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Directora
CAROLINA LOURIDO
Diseñadora gráfica
DIEGO ZÚÑIGA
Jurado
JORGE MARULANDA
Jurado
Gracias a todos mis amigos y personas que han compartido conmigo durante este
proceso, de cada uno aprendí y aprenderé diariamente. Todos son una parte
impórtate, tomar sus experiencias de vida es algo enriquecedor para reflexionar
sobre la propia.”
4
AGRADECIMIENTOS
5
CONTENIDO
pág.
RESUMEN 12
INTRODUCCIÓN 13
1. PLANTEAMIENTO GENERAL 14
1.1. ANTECEDENTES 14
1.3. OBJETIVOS 16
1.4. JUSTIFICACIÓN 17
2. MARCOS DE REFERENCIA 18
6
2.1.4.3. La época de la información 29
3. MARCO LEGAL 53
4. OBSERVACIONES 59
6. CRONOGRAMA 80
7. RECURSOS 81
7
8. CONCLUSIONES 82
9. BIBLIOGRAFÍA 83
8
LISTA DE TABLAS
pág.
9
LISTA DE FIGURAS
pág.
Gráfico 8. MÁRGENES. 72
10
LISTA DE ANEXOS
pág.
Anexo A. PORTADA 84
11
RESUMEN
12
INTRODUCCION
Si se hace una retrospectiva del diseño en general, es claro que con el pasar de
los años han surgido movimientos o estilos que nacieron de necesidades o de la
misma evolución de estos. Todo esto para lograr darle una identidad más íntima y
propia a cada cosa que se crea.No cabe duda que al avanzar en el tiempo
seguirán apareciendo nuevos estilos, producto de la multiplicidad de culturas y
costumbres a las que los seres humanos damos forma y acogemos como propias.
El estilo es un leguaje, una forma de comunicar una forma de afianzar eso que le
imprimimos a todo lo que hacemos, a nuestros actos y a las cosas que nuestros
actos producen, una determinada modalidad peculiar que la naturaleza misma no
nos enseña, sino que se deriva de nuestra personal participación.
Los diseñadores puedan acoger estos datos estilísticos e imprimirle sus propias
cualidades sin modificar los parámetros principales, de esta forma diferenciarse e
identificar los trabajos.
De aquí la importancia de contar con una fuente que recopile estos estilos y
movimientos. Poseer el conjunto de información sobre los movimientos principales
del Diseño Gráfico es importante a la hora de encauzar cada nuevo proyecto.
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1. PLANTEAMIENTO GENERAL
1.1. ANTECEDENTES
En la carrera de Diseño de la Comunicación Gráfica durante los diferentes niveles
se analizan y estudian múltiples diseñadores, estilos y movimientos en variaos
materiales bibliográficos, que sirven como inspiración o punto de partida para
entender mejor los aspectos visuales de esta profesión.
Diseño del Siglo XX, Charlotte & Peter Fiell, buen texto con estilo biográfico sobre
diseñadores, artistas y movimientos.
En cuanto a material educativo sobre el tema pueden existir gran variedad, cada
uno complementándose con el otro, teniendo como propósito seguir aportando
material educativo de provecho.
14
1.2 FORMULACIÓN DEL PROBLEMA
¿Cómo identificar cuáles son los principales movimientos artísticos que influyeron
en el Diseño Gráfico?
15
1.3. OBJETIVOS
16
1.4. JUSTIFICACIÓN
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2. MARCOS DE REFERENCIA
Cada movimiento o estilo artístico refleja el arte con ciertos rasgos similares
durante una etapa de tiempo, siendo un fenómeno de expresión artística que
manifiesta las características propias de la época en el que surge. Los
movimientos o estilos artísticos se clasifican por los historiadores del arte o de la
literatura atendiendo a distintos criterios de periodización.
18
2.1.3. Escogencia de los principales movimientos que influyeron en el diseño
gráfico. Según los significados anteriores se entiende que aspectos del
comportamiento y actividades de los humanos son el punto inicio para muchas de
las cosas que han surgido y no solo en el campo de las artes, por tal razón los
movimientos identificados tienen sus características de surgimiento en las
disciplinas de las ciencias sociales como la Antropología, Historia, Política,
Economía y Sociología. Es decir que cada uno de los movimientos escogidos
nació como respuesta a la problemática que se vivía en ese momento.
Con la aparición del arts and crafts (artes y oficios) se inicia una época de
evolución del diseño gráfico, este desencadeno una evolución donde se miró más
objetiva mente todo lo relacionado con el arte y el diseño gráfico, se crearon
nuevas teorías, conceptos y se perfecciono habilidades tanto técnicas como
manuales.Antes de este movimiento nunca tenían como necesidad primaria crear
nuevos conceptos o tendencias, solo se basaron en reproducir lo existente no se
dieron a la tarea de hacer una exploración amplia en las nuevas creaciones.
En los siguientes textos se muestra como fue el surgimiento de cada uno de los
movimientos escogidos, esto con el fin de profundizar sobre el porqué de su
importancia y inclusión en este proyecto, también se adjuntó a que movimientos
influyo cada uno de estos movimientos.
• Arts and Crafts (artes y oficios). Nace para contrarrestar los efectos de la
industrialización del siglo XIX, los fundadores de este movimiento pensaban que
esto generaba una declinación del diseño y la calidad, el movimiento Arts and
Crafts (artes y oficios) defendía una perspectiva más simple y una mejor moral
sobre el diseño y su producción. Este promovió los sistemas de producción
artesanal tradicional entre los diseñadores, manteniendo la creencia de que lo
fabricado manualmente era mejor a lo fabricado con máquinas. También se veía a
los sistemas de producción mecanizada como algo degradante.
19
• Ukiyo-e. El significado de Ukiyo-e es “imágenes del mundo flotante”, se
desarrolló en el periodo artístico Tokugawa japonés (1603-1867). Fue la época de
la fase final de la historia tradicional japonesa, done creció la economía,
estabilidad interna y artes culturales. El sogún (un gobernador militar cuyo poder
excedía al del emperador) temeroso por la expansión colonial europea y de los
misioneros cristianos, emitió tres decretos en la década de 1630, por los cuales
Japón se aisló del mundo y excluyo a extranjeros. A los japoneses se les regreso y
se les prohibió viajes al exterior. Solo comerciantes holandeses y chinos podían
arribar al puerto de Nagasaki. En este periodo el arte japonés alcanzó un singular
carácter nacional con poca influencia externa.
20
• La Escuela de Glasgow. La Escuela de Glasgow (1875 – 1905) fue una
institución de enseñanza de Arte, este nombre también hace referencia al grupo
Glasgow, un círculo de artistas influyentes de ideas modernas que desarrollaron
el Art Nouveau en Escocia. En este grupo se encontraban los arquitectos Charles
Rennie Mackintosh y Herbert McNair y las diseñadoras gráficas y decoradoras de
interiores, Margaret y Frances Macdonald. La escuela tenía como objetivo de
mejorar la calidad del diseño del país a través de un sistema de educación que
proporciona formación en diseño para la sociedad.
• Cubismo. El cubismo empezó una nueva práctica artística y una forma de ver
que desafió a 400 años de tradición renacentista del arte pictórico, al introducir un
concepto de diseño independiente de la naturaleza. La génesis de este
movimiento fue una serie de trabajos realizados por el pintor español Pablo
Picasso.
21
El futurismo nació gracias al poeta italiano Filippo Marinetti (1876-1944), publicó
un manifiesto de futurismo, en el periódico de parisino Le Fígaro el 20 de febrero
de 1909. La fuerza de sus palabras instituyó al futurismo como un movimiento
revolucionario en todas las artes con el objetivo de probar sus ideas y formas
contra las nuevas realidades de la sociedad científica e industrial. El manifiesto de
Marinetti, expresaba el entusiasmo por la guerra, la época de la máquina, la
velocidad y la vida moderna. Dicho entusiasmo sacudió al público cuando
proclamó, “destruiremos museos, bibliotecas y pelearemos contra el moralismo, el
feminismo y toda cobardía utilitaria”.
Los dadaístas no concordaban con el origen del nombre Dadá, una versión dice
que el movimiento fue nombrado cuando los dadaístas abrieron un diccionario
francés-alemán y seleccionaron al azar la palabra dadá, que significa caballito de
juguete. Pese a los numerosos manifiestos presentados por los dadaístas, no
había tras este movimiento un grupo estable.
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rebelión y los misterios del inconsciente en su Manifesto du Surrealisme:
“Surrealismo, sustantivo, masculino, automatismo síquico puro por medio del cual
se pretende expresar, ya sea en forma verbal o escrita, la verdadera función del
pensamiento. Aunque dictado en la ausencia de todo control ejercido por la razón,
toda la estética o preocupaciones morales.”
Por medio del movimiento de los pintores que el surrealismo afectó a la sociedad y
a las comunicaciones visuales. Los surrealistas a crearon imágenes tan
personales que la comunicación se volvió imposible, también produjeron imágenes
cuyos sentimientos, símbolos o fantasía suscitaron una respuesta colectiva
universal en grandes cantidades de personas.
Tristan Tzara llegó proveniente de Zurich para unirse a Bretón, a Louis Aragon
(1897 -1982) y a Paul Eluard (1895-1952). Él estimuló en el grupo una actitud
hacia el escándalo y la rebelión. Estos jóvenes poetas rechazaron el racionalismo
y las convenciones formales dominantes de las actividades creativas de la
posguerra en París. El surrealismo (superrealidad en francés) no fue un estilo o un
asunto de estética, más bien, fue una forma de pensar y saber, una forma de
sentir y una forma de vida. El surrealismo profesaba una fé poética en el hombre y
en su espíritu. La humanidad se podía liberar de las convenciones sociales y
morales. La intuición y el sentimiento se podían manifestar con libertad.
23
pinturas en los inicios del siglo XX, la pintura impulsó a la fotografía a su nuevo
reino de abstracción y diseño.
• Art Decó. El nombre de Art Decó se utiliza para identificar las obras
geométricas populares de las décadas de 1920 y 1930. Este quería expresar la
era moderna de la maquina mientras que aún se satisface la pasión por la
decoración. (El término Art Decó fue acuñado por el historiador de arte británico
Bevis Hillier en la década de 1960, y se deriva del título Exposition Internationale
des Arts Décoratifs et Industriels Modernes, una importante exposición de diseño
que se realizó en París en 1925.)
24
• Constructivismo y suprematismo. Rusia fue destrozada por la turbulencia de
la Primera Guerra Mundial y por la Revolución rusa en la segunda década del siglo
XX. El zar Nicolás II (1868-1918) fue derrocado y asesinado, Rusia fue devastada
por la guerra civil y el Ejército Rojo de los Bolcheviques emergió victorioso en
1920. Durante este periodo de trauma político, un breve florecimiento de arte
creativo en Rusia tuvo una influencia internacional en el diseño gráfico y la
tipografía del siglo XX. Iniciando con las conferencias rusas de Marinetti, la década
contempló a los artistas rusos absorber el cubismo y el futurismo con una
velocidad sorprendente para después continuar hacia nuevas innovaciones. El
movimiento de vanguardia (avant garde) tenía suficientes rasgos comunes con el
cubismo y el futurismo como para acuñar el término cubofuturismo. La
experimentación en la tipografía y el diseño caracterizaron a las publicaciones
futuristas, las cuales presentaban obras de las comunidades artísticas visuales y
literarias.
25
El Manifiesto de la Bauhaus, fue publicado en los periódicos alemanes, y
estableció la filosofía de la nueva escuela: “La construcción completa es el objetivo
final de todas las artes visuales. Al principio la función más noble de las bellas
artes era embellecer los edificios; éstos eran los componentes indispensables de
la gran arquitectura. Hoy las artes existen en aislamiento. Arquitectos, pintores y
escultores deben reaprender el carácter compuesto del edificio como una entidad.
El artista es un artesano enaltecido. En los escasos momentos de inspiración, al
trascender su voluntad consciente, la gracia divina hará que su trabajo florezca en
arte. Pero la eficiencia en su oficio es esencial para cada artista. Allí yace la fuente
principal de la imaginación creativa.”
26
que la pureza del estilo de los medios y la legibilidad de la comunicación
proporcionan al diseñador un alcance a la perfección imperecedera de la forma, y
señalan la escala inventiva de soluciones por los primordiales practicantes como
evidencia de que ni la fórmula ni la uniformidad son personales al enfoque.
Por tal razón el interés de agrupar información sobre los movimientos más
importantes que han definido el Diseño Gráfico. Cada uno es una contribución a la
evolución del Diseño Gráfico, y son una guía a la hora de aplicar su estilo o
algunos de sus lineamientos en diseños posteriores.
32
2.2. MARCO TEÓRICO
Ilustraciones y fotografías.
Unas y otras conviven y son usadas sin establecer diferencias de tiempo, por lo
que es necesario establecer una clasificación que nos permita agrupar aquellas
fuentes que tienen características similares.
Son muchos los intentos por lograr agrupar las formas tipográficas en conjuntos
que reúnan ciertas condiciones de igualdad. Generalmente están basados en la
fecha de creación, en sus orígenes dentro de las vertientes artísticas por las que
fueron influenciadas o en criterios morfológicos.
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• Caligráficas. Las tipografías caligráficas o manuscritas son aquellas que
emulan la escritura manual, ya sea mediante pinceles, plumas, rotuladores o
cualquier otro instrumento de escritura.
• Formales. Son aquellas tipografías que aun siendo manuales, o emulan serlo,
poseen una apariencia regular, manteniendo una cierta formalidad a lo largo del
alfabeto. Tienen formas que se repiten en varias letras, igual que otras tipografías
de origen no manual.
• Infantiles. Son aquellas tipografías que emulan las letras dibujadas por niños.
Se caracterizan por su apariencia irregular y desproporcionada, e incluso pueden
estar descolocadas con respecto a la línea base.
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• Pincel. Escritas utilizando brocha, pincel o un instrumento parecido, estas
tipografías suelen tener unos bordes irregulares producto del exceso o falta de
agua en el pincel o del tipo de superficie en la que se apliquen las letras.
• Pluma. Son aquellas tipografías escritas con pluma o algún utensilio que
consiga un efecto similar. Tienen modulación aunque al estar hechas a mano, no
poseen unas proporciones constantes ni sus formas son completamente
homogéneas.
• Con serif. Son llamadas tipografías con serif las que llevan remate en los
extremos. Tienen su origen en la antigüedad, cuando se tallaban en bloques de
piedra. El tallador desarrolló esta técnica para asegurar que los bordes de las
letras fueran rectos.
• Inglesas. Aparecieron en 1845 gracias al tipo lanzado por Robert Besley & Co.
llamado Clarendon. Este presentaba un redondeo en la unión de los trazos con los
serifs y un mejor encaje y llegó a representar un pequeño subgrupo dentro de esta
categoría.
35
• Italianas. Tienen su origen en las tipografías talladas en madera. Esta subclase
de las egipcias se diferencia de las demás por poseer los serifs más gruesos que
los trazos principales. Son muy características en los carteles de los westerns
americanos.
• Romanas clásicas. Se llaman así los alfabetos basados en los tipos clásicos
romanos cortados para imprenta que aparecieron en el siglo XV, derivados de las
letras manuscritas italianas, y que fueron evolucionando hasta el siglo XX.
• Antiguas. Fueron diseñados durante los siglos XVI y XVII. También se conocen
como "Old Face" o "Garaldas". Se caracterizan por la modulación oblicua,
contraste medio, trazos terminales más ligeros que los tipos Humanísticos y peso
y color medio.
• Capitulares. Son aquellas derivadas de las letras talladas en la piedra por los
romanos dando lugar al alfabeto que conocemos actualmente. Están formadas
únicamente por mayúsculas ya que las minúsculas aparecerían más tarde.
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• Romanas modernas. Comprende aquellas romanas que tienen tal mezcla de
características que no encajan en las Romanas Clásicas. Son robustas y
compactas y, por lo general, creadas en el siglo XIX para solucionar problemas de
impresión.
• Art Decó. Nació en 1925 en Francia y se extendió por Estados Unidos hasta
finales de los años 30. Usaba formas geométricas básicas combinando el cubismo
con el Art Noveau. Son diseños muy decorados y poco utilizables excepto para
fines publicitarios.
• Letra gallega. Originaria del estilo uncial, la tipografía gallega está basada en la
letra del reino de Gallaecia. Perduró a lo largo de los siglos grabada en piedra en
iglesias, catedrales o monasterios. Posee una geometría y formas muy
características
• Urbanas. Son tipografías que están asociadas con alguna cultura o subcultura
de origen urbano como puede ser el Punk o el Hip Hop, identificativas de alguna
banda urbana o cualquier otro ámbito social.
• Hip Hop. Las tipografías de estilo Hip Hop emulan tanto los graffitis en paredes
hechos con spray o pincel como la escritura manual aplicada en papel con
rotuladores o bolígrafos. Presentan formas muy ornamentadas y en general son
difíciles de leer.
• Textura. Utilizadas desde el siglo XII hasta el XV, los trazos son muy angulosos
y están igualados hasta formar una especie de textura. En los remates de las
letras se forma un pié con forma de diamante.
• Sin serif. También llamadas de palo seco, estas tipografías se caracterizan por
la ausencia de remates en los extremos. Aparecieron en Inglaterra durante la
primera mitad del siglo XIX para su uso en impresos comerciales como carteles o
etiquetas
6
2004.
letrag.
[En
línea]
2004.
[Citado
el:
19
de
9
de
2010.]
http://es.letrag.com/clasificacion.php.
41
• Románticos. El rosa sugiere el romance. El rosa es el blanco agregado al rojo
en cantidades variables, y es el valor aclarado del rojo. Como el rojo, el rosa
despierta interés y excitación, pero de un modo más suave y más tranquilo.
El naranja, junto con sus vecinos del círculo cromático, se utiliza con frecuencia en
los restoranes de comidas rápidas, porque proyecta un mensaje invitante de
buena comida a un precio amigable. Debido a que es energético y brillante, el
naranja es el color internacional de la seguridad en zonas de peligro. Las balsas
42
guardavidas y los salvavidas naranjas se ven con facilidad en los mares azules o
grises.
• Suaves. Los tintes de valores aclarados sin altos contrastes, son los más
cómodos de usar cuando se crean combinaciones de colores suaves. El durazno,
como parte de una paleta apagada, es delicioso y atractivo en su mensaje de
color, y viable en cualquier medio, desde los restoranes a las exhibiciones de las
tiendas o la moda. Cuando se lo combina con tintes de violeta y verde se vuelve
parte de un esquema de color secundario, amortiguado pero mágico. Estos
colores suaves y tranquilizantes son ideales con frecuencia para la decoración
hogareña. Las combinaciones son alegres y comunicativas, a la vez que calmas y
acogedoras.
• Movilizantes. Las combinaciones de colores más brillantes son las que tienen
amarillo primario en el centro. El amarillo expresa el sol dador de vida, la actividad
y el movimiento constante. Cuando se le agrega blanco al amarillo, su calidad
luminosa aumenta y el efecto general es el de un brillo extraordinario.
43
Las paletas que combinan tonos similares al color de las cascaras de huevo y de
la lencería, son compatibles con la mayoría de los demás tonos, y ofrecen una
alternativa viable para los esquemas de blanco acromático o incoloros. En la
moda, las elegantes telas de hilo, seda, lana y terciopelo en tonos cremosos, dan
la impresión de holgura y opulencia, al crear una apariencia de sobrentendida
clasicidad.
• Orientadores. Lo que está de moda hoy puede estar fuera de moda mañana.
Los esquemas de color en boga pueden ser agradablemente chocantes, en
combinación con otros colores. El verde pálido (chartreuse) es un ejemplo
excelente de un color acentuado que se usa en los objetos juveniles y excéntricos.
Este tono brillante forma parte de innumerables combinaciones de color utilizadas
en la moda, desde las zapatillas de basket hasta los suéters. Una combinación de
un contraste exquisito es el verde amarillento o el chartreuse, unido a su
complemento perfecto, el magenta.
44
• Tropicales. Los tonos tropicales del círculo cromático siempre incluyen el
turquesa. El verde azulado se aclara hasta el turquesa por el agregado del blanco,
y es el más cálido de los colores frescos. Si uno se limita a los tintes más claros de
la familia del verde azulado, logrará incrementar la sensación y el mensaje de
tranquilidad. El uso del naranja rojizo, el complemento del turquesa, es perfecto en
cualquiera de estas combinaciones. Como las flores en la naturaleza, estos
esquemas de color intensifican cualquier ambiente, y crean un sentimiento de
serenidad, libre de tensiones.
Los colores frescos con tintes pueden conservar una sensación de bienestar y
paz. Es importante que los complementos y acentos de estos tonos tranquilos
sean de valor similar, ya que los tonos que son demasiado vividos pueden generar
una involuntaria tensión.
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• Majestuosos. La plenitud del azul combinado con la fuerza del rojo crea el
violeta azulado. Es el tono más oscuro del círculo cromático, y no contiene nada
de negro que disminuya su poder innato.
46
• Amortiguados. A diferencia de un esquema de color energético, un esquema
amortiguado o agrisado tiene poco contraste. El malva, una mezcla de magenta,
gris y blanco, es un color disminuido. El agregado de gris mínimo y blanco a
cualquier tono brillante, da como resultado variaciones amortiguadas y delicadas,
que incluyen los azules agrisados y los verdes agrisados. El malva, combinado
con otros tintes y matices, parece ser subestimado y opaco. Una chispa de color,
en la forma de su complemento, o un tono más vivido que el original, se debe
agregar para volver a la vida a estos tonos suaves. Para conservar la naturaleza
amortiguada de los colores similares, se deben utilizar los matices frugalmente.
Forma: Todo lo que pueda ser visto posee una forma que aporta la identificación
principal en nuestra percepción.
7
Whelan,
Bride
M.
1994.
La
armonía
en
el
color.
Mexico
:
Rosario
Salinas,
1994.
pág.
25-‐121.
47
• Medida. Todas las formas tienen un tamaño. El tamaño es relativo si lo
describimos en términos de magnitud y de pequeñez. Pero así mismo es
físicamente mesurable.
• Color. Una forma se distingue de sus cercanías por medio del color. El color se
utiliza en su sentido amplio, comprendiendo no solo los del espectro solar sino
asimismo los neutros (blanco, negro, colores grises) y asimismo sus variaciones
tonales y cromáticas.
Existe una gran variedad de técnicas para realizar una investigación, que se
deberán seleccionar de acuerdo a las necesidades del problema, así como a
diferentes factores como son el tiempo, costo, tipo de actividades a realizar,
recursos humanos, etc.
Determinar el área.
Comenzar a formar una bibliografía.
Analizar el área y conocer las claves.
Decidir el tema concreto sobre el que se va a investigar.
Comprobar la viabilidad del tema elegido.
8
Wong,
Wucius.
2008.
Fundamentos
del
diseño.
Primera
edición.
Barcelona
:
Gustavo
Gili,
2008,
pág.
42-‐43.
48
• La investigación documental
Directos.
Fuente Información Receptor
Indirectos.
Sistemas de
Fuente Información Receptor
documentación
a. Bancos de datos
b. Entrevistas o cuestionarios
c. Observación directa o mediciones experimentales
49
• Centros de información
• Fuentes de información
Obras de referencia.
Publicaciones periódicas.
Literatura gris.
Internet
Bibliotecas virtuales.
Páginas de grupos de investigación de universidades.
Páginas de empresas y organismos oficiales.
50
2.3. Marco conceptual
• Serif y Sans Serif. En tipografía, letras con remates o sin remates (en
inglés, serif y sans serif) es aquel que en cada carácter no tiene o no tiene
pequeñas terminaciones llamadas remates, gracias o serifas.
51
El objetivo del sangrado es hacer que las fotografías y elementos que por diseño
van hasta el límite de la página, queden impresos hasta el extremo (sin bordes
blancos). Debido a posibles errores de registro en las máquinas impresoras, el
sangrado permite establecer un rango mínimo para que el corte se haga en la
zona impresa.
52
3. MARCO LEGAL
DECRETA:
Capítulo I
Disposiciones Generales
Artículo 2°. Los derechos de autor recaen sobre las obras científicas, literarias y
artísticas las cuales se comprenden todas las creaciones del espíritu en el campo
científico, literario y artístico, cualquiera que sea el modo o forma de expresión y
cualquiera que sea su destinación, tales como: los libros, folletos y otros escritos;
las conferencias, alocuciones, sermones y otras obras de la misma naturaleza; las
obras dramáticas o dramático-musicales; las obras coreográficas y las
pantomimas; las composiciones musicales con letra o sin ella; las obras
cinematográficas, a las cuales se asimilan las obras expresadas por procedimiento
análogo a la cinematografía, inclusive los videogramas; las obras de dibujo,
pintura, arquitectura, escultura, grabado, litografía; las obras fotográficas a las
cuales se asimilan las expresadas por procedimiento análogo a la fotografía; las
obras de arte aplicadas; las ilustraciones, mapas, planos, croquis y obras plásticas
relativas a la geografía, a la topografía, a la arquitectura o a las ciencias, y, en fin,
toda producción del dominio científico, literario o artístico que pueda reproducirse,
o definirse por cualquier forma de impresión o de reproducción, por fonografía,
radiotelefonía o cualquier otro medio conocido o por conocer.
Artículo 3°. Los derechos de autor comprenden para sus titulares las facultades
exclusivas:
53
B. De aprovecharla, con fines de lucro o sin él, por medio de la imprenta, grabado,
copias, molde, fonograma, fotografía, película cinematográfica, videograma, y por
la ejecución, recitación, representación, traducción, adaptación, exhibición,
transmisión o cualquier otro medio de reproducción, multiplicación o difusión
conocido o por conocer.
A. El autor de su obra;
Artículo 5°. Son protegidos como obras independientes, sin perjuicio de los
derechos de autor sobre las obras originales y en cuanto representen una creación
original:
54
la adaptación, traducción, transporte, etc. el que la ha realizado, salvo convenio en
contrario.
Los autores de las obras así utilizadas conservarán sus derechos sobre ellas y
podrán reproducirlas separadamente.
Las obras de arte aplicadas a la industria solo son protegidas en la medida en que
su valor artístico pueda ser separado del carácter industrial del objeto u objetos en
las que ellas puedan ser aplicadas.
55
La protección establecida en el inciso anterior no es obstáculo para la aplicación
de los artículos 209 y 210 de esta Ley.
A. Obras artísticas, científicas y literarias, entre otras, los: libros, obras musicales,
pinturas al óleo, a la acuarela o al pastel, dibujo, grabados en madera, obras
caligráficas y crisográficas, obras producidas por medio de corte, grabado,
damasquinado, etc., de metal, piedra, madera u otros materiales, estatuas,
relieves, escultura, fotografías artísticas, pantomimas, u otras obras coreográficas;
B. Obra individual: La que sea producida por una sola persona natural;
D. Obra colectiva: la que sea producida por un grupo de autores, por iniciativa y
bajo la orientación de una persona natural o jurídica que la coordine, divulgue y
publique bajo su nombre;
H. Obra póstuma: aquella que no haya sido dada a la publicidad solo después de
la muerte de su autor;
56
J. Obra derivada: aquella que resulte de la adaptación, traducción u otra
transformación de una originaria, siempre que constituya una creación autónoma;
L. Productor de fonograma: la persona natural o jurídica que fija por primera vez
los sonidos de una ejecución, u otro sonido;
57
T. Fijación: la incorporación de imágenes y/o sonidos sobre una base material
suficientemente permanente o estable para permitir su percepción, reproducción o
comunicación.
Artículo 9°. La protección que esta Ley otorga al autor, tiene como título originario
la creación intelectual, sin que se requiera registro alguno. Las formalidades que
en ella se establecen son para la mayor seguridad jurídica de los titulares de los
derechos que se protegen.
Artículo 10°. Se tendrá como autor de una obra, salvo prueba en contrario, la
persona cuyo nombre, seudónimo, iniciales o cualquier otra marca o signos
convencionales que sean notoriamente conocidos como equivalentes al mismo
nombre, aparezcan impresos en dicha obra o en sus reproducciones, o se
enuncien en la declamación, ejecución, representación, interpretación o cualquiera
otra forma de difusión pública de dicha obra.
9
Biblioteca
Virtual
Banco
de
la
Republica
de
Colombia.
[En
línea]
[Citado
el:
16
de
9
de
2010.]
http://www.banrepcultural.org/blaavirtual/apoyo/derautor/ley23.htm.
58
4. OBSERVACIONES
Se observó libros sobres historia del diseño relacionado con diferentes temas y
tipos en su mayoría de carácter educativo, que se relacionan con los aspectos
característicos del proyecto a desarrollar, de esta forma se obtuvo información
muy valiosa para desarrollar la personalidad, la diagramación y organización.
59
Grafico 2. Libro El diseño en el tiempo
60
Estos libros no precisan en aspectos gráficos importantes como color y tipografía.
No se enfocan en lo gráfico, también muestra diseño industrial, diseño de
interiores, arquitectura, etc.
Les falta compilar más imágenes parar ilustrar mejor a los lectores.
61
5. RECOPILACIÓN DE LOS PRINCIPALES MOVIMIENTOS ARTÍSTICOS QUE
INFLUYERON EN EL DEL DISEÑO GRAFICO
El siguiente paso fue seguir buscando información sobre estos, la cual se convirtió
en un cumulo de textos que volvían muy monótono y poco explicativo en la forma
de conocer los lineamientos de un movimiento. Como solución a esto se desgloso
la información en aspectos útiles para un diseñador. La tipografía, el color, sus
exponentes, sus características morfológicas, y su evolución, son los aspectos
escogidos para dividir la información de forma más puntual y ordenada. Al resolver
esto se da comienzo búsqueda.
63
Tabla 1. Listado de movimientos.
La revolución Industrial
64
5.3.1. Métodos de obtención de datos. Ya teniendo el listado de movimientos y
los aspectos que se van a recopilar de cada uno, se procede a buscar los métodos
para encontrar la información para mostrarla de una forma totalmente objetiva.
65
Grafico 4. Combinaciones de color para lograr efectos creativos
66
Grafico 5. Página web Kuler
67
Grafico 6. Página Web Letrag
68
Tabla 2. Inventario de información recopilada.
La época modernista
Escuela de Glasgow 2 5 51
Separatismo vienes 5 6 56
Nueva objetividad 1 6 28
Cubismo 2 5 63
Futurismo 3 6 51
Dadaísmo 1 6 39
Surrealismo 1 6 41
Expresionismo 1 3 53
La fotografía y el movimiento 3 27
moderno
Plakatstil 5 4 29
El disidente de Munich 1 1 42
Art Decó 5 6 52
Suprematismo y Constructivismo 5 6 51
De stijl 4 5 38
La Bauhaus 4 6 30
Jan Tschichold y la nueva tipografía 4 1 9
El movimiento moderno en Estados 5 6 40
Unidos de América
La época de la información
Estilo tipográfico Internacional 4 6 53
Escuela de Nueva York 1 6 73
Diseño posmodernist 2 6 18
Pop Art 5 6 39
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5.4. ORDENAMIENTO DE LA INFORMACIÓN PARA MEJOR VISUALIZACIÓN.
Conocer estas limitantes sirvió como punto de partida para definir el formato, cada
una se estudió y se concluyó que el formato más adecuado es de 16cm de alto
por 27cm de ancho cada hoja.
• Cornisas. Las cornisas tienen como fin de informar rápidamente el nombre del
documento y la sección en que se encuentra al lector, se encuentra ubicadas en la
parte superior de cada página. En este caso en las páginas pares se ubicó en la
parte izquierda superior el título o nombre del proyecto y en las páginas impares
en la parte derecha superior se colocó la sección que se está observando.
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• Numeración. La numeración es un factor fundamental en textos que están
conformados por muchas páginas ya que sirven de referencia para encontrar
ágilmente cualquier página.
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Grafico 8. Márgenes.
Se realizó con el fin de contar con un patrón que facilitara ingresar la información
de forma fácil y objetiva en un solo lugar.
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Grafico 9. Ficha técnica.
1. Tipografías.
2. Color.
3. Figuras Clave.
4. Características.
5. Evolución.
6. Historia.
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Para que la lectura de los textos fuera más dinámica y menos pesada para los
lectores, opte por colocar una sola columna de texto por página siempre
acompañada por imágenes.
Las tipografías que se utilizadas deben ser leídas con claridad, y el uso de varias
fuentes o tamaños de estas facilita la jerarquización de la información y su mejor
visualización.
Para los títulos y subtítulos se usó la alte Haas Grotesk por su legibilidad y peso
visual, sus esquinas redondeadas brindan un aspecto menos rígido en toda la
composición.
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Tulios. Alte Haas Grotesk
Para los textos se implementó la Gill Sanas porque ahorra espacio es legible y
brinda una fácil lecturabilidad.
Las imágenes deberán estar separadas con espacio de 5 milímetros entre ellas.
Tratar en lo posible que las imágenes ocupen y respeten el espacio delimitado por
las márgenes y que estén separadas a 8- milímetros entre ellas.
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Grafico 11. Imágenes.
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Debido a la gran cantidad de información recopilada y el número de páginas se
realizó una tabla de contenido para facilitar la búsqueda. La tabla se diseñó a dos
columnas con una separación entre ellas de 1cm.
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Se realizó una sección ultima donde se colocaron todas las citas bibliográficas,
estas están ordenadas por movimientos y agrupando las bibliografías de textos e
imágenes por separado.
• Tratamiento de imágenes
También a las imágenes fueron sometidas a varios procesos para adaptarla a las
necesidades.
Todas las imágenes deben ser mayor 800 px de alto por 600 px de ancho.
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Las imágenes deben poseer una resolución de 300 píxeles/pulgada.
No deben tener elementos como marcas de agua, marcos, textos, etc, que no
correspondan a la imagen original que desarrollo el artistas o diseñador.
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6. CRONOGRAMA
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7. RECURSOS
7.1 HUMANOS
7.2 TÉCNICOS
• Software
• Hardware
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8. CONCLUSIONES
Me fue de utilidad para conocer a fondo sobre la historia del Diseño Gráfico,
generándome también un material importante para hacer consultas a futuro.
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BIBLIOGRAFÍA
MEGGS, Philip B. Historia del Diseño Gráfico. 3 ed. Mexico: Mc Graw Hill, 2000.
126. p.
MEGGS, Philip B. Historia del Diseño Gráfico. 3 ed. Mexico: Mc Graw Hill, 2000.
127. p.
MEGGS, Philip B. Historia del Diseño Gráfico. 3 ed. Mexico: Mc Graw Hill, 2000.
210. p.
MEGGS, Philip B. Historia del Diseño Gráfico. 3 ed. Mexico: Mc Graw Hill, 2000.
320. p.
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ANEXOS
Anexo A. Portada
Portada.jpg
Anexo B.
Principales movimientos artísticos que influyeron en el diseño grafico
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