DOMINGO, 25 DE MAIO DE 2014

História da Arte - Resumo

HISTÓRIA DA ARTE

A "história da arte" é uma ciência multidisciplinar que

procura estudar de modo objetivo a arte através do tempo,
classificando as diferentes formas de cultura, estabelecendo
a sua periodização e salientando as características artísticas
distintivas e influentes. Veremos a seguir os principais
períodos e correntes artísticas que influenciaram a cultura
ocidental.

Arte na Pré-História (25000 a.C.) - A ARTE PRÉ-

HISTÓRICA foi a produção cultural dos homens da pré-
história, a partir dos desenhos, símbolos, riscos etc,
coloridos ou não nas paredes das cavernas. Também era
usado como meio de comunicação. Embora esse período
seja chamado de Pré-Historia, não é correto chamá-lo assim,
porque, não existe anterioridade à História e sim à escrita.
No entanto existia uma forma de comunicação chamada de
pintura rupestre ou gravura rupestre, que podem ser
considerados como a "escrita" dos homens pré-
históricos. Esses desenhos ensinam muitas coisas sobre os
homens primitivos, como, por exemplo, que eles eram
animistas, ou seja, acreditavam que os elementos da
natureza, como a água, o sol, o fogo, a terra, e outros. Muitas
dessas figuras mostram cenas de caça ou de adoração aos
deuses. Os desenhos nas paredes também serviam para
mostrar aos deuses os animais que eles queriam
caçar. Observando as estatuetas, percebemos que retratam
somente figuras femininas, com formas arredondadas e
fartas (seios e nádegas avantajados) e onde eram
valorizados os órgãos reprodutores.

A ARTE ANTIGA refere-se à arte desenvolvida

pelas civilizações antigas após a criação da escrita e que se
estende até o paleocristão.

Arte Mesopotâmia (4000 a.C.) – Os povos mesopotâmios

(civilizações que se desenvolveram na área das terras férteis
entre os rios Tigres e Eufrates) eram compostos pelos povos
sumérios, os assírios, os babilônicos e os persas. As
principais manifestações da arquitetura mesopotâmica eram
os palácios, em geral muito grandiosos. Como não havia
muita pedra, as paredes tinham que ser grossas, pois eram
feitas de tijolos, ladrinhos e argila. A construção mais
representativa era o “Zigurate”, construção de vários andares
– sete em geral sobre a qual havia um altar para observar o
céu. Os escultores representavam o corpo humano de forma
rígida, sem expressão de movimento e sem detalhes
anatômicos (pés, mãos e braços ficavam colados ao corpo,
coberto com longos mantos; os olhos eram completados
com esmalte brilhante). As estátuas conservavam sempre
uma postura estática ante a grandiosidade dos deuses. A
arte demonstra a religiosidade e o poder dos governantes.
São figuras religiosas de animais alados, estatuetas de olhos
circulares, relevos em paredes representando guerras e
conquistas militares e pictogramas representando fatos da
realidade daqueles povos. Neste período o homem dominou
com precisão a técnica fundição de metal, assim também se
criou muitos objetos, esculturas e jóias com metais e pedras
preciosas.

Arte do Egito (3000 a.C.) - No Antigo Egito as obras de arte

possuíam um possui forte caráter religioso e funerário.
Essas características podem ser explicadas em função da
crença que os egípcios tinha na vida após a morte. Há
representações artísticas de deuses, faraós e animais
explicadas por textos em escrita hieroglífica. As pinturas
eram feitas nas paredes das pirâmides ou em papiros.
Representavam o cotidiano da nobreza ou tratava de
assuntos do cotidiano. Uma das características principais da
arte egípcia é o desenho chapado, de perfil e sem
perspectiva artística. A Lei da Frontalidade funda-se no
princípio de valorizar o aspecto que mais caracteriza cada
elemento do corpo humano. Desenhado de perfil, o rosto é
mostrado ao máximo. De frente, se resume a uma oval. No
rosto de perfil, o olho é representado de frente, por ser este
seu aspecto mais característico e revelador. O tórax também
apresenta-se de frente, e as pernas e os pés, onde apenas se
vê o dedo grande, são vistos de perfil.

Arte na Grécia Antiga (2000 a.C.) - Os artistas gregos

buscavam representar, através das artes, cenas do cotidiano
grego, acontecimentos históricos e, principalmente, temas
religiosos e mitológicos. As grandes obras de arquitetura
como os templos, por exemplo, eram erguidos em
homenagem aos deuses gregos. Um dos templos gregos
mais conhecidos é a Acrópole de Atenas, que foi construído
no ponto mais alto da cidade, entre os anos de 447 a 438
a.C.

A arquitetura grega antiga pode ser dividida em três

estilos: Coríntio, Dórico e Jônico. A pintura grega também foi
muito importante nas artes da Grécia Antiga. Os pintores
gregos representavam cenas cotidianas, batalhas, religião,
mitologias e outros aspectos da cultura grega. Os vasos,
geralmente de cor preta, eram muito utilizados neste tipo de
representação artística. Estes artistas também pintavam em
paredes, principalmente de templos e palácios. As esculturas
gregas transmitem uma forte noção de realismo, pois os
escultores gregos buscavam aproximar suas obras ao
máximo do real, utilizando recursos e detalhes. Nervos,
músculos, veias, expressões e sentimentos são observados
nas esculturas. A temática mais usada foi a religiosa,
principalmente, representações de deuses e deusas. Cenas
do cotidiano, mitos e atividades esportivas (principalmente
relacionadas às Olimpíadas) também foram abordadas pelos
escultores gregos.

Arte Romana (século VIII a.C.) - Com forte influência dos

etruscos, a arte romana antiga seguiu os modelos e
elementos artísticos e culturais dos gregos e chega a
"copiar" estátuas clássicas. É a época da construção de
monumentos públicos em homenagem aos
imperadores romanos. A pintura mural recorre ao efeito
tridimensional. Os afrescos da cidade de Pompéia (soterrada
pelo vulcão Vesúvio em I a.C.) são representativos deste
período. Um dos legados culturais mais importantes que os
etruscos deixaram aos romanos foi o uso do arco e da
abóbada nas construções.

ARTE MEDIEVAL, sendo uma derivação direta da arte

romana, inicia com a ARTE PALEO CRISTÃ (século II), após a
oficialização do cristianismo como religião do Império
Romano. Trabalharam as formas clássicas para interpretar a
nova doutrina religiosa. Porém, logo o estilo clássico se
pulverizou em uma multiplicidade de escolas regionais, com
o aparecimento de formas mais esquemáticas e
simplificadas. Na arquitetura destacou-se como o
tipo basílica, enquanto que na escultura
os sarcófagos assumiram papel destacado, bem como os
mosaicos e as pinturas das catacumbas. A etapa seguinte
constituiu a chamada ARTEBIZANTINA (século IV),
incorporando influências orientais e gregas, e tendo no ícone
e nos mosaicos seus gêneros principais. A ARTE
ROMÂNICA (século XI) seguiu-lhe paralelamente, recebendo
a influência de povos bárbaros como
os germânicos, celtas e godos. Foi o primeiro estilo de arte
internacional depois da queda do Império Romano.
Eminentemente religiosa, a maioria da arte românica visa a
exaltação e difusão do cristianismo. A arquitetura enfatiza o
uso de abóbadas e arcos, começando a construção de
grandes catedrais, que continuará durante o gótico. A
escultura se desenvolveu principalmente no âmbito
arquitetônico, com formas esquematizadas.
A ARTE GÓTICA se desenvolveu entre os (séculos XII), sendo
um momento de florescimento econômico e cultural. A
arquitetura foi profundamente alterada a partir da introdução
do arco ogival e do arcobotante, nascendo formas mais
leves e mais dinâmicas, que possibilitaram a construção de
edifícios mais altos e com aberturas maiores, tipificados na
catedral gótica. A escultura continua principalmente
enquadrada na obra arquitetônica, mas começou a
desenvolver-se de forma autônoma, com formas mais
realistas e elegantes inspirados pela natureza e, em parte,
numa recuperação de influências clássicas. Aparecem
grandes retábulos escultóricos e a pintura desenvolve
técnicas inovadoras como o óleo e a têmpera, criando-se
obras de grande detalhamento.

A Idade Moderna inicia no RENASCIMENTO (séculos XV e

XVI), período de grande esplendor cultural na Europa. A
religião deu lugar a uma concepção científica do homem e
do universo, no sistema do humanismo. As novas
descobertas geográficas levaram a civilização européia a se
expandir para todos os continentes, e através da invenção
da imprensa a cultura se universalizou. Sua arte foi inspirada
basicamente na arte clássica greco-romana e na observação
científica da natureza. Na pintura, novas técnicas passam a
ser utilizadas: uso da tinta a óleo, por exemplo, buscava
aumentar a ilusão de realidade. A escultura renascentista é
marcada pela expressividade e pelo naturalismo. A
xilogravura passa a ser muito utilizada nesta
época. Principais artistas:Hieronymuns Bosch; Albrecht
Dürer; Jan van Eyck; Sandro Boticcelli; Donatelo; Leonardo da
Vinci; Rafael Sanzio; Michelangelo Buonarotti. Giuseppe
Arciboldo.

Sua continuação produziu o MANEIRISMO (meados do séc

XVI), com a emergência de um maior individualismo e um
senso de drama e extravagância, proliferando em inúmeras
escolas regionais. O Maneirismo foi um estilo e um
movimento artístico europeu que constituí manifesta reação
contra os valores clássicos prestigiados
pelo humanismo renascentista. O termo surge da
expressão a maniera de, usada para se referir a artistas que
faziam questão de imprimir certas marcas individuais nas
suas obras e procuravam efeitos bizarros que já apontam
para a arte moderna, como o alongamento das figuras
humanas e os pontos de vista inusitados. Também foi
importante nesta fase a disputa
entre protestantes e católicos contra-reformistas, com
repercussões na arte
sacra. Shakespeare, Cervantes, Camões, Andrea
Palladio, Parmigianino, Monteverdi, El
Greco e Michelangelo são alguns de seus representantes
mais notórios.

No período BARROCO (final do séc XVI) fortaleceram-se os

Estados nacionais, dando origem ao absolutismo. Como
reflexo disso a arte se torna suntuosa e grandiloquente,
privilegiando os contrastes acentuados, o senso de drama e
o movimento. Nas artes visuais destaca a cor e não o
formato do desenho. As técnicas utilizadas dão um sentido
de movimento ao desenho. Os efeitos de luz e sombra são
utilizados constantemente como um recurso para dar vida e
realidade à obra. Os temas que mais aparecem são: a
paisagem, a natureza-morta e cenas da vida
cotidiana. Principais artistas: Caravaggio; Peter Paul Rubens;
Rembrandt; Gian Lorenzo Bernini; Diego Velásquez; Jan
Vermeer e Antônio Francisco Lisboa
“Aleijadinho”, Molière (Dramaturgo), Bach e Haendel(Compos
itores),

Sua sequência foi o ROCOCÓ (surgido a partir de meados do

século XVIII), com formas mais leves e elegantes,
privilegiando o decorativismo, a sofisticação aristocrática e a
sensibilidade individual. Ao mesmo tempo se firmava uma
corrente iluminista, pregando o primado da razão e um
retorno à natureza. Foram importantes, por
exemplo, Voltaire,Jean-Jacques Rousseau, Carl Philipp
Emanuel Bach, Jean-Antoine Houdon, Antoine Watteau, Jean-
Honoré Fragonard.

No final do século XVIII emergem duas correntes opostas:

o Romantismo e o Neoclassicismo, que dominarão
até meados do século XIX, às vezes em sínteses ecléticas,
como na obra de Goethe. OROMANTISMO enfatizava a
experiência individual do artista, com obras arrebatadas,
visionárias e dramáticas, enquanto que
oNEOCLASSICISMO recuperava o ideal equilibrado do
classicismo e impunha uma função social moralizante e
política para a arte. Na primeira corrente podem ser
destacados Victor Hugo, Byron, Eugène Delacroix, Francisco
de Goya, Frédéric Chopin, Ludwig van Beethoven, William
Turner, Richard Wagner, William Blake, Albert
Bierstadt e Caspar David Friedrich, e, na segunda, Jacques-
Louis David, Jean-Auguste-Dominique
Ingres, Mozart, Haydn e Antonio Canova.
ARTE MODERNA é um termo que se refere às expressões
artísticas surgidas no final do século XIX, que se estenderam
até a metade do século XX. Na arte moderna vê-se a
influência da Revolução Industrial, das máquinas a vapor, do
aumento das velocidades, da fotografia, do cinema, do avião,
do estudo da mente entre outros elementos que
contribuíram para a mudança do pensamento e das atitudes.

Realismo surge entre 1850 e 1900 fruto das artes

produzidas na Europa. Ele foi influenciado pela
industrialização que dominava a época. O homem
contemporâneo entendeu que precisava ser realista, tendo
uma visão mais técnica e deixando um pouco de lados as
emoções humanas.Destaca a realidade física através da
objetividade científica e crua. Estas obras são inspiradas
pela vida cotidiana e pela paisagem natural. Aparecem fortes
críticas sociais e elementos do erotismo, provocando criticas
dos setores conservadores da sociedade européia do século
XIX.Principais artistas: Gustave Courbet; Honoré Daumier;
Édouard Manet; Jean-François Millet e Auguste Rodin.

Impressionismo (1880) - Através da luz e da cor os artistas

do impressionismo buscam atingir a realidade. Ênfase nos
temas da natureza, principalmente de paisagens; Uso de
técnicas de pintura que valorização a ação da luz natural;
Pinceladas soltas buscando os movimentos da cena
retratada, uso de efeitos de sombras coloridas e
luminosas. Principais artistas: Claude Monet; Edgard Degas;
Auguste Renoir e Georges Seurat.

Pós-impressionismo ( Final do séc XIX ) - Designa um grupo

de artistas que procuram de várias maneiras amplia a
linguagem visual da pintura para além do impressionismo.
Os mais influentes pós-impressionistas foram Paul Gauguin,
Paul Cézanne e Van Gogh. Outros importantes pós-
impressionistas foram, entre outros, Henri Rousseau,
Georges Seurat, Henri de Tourlouse-Lautrec. É o período
marcado pelas experimentações individuais. Os artistas
fogem dos padrões clássicos, utilizando recursos de luz e
cor. O cromatismo é muito utilizado.

O Simbolismo foi um movimento artístico e literário que

surgiu na França na década de 80 do século XIX.
Constituindo uma reação contra o materialismo e
mecanização da civilização industrial, esta corrente rejeitava
simultaneamente o Realismo, o Romantismo e o
impressionismo, acreditando que a arte deveria exprimir
idéias a partir de uma concepção simbolista das formas e da
cor. Os pintores simbolistas apresentavam especial
preferência por temáticas místicas ligadas a religião, a
lendas, morte ou pecado, impregnado de forte teor
moralizante, para as quais a técnica do fresco adequava
perfeitamente. Principais artistas: Paul Gauguim, Odilon
Redon, Maurice Denis, Sérusier, Gustav Klimt e Edvard
Munch.

Conhecendo um pouco mais: ART NOUVEAU

Art Nouveau (Pronúncia francesa: [aʁ nu'vo]) é uma filosofia

e estilo internacional de arte, arquitetura e arte aplicada –
especialmente as artes decorativas- que foram mais
populares de 1890 – 1910. O nome “Art Nouveau” é francês
para “arte nova”. Uma reação à arte acadêmica do século 19,
o movimento da Art Nouveau foi inspirado por formas e
estruturas naturais, não somente em flores e plantas, mas
também em linhas curvas. Arquitetos tentavam harmonizar
com o ambiente natural. Ela também pode ser considerada
uma filosofia do desenho de mobílias, que foi desenhado de
acordo com a construção e a parte feita da vida ordinária.

MOVIMENTOS DE VANGUARDA - Em seu sentido literal,

vanguarda (que vem do francês Avant Garde, "guarda
avante") faz referência ao batalhão militar que precede as
tropas em ataque durante uma batalha. Daí deduz-se que
vanguarda é aquilo que "está à frente". Desta dedução surge
a definição adotada por uma série de movimentos artísticos
e políticos do fim do século XIX e início do século XX. Os
movimentos europeus de vanguarda eram aqueles que,
segundo seus próprios autores, guiavam a cultura de seus
tempos, estando de certa forma à frente deles.

Expressionismo foi um movimento artístico e cultural

de vanguarda surgido na Alemanha no ( início do século
XX ), transversal aos campos artísticos da arquitetura, artes
plásticas, literatura, música, cinema, teatro, dança e fotografi
a. Manifestou-se inicialmente através da pintura, coincidindo
com o aparecimento do fauvismo francês, o que tornaria
ambos os movimentos artísticos os primeiros
representantes das chamadas "vanguardas históricas". O
expressionismo compreende
a deformação da realidade para expressar de forma
subjetiva a natureza e o ser humano, dando ênfase à
expressão de sentimentos em relação à
simples descrição da realidade. Artistas
expressionistas: Edward Munch, Amedeo Modigliani, Ernest
Ludwig Kirchner; Paul Klee, Francis Bacon, Alberto
Giacometti, Marc Chagal, Diego Rivera, Candido Portinari.

Fauvismo (do francês les fauves, "as feras", como foram

chamados os pintores não seguidores
do cânone impressionista, vigente à época) é uma corrente
artística do início do século XX, que se desenvolveu
sobretudo (entre 1905 e 1907). Os pintores fauvistas
receberam influências de Van Gogh, através de seu
emocionalismo e ardor passional pelas cores exacerbadas, e
de Gauguin, com seu primitivismo e visão elementar da
natureza. A nova estética é obedecer aos impulsos
instintivos ou as sensações vitais e primárias. Criar
desobedecendo a uma ordem intelectual, onde as linhas e as
cores devem jorrar no mesmo estado de pureza das crianças
e selvagens, desobedecendo às regras tradicionais da
pintura. Evitam a ilusão da tridimensionalidade. Agora a tela
se apresenta plana, obtendo apenas comprimento e largura.
Baseiam-se na força das cores puras. Principais artistas:
Henri Matisse; André Derain e Maurice de Vlaminck.

Cubismo (1907) – Cubismo é um movimento artístico que

surgiu no século XX, nas artes plásticas, tendo como
principais fundadores Pablo Picasso e Georges
Braque. O quadro "Les demoiselles d'Avignon", de
Picasso, 1907 é conhecido como marco inicial do Cubismo.
Nele ficam evidentes as referências a máscaras africanas,
que inspiraram a fase inicial do cubismo, juntamente com a
obra de Paul Cézanne.
Historicamente o Cubismo originou-se na obra de Cézanne,
pois para ele a pintura deveria tratar as formas da natureza
como se fossem cones, esferas e cilindros. Entretanto, os
cubistas foram mais longe do que Cézanne. Passaram a
representar os objetos com todas as suas partes num
mesmo plano. É como se eles estivessem abertos e
apresentassem todos os seus lados no plano frontal em
relação ao espectador. Na verdade, essa atitude de
decompor os objetos não tinha nenhum compromisso de
fidelidade com a aparência real das coisas.

Futurismo (1909) - Movimento inicia-se oficialmente com a

publicação do manifesto futurismo, do poeta italiano Filippo
Marinetti. O texto rejeita o moralismo e o passado, exalta a
violência e propõe novo tipo de beleza, baseada na
velocidade. As obras futuristas têm o objetivo de criar o
mesmo ritmo e espírito da sociedade industrial. Os futuristas
expressam a violência e representam a dinâmica e
movimento, para tanto distorcem a imagem do espectadro,
reproduzindo no quadro, imagens seqüenciadas como numa
fita de cinema. Principais artistas: Giacomo Balla; Carlo
Carra e Umberto Boccioni.

Dadaísmo (Década de 1910) - Revolucionário, anárquico e

anticapitalista, o dadaísmo, prega o absurdo, o sarcasmo, a
sátira crítica e o uso de diversas linguagens, como pintura,
poesia, escultura, fotografia e teatro. Embora a
palavra dada em francês signifique "cavalo de madeira", sua
utilização marca o non-sense ou falta de sentido que pode
ter a linguagem (como na fala de um bebê). Para reforçar
esta ideia foi estabelecido o mito de que o nome foi
escolhido aleatoriamente, desta forma, abrindo-se uma
página de um dicionário e inserindo-se um estilete sobre ela.
Isso foi feito para simbolizar o caráter antirracional do
movimento, claramente contrário à Primeira Guerra
Mundial e aos padrões da arte estabelecida na
época. Principais artistas: Hugo Ball, Francis Picabia, Marcel
Duchamp e Man Ray.

Abstracionismo (Década de 1910) - A arte abstrata tende a

suprimir toda a relação entre a realidade e o quadro, entre as
linhas e os planos, as cores e a significação que esses
elementos podem sugerir ao espírito. Quando a significação
de um quadro depende essencialmente da cor e da forma,
quando o pintor rompe os últimos laços que ligam a sua obra
à realidade visível, ela passa a ser abstrata. Principais
correntes e variações do abstracionismo:
Abstracionismo informal, lírico ou abstracionismo
expressivo inspirava-se no instinto, no inconsciente e na
intuição para construir uma arte imaginária ligada a uma
"necessidade interior". ênfase na composição
livre. Principais artista: Wassily Kandinsky e Franz Marc;
O Suprematismo foi um movimento artístico russo, centrado
em formas geométricas básicas - particularmente o
quadrado e o círculo - e tido como a primeira escola
sistemática de pintura abstrata do
movimento moderno. Principal artista: Kasimir Malevitch;
O Neoplasticismo defendia uma total limpeza espacial para
a pintura, reduzindo-a a seus elementos mais puros e
buscando suas características mais próprias. Principal
artista: Piet Mondrian;
O gestualismo, pintura gestual ou action painting é uma
forma de pintura abstracta onde se pode observar o gesto
pictórico. Este tipo de pintura não apresenta esquemas
prévios, e surgiu em Nova Iorque, nos anos 40 do século XX,
sob influência dos processos surrealistas de pintura
automática. Os sinais e os gestos de pintar como meio
expressivo foram as bases desse tipo de pintura. Essa
corrente originou-se do expressionismo abstrato. Seu
objetivo era a libertação das formas de Vladimir Tatlin. A
pintura gestual recebeu influência dos chineses e
japoneses. Principais
artistas: Jackson Pollock, Franz Kline e De Kooning.

Construtivismo (1915) - Caracterizou-se, de forma bastante

genérica, pela utilização constante de
elementos geométricos, cores primárias, fotomontagem e
atipografia sem serifa. O Construtivismo teve influência
profunda na arte moderna e no design moderno e está
inserido no contexto dasvanguardas estéticas europeias do
início do Século XX. Defende a arte funcional, que deve
atender as necessidades do povo e informar sobre a
revolução. A arte deve fabricar objetos para a vida do povo e
não apenas luxo para os ricos. A pintura e a escultura devem
ser funcionais, por isso aparecem muito ligadas à arquitetura
e ao design. A escultura é a grande forma de expressão,
principalmente em metal. Principais artistas: Naum Gabo e
Antoine Pevsner.

Pintura Metafísica (Década de 1910) – Estilo que se

contrapõem ao futurismo e
cubismo.Recusa da expressão do movimento; o afastamento
relativamente à estética industrial ou ligada à máquina; apro
cura de objetos do quotidiano e de espaços urbanos para cri
ar um universo misterioso. A pintura deve criar uma
impressão de mistério, através de associações pouco
comuns de objetos totalmente imprevistos, em arcadas e
arquiteturas puras, idealizadas, muitas vezes com a inclusão
de estátuas, manequins, frutas, legumes, numa
transfiguração toda especial, em curiosas perspectivas. A
pintura metafísica explora os efeitos de luzes misteriosas,
sombras sedutoras e cores ricas e profundas, de plástica
despojada e escultural. Tem inspiração na Metafísica,
ciência que estuda tudo quanto se manifesta de maneira
sobrenatural. Principais artistas: Giorgio de Chirico e Giorgio
Morandi.

Arte Surrealista (Década de 1920) - Os artistas exploram o

inconsciente e as imagens que não são controladas pela
razão. O surrealismo usa associações irreais, bizarras e
provocativas. O rompimento com as noções tradicionais da
perspectiva e da proporcionalidade resulta em imagens
estranhas e fora da realidade.
Principais artistas: Marc Chagall; Joan Miró; Salvador Dalí;
René Magritte; Max Ernst; Frida Kahlo.

Conhecendo um pouco mais: BAUHAUS E ART DÉCO

A Staatliches-Bauhaus foi uma escola de design, artes

plásticas e arquitetura de vanguarda na Alemanha. A
Bauhaus foi uma das maiores e mais importantes
expressões do que é chamado Modernismo no design e
na arquitetura, sendo a primeira escola de design do mundo.

Art déco foi um movimento popular internacional

de design que durou de 1925 até 1939, afetando as artes
decorativas, a arquitetura,design de interiores e desenho
industrial, assim como as artes visuais, a moda, a pintura,
as artes gráficas e cinema. Representou a adaptação pela
sociedade em geral dos princípios do cubismo. Edifícios,
esculturas, joias, luminárias e móveis são geometrizados.
Sem abrir mão do requinte, os objetos têm decoração
moderna, mesmo quando feitos com bases simples, como
concreto armado e compensado de madeira, ganham
ornamentos de bronze, mármore, prata, marfim e outros
materiais nobres.

Considera-se que a ARTE CONTEMPORÂNEA, em

seus estilos, escolas e movimentos, tenha surgido por volta
da segunda metade do século XX, mais precisamente após
a Segunda Guerra Mundial, como ação de ruptura com a arte
moderna.
Depois da guerra os artistas mostraram-se voltados às
verdades do inconsciente e interessados pela reconstrução
da sociedade. Sobrepôs-se aos costumes, a necessidade da
produção em massa. Quando surgia um movimento na arte,
este revelava-se por meio das variadas linguagens, através
da constante experimentação de novas técnicas.
A arte contemporânea se mostrou mais evidente
na década de 60, período que muitos estudos consideram o
início do seu estado de plenitude. A efervescência cultural
da década começou a questionar a sociedade do pós-guerra,
rebelando-se contra o estilo de vida difundido no cinema,
na moda, na televisão e na literatura.
Além disso, os avanços tecnológicos foram convulsivamente
impulsionados pela corrida espacial e, como mostra dessa
influência, as formas dos objetos tornam-se, quase
subitamente, aerodinâmicas, alusivas ao espaço, com forte
recorrência ao brilho do vinil. A ciência e atecnologia abriram
caminho à percepção das pessoas, de que a arte feita por
outros, poderia estar a traduzir as suas próprias vidas.
A consciência ecológica e o reaproveitamento de
materiais são temas recorrentes, que se popularizaram no
final do século XX. Em paralelo, a revolução digital e a
consequente globalização, por meio da internet, formam o
período mais recente da contemporaneidade.

De 1945 a 1965 - Entre os movimentos mais célebres

estão: Arte bruta, Arte informal, Expressionismo
abstrato, Arte cinética, Combine, Assemblage, Pop
art, Fluxus, Op art entre outros.

Após 1965 até os dias atuais - Os movimentos mais

significativos são: Minimalismo, Arte conceitual, Body
art, Instalação, Hiperrealismo, Videoarte, Happening, Arte
povera, Transvanguarda, Internet art, Arte
urbana, Grafiti entre outros.

Pop Art (Década de 1950) - As histórias em quadrinhos e a

mídia visual e impressa são os elementos de referência da
pop art. Humor e crítica ao consumismo são constantes nas
obras de pop art. Principais artistas: Richard Hamilton; Allen
Jones; Robert Rauschenberg; Jasper Johns; Andy Warhol;
Roy Lichtenstein; e David Hockney.

Op Art (Década de 1950) - é um termo usado para descrever

a arte que explora a falibilidade do olho e pelo uso de ilusões
ópticas. A expressão "op-art" vem do inglês (optical art) e
significa “arte óptica”. Defendia para arte "menos expressão
e mais visualização". Apesar do rigor com que é construída,
simboliza um mundo mutável e instável, que não se mantém
nunca o mesmo. Os trabalhos de op art são em
geral abstratos, e muitas das peças mais conhecidas usam
apenas o preto e o branco. Quando são observados, dão a
impressão de movimento, clarões ou vibração, ou por vezes
parecem inchar ou deformar-se. Principais artistas:Ad
Reinhardt , Alexander Calder, Youri Messen-Jaschin e Victor
Vasarely.

A arte cinética, é uma corrente das artes plásticas que

explora efeitos visuais por meio de movimentos físicos
ou ilusão de óptica ou truques de posicionamento de
peças. Artistascomo Marcel Duchamp, Alexander
Calder , Vasarely , Jesus Raphael Soto , Yaacov Agam, Jean
Tinguely , Pol Bury e o brasileiro Abraham Palatnik , são
apontados como expoentes desta linguagem.
A arte conceitual foi iniciada nos anos 60 do seculo
XX (1965);prevaleceu pela década de 70 o que implicou uma
remodelação dos processos criativos e expressivos.Nesta
arte valoriza-se mais a ideia da obra do que o produto
acabado, sendo que às vezes este (produto) nem mesmo
precisa de existir. É bastante expressada através de
fotografias, vídeos, mapas, textos escritos e performances.
Não existem limites muito bem definidos para que uma obra
seja considerada Arte Conceptual já que esta abrange vários
aspectos tendo como intenção desafiar as pessoas a
interpretar uma ideia, um conceito, uma crítica ou uma
denúncia. O objetivo é que o observador reflita sobre o
ambiente, a violência, o consumo e a sociedade. Esta arte é
vivenciada por todos os observadores do mesmo modo ou
seja, ela não possui nenhuma singularidade aos olhos de
quem a vê. Principais artistas: Marcel Duchamp, Sol LeWitt,
Joseph Beuys, John Cage, Nam June Paik, Yoko Ono.

O minimalismo nas artes plásticas surge após o ápice do

expressionismo abstrato nos Estados Unidos. Contrapondo-
se a esse movimento, o minimalismo procurava através da
redução formal e da produção de objetos em série. O caráter
geométrico demonstra forte influência construtivista, e a
limpeza formal. Quebra as barreiras até então presentes
entre pintura e escultura. O design minimalista acaba por
criar produtos baseados numa redução formal
extremamente forte e no uso de cores neutras (ou mesmo
ausência de cores). Outras características são as repetições
simétricas e na música a composição com poucas notas
musicais, valorizando a repetição sonora. Sol LeWitt, Frank
Stella, Dan Flavin, Philip Glass (compositor), Samuel Beckett
(dramaturgo). Em oposição ao minimalismo surgiu o pós-
minimalismo, neste movimento os artistas davam mais
caráter humano e vivo às obras minimalistas.
Arte Povera ("Arte Pobre" em português) é um movimento
artístico que sePrincipais artistas: desenvolveu
originalmente na segunda metade da década de
1960 na Itália. Os seus adeptos utilizam materiais de pintura
(ou outras expressões plásticas não convencionais, como
por exemplo areia, madeira, sacos, jornais, cordas, terra e
trapos) com o intuito de "empobrecer" a obra de arte,
reduzindo os seus artifícios e eliminar as barreiras entre a
Arte e o quotidiano das sociedades.
Esta corrente artística surgiu e desenvolveu-se ao longo da
década de 1970, período em que os artistas voltaram a sua
atenção para as temáticas da natureza e seus derivados,
rompendo com os processos industriais e revelando a sua
critica ao empobrecimento de uma sociedade guiada pelo
acumular de riquezas materiais.

Hiperrealismo é um gênero de pintura e escultura que tem

um efeito semelhante ao da fotografia de alta resolução. O
hiperrealismo é uma evolução do fotorrealismo. Os
hiperrealistas acrescentam maior emotividade às obras do
que os fotorrealistas. Artistas fotorrealistas: Ralph
Goings, Chuck Close, Don Eddy, Robert Bechtle, Richard
McLean, Klapheck e Delcol. Principais artistas
hiperrealistas:Chuck Close, Ron Mueck, Jorge Melício, Sam
Jinks.

NOVAS FORMAS DE EXPRESSÃO DA ARTE

CONTEMPORÂNEA

Uma instalação (krafts) é uma manifestação artística onde a

obra é composta de elementos organizados em um
ambiente. É uma obra de arte que só "existe" na hora da
exposição, é montada na hora, e após isto é desmontada,
sendo que de lembrança da mesma só ficam fotos e
recordações...
Uma das possibilidades da instalação é provocar
sensações: frio, calor, odores, som ou coisas que
simplesmente chamem a atenção do público ao
redor. Principais artistas: Anish Kapoor, Lee Bul, Christo e
Jeanne-Claude, Barbara Kruger, Richard Long, Chen Zhen.

Intervenção Urbana é um tipo de manifestação artística,

geralmente realizada em áreas centrais de grandes cidades.
Consiste em uma interação com um objeto artístico
previamente existente (um monumento, por exemplo) ou
com um espaço público, visando colocar em questão as
percepções acerca do objeto artístico. São trabalhos
notadamente voltados para uma experiência estética que
procura produzir novas maneiras de perceber o cenário
urbano e criar relações afetivas com a cidade que não a da
objetividade funcional que aplaca o dia-a-dia. A intervenção
artística tem ligações com a arte conceitual e geralmente
inclui uma performance. Consiste em um desafio ou, no
mínimo, um comentário sobre um objeto (eventualmente, um
objeto artístico) preexistente, através degrafites, cartazes,
cenas de teatro ao ar livre ou acréscimo de outros elementos
plásticos, de forma a modificar o significado ou as
expectativas do senso comum, quanto a esse objeto.

Intervenção é o acréscimo de elementos em uma obra de

arte; ou também usado para qualificar o procedimento de
promover interferências em imagens, fotografias, objetos ou
obras de arte preexistentes. Intervenção, nesse caso, possui
um sentido semelhante à apropriação, contribuição,
manipulação, interferência. Colagens, assemblages,
montagens, fotografias e desenhos são trabalhos que
frequentemente se valem desse tipo de procedimento.

Conhecendo um pouco mais: RELEITURA

A releitura é uma nova versão de uma obra de arte já

existente. Assim como o termo, a “releitura” é uma nova
forma de ler e ver a obra, uma forma de criticá-la ou
homenageá-la em forma de imagem, escultura, música ou
vídeo.

Intervenção Urbana é um tipo de manifestação artística,

geralmente realizada em áreas centrais de grandes cidades.
Consiste em uma interação com um objeto artístico
previamente existente (um monumento, por exemplo) ou
com um espaço público, visando colocar em questão as
percepções acerca do objeto artístico. São trabalhos
notadamente voltados para uma experiência estética que
procura produzir novas maneiras de perceber o cenário
urbano e criar relações afetivas com a cidade que não a da
objetividade funcional que aplaca o dia-a-dia. A intervenção
artística tem ligações com a arte conceitual e geralmente
inclui uma performance. Consiste em um desafio ou, no
mínimo, um comentário sobre um objeto (eventualmente, um
objeto artístico) preexistente, através degrafites, cartazes,
cenas de teatro ao ar livre ou acréscimo de outros elementos
plásticos, de forma a modificar o significado ou as
expectativas do senso comum, quanto a esse objeto.

Conhecendo um pouco mais: GRAFITI

Grafíti (do italiano graffiti, plural de graffito) é o nome dado às

inscrições feitas em paredes, desde o Império Romano.
Considera-se grafite uma inscrição caligrafada ou um
desenho pintado ou gravado sobre um suporte que não é
normalmente previsto para esta finalidade. Por muito tempo
visto como um assunto irrelevante ou mera contravenção,
atualmente o grafite já é considerado como forma de
expressão incluída no âmbito das artes visuais, mais
especificamente, da street art ou arte urbana - em que o
artista aproveita os espaços públicos, criando uma linguagem
intencional para interferir na cidade. Alguns artistas
expoentes na arte do Grafiti: Jean-Michel Basquiat, Os
gêmeos, Banksy.

A Land Art, também conhecida como Earth

Art ou Earthwork é o tipo de arte em que o terreno natural,
em vez de prover o ambiente para uma obra de arte, é ele
próprio trabalhado de modo a integrar-se à obra.
Em resumo é uma forma de intervenção onde o suporte é a
própria natureza. Esta intervenção pode ser realizada na
paisagem, no espaço natural ou até mesmo utilizando
elementos naturais. A Land Art surgiu em finais da década de
1960, em parte como consequência de uma insatisfação
crescente em face da deliberada monotonia cultural pelas
formas simples do minimalismo, em parte como expressão
de um desencanto relativo à sofisticada tecnologia da
cultura industrial, bem como ao aumento do interesse às
questões ligadas à ecologia. Principais artistas: Robert
Smithson, Robert Morris, Richard Long, Frans
Krajcberg, Christo e Jeanne-Claude.

A Body Art (do inglês, arte do corpo) é uma manifestação

das artes visuais onde até o corpo do próprio artista pode
ser utilizado como suporte ou meio de expressão. Surgiu
no final da década de 60 como uma das mais populares e
controvertidas formas de arte a se disseminar. Em uma
abordagem mais específica, surgiu como reação à
impessoalidade da arte conceitual e do minimalismo, em
análise mais ampla tem sido considerada um prolongamento
destes.
O espectador pode atuar não apenas de forma passiva, mas
também como voyeur ou agente interativo. Via de regra, as
obras de Body art, como criações conceituais, são convidam:
à reflexão, ao enfado, ao choque, ao distanciamento ou ao
riso. Foi na década de 1960 que essa forma de arte se
popularizou e se espalhou pelo mundo. Há casos em que a
body art assume o papel de ritual ou apresentação pública,
apresentando, portanto, ligações com o Happening e
a Performance.
Alguns artistas que trabalharam com Body Art: Yves
Klein, Youri Messen-Jaschin

Performance designa as apresentações de dança, canto,

teatro, mágica, mímica, malabarismo, referindo-se ao seu
executante como performer. Na segunda metade do século
XX surge um gênero artístico nos Estados Unidos que se
chama Performance Arte (Performance Art) que surge como
uma modalidade de manifestação artística interdisciplinar
que - assim como o happening - pode
combinar teatro, música, poesia ou vídeo, com ou sem
público. Difere do happening por ser mais cuidadosamente
elaborada e não envolver necessariamente a participação
dos espectadores. Em geral, segue um "roteiro" previamente
definido, podendo ser reproduzida em outros momentos ou
locais. É realizada para uma platéia quase sempre restrita ou
mesmo ausente e, assim, depende de registros - através
de fotografias, vídeos e/ou memoriais descritivos - para se
tornar conhecida do público.

O happening (traduzido do inglês, "acontecimento") é uma

forma de expressão das artes visuais que, de certa maneira,
apresenta características das artes cênicas. Neste tipo de
obra, quase sempre planejada, incorpora-se algum elemento
de espontaneidade ou improvisação, que nunca se repete da
mesma maneira a cada nova apresentação.

Conhecendo um pouco mais: LIP DUB e FLASH MOB

Lip dub ou LipDub é um tipo de vídeo que combina

sincronização labial ou dublagem de áudio para produzir
um videoclipe musical. É habitualmente produzido filmando
grupos de pessoas que fazem sincronização labial ao som de
um aparelho móvel de reprodução musical, sendo o áudio
original reposto mais tarde na edição do vídeo.

Flash Mobs são aglomerações instantâneas de pessoas em

certo lugar para realizar determinada ação inusitada
previamente combinada, estas se dispersando tão
rapidamente quanto se reuniram. A expressão geralmente se
aplica a reuniões organizadas através de e-mails ou meios de
comunicação social. Os mais comuns são aquelies que
envolvem um grupo de pessoas que realizam coreografias ou
músicos que aos poucos vão se juntando em orquestra.
Outros flash mobs organizam-se em eventos como o Subway
Party (neste dia as pessoas viajam de metro sem calças) e
Zombie walk (Marcha dos zumbis, os participantes se
fnatasiam de zumbis e saem as ruas). O Urban Playground
(usar o espaço urbano para promover encontros onde as
pessoas possam divertir-se, como uma batalha de bolhas de
sabão, uma gigantesca luta de travesseiros, batalhas
medievais com armas e armaduras de papelão) Subway Party,
Zombie walk, Pillow Fight.

ARTE E TECNOLOGIA NAS EXPRESSÕES

CONTEMPORÂNEAS

A arte sempre acompanhou a história da humanidade, desde

aspetos culturais, sentimentais e ideológicos. Com os
avanços científicos, surgimento de novas tecnologias e
meios de comunicação, os artistas contemporâneos
passaram a incorporar mecanismos e descobertas
científicas nas formas de expressão artística. Veremos
algumas:

A vídeo-arte é uma forma de expressão artística que utiliza

a tecnologia do Video em artes visuais. Desde os anos 1960,
a videoarte está associada a correntes de vanguarda. Alguns
dos principais representantes deste tipo de arte são Nam
June Paik, Wolf Vostell, Joseph Beuys, Bill Viola, Gary Hill.
Internet art ou web art é a designação de
um movimento global de arte contemporânea a qual é
produzida "para" e "pela" internet. Depois que a rede mundial
de computadores deixou de ser de uso exclusivo
dos cientistas e militares, os artistas encontraram na “web”
uma possibilidade de expressão e interação com o usuário.
Umas de suas principais características estéticas envolvem
a interatividade, por meio da qual o interagente, atuador ou
usuário é capaz, em alguns casos, de modificar o conteúdo
do que está sendo acessado, em tempo real, de modo a
transformar o evento em função de sua participação.

Arte computacional, também conhecida como Arte

Tecnológica, busca desenvolver métodos e técnicas
computacionais numa perspectiva estética.

Arte digital ou arte de computador é aquela que se produz

no ambiente gráfico computacional. Tem por objetivo criar
obras de artemultimídia por intermédio
de software e hardware, em um espaço virtual. Existem
diversas categorias de arte digital, tais como: pintura
digital, impressão digital, modelagem digital, fotografia
digital, animação digital, vídeo digital entre outras. Os
resultados também podem ser apreciados depois de
"impressos" em um suporte 2D ou em um objeto 3D, mas são
melhor exibidos no próprio ambiente em que foram
produzidos.

A arte transgênica é uma nova forma de arte baseada no uso

de técnicas da engenharia genética para criar seres vivos
únicos, A natureza desta nova arte é definida não somente
pelo nascimento e crescimento de uma nova planta ou
animal, mas acima de tudo pela relação entre artista, público
e organismo transgênico. Organismos criados no contexto
da arte transgênica podem ser levados para casa pelo
público para ser criados no jardim ou como companheiro em
relação dialógica com os humanos.

Fontes: Wikipédia e diversos sites.

No link abaixo também tem ótimos e resumidos textos e

exemplos da história da Arte e da Arquitetura - Blog AG
Arquitetura.

Breve resumo - História da Arte e Arquitetura.

Douglas Artes às 13:02

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Um comentário:

Laari Ben 30 de outubro de 2016 06:07

Muito bom! Obrigada!
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