¿Por qué 43 minutos en un corto nunca realmente funcionan?

(estructura de guion)

Tal vez te estés preguntando cuál es la diferencia entre la historia y la estructura. En pocas
palabras: la historia es el QUÉ y la estructura es el COMO (estimulación/tempo). Cuando se
construye una casa se comienza con el qué: cuatro dormitorios, tres baños, terraza y cocina. A
continuación, pasar a la forma en que su diseño arquitectónico. Estamos en la parte de diseño
de su guión.

LA INVESTIGACIÓN ES LA CLAVE

¿Cuál puede ser uno de los primeros pasos a seguir para investigar y escribir un gran guión?
Acción. A lo largo de este libro voy a estar repitiendo Ad Nauseam lo que usted necesita para
hacer su tarea. La investigación de su historia, su productor, su tripulación, su puesto, y la vida
de su película una vez que se hace es primordial para su éxito como cineasta.

Talmage Cooley es un gran cineasta que ha tenido un éxito significativo con sus historias
extrañas. Pol Pot’s Birthday es una comedia oscura que logra ser bien escrita, bellamente
filmada, perfectamente fundida con un sólido tiempo de ejecución y rentabilidad. Su segundo,
también muy logrado corto, Dimmer (Sundance FF 2005), sigue a una banda de la calle ciega
que aterrorizan a su pueblo en sus bicicletas. Talmage sabe una o dos cosas acerca de tomar
una historia y exponerla con éxito y la necesidad de una investigación implacable para lograr
esto:

"Los trucos más grandes para la investigación de su guión están viendo una tonelada (no dos o
tres, pero al menos un centenar) de películas que pueden tener algo en común con su película
o no puede. Y los libros de fotografía son uno de los mejores recursos de todos, porque son los
últimos 100 años de personas que documentan la vida real. La tercera cosa, dependiendo de
donde se encuentra su película y de lo que se trata, es visitar ubicaciones que son como la
ubicación que usted imagina. Si usted tiene una escena en un salón de peluquería, vaya a un
salón de peluquería. Tomar fotos, y ver cómo suceden las cosas.

Acción = éxito. Y la acción que cada cineasta necesita tomar, si usted está haciendo una
narrativa, documental, animación, o pieza experimental de trabajo, es investigar lo que ya se ha
hecho, y la investigación de lo que la gente realmente hace en peluquerías (usted piensa que
usted sabe de memoria, pero no lo haces). La investigación de cómo veintisiete años de edad,
las mujeres que trabajan en Wall Street realmente se visten en la ciudad de Nueva York.
Investigando la historia de la animación dibujada a mano. Investigando la historia de la vida de
tu abuela más allá de lo que te ha dicho tu mamá cuando ha bebido demasiado Jerez.

Al investigar cuidadosamente su historia se ahorrará tiempo y dinero durante la producción.

Esto es crítico. No importa el género en el que estés trabajando, cuando entiendas a fondo tus
personajes y tu historia, podrás hacer la mejor película que puedas, incluso si no es
exactamente como la imaginaste originalmente. Es un fenómeno que ocurre en la película todo
el tiempo. Usted está haciendo una película, y otra, diferente en muchos aspectos de su
concepto inicial, emerge. Si eres capaz de ser flexible en todo, desde los puntos de la trama de
su historia para el montaje de la derecha elenco y la tripulación a los cambios de última hora en
las ubicaciones, a las ediciones en la post-producción, a menudo puede significar la diferencia
entre el éxito y el fracaso. Flexibilidad y adaptabilidad depende en gran medida de conocer su
historia al revés.

Interesante y divertida acción de investigación

◆ Haz una búsqueda en Internet de shorts Sundance y míralos.

◆ Haz una búsqueda en Internet para los blogs de cineastas y regístrate para los que te hablan.
Hacer lo mismo para los boletines de cineasta. (consulte la guía de recursos al dorso de este
libro para obtener ideas.)

◆ Empieza a hacer cola en cada compilación de cortometrajes que Netflix ofrece y míralos.

◆ Compra los últimos años de la Academia – nominados a las compilaciones de cortometrajes.

Lo han hecho por 2009.

¿QUÉ TAN CORTO ES CORTO?

Su guión debe ser sólido, económico y fresco. La forma sigue la función y los cortometrajes,
como cuentos cortos, tienen su propio estilo y ritmo. Nadie podría haber escrito a Anna
Karenina en catorce páginas y la mayoría no espera en el estado de ánimo para el amor en
ocho minutos.

El primer punto de la agenda es KISS —Keep It Simple Sister (mantenlo simple hermana). Tan
a menudo miro los cortocircuitos que tienen tramas complicado, los caracteres múltiples, y los
lugares que cambian de puesto, todos hacinados en doce minutos. El corto es tan confuso que
casi se puede ver en los rostros de los actores, ya que dicen que su diálogo. El cortometraje es
una exitosa narración económica. Hay grandes diferencias estéticas entre Brent Green
(Hadacol Christmas), Madeleine Olnek (espera, espera de Phyllis), Joshua Leonard (la juventud
en nosotros, hermosos perdedores, el proyecto de la bruja de Blair, lamentación espectacular),
y Carter Smith (Bugcrush, las ruinas ) como cineastas, como personas, y en términos de cuáles
son sus objetivos finales de cineasta. Sin embargo, todos ellos tienen algo en común — han
hecho películas que no sólo han jugado en la mayoría de los festivales importantes, sino que
también han recibido gran elogio crítico.

Brent hace una increíble animación de 8 minutos en su garaje con un Santa Claus loco como
su protagonista. Madeleine le disparó 8 minutos de película DV en las calles de Manhattan con
tres talentosos actores de improvisación. Josué escribió una historia maravillosamente trágica
de 12 minutos y discutió a dos compañeros de actor dotados para protagonizarlo. Carter, ya un
famoso fotógrafo de moda y director de videos musicales, hizo una película de horror
excepcional, espeluznante, gay que fue exquisitamente filmada, con adolescentes que estaban
al principio de sus carreras de actuación.

Bugcrush tenía 37 minutos de largo, una longitud casi inescuchada para un cortometraje
narrativo. Acciones de Smith:
"Bugcrush nunca fue una característica en mi mente. Sí, era 37 minutos, pero eso era todo lo
que estaba destinado a ser. Se basó en una historia corta y yo sólo quería hacer un corto para
conseguir mis pies mojados. Quería mostrar a la gente que tenía las habilidades para hacer
una característica mediante la creación de un cortometraje convincente más largo que tenía
tres actos completos dentro de la estructura del cortometraje. Odiaría volver y contar esa
historia otra vez en una forma de la característica-pienso que apestaría.

La conclusión con todas estas películas es que son todos económicos en su narración de
cuentos. No hay una escena que es claramente el tiro favorito del director que él o ella no podía
dejar ir en la suite de edición. Cada escena mueve la historia hacia adelante. Cada uno, si eran
8 minutos o 37. Director de fotografía Geary McLeod shares:

"cuando los cineastas pierden su marca es difícil determinar por qué no funciona, pero sí sé
cómo se siente, especialmente en un cortometraje. Necesitas ser conciso. Necesitas averiguar
exactamente qué historia estás contando. Es un género tan específico. El exceso no funciona.
Cada cuadro tiene que funcionar, tiene que mover la historia hacia adelante. "económico" es lo
que los cineastas cortos necesitan recordar. Por lo general, con un cortometraje, es la primera
vez que haces una película, y piensas, ahora este es el momento de ser auto-indulgente. Pero
en realidad no lo es.

Cuando alcancé a cineastas exitosos sobre la estructura de cortometrajes todos dijeron que
tienes que entender la forma de shorts. Talmage Cooley (cumpleaños de Pol Pot, dimmer)
agrega:

"La manera más fácil de hacer este punto es hacer la analogía de que un poema es
estructuralmente muy diferente de una novela. Usted tiene que estudiar la forma y la sintaxis de
los cortometrajes para asegurarse de que usted está trabajando en el vernáculo derecho para
esa forma. Por ejemplo, con un poema hay ciertas expectativas que el público tiene, hay ciertas
limitaciones basadas en su longitud, y con una novela es una cosa completamente diferente. Y
lo que veo todo el tiempo con los cortometrajes es la gente tratando de hacer una estructura de
tres actos, y no hay tiempo suficiente para desarrollar una relación emocional con los
personajes en 10 minutos".

Usted puede ver una estructura de tres actos en un corto más largo como el Bugcrush de Smith.
Sin embargo, la historia, usted tiene que admitir — los adolescentes de secundaria que van en
viajes psicodélicos usando bichos exóticos que atraen a otro a su partido con oscuros motivos
ocultos — es un giro fresco. Smith basó su escritura en una historia corta maravillosamente
hecha a mano (escrita por el artista canadiense Scott Treleaven) que se prestó a una estructura
del tres-actos.

Mi consejo para los cineastas tratando de conseguir su película en el circuito del Festival?
Cuanto más económico (leer más corto) es su película, más fácil será de programar. Cortos
pueden ir delante de las características o puede completar un programa y los errores que
podría hacer (cámara temblorosa, no el mayor rendimiento de uno de los actores, o diseño de
juego de mala calidad) son mucho más fáciles de perdonar si has logrado ser económico y
decir una gran historia.
Piénsalo. La mayoría de los festivales tienen sólo un puñado de programas dedicados a
cortometrajes y la mayoría de los programadores quieren ayudar a tantos cineastas como sea
posible. Si su corto bastante bueno es de dieciocho minutos, pero incluye unos tres minutos de
grasa y estamos buscando en dos cortos también bastante bueno que total de doce minutos de
duración sin grasa, supongo que vamos a elegir? Correcto. Las dos películas que respetan la
palabra "cortometraje" en cortometraje.

Como he señalado anteriormente, entre 2002 y 2007, menos de cinco cortos narrativos que
fueron más de treinta minutos proyectados en Sundance-fuera de más de 500 presentado
recuerdo uno era una hermosa, de ensueño película no lineal llamada la migración de las
nubes por Patrick Scott, y por supuesto, la Bugcrush de Carter Smith.

A menudo podemos encontrar una ranura para una película de 8 a 12 minutos, pero su opus de
28 minutos se va a sentar en la "tabla" y probablemente no hacer el corte. Es un juego de
números. Como te han dicho durante años, más grande no siempre es mejor.

Y les pregunto: Si su script es de 40 páginas (a veces incluso los scripts de veinte páginas caen
bajo este hechizo), ¿realmente están desarrollando un script de características, y su
cortometraje basado en este guión realmente se verá como una escena de esa película en
lugar de una independiente PI ECE de trabajo? No lo hagas. Es la forma más difícil de crear un
corto, que rara vez tiene un final satisfactorio. ¿Por qué? Porque faltan 50 minutos sangrientos,
sin saberlo el público, que sólo se sienta allí preguntándose dónde está el final de su película.
En el mundo de la programación, a menudo llamamos a estas películas "selecciones de
escena". No son una película entera sino una escena seleccionada de una película más larga
que aún no has rodado. Y ya que los festivales se encuentran en el negocio de mostrar
películas y no selecciona escena... bueno, ya te lo imaginas.

Ahora lo que esto no te impide es tomar una sección de su script de características y re-crear
una historia corta de la misma (como usted se acuesta en la cama por la noche soñando con
alguien que le da dinero para convertirlo en una característica. Podría suceder). Los cineastas
lo hacen con éxito todo el tiempo. Gowanus, Brooklyn, escrita y dirigida por Ryan Fleck, pasó a
ser Half Nelson (protagonizada por Ryan Ganzo, Jeff Lima, y el brillante sharika EPPS).

Gowanus era una historia auto-contenida, con un gran reparto (sharika estaba también en el
cortocircuito) y un conclusión satisfactorio. Investiguen. Averigua qué largometrajes empezaron
como cortometrajes y estudia la forma y el argumento del Short versus la característica.

PERSONAJES.

Como alguien que ha visto más de 15.000 películas, puedo decir en los primeros dos minutos si
realmente te importaban los personajes. Si usted hizo esta película para usted, porque vino de
su corazón, porque estos personajes tenían que nacer, o porque pensaba que iba a llegar a
Clermont-Ferrand o Sundance. Usted y sus amigos pueden pensar que están siendo
inteligentes, pero la verdad siempre sale a la luz.

Hablé con muchos cineastas, programadores de festivales y ejecutivos sobre este tema. Quiero
ser generoso en esta arena. Me doy cuenta de que nos bombardean diariamente con imágenes
ultra resbaladizas, inverosímiles tramas, y celebridades cameos. Estás viendo cortometrajes en
línea o en festivales y piensas, "podría hacer eso". Sí, sí, podrías. Pero no sólo alguien ya ha
hecho eso, sino hacerlo de nuevo, porque usted piensa que este es el tipo de cosas festivales
de cine como, no le dará las herramientas que necesita para ser un cineasta exitoso. Necesitas
tu propia visión. Esto no es sólo cierto en el drama y los documentales. Es doblemente cierto
en la comedia. Sí, todos estamos sujetos a las tramas de la comedia de fórmulas y están llenos
de caras familiares y grandes presupuestos, pero no los estarías viendo si no tuvieran un
personaje realmente especial que se destacara. Alguien creó ese personaje. Y aquí es donde
voy a estar de acuerdo en que si pueden hacer eso, pueden hacerlo. Un gran libro a la salida
es las herramientas de la escritura de guiones por David Howard y Edward Mabley.

Crear personajes es simple. ¿Qué quieren? ¿Quién o de dónde lo quieren? ¿y cómo lo

consiguen o lo consiguen? ¿por qué lo quieren y, si lo consiguen, a qué costo? Quiero,
¿dónde/quién, por qué?

Tú, como guionista, necesitas saber esto más que otra cosa. Siempre les digo a mis clientes
que escriban un párrafo biografía de cada personaje. ¡ Diviértete con él! Jugar con ellos. Este
es el mayor control que vas a tener haciendo esto corto — escribiendo los personajes. Qué tipo
de ropa interior les gusta usar? ¿Qué tipo de helado es su favorito? ¿amaban a su mamá más
que a su padre? Los personajes más creíbles de una película tienen una historia sólida que
permite a un actor capaz brillar con o sin el diálogo coincidente. Esto sigue siendo cierto en las
películas de animación. Cuando estás haciendo un documental ya tienes la historia de fondo, y
esto puede informar qué tipo de documental que va a crear. E incluso si usted está haciendo
una película casera, usted debe tener una idea de cómo usted quiere que su historia sea
revelada. Tengo amigos actores que describen parte de su trabajo como hadas de la
exposición. Este es el personaje que explica de qué va a ser la historia con el fin de ayudar al
cineasta a ahorrar tiempo o dinero. No tienes $5K para mostrar al público cómo el tipo saltó del
tejado de un rascacielos? ¿el actor no hará una escena de violación completa? ¿el personaje
principal está estropeado por el divorcio de sus padres? Que alguien hable de ello.

Si has visto tantos episodios de la ley y el orden como yo (sí, he observado todos ellos, en
maratones de espalda a espalda, probablemente mientras se suponía que iba a hacer otra
cosa), usted sabe exactamente lo que es un hada de la exposición. Es el policía (o mejor amigo,
o director de la escuela, o geek de la computadora) que entra al principio de la escena 1 y le
dice a los verdaderos detectives todo lo que los escritores no tienen tiempo para mostrarle en
47 minutos. Ha estado muerta una semana, sin identificación pero encontramos un fajo de
dinero en su cartera, todos centenares, y ella tiene un recibo de bar de ese lujoso restaurante
en la calle donde la mayoría de las chicas de alto precio y los chicos de Wall Street se quedan.
A juzgar por el momento en el recibo que dejó alrededor de las 9 p.m. Ha sido violada y
estrangulada hasta morir con sus medias. Encontramos unas fibras debajo de las uñas que
hemos enviado a los forenses.

Perfecto. Ahora sabemos lo que pasó, a quien los detectives deberían entrevistar primero, y
seguro que esas fibras nos llevarán a un tipo que ha hecho esto antes. Esperamos que el resto
del drama se transpire. Sin embargo, en la escritura de guiones, si usted escribe como si usted
tiene un afecto antinatural para los personajes de hadas de la exposición, la gente puede llamar
perezoso o peor, aburrido. Sea selectivo, verrry selectivo, sobre quién en su película lleva la
carga del diálogo de la exposición y cómo es necesario esa carga en la creación de su historia.
Si tienes gente hablando de lo que es tu historia en lugar de mostrarnos de qué trata esta
historia, entonces, amigo mío, lo que tienes es una historia corta para un libro, no es un
cortometraje para la pantalla. Consiga ocupado y consiga creativo.

Creatividad y presupuesto

el viejo adagio — escribe la película que quieres escribir, dispara la película que eres capaz y
edita la película que tienes — es verdad en ambas funciones continuas y shorts. Cuando vi a
Joshua Leonard en la juventud de nosotros, la historia era casi irrelevante. Por? Porque me
cautivó visualmente el trabajo de la cámara, el diseño de la producción y, lo más importante, las
actuaciones. Vi la juventud en nosotros en mi sala de estar en DVD, y luego otra vez me senté
en el teatro Eccles en Park City y lo vi en la pantalla grande; tuvo un impacto tan profundo en
mí en ambas ocasiones (y, sí, lloré ambas veces).

Joshua comparte su filosofía de valores de producción y las realidades de producción detrás de

las escenas de uno de los momentos verdaderamente bonitos de la juventud en nosotros:

"hay una secuencia de flashback que se lleva a cabo en un bosque nevado con ciervos, así
que originalmente íbamos a rodar en un bosque con máquinas de nieve, dos niños pequeños,
vaqueros de ciervo, hasta que por supuesto nos dimos cuenta de que conseguir ciervos vivos
era más de la mitad del presupuesto de nuestro en película corta del neumático. Cinco mil
ciervos [risas] Así que mi DP Horacio Marquínez y yo empezamos a reconcebir, y eso se basó
en rodar en una etapa sonora que pudimos conseguir gratis. También trabajando con mi
diseñador de producción, David Courtemarche, averiguando qué era viable y cómo aprovechar
nuestras restricciones presupuestarias y no hacer que se vea como un compromiso.

"lo que encuentro con los cortometrajes es que uno de los mayores perjuicios a la producción
es tratar de hacer que parezca algo que en realidad no tienen los recursos para hacer. Siempre
se muestra a través y siempre es jodidamente molesto. No es que no puedas hacer una
segunda guerra mundial, pero tienes que averiguar bajo qué paradigma estás trabajando,
recurso sabio, y tratar de hacerlo realmente factible, no tratando de replicar algo que está en tu
cabeza. Cuando nos ponemos en la calidad de la producción en algo-si usted está haciendo
una segunda guerra mundial y se puede hacer en una habitación sucia y contar una gran
historia, nadie va a fallar que no estaban en un campo de batalla con 600 extras. Pero si tratas
de hacerlo en un ' campo de batalla ' y se ve como un patio de recreo y sus diecisiete extras
están en trajes mal emparejados, que llama demasiado la atención a sí mismo. Reconcebir el
mundo, porque al final del día, la historia es más importante.

La historia de Joshua funcionó creativamente, sin los flashbacks. Sin embargo, esta fue una de
las escenas más cruciales en la película para él. La escena tuvo éxito porque en ningún
momento fuiste tú, el público, supuestamente creyendo que esto era un bosque real, con
ciervos reales o nieve real. Josh mezclado en un cierto realismo mágico usando disecar, nieve
falsa, y el diseño y la iluminación brillantes del sistema. Al hacer una investigación creativa que
fue capaz de hacer que la escena de trabajo... sin el ciervo vivo en $5.000 una cabeza.¡
Meredith Kadlec, vicepresidenta principal de programación original de aquí! Redes, tenía esto
que decir sobre el tema:

"no caigas en la trampa de tratar de demostrar lo mucho que puedes hacer, en lugar de lo bien
que puedes hacerlo. No escribas un guión lleno de toneladas de personajes, locas ubicaciones,
etc., pensando que necesitas hacer que tu cortometraje se sienta ' grande '. Será imposible
disparar y te esparces demasiado delgadamente sin razón. Gaste más de su energía en la
reescritura. El rodaje de un guión realmente brillante hará mucho más por su carrera que las
campanas de producción de lujo y silbidos que se cargan en sus tarjetas de crédito.

¿De qué se trata esta película?

Estoy a cuatro minutos de su corto de 10 minutos y todavía no sé de qué se trata la película?

De vuelta al tablero de dibujo, amigo mío.

No hay nada más irritante que ver a la gente hacer cosas por razones desconocidas para el
público hasta que la película está casi terminada. Usted no sólo pierde su audiencia, pero todo
el trabajo duro de sus actores se deja flotando en la galaxia. ¿Por qué? Porque estábamos tan
ocupados tratando de averiguar por qué estaban haciendo o diciendo lo que estaban haciendo
o diciendo que en el momento en que esto se revela a nosotros hemos olvidado lo que hicieron
y lo que dijeron. (esto es a menudo el caso triste para esas películas cargadas con las hadas
de la exposición.)

Este es un error común que muchos cineastas cortos hacen en la creación del guion para el
resto de la película. Una nota que mis colegas y yo escribimos a menudo al tomar notas sobre
una presentación de cortometrajes fue:

Tomó demasiado tiempo para llegar allí. Y cuando llegó allí, la recompensa no valió la pena.
Usted podría pensar que algo es cool o lo suficientemente interesante para mantener a su
público queriendo saber lo que sucede a continuación, pero tal vez no lo es. La fotografía
fresca o la edición estelar no hacen una buena película.

Al estructurar tu script necesitas captar la atención del público en ese primer minuto o dos. Si tu
película es un doc ligeramente más largo (más de 15 minutos), tienes alrededor de 3 minutos
para que nos interesemos lo suficiente como para ver el resto de tu película. Pero también
quieres tener cuidado de cómo captar nuestra atención.

Aquí es donde creo que hacer un cortometraje es mucho más difícil que hacer una largometraje.
Usted simplemente no tiene el tiempo para crear un trabajo de varias capas, multi-carácter-
conducido. Flashbacks (o Flash forwards) se comen el tiempo, las escenas de apertura lenta
comen tiempo, las complicadas configuraciones de relaciones comen tiempo, y esto es un
cortometraje
Donde algunos cineastas han tenido éxito es mediante la creación de la historia en la apertura
de créditos. A veces funciona (como con la juventud de Leonard en nosotros) pero la mayoría
de las veces no lo hace. Odio abrir créditos en un cortometraje a menos que estés realmente
preparando la historia. Si usted pone los créditos de apertura sobre la fotografía resbaladiza
porque usted pensó que sería genial o no sabía qué más hacer con todo lo que b-roll su
disparo DP, ya basta.

Cuando le pregunté a Kim Yutani, programador de Sundance shorts y director de programación

en Outfest, lo que ella deseaba que cada cineasta hiciera, me dijo uno de sus deseos:

"todo lo que quiero hacer es ver tu película. No debería haber barras de color, ni un minuto de
créditos negros o de apertura — ¡ nadie sabe siquiera quiénes son estas personas o las
compañías de producción! Y no debería tener que desplazarme por un menú. Debería ser
capaz de poner su DVD en mi máquina y su película debe empezar a jugar. Período.

Lo sé, lo sé. Usted pasó cuatro horas averiguando cómo crear un menú fresco en DVD Studio
Pro. Pero recuerden, de momento uno quieren que su película cuente su historia. ¿de verdad
quieres que tu historia comience con la autoindulgencia del cineasta cliché? La cineasta
Danielle Lurie (en la mañana, Sundance 2005) comparte:

"lo mejor que puedes hacer por tu audiencia es darles algo delicioso desde el principio. Algo
chocante, algo desconcertante, o si eres realmente bueno-algo que nunca han visto antes.
Luego están enganchados, y están en los próximos cinco, diez, quince minutos. La gente ve
pantalones cortos porque son cortos — si tus cortos retrasos en el comienzo, no se va a sentir
corto y la gente que se registró para ver algo corto se sentirá engañado; en el otro lado, si su
película golpea el suelo corriendo desde el segundo, su corto parecerá aún más corto de lo que
es y usted estará en casa libre. La mayoría de los cineastas tienen la impresión de que para un
cortometraje de trabajo, es necesario tener un giro excelente al final-y estoy de acuerdo con
que en su mayor parte-, pero lo que es aún más crucial es que hay algo emocionante para
engancharlos en el principio-no importa cómo GRE en un giro es, si el público ha dejado el
teatro no importa. En mi cortometraje, por la mañana, el primer momento culminante fue escrito
inicialmente para pasar unos minutos en, pero decidí empezar con él en lugar de conseguir mi
audiencia enganchado enseguida. Reorganicé la historia de modo que coloqué esta escena
emocionante en los primeros diez segundos y después utilicé flashbacks a él más adelante en
el guión que considero mantuvo a la audiencia más comprometida que ellos habrían sido de
otra manera. Mi corto fue de diez minutos, pero la gente siempre decía que sentía la mitad de
esa longitud.

Pero no confíe en flashbacks para contar su historia si su historia no funciona sin ellos. Con mi
sombrero del programador encendido, diría que ambos en la mañana y la juventud en nosotros
habría funcionado con o sin los flashbacks porque la historia ya estaba allí haciendo los
flashbacks una opción creativa y no algo pertinente a la audiencia que entendía el película.

No puedo enfatizar lo importante que es la estructura de cortometrajes para su éxito. Como

cineasta corto, usted está atado por un límite de tiempo. Puede tomar 10 minutos para cultivar
un personaje en una característica. En un corto que es la mayoría (si no todo) de su tiempo
asignado.

Desglosar su guión de una manera similar a la ruptura de un script de características. Si tu

película tiene 12 minutos de duración, ¿en qué punto del guión nos enseñas el arco principal de
la historia? Créeme, no está en la página 7.

Cuando escribí el guión de Dani y Alice por primera vez, había cuatro páginas de Setup.
¿Quiénes eran estos personajes, cómo se vistieron para la noche, qué perfume eligieron, bla,
bla, bla. Después de enviar a algunos amigos para las notas que todos volvieron diciendo:
"empezar la historia más rápido. Cortar la grasa. Teniendo en cuenta que se trata de un medio
visual, le di a la audiencia indicios visuales de quiénes eran estas personas en el minuto 1.
Moví el drama a los primeros 2 minutos. Ya Sabías quiénes eran estas personas basándose en
cómo estaban vestidas, que conducían, su lenguaje corporal, y por supuesto, a través del
diálogo. Además, añadir todo lo que había planeado originalmente para habría añadido un
mínimo de otro medio día de rodaje que mi presupuesto no podía soportar. Esa película no
habría jugado en diez festivales no importan sobre 100, lo había comenzado con esos primeros
4 minutos uno mismo-indulgentes.

¿Qué hace que las reglas de estructura sean diferentes para documentales?

Con los doctores, los cineastas a menudo cometen un error similar, creyendo que tienen más
tiempo para permitir que la historia se desarrolle de lo que realmente hacen para mantener el
interés del público. Diane Weyermann notas:

"algo que se puede perder en los documentales es que, sin duda para los cineastas que
comienzan en el campo, que piensan que tienen una historia muy convincente o tema, y salir y
filmarlo de esta manera sencilla documentación. Pero esa es también una cuestión real que los
cineastas deben considerar muy profundamente antes de embarcarse para hacer esa película.
Usted es un narrador, un cineasta, está utilizando un medio creativo visual, ¿cómo tomar esa
historia y moverlo más allá de la documentación pura en la narración cinematográfica con pleno
uso de la estética visual para atraer a la gente. La edición, la música, el aspecto de la película.
Creo que en la medida en que los documentos se han vuelto más populares en los últimos
ocho a diez años está en gran parte conectado a lo que creo que es la narración y las
cualidades estéticas que han sido llevados al campo. Ya no hay esta sensación de que los
médicos son como la medicina, que son buenos para usted, o tal vez son educativos, pero que
no son interesantes, atractivas, sorprendentes, o conmovedora emocionalmente en las formas
cinematográficas narrativas. Cómo se dispara, cómo se edita, se construye, cómo se utilizan
los gráficos; hay tantos elementos importantes diferentes para centrarse en.

Un regalo realmente grande que los cineastas documentales compartieron conmigo es que
más a menudo que no, empezaron a hacer un documental sobre una cosa, pero una vez en la
producción (o incluso más tarde en la edición) se dieron cuenta de que su película era de otra
cosa entera. TIA Lessen (Bowling for Columbine, Fahrenheit 9/11, Trouble The Water) es un
extraordinario cineasta y productor de documentales que experimentó esto mientras hacía
problemas al agua, que ganó tanto el Sundance como el gran premio del jurado documental
(www.elsewherefilms.org):

"el corazón de cualquier buena historia — ya sea ficción o no-ficción — es un personaje fuerte y
durante esos primeros días de rodaje después del huracán Katrina, mi compañero Carl [Deal] y
yo buscábamos personajes que pudieran guiarnos a través de la historia. Nos estábamos
centrando en los soldados de la Guardia Nacional de Luisiana que regresaban de Bagdad para
que pudiéramos hacer la conexión entre la guerra de Irak y la fallida respuesta del gobierno a lo
largo de la costa del Golfo. Nuestros ojos y oídos estaban abiertos, tratando de responder a lo
que estaba sucediendo en el momento, así que cuando Kimberly y Scott Roberts nos acercaron
al refugio de la Cruz Roja a través del estacionamiento de la Armería de la Guardia Nacional
redirigimos nuestras cámaras y nuestra historia.

"parte de lo que nos atraía de Kimberly y Scott como personajes fue que desmintieron los
estereotipos que veíamos en la televisión en ese momento — representaciones racistas de los
residentes afroamericanos de Nueva Orleans, ya sea violentas, saqueadoras criminales o
víctimas indefensas. Aunque se llamaban a sí mismos Street Hustlers, Kimberly y Scott
también son talentosos, ingeniosos, y personas profundamente simpáticas. No son víctimas de
nadie. "después de un par de días, Kimberly nos mostró las imágenes de la película de la casa
cruda que ella rodó el día antes y el día de la tormenta. Carl y yo nos sentimos sorprendidos y
indignados, y fuimos movidos a las lágrimas y, gracias a su voz en OFF en tiempo real, a la risa;
sabíamos que sus películas caseras podían llenar los espacios en blanco antes de la tormenta,
y nuestro metraje podría contar la historia en las secuelas. No sabíamos cómo su historia iba a
salir, y que era parte de la apelación. Y cuando usted está tratando de conseguir su documental
en festivales, Basil Tskiokos, director artístico de NewFest (www. NewFest. org) y Sundance U.
S. características documentales asociado de programación, acciones:

"documental o narrativa, el mayor desafío para cualquier película es la historia, y el peligro al

hacer un documental es, ya que es ' cierto ', encontrar la historia, o mejor aún, encontrar la
manera correcta de contar la historia puede ser muy difícil de esquivar.

Los cineastas pueden acercarse demasiado a sus súbditos y perder la objetividad, o

simplemente pueden permitirse a sí mismos y a sus películas serpentear. Más allá de esto, por
supuesto, es la tendencia a depender demasiado en las cabezas parlantes, una trampa más
comenzando documentalistas caída en.

Conocer su historia mejor de lo que usted mismo sabe.

El prolífico cineasta/artista de performance y autor Miranda July ha creado más de diez

maravillosas obras de cortometrajes. Ella había cautivado a audiencias con su arte no lineal de
la película del funcionamiento por décadas y estaba intentando conseguir su característica
hecha. Fue rechazada dos veces en el laboratorio de guionistas de Sundance antes de que su
guión fuera seleccionado y posteriormente debutó en Sundance en 2005.Tú y yo, y todos los
que conocemos, ganamos el 2005 Premio Sundance especial, el codiciado 2005 Camera D'Or
en Cannes, y muchos otros premios. Ella también escribió el guión corto ¿eres la persona
favorita de alguien? que hemos presentado en el 2005 Sundance Festival en el concurso de
cortometrajes. Miranda habla de su proceso creativo:

"había estado escribiendo y actuando [ambos lados de] diálogos durante mucho tiempo [en mis
actuaciones] cuando comencé a escribir un guión de largometraje por primera vez. Así que el
diálogo llegó fácilmente, y lo realicé mientras lo mecanografiaba, todas las partes. Y cuando
comencé a trabajar con mi DP Chuy Chavez, actué toda la película para él, como un show de
una sola mujer, para que pudiera sentir lo que era más importante para mí en cada escena.

Además, si usted se ha conectado con una audiencia en vivo, en persona, entonces usted tiene
un conocimiento muy visceral de su atención, y lo que se siente cuando vaga. Que es un
conocimiento muy útil para tener

"lo más importante: el rendimiento es el Reino en el que me siento más libre — en parte
porque el medio es inherentemente experimental — pero también, en este punto, porque es
barato o libre, y no gira en torno al éxito crítico en la forma en que una película o libro lo hace.
Es bueno tener una arena que está libre de todo eso. El largometraje en el que estoy
trabajando ahora evolucionó de una actuación, que es la única manera que podría haber
sucedido, creo. Tuve que volver a una tierra creativa que me pre-fecha.

"también... muchas de las cosas que hice en mí y que no eran nuevas para mí: trabajar con
niños, dirigirme a mí mismo, todo el proceso de escribir, fotografiar, editar, anotar. Yo había
hecho todo eso muchas veces y era realmente sólo una cuestión de escala cuando hice la
característica.

Genio. Ella sabía exactamente lo que quería antes de llegar a set. Hizo una película sobre algo
de lo que sabía mucho. Aprender de eso, es uno de los elementos más importantes para ser un
gran director. Conozca más sobre su historia que cualquier otra persona involucrada.

Cuando estaba preparando a Dani y Alice, actué todo el guión con la compañera de cine Trish
Doolan (la ducha de April, Bug en mi oído, lo que es cierto), que también es un actor entrenado.
Tocamos todas las partes, movimos muebles en su sala de estar creando todo el set. Al hacer
este trabajo, regresé e hice el guión aún más apretado una vez que me di cuenta de lo que ya
no necesitaba estar allí.

Recuerda nuestra palabra clave, "económico". Y lo más importante, una vez en el set, cuando
los movimientos de la cámara tuvieron que ser condensados debido a las restricciones de
tiempo, yo sabía cuál era la esencia de la escena, así que no importaba si estaban sentados,
de pie, o en un coche estacionario.

Y no creo que eso sólo se aplica a los cineastas profesionales.

Si la única persona dispuesta a hablar en cámara es la tía Judy, entonces usted necesita estar
preparado para dirigirla en la dirección que desea que esta película de inicio para ir y divertirse
con su edición resaltando exactamente lo genial que realmente es.

me van a descubrir.
Un signo de talento que los agentes buscan es la capacidad de reconocer lo que es un tema
apropiado para un cortometraje. Demuestra buen juicio. Si usted consigue actuaciones
increíbles y se ve muy bien, pero la historia es insatisfactoria en un formato de 15 – 20 minutos,
¿eso inspira la fe en su capacidad de hacer las miles de decisiones necesarias para una
función de dos horas? No, no es así.

Oh, pero lloras, "es una película de tarjetas de llamada! Estoy tratando de conseguir un gerente
o agente para ver que puedo dirigir este tipo de película de concepto de alta .

Sí, hay agentes allá afuera buscando directores que puedan manejar este tipo de películas. Sin
embargo, usted todavía tiene que tener personajes creíbles haciendo cosas creíbles en un
mundo creíble. Estas personas no son idiotas. Hay miles de ustedes enviando carretes de
demostración. Están buscando un ese cineasta que no sólo puede hacer una gran película de
género, pero también es un gran narrador. Un gran narrador con una visión original.

Como dije, si haces una película que parece que has seguido a Wong Kar-Wai por un año, el
agente va a pasar a alguien que ha tomado un riesgo creativamente y tiene su propia visión
para compartir con una audiencia. Quiero decir, me parece obvio-Wong Kar-Wai ya está
haciendo películas, grandes películas. Que vienes a lo largo y haciendo una similar, si no la
misma película, parece... pues parece un poco redundante (leer mudo).

El más verdadero usted permanece a su visión, más probablemente alguien en una posición
para ayudarle más lejos su carrera, como un agente, será tomar el aviso. Craig kestel no es
sólo un agente de la agencia William Morris, que es una de las agencias de talentos más
grandes del mundo, también es un gran campeón del cineasta corto. Craig añade su
perspectiva:

"no puedo hablar por todos los agentes, pero cuando estoy viendo pantalones cortos no sólo
estoy buscando aquellos que son las producciones brillantes, estudio-amistoso o lo que
percibimos como producciones estudio-amistosas. En realidad, normalmente no lo es. Tengo
que conectar con el personaje, o la mirada, o el estilo. Uno de mis clientes, dito Montiel, hizo un
corto experimental que fue tiros del horizonte de la ciudad de Nueva York con la poesía
recitada y si usted ve su primera característica una guía para reconocer a sus santos
[protagonizada por Dianne Wiest y Robert Downey, Jr.] que ganó dos premios en Sundanc e,
usted puede ver los hilos de su estilo de cortometraje en su característica.

Hay un ejemplo de cortocircuitos experimentales que traducen bien en una gran característica
independiente, y ahora él está haciendo su primera característica del estudio. Otro corto al que
volteé fue Gowanus, Brooklyn, que también ganó Sundance, que Ryan [Fleck] y Anna [Boden]
fueron capaces de traducirse en una galardonada característica independiente Half Nelson. Un
montón de estilo de cineastas de largometrajes apuntan a su primer cortometraje. Para mí es
sólo más sobre el estilo; es la reacción a la primera película, y la narración. Estoy en cosas
brillantes, frescas también, pero en el centro de lo que me atrae-es la historia.

Así que ahora tienes tu historia y la estructura de tu película. Es hora de encontrar un productor
y un equipo