Arte Rococó

Antes de hablar sobre el arte rococó, tendremos que hablar sobre la etapa Rococó y lo que
es o cómo surgió. Es por ello, por lo que el período de Rococó se denomina como un
movimiento artístico que fue originario de Francia que está comprendido entre 1730 y
1760. A la hora de diferenciar entre el Rococó y el Barroco tenemos que destacar que el
primero está al servicio de la burguesía y la aristocracia, a contrario el Barroco estaba al
servicio y a favor del poder absolutista. Sin embargo, no solo esta es la principal diferencia si
no que a partir del comienzo del arte Rococó el artista pudo realizar sus obras con más
libertad y se expandió el marcado de arte, además el Rococó es un arte al servicio de fiesta,
lujo y comodidad es por eso por lo que las representaciones de las obras son del estilo de vida
cotidiano.

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Si nos referimos a la diferencia que existe entre el cambio del Barroco al Rococó con respecto
a lo social, el arte Rococó se comienza a reflejar en el cambio que da el papel de la mujer ya
que se convierte en la principal organizadora de reuniones para hablar sobre juegos, literatura,
política o para bailar. Además el arte Rococóintenta reproducir los sentimientos que había en
la vida aristocrática y las preocupaciones que tenían, además de figuras religiosas o batallas
heroicas.

En resumen podemos decir la etapa Rococó comienza en el siglo XVIII en Francia, además
se consideró la culminación de la época Barroca. Por lo tanto, tiene grandes diferencias con el
Barroco, es decir, el Rococó se diferencia en la elegancia de las obras, la opulencia y los
colores vivos que son una clara contrariedad de la oscuridad y el pesimismo que se
caracterizaba al Barroco.
 El fin del arte Rococó se inicia en torno al
1760, cuando personajes como Voltaire y Jacques-Francois Blondel extienden la crítica sobre
la superficialidad y la degeneración del arte. Blondel, en particular, se lamentó de la «increíble
mezcla de conchas, dragones, cañas, palmas y plantas» del arte contemporáneoy en el
1780 el Rococó deja de estar de moda en Francia y es reemplazado por el orden y la
seriedad del estilo neoclásico.

Origen del Arte Rococó

El concepto de Rococó tiene un origen francés, “rocaille (piedra)” y “coquille (concha)”, ambos
elementos de cual procede la palabra rococó son importancias para la ornamentación de los
interiores. Es por ello por lo que en el periodo del Rococó destacaba la decoración que era
completamente asimétrica y libre, además tenía preferencia por formas irregulares y
onduladas y un gran gusto por los materiales naturales como por ejemplo las piedras
marinas, las formas vegetales o las conchas.

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Arte rococó y la arquitectura

Una de las características del estilo rococó en la arquitectura será la marcada diferencia
entre exteriores e interiores, siendo el interior un lugar de fantasía y colorido, mientras la
fachada se caracterizará por la sencillez y la simplicidad. Se abandonan los órdenes clásicos,
y las fachadas de los edificios se distinguirán por ser lisas, con edificios de forma circular,
con un pabellón central rodeado de un jardín o un parque natural. Otras edificaciones podían
tomar la forma de pabellones encadenados, en contra del típico edificio «bloque».
Las estancias se hacen especializadas para cada función y con una distribución muy cómoda,
combinando ornamentación, colores y mobiliario.
Arte rococó y la pintura

La pintura llegó a su máximo esplendor en la década de 1730. Llamada Pintura Galante y

no pintura rococó ya que este término engloba el contexto estético en que se encontraba. Los
artistas usaron colores claros y delicados y formas curvilíneas, con temas como los
querubines y mitos de amor y paisajes con fiestas galantes y pastorales, comidas sobre la
hierba de personajes aristocráticos y aventuras amorosas y cortesanas. También tenían temas
de personajes mitológicos que se entremezclan en las escenas, dotándolas de sensualidad,
alegría y frescura, siendo el retrato un tema elegido por los pintores del arte rococó,
representando personajes elegantes y amables.

Características del Arte

Rococó

En general, el arte Rococó está definido como un arte cortesano, antiformalista e

individual, que se caracterizaba por los colores suaves, claros y muy luminosos

Todas sus obras se caracterizaban por estar inspiradas en los cuerpos desnudos, el arte
oriental, la naturaleza y la mitología además también se pueden observar representaciones de
temas amorosos y galantes.

El arte Rococó es mundano, es decir, no tiene ninguna influencia religiosa ya que esta
modalidad de arte representa temas de las relaciones entre humanos y de la vida cotidiana,

Intenta encontrar un estilo que sea exótico, sensual, refinado y agradable.

En la pintura hay grandes obras con representaciones de fiestas campestres y galantes, con
aventuras cortesanas y amorosas y sobre todo con historias pastoriles.

Todas las representaciones poseen una composición alegre, fresca y sensual.

El Arte Rococó convierte en un foco de inspiración a la mujer, la cual representa de manera
sensual y muy bella.

Artistas destacados de esta clase de arte

Watteau, Jean-Antoine: nacido en el 1684, pintor francés considerado uno de los principales
artistas del periodo rococó y precursor del impresionismo del siglo XIX. En el 1702 fue a París
donde vivió como pintor de sus trabajos de copias y amanerados cuadros devocionales que le
compraba un marchante; en el 1708 comienza a trabajar con el artista decorativo Claude
Audran y tuvo la oportunidad de estudiar el ciclo de cuadros barrocos de Petrus Paulus
Rubens sobre La vida de Maria de Medici; en 1709 ganó el segundo premio del codiciado
concurso Prix de Rome, recibiendo después importantes encargos y en 1717 fue es elegido
miembro de la Academia Francesa en París. Sus lienzo reflejan la influencia de los
grandes pintores flamencos, con un estilo que puso de manifiesto una sensibilidad en el
tratamiento de la luz y el color, una sensualidad, una delicadeza y un lirismo hasta entonces
desconocidos. Su estilo fue imitado por otros pintores rococós y en sus temas destacan las
reuniones de galantes al aire libre, siendo su obra maestra, Embarque para la isla de
Citerea creada en el 1717. Otro tema muy utilizado fueron las representaciones de payasos,
arlequines y los cómicos italianos.

Fragonard, Jean-Honoré: nacido en

el 1732, es un pintor francés del periodo rococó, uno de los artistas favoritos de la corte de
Luis XV y Luis XVI gracias a sus escenas amorosas de delicados colores, situadas a menudo
en jardines. Fue discípulo durante tres años del pintor francés Carle Van Loo, más tarde
estudió y pintó durante seis años en Italia, donde recibió la influencia del maestro veneciano
Giovanni Battista Tiepolo. En un principio desarrolló un estilo con temas religiosos e
históricos, pero en el 1765 siguió el estilo rococó, estilo de moda en Francia. Sus obras de
esta época reflejan la alegría, frivolidad y voluptuosidad del periodo, obras con fluidez
de líneas, destacando las vaporosas flores en medio de un suave follaje y las figuras con
poses llenas de gracia y elegancia de damas con sus amantes o de campesinas con sus hijos.

Francois de Cuvilliés: arquitecto francés-alemán, quien desplegó todo su talento en el

rococó bávaro. Un gran ejemplo de su arte es el Pabellón de Casa ubicado en el Palacio de
Nymphenburg, una residencia de verano que se posa al oeste de Munich en Alemania.

Jean Antoine Watteau: pintor francés en sus obras expresaba un arte que reflejaba diseños
de erotismo líricos. Entre sus obras más destacadas encontramos a “Embarkation for
Cythera” del año 1717, cuadro que se ubica en el Museo del Louvre y “Pierrot Alegre” el cual
se encuentra en el Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid.

Jean-Baptiste Simeón Chardin: nació en el 1699, se centró en la pintura flamenca y

holandesa del siglo XVII, inspirando su gusto por la poesía de los pequeños episodios
cotidianos, eligiendo tonalidades apagadas y sus temas elegidos eran los afectos de las
familias burguesas, obras importantes fueron sus “Naturalezas muertas” creadas en 1728.

El Arte Rococó se puede observar sobre todo en la arquitectura, la pintura y la escultura. Hay
diversos artistas que han sido destacados en este periodo, aunque los principales
fueron: François Boucher, Jean Honoré Fragonard y Giambattista Tiepolo, estos artistas
destacaron sobre todo en la pintura he hicieron pinturas asombrosas como “Diana después
del baño”, “Los felices azares del Columpio”, entre otros. Si hablamos de los artistas más
famosos de la arquitectura podríamos hablar de Joseph Emanuel Fischer von Erlach,
François de Cuvilliés y Johann Balthasar Neuman, entre otros. Por último, en la categoría
de escultura podemos observar diversos escultores entre todos ellos podemos destacar a
Giovanni Battista Bernero, Jacques Roettiers, Jean- Antoine Houdon y Innocenzo
Spinazzi. Evidentemente en todas las categorías hay diversos artistas destacados, pero los
principales serían los comentados anteriormente.

Arquitectura y arte Neoclásico

El arte neoclásico llega motivado por la nueva atracción que despierta el mundo clásico, el interés
surgido por la arqueología, las excavaciones de Herculano y Pompeya y el rechazo hacia las
formas del barroco.
Características de la arquitectura neoclásica

 Se inspira en los monumentos de la antigüedad grecorromana.

 Concepto de belleza basado en la pureza de las líneas arquitectónicas, en la simetría y en
las proporciones sujetas a las leyes de la medida y las matemáticas.
 Reacciona contra los efectos decorativos del barroco y el rococó.
 Gusto por la sencillez, con predominio de lo arquitectónico sobre lo decorativo.
 Emplea elementos básicos de la arquitectura clásica: columnas, ordenes dórico y jónico,
frontones, bóvedas, cúpulas, etc.
La irrupción del arte neoclásico en España provine del
exterior más que por una necesidad interna de
renovación. El desarrollo del barroco quedó interrumpido
al sustituir en el trono de España a la dinastía de los
Habsburrgo por la de los Borbones, con Felipe V. El joven
rey, que venía de Francia, se instaló en la corte española
con un grupo de artistas franceses e italianos y con ellos
entraron las corrientes artísticas extranjeras.

Las Academias desempeñaron un papel fundamental en

la difusión de los principios del arte clásico ya que eran las
encargadas de formar a los artistas. En España se funda
la Academia de Bellas Artes de San Fernando.

El antiguo Alcázar de Madrid, residencia de los Austrias,

había sido destruido por un incendio en 1734. Felipe V se
propuso levantar un nuevo palacio, El Palacio Real, en el
mismo emplazamiento, para lo que solicitó la presencia
del arquitecto siciliano Filippo Juvara.

Tras la muerte de Juvara, será su discípulo Giambattista

Sacchetti quien continúe con el proyecto introduciendo
algunas mejoras.

El edificio presentado por Sacchetti se desarrolla

alrededor de un gran patio cuadrado, con galerías de circulación en los cuatro lados. En el exterior,
las fachadas tienen el cuerpo central avanzado ligeramente, al igual que los cuerpos de los
ángulos que también sobresalen del plano de la fachada. Los pisos bajos forman como una
especie de basamento sobre el que levantan columnas gigantescas. El patio central no presenta
adornos escultóricos, es de líneas precisas, académicas.

En la obra del Palacio Real se formaron muchos de los futuros arquitectos españoles y muchos
escultores y pintores que trabajaron en su decoración, como es el caso de ventura Rodríguez.

Ventura Rodríguez (1718-1785)

La trayectoria de Ventura Rodríguez se sitúa a caballo entre las dos grandes corrientes artísticas
del momento, el barroco y el neoclasicismo. A su periodo inicial corresponden sus obras barrocas,
en las que afloran frecuentes influencias del barroco italiano.

La gran obra es la remodelación de la Basílica de El Pilar de Zaragoza, encargada por Fernando VI

a instancia del Cabildo de la Seo zaragozana.

Realizó la capilla que debía albergar la imagen de la Virgen para su culto. Construyó un templete
de orden compuesto a modo de baldaquino con bóveda elipsoidal.

En esta capilla es donde se produce la transición del estilo barroco al neoclásico, manifestándose
éste último en la decoración interior del templo.

A partir de 1760 abandonó la tendencia barroca a favor

del neoclasicismo. En la Iglesia de los Agustinos de
Valladolid vemos el triunfo del neoclasicismo en la
fachada, aunque el interior es todavía de planta circular.

Entre sus últimas obras destaca la fachada de la

catedral de Pamplona (1873), severamente clásica, con
un pórtico tetrástilo entre dos torres cuadradas.

Francisco Sabatini (1722-1797)

Cuando sube al trono Carlos III y tras la muerte de

Sacchetti, el arquitecto italiano es nombrado arquitecto
real, momento en el que Ventura Rodríguez deja de
trabajar para la corte.

Intervino en la edificación de obras monumentales para

Madrid, representativas del poder real, como la Puerta
de Alcalá, que conmemora la entrada de Carlos III en la
capital. Consta de cinco vanos, tres con arco de medio
punto y dos adintelados.
Realizó también la escalera principal del Palacio Real de Madrid o el edificio de la Aduana, hoy
Ministerio de Hacienda.

Juan de Villanueva (1739-1811)

Es la figura más importante de la arquitectura neoclásica española. Estudió siete años en Roma
pensionado por la Academia de San Fernando, entrando en contacto directo con la Antigüedad.

Carlos III lo nombró arquitecto del príncipe y los infantes, trabajando casi en exclusiva para la casa
real.

A su regreso de Roma fue nombrado arquitecto de El Escorial, en cuyas cercanías levantó la Casa
de los Infantes, la Casita de Arriba y la Casita de Abajo, de aspecto totalmente clasicista. Realizó
también la Casita del Príncipe en El Pardo.

Su obra maestra del arte neoclásico es el edificio del Museo del Prado. El museo fue concebido
como Gabinete de Historia Natural y estaba incluido en una zona ajardinada de función científica
en la que se encuentra el Jardín Botánico.

La fachada principal se dispone a lo largo del paseo del Prado. En el centro hay una monumental
portada, constituida por un gigantesco pórtico dórico-toscano, aunque no lo remata con frontón.

Villanueva concibió un edificio alargado siguiendo el eje de una luminosa galería rematada e
interrumpida en su centro por tres cuerpos de mayor volumen: dos cubos en los extremos de la
galería y una edificación de planta basilical en su eje central.
El cubo norte se articula en torno a una rotonda con columnas jónicas y bóveda y el cubo sur en
torno a un patio. El cuerpo central estaba destinado a las reuniones y sesiones de los académicos
y estudiosos de Historia Natural.

En el edificio de Villanueva predominan las líneas rectas. Hay una disposición rigurosamente
simétrica de los elementos arquitectónicos. Destaca la enorme austeridad ornamental, la armonía
proviene de la combinación de las formas arquitectónicas (columnas, frontones y ventanas).

Villanueva diseñó también el Observatorio Astronómico, situado en los Jardines del Retiro. Es un
edificio de planta cruciforme rematado por un templete de columnas jónicas.

En otras regiones españolas también se levantaron numerosos edificios en estilo neoclásico, como
la Fábrica de Tabacos de Sevilla, la Lonja de Barcelona o la Plaza Nueva de Vitoria de Juan
Antonio de Olaguibel.