las demandas y beneficios que pide la comunidad.
Es decir, el arte socialmente hablando, tiene un contenido característico progresista, ya que
no hay progreso subversivo15, es decir sin revolución.
A causa de esto el arte se manifiesta más libremente con mayor potencia expresiva, con
mayor contenido vital, y mayor cantidad de observación de los movimientos y caracteres
distintos de los seres vivos, antes de que la sociedad viera consolidados sus estratos y
finalmente de divirtieran en clases.
El arte de la sociedad aún no dividida en clases, jamás ha sido igualado, ni aun de lejos, por
el de épocas posteriores, a pesar de los grandes progresos técnicos. El arte de las cavernas es
de un realismo y una veracidad tan grande, que la justeza manual de los movimientos de los
seres que representó ha sido confirmada con exactitud matemática en nuestro tiempo, gracias
a las cámaras de hoy en día, hemos sido capaces de registrar los movimientos de los cuerpos
en el espacio en cuestión de segundos.
Desde aquella época y con un objeto de controlar su poder subversivo y derivarlo al
servicio de sus intereses, desviándolo de su trayectoria natural progresiva y ascendente, todos
los individuos, grupos, castas o clases de poder, cualquiera que sea la fisonomía distinta del
gobierno desde el que ejercen ese poder, han tratado de someter al arte a sus dictados,
convirtiéndolos de su categoría natural de agente libertado.
El arte de México del periodo actual nació con la revolución agrario-democrático-burguesa
de México. El magnífico, aunque semifallido y doloroso sobresalto nacional para un país,
rindió frutos. México volvió los ojos sobre sí mismo, buscando en sí sus recursos propios. Se
reavivó su tradición de antes de la invasión europea en las artes, porque contenía elementos
que eran propios. Su revolución tenía que tener forzosamente un sentido antimperialista16,
porque un país colonia o semicolonial, la exaltación de todo elemento nacional, tiene
forzosamente un contenido antimperialista, es decir revolucionario.
_____________________________________________________________________________
15Subversivo, se refiere a un proceso por el que los valores y principios de un sistema establecido, se invierten, y se relaciona con una
revuelta o una destrucción. 16Antimperialista, El pensamiento antiimperialista está estrechamente vinculado al cuestionamiento de los
mecanismos de dependencianeocolonial caracterizados por mecanismos de sujeción económicos y financieros, así como a los llamados
procesos de liberación nacional.

36
 En el arte, ese esfuerzo de definió en el movimiento muralista iniciado en 1921-1922; pero entonces
su calidad formal era de mucho más valor que su contenido. Conservaba aún la impronta evidente de
los miles de años de arte religioso que lo antecedieron, las obras de todos los muralistas, sin una sola
excepción, testificaban la realidad de este fenómeno.
La revolución agrario-democrático-burguesa degeneraba en "bonapartismo17" con Carranza,
Obregón y Calles; la pequeña burguesía campesina pobre, los "rancheros" y los campesinos sin tierra,
continuaron luchando contra el bonapartismo de Carranza, Obregón y Calles, capitalizaron esta
resistencia heroica de los campesinos de Zapata y Villa (Villa en cierto modo, solamente), para
liquidar a Carranza apoyándose en las izquierdas campesinas y obreras, previamente divididas por la
intriga gubernamental, para abrir paso a la consolidación de la burguesía. Faltaba la masa campesina
un estado mayor revolucionario, de él carecía también el movimiento obrero sindical.

Se representan a los personajes importantes de la época (Porfirio Diaz), los revolucionarios (Francisco I. Madero, Alvaro Obregon,
Venustiano Carranza, etc.) así como ciudadanos (William C. Greene, Rafael Izabal, etc.) que tuvieron influencia durante este tiempo

_______________________________________________________________________________________________________________________________
17Bonapartismo: El bonapartismo es una ideología política inspirada en la política llevada a cabo por el emperador francés Napoleón I.

37
 3.1.1 PRINCIPALES MURALISTAS MEXICANOS Y SUS
OBRAS
Diego Rivera
Fecha de nacimiento: 8 de diciembre de 1886, Guanajuato, México
Fallecimiento: 24 de noviembre de 1957, Ciudad de México, México
En 1921 hizo un decisivo viaje a Italia, donde absorbió las enseñanzas de los maestros
antiguos, de cuya obra realizó estudios que lo llevaron a idear su propio estilo.
A mediados de ese año, Rivera volvió a México y se integró al programa cultural del
gobierno encabezado por el ministro de Educación, José Vasconcelos. El programa buscaba
impulsar las riquezas culturales de México.

Obras principales

Su obra"El baile en Tehuantepec" rompió récord al ser subastada por 15.7 MDD

38
 Esclavitud en el trapiche

Detalle Central Del Palacio de Bellas Artes

39
 Historia y Perspectiva de México

Escuela Nacional de Agricultura, Chapingo, México, Revolución

40
 Mural en la UNAM

José Clemente Orozco

Fecha de nacimiento: 23 de noviembre de 1883, Ciudad Guzmán, México
Fallecimiento: 7 de septiembre de 1949, Ciudad de México, México
Unido por vínculos de afinidad ideológica y por la propia naturaleza de su trabajo artístico a
las controvertidas personalidades de Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y Rufino Tamayo,
José Clemente Orozco fue uno de los creadores que, en el fértil período de entreguerras, hizo
florecer el arte pictórico mexicano gracias a sus originales creaciones, marcadas por las
tendencias artísticas que surgían al otro lado del Atlántico, en la vieja Europa

Khatarsis

41
Las trincheras, Escuela Nacional Preparatoria, Ciudad de México, Planta baja, Patio Principal

La quema de los judas, Segundo patio, planta baja

42
Trilogía, Escuela Nacional Preparatoria, Ciudad de México, Planta baja, Patio Principal

La maestra rural, SEP CDMX, Primer Patio, Planta baja

43
 Hidalgo, Palacio de Gobierno de Guadalajara

David Alfaro Siqueiros

Fecha de nacimiento: 29 de diciembre de 1896, Camargo, México
Fallecimiento: 6 de enero de 1974, Cuernavaca, México

En 1914, con apenas dieciséis años, se alistó en el ejército constitucionalista para luchar en la
Revolución mexicana, una experiencia que le llevaría a descubrir "las masas trabajadoras, los
obreros, campesinos, artesanos y los indígenas... (y, sobre todo), las enormes tradiciones
culturales de nuestro país, particularmente en lo que se refiere a las extraordinarias
civilizaciones precolombinas."
Pero si importante fue la influencia de este hallazgo en años clave para su formación, no lo
fue menos la huella que dejaron en él los tres años que pasó en Europa, hacia donde partió en
1919. La suma de ambas experiencias determinó por igual su pensamiento artístico, que
cristalizó en el manifiesto que publicó en Barcelona en la revista Vida Americana en mayo de
1921, coincidiendo con los primeros encargos de José Vasconcelos.

44
-

Retrato de la Burguesía

Eco de un grito (1937)

45
 La Tortura de Cuauhtémoc

De la dictadura de Porfirio Díaz a la Revolución

46
 Lucha por la emancipación

EL MURALISMO MEXICANO Y SU INFLUENCIA EN EL SIGLO XX

El muralismo, se desarrollado en la primera mitad del siglo pasado, colocó a nuestro país en
la vanguardia de la historia del arte plástica porque influyó en artistas de otros países, quienes
usaron la técnica para plasmar las luchas sociales en sus naciones, como Cuba, Nicaragua,
Paraguay, Puerto Rico, Argentina, Alemania, Italia, Irlanda, España, Japón, Irán y muchos
más.
Irma Fuentes, investigadora del Centro Nacional de Investigación, Documentación e
Información de Artes Plástica, indicó que “la corriente pictórica18 surgió para contar y
documentar la historia del pueblo mexicano después de la revolución a través de imágenes de
acontecimientos, luchas político-sociales, asuntos religiosos y culturales”.
Esta forma de expresar logros y derrotas políticas, sociales, culturales y económicas
impactó en el mundo, principalmente en los países que, en diferentes periodos del siglo
pasado, tuvieron un contexto histórico de opresión similar al de México, indicó Leticia López
Orozco, investigadora del Instituto de Investigaciones Estéticas de la UNAM.

_________________________________________________________________________________
18Pictórica, Si hablamos del arte pictórico, de este modo, nos estaremos refiriendo a aquellas manifestaciones expresivas que se desarrollan

con pintura.

47
 El muralismo mexicano ha tenido un gran impacto en el arte. Primero, los tres grandes
fueron innovadores en su campo. Diego Rivera innovó en el cubismo, experimentando con la
fractura de la forma, el uso de varios puntos de perspectivas, y la integración de la política en
su arte. José Clemente Orozco experimentó con el realismo social, explorando el uso del arte
como un arma para el cambio político. David Alfaro Siqueiros usó nuevas tecnologías como
aerógrafos, pistolas de proyección, y proyectores para crear sus obras.

En el mundo político
En adición, el muralismo mexicano causó un resurgimiento masivo de arte moderno y
político. Rivera, Orozco y Siqueiros inspiraron una nueva generación de artistas para estudiar
y experimentar con nuevos tipos de arte, y especialmente el muralismo.
El muralismo mexicano también aumentó el fuego del comunismo y el liberalismo en
América del Sur, provocando protestas, movimientos, y en algunos casos cambio
gubernamental. Más concretamente, el muralismo mexicano condujo a un resurgimiento del
muralismo en lugares tan lejanos como Irlanda del Norte, Alemania, e Irán como una fuerza
para el cambio social y político.
En los Estados Unidos
El muralismo mexicano también ha tenido un gran impacto en los Estados Unidos. En
adición de los murales pintado por los tres grandes en los Estados Unidos, por ejemplo, los
murales de Orozco en la Universidad de Dartmout, todos hemos visto murales en el metro y
parques alrededor de Nueva York. Durante la Gran Depresión en los Estados Unidos, el gobierno trató
de aumentar el empleo y la economía por comenzar “proyectos de obras públicas.” Unos de los
proyectos que el gobierno contrató que hiciera la gente era crear murales, una idea inspirada por el
muralismo mexicano. Por eso, podemos ver cientos de murales alrededor de los Estados Unidos,
pintados durante la Gran Depresión. Este gran arte y una gran parte de la cultura americana moderna
es a causa del muralismo mexicano

Mural en la Universidad de Dartmouth por José Clemente Orozco

48
Otro efecto del muralismo mexicano en los Estados Unidos era el muralismo chicano19. En
los 1960s estudiantes mexicanos en California comenzaron un movimiento llamado “el
movimiento chicano” para promover su valor en la sociedad americana. Inspirado por el
muralismo mexicano, estos estudiantes decidieron en el muralismo como un método de
comunicar su mensaje y creencias.

_________________________________________________________________________________
, Que es de origen mexicano y habita en Estados Unidos de América
19Chicano

49
 CONCLUSIÓN

No nos cabe la duda de que el renacimiento fue una época en la historia dónde hubo un
gran florecimiento respecto a las artes, ciencias, política, educación, etc. Italia siendo la
cuna de las ideas en aquella época entre los siglos XIV, XV, logro desvelar a grandes
mentes de la época tales como Leonardo da Vinci, Rafael y Miguel Ángel, por mencionar
a algunos, siendo estos muy relevantes de la época.
El renacimiento no solo logró mantener su presencia en Europa, sino que llego a América
en los tiempos del Virreinato siendo así una nueva influencia y auge para la Nueva
España siendo que aún se mantiene cierta esencia de ese arte e influencia en nuestros más
recientes trabajos como mexicanos.

50
 GLOSARIO
Antropocentrismo: Pensamiento que afirma que el ser humano es el centro del cosmos.
Teocentrismo: Pensamiento que pone a Dios o a una divinidad como el centro de la realidad y de todo
pensamiento y actividad del ser humano.
Mecenazgo: Protección o ayuda económica que ejerce un mecenas.
Decoro: Comportamiento adecuado y respetuoso correspondiente a cada categoría y situación.
Almohadillado: una almohadilla es la parte saliente de un sillar de piedra que se dispone en un
paramento proyectado hacia el exterior con al menos una de sus caras sin labrar, para luego ser tallado
para formar molduras decorativas
Guirnaldas: un arreglo convencional de flores, de follaje o de fruta unidos y suspendidos por cintas,
adornados por un nudo o sostenidos por bocas de leones

Baptisterio: Zona en el interior de una iglesia donde se encuentra la pila bautismal y tiene lugar la
ceremonia del bautismo.

Orfebre: Persona que tiene por oficio hacer o vender objetos artísticos de oro, plata u otros metales
preciosos.
Ecuestres: Se aplica a la figura o estatua que está representada sobre un caballo
Subversivo, se refiere a un proceso por el que los valores y principios de un sistema establecido, se
invierten, y se relaciona con una revuelta o una destrucción.
Antimperialista, El pensamiento antiimperialista está estrechamente vinculado al cuestionamiento de
los mecanismos de dependencia neocolonial caracterizados por mecanismos de sujeción económicos y
financieros, así como a los llamados procesos de liberación nacional.
Bonapartismo: El bonapartismo es una ideología política inspirada en la política llevada a cabo por el
emperador francés Napoleón I.
Pictórica, Si hablamos del arte pictórico, de este modo, nos estaremos refiriendo a aquellas
manifestaciones expresivas que se desarrollan con pintura.
Chicano, Que es de origen mexicano y habita en Estados Unidos de América

51
 FUENTES REFERENCIALES
Recuperado de: https://convistasalmundotictac.files.wordpress.com/2011/12/el-arte-
renacentista-ciencias-sociales-4c2ba-de-eso-equipo-1-alberto-benito-cristina-desirc3a9e-
andrea-flc3b3rez-marcos-vc3a1zquez.pdf
Virreinato de la nueva España recuperado de:
https://portalacademico.cch.unam.mx/alumno/historiademexico1/unidad3/virreinatonovohisp
ano/virreinato
Arte renacentista recuperado de: http://arteinternacional.blogspot.mx/2012/01/arte-
renacentista-italiano.html
Arquitectura/Pintura/Escultura recuperado de: libro Historia del arte, Antonio Figueroba
Figueroba

52
 Figueroaba, A. Fernandez, M (1996)

“Historia del Arte 2 ° de Bachillerato”, p. 163

El arte Renacentista Europeo

Historia del Arte 2° de Bachillerato

«El Renacimiento despertará un nuevo interés científico por la naturaleza, realidad, el ansia por
conocer en vez de contemplar, y que el conocimiento estuviera basado en la observación y en la
razón. »

________________________________________________________________________________
Benito, A. Desireé, C. Flórez, A. Vázquez, M (2011)

“El Arte Renacentista”, pp. 3-5

Etapas del Renacimiento

El Arte Renacentista

El Quattrocento (siglo XV):

En esta los autores describen El Quattrocento como la etapa renacentista donde aparece la corriente
humanista, en esta el hombre es el centro del universo siendo el punto más importante de la
existencia, entrando así el antropocentrismo.

Estas influencias ideológicas se manifiestan en la aparición del artista y su expresión. La mayor parte
de la actividad artística se va a desarrollar en Florencia, y las ciudades del norte de Italia, que se
convertirían en los principales centros artísticos de la época.

________________________________________________________________________________

Benito, A. Desireé, C. Flórez, A. Vázquez, M (2011)

“El Arte Renacentista”, pp. 3-5

Etapas del Renacimiento

El Arte Renacentista

El Cinquecento (primera mitad del siglo XVI):

Los autores exponen que este período se desarrollo casi por completo en Roma, debido al
mecenazgo de los Papas, que eran en ese entonces sus principales contratistas de obras. En esta
época, los elementos clásicos de la Edad Media van a ser ejecutados de una manera más libre por el
artista.

________________________________________________________________________________

53
 Benito, A. Desireé, C. Flórez, A. Vázquez, M (2011)

“El Arte Renacentista”, pp. 3-5

Etapas del Renacimiento

El Arte Renacentista

El Manierismo (segunda mitad del siglo XVI):

Los autores mencionan que este periodo renacentista se caracteriza por tener la mayor libertad de
expresión ante los artistas, dentro del decoro que supone el realizar principalmente obras religiosas,
aun con esto en mente, el artista creaba sus obras combinando los elementos clásicos del periodo
anterior. Durante esta etapa, el artista no buscará las líneas rectas y clásicas, sino que buscará algo
nuevo y sorprendente, fuera de lo común.

________________________________________________________________________________

Warleta, I (2012)

“ARTE RENACENTISTA”, p. 1

Características generales del arte renacentista

ARTE RENACENTISTA

 Vuelta a la antigüedad no solo en lo estético, sino también en lo social, hay apropiación de

los valores clásicos, de sus formas y de sus símbolos. Es la vuelta al arte por el arte.
 Se aplica la razón a la realización de las obras.
 Las matemáticas lo rigen todo, la medida y la proporción llevarán al interés por el estudio de
la perspectiva lineal que a su vez derivará en la búsqueda de la tercera dimensión en la pintura.
 Amor a la naturaleza, culto al espíritu y recreación del alma: se busca la belleza. Es un arte
realizado para la contemplación.
 Concepción del mundo de forma realista, la ciencia busca el por qué de las cosas.
 Pasa de ser una obra al servicio de la teología a tener un fondo personalista e ideológico. No
trata de llevar al hombre a la salvación, sino que la recrea.
 El artista tiene libertad interpretativa, aunque esté ligado económicamente a un mecenas.

CARACTERÍSTICAS DE LA NUEVA ESPAÑA

54
 S/autor aparente (2017)

“Origen y características del virreinato de la Nueva España”, p. 1

Características generales

Origen y características del virreinato de la Nueva España

«El Virreinato de la Nueva España (1535-1821) fue una entidad territorial integrante del
imperio español, que se desarrolló durante los siglos XVI al XIX, fue creado después de la
conquista y abarcó territorios de Norteamérica (parte de Estados Unidos y México) de
Centroamérica, Asia y Oceanía. Durante los tres siglos de colonización española gobernaron
el imperio dos familias reales: la de los Habsburgo y la de los Borbón y a la Nueva España
63 virreyes todos provenientes de la alta nobleza castellana.»

________________________________________________________________________________
S/autor aparente (2017)

“Origen y características del virreinato de la Nueva España”, p. 1

Características generales

Origen y características del virreinato de la Nueva España

«El gobierno de la Nueva España fue una organización amplia y compleja, formada por
diversos organismos que llegaban hasta las más pequeñas localidades novohispanas. Durante
la etapa colonial, el Rey de España fue la principal autoridad, con un poder absoluto, su
voluntad no tenía límites legales y constituía una ley suprema. Los reyes gobernaron México,
desde España, basándose en los informes que recibían y delegaron su autoridad en
instituciones que actuaban en su nombre. »

________________________________________________________________________________

Historia del arte, Antonio Figueroba Figueroba

ESCULTURA RENACENTISTA EN EUROPA
El desarrollo de la escultura en el Renacimiento se dio en el lugar de Florencia, a causa de los
abundantes encargos realizados por la catedral, el baptisterio y el exterior de la iglesia de Or
San Michele. En las obras que se realizan con motivo de dichos encargos se ponen de
manifiesto nuevos rasgos, nuevas maneras de ver las figuras en su relación con el espacio en
las que se envuelve, nuevas formas inspiradas en el clasicismo griego, nuevos conceptos
transmitidos entre residuos góticos.
Pp. 188, la escultura del renacimiento
_________________________________________________________________________________

55
 Historia del arte, Antonio Figueroba Figueroba
ARTISTAS PRINCIPALES DEL QUATTROCENTO
LORENZO GHIBERTI
Ghiberti (1378-1455) hombre polifacético, como correspondía al buen humanista, fue un
arquitecto, escultor, pintor, comentarista de arte.
DONATELLO (1382-1446)
Llamado verdaderamente como Donato di Niccoló Bardi, Donatello es la compleja
personalidad artística del siglo XV en Italia: “Yo soy patriarca en mi arte como vos los sois
en el vuestro, le dirá al Patriarca de Venecia”.
ANDREA VERROCCHIO (1435-1488)
Artista polifacético (orfebre, pintor y escultor) con un taller propio (en el cual estudio
Leonardo), Verrocchio comenzó como orfebre-platero, pero es básicamente un maestro del
bronce, por lo que sobresale su faceta de modelista y de escultor, siendo Donatello su punto
de referencia para su obra.
La escultura del renacimiento
_________________________________________________________________________________

Historia del arte, Antonio Figueroba Figueroba

ARTISTAS PRINCIPALES DEL CINQUECENTO
MIGUEL ANGEL (1475-1564)
Miguel Ángel nace en Caprese (Arezzo) en 1475. Para Miguel Ángel el arte es síntesis: el
arte lo abarca todo, por lo que se verá obligado a mantener una constante búsqueda de valores
plásticos, de sentimientos interiores y de lucha por la salvación.
La escultura del renacimiento
________________________________________________________________________________

Historia del arte, Antonio Figueroba Figueroba

LA ESCULTURA RENACENTISTA EN ESPAÑA
Lo más destacado de la escultura renacentista española es su abundante producción en
retablos, sepulcros, silleras de coro e imaginería. El material más utilizado es la madera
policromada, que la dota de una gran capacidad de expresión de sentimientos espirituales que
la aproximan al pueblo.
En una misma obra pueden intervenir diferentes oficiales. Por ejemplo, para la realización de
un retablo se necesita un arquitecto o tracisto, un escultor, un dorador o un pintor.
El tema fundamental es el religioso, también heredado de la tradición gótica.
La escultura del renacimiento
_________________________________________________________________________________

56
 Historia del arte, Antonio Figueroba Figueroba

PINTURA RENACENTISTA EN EUROPA

El renacimiento es un movimiento fundamentalmente italiano que rompe con el pasado
medieval.
A partir de este la pintura adquiere una mayor arte de ciudadanía con el ascenso de la
burguesía que influiría en el desarrollo de la pintura.
Pp. (201), la pintura del renacimiento
_________________________________________________________________________________

Historia del arte, Antonio Figueroba Figueroba

LA PINTURA EL QUATROCENTTO
El arte pictórico en el renacimiento evocación de lo antiguo, observación de la naturaleza de
manera que se refleje en la pintura.
El dominio de la perspectiva.
Circunscribir con líneas y teñir con colores la superficie de apariencia semejante a cada
cuerpo
pp. (202-203), la pintura del renacimiento
_________________________________________________________________________________

Historia del arte, Antonio Figueroba Figueroba

PRINCIPALES ARTISTAS
Masaccio(1401-1428)
Padre de la pintura del 4400, iniciador del renacimiento.
Paolo Ucello(1396-1428)
Representaba temas de batalla, donde le interesaban las líneas verticales y horizontales.
Fra Angélico (1395/1400-1445)
Pintor de la vida terrenal de Jesús.
Sandro Botticelli (1445-1510)
Maestro del quatrocentto y cinquecento, reflejo de la pintura literaria y naturalista.
PP.(204-207), la pintura del renacimiento.
_________________________________________________________________________________

Historia del arte, Antonio Figueroba Figueroba

57
La pintura en el cinquecento
Leonardo la belleza visible (1452-1510)
Defensor de la excelencia del arte pictórico sobre las demás artes, para da vinci la pintura era
una actividad intelectual que reproduce la realidad.
PP.(208-209), la pintura del renacimiento
_________________________________________________________________________________

Historia del arte, Antonio Figueroba Figueroba

Obras importantes de Leonardo Da Vinci
La virgen de las rocas; obra que no se habla de la belleza ideal.
La última cena; momento en que Jesús comunica a sus discípulos que uno de ellos lo va a
traicionar.
La Gioconda; retrato entre la idealización y el realismo.
pp. (210), la pintura del renacimiento.
_________________________________________________________________________________

Diego Rivera, Textos de Arte, Tomo I, 1196,

La cuestión del arte en México, p. 342-350

La cuestión del arte en México

"Para tratar la cuestión de la pintura en México en un terreno objetivo y racional, es necesario
precisar de antemano su naturaleza intrínseca y valor social, que son, naturalmente, los que
corresponden a toda la actividad humana que se conoce y clasifica bajo la denominación de
"arte".
Esta actividad produce conjuntos de hechos físicos capaces de suscitar emociones,
asociados de ideas y en realidad toda la escala de actividades cerebrales, desde el registro de
la percepción de un olor, un sabor, un color, una forma, un sonido, hasta las más complicadas
elucubraciones intelectuales o las más altas formas complejas de la matemática.
El arte socialmente provoca que al ser humano una agudización de su sensibilidad y su
inteligencia en razón directa de la frecuencia de las emociones estéticas que se obtengan, una
mayor observación de los hechos que rodean sus vidas, a un mayor deseo de su satisfacción
de los placeres que pude obtener por medio de sus sentidos, y como "colorario" de esto
desarrolla en él la facultad de crítica, por análisis, inducción y deducción y comparación
entre la situación social por la que atraviesa y la que podría gozar si pudiera ordenar el
funcionamiento social de acuerdo con sus demandas de satisfacciones y beneficios.
Es decir, el arte socialmente hablando, tiene un contenido "intrínseco" progresista, es decir
subversivo, ya que no hay progreso sin subversión organizada, o sea revolución."

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 CRONOGRAMA FECHAS

NOVIEMBRE DICIEMBRE

ACTIVIDADES

2 2 2 2 3 1 4 6 7 8 9 1 1 1
1 3 5 8 0 0 1 2

Inicio de la segunda oportunidad

Replanteo del escrito

Análisis del replanteo

Entrega del primer trabajo

1era corrección del escrito

Reelaboración del contenido,

objetivos y prólogo del escrito

2da corrección del escrito

Revisión de información recopilada

Filtración de información

Selección final de información

Acomodo final de escrito

Entrega final

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