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HABILIDADES
MUSICALES
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QUÉ ES LA MÚSICA:
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Pintura: color, luz. etc.
Escultura: formas, vacíos, etc.
Arquitectura: volúmenes, espacios, etc.
Píndaro atribuyó este don a los dioses, pero admitiendo que el poeta
puede desarrollar su habilidad mediante el esfuerzo personal.
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Pitágoras descubrió la dependencia entre los intervalos musicales y la
longitud de las cuerdas tensadas y desarrollaron toda una teoría ética y
terapéutica de la música que es capaz de reforzar o restaurar la armonía
del alma individual, siendo armonía el término que designa el intervalo
primario, la octava.
Platón abordó todos los problemas estéticos en sus diálogos, pero los
análisis más importantes aparecen en “Ión, el Banquete y la República”.
Cuando hablamos hoy de la estética de Platón, nos referimos a sus ideas
filosóficas en torno a las bellas artes sobre las que reflexiona: artes
visuales (pintura, escultura, arquitectura), artes literarias (épica, lírica,
poesía dramática) y artes con intervención musical (danza y canto). Según
él, si todas las cosas creadas son imitaciones de sus arquetipos eternos o
“formas”, Platón parece considerar también las representaciones pictóricas,
los poemas dramáticos y los cantos son como imitaciones en un sentido más
estricto: son imágenes. Según Platón las artes pueden encarnar o
materializar en diversos grados la cualidad de la belleza. La belleza de las
cosas concretas puede cambiar o desaparecer, pero hay una eterna y
absoluta forma de belleza. La belleza es lo que resulta agradable a través
de los sentidos del oído y la vista. El conocimiento es una captación de las
formas eternas; cosa que Platón niega a las artes, en cuanto a imitaciones
de imitaciones. La música compuesta en modos enervantes debe
reemplazarse por otra más adecuada. La música, la poesía y la danza son
medios indispensables para la educación del carácter, susceptibles de hacer
a los hombres mejores y más virtuosos. El problema consiste en garantizar
la responsabilidad social del artista creador, insistiendo en que su propio
bien ha de subordinarse y ordenarse al bien de la colectividad.
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carácter y la buena conducta. Plotino distingue tres caminos hacia la verdad:
el de la música, el del amante y el del metafísico.
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v.p.m., oiremos configura la línea melódica
lo mismo, pero
los sonidos
resultantes
serán más
agudos.
I Sonidos La intensidad se indica mediante letras
N Amplitud fuertes (mayor (iniciales de términos italianos) y signos.
T de onda amplitud)
E de la Sonidos suaves
N vibración (menor
S (según la amplitud)
I energía
D empleada)
A
D
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cada
instrumen
to o voz;
no se
distingue
n de oído,
porque su
amplitud
de onda
es menor
que la del
sonido
fundamen
tal)
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El sonido es la materia prima del arte musical, a partir de aquí, la
música se sirve de cuatro elementos principales que ayudan al compositor
a hacer música. Estos elementos son: ritmo, melodía, contrapunto y
armonía.
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COMPONENTES EXTERNOS DE LA MÚSICA.
La técnica debe estar siempre por encima de los pasajes difíciles que
aborda para dar esa sensación de dominio y fluidez sin tropiezos. Una buena
técnica instrumental o vocal sirve para reproducir la partitura con sus
detalles de matices del sonido, velocidad del ritmo, las pausas y los acentos
indicados en la música. Cada intérprete le da a la pieza un toque personal
necesitando sensibilidad, inteligencia, imaginación y buen gusto. La
personalidad y el temperamento del intérprete afectan su manera de decir
la música.
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EL DIRECTOR DE ORQUESTA: Su función consiste en ensamblar
rítmicamente y coordinar los detalles interpretativos de un conjunto de
músicos. El director establece la velocidad de la obra y el volumen, deben
obediencia a la mano-brazo derecha del director. Ese brazo derecho
también da las entradas a los grupos de instrumentos. La batuta en la mano
derecha, es como una extensión elástica del brazo. La mano derecha es
utilizada como recurso expresivo.
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debe ser creativo en su didáctica, comprensivo con el estudiante, justo con
sus juicios, educado, responsable y equilibrado. Debe ofrecerle al alumno
confianza.
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EL PÚBLICO: el público menos culto se deja arrastrar más por la
emotividad que por la percepción de una interpretación correcta o por el
refinamiento artístico.
A continuación expondremos una serie de normas que debe seguir el
oyente para que el artista pueda estar concentrado, sin que le molesten
ruidos extraños, luz inesperada, movimientos a su alrededor.......
1.- El público debe llegar a la sala con tiempo suficiente para ubicarse en
su asiento antes de comenzar el concierto.
2.- Cuando se llega tarde, las personas deben esperar fuera de la sala a
que finalice la primera obra y, mientras la aplauden, ir a sentarse.
3.- No se debe comer ni desenvolver dulces cuyos papeles hacen ruidos al
desplegarse.
4.- Tener el móvil apagado.
5.- Debe guardarse absoluto silencio mientras se ejecuta la música.
6.- Debe aplaudirse después de que el ejecutante haya quitado las manos
del instrumento.
7.- No deben admitirse las fotografías, ni gente caminando en la sala.
8.- Las suites o los movimientos diferentes de una sonata no deben ser
separados por aplausos.
TIPOS DE MÚSICA
Hay varios tipos de música y entre ellas está el folklore musical la
cual no tiene anotación de las melodías. El músico popular normalmente no
aprende a escribir música, su nombre se pierde y las melodías se conservan
al recordarlas generación tras generación.
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Los conciertos y recitales de música culta se mantienen encerrados
en salas tranquilas y silenciosas, el género popular se explaya ante
multitudes exaltadas, activas en espacios abiertos entre luces multicolores.
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cuales comunican las intenciones de un compositor o que, cuando improvisan,
se expresan a sí mismos. La música es algo que sólo el cerebro puede llevar a
cabo.
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La capacidad de conocer, compartir y disfrutar de la música es
innata, a pesar de que haya personas incapaces de vivir la música debido a un
fallo genético. La música, como se aprecia en las relaciones de los adultos
con los recién nacidos, en los coros religiosos, en los himnos nacionales o
acontecimientos deportivos, refuerza el sentimiento de pertenencia a un
grupo y puede considerarse como una de las ventajas evolutivas mantenidas
por la selección natural, de la que no participan sólo las personas con una
irregularidad genética menor.
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A los diez años, la mayoría son capaces de emitir juicios de forma
apropiada sobre el carácter emocional de distintas piezas sin tener
conocimientos musicales. La participación en la interpretación musical es un
interés y una actividad minoritaria, y dado que la experiencia de la ejecución
musical no es familiar, la mayor parte de la gente no es consciente de cómo
se desarrollan las habilidades musicales. La tendencia ha sido considerar
que estos logros son consecuencia de la posesión de un “don” o “talento” al
alcance sólo de unos pocos, que el individuo poseedor ha recibido
supuestamente de forma hereditaria o biológica.
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problema sería entrevistar a jóvenes en distintas partes del aprendizaje:
desde aquellos que llevan menos de un año aprendiendo hasta aquellos que
han estudiado durante quince años. Sería también posible utilizar una
técnica de entrevista estructurada en la que el joven y sus padres o tutores
fueran entrevistados por separado, de forma que se pudieran corroborar las
respuestas.
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Scheinfield afirmó que la mayoría de los virtuosos de cualquier
instrumento ha mostrado algún signo de habilidad antes de los cinco años de
edad, apoyando la idea según la cual se dan algunos indicios de destreza
antes del aprendizaje de un instrumento. Es posible que los niños hubieran
sido sometidos a una mayor exposición a la música en su ambiente que otros
niños, y que mostraran más signos de capacidad musical.
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tocara una pieza de Bartók basada en la escala de tonos fracasaba, al no ser
familiar para él.
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El estudio de un instrumento es una actividad en donde se exploran y
aprenden tanto aspectos de la técnica como de la expresión. Sin una de
ellas, se considera que el intérprete presenta deficiencias en un aspecto
decisivo de su oficio. En Occidente, se considera que los aspectos técnicos y
mecánicos de la interpretación entran en el terreno de aquello que puede
ser aprendido, en tanto que los aspectos expresivos son considerados como
más instintivos o naturales. Esta visión parece ilógica, pues la investigación
más reciente ha demostrado que aunque el uso de la expresividad puede
variar mucho entre distinto músicos, haciendo posible una expresión musical
personal, la expresión musical es racional y obedece a determinadas reglas.
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música estarán mejor equipados a la hora de utilizar la expresividad para la
intensificación de emociones en la interpretación.
Estos datos parecen arrojar cierta luz sobre las razones por las que
los individuos empiezan a diferenciarse en sus respuestas emocionales a la
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música desde una temprana edad y explicar algunas de las motivaciones
intrínsecas que estimulan a los niños a la hora de abordar la práctica
musical.
Tanto los indicios de habilidad musical precoz como los datos sobre la
respuesta emocional parecen indicar que el papel de otras personas en el
proceso de aprendizaje de la música es vital.
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Para ensayar esta predicción, John Sloboda, Michael Howe y sus
colaboradores estudiaron un número significativo de niños entre 8 y 18 años
de edad. Algunos de ellos habían sido lo suficientemente buenos como para
quedar seleccionados en el grupo selecto de la escuela. Los restantes se
dividieron en diferentes grupos de diferentes capacidades musicales. El
último era aquél grupo que después de un año había fracasado en el
aprendizaje del instrumento.
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padre era un destacado músico y ejerció una tremenda presión sobre él para
que desarrollara sus habilidades musicales.
PROFESORES
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La “presión” que ejercía el profesor sobre los alumnos era la única
característica que diferenciaban a la percepción de los niños de las niñas.
Los niños consideraban que tanto los primeros profesores como los últimos
les sometían a mayor insistencia o presión.
Según Sloboda los factores que permiten que se forme un músico son:
Experiencias musicales en la infancia: dicha experiencia puede
comenzar incluso antes del momento del nacimiento. En varios estudios
sobre los primeros años de la vida de jóvenes músicos altamente
capacitados para la música, se comprobó que muchos de los padres les
cantaban todos los días (especialmente cuando estaban dormidos), desde el
día de su nacimiento. Muchos de los padres utilizaban también juegos
musicales, animando a los niños a bailar y a cantar con la música. Este tipo
de estímulos afecta a las capacidades perceptivas y receptivas del niño y,
por tanto, puede que sus efectos no siempre se observen en los primeros
comportamientos de éste, pero sí puede incidir de manera importante en la
facilidad con la que un alumno joven progresará luego.
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así, parece imprescindible analizar como se puede fomentar y mantener
muchas horas de práctica.
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IMPORTANCIA DE LAS HABILIDADES MUSICALES: POR QUÉ
SE DEBEN DESARROLLAR LAS HABILIDADES MUSICALES
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4.- Habilidades socio – emocionales: las técnicas musicales receptivas y
activas facilitan la expresión y el compartir de emociones y sentimientos a
la vez que promueven la interacción y las habilidades sociales. El uso
terapéutico de la música fomenta el auto – conocimiento de la persona,
permitiendo un aumento de su autoestima y una reducción de los
sentimientos depresivos, de ansiedad y de estrés.
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En los primeros años el niño/a aprende por medio del juego, entendido
como el impulso natural por moverse, actuar, tocar, etc. y por medio de la
imitación. Así, predominan las respuestas rítmicas corporales sobre las
melódicas. La expresión lingüística se enriquece a medida que va
experimentando las posibilidades rítmicas de las palabras. Por otro lado, le
gusta cantar, pero su entonación no es afinada.
En estos primeros años sus repuestas tienen un gran valor educativo
por ser un medio de expresión y comunicación por medio del movimiento, del
gesto, plásticamente, del lenguaje, del ritmo, etc.
Por períodos:
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A los ocho años comienza una etapa de aceleración del ritmo
psicomotriz lo que lleva a ofrecer movimientos más fluidos y un mayor
equilibrio. Así su movilidad también se amplía. Así esta no es considerada
como una etapa que se caracterice por una conducta muy receptiva por
parte del niño, por la necesidad que experimenta de moverse continuamente.
Al mismo tiempo es la etapa de la dramatización de personajes, historias,
sentimientos, escenas, etc.
A los nueve años su mayor sentido rítmico sumado al aumento de su
habilidad digital da como resultado una creciente perfección en la ejecución
de instrumentos musicales. La preferencia en cuanto a la temática de las
composiciones se centra ahora más en aquella más realista y menos
fantástica como las historietas y el humor.
A los diez años las canciones deben desarrollar la capacidad
memorística que dispone ahora. El descenso del egocentrismo y el aumento
de la sociabilidad posibilitan trabajar en esta etapa actividades para
conocer la vida y obra de los diferentes compositores.
A los once años nos hayamos ante una etapa de mayor estabilidad por
lo que se comienza a diferenciar actividades fuera de un ambiente de juego.
Muestra preferencia por la canción popularizada o de moda.
A los doce años existe una mayor influencia del entorno sonoro
musical y busca en él la variedad por lo que es conveniente trabajar
diferentes estilos y géneros musicales.
MÚSICA Y LENGUAJE
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Si se comparan ambos procesos de aprendizaje descubrimos el
parecido del progreso de distintas etapas. El niño principiante lee palabras
que suenan inconexas, inexpresivas, y cómo con la práctica mejora su
manera de leer, da mejor sentido a las frases, oraciones y párrafos hasta
lograr una lectura clara, de inmediata comprensión para él y cualquier
oyente. Lo mismo ocurre con la lectura de la música; el proceso de hilvanar
correctamente las notas y su ritmo con un sentido coherente y expresivo es
también resultado de estudios y práctica.
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patrones particulares de sonido. La música, en cambio, son sonidos
organizados y gobernados por reglas de armonía y contrapunto, y los sonidos
son autosuficientes y no referenciales.
1.- Aptitudes para reproducir mediante el canto melodías oídas, con o sin
palabras según la evolución del niño.
2.- Aptitudes para reproducir mediante el canto la melodía de una
composición orquestal o de una música interpretada por un instrumento solo.
3.- Aptitudes para tocar un instrumento de viento rudimentario como, por
ejemplo, la flauta dulce.
4.- Aptitudes para tocar un instrumento.
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CONCLUSIÓN
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Referencias:
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