The13th

UNA R E VISTA IMA GINARIA

AÑO: 4 | NÚMERO 43

ANDY WICKETT - ERALDO BERNOCCHI

CARLO VAN PUTTEN - VAST ASTEROID
MAFF - LOS MUNDOS POSIBLES
JAPAN SUICIDE | AYERMANIANA | THE DHARMA JERKS
NEBULAR SILENCE | AMANROUGE | MASSONICO
JON LINDSAY | THE FALL | SONIDOS QUE PERMANECEN Y MUCHO MÁS...
STAFF

DIRECCIÓN GENERAL
Diego Centurión
ESCRIBEN EN ESTE NÚMERO
REALIZACIÓN Y DISEÑO
Diego Centurión sobre un diseño de [ Departamento de Música ] [ Departamento de Cine ]
Julieta Curdi. Alex Bretto Nicolás Ponisio
Benjamín York José Luis Lemos
TRADUCCIÓN Darío Martinez Jimena Patiño
Rodrigo Debernardis Diego Centurión
Bernardo Jimenez Mesa Gabo Rojo [ Departamento de Literatura ]
Max Wilda Pablo Ravale
Pablo Müllner Franco Doglioli
Jefe de Departamento de Cine: Rodrigo Debernardis
Jimena Patiño. Ricardo Padilla (Oriani_K) [ Departamento de Artes Visuales ]
Jefe de Departamento de Literatura: Marina Cimerilli Diego Centurión y ARMS.
Pablo Ravale. Jairo Mansur
Jefe de Departamento de Música: [ Fotografía ]
Diego Centurión Nazarena Talice
Jefe de Departamento de Colombia: [ Departamento de Colombia ] Lily Moonster
César León Alejandro Cenizacromada Marina Cimerilli.
Bernardo Jiménez Mesa
César León
Jennifer Isania Fonseca Sánchez

COLABORAN EN ESTE NÚMERO

Pepe Navarro. RMike Pougonas, Luis Marte, Richie Thomas, Mike Bee, Emiliano Montenegro, Mark Gemini Thwaite,
Dany Punx, Lee Stevens, Zenitram, Benjamín Holton, Billy TeQuiero, Alfredo Bonillo, Carlo van Putten, Fidel Araujo,
Néstor Fernández, Rubén Torres.
CONTACTOS

issuu.com/revistath13th Instagram: facebook.com/the13thlarevista

revistathe13th@gmail.com http://www.instagram.com/revistathe13th twitter: @RevistaThe13th

Las fotografías usadas en esta Revista son propiedad de sus respectivos autores.
 EDITORIAL

Marzo 2018

Este 2018 arrancó con aires de renovación.

En este número cargado de sensaciones y emociones, segui-
mos empeñados en ir mutando para encontrar nuevas formas de
expresión denuestras ideas decómo hacer una revista completa.
En un año en donde cumpliremoslos primeros cinco años de exs-
tencia seguimos buceado en los océanos de Internet y encontran-
do bandas nuevas, removiendo nuestros recuerdos y seguimos
acercándonos a los músicos que admiramos, hemos escuchado
a muchas bandas nuevas y les hemos dado un espacio.
Traemos un gan número para este marzo.

A todos los que se animan a apoyar y creer en esta publicación

les decimos ¡Gracias!

REVISTA THE 13TH

ÍNDICE
MARK EDWARD SMITH

por José Navarro..............................................................................................................................................................06

¿QUÉ BEBER PARA ESCUCHAR MEJOR?

Melting Snow Spandau Ballet – Journeys to Glory (1981) por Maxx Wild.....................................................................10

ES MI REGALO PARA ELLA

Entrevista a Ricardo Gómez de Maff por Diego Centurión................................................................................................14

LA ESTRELLA OCULTA

Entrevista a Andy Wickett por Diego Centurión................................................................................................................20

CUANDO LAS PIEZAS SE AJUSTAN, LA MAGIA EMERGE

Entrevista a James Poulos y Mark Reback de Vast Asteroid por Benjamín York................................................................26

MASSONICO REPRESENTA LO QUE QUEREMOS SER Y HACER

Entrevista a Mauricio Valenzuela de Massonico por Benjamín York..................................................................................34

(UNA CHARLA CON) EL ARQUITECTO DE SU PROPIO SOLITARIO UNIVERSO

Entrevista a Eraldo Bernocchi por Pablo Müllner...............................................................................................................38

ROSARIO Y JULIAN NOS TRAEN LAS MÁS HERMOSAS FLORES DEL FUTURO

Entrevista a Rosario Blésfari y Julián Perla de Los Mundos Posibles por Pablo Müllner....................................................48
SANTA SANGRE ES NUESTRO MEJOR ÁLBUM

Entrevista a Japan Suicide por Benjamín York...................................................................................................................52

CULTIVANDO FLORES NEGRAS PARA LOS OÍDOS

Entrevista a Ayermaniana por Pablo Müllner.....................................................................................................................56

EL RECOMENDADO

THE DHARMA JERKS - Es una coincidencia afortunada por Diego Centurión .................................................................. 64
DESCUBRIENDO LA MAGIA

Entrevista a Carlo Van Putten de Dead Guitars por Diego Centurión...............................................................................68

MUSIC CORNER

AVE FENIX - "Duran Duran - The Wedding Álbum" por Alex Bretto. .............................................................................76

LA ANSIEDAD DE LA INFLUENCIA

CAPÍTULO 12: LA LLAMA ETERNA por Gabo Rojo. .......................................................................................................80

Entrevista
NETLABELS a Rudy Tambala
- El Futuro al(A.R.Kane)
alcance depor
un Diego
Click Centurión.............................................................................................98

NEBULAR SILENCE por Diego Centurión ......................................................................................................................... 84

LA MIRADA DE LOS OTROS

THE FALL - THE FRENZ EXPERIMENT (1988) .................................................................................................................... 88

TROPICA OBSCURA

LA GNOSIS SÓNICA DE SIXTH COMM por Alejandro Cenizacromada.. .......................................................................104

AMANROUGE. CABARET CARMÍN OSCURO Entrevista a Amanrouge por Cesar León.. ..............................................108

MATIK MATIK - DIEZ AÑOS por Bernardo jiménez Mesa.. ..............................................................................................114

SONIDOS QUE PERMANECEN

IN SEARCH OF SPACES: LA RECONSTRUCCIÓN DE FLYING SAUCER ATTACK EN VIVO por Jairo Mansur.. ...............120

"DOS, FORMATOS Y EXPERIENCIAS DE COLABORACIÓN EN DÚOS”- PARTE 2 por Jairo Mansur.. ...........................124

PALABRAS EN LA ARENA

LA MUERTE LE SIENTA BIEN:

"Arcano Trece" de Pilar Pedraza por Pablo Ravale...................................................................................................... 132

FRANCO DOGLIOLI

Bicho I - Bicho II........................................................................................................................................................... 136

CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE

EL CEREBRO REPTIL por Pablo Ravale...........................................................................................................................138

HIDDEN TRACK ............................................................................................................................................................142

RESCATE CINÉFILO
LOVE STRANGE LOVE…............................................................................................................................................146

LARS AND THE REAL GIRL. LOVE DOLL por Jimena Patiño.....................................................................................148

CRASH (1996) WARM LEATHERETE por Jimena Patiño.............................................................................................150

HEATHERS TEEN PSICHO LOVE por Jimena Patiño .................................................................................................152

LES AMOURS IMAGINAIRES. LOVE IS IN THE AIR por Jimena Patiño ......................................................................154

SCRETARY-WILLTHE REAL MR. GREY PLEASE STAND UP? por Jimena Patiño .........................................................156

ENTREPISOS.RADIO por Darío Martinez.......................................................................................................................158

CANCIÓN + BANDA por Diego Centurión..................................................................................................................162

PURA MELOMANÍA
CHILDE LEONARD TO THE SONG TOWER CAME. Leonard Cohen – I'm Your Man (1988) por Gabo Rojo...............166
CEDIENDO EL PASO A LA MADUREZ. Pearl Jam – Yield (1988) Por Alex Bretto .......................................................168
BAJO EL INFLUJO DE UNA ESTRELLA DE MAR. The Church – Starfish (1988) Por Benjamín York ...........................172

EL JARDÍN DE LAS DELICIAS........................................................................................................................................174

DERECHO DE PISO

JON LINDSAY - EN LA SIMPLEZA ESTÁ LA BELLEZA por Benjamín York.....................................................................198

SOBRE LA PORTADA

LABERINTO DRACONIANO por ARMS......................................................................................................................200

[ Por José Navarro. ] 7

Mark Edward Smith

Mark Edward Smith 05/03/1957—24/01/2018

A veces los ángeles no están vestidos de blanco. Son seres comunes, dotados de una
extraordinaria lucidez, destinados a dejar enseñanzas a quien se digne a acompañarlos
en sus viajes personales, en los que generalmente, se cruza la ficción y la realidad, en
una especie de ópera multimedia, por momentos dolorosa, y hasta tragicómica. Mark
E. Smith, que se alejó sin despedirse de este plano hace unas horas, a los 60 años, fue
un ángel en su propio medio, En su particular mezcla de cielo de color gris y su infier-
no multicolor. Bajo una dirección cuasi mesiánica, su vehículo musical llamado The
Fall, nos deja un legado extremadamente rico y a la vez insondable.Voz de la real clase
obrera que emergió directamente de las entrañas más profundas de Manchester, siguió
una ruta trazada de antemano, a sabiendas que no sería fácil. 1976 fue el año cero.Y la
sucesión de obras que Mark y su ejército nos dejaban año tras año, era su guiño a los
calendarios musicales, que miraban para otro lado, por las obligaciones contractuales
con las generaciones, con las modas. Palabras que no existían en el universo de Mark.
“Si soy yo y tu abuela en bongós, aun así es The Fall” es su frase más conocida, y rea-
firma su posición ante un desfile interminable de músicos que recalaban en la banda
por años, meses e inclusive hasta por horas. Nada debía alterar el rumbo de la nave.
Las órdenes eran estrictas.Y así fue. Hasta el final. En un océano musical plagado de
barcas que deambulan sin sentido con la radio prendida a todo volumen, navegó con
un silencio asombroso, por más de 40 años, con la radio a un volumen bajo. Pero su-
ficiente como para ser considerada una de las bandas de mayor influencia en las gene-
raciones musicales posteriores, que aprendieron con urgencia y esfuerzo, siguiendo
pistas dispersas por el universo musical, que el verdadero motor de las cosas, está en
el corazón. Siempre estuvo en el corazón.
Multitudes de discos, compilaciones, y demás, hace casi inabarcable la discografía de
la banda, en una macabra broma que deja a los seguidores más acérrimos de la banda
en suspenso, incapaces de poder completar el acertijo final. Ese que nos lleva a bares,
caminos, escenarios. Poesía confesional, puntos de vista de una lucidez/iluminación
total. La importancia de asumir la posición correcta. El total compromiso con la cau-
sa. Los valores que no se pierden en un medio corrupto y cínico, la famosa picadora
de carne e ideas, supeditada siempre al dinero y los intereses creados. Quizás esas sean
las claves que estábamos buscando todos estos años. Las piezas faltantes de ese acerti-
jo que nos deja desnudos y asombrados, a mitad de camino entre el arte y la vida. Ese
horrible y hermoso acertijo, que nos deja en el medio de la nada, incapaces de asumir
que Mark…
El Gran Mark E. Smith ha partido.
9
 ¿QUÉ BEBER
PARA ESCUCHAR MEJOR?

Por Maxx Wild

 Melting Snow 11

Spandau Ballet – Journeys to Glory (1981)

Muchas veces poco tiene que ver las relaciones

entre dos cosas que se tienen que mezclar, no
necesariamente deben tener un hilo conductor,
solo una idea inicial puede llevarlas a estar jun-
tas en este plano universal. Una idea que puede
ser tan poco pensada, tan visceral, que le otor-
gan una autenticidad única. Todo esto para decir
que tenía ganas de escuchar Journeys to Glory
(1981) de Spandau Ballet y tomarme un refres-
cante cocktail que contenga sake. Algún ilumi-
nado podrá decir que me inspiré en el video de
estos bellos muchachos ingleses Highly Strung
(1984), pero no… ¿o sí? Tal vez me conozcan
más que yo mismo. La estrella líquida será un
Melting Snow (½ de sake, ¼ de Grand Marnier o
símil y ¼ de jugo de lima, agitar, servir sobre hielo… y dejar caer al fondo una cucharada de granadina,
hermoso efecto visual) y la sonora este disco debut de los SB. La velada se abre con To Cut a Long
Story Short, sintetizadores y batería new wave para acompañar la inconfundible voz de Tony Hadley,
ultra moderno, ultra actual para toda esta vuelta retro que estamos viviendo, pero con una diferen-
cia, ellos la vivían de primera mano. Bailable, digerible, casi uno de los himnos del new romantic. El
segundo, Reformation, es de manual, up tempo, cíclico, bassline simple pero efectiva, si nos remon-
tamos a la época, una novedad para las pistas de baile. Mandolin, ahora sí, va tomando forma, mas
presencia de guitarras, coros y melodías de sintetizadores, digno exponente. El Melting Snow se me
hizo corto, ¡a por otro! para encontrarme con el clásico Musclebound, a mi entender, el mejor del dis-
co… complejo. Más post punk llega Age of Blows, épico, una rareza para este tipo de bandas tener
un instrumental. Buscando la identidad de la banda y lo que la definirá por siempre, The Freeze trae
esa sensación de canción bailable, algo que sería moneda común para las bandas de los próximos
años. Todo cuaja con Confused, balance perfecto de lo antes mencionado. Para cerrar, uno cocktail
más en mano, Toys, linda canción, al estilo de las que vendrán y recordamos de SB. Pocas veces
un disco debut identifica a una banda en su evolución, este lo hace, también nos da una idea de lo
que hizo del este estilo un emblema sonoro y estético, SB, tanto como Duran Duran, tenían una cla-
ra concepción de no separar la música de la estética… y eso es un símbolo de esa época. Rescato
la calidad compositiva de Gary Kemp, multi instrumentista (todos los temas son de él), su hermano
Martin en el bajo (dato de color, ambos aparecen en la película The Bodyguard), Seve Norman (aquí
en guitarras, pero sería su saxofón que daría la pincelada final de estilo a la banda en los próximos
discos), John Keeble en la batería y la maravillosa voz de Tony. Un disco para re descubrir, refrescar
este caluroso febrero y bailar como en aquellos tiempos…
¡Salud!
13
15
[ Entrevista a Ricardo Gómez de Maff por Diego Centurión. Fotografías por Simon Gallardo. ]

ES MI REGALO PARA ELLA


Hace tiempo que no sabíamos nada de los
chilenos de Maff y nos complace saber que
están haciendo música nueva. Melaniña es el
nuevo EP que acaban de lanzar y nos conec-
tamos con Ricardo para conocer las noveda-
des de la banda.
Hola Ricardo, gracias por la oportunidad de
esta entrevista. La verdad es que ha pasado
mucho tiempo desde la entrevista anterior así
que deseamos ponernos al día y saber sobre
su presente y futuro.
Hola Diego.
Para empezar ¿qué ha pasado desde nues-
tra última entrevista, allá por octubre del 2015
(Número 22 de la revista) hasta finales del
2017?
En estos últimos dos años principalmente to-
cando en vivo en varios lugares en Santiago y
consolidando la formación en vivo que tenemos
hoydía: entro Valentina Cárdenas al bajo, se fue
Talo (guitarra) y yo me cambie del bajo a la guita-
rra. Después de tocar aproximadamente un año,
nos dimos un descanso y fue ahí en donde com-
puse y grabe Melaniña. Recién publicamos el pri-
mer single "Desfile", nuestra primera canción en
español. Y en abril 2018 publicaremos el EP com-
pleto.
En aquella entrevista estaban entusiasma-
dos con la grabación de un EP que querían
editarlo en el 2016. ¿Es ese EP “Melaniña”?
Así es.
¿Cómo fue el período de escritura de las
canciones? ¿Cuánto tiempo fue la grabación
del EP?
Después de tocar varios meses en vivo, nos di-
mos un descanso. En ese periodo nace mi prime-
ra hija Augusta y me introduje en el mundo de la
guitarra (distorsiones, ritmos, delays, reverbs. Yo
creo que el hecho de estar sintiendo cosas nue-
vas fue lo que hizo que la composición fluyera.
Teniendo ya varias maquetas de las canciones
contacte a mi amigo Víctor Schelsinger, produc-
tor de música, y le planteé que quería hacer otro
17
EP. Fue aproximadamente un año el proceso y
gracias al estudio portable de Víctor, lo grabamos
en muchas partes (en la ciudad, campo y playa
/ Santiago, Casablanca y Mantagua, respectiva-
mente.)
Cuéntanos acerca del nombre del EP "Me-
laniña".
Melaniña viene de Melanina
He leído que el álbum está inspirado por tu
hija. ¿Es esto verdad?
Así es, Augusta es mi primera hija y nació con
un grado de albinismo. La melanina es un pig-
mento que tiene la mayoría de los seres vivo y
es la encargada de determinar el color de nues-
tra piel, el pelo, el iris del ojo, etc.Ella ha estado
presente en todo el proceso del EP. Es mi regalo
para ella.
Recientemente han editado el single adelan-
to, "Desfile", y si bien ha pasado poco tiem-
po desde el lanzamiento, y sabiendo que es
el primer single en español. ¿Cómo percibes
que fue la recepción?
Bien, se ha movido bastante y hasta el minuto
hemos tenido buenas críticas.
El arte de la portada del álbum está basado
en un dibujo de Augusta, ¿recuerdas el mo-
mento en que decidiste que ese sería la por-
tada?
Si, lo recuerdo. Tuvimos varias reuniones con
Nicolás (baterista) para definir el concepto y arte
del disco. Y después de darnos mil vueltas, está-
bamos en mi casa y en el suelo había una pintu-
ra de Augusta, y ahí me hizo click. Más que defi-
nir un concepto, me gustó la idea de hacerle un
homenaje ocupando algo que había hecho ella
misma.
Hablando un poco del EP, lo abres con "Act
2", ¿sería la segunda parte de “Act 1” del pri-
mer trabajo?
No, son temas independientes. Denomino "Act"
a mis temas instrumentales.
 Apelamos a tus recuerdos para que nos cuentes algo de cada track de
"Melaniña".

Act 2
Me gusta comenzar con piezas instrumentales para que el oyente pueda ha-
cerse una idea de los diferentes sonidos e intensidades que aparecerán en el
álbum.
Dato interesante, el mismo director Tim Busko de Pensilvania hizo el video
del Act 1 y el Act 2, ambos están en el canal de youtube (maffmusica).

Desfile
Esta canción se trata de sentirse atrapado, estancado. Rodeado de gente to-
xica y situaciones venenosas.

Hawaii
Hawaii fue escrita en Roatán (una hermosa playa al norte de Honduras) es
sobre esa sensación nostálgica cuando sabes que un viaje que cambia la vida
ha terminado.

Deserts
Deserts se escribió en el lago Ranco, al sur de Chile. La canción es una oda
al hermoso paisaje que tiene Chile (El desierto de Atacama, el desierto más
árido del mundo, que en ocasiones está cubierto de coloridas flores. La "cor-
dillera de los andes", la cordillera más larga del mundo. Valle central de Chile
lleno de campos y viñedos, entre otros).

Appear
Se trata de perder a alguien que amas. Queriendo creer que todavía están
caminando a tu lado, y preguntándote si alguna vez volverás a verlos.

¿Ya tienen pensado presentarlo en vivo? y
¿cómo es la formación actual de Maff en vivo?
Porsupuesto, a partir de Abril 2018 retomamos
los escenarios. La banda está compuesta por Ri-
cardo Gómez (voz, guitarra), Nicolás Colombres
(batería), Valentina Cárdenas (bajo) y Martín Co-
lombres (guitarra).
Vamos a tocar este nuevo EP en vivo por un
buen par de meses y en paralelo estamos escri-
biendo canciones para lo que sería nuestro pri-
mer LP.
Gracias Ricardo por esta entrevista.
Un placer Diego.

¿Qué planes hay para la banda en este 2018?

19
[ Entrevista a Andy Wickett por Diego Centurión. ]

LA ESTRELLA OCULTA
 La leyenda dice que hubo vida antes del éxito y también dice que hubo otros actores 21
que comenzaron el camino en busca de un ideal. Muchas veces se dice "que la histo-
ria está escrita por los que ganan".Esta historia que les presentamos tiene uno de los
primeros actores que escribió una de las canciones más conocidas de la banda que
triunfó sin él.Comenzaremos mostrándote una leyenda, aunque no es una de las más
conocidas de la banda que es hoy icónica, este hombre ha escrito una de las mejo-
res canciones de la New Wave, aunque seguramente muchos de ustedes no lo sepan.
Señoras y señores... ¡Andy Wickett!

¡Hola Andy! Gracias por aceptar llevar a
cabo esta entrevista.
Comencemos desde el principio y tu banda
de punk TV. Eyes
Cuéntanos cómo nació el trío que tuviste
con Dave Kusworth y David Twist.
Dave y yo fuimos juntos a la escuela de arte
Moseley. Dave Twist se unió más tarde.
Este sería el punto de conexión con los que
más tarde formarían Duran Duran. Cuéntanos
en el momento en que te unas a la banda.
Los Durans solían venir a vernos. Les encantó
nuestra apariencia y sonido.
Salí de TV Eye y me uní a Durans y Steven Du-
ffy dejó a Durans y se unió a TV Eye para conver-
tirse en los Hawks.
De esa banda traes "Stevie's Radio Station",
que luego se convierte en "Rio". Y compones
"Girls on Films". Aunque su versión está más
orientada a la oscuridad de las estrellas. Leí
que estaba inspirado en la película donde
Gloria Swanson interpreta el papel de Norma
Desmond (Sunset Boulevard, 1950). ¿Qué re-
cuerdas de esos años?
Sí, fue influenciado por las viejas estrellas blan-
cas y negras. Una gran cantidad de tragedias de-
trás del glamour y el brillo. La sala donde ensa-
yamos los Durans y yo estaba pintada de negro,
aunque luego la pinté de blanco porque estaba
demasiado oscura. Hubo mucha bebida y con-
sumo de drogas. Leí muchos libros en ese mo-
mento.
Y hablando de Duran Duran, te compraron
las canciones por muy poco dinero y tuviste
que dar clases de canto a Simon Lebon. Cuén-
tanos sobre esto.
Sí. Me dijeron que llamara a mi abogado cuan-
do estaba en la oficina de administración de Du-
rans. Me dijo que firmara la exención y aceptara
las £ 600 ofrecidas, ya que esto sería una prue-
ba de que participé en la redacción de su mate-
rial. Más tarde fui a verlo y me dijo que EMI me
compraría fuera de la corte. Un poco de abroche
realmente.
La gerencia me pagó para dar clases de canto
a LeBon cuando fui al club Rum Runner donde
estaban basados. Querían que le mostrara cómo
cantar como yo.
Cleopatra Records acaba de lanzar un EP de
esa época, "Girls on Films 1979 Demo". Con
las versiones que has grabado. ¿Qué recuer-
das de esa grabación?
Fue en el estudio de Bob Lambs en su piso de
Moseley. Tenía una mesa de mezclas y una gra-
badora debajo de su cama elevada y una sala de
grabación con cajas de huevos en las paredes.
Nos mostró una cinta en la que estaba trabajan-
do que fue el primer álbum de UB40.
Tengo un amigo (Pablo "Mambo" Rivas) que
dice que la canción "Working The Steel" es la
mejor canción post punk de la historia.Y tomo
una pregunta que él quería que te pregunta-
ra. ¿Qué diferencia había en ser punk y post-
punk en Birmingham en relación con lo que
estaba sucediendo en Londres?
¡Gracias Pablo! Creo que estábamos separa-
dos de los punks. Estábamos entusiasmados con
el electro y el glam, así como con Iggy y los Stoo-
ges. Creo que había bolsas similares de perso-
nas en otras ciudades.
Después de Duran Duran (y lo que te paga-
ron por las canciones) compras un teclado y
creas The Xpertz. Un cambio radical. Cuénta-
nos sobre estos años.
Había descubierto el Dub. Estaba experimen-
tando con eso al mismo tiempo que estaba en
Duran. Ranking Roger, quien más tarde se uniría
a 'The Beat', me mostró cómo tocar un dub beats
en la batería. Solía hacer cortes de Dub cuan-
do fui Dj en las noches punks en el pub Crown y
Ranking brindaba en la cima mientras yo tocaba
la armónica.
¿Y qué sentiste cuando viste lo que pasó
con tus viejos compañeros de banda?
Me sentí un poco molesto al leer sobre ellos en
el periódico de Sun mientras parado en la cola del
seguro de desempleo.
Luego viene "World Service" y sabemos que
"Creatures of Love" llegará en marzo. Cuénta-
nos sobre esta banda y el nuevo álbum.
World Service comenzó cuando me pidieron
que grabara con una banda. La sesión tuvo lugar
en los estudios BBC Pebble Mill en Birmingham.
Ha habido muchos cambios en la alineación a lo
largo de los años. En 1990, la banda cruzó el Sa-
hara para recorrer Argelia. En 1996, otra forma-
ción apoyó a los Durans en su gira por el Reino
Unido. El nuevo álbum es una mezcla de mis in-
fluencias hasta ahora.
Sé de su dedicado trabajo en animación di-
gital, cuéntenos sobre esto y especialmente
la experiencia de haber trabajado con el gran
Nusrat Fateh Ali Khan.
Trabajé con la música de Nusrat y otros artistas
asiáticos para crear un álbum de remixes.
Volviendo al plano musical, has colabora-
do con Nikki Sudden, Dave Kusworth, entre
otros. Díganos con quién le gustaría colabo-
rar y aún no lo ha hecho.
Me encantaría trabajar con Iggy Pop.
Hoy con tantos años de carrera y muchas
decisiones tomadas. ¿De qué te arrepientes y
por qué te felicitas?
Lamentos, he tenido algunos. Pero igualmen-
te, muy pocos como para mencionarlos. Mi ma-
yor logro es convertirme en un dios del sexo del
Sahara.
¿Dónde puedes encontrar tu música e infor-
mación sobre ti?
www.andywickett.com
https://www.facebook.com/Andy-Wicke-
tt-356361854475204/
¡Nuevo álbum disponible en CD o descarga en
Spotify, iTunes, Amazon y Google!
Para finalizar... ¿qué planes hay para este
2018?
Estoy planeando una gira por los Estados Uni-
dos y he comenzado a grabar mi segundo álbum.
¡Gracias Andy! Hablaremos nuevamente
para el lanzamiento del nuevo álbum.
¡Gracias Diego!
23
25
[ Entrevista a James Poulos y Mark Reback de Vast Asteroidpor Benjamín York. ]

CUANDO LAS PIEZAS SE AJUSTAN,

LA MAGIA EMERGE.
 Suele suceder que la unión de varios mú-
sicos de varias bandas nos cautiva desde el
principio y luego al escuchar sus canciones
nos encanta o puede pasar que no llegan a las
expectativas generadas desde los nombres
propios. Vast Asteroid tiene un magnetismo
más desde la escucha de su álbum debut que
desde los integrantes, si bien al mencionar
los que forman la banda nos llama la atención
desde sus antecedentes. Pensar en la ex ba-
jista de The Warlocks, Mimi Star, en el bateris-
ta de Slaughter and The Dogs, Mark Reback, y
en el escritor y editor James Poulous, ya nos
trae la sensación de una buena unión.Lo inte-
resante, en este caso, es que el homónimo ál-
bum debut es superior a las expectativas ge-
neradas desde la historia de los integrantes.
¿Esto está bien? ¡Sí! Después de todo lo más
importante siempre es la música.
Gracias a Laura de Kool Things que hizo el
contacto para que podamos organizar esta
entrevista.
Hola y gracias por la posibilidad de realizar
esta entrevista...
Para empezar vamos al gen de Vast Asteroid,
¿cuándo y cómo nace la banda?
James: Mark y Mimi habían tocado juntos an-
tes de que yo apareciera. Yo para esa época ne-
cesitaba una banda. Mi manager en ese mo-
mento decidió que Mark era el tipo a la batería.
Después de que básicamente audicioné para él,
él estuvo de acuerdo. Adelanté un par de graba-
ciones y, por primera vez, los dos éramos un dúo.
En parte porque audicionar a los bajistas puede
hacer que te cuestiones tus elecciones de vida.
Por suerte, Mark vuelve de tocar en Japón con
Slaughter, publica un montón de fotos de Tokio
y Mimi aparece para recordar su antiguo barrio y
preguntar si Mark conoce a alguien que está bus-
cando un bajista. Todos nos encontramos en una
habitación, enchufamos y comenzamos a hacer
ruido. Miramos alrededor y pensamos, bueno,
aquí vamos.
Mark:Sí, James y yo hemos estado tocan-
do música juntos en varias bandas y proyectos
nuestros desde 2004, y cuando estábamos bus-
27
cando al bajista adecuado, me volví a conectar
con Mimi, con quien había tocado hace un tiem-
po, y ella encajaba bien y se unió a nosotros a me-
diados de 2016. La experiencia compartida de to-
dos nosotros tocando juntos anteriormente, crea
una familiaridad donde no tenemos que hablar
mucho sobre quién va a tocar qué... El ambien-
te musical ocurre de forma natural y orgánica. Es
algo raro y hermoso, y es la esencia de lo que de-
bería ser una "banda" de todos modos, aunque
es algo que falta en la mayoría de las bandas hoy
en día, que tienden a confiar en Pro Tools y pistas
de acompañamiento y edición.
¿De dónde sale el nombre de la banda?
James: El proyecto dúo tenía un nombre dife-
rente. La lluvia de ideas en los nombres de las
bandas también puede hacer que te cuestiones
tus elecciones de vida, por lo que nos sentimos
tentados de mantenernos con lo que teníamos.
Pero una banda de covers en Nueva Jersey ha-
bía presentado una solicitud de marca sobre el
nombre. Así que fue de vuelta a la mesa de di-
bujo. Afortunadamente, todas las ideas terribles
que surgieron ya habían sido tomadas. Estaba
tumbado en el sofá mirando al techo, atascado,
y luego pensé en una noche hace mucho tiempo
que me tumbé en el suelo en las montañas a las
afueras de Los Ángeles mirando la mayor lluvia
de meteoritos. Y yo estaba despegado.
Mark: Solíamos llamarnos Night Years, pero
otra banda en la costa este también tiene ese
nombre, así que James inventó Vast Asteroid
después de una lluvia de ideas sobre nuevos
nombres que reflejaban nuestro sonido, que lla-
mamos SPACEGAZE.
Para aquellos que no conocen el sonido de
la banda, ¿cómo lo definirían?
James: Shoegaze secuestrado por Desert
Rock, Britpop y grunge de arte.
Mark: SPACEGAZE = Shoegaze + Space Rock
+ Desert Rock. Épico, heavy, cinemático y dramá-
tico, pero con ganchos pop y partes de improvi-
sación también.
Ustedes tienen un EP de 2016 llamado “Half
Apart”, que es una pequeña muestra de lo que
vino en su primer álbum. ¿Qué recuerdan de
esa grabación?
James: Tuvimos un poco menos de 24 ho-
ras, repartidas en dos días. Andy Freeman, que
produjo el disco Vast Asteroid, dirigió las cosas
en Coast Recorders en San Francisco, que ce-
rró poco después. Este lugar tenía las placas de
reverberación usadas en Rumors. The Tower of
Power fue grabado allí. Al otro lado de la calle es-
taban colocando "micro-apartamentos de lujo", y
en la calle manoteaban las heces humanas de la
acera. Ese es el distrito de la Misión. Olvidé lo que
comimos, en todo caso. El ron y las cocas demos-
traron ser útiles. Mark tenía el bombo más gran-
de que jamás había visto. Él clavó sus partes tan
bien que involuntariamentele hice improvisar la
canción que da título.
Mark: Nuestro EP "Half Apart" fue nuestro pri-
mer lanzamiento y fue solo James y yo, además
de un poco de ayuda de nuestro productor Andy
Freeman en el bajo. Fue nuestro primer intento
de realmente perseguir un sonido más épico y en
capas y hacer exactamente lo que queríamos sin
preocuparnos por el sabor del momento.
Si bien el sonido de ese EP es, por decirlo
de alguna manera, “inocente”, el cambio con
el álbum es enorme. ¿Qué creen qué es lo que
cambió en la banda?
James: Mimi lo hizo todo posible. Obviamente,
un tercer instrumento fundamental es una invita-
ción a crecer y profundizar el sonido. Pero su in-
terpretación cambió el resto de nuestro enfoque.
Nos quitó algunas cosas que habíamos adquiri-
do el hábito de pensar que teníamos que hacer. Y
nos dio a Mark y a mí la oportunidad de buscar op-
ciones que habíamos descartado o ignorado an-
tes. Y la atmósfera era ahora dos músicos de gira
internacional más yo, que tenían completa liber-
tad (dentro de lo razonable) para hacer todas las
voces y guitarras. Afortunadamente para la músi-
ca, el año anterior había sido realmente agotador.
Las canciones son una suma de eso. Finalmente,
Coast fue magnífico, pero nuestra configuración
para el nuevo disco fue mágica.
Mark: Ahora tenemos una banda completa
con Mimi involucrada, lo que realmente ayudó
a que nuestro sonido se uniera en su totalidad,
y también habíamos trabajado con nuestro pro-
ductor Andy Freeman durante un tiempo y en el
EP. Nos enfocamos en lo grande que queríamos
que nuestro sonido fuera en este álbum. Tuvimos
tiempo para concentrarnos realmente en la mez-
cla y las capas y la vibra, no solo en la composi-
ción y los arreglos.
Cuénteme acerca de la grabación en el le-
gendario "Rancho de la Luna Estudios".
James: Legendario es otra palabra para eso.
Salimos allí casi en el momento en que el perío-
do Trump fue inaugurado. Fue un momento apro-
piado para estar completamente desconectado
del mundo. Hacía demasiado frío para estar afue-
ra. La lluvia helada golpeó las ventanas. Toda la
energía de la banda permaneció en el estudio al
que pertenecía. Andy montó los tableros, Johnny
Burik diseñó, Dave Catching era como cinco tipos
diferentes, cada uno igualmente sabio y servicial.
Chef, guía, anfitrión, gurú y la figura de confian-
za más importante que no está obligada a hacer
nada en el estudio y se cuelga brindando fuertes
29
vibraciones estables. Tres días que pasaron muy
rápido, cuando no sentían que el tiempo se estu-
viera quieto.
Mark: Un breve período de escritura y ensayo
en el estudio de la cabaña de Mark en el vecin-
dario de Highland Park en Los Ángeles condujo
rápidamente a una sesión de grabación en el es-
tudio Rancho de la Luna, que fue trackeado du-
rante una hermosa y torrencial lluvia y tormen-
ta de viento en una semana mágica el invierno
pasado en Joshua Tree, California. Los consejos
fueron dirigidos por el productor / ingeniero Andy
Freeman, y el ingeniero Johnnie Burik. Buenas vi-
braciones proporcionadas por el anfitrión extraor-
dinario y co-conspirador Dave Catching de Eagles
Of Death Metal, Mojave Lords, earthlings?, y an-
teriormente de Queens Of The Stone Age.
Ya han pasado unos meses desde la publi-
cación del álbum. ¿Cómo sienten que lo ha re-
cibido el público?
James: La gente lo entiende y me gusta.
Extraños, amigos, personas en el medio. Ese
es un sentimiento alentador y pacífico. La gran
sorpresa es cuánto entusiasmo ha habido por
las pistas más largas. Llevando ese aspecto de
nuestro sonido a los extremos, no sabíamos qué
esperar. Sabes que una canción bien elaborada
con golpe y levantamiento se conectará de una
manera específica. Es más difícil saber qué tan
lejos en una extremidad la gente quiere ir conti-
go. Sabíamos que estábamos en eso. Ahora sa-
bemos que es una forma efectiva de comunicar-
nos a nosotros mismos musicalmente también.
Mark: Estamos realmente agradecidos por la
recepción muy positiva que recibimos en Europa.
Hemos estado establecidos en Los Ángeles du-
rante algunos años, por lo que esperamos ob-
tener una buena respuesta aquí, pero hemos
obtenido una respuesta más grande en países
como Italia, Francia, España, Austria, Alemania,
Portugal, Grecia y el Reino Unido, junto con luga-
res en América del Sur, como Argentina, Brasil,
Venezuela, y no nos olvidemos de Australia. ¡Es
muy gratificante!
En "Spacegaze" participa Dave Catching
(Eagles of Death Metal). Un mantrico e hip-
nótico track de más de 17 minutos de expe-
rimentación sonora. ¿Cómo se produjo está
participación?
James: Fue el final de los tres días. Todos está-
bamos como incoherentemente imaginando qué
lanzamiento y simplemente resolvimoshacerza-
pada después de que el trackeo estuviera termi-
nado. Ceremonias de clausura. Pero no querrás
pensar en eso mientras estás corrigiendo tomas
y modificando los tonos, y mucho menos en voz
alta. Y luego allí lo estábamos haciendo. Andy
había grabado un registro muy silenciosamente.
Johnny estaba hurgando en un pequeño teclado
de sintetizador con la puerta del porche abierta y
una fría lluvia que hacía girar el viento. Lo graba-
ron todo en cinta durante la interpretación en vivo
de lo que terminó siendo llamado "Spacegaze".
Nos tropezamos y fue como, mmm, probable-
mente deberíamos haber grabado eso, y los chi-
cos tenían este brillo en sus ojos.
Mark: Una noche en el estudio alrededor de
la medianoche, después de haber terminado el
trackeo del día, y durante una tormenta torren-
cial del viento del desierto y la lluvia, Dave dijo:
"¡Vamos a zapar!", Y así lo hicimos... La magia de
la guitarra de Dave realmente se sumó a nuestro
sonido, y la canción entera fue improvisada, he-
cha en el acto, que tuvimos la suerte de capturar
en cinta, y se presenta en el álbum sin sobregra-
baciones... No puedo pensar en otra banda que
haya hecho esto recientemente, por lo que esta-
mos orgullosos.
 ¿Podemos hacer un "track by track" del álbum 31
y cuénteme lo que quieran de cada track?

Mincemeat:
Es una introducción, no una canción completa... Establece el tono del álbum y el tema vuel-
ve al final de Spacegaze para completar el círculo.

Sleep:
Los coros épicos realmente hacen que este penetre en tu cabeza.

Drown:
Éste realmente no estaba saliendo hasta que a Mark se le ocurrió el ritmo adecuado del
tambor y después de eso todo cayó en su lugar.

Vivid Dream:
Estábamos pensando en el primer Interpol para la vibra en este.

Sick:
Es nuestra canción que suena más auténtica, además de Spacegaze. Pregúntele a Henry
Rollins, quién realmente lo captó y lo tocó en su programa de radio.

Encrypted:
Mark quería que esta canción suene como las primeras canciones de Jesus And Mary
Chain, como "Upside Down" y "Never Understand"... Hermosa distorsión sobre una simple
canción pop con batería básica.

PoisonFang:
Esta canción estaba casi en nuestro primer EP "Half Apart" pero no estaba del todo bien,
así que esperamos hasta que los arreglos actuales y el ambiente se resolvieran con Mimi a
bordo. Es la canción favorita de la mayoría de la gente en el álbum y es realmente rockera,
especialmente cuando la tocamos en vivo.

Spacegaze:
Ya hemos abordado esto anteriormente, pero fue pura magia sónica. Sin palabras pueden
explicarlo. ¡Tuvimos suerte de que Andy lo grabara!

He leído que se viene la edición De Luxe. va única y especial especialmente adecuada

Cuéntame sobre esto.
James: En vinilo, mayo de este año, todo
gracias a TBMR Records en Atenas, Grecia.
Estará físicamente disponible en toda Euro-
pa, en el Reino Unido y, por supuesto, aquí
en los EE. UU. Hay una pista adicional y tie-
ne a Dave y es larga. Para nosotros, el vinilo
es un objeto placentero para tener y mante-
ner, uno que ofrece una experiencia auditi-
a cómo nos gustaría que este disco te haga
sentir.
Mark: Somos realmente afortunados y
agradecidos de trabajar con Vice Lesley y to-
dos en Think Baby Music Collective en Ate-
nas, Grecia. Realmente lo están haciendo
bien, con lanzamientos curados, de lujo, limi-
tados por artistas que están fuera del mains-
tream, pero tienen algo que decir con sus le-
tras y sonido. Aquí hay una publicación en su
sitio que resume el lanzamiento de vinilo que
está programado para fines de mayo:
https://www.thinkbabymusic.com/sin-
gle-post/INTRODUCING-VAST-ASTEROID-
DELUXE-LP-DUE-IN-SPRING-ON-TBMR
¿Hay planes para otra grabación? ¿Qué
planes hay para este 2018?
James: Ahora podemos tocar en vivo otra
vez, que es un lienzo completamente nue-
vo para pintar. Naturalmente, apuntaremos a
la actividad máxima cuando llegue la edición
especial. Hay una pequeñamúsica de pelícu-
la que planeo llegar a algún lado en la mez-
cla. Será divertido ver lo que trae el verano.
Mark: Tenemos un show en Hollywood el
27 de febrero y luego estamos preparando
un fin de semana de lanzamientos de álbu-
mes para finales de mayo en L.A. y en el de-
sierto de Joshua Tree, posiblemente con el
proyecto paralelo de Dave Catching llamado
Earthlings? en Pappy & Harriet's. Después
de eso, comenzaremos a pensar en la próxi-
ma grabación... ¡Podría hacer solo un lanza-
miento en el otoño!
Quiero agradecerles por la posibilidad
de hacer esta entrevista y, para cerrarla,
dígales a nuestros lectores... ¿por qué de-
berían escuchar VastAsteroid? y ¿dónde
pueden hacerlo?
James: Las cosas siempre pueden ser peo-
res, pero estos son tiempos bastante heavys,
e incluso en tiempos frívolos he extraído mu-
cha fuerza y pasión de la música que es hea-
vy en una buena forma, como una estatuilla
que recoges en un estudio y tienes el peso en
tu mano y piensas, sí, esto tiene algo de es-
pecial. Esto no va a ser revoleado por la calle
cuando llega la brisa. Estas canciones tienen
la intención de hacer algo de reverb para ti.
Estamos en todas las plataformas habitua-
les como Spotify, iTunes, Amazon y puedes
transmitir y comprar el disco (y su EP prede-
cesor) en vastasteroid.bandcamp.com
Mark: Vive el momento y pasa menos tiem-
po en tu teléfono. Ama más, odia menos. Es-
cucha nuestra música a volumen alto y ale-
jará cualquier energía negativa y te llevará a
un lugar mejor.
¡Gracias Vast Asteroid!
33
MASSONICO REPRESENTA
LO QUE QUEREMOS SER
Y HACER
[ Entrevista a Mauricio Valenzuela de Massonico por Benjamín York ]

Siempre tratamos de estar atentos a lo que
pasa en Latinoamérica, pero hay tantas ban-
das que nos cuesta abarcar un océano con
las manos, por suerte tenemos gente que nos
acercan datos de bandas, como es en este
caso gracias a Rock City, gracias a ellos he-
mos conocido a la banda Massonico, que vie-
ne desde Chile abriéndose paso en un mer-
cado plagado de bandas, que no deja mucho
espacio para ver el horizonte detrás de la
Cordillera de Los Andes. Pero por suerte pu-
dimos acceder a ellos y hablar y conocerlos.
Hola Chicos y gracias por aceptar esta
entrevista.
Para empezar ¿en qué año nace la banda y
cómo se gestó ese nacimiento?
Gracias a ustedes por este espacio. Veníamos
haciendo algunas cosas juntos desde el año
2012 pero “Massonico” nace a comienzos del
año 2016,en medio de un café donde decidimos
emprender un proyecto original y con canciones
propias.
El trío cuenta con un argentino y dos chilenos,
¿cómo se unen?
Marcelo llegó a Chile el año 2010 por razones
de trabajo y Sebastián y yo (Mauricio) somos
hermanos. Dos años después coincidimos en un
evento y desde ahí continuamos haciendo algu-
nas cosas… nunca imaginamos que sería el ini-
cio de “Massonico”. Está bueno el mix que conse-
guimos a partir de nuestras influencias y cultura.
¿Ya estamos bastante Argentinizados “viste?”
¿Por qué Massonico, es la unión de “más
+ sónico” o hay algún tipo de simbología
masónica?
Totalmente alejados de simbologías y adora-
ción masónica. El nombre proviene de las inicia-
les de nuestros nombres, a lo que agregamos el
término “sónico” y quedó bueno como concepto.
Representa lo que queremos ser y hacer… “Más
Sónico”.
35
¿Qué mencionan a la hora de hablar de
influencias?
Sin duda todo el rock sudamericano de los 70-
80´s e inicios de los 90´s. Crecimos e hicimos
música influenciados por grandes bandas argen-
tinas y chilenas, como también de la ola musical
británica y americana que surgió en esa época.
“Despertar” es su primer “EP”. Cuéntenos so-
bre ese trabajo.
Como bien lo dice el título del EP, fue nuestro
“Despertar”. Nuestro primer trabajo juntos com-
poniendo y grabando, con muchas expectativas
respecto al recibimiento del material por parte del
público y que nos permitió ser reconocidos como
“Mejor Intérprete Rock” en los Premios Fox Music
USA 2017 y estar nominados a otros premios
independientes en Chile.Estos reconocimien-
tos nos motivan a seguir trabajando y buscando
oportunidades.
Llegamos al nuevo álbum “Morir en el Intento”,
su primer álbum, lanzado en diciembre de
2017. ¿Cómo fue el proceso de escritura de
las canciones, cuánto duró ese período?
La base del disco son canciones que veníamos
trabajando desde el EP, pero el trabajo de com-
posición nunca se detiene y en medio del proce-
so aparecieron 3-4 canciones que finalmente ter-
minaron por desplazar otras. En este disco las
letras hablan más de temáticas sociales, como
la inmigración y la invasión de cámaras de vigi-
lancia que estamos viviendo en Chile, del poder
y abusos, del amor en todas sus formas.
¿Y la grabación cuánto les llevó?
Todo el proceso, incluido mezcla y masterización,
poco más de un mes.
Once tracks, ¿quedaron canciones afuera del
álbum?
Sí, varias. Incluso algunas que veníamos tocan-
do en vivo desde el EP y que para nosotros esta-
ban seguras en el álbum, quedaron fuera dando
paso a nuevas canciones que compusimos du-
rante el proceso de pre-producción del álbum.
Cuéntenos sobre sus shows en vivo, ¿cuánto
tiempo les lleva armar un show, más allá del
setlist?
Siempre enfrentamos la preparación de los shows
como si fuera el primero. Tratamos de sorprender
y de incorporar nuevos elementos. Desde invita-
dos, arreglos, audiovisual, etc. Buscamos que
todos nuestros shows se diferencien uno del otro.
Si tuviesen que decirnos por qué nuestros
lectores no deberían dejar de escuchar a
Massonico. ¿Qué nos dirían?
Que nuestra propuesta es muy distinta a lo que
suena hoy en Latinoamérica. Nuestro mix cultural
y musical hace de “Massonico” una banda única.
¿Qué planes hay para Massonico en este
2018?
37
Continuar mostrando nuestro nuevo material en
vivo y expandir fronteras… para eso estamos or-
ganizando un par de fechas en México para los
próximos meses y esperamos hacer lo mismo en
Argentina y Perú durante el año, junto a la agen-
da de presentaciones que ya tenemos confirma-
das en Chile.
Para terminar díganos ¿dónde podemos en-
contrar y seguir a Massonico?
Nos pueden seguir en nuestras redes sociales @
massonicorock y estar al día de nuestras activi-
dades en nuestro sitio web http://www.massoni-
corock.com. Un fuerte abrazo a todos los lecto-
res de “Revista The 13th” y a ti Benjamín por la
entrevista.
¡Gracias Chicos!
[ Entrevista a Eraldo Bernocchi por Pablo Müllner ]

(UNA CHARLA CON)

EL ARQUITECTO DE SU
PROPIO SOLITARIO UNIVERSO
 “Solitary Universe” (Universo Solitario),
editado en febrero de este año por Agoo Re-
cords, es el álbum en colaboración entre Eral-
do Bernocchi y el guitarrista ambient japonés
Chihei Hatakeyama. Como anuncia su comu-
nicado de prensa, consiste en “cinco maravi-
llosas, extensas composiciones que te harán
sentir que tratas de atrapar el humo, o que ves
la niebla arremolinarse antes de desaparecer
en el agua”. La grabación está ejecutada por
solo dos guitarras tratadas. La edición física
será acompañada por un libro de fotos de la
artista visual y fotógrafa Petulia Mattioli y Ya-
sushi Miura, músico y fotógrafo japonés.
Gracias a la evocativa belleza de este “Uni-
verso Solitario” tenemos la perfecta excusa
para comunicarnos. Y el privilegio de hacer-
lo nada menos que con EraldoBernocchi, el
compositor, músico, productor, director crea-
tivo de proyecto, y en pocas palabras, un ver-
dadero arquitecto sonoro. Eraldo tiene una
carrera impresionante como artista solista y
muchísimas notables colaboraciones, tantas
que es difícil elegir alguna para ejemplificar.
Por eso, vayamos a lo importante y hagámos-
le algunas preguntas
Es genial poder hablar sobre tu música, y
sobre la música en general, y quizá también tu
vida. En primer lugar, disfrute mucho de “Uni-
verso Solitario”, es una experiencia casi diría
“restauradora”. Además es un álbum en co-
laboración con el artista japonés Chichei Ha-
takeyama. ¿Cómo surgió?
Amo el trabajo de Chichei. Su música es tan
única como su forma de tocar la guitarra. Un par
de años atrás lo contacté para ver si se sumaba
a un proyecto conmigo. A él le gustaron mis ideas
y empezamos a cambiar archivos y pistas con
música grabada. Existen en realidad más piezas
que las que fueron editadas, pero no quedaron
para el corte final. Nos llevó un buen tiempo, tan-
to Chichei como yo, fuimos muy minuciosos a la
hora de mezclar.
Hace un tiempo empecé a meditar y no me
gustaban para nada las músicas hechas para
eso, ni el género “new age” ni nada que es-
tuviera hecho especialmente para relajarse.
39
Pero descubrí que se puede meditar con al-
gunas composiciones clásicas. Todo esto era
para decirte que encontré a “Universo Solita-
rio” muy cercano en espíritu a Las Gnossie-
nes de Erik Satie. Es música para piano, y Uni-
verso Solitario es solo guitarras, pero ¿crees
que tiene algún sentido lo que pienso?
En cierta forma, creo que sí tiene sentido. Este
disco es una serie de “capturas” del estado de las
cosas, de emociones. Siempre estoy interesado
en saber cómo las personas perciben mi música
y como la utilizan. Me refiero a que para mí, el so-
nido y la música son herramientas, las primeras
herramientas. Entonces, si este álbum sirve de
soporte para una meditación, para escribir, para
tomar fotos o para tomar una buena copa de vino,
para mí está perfecto.
Tan contradictorio como suena, tenés un ca-
tálogo música muy impresionante, que cons-
tantemente se debate entre la oscuridad y la
luz, como pasa también en el universo, de al-
gún modo. ¿Reflejar ambos lados es una de-
cisión muy pensada o es lo que surge cuando
te ponés a tocar?
Son los dos lados de todo lo que veo y vivo
cada día. Tan solo sucede. Hay muchas emocio-
nes fuertes en la música que hago, siempre han
estado ahí. Son necesarias para mí. “Blackwood”
(otro de sus proyectos solistas) es el retrato de lo
está ocurriendo del otro lado de mi ventana, de tu
ventana. Es el mundo desintegrandose, día tras
días. Se pone peor semana tras semana, está a
la vista de todos. El siguiente volumen de Blac-
kwood será aún más pesado y oscuro, si es po-
sible. Estamos destruyendonos. “Universo Soli-
tario” es el retraro de lo que sucede dentro de mi
ventana. Es un viaje interior. Es la cara que nun-
ca habías abierto y que descubrís de casualidad,
y que te cambia la mirada sobre alguien que ya
ha muerto, entonces ya no podés hacer nada. Es
lo que podrías haber estado haciendo, pero no
hiciste. Es una caja llena de errores que crece
y crece. Al fin y al cabo, son la misma cosa. Yo,
solo o con alguien más, pero yo, las cosas que
ese “yo” ve.
 Me imagino que las colaboraciones artís-
ticas influencian o nos potencian partes de
nuestra personalidad que quizá nosotros mis-
mos no conocíamos antes. ¿Cómo fue cola-
borar con Chichei Hatakeyama? Y con más
precisión, con tu esposa Petulia Mattioliy Ya-
sushi Miura, que hicieron las imágenes. ¿So-
nidos e imágenes se inspiraron mutuamente?
Fue muy sencillo de verdad. Chihei es una per-
sona muy sencilla. Es un completo perfeccionis-
ta cuando se trata del sonido y sus matices, pero
está siempre abierto a experimentar, y nos enten-
dimos muy bien. Con respecto a las imágenes,
cuando el álbum estuvo listo, y Agoo Records no
quería editar, Petulia Mattioli, que hizo todas las
fotos en color y el diseño gráfico, tuvo la idea de
editarlo junto con un pequeño libro de imágenes.
Ella estaba trabajando con Yasushi Miura en un
proyecto, él solo utiliza imágenes en blanco y ne-
gro, así que fue casi natural el terminar colabo-
rando entre los cuatro. Creo que el sonido inspiró
las imágenes en este caso, ya que el álbum esta-
ba hecho cuando las imágenes entraron el cua-
dro. Alec Dartley de Agoo inmediatamente quedó
encantado con la idea y nos dio su completo apo-
yo, diría que la colaboración por eso lo incluye a
él también.
El álbum “As the World Rots Away” (“Mien-
tras el mundo se pudre”, 2016) de tu Proyecto
Blackwood es muy perturbador, me encantó,
desde la primera escucha. No puedo decir-
te que otra música me recuerda, pero inme-
diatamente tuve en mente la trilogía de Lars
Von Trier Anticristo/Ninfómana/Melancolía.
Hubiera sido excelente soundtrack para Anti-
cristo, en el sentido que es terrorífica pero es
mucha más que una pieza de terror. Es ade-
más terriblemente triste, y tiene mucha belle-
za y mucha contemplación al mismo tiempo.
Me pone contento que hayas subrayado el he-
cho de que ese álbum es triste. Lo es. Uno de los
más tristes que haya compuesto. Lo interesante
es que ninguna crítica lo había notado hasta aho-
ra, se quedaron en la superficie, y la tristeza es lo
que está en la parte profunda. Podría haber sido
un soundtrack para una película, pero la mayo-
ría de mi música tiene esa huella. Pero estas en
lo cierto, es horroroso, pero muy triste al mismo
tiempo.
Retomando un poco la analogía con Von
Trier, él llamo a esas tres películas su “Trilo-
gía de la Depresión”. Me vino a la mente esa
misma falta de esperanza, desconexión total
con el mundo, deseos nihilistas. ¿Tuviste to-
das esas sensaciones mientras componías
“As the World Rots Away”? Creo que afortu-
nadamente seguir creando, haciendo músi-
ca debe permitirte moverte de esos estados
mentales y seguir adelante, ¿es cierto?
En algunos momentos, sí. Blackwood es como
una caída infinita. Tuve momentos bien pesados,
pero la música siempre me “cuida” muy bien. Me
encantaría hacer música para una película de
Von Trier, siempre y cuando no sea un musical,
no soporto los musicales.
Escuchar detenidamente estos dos discos,
Solitary Universe y ATWRA, me hizo pensar
en vos como una especie de “arquitecto so-
noro”. Pienso en gente como Angelo Bada-
lamenti o Richard D. James (Aphex Twin) o
Geoff Barrow (Portishead) en esos términos.
¿Estás de acuerdo con esa idea?
Me gusta mucho ese concepto. Me han pues-
to el mote de “escultor del sonido”, ahora “arqui-
tecto”. ¡Es un montón! ¡Gracias! El sonido es una
construcción, un medio, un material crudo que
puede tomar vida e influir sobre nosotros tal como
es o que uno puede manipular, construir algo con
él, darle forma a la luz y a las emociones, conjurar
la oscuridad, crear nuevos rituales para nuevos
cultos, es una búsqueda infinita. Por lo tanto, sí,
de alguna manera es un rol que me gusta.
Estuviste en incontables proyectos, y aún
seguís, es difícil hablar de todos. Pero Som-
ma, me llamó la atención poderosamente.
Primero porque fue una colaboración con tu
41
mujer Petulia, y además porque se trataba de
experimentar con las músicas del mundo. Me
da mucha curiosidad el álbum “Hooked Li-
ght Rays” (algo así como “Rayos de luz en-
ganchados”). Siete monjes tibetanos canta-
ron para el proyecto. ¡Esa historia merece ser
contada!
Somma es en realidad una idea que ella tuvo
un tiempo atrás. Es también mi primer proyecto
con Bill Laswell. Surge de la voluntad de reunir a
diferentes músicos de diferentes culturas, con di-
ferentes historiales musicales junto a los monjes
tibetanos y hacerlos improvisar juntos con un mí-
nimo ensayo. El costado visual del proyecto es
también profundamente importante, en este caso
sonido e imagen están inspirandonse mutuamen-
te en tiempo real. Es un proyecto dificil de poner
en escena dado que es economicamente costo-
so, y tiene obviamente implicancias políticas, que
muchas veces no permiten que se lleve a cabo.
No te das una idea de la cantidad de festivales
que tenía agendados Somma y que luego can-
celaron sus fechas por presión política de China.
Leí algo más sobre Somma, en 2001, en opor-
tunidad de la visita official del Dalai Lama,
Somma tocó en Trento, en el Centro Santa
Chiara, para unas 2000 personas. ¿Cómo fue
esa fecha? ¿Tuviste un encuentro con el Da-
lai Lama en persona? ¿Estabas interesado en
su filosofía?
La causa del Tibet es la única que apoyo, desde
que soy adolescente. Estoy comprometido con
la filosofía de Su Santidad Dalai Lama. Y en esa
oportunidad tuvimos un encuentro privado de una
hora. Bastante intenso, debo admitir. El Concejo
de la Ciudad nos contactó para llevar a Somma al
escenario y felizmente lo hicimos, un recital úni-
co, todo grabado. Fue una noche mágica, la gen-
te adoró la música y tocar frente a un ser humano
tan grande fue muy intenso.
Hace poco miraba un documental de la BBC
sobre electrónica / synth pop en Inglaterra, y
hubo algunas frases que me hicieron reír y
pensar. Una decía que la “electrónica” más
allá de las intenciones de su compositor era
algo visto y escuchado en una luz muy nega-
tiva, como algo oscuro, alienante, distópico.
¿Vos que has experimentado en ese territorio
lo ves así?
¡Por Dios!... Cada vez más seguido me pregun-
to si es mejor callarse. ¿Qué quiere decir eso?
Electrónica/synth pop son solo etiquetas, fin de
la historia. Como dije antes, la música trabaja de
acuerdo al entorno, las emociones, la comida,
la historia, los lugares. Que frase más idiota. Es
realmente un acercamiento anticuado al sonido
y a la música.
Como si esta entrevista fuese en cuenta re-
gresiva desde tu último disco hasta los ini-
cios, inspirado en la explosión electróni-
ca que sucedía en Londres, que era llamada
“post-punk” y básicamente “post-todo”, que-
ría preguntarte: ¿Te sentiste parte de esa es-
cena en Italia?
Por un rato fui parte, pero mi gran problema
fue, y es, que necesito evolucionar, cambiar, ha-
cer nueva cosas/proyectos. Luego de un tiempo
en una banda se vuelve aburrido para mí, nece-
sita trabajar con caras nuevas, nuevos jugado-
res, nuevos lugares. Así que fue parte de la es-
cena por un corto tiempo, porque era en realidad
muy “derivativa” y poco abierta a experimentar.
Ese fue el principal motivo por el que cree Sigi-
llum S, tener un contenedor vacío, abierto a cual-
quier cosa.
¿Fuiste también un punk de la primera gene-
ración, en los últimos años setenta?
Algo así, pero de nuevo, siempre rechacé los
encasillamiento sobre mi persona, por lo que mi
historia en esos movimientos siempre fue corta.
Estuvo limitada a la rabia y la furia de los inicios.
¿Podría decirse que lanzar en 2009 RareNoi-
se Records es parte del espíritu del DIY (hazlo
tú mismo, consigna punk)? En el estado ac-
tual de la “industria musical” ¿es mejor ha-
cerlo uno mismo?
RareNoise es un sello que edita a muchos otros
artistas. Mi discos editados en RareNoise son
unos pocos. Nunca quise convertirlo en mi espa-
cio de juego personal. Cuando Giacomo Bruzzo
me propuso crear un sello, tuve ese punto bien
claro. Por otro lado el sello no podría contener a
muchos de mis discos que no encanjan en el ca-
talago de géneros con el que trabaja. Pero “Ver-
ba Corrige” fue un sello bien “hazlo tu mismo”, lo
usamos por unos 25 años para sacar albumes
con Sigillum S y gestionar nuestras actividades.
Seguimos haciendolo para nuestros discos jun-
tos con una nueva compañía que cree en el Rei-
no Unido.
Por último quisiera que nos contaras algo
sobre la música que estás trabajando en este
momento, o cualquier cuestión que creas
conveniente comentar antes de despedirnos.
Hay un montón en camino para este año y el
próximo. Hay un nuevo álbum de Sigillum S, el
primero en reunir una formación que tiene a Bru-
no Dorella de OVO/Ronin. Un nuevo material
de“Equations Of Eternity” un proyecto colaborati-
vo con Bill Laswell. Ambos están basados en los
“Aghoris Sadus”, la más oscura de las ordenes
de hombres sagrados en India. El año pasado fui
a India, y estuve en el Festival Kumbh Mela para
grabar sus rituales. Hay en camino una edición
limitada de Blackwood, un sencillo de12” de un
solo lado, con dos invitadas especiales, Stefania
Also Pedretti (OVO) y Emilia Moncayo (Minipony)
en voces. El lado B va a tener unos grabados en
laser con diagramas mágicos. Un nuevo album
con Toshinori Kondo para“Glacial Movemnets”,
basado en grabaciones en aguas profundas de
la Palaoa (Estación Antartica). El primer album
del maravilloso clarinetista Gareth Davis, un dis-
co muy delicado y ambient, solo con guitarras y
clarinete, concebido como una banda de sonido.
Un proyecto que cree con un diseñador gráfico
que convina indumentaria, conceptos, mensajes,
un sello discográfico. Algo así como discos finan-
ciados con la venta de ropa, mensajes transpor-
tados a través de sonido y la imagen, otra vez.
Será un poco extremo pero elegante, belleza en
la crudeza. Además de sountracks, remixes, mú-
sica para publicidad, fechas en vivo. Me detendré
cuando muera...
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 [ Entrevista a Rosario Blésfari y Julián Perla de Los Mundos Posibles por Pablo Müllner.
Fotografías: Eugenia Kais ]

ROSARIO Y JULIAN NOS

TRAEN LAS MAS HERMOSAS
FLORES DEL FUTURO
 A Rosario (Bléfari) es ya casi redundante pre-
sentarla, una voz, un estilo y por sobre todo, una
poética –una poeta- omnipresente en la escena del
rock y quizá más allá, en la música popular nacio-
nal. Una de esas figuras que trascienden el medio
que eligen para expresarse y rizoman en todas las
direcciones: música, literatura, cine, teatro, siem-
pre con el hilo conductor de la coherencia poética.
Como Patti Smith, Laurie Anderson. Quizá como a
Debbie Harry, cuando la llaman Blondie, muchos
habrán pensado alguna que Rosario se llamaba
Suárez. Y claro, Suárez es una pieza fundamen-
tal y a la vez difícil, que define el rompecabezas
del rock de los noventa. Pero Rosario, es Bléfari,
como bien supo llevarlo en sus discos solistas de
la primera década del 2000. En sus muchas pelícu-
las. Y sus libros de poesía. Y más acá en el tiempo
como líder y alma mater de Sue Su Mont. Rosario
es un ícono inquieto e inconformista, que no se
deja iconizar. Una artista que goza siempre de re-
levancia y juventud, que vive proyectando y crean-
do, sin prisa pero sin pausa.
A Julián (Perla) es quizá un poco más difícil de
rastrearlo. Pero si tuvimos la buena suerte de es-
cuchar la exquisita banda indie Mi Pequeña Muer-
te, sabemos de quien hablamos. El muchacho
supo ser también de la banda de Rosario durante
un período de su carrera solista, cuando se pre-
sentaba en vivo.
2018 los encuentra juntos y entrelazados, como
dos enamorados, al menos en el terreno musi-
cal: “Los mundos Posibles”, es el nombre del
dúo creativo que acaban de formalizar con “Pin-
tura de Guerra”. “Pintura de Guerra” se trata de
un disco “conceptualmente” anclado en el amor y
al mismo tiempo usa mucho el campo semántico
de lo bélico: “estrategia”, “ganar”, “perder”, “gue-
rra”, “condenados”. Creo que eso, desde el títu-
lo mismo, no tiene que ver para nada con el azar.
Casi como un oxímoron de esos que usa el mun-
do oriental que podría aconsejar:“si querés hacer
buenas canciones de amor, dale un lugar a la dis-
puta.” La música en cambio, nos trae un perfume
diurno, un aire rural, entre el folk y el pop barroco,
con un medido encanto que pone las voces en un
primer plano. Esto nos permite concentrarnos en
las voces, en las deliciosas letras que están muy
cerradas sobre las figuras de “la pareja”, mientras
49
que en la música popular está siempre más pre-
sente la figura del tercero/la tercera en discordia.
Aquí“los enemigos” son más impersonales, invi-
sibles, filosóficos quizá: el tiempo, la distancia, “la
mente del otro” como dice el tema “En otra Dimen-
sión”. En la última canción “La ciudad más aus-
tral del mundo”, y seguro no es casual, Rosario
canta sola: “el amor que creía eterno fue un rayo
nada más en el cielo”. Es un final que deja un sa-
bor triste, pero al mismo tiempo no se desvanece
en la nostalgia sino que ve ahí mismo surgir “la
más hermosa flor del futuro” (podrían referirse a
preciosas canciones, seguramente).
Un detalle que para mí fue muy precioso es que
las voces se entrelazan, fluctúan, a veces, medio
cambian el lugar más común. Quiero decir no fun-
cionan binariamente como en muchas canciones
a dúo femenino/masculino. Lo rosa, lo celeste. La
bella, la bestia, y todo ese imaginario. Sino que
a veces resuenan como lo femenino y masculino
que resuena en la conciencia de todo ser. ¿Pue-
de ser?
Julián: Claro, la idea era salir de esa tradición inter-
pretativa del dúo hetero clásico. “Daba para más” es
de Rosario y la voz principal es la mía. Quedaba bien
ese registro y esa mirada sobre la canción. Después
“la Ciudad Más Austral … “ es una composición mía
que se transformó con la voz de Rosario. Ahí es donde
se rompe la dualidad y desaparecen los límites.
Y ya que hablamos de dúos pensé mucho y no
me acordé de notables bandas pop que sean dúo
mujer/varón. Alguno medio bizarro quizá. Pero me
parece que no es una tradición muy nacional el
dúo f/m. Me parece que está mucho más presente
en canción pop francesa. Qué apropósito me re-
cuerda bastante.También pensé enMazzyStar, Se-
ventree el disco de Goldfrapp. Hay algo más de
naturaleza de fondo, acústico, menos ruido, más
diáfano. ¿En qué música pensaron ustedes? ¿O
qué escuchaban mientras lo hacían?
Rosario: Bueno, siempre que escuchábamos cosas
juntos, en los viajes en auto por ejemplo (Fuimos has-
ta Chile en auto con la banda y escuchamos mucho
juntos) marcábamos cosas, aspectos que nos gusta-
ban de una u otra grabación, pero era muy azaroso
y variado, para mí era más como señalar un aspecto
de muy diferentes artistas o grabaciones. Pero le dejo
esta respuesta más a Julián que como productor y
quien estuvo al mando del registro, edición y mezcla,
sabrá contestar.
Julián: Cuando empecé a pensar un disco por fue-
ra de MPM era justo para pararme en otro lugar, más
acústico y con menos capas e instrumentación. Me ve-
nían a la cabeza los discos acústicos de Cave, “Clo-
sing Time” de Tom Waits. Arreglamos mis canciones
así, en esa dirección junto a Javi Diz, pero cuando
aparecieron las canciones de Rosario nos fuimos de-
jando llevar por ellas y aparecieron otros climas, y en
algún momento esas dos ideas se entrelazaron y lle-
gamos al sonido del disco.
Tendrá que ver con las relaciones que se trans-
forman quizá la metáfora. Muchos artistas hacen
proyectos creativos luego de ser pareja, se viene a
la mente Eurythmics por ejemplo. Parece que en el
momento la relación amorosa se vive a pleno y lo
que queda después son mucho más que cenizas
por suerte. En ese sentido quería preguntar cuál
sería “Un futuro Brillante” para este dúo, pensa-
do de a dos. Sé que no tienen aún muy definido el
tema de tocar en vivo. ¿Alguna extensión audiovi-
sual del disco? ¿Pensaron en darle un soporte a
estas canciones desde la imagen?
Rosario: No lo pensamos, tal vez porque está bue-
no dejar que las canciones, con la letra, la melodía y
los timbres de los instrumentos, generen al ser es-
cuchada, sus propios soportes visuales, tal vez com-
puestos por recuerdos o imágenes vistas en otro lado
como una película, o la vida de alguien cercano. Es la
libertad que da la música al ser un elemento invisible.
Si de todas maneras tuviera que pensar en un acom-
pañamiento visual para una presentación en vivo,
creo que optaría por algo que no tuviera exactamente
que ver, como travellings desde trenes, la ruta, lo que
se ve a través de una ventanilla, pero es mi tipo de
imágenes preferidas para escuchar música en gene-
ral, travellings, con distintos puntos de vista.
Julián: No planificamos nada pero supongo que el
entusiasmo nos va a llevar a presentarnos en algún
momento del año. La pasamos muy bien juntos y nos
vamos a divertir armando un show a dos voces, em-
pezar desde cero. También me gustaría seguir hacien-
do discos y contar otras historias. Y sobretodo hablar
de esas cosas, una actividad preferida que tenemos
con mi socia.
El título de la banda me hizo acordar al título de
un libro de Ana María Shua “Todos los universos
posibles” que reúne sus microficciones ya edita-
das. Y me parecía una coincidencia muy buena:
pensar cada disco de la carrera de Rosario, como
Rosario, Suarez, SuéMonMont o Los mundos po-
sibles, como pequeños universos, microrrelatos
para escuchar.
Rosario: Si, el título nos costó mucho porque nada
nos terminaba de convencer de miles de cosas que
proponíamos, hasta que recordé una unidad de la ca-
rerra de Artes de la escritura en Narrativa I, que era
ese, "Los mundos posibles", una teoría que con solo
escuchar su nombre dan ganas de escribir. Y sobre el
que se podría discurrir inlcuso antes de haber leído de
qué se trata, porque incita a la imaginación teórica. Por
qué no para estas canciones, que a su manera, cuen-
tan historias y hacen mundos.
Julián: Estuvimos un montón de tiempo para encon-
51
trar el nombre para el proyecto, en algún lugar guar-
do la lista con las alternativas. No nos convencía salir
como “Rosario Bléfari y Julián Perla”, la idea era jus-
tamente lo contrario, era atomizarse, cambiar la piel,
mirar desde otro lugar. Un día Rosario me mandó una
foto de una hoja con un título escrito a mano y hermosa
caligrafía. Decía “Los Mundos Posibles” y le dije ense-
guida que sí, que ese era el nombre.
Finalmente, ¿”esta estúpida estrategia del amor”
nos servirá para ganar alguna guerra?
Rosario: No, de ninguna manera, las estrategias
solo sirven para jugar un rato, a riesgo de perderlo
todo. En el terreno del amor, nada nos asegura nada.
Y si algo nos interesa en serio no podemos someterlo
al juego de las estrategias.
Julián: ¡La guerras están hechas para perderlas!
Es muy cierto… Gracias por sus palabras y es-
peramos (im)pacientemente escuchar más de Los
Mundos Posibles pronto!
[ Entrevista a Japan Suicide por Benjamín York. Fotografías: Luca Sola.]

SANTA SANGRE
ES NUESTRO MEJOR ÁLBUM
 Siempre sucede que nos encontramos Italia es un asombroso semillero de 53
con bandas que para nosotros parecen bandas de cold wave, post punk o shoe-
nuevas y, en realidad, tienen muchos años gaze. Estilos que a ustedes los atravie-
de trayectoria; este es el caso de los italia- san. ¿Cómo es la escena italiana y con
nos de Japan Suicide, quienes se han for- qué bandas son amigas?
mado en el 2007 y llevan publicados dos Somos amigos de bandas italianas y eu-
álbumes (Mothra, 2010 y Se Die Un Such ropeas como The Foreign Resort, Hapax,
A Plece, 2015) y algunos singles y EPs. Velvet Kills y Brandenburg. También hemos
Nos han acercado su tercer álbum, "San- compartido el escenario con placer con mu-
ta Sangre", editado bajo el sello Unknown chas otras bandas.
Pleasures Records el 14 de febrero pasa-
do. Como nos interesó y nos gustó el nue- Después de más de diez años de existen-
vo trabajo decidimos entrevistarlos. cia de Japan Suicide. ¿De qué se arrepien-
ten? Y ¿de qué se sienten orgullosos?
Hola chicos antes de comenzar quería Personalmente, creo que podríamos haber
agradecerles la posibilidad de charlar con perdido menos tiempo y publicar más músi-
ustedes.Y para iniciar este camino de pre- ca, pero de todos modos estoy satisfecho con
guntas y respuestas... he leído que entre las cosas bonitas que nos sucedieron y que
sus influencias ustedes mencionan a Ja- hemos mejorado nuestra música. Tal vez he-
pan y a Suicide. ¿De ahí viene el nombre mos cometido algunos errores sobre la ges-
de la banda? tión.
Viene de Mishima Yukio.
Por lo que he visto, "Santa Sangre" es su
Desde el 2010 vienen editando material tercer álbum. Contános sobre el proceso
discográfico. ¿Cuál es el registro que más de escritura y de grabación del álbum.
adoran? Consideramos que Mothra es un error juve-
Bueno, “We Die In Such A Place”combina nil, entonces para nosotros "Santa Sangre"
diferentes buenos aspectos: después del lan- es nuestro segundo registro. Sobre el pro-
zamiento por Unknown Pleasures Records y ceso de escritura seguimos este proceso de
esto algo cambió para nosotros, hemos he- pasos (también para “We Die In Such A Pla-
cho más shows y más gente conoció nues- ce”): Matteo (bajo) comienza desde una esté-
tra música.Entonces, es nuestro primer disco tica inicial y un sonido general para el álbum.
que considero bueno tanto para la compo- Después de eso usualmente comenzamos
sición como para la producción.Pero Santa desde una línea de bajo. Luego lo combina-
Sangre es mejor, y el próximo será mucho mos con voz y otra línea para tener algo así
mejor. como el hueso de una canción. Luego proba-
mos esto en la sala de ensayo con los demás
¿Cuál o cuáles volverían a grabar y por para completar las pistas. En el estudio, pa-
qué? samos más tiempo para sonidos específicos
Hay algunas canciones que nos gustaría y para verificar mejor si todo funciona.
grabar nuevamente. Se grabaron cuando te-
níamos menos conciencia sobre cómo hacer ¿Qué puedes contarnos acerca del ví-
una buena canción de una buena idea, por lo deo de "Circle"?
que nos gustaría hacer un mejor trabajo para Lo hemos hecho con nuestro amigo direc-
nuestro placer y también para otras perso- tor, Francesco Brunotti, con la ayuda de algu-
nas. nos amigos. Afortunadamente teníamos las
máscaras, así que hemos hecho diferentes
 55

personajes al mismo tiempo. Hemos filmado cide en este 2018? Habrá nuevos vídeos,
cerca de donde vivimos y nos arriesgamos Singles, EPs?
de quemar el bosque y asustamos a algunos Estamos tratando de producir nuevos vi-
niños. deos, también habrá estas dos nuevas edi-
ciones y estamos escribiendo material nue-
¿Cuándo tienen pensado presentar el vo.
nuevo álbum? Sé que se viene la primera
gira por Norteamérica y México. Para culminar ¿Por qué dirías que hay
Presentaremos el álbum en Italia, pero los que seguir a Japan Suicide y por dónde
shows en Los Ángeles y Ciudad de México pueden seguir a la banda?
podrían ser la mejor manera de presentar el La única razón para seguir a una banda es
álbum a los estadounidenses, también por- si su música mejora tu vida. Nos puedes en-
que habrá un lanzamiento de vinilo y otra edi- contrar y escuchar en Bandcamp, Youtube,
ción de cd, respectivamente con Wave Re- Spotify, Soundcloud. También puede poner-
cords y AAMI Records. se en contacto con nosotros en Facebook,
Instagram y por (e-) correo. Gracias a ti Ben-
¿Qué podemos esperar de Japan Sui- jamin y a los lectores.
[ Entrevista a Ayermaniana por Pablo Müllner.
Fotografías: Dana Ogar y Santi Sombra ]

CULTIVANDO FLORES
NEGRAS PARA LOS OIDOS
 Ayermaniana es Maximiliano Leivas (Gui-
tarra y voz), Nicolás Granado (Bajo), Santia-
go García (Batería) y Leonel Calo (Guitarra y
Saxo). A veces se los define como a una ban-
da de rock psicodélico. Pero sería mezquino
describirlos con esa única etiqueta. Hay mu-
cho más para escuchar en casi ocho años de
tocar juntos y dos discos de estudio. Su úl-
timo álbum “Flores Negras” del año pasado,
parece ser la condensación de sus variados
intereses musicales y horas, incontables ho-
ras en la sala de ensayo. Más allá de los gé-
neros reconocibles, como rock psicodélico,
rock progresivo, blues rock, se oye y se sien-
te un sello muy personal, tanto desde la lírica
como desde lo musical, la producción y la ex-
perimentación en el estudio parece haber ju-
gado un rol fundamental a la hora de gestar
estas extrañas siete canciones, que realmen-
te se meten profundo en nuestros oídos y nos
traen la imagen de verdaderas flores exóticas,
alucinógenas, negras, pero también de colo-
res cromados, cambiantes, como el ánimo de
las expresivas guitarras de Maxi y Leonel.
En Flores Negras ya no están los tracks pu-
ramente instrumentales como sucedía en el
primer disco “Ayermaniana” (2013), aunque
si hay largos momentos de “solos” instru-
mentales. Todos los temas tienen voces y le-
tras, algunas bien escuetas como pequeños
poemas haikus. Otras que responden perfec-
tamente al formato canción como “Tras la bru-
ma” (el single de difusión) y “Atraviesa”. Pero
hay momentos donde las voces se trabajan
de una manera mucho menos convencional,
como mantras, como ecos. Cuando les men-
ciono una posible comparación de su disco
con OK Computer de Radiohead, los mucha-
chos de Ayermaniana asienten con satisfac-
ción. Es la forma de hacer un disco experi-
mental, progresivo que parece la más natural,
la menos forzada. Es lo que Ayermaniana se
propuso hacer. Reunir las partes sonoras que
cada uno trae, trabajarlas juntos con mucha
paciencia, como si se tratara de cultivar flores
para nuestros oídos.
Leyendo un reportaje reciente, el periodista
los definía como una banda de rock progresi-
57
vo psicodélico. Yo no quisiera seguir suman-
do etiquetas, pero sentí que la búsqueda va
un poco por el lado de experimentar en el es-
tudio. En un sentido me recuerda a OK Com-
puter, no porque suene inglés y melancólico,
sino porque es el disco donde juntaron todas
sus influencias y se jugaron a hacer algo “pro-
gresivo”, “experimental”…
En el caso de Ayermaniana, el estilo es una
consecuencia directa de cómo se formó la ban-
da. La banda nació adentro de una sala zapando.
No había un objetivo claro de lo que queríamos
hacer. Cuando uno escucha la banda siempre
aparecen cosas que están asociadas a algo que
nos gustan, por ejemplo a veces nos dicen “mirá
esto tiene algo de Led Zeppelin”, también hay
mucho blues, mucho rock de los setenta, mucho
rock progresivo. Cuando uno hace un tema es
básicamente partir de las cosas que a uno le van
gustando. Cada uno de los integrantes trae con
él lo que le gusta y de ahí surge nuestro “estilo”
por así decirlo.
Lo de experimentar medio que se dio sin cal-
cularlo. En este disco empezamos a componer
mucho a partir de “loops”. Dijimos hagamos una
base sobre la que tocar el tema encima. Por ejem-
plo en el primer tema, “Ya no estás”. Es el mismo
loop desde que empieza hasta que termina y en-
cima yo (Maxi) canto, y está el solo de guitarra y
el solo de saxo…
Al mismo tiempo me parece interesante que
no abandonan algunas tradiciones del rock
nacional como es el caso del blues. De hecho
Tras la Bruma es un blues rock bastante de-
finido. En otros momentos escucho también
bastante percusión, que es un elemento muy
“rioplatense” y asimilado en nuestro rock. Por
otro lado el fraseo de Maxi, en el último disco
por momentos suena parecido a ese estilo tan
Cerati de estirar las palabras como para ex-
traerles alguna sonoridad desconocida.
Si, lo del parecido con Cerati nos los han di-
cho hace poco también. Y la verdad es que nos
dimos cuenta después. Sinceramente, Cerati es
un artista que empecé a escuchar más de gran-
de la verdad, de adolescente era de los Redon-
dos. Y no, no fue algo consciente pero está bue-
no que surja porque es indiscutible que Cerati fue
un grosso.
En cuanto al sonido, Primero teníamos la idea
de grabar todo como trio, pero después fueron
apareciendo estas ideas de producción, que nos
hicieron ver cuál es realmente el formato de la
banda. Recién ahora que sacamos el disco, que
lo presentamos en vivo que lo tocamos, nos di-
mos una idea de cuál es el formato de Ayerma-
niana. También un poco por lo que hablábamos
antes, la idea de trabajar con loops surgía la po-
sibilidad de trabajar con amigos bateristas, per-
cusionistas que aportaran al sonido de la banda.
Me llamó la atención que las letras son bas-
tante cortas, pero lo digo en el mejor sentido.
Sentí que hay una condensación del sentido
de cada palabra. Que son pocas, pero que bri-
llan y tienen un peso específico. ¿De dónde
viene esa inspiración?
Bueno, la verdad viene de un lugar muy perso-
nal de Maxi en realidad. Hace unos años atrás(-
Maxi) estaba pasando por una situación de vida
muy terrible. Una gran pérdida. Y a instancias de
él surgió el de juntarnos y ponernos a hacer mú-
sica como una forma de sobrevivir. Todos lo se-
guimos incondicionalmente y es por eso que hoy
estamos acá. Pero bueno, no es casualidad que
en la poética de las letras esté presente la idea
de dos cosas opuestas, la vida y la muerte, la fe-
licidad y la tristeza, un poco por eso, entre otras
cosas, es que el título es Flores Negras, que pa-
recen dos conceptos opuestos, por más de que
existan las flores negras, uno siempre tiene la
idea de que una flor no puede ser negra.
El disco debut era más conceptual y tenía
mucha más presencia de vientos. Por mo-
mentos me recordó el acid jazz, el free jazz.
Tenía algo de improvisación. Ese espíritu sin
embargo no está del todo perdido en el segun-
do disco, ¿no?
Sí, en el primer disco tenemos por ejemplo un
solo de guitarra que salió de una y así quedó gra-
bado. En el segundo también nos pasó eso bas-
tante. Creo que eso pasa naturalmente porque
somos una banda que se junta a tocar en la sala,
y no tenemos una lista de temas, ni una idea pre-
via de lo que queremos hacer ese día, y entonces
ahí mismo van surgiendo las ideas, de manera
espontánea, así que nos sorprendemos a noso-
tros mismos con el resultado.
Sus canciones les dan una base para seguir
experimentando en vivo o funcionan de ma-
nera más rigurosa cuando toca ante una au-
diencia.
El año pasado tocamos mucho en vivo, casi
continuamente. Y el resto del tiempo nos junta-
mos mucho a ensayar. Entonces todo lo técnico
ya está bastante controlado, por eso el momen-
to en vivo pasa por otro lado, casi diría espiritual,
llevar la música a otro plano. Siempre hay partes
que son abiertas en nuestros shows. Si bien hay
una estructura donde cada uno sabe lo que tiene
que hacer. Pero naturalmente tenemos un mo-
mento donde uno se manda con un solo y el res-
to lo entiende y lo sigue. No hay ningún proble-
ma entre nosotros con eso. Por ejemplo también
cambiamos un tema del primer disco para que el
batero tenga un solo.Le damos la posibilidad a
cada uno de que se suelte con su instrumento,
viaje y el resto lo sigamos.
Leí por ahí que además de autogestionar la
banda también ayudar a otras bandas, ¿cómo
es eso?
Sí, somos autogestionados. Un poco por de-
cisión propia. Y otro poco porque sinceramente,
de lo más mainstream no nos copa mucho lo que
se hace. No se trata de armar una polémica, de-
cir “el mainstream nos parece todo una mierda”.
Somos músicos, tenemos amigos músicos, es-
cuchamos de todo. Pero sentimos que lo nues-
tro pasa, por otro lado, no sé muy bien por qué.
Sabemos que hay toda una escena abriéndose,
eso interesante, nuestra búsqueda pasa más por
hacer nuestro. Autogestionamos todos nuestros
shows. Cuando armamos una fecha llevamos
nuestras cosas, no tenemos nadie de interme-
diario. Recién este año estamos viendo de hacer
algunas cuestiones burocráticas como para con-
seguir algunos facilidades. Creo que pasa por
ser consciente de que no sos el centro del univer-
so, de que no van a venir a oírte si no te movés.
Además nos interesamos mucho por conocer lo
que hacen las bandas que tocan con nosotros,
nos tiene que gustar lo que hacen para subirnos
a una fecha. Y esta bueno sentirse parte de ese
59
colectivo. Para otras bandas amigas que siguen
el mismo camino tenemos a disposición nuestra
sala y estudio.
¿Cómo viene el 2018 para la banda?
El disco tuvo muy buenas repercusiones por
suerte. Ya cumplió un año. En enero estuvimos
en Chile. Hicimos cuatro fechas muy buenas. Es-
tuvimos en el Festival Woodstaco, un lugar in-
creíble al pie de la Montaña de Teno. Este año
tenemos fechas hasta julio. Una por semana en
Capital, seguro. El 23 de febrero tocamos en Al-
magro en El Emergente. El 24 con los Bluyines en
La Plata. El 13 de abril tocamos con Nautilus de
Córdoba y Guacho en Capital. En mayo vamos a
Uruguay. Tenemos fechas en La Pampa y Córdo-
ba con Knei. En mayo tenemos la presentación
del disco de los Hijos Amigos. Durante junio to-
camos en Club V. Y varias cosas más entre las
que estamos armado temas nuevos, tenemos la
convicción de hacer un disco nuevo. Igual siem-
pre decimos que lo vamos a hacer en una sema-
na y tardamos mucho más así que no me puedo
arriesgar a que sea seguro.
Una de sus letras dice: “eleva tu ser/que
los días sin amor/ alteran tu realidad/ hasta la
crudeza de estar vivo” ¿Tiene qué ver con los
tiempos de crudeza que se vive a nivel social?
Sería el consejo para un artista independiente
que quiere vivir de su música en 2018?
Sí, que se yo. Una vez escuché que Lennon de-
cía que él escribía las letras sin pensar demasia-
do en que “decir” porque le gustaba que cada uno
las interprete como quiera, eso esta bueno. Me
gusta que se pueda aplicar a muchas situacio-
nes, por ejemplo que se pueda tratar de algún tipo
de droga. O que se trate del amor, quizá que es
básicamente eso “elevarse”. Pero bueno, si pue-
de servir para alguien que este necesitando un
mensaje de esperanza, bienvenido sea. El tema
se trata básicamente de eso. También está bue-
no salirse del pensamiento de que está todo mal.
Digo por lo que contaba antes de mi situación
personal, hacer música me permitió sobrellevar
una situación de mierda y me pone contento mirar
atrás y mirar al presente al que llegamos juntos.
Estamos muy contentos porque se nos amplió la
visión de lo que queremos hacer, que es vivir de
la música. Y entonces nos ponemos a la altura de
las circunstancias, sonamos como queremos so-
nar. Ensayamos todos los días.
¿Alguna otra cuestión que quieran mencio-
nar antes de despedirnos?
Les agradecemos la onda. El periodismo inde-
pendiente es importante para difundir lo que ha-
cemos.
61
63
EL RECOMENDADO
The Dharma Jerks
65
[ Entrevista a Matthieu Schny de The Dharma Jerks por Diego Centurión. ]

ES UNA AFORTUNADA COINCIDENCIA

Nos encanta conocer nuevas bandas, y No es un proyecto viejo. Existe en la línea

las posibilidades para hacerlo son múlti- actual durante un año y medio. Antes de eso,
ples, por medio de agentes de prensa que solo el cantante y el bajista componían algu-
nos acercan materiales, las redes socia- nas canciones juntos.
les, las mismas bandas que nos envían
su material, por charlas con amigos que ¿Quiénes integran la banda?
nos recomiendan a otros artistas, o sim- Bastien cantante principal y guitarra solis-
plemente buceando en youtube o por pá- ta. Él escribe la mayoría de las canciones e
ginas de streaming. El caso de los france- ideas.
ses de The Dharma Jerks llegó hasta mí Matthieu, que hace un poco de todo, es-
por el canal de you tuve de Psychoacti- pecialmente guitarra solista y teclas. Algunos
vtv, el cual recomendamos su lo tuyo es tamboriles, y puede ser un poco de mando-
lo referente a la psicodelia. Y luego una lina.
cosa trajo a la otra, en el facebook de la Aurélien, también conocido como "Da-
revista publicamos el vídeo de la canción ddy" porque no quiere que sus hijos vengan
"Mary-Anna" y llegó el contacto con parte a nuestros conciertos y tiene razón, nuestro
de la banda. Entonces pensamos acaban bajista.
de editar el EP debut, entonces por qué no Louis, el baterista. El tipo que se junta con
hablar con ellos y conocerlos... Y esto ha- músicos.
blamos con nuestros RECOMENDADOS...
¿Cómo llega This Is Not A Method...?
Hola.... Es una afortunada coincidencia. El produc-
La primera pregunta tiene que ver con el tor de una banda con la que tocamos una no-
nombre de la banda. ¿Cómo nace el nom- che, Charles, estaba en la audiencia y le gus-
bre? tó nuestro desempeño. Ponemos un cartel en
El nombre original se refiere al libro "The el escenario con "Band for sale" escrito en él.
Dharma Bums" de Jack Kerouac. La inser- Pocos días después, recibimos un mensaje
ción de "Jerks" significa que todos estamos suyo en nuestro buzón y nos fuimos al este
inspirados en la Generación Beat (en el mun- de Francia para grabar seis canciones en dos
do del rock psicodélico), pero nadie está vi- días en condiciones increíbles.
viendo en los valores que se extienden en el
trabajo de Kerouac, y es un poco irónico. ¿Qué bandas los influencian?
Hay muchas bandas que pueden inspirar-
¿Cuándo y cómo nace la banda? nos, desde la música de los años cincuen-
ta hasta la música rock reciente. Pero como
marcador, usualmente damos tres nombres
que abarcan nuestro tipo de música: The
Velvet Underground (Raíces de las raíces),
Brian Jonestown Massacre, Black Lips y
Nana Mouskouri, por supuesto.
¿Qué planes tienen para este 2018?
Nuestro objetivo es hacer todos los con-
ciertos posibles, principalmente en Francia,
donde vivimos, estar en el escenario, cono-
cer gente, descubrir lugares y mostrar nues-
tro trabajo y habilidades. 67
Al mismo tiempo, cuando nuestros horarios
nos permiten hacerlo, trabajamos en nuevos
sonidos y canciones para grabar un segundo
EP durante los siguientes meses.
¿Por qué los oyentes no deben perderse
la música de The Dharma Jerks?
Porque es genial y porque nuestro cantante
es vegetariano. ¿Quién escucha música por
otros motivos?

Y para terminar, ¿dónde pueden encontrar a The DharmaJerks?

Si buscas música:
https://www.youtube.com/channel/UC59aBbcGNbliukSQ7l3mSZg
https://open.spotify.com/artist/755wPulO5CeQWhAEdXEEXH
https://www.deezer.com/fr/artist/11344942
https://thedharmajerks.bandcamp.com/

Si buscas cosas estúpidas y noticias:

https://www.facebook.com/thedharmajerks/
https://www.instagram.com/thedharmajerks/

Si buscas a los miembros de la banda, probablemente en el bar.

Descubriendo la Magia
 69

Hoy:
DEAD GUITARS - FEELS ALRIGHT (2008)
Entrevista a Carlo Van Putten por Diego Centurión
 Siempre hay un motivo real para brindar,
decía una publicidad en Argentina, y tras-
pasando esa frase a Dead Guitars siem-
pre encontramos un motivo para comu-
nicarnos con la banda. En esta ocasión
el motivo es la conmemoración del déci-
mo aniversario del EP "Feels Alright" pero
también saber sobre las noticias actuales
de Dead Guitars. Así que otra vez nos co-
municamos con Carlos Van Putten, la voz
de la banda.
Hola Carlo un placer volver a comunicar-
nos contigo.
Para dar comienzo a esta entrevista te
pregunto por las sensaciones que te ge-
nera saber que desde el lanzamiento de
"Feels Alright" han pasado diez años.
Hey Diego, gracias por preguntar. Sí, ha pa-
sado mucho tiempo desde ese lanzamiento.
¡Pasaron muchas cosas en esos 10 años!
Mirando hacia atrás, creamos cuatro álbu-
mes de estudio, Airplanes, Flags, Stranger y
Shelter. Una gran gira en 2008 con nuestro
amigo Wayne Hussey y The Mission, hicimos
algunos conciertos con nuestro amigo Mark
Burgess y The Chameleons y nos divertimos
muchísimo por nuestra cuenta, así como en
algunos festivales de Europa. Mencionar to-
das las sensaciones tomaría mucho tiempo y
espacio en este momento. Creo que éramos
una banda sensacional. Nunca salimos del
escenario sin un bis. Las personas con con-
jeturas notarán eso cuando nos hayamos ido.
Después de “Airplanes”, extraen la can-
ción “Feels Alright” y publican estas can-
ciones. ¿Es material que quedó fuera del
álbum debut o se trata de canciones escri-
tas para este lanzamiento?
Sí, esas canciones no llegaron al álbum. "I
See" la tocamos varias veces en vivo y era
una canción real en vivo. Siempre ha sido
genial tocarlo en vivo, porque realmente se
sacudió. "Delicate" y "Secrets" fueron demos
que empezamos con Pete Kurt y yo, antes de
que Ralf se uniera al grupo. De alguna ma-
nera, todos decidimos sacar un EP con esas
pistas. Supongo que la compañía discográfi-
ca nos dijo que les encantaría sacarlo.
¿Qué recuerdas particularmente de la
grabación de las canciones que están en
este EP?
Sí, lo recuerdo exactamente. Fue en un en-
cantador estudio "Blubox" con nuestro amigo
Guido Lucas quien lo produjo. Tristemente,
Guido falleció el año pasado. Fue una gran
vibra y la banda estuvo tan cerca como una
banda puede ser. Solo algo bueno podría sa-
lir de esa simbiosis.
Hablamos de los primeros años de la
banda, año en el que fueron soportes de
The Mission, aún se pueden ver muchos
videos en youtube, como Cologne o Bar-
celona ¿2008 fue un gran año para la ban-
da?
¡En realidad lo fue! Hicimos una gran gira
como grupo soporte. The Mission nos ama-
ba, la multitud nos amaba y nos amamos.
Creo que no podríamos acercarnos más y
tener más éxito. Toda la tripulación de The
Mission nos cuidó como si tuvieran dos ban-
das para cuidar. Los miembros de la banda
de The Mission fueron generosos y siempre
amigables. No hay sonido típico de mierda
para la banda soporte. Vendimos muchos
cd's y todavía estamos cerca de The Mis-
sion. Trajimos "Flags" directamente después
de la gira y algunos miembros de The Mission
se unieron durante las grabaciones. También
hice un dúo con Wayne en "Isolation". Toda-
vía tenemos un contacto cercano.
Cuando escucho Airplanes siento la
obligación de seguir con Feels Alright. La
sensación es que ambos se fusionan para
dar paso a una nueva sonoridad que lle-
ga con Flags. ¿Crees que Airplanes y Fe-
els Alright es la base del sonido de Dead
Guitars, desde el cual comienzan a edifi-
car el sonido de la banda? Es decir, ¿am-
bos son la base de todo el sonido de Dead
71
Guitars?
Creo que tienes razón, ahora que lo pienso. Esas canciones crearon la sonoridad y cons-
truyeron la base que hizo que Dead Guitars suene como lo hicimos. Una base de sonido fun-
damental que llevamos a la recreación de material nuevo desde entonces.

¿Nos puedes contar algo de cada track?

Feels Alright
Todo se sentía bien, después de años de dificultades,
crisis de relaciones, un divorcio, la muerte de un amigo
cercano, todo parecía comenzar de nuevo... luz al final de
un túnel.
I See (Long)
Empecé a ver de nuevo, finalmente, después de haber
estado ciego durante un par de años. Ciego por el amor
que recibí. Ciego para el éxito.
Delicate
Dedicado a las personas que fallecieron en mi vida...
mi padre, mi madre, mi hermano Adrián, todos los que
están a mi lado. Pero también un "gracias" a mi ex
esposa (oh dulce y delicada hermana). Que siempre
estuvieron ahí para mí... incluso cuando los defraudé de
muchas maneras.
Secrets
Todos los tienen, ¿no? Simplemente no deberíamos
avergonzarnos de eso.
 Estamos dando los primeros pasos del
2018, ¿en qué anda la banda hoy?
En este momento no jugamos en absoluto,
porque tenemos un descanso creativo. Des-
pués del último álbum "Shelter" decidí que
no quería hacer otro álbum inmediatamen-
te. La banda quería, pero tenía miedo de re-
petirme. Creo que necesito ser y sentirme li-
bre y proponer buenas letras y melodías de
canciones. Pensé que "Shelter" era un gran
álbum, no se puede subir de inmediato. No
soy una fábrica de melodías y letras. La ban-
da decidió comenzar un nuevo proyecto con
Pete Brough como cantante. Creo que es
bueno que lo hagan. Pete de alguna manera
siempre quiso cantar, ¡y creo que tiene una
voz brillante! Escribió "Should I" y lo cantó
antes de que me pidiera que cantara en la
canción. Estoy trabajando en nuevos demos
con mi antigua banda The Convent y acabo
de grabar 4 pistas para un nuevo álbum de
White Rose Transmission con "Florian Brat-
mann" que también tocó en el primer álbum
de WRT con Adrian Borland. En abril de este 73
año toco con el Convent y Mike Dudley (el
baterista original de The Sound) en Bre-
men / Alemania. Tocamos 9 canciones de
The Sound. Será después de que el docu-
mental de Adrian se muestre en un cine allí.
Como ves, tenemos mucho en común. No
sé si Dead Guitars volverán a tocar para ser
sincero contigo. Todos estamos muy ocupa-
dos en este momento. Ya veremos, también
pensé que The Convent nunca volvería a to-
car. De repente lo hacemos después de casi
15 años de silencio.
Este último espacio es para le digas a
los lectores lo que tú quieras.
Vive tu vida, abrázate, cuida a los indefen-
sos, envía amor, permanece despierto, per-
manece cerca y resplandece para siempre.
¡Gracias Carlo!
¡Gracias Diego!
75
 [ Por Alex Bretto ]

MUSIC CORNER:
AVE FENIX
DURAN DURAN – “THE WEDDING ALBUM”
 La primera vez que escuché “Ordinary World” que-
dé deslumbrado. Un amigo me preguntó en aquel mo-
mento que tal estaba el nuevo tema de Duran Duran,
y yo respondí en forma inequívoca: “Es el nuevo Save
A Prayer”. Y eso me generaba una inmensa alegría
como fan de Duran, porque por aquel entonces, real-
mente creía que Duran Duran tenía sus días contados.
El motivo principal para tal creencia era el estrepi-
toso fracaso que comercialmente significó el lanza-
miento de 1990 “Liberty”. Y no es que fuera un disco
tan malo como se decía, pero sí era un disco bastan-
te irregular e indefinido. Para hablarlo en términos de
vinilo: el lado A era espectacular, el lado B era decep-
cionante. Y en general, todo artista tiene sus años do-
rados y después viene un período de decadencia. Al-
gunos logran recuperarse, otros no: si hasta le pasó
a U2! En un documental de MTV de fines de los 90’s,
Nick Rhodes hablaba de lo mal que le fue a “Liberty”
en Estados Unidos, y con honestidad le preguntó al
entrevistador, en referencia al público: “¿Por qué no
lo compraron?”. “Liberty” contiene dos temas que Si-
mon Le Bon considera de las mejores creaciones al-
guna vez lanzadas por Duran: “Serious” y “My Antarc-
tica”. A esa lista yo agregaría el track “Liberty” (que fue
pensado como tercer corte, pero nunca llegó a serlo
debido al escaso interés que despertó el disco). Sin
embargo, fue el propio Simon Le Bon quien lo definió
alguna vez como un álbum hecho sin concentración y
a las apuradas. La reseña especializada de AllMusic.
com le pega con un caño: “the group has no idea what
direction it wants to pursue”.
En esta novela tiene un rol fundamental el ex Frank
Zappa y ex Missing Persons, Warren Cuccurullo. Re-
trotrayéndonos al año 1986, Warren supo antes que
nadie que Andy Taylor (guitarrista oficial de Duran des-
de sus inicios) no pensaba volver a grabar con Duran
Duran (o sea, que iba a dedicarse full time a su carre-
ra solista). Oportunamente Warren pidió una audición
para postularse como guitarrista de Duran Duran, y
así empezó a formar parte de esta historia. Primero
como músico de sesión para los álbumes “Notorious”
y “Big Thing”, y hacia 1989, Cuccurullo ya era nom-
brado miembro oficial. Justo para la época del bajón.
He leído alguna vez que el verdadero artífice de “The
Wedding Album” fue Warren: cuenta la leyenda que
el resto del grupo estaba absorto ante la hecatombe
post “Liberty”. En aquellas épocas, John Taylor esta-
ba luchando contra su adicción a la droga, y Simon
Le Bon muy desanimado. El futuro no parecía nada
brillante. Pero Warren sacudió el avispero, los moles-
tó, los hizo levantarse de la cama, los hizo componer
y los hizo grabar. Gracias a él y a Nick Rhodes, hubo
otra oportunidad.
Claro, nadie hace magia: cuando para principios de
1992 el nuevo álbum estaba cocinado, hubo que sor-
tear el poco interés de las discográficas en editar nue-
vo material de un grupo al que había que revivir con
electroshock. Pero algunas canciones comenzaron a
filtrarse por ese fenómeno en auge que era internet,
y mientras viejos fans volvían al redil, nuevos fans se
generaron. Para diciembre de1992 “Ordinary World”
era lanzado como single (previa difusión por la radio)
y los resultados no se hicieron esperar: Duran Duran
volvía a existir en el Top 5 de EEUU y en varios otros
países del mundo.
“Ordinary World” es una balada cálida, con un riff
ganchero excelentemente logrado por Warren Cuccu-
rullo. La letra fue compuesta por Simon Le Bon y es la
segunda de una trilogía dedicada a su amigo David Mi-
les, que completan otras dos sobresalientes composi-
ciones del cancionero duraní, a saber: “Do You Belie-
ve in Shame?” y “Out of My Mind”. El camino allanado
por “Ordinary World” fue bien aprovechado y el 11 de
febrero de 1993 se edita el disco “Duran Duran”, más
conocido como “The Wedding Album”. La recepción
fue excelente: desde los años de “Rio” que una pro-
ducción de Duran no recibía tantos elogios.
Con la crítica positiva, el interés del público recupe-
rado y todo el viento a favor, en marzo de 1993 sale
un acertadísimo segundo corte, “Come Undone”, se-
gundo top 10 consecutivo en Norteamérica. Esa mara-
villosa composición iniciada por Cuccurullo y Rhodes
iba a formar parte de un proyecto alternativo a Duran,
pero cuando Simon Le Bon tomó la posta y empezó
a escribir la letra que dedicó a su esposa Yasmin, la
suerte quedó echada. Un tema que entró al disco a úl-
timo momento para darle al mismo un toque más sua-
ve y menos dance que como venía perfilando. Tras
dos excelsas baladas, el tercer corte sería la energé-
tica “Too Much Information”. Siete singles se cortaron
en total de esta placa, algunos de los cuales fueron
exclusivos para países como Japón, Francia o Brasil.
Ahora más maduros, los Duran comenzaron a ser
reconocidos por la misma gente que años atrás los de-
nostaba y solo los consideraba un producto fabricado
para calentar colegialas. Con este insospechado giro,
la banda reformulaba su imagen para convertirse en
un fenómeno del rock respetado por seguidores de
otros géneros. Cosecharon así nuevos seguidores no
solo entre adolescentes, sino también gente de me-
diana edad de una década distinta de aquella que ha-
bía visto a Duran Duran consagrarse como fenómeno
masivo a nivel mundial.
Fue particularmente notorio el impacto que produjo
“The Wedding Album” en Latinoamérica: de la mano
de la recientemente iniciada MTV latina, los singles
recibieron amplia difusión. Los lazos con América del
sur se fortalecieron y los ex chicos salvajes grabaron
su primer video por estas tierras, que correspondió al
tema “Breath After Breath” a dúo con Milton Nascimen-
to y que se nutría con imágenes de Argentina, Brasil
y Uruguay, países por los que estuvieron de gira por
primera vez.
Pasaron 25 años de aquella epopeya, de aquel re-
greso inesperado. Aun así, es bueno tener claro que
los altibajos nunca fueron extraños para los Duran,
que volvieron a caer con el disco siguiente, perdieron
a John Taylor como bajista y se volvieron a recuperar
años después, especialmente con el regreso de los 5
miembros originales del grupo en el álbum “Astronaut”
(2004), que padeció como contracara la triste partida
de Warren Cuccurullo y el final de su ciclo. Como ha
quedado expuesto, de estas cenizas el Ave Fénix ha
resurgido varias veces… y no dejará de hacerlo.
[ Por Gabo Rojo ]

LA ANSIEDAD DE LA INFLUENCIA

CAPÍTULO 12:
LA LLAMA ETERNA
 81

¿Escucho canciones de amor porque estoy enamorado, o estoy enamorado porque escucho cancio-
nes de amor?
Escribo esto a horas de San Valentín, día tan festejado como defenestrado, lo primero cuando uno
está enamorado y lo segundo cuando no, todos siguiendo la filosofía de Jim Morrison (“People are
strange when you are a stranger / Faces look ugly when you are alone). Pero la falta de indiferencia ante
la fecha es otro argumento más a favor de la relevancia del amor.
El amor romántico es un concepto muy combatido por la posmodernidad, y se lo ha reducido a tanto
reacciones químicas del cerebro como a un constructo burgués (casi todo es reducido a un constructo
burgués por la posmodernidad salvo, sospechosamente, la posmodernidad misma. Los siempre saga-
ces Pet Shop Boys parodian esta perspectiva en un brillante tema del 2013 titulado, justamente, “Love
is a Bourgeois Construct”). Hacer esto, sin embargo, equivale a negar la historia de la canción y, por
ende, la historia de la humanidad. Las canciones han anhelado al amor romántico desde tiempos inme-
moriales. Como explica Johnny Cash en “Before My Time”:
There were songs before there was radio / Of love that stays and love that goes / They were writing
melancholy tunes / And tearful words that rhyme / Before my time / Before my time
Old fashioned love words spoken then / Keep coming back around again / Nothing’s changed except
the names / Their love burns just like mine
Aun así, incluso dentro de la música tenemos mensajes muy contradictorios. “Love will tear us apart”
canta Joy Division; “Love is all we have left” canta U2. Una vez más, de todas formas, el tópico no deja
indiferente a nadie.
Es el poder del amor el que puede elevar hasta a la letra de un tema de Backstreet Boys a una plega-
ria: “No me importa quién sos / qué haces / ni donde estuviste / mientras me ames.” Las diferencias en-
tre una canción y amor y un himno religioso, después de todo, son solamente contextuales.
Si nos despojamos del cinismo posmoderno y tomamos, por lo tanto, al anhelo del amor romántico
como axioma universal, podríamos considerar a “Eternal Flame”, el single de 1989 de las Bangles, como
la mejor canción de todos los tiempos. El tema se basa principalmente en un estribillo sencillo que sin
embargo parece encapsular todas las esperanzas de la humanidad, el deseo universal de ser entendi-
dos, amados y correspondidos:
“Close your eyes / Give me your hand / Do you feel my heart beating / Do you understand / Do you feel
the same? / Am I only dreaming / Or is this burning an eternal flame?”
Estas líneas resultan tan efectivas que la canción no necesita mucho más: hay un pequeño (aunque
épico) bridge, un deliciosamente elegante arreglo instrumental de guitarra, pero básicamente el tema
funciona gracias a la repetición cual mantra del estribillo, que cobra una intensidad abrumadora al final
de la canción gracias a las voces añadidas de las Bangles, aquí representando a la raza humana rezan-
do por encontrar ese tan anhelado fuego inolvidable.
Una visión menos idealizada pero igualmente conmovedora del amor romántico es la que nos ofre-
ce Nelly Furtado en “Try”.
Es difícil perdonar a Nelly por “Maneater”, pero encontremos en nuestro corazón la fuerza y com-
prensión para recordarla por tiempos mejores (en San Valentín, después de todo). Su disco del 2003,
Folklore, es una delicia más cercana musicalmente a la obra de David Byrne que a la de cualquiera de
sus contemporáneas. Lo que es más, la composición de las canciones en sí está a la altura del sonido.
“Try”, el tema en cuestión, es notable no sólo por su hermosura sino por ofrecer una perspectiva adul-
ta del amor no demasiado común dentro del pop radial.
“Todo lo que sé / es que no todo es como te lo venden / pero mientras más crezco menos sé / Y aun-
que no soy vieja / he vivido tantas vidas / Y mientras más veo, menos crezco / Mientras menos semi-
llas, más planto”
El tono de la canción, desde un principio, es hastiado. Pero después irrumpe el estribillo, con la in-
falible secuencia de acordes Em / C / G / D, donde Nelly contrasta esta perspectiva con la influencia de
su amor:
“Y entonces te veo parado ahí / Queriendo más de mí / Y todo lo que puedo hacer es intentarlo.”
Lo que Nelly parece estar diciendo es: sí, estamos rotos. Sí, no es fácil. Pero la presencia de un ser
amado en nuestras vidas nos impulsa hacia lo imposible: a “seguir cuando de ninguna forma podemos
seguir”, como define Tom King a la condición humana en su maravilloso comic The Vision.
De vuelta a la estrofa, continúa la visión hastiada. “Mientras más aprendo, más aprendo; mientras
más lloro, más lloro.” No hay finales perfectos ni cierres cual narrativa, sólo experiencias acumuladas.
Pero después el estribillo vuelve a redimir, con el añadido de esta potente línea: “Y entonces te veo para-
do ahí / Soy todo lo que voy a llegar a ser / Pero todo lo que puedo hacer es intentarlo.” Somos lo que so-
mos, pero aunque sea imposible llegar a dar más, no podemos evitar tratar de hacerlo por alguien más.
En vez de abusar de este estribillo matador, Nelly no lo vuelve a repetir (dejándonos con ganas de
más), sino que opta por cerrar la canción con un clímax casi improvisacional. “Todas las cosas que
queremos que el otro sea / Nunca las seremos / Y eso es maravilloso / Esa es la vida”. Ya anteriormen-
te en la canción Nelly se había despedido de “el estilo de vida que pensaba haber diseñado para mí.”
El amor destruye todos los planes, y probablemente para bien, si uno se abre lo suficiente (ya lo había
dicho Steve Nicks: “El trueno sólo ocurre cuando llueve.”
La línea final de la canción es “somos libres en nuestro amor.” Lejos de parecer cursi, después de
toda la lucha narrada en las estrofas, la declaración toma proporciones trascendentales. Es como si Ne-
lly hubiera sometido a “Eternal Flame” a la prueba de las vicisitudes de la vida y descubierto que, una
vez dicho todo, la llama sigue ardiendo.

Durante la redacción de este capítulo sonaron los discos Whoa, Nelly! de Nelly Furtado, Yours to Take
de Gabo and the Others y The Collection de The Bangles.
83
 NETLABELS
EL FUTURO AL ALCANCE DE UN CLICK
 85

SIGLO XXI.
Estamos ante un cambio de paradigma en la manera de
distribuir y comprar música, las grandes compañías
se aferran a viejos códigos y las estructuras comienzan
a tambalear…
pero esto no es nuevo esto pasa desde el nuevo milenio.
Y los pequeños sellos han proliferando y una cantidad
incalculable de bandas y artistas asaltaron las redes
sociales para promocionarse.
Como dije antes, la cantidad es incalculable e inabarcable,
más si tenemos en cuenta que muchos artistas editan y
lanzan sus productos independientemente.
Si sumamos esto último la cantidad aumenta
considerablemente.
En el Universo de los sellos independientes, o que tratan
de subsistir autónomamente podemos encontrar sellos
especializados en estilos particulares de música
y esto es lo que queremos mostrar en “Netlabels”.
Pero lo queremos presentar desde sus últimos lanzamientos,
con la idea de que el interesado busque y se entere de estos
sellos o netlabels.
Hoy presentamos a la Netlabel:

NEBULAR SILENCE
 "Desde viajes siderales y atmósferas evocadas, el netlabel Nebular Silence nos trae la música interestelar
87
de su discografía. Tal como su nombre lo indica, se trata de una nebulosa que reúne varios artistas
ubicados en distintos puntos del planeta Tierra para tratar de acercarnos a la principal fuente de la música
ambient: el silencio. Por esta razón se recomienda escuchar la propuesta musical completamente a oscuras
para así dejarse llevar por los soundscapes."

Nebular Silence es un proyecto fundado en febrero del 2015, que crece a paso lento pero
firme. Ha publicado más de treinta discos incluyendo dos compilados “Nebular Silence Va-
rious Artists” en los cuales han participado algunos músicos de renombre como Ulises Laba-
ronnie y Pablo Suárez. En 2016 publicó un cooperation sampler junto al sello alemán Aume-
ga Project titulado “A Trip Into a New State of Mind”. Ya en 2017, Harald Gramberg publicó
“Gravitation” bajo el ala del netlabel. Su creciente popularidad hizo que sea considerado uno
de los mejores discos progresivos en lo que va del año, de acuerdo a Snake Oil Audio2.

Redes:
https://www.facebook.com/nebularsilence/
https://www.instagram.com/nebularsilence/
http://nebularsilence.tumblr.com/
https://www.youtube.com/channel/UCphr2ez1uhGhpOeF-JyESUQ/featured
https://soundcloud.com/nebularsilence

Red Plane - Edison Signet

Origen: San Petersburgo, Rusia
Fecha de lanzamiento: 09 de Enero de 2018
Red Plane es el proyecto de David Red. Está construido sobre la
creencia de un avión rojo es un reflejo del mundo que lo rodea y vi-
ceversa. Estados de cosas vivientes reflejadas a través de cosas sin
vida. Descomposiciones musicales con una sensación surrealista.

Harald Gramberg & Sylvia Koloski - Spring Time

Origen: Mülheim, Alemania
Fecha de lanzamiento: 06 de Febrero de 2018
Es un periodista, musicalizador y artista de sonido de Alemania.
Su música es un viaje electrónico-psicodélico con una atmósfera
melancólica y un tono espacial, en el espíritu de los sesenta y seten-
ta. Va desde soundscapes ambientales a electrónica experimental y
avant-garde. Todos los instrumentos son interpretados y arreglados
por Harald Gramberg, entre los años setenta y la actualidad.

Santolo Marotta - The Origin of the Universe

Origen: Nola, Napoli, Italia
Fecha de lanzamiento: 13 de febrero de 2018
Es un DJ, compositor y escritor italiano. Su formación musical es
bastante amplia y ecléctica: parte de la música clásica y llega al Hou-
se French y al Techno, con preferencia por la Kosmische Musik ale-
mana de los 70, la IDM británica de los 90 y el minimalismo de artis-
tas como Erik Satie, La Monte Young y Terry Riley , Steve Reich y Philipp Glass.
EN LA MIRADA
DE LOS OTROS
 89

Hoy:
The Fall
TheFrenzExperiment
(1988)
 The Fall - The Frenz Experiment
Label: Beggars Banquet 91
Fecha de Lanzamiento: 29 de Febrero de 1988.

Este espacio suele ser de reseña de un álbum entero de un artista o banda,

pero reciéntemente hemos tenido la noticia de la partida de Mark E. Smith.
Si bien ya nos hemos encargado de hacerle un tributo al comienzo de este número,
no queríamos dejar de hacer otro sobre su banda.

Track 01: "Frenz"

POR MIKE POUGONAS Pougonas
(The Flowers of Romance – New Zero God) POR LUIS MARTE

Abre el dé- La caden-

cimo álbum cia casi hip-
de estudio nótica de una
de The Fall, canción, a
"The Frenz veces te lleva
Experiment". a lugares que
Lanzado en este caso
en 1988, el de Frenz de
álbum alcan- la banda The
zó el núme- Fall, se tras-
ro 19 en la lista de álbumes del Reino Unido toca en una esquizofrenia casi contenida.
por lo que es el primer top 20 de la banda. Mark Smith y sus secuaces comienzan un
Originalmente Smith quería que el álbum disco con este track, haciéndonos la adver-
se titulara "Gene Crime Experience" has- tencia AJUSTENCEN LOS CINTOS QUE SE
ta que se dio cuenta de que se deletreaba VIENE LO BUENO.
GCE (Certificado General de Educación). Sin dudas The Fall y el mismo y querido
"Frenz" es una canción tris- Mark son inmaculadas perlas casi perdidas
te. Encuentra a Mark E. Smith en un mar de ostras gigantes, son de esas
repitiendo que sus verdaderos amigos son bandas que por ahí no se te ocurren escuchar
tan pocos que "no es suficiente por un lado"... habitualmente, pero, que ni bien suenan un
A Smith siempre le gustó crear cir- poco saltan de inmediato a un panteón de ce-
cunstancias caóticas en la banda. lebridades que amas, tal vez muy rockers y a
La música es minimalista, la estructura se la vez con muchos colores under.
divide en lo esencial, y desde un lugar oscuro Frenz nos recuerda a un Joy Division más
y antipático, la voz de Smith es alta, clara e in- casual, no tan cuidado, pero con ese mismo
colora, creando un anuncio poético: "No hay espíritu, y sobre todo repetitivo una y otra
muchos amigos de verdad en nuestra vida..." vez sobra una misma idea, que hasta toma-
Es triste que algunos artistas como Mark E. da en una sola frase parece inocente, pero
Smith no reciban la apreciación que merecen que se vuelve opresora con la constante re-
mientras están vivos, incluso si influenciaron petición…….
a otros artistas famosos como Morrissey... My friends don't add up to one hand
My friends don't amount to one hand

Simplemente escucharlos………
(Do you count them?)
 Track 02: Carry Bag Man

POR RICHIE THOMAS

(Lost Horizons – Dif Juz)

La bolsa de plástico sugiere la idea de que el contenido de

la bolsa no puede ser de alguna manera lo suficientemente
importante como para transportarse en una adecuada tipo
de bolsa duradera. Esos niños de la escuela, por ejemplo,
que venían luciendo sus adorables bolsas de Adidas y Gola /
Nike, llevaban sus cosas en una bolsa de plástico de aspec-
to temporal porque sabían que no era la bolsa lo importan-
te, sino lo que había en ella. ... y además no querías parecer
como si te importara, esto me recuerda a Mark E Smith y The
Fall. La exquisita actitud indiferente del norte, observando la
desesperación de nuestra vida cotidiana con humor e ironía y enviándonos de regreso para
que no nos tomemos demasiado en serio... no fue solo música y poesía, fue la medicina per-
fecta.

Track 03: Get A Hotel

POR MIKE BEE

(Last Bee on Earth / The Winachi Tribe)

A medida que el redoble de la introducción nos lleva a un

ritmo impulsado por los bajos, Mark nos dice que tenemos
que conseguir un hotel hoy, en un estilo Crooner más de lo
habitual.La canción comienza con un excelente sonido y un
riff de órgano, añadiendo algo de vibración de Halloween en
torno al riff de bajo para que Mark... bueno, Mark E Smith lo
supere.Toda la pista me recuerda, extrañamente, de una ma-
nera retorcida, retrospectiva, a la vibra de Doors. Escondido
en lo profundo debajo de las guitarras disonantes y el paisa-
je sonoro industrial que de alguna manera siempre se junta,
sin importar su encarnación, como The Fall...
Líricamente es liviana en comparación con la mayoría y la producción se elimina. Pero no
me importa.
¡Me gustan las canciones de The Fall que ni siquiera me gustan! Esa es la magia de Mark
E Smith. Un talento único que no se comprometió. Una verdadera estrella. ¡Gracias por tu
existencia!
 POR EMILIANO MONTENEGRO
93
(Budapest - postpunk)

Buscar.
Antes que todo concluya.
Antes que nada sea.
Antes de que culmine esta frase.
Seguimos buscando.

El simbolismo va más allá de cada acto.

De cada acción.
Se imprime.
Se inyecta.
En lo que realizamos.

Un hotel es un hotel.
¿Pero acaso no todos buscamos refugio?
Ante lo inevitable. Lo perecedero.
Antes de dejar de ser.
Debemos al menos;
Buscar.

Track 04: Victoria

Por MARK GEMINI THWAITE (Gemini Nyte / The Mission / Peter Murphy)

"The Fall siempre fue una de esas bandas que parecía estar
siempre a mi lado, creciendo en la escena musical de finales
de los 70 y 80. Parecían lanzar un álbum cada año, si no más,
y en Mark E Smith tenían el líder indie rock consumado, tan
desafiante e importante como Ian Curtis en esa escena alter-
nativa del Reino Unido de principios de los 80. Curtis falleció
al principio de su carrera, y ha sido idolatrado desde enton-
ces. Smith continuó, por supuesto, haciendo su propia marca
única de comentario social que es exclusivamente británico,
hasta su desafortunada muerte este año, y parecíacambiarla
formación de la banda casi en cada álbum, pero su contribución a la escena musical británi-
ca no es menos importante. “Victoria” fue uno de los singles más melódicos de la banda, por
supuesto que ayudó que era un clásico de Kinks, compuesto por el legendario Ray Davies,
pero como de costumbre, Mark E Smith insertó su propia marca de tiempo y entrega para
hacer de este uno de mis singles favoritos de finales de los 80.
 POR DANY PUNX

Excelente cover de THE KINKS –al buen

ARTHUR 1969-adaptado al sonido post-
punk de THE FALL MARK SMITH aprovecha
la letra ,el sarcasmo y la critica tan propia de
RAY DAVIES para darle una vuelta de tuerca
al tema y explorando la critica a la sociedad
inglesa del siglo 19... Entre otras versiones
están la de THE KOOKS ,CRACKER Y SO-
NIC YOUTH.

Track 05: Athlete Cured

POR LEE STEVENS (THE SWAGGER) POR ZENITRAM (RICHTER)

A veces
"Creo que pienso que
esta canción el post-punk
está mag- nace cuando
níficamen- el punk, en
te hecha con el paroxismo
letras bien de la aliena-
habladas y ción y la ra-
tiene una for- bia, después
ma única de del ataque de
expresar las furia, larga una estrepitosa risotada, una car-
palabras a su manera. Esta canción cauti- cajada de humor dudoso, desequilibrado. Lo
va el sonido y la imagen de The Fall. Mark pienso, por ejemplo, cuando escucho “Athle-
E Smith es una leyenda completa y tiene un te Cured”. Si bien The Fall ha logrado pro-
estilo y una voluntad única. Será tristemente longar esta especie de locura postraumática
extrañado, gracias por la música RIP." del punk por décadas, el track 5 de su funda-
mental “The Frenz Experiment” es un extrac-
to condensadísimo de esta… patología(?) ar-
tística tan fabulosa. Está “Frankie Teardrop” de Suicide ahí, y también “Age of Consent” de
New Order. Hay surrealismo sociopolítico desopilante, más narrado que cantado al purísimo
estilo Mark E. Smith, sobre una base sólida (esos riffs de bajo que propulsan a The Fall!!!),
y aunque ya sonara un tanto demodé para la época (se trata de un post-punk bastante tar-
dío), luce una impecable producción bien 1988. Me encanta cuando en un solo tema conflu-
yen varias ideas, y lejos de descuajeringarse, se complementan… esto es lo que siento en
“Athlete Cured”.
 95

Track 06: In These Times

POR BENJAMÍN TOMAS HOLTON POR BILLY TEQUIERO

(EPIC45 / MY AUTUMN EMPIRE / WAYSIDE & (PERLAS TUS OJOS / BUDAPEST-POST PUNK)
WOODLAND RECORDINGS LTD.)

Todos los Entre edi-

rasgos dis- ficios se-
tintivos están mi-vacios,y
ahí. La Con- zonas indus-
ducción in- triales lúgu-
cesante del bres ubicán-
ritmo, la re- donos en el
petición, la Reino Unido,
repetición, la exactamente
repetición y, en Manches-
por supues- ter, se cuen-
to, esa voz. Pero han sido rediseñados y re- ta que a mediados de los setenta Ian Curtis
fundidos en un nuevo material brillante. Si mientras se dirigía a su trabajo solía cruzar-
esto fue un avance de un Sonido The Fall se con ser muy parecido a él: Mark E. Smith,
más elegante y suave, es un testimonio de la voz de The Fall.
visión singular de Mark E Smith y la fuerza de Lo podría definir como un brujo chamánico
la banda en ese momento que, incluso dentro expulsando en sus embrujos una gran infini-
de este nuevo caparazón brillante, su poder dad de semas, rasgos, narcóticos, fracturas,
hipnótico primario apenas está contenido. características propias de alguien que intenta
En los próximos años, la materia orgánica cambiar, criticar y crear ¿la realidad?
del grupo se incluiría cada vez más en una En “In these times” canción extrema y
armadura de batalla tecnológicamente avan- delirante no deja de apreciarse un realismo
zada. Un exoesqueleto Cyber-Fall hibridiza- tan propio como el que se vive hoy en día, y
do por tecnología (del que se liberaría en una lo mejor, lo que transmite es que uno tiende a
fecha posterior). Pero aquí fue un pre-cyborg pensar que sí, que a lo mejor, abandonar este
Fall. Aerógrafo tal vez. Pero no encadenado. planeta no sea tan mala idea. Algo similar y
con sumo realismo escribió Ray Bradbury en
un cuento cuyo nombre termina perdido en
mi cerebro pero que guarda estrecha relación con “In these times”. Realismo, abandono,
perdido, vacío, realidad, brujo, cambiar, chaman, semas que le dan forma al texto a la hora
de escribir sobre la sonoridad, la repetición constante entre bajo y guitarra y esos ritos escu-
pidos por Mark E. Smith que transmiten lo genuino y poderoso de su escritura.
 Track 07: The Steak Place

POR ALFREDO BONILLO

(ORQUESTA ROJA / AMORE E ANARCHIA)

La cabeza baja, la cabeza baja

Un tonto de la Comunidad Británica condujo hasta aquí,
desde la autopista
desesperado por comida, desesperado por un descanso.

Manchester: urbe industrial en decadencia, desempleo, pobreza, polución.

Camus, Burroughs, Ginsberg, Orwell, Philip Dick, Mailer, Can, Captain Befheart, Velvet
Underground, The Monks, todo el Rockabilly de Sun Records , Italo Disco, el partido socia-
lista de los trabajadores y tres cosas como lema: Repetición, Repetición y Repetición

Alfombras baratas marcan el camino

Puertas con manijas de tachuelas de aluminio
Candelabros con cabezas de leones
Carniceros se exponen también

Tres acordes; E, G, A….Mi mayor, Sol mayor, La mayor

Brix Smith y Craig Scanlon en guitarras, Steven (el sonido de The Fall) Hanley en bajo, Si-
mon Wolstencroft en batería, Marcia Schofield en teclados, Simon Rogers en producción y
Mark E. Smith (“el renegado”, en su biografía) en las voces.
3:56 minutos de realismo mágico, mezcla de mugre industrial con lo sobrenatural y miste-
rioso, estructura y tufo rockabilly, pero en mid tempo, minimalismo puro y repetición, no so-
bra nada, no falta nada,el maravilloso y aterrador mundo de The Fall.

A través de reses colgadas

traen cosas para comer
Veo los rincones llenos de asesinos a sueldo
dos jóvenes abogados están cuchicheando en el
restaurante del bife (restaurante al paso)

Desconfiado de todo lo académico y de cualquier tipo de arte aceptado por el sistema, Mark
E. Smith después de ver a los Sex Pistols en junio de 1976 se dijo a sí mismo y a sus ami-
gos: “yo también puedo hacer esto, no parece difícil”…. 31 discos de estudio, 32 discos en
vivo y más de cuarenta años de carrera le dieron la razón.
 97

Fue como un director técnico de músicos en su mayoría inexpertos.

Quiero quedarme aquí

no quiero ir a ningún lado
podría quedarme aquí

Detendría la automatización,
me sentaría detrás de manteles sucios,
hablaría con asesinos a sueldo,
mostraría una cara plácida.

Un grupo inusual desde el principio, no iban a la moda, no eran cool, como la mayoría de
las bandas de Manchester; gente común de la clase trabajadora.
Siempre diferente, siempre igual.

Corriendo a los gritos desde New York,

hasta los estados de New England,
un hombre no debería hacer esto,
un hombre no debería usar sus puños en el
el restaurante del bife

Quiero quedarme aquí

no quiero ir a ningún lado
podría quedarme aquí

La cabeza baja, la cabeza gacha

La cabeza gacha, la cabeza baja

Su música fue inspiración e influencia para montones de bandas a cada lado del océano-
La música de TheFall ha sido utilizada como banda sonora de películas y programas de
tv, “necesitaba la plata, no todos somos Elton John” diría en referencia a una campaña de la
televisión inglesa.
Originales desde el primer día, para nada cómodos, construyeron un culto combinando
música primitiva con letras inteligentes. Son catalogados de Post punk pero exceden ese
género.
Un cocktail explosivo siempre con la rabia intacta.

Quiero quedarme aquí

no quiero ir a ningún lado,
Me quedaré aquí.

Mark E. Smith 1957-2O18

 Track 08: Bremen Nacht

POR CARLO VAN PUTTEN

(DEAD GUITARS / WHITE ROSE TRANSMISSION / THE COVENANT)

“Something happened in Bremen, I know

Something I don't want to
Something under the ceiling muttered
Something in its steel shutters

Underlining my usual timing

Aligning casual set-list
And it aligned?
Knowing where right room is
I was more than usual pissed”

(Mark.E Smith)

Parece que Mark.E Smith ha estado en los lugares a los que solía ir cuando vivía cerca de
Bremen. Me emborraché, desperdicié y sin encontrar un camino de vuelta a casa esa noche.
Recuerdo esas noches en Bremen yo también.
Mark era un cantante, compositor y cantante singular e inusual. No llegué a TheFall de in-
mediato para ser honesto. Tomó su tiempo como un buen vino tinto... lo dejó por un tiempo
en mi sótano. Incluso tuve boletos para verlos en abril de 1988 en Bremen. Tuve una fiebre
fuerte y no pude ir tristemente y le di mis boletos a un amigo cercano. Me dijo al día siguien-
te que era uno de los conciertos más impresionantes que había visto en su vida. Incluso me
puse más enfermo después de eso. TheFall tuvo que permanecer en mi sótano por unos
años más hasta que Mark Burgess (TheChameleons) me tocó el álbum "Heads Roll" en 2005.
¡La ceguera de la canción me golpeó la cabeza enseguida, mi cabeza también rodó! Las lí-
neas de bajo son increíblemente ruidosas, profundas y sucias. Me encantó todo el álbum.
Es hora de sacar todo el material de vinilo olvidado del sótano de nuevo. De vuelta a las raí-
ces de la banda, de vuelta a la mía, de vuelta a "Bremen Nacht". La caída de Mark E Smith
un par de semanas atrás me sorprendió. Desaparecido, como muchos otros antes, nos dejó
algo puro, conmovedor, líneas pesadas, canciones y emociones. Un buen vino negro, pasa
mucho tiempo en mi sótano, es el momento adecuado para abrirlo de nuevo. ¡Me voyaeno-
jarmás de lo usual!

Saludos, ¡salud, Bremen!

 POR FIDEL ARAUJO
99
(RENDO)

Bremen Natch......el inolvidable Mark E.Smith y los su-

yos se despachan con esta canción potentísima mini-
malista y quizá mal encasillada post punk o quizá no...
es interesantísima su instrumentación en contraste con
la voz de Mark el ostinato creado por la guitarra bajo
crea un clima más que hipnótico que incita a la danza o
al trance de todo tipo en solo de movimiento... también
es muy fuerte y cabe destacar el nivel de producción ar-
tística que el tema tiene, teniendo en cuenta el año que
fue grabado pero en esto, los ingleses, dan catedra ba-
tería bajo adelante, guitarra un poco más atrás dialoga
con los teclados que también emulan guitarras con diferentes procesos creando tipo de cli-
mas caóticos y de ruido totalmente armónicos y acordes con la idea de la canción otra pági-
na aparte es la voz personalísima de Mark E. Smith en una especie de recitado que también
lleva al trance junto con los instrumentos pulsados más allá q a mí me apasiona el ostinato y
la repetición jugando con el minimal punk me parece un temazo donde los timbres los climas
y q lo q nombre anteriormente llevan a esta gran pasión que fue y es TheFall.

Track 09:
Guest Informant (Excerpt) / Guest Informant

POR NÉSTOR FERNÁNDEZ

(RICHARD COLEMAN – ASALTO AL PARQUE ZOOLÓGICO))

En lo personal y en esta canción más que nunca, The Fall

siempre me pareció un rico licuado Post-punk entre The
B52's y P.I.L.
Conocí este disco en la casa de un amigo, que lo había
comprado en vinilo, éramos jóvenes y el vinilo estaba dando
sus últimos estertores en aquel entonces.
La grabación original (Track 4, Lado B contiene un pasa-
je instrumental no mucho menos rítmico que el resto del tema, en el que destaca el walking
de bajo de Steve Hanley. El verdadero frenesí comienza cuando la frase "Bahgdad-space-
cog-analist" es vocalizada como un mantra endemoniado por Mark Smith y Marcia Scho-
field, y el ritmo back beat de la batería toma el sonido de un tren en marcha gracias al vio-
lento efecto de reverb del tambor, (me recuerda el sonido de Jumping someone else 's train
de The Cure). En las guitarras encuentro cierto ADN del Joy Division más punk (Warsaw).
Con respecto a la letra, lo que creí originalmente una letra que hablaba de espionaje (la
mente es un laberinto...), su autor la explica así, en una entrevista de 1989: "Se trata de la
paranoia del hotel, del incompetente personal del hotel. Siempre hablan de lo maravilloso
que es su hotel, pero ni siquiera pueden mantener su habitación cerrada. Intenté pasar mis
sospechas sobre los hoteles al resto del grupo (riendo)".
Como sea, hable de lo que hable, el contagioso espíritu de esta pista hizo que llegara al N°
40 en Festive Fifty de John Peel en 1988.
 Track 10: Oswald Defence Lawyer

POR RUBÉN TORRES

(CONDUCTOR DE “EL CAMINO DESNUDO” PROGRAMA DE RADIO LUMPEN)

Comisión Warren o la moderna pos-verdad

Cuando una canción tiene en una de sus líneas

la frase; Abraza el cadáver disecado de Walt Whit-
man...o Mark Twain, es basta para mi basta para to-
dos, pero si además le sumamos, nuestro gusto por
muertes misteriosas...Lee Harvey Oswald, o mejor di-
cho John F. Kennedy...bien el combo completo es lo
llevamos. Pero además, esta canción está escrita por
Steve Hanley y Mark E. Smith de humor sombrío, os-
curo e irónico, talentoso por donde se lo mirase, hace
algunas semanas partió de este mundo, y nos dejó
huérfanos de plumas valiosas...
Oswald Defence Lawyer; En 1988, el grupo británico The Fall lanzó el álbum The Frenz Ex-
periment, que contenía la canción "Oswald Defence Lawyer", escrita por Steve Hanley y Mark
E. Smith. El Oswald mencionado en el título es Lee Harvey Oswald, acusado del asesinato
del presidente John F. Kennedy. Sin embargo, Oswald nunca tuvo representación legal, ya
que fue asesinado a tiros por Jack Ruby dos días después del asesinato de JFK, antes de
que pudiera obtener los servicios de un abogado.
The Fall expresa su disgusto con lo que claramente consideran una farsa con las líneas
"Abraza el cadáver desgarbado" de Mark Twain y Walt Whitman, lo que sugiere que estas fi-
guras históricas, que murieron muchos años antes del El asesinato de JFK, estaría rodando
en sus tumbas. Invocan una especie de imagen rústica consistente con estos iconos esta-
dounidenses, y también aprovecha el tipo de indignación que representan. Mark Twain era
un satírico fuertemente antiimperialista. Tal vez The Fall creía que Kennedy fue asesinado
porque estaba a punto de reducir la participación estadounidense en el sudeste asiático…
Una novela de Albert Camus, The Fall, un poeta Mark E. Smith...todo eso le hace falta a
este mundo que cada día que pasa va perdiendo el norte, estos, verdaderos iconos que nos
cuentan a través del arte, la mentira que por repetida no deja de ser mentira, donde los gran-
des medios de comunicación las glorifican, y ellos, con palabras y música las hacen caer.
Para cerrar, algunos se empeñan en seguir llamando la generación inconclusa a la van-
guardia de post-punk en bandas como PiL, Joy Division, The Fall, Gang Of Four, Talking
Heads, Throbbing Gristle, ellos en verdad estaban entregados a la tarea de concretar la re-
volución musical inconclusa del punk, a nuestro parecer, se logró...aunque tal vez nunca
haya sido buscado conscientemente, lo cierto es que, exploraron nuevas posibilidades al
incorporar la electrónica, el noise, el jazz y la música contemporánea a las técnicas de pro-
ducción del reggae, el dub y la música disco. El efecto colateral de todas estas divisiones
y desacuerdos fue una gran diversidad y una fabulosa riqueza de sonidos e ideas...y escu-
chando canciones como estas que nos toca reseñar, bueno, la idea de inconcluso no será
desde justamente la del silencio... Y si tuviese que compilar un álbum con canciones de The
Fall, Oswald Defense Lawyer estaría no solo porque suena y muy bien, sino que es diverti-
da, con coros voladores...y los falsetes tirados por Smith son mágicos.
101
TROPICA OBSCURA
103
[ Por Alejandro Cenizacromada ]

LA GNOSIS SÓNICA
DE SIXTH COMM

Dentro de las bandas pilares del Neo-
folk o Apocaliptic folk (Death In June,
Sol Invictus, Current 93) hay un artis-
ta que aunque perteneció y fue miem-
bro fundador de la primera, no ha teni-
do ese reconocimiento que realmente
merece, tal vez hasta ahora está re-
cogiendo sus frutos. Uno, porque la
carrera de Patrick Leagas tras la mar-
cha de Death In june fue muy arries-
gada y cambiante. Dos, por ese largo
silencio de casi media década y tres,
por una muy pobre distribución acargo
de los sellos disqueros de aquel en-
tonces. Pero analicemos desde el ini-
cio lo vital que el señor Leagas fue en
los inicios de Death In June y la hue-
lla indeleble que dejó para la cultura
Neofolk. Él fue el principal responsa-
ble de la imaginería militar en la esté-
tica de la banda (de hecho por unos
buenos años hizo parte del ejército) y
por lo tanto podemos decir que él fue
de los pioneros en toda esa onda mar-
cial para la escena. El primer álbum de
Death in June,Theguiltyhave no pri-
de (1983)en canciones contundentes
como We drive east y StateLaughter,
logra una combinación muy equilibra-
da del sonido Post punk de The Cure y
JoyDivision con los característicos re-
dobles militares donde sobresale el ta-
lento como multi instrumentista de Pa-
trick interpretando batería, trompetas y
cantando con su potente voz de baríto-
no, que se caracteriza por un acentua-
do vibratto. Nada (1985), otro disco pi-
lar dentro de la obra de D.I.J tendría su
sello; en temas como Thecalling y Fo-
retold incursionaron en el sonido syn-
thpop gracias a las composiciones de
Patrick y su talento con los sintetiza-
dores. Es ahí cuando decide dejar la
banda para buscar nuevos horizontes
creativos. En 1985 Death in June que-
da bajo el mando del famoso Douglas
105
P con colaboraciones importantes de
David Tibet.
Patrick Leagas cambia su nombre a
Patrick O ‘kill y empieza a buscar su
propia identidad músical con su pro-
yecto SixthComm, uncomm que podría
significar comunicación;él se muestra
enigmático al respecto. Patrick empie-
za atrabajar en discos en los que se
mantiene esa vena de synthpop con
visos experimentales y algo rituales.
Graba discos como Content withblood
(1987) Se confabula con la intérpre-
te delas runas y escritora inglesa Fre-
yaAswynnpara sacar ala luz discos
de corte ritual como Fruits of Yggdra-
sil (el árbol de Yggdrasil en la religión
nórdica es el equivalente al árbol del
bien y del mal de la religión cristiana).
Es ahí cuando junto con la performis-
taAmodalientabla una relación artísti-
ca y arma un híbrido fascinante entre
el proyecto de él,SixthComm y el pro-
yecto de ella, Mother of destruction. A
partir de ese momento el monstruo for-
mado por ambos destila un vertigino-
so veneno tribal evocando paganismo,
magia sexual, el espíritu de los bos-
ques y las runas, una ceremonia an-
cestral guiada por la voz de Amodali.
Para publicar toda esta música crean
su propio sello llamado Kenaz.
Durante esta etapa destacan discos
brillantes como Seething (1990), Pa-
gan Dance(1994) el concierto White
rose (1995) y Chemantra en el que re-
ducen ya el nombre aMotherDestruc-
tion (2000). Vale la pena destacar en
esta etapa mística de su obra, que el
señor O’KillLeagas despliega un in-
agotable talento para crear alucinan-
tes piezas electrónicas (un genio como
programador) así como demuestra ser
un virtuoso multiinstrumentista con
piezas que ponen al oyente en el cen-
tro de tambores febriles.Lamentáble-
mente la música se ve afectada por
un mal manejo a la hora de distribuir el
material por parte de los sellos que los
distribuyen en Europa, de hecho hay
cintas masters que se pierden y Pa-
trick deja el mundo musical por unos 6
años, con poca posibilidad de reeditar
material de sus primeros años. Enton-
ces en ese tiempo sabático se lanza a
experiencias extremas como un viaje
por tierras del medio oriente ( Afganis-
tan, Iran, Marruecos) . Hay que aclarar
que aunque Patrick tiene nacionalidad
inglesa, el nació en Libia. Obviamente
ese contacto con sus raíces que de al-
guna manera fue motivado por su her-
mano mayor lo hacen enfocarse mu-
cho en el manejo de las percusiones y
para 2004, regresa con un nuevo tra-
bajo bajo el nombre de 6 Comm y el
álbum Headless ,letthemoonspeak
.Patrick hace lo mismo que los nortea-
mericanos Swans en su resurrección,
crea música demoledora que mira ha-
cia adelante sin vivir del pasado.Head-
less - letthemoonspeakes un álbum
doble de una fuerte carga tribal como
también experimental. Una obra que
bien podría recordar lo más avezado
de Death in June pero también a artis-
tas como Dead can dance o a el mismo
Muslimgauze. Música meditativa que
parece inspirada en la figura del escri-
tor armenio George Gurdjieff.
“Ud. está dormido, no sabe quién es
porque no se conoce a sí mismo. Hoy
es una persona, mañana es otra, Ud.
no hace las cosas, las cosas lo hacen
a Ud., Así que me atrevería a decirle,
que si no se toma en serio Lo que le
digo, si no asume un trabajo sobre sí
mismo, como lo más importante que
haga en su vida, seguirá durmiendo
hasta el día de su muerte….”
A partir de ahí gradualmente la ca-
rrera de este músico empezaría a ob-
tener justicia, involucrándose de nue-
vo con los escenarios y empezando a
tocar en importantes festivales alo lar-
go de Europa (Entre muralhas, wave
gothictreffen, The villa festival). Apare-
ce un nuevo compilado llamado Li-
kestukasangelsfall(2009) donde hay
versiones renovadas de clásicos de
Sixthcomm(6 comm) como Neiflheim,
Winter sadness y Kirato and sonfel-
te. Seguirían discos fantásticos como
Onemanshel (2015) y proyectos alter-
nos donde se deja atrapar de nuevo
por la estética marcial como en Schrä-
geMusik y su álbum de 2014 Fleisch-
maschine.
Por otro lado y hurgando de nuevo en
sus raíces arma el proyecto Godless-
tate de naturaleza tribal en 2016.
Muchas veces esos artistas que in-
cansablemente buscan cambios en
su sonido son incomprendidos. Sixth
Comm es un proyecto fascinante en
todas sus variantes, solo queda espe-
rar a lo que venga ¿con que nos sor-
prenderá Patrick Leagas en próximas
entregas? ¿Cuántos conejos más sa-
cará del sombrero?
107
[ Entrevista a Amanrouge por César León.
Fotografía: Edgar Humberto Alvarez ]

AMANROUGE.
CABARET CARMÍN OSCURO
 Estuvimos en el concierto de Amanrouge a baret. Yo lo podría simplemente como dar- 109
propósito del lanzamiento de su álbum I’m a kwave -la onda con tintes oscuros- con cierta
witch. Fue un hermoso recital llevado en el melancolía. La melancolía como un estado
teatro del Museo nacional que repasó varios de contemplación tenido como un interés por
momentos de de la artista. Ella virtuosa en el los sonidos más intensos, dramáticos. Y a ve-
piano y su voz con varias matices, que van ces como ahondando en la profundidad de
desde la suavidad de un arrullo hasta la po- ciertas cosas, pareciera que los tintes que
tencia del canto lírico, lanzó una a una sus puedes encontrar tienden a ser más tristes un
historias musicalizadas para ir avanzando la poco, como hacia los grises. Hacia tintes un
noche. Historias y melodías que ahora acom- poco más oscuros. Entonces yo diría que no.
pañadas por una banda conformada por ce- Tal vez no hay algo exactamente qué define
llo, violín y theremin consolidan aún más el el género de lo que se haciendo. Pero más un
poderoso sonido de esta exponente del dark concepto. Aquel donde de la oscuridad sale
wave con muchos visos del dark cabaret y la la luz, surge el claroscuro. Que es con lo que
teatralidad vodevil. me gusta jugar. También me considero como
un músico muy visual. Entonces pienso en
Hola, Para comenzar puedes decir a quie- los sonidos. Como visualmente en imágenes
nes no te conocen ¿Quién o qué es Aman- y en colores. Entonces tengo muchos intere-
rouge? ses como a nivel de literatura. De los gran-
Amanrouge es un personaje que he venido des influencias en mi vida; Edgar Allan Poe o
creando durante varios años. Sin tenerlo muy Kafka entre otros. Digamos que a nivel visual
claro, desde los inicios de la propuesta, ya de me interesaban al principio Tim Burton y este
alguna manera se estaba forjando. Amanrou- tipo de cosas. Hay como una influencia esté-
ge es donde se mezclan los estudios que rea- tica. Pienso que el gótico también es aparte
licé en teatro -me interesa el teatro hacia la de ser sólo un género musical, es toda una
música-. ¿Cómo se creó este personaje? Bá- estética. Visual Sonora. Hay muchas influen-
sicamente se trata "del Mundo" de este per- cias por todos lados.
sonaje. El nombre viene de mi nombre y rou-
ge -rojo en francés-. Tenía que ver un poco Criterios técnicos. Se nota mucho virtuosis-
como amor al rojo. Y el rojo simboliza como mo en la ejecución del piano y las vocales.
todo lo que es la sangre humana, la natura- ¿Cuál fue tu formación?
leza humana, con sus dualidades sus fragi- Yo estudié en principio piano de niña. Como
lidades, sus fracturas. Es un poco como esa a los 11 años Empecé a tener interés por el
moral a la naturaleza humana. piano. Tomé clases con Bernardo Jiménez
-Elamorte, The question- un proyecto con
Sin entrar a clasificarte. Veo que hay como una gran trayectoria en Colombia. Fue mi
visos al dark cabaret al gótico, al vodevil, profesor de piano cuando yo tenía alrededor
¿Con cuál género te sientes más identifica- de 13 años. Tomé clases de piano un par de
da? años con él. Después la verdad yo abandoné
En realidad he tenido varias influencias. Di- un poco la música y me concentré más en el
gamos que lo del cabaret puede ser por el lado del teatro. Estudié en la ASAB pero no
lado teatral. -Unos buenos años los dedique terminé, allí estudié artes escénicas. Mien-
al teatro como actriz-. También hubo un in- tras tanto tenía un grupo como de new age
terés por la música de las películas.-tal vez- se llamaba "Tierra azul". Mi enfoque era el
Eso influye como la parte teatral del proyecto. teatro pero después de eso al irme a la ciu-
Ahora pues el género, digamos fue algo que dad de Los ángeles, me fui a estudiar teatro
se podría considerar lo que tú dijiste; dark ca- musical. Pero la vida es la vida. Y yo me dejo
llevar un poco por donde la vida te va apun-años nueve años. Entonces ha tenido varias
tando y terminé estudiando música. Terminé etapas por decirlo así. Siempre como que la
estudiando piano y canto lírico. Estudié conesencia está ahí. Yo creo que la esencia se
muy buenos maestros - tuve la fortuna de te-conserva. Pero sí ha habido un cambio. A ni-
ner buenos maestros-. En general Bernardo vel de lo que estoy haciendo, creo que ya la
que fue el despertador en muchos sentidos, propuesta está llegando a un punto un poco
una gran influencia, él me enseño piano clá-más donde hay más claridad de lo que lo que
sico -más que decirme que hiciera gótico-. se hace. Lo que busco tanto a nivel sonoro
Creo que no solamente me influenció -obvia- como a nivel estético como a nivel de con-
mente- sino que yo pienso que las personas cepto. Entonces digamos que. De todas ma-
se encuentran. Tú tienes que encontrar con neras aprecio mucho lo que hice al principio.
las personas clave y eso te va a definir. Y bue-
Porque era muy sincero. Sigo manteniendo
no... maestros en Los ángeles muy buenos esa sinceridad. Sólo que aquello del principio
de canto y si le he dado importancia a la par-
tiene como algo aún más osado. Es inevita-
te la técnica, pues es importante para mí. Es
ble. Al principio, era la manera en la que salía
como apropiarte la técnica de la manera que como un poco más despojado de ciertas co-
tú puedas ser libre al punto en el que... ya la
sas. Desde entonces siempre ha sido como
técnica está tan integrada y tú tienes más li-
algo muy teatral. Siempre he pensado como
bertad. Es más una herramienta. Que que- en personajes, historias, en lugares. Y lo sigo
darte en la técnica como tal. haciendo de esa manera. Digamos que yo
saqué unos sencillos, pero este es el primer
Vamos al álbum -este es tu último trabajo- álbum que saco... I'm a witch. Por cuestiones
Se que antes tenías trabajos sueltos como de... porque es difícil. Como artista indepen-
una especie de sencillos ¿Cómo ha sido la diente y todo es realmente difícil sacar un ál-
evolución de tu trabajo? bum. Requiere mucho esfuerzo. La verdad
Bueno, sí. Esta propuesta ya lleva nueve tengo bastante repertorio, varios temas. Pero
escogí algunos en los que realmente en lo
que estoy ahorita, los más recientes. Com-
binados con algunos de de mi trabajo previo.
Yo lo divido en tres etapas. Mis inicios, en la
parte de la mitad y en lo que estoy un poco
ahora. En principio yo tenía -tengo como 50
temas- escogí doce entre los recientes y los
de la mitad. Y realmente yo tenía la idea de
haber sacado un disco anterior. Que no se iba
a llamar "Dream within a dream" con los te-
mas anteriores. Pero pienso sacarlo después
en algún momento. Con otro tipo de arreglos.
y de esta manera son temas que quiero res-
catar. Veo que hay mucha importancia. En las
letras en las historias.
¿Cómo es el proceso creativo?
Mi proceso creativo es un poco como que
a veces una melodía o algo musical que me
puede remontar a una historia. O a veces al-
guna historia o personaje me remonta a la
música como tal. Entonces van muy de la
mano. Como que se me venga algún perso-
naje. También pienso mucho en personajes.
Amanrouge es un personaje que tiene mu-
chas máscaras que por ejemplo asume per-
sonajes como la mujer de las flores secas,
es el fantasma de la Candelaria. Es un per-
sonaje, que es varios personajes al mismo
tiempo. Una especie de fémina fatal, pero no
exactamente. Es un personaje y con ciertos
detalles como el humor negro con ciertas per-
versiones. Pero hacia un lado como con otros
matices. Ciertas letras un poco se podría de-
cir que son retorcidas otras no tanto. Siem- 111
pre me gusta jugar con las capas, y es asi . Es
curioso decir que normalmente no escribo
mis letras en papel. Porque no es como que
me siento a escribir una letra. Todo, mi músi-
ca -bueno esto no es algo de lo que me siento
orgullosa- mi música no está escrita en nada
ni las letras, ni la música ni nada está escrito.
-Si le pasa algo le pasa a mi cabeza en estos
días...- Por eso la importancia de grabar las
cosas... y en algún momento empieza a ser
más necesario -bueno, ya a cincuenta y pico
de temas-
Te conocía antes como solista. Ahora con
banda ¿cómo funciona?
La dinámica es un poco distinta. Más que
banda lo he visto por ahora como músi-
cos invitados, aunque finalmente sí se está
armando como un grupo base. Porque los
músicos invitados terminan siendo los mis-
mos. Empiezan a acompañar más y más. En
ese sentido pues sí cambia claro con todo
lo que ellos aportan, le aportan al proyecto.
Pienso que es ganancia. De todas formas es
una propuesta que está un poco consolida-
da. Entonces yo busco músicos que me quie-
ran acompañar. No es como armar la banda
desde el principio y voy a empezar de cero.
Siempre busco músicos que me acompañen
a lo que estoy haciendo y que aporten algo
muy valioso a esta propuesta y que hasta por
momentos con lo que ellos aportan me hacen
ver como otras cosas.
113
[ Por Bernardo Jiménez Mesa ]

MATIK MATIK
10 AÑOS
 En una ciudad como Bogotá, no es nada
usual que un bar tenga vida más allá de unos
cuantos años. Los pocos que lo han hecho, lo
han logrado porque el lugar mismo se ha afi-
liado, de una manera u otra, a una escena en
particular. Hay un par de lugares de salsa que
se han mantenido por décadas, ciertamente;
esto obedece a lo anteriormente menciona-
do: el bar se vuelve lugar de reunión y en el
corazón de una sub-cultura especifica.
El caso de Matik Matik es bastante diferen-
te, e inédito en Colombia. En este bar/centro
cultural es posible escuchar propuestas en-
tre sí realmente disímiles, y a pesar de esto,
la curaduría, a cargo de su dueño y fundador
(Benjamin Calais) es estricta. Los lineamien-
tos que rigen las propuestas llegan a Matik,
se podrían resumir en una palabra: Experi-
mentación.
Desde bandas que buscan y ahondan en
ritmos latinoamericanos hasta el noise más
extremo. En tanto que haya un alto grado de
experimentación y un rompimiento con es-
quemas tradicionales, todo es bienvenido en
Matik Matik. Por ende, el público de Matik,
son muchos públicos realmente. Hay, claro,
quienes confían (no ciegamente, sino de ma-
nera muy consciente) en el filtro que supo-
ne Benjamin, y se convierten así en visitan-
tes constantes del lugar. Esto en el caso de
quienes tienen un gusto muy ecléctico pero
aman la experimentación (ambas caracterís-
ticas comunes a Benjamin). El resto es un pú-
blico cambiante (de acuerdo al tipo de mùsi-
ca) pero recurrente, ya que una vez a Matik,
siempre querrás regresar.
Quienes no han estado allí y leen estas lí- 115
neas, podrán ya darse cuenta que es impo-
sible separar a este lugar de su dueño, y es
que Matik es una extensión del espíritu de
Benjamin. Siempre se le podrá ver a el entre
el público. Siempre es el quien lleva las rien-
das, y es el quien disfruta más de este lugar,
ya que el sabe que si a el le gusta la música
que allí se toca, el público de Matik, muy se-
guramente, también lo hará.
Matik Matik es una versión mucho más ex-
perimental de lo que pudo ser un CBGB: un
lugar cuna y bastión del arte subterraneo
(aquel que no tiene cabida en los lugares de
exposición masiva) y el cual es regentado
por su fundador y dueño, quien escucha en
detalle cada propuesta que golpea las puer-
tas del lugar y que elige cuidadosamente las
mismas, asegurando que estas representen
realmente el espíritu del recinto.
Al haber llegado Matik Matik a sus 10 años
de existencia, quisimos en la Revista The
13th rendir homenaje a uno de los bares más
interesantes y especiales de latinoamérica y
toda una institución en la capital de Colom-
bia.
Felicidades para Matik Matik en su prime-
ra década de existencia , y que sean muchos
más.
En el próximo número les contaremos de
los recitales que están teniendo lugar en Ma-
tik Matik con motivo de la celebración de sus
10 años y tendremos una entrevista exclusi-
va con Benjamin Calais.
117
Por Jairo Mansur
119
IN SEARCH OF SPACES:
La Reconstrucción de
Flying Saucer Attack en vivo
 Los balances alrededor de las presentaciones en vivo de Flying Saucer Attack no son del 121
todo claros, definidas por algunas personas como legendarias, tanto David Pearce como los
diferentes músicos que hicieron parte de estos live perfomances, guardaron siempre cier-
ta distancia de ellas, llegando hasta al punto de catalogarlas como un desastre. Matt Elliot,
alma detrás de The Third Eye Foundation y uno de los músicos que acompañó a Pearce en
vivo, comentó a la revista The Wire en un extenso reportaje titulado “Bristol UFO’s” que la en-
carnación en vivo de Flying Saucer Attack era un embarazoso desastre. En 1994 Bruce Ru-
sell del sello neozelandés “Corpus Hermeticum” le propuso a David Pearce lanzar un disco
compuesto de algunas de sus presentaciones en vivo. Aunque largamente se ha dicho que
Pearce nunca estuvo satisfecho con el resultado (y que el disco final tuvo diversas reduccio-
nes y cortes) “In Search of Spaces” se convirtió en un documento único para todos los faná-
ticos de la nave espacial de Bristol. El disco reunía en un impresionante collage de 50 minu-
tos varias presentaciones en vivo de Flying Saucer Attack hechas por el público, la edición
física hecha en papel lija con un marcado estilo manual ayudó a forjar ese aire atemporal de
un disco que se convertiría en una pieza de colección con el paso de los años.

Buena parte de los discos de Flying Sau-
cer Attack fueron grabados de manera case-
ra por Pearce y Rachel Brook. Pearce usual-
mente llamo a esta etapa “FSA Phase one”
para diferenciarlo de la “segunda fase” en la
cual se encargó él íntegramente de la gra-
bación, sin embargo, cuando decidieron pre-
sentarse en vivo fueron juntando a diferentes
músicos amigos de la escena underground
de Bristol los cuales a la postre terminarían
formando proyectos de gran trascendencia
para la historia musical de esa ciudad. Para
le época en que “In Search of Spaces” fue
registrado Flying Saucer Attack estuvo com-
pletado por Sam Jones ( de “The Balky Mule”
y hermano de Matt Jones fundador de Cres-
cent), Debbie Parsons (parte de The Third
Eye Foundation and Foehn) y él ya mencio-
nado Matt Elliot, Esta formación encarnó la
versión más salvaje de Flying Saucer Attack,
el quinteto en vez de buscar interpretar las
canciones de los discos que habían graba-
do para ese momento se decidió por hacer
improvisaciones en vivo cargadas de ruido
y percusiones tribales. Discos como “Fur-
ther” o “Rural Psychedelia” se alimentaban
de la influencia de cantautores ingleses como
Nick Drake o Roy Harper, en ellos Pearce y
Brooke fueron construyendo un sonido que
bebía tanto del folk como del ruido, constru-
yendo un hibrido entre la vanguardia y el folclore. Mientras tanto las presentaciones en vivo
se centraban en la improvisación libre, un flujo de corriente que podía llevarlos hacia la psi-
codelia, el ruido y el trance.

Si bien buena parte de la crítica y el públi-
co suele coincidir en cuanto a la alta calidad
de estas presentaciones, dentro de la ban-
da las opiniones no eran las mismas. Pear-
ce, que siempre se confesóescondiendo su
voz tras la cortina del ruido, vio siempre las
presentaciones en vivo de Flying Saucer At-
tack como momentos frustrantes y agotado-
res. Tras el lanzamiento de “In search of Spa-
ces” en 1996 y la partida de Rachel Brook de
la banda, la banda entraría en lo que Pear-
ce llamó “Phase 2”, en gran parte el motivo
del alejamiento de Brooke y la separación de
la banda en vivo fue debido a las fricciones
surgidas de las presentaciones. De esa se-
gunda etapa saldrían varios discos clásicos
como “New Lands” (1997) o “Mirror” (2000)
en los cuales Pearce se encargaría íntegra-
mente de la labor creativa y de grabación, du-
rante esta segunda fase las presentaciones
en vivo fueron pocas y mayoritariamente en
solitario. Esto haría aúnmás difícil la relación
de Pearce con los conciertos. En 1997, aceptó presentarse en el míticoFestival Terrascope 123
en Providence, Estados Unidos. El motivo principal fue su admiración y amistad con el orga-
nizador Phil McMullen, fundador además del magazine Ptolemaic Terrascope. La acciden-
tada presentación terminaría frustrando a un ya disminuido Pearce quien decidió desde en-
tonces retirarse de los escenarios.

De alguna ma-
nera la timidez, las
frustraciones y la
depresión termina-
rían llevando a Fl-
ying Saucer Attack
al silencio, un silen-
cio de 15 años que
se rompería intem-
pestivamente en el
2015 con el lanza-
miento de “Instru-
mentals”. Este dis-
co daría lugar a lo
que me gusta ver
como la “Phase
3” de Flying Sau-
cer Attack, la cual
además de con-
tar con nuevo ma-
terial ha propicia-
do la re-edición
de sus discos clá-
sicos, los cuales estuvieron descontinuados cuales pertenecen a diferentes conciertos,
por muchos años. En ese panorama de re- principalmente a una de sus presentaciones
visión y re-edición, Bruce Rusell se propuso en Bristol en 1994, las grabaciones han sido
revisar esas viejas grabaciones en vivo antes masterizadas y depuradas para crear más
de que fueran comidas por el olvido del polvo. que un disco en vivo, un reporte documental
“In Search of Spaces” fue no solo re-editado a de lo que fue la banda en directo. Mientras
finales del 2017 por VHF Records, esta nue- que algunos “momentos” muestran la cohe-
va ediciónrestaura la idea original que Rusell sióntribal entre las guitarras, bajo y percusio-
quiso editar en los 90s, la cual según las liner nes creando trances hipnóticos y cargados
notes fuerechazada por David Pearce por so- de ruido, otras reflejan el desvarió sonoro.
nar demasiado “rockera”. Esta es también la Flying Saucer Attack podía lograr momentos
primera vez que este material es editado en coherentes y armónicos, así como también
vinilo. Con cuatro lados y más de una hora de adentrarse en el ruido mismo como experien-
música este disco reconstruye la problemáti- cia. El cuarto lado es una nueva mezcla arre-
ca historia de Flying Saucer Attack como acto glada especialmente por Jim O’rourke, admi-
en vivo, digo reconstruye porque la labor ha rador de FSA desde los 90s, un interesante
sido la de armar un rompecabezas. Tres ca- ejercicio que toma diferentes momentos de
ras corresponden a grabaciones en vivo, las las grabaciones y los arregla a su modo.
"Dos,
Formatos y Experiencias
de Colaboración en Dúos”
Parte 2

Esta es una segunda parte del especial que preparé en mi blog “Sonidos que
Permanecen” bajo el título "Dos, formatos y experiencias de colaboración en
dúos”. El tema central de análisis de esa nota era revisar lanzamientos de los
últimos meses hechos por dúos musicales bajo diferentes formatos de colabo-
ración. Tras la primera entrega fui encontrando o me llegaron algunas otras re-
comendaciones que hicieron necesario preparar una segunda parte.
Uno de los formatos de colaboración más explotados actualmente es el dúo,
con esto me refiero a las múltiples posibilidades y formas de interacción mu-
sical que permite la colaboración entre dos personas en un mismo proyecto.
Parte de su popularidad viene de un hecho simple, si bien la premisa es senci-
lla ofrece múltiples maneras distintas de crear música. Hay además una cierta
reminiscencia a la comunicación básica persona-a-persona, muchos de estos
trabajos surgen bajo la idea de una pregunta que debe ser contestada y que
requiere un intercambio musical para responderse.
En esta nota revisaremos varios lanzamientos que fueron apareciendo du-
rante el 2017 bajo esta fórmula. Analizaremos los diferentes "modos" de inte-
racción que posibilita el trabajo como dúo y trataremos de perfilar la perspec-
tiva de intercambio geográfica tan latente en estas colaboraciones. Volviendo
sobre las múltiples formas que toma la colaboración-dúo, hay un antecedente
histórico de importancia en la música electrónica y experimental, terrenos en
los cuales la participación es más espontánea y permite ir más allá de la idea
de una "alineación" o "banda". Las posibilidades son muchas: el split, por ejem-
plo, pone en un mismo disco dos artistas que colaboran de manera individual
construyendo un disco en base a sus afinidades (o divergencias) musicales. En
las dos últimas décadas con el avance de las tecnologías de grabación e inter-
cambio las colaboraciones por Internet se han convertido en un fértil terreno en
el que la comunicación musical se transporta al plano virtual permitiendo ade-
más otro ritmo de transferencia y creación. La música experimental por ejem-
plo tiene una larga historia de colaboración en directo, además la colaboración
in situ (ya sea en estudio o de manera casera) es también bastante común. Lo
interesante es que estos modos no son estrictos, una colaboración a través de
Internet puede transformarse en una grabación presencial, un split puede im-
plicar la colaboración entre sus partes o la grabación en vivo puede ser mani-
pulada posteriormente en estudio.
 125
KURUNDU
“Kurundu” es la unión del argentino Zigo
Rayopineal y la paraguaya Camila Dos San-
tos, su primer disco se titula “Yvykua Ipuva” y
ha sido lanzado por el sello griego Plus Tim-
bre. Una de los factores que hace interesan-
te este disco es el cruce generacional y geo-
gráfico que representa, Zigo Rayopineal es
un artista argentino con una trayectoria de al
menos tres décadas que incluye trabajos en
la grabación de campo y la electrónica ex-
perimental, mientras tanto Camila Dos San-
tos es de origen paraguayo, aunque vive en
Argentina desde el 2010 donde ha desarro-
llado una carrera en el ambiente académico
desempeñándose además como cesionista
y chelista freelance. Un antecedente impor-
tante de este disco fue la participación de Zigo y Camila en el encuentro sonoro “Río Deriva-
das de la Escucha" que tuvo lugar en Asunción Paraguay el año pasado entre fines de Julio
y comienzos de agosto. Ya en este encuentro el dúo brindó un taller “sobre técnicas expan-
didas de interpretación instrumental, grabación, procesamiento en vivo de instrumentos y
grabaciones de campo”. Aunque el disco como tal fue grabado en Buenos Aires “Yvykua Ipu-
va” contiene grabaciones de campo realizadas en Paraguay. Su estilo de composición está
basado justamente en buena parte de los temas que presentaron durante el encuentro, los
cinco movimientos que lo componen son improvisaciones en las cuales Zigo y Camila van
creando sonidos a través de la exploración de sus instrumentos.

MARK SO
Esta colaboración entre el músico chileno
Christian Alvear y el artista audiovisual mexi-
cano Gudinni Cortina entra en una categoría
colaborativa entre dúos de la que no esta-
ba consciente en la primera entrega de este
especial. Por una parte, hay que reconocer
una tercera entidad en este trabajo, en este
caso seria "Mark so" compositor experimen-
tal norteamericano quien preparó la partitura
de esta grabación compuesta por una serie
de imágenes y textos los cuales son codifica-
dos por Alvear y Cortina desde su percepción
al lenguaje musical. Este estilo se puede rela-
cionar a lo conocido como "Graphic scores",
una práctica que data de compositores como
John Cage o Brian Eno y que presenta la no-
tación musical a través de imágenes e instrucciones que pueden ser "leídas" de una manera
más libre. Entonces este trabajo nos presenta una perspectiva compositiva "transversal" en
la cual el lenguaje musical se mezcla con lo visual y lo textual, la interpretación del dúo de
"And suddenly from all this there came some horrid music" es minimalista y cuidada, cada de-
cisión parece ser tomada desde una inmersión en la partitura, una inmersión que no obstante
requiere otro tipo de concentración ya que si bien la notación está abierta a interpretaciones,
la ausencia de un "valor determinado" hace esta experiencia más demandante. Ambos mú-
sicos juegan con el silencio, cada sonido se extiende y extingue y la siguiente toma su lugar
pacientemente dejando espacios vacíos y necesarios. Sin embargo, la interpretación de su
interpretación vuelve a ser abierta, el juego continuo en el ejercicio de escuchar e imaginar
que puede representar cada sonido. Esta colaboración grabada en SOFA,Santiago de Chile
el año pasado fue lanzado en versión CDr por el sello canadiense Caduc. recordings, el dis-
co contiene también la notación textual y grafica preparada por "Mark So", la cual se puede
ver en su web también.

BLAU GRISENC /
POSTESTÉTICA ANTINIHILISTA
INTERNACIONAL

Corto pero interesante split entre dos ac-

tos costarricenses. Blau Grisenc es el pro-
yecto de Carla Alfaro artista que desde hace
dos años viene sumergiéndose en la crea-
ción electrónica logrando un sonido muy in-
teresante; a través de dos EPs ("Ópalo" y Be-
ton Brut" ambos lanzados en el 2017) y varios
singles Blau Grisenc ha ido mostrando una
capacidad para evolucionar su estilo y mane-
jo de las melodías, este track por ejemplo es
tal vez su composición más minimalista y at-
mosférica. Postestética antinihilista interna-
cional tiene una discografía bastante amplia
hecha en relativamente poco tiempo (toman-
do en cuenta que al menos en Bandcamp su
primer lanzamiento es de febrero del año pa-
sado) su sonido está orientado hacia la experimentación con diferentes técnicas e instrumen-
tos, el track de este split se centra en una lánguida secuencia de guitarra y acompañada de
unos teclados difusos. Una buena manera de conocer dos proyectos interesantes de Costa
Rica, país con una escena electrónica y experimental siempre interesante.
 AOI 127

Este es un proyecto compuesto por el dúo

Tristán Sotomayor & Mandu Gonzá-
lez, no sé mucho sobre su historia musical,
lo cierto es que su debut como AOI ha sido
lanzado por el excelente sello chileno Non-
Local Research. Este disco está compuesto
por piezas extensas en las cuales el dúo ex-
plora melodías repetitivas construidas con te-
clados, samplers, y metales como campanas
y cuencos. El estilo de AOI se basa en la in-
teracción tipo tándem y la profundización de
los sonidos en el tiempo. Las composiciones
son largas ya que esta es la mejor manera en
que las melodías logran esos puntos álgidos
construidos de manera minuciosa y lenta. Un
disco muy bien logrado que conjuga de ma-
nera acertada los sonidos electro-acústicos. El sello Non local Research tiene edicionesfísi-
cas en cassete muy interesantes y un estilo estético que recomiendo mucho revisar.

BARDO TODOL AND ADAM CADELL

"King of the Tierra / Lord of the Giles and
Master Serene Serigne” es un Split transo-
ceánico entre el argentino Pablo Picco, mú-
sico y realizador audiovisual, y Adam Cadell,
violinista, compositor e investigador austra-
liano. El trabajo está compuesto por dos trac-
ks de más de 20 minutos, el lado de Adam
es una larga e intensa exploración del violín
con ocasionales percusiones con una com-
posición más frontal, mientras tanto del lado
de Bardo Todol encontramos una composi-
ción segmentada donde se pueden escuchar
arreglos de cuerdas, grabaciones de campo
y cintas. Ambos artistas mantienen un enfo-
que experimental desde sus modos particu-
lares de acercarse a la composición, ambos
estánguiados por la aversión a los formalismos ya sea jugando con un solo instrumento en
una sola toma o reconstruyendo diversas grabaciones.
129
PALABRAS EN LA ARENA
 131
Escribir y publicar es, en realidad, un acto masturbatorio del ego. Una
vez se publica ya no hay más sentido de búsqueda, no hay palabra libera-
dora... No, al menos para el autor.
Hablar es complicado, y escribir mucho más; las enfermedades son
las palabras pero la cura también viene de las palabras. Ése, de hecho, fue
el gran descubrimiento que hizo el psicoanálisis. Y trajo, Freud especial-
mente, una gran duda a este mundo, la pregunta de qué carajo es la con-
ciencia (¿Es un espejo de nosotros mismos? ¿Quién nos habla? ¿Somos
en realidad hablados?).
Palabras en la arena tiene su origen dentro de la Revista The 13th
más como una trinchera que como un segmento. Como lector, y sobre
todo como redactor, siempre tuve ocasión de vislumbrar el pacto de po-
deres establecidos entre los discursos del saber y el otorgamiento del es-
pacio convalidante en los medios de comunicación (televisión, radio, pe-
riódicos, revistas, portales de internet), por lo que me propuse desde mi
humilde y peligroso lugar tentar a la suerte y desatar la locura. Así, lejos
de las imágenes ideales, este artista alimentado a base de pensamientos
incendiarios que soy, decidió romper con lo establecido y pregonar sólo
caos. A su vez, siempre procuré rodearme de la misma clase de espíritus
llameantes –algunos pocos pasaron fugazmente por este espacio y deja-
ron su huella invaluable– pues lo cierto es que la digresión es un camino
constante en esta campaña del extravío.
Por lo demás, sólo puedo invitarlos a que se sorprendan o se espan-
ten; a que dejen colgado de la Nada al espantapájaros del sentido común y
se internen en el ocaso de los advenimientos, donde yo y mis aliados –en
esta ocasión, el único y auténtico poeta de la voz que he conocido, el alqui-
mista del verbo Franco Doglioli– los esperamos de pie, resistiendo, como
si fuéramos el pene de un dios condenado a introducirse por necesidad
dentro de la concha de los misterios agazapados en la noche abismal.
[ “ARCANO TRECE" de Pilar Pedraza por Pablo Ravale ]

LA MUERTE LE SIENTA BIEN

 Si bien el género de terror y fantástico en
España es un coto que, de forma muy injus-
ta, recibe más bien poca atención por parte
de los medios, la injusticia se torna directa-
mente agravio cuando nos referimos a deter-
minados autores más o menos ninguneados,
pese a que su impecable calidad va mucho
más allá de géneros y modas. Es el caso de
Pilar Pedraza (Toledo, 1951), magnífica au-
tora que bien parece importarle poco conver-
tirse en best-seller, ya que lo que a la se-
ñora Pedraza le va en el terreno literario es
escribir lo que le dé la gana cuando le dé la
gana... y no saben lo afortunados que somos
de tener escritores que hagan precisamente
eso. Sobre todo, cuando poseen un talento
tan fuera de toda duda como el suyo.
De momento, sólo he podido leer un li-
bro de Pilar. Pero ése nada más me ha bas-
tado para constatar la extraordinaria autora
que me había estado perdiendo hasta ahora.
Una autora que, según he podido leer en al-
gunas entrevistas, manifiesta cierta predilec-
ción por escritores como Shirley Jackson o
Clive Barker. Lo cual, desde luego, se nota en
sus escritos. Y mucho. Pero de la mejor forma
posible. Pues, pese a que he de decir que he
encontrado una narrativa de poderosos ecos
jacksonianos y barkerianos, generosa en me-
táforas ingeniosas e imágenes inusuales, hay
que reconocer que Pedraza la sabe llevar a
su terreno y hacer de ella algo indudablemen-
te personal.
Pero, ¿cuál es ese libro que he leído?
Nada más ni nada menos que Arcano Trece,
antología de trece relatos que, sin embargo,
toma el título precisamente de la carta del
Tarot que simboliza “La Muerte”. No en vano,
todos los relatos nos hablan, de un modo u
otro, de la visión poliédrica, rica en resonan-
cias y significados, que esta autora tiene so-
bre este tema –irónicamente– inmortal.
La antología queda dividida en tres apar-
tados diferenciados: La carreta de las osa-
mentas (tres relatos ubicados en la tradición
barroca y gótica), Eros melancólico (siete re-
latos un tanto más viscerales y violentos, con
grandes dosis de humor negro) y, por último, 133
La muerte sobre ruedas (tres historias de am-
biente contemporáneo, aunque no por ello
menos perturbadoras).
El volumen se inicia con “Mater
Tenebrarum”, nombre éste que reaparece
con frecuencia en la obra de Pedraza: se re-
fiere a una figura femenina y perversa, que
en ocasiones puede identificarse con la diosa
Hécate y en otras, trascender esa divinidad.
Es un relato donde se nos cuenta las aventu-
ras de una niña, Ángela, y su perro Lupo. Para
sobrevivir, Ángela se dedica al hurto y a pro-
veer de material mágico a la bruja y ensalma-
dora Crisanta, de paso que procura aprender
todo lo posible de los conocimientos de ella.
Otro relato con niños como protagonis-
tas es “¿Qué demonios...?”, que nos cuenta
sus vacaciones en la gran casa de campo de
la abuela moribunda. En el texto predominan
el humor y la ironía sobre lo macabro y oscu-
ro; la historia es de nuevo de aprendizaje e ini-
ciación, al suponer el primer contacto de los
niños con la muerte. Muestra asimismo la im-
precisa frontera entre realidad y fantasía, so-
bre todo desde la mirada de los protagonistas.
“Anfiteatro” es una deliciosa recreación
del tema de la mujer pantera, con un inicio
muy típico de libros y películas de miedo: la
llegada de un forastero perdido a una sinies-
tra localidad llena de gente también siniestra,
donde no consigue encontrar alojamiento,
hasta que por fin se lo ofrecen en una hermo-
sa y decadente casa llena de misterios. Una
cadena de motivos nos va poniendo en la pis-
ta del secreto que ha de desvelarse al final.
“Días de perros” es un diario escrito por
un investigador que realiza un trabajo sobre
camafeos antiguos, sometido a una beca a
causa de sus escasos recursos económicos.
Pusilánime, neurótico, enfrentado a unas cir-
cunstancias que él siente amargas y mezqui-
nas, y a una sucesión de contratiempos, in-
firmezas y humillaciones, se va deslizando
en silencio, como en una pesadilla –mientras
entra y sale de la biblioteca donde investiga,
se encuentra con un mendigo cuya mirada y
actitud le perturba enormemente–, hacia la
demencia.
Otros cuentos destacables son “Mascarilla”,
por su mordacidad, “Amigo del hombre”, un
texto interactivo, totalmente abierto a la inter-
pretación del lector, y “Artículos de piel”, com-
pleja y densa narración donde se superponen
dos argumentos, en el presente y en el pasa-
do, unidos a través de varios objetos fabrica-
dos con piel humana.
La mayor parte de los cuentos aquí pre-
sentes aparecieron en la agotada antología
Necrópolis, y este volumen incluye también
una novela breve, “Las novias inmóviles”, que
fue publicada originalmente por la editorial
Tusquets y que merece comentario singular,
pues se trata de una fantasía necrófila com-
pletamente romántica, de una exquisitez ab-
soluta pese a sostenerse sobre la idea de que
no hay nada como amar a una muerta.
A esta altura creo que debe quedar cla-
ro que, a mi juicio, deleitarse sólo con archi-
conocidos Edgar Allan Poe, H. P. Lovecraft o
Stephen King es un ejercicio de poca apertu-
ra intelectual; ya va siendo hora de que Pilar
Pedraza sea reconocida como lo que esta an-
tología pone de manifiesto: que es la autora
fundamental del fantástico oscuro español en
la actualidad.
Para terminar, una mención aparte sin co-
nexión alguna con lo dicho, pero que redun-
da en mi recomendación hacia este libro, es
la naturaleza de la edición. Valdemar, por lo
general, edita bien; pero este libro, un grueso
tomo de letra grande y pequeño tamaño, es
un auténtico placer que suma un nuevo factor
de placer sensorial al propio contenido.
FRANCO DOGLIOLI
 Bicho I

Premeditación araña desde la negrura conciente,

Rosa de carne en tu olor a libido untable.
Fiel a presencias subterráneas famélicas de ensamble
E invernar post desgarro de parir al indecente.

.
Bicho II

Provocación mordaz de sonrisa compuerta,

Dedicada al lince como a la mosca.
Lacrado en rojo el amor de la presa,
Manta caústica sobre su inocencia.
Masticas su lamento y no le cobras.
CRÓNICAS DESDE MERDEVILLE
 EL CEREBRO REPTIL
por Pablo Ravale
El cerebro humano es una maquina compleja,
un órgano lleno de incógnitas, del que se desco-
noce aún casi todo.
En el cerebro habita una mente que coman-
da todas y cada una de nuestras acciones, todos
y cada uno de nuestros aciertos, pero también to-
dos nuestros errores. Dentro de este prestigioso
e importante órgano, en lo más profundo de sus
pliegues, habita un pequeño intruso, un peque-
ño tramposo, que milita y maneja desde las som-
bras, desde tiempos inmemoriales.
Este pequeño polizón, se coló en los albo-
res de nuestro desarrollo, fue insertado con unas
instrucciones rudimentarias, las cuales son muy
difíciles de formatear. Lograr reducir su influencia
es básico para dar el salto evolutivo que se nos
presume y es esencial para ser “humanos”, para
ser personas civilizadas.
Ese insidioso polizón, es nuestro cerebro
reptil.
Este órgano primario incrustado en lo más
profundo de nuestro cerebro es el encargado de
recordarnos nuestros instintos más primarios,
como: la identidad, la territorialidad, la competiti-
vidad y el miedo.
Somos como somos y estamos como esta-
mos, en parte, a que muchos de nosotros toda-
vía funcionan básicamente con ese cerebro rep-
til. Humanos en apariencia, meros lagartos en su
intelecto.
El poderoso sentimiento de identidad pro-
voca que tengas la necesidad imperiosa de eti-
quetar todo cuanto se cruce en tu camino; es de-
cir, marcar: lo bueno y lo malo, lo beneficioso y lo
antagónico, lo útil y lo inútil… pero sobre todo tu
nombre y tus números, esas etiqueta identifica-
tivas que son tu primer estandarte, una bandera
entre muchas que cargarás a lo largo de tu vida,
que son grabadas a fuego en ese cerebro repti-
liano y que procurará que nunca las olvides y que
las muestres con orgullo.
Tu identidad te persigue tras tu muerte, es tu
legado en este mundo, y antes de dejarlo, procu-
rarás que quede grabado para continuar vivo en
las memorias de los que te preceden.
La medida del éxito está basada en la can-
tidad de personas que pueden recordar tu nom-
bre una vez hayas muerto, pero tu identidad no
sos vos, ese es el avatar que diseñaron para vos
cuando llegaste a este mundo.
Recordá que te debes ir con lo mismo que
traías puesto y todas esas etiquetas te las pusie-
ron a posteriori.
Tu tierra, ese trozo de planeta que ya no mar-
cás con orina porque tenés paños de colores que
delimitan aquello que crees tuyo, que te define,
te diferencia, es parte de tu orgullo y trasciende a
tu propia identidad.
Tu patria está grabada a fuego en cada una
de tus venas y por ellas corre el sentimiento pa-
triótico que hará que mates y mueras por asegu-
rar el redil que guarda a tu manada.
Ampliar horizontes y perder la identidad na-
cional, borrar las fronteras mentales y quemar las
banderas, dejar de ver el planeta como un trozo
pequeño de tierra, una caverna de cavernas, un
bloque donde las relaciones con los vecinos re-
quieren ciertos dones diplomáticos.
Tenemos todo un planeta, ¿ por qué seguir
identificándonos con trocitos cada vez más pe-
queños, por qué seguir obedeciendo al reptil que
vive en nuestra cabeza, por qué cerrarnos puer-
tas y posibilidades fuera de donde circunstancial-
mente nacimos?
Los nacionalismos y los patriotismos son sólo
etiquetas con las que reducir nuestra inteligencia
como auténticos bárbaros sociales.
Competimos, todos contra todos, en un in-
menso mar de caos en el que constantemente
competís contra todos los elementos. Competís
cuando caminás, cuando conducís tu auto, cuan-
do comés, cuando amás.
 Debés ser el primero en todo, ser el más de
lo mas, el único, vos solo... Porque eso es com-
petir, quedarse solo y no ganar nada, nuestro pe-
queño polizón nos incita a tener que sacar lo peor
de nosotros, para ganar, para ser el primero en
todo lo que emprendemos, para ser el que más…
Como hombre o mujer, como trabajador, como
padre o madre, como hijo, para al final no ganar
nunca nada, y dejar atrás a todos esos vencidos,
que como nosotros, sólo pretendían hacerse un
hueco, y ganar.
Cerramos la posibilidad a la colaboración, a
la unión, a la humanidad, para salir victoriosos en
una carrera en la que nadie te espera para darte
una medalla, si no, quizás, sólo soledad; la sole-
dad del vencedor, puede que pienses, sí, pero al
fin y al cabo, la soledad del único vencido.
La distinción entre especies es otra tara rep-
tiliana, las diferencias dentro de una misma raza
no son motivos para fomentar la distinción entre
sus miembros, uno no deja de ser menos huma-
no por una simple diferencia de tono en la piel, de
hablar distinta lengua o de creer en distintos dio-
ses. La diferencia sólo está en la mente de aquel
que la ve. Su parte reptiliana lo engaña y le hace
creer que es superior por su pertenencia a cierta
clase o raza distinta, pero la gran masa a la que
pertenecemos esta tan mezclada que no existen
grandes rasgos distintivos salvo las evidencias
de color.
De esta manera, cualquier estudio pseu-
do-científico que estudie y pretenda demostrar
las diferencias raciales, es sólo el alimento de la
justificación racista con un lenguaje académico.
Debemos trascender al reptiliano, superarlo
y ganarle en su propio terreno. Debemos deste-
rrarlo y con él, todo lo que representa, todo aque-
llo que creímos que nos identificaba y que forma-
ba parte de nosotros.
Debemos quitarnos las etiquetas, las identi-
ficaciones, los patriotismos, los clasismos. Sacar
todo lo que ese “reptil” te dice que te hace distin-
to, todo aquello que te pone fronteras y delimita tu
mente. Sacar todo lo que te empequeñece, todo
lo que te deshumaniza, todo lo que te provoca
odio, todo lo que te hace olvidar el amor y la her-
mandad, la compasión y la empatía.
Si superás los conceptos territoriales, nacio-
nalistas, ideológicos y teológicos, estarás entro-
nando al reptiliano que vive en vos.
Es doloroso desprenderse de tu bandera,
de tu tradición, de tu identidad, pero más doloro-
so es que sigamos matando hermanos por trozos
enanos de un planeta que nos pertenece a todos
y que podemos compartir todos, que nos ofrece
lo que necesitamos y que nos regala todo lo que
le pedimos.
El reptil te obliga a cobrar, a facturar, a es-
tructurar y a fraccionar. Te obliga a ser egoísta y
a pensar en vos como único ser viviente sobre la
faz de la Tierra, impidiendo el acceso a unos re-
cursos que no te pertenecen, alambrando o amu-
rallando un territorio que no es tuyo y etiquetando
a unas personas que crees inferiores a vos.
Siempre podés elegir, siempre vas a tener
delante la opción correcta, siempre vas a poder
decidir si llenar tu boca de veneno o de amor, si
ser víbora o humano. Ese es el libre albedrío y
esa es tu oportunidad de demostrar la verdadera
raza que habita en vos, humano o reptil…
 Desaparición
de los Oráculos
El último libro de Pablo Ravale

Puedes pedirlo por email a:

p.ravale@yahoo.com
HIDDEN
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Si no sabes quienes estan en la foto...

escríbenos a revistathe13th@gmail.com
143
RESCATE CINÉFILO
145
 LOVE
STRANGE
LOVE
 147

San Valentín, ese invento mercantil y de

capitalismo en el cual los enamorados deben
acordarse de comprar cosas para sus
amantes, nos da la excusa perfecta para
hablar de películas en donde el amor se
enrarece acercándose a psicopatologías
extremas pero que en última instancia
demuestran que el sentimiento es lo que
importa. Cinco películas de amores raros.
Para aquellos que no temen amar aunque sea
extraño o como dice la canción de Depeche
Mode: Strangelove, Strangehighs,
Strangelows.
 LARS AND THE REAL GIRL. LOVE DOLL
[ Por Jimena Patiño ]
El gran problema de Ryan Gossling es cuan-
do lo encasillan de A) Galán B) Héroe de acción.
Cuando se las arregla para eludir esos moles-
tos estereotipos, nos encontramos con un hom-
bre que asombrosamente puede actuar bien y ser
camaléonico en papeles diametralmente opues-
tos a su usual filmografía.
Lars y la chica real, como se la conoció por es-
tos lares es una de mis comedias indie norteame-
ricanas favoritas, y ya casi cumple una década.
Ryan como Lars se transmuta en un ser estrafa-
lario con serias ansiedades sociales que lo llevan
a comprar una novia en una página de muñecas
sexuales. El hecho es que élno lo asimila como
una muñeca. Él la llama Bianca y se la presenta
a la familia.
Patricia Clarkson tiene una presencia que siem-
pre brilla en cualquiera de sus personajes y aquí
es la encargada, a través de su papel de doctora,
de ir guiando las situaciones dramáticas y la ma-
cro estructura del film, trabajando con el persona-
je de Lars y por extensión su familia.
Ahora es cuando el film comienza a abrirse y
se vuelve un canto a la aceptación. El pueblo se
compadece de la situación de Lars pero en lugar
de aislarlo e ignorarlo por ser “el raro de la muñe-
ca sexual” la historia apela a la utopía de que es
el corazón del pueblo el que va a ayudar a la fa-
milia de Lars y al propio Lars a lidiar con su situa-
ción. Entonces es cuando comienzan a pretender
que Bianca es real.
Las actuaciones son tan buenas que le juro que
a los cinco minutos de aparecer, Bianca les va a
causar emociones como si fuera un humano…
real. Es tan humana como sus coestrellas de car-
ne y hueso. Eso es gracias al glorioso nivel de la
narrativa del film que te va envolviendo oscilando
entre la comedia y el drama. Bianca es el objeto/
sujeto a través del cual el verdadero Lars aprende
a lidiar con el mundo y se da cuenta que el mundo
está dispuesto a recibirlo con los brazos abiertos
pese a sus excentricidades.

Emily Mortimer y Paul Scheider (que actúan de
cuñada y hermano de Lars) pasan con maestría
de la risa al llanto. Lo mismo que hará usted señor
espectador, porque esta es una historia de supe-
ración y si no somos demasiados cínicos vamos
a caer en la ilusión cinematográfica de creer que
todo va a operar al favor de las circunstancias y
la vida de Lars.
Cuando llega el final, y Lars y Bianca dan su úl-
timo paseo, los reto a no llorar cual margaritas.
Ni en The Notebook, Ryan Gossling tuvo tantos
sentimientos en su rostro. Es la clase de film en
la que el clima exterior refleja un poco el espíritu
del personaje.
La película, fue, pese a Gossling, un fracaso
comercial. No llegó a recaudar lo que puso en la
producción y yo me creo porque es pese a todo
un film demasiado inteligente en el que el tipo
que siempre veías de Galán hace un papel com-
pletamente radical y hasta afectado psicológica-
mente. Las chicas no querían ver a Ryan besar-
se con una muñeca o quizás no querían ver sus
bigotes de tipo raro con patillas. (OK chiste malo)
La verdad es que la crítica la amó. Esta crítica
que escribe también LA AMA. No todos los días
149
te encontras con un cast con actuaciones sólidas
y melodramáticas que logran hacer creíble todo
el fantástico guión original de Nancy Olvier. Lo
cierto es que el mismo Gossling fue nominado a
los Globo de Oro y al SAG por su actuación y al
Oscar por guión original.
Yo creo que es la clase de película que crece y
mejora con los años. Tan difícil de acotar que so-
lamente con los años y su descubrimiento casual
la gente aprende a amarla: tiene romance, tiene
drama, tiene comedia y tiene emoción a rauda-
les. Las comedias suelen sufrir ese estigma de
que son consideradas “más simples” que el más
choto de los dramas y bodrios soporíferos (califi-
cados como “Serios”) pero es nuestro deber re-
cordar que el fino arte de emocionar y hacer reir
por partes iguales es realmente difícil. Por eso
hay que destacar cuando la magia ocurre.
Esta película habla con una extrema delicade-
za y sin rozar lo vulgar o lo estúpido, el difícil ca-
mino del amor y los otros, de la auto superación
que nunca es un camino solitario y que siempre
necesita de la vida de los demás.
Corran a verla ya mismo o voy a pensar que sus
corazones están hechos de un plástico más duro
que el de Bianca.
 CRASH (1996) WARM LEATHERETE
[ Por Jimena Patiño ]
Estoy releyendo una reseña de la primera vez que
la vi y me rio de lo traumada que quedé. Literalmente
tardé dos días para escribir al respecto de la misma.
Cronenberg es y era, muchísimo más en los años
noventa, un maestro de causar impresiones fuertes.
Scanners, Videodrome, nos tenía acostumbrado a
todo ese despliegue shockeante para el espectador.
La amorosa pareja protagonista de este film, James
y Catherine Ballard, interpretados por un sexy (me re
agarro la cabeza lo mal que le hicieron los años con
lo bello y loco que era pero es comprensible) Jampes
Spader y Deborah Kara Unger. Un matrimonio quene-
cesita de emociones fuertes para poder sentir la lla-
ma de antaño. Nuevas experiencias que abarcan psi-
copatologías varias que giran en torno a los fierros
retorcidos (como ellos) de un automóvil estrellado.
Porque todo el mundo sabe que no hay nada mejor
que un buen accidente de autos por la mañana para
mantener vigorosa la llama matrimonial. (Estoy sien-
do irónica pues nunca está demás aclarar para oscu-
recer) La psicopatología se llama Sinforofilia (Lo goo-
glee porque pff no sabía que siquiera tuviera nombre.)
y está libremente basado en la novela sci fi de James
Graham Ballard.
Algo que es un hecho, y que siempre llamó mi aten-
ción es como en los accidentes automovilísticos, son
las personas que se quedan mirando las que causan
más demoras que el accidente en si. De hecho a mí
me repele, paso corriendo y sin mirar si me encuen-
tro con algún "espectáculo" de ese tipo, porque con-
sidero que ver la muerte en los demás es como recor-
dar mi propia muerte que anda rondando por ahí. Sin
embargo están los que miran, a quienes tal vez debe-
ría preguntarles ¿porque lo hacen?, como no puedo
hacerlo, les recomiendo el film de Cronenberg que
apunta a eso. Apunta a que sientas ese "morbo" de ver
o no ver, de cuál es tu límite, porque sin dudas (y no
sé pero a mí me da más tristeza que morbo) sus per-
sonajes no tienen ninguno.
La tristeza que siento o mejor dicho el patetismo es
pensar que "la carne" y el contacto humano no es su-
ficiente para estos personajes. Necesitan "algo" más
y esa búsqueda de ese "algo" de emociones violen-
tas y auto satisfación es el que eventualmente los va
a matar. Claro que todo esto Cronenberg no lo ve así,
ni lo muestra tampoco. Su visión no es partidista sino
casi diseccionadora, como un coleccionista de insec-
tos raros. Es el pobre espectador bombardeado con
tanto fierro el que no puede dejar de ver la tragedia
y el patetismo que todo el film encierra. Tan patético
como ver un accidente de autos con varios muertos
en el camino. Seguramente alguien que venga detrás
de mi parecer diga "es un film de porquería están to-
dos locos y lo único que hacen en c*ger entre fierros
todo el tiempo, no tiene trama es casi como ver una
porno" y probablemente también tenga razón. Lo que
marca la diferencia de todo essin dudas la mirada del
autor, y en definitiva se trata de una obra maestra que
busca un impacto en la audiencia, sólo que todavía no
me decido cual.
Lo irónico y terrible de todo es que incluso en estos
momentos, tus vecinos, que se esconden detrás de
ese matrimonio perfecto que aparentan, podrían lle-
gar a ser así. Y ese es el nervio que Cronenberg deci-
de explotar. Podría decirse que en parte es muy Sci fi
y que al igual que Videodrome, explora la creación de
una nueva carne en la unión con las máquinas. Pero
es al mismo tiempo una obra muy denotada de su épo-
ca. Está en el colmo de los noventa entre ese cine hi-
per violento y al extremo que se usaba en esa época.
Incluso el cine de Cronenberg cambió mucho con las
décadas y eso se nota.
Escándalo, arte, reflexión, horror, con toques de
futurismo en busca de esa síntesis perfecta entre el
hombre y la máquina que para mi ciertamente signi-
fica el horror, pero que sin dudas queda muy bien en
las pelis de David, y en el rock de mote "industrial" que
151
suelo escuchar y mucho se luce en la excelente ban-
da sonora del film.
La fotografía es en tonos oscuros y muy noventera.
Yo la miraba y decía “se ve como una película de esos
años, bah como un comercial de esos años” pero todo
bajo la mirada distópica de su director.
Supongo que James Spader (Recalco que es quizás
mi perversito favorito del cine norteamericano desde
"Pretty in pink") revoleando piernas ortopédicas se
luce en la historia de David Cronenberg. El otro que
se luce y se pasa de hot es Elias Koteas en el rol del
misterioso y enfermo de Vaughn.
Finalizaré diciendo que es una pena mía no haber
tenido la oportunidad de poner a prueba mi cinefilia
con esta película en una sala de cine. Si esta peli tie-
ne la capacidad de "chocarte" en una pantalla de tv,
¿Se imaginan verla en una tremenda sala de cine? En
la oscuridad, sin posibilidad de poner pausa, retomar,
sin finales interrumpidos o rebobinadas. Supongo que
sería IMPRESIONANTE pero como con tantas otras
es muy posible que nunca lo sepamos.
PD: no tiene nada que ver con el bodrio del 2004
del mismo nombre. Excepto un accidente de autos.
Ya quisiera la del 2004 ser todo lo extrema que es
esta película.
Ah el amor por la esposa y el amor por los fierros
es eterno.
 HEATHERS TEEN PSICHO LOVE
[ Por Jimena Patiño ]
La historia comienza como cualquier historia de pre-
paratoria con una abeja reina y su cortejo en el que to-
das se llaman Heather y una se destaca por llamarse
Veronica (Winona Ryder) Ella, tiene sus dudas exis-
tenciales al respecto de si encajar o no. Esto se pre-
cipita cuando conoce a ….waitforit. Un chico malo. Y
el chico malo de la historia que la enamora es Jason
“J.D” Dean interpretado por el (déjenme este momen-
to para babear a montones y fangirlear al respecto,
yo soy una loca fanática de él y lo amo de acá a True
Romance y Entrevista con el vampiro, no saben lo mu-
cho que lo amaba en los noventa a este bello actor)
carismático y memorablemente épico Christian Slater.
(listo lo dije, Slater for life. *Pone las manos en forma
de corazón al recordarle de adolescente hermoso*)
Creo que el título en España y Argentina le saca
toda la gracia al film. La llamaron “Escuela de jóve-
nes asesinos.” Listo eje central de la historia spoileado
miserablemente. Gracias tituladores de películas en
Latinoamérica por arruinar la premisa central del film.
La verdad que cuando armaba esta lista de filmes,
contemplé la idea de reemplazarla por “Wild at heart”
o “True romance” pero dije “Nah.” Heathers lo hizo pri-
mero. Su humor negro. Sus diálogos irónicos. Frases
como “Chaos is what kill the dinosaurs, Darling!” Creo
que su influencia se hace notar hasta el día de hoy en
cosas como The end of the f***ingworld y mas también.
Francis Kenny con su fotografía le aporta ese tono
de cuento de hadas del infierno que tiene la película.
Narrada por Verónica quien escribe en su diario, el
arte del film es colorido y abunda en colores irreales
escapando a una ambientación naturalista. JD parece
un cuervo que llega a ir trastocando el colorido mun-
do de Verónica.
Cuando una broma se escapa de manos y termina
en muerte… ambos muchachos comienzan un viaje
hacia la destrucción.¡Fahh! eso sonó como re dramá-
tico y existencialista cuando es una comedia acida.
La película cuenta las peripecias de estos dos ase-
sinos y como su relación va tornándose cada vez más
tóxica. Lo gracioso surge porque la historia está ro-
deada de todos los clichés y el universo de las come-
dias de John Huges de preparatoria norteamericana
en tono psicópata.
La actuación de Christian Slater como JD es de an-
tología. Es para guardar en la galería de psicópatas

de películas de terror. Aunque esto no sea terror per-
se. Él es un agente del caos antes que el Joker de
HeathLedger se anime a serlo. La verdad es que el
actor confesó en una entrevista en el ciclo intermina-
ble de “Insidetheactors Studio” que se inspiró e imitó
a Jack Nicholson en El resplandor y Atrapado sin sa-
lida y mostró como le imitó el detalle de las cejas de
loco. Detalle que le queda perfecto a JD. Es un loco
de mierda, la verdad sea dicha, pero te hace reír con
sus maldades.
Verónica es genial. Es un personaje femenino que
no se deja amedrentar por su “Tóxica relación” que
siempre termina con muertos en el conteo permanen-
te de cuerpos. Pasa del amor al odio y el amor a la
vida y la supervivencia en un abrir y cerrar de ojos. Es
una luchadora. Winona está perfecta porque ella no es
para el mundo de las Heathers, ni para el mundo os-
curo y siniestro de JD. Verónica esta para otra cosa.
Pese a parecer ligera, la película no elude proble-
máticas como la violencia en las escuelas y se puede
decir que casi anticipa los hechos que condujeron a la
masacre de Columbine y otras tantas tragedias esco-
lares. El film, de una manera exagerada, lidia con el
Bulling y la percepción social de las personas, cuando
153
están vivas y cuando están muertas.
Michael Lehmann, su director, ganó el Independent
Spirit Award por su rol en la dirección que la verdad es
muy merecido. La historia esta cuidada en todos los
aspectos remarcando esa cualidad de onírica y biza-
rra que otras películas juveniles de los noventa apro-
vecharían luego (Clueless a la cabeza y ahora Pretty
Little Liars.).
Heathers es intensa porque aparte la juventud es in-
tensa. La pareja de Verónica y JD trae mas desastres
que Bonnie and Clyde pero se inscriben en el imagi-
nario a causa de tantos suicidios sospechosos y fina-
les explosivos.
Las fantasías macabras de cualquier adolescente
que tuvo que atravesar la secundaria : encontrar el
amor y asesinar a la maldita popular que los tiene en-
tre ojo y ojo. ¿Acaso quieren decir que quien escribe
tuvo la fantasia de hacer saltar la escuela por los ai-
res? Eso nunca podrán pobrarlo, pero para ser rea-
listas,Heathers estuvo ahí para esos momentos en el
que te das cuenta que no sos el único psicópata del
instituto. XD.
Esos no van a ser los mejores años de tu vida.
(Tendrían que haberle dicho alguien a Verónica y JD).
 LES AMOURS IMAGINAIRES. LOVE IS IN THE AIR
[ Por Jimena Patiño ]
¿Seguimos con la juventud? Ahora no son taaaaaan
psicópatas pero vienen con una importante sobrecar-
ga de histeria.
Me gustaría pensar que mi amor odio por Xavier
Dolan es tan popular que es de público conocimiento.
(Hasta tengo un videocast en YouTube para probar-
lo) realmente recuerdo la primera vez que vi “Yo maté
a mi madre” y sentí esa especie de “amorodio”eterno
por la figura del JOVENCÍSIMO director.
La verdad es que comencé a verla toda prejuiciosa
pero cuando vi que el chico tenía talento, realmente
me indigné, simplemente porque yo a su edad estaba
papando moscas con el traste. Desaprovechando la
vida y no triunfando en Cannes o en Canning siquiera.
Esperé su segunda película con toda emoción por-
que realmente parte de mi quería que probara que no
era un genio y otra parte de mi quería ver que triunfa-
ra frente a esa manga de intelectuales, porque Joven
gay y canadiense… es como un personaje de una no-
vela contemporánea destinado a ser un Enfant terri-
ble y exitoso.
Luego Les Amoursimaginaires se estrenó. Parte de
mi quería defenestrarla, pero me había gustado tanto
la malicia y la acidéz del director que nos terminamos
reconciliando y Dolan sabe que soy fan suya. Se nota
el control que tiene de su obra desde el comienzo y
eso demuestra una inteligencia muy grande.
La malicia podría llevarnos a decir que abusa de los
montajes en cámara lenta con fugas de Bach. Que los
personajes son extremadamente artys y representan
la clase de estereotipos que se esperan del cine inde-
pendiente, pero luego uno es conquistado por la mali-
cia y la dulce ironía que rodea el relato.
Marie (MoniaChokri) y Francis (Xavier Dolan) son
amigos. Los mejores. Los planos que le dedica a pre-
sentar al personaje de Marie nos cuenta todo el amor
que Dolan le tiene. Ambos se apasionan por Nicolás
(Niels Scheneider) con ambos actores ya había cola-

borado en su opera prima. Evidentemente se le da
bien colaborar con gente que conoce pero a Dolan se
le da bien todo.
La historia de amor se va retorciendo cuando ambos
amigos llegan al colmo de hasta rodar por el barro por
el amor de Nicolas, arrancando risas del patetismo en
la audiencia.
La banda de sonido (apuesto que elegida por Dolan
y su Ipodsuper pijo de chico canadiense refinado) es
espectacular. Desde canciones italianas con covers-
de BangBang de Nancy Sinatra hasta fugas de Bach.
Todo el delirio le pertenece a la mente de este mucha-
chito quien a parte tiene un ojo especial para ser vi-
sualmente minimalista e interesante a través del uso
del colorido y el arte del film.
Niel Scheneider es tan bello para el relato y está tan
inteligentemente utilizado como objeto de afecto para
ambos personajes que duele. En parte el disfrute de él
pasa por boludear a ambos amigos, que evidentemen-
te le idolatran y eso hace que te enojes con su perso-
naje. Pero algunos están para amar y otros para ser
amados e idolatrados y sacan todo su disfrute de eso.
Es cierto que el film es el colmo de la histeria y la ob-
155
sesión en las tres puntas del relato. Pero también es
cierto que existen enamoramientos así en la vida que
nos hace actuar como niños enloquecidos. Lo simpá-
tico del relato es que para darle un tono más de cine
arte, la historia corta contando en montajes parale-
los en blanco y negro, historias de amores de perso-
nas que podemos suponer son amigos de Dolan. Y
ver gente filosofando sobre el amor es muy hermoso.
La película busca en su estructura exorcizar los de-
monios personales de aquellos amores que no están
destinados a ser correspondido y sobre todo el valor
del amor de la amistad. Rodarán por el barro, Marie y
Francis pero al final del dia se aman y su locura iguala-
da es la que los hace mejores amigos. Por eso cuando
la película cierra con la aparición estelar del actor mas
bello (que es uno de mis amores imaginarios) Louis
Garrel la historia te arranca una sonrisa final recordán-
dote que la vida y las obsesiones solo se pasan con
la muerte pero que por el momento, solo están conde-
nadas a repetirse.
PD: Louis Garrel vale la pena la obsesión toda la
vida. Y el plano final es un diez para cerrar esta tragi-
comedia mortal.
SCRETARY-WILL THE REAL MR. GREY PLEASE STAND UP?
[ Por Jimena Patiño ]
Que pase adelante el verdadero señor Grey… El
que vale la pena, con los fetiches complicados. Antes
de que piensen que quien suscribe está hablando de
Jamie Dornan… déjenme vomitar un rato y lavarme
luego con pasta de dientes mentoladas porque… El
verdadero señor Grey, el jefe explosivo y sexy es ni
más ni menos que el interpretado por James Spader.
La gran y cruda verdad es que el verdadero Grey,
fue Dorian, pero si lo pasamos por alto un rato y ha-
blamos de tipos ricos con fetiches, nos damos cuen-
ta que la novela de E.L James parece un mal robo de
esta historia a la que defiendo a muerte.
La defiendo principalmente porque el personaje de
“La secretaria” Lee Holloway, interpretada por Maggie
Gyllenhaal fabulosamente, es una “Sumisa” muy par-
ticular. En el comienzo de la historia ella sale de una
institución mental por lo que desde el inicio, el perso-
naje recatado y retraído oculta un secreto muy impor-
tante y es que solía (y esta tentada) a autolesionarse.
Es una película que usa muy inteligentemente las
psicopatías de dos personajes “enfermos” que se en-
cuentran. Su historia de amor es muy particular. Es
un tira y afloje de tensiones que intrigan al espectador
que piensa que esto puede no terminar bien…
Ella se va transformando en una especie de maes-
tra en la manipulación cuando el que piensa que tiene
el poder en la relación es él. El tira y afloje de poderes
y las situaciones si bien rozan lo hilarante no dejan de
ser juegos sexuales algunos más graciosos que otros.
Poniendo el enfoque sobre la gracia de las prácticas
sexuales desdramatiza los momentos y las pulsiones
de los protagonistas.
En otras palabras a través de esos juegos, tales
como: “Si escribís mal una palabra hay tabla” los per-
sonajes llegan a conocerse íntimamente y enamorar-
se. ¡Que son dos locos hermosos!
Lo más lindo de todo es que es una experiencia
audiovisual completa y satisfactoria *guiño, guiño*

el tono irónico, sexy y gracioso se completa con una
banda sonora que incluye a Leonard Cohen y Angelo
Badalamenti, responsable de cosas geniales para
David Lynch.
El ambiente y la fotografía del interior de la oficina es
muy diferente en tono a cuando Lee está en contacto
con su prometido o su familia. Es casi teatral y artificio-
so. Todo está en su sitio y parece responder a los gus-
tos y psicopatías del personaje de James Spader al
dedillo. Steven Shainberg su director, realmente con-
trola los ambientes en los que los personajes se mue-
ven y el timing de todo es una delicia.
Todo se complica cuando Edward Grey piensa que
con su “secretaria” se está convirtiendo en un mons-
truo. Que lo de ellos no puede ser aprobado por el
mundo real. Entonces la trama se enreda. Sin embar-
go, las mujeres siempre saben lo que quieren y Lee lo
quiere a Edward porque ¿Si vas a amar a un loco que
sea compatible con tu locura?
El final llega y ellos parecen haberse convertido en
157
una pareja hecha y derecha.Perfecta, como es el ideal
de Edward que tiene su mambo con la perfección y los
errores. En un plano final magistral la historia cierra
demostrando que la que tiene el control de lo que quie-
re es ella. Su sonrisa cómplice y una cucaracha puesta
en un determinado lugar cierran esta historia de humor
ácido que no teme abordar el tema del BSDM desdra-
matizando y naturalizando la situación para que com-
prendas que es lo más normal del mundo estas rela-
ciones conflictivas de poder cuando la aceptación de
ambas partes está dispuesta a ello.
Eso quizás sea lo más fundamental de todo. Ambos
están de acuerdo en su relación de poder y sumisión.
Por eso la película aunque quizás pueda sorprender
un poco, tiene un tratamiento que no resulta chocan-
te, sino que por el contrario te lleva a suspirar anima-
damente al son de la frase: “Siempre hay un roto para
un descocido.” A veces el roto es él y la descosida ella
y viceversa.
Chas chas en la colita para todos los que quieran.
 159

https://www.entrepisosradio.com/
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 David Byrne anunció su próximo disco solista, el primero desde “Grown Bac-
kwards” (2004) ya que entre este y "American Utopia" (2018) hay discos en vivo y
colaboraciones con Brian Eno, Fatboy Slim, Caetano Veloso y St. Vincent entre mu-
chos otros proyectos muy variados que lo han mantenido muy activo.
American Utopia se lanzará el 9 de marzo de 2018, a través de Todomundo / No-
nesuch Records, acompañado por una gira mundial que lo traerá a Buenos Aires el
18 de Marzo en el marco del Lollapalooza Argentina. El álbum fue grabado en la ciu-
dad de Nueva York y contó con varios colaboradores que se fueron sumando luego
de dar comienzo junto a su amigo Brian Eno con quien hizo la canción ya se puede
escuchar, ver y bajar y nosotros le dejamos aquí abajo. “Everybody's Coming To My House” en formato de clip dirigido por
Robert Edridge-Waks con ilustraciones de Doug Henders. El tema nos remite al mejor Byrne funky, bailable y con unas ex-
celentes orquestación que nos remiten al ya mencionado “Grown Backwards”.

The Breeders anunció “All Nerve” el sucesor de “Fate to Fatal” (EP 2009),
tiene fecha para el 2 de marzo de 2018, será editado por 4AD y tiene dos sin-
gles de adelanto "Wait in the Car" y “Nervous Mary” que pueden escuchar por
Spotify.
All Nerve reúne a los miembros de la banda Kim y Kelley Deal, Josephine
Wiggs y Jim Macpherson, la clásica formación detrás del icónico y platino ál-
bum de Breeders, Last Splash. El cuarteto regresó al escenario en 2013 para
celebrar el 20 ° aniversario del álbum y ha estado trabajando en silencio en el
nuevo material desde entonces.

Yo la tengo lanzó un adelanto con 4 temas de su nuevo álbum que lleva el

nombre de “There's a Riot Going On”. este es el sucesor de “Fade” (2013).
El álbum es una producción propia, cuyo título está inspirado en el clásico de
1971 de Sly and the Family Stone, sale el 16 de marzo a través de Matador Re-
cords y estará disponible aproximadamente para el 16 de Marzo y ya se puede
encargar desde el store del sello. La banda formada por Ira Kaplan, Georgia
Hubley y James McNew lo hicieron todo ellos mismos, en su sala de ensayo,
sin ningún ingeniero ni equipo complicado (John McEntire más tarde ayudó a
mezclar). No ensayaron juntos de antemano; Encendieron la grabadora y de-
jaron que las cosas se fusionaran. El resultado fue impecable, los adelantos
son excelentes tanto para iniciarse con la banda como para sus seguidores y los pueden escuchar por Spotify.

Belly la banda de la ex- Throwing Muses, Tanya Donelly, confirma su regre-

so con el lanzamiento de su tercer álbum de estudio "Dove" para el 04 de mayo
Será la confirmación de un regreso que se gestó en el 2015 con las presenta-
ciones en vivo. Dove ya tiene un adelanto "Shiny One" del queTanya dice: “Tengo
mucho cariño por "Shiny One". Fue la primera canción completamente colabora-
tiva que hemos hecho alguna vez: Gail escribió el riff y el estribillo, Tom y yo es-
cribimos el verso y el bridge, las partes de Chris dieron forma a la dirección y al
ambiente. Cuando lo escucho, nos escucho a los cuatro por igual”.
La banda ya ha confirmado un tour que incluye varias ciudades de los Estados
Unidos para los meses de agosto a octubre.
 Atlante lanzó el primer corte de lo que será su quinta producción #B, el su-
161
cesor de #A (2017). Recordemos que tienen dos discos de estudio (2010 y
2014) y una sesión acústica grabada en vivo (2015), todo disponible en su
bandcam y en Spotify.
El tema se llama “Lengua”, el video fue dirigido por Ramiro Cornidez y la
edición es del mismo Ramiro Pinto quien és el compositor. Atlante viene al-
ternando entre un sonido de pop directo y un sonido de rock más complejo.
Lengua es tal vez el trabajo más minimalista y de síntesis pop que han rea-
lizado hasta la fecha producto de un trabajo de más horas en el estudio que
en la sala de ensayo.

Catch The Breeze adelanta su álbum debut con el single/video "Paper

Lantern".
El trío danés con base en Copenhague, que lleva por nombre una can-
ción de Slowdive formados en el 2014 por Aage Hedensted en voz y gui-
tarra, Lars Madsen en bajo y Andreas Bundgaard en batería, acaban de
lanzar el single, "Paper Lantern" elegido para anticipar la salida de "Glow",
que se lanzará el 16 de marzo bajo el sello Kundalini Records (DK). La
banda había editado un EP homónimo en el 2014 que pueden ver en su
canal de youtube todos los videos.

In Corp Santics estrenan "Que no digan nada" que es el segundo single

adelanto de su tercer álbum "Eres Diferente" que saldrá en abril. El cuarteto
argentino que lleva unos años como uno de los referentes de la neo psicodelia
local, estrena single y video oficial de "Que no digan nada". El primer adelan-
to había salido en el 2017, "Todo lo que intento". El video del nuevo single fue
filmado por Max Teves, producido por In Corp Sanctis y Max Teves. Realizado
y editado por Manuel Manso y el bailarín es Nico Illbele.
El cuarteto formado por Jeronimo Alderete, Agustin Fadel, Ignacio Iñiguez
y Camila Montenegro.

Stone Temple Pilots anuncia nuevo álbum. Después de Scott Weiland

y Chester Bennington (ambos fallecidos) la banda con un nuevo cantan-
te (Jeff Gutt) ha anunciado su regreso discográfico. Bajo el nombre de la
banda el nuevo álbum podría suponerse como un nuevo comienzo, pero
en realidad en palabras del guitarrista Dean DeLeo dijo: “Estamos emocio-
nados por lo que nos depara el futuro”. El 16 de marzo bajo el sello Atlantic
Records y Rhino se lanzará el nuevo álbum de 12 canciones, y si bien se
puede prestar a confusión con el último álbum del 2010, que también fue
el último de Scott, este contiene canciones totalmente nuevas. Ya tuvimos
el estreno del primer single en noviembre del año pasado ("Meadows") y
ahora lanzan el segundo single de adelanto "Roll Me under", que fue es-
trenado el 31 de enero pasado.
DE CANCIÓN
+
BANDA
[ Por Diego Centurión ] 163

Entrepisos Radio es un espacio que comenzó como un programa de radio,

que luego de algunas transmisiones fue tomando otros tintes y hoy
es una página de noticias.
Cuando iniciamos este sueño de realizar un programa de radio,
teníamos una sección en donde pasábamos una canción de una banda
que sirvió para que otra agrupación pueda nombrar a su banda.

La llamamos "De Canción + Banda".

En el caso de hoy el nombre de la banda fue tomado de un video de otra

banda, es un caso en el cual tendrán que ir a ver el video para comprobar lo
que acá les cuento.
En el 2001 la banda New Order edita su séptimo álbum, “Get Ready”, que será
recordado, además por ser el último (hasta el momento) con la formación
original, por unas canciones que devolvieron a la banda a la primera plana de
los rankings.En este álbum se incluyen canciones como “60 Miles an Hour”,
“Someone like You” o la que hoy nos trae esta sección “Crystal”.
En el video de Crystal (dirigido por Johan Renck) aparece una banda ficticia
llamada The Killers, pueden verlo en el logo en el bombo de su batería.

Formados en ese mismo año vieron en el logo de la batería su nombre. La ban-

da de Brandon Flowers (voz, teclados, bajo) y Dave Keuning (guitarra,
coros). Mark Stoermer (bajo, guitarra, coros) y Ronnie Vannucci, Jr. (batería,
percusión) son mundialmente conocidos a base de canciones como
"Mr. Brightside", "When You Were Young", "All These Things That I've Done",
"Human", "Somebody Told Me", "Smile Like You Mean It" o "The Man".
Ya han editado los discos “Hot Fuss” (2004), “Sam's Town” (2006), “Day & Age”
(2008), “Battle Born” (2012) y “Wonderful Wonderful” (2017).

Los Links a las bandas:

New Order:
http://www.neworder.com/
http://www.neworderonline.com/
https://twitter.com/neworder
https://www.instagram.com/neworderofficial/

The Killers:
http://www.thekillersmusic.com/
https://www.facebook.com/Thekillers
https://www.instagram.com/thekillers/
https://open.spotify.com/artist/0C0XlULifJtAgn6ZNCW2eu
https://twitter.com/thekillers
https://www.youtube.com/user/TheKillersVEVO
PURA MELOMANIA
 CHILDE LEONARD TO THE SONG TOWER CAME

LEONARD COHEN – I'm Your Man (1 988)

[ Gabo Rojo ]
Hay una torre don-
de habitan los compo-
sitores, dice Leonard
Cohen. Hank Williams
vive 100 pisos más
arriba que él; Cohen
le pregunta si se sien-
te solo pero Williams
no le contesta.
Éste es el planteo
detrás de “Tower of
Song”, el tema que
cierra I’m Your Man,
uno de los discos más
celebrados de Cohen.
Sólo peca de humi-
lidad: de existir una
Torre de la canción
(y todo parece indi-
car que, por lo me-
nos metafóricamente,
sí la hay), Cohen es-
taría en la cima de la
misma.
Las canciones de este disco son prueba Love”), el que flirtea con la locura (el posible-
fehaciente de ello. Son absolutamente esen- mente psicopático narrador de “First We Take
ciales y canónicas dentro del repertorio de Manhattan”), el amante de Lorca (“Take this
Cohen: 6 de los 8 temas de este disco se in- Waltz” está basada en un poema de su ídolo,
cluyen tanto en el compilado The Essential traducido y adaptado por Cohen), el amante
como en Live In London. Atrás quedaron los (“I’m Your Man”.)
arreglos austeros de los 60s – aquí la produc- Las temáticas que el poeta que decidió ser
ción es absolutamente ochentosa (“First We cantante explora, como siempre, son las mis-
Take Manhattan” suena como Depeche Mode mas. Lo sagrado y lo profano se yuxtapone.
+ saxo + la voz de Cohen, lo cual es absolu- La vida está llena de horrores, “todo el mundo
tamente fantástico,) a veces quizás dema- sabe que los dados están cargados”, pero un
siado, pero contribuyó tanto a hacer de este encuentro casual entre un hombre y una mu-
disco uno de sus más accesibles como a con- jer puede ser un atisbo de lo divino. No que-
vertir a sus canciones en éxitos duraderos. da otra que “bailar el vals”, pues. La magia
Y qué canciones. Casi todas las facetas particular de I’m Your Man reside en disfrazar
de Cohen están aquí representadas: el co- las canciones para que, en ocasiones, Cohen
mentarista social apocalíptico (“Everybody parezca un crooner radial más haciéndose
Knows”), el espiritual (“Ain’t No Cure for el listillo declarando que “no hay cura para

el amor.” Pero en sus manos, esto deja de
ser un cliché, y el que ahonda en la letra del
hit pop se verá más que recompensado con
otro fragmento de divinidad: “No necesito ser
perdonado por amarte tanto / Está en las es-
crituras, escrito en sangre / Hasta escuché a
los ángeles declararlo desde arriba / No hay
cura para el amor.”
Entre tanto clásico, es fácil olvidar la discre-
ta canción que quizás sea la perla más her-
mosa del álbum: “I Can’t Forget”, con su gen-
til Pedal Steel, lánguido ritmo y significados
167
dentro de significados dentro de significados:
“Te amé toda mi vida, y así quiero terminarla
/ El verano ya casi termina para dar paso al
invierno / Sí, el verano se va pero hay mucho
que sigue para siempre / Y no puedo olvidar
/ No puedo olvidar / Pero no recuerdo qué.”
Ciertamente no olvidaremos a este gigan-
te, y si alguna vez llego a adentrarme en los
sagrados pisos de la Torre de la Canción,
aunque no me conteste me contentaré con
saber que está allí arriba.
 CEDIENDO EL PASO A LA MADUREZ

PEARL JAM – Yield (1988)

[ Alex Bretto ]

Después de la edición de “Gone

Troppo” en 1982 (que comer-
cialmente no caminó), George
Harrison se relajó y pasó unos
años de solaz, esparcimiento y es-
caso trabajo. Un tema para la pe-
lícula “Porky’s Revenge”, un tra-
bajo para un álbum de Bob Dylan,
conciertos de caridad, y una parti-
cipación en el estrepitoso fracaso
“Shanghai Surprise” (1986), patéti-
co film protagonizado por los torto-
litos Madonna y Sean Penn para el
cual Harrison compuso dos temas.
Y no mucho más hasta inicios del
’87, cuando reingresaría a estudios
de grabación.
Harrison se sentía apartado del
sonido de los tiempos que corrían,
así que solicitó la ayuda de Jeff
Lynne (Electric Light Orchestra)
para aggiornarse. Esta sociedad trabajó en las com- dos obtenidos, Harrison se preparaba para su gran
posiciones de “Shanghai Surprise” pero aportó tam- regreso y se presentó en el Prince’s Trust Concert el
bién otras que formarían parte del primer álbum de 5 de junio de 1987 con una recordadísima versión de
George en cinco años. Las nuevas creaciones pro- “While My Guitar Gently Weeps” junto a Clapton, Starr,
vendrían en gran parte del uso de la técnica cono- Elton John, Jeff Lynne, Phil Collins, Mark King y Jools
cida como overdubbing: se trata de escuchar gra- Holland. Era el ex guitarrista de los Beatles preparan-
baciones preexistentes con los auriculares mientras do el terreno para lo que vendría.
simultáneamente se toca con un instrumento una nue- Curiosamente, el adelanto del disco sería un tema
va línea de acompañamiento, la cual es grabada como originalmente grabado en el año 1962 por James Ray
una nueva base, combinando a veces la misma con (compuesto por Rudy Clark): Harrison compró una co-
segmentos de la pista original. Entre enero y marzo se pia del disco de Ray en 1963 en una visita a USA.
grabaron 17 nuevos tracks que posteriormente fueron James Ray moriría por una sobredosis en 1964, pero
pulidos, para terminar con todo el trabajo hacia agos- más de dos décadas después, la versión de George
to de ese año. Harrison de “Got My Mind Set On You” sería un éxi-
Durante estas grabaciones, desfilaron por el estu- to abrumador que llegaría al #1 en 18 países en todo
dio Friar Park músicos de la talla de James Keltner el mundo. Fue lanzado como single el 12 de octubre
(mítico baterista de sesión que en el futuro sería de 1987, un mes antes que el álbum que lo conten-
miembro de los Traveling Wilburys), Ringo Starr, Eric dría. Sería el tercer y último número 1 de Harrison en
Clapton y Elton John. Entusiasmado por los resulta- Estados Unidos, además de colocarse como tema

#3 del año en el ranking Billboard de 1988 y de re-
validar las credenciales de su intérprete como artista
mainstream.
El 2 de noviembre se editaría “Cloud Nine” y sería
alabado por la crítica: la revista Rolling Stone lo con-
sideraría su mejor producción desde “All Things Must
Pass” (1970). Fue una elaboración compacta y pulida,
un regreso sobresaliente con 11 canciones puramente
“harrisonianas” pero con agradables reminiscencias a
ELO. Las condiciones de Harrison como compositor,
cantante y guitarrista estaban intactas. Los siguientes
cortes del disco, si bien no fueron éxitos comerciales
de la talla de “Got My Mind Set On You”, si fueron ex-
celentes elecciones: “When We Was Fab”, un autoho-
menaje a los años con The Beatles, y “This Is Love”,
un anticipo del próximo megaproyecto The Traveling
169
Wilburys que vería la luz en octubre de 1988. Varias
otras canciones descollaban a lo largo del álbum, en-
tre ellos: la excelsa balada “Someplace Else”, previa-
mente incluida en la banda de sonido de “Shanghai
Surprise”; “Devil’s Radio”, una rola muy ganchera que
si bien no fue corte se lanzó como single promocio-
nal; o “Wreck Of The Hesperus”, otro de los momentos
donde Clapton tuvo oportunidad de lucirse.
Sería este el penúltimo álbum de estudio de Harrison.
Recién en el año 2002 saldría “Brainwashed” (su déci-
mo álbum), el disco póstumo editado un año después
de su fallecimiento a la edad de 58 años. “Cloud Nine”
dejó una huella indeleble y se convirtió en una pro-
ducción necesaria a la hora de repasar las mayores
conquistas del magnífico Dark Horse. Creo que para
un conjunto de rock que vende desde sus letras el in-
conformismo, la frustración o la disidencia, mantener
dicha postura es casi natural mientras continúe sien-
do under. Pero cuando el éxito masifica su música, los
estadios más grandes de Norteamérica comienzan a
llenarse con sus giras y los carteles de “Sold Out” se
convierten en moneda corriente, el proceso de abur-
guesamiento es prácticamente inevitable.
¿Y entonces?
Era la pregunta que surgía para Pearl Jam en un mo-
mento bisagra de su carrera. ¿Cómo encajarían en los
oídos de los “Jeremy” del mundo (haciendo referencia
al icónico tema del álbum “Ten” sobre un adolescente
frustrado e introvertido que decide acabar con su vida)
las nuevas líricas escritas por un grupo de muchachos
exitosos y adorados por multitudes? ¿O donde estaba
ahora el “Disidente” de los años de “Vs”? ¿Seguirían
Eddie y sus muchachos en la postura inequívoca de
no dormir en la “Cama de Satanás” de la que renega-
ban en “Vitalogy”? La marginalidad, después de todo,
tenía sus beneficios: todos podemos quejarnos desde
ese lugar, pero cuando la realidad que nos rodea se
modifica ¿cómo nos transformamos?
Este planteo que fue un dilema para muchas bandas
(luego acusadas por sus fans de “venderse” al siste-
ma), fue capeado con holgura por Pearl Jam. Aunque
aún estaba por verse como lo lograría. Tras la intere-
sante incursión en “No Code”, la producción de 1996
que marcó un cambio de rumbo en la línea artística
respecto a entregas anteriores, soplaron vientos de
cambio pero era necesario reafirmarse con trabajos
que contuvieran la sinergia de los primeros tiempos:
furia, calidad y buenas letras. En diciembre de 1997
vería la luz el simple “Given To Fly”, adelanto del próxi-
mo disco, que se convertiría en uno de los singles más
significativos en la carrera del grupo. Una clásica com-
posición de rock con una buena melodía rabiosa, y la
energía de la voz de Eddie Vedder manifestándose
intacta. Una oda a la rebeldía adolescente que choca
contra muros oxidados pero se regenera para poder
seguir desplegando sus alas: relato autobiográfico so-
bre los golpes que la vida sabe dar.
El quinto álbum de la banda contó nuevamente con
la producción de Brendan O’Brien, y sería lanzado el
3 de febrero de 1998 con el título “Yield”. La idea so-
bre la que giraba esa denominación era la de “Ceder
a la naturaleza”, extraída de una novela filosófica del
autor Daniel Quinn, “Ishmael”. Y de eso trata en varios
pasajes, relacionándose con las catastróficas conse-
cuencias de vivir en una moderna civilización globali-
zada. Por ejemplo: “I´m the first mammal to wear pants
/ I am at peace with my lust / I can kill ‘cause in God I
trust, yeah” (“Do The Evolution”, tal vez el hit más di-
fundido de este álbum).
“Yield” es un disco menos furioso que la trilogía ini-
cial de PJ, pero aun así vuelve en parte a las raíces, y
los indicios se muestran desde el primer track “Brain
of J.”, donde se renuevan las referencias al control de
pensamiento y opresión en el contexto de un clásico
hard rock ganchero. Pero a diferencia de “Ten” o “Vs”
donde las letras reflejaban una confrontación constan-
te, aquí hay lugar para el optimismo y los sentimientos
positivos. Da fe de ello “Wishlist”, la primera canción
de Pearl Jam que pudo entrar felizmente en la rotación
de radios AOR (Adult Oriented Rock) por su mensa-
je plagado de buenos deseos y una línea tan positiva
como “I wish I was as fortunate, as fortunate as me”.
Y no es que Pearl Jam no hubiera hecho temas lentos
o mid tempo agradables al oído distraído, pero con le-
tras como “Black” o “Daughter”, el centrismo cristiano
bien pensante podía llegar a arder en llamas. Aquí en
cambio, tenemos algunos momentos de melancolía
y reflexión, donde podemos darnos el lujo de parar y
descansar, donde hay concesiones, como “Low Light”,
“All Those Yesterdays” o esa gema que es “In Hiding”.
Para que los hard fans no extrañen, mezclados con
estos pasajes de empatía y buenas vibras encontra-
mos la ya mencionada “Do The Evolution”, una cris-
pada crítica al desenfreno arrasador del ser humano,
que nos remite a la ya conocida veta punk de rolas
como “Spin The Black Circle” o “Lukin”. Y los clásicos
llamados de atención como “Faithfull”, que nos recuer-
dan que no todo está tan bien como nos hacen creer.
Más no estamos solos, y en “No Way” buscamos esa
conexión con los demás. Hay mucho engaño: la si-
tuación sigue siendo desesperante, los políticos y sus
medios masivos conspiran para dominarnos… pero
hay esperanza.
 171

Decir que Pearl Jam maduró es algo que, precisamente, cae de maduro. No estaríamos hablando de ellos
como uno de los shows en vivo más importantes del planeta de no haber sido así. Si PJ no hubiera logrado ese
progreso a mediados de los 90’s, quizás hubiera pasado a ser solo un recuerdo, una más de aquellas bandas
que posibilitaron la explosión del grunge como una movida fundamental en la Norteamérica inquieta de Bush
padre.
Como conclusión y con los años, todo se transformó. Por un lado, Eddie y sus muchachos durmieron final-
mente en la “Cama de Satanás”: en 1994 habían declarado una guerra al monopolio Ticketmaster, pero el día
de hoy es Ticketmaster quien comercializa las entradas a sus conciertos. Gajes del oficio: no se puede ser más
papista que el Papa. Pero desde lo creativo, Pearl Jam también supo cambiar convenientemente de acuerdo
a los requerimientos que los tiempos imponen. Los cambios no siempre son bien asimilados y tal vez por eso
“Yield” fue un disco muy criticado por algunos medios especializados (AllMusic entre ellos), pero los fans supie-
ron entenderlo y atesorarlo. Por eso hoy en día es uno de los álbumes infaltables en la discografía de Pearl Jam.
 BAJO EL INFLUJO DE UNA ESTRELLA DE MAR
The Church – Starfish (1988)
[ Benjam´´in York ]

Es totalmente creíble pensar en

treinta años desde el lanzamiento
de Starfish, ocurrido un 15 de fe-
brero de 1988. Y digo que es creí-
ble ya que ha pasado mucho en es-
tos treinta años tanto en la banda
como en nuestras propias vidas.
Pensar en el desafío que signi-
ficó grabar un nuevo álbum tres
años después del gran Heyday
(1985), los miedos y la obligación
de sacar un nuevo trabajo que
iguale o supere al mencionado no
era tarea fácil.
Lo cierto es que la banda se
tomó tres años para editar un nue-
vo álbum y el tiempo sirvió para
que nos entreguen éste, para mu-
chos, el mejor álbum de la banda.
Por lo menos el más exitoso, el que
de la mano de su gran hit "Under The Milky Way" que les gustaba.
lo coloca dentro de cualquier compilado de las mejo-
res canciones de los años 80's. Steve Kilbey dijo al respecto:
Pero se supone que el éxito siempre llega en un "The Church vino a Los Ángeles y realmente reac-
momento de calma y buena vibra en las bandas, caso cionó contra el lugar porque a ninguno de nosotros nos
que no es el de The Church. En medio de la gira de gustó. Odiaba el lugar donde vivía. Odiaba conducir
1986 Marty Willson Piper abandona la banda, aun- este horrible pequeño coche rojo por el lado equivoca-
que luego regresa. El anterior álbum tuvo más éxi- do de la carretera. Odio que no haya nadie caminando
to fuera de Australia, por lo cual EMI los abandona y en las calles y extrañaba mi casa. Todas las publici-
con esto la posibilidad de un álbum en vivo llamado dades, las conversaciones que escuchaba, los pro-
“Bootleg” quedó trunca. La banda decide irse a grabar gramas de televisión, todo lo que nos estaba pasando
el nuevo disco fuera de Australia, específicamente a estaba yendo a la música".
Los Ángeles, sumado a un nuevo contrato con Arista
Records en 1987. Se pone a disposición de los pro- Cuatro semanas les bastó tener “Starfish” y trataron
ductores Waddy Wachtely Greg Ladanyi quienes pre- de grabarlo lo más crudo posible, buscando el sonido
sionan para que Kilbey tome clases de canto. Pero la interno de la banda sin regrabaciones posteriores o
convivencia con la banda fue un caos y estalló con el agregados de otros instrumentos. Y la diferencia con
sonido de las guitarras, las estructuras de las cancio- el anterior álbum Heyday está en eso, en el sonido. Un
nes y la metodología de trabajo; pero no sólo eso fue sonido no tan “alegre” como en el álbum anterior, este
lo que provocó que su estadía en Los Ángeles fuera tiene más de introspección y una atmósfera mucho
odiosa, sino que la banda estaba en un lugar que no más íntima, el trabajo de producción ha hecho que el
disco suene realmente superior a lo registrado ante-
riormente. Una claridad y brillantez en la mezcla hace
que las canciones se iluminen y brillen de principio a
fin. Desde el comienzo con “Destination” con esa gui-
tarra con delay, luego con el pulso del bombo y el bajo
y las guitarras nos introducen en un clima mágico que
explota con la entrada de la banda y desde ahí no deja
de crecer, la canción y el álbum. Obviamente todos los
laureles se los lleva el mayor hit del álbum y de la ban-
da, “Under The Milky Way”, con la bella guitarra acústi-
ca de Marty Wilson Piper que le da la cadencia exacta
al ritmo de la canción. Blood Money es tal vez una de
las canciones más lindas de la banda, tiene el tiempo
justo y el detalle de la guitarra del comienzo es hermo-
so, la voz de Steve es simplemente abrazadora. “Lost”
es otra de mis favoritas del álbum, esa guitarra dream
pop empieza abriendo un cielo estrellado que toma co-
lor cuando entra la banda, la cohesión perfecta entre
las guitarras y la voz hace que la canción sea un viaje
placentero, que se amplía en destellos luminosos en el
estribillo, con esos coros que abren puertas celestia-
les. “North, South, East and West” es un recuerdo del
sonido de álbumes anteriores, como una demostra-
ción de que siguen siendo el The Church de canciones
como “Myrrh”, “Electric Lash" o “Almost With You” de
álbumes anteriores, aunque con un tiempo más lento.
“Spark” con Marty en la voz es un himno de la banda,
infaltable en los conciertos de The Church como en los
de Marty como solista. Es brillante y bien rockero, que
está puesto como apertura del Lado B del disco vinilo.
173
Atronador. “Antenna” en tiempo de vals se construye
esta hermosa canción que nos hace bajar la vertigino-
sidad del track anterior, pero le imprime un ambiente
soñador desde el estribillo que parece salido de algún
cuento de niños, ensoñador y si se quiere de cuento
infantil. “Reptile” es otro golpe al mentón del oyente,
soberbia composición de la banda, con una intensi-
dad que nos lleva a caminos intransitables en un au-
tomóvil polvoriento. "A New Season" es otra canción
no cantada por Kilbey, esta vez Peter Koppes se en-
carga de la voz de la canción que escribió él. No es de
las mejores del álbum pero mantiene la esencia The
Church y le imprime un gusto post-punk interesante.
"Hotel Womb" cierra el álbum original, con esta can-
ción “made in” Kilbey que es muy buena para el cierre
del álbum, de ritmo cansino y somnoliento con unas
guitarras que dibujan fantasía en sus intervenciones.
Otro Clásico de la banda.
Sin lugar a dudas estamos ante un quiebre en la his-
toria de la banda, el éxito de “Under The Milky Way” lo
hizo pertenecer por primera vez a la elite de bandas
mainstream, aunque ellos nunca se lo creyeron mu-
cho (por suerte) y estuvieron al margen, pero el éxito
llegó y merecido que se lo tenían. Como dije al princi-
pio, esa canción los coloca dentro de cualquier compi-
lado de las mejores canciones de los años 80's. Pero
además es un tremendo disco.
175
 ONBC | Travelmate
Label: Crunchy Frog Recordings
Fecha de Lanzamiento: 03 de Noviembre de 2017
[ Por Benjamín York ]
Es indudable que se pueda abarcar todas las
ediciones en el mes de su lanzamiento. La ver-
dad es que a veces uno encuentra nuevos álbu-
mes mucho después (o no tanto después de sus
lanzamientos), pero un puede sentir que muchas
veces el hallazgo es bien recompensado. Esto
me pasó con ONBC, este cuarteto dinamarqués
de Copenhague, formado por Camilla Florentz
(voz y bajo), Tanja Forsberg Simonsen (voz y
sintetizador), Mikkel Max Jorn (guitarra) y Ivan
Petersen (batería) lanzaron su segundo álbum,
luego de “Crash, Burn & Cry” (2015). Luego de
que el proyecto cambiara varias veces de rum-
bo y de nombre y que se replantearan la exis-
tencia de la banda frente a los shows en vivo,
ahora llegan con su segundo álbum y con shows
programados. ¿Pero de qué va este proyecto?...
de belleza, de dulzura, de un dreampop, cuida-
do, delicado, con guitarras que por momento nos
deslumbran por su cristalinidad y en otros nos
sumergen en tormentosos sueños de reflejos.
Voces dulces, bajos y baterías que llevan el tiem-
po de cada canción de manera excepcional, gui-
tarras que emanan con ríos llevando el alma apo-
yada en las melodías vocales.
Descubrir esta banda es como encontrar un te-
soro fuera del lugar de búsqueda, porque de un
lugar tan alejado de donde se pretende hegemo-
nizar las directrices de la atención (Inglaterra y
EEUU) llega, casi en silencio, ONBC para mos-
trarnos que, como en Latinoamérica, hay países
que hacen música soñada.
SENTIDOS ALTERADOS | Vibró
Label: https://sentidosalterados.bandcamp.com/
Fecha de Lanzamiento: 17 de Noviembre de 2017
[ Por Diego Centurión ]
Después de su debut con "Ensayo primero" de
marzo del 2017, la banda el quinteto de Buenos
Aires regresan con este intenso EP. Formado por
Pájaro Rainoldi (guitarra y voz); Nacho Noceti
(guitarra y voz); Mar Lasbats (bajo); Cocko
Rainoldi (percusión y teclados) y Octavio Bermejo
Villarreal (batería) ellos mezclan sonidos cru-
dos con algo de locura psicodélica. Grabado en
Estudio El Attic por Patricio Claypole en Junio de
2017.Mezclado en Crudo por Gonzalo Rainoldi.
Masterizado en Saff Mastering por Carl Saff. Si
bien son sólo cinco canciones, la energía es su-
ficiente para que nos quedemos recargados lue-
go de terminado el EP, es más, si lo ponemos
en modo “repeat” la sensación es mejor aún. ¿Y
qué es Vibró? Si pudiésemos convertir el soni-
do de bandas en gustosos líquidos bebibles en
una coctelera finamente adornada, y pusiésemos
el líquido explosivo de The Jon Spencer Blues
Explosion, la psicótica jalea de The Cramps, el
toque ácido de The Sonics, y lo batimos con la
furia rítmica de The Hives… y el resultado es el
explosivo “Vibró”. Tremendo shot energizante….
 AUTUMN | The Fall
Label: Sett Records
Fecha de Lanzamiento: 24 de Noviembre de 2017
[ Por Benjamín York ]
El trio de post-punk de Minneapolis formado
en 1994 por Julie Plante en Voz, Jeff Leyda en
Bass y Neil McKay en guitarra, regresan con este
EP que adelanta el nuevo trabajo que vendrá,
"Chandelier" el 14 de Febrero de 2018.
Dos track y un remix son los tracks de este ade-
lanto llamado TheFall, y esa es la canción que
abre el trabajo con un ambiente gótico con gran-
des y hermosas guitarras. La voz de Julie sue-
na impecable como hace en su álbum debut
"TheHatingTree" de 1997. Aunque un poco mås
endurecida y más climåtica.
"Before and After" es el track que sigue con
una hermosa melodía instrumental y vocal. Es
imposible no caer en la tentación de dejarse lle-
var por esas guitarras tan climáticas.El remix es
de la canción "TheFall (Broken RMX)" realizada
por William Faith quien le imprime una acentua-
ción más electro y la hace más bailable, aunque
le aplica capas de sintes más duros que la hacen
mucho más aguerrida y le da un poco de veloci-
dad que nos hace bailar aunque no sea el deseo
de hacerlo. Un gran remix que no pierde el encan-
to de la canción original. Sólo nos queda esperar
que nos llegue el nuevo álbum.
ZENITRAM | La Casa de Ceniza 177
Label: Poligono Sonico
Fecha de Lanzamiento: 05 de Diciembre de 2017
[ Por Diego Centurión ]
"La Casa de Ceniza" es el nuevo y Tercer álbum
de Zenitram, vocalista de la banda electro rock
Richter. Bajo esta modalidad solista Zenitram nos
trae once habitaciones de esta casa de ceniza, en
donde con suma elegancia nos va llevando por
los distintos trajes que puede ponerse dentro del
electro o synthpop.
"La Casa de Ceniza" es el primero en 18 años,
anteriormente había lanzado "Surveyor" (1996)
y "Animal digital" (1999). Sobre el origen de las
canciones, Zenitram nos comentó:
"Todos los temas de la casa de ceniza, excep-
to el primero, "desde las rocas", son temas que
alguna vez llevé a Richter, pasaron por al menos
un ensayo de la banda, fueron demeados con la
banda en la sala, pero por una razón u otra nun-
ca fueron grabados ni fueron tocados en vivo por
la banda... son temas que quedaron fuera de los
discos de Richter (y de los shows) en las seleccio-
nes previas a las grabaciones... de ahí un poco el
nombre... temas que "ardieron" y con las cenizas
construí una nueva casa."
Si buen podría sonar a Richter porque fueron
pensados para la banda, Zenitram, logra des-
pegarse bastante del sonido de la banda y logra
imprimirle una sonoridad propia, sin ser opues-
to al sonido para la banda que fueron escritas,
cada track nos cuenta una historia con un tra-
bajo de experimentación en su propio estudio
(UsineDeluxe) y realizado con el tiempo suficien-
te y sin la presión de editarlo inmediatamente,
Zenitram se tomó tres años para producir arte-
sanalmente el álbum. Excepto las voces que fue-
ron grabadas en Bulsara Records, y el mastering,
que lo hizo Sebastián Cordovés (Cosaquitos en
Globo) en Cuarto Eléctrico.
Sobre el trabajo del sonido Zenitram nos dijo:
"respecto al sonido también lo trabajo bastante,
acá pude darme el lujo de experimentar sin apu-
ro con diferentes sintes (virtuales), efectos, ideas,
trato de repetirme lo menos posible (aunque re-
petirse es inevitable), pero no me gustan en ge-
neral los discos muy homogéneos, me gustan un
poco los golpes de efecto, tal vez por eso está
"Feriado" al final del disco."
Y sobre el proceso agregó:
"disfruté cada uno de los pequeños momentos
que me dediqué al álbum, cada arreglo, cada de-
cisión, y me siento muy contento de cómo quedó,
siento como si hubiera aprobado una asignatura
pendiente que tenía hace muchos años."
Creo que sólo tienen que sentarse y disfrutarlo
tanto como lo hice mientras escribía está reseña.
LOS IMPULSOS |
Adelanto Mismas Historias
Label: https://losimpulsos.bandcamp.com/
Fecha de Lanzamiento: 16 de Diciembre de 2017
[ Por Benjamín York ]
Los Impulsos es una banda de La Plata que
acaba de lanzar el primer EP debut llamado
"Adelanto Mismas Historias" y nosotros le hace-
mos el especio que necesita una nueva banda
que nos gusta.
El cuarteto que ha participado en nuestro úl-
timo número reseñando la canción de Nuvem
Leopardo “Flor Dourada 666”.El cuarteto forma-
do por Juan Cruz Astengo en batería, Nicolás
Bardella en voz, guitarra y sintetizador, Tetu
Mansilla en voz, guitarra y Juan Manuel Moralejo
en bajo. Con músicos invitados: Nicolás Lippoli
(guitarra), Gregorio Jauregui (congas) y Fernando
Naon (guitarra). Grabado en el Conservatorio de
Música Gilardo Gilardi (La Plata) durante el mes
de agosto 2017 por Santiago Monroy, Nicolás
Urquía y AgustinBuaon. Mezcla: Agustín Buaon.
Masterización: Lucas Iurchuk. El EP Arranca con
el rítmico “Como si no te conociera” que cabalga
en un psicobillyintenso y demoníaco, con riffes
de guitarra contundentes, el ritmo de la batería
incansable nos lleva en un auto por una ruta sin
destino y escapando con cierto humor en la le-
tra. “Mi punto de Vista” continua el ritmo acele-
rado pero este tiene un aire mucho más garaje
rock, por momentos se vuelve un rock and roll
cincuentón efectivo y luego vuelve para el solo al
frenético ritmo. “Dicen Saber” es la tercera can-
ción y acá volvemos a subirnos y lanzarnos ha-
cia a la ruta al mejor estilo de los Hives. “Mismas
Historias” genial apertura con la frase “Ella escu-
chaba Sonic Youth, mirada perdida a través de la
ventana azul”. Desde ahí se convierte en una ex-
traordinaria canción que no te dejará quieto y sal-
tarás a bailar esos pasos espasmódicos al mejor
estilo JarvisCocker.
Interesante… muy adictivo EP… salvaje… in-
tenso… y por sobre todo… profesionalmente gra-
bado y perfectamente mezclado, lo cual hace que
los tracks se escuchen de manera contundente
y puedas subir el volumen de tu reproductor sin
miedo…
 LOWERCASE NOISES |
Of Course It's All Things (single)
Label: http://music.lowercasenoises.com/music
Fecha de Lanzamiento: 05 de enero de 2018
[ Por Diego Centurión ]
Algunas veces nos sorprendemos con artis-
tas que viene trabajando desde hace un tiempo
creando música que es difícil de conocer, pero
que, tarde o temprano, su camino se cruza con
el nuestro de empezamos a seguirlos. Éste es
el caso de Andy Othling, quien he descubier-
to por youtube y en él descubrí un mundo tan
fascinante como desolado. Hablar de la magnifi-
cencia de lo sonoro, lo elegante de sus construc-
ciones armónicas, lo espacial de las deformacio-
nes estructurales que conocemos como canción
clásica, la fantasía que generan sonidos que se
suman como capas de pintura en un cuadro im-
presionista abstracto, y el colorido difuso de los
efectos que utiliza, es hablar de un intérprete del
alma. Un alma que encuentra paz y relajación
ante cada nuevo sonido que emana de otro que
está sonando (sanando). Porque de esto trata el
soundscape, de sanamiento del alma. Andy vie-
ne trabajando en múltiples grabaciones que son
instalaciones en distintos momentos de su vida,
entre el 2010 y el 2013 editó tres álbumes segui-
dos con los nombres de sus tres hijos, nacidos
en esos años, “Marshall” (2010), “Vivian” (2011)
y “Blake” (2013), pero tiene varias grabaciones
más. En diciembre pasado editó un EP en vivo
llamado “Terra Incognita: Live from the Ojito Wil-
179
derness” en donde se grabó no sólo el audio sino
la serie completa en video en Ojito Wilderness, en
Nuevo Mexico. Cada track fue grabado a distin-
tas horas del día. Este tipo de cosas suele hacer
Andy, o simplemente desde su canal de youtube
se graba tocando.
Ahora acaba de lanzar un nuevo single que es
adelanto de su nuevo EP “The Ironic Distance” se
lanzará el 16 de marzo. Y esta vez fue mezclado
por Matt Kidd (Slow Meadows), y la canción de
cuatro minutos diez segundos, nos eleva por un
cielo virtual nocturno en donde las estrellas fugaz
van muy lentamente moviéndose hasta desapa-
recer, mientras bajamos la respiración y nos intro-
ducimos en una relajación, porque son “Ruidos
minúsculos” desde Albuquerque.
SYD BARRETT
HOMENAJE ARGENTINO |
Homenaje Argentino a Syd Barrett
Label:
https://homenajeargentinosydbarrett.bandcamp.com/
Fecha de Lanzamiento: 06 de Enero de 2018
[ Por Benjamín York ]
Traemos un álbum doble y un álbum tributo al
genio de SydBarrett, la cantidad de bandas son
muchas y ellas son Implosión con Astronomy
Domine, Olfa Meocorde con Apples and Oranges,
Las Bodas Químicas con Tía Gigoló, Martín
Misenta con Wolfpack, Mansión Manija con Gato
Siamés, Humpback con The Gnome, Objeto A (1966-1968) y sobre su obra solista. Hay versio-
con Octopus, Lucas Gunner con If It´s In You, Los nes en español que le dan el plus de la novedad
Acidos con Barley Wine y Riphle con Jugband de escuchar en nuestro idioma. Pero el gran tra-
Blues, quienes cierran el primer álbum. bajo de las bandas es impecable y en muchos ca-
El segundo álbum nos trae a Entidad anima- sos, el resultado es tan interesante que parece-
da con "Dominos", Yo No Soy Yoko con "Here I rían canciones nuevas, sólo reconocibles por la
Go", Demián Visgarra con "Long Gone", Gonzalo melodía de voz o algo de lo instrumental. Un mag-
Aguerrido con "Ella Me Dio Un Vistazo Largo y nífico y maratónico trabajo, muy cuidado y con
Frío", Evil Cannibal con "Rats", Lisergic Acid un excelente tracklist. Las bandas argentinas de-
Diethylamide Orchestra con "Golden Hair", The bían un homenaje semejante al gran Syd Barrett.
Rayos con "No Man´sLand", Pablo Krantz con
"L'acide à Syd", Inmovilaria con "Late Night",
Tormentas Solares con "No Good Trying",
Los Senderos del Pobre Cocain con "Viaje
Interestelar".
Está grabado y producido casi íntegramente
en Estudio Pronoise por Miguel Saturno y Nacho
Rayo Sarka.
Ante tantas miradas diferentes sobre la obra del
genio loco de la psicodelia es casi imposible no
caer rendido ante tamaño trabajo de una idea tan
inspiradora e iniciática para aquellos que no se
han puesto a descubrir el enorme abanico sono-
ro de Barrett está es una gran oportunidad de ha-
cerlo. Cada banda logra darle una expresiva y au-
téntica mirada a cada track. El amplio margen de
error, en este caso, se diversifica en un excelente
doble álbum en donde se repara en los Pink Floyd
 CORROSION OF CONFORMITY |
No Cross No Crown
Label: Nuclear Blast
Fecha de Lanzamiento: 12 de enero de 2018
[ Por Pablo Ravale ]
Y un día volvieron… con Pepper. No Cross No
Crown es el primer disco en 14 años con el can-
tante y guitarrista Pepper Keenan, tras su paso
por el supergrupo Down –el cual integró junto a
otros monstruos del Metal como Phil Anselmo,
Rex Brown, Kirk Windstein y Jim Bower–.
Los de Carolina Del Norte regresan con un
álbum que de alguna manera es como la conti-
nuación de su In The Arms Of God (de 2004), ya
que no parece haber pasado el tiempo en rela-
ción a su sonido.
Con John Custer nuevamente en las con-
solas, Corrosion nos regalan una colección de
quince temas inéditos donde brilla como nunca
su particular estilo, en el que encontramos re-
miniscencias de grupos tan dispares como Led
Zeppelin, Black Sabbath, Mötorhead, Thin Lizzy,
The Allman Brother Band, Saint Vitus y Black
Flag.
Músico de un talento innegable, en No Cross
No Crown Keenan ejerce otra vez como cerebro
y alma mater del grupo, despachándose con su
voz (la cual está entre la agresividad de James
Hetfield y la melosidad de Ozzy Osbourne) un tra-
bajo soberbio, mientras la mayor parte de sus riffs
181
demuestran un claro regusto por la vieja escuela
del Heavy y el influjo sureño.
En la maraña de rock pesado y grave tan propia
del cuarteto conformado por Pepper y esas otras
fieras salvajes que son Woody Weatherman (gui-
tarra principal), Mike Dean (bajo) y Reed Mullin
(batería), encontramos cortes totalmente genui-
nos como “The Luddite”, “Cast The First Stone” o
“Wolf Named Crow”, que constituyen una apertu-
ra sin concesiones ni paliativos, 100% COC.
Arriesgado, inspirado, versátil e indispensa-
ble, este disco ofrece una nueva vuelta de tuer-
ca respecto a In The Arms Of God, liberándose
en parte de los sonidos más densos y sabbathi-
cos (no obstante, perduran varios coletazos de
Stoner para degustar), pero tampoco alejándose
mucho de su contundencia característica, lo cual
es un acierto pues le da a la placa más frescura
y dinamismo.
Sin embargo lo que más deslumbra, estimu-
la y emotiva de este gran disco es el ENORME
feeling con el que Corrosion encara tanto los te-
mas más directos como mismo los más reposa-
dos, sin caer bajo ñoñerías de ningún tipo; visto y
considerando, algunas de las genialidades des-
tacables son “Little Man”, “Old Disaster” “Nothing
Left To Say” y la homónima “No Cross No Crown”.
Aunque no hay concesiones posibles sin an-
tes reparar en un pedazo de composición como
es “A Quest To Believe (A Call To The Void)”, ya
que ni siquiera en los legendarios Down –donde
Pepper seguiría explorando con notables resul-
tados esta faceta más blusera y sucia– hallarán
una pizca de la grandilocuencia presente en esta
apabullante suite metalera. Este tema solo, vale
ya la compra del álbum.
En la variedad está el gusto, dicen, y No
Cross No Crown rebalsa de ambas, y por ello, por
su diversidad y su desborde de talento composi-
tivo, al menos de antemano, a mí no se me ocu-
rre que ningún amante del buen rock pesado no
sea capaz de conectar y disfrutar con esta gran
propuesta. Stoner, Sludge, Trash, Hard-Rock,
Crossover, Rock Sureño, ¿qué más querés? Y
todo a base de fuerza y exquisitez, y encima he-
cho por una banda que siempre, a mi modo de
 ver, se encontraba en su pináculo creativo.
Sobresaliente.
BLACK REBEL MOTORCYCLE CLUB
Wrong Creatures
Label: Vagrant Records
Fecha de Lanzamiento: 12 de Enero de 2018
[ Por Diego Centurión ]
Esperado álbum de la banda que mezcla el
garage rock con la psicodelia y el country como
pocas en la actualidad. Luego de un período de
quietud en la espera de la recuperación de su
baterista LeahShapiro regresan con un nuevo ál-
bum. WrongCreatures es oscuro, introspectivo,
ruidoso, distinto a lo anterior, con dosis de psico-
delia nocturna, rock crudo en cuenta gotas, y con
un aire a pureza en bruto. ¡Sí! Porque no deja de
tener ese grado de impureza característico de los
BRMC. Desde su introducción "DFF" nos introdu-
ce en un nuevo mundo oscuro, oculto, sucio, pero
a la vez elegante y siniestro. "Spook" nos devuel-
ve al BRMC que conocemos rockero, aguerrido
y en el estribillo furioso, reconocemos a quiénes
estamos escuchando
Con "King of Bones" seguimos en la senda es-
perada y en la que disfrutamos. "Haunt" caemos
en la trampa y bajamos los decibéles y nos intro-
ducimos en un mundo de destellos fantasmas en
un cuarto a oscuras. En "Echo" el ambiente se
abre un poco dejando pasar un poco más de luz
y nos deja volar con esas guitarras tan dreampop
y la dulzura de la voz.
"NinthConfiguration" es una canción que se po-
dría pensar como dreampop, pero en un dream-
pop menos luminoso y mucho más cargado de
claroscuros, que dejan entrever una calidez ele-
gante e introspectiva. "Question of Faith" nos
vuelve a sumergir en un agujero sucio y caver-
noso en donde una oscura psicodelia se empie-
za a vislumbrar a medida que avanza la canción.
Gran track.
"CallingThemAllAway" una canción sombría
con una ambientación que encierra sonidos de
cítara, piano, e instrumentos no comunes para
la banda, y luego se va convirtiendo en una noi-
se pero calma melodía. "Little ThingGoneAway"
el primer track que conocimos de este álbum y
es marca registrada de BRMC. Intensa, rocke-
ra, ruidosa, potente... perfecta. "CircusBazooko"
una extraña canción para la banda, parecie-
ra salida de un circo o un vodevil. De aspecto
inocentemente oscuro, hipnótico y por momen-
tos salido de una pesadilla alucinógena y ácida.
“CarriedFromtheStart” es una canción en donde
queda manifiesta esa psicodélica oscura y sucia
que suelen manejar a la perfección los BRMC,
cruda mezcla de blues y shoegaze a lo Jesus and
Mary Chain, simplemente perfecta. “AllRise” cie-
rra el álbum a pura oscuridad y reflexión, como si
se tratase de esas canciones de The Wall de Pink
Floyd, con un piano mortuorio y una voz entre
calma y quejosa, me recuerda a los espectácu-
los solistas de Wayne Hussey (¿extraña compa-
ración? Si, tal vez lo sea). Un track que confirma
que a medida que avanza y las cuerdas y la per-
cusión empiezan a crecer se llena de angustia la
canción, como una despedida en donde nos he-
mos quedado sin fuerzas y sólo queremos des-
cansar… pero hasta la próxima escucha… para
volvernos a levantar.

MANSIÓN MANIJA | Crudas Pieles
Label: mansionmanija.bandcamp.com/
Fecha de Lanzamiento: 16 de Enero de 2018
[ Por Benjamín York ]
La Plata es una ciudad que hace varios años
viene lanzando bandas al nuevo movimiento mu-
sical argentino, aunque en su mayoría en el rock
indie, pero Mansión Manija es una de la bandas
que no posee una identidad lugareña (en este
caso, platense). La banda tiene una interesan-
te mezcla de psicodelia con aditivos del gara-
ge rock, pero principalmente tiene una identidad
propia que se aleja de toda etiqueta modernis-
ta. Mansión Manija tiene el atractivo de ser una
banda con grandes dosis de psicodelia pero tam-
bién de canción pop, pero no esconde su lado de
experimentación, como en "Remis Espacial" en
donde se distingue un amor por los ambientes
mantricos, o como en "Lluvia Ácida" en donde
se puede respirar ese aire de sonidos hindúes tí-
picos de la psicodelia de los años sesenta. Una
banda que nos encanta, un álbum que nos hace
volar hacia lugares desconocidos dentro nues-
tra alma.
TANGO WITH LIONS | The Lights 183
Label: Inner Ear Records
Fecha de Lanzamiento: 19 de Enero de 2018
[ Por Diego Centurión ]
Llega el tercer álbum de la ascendente banda
griega Tango WithLions. Sus antecesores "Verba
Time" (2010) y "A Long Walk" (2013) le sirvieron
para crecer y trascender los límites de su Grecia
natal e imponerse en Europa como una de las
buenas propuestas del folk con aires dreampop.
Este tercer álbum trae nueve canciones que nos
llevarán por caminos en los que nos encontrare-
mos vestigios de Hope Sandoval, Be Forest, pero
todo encadenado a un exquisito buen gusto y per-
sonalidad. Canciones que se acomodan a tu es-
tado de ánimo pero te invita a que desaceleres y
a que tu mente se descomprima. La dulce voz de
Kat Papachristou logra transportarte a esos má-
gicos paisajes de sueños brumosos en los que
las luces no son más que fantasmas que difumi-
nan la claridad pero que acaramelan la visión de
un mundo hostil.
Kat dice del álbum:
“El álbum muestra mi oscilación entre la luz y
la oscuridad por un período prolongado de tiem-
po. Lidiando con la pena y sufriendo apagones,
mi único pensamiento fue aferrarme a la música
para resolver las cosas y alcanzar la luz nueva-
mente. Considero este álbum como una vívida
impresión de todos los altibajos que experimenté
al crearlo: esperanza exagerada, sarcasmo, nihi-
lismo, nostalgia, amor, relaciones rotas, muerte y
vida, todo mezclado con la única visión de volver
a sentirme completo. "
Con nueve canciones finamente instrumenta-
das porYannosParamithiotis, NikosVergetis, Jim-
Staridas y ThodorisZefkilis forman uno de los
discos más dulces de este año. Un quinteto que
empieza a demostrar en su nuevo álbum los lau-
reles que le preceden. Mágico.
THE BLUE HOUR |
How Soon Is Now?
Label: NO Devotion Records
Fecha de Lanzamiento: 19 de Enero de 2018
[ Por Benjamín York ]
The Blue Hour es un dúo formado en Sea-
ttle allá por 1993, por Brian Hodges y Marse-
lle Hodges, ha lanzado un nuevo single en
este naciente 2018. El single es una bella
versión de la icónica canción de los Smiths,
"How Soon Is Now?" ajustada al oscuro so-
nido etéreo de la banda, delicado y por mo-
mentos con una ingeniería electrónica agó-
nica, la voz de Marselle se eleva y retumba
fantasmalmente, mientras la voz de apoyo de
Brian hace que la canción sea más terrenal.
Una versión que le da un enfoque mucho más
oscuro y fantasmal a la canción, que de por sí
es perfecta, y el reto está más que superado,
porque hacer una versión a una canción tan
conocida es un arma de doble filo, y The Blue
Hour, pasa la prueba de recrearla de manera
brillante. "Weel and Web" contiene un paisa-
je post-industrial mezclado con los luminosos
y etéreos aires del 4AD de los años 80's. La
voz de Marselle se eleva como una Fraser en
sus dorados años, aunque vistiéndose con
las ropas de Kate Bush, pero dando un giro
acercándose a sonidos paganos. La estruc-
tura rítmica e instrumental creada por Brian
es la banda sonora perfecta entre un ritual
pagano y la elevación celestial.
Sobre la canción de The Smiths Brian dice:
"Marselle y yo estábamos en un club. To-
dos estaban sentados, charlando y atendien-
do a sus bebidas, y luego, la icónica introduc-
ción de guitarra que abre How Soon Is Now?
nos llamó a bailar en la pista de baile con la
misma urgencia que lo hizo en la década de
1980. Viendo a todos en la pista de baile, me
obsesioné un poco con la canción: es dema-
siado larga, extrañamente estructurada, nihi-
lista, burlona. No debería funcionar, pero lo
hace."
Al hablar del lado B Brian nos afirma:
El single, "Wheel and Web", fue compues-
to para un espectáculo de danza de fuego
Witches' Ball in Port Townsend, Washington.
Una ceremonia local de equinoccio. Re-gra-
bado en Piksie Nest y lanzado como B-Side
a nuestro cover de "How Soon Is Now?" en
enero de 2018.
EQUINOX | It's Hard To Be Happy
When Your Head Is Full Of Sin
Label: Recordiau Prin
Fecha de Lanzamiento: 26 de Enero de 2018
[ Por Diego Centurión ]
Hace unos meses conocíamos y charlába-
mos con Equinox, en ese momento nos había
sorprendido con su single de adelanto "Goo-
dbye". Hoy les contamos sobre el álbum. Ca-
torce tracks que mezcla el spoken word con
la música ambiental, del tipo soundtrack, y
con sonoridades del synth pop (Don't Die On
Me) y hasta el folk con reminiscencias de
shoegaze (Mule), hasta indie rock (Human-
kind) o una bella suite de piano acompañan-
do un recitado (Belief). Un álbum ecléctico,
no lineal, con climas cambiantes de track a
track, experimental. Con variosinvitadosco-
moVince Clarke, Ashley Reaks, Feral Five,
Dementio13, Ceiling Demons, Rosie Bans,
Snippet, Radio Europa, Nat Lyon, Pulco, Jay
Stansfield, DeuxFurieuses, Superhand y Will
Harris.
Un álbum para que lo disfruten aquellos que
encuentran en lo experimental una vía de co-
municación con el artista.
MACHINE HEAD | Catharsis 185
Label: Nuclear Blast
Fecha de Lanzamiento: 26 de enero de 2018
[ Por Pablo Ravale ]
Cuatro años después de su magnífi-
co Bloodstone & Diamonds, la banda de
RobbFlynnvuelve con otro estupendo trabajo
de Groove Metal marca de la casa. Catharsis
es la demostración de que la banda conti-
núa en estado de gracia, compositiva y de
popularidad.
Este Catharsis, su noveno álbum de estu-
dio, es una pincelada más y más profunda
del estilo propio que Machine Head ha ido
esculpiendo a lo largo de los años (es decir,
Groove/Trash/Alternative Metal).
Temas intensos, potentes, majestuosos,
de larga duración, donde también hay es-
pacio para la calma, la tristeza y la melan-
colía. RobFlynn junto a los suyos (es decir,
el guitarrista Phil Demmel, el bajista Jared
MacEcharen y el baterista DaveMcClain) han
vuelto a conseguir la unión perfecta entre esa
sonoridad que rinde tributo a los grandes clá-
sicos del Metal y el impulso de riffs y ritmos
más contemporáneo.
La definición que señala la Real Academia
Española del término catarsis es “efecto pu-
rificador y liberador que causa la tragedia en
los espectadores suscitando la compasión, el
horror y otras emociones”; y vaya si han cau-
sado horror entre los metaleros más puris- ocho temas predilectos de Catharsis y sen-
tas las declaraciones de Rob hace unos me- tirse más que satisfechos.
ses cuando afirmó que Catharsis es el álbum
más melódico de la banda (algo así como un
The Burning Red pero con producción de The TAN FRÍO EL VERANO | El Portal
Blackening). Label: Scatter Records
15 temas en más de 75 minutos se hacen Fecha de Lanzamiento: 26 de Enero de 2018
muy cuesta arriba, pero al final te das cuen-
[ Por Diego Centurión ]
ta de que Catharsis va más al grano de lo
que parecía. Hay canciones de riffs y me-
lodías prototípicas (“Volatile”, “BeyondThe
Pale”, “California Bleeding”, “Kaleidoscope”,
“Psychotic”, “GrindYou Down”) junto a
otras piezas más arriesgadas (“Catharsis”,
“Bastards”, Behind A Mask”, “Heavy LiesThe
Crown”) que dan mucha variedad y dinamis-
mo al recorrido del disco. En un principio pue-
de empachar tanta cantidad de ideas hilva-
nadas a toda velocidad, percibiéndose como
una especie de Frankenstein con tantos te-
mas, tan diversas estrofas, melodías y riffs,
pero conforme te vas haciendo al nuevo tra-
bajo se percibe un hilo conductor que da sen-
tido a toda la placa. El aroma a Machine Head
es la clave, el fan que los descubriese en su
etapa más agresiva quizá no llegue a enten-
der este disco, pero pocos son los ingredien- Nuevo single de la banda venezolana/ar-
tes de Catharsis que la banda no hubiese uti- gentina Tan Frío el Verano, quienes vienen
lizado en el pasado. prometiendo la salida del álbum que cerrará
En resumen, un muy buen trabajo que se esta etapa de las estaciones climáticas que
sale del camino de lo previsible. Posiblemente, abrió con el EP “Invierno” de 2010. Y que
cada uno de los fans de Machine Head po- se cerrará este año con el lanzamiento de
drá hacer una recopilación con sus siete u “Verano” aún sin fecha exacta (aunque ellos
esperan para agosto) y con horas y horas de
trabajo. Una de las apuestas del año de la vista con Rafael. 187
banda de las máscaras es tocar por tercera Mientras tanto…. Abramos el portal de Tan
vez en el Festival SXSW y la salida del álbum. Frío el Verano.
Hablando con Rafael el líder de la banda
me contaba:
“Verano”, a nivel técnico está siendo supe-
rior a “Otoño” (2015). Otoño es más de mo- PHILIP H. ANSELMO & THE ILLEGALS
mentos, éste está más pensado y por eso Choosing Mental Illness As A Virtue
cuesta más”… “La composición es lo más di- Label: Seasons Of Mist
fícil porque voy armando la estructura de la Fecha de Lanzamiento: 26 de enero de 2018
nada, para que luego Carlos Astros cuadre [ Por Pablo Ravale ]
la letra, luego de eso va cambiando más el
tema, ya que las voces definen la estructura
final del tema, pero ha sido duro, es decir ha-
cer este tipo de música te puede volver loco.”
Pero hemos tenido “Vuelven los Muertos”
como adelanto el año pasado y ahora llega
la canción “Portal”, un track en donde la in-
geniería es mucho más intrincada y agresiva
que las anteriores producciones. Una elabo-
rada estructura sonora que es post-indus-
trial, con muchos sonidos sucios y estriden-
tes, pero sin olvidarse de la agonía que hay
en el clima de “Portal”.
Rafael me contaba… “Pasé más de 60 ho-
ras mezclando “Portal”, por momentos pen-
sé en abandonar todo. Es muy difícil producir
ese tipo de música.”
Y el resultado es tan espeluznante con in- Son archi conocidos los diversos proyectos
quietantemente atractivo. Como adelanto musicales de Phil Anselmo. Yendo del doom
exclusivo he podido escuchar un track más al sludge, pasando por el black metal, el har-
llamado “Fantasmas” y suena realmente ate- dcore y hasta el rock sureño, con el transcu-
rrador y el trabajo de la banda es asombroso. rrir de los años el vocalista fue aumentando
La banda promete darle un cierre (aún cada vez más la lista de discos publicados
no están tan seguros) a la historia de en su haber. Aunque ya saben lo que se dice,
"Snegúrochka", que empezó tímidamen- que cantidad no siempre implica calidad, di-
te en “Invierno” (2010)… Rafael me cuen- cha frase, sin embargo, no aplica a esta nue-
ta: “En “Invierno” empezó aunque de for- va etapa prolífica de Mr. Anselmo. Ahora, con
ma más vaga, en realidad, tomó forma con un nuevo disco de su proyecto en solitario,
“Primavera”. Philip H. Anselmo &TheIllegals, el frontman
El resultado del track es algo que nos lleva vuelve a la carga con toda la potencia y la
a un submundo épico pero pesadillesco, con mala leche de siempre.
altas dosis de genialidad como así también Con algunos cambios dentro de la banda
de locura. Seguramente hablaremos de las que lo acompaña (se fue el virtuoso guitarris-
simbologías de esta leyenda rusa/islandesa ta MarziMontazeri y entró en su lugar Mike
más cerca de la fecha de la salida del álbum DeLeon; Stephen Taylor se pasó del bajo a
en donde seguramente haremos una entre- la segunda guitarra, tomando su lugar Walter
Howard IV) los fieles seguidores de Anselmo MARY AND THE RAM | The Cross
esperábamos oír una versión mucho más ela- Label: Anonymous Records
borada o digerible que su desquiciante debut Fecha de Lanzamiento: 26 de Enero de 2018
solista WalkThroughExitsOnly. Así las cosas,
[ Por Benjamín York ]
Choosing Mental Illness As A Virtuebusca,
en principio, continuar con ese estilo agresi-
vo y brutal, pero añadiendo más voces gutu-
rales y no tanto grito enfermizo. Denotando
asimismo una mejor producción en la mezcla
de los instrumentos y con ideas más compac-
tas en comparación con su predecesor, “Little
FuckingHeroes” abre la placa de forma más
estándar. Luego, con “Utopian”, la banda sí
se pone de lleno salvaje y pisa terrenos más
deathers, con guturaciones malsanas y agu-
das, pero siempre alternando su matriz grind-
core que sigue en “Choosing Mental Illness”,
con detalles de guerra que alcanzan su pico
de intensidad en el minuto con treinta y nue-
ve segundos.
En “TheIgnorant Point”, qué manera de
seguir fracturando cráneos a puro riff disonan-
te, blast beat y tonos de gorilote enojado. Con
“Individual” comienza la segunda parte del ál- Single debut de este dúo post-punkbritáni-
bum, donde la banda se inclina más por los co, con base en York, integrado por KiranTan-
medios tiempos, ganando así mayor predomi- na, en voces, guitarras, teclados y programa-
nancia la voz de Phil y las atmósferas psicodé- ción) y el baterista Dom Smith, ambos de The
licas. Canciones como “PhotograhicTaunts”, THING (TheTrembling Hellish Infernal Night-
“Finger Me”, “InvalidColubrine “Frauds” y mare Generator). Y si a este dúo le sumamos
“MixedLunaticResults” dan sobradas mues- la producción del gran John Fryer, sumamos
tras de ello. un trío que desborda arquitectura sónica os-
Como Philip H. Anselmo &TheIllegals, cura.Es single es un adelanto de su primer
parece que el ex vocalista de Pantera ha vuel- EP que saldrá a mediado de año, aún sin fe-
to a ese sentido desenfrenado de sus días de cha confirmada. The Cross abre este single
gloria en la banda de Texas, aunque ahora de dos tracks, tiene un aire sonoro Rezniano
bajo la óptica de la madurez y la experiencia. (Nine Inch Nails) pero como si hubiese pasa-
Choosing Mental Illness As A Virtuenada tie- do por un tamiz fusionandolas voces de Jir-
ne que ver con las distintas producciones de ky6 9 (The 69 Eyes),un Peter Murphy bajado
todas sus otras bandas, no obstante, se trata una octava hasta llegar al registro de Peter
de un nuevo calibre metalero, completamen- Steele (Type 0 Negative) y a un Nick Cave.
te disfrutable y original, una buena dosis de Para dar el estilo personalizado que tiene Ki-
adrenalina y violencia sónica. ran.
“La creciente digitalización de nuestras vi-
das nos une más y más estrechamente…
Pero en muchos sentidos nos estamos se-
parando cada vez más. Este material provie-
ne de un lugar que está a la deriva e incier-

to y quizás un poco condenado” dice Tanna.
"Nos conocemos desde hace años", agre-
ga, "Nos tomó algunos años adaptar nues-
tros horarios, pero finalmente comencé a pro-
gramar y tocar sintetizadores con una de las
bandas existentes de Dom, ¡un acto mucho
más triste llamado The THING! No pasó mu-
cho tiempo hasta que nos dimos cuenta de
que nuestro amor compartido por la electró-
nica industrial, arty-punk y el rock electróni-
co oscuro y arenoso necesitaba otra salida".
El lado B, The Dream” es más bauhaules-
co. La oscura y claustrofóbica estructura de
la instrumentación, mínima al principio (unas
secuencias, un mínimo bajo y percusión casi
ritualesca de Dom) logra que la voz de Kiran
sea muy interpretativa (recuerda a Nick Cave)
y a medida que el track avanza se vuelve in-
quietante y desesperante, como una pesa-
dilla que crece en intensidad. Y cuando todo
parece que se torna muy negro aparece una
guitarra que enseguida nos traerá a la men-
te a Daniel Ash. Y entra el ritmo de la batería
y la canción se vuelve potente y da un golpe
certero al mentón del menos optimista.
Sobre este track Tanna comenta:
"The Dream es como una alucinación. Es
un intento de capturar ese sentimiento, esa
cosa que se propaga un poco más cada día,
algo que no desaparecerá. Y luego para ri-
tualizarlo. Es una sombra del personaje so-
bre el que estoy escribiendo... Pero ese per-
sonaje solo soy yo en otro lugar y tiempo. En
la parte inferior. Yo soy toda esta gente Y par-
te de la desolación electrónica del sonido, y
luego la agresión, surge de un intento de con-
tar una historia sobre dónde estoy creativa y
emocionalmente en este momento. Y un in-
tento desesperado de acercarse a quien esté
del otro lado, escuchando. Tal vez es un grito
de ayuda... Si es así, en realidad no espera
respuestas ".
Lo cierto que los amantes de los sonidos
oscuros, agobiantes y penetrantes, Mary and
TheRam se perfilan como una de las prome-
sas de nuevas pesadillas en tus oídos.
HAMMOCK | Repeat/Texture 189
Label: Hammock Music
Fecha de Lanzamiento: 02 de Febrero de 2018
[ Por Diego Centurión ]
El dúo conformado por Marc Byrd y Antony
Thompson acaba de lanzar un EP y los que
nos siguen sabrán que somos fanáticos de
este dúo, cada vez que lanzan algo (música
o video) lo estamos subiendo a nuestras re-
des, y, así como subimos a una publicación
del sello "Slow Meadows", ahora ha llegado
el momento de que hablemos de la banda
dueña del sello.
Hammock es una banda que nos deja con
una vibración suave de calma y ensueño, que
nos endulza ante cada nuevo trabajo. En este
caso se trata de un EP de cuatro tracks ce-
lestiales, en donde las capas de instrumenta-
ción nos hacen perder la certeza de tiempo y
espacio. Hammock te transporta a niveles de
quietud que pocas bandas logran, te envuel-
ven lentamente en sonidos de otras realida-
des y te hipnotizan sin dejar de maravillarte
(Siempre y cuando logres entrar en ese es-
tado que todo lo vuelve permeable, ese mo-
mento de calma antes del sueño).
Marc dice sobre el EP:
"A veces un sonido simple puede inducir un
estado de ánimo específico. El tipo de humor
que deseas repetir y no alejarte demasiado
pronto... un tipo de espacio en el que solo
quieres vivir. Estas cuatro piezas forman una
instantánea de audio de un ambiente de hu-
mor influenciado por textura de sonido... ins-
pirando una forma específica de acercarse
a la música y el proceso a través del cual la
creamos".
Si te gusta el dreampop, el ambient, la mú-
sica para relajar, o cualquier estilo de belleza
sonora que emane reflejos multicolores y que
logre penetrar en tus entrañas con suma deli-
cadeza y elegancia... Hammock es para vos.
STEVE REICH | Pulse / Quartet
Label: Nonesuch Records
Fecha de Lanzamiento: 02 de Febrero de 2018
[ Por Darío Martinez ]
Steve Reich a los 81 años ha lanzado el pa-
sado 2 de Febrero a través de Nonesuch un
nuevo álbum “Pulse / Quartet” ambas obras
fueron grabadas en vivo, Pulse, una pieza
es del 2015 interpretada por el International
Contemporary Ensemble (ICE) y Quartet gra-
bada en el 2013 interpretado por Colin Currie
Group, un conjunto dirigido por el percusio-
nista Colin Currie.
Steve Reich es uno de los grandes músi-
cos minimalistas junto a Philip Glass y Terry
Riley que irrumpieron en la escena de la mú-
sica académica allá por la década del 60 y sin
duda uno de los movimientos musicales que
más ha influido e interactuado desde enton-
ces en diversas ramas del rock. Su anterior
trabajo es “Radio Rewrite” (2014) y se pro-
dujo en colaboración con Jonny Greenwood
y tuvo motivación en dos canciones de
Radiohead “Everything in It’s Right Place” y
“Jigsaw Falling into Place”.
Respecto de este álbum Reich dice:
"Pulse, para vientos, cuerdas, piano y bajo
eléctrico, se completó en 2015 y fue, en par-
te, una reacción a “Quartet”, en el que cam-
bié las claves con más frecuencia que en
cualquier trabajo anterior. En Pulse sentí la
necesidad de mantener la forma armónica y
producir un viento más suave y líneas melódi-
cas de cuerda en canon sobre un pulso cons-
tante en el bajo eléctrico y / o piano. De vez
en cuando este pulso constante se acentúa
de manera diferente mediante el cambio de
patrones de alternancia manual en el piano.
Una pieza más tranquila y contemplativa".
Continúa, "Quartet, cuando se menciona en
el contexto de la música de concierto, gene-
ralmente se supone que significa cuarteto de
cuerda. En mi caso, el cuarteto que ha des-
empeñado un papel central en muchas de mis
piezas (además del cuarteto de cuerdas) es
el de dos pianos y dos percusiones. Aparece
así o en forma expandida con más pianos o
más percussion en The Desert Music; Sextet;
Three Movements; The Four Sections; The
Cave; Dance Patterns; Three Tales; You Are
(Variations); Variations for Vibes, Pianos and
Strings; Daniel Variations; Double Sextet;
and Radio Rewrite. In Quartet, solo hay este
grupo: dos vibráfonos y dos pianos… La pie-
za es una de las más complejas que he com-
puesto. Con frecuencia cambia la clave y a
menudo interrumpe la continuidad para agre-
gar nuevo material. Aunque las partes no son
excesivamente difíciles, requiere un alto nivel
de virtuosismo de conjunto. La forma es co-
mún a lo largo de la historia: rápido, lento, rá-
pido, tocado sin pausa. El movimiento lento
introduce armonías que generalmente no se
encuentran en mi música".

NAX | Partida
Label: https://naxmusic.bandcamp.com/
Fecha de Lanzamiento: 11 de Febrero de 2018
[ Por Diego Centurión ]
Nuevo single de la banda argentina Nax, quie-
nes habían lanzado en octubre del 2017 un single
llamado “Haceme Olvidar”. En el cual nos acer-
caban a un sonido mucho más etéreo y más re-
finado, que en su álbum “Lunas Azules” (2016).
“Partida” redoblan la apuesta y se animan a ir
un poco más allá en la sensación etérea y de
ensueño.
En estas dos canciones que compone este nue-
vo single nos demuestran un crecimiento sonoro
importante, creando capas brillosas de caricias
sonoras de una belleza cristalina. El instrumental
“Post-Sueño” abre el single llevándonos por nu-
bes soleadas y logrando que el pulso se desace-
lere y podamos mirar más allá de un sueño, como
un arrullo a la hora de la siesta. En el segundo
“Partida” sólo una pequeña letra que dice “Todos
te vamos a extrañar. De ahora en más sólo extra-
ñar y admirar.”, mientras que la instrumentación
nos eleva y nos hace fluir como almas de luz. Con
momentos que nos hacen recordar a los mismísi-
mos CocteauTwins, este single nos deja con ga-
nas de saber si se viene un álbum nuevo.
PANAPHONIC | Endlessly 191
Label: Patetico Recordings
Fecha de Lanzamiento: 13 de Febrero de 2018
[ Por Benjamín York ]
Nuevo y octavo álbum de la banda de Fi-
ladelfia, Panophonic, uno de los proyectos
de Tom Lugo (Stellarscope, Under The Wire,
MAYU). Por lo que pudimos saber es un tra-
bajo que se ha perdido en los archivos de una
computadora que se ha roto el disco rígido,
y todo el proceso de grabación se tuvo que
realizar desde cero.
Al respecto nos comenta Tom:
“Yo grabe la mayoría del disco entre el ve-
rano del 2016 y el invierno del 2016, se su-
ponía que fuera lanzado el verano del 2017.
Cuando perdí toda la información de mi com-
putadora utilicé una versión demo que tenía
grabada en cd para replicar los sonidos crea-
dos.”
Once tracks conforman este viaje adicti-
vo llamado "Endlessly", en donde las guita-
rras forman un muro en el cuál se adaptan
de manera impecable el resto de los sonidos
(voces, bajos, teclados, baterías y otros so-
nidos). Todo parte de "Naughty Games" y las
corrientes armónicas y caóticas de las gui-
tarras nos van llevando en una travesía que
nos induce a la velocidad, a la calma, al es-
truendoso estallido de guitarras entrelazadas
entre sí, creando una trama que sirve como
un mantradifuso pero que llena todo el espec-
tro sonoro de vitalidad.
"Infinitamente es sobre este nuevo capítulo
en mi vida. Cuando pensé que todo lo que me
quedaba era pérdida y dolor, encontré una
nueva inspiración y una razón para sonreír
nuevamente ", dice Lugo.
Algunas notas sobre el álbum: "What can
I do?” cuenta la participación de Paul Baker
de Static Daydream. El álbum está dedicado
a la memoria de Chris Tressler, un activista y
promotor de la música, que desde Filadelfia
se dedicaba a la difusión de bandas de todo
el mundo.
Muchas veces el caos contribuye al orde-
namiento de un universo, “Endlessly” es un
álbum en donde el caos de ese muro de dis-
torsiones, convierte a las canciones en man-
tras sónicos.
LOWTIDE | Southern Mind
Label: Rice is Nice
Fecha de Lanzamiento: 16 de Febrero de 2018
[ Por Darío Martinez ]
Lowtide lanzó su segundo álbum llama-
do “Southern Mind” (2018) es el sucesor
de “Lowtide” (2014) Este álbum, junto a un
single de dos canciones “Julia / Spring 7''”
(2015), tuvo una segunda edición interna-
cional en 2016 a través del sello londinen-
se Opposite Number. Sus primeros trabajos
son el “EP You Are My Good Light” (2010) y
"Underneath Tonight / Memory No. 7" (2011)
Southern Mind fue grabado en Noviembre
del 2017 por el atípico cuarteto australiano
de dos bajos, guitarra y batería compuesto
por, Lucy Buckeridge (bajo, voces), Gabriel
Lewis (guitarras), Anton Jakovljevic (batería)
y Giles Simon (bajo, voz principal) pero junto
con el anuncio de la salida del disco vino el
anuncio del alejamiento de la banda de este
último así que actualmente forman como un
trío clásico de rock.
El disco publicado por el sello australiano
Rice is Nice contiene 9 canciones con un so-
nido denso a base de reverbs, chorus y delay
sobre el que cantan Lucy y Giles. el antece-
dente más directo que tienen sin duda son los
Cocteau Twins y queda claro desde el tema
1 que da nombre al disco y fue el segundo
adelanto que conocimos hace un par de se-
manas, el primero fue el tema 2 “Alibi” con un
sonido más relajado a lo The Cure, ambos te-
mas tienen videos que les compartimos aquí
abajo. el disco es compacto sin fisuras no de-
cae en ningún momento va alternando en-
tre esos momentos densos y más relajados
con melodías muy bien logradas entrelaza-
das entre las voces (masculina-femenina),
las guitarras y los bajos creando texturas hip-
nóticas y evocativas con una batería sólida,
el tema 6 “Olinda” es el más corto y el único
instrumental, finalmente Lowtide demuestran
que manejan todos los recursos posibles del
dream pop y el shoegazer para hacer hermo-
sas canciones que conforman un disco que
fácilmente le encontrara un lugar en mi batea
y al que espero regresar con frecuencia.
 BLURRED CITY LIGHTS | Volker
Label: eLaB Recordings
Fecha de Lanzamiento: 16 de Febrero de 2018
Dean Garcia y Jarek Leskiewicz tienen
un proyecto llamado "Blurred City Lights"
que ha lanzado anteriormente un EP "Neon
Glow" (2013) y un álbum debut "Anamorphic"
(2014). Ahora el pasado 16 de febrero han
lanzado el segundo álbum "Volker" en don-
de demuestran que hay un universo aún por
explorar y Blurred City Lights, abre un portal
hacia ese nuevo universo sonoro.
Dean y Jarek vienen colaborando también
en SPC ECO (la banda que tiene Garcia jun-
to a su hija Rose Berlin) y este álbum se co-
menzó a gestar mientras grababan el álbum
"Calm" y no tardaron a ponerse a trabajar
en el nuevo álbum de esta banda. El resul-
tado es una maravilla y difícilmente se pue-
da explicar en palabras, porque al escucharlo
las palabras no le harían justicia a la belleza
sonora. En este nuevo trabajo el dúo cuen-
ta con las colaboraciones de la mencionada
Rose Berlin, pero también S Monti, Adriana,
193
[ Por Diego Centurión ]
Filippo Gaetani y WomB Baby.
Una selección de diez borrosas imágenes
sonoras que se asemejan a una obra maestra
del impresionismo, lleno de colores, pero con
formas no tan visibles, sino más en formas
impuras que seducen e hipnotizan, creando
un manto de bruma excitante y por momen-
tos oscuramente etéreo.
"A medida que la habitación se oscurece,
la multitud se enciende cuando los primeros
destellos de luz comienzan a tomar forma,
tus ojos siguen hipnóticamente los amplios
y dispersos bleeps dispersos y los pulsos de
fractales de luz", explica Dean García.
Jarek nos cuenta:
Este disco cobró vida de forma bastante
natural. Empezamos a dibujar ideas y escri-
bir canciones con el proyecto BCL en men-
te nuevamente a principios de diciembre de
2017. Al principio presenté una colección de
varias imágenes que hice durante todo el año.
Dean siempre fue muy estimulado por imáge-
nes evocadoras y de inmediato apuntó a la
primera y dijo que debería ser la portada de
nuestro nuevo lanzamiento. Estuve de acuer-
do. Creo que esa imagen nos motivó / inspiró
un poco y selló el destino del disco como una
visión creativa que debe completarse."
El álbum fue lanzado bajo el sello de Dean,
eLaB Recordings, el pasado 16 de febrero.
Como Dean Garcia anunció en su Facebook:
"Póngase sus ropas más oscuras, tome
un trago fuerte y haga un viaje borroso con
Volker, el nuevo álbum de Blurred City Lights.
Sale del escenario en una nube de humo azul
mientras las multicapas de zumbidos difusos
penetran y el escenario se transforma en un
parpadeo borroso..."
LAURIE ANDERSON & KRONOS de diciembre sobre el track 12 “We Learn
QUARTET | Landfall to Speak Yet Another Language” el segun-
Label: Nonesuch Records do incluye los track 3 y 4 “The Water Rises /
Fecha de Lanzamiento: 16 de Febrero de 2018 Our Street Is a Black River” y el más recien-
[ Por Darío Martinez ] te sobre el tema que da inicio al álbum “CNN
Predicts a Monster Storm”
Landfall está inspirado en el huracán Sandy
a quien se hacen muchas referencias pero
también Anderson ve paralelos on otras no-
ticias ecológicas, políticas y personales.
Anderson:
Estamos pegados a nuestros teléfonos, te-
merosos de que nos perdamos algo... Nos
estamos ahogando en nuestras propias his-
torias. Es demasiado, demasiado rápido, de-
masiado corto, demasiado idiota, demasiado
sensacional. Y está haciendo que todos los
que conozco estén completamente locos.
Harrington:
Estábamos ensayando Landfall en la
Universidad de Maryland, Lou Reed estuvo
a menudo presente, aunque gravemente en-
Por fin podemos escuchar “Landfall” la pri- fermo y dijo 'Laurie es una jodida belleza, no
mera colaboración entre Laurie Anderson y cambies una nota'. Creo que de muchas ma-
el Cuarteto Kronos (David Harrington, John neras esta pieza es para él.
Sherba, Hank Dutt y Sunn). Harrington (fun-
dador y violinista del cuarteto) quien no se MGT | Gemini Nyte
guarda elogios al hablar de Anderson asegu- Label: Cleopatra Records
ra haberle preguntado si estaría interesada Fecha de Lanzamiento: 23 de Febrero de 2018
en escribir para ellos ya en 1989 y Anderson
se tomó algo más de 20 años para hacerlo [ Por Diego Centurión ]
pero la espera sin duda lo valió.
La obra fue compuesta entre 2012 y 2013
año que se estrenó con un concierto en la
Universidad de Maryland y fue creciendo y
evolucionando con las sucesivas presenta-
ciones. En lo visual el show se completa con
el uso de un software “erst” que convierte los
sonidos musicales en palabras y frases que
se proyectan en una pantalla.
La versión que nos llega grabada está hecha
en estudio, editada por Nonesuch Records y
contiene 30 tracks donde se unen en forma
maravillosa las cuerdas del cuarteto con la
electrónica y la narrativa procesada y carac-
terística voz de Anderson.
El álbum fue adelantado con 4 temas en 3
videos, el primero lo compartieron en el mes
 Esperado álbum debut de esta magnífica
dupla de gothic rock, del mejor, de dos per-
sonajes que tienen una importante afición por
parte de los cultores del género. Los perga-
minos de cada uno tienen varias personali-
dades allegadas y este trabajo no es la ex-
cepción. Hace un año, más o menos, que
teníamos la promesa de este trabajo, des-
de el álbum solista "Volume" de Mark Gemini
Thwaite, en donde una entrevista que le he-
mos realizado nos había contado de este pro-
yecto con Ashton Nyte, quien a su vez nos
adelantó este álbum en otra entrevista que
hemos realizado. En "Volume" nació esta co-
laboración ya que Nyte participó en dos can-
ciones de ese álbum y a partir de ese momen-
to surgió la idea de "Géminis Nyte". Pero a
todo esto hay que sumarle otros factores que
merecen ser contados. El dúo vienen lanzan-
do singles desde el año pasado y hace muy
pocos días han lanzado un single de la can-
ción "The Assembly Line" con los remixes de
los ex- Cure Lol Tolhurst y Pearl Thompson.
Y si faltaba más en este seleccionado de in-
vitados de lujo, el álbum cuenta con la partici-
pación del gran Paul Ferguson de Killing Joke
en batería y también cuenta con las partici-
paciones de Burton C Bell de Fear Factory,
Richard Vernon ex The Mission y Robin Diaz.
Ahora adentrándonos en el álbum, si quie-
ren un gran disco de gothic rock no duden
en comprarlo o escucharlo, la experiencia
es totalmente satisfactoria y es un lujo poder
tener este álbum en la colección de discos.
Sumado a los singles que han lanzado con
anterioridad, el que abre el álbum "All The
Broken Things" y el que le sigue "Every Little
Dream", más el mencionado "The Assembly
Line" y el enérgico "The Reaping" podemos
encontrar tremendos y potentes canciones
como "Everything Undone" o "Armageddon's
Sideshow". Pero también hay gemas más os-
curas como "Hide Your Secret" o la hermo-
sa "Atlanta" en donde Ashton despliega todo
su carisma vocal acompañado por la versión
acústica de Thwaite. Pero el álbum tiene todo
el potencial que a priori uno se imagina, pero
seguro que les sorprenderá.
HOLLY MIRANDA | Mutual Horse 195
Label: Dangerbird Records
Fecha de Lanzamiento: 23 de Febrero de 2018
[ Por Benjamín York ]
Quinto y nuevo trabajo de este bello proyec-
to de la chica de Detroit. Después de sus tra-
bajos “High Abovethe City: Evolution” (2004),
“The Magician's Private Library” (2010), “Holly
Miranda” (2015) y “Party Trick” (2016) no te-
níamos mucha información sobre ella, y nos
llega este trabajo de catorce tracks. “Mutual
Horse” es una ampliación del sonido reco-
nocible de Holly Miranda que, si bien no lo
abandona, tiene muchos menos del folk am-
biental, casi dreampop, de trabajos anterio-
res. En este nuevo álbum podemos encontrar
más ritmos y sonidos de banda, aunque no es
pop, sino que por momentos roza ese sonido
reconocible como Dark cabaret, aunque no
llega a hacerlo, pero se asemeja a cantantes
como Fiona Apple, sin la prepotencia del pia-
no, o a Rachel Mason y a Amanda palmer Los
ambientes creados varían de track a track,
por momentos nos encontramos en melodías
más orientadas al indie pop, con toques elec-
trónicos (muy pocos toques). Por momentos
nos sentiremos cerca de Beach House, en
otros nos sentiremos cerca de Norah Jones,
con ese medio tiempo folk. Los juegos osci-
latorios conseguidos con la melodía de voz
en algunos tracks se convierten en espirales
oníricos que nos embelesan (All of The Way o Do You Recall) o baladas como Single Like My
Life, que nos invitan a cerrar los ojos y dejarnos llevar por la voz a lo Hope Sandoval. Pero
tenemos esos paisajes simples y folk que esperamos de la banda como en Mt. Hood. Un ál-
bum que abre un camino inexplorado por la banda anteriormente, pero que nos muestra un
abanico de posibilidades desde lo sonoro que despierta, al menos, mucha atención.
197
DERECHO DE PISO

EN LA SIMPLEZA ESTA LA
BELLEZA
 199
[ Por Benjamín York ]

A veces la simpleza de la sonoridad de un artista suele ser muy atractiva.

En este punto solemos presentar artistas relativamente nuevos, pero en este caso no
detenemos en un artista que tiene una trayectoria amplia y hemos pensado que es un
buen artista para esta sección. Con ustedes, Jon Lindsay.

Jon Lindsay es un solista estadounidense y productor de Carolina del Norte. Comenzó

su carrera grabando y haciendo giras con las bandas The Young Sons, Benji Hughes,
The Catch Fire, y ha sido solista bajo su propio nombre desde 2009. Con tres álbumes
“Escape from Plaza-Midwood” (2010), "Summer Wilderness Program" (2012) y "Cities &
Schools" (2016) y varios singles y EPs, ha venido trabajando en su música y en diciem-
bre ha lanzado un nuevo single llamado “Zebulon”.
Pero más allá de su historial de registros, lo interesante de la música de Jon es su sim-
pleza y su delicado powerpop, con algo de psicodelia, con algo de folk, pero todo con
una fineza elegante.
Como un Morrissey sin esa carga oscura de The Smiths.

Los links de Jon Lindsay:

https://www.jonlindsaymusic.com/
https://jonlindsay.bandcamp.com/music
https://www.facebook.com/Jonlindsaymusic/
https://open.spotify.com/artist/0zcrg5444bwXi59QClPIEv
https://www.youtube.com/user/jonlindsaymusic
https://twitter.com/jonlindsaymusic
https://www.instagram.com/jonlindsaymusic/
https://soundcloud.com/jonlindsay
 SOBRE LA PORTADA
LABERINTO DRACONIANO
ARMS es el alter-ego de Alejandro Rubén Montero Sprovieri.
"ARMS es el nombre de autor que trasciende al artista, son mis iniciales, que tienen esa fuerza que
me gustó, porque ese sonido, ARMS, es donde yo puedo proyectar muchos significados, es como la
pintura, uno ve y proyecta. Desde el 2004 empecé a pintar profesionalmente y a exponer. Y ahí me
convertí en otra persona, porque el que observa el cuadro lo ve a uno, al pintor, pero ese artista ya
no es Alejandro Rubén Montero Sprovieri, es ARMS”.

En una conversación ARMS responde a la pregunta "Sobre la significancia del Arte en su

vida" y en la respuesta aprovecha para explicar esta pintura: "Laberinto Draconiano". "El
Arte es lo más importantepara mí­. La creatividad es fundamental para vivir, sino caemos en
la frustración. Hay que lograr encontrar soluciones, y, como vivimos en un laberinto, el Arte
nos ayuda a encontrar las posibles salidas a ese laberinto. Y justamente este cuadro, que
el título es "Laberinto Draconiano", es como una especie de Laberinto para mí­. Aparte tiene
otras connotaciones, no nada más de laberinto sinolas dos polaridades, "Ánimus y Ánimas"
diría Jung, "Ying y Yang" para el Oriente. También se ve como una especie de intestino, el
laberinto intestinal, esta cuestión primordial de la comida. Es muy primitivo y que tiene que
hace al Ser, porque la Madre lo primero que hace es Nutricia. Y habla de esa Nutrición. A mí,
el Arte me nutre, me ayuda a ser.Por eso es muy importante el Arte, la vida es Arte."

Redes Sociales del artista:

Año: 2010 http://armspsicodelia.wix.com/arms
Autor: ARMS https://www.facebook.com/arms.psicodelia/
Técnica: Acrílico https://www.youtube.com/user/ARMSpsicodelia
Tamaño: 1,20 x 1 mts. armspsicodelia@gmail.com
The13th
U NA R EVISTA IMA GINA RIA