PORTAFOLIO EDUCACIÓN

ARTÍSTICA
PLÁSTICA

Elena Bosch Eseverri

2º Curso Grupo 1 (2016-2017)

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 ÍNDICE

¿QUÉ ES EL ARTE?......................................................................................pág 3-4

TÉCNICAS ARTÍSTICAS…………………………………………………………pág 5-8

¿PARA QUÉ SIRVEN LOS MUSEOS?..........................................................pág 8-10

CULTURA VISUAL…………………………………………………………………pág 11-13

CONCLUSIÓN……………………………………………………………………..pág 14

BIBLIOGRAFÍA…………………………………………………………………….pág 15

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¿Qué es el arte?

Muchas veces se nos ha planteado esta pregunta, qué pensamos nosotros que es el arte.

Desde pequeños (y no tan pequeños) nos han inculcado que arte es todo aquello que realiza un
artista, un gran escultor, pintor… Es por ello que siempre nos hayan enseñado obras de grandes
maestros como Picasso, Velázquez…

El único momento en el que he dado arte como tal en el colegio fue para aprender las obras
clásicas de escultura, pintura... pero considero que no tengo conocimientos suficientes sobre
Arte y a lo largo de la carrera me he dado cuenta la poca importancia que se le da, es decir,
nunca se nos ha enseñado arte, era la asignatura de plástica, donde parece que se iba a “pasar el
rato”, de hecho, para muchos de nosotros siempre ha sido una asignatura divertida, nos
enseñaban diversos tipos de técnicas, pero ni siquiera nos dábamos cuenta de ello, y siempre
debíamos recrear otras obras.

El primer día de esta asignatura nos plantearon esta pregunta, y me di cuenta de que no tiene
una única definición, además llegué a la conclusión de que el arte y la cultura van de la mano, es
decir, el arte no se puede entender sin la cultura, sin el contexto en el que está envuelta, además
tanto el arte como la cultura están en continuo cambio, por lo que la visión de la sociedad
también es cambiante.

Después de haber llegado a esta conclusión, decidí buscar en internet el concepto de arte.

“El arte (del latín ars) es el concepto que engloba todas las creaciones realizadas por el ser
humano para expresar una visión sensible acerca del mundo, ya sea real o imaginario.
Mediante recursos plásticos, lingüísticos o sonoros, el arte permite expresar ideas, emociones,
percepciones y sensaciones.”

De hecho, Wikipedia dice que:

La noción de arte continúa sujeta a profundas disputas, dado que su definición está abierta a
múltiples interpretaciones.

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Tras las sesiones de esta asignatura podría decir que arte no es todo lo que se encuentra en los
museos, engloba mucho más. Al inicio de esta página, observamos una imagen de arte urbano,
mediante el cual el artista o la artista ha intentado simbolizar algo y dotarlo de significado. Por
desgracia, muchas veces se piensa que sólo son artistas aquellos que realizan obras destinadas a
museos o a ser expuestos en salas.
Tras la lectura del texto de MUSAC Escuela. Las posibilidades del Museo con las aulas de
Antonio G. Chamorro, me di cuenta de la gran cantidad de definiciones que pueden dar las
personas a cerca del arte, por ello es algo muy extendido, de hecho, una de las respuestas que
daban a la pregunta qué es el arte fue “el arte es la inteligencia por la que se expresa la
creatividad...” creo que es uno de los errores más comunes, confundir el arte con la creatividad.
La creatividad no solo se da en el arte, se da en muchos aspectos de la vida y claro que el arte
origina creatividad, pero no es lo mismo.

Tal como se dice en Cultura Visual e Identidad algunos profesores están cambiando la manera
de dar sus clases y ahora las comienzan con interpretaciones de los estudiantes y terminan con
metáforas personales pintadas, creo que todos los docentes deberían impartirlas así y dejar de
lado las lecciones tradicionales.

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Técnicas artísticas
Existen múltiples medios de expresión artística: pintura, escultura, performance, happenings,
video arte y fotografía.
Quizá la pintura sea lo que más asociemos con el Arte, sobre todo porque es la técnica que más
ha abundado a lo largo de la Historia del Arte. De hecho, tal y como vimos en clase, hasta que
apareció la fotografía, era el medio de expresión más idóneo para contar historias, comunicar
experiencias, defender y proteger ideas y expresar realidades internas.
Encontramos numerosas técnicas pictóricas tales como la pintura al óleo, pintura con acrílico,
acuarelas, técnica del frotado, el grafiti, pintura pastel...
Después de la pintura pasamos a la escultura, pero para ello me gustaría poner un ejemplo en el
que creo que escultura y pintura se fusionan, es el Guernika, en pleno Bosque de Zilbeti, lo
encontramos en el Pirineo Navarro, fue realizado por unos jóvenes como protesta de la puesta
en marcha de una cantera. Lo pintaron como símbolo de lo que supone la construcción de esa
cantera, el horror que causa el poder bruto. Todo el cuadro se hace visible desde una posición
determinada, en la que las imágenes de distintos troncos forman el cuadro completo.
Está claro que es pintura, pero ¿por qué no considerarla también escultura? Tal y como se nos
ha explicado, la escultura designa aquellos trabajos en el que el volumen, espacio y la materia
juegan un papel decisivo. Es decir, el espacio interactúa con nosotros, cada persona que va a
verlo lo puede ver y vivir dependiendo de la perspectiva que tome.

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Otro ejemplo muy parecido es el Bosque de Oma en el que el pintor y escultor Agustín Ibarrola
pinta en los troncos de los árboles, sobre todo pinos, figuras humanas, figuras geométricas y
animales con la peculiaridad de que algunas de ellas solo se pueden ver desde determinadas
posiciones, haciendo que se formen así una imagen conjunta, es decir, hizo del paisaje marco,
soporte y materia prima de una de sus obras más conocidas. Jugando con el punto de vista y la
profundidad, que hacen surgir de la nada composiciones misteriosas.

Las técnicas escultóricas también son muy numerosas:

1. Esculpir y tallar: consiste en la eliminación de materia de un bloque de piedra o madera,

que son los materiales más comunes, hasta encontrar la forma deseada.

2. Modelar: Frente a la concepción de la escultura como el resultado de un proceso de

sustracción, existen varios procedimientos, donde el volumen también se puede
expresar mediante el proceso inverso, la adición.

3. Ensamblar: consiste en unir piezas que ya existen para formar una nueva figura.

4. Fundir: la escultura de bronce exige un modelo concebido con anterioridad cuyo

modelo sea idéntico. A partir del original se hacen en negativo los moldes, que permiten
el vaciado, lo que hace posible llevar a cabo cuantos originales se deseen mientras se
conserven.

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Otra técnica artística es la performance, y como bien vimos en clase, surge en la década de los
años 70 de la mano del arte conceptual, es una alternativa de expresión artística liberada de
convenciones artísticas. Es una forma artística en la que la materia es el cuerpo físico, la
presencia real del artista. El artista no representa ningún papel, no hay un guion. Hay que
entenderla en su contexto histórico.
He estado investigando a cerca de las performance más controvertidas y voy a poner el ejemplo
de las que me han llamado la atención.
Una de ellas es la “Reencarnación de San Orlan” la artista francesa Orlan realizó varias
cirugías en vivo, a través de las cuales Orlan alcanzó una apariencia completamente distinta.
Las cirugías han incluido: la frente y pómulos de la Mona Lisa, La boca de Europa, la Nariz de
Diana, el mentón de Venus y los ojos de Psique. También liposucción, gluteoplastia, reducción
de caderas, rodillas, tobillos y muñecas.
Tras el visionado del vídeo, podría decir que me resultó “desagradable” y “fuerte” porque al fin
y al cabo es ver una cirugía en vivo y en directo.

Otra performance que me ha impresionado bastante es la de “Cómo explicar arte a una liebre
muerta” en una galería de Dusseldorf, se encontraba Beuys vestido con un traje de fieltro y la
cara llena de miel y espolvoreada con polvo de oro, pero lo más curioso es que en sus brazos
sostenía una liebre muerta. Mientras andaba, acariciaba suavemente las patas del animal y le iba
explicando los cuadros de la exposición.
Como toda obra de arte, el espectador puede sacar sus propias conclusiones, pero lo que se
plantea con esta obra es la manera de explicar el arte, es decir, si de verdad se puede hacer o es
como explicárselo a una liebre muerta. Su cabeza dorada, sus movimientos por la sala, nos traen
a la memoria los rituales antiguos en los que, el arte era la forma de conectar con el misterio, lo
sobrenatural, y no una actividad económica cada vez más coartada por las leyes del mercado.

El happening es otra técnica artística reciente y ligada al arte conceptual, como la perfomance,
tal y como he mencionado anteriormente. Lo que lo caracteriza es que el público coopera con
el/la artista, lo que hace que se rompa la barrera entre el espectador y la obra porque pasan a ser
parte de ella. La estructura es abierta, lo que permite la improvisación y el azar. Por eso, y al
igual que en la perfomance lo que se admira de la obra no es un objeto sino la acción. Encontré
una noticia en la que se hablaba del creador del happening, Allan Kaprow, ocupó un lugar
esencial en la historia del arte del siglo XX al estar en el origen y desarrollo de la forma de arte
que denominamos happening, del que se le considera unánimemente su fundador. Su obra 18
happenings in 6 parts que tuvo lugar en la Reuben Gallery de Nueva York en otoño de 1959,
bautizó con este nombre, happening, una compleja serie de actividades de artistas

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norteamericanos y europeos que consideraban que el arte no podía desligarse de la vida y en el
que el espectador entraba a formar parte de la obra de arte

La última técnica es el video arte: es una forma artística donde la creación audiovisual presenta
una intención artística. Creo que a partir de ella se pueden expresar innumerables ideas. Un
claro ejemplo de ello lo encontré en el proyecto de uno de los grupos de clase titulado “el gran
despertar” he de decir que al principio no lo entendí mucho pero después de la explicación me
quedó todo mucho más claro. Utilizaban un gran número de símbolos, expresaban la
desigualdad de género, el ascenso de la mujer en un mundo de patriarcado, de lucha por la
igualdad. El móvil del hombre simbolizaba el prestigio, el trapo de la mujer, el trabajo
remunerado al que no se le da importancia, los desenmascaran para que vean la realidad, las
miradas serias es un símbolo de protesta y el hecho de que fuera mudo daba significado a la
obra.

¿Para qué sirven los museos?

Como he mencionado anteriormente, la educación artística siempre se ha impartido desde un

punto de vista muy “tradicional”, tal y como lo he vivido yo a lo largo de toda mi educación
escolar y un ejemplo de ello lo encontramos en los museos, he tenido la oportunidad de visitar
numerosos y en la mayoría de ellos se ve reflejado el concepto clásico que se tiene de ellos, es
decir, aparecen carteles de “silencio”, “no tocar” “no sacar fotos” lo cual nunca nos sorprende.
Pero creo que la concepción de museo ha ido mejorando a lo largo de la historia, gracias a la
aparición de figuras como el comisario, encargado específico de diseñar el espacio de una
exposición. La forma de colocar las obras, sus cartelas, es lo que hace que una obra se entienda
de diferentes maneras.

Además, tal y como se dice en el texto de Gadner, “Arte, mente y cerebro”, parece que se
pretende que los niños aprendan arte visitando museos, por ello creo que es importante la figura
del comisario educativo, que ayuda a que la exposición sea más didáctica. Destacaría por eso, la
importancia de museos interactivos y didácticos como el museo de la Ciudad de las Artes y las
Ciencias de Valencia o incluso el de San Sebastián, que he tenido la suerte de visitar. Son
museos interactivos, con lo cual se hace más entretenido y divertido aprender, y por eso el
museo deja de ser un lugar de excursión y se convierte en un lugar de aprendizaje.

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Tras la lectura del texto MUSAC escuela, no me quedó muy claro en qué consistía, por lo que
busqué información en internet, es una oferta educativa para centros escolares, agrupamientos y
asociaciones que utilizan el museo como recurso educativo.

De hecho, en el texto se dan una serie de principios a partir de los cuales se rigen y resultan muy
interesantes, creo que gracias a estos programas los niños desarrollan el “placer de mirar” obras
de arte y experimentar sensaciones que les producen. Esto es también gracias a la figura de los
comisarios y sobre todo de los comisarios educativos, es el que decide que función educativa
tiene, hacer la lectura fácil.

En un artículo que encontré en internet titulado “Repensar las prácticas educativas en museos y
centros de enseñanza” escrito por Pablo Coca Jiménez y Álvaro Pérez Mulas se afirma que:
“Uno de los factores que han favorecido el divorcio que parece existir entre la práctica artística
actual y el público obedece a que los museos se centran excesivamente en un discurso
puramente artístico, estético o historiográfico, lo que supone que gran parte de la sociedad
rechace los artefactos artísticos expuestos en estos centros de arte.”

Además, muchas veces, la información que reciben los niños y niñas dista mucho de lo que les
interesa. A veces parece que, si no tenemos una formación artística no vamos a entender lo que
se expone. Tradicionalmente, la colaboración entre las escuelas y los museos ha sido
inexistente, pero ahora hay más proyectos de colaboración entre ambos de hecho yo desconocía
que hubiera dicha colaboración, es cierto que alguna vez cuando se va de excursión a un museo,
hay unas actividades programadas por el museo, peor a veces están muy alejadas de los
intereses de los docentes. Por eso mismo, actualmente está habiendo cambios, porque cada vez
existe una mayor atención a los intereses y necesidades de los visitantes.

Me he informado también a cerca de la existencia de museos en los que los niños aprenden arte
interactuando y he encontrado algunos interesantes:

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Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía: Tiene talleres infantiles estructurados en tres
partes: en primer lugar, una visita a obras de su colección permanente, después los niños asisten
a una obra de teatro de títeres en la que elementos de las obras contempladas cobran vida y,
finalmente, los pequeños construyen un objeto en relación con las ideas que se desarrollan en el
taller.
Museo de Arte Abstracto Español (Cuenca): Ofrece un programa educativo para toda la familia.
Se realizan juegos donde los expertos enseñan una nueva forma de entender las obras de arte,
imaginándose los olores, el sonido, el movimiento y el tacto de los cuadros.
Museo Guggenheim Bilbao: Tienen visitas guiadas en las que los niños pueden explorar las
obras a través de lecturas de cuentos, juegos y actividades artísticas.
MUVIM (Museo Valenciano de la Ilustración y la Modernidad): Ofrecen talleres de juegos
tradicionales de distintas generaciones y talleres de reciclado creativo para niños de entre 3 y 12
años.
MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León): Los pequeños de la casa pueden
descubrir sus capacidades creativas a través de los 'diverviajes' por la exposición. Del cual me
he informado mejor gracias a la lectura MUSAC ESCUELA Las posibilidades del museo con
las Artes.

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Cultura visual

Cultura visual, teóricamente, después de haber sido explicada en clase, es la forma de relacionar
imágenes con nuestra vida cotidiana, nuestra cultura, sociedad…es decir, la cultura visual
estudia todo lo que puede influir en la manera de ver un cuadro, una obra, cosa que no hace la
historia del arte. Para mí, la cultura visual está muy relacionada con la sociedad, porque estudia
movimientos artísticos del pasado, del presente y las relaciones entre ambos.

Vivimos en un mundo en el que las imágenes cada vez nos rodean más. Las recibimos desde
numerosos sitios; medios de comunicación, publicidad, carteles…e incluso nosotros mismos
publicamos imágenes en nuestras redes sociales. Es decir, nosotros mismos producimos y
consumimos imágenes, y configuran nuestra identidad, tal y como dice el texto “Cultura visual
e identidad”: Todas las formas de artes visuales son expresiones de las ideas, las creencias y las
actitudes de las personas. Revelan las identidades tanto de los individuos como de los grupos,
pero al mismo tiempo actúan conformando identidades”. Como vimos en clase en la parodia de
los Simpson, se muestran imágenes escenográficas de algunos artistas como Hooper y su obra
Noctámbulos. La relación que tiene la cultura visual con este ejemplo es, que esta estudiaría
ambas situaciones; la obra de Hooper y la de los Simpson, en cambio la historia del arte jamás
estudiaría a los Simpson.

Creo que es muy importante que los niños aprendan a observar esas imágenes de manera crítica,
porque hay contenidos que captamos inconscientemente e incluso nos pueden llegar a
manipular. Además, suelen estar muy ligadas a los estereotipos, desde que nacemos recibimos
imágenes que nos llenan de prejuicios que nosotros adaptamos como normales y que por ello no
somos conscientes. Nos transmiten ideas como el machismo o la superioridad de determinada
cultura sobre otra. Como bien dice Joan Fontcuberta “cuando alguien quiere creer algo su
capacidad crítica desaparece”. Creo que el máximo transmisor de los estereotipos es la
publicidad. Su principal tarea es la de vendernos un producto y por eso tienen que utilizar el
“ideal” creado por la sociedad y con el que nos sintamos identificados o incluso aspiremos a ser
así y por ello la publicidad es la principal causa de los estereotipos. A continuación, voy a poner
un par de ejemplos de ello:

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En este anuncio de la cadena de supermercados Lidl se puede ver cómo se plantean los roles
sexistas y estereotipados, es decir, el género femenino se dedica a la cocina y el masculino a la
construcción. Es así como podemos comprobar que la mujer es el grupo social castigado por
excelencia mediante las imágenes. Nos venden mujeres perfectas e ideales, sumisas debido a su
inferioridad ante el sexo masculino y con más bien poco cerebro.

En algo tan cotidiano como ir a comprar ropa para los hijos/as también encontramos mensajes
machistas, en ella se ven dos camisetas para bebés, una en color azul y otra en rosa. En la azul,
se podía leer: “inteligente como papá” y en la rosa “bonita como mamá”. Este caso saltó a los
medios de comunicación e Hipercor tuvo que retirar esos artículos que ofendía a cualquier
persona con sentido común.

El arte nos ayuda a mirar un poco más allá, a realizar ese esfuerzo, mirar de manera más
profunda, más crítica todo lo que nos rodea como bien dice Jacques Ranciére. “lo real debe ser
ficcionado para poder ser pensado” a veces hasta que no vemos una imagen totalmente
exagerada, parodiada, no la cuestionamos, no la criticamos, y no somos conscientes de lo
ridículas, discriminatorias que pueden llegar a ser.

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Yo misma, hasta que no he crecido, no me he dado cuenta de los mensajes discriminatorios que
hay, por ejemplo, en las grandes historias de dibujos animados de Disney que tantas veces he
visto, o incluso con muñecas como la Barbie con la que he jugado en mi infancia.
Por todas estas cosas creo que como maestros y maestras tenemos mucho que hacer, desde la
escuela se debe promover una educación y un conocimiento que evite esa manipulación, el arte
nos ayuda a ver más allá.

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Conclusión
A lo largo de estos dos meses he comprendido mejor qué es arte, y además a analizar las
imágenes. Me he dado cuenta de que no se nos enseña a leer las imágenes, entendiendo el
contexto en el que están y por tanto su significado, cosa que he “aprendido” a hacer en este
tiempo, aunque no haya tiempo para asimilar información y que todas las imágenes tienen su
intención y por ello no existe una realidad objetiva.
Por este tipo de cosas y como ya he comentado anteriormente, he llegado a la conclusión de la
poca importancia que se le da a la educación artística, en la escuela supone una asignatura para
mantener al niño entretenido, en la que solo copian y reproducen cosas. No se les enseña a
reflexionar y analizar las imágenes.
Voy a concluir el portafolio con los proyectos de clase que más me han llamado la atención,
porque es aquí cuando se ha demostrado lo aprendido, y que todos nosotros podemos ser
artistas, mediante la reflexión, imaginación nos podemos expresar mediante el arte. Todos los
proyectos partieron del corto “La isla de las flores” en el que se refleja cómo funciona nuestro
mundo, es decir, el capitalismo, la pobreza… por lo que muchos de los proyectos trataron el
tema del capitalismo. Uno de los que más me gustó, por la manera de transmitir la idea de
consumismo fue el titulado “Fuente de felicidad”, la cual en su origen iba a ser una instalación,
pero por razones de espacio, dinero… acabó siendo una escultura. El título es debido a las cosas
que consumimos diariamente y que no dan la felicidad. La escultura, para mí muy original,
estaba formada por una sonrisa en la que los labios estaban formados por materiales reciclados
que consumimos diariamente y dos móviles, situados en medio de la boca simbolizaban las
palas, a través de ellos se escuchaba el sonido de cajas registradoras o una frase del famoso
anuncio “Media Mark, yo no soy tonto” e incluso la melodía del anuncio de McDonald´s.
Otro de los proyectos trataba de un tema muy relevante hoy en día: la desigualdad entre
hombres y mujeres esto se reflejó a través de una instalación mediante una mirada lineal en el
tiempo de la imagen de la mujer, a través de los ordenadores se podía ir observando esta
evolución, y cada ordenador tenía un título.
Finalmente, y como he mencionado anteriormente, otro proyecto que me llamó la atención fue
el titulado como “El gran despertar” utilizando la técnica del video arte y gran cantidad de
símbolos, transmitían la idea de la desigualdad de género.

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BIBLIOGRAFÍA

- Apuntes de clase de Educación Artística.

- Apuntes de “Mi Aulario”, creados por Betisa.
- http://www.serpadres.es/familia/tiempo-libre/articulo/guia-museos-ninos-arte
- https://es.wikipedia.org/wiki/Arte
- http://definicion.de/arte/
- http://sdelbiombo.blogia.com/2008/091302-como-explicar-arte-a-una-liebre-muerta.-
beuys-y-la-performance.-para-aprovechar-.php
- http://www.youngmarketing.co/5-museos-diferentes-disenados-exclusivamente-para-
ninos/
- https://www.google.es/search?q=publicidad+machista&client=opera&hs=qvm&source
=lnms&tbm=isch&sa=X&ved=0ahUKEwi42aTn3YjTAhXGOxQKHaRfCtwQ_AUIC
CgB&biw=1279&bih=976#imgrc=C-pTSWtj4abTZM:
- https://www.google.es/search?q=arte+urbano&client=opera&hs=dd7&source=lnms&tb
m=isch&sa=X&ved=0ahUKEwi8yv6w3ojTAhWE7RQKHTiQC4IQ_AUICCgB&biw=
1279&bih=976#imgrc=OY4nQRNnIy0vhM:
- http://elpais.com/diario/2006/04/12/agenda/1144792807_850215.html
- COCA, P. Y PÉREZ, A. (1989) Repensar las prácticas educativas en museos y centros
de enseñanza.

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