Table of Contents 
Foreword: Brandon Pearce, CEO of Music Teacher’s Helper 
About this e­book and MusicTeachersHelper.com 
1. Raise Your Students’ Tolerance For Recitals by Sandy Lundberg 
2. Practice…How Many Minutes? 5 New Aphorisms by Ed Perlman 
3. Some Thoughts on Memorizing Music by Chris Foley 
4. Five Tips for Teaching Rhythm by Nicole Murphy 
5. Make it EASY, then Practice HARD by Leila Viss 
6. Adults vs Children – What’s the Difference? by Leah Coutts 
7. Teaching Effective Group Music Lessons by Nicole Murphy 
8. Music lessons and students with developmental delays by Amanda Furbeck 
9. Breaking Up is Hard to Do: Letting a Student Go by Bella Payne 
10. All of Your Private Students Are Gonna Quit ­ Don't Let Them by Brian Jenkins 
Afterword: Andrew Nicoletta, Marketing Director of Music Teacher’s Helper 
Acknowledgements: 
Copyright 
Disclaimer 
 
   
 Foreword: Brandon Pearce, CEO of Music Teacher’s 
Helper 
When  I  created  Music  Teacher’s  Helper  (MTH)   in  2004,  it was to solve a need that I had 
in  my  own  life  –  to  better  organize  my  student  lesson  schedules  and  payments.  I  wanted 
to  minimize  the  administration  so  I  could  spend  more time doing what I loved – teaching 
students.  At  the  time,  I  didn’t  realize  thousands  of  other  music  teachers  shared  the  very 
same goals. 

After  careful  consideration,  I  decided  to  turn  this  embryonic  software  concept  into  a 
‘business’,  enabling  music  teachers  around  the  world  to  focus  less  on  busywork,  and 
more  on  their  students. I believe that improving our effectiveness as music teachers paves 
the  way  to  better  connections  with  more  students,  more  satisfied  students,  more  joy  in 
teaching, and an increased income. And, I want that for all of us. 

Over  a  decade  since  this  humble  beginning,  MusicTeachersHelper.com  and  its   sibling 
website  StudioHelper.com  now  help  thousands  of  professional  music  teachers and studio 
owners,  in  dozens  of  countries.  As  a  teacher and entrepreneur myself, I see great value in 
continuing  to  learn  and  develop  skills.  Therefore,  it  gives  me  great  pleasure  to  share  10 
chapters  of  hands­on  advice  with  you;  written  for  music  teachers,  and,  written  by  music 
teachers!  I  hope  you  enjoy  it  and  are  able  to  utilize  some  of  the  beneficial  gems  in  your 
own teaching studio. 

   
 About this e­book and MusicTeachersHelper.com 
Our  unique  software   solution  provides  tools  for  scheduling,  invoicing,  and  marketing,  to 
enable  teachers  to  spend  less  time  on  administration  and  more  time  teaching  their 
students.  In  10+  years  of  business,  MusicTeachersHelper.com  has  published  over  1,200 
articles  about  teaching  music  from  every  conceivable  angle.  The  important  thing  to 
realize is, this is practical, hands­on advice written by actual music teachers. 

In  the  last  decade,   this  has  grown  to  become  one  of  the  largest,  independent  sources  of 
collective  wisdom  on  music  teaching.  The  inspiration  for  this  book  is  to  share the top 10 
most  popular  articles  and,  in  doing  so,  share  valuable  insider  hints and tips about being a 
better  teacher.  As  such,  we’ve  pulled  together  the  most  popular  articles  ­  as  chosen  by 
visitors  to  MusicTeachersHelper.com:  our  goal  is  simple,  to  help  teachers  have  a  more 
rewarding teaching experience. 

In  total,  the  top  10  articles  represent  100+  years  collective  teaching  experience;  the  total 
number  of  years’  experience  of  the  authors,  combined.  This  content  has   been  read  by 
100,000+  teachers;  the  total  number  of  page  views  for  the  individual  articles,  combined. 
The  10  chapters  are  written  by  9  different  authors,  each   one  of  them  an  experienced, 
professional  music  teacher.  In  effect,  it’s  the  ultimate  fast­track  learning  experience; 
written for music teachers, and, written by music teachers! 

 
   
1. Raise Your Students’ Tolerance For Recitals by 
Sandy Lundberg 
Recitals  are  very   beneficial  for music students. A primary benefit  is providing motivation 
to  work  toward  a  goal  and   highly  polish   a  piece  of  music.  Many  students  are not willing 
to put this degree of “polish” on a piece without the added incentive of a performance.  

Recitals  can  also   teach  students  valuable  skills,  such  as  proper  protocols  for  solo 
musicians,  dealing  with  mistakes  during  live  music,   learning  self­calming  and  relaxation 
techniques, and developing positive ways to talk to themselves in stressful situations. 

One  of  the  main  benefits of  a live performance is to share music with others, and to enjoy 

it  together.  I  tell  my  students  that  their  music   is  a  gift  they are sharing with the audience.  
It is usually a joy to give a gift and watch the other person respond with pleasure.  

To  a  lesser  extent,  performance  is a concrete demonstration to the parents that progress is 

occurring.  I  downplay  this  with  the  students  themselves,  but  I  know  that  this  is  an 
important reality that a music teacher must take into consideration.  

An  even  more  slippery  notion  is that the performance reflects the skill of the teacher. In a 

lot  of  ways  this  is  true  of  course,  but  in  many  other  ways  it  is  not  because  there  are  too 
many  variables;  student  ability,  willingness  to  practice  and  follow  instruction,  home 
environment  and  instrument  quality,  parental  support,  social  anxiety  levels,  and  even the 
amount  of  sleep  the  student  had  the  night   before.  If  you  view  an  isolated  student 
performance  as a direct judgment on your teaching ability, too much pressure is  placed on 
the child and the teacher. 

Live  performance  can  take  place  in  a  number  of   different  settings,  from  very  casual  to 
extremely  formal.  I  like  to  take  my  students  up  a  continuum  throughout  the  year  from 
casual  to  formal.  In  this   way  I   can  watch each student and evaluate their ability to handle 
stress  and  performance  challenges,  and  I  can  then  adapt  to  give  them  the  best  chance  of 
having  a  positive  experience.  If  approached  with  the  right  attitude,  even less than perfect 
performances can be an opportunity for learning, not a catastrophe. 

The  most  basic level of performance happens when the student plays for the teacher at his 

or  her  lesson.  If  performance  anxiety  is  severe,  this  may  be  the  only  performance  level 
tolerated  for  a while. In extreme cases of performance anxiety I try to gently nudge up the 
tolerance  level  by  first  having a stuffed animal sit on the piano and listen in on the lesson. 
Next  I  may  have  another  student  sit  in  the  room  during  the  lesson.  This  is  also  a  great 
time for duets and improvisation. 

Group  lessons  provide  a  step  up  in  intensity.  I  like  to have ensemble playing time as part 

of  every  group  lesson  (I  teach  piano  so  group  performance  is  not  the  norm).  If  a piece is 
out  of  a  student’s  range  I   adapt  it  by  having  them  play  just  one  hand,  or  maybe  a  chord 
base.  Group  lessons  can  also   include  solo  performances.  This  could  either be in the form 
of  a  master  class,  or   it  can  be  a  time  to  demonstrate  performance  skills   for  an  upcoming 
event. 
Once  students  are  able  to  play  comfortably  in  front  of  their  teacher,  stuffed  animals  and 
other  students,  a  small  studio  recital  should  be  well  tolerated.  This  can  be  just  for 
students, or for a small group of students and their parents. 

If students become used to performing from a young age, most seem to adjust to it well. If 
you  have  an  older beginner, it may not be as easy for them. They may view themselves as 
“behind”  compared  to  other  kids  their  age.  No  teenager  likes  to  look  less  than  perfect. 
This  calls  for  a  lot  of  creativity  on  the  teacher’s  part,  such  as  finding  pieces  that  sound 
harder than they are, or pulling together a fun ensemble or teacher/student duet. 

The next level  is to take students out to a small local venue, such as a retirement home. At 
the beginning of the year I try to  keep the repertoire easy and fun for this kind  of an event. 
I  talk  about  how  glad  the   residents  are  to  see  them  and  how  they  are  going  to  love 
anything  they  do.  I  make  the program informal and maintain a friendly exchange with the 
audience.  At  these  first   outings  I  also  stay  close  by  the  piano  to  help  with  footstools and 
cushions, and to offer encouraging words. 

Community  events  can  be  made  more  exciting  with  a  theme,  such  as  Halloween  or 
Christmas music, or by including more duets. Student/parent numbers are fun. This would 
also  be  a  good  time  to  let  students  try  out   their  accompanying  skills  by  playing  for  a 
sibling,  to  do  a  violin  solo,  etc.  I  don’t  usually  encourage  a  lot  of  extra  guests  besides 
parents  to  these  small  venues.  Students  and  their  parents  are  asked  to  spend  some  time 
talking with the residents before and after the performance. 

Mid­winter  through  early  spring  is  a common time for  judged performance opportunities. 

This  is  a  different  venue   from  a  recital,  but  with  many  overlapping  skills  required. 
Students  in  their  second  year  of  lessons  are  ready  to  participate  in  one  or  more  judged 
events. 

By the end of the school year  students should be able to perform in a formal recital.  These 

larger  events  take  a  lot  of  work,  but  I  believe  they  are  worth  the  effort.  I  do  not 
recommend  more  than  a  45­60  minute  program  of  music.  Students  can  be  divided  into 
two  or more recital times if you can’t fit all students in that time limit. Make sure students 
of  every  ability  level  are  included  in  each  group.  Think  of  something  interesting  to 
include  about  halfway  or   two­thirds  of  the  way  through  the  program.  It  could  be  an 
exciting  duet  or  ensemble, a second instrument with accompaniment, or even an audience 
participation piece. 

I  spend  a  lot  of  time  preparing  students  for  their  formal  recital.  They  are  encouraged  to 
dress  up,  and  invite  their  extended  family  and  friends.  Stage  lighting  and the presence of 
many  cameras  are  discussed  ahead  of  time.  Complete  “formal  performance”  protocol  is 
expected.  I  give  out  annual  awards  to  each  student  after  the  recital  and  then  host  a 
reception  where  parents  provide  the  food  and  I  provide  the  punch.   I  describe it as an end 
of year celebration; no judges—just a great time to share their music and have fun. 

Notwithstanding  the  importance  that  I   place  on  recitals,  I  have  had  students  who  cannot 
play  in  front  of  others,  no  matter  how  many  ways  I  have  tried  to  build  their  confidence. 
At  this  point  good  judgment  and  compassion  need  to  rule  the  day.  I  do  not  believe  that 
public  performance  is   mandatory  in  order to learn to play the piano recreationally. We all 
know  stories  of  adults  who  quit  piano  entirely because they could not deal with recitals. I 
don’t want any of my students to be pushed beyond their breaking point. 

About the Author:  
Sandy  teaches  piano  in  her   private  studio  west  of  Berthoud,  Colorado.  Her  goal  is  for 
students  to  become  literate,  life­long  musicians  and  patrons  of  the  arts.  Sandy  is  known 
for  the  wide  variety  of  activities  she  designs  to interest and motivate students to continue 
learning. She is a past president of the Loveland Area Music Teachers Association. 

   
  ​
2. Practice…How Many Minutes? 5 New​Aphorisms by 
Ed Perlman 
How  many  minutes  do  you  ask your students to practice? I’ve come to this question from 
many  angles–as  a  teacher,  colleague,  parent,  and  as  a  student  (long  ago!).  It  has  led  me 
over many years to create a few new aphorisms in my teaching. 

a. The more you play, the better you get 
That’s  a  saying  I’ve   developed  for  my  students.  I  have  seen  some  very  fine  players 
with  terrible­looking  technique,  or  at  least  technique  I  wouldn’t  recommend.  So  how 
did  they  get  to  be  so  good?  Because  they  love  it, and they play a lot. They’ve figured 
out how to adapt to the way they play, and make it work for them. 

The  student  who  is  so  afraid  of  making  mistakes  or  getting stuck with bad habits that 
they  just  don’t  play  very  much  is  simply  not  going  to  get  much  better.  I  think  some 
teachers  may  need  to  rethink  the  fear  of  bad  habits.  It’s  our  job  to  reshape  and 
improve  how  students  play.  If  progress  in  one  area  creates  a  bad  habit  in another, we 
fix  it!  If  students  enjoy  themselves  by  playing  a  lot  and  becoming  more  conversant 
with  their  instrument,  but  make  some  mistakes  or  build  a  bad  habit — we fix it! That 
is  our  job.  I  do  not  think  it’s  our  job  as  teachers  to   make  a  student  so  afraid  of 
screwing  up  that  they  can’t  experiment,  or  look  ahead  in their book, or try something 
new  and  different  —  as  long  as  they  honor  our  requests  to  practice  what  we  ask  of 
them. 

b. The more efficiently you play, the faster you get better 
This  is  the  carrot  for  getting  a  student  to  understand  and  follow  instructions. It’s true 
that  the  more  you  play,  the   better  you  get,  but  if  you  pay  attention  to  the  teacher’s  
expertise  and  do things right, do them more efficiently, you’re going to get better a  lot 
faster. 

c. It’s not the minutes that count, but the consistency 
If  a  student  finds  a  time   in  their  daily  schedule  to  practice  —  even  if  only  a  few 
minutes  —  this  consistency  makes  their  instrument  a  routine  part  of  their  day.  They 
keep  their  hand  in.  They  get  comfortable with it. They get curious about whether they 
know  something  better  than  the  previous  day.  They  feel  their  oats,  and  try  for a  little 
more  than  they  did  a   few   days  ago.  And  when  they  do have more time to spend, they 
are happy to make use of it, and are conversant with the instrument. 

If  a  student  is  required  to  practice  a  certain  number  of  minutes   a  day,  and  cannot 
measure  up  to  the  request,   they  may  just  hold  off  practicing  until  they  have  the 
required  time  available.  Waiting  a  week  to  practice  an  hour  is  not   going  to  be  very 
rewarding,  whereas  even  5  minutes  a  day  can  lead  to  a  very  productive  hour  of 
practice when the time becomes available. 

My  daughter  reached  a  point  in  her  piano  practice  where  the  teacher  said  she needed 
to  practice  60  minutes  a  day.  She  never  felt  she  could  measure  up.  Before   that,  she 
would  stop  at  the  piano  when  passing  by  and  play/practice  for  a  while.  After  the  60 
minutes  were  required,  she  felt  that  what  felt  like a few minutes in passing (but could 
 have  added  up  to  a  half  hour)  was  a  drop  in  the  bucket,  and  she  just  stopped playing 
nearly  as  much.  When  she  did  manage  a  practice  session,  it  was  with  reluctance. 
However well­intentioned the teacher’s request was, it had a negative impact. 

With  beginners  I  suggest  5  minutes  a  day,  knowing  that  if  they  do get the instrument 
out  it’s  likely  they’ll  get  into  it  for  more  time  because  it’s  fun.  My  required  daily 
exercises  take  3  minutes.  Sometimes  I  tell  students  to  pretend  they  have  to  go  to  the 
bathroom  an  extra  time  each  day  —  surely  they’d  make  time  for  that!  Practice  while 
on the toilet, even — no, just kidding! 

d. It’s not how many minutes, but how much you care 
A few weeks ago, my wife,  a dancer and teacher,  and I, arrived at the same conclusion 
as we spoke of both teaching and performing: what really distinguishes a good student 
and a good performer is how much they care about what they do. 

We all respond to someone who honestly cares about what they’re doing. Caring leads 
to  depth  of  expression, to clarity of technique, because someone who cares  tries to  get 
things  they  way  they  want  them.  It’s  a  very  different  quality  from  someone  who  is 
good  at  what  they  do  because  they  follow  instructions,  want  a  good  grade,  or  are 
afraid of doing something wrong. 

Sometimes  I  will  tell  students  that  it’s  not  how  many  minutes  they  practice,  but  how 
much  they  care  that  counts.  Often  they  visibly  relax  when  they  hear  this.  They know 
how  much  they  care.  But  they’re  never  sure  how  much  they  should  practice;  in  fact, 
I’ve  never  heard  anyone  say  they practiced enough. It can feel like a bottomless pit of 
expectations.  But  if  they  really  care  and  enjoy  the  music,  they’ll  get  themselves  to 
where they want to be. 

e. If you like it, play it again; if you don’t like it, don’t play it the first time 
Some  students  balk at playing a tune a second time, and I tell them this little saying of 
mine.  Then  they  realize  it’s  not  really  about  me  telling  them  what  to  do,  but  about 
their  enjoying  the  music  and  allowing  themselves  to  get  into  it, rather than to just get 
through it. 

The  second  part  of   this  saying  suggests  that  a  student  might  not want to learn a piece 
of  music  because  they  don’t   like  it.  Maybe  that’s  just  the  way  it  should  be.  It’s  true 
that  students  like  a  piece  better  once  they  know  they’re  able  to  play it, but often they 
do  have  a  gut  feeling  about  whether  they  like  some  music  or  not.  Why  not  let  the 
student  be  engaged  in  selecting  music  they  like?  They  will  be  more  involved  and 
determined  to  learn  the  piece,  and  it’s  excellent  training  for  life  after  lessons:  how to 
judge music you like, and how to dig into a challenging piece and come out on top. 

Sometimes  it’s  good  for  a  teacher  to  be  flexible  with  a  curriculum  and  allow  the 
student  to  engage in music selection.  It may be that after struggling with their selected 
music,  they  might  enjoy  coming  back  to  a piece they originally balked at. I recall one 
time  reading  through  a  book  of  tunes  and  coming  across  several  pages  of  mediocre 
tunes.  A  year  later  I  tried  to  find  that  group  of  mediocre  tunes  but  could not — I had 
learned  more  about   that  music  and  found  that  those  tunes  were  not  so  bad  after  all! 
 What  a  delight  to  allow  a  student  to discover this, rather than force them into the next 
piece of music just because it’s on the next page! 

f. When  you  run  out  of  aphorisms,  stop  writing,  especially  if  this  is   the  sixth  one  and 
you promised only five 

This  saying  is  one  I’ve  never  used  before  but  I  must  say,  it  makes  sense.  I  better  stop 
writing! 

About the Author:  

Ed  has  focused  on  performing,  teaching,  and  judging  fiddle  music  for  over  30  years, 
offering  performances  and  workshops  throughout  the  USA  and  in  Canada  and  Scotland. 
His  original  training  was  with  members  of  the  Chicago  and  Boston  Symphonies,  and  he 
played  with  orchestras  and  chamber  groups  at  Yale  and  in  Boston.  He  currently  teaches 
privately  in  Maine  and  at  workshops  around  the  country.  He  tours,  often  with  his  son 
Neil,  a  pianist  in  Scottish/Jazz/Latin/Funk  styles.  Ed  directed  the  Boston  Scottish  Fiddle 
Club  for  18  years,  including  major  concerts  and  festivals.  He  has  3  CDs  of  his  own  and 
appears  on  others.  His  primary  expertise  is  in  Scottish  and  Cape Breton fiddle styles, but 
Ed  plays  other  Celtic,  American,  and  Canadian  fiddle  music,  Classical,  some  Jazz,  Klez 
and  Hungarian.  For  ten  years  he  ran  a  CD  distribution  company  to  bring  music  to  the 
USA  from  Scotland,  Atlantic  Canada,  Ireland,  Brittany  and  Wales.  Ed  has  written  the 
music column for Scottish Life magazine since 1996. 

   
3. Some Thoughts on Memorizing Music by Chris Foley 
Whether  the  act  of  committing  a  piece  of  music  to  memory  comes  easily  or  with  
difficulty,  most  teachers  agree  that  memorization  is  one  of  the  best  routes  for students to 
make  the  jump  from  studying  to  performing, from learning to mastery. One of my annual 
journeys  as  a  teacher  is  to  find  new  vocabulary  and  methods  to  teach  students  to 
memorize  music  more  effectively  and  reliably.  Some  students get it without much fuss at 
all, but many require detailed instruction on just how to find that magic combination. 

I’ve  already  written  several  articles  on  memorization,   including  ​

30+1  Ways  to Help You  
Memorize  Music  Flawlessly  and  ​ 5  Reasons  to  Memorize  Music​ ,  but  I’m  always 
observing  professional  musicians  for  even  more  varied  and interesting ways to explain to  
students how they can build a better memorization practice. 

I’ve  been  working  with  some   of  the  brilliant  singers  of  Toronto’s  Tapestry  New  Opera 
Works  in  ​Opera  To  Go​,   a  program  of  five  new  operas  (one  of  which  was  performed 
unannounced  in  the  lobby  prior  to  the  show).  I  had  the  privilege  of  seeing  these  operas 
grow  from  their  earliest   stages  in  a  January  workshop  to  their  finished  form  in  the 
production rehearsals that started in early March. 

During  this  time,  I  also  watched  the  singers  in  the  opera  as  they  wrestled  with  learning 
challenging  new  works  (often  under  constant  revision)  and  memorizing  them  for  staging  
and  performance.  One  morning,  I  had  a  revelation  about  teaching  memorization  to 
pianists: what if they applied some of the techniques that singers habitually adopt? 

Here  are  some  thoughts   on   the  memory  toolkits  of  singers  and  what  they  have  to  offer 
instrumentalists: 

a. Gestures and Movement 
Once  operatic  singers  are  onstage  working  with  a  director,  they  not only need to sing 
from  memory,  but  move  and   act  at  the  same  time.  One  of  the  first  things  taught  in 
acting  classes  is  that  the  body  forgets  nothing.  Singers take advantage of this concept 
to  remember  physical  motions  alongside   singing  the  vocal  line.  We  can  do  the  same 
as  instrumentalists–not  just  listening  to  our  sound  and  remembering  what  the  music 
looks  like,  but  being  in  our  bodies,  understanding,  and  memorizing  the  physical 
sensations  of  playing,  whether  large  movements  (ie.  hand  crossings  and  quick 
changes  in  hand  position)  or  small  movements  (that  tricky  ornament  or  elusive 
fingering).  And  more  often  than  not,  the  body’s  memory  can  often  be  solid  and 
grounded  enough  to  stand  up  to  our  conscious  mind’s  inevitable  nervous  twitterings 
when in performance. 

b. Multiple Start Points 
When  you  rehearse  anything  in  a  theatre,  you  repeat  scenes  and  sections  of  scenes. 
And  repeat.  And  repeat. But to be able to do this, singers (who are already off­book at 
the  start  of rehearsal)  need to be able to jump right in and start from a large number of 
points  in  the  work  while  the  director  is   staging  and  perfecting  the  action  onstage. 
Instrumentalists  can  learn  to  do  this  as  well.  Don’t  just  learn  to  play  a  memorized 
piece  from the beginning. Find multiple start points throughout the  piece where, in the 
 event  of  a  memory  meltdown,  you  can  easily  skip to, perhaps seamlessly enough that 
the  audience  won’t  even  know  you  just  had  a  minor slip. These start points can all be 
built in when practicing. 

c. Subtext and an Individual’s Journey Through a Work 
The  common  director’s  question:  “So  whaddya  really  mean?”  Often  a  sung  line  and 
its  text  will  have  a  deeper  intent  and  meaning  just  under  the  surface.  This  is  called 
subtext.  Singers  can  use  subtext  to  create  much  more  varied  associations  and 
expression  with  a  specific  knowledge  of  just  what  they  are  saying  at  any  given  time. 
They  also  need  to  create  their  own  personal  narrative  through  arias,  recitatives, 
ensembles,  and  entire  roles.  Where  do  you  start?  Where  do  you  end  up?  How   does a 
character  change  throughout  the  course  of  an  opera?   When  working  on  a  piece, 
instrumentalists  can  also  create  subtext and personal journeys through their piece. For 
example: 

● Where are your favorite moments of the piece? 
● Where are the high points of the piece? 
● Where are the low points of the piece? 
● Where are the arrival points of the piece? 
● Are there mood shifts between sections? Within sections? 
● Are there mood shifts during rests or pauses? 
● When themes return, how are they different? How is the context different? 
● How do your emotions change throughout the piece? 
 
About the Author: 
Chris  is  a  pianist,  teacher,  examiner,  adjudicator,  and  blogger based in Oakville, Ontario. 
He  currently  teaches  at  the  Royal  Conservatory  of  Music where he  also serves as head of 
the  voice  department  at  the  Conservatory  School.  As  a  member  of  Toronto's  Tapestry 
New  Works  Studio Company, he has coached and performed in numerous workshops and 
performances  of  contemporary  opera.  In  2005,  he  started  the  Collaborative  Piano  Blog, 
which  has  grown  to  become   one  of  the  most  well­known blogs about classical music. He 
has  also  made  numerous  media  appearances,  including  playing  piano  for  the  first  two 
seasons  of  Bathroom  Divas  (a  reality  show  about  opera  singers),  an  interview  about 
teaching  piano  to  adult  beginners  on  CBC Television's Living in Toronto, an interview in 
the  Toronto  Star  about  video  games  and  music  education,  and  an  upcoming  commercial 
for RCM Examinations. 

   
4. Five Tips for Teaching Rhythm by Nicole Murphy 
Recently,  I  wrote  about  developing  a  steady  sense  of pulse in performance. Interestingly, 
the  comments  left  by  others  at  the  end  of  the  article  addressed  the  notion  of  teaching 
rhythm, rather than pulse. 

I  found  this  fascinating,  because  the  student  who  I  was  thinking  about  when  I  wrote  this 
doesn’t  struggle  with  rhythm  directly.  Of  course,  if  you  can’t  keep  a  steady  pulse  the 
rhythm  consequently  becomes  problematic,  but  the  student  is  perfectly  capable  of 
clapping  or  playing  a   rhythm  correctly  if  I  am  keeping  the  pulse  for  her.  So her problem 
lies  with  pulse,  and  problems  with  rhythm  and  fluency  occur  merely  as  a  symptom  of 
that. 

Rhythm  is  at  the  forefront  of   many  teachers’  minds.  So,  listed below are my top five tips 
for helping students counteract rhythmic problems: 

a. Use speech patterns 

Language  has  a   natural  rhythm,  so  using  words  to replace rhythmic gestures is a very 

intuitive  way  for  students  to  learn.   There  are  many  variations  to  this  approach,  but  a 
simple  way  of  thinking  about  it is to assign words to common rhythmic gestures – for 
example,  four  semiquavers  could  be  ‘watermelon’  (wa­ter­me­lon),  a  triplet might be 
come  ‘pineapple’   and  two  quavers  could  be  ‘apple’.  Students  clap  the  pulse  and   say 
the rhythm prior to performing it on their instrument. 

b. Focus on sound 

Be  more  concerned  with  how  the  rhythms  sound,  rather  than  their  names  and values. 
Once  students know what they sound like, show them the notation. This approach will 
allow  them  to  recognise them and perform them straight away, rather than  stopping to 
‘count it out’. 

c. Use recordings 

Many  students  can  play  the  rhythm  correctly  in  the  lesson,  with  their  teacher  their 
singing  or  clapping  along,  but  may  struggle to remember the rhythm when they are at 
home.  I  often  record  short  passages  on  my  students’  phones  for  them  to  listen  to  at 
home.  Remember to record the passage at a speed that is appropriate for the student to 
play. 

d. Fluency is key 

Encourage  fluency  from  the  first  read  through.  Obviously  there  will  always  be 
passages  of  fingerwork  that  need  more  attention  before  they  are  able  to  be  played 
fluently,  so  reduce  the  tempo  of  the  whole  piece  to  a  speed  that  allows  fluency  and 
rhythmic  accuracy.  Rhythm  is  all  about  proportions  (whole  notes,  half  notes,  quarter 
notes),  so  any  time  that  fluency  is   lacking,  the  proportions  don’t  align,  leading  to 
rhythmic confusion. 
 e. Persistence! 

Like  any  element  of  teaching,  persistence is the key. Rhythm needs constant attention 

and repetition to be well ingrained in a student. 

About the Author:  
Nicole  Murphy  is  a  pianist and composer residing  in Queensland, Australia. She has been 
teaching  both  piano  and  composition  privately  and  in  schools  for  over  8  years,  with 
students  currently  ranging  in   age  from four to eighty­five years old. She holds a Bachelor 
of  Music  (Honours  Class  I)  from  the  Queensland  Conservatorium  of  Music  and  is 
currently  working  towards  a  Masters  of Music. As a freelance composer,  Nicole has  been 
commissioned  by  numerous  ensembles  including  the  Melbourne  Symphony  Orchestra, 
Chronology Arts, Orchestra Victoria and the Australian Ballet. 
 
   
 5. Make it EASY, then Practice HARD by Leila Viss 
 
Use  PRACTICE  to  Make  it  EASY.  What  should  practice  accomplish  between  lessons? 
Progress.  What  is  progress?  Improvement,  betterment,  advancement.  To  simplify, 
progress is when what was perceived as HARD becomes EASY. 
 
a. Use SUPPLIES to Make it EASY 
The  Staples  “EASY  Button”  has  sat  next  to  my  piano  for  years.  Every  Fall  I  make  a 
point  of  revisiting  practice  strategies–they  can  always  be  refreshed.   This  summer, 
Staples  featured  an  “EASY  Stamp”  and  I  was  smitten.  So,  my  goal  was  to  somehow 
incorporate  the  EASY  button  with   the  EASY  stamp  for  a  new­fangled  practice 
strategy.  Little  did  I  know  how  successful  this  combo  could  be  with  Post­its  –  yet 
another favorite office supply. 

b. Use a THEME to Make it EASY 
This year’s Fall studio theme is Make it EASY, then practice HARD. A bulletin board 
next  to  the  piano,  a  picture  frame  with  a picture of an EASY button, an EASY button 
screen  saver  and  of  course  the  EASY  stamp  AND  button  have  fully  immersed 
students in this latest theme. 

c. Use ISOLATION to Make it EASY 
Playing  HT  (hands  together)  is  difficult  or  “HARD”  for  pianists  at  any  level.  After 
EASY  stamping  a  post­it,  the  pianist  (let’s  call  her  Melody)  and  I  discuss  a  practice 
prescription for “Carefree Stroll”. 

Section A: 

1. Play RH (right hand) 3x, counting aloud 
2. Play LH (left hand) 3x, counting aloud 
3. Play HT (hands together) using EASY Post­it practice 

Melody  and  I  then  briefly  review  the  prescribed  practice  routine  to   ensure  correct 
reading and counting, and then we give the EASY Post­it practice a try. 

The  Post­it  is  placed  so  that  beat  one  of  a  measure  is  isolated and Melody is asked to 
play  it–perfectly  (fingering,  rhythm,  pitches,  etc).  To  her  amazement  it  looks  EASY 
and  yes,  she  succeeds  at  beat  one  HT.  It  is  important  that  Melody  (not  just  me) 
recognizes  success,  so  she  is  asked  to  make her own evaluation of how she did. If she 
declares victory, we move on to the next beat. 

The  Post­it  is  moved  to  reveal  beat  two.  Melody  plays  beats  1  and  2  HT.  Melody 
evaluates the attempt and usually wants to try it one more time to ensure confidence. 

Within a few minutes a measure can be mastered HT and Melody happily pushes that 

EASY  button.  In  addition,  she  is  eager  to   continue  this  strategy  at  home  because 
success  was  discovered  at  the  lesson.  (Hint:  this  also  works  well  with  backwards 
practice!) 
 As  you  know,  if  it’s  hard,  it  will  most  likely  be  avoided  on  the  home  practice  bench 
which means no progress. Make it EASY and it ​ will​
 get practiced, HARD! 

“That was EASY” 

About the Author: 

Hi,  I'm  Leila  Viss  and  enjoy  teaching  piano  to  around  45  students  ranging  in  age  from 6 
to  89.  I  am  drawn  to  discovering  innovative  teaching  methods  and  successful  practice 
strategies  to  encourage  the  average  player  to  stick  to  the   bench  for  life.  Customizing 
lessons  for  each  student  is  a  priority  and  therefore  I  provide  "blended"  instruction  of 
Classical,  Jazz  and  Pop.  The  ever­changing  tools  of  technology  assist  me  in  my  daily 
teaching.  Every  student  not  only   has  a  private  lesson  but  a  lab  session  as  well.  Lab 
assignments  include  activities  using  the  latest  music  software,  MIDI,  iPad  apps,  a 
Clavinova  and  more.  After   receiving  a  BA  degree  in  Piano  and  Organ  from  Dordt 
College  in  Sioux Center, Iowa, I  married my husband (of 26 years), moved to Denver and 
received a masters in Piano Performance and Pedagogy from the University of Denver. 

While  maintaining  a  studio,  I  ventured  into  teaching  keyboard  classes  in a nearby school 

district  for  2nd­8th  grade  students  for   four  years.  Although  those  were  the  most 
challenging  years  of  teaching  I  ever  experienced,  it  was  pleasing  to  know  that  the 
federally­funded  program  brought  the  piano  (keyboard)  to  many  kiddos  who would have 
never even met Middle C without  this opportunity.  I’ve settled back into building a larger 
studio  and  continue  to  diligently  plan  effective  ways  to  make  piano  playing  and  music 
making  a  reality  for  any  student.  In  2012,  I  decided  to  try  my  hand at blogging and have 
found a new “love” at ​ 88pianokeys.me​ . 

My  fascination  with  the  iPad  and  apps  resulted  in  the  book  The  iPad Piano Studio: Keys 
to  Unlocking  the  Power  of  Apps.  What  began  as  an  idea,  a  nudge  and  then  a  reality  is 
now  serving  as  required  reading  for  SMU  graduate  pedagogy  students.  Invited  by  Pete 
Jutras,  the  editor  of  Clavier  Companion,  I  now  pen  a  column  for  the  piano  magazine 
called  "Apps   for  Teaching."  I've  served  on  planning  committees  for  the  MNTA  (Music 
Teachers  National  Association)  2013  Jazz/Pop  Track,  the  MNTA  2014  Improvisation 
Track  and  was  appointed  co­chair  of  programs  by  Sam  Holland  SMU­IPT  (Southern 
Methodist  University  Institute for Piano Teachers) 2014 and NCKP (National Conference 
on Keyboard Pedagogy) 2015. 

   
6. Adults vs Children – What’s the Difference? by Leah 
Coutts 
Teaching  adults  requires  a  different  approach  to  teaching  children,  and  in  this  chapter  I 
would  like  to  outline  why.  The  focus  here  is  on  the  general  differences  in characteristics 
between  children  and  adults.  Of  course,  there  are  always  going  to   be  students  who  are 
different  to  the  norm,  but  by  understanding  the  generalisations,  we  can  use  this 
knowledge  to  approach  teaching  from the student’s perspective. On top of these, you also 
have to consider each student’s background and experiences. 

If  we  look  to  psychological  development  of  certain  ages,  children  between  the  ages  of 
5­10  are  more  defined  by  their chronological factors than any individual peculiarities that 
shine  through.  Of  course,  each  child  is  an  individual,  but  their  growth  patterns  can  be 
determined  by  their  ages.  Adults  are  no  longer  governed  by  this,  as  they  have  reached 
maturity, and thus, their individuality becomes prevalent. 

As  children,  students  can  learn  technique after the basic reading and ear training has been 

achieved,  and  this  is  due  to  the  fact  that  muscular  control  develops  at  the  same  rate  as 
their  cognitive  pace.  The  early  stages  of  playing  are  aided  by  relaxed  and  spontaneous 
motions,  and  as  they  are  not   generally  very  self­conscious,  this  helps  them  jump straight 
into  trying  things  out.  Adults,  on  the other hand, are very self­conscious when first trying 
new  skills,  and  also  naturally  hold  more   tension  in  their  movements.  This  is  because 
generally,  adults  have  not  learnt  a  new  physical  skill  since  they  were  young.  Adults, 
however,  gain  greater  muscle  control  quicker,  and  therefore,  technical  skills  can  be 
introduced straight away. 

Children  are  using  their   imagination  constantly,  and  have  greater  access  to  the 
‘sub­conscious’.  They  also  learn  through  experiencing,  meaning  new  concepts  must  first 
be  seen,  heard,  and  tried,  before  fully  understanding.  Adults  are  rational,  logical,  and 
objective,  and  thrive  on  precise  explanations.  This  makes  them  more  apt  to  study  theory 
away  from  the  instrument.  They  also  have  longer attention spans than children, and more 
endurance  for  one  activity.  Children  need  changes  of  focus often to  keep their interest on 
the task at hand. 

Adults  come  to  learn  a  musical  instrument  because  they  want  to.  They  feel  rewarded  by 
progress  itself,  and  are  motivated  by their own development. Children, on the other hand, 
need  extrinsic  motivators  such  as  stickers,  the  enticement  of  playing  a  game  afterwards, 
and  the  like. They  may wish to be taking lessons, but  they also may be there because their 
parents  want  them  to  be.  They  can  only  focus  on  the  immediate  or  short­term  goals, 
whereas  adults  are  capable  of  working  towards  short,  medium,  and  long­term  goals,  and 
understand their importance. 

Children  have  a  greater  capacity  for  musical  memory  in  the  truest  form  of  the  concept  – 
they  can  listen, try, and memorise, without any logical explanations to guide them. Adults 
use  intellectual  cues,  such  as  patterns  in  the  music,  chord  progressions,  etc,  to  give them 
stepping  stones  to  memorisation.  While  both  children  and  adults  hear  and  feel  and  can 
 learn  to  appreciate  the  emotional  side  of  music,  adults  also  enjoy  and  comprehend  the 
intellectual side to music.  

The table below summarises the different character traits of children and adults: 

About the Author: 

Leah  is  a  private  piano  teacher  in  Brisbane,  Australia.  She  completed   her  Bachelor  of 
Music Studies with First Class Honours in June 2010. She is a member of the Golden Key 
International  Honour  Society.  Having  completed  all grades in Electric Organ and moving 
onto  pipe  organ  at  university,  under  the  internationally  acclaimed  Christopher  Wrench’s 
direction,  Leah  is   now  completing  the  Associate  Performance  Diploma  (AMusA)  on 
piano.  As  well  as  private music tuition, her musical experience includes mentoring Music 
Theory  at the Griffith Conservatorium of Music, as well as work for the Music Council of 
Australia,  Fine­Print  Music  Printing  and  Typesetting,  and  the  Queensland 
Conservatorium  Research  Centre.  In  2012,  Leah will be returning to the Conservatorium 
of  Music  to  pursue  a  PhD  in  the  field  of  Pedagogy.  Her  main  focus  will  be  research  on 
teaching  adults,  as  this  is  her  area  of  interest,  and  an  area that needs further study here in 
Australia. 

   
7. Teaching Effective Group Music Lessons by Nicole 
Murphy 
I  recently  read  Kerri  Green’s  excellent  blog  ​ Lessons  I  Learnt  While  I  Wasn’t  Teaching​
, 
where  she  mentions  that  she  divides  students  into two streams – the ‘Performance Track’ 
(who  have  individual  lessons)  and  the  ‘Recreation  Track’  (who  have   group  lessons).  I 
currently  only  teach  individual  lessons  and  I  don’t  envisage  myself  teaching  group 
lessons  at  any  time  in  the  future   (due  to studio  space and personal preference), however I 
previously  spent  a  number  of  years  teaching  in  groups  and  training  teachers  on how best 
to  teach  group  lessons,  so  Kerri’s  article  prompted  me  to  share  my  thoughts  on  group 
teaching for those of you who are currently teaching in that environment. 

a. Even  if  students  begin  at  the  same  level,  they  will  not  always  progress  at  the  same 
pace.  Don’t  be  reluctant  to  change  your  students into different groups once you begin  
to see how they are progressing. 

b. Some  students  thrive  on  competition  and  others  don’t.  Know  when  to  encourage 
friendly  competition  between  students  in  a  group,  and  when  to  discourage 
comparisons. 

c. Don’t  expect  students  who  learn  in   groups  to   progress  at  the  same  pace  as  students 
who  have  individual  lessons.  This  seems  obvious,  however  when  I  first  started 
teaching groups I realised I need to adjust my expectations slightly. 

d. Have  each  student  bring  a  notebook  and  at  the  end  of  the  lesson  take a minute to  ask 
them  to  write  in  their  own  notebook  3  things  that  they  need  to  work  on  for  the  next 
lesson. 

e. Get  students  to  give  feedback  on  others  in  the  group  (respectfully,  of  course!).  This 
teaches  students  the  elements  of  performance  that  they  should  be  listening  out  for  in 
their own playing. 

f. Developing  a  routine  within  the   lessons helps  students to know your expectations and 

will allow the lessons to run smoothly. 

g. Have  plenty  of  individual  extension  tasks  ready  –  theory  sheets,  sight  reading 
exercises, composition tasks. 

h. When  working  with  individual  students  within  the  group,  give  them  one  thing  to 
improve  and  then  move   on   to  the   next  student.  That  way  you  will  get around to each 
of the students quickly, and no one is left unattended for longer than a few minutes. 

i. Take  advantage  of  activities  that  can  only  be  done  in groups (duets, ensemble pieces, 
etc.). 

j. Know  when  to  recommend  students  move  to individual lessons and don’t be afraid to 

suggest it. 
 k. Finally, if you are teaching groups, the amount of administration and organization that 
must  be  done  in  your  studio  multiplies.  Ensure  you  have  a  well  thought  out  and 
clearly communicated studio policy and invoicing system. 

 
About the Author​
:  
Nicole  Murphy  is  a  pianist and composer residing  in Queensland, Australia. She has been 
teaching  both  piano  and  composition  privately  and  in  schools  for  over  8  years,  with 
students  currently  ranging  in   age  from four to eighty­five years old. She holds a Bachelor 
of  Music  (Honours  Class  I)  from  the  Queensland  Conservatorium  of  Music  and  is 
currently  working  towards  a  Masters  of Music. As a freelance composer,  Nicole has  been 
commissioned  by  numerous  ensembles  including  the  Melbourne  Symphony  Orchestra, 
Chronology Arts, Orchestra Victoria and the Australian Ballet. 
   
8. Music lessons and students with developmental delays 
by Amanda Furbeck 
To  be  completely  honest,  I  am  ‘just’  a  piano  teacher.  I  am  not  an  expert  in  childhood 
development  nor  would  I  ever  claim  to  be.  But  as  the  mom  of  a  child  with  some  extra 
needs,  I  have  learned  firsthand  about  the  importance  of  childhood  development,  how 
music  can  help,  and  how  it   can  be  hard  for a child with extra needs to accomplish certain 
tasks  in  their  music  lessons.  After  working  with  my  son’s  therapists,  I  couldn’t  help  but 
pick  up  a  few  things  that  I  found  to  be  helpful  for  him  and  for  my  music  lessons.  If  you 
have  a  chance  to  take  some  occupational  therapy  training,  or  even  speak  with  an 
occupational  therapist,  I  highly  recommend  it.  Having  an  awareness  of  special  needs, 
learning  disabilities,  and  other  childhood  struggles  can assist your teaching, your student, 
and their music. 

Here are a few things to think about:  

a. Posture and muscle tone.  
Do  you  have  that  one  student  that  just  can’t  ever  seem  to  sit  up  straight?  No  matter 
how  much  you  remind  them,  they  struggle   with  good  playing posture? This may be a 
child  with  low  muscle tone. They may be perfectly healthy, but just have muscles that 
aren’t  quite  strong  enough  to  help  them  sit   or  stand  with  good  posture.  You’ll 
typically see them slouch, lean on one hand, or “W” sit on the floor. 

b. Body awareness.  
Some  children  struggle  with  knowing  where  their  body  is  in  space.  They  may  be 
constantly  in  motion  because  they  don’t   feel  settled,  comfortable  with  themselves, or 
they  may  lean  on  you  constantly,   run  into  you,  or  crash  on  things  to  help  them ‘feel’ 
where they are. 

c. Crossing midline.  
A  child  that  has  trouble  crossing  midline will have  trouble crossing their hands on the 
piano,  may  struggle  with  turning  pages  of  music,  or may hold their instrument funny. 
Imagine  a  straight   line   running  down  your  body,  from  your  nose straight down to the 
floor.  Now  pretend  that  each  body  part  must  stay  on  its  ‘own’  side  –  your  left  hand 
can’t cross the line to reach something that’s on the right side, and vice versa. Now try 
playing  your  instrument,  reaching  something   on   a  high  shelf,  even  scratching  an  itch 
on the opposite side. Frustrating? 

d. Using both hands.  
My  son  used  to  only  be  able to play with one hand at a time. Learning any instrument 
takes  two  hands,  so  while  it  may  be   difficult  for  a  young  child  to  learn  to  use  both 
hands  to  play,  it  is  also  helpful  for  their  development.  This  child  may  be able to play 
piano  hands  separately,  but  struggle  when  playing  both  parts  at  once.  It  could be due 
to  low muscle tone – they can only  use one hand because the other needs to prop them 
up  –  or  it  could be caused by any  number of factors. Gentle and patient reminders  can 
be helpful. 
e. Two hands doing different things.  
This is something we adults tend to take for granted, but is critical to playing music. A 
child  may  be  able  to  play  contrary  piano  scales,  where  the  hands  are  using   the  same 
fingers  at  the  same  time,  but  may  not  be  able  to  play  parallel  scales,  where  the  same 
note  is  played  in  each  hand  but  using different fingers. Or picture playing the guitar  –  
you need to form chords with one hand and strum or pick with the other. 

f. Motor planning.  
Motor  planning  is  the  body’s  ability to know how to accomplish  a task and  then carry 
it  out.   For  example,  a  child  with motor  planning  difficulties may have trouble simply 
walking  up  the  steps.  They have to stop and think about each part of the process (I lift 
my  right  leg,  move  it  towards  the  step,  put  it  down,   pull  myself  up,  lift  my  left 
leg….etc),  while  the  rest  of  us  simply  do  it  because  our  bodies  know  how.  Can  you 
see  how this could translate into difficulty making music? This child may have to stop 
and  think  about all the things their  bodies have  to do to make every single note. While 
it  takes  extra  time and patience, it is absolutely worth it. These children can learn, and 
they  benefit  from  the  muscle  memory  that  comes  along  with  playing  music.  Practice 
and  repetition  helps,  the  challenge  is  making  it  fun  so  the  student  sticks  with  it  long 
enough to get it. 

g. Speech.  
A  child  with  a  speech  delay  may have trouble singing, they may have trouble with air 
production  needed  to  blow  into  a  horn,  and  they  may  have  trouble  with embouchure. 
But  language  and  music  are  closely  connected,  and  the  benefits  from  learning  an 
instrument  or  singing  may  help  a  child  with   a  speech  delay  improve their speech and 
language,  as well. I recently read of a valedictorian who  rapped his graduation speech. 
In speaking, he stuttered terribly, but in music, the stutter disappeared. 

h. How does music help?  
We  have  all  heard  of  the  Mozart  effect,  where   music  helps  create  extra  and  stronger 
pathways  in  the  brain.  Music  stimulates  different  areas  of  the  brain,  including 
language,  emotion,  math,  etc.  It  can  reinforce  skills  that  children  learn  in  school,  in 
therapy,  and  at  home.  It  allows  children  to  express  themselves,  which  becomes 
especially  important  to  children  who  are  frustrated  at  how  their  body  works  or  who 
cannot  speak  like  their  peers.  Most  of  all,  making  music  builds  self­confidence  and 
joy, something every child and adult needs. 

As  the  mom  of  a  child  with  special   considerations,  I  would  encourage  you  to  embrace 
teaching  children  and  adults  with  extra  or  special  needs.  Their  progress  may  be  slower, 
they  may require lots  of extra patience and as a teacher, you may need to think outside the 
box  to  help  them  acquire skills that come  easily for developmentally typical children. But 
just  as  children  with  special  needs  help  their  parents  become  better  parents,  teachers  of 
children  with  special  needs  can  become  better  teachers   from  their  extra  special  students. 
We  learn  patience,  grace,  and  to  appreciate  our  children  for  who  they  are,  not  what  they  
can  or  can’t   do.   We  learn  how  to  teach  more  clearly,  demonstrate  more  concretely,  and 
 think  more  creatively.  Incorporating  a  little  sense  of  humor  and  a  lot  of  fun  goes  a  long 
way, too. 

The work may be challenging, but the rewards are amazing. 

About the Author: 

Amanda  has  been  teaching  private  piano  lessons for 15 years. She plays piano, keyboard, 

and  organ,  and  has  worked  in  church  music  for  17  years.  Amanda  received  a  B.A.  in 
music  from  Eastern  University.  She  has  written  and  recorded  music  that  is  available  on 
iTunes and amazon.com, and writes CD reviews for Worship Leader Magazine. She is the 
author  of  "Clef  Hangers,"  a  book  of  devotions  for  worship  teams.  Amanda's  goal  as  a 
piano  teacher  is  to  share  a  love  of  music  with  her  students.  She  uses  innovative teaching 
methods,  enjoyable  materials,  and  liberal  amounts  of  positive  reinforcement  to  help  her 
students love the piano. 

 
   
9. Breaking Up is Hard to Do: Letting a Student Go by 
Bella Payne 
When  I  started  teaching  8  years  ago,  I  wondered  if  I  would  ever  have  to let a student go. 
What  happens  in  that   situation?  How  do  you  do  it?  Do you just  deal with them until they 
quit  on  their  own?  And  what  is  the  list  of  reasons  why  you  should  let  a  student  go?  I 
didn’t  like  the  idea,  but  a  therapist  friend  of  mine,  who  has  had  to  do  this  with  clients, 
confirmed  with  me  that  sometimes  you  don’t  have  a  choice,  and  it  becomes  unethical  to 
keep them. 

I  taught  this  wonderful  little  girl  for  4  years.  I  adored  her.  But  she  got  a  little  older  and 
started  acting like she didn’t want to listen  to me  anymore. And when I insisted she listen, 
she  pouted  through  the  entire  lesson.  When  I  told  her  I  did  not  like  that  she  wasn’t 
listening  to  me,  and  that  I  ​
expected  her  to  listen,  she  started  crying. This happened a few 
times  and  it  made  me  feel  like  the  worst  teacher  in  the  world.  I  tried  my   best  to  be 
sensitive.  I  tried  to  bring  her  songs  she  would  enjoy  singing,  but  she   frequently  found 
things  to complain about. The third time she  cried,  I realized it was time to say goodbye. I 
didn’t  take  the  tears  personally.  She  is  a  very  sensitive  child  and  at  the  age  when   a  girl 
becomes  even  more  sensitive  than  average.  For  some  reason  we  were  not  clicking 
anymore. 

For  some  reason,  I  was  having   a  negative  effect  on  this  girl,  and I felt it would be wrong 
for  me  to  continue  teaching  her.  I  couldn’t  figure  out  why  I  had  this  effect.  I   was  not 
teaching  her  any  differently  than  other  students.  In  fact,  I  was  more   sensitive   with  her 
because  I  knew  she  was  a  bit  fragile.  She  was  upset  when  I  quit,  and  that  made  me  feel 
bad,  but  I  know  that  if  I  stayed  she  would  continue  to  become  upset,  because  I  wasn’t 
going to change my expectations, and I wasn’t going to let a student disrespect me.  

This  event  taught  me  to  take  control  and  not  live  at  the  will  of  others. In a regular job, if 
we  are  being  disrespected  by  our  bosses,  we  would  quit  and  find  something  else.  In 
lessons,  it  should  be  the  same.  If  a  student  is  treating  you  with  disrespect  or  refusing  to 
follow  your  rules,  you  have the right to quit.  Businesses usually have signs that state “We 
reserve  the  right  to  refuse  service.” The same goes for us. It’s harder, because our work is 
more personal. 

My  therapist  friend  I  mentioned  earlier  suggests  that  you  explain  to  the  parent  and  child 
that  you  feel  like  you  are  no  longer  effective  and  that  it  is  probably  best  for  them  to 
continue  with  another   teacher.  You  can  heal  the  blow  by  offering  a  recommendation. 
Most  likely  they  will  be  upset  no  matter  how kind  you  try to sound, but taking money for 
a job you know someone else could do better is worse that hurting someone’s feelings. 

About the Author: 

While  working  on  a  degree  in  Sociology  with  plans  to  become  a  Social  Worker,  Bella 
Payne  fell  into  teaching   piano  lessons  as  a  way  to  pay  her  bills.  She had no idea she was 
stumbling  into  a  totally  fulfilling,  creative  and  exciting  career!  Every  day,  she  teaches 
 several  students  in  their   homes,  in  her  home,  and  online  how  to  play  piano from scratch. 
Over  the  last  10  years,   she  has  seen  kids  and  adults  go  from  timid  beginner  to  skilled 
performers. 

 
 

10. All of Your Private Students Are Gonna Quit ­ 
Don't Let Them by Brian Jenkins 
 
It's  a  harsh reality  that  the private music students you're teaching right now will not be the 
same  students  you're  teaching  a  year  or two from now. Every business goes through it. In 
the  recurring  revenue  business  world  we  call  it  "churn",   that  is  what  percentage  of  your 
students  quit  from  period  to  period.  If  you  don't  refill  the  coffers  with  new  students, 
eventually  you  won't  have  a  studio  left.  But  what  if  you  could  just  reduce  your  churn? 
What if you could keep your students much longer? 

I've  connected  thousands  of  students  to  music  teachers  over  the  years,  and  have  heard 
every  reason  in  the  book  for  why  the  student  has  to  quit.  Don't  just  accept  it!  You  can 
have a lot of control over whether or not your students continue. 

The First Lessons are the Most Important 

You've  probably  noticed   that   you   have  a  lot  of  fall  off  after  one  or two lessons with new 
students.  Let's  talk  numbers.  About  32%  of  all students who take one lesson will not take 
a  second  lesson.  That's  1  in  3!  Ouch!  But  beyond  that  how  does  it  look?  It  actually  gets 
worse.  There   is  a  62%  chance  that  you  will  never  give  a  fifth  lesson  to  any  one  student.  
That  means if you get  10  new students only 4 of them will get a 5th lesson. And here's the 
kicker. 85% of your students will never get a 10th lesson. What?! Yes, about 1.5 out of 10 
will continue with you long term. 

These  are  numbers  from  an  aggregate  of  hundreds  of  teachers and thousands of students. 
Not  all  teachers,  and   not  all  students,  are  created  equally  of   course.  I'll  talk  more  about 
that  in  detail  later  in the chapter. What we need to understand from these numbers though 
is  that  you  need  to  do  something  to  keep  these   students  past  the  first  9  lessons.  Because 
guess  what?  The  numbers  after  this  get  much  much  better.  Students  that  take  their  10th 
lesson have about a 70% chance to take a 50th lesson. 

How to Get Students to the 10th Lesson 

Over  the  years  we  have  implemented  strategies  to  help  get  more   music  students  to  the 
coveted  10th  lesson.  They  have decreased our churn dramatically, and they'll do the same 
for you. 

A. Bill 10 Lessons Up Front 
Seems crazy right? Before you give the first lesson, take payment for 10 or more. Will 
anyone  do  it?  Yes!  Here's  the  deal.  You  can  offer  many  different  ways  to  pay.  One 
 lesson  at  the  normal price, 5 lessons they get 5% off, and 10 lessons they get 10% off. 
You  don't  have  to  follow  these  discounts  exactly,  the  goal  is  to  just  offer  them  deals 
when they pay for more lessons. 
The  thing  that  was  always holding me  back from doing this is what if they DO end up 
quitting?  Are  you  really  going  to  take  all  their  money?  Well  you  could.  But odds are 
the  only  students  that  will  take  you  up  on  this  offer  are  your  students  that  have  been 
around  for  years.  That's  because  they  know  they're  going  to  stick  around.  Someone 
who starts new doesn't know that. 
You'll  need  to  offer  a  money  back  guarantee.  Yup  if  they don't want to continue with 
you, you'll refund every penny of unused credit they have. ​ Unused​ is the key here. 
You're  probably  asking,   "But  wait,  if  I  do that, everyone will do it and I'm just giving 
a  free  discount!"  You  got  it!  The  goal  is  to  get  everyone  to  do  it.  If  you  get   your 
student  to  the  tenth  lesson,  you'll  make much more than you would lose by giving the 
discount. 
Psychologically  when  a  person  pays  for  something,  most  people consider that money 
gone.  They  don't  really  think  of  the  possibility  of   it  returning.  Even  if  you  offer  the 
money  back  guarantee,  a very small percentage of students will ask for a refund at all. 
I've  seen  students  who  wanted  to  quit,  called  me  up  and  said  "How  much  credit   do   I 
have  left? We just want to  finish that off first, Suzy just doesn't like piano." I tell them 
"You  have  5  more  lessons  in  credit."  You  know  what  they  say 90% of the time? "Ok 
we'll  take  those  5  lessons,  and  be  done."  All  they  would  have  to  say  at  that  point  is, 
"give  me  a  refund"  and  the  money  would  be  in  their  account.  But  they  already  paid 
for the lessons, so they take them. 

The  magical   thing  that  happens  almost  every  time,  is  that  student  ends  up  forgetting 
they  called  me  at  all,  and  they  end  up  staying  much  longer.  What's  the  moral  of  this 
story? Have your students pay for as many lessons as possible up front! 
B.  Don't Disappoint 
Disappointment  is  the  difference  between  expectations  and  reality.   It's  our  job  as 
teachers  to  make   sure  no  one  is  disappointed  with  their  lessons.  That  can  be  a  tall 
order,  because a  lot of parents are imagining that little Matthew is going to be the next 
Mozart  without  any  practice.  So  what  can  we  do?  First  find  out  exactly  what  the 
student is expecting, and become that teacher. 

The Lesson Survey 

Every  teacher  should  send  a  new  student  a  survey  before  the  first  lesson.  You  can 
create  a  simple  free  survey,  and  send it by email with Survey Monkey. Questions that 
you should consider asking are things like: 

● How strict do you want your teacher to be? 
○ Very Strict ­ Make sure my kid practices! 
○ Not too strict, but not too laid back 
○ Completely laid back, this is just for fun! 
● What kind of music do you want your child to learn? 
○ Only classical 
 ○ Classical and popular music 
○ No classical please! 
● How long has your child been playing for? 
● Do  you  already  have  teaching material you would like me to use? If  so, please 
list the book titles. 
● How much do you think your child can practice every day? 
You  can  come  up  with  some  more   ideas,  but  that  should  get  you  started.  You  may 
ask,  "Why  make  a  survey?  Why  not  just  ask  them  over  the  phone?"  One  reason  is 
professionalism.  It's  pretty  impressive  to  have  a  survey  for  all  of  your students ahead 
of  time.  Another  very  important  reason  is  that  students  don't  really  know  how  to 
answer  some  questions,  and  it  may  be  uncomfortable  to  answer  some  questions  like 
"How  strict  do  you  want  me  to  be"  over  the  phone.  Make  sure  every  answer  is 
multiple choice, so they don't have to think and actually write a response. 

Now  here's  the  key:  actually  be  the  teacher  the  survey   tells  you  to  be!  Are  you 
typically  strict?  Well  some  students  don't  respond  well  to  that.  Are  you typically laid 
back?  Some  students  respond  to  a  strict  teacher  better.  With  the  survey  you're   not 
going  in  blind,  and  you  can  actually  work  with  the  students  expectations,  and  not 
disappoint. 

I  can't tell you how many times I got a call from a student saying their teacher was not 
a  good  match  after  the first lesson. When asked why, it's almost always something the 
teacher  could  easily  change  on  the  second  lesson.  Unfortunately  it's  too  late.  They 
don't  get  the  chance  to,  because  the  customers  mind  is  already  made.  Find  out  what  
they want BEFORE you screw up. 

C. Get the Parents Involved 
All  too  often  parents  have  ​ no  idea  what  is  being  taught  in  their  kids  lessons.  I'm  a 
strong  believer  that  ​
parents should be  a part of every music lesson​ . If you have kids of 
your  own,  you  know  that almost all children  do  not have the patience and diligence to 
practice  the  way  you  told  them to. They really need you there every day to help them. 
Well  you  can't  do  that.  But  their  parents  can.  If  they  know  what  you  expect  for 
practice,  and  you  let  the  parents know they should help out, the students will progress 
much more quickly. 

This  will  also  make  the  parents   feel  they  are  a  part  of  the  lessons,  so  quitting  the 
lessons would also feel like they are quitting themselves, and no one likes quitting. 

D. Make Lessons Social 
The  word  is  private  lessons,  right?  Yeah,  most  of  us  give  private  lessons,  but  the 
problem  is  that  takes  out  social  accountability.  Do  kids  quit  halfway  through  their 
soccer  season?  Almost  never.  Why?  There's  an  accountability  to  the  team  and  other 
parents. We need to build this into our lessons. 

If  you  give  lessons  in  your  home  or  studio,  have  students  play  for  each  other  at  the 
beginning  and  end  of  their  lessons.  Make   introductions  between the kids and parents. 
 This  is  also  a  great  opportunity  to  have  your  students  practice  performing. They may 
even get inspired by other, perhaps more advanced students. 

Hold regular recitals.  This is a great opportunity for parents to talk, and students to get 
to know each other better. Hold as many as you can! 

Here  is  one  quick  little  hack you should try for your winter recital. Have it the second 

week  of  January  instead  of  the  beginning  of  December.  A  lot  of  people   leave  for  the 
holidays,  and  this  way  they'll  be   more  likely  to  take  lessons  with  you  through  their 
time off, in preparation for the recital. 

Find Good Students 

The  numbers  I  quoted  earlier,  are  in  aggregate.  If   you   were  to  take  the  numbers  of 
different  types  of  students,  you'll  see  they  are  not  all  the  same.  If  your  studio  is built 
mainly  on  referrals,  then  you'll  likely  look  at  those  numbers  and  say  "Not  MY 
studio!"  That's  because  referrals  are  the  best  kind  of  students.  They  have  a  degree  of 
social  obligation  built  in to taking lessons with you. If they quit, they have to tell their 
friend.  That's  always  awkward. Not only that, but obviously someone they know likes 
you,  so  odds  are  good  they  will  too.  What's  the  best  way  to  find  referrals?  Get  more 
students! Once you have quite a few students, referrals from your current students will 
likely fill in the gaps of the students who quit. 

Don't  think  you're  done  when  you  give  the  first  lesson.  Make  sure  you're  working 
diligently  to  be  the  best  teacher  you  can  be  from  the  beginning.  This  will  result  in 
more referrals, and eventually the freedom you want for your music studio. 

About the author:  

Brian  is a pianist, teacher, entrepreneur, and owner of ​ YourMusicLessons.com​ , which  has 

now  connected  hundreds  of  teachers  with  thousands  of  students,  and  collectively  have 
taught  tens  of  thousands  of  lessons.  Brian  has  learned  a  lot  from  teaching,  and  making 
these  connections.  He’s   now  feverishly  working  on  national  expansion and loves sharing 
his journey, with both music, and entrepreneurship through blogging. 

 
   
Afterword: Andrew Nicoletta, Marketing Director of 
Music Teacher’s Helper 
 

As  our  Founder  and CEO, Brandon Pearce, explained in the Foreword, our goal is to enhance 

the  teaching  experience  by  earning  more;  minimizing  the  burden  of  administration,  and 
maximizing  the  time  for  teaching.  A  decade  on  from  its  inception, our core values still focus 
on simple­but­effective tools for invoicing, scheduling, and bookkeeping. 

In  addition  to  this,  we  are   proud  to  offer  one  of  the  largest  repositories  of  hands­on  music 
teaching  information.  Over  the  years,  we’ve  published  over  1,200  quality  articles  on various 
aspects  of  being  a  music  teacher.  This  e­book  represents  the  best of the  best, so  to speak; the 
most popular articles from the last few years.   

For  more  information,  please  visit  ​ MusicTeachersHelper.com  (MTH)  and/or 

StudioHelper.com​,  or  take  advantage of our special Kindle reader offer of a ​
30­day  Free Trial  + 
 to MTH, today! 
20% Off​

 
 

 
   
Acknowledgements: 
 
As  Founder  and  CEO  of  ​ MusicTeachersHelper.com  and ​ StudioHelper.com​ ,  I’d like to thank 
the  contributing  authors:  Sandy  Lundberg,   Ed  Perlman,  Chris  Foley,  Nicole  Murphy,  Leila 
Viss,  Leah  Coutts,  Bella  Payne,  Amanda  Furbeck,  and,  Brian  Jenkins.  These  individuals  are 
experienced,  professional  music  teachers  and  their  knowledge  is  an   invaluable  source  of 
wisdom.  Secondly,  thanks  to  Andrew  Nicoletta  (Marketing  Director)  and  Stephen  J.  Jones, 
for  editing  and  publishing  this  book.  Last  but  not  least,  I’d  like  to  thank  the  thousands  of 
music  teachers  and  studio  owners we provide services to, for their business ­ and, most of all, 
for teaching the next generation of musicians! 
 
   
 Copyright 
All rights reserved. No part of this book may be reproduced in any form or by any electronic 
or mechanical means including information storage and retrieval systems – except in the case 
of brief quotations in articles or reviews, where clear attribution is given – without the 
permission in writing from its publisher(s) and/or author(s). 
   
 Disclaimer 
The  publisher(s)  and  author(s)  of  this  work  make  no  representations  or  warranties  in respect 
of its completeness or correctness. The publisher(s) and author(s) also disclaim all warranties, 
express  and  implied,  including  without  limitation   warranties  of  fitness  for  a  particular 
purpose.  The  strategies,  tactics  and  advice  contained  herein  may  not  be  suitable  for  every 
type  of  business  and/or  every  type of situation.  This work is  sold with the understanding that 
the  publisher(s)  and  author(s)  are  not  providing  legal,  accounting,  consulting,  taxation  or 
other  professional  services.  If  such  advice  is  sought,  then  an  independent,  qualified  person 
should be hired.  
Under  no  circumstances  can  the publisher(s) or author(s) of this product be held liable for the 
use  (or  non­use)  of  materials  contained  herein.  In  cases  where  external  websites  and/or 
organizations  are  cited,  the  publisher(s)  and  author(s)  are  not  endorsing  said   entities  or  the 
recommendations  they  may  make.  Furthermore,  readers  should  be  aware  that  said  entities 
may  have  changed  focus,  or  ceased  to  exist,  since  this  publication  was  written.   Music  
Teachers’  Helper,  Studio  Helper  and  the  relevant  URLs  are  trademarks  of  the  publisher(s) 
rd
and  author(s):  all other trademarks are the property of their respective owners and relevant 3​  
parties.