El Renacimiento Italiano

Colegio Lourdes Historia del arte
Curso 2014/2015 2º Bachillerato
– El Renacimiento italiano –
A comienzos del siglo XV se produce en Florencia una transformación profundamente

radical de los aspectos formales y temáticos, y de la función del arte o el artista. El
Quattrocento nace impulsado por una serie de artistas que, cada uno en su especialidad,
revolucionará la concepción del arte. Todos ellos son, en última instancia, reflejo de una
sociedad nueva, en la que la autoridad no reside ya en un soberano sino en un signore, en
un burgués acaudalado que se beneficia del trabajo cada día más rentable de artesanos y
comerciantes.
Esta sociedad, en gran medida materialista, está interesada en la objetividad de las cosas.
No le interesa el mundo visionario e idealista medieval; le interesa más el universo concreto
de la naturaleza y el hombre. Se percibe así el sentido experimental que el arte cobra en
esta época, su valor de ciencia en muchas ocasiones, y se explica también su cambio
temático, volcado ahora a la representación del hombre y la naturaleza, motivos ambos cuya
constante fuente de inspiración se encontrará precisamente en el arte de la Antigüedad
Clásica.
Así, podemos distinguir unas características generales:

 Individualismo. El arte se va a ir desvinculando poco a poco de la influencia eclesiástica
y paralelamente se difunde la idea de que cada individuo debe vivir intensamente su
propia existencia y sacar partido de ella. Si en la época del arte románico y del gótico,
los artistas tendían a ser anónimos, artesanos adscritos a los gremios, en la época
renacentista, los creadores van a sentirse orgullosos de su actividad, y van a manifestar
deseos de darse a conocer y de exhibir públicamente sus obras.
 Movimiento cultural que recupera el mundo clásico, el cual será patrón de los
humanistas y no tanto de los artistas. Los hombres de letras tenían la antigüedad clásica
como punto de referencia y apoyo moral para su modo de pensar y escribir. Los artistas
añadieron además la autoridad de la naturaleza y los apoyos de la ciencia.
 Naturalismo. El Renacimiento es una vuelta a la naturaleza, la cual significa en arte
renovación, búsqueda de nuevas técnicos para plasmar con mayor fidelidad la realidad.
La naturaleza es obra de Dios pero saber apreciarla y degustarla es una cualidad
humana.
 La negación de todo lo anterior es parte de la rebeldía innata que lleva todo movimiento
de vanguardia y que ayuda a sentirse distinto y original. Sólo que ahora, su rápida
1
propagación por Italia y por Europa entera demuestra que la situación general estaba
bastante madura para el cambio y las fórmulas de los florentinos interpretaban este
cambio en lo fundamental.
 La obra de arte va a ser importante en sí misma y no como símbolo ni apoyatura
física de ninguna idea. La obra de arte persigue la belleza formal estética física, lo más
veraz posible y lo más parecido a la realidad.
 Tendencia a la universalidad, captación de la idea de sociedad en movimiento
evolutivo. Hay una sustitución de la jerarquía medieval por un Individualismo donde se
reconozca al hombre por sus acciones, no por su apellido, reivindicando la dignidad
humana. Pero esta perfección humana parte de niveles sociales altos, de la élite
oligárquica, por lo que no supuso una auténtica revolución mental, siendo un movimiento
laico pero cristiano, de vanguardia pero mirando a la antigüedad clásica.
− La Arquitectura Renacentista −
En arquitectura, este primer Renacimiento, el Quattrocento, supone una ruptura radical con
el lenguaje característico de la Edad Media. Además, va a estar marcado por la formación y
la consolidación de nuevas tareas arquitectónicas que alcanzan su apogeo en el siglo
siguiente. Los ideales de proporción y armonía junto con la constante mirada hacia el mundo
clásico van a unirse al descubrimiento del tratado “De Architectura” del arquitecto romano
Vitruvio en 1416. A partir de estos elementos se desarrollará un lenguaje constructivo que se
caracteriza por los siguientes rasgos:
 Se intenta recuperar el concepto de orden arquitectónico como conjunto de reglas
formales que unen entre sí de manera preestablecida, todas las partes de un edificio.
Pero en el siglo XV estas soluciones proporcionales se consiguen mediante un módulo y
con soluciones matemáticas nuevas. Un módulo es un rectángulo cuyas proporciones se
aplican en todas las partes del edificio. Según Bramante el módulo ideal sería un cubo
de 1 metro de alto por 1,618 metros de largo (número Fi).
 Proporciones humanas. En el gótico las dimensiones están hechas para Dios pero en
el Renacimiento el hombre es quien domina al edificio.
 Sencillez y pureza. Proporciones sencillas, ceñidas a una geometría simple y
comprensible ya que la belleza se halla más cerca de la pureza y la sencillez que de lo
artificioso.
2
 Lo horizontal prevalece sobre lo vertical a base de molduras, líneas de imposta,

separación de plantas, etc.
 Plantas. Coexisten las áreas basilicales del periodo medieval, propias de los lugares de
culto, con las plantas centralizadas recuperadas del mundo clásico para conseguir
espacios más diáfanos, es decir, un espacio interno que debe ser visto de una sola vez.
 Alzados. Los soportes son sobre todo columnas de órdenes clásicos: dórico, jónico,
corintio y, sobre todo, compuesto. Se utilizan los arcos de medio punto y las cubiertas
adinteladas o con bóvedas de cañón o arista. La cúpula adquiere un gran protagonismo
ya que no solo representa los ideales matemáticos de proporción y equilibrio, sino
también se reviste de un significado simbólico como expresión de la divina perfección.
 Decoración. Basada también en la recuperación de elementos clásicos: frontones
esculpidos, medallones, hornacinas y bajorrelieves con motivos vegetales utilizados con
gran libertad. También mezclan elementos animales y antropomorfos. Estos motivos se
conocen con el nombre de grutescos y se desarrollan a raíz del descubrimiento de la
Domus Aurea, la villa romana de recreo del emperador Nerón. El grutesco tendrá una
mayor extensión en la arquitectura del norte de Italia y en el primer Renacimiento
español.
 Tipos de edificios. Las iglesias continúan la tradición basilical reservándose la cúpula
para cruceros o capillas privadas. Los palacios y villas campestres se convierten en
edificios muy extendidos de acuerdo con los ideales de antropocentrismo y de
individualismo presentes en este momento.
Filippo Brunelleschi (1377-1446).

Su obra constituye el punto de partida de la arquitectura renacentista. Entre sus numerosas
obras realizadas en Florencia destaca por su importancia:
 La cúpula de
Santa María dei
Fiore (Santa
María de las
Flores, Catedral de
Florencia),
iniciada en
1418.
Adaptándose a un
3
espacio previo, la catedral medieval, el arquitecto construye una cúpula elevada, todavía
sobre un tambor octogonal, pero con unas dimensiones colosales resultantes de un
alarde técnico. Supuso la resolución de un importante problema técnico, así como la
creación de un modelo de cúpula de gran influencia posterior. En realidad, Brunelleschi
construye dos cúpulas unidas, una interior semiesférica y una exterior apuntada. Al
crear entre ambas una cámara hueca, el peso de la estructura es menor y la cúpula
exterior va a contrarrestar los empujes de la interior. Además al sustituir la piedra como
material por la argamasa y el ladrillo, disminuye el peso final de la estructura. Esta
cúpula se convertirá además en símbolo de la ciudad de Florencia.
 La Iglesia de San Lorenzo (1420) en Florencia y la Iglesia del Santo Spirito (1436), en
las que aplica ya el lenguaje clásico al estar constituidas por galerías de arcos de medio
punto sustentados por
columnas clásicas a las que
se añade un elemento
nuevo: un segmento de
entablamento interpuesto
entre el capitel y las
columnas, lo que hace a la
construcción más elevada y
esbelta.
 Otras obras importantes
serán el Hospital de los
Inocentes, la Capilla de los Pazzi, donde desarrolla el concepto de espacio
centralizado, así como la utilización de un sistema de proporciones basado en el módulo.
Brunelleschi fue también el creador del modelo de palacio renacentista al realizar el Palacio
Pitti, mediante un sistema de fachada almohadillada que se convertirá en un elemento
característico de la arquitectura florentina. Sus discípulos, Michelozzo, arquitecto del Palacio
Medici-Riccardi (terminado hacia 1460), o Benedetto da Maiano, autor del Palacio Strozzi
repiten este esquema enriqueciéndolo con nuevas aportaciones como la cornisa volada.
León Battista Alberti (1404-1472).

Alberti, es el prototipo de artista renacentista con una amplia cultura humanística: filósofo,
escritor, arquitecto, urbanista y teórico del arte. Probablemente fue el artista del
Quattrocento más preocupado por obtener una normativa para el arte y por la búsqueda de
4
las proporciones perfectas: la belleza emana de la aplicación de leyes inmutables.

Importante teórico, escribió tres importantes obras sobre las distintas disciplinas artísticas:
“De pintura”, “De re aedificatoria” y “De statua”, de amplia repercusión posterior.
Entre sus obras más importantes podemos encontrar:
 La Iglesia de San Francisco en Rímini por encargo de Segismundo Malatesta, en cuya
fachada utiliza el tema del arco triunfal y rescata de la arquitectura romana la
combinación de arco sobre pilares y el entablamento sobre semicolumnas.
 Santa María Novella (1458) en Florencia, en la que crea un modelo de fachada muy
utilizado posteriormente, con dos cuerpos de diferente anchura, unidos por volutas,
coronado el cuerpo superior por un frontón, y aplica su ciencia arquitectónica basada en
el número y en la proporción.
 El Palacio Ruccellai (1446 – 1460) en Florencia, que se inspira en los diseños de
Brunelleschi, pero aporta una serie de modificaciones interesantes, como el uso plástico
del almohadillado que se convierte casi en un elemento plano y la superposición de los
tres órdenes clásicos en la misma fachada.
 La Iglesia de San Andrés, en Mantua realizada por encargo del Duque Ludovico
Gonzaga y que será su mejor obra. Se inicia en 1460 justo antes de su muerte, y es
continuada por Luca Fancelli. Utiliza la planta basilical pero con una nave única, cubierta
al igual que el transepto con una bóveda de cañón decorada con casetones. Sobre el
crucero una cúpula. Su fachada se inspira en los arcos de triunfo romanos y se articula
en torno a un eje ocupado por el arco de ingreso que se prolonga hacia el interior
mediante una bóveda de cañón. A ambos lados y enmarcadas por columnas corintias,
elemento característico del arte clásico, se disponen tres ventanas que convierten al
muro en un elemento escultórico. Todo el conjunto se unifica mediante la colocación de
5
un gran frontón triangular. Está considerada una de las construcciones más puras del
siglo XV.
A principios del siglo XVI, el Cinquecento, Roma se convierte en el gran centro artístico de
Italia y los Papas ejercen un importante mecenazgo artístico que atrae a muchos artistas a
la ciudad. La arquitectura renacentista alcanza su plenitud. Los rasgos más significativos de
esta etapa del Renacimiento son:
 Pérdida de la importancia artística de Florencia frente a Roma y Venecia. La ciudad
papal experimentó un gran crecimiento desde principios del siglo XVI y este incremento
de población irá unido a la transformación urbana: derribo de edificios antiguos,
construcción de nuevos palacios y ampliación de las calles para dar cabida a los
peregrinos que llegaban a ella. Venecia, por su parte, no se vio sacudida por ninguna de
las revoluciones políticas y sociales que afectaron a la península italiana durante el siglo
XVI y además era un activo centro comercial que incrementaba la riqueza de sus gentes
y de su gobierno: la República.
 Cambio en el mecenazgo. A partir de 1500, el mecenazgo cambia de signo: los
grandes señores de las ciudades del Quattrocento son sustituidos por los Papas. En
torno a la corte pontificia de Julio II (1443-1513) y después con León X (1475-1521) se
van a agrupar artistas de diversa procedencia. Esto producirá una creciente
preocupación por la grandiosidad de las construcciones y el deseo de equiparar los
edificios nuevos con las construcciones de la Roma Imperial, en estrecha relación con el
mecenazgo papal.
 Nuevo concepto del artista que se caracteriza por tres rasgos. Primero, su
identificación con los ideales de grandeza y la necesidad de propaganda del papado.
Segundo, su versatilidad y capacidad para trabajar en obras tanto relacionadas con el
campo de la arquitectura como con el de las artes figurativas, como es el caso de
Leonardo o Rafael. Tercero, su formación y capacidad de transformar el legado de los
arquitectos anteriores y el del mundo clásico en una visión personal como hizo Miguel
Ángel Buonarotti.
Donato Bramante (1444-1514).

Es el verdadero creador del clasicismo
arquitectónico como resultado de su
conocimiento de las ruinas antiguas y del estudio
6
de la obra de Vitruvio. Su arquitectura se caracteriza por:

 La sobriedad.
 La supresión de elementos decorativos superfluos.
 Una profunda preocupación por la coherencia monumental que se traduce en el
tratamiento lógico de los soportes, el dominio de los volúmenes y la utilización correcta
de los órdenes.
Entre sus obras más importantes nos encontramos con:

 El Templete de San Pietro in Montorio (1502), encargado por los Reyes Católicos para
conmemorar el lugar en el cual fue martirizado San Pedro. Para subrayar la importancia
del lugar, el arquitecto recurre a la planta centralizada y al orden dórico, el más
masculino y sobrio de los clásicos. El resultado es una estructura circular, rodeada de un
doble anillo de columnas, cubierto por una cúpula semicircular y con un remate de
balaustrada que repite el diseño circular. La decoración se reduce a los sencillos
capiteles y a los símbolos del martirio del santo representados en las metopas del
entablamento.
 La Basílica de San Pedro del Vaticano (1505) por encargo del papa Julio II. Es un
proyecto para el que plantea una planta de cruz griega inscrita en un cuadrado, símbolo
de los cuatro puntos cardinales y de la extensión del poder de la Iglesia. El punto de
encuentro de los cuatro brazos, bajo el cual se encuentra la tumba del apóstol se cubría
con una enorme cúpula circular. Este proyecto es hoy totalmente irreconocible por las
transformaciones posteriores.
o A su muerte, Rafael Sanzio continúa las obras
siguiendo los planos de Bramante y Antonio da Sangallo
cambia la idea original por un proyecto de basílica longitudinal
con un gran desarrollo de la cabecera y un pórtico a los pies. A
la muerte de Sangallo, Miguel Ángel continúa la obra y vuelve
a la idea de planta central dominada por la enorme cúpula
sobre tambor. Tras la intervención de artistas como Vignola o
Giacomo della Porta, el edificio se concluye en los inicios del
siglo XVII, prolongando uno de los brazos de la cruz griega
inicial hasta la fachada de acceso y construyendo la simbólica
columnata.
7
Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564).

Seguramente sea la figura más importante del Cinquecento, siendo arquitecto, pintor y
escultor. Su gran obra como arquitecto desde 1546 fue:
 La Basílica de San Pedro del
Vaticano a partir del proyecto
inicial de Bramante. Miguel
Ángel vuelve a la primitiva idea de
Bramante de un edificio de
planta central al que se
propone dotar de una
coronación gigantesca.
Simplifica el esquema de
Bramante y diseña un templo de
planta central de cruz griega con un solo acceso, no los cuatro de Bramante. La
grandiosa cúpula adquiere un protagonismo tal que se convierte en paradigma de
toda construcción circular. Se levanta sobre un tambor con doble fila de columnas
monumentales que se marcan también en el exterior; las dobles columnas corintias, la
alternancia de los frontones triangulares y semicirculares, la decoración de guirnaldas y
el tratamiento escultórico de las superficies, se van a convertir en los rasgos distintivos
del estilo de Miguel Ángel. Además, su influencia será decisiva al convertirse en un
prototipo imitado en el Barroco. Símbolo del Universo y de la Cristiandad. Símbolo
también de la primacía de Roma en la Iglesia Católica.
Otras obras arquitectónicas de Miguel Ángel

son:
 La escalera de la Biblioteca Laurenziana de
Florencia (1559). crea numerosos efectos de
tensión en un espacio reducido y lo hace
tratando los elementos arquitectónicos
como esculturas que juegan con el espacio, que
son ya un claro rasgo manierista. Utiliza
pilastras en lugar de columnas ante la falta de
8
espacio y las hace apoyar sobre ménsulas curvas que repiten su estructura en la unión
de los cuerpos superiores de la escalera. La alternancia de frontones triangulares y
semicirculares y el juego de superficies cóncavas que reciben espacio en su interior y
convexas, que proyectan su silueta al entorno circundante, convierten esta obra en el
inicio del manierismo arquitectónico.
 Las capillas de los Médicis en la iglesia florentina de San Lorenzo.
Jacopo Barozzi de Vignola (1507-1573).

Se forma en Roma en contacto con Miguel Ángel y va a trabajar en
en villas y en edificios religiosos:
 La Villa Giulia, encargada por el papa Julio III en 1550 y del cual
recibe el nombre.
 La Iglesia del Gesú de Roma (1568), que se convertirá en el
modelo de las basílicas del arte barroco. Inspirándose en San
Andrés de Mantua de Alberti, dispone el espacio interior en una
sola nave cubierta por una bóveda de cañón con lunetos,
capillas laterales y un amplio crucero dominado por una gran
cúpula circular.
Andrea Palladio (1508-1580).

Su identificación con el mundo clásico le llevó a cambiar su nombre por el de Palladio en
honor de la diosa Palas Atenea. Profundo conocedor y estudioso de la obra de Vitruvio
plasma sus investigaciones en la obra “Los Cuatro Libros de la Arquitectura” (1570), de gran
influencia posterior, sobre la adaptación de las formas de
la Antigüedad a las necesidades modernas.
Una de sus principales preocupaciones será la

armonía del edificio con su entorno natural y así
queda reflejado en sus villas, fincas de explotación
agrícola para la aristocracia veneciana, que sentará las
bases del posterior estilo neoclásico que se va a
inspirar más en sus diseños que en los modelos
clásicos.
9
 Su rasgo más característico será la repetición de un motivo arquitectónico, el llamado

motivo palladiano consistente en un arco de medio punto situado entre dos dinteles y
que parece tomado de la ventana termal romana.
10
− LA ESCULTURA RENACENTISTA −
La escultura italiana en este primer Renacimiento, el Quattrocento, nace como la

arquitectura, apoyada en los modelos clásicos pero sin desvincularse totalmente de las
enseñanzas de los grandes maestros del Trecento, en el que ya se había venido
produciendo un acercamiento a la realidad, y con numerosas aportaciones e innovaciones
procedentes del trabajo de los grandes artistas. Como rasgos generales podemos citar:
 Empleo de materiales diversos. Aunque el mármol continuó siendo el material
preferido, se produjo un desarrollo espectacular de la técnica del bronce y se popularizó
el uso del barro vidriado recubierto con esmalte policromado para darle un sentido más
realista.
 Variedad de temas. Además del género religioso, vemos surgir el nacimiento de temas
profanos y alegóricos, mitológicos y retratos que abandonan la representación de tipo
simbólico para centrarse en una imagen individualizada del personaje que representa,
apareciendo el estudio del desnudo, esculturas de niños y adolescentes, estatuaria
ecuestre, retrato de personajes ilustres y el bulto-retrato, en donde la expresión de
realismo e individualismo adquiere mayor importancia.
 Emancipación de los programas iconográficos medievales. Con el fin de
interpretarlos como si de elementos alegóricos se tratase. Así, el tema de David se
convertirá en el símbolo del triunfo de la República florentina sobre sus enemigos.
 Inspiración en los modelos de la Antigüedad. En lo referente a la esbeltez de
proporciones y al gusto por los detalles naturalistas propios del relieve narrativo romano.
El escultor del Renacimiento buscará la representación de la belleza, pero de una
belleza en muchos casos idealizada, estableciendo las proporciones ideales del cuerpo
humano y retomando de nuevo el concepto de módulo.
 Liberación de los marcos impuestos por la arquitectura. Para desarrollar en toda su
plenitud las técnicas tanto de bulto redondo como del relieve. Este se caracteriza por una
fuerte preocupación por la perspectiva, el espacio y la profundidad. Los personajes
representados en éste y en la escultura están dotados de una serenidad y calma de
actitudes muy diferentes al gótico.
 Se indagará igualmente en el fondo del alma humana intentando expresar pasiones,
sentimientos… aunque sólo en el Barroco se profundizará verdaderamente en este
sentido.
11
Lorenzo Ghiberti (1378-1455).

Es el primer escultor que basa su arte en el Humanismo y en la Antigüedad Clásica. Trató
de establecer una base científica para el arte figurativo mediante el estudio de la óptica y de
la teoría de las proporciones.
Su obra más relevante será:

 Las puertas del Baptisterio de Florencia, que resultan ser tres pares de puertas,
constituyen un maravilloso conjunto artístico por su extraordinaria calidad y el enorme
esfuerzo que requirió su realización.
– Las primeras, dentro todavía de la tradición gótica, habían sido realizadas por
Andrea Pisano en el Trecento y en ellas se ilustran escenas de la vida de San Juan
Bautista.
– Las segundas le fueron adjudicadas tras un reñido concurso, en el que participó
Brunelleschi, convocado por el Arte del Calimala, el gremio de comerciantes, y se
realizan entre 1402 y 1424. En ellas se narran distintos episodios de la vida de
Jesús.
– Las terceras puertas, calificadas por Miguel Ángel como “las del Paraíso”, le fueron
encargadas directamente, al ser ya un escultor consagrado y de los más cotizados
en la ciudad. Fueron realizadas entre 1425 y 1452. Ghiberti nos relata en diez
recuadros diversos
episodios del Antiguo
Testamento. La obra está
realizada en bronce
mediante la técnica de
la fundición. El
escultor consigue
representar
magistralmente la
profundidad espacial
mediante la
gradación de volúmenes en sucesivos planos, que están graduados por el uso
que el artista hace de las luces y de las sombras. Las figuras del primer plano están
trabajadas en marcado alto relieve y en las del fondo se utiliza la técnica del
schiacciato (aplastado) relieve en el que la talla sobresale lo menos posible
pareciendo casi un dibujo, como si las figuras emergieran del fondo. La inspiración
12
clásica es evidente, basta con recordar los relieves del Ara Pacis y de la columna
trajana.
Donatello (1386-1466).
Es la figura indiscutible del Quattrocento y el artista más influyente del Renacimiento,
junto a Miguel Ángel. Su preocupación fundamental es la representación del hombre
desde la infancia hasta la vejez, pero aunque refleja a la perfección la belleza ideal
tampoco elude la representación de los defectos físicos de los seres humanos, aumentando
con el paso del tiempo su interés por los rasgos de la vejez y el sufrimiento. Su afán por la
veracidad le lleva a minuciosos estudios anatómicos, incluso a veces de un crudo realismo.
Además, y junto a lo físico, sus obras expresan la interioridad del espíritu humano y
demuestran una enorme capacidad de prospección psicológica. En cuanto a los materiales,
trabaja la madera, el bronce y el mármol con una extraordinaria versatilidad técnica que le
permite obtener muy variadas calidades.
Entre sus obras más importantes podríamos

destacar:
 San Jorge, como imagen perfecta del caballero
cristiano:
 El David, el primer desnudo fundido en bronce desde la
Antigüedad. La referencia helenística se deja ver en la
composición: la sigmoide recorre el cuerpo de David en su
centro y el contrapposto cruza el ritmo en el cuerpo y le da
ese movimiento contenido tan propio de la escultura
clásica, lo que permite la variación de planos y el juego de
la luz sobre la superficie.
 El profeta Habacuc, de extraordinario realismo.
 Los relieves en la cantoría de la Catedral de Florencia
reflejan toda la vitalidad de la infancia.
Importante será también la recuperación del retrato ecuestre en su obra el

condottiero Gattamelata, esculpido entre 1447 y 1453. Parte de la estatua ecuestre del
emperador romano Marco Aurelio para representar a un guerrero que va a ser glorificado
por sus actos. Donatello adopta la línea cerrada y apoya la pata del animal sobre la bola
para garantizar el equilibrio y cerrar el conjunto en sus límites de contorno. Se convierte en
una representación de la “potestas” romana, la fuerza que da la convicción y no la
13
arrogancia o la violencia. También debe destacarse la perfección técnica y la dificultad de

ejecución que implica un bronce de semejante tamaño La idea de gloria es uno de los
ideales renacentistas que mayores repercusiones tendrá en escultura y pinturas. Las obras
posteriores, como el retrato ecuestre de
Bartolomeo Colleoni de Andrea del
Verrocchio (1435-1488), tendrán como
punto de partida la técnica y el estilo de
Donatello y revivirán el interés por las
grandes obras públicas ya que estos
monumentos se concebían para ser
exhibidos en lugares públicos. En ella, logra
una gran expresividad a través del
rostro del personaje que denota sus
dotes para el mando. La composición es un
ejemplo de medida y de cálculo. El
caballo se apoya solo en tres de sus
patas, lo cual obliga a un estudio de los volúmenes para equilibrar el peso de la escultura. Al
mismo tiempo, el animal gira el cuello para contraponerse a la posición del jinete. Además,
el trabajo a buril tras el fundido se nota. Verrocchio es orfebre, además de pintor, y maestro
de Leonardo y Boticelli.
Luca Della Robbia (1400-1482)

Sus obras en cerámica vidriada forman parte de la ciudad de Florencia tanto como
sus edificios. Es el creador de este estilo que se caracteriza por la utilización de figuras
blancas sobre fondos azules y con elementos vegetales de gran colorido. Además, fue un
excelente escultor en mármol y, como Donatello, también realizó una Cantoría para la
Catedral de Florencia. Su estilo tendrá numerosos continuadores hasta bien entrado el
siglo XVI.
En contraposición con el siglo XV, y en estrecha relación con lo sucedido en la

arquitectura, el siglo XVI, el Cinquecento, manifiesta un predominio de lo romano sobre lo
florentino y en consecuencia una mayor tendencia hacia la monumentalidad. Se abandonan
ahora los rasgos de delicadeza propios del primer Renacimiento para optar por
14
composiciones más grandiosas y con menor interés por el detalle en aras de unas formas
que adquieren pleno significado en sí mismas.
Sin duda alguna, la obra de Miguel Ángel Buonarotti (1475-1564) marca todo el
periodo. Gozó de extraordinario prestigio entre sus contemporáneos que lo calificaron de
“divino”. En su larga vida desarrolla una intensa actividad creadora abordando proyectos de
gran envergadura en arquitectura, escultura y pintura, aunque su verdadero temperamento
artístico será escultórico, actividad artística que anteponía a cualquier otra. Concebía su
proceso creador como una experiencia mística y atormentada que se llevaba a la práctica
mediante un gran esfuerzo físico. La influencia de este artista se prolongará a lo largo de la
segunda mitad del siglo XVI, si bien con una tendencia a la elegancia, un tanto amanerada
que va a caracterizar a las artes figurativas durante el manierismo.
Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564).

Para la adecuada comprensión de su obra es imprescindible conocer su
pensamiento y su concepto de la obra de arte, pensamiento que podemos extraer de sus
propios escritos y de los escritos de sus contemporáneos. No podemos separar su obra de
sus profundas convicciones filosóficas, que incluso condicionan su forma de trabajo. La
influencia del neoplatonismo le lleva a creer en la belleza del universo visible y sobre todo
en la belleza humana cuya plasmación debe ser el objetivo del artista. Sin embargo, la
belleza visible no es sino el reflejo de la belleza espiritual, que es lo verdaderamente
importante ya que puede elevarnos a la contemplación de lo divino. Con el paso del tiempo
la belleza física que es efímera dejó de interesarle y sus últimas obras están impregnadas
de misticismo: Dios se ha convertido en la única fuente de belleza. La influencia del
neoplatonismo la encontramos también en su forma de concebir la creación artística como
una lucha entre dos poderosos enemigos: la materia (el bloque de mármol) y la forma (la
obra de arte). Al igual que el alma lucha por liberarse de la esclavitud de la materia, también
la obra de arte emerge del bloque de mármol, que es su cuna y prisión. La obra de arte
surge como si por fin la vida hubiera llegado a un ser incrustado en la piedra desde tiempos
inmemoriales.
Su método de trabajo está condicionado por estas ideas. Empezaba por la cara
frontal del bloque de mármol dibujando la figura. Poco a poco iba hundiendo su dibujo en la
profundidad de la piedra mediante un continuo modelado que exigía una perfecta visión de
conjunto para lograr la perfecta coordinación de todas las partes del cuerpo, teniendo
15
además en cuenta las complicadas posturas que adoptan sus figuras. La obra emerge del
bloque de mármol, como si fuera una figura que surge poco a poco del agua, mostrándose
primero como si un relieve y luego exenta y tridimensional. Un aspecto esencial de su obra
es el “non finito”, a veces por circunstancias externas, pero también por propia voluntad
estética como reflejo de la insatisfacción del artista en su lucha por representar la belleza
ideal y la perfección siempre inalcanzada.
Miguel Ángel refleja en su obra la espléndida belleza del cuerpo humano cuya
anatomía conoce a la perfección, pero sobre todo sabe plasmar de forma magistral la
profunda tensión interior, su famosa “terribilitá”, en obras poderosamente expresivas e
intensas, que le convierten sin lugar a dudas en uno de los mejores escultores de todos los
tiempos.
Entre sus obras escultóricas más famosas nos encontramos con:

 La Piedad Vaticana (1495). Fue objeto de un
encargo papal y está influida por su estudio de la
obra de Donatello y la escultura antigua. Es la
obra más querida del autor hasta el punto que
dejó impreso su nombre en la cinta que recorre el
cuerpo de la Virgen. Se trata de una composición
piramidal, pero muy equilibrada, con volúmenes
puros y cerrados y un acabado del material con
grandes calidades pictóricas presentes en el
juego de los paños y el estudio de la anatomía
del cuerpo de Cristo. Este se convierte en una
línea quebrada de cuerpo apolíneo y su
desnudez le da fuerza visual frente al drapeado violento de la Virgen, mucho más joven
que su Hijo como símbolo de la virginidad, que baja la mirada y está en posición
oferente: es la madre quien ofrece al hijo para la redención de los pecados, por lo que la
Virgen presenta el camino al mundo a la inmortalidad. Una obra clásica en la que el
virtuoso trabajo de pulimentación permite un perfecto acabado.
 El David para la Plaza de la Signoria en Florencia (1503). Miguel Ángel no se inspira ya

en los prototipos creados por Donatello o Verrocchio sino en las representaciones
clásicas que había estudiado durante su estancia en Roma. Se realiza en un enorme
bloque de mármol que estaba abandonado en la plaza de la Signoria por el escultor
16
Duccio que pretendió inútilmente esculpir un profeta. Miguel Ángel consigue que se le
adjudique y ejecuta esta impresionante obra en una composición compacta muy propia
de él. En esta obra ya están presentes todos los principios de estudio anatómico, fuerza
y expresividad que caracterizarán sus
creaciones posteriores. Fue duramente
criticada en la época, unos la consideraban
demasiado grande, medía 4,10 metros, otros
que estaba desproporcionada en la mano
derecha, la cabeza y los pies, lo cual puede
ser intencionado en aras de expresividad.
David, representado por un adolescente,
aparece en actitud de reposo apoyándose
sobre la pierna derecha que contrasta con la
tensión vital y dramática de todas sus partes,
lo que determina una línea en zig-zag,
característica del manierismo. Miguel Ángel
busca el equilibrio entre fuerzas y calma,
entre movimiento y reposo. El rostro expresa orgullo y fuerza moral, es decir, su clásica
“terribilitá”. Frente y boca denotan decisión y los ojos arden de fuego interior. La obra
puede simbolizar la democracia florentina que había logrado la caída de los Médicis.
 La Tumba de Julio II (1505 – 1534) en Roma, respondía a un proyecto que integraba

una estructura arquitectónica y un conjunto de cuarenta esculturas de tamaño natural.
Miguel Ángel avanzó en la realización del grupo escultórico que, por razones políticas y
económicas, acabó reducido a la talla de
Moisés, las esculturas de Lía y Raquel y
a las figuras de algunos esclavos que
hoy se encuentran en el Museo del
Louvre. En esta obra funeraria Miguel
Ángel expresa las creencias metafísicas
del hombre que concilia el paganismo
platónico con el cristianismo. La parte
inferior estaría ocupada por los esclavos
y las victorias, que simbolizan el alma
esclavizada por la materia y el alma libre
capaz de vencer los instintos. Arriba Moisés y San Pablo simbolizan la vida activa y la
17
vida contemplativa como caminos a la inmortalidad. En el último piso, el Papa es

acompañado por dos ángeles que le llevan al cielo, uno que sonríe por la alegría
celestial, el otro triste por el pesar terrestre al perderlo. Representó a Moisés en el
momento de regresar de su estancia en el Sinaí para contemplar la idolatría de su
pueblo, y la ira se agolpa en su rostro. Para resaltar esa tensión recurre al movimiento
contenido que contrapone las partes del cuerpo: giro de la cabeza frente a manos y
piernas, en actitud de levantarse y de los brazos. De este modo, rompe la armonía y el
equilibrio del “primer renacimiento” y obliga al espectador a girar en torno de la obra. Los
cuernos representan la luz que según la tradición salía de la cabeza de Moisés mientras
hablaba con Dios.
 Las tumbas de los Médicis en Florencia. Estas figuras se enmarcan en un programa

iconográfico muy influido por el neoplatonismo florentino. Se trata de las figuras sedentes
de Giuliano, joven guerrero, y
Lorenzo conocido como Il
Pensieroso por su actitud de
pensador. Ambos representan los
dos caminos para llegar a Dios, la
vida activa y la vida contemplativa, y
se unen a unas figuras muy
vinculadas a la escultura helenística:
el día y la noche y la aurora y el
crepúsculo, que aluden al principio y
al fin de la existencia humana.
Sus últimas obras coinciden con una crisis espiritual y personal en la vida del
escultor, como lo demuestran los poemas de sus últimos años, llenos de amargura y de
soledad. Esta crisis personal coincide con el espíritu de la Contrarreforma y encuentra en el
tema de la piedad el campo perfecto para expresar estos sentimientos. De esta manera han
de entenderse:
 La Piedad de Santa María dei Fiore (1550-1553).
 La Pietá Rondanini (1564).
18
– LA PINTURA DEL QUATTROCENTO –
Se dio en Italia durante el siglo XV. Esta pintura experimenta una enorme evolución,
sucediéndose una serie de aportaciones pictóricas que depurarán el lenguaje renacentista.
Se aprecia un interés por la representación volumétrica de las figuras, la comunión de las
distintas partes de la composición y la representación realista de la naturaleza, las
dimensiones y la profundidad.
Características generales:
 Los pintores aprenden a representar cada vez mejor el cuerpo humano, y los rostros,
conforme avanza el tiempo, son también más variados. Por primera vez se hacen
verdaderos retratos en los que se copian fielmente los rasgos del retratado.
 Se da mucha importancia a la perspectiva, para así lograr una mejor representación de
la naturaleza.
 También es importante el uso de la luz, mediante el cual se refuerza el efecto de las
líneas y los volúmenes. Los tipos de luz más utilizados son las cenitales y uniformes, ya
que aportan claridad a la composición.
 La escultura clásica ejerce en los pintores una gran influencia, sobre todo en la
representación de los ropajes.
 Se concede importancia tanto al tema como a la belleza de las formas y a la armonía
compositiva.
 Predomina la línea sobre el color, por lo que los contornos aparecen muy definidos. En
cuanto a la utilización del color, se realizan modulaciones en la gama cromática.
 Se realizan composiciones complicadas con varias figuras principales, incluso varias
escenas en el mismo cuadro. El tema principal siempre ocupa el centro de la escena,
rodeado de numerosos elementos secundarios.
 El paisaje va ganando importancia, aunque sigue apareciendo como un telón de fondo,
con cierta desconexión entre este y las figuras, aun así, existe una correcta proporción
entre el tamaño de las figuras y el ambiente. Se utiliza sobre todo para obtener efectos
de profundidad (tridimensionalidad) y enmarcar las figuras.
Técnicas y soportes:
 En la pintura mural se mantiene la tradición del fresco, pero poco a poco va perdiendo
importancia. Aun así se conserva para la decoración de muros y bóvedas.
19
 La pintura de caballete va ganando importancia, sobre todo sobre tabla, la pintura sobre
tela se da en menos ocasiones. Se utilizan distintas técnicas según el momento: en la
primera mitad del siglo XV predomina el uso del temple, y a partir de la segunda mitad
del siglo XV gana importancia el óleo.
Los Temas:
 Los temas religiosos son los más importantes, pero estos se humanizan en las obras. En
estas obras se producen anacronismos entre las vestimentas con las que se visten a los
personajes y las épocas y espacios en los que se les presenta.
 Otro tema recurrente es el mitológico, adquiriendo un sentido alegórico. Los artistas,
como se ha señalado anteriormente, se inspiran en esculturas de la Antigüedad Clásica,
pero también en descripciones literarias de autores clásicos. Se pretende exaltar valores
como la belleza, la perfección o la virtud, dando mucha importancia al desnudo. Al igual
que pasa con los temas religiosos, se producen anacronismos en la vestimenta respecto
a la época que se representa.
 Los retratos ganan una enorme importancia debido a la influencia del Humanismo y del
Individualismo Renacentista. Se representan los rasgos físicos del personaje y, mediante
la expresión de la que se dota a la obra, se pueden adivinar rasgos psicológicos del
mismo. Las figuras están representados normalmente de perfil o ligeramente vuelta
hacia el espectador (de tres cuartos). En un primer momento se representaba
únicamente el busto, pero a medida que avanza el siglo se va representando el cuerpo
entero. Aparecen distintos tipos de fondo, como monocromos o paisajes.
Fra Angelico (1390 - 1455):

Es el artista que representa el enlace con la pintura gótica, representada esta en su
abundante uso del dorado.
 Gran representación de los rasgos curvilíneos de las figuras, con finos contornos y
actitudes serenas.
 Da mucha importancia al volumen y al espacio, cuya concepción supone un nuevo
elemento para la pintura de la época.
 En sus obras utiliza una gran riqueza cromática, muy equilibrada con los paisajes y las
líneas.
20
 Su tema más recurrente es el religioso. Es el pintor de las Anunciaciones y buena parte

de su carrera la dedicó a decorar con frescos las celdas del convento de San Marcos,
donde residía.
La Anunciación Huida a Egipto
Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai – “Masaccio” (1401 – 1428):

Este artista prescinde totalmente del goticismo del que hacía gala Fra Angelico.
 Dota a sus figuras de un carácter escultórico. Las representa mediante formas robustas
y con expresiones llenas de dramatismo.
 Modela las figuras mediante juegos de luz y sombra, otorgándolas una enorme
sensación de volumen
Tributo de la moneda La Trinidad
Paolo Uccello (1397 – 1475):

Otorga una gran importancia a la perspectiva. Vasari cita como palabras de Uccello:
"Oh, qué asunto tan dulce la perspectiva".
 Esta perspectiva es usada para crear escenografías fantásticas y visionarias en espacios
indefinidos.
21
 Representación de los paisajes con una gran profundidad.

 Obras pintadas con colores planos y violentos escorzos, lo que otorga a las figuras un
importante volumen.
Batalla de San Romano, Primera y Tercera escenas
Piero della Francesca (1415 – 1492):

Fue discípulo de Fran Angelico, pero desarrolló un estilo muy diferente de este,
llegando a codificar las leyes de la perspectiva.
 Tenía una enorme capacidad para el manejo de la luz. Iluminaba únicamente la parte
posterior de las formas, lo que supone una importante innovación.
 Las figuras representadas son voluminosas y sin apenas movimiento. Los rostros
representados son poco individualizados.
 Los paisajes y ambientes representados muestran una importante construcción
geométrica.
Resurrección de Cristo Virgen con Santos
22
Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi – “Botticelli” (1445 – 1510):

Botticelli no se cuenta entre los grandes innovadores del Renacimiento, sino que se
inscribe más bien en un grupo de pintores que rehuyó el realismo a ultranza y se inclinó por
un estilo basado en la delicadeza, la gracia y un cierto sentimentalismo.
 En sus temas conjuga mitología pagana con alusiones al cristianismo.
 Su dibujo está recorrido por trazos nerviosos.
 Todas sus figuras están agitadas por una gran sensación de movimiento.
 Los rostros que pinta presentan expresiones de tristeza y melancolía.
 Otorga una gran importancia al cuerpo desnudo.
 Presta especial atención a la figura femenina.
 Representación de paisajes primaverales.
Nacimiento de Venus La Primavera
Fra Filippo Lippi (1406 - 1469:

En sus obras se observa una humanización y refinamiento de sus figuras,
representando así una de las grandes preocupaciones del Renacimiento, el interés por el
hombre y sus sentimientos.
 Sus pinturas son de las más expresivas del Quattrocento debido a su idealismo, la
limpieza de su dibujo y la profundidad de sus paisajes.
 Toda su pintura está llena de contradicciones situando a los personajes en los lugares
más extraños, sobre todo en paisajes de estética más centroeuropea que toscana.
23
Distintas Vírgenes con el Niño
Domenico Ghirlandaio (1449 – 1494):

 Esquema compositivo grandioso y decorativo.
 Técnica de claroscuro muy avanzada para la época.
 Solo pintó utilizando las técnicas de la témpera y del fresco, nunca al óleo.
 Contornos representados con cierta dureza.
 Llevó a cabo una pintura narrativa y profana.
 Fue un gran retratista.
Viejo con su nieto Madonna con Santos
Andrea Mantegna (1431 – 1506):

 Importante tratamiento del espacio a través de la perspectiva.
 Formas pétreas: modelado casi escultórico de las figuras y telas duras.
 Representación de la profundidad mediante líneas convergentes y juegos de luces
en el suelo.
 Pinturas realizadas mediante escorzos.
24
Cristo Muerto Tránsito de la Virgen
Bellini (1396/1400 – 1470):

 Temática de las obras fundamentalmente religiosa.
 Las figuras representadas tienen un alto valor simbólico.
 Los rostros representados muestran una gran expresividad.
 Otorga una gran importancia a los fondos.
Sagrada Conversación Virgen del Prado con el Niño dormido
25
– LA PINTURA DEL CINQUECENTO –
Tipo de pintura:
 Temple: sobre estilo mural. Imitación de las antiguas punturas murales: Ej., decoración
de los apartamentos papales por Rafael.
 En el S. XV se comienza a introducir el óleo de la mano de la de la escuela Veneciana,
así como el soporte en lienzo, sustituyendo paulatinamente a la tabla.
Temática:
 Religioso: la religión aún tiene predominio en sus temas y siguen siendo constantes.
 Profanos: importancia de la naturaleza, con un nuevo boom del género del retrato,
tratamiento de los temas históricos y mitológicos. Se busca la inspiración en las fuentes
antiguas.
Técnica:
 El dibujo se ciñe a principios matemáticos. Se introducen elementos que desarrollaran
las leyes de la perspectiva.
 La importancia de la técnica del escorzo y las líneas paralelas.
 La perspectiva permite el paso al virtuosismo de la realidad.
 Se retoma el desnudo.
 El hombre como centro del Universo y el Cosmos. Ejemplo: Leonardo Da Vinci y “El
Hombre de Vitrubio”. Se busca un nuevo hombre.
 Responden a unos cánones de vinculados a la antigüedad. Imitan las obras que habían
llegado de Grecia y Roma.
Importancia del Mecenazgo:

 Es concebido como una inversión: da crédito y otorga prestigio.
 Se convierte en una necesidad. Semejanza con los banqueros y a veces se incluían las
mismas personas.
 Ej.: Los Médicis. Algunos ejemplos de mecenazgo
o Julio II: Rafael y Miguel Ángel.
o Luís XIII: Leonardo Da Vinci.
o Carlos V: Tiziano.
- Se elimina el componente ascético del medievo. Se acercan lo mundano y lo
divino. Cambia el trato de las figuras divinas y su apariencia.
26
 LEONARDO DA VINCI (1452-1519):

 A pesar de haber vivido en la II mitad del siglo XV su obra artística se incluye dentro del
Cinquecento.
 Discípulo de Verrocchio para el cual trabajó en Florencia y en Milán para Ludovico el
Moro.
 Tras la caída de su protector viajó por diferentes ciudades italianas para acabar sus días
en Francia al servicio de Luís XIII.
 Gran intelecto que anticipó muchos de los descubrimientos posteriores en anatomía,
aeronáutica, y otros varios campos. Sus investigaciones técnicas y científicas abarcan
todas las ramas del saber, incluyendo la pintura sobre la que escribió un tratado.
 Su gran aportación en pintura fue la técnica del Sfumato o difuminado. Paso de la luz a
la oscuridad “luz y sombre debían mexclarse”. La preocupación del Leonardo en el claro-
oscuro desembocará en el barroco en el llamado tenebrismo.
 Leonardo representó el cuerpo humano en sus dos vertientes.
o Psicología a través de la expresividad reflejada en la mímica de la figura.
o Anatómica a través del movimiento del cuerpo. Estudios de Leonardo sobre
anatomía. El hombre de Vitrubio.
 Características de su obra:
o Uso del sfumato
o Hombre como centro del cosmos y el universo
o Nuevo ideal de hombre
o Uso del claro-oscuro
o Característico estudio de sus personajes.
o Disposición triangular de sus personajes.
o Gran importancia del retrato y el paisaje.
 Su obra fue tan diversa que han quedado muchas sin terminar.
 Bernardino Luini fue su discípulo y continuador de la técnica leonardesca en Lombardía.
 Entre sus obras más características: La Adoración de los Reyes, La Virgen de las Rocas,
La Gioconda, La Última Cena.
27
 MIGUEL ÁNGEL (1475-1564).

 Se interesó por los volúmenes, la forma y la monumentalidad.
 Evitó los detalles minuciosos y anecdóticos.
 No prestó mucha atención al color.
 Utilizó los escorzos y el movimiento inestable. Precursores del futuro manierismo.
 Algunas de sus obras más representativas: Tondo Doni, Capilla Sixtina, El Juicio Final.
28
 RAFAEL SANZIO (1483-1520):

 Se inició por su padre, que también era pintor. Estudió en el taller de Perugino y más
tarde en Florencia.
 Gran admiración por Leonardo y Miguel Ángel. Ambos artistas influyeron en su obra.
 En Roma trabajó para Julio II.
 Características de su obra. Diferenciamos tres etapas:
o Primera etapa: influenciado por la Escuela de Umbría. Predominio de la simetría
y la suavidad. Obras: Los Desposorios de la Virgen, El Sueño del caballero.
o Florencia: influjo de la belleza ideal. Durante su estancia en Florencia pinta
numerosas madonnas. Sagrada familia del cordero.
o Roma: bajo la tutela de Julio II decoró cuatro salas: La Signatura, en la que pinta
La Escuela de Atenas, El Parnaso, La Disputa del Santo Sacramento y las
Virtudes Cardinales. Estancia de Heliodoro: La expulsión de Heliodoro del
templo, La misa de Bolsena, Encuentro de León Magno con Atila y la Liberación
de San Pedro. Estancia del Incendio del Borgo: Batalla de Ostia, El Incendio del
Borgo, Coronación de Carlomagno y Justificación de León III. Estancia de
Constantino: Visión de la Cruz, Batalla de Constantino contra Majencio, Bautismo
de Constantino y Donación de Roma. En todas ellas también pintó la bóveda de
la sala.
o Al mismo tiempo también hizo varias pinturas a caballete: La Virgen de la Silla.
o A lo largo de su vida realizó elegantes retratos, como León X, Baltasar de
Castiglione, La Formarina.
29
30
 EL MANIERISMO.
 Ausencia de grandes maestros y una influencia fundamental de los hechos históricos,
como es el Saco de Roma de 1527. Todo esto da un nuevo estilo, el Manierismo.
 Es un estilo exagerado, irrealista y muy complicado.
 Rompe con muchas de las reglas establecidas por el Renacimiento.
 La expresión del hombre se convierte en el fin mismo del artista.
 Es un estilo muy subjetivo y emocional. Se producen obras de creación intelectual
conscientemente enrevesadas que requerían espectadores especializados en su
lenguaje.
 Composición:
o Enigmática, inverosímil y rebuscada.
o Tema principal relegado a un segundo plano.
o Presencia de diferentes escalas con un aura espiritual.
o La perspectiva tratada con mucha maestría.
o Colores vivos mezclados con el patetismo dado por una luz extraña que busca
remover el ánimo y provocar emoción en el espectador.
 Ejemplos: Descendimiento de Cristo y Virgen del cuello largo.
31
LAS INFLUENCIAS DEL RENACIMIENTO: LA ESCUELA VENECIANA.

 TIZIANO (1477-1576).
 Discípulo de Bellini y fuertemente influenciado por Giorgione.
 Su larga vida y obra prolífica dio pie a una gran evolución de su obra.
 Una primera etapa caracterizada por la supremacía del color y los grandes paisajes:
Amor Sacro y Amor Puro, Las Tres Edades.
 Una segunda etapa más caracterizada por el uso de la perspectiva, el claro-oscuro y la
mezcla de gamas frías y cálidas: El Triunfo de Baco y Ariadna. Estilo seguido por
Rubens y Van Eyck. Entre otras de sus obras, los retratos de Felipe II, Carlos V e Isabel
de Portugal.
 Pintó diferentes temas: religiosos, retratos, mitológicos, históricos…
 Su discípulo sería Tintoretto.
 Venus de Urbino o Danae recibiendo la lluvia dorada.
32
 TINTORETTO (1518-1594).
 Manierista, de la escuela Veneciana, constituye una excepción en este movimiento ya
que no se desarrolló allí.
 El tema principal se expande por todo el cuadro.
 La exageración de luces y sombras dará pie a un futuro tenebrismo.
 Su idea era lograr la síntesis entre la perspectiva, las formas y la luz. Algo así como una
mezcla del dibujo de Miguel Ángel y la paleta de colores de Tiziano.
 Entre sus obras más famosas: El lavatorio de los pies, Adoración de los pastores, La
última Cena o Leda y el cisne.
33
34

El Renacimiento Italiano

Enviado por

Dados do documento

Descrição original:

Direitos autorais

Formatos disponíveis

Compartilhar este documento

Compartilhar ou incorporar documento

Opções de compartilhamento

Você considera este documento útil?

Este conteúdo é inapropriado?

Direitos autorais:

Formatos disponíveis

El Renacimiento Italiano

Enviado por

Direitos autorais:

Formatos disponíveis

Colegio Lourdes Historia del arte

Curso 2014/2015 2º Bachillerato

A comienzos del siglo XV se produce en Florencia una transformación profundamente

Así, podemos distinguir unas características generales:

 Lo horizontal prevalece sobre lo vertical a base de molduras, líneas de imposta,

Filippo Brunelleschi (1377-1446).

León Battista Alberti (1404-1472).

las proporciones perfectas: la belleza emana de la aplicación de leyes inmutables.

Donato Bramante (1444-1514).

de la obra de Vitruvio. Su arquitectura se caracteriza por:

Entre sus obras más importantes nos encontramos con:

Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564).

Otras obras arquitectónicas de Miguel Ángel

Jacopo Barozzi de Vignola (1507-1573).

Andrea Palladio (1508-1580).

Una de sus principales preocupaciones será la

 Su rasgo más característico será la repetición de un motivo arquitectónico, el llamado

La escultura italiana en este primer Renacimiento, el Quattrocento, nace como la

Lorenzo Ghiberti (1378-1455).

Su obra más relevante será:

Entre sus obras más importantes podríamos

Importante será también la recuperación del retrato ecuestre en su obra el

arrogancia o la violencia. También debe destacarse la perfección técnica y la dificultad de

Luca Della Robbia (1400-1482)

En contraposición con el siglo XV, y en estrecha relación con lo sucedido en la

Miguel Ángel Buonarroti (1475-1564).

Entre sus obras escultóricas más famosas nos encontramos con:

 El David para la Plaza de la Signoria en Florencia (1503). Miguel Ángel no se inspira ya

 La Tumba de Julio II (1505 – 1534) en Roma, respondía a un proyecto que integraba

vida contemplativa como caminos a la inmortalidad. En el último piso, el Papa es

 Las tumbas de los Médicis en Florencia. Estas figuras se enmarcan en un programa

– LA PINTURA DEL QUATTROCENTO –

Fra Angelico (1390 - 1455):

 Su tema más recurrente es el religioso. Es el pintor de las Anunciaciones y buena parte

La Anunciación Huida a Egipto

Tommaso di ser Giovanni di Mone Cassai – “Masaccio” (1401 – 1428):

Tributo de la moneda La Trinidad

Paolo Uccello (1397 – 1475):

 Representación de los paisajes con una gran profundidad.

Batalla de San Romano, Primera y Tercera escenas

Piero della Francesca (1415 – 1492):

Resurrección de Cristo Virgen con Santos

Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi – “Botticelli” (1445 – 1510):

Nacimiento de Venus La Primavera

Fra Filippo Lippi (1406 - 1469:

Distintas Vírgenes con el Niño

Domenico Ghirlandaio (1449 – 1494):

Viejo con su nieto Madonna con Santos

Andrea Mantegna (1431 – 1506):

Cristo Muerto Tránsito de la Virgen

Bellini (1396/1400 – 1470):

Sagrada Conversación Virgen del Prado con el Niño dormido

– LA PINTURA DEL CINQUECENTO –

Importancia del Mecenazgo:

 LEONARDO DA VINCI (1452-1519):

 MIGUEL ÁNGEL (1475-1564).

 RAFAEL SANZIO (1483-1520):

LAS INFLUENCIAS DEL RENACIMIENTO: LA ESCUELA VENECIANA.

Você também pode gostar