ARTE LUZ Y MOVIMIENTO

László Moholy-Nagy
HUNGARO

Modulador luz-espacio, que consiste en una serie de planos metálicos perforados que
producen efectos de luces y sombras. Por medio de un motor, en este método se
realiza una asociación de formas de diferentes materiales, que son iluminadas para
que provoque un efecto de sombreado concreto. Moholy-Nagy hace chocar estas
formas a través de un movimiento continuo. Este trabajo repercutió decisivamente en
su vinculación con la escultura y con las investigaciones fotográficas del momento.

La búsqueda de sombras distintas y de tintineo de Moholy-Nagy supuso una gran

innovación en el terreno del arte luminoso cinético
https://www.youtube.com/watch?v=uq5WiOyJHC0
 Thomas Wilfred
El músico, inventor y pionero del (hoy llamado) “Light Art”, Thomas Wilfred (Richard Edgar
Lovstrom) (Dinamarca, 1889 – Nueva York, 1968), estudió pintura y poesía en París antes
de adquirir una gran fama en Europa como intérprete de laud. Posteriormente se trasladó a
Estados Unidos donde pasó a dedicarse a crear una nueva forma de arte —música visual—,
basada en la manipulación de la luz, que denominó “Lumia”.
https://www.youtube.com/watch?v=Lz6nqwwQp9k
 Gyula Kosice
(Kosice, 1924) Escultor eslovaco nacionalizado argentino. En la década de los cuarenta contribuyó a la
difusión de las vanguardias europeas en Argentina. Integrado en el movimiento Madí y en el grupo
Arte Concreto-Invención, que sólo aceptaba la abstracción, se vinculó posteriormente al arte cinético.
Ha realizado lo que él ha denominado «estructuras hidrocinéticas», formas geométricas en plástico,
combinando escultura y arquitectura, en las que se producen efectos lumínicos utilizando el agua y
medios mecánicos. Destaca el Hidromural móvil(1967), en el edificio Embassy Center de Buenos Aires.
https://www.youtube.com/watch?v=71EdXSZNUc8
 Nicolas Schöffer
(Hungría 1912, Francia 1992). Puede ser considerado como el padre del arte cibernético.
Su obra CYSP 1, de 1956, es considerada como la primera escultura cibernética en la historia del arte. Para esta obra
utilizó cálculos electrónicos, desarrollado por la empresa Philips
La escultura se encuentra en una base montada sobre cuatro rodillos, que contiene el mecanismo y el cerebro
electrónico. Las placas son operados por pequeños motores situados bajo su eje. Células fotoeléctricas y un micrófono
integrado en la escultura capturan todas las variaciones de los campos de color, la intensidad de la luz y la intensidad del
sonido. Todos estos cambios producen reacciones de movimiento en la escultura.
https://www.youtube.com/watch?v=gJD27tJLoaQ
 Victor Vasarely
(Pecs, 1908 - París, 1997) Pintor húngaro afincado en París, asociado al arte cinético. Se empeñó en
incorporar la dimensión temporal a la forma plástica, camino iniciado ya por los futuristas y Duchamp. Su
pintura se basa en el rigor científico y combina las leyes de la física y el conocimiento de la geometría, junto
a las cualidades perceptivas del color y su influencia en la percepción visual. Su obra no se basó tanto en la
belleza de las formas como en la sorpresa visual que producen, motivada por el engaño perceptivo.Entre
1927 y 1929 estudió en la Academia Poldini-Volkman de Budapest y en 1930 se instaló en París, donde
trabajó como creador gráfico para agencias de publicidad. Tras un periodo de expresión figurativa, opta por
un arte abstracto constructivo y geométrico, interesándose por la perspectiva sin puntos de fuga.
Entre 1936 y 1948 participa regularmente en el Salón de los Surindependientes y en el Salón de las Nuevas
Realidades. A partir de 1948 expone habitualmente en la galería Denise René. En los años cincuenta
introduce nuevos materiales en su trabajo (aluminio, cristal) y comienza a realizar obras de integración con
el espacio, como Homenaje a Malevich. En los años sesenta participa en numerosas exposiciones
colectivas, como The Responsive Eye del Museo de Arte Moderno de Nueva York, así como individuales en
Europa y América.
https://www.youtube.com/watch?v=jKqLeLXdj7w
 Jesús Rafael Soto
(Ciudad Bolívar, 1923 - París, 2005) Artista venezolano. A partir de influencias cubistas y constructivistas, se convirtió en uno de los principales representantes
del arte cinético y óptico. En 1950 se trasladó a París, ciudad en la que residiría hasta su muerte. En Francia descubrió la obra de Paul Klee y, sobre todo, a Piet
Mondrian, quien le suscitó la idea de "dinamizar el neoplasticismo". En la década de 1950 intentó plasmar en su serie Metamorfosis (1954) un equivalente de la
serialidad musical. En 1956 creó sus primeras estructuras cinéticas: su cinetismo se caracterizó por integrar en la obra la percepción del espectador en
desplazamiento ante el objeto; son notables Dinámica del color (1957) y Escrituras(1963). A partir de la década de 1960 diseñó penetrables y obras de integración
arquitectónica, como la decoración del interior del edificio de la UNESCO en París (1970), el interior del Centro Nacional de Arte y Cultura Georges Pompidou de
París (1976) y numerosos espacios públicos en Caracas.
El desarrollo de la obra de Jesús Soto partió del cinetismo perceptivo (estudios en blanco y negro basados en efectos moiré, planos activados mediante el color y
vibración retiniana de líneas provocada por la interacción entre figura y fondo) para llegar a la conquista total del espacio . Entre un punto y otro, Soto no
escatimó la exploración de las fases y estadios intermedios.
A las primeras obras bidimensionales de los años cincuenta pronto les sucederían otras en las que interviene el espacio como elemento dinamizador. Mediante
la superposición de planos transparentes (láminas de plexiglás que sirven de soporte a entramados lineales), Jesús Soto creó imágenes múltiples para la mirada
de un espectador móvil (Dob le transparencia, 1956, Colección Lia Imber de Coronil, Venezuela; Estructura cinética horizontal-vertical, 1957, Museo de Arte Moderno
JesúsSoto, Ciudad de Bolívar, Venezuela). El mismo efecto lo consiguió mediante superficies de líneas paralelas que sirven de fondo a finas varillas
suspendidas, cuyos trazos vienen a sumarse a los dibujados provocando configuraciones siempre cambiantes, como se observa en Vib raciones metálicas (1966,
Colección del artista) o Ana (1968, Colección del artista).
Llevando a gran escala estas mismas composiciones mediante la articulación de planos formados por enrejados de diversas inclinaciones, Soto construyó un
tipo de esculturas a las que llamó penetrables y, efectivamente, el espectador puede introducirse en los laberintos de su int erior, con lo que su experiencia
visual será múltiple en función del número de enrejados que funda con su mirada, los puntos de vista que adopte y los movimie ntos de cabeza que efectúe
Otras veces los penetrables son grandes espacios de juego, como en las instalaciones formadas por miles de hilos de nailon qu e penden del techo creando una
selva imaginaria que cada uno recorre a su antojo. En otras ocasiones impera el sentido monumental de ocupación del espacio. Soto creó entonces estructuras
geométricas que en repetición clónica alcanzan grandes dimensiones, o sembró techos y suelos de varillas pintadas (Progresión suspendida, Hall del Museo de
Arte Moderno, París; Volumen suspendido, 1979, Centro Vanaveu, Caracas; o Extensión amarilla y b lanca, 1979, Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, Madrid).
En 1988 realizó la Esfera Virtual para el Parque Olímpico de Escultura de Seúl. En los años noventa mostró su trabajo en el Museo de Arte Moderno de
Kamakura, Japón (1990), en el Centro Georges Pompidou de París (1993), en la Kunshalle de Colonia, Alemania (1993) y en el MOMA de Nueva York (1993).
Uno de los principales museos de artes plásticas de Venezuela, instalado en su ciudad natal, lleva su nombre.