UNIVERSIDAD DE SAN CARLOS.

FACULTAD DE ARQUITECTURA.
TEORÍA DE LA COMUNICACIÓN.

Título:
EL ARTE COMO EXPERIENCIA;
MURALES.

Por:
German Dionisio Toribio Vanegas - 201401137
Andrea Fernanda Blanco Plateros - 201400900
Marlon René Con Rustrián – 201213686
 MATRIZ DE EVALUACIÓN.

Titulo /2

Introducción /5

Revisión Literaria /3

Material y Técnicas / 10

Resultados / 25

Discusión / 25

Conclusiones y Recomendaciones / 10

Resumen / 10

Referencia /5

Otros /5

Total / 100
 INDICE

Introducción 1

Material y Técnicas 2

Resultados 3 - 13

Discusión 14

Conclusiones 15

Recomendaciones 16

Resumen 17

Bibliografía 18

Egrafía 19

Otros 20
 1

INTRODUCCIÓN.

El tema del siguiente trabajo es el arte como experiencia, que se deriva del libro
del mismo nombre “El arte como experiencia” de John Dewey.

Los resultados obtenidos se realizaron a base del libro y opiniones grupales, para
luego pasar a las conclusiones finales.

Este trabajo se realiza con el fin que las personas se interesen más en el arte y que
entiendan que también es un medio de comunicación, que no solo se trata de dibujar,
pintar, bailar, etc., sino que se trata de apreciar desde ciertos puntos de vista cada una de
estas bellas artes, como el arte está en nuestra vida cotidiana, la encontramos en la calle
cuando vamos caminando y vemos un objeto u obra artística u arquitectónica, pero
lamentablemente no estamos educados artísticamente para poder apreciar el objeto
como se debe, aquí se le mostrará cómo se puede llegar a apreciar un objeto u obra
artística o arquitectónica.

Las limitaciones que encontramos en este trabajo fueron muy pocas, la mayor
limitación fue de que se sabía poco del tema, ya que es muy extenso.
 2

MATERIAL Y TÉCNICAS

PROBLEMA.

La pérdida de interés de parte de las personas por el arte; la falta de educación,

hablando artísticamente, para percibir, expresar y dar juicio de una obra u objeto
artístico.

REVISIÓN LITERARIA.

Para este trabajo se utilizó material escrito, como lo fue un libro llamado
“EL ARTE COMO EXPERIENCIA”
Además se utilizó información obtenida de 3 libros relacionados con el tema:
 VV.AA., «La estructura del cuadro: Soportes» y «Fondos» en Enciclopedia
Universal de la Pintura y la Escultura, Vol. I, SARPE, 1982. ISBN 84-7291-377-5
 "Los materiales de la pintura y su empleo en el arte", Max Doerner, Editorial
Reverté.
 Luz Patricia Sánchez Forero, Grupo de Investigación Ambiente, Hábitat y
Sostenibilidad , Facultad de Arquitectura e Ingeniería
Y por último una página de internet:
http://www.colmayor.edu.com/archivos/la_tcnica_del_fresco_xl6ab.pdf

PROPÓSITO.

Que las personas se den cuenta de que problemas hay en este mundo, como lo es
la lucha entre las clases sociales y la falta de interés por el mundo; y así poder comenzar a
cambiarlos y mejorar el mundo.

METODOLOGÍA.

Lectura del libro: Se leyó el libro “El arte como experiencia”

Recopilación de datos: Se realizó una investigación externa al libro para poder completar
la información.
Discusión en grupo: Para discutir las ideas y pensamientos de diferentes personas para
luego sacara conclusiones finales.
 3

RESULTADOS.
El arte lo podemos observar a nuestro
alrededor y es parte de nuestro estilo de
EL ARTE COMO EXPERIENCIA.
vida, se ha mantenido gracias a las
actividades comunicativas y estéticas que
El arte como experiencia es un libro que
realiza el hombre en su vida cotidiana
consta de catorce capítulos en los cuales
desde los tiempos remotos, y son
John Dewey argumenta que el arte nace
actividades sencillas, desde realizar un
de la interacción del ser humano con
baile para llevar acabo un sacrificio, a
todo lo que lo rodea, y además habla
escuchar una pieza musical, escribir un
sobre la necesidad de interpretar y
poema para la mujer amada, moverse al
comprender las obras artísticas desde su
ritmo de la música, etc.
esencia y no solo desde la apariencia
física.
Cada experiencia que tiene el ser
humano en la vida cotidiana lo ha
En la historia recordemos que los
llevado al desarrollo y educación de la
lenguajes artísticos surgen desde la
sensibilidad, del sentimentalismo y de la
creación de la humanidad; el hombre
sensualidad, cualidades que según Dewey
primitivo logro expresarse a través de la
son necesarias para la madurez artística.
pintura rupestre, en éstas nos muestran
que realizaban bailes y ritos de
Es este tipo de madurez artística la que
adoración con sonidos musicales. En su
estudia John, pare él, la estética parte de
tiempo, ninguno fue considerado o
las experiencias del ser humano y se
llamado artista, pero los lenguajes
entiende como la satisfacción personal
artísticos les permitieron comunicarse.
que nace de la atracción de lo externo al
Esta forma de expresión y comunicación
interior del cuerpo humano.
es un recurso que se ha trasmitido de
generación en generación y es así como
Son varias las experiencias estéticas que
todos los seres humanos cuentan con
vive el ser humano a lo largo de su vida
un sentido artístico a mayor o menor
estas se desarrollan dependiendo de la
grado.
cultura a la que se pertenece, es decir, las
personas actúan y se expresan dentro del
Griegos, romanos y todas las sociedades
margen determinado por su contexto.
en general han utilizado el arte para
El actuar del ser humano viene marcado
expresar aquello que no se puede
desde sus antepasados, hasta la
explicar con palabras. La realidad es que
desenvolvencia que tienen hoy en día,
el arte no está adverso a nuestra cultura
cada ser humano es libre de pensar o
ni a nuestra forma de vida, como lo diría
expresar lo que desee.
John Dewey el arte es una experiencia en
sí misma.

Las experiencias estéticas son las que han
permitido estudiar y analizar las
características y el comportamiento del
ser humano a lo largo de la historia.
Son las piezas artísticas tangibles y no
tangibles las que nos han permitido
conocer la esencia de cada cultura. Por
ejemplo, en la época prehispánica, una
vasija de barro que para los nativos
significa tan solo un objeto de uso
común, pero que con el paso de los
años ese mismo objeto gana valor hasta
ser colocado en una vitrina en algún
museo, para ser apreciado por un
público. El estudio de esta vasija permite
conocer en qué tiempo fue fabricada, en
que población y quizás hasta que cultura
perteneció, así pues cada objeto permite
aprender aspectos de las formas antiguas
de vida y las características del ser
humano en determinada época del
tiempo. Pero, ¿Cuándo es que estos
objetos de uso cotidiano llegan a
convertirse en objetos de arte? Un
objeto se convierte en arte cuando se
descubre la naturaleza del producto y la
satisfacción que le produjo al artista
crear algo desde lo interno (experiencia
estética) con material proveniente de lo
externo (contexto).
Es importante hablar del individualismo,
cada cultura tiene sus propias pasiones,
gustos, deseos, ambiciones, riquezas,
etc. sin embargo, estos no prohíben las
experiencias personales, por ejemplo; en
la observación de un ritual de sacrificio
humano, todos en conjunto viven lo
mismo, pero individualmente cada ser
experimenta distintas sensaciones,
4
algunos podrán sentir satisfacción
mientras otros desprecian el acto por
completo.
Es en base al aprendizaje que le deja cada
experiencia estética (individual o
colectiva) que la persona puede llegar a
construir elegantes obras de arte.
Experiencias hay muchas, pero la
experiencia estética es la que produce
satisfacción en el individuo.
Una de las antologías más curiosas de la
vida es que cuando un producto es
considerado como arte pierde el interés
para el pueblo en general. Las personas
tienden a buscar lo barato y lo vulgar sin
tomar en cuenta lo estético, es por este
mismo motivo que museos y galerías
tiene tan poca concurrencia pues
aunque el arte existe desde tiempos
remotos, aun se ha aprendido a educar
nuestro sentido de percepción.
Por otra parte, John Dewey nos habla de
la organización del arte, ésta debe tener
su propio espacio y su propia práctica.
Son los sentidos, los sentimientos, la
sensibilidad y la sensualidad los que nos
llevan al enriquecimiento de las
experiencias estéticas.
Las sensaciones son los estímulos que
no tienen un sentido en la realidad.
Los sentidos se definen como los
órganos mediante los cuales las criaturas
vivientes participan en los sucesos del
mundo, estos van de la mano con las
emociones, el impulso y el apetito.

La sensibilidad pretende dar un
significado a las cosas.
La sensualidad se da cuando logramos
transmitir a otros nuestros
sentimientos.
Dewey propone primero poner en orden
nuestros pensamientos y emociones
para así poder educar la capacidad de
análisis y percepción. Si el autor no se
siente seguro de sí mismo jamás lograra
trasmitir a otro sus emociones y mucho
menos lograra comprender lo que el
otro le quiere dar a conocer.
John Dewey nos menciona que la
experiencia se da cuando se termina una
acción y esta provoca un cambio,
cuando es un recuerdo inolvidable en el
que no quedan huecos y cuando se
logra apropiar de un todo; de lo
contrario no es considerada como
experiencia
Es muy común que las personas sean
eficaces al realizar un acción, pero, esto
no es considerado como experiencia
estética porque no existe una
apropiación del todo, es decir que no
todos los sentidos trabajan a plenitud,
por ejemplo, a un pintor que se le
contrata para realizar un mural, este
plasmará lo que se le pida, pero no lo
que el sienta en ese momento; gracias a
sus dotes artísticos el autor realiza un
trabajo fenomenal que seguramente
impactara en los sentidos de terceras
personas, pero en ningún momento
entra en contacto con su interior, no se
da ese enriquecimiento ni esa
5
experiencia que provoca cambios y
sensaciones en el individuo; más que
experiencia se considera como la
práctica de un dote bien desarrollado.
Cada experiencia comienza con un
impulso que proviene de la necesidad y
relación que existe con el ambiente.
Para John Dewey el impulso es el
movimiento del organismo en su
totalidad, nos dice que si el impulso se
ejecutara inmediatamente viviríamos en
un ambiente hostil en el que mueren las
emociones, por ejemplo, los animales al
sentir el impulso o la necesidad de
dormir lo hacen sin ningún problema,
pero las personas nos enfrentamos a
dificultades que le dan matiz a la
adquisición de la experiencia.
Son precisamente las dificultades o las
resistencias las que llenan el ambiente de
interés, sentimientos y esperanza. Esto
se da como una cadena, comienza con
la necesidad y el impulso que nos lleva a
una experiencia que se encuentra
frenada por una resistencia, al superar
dicha dificultad seremos capaces de
realizar la acción pero con una sensación
de reflexión que nos lleva al
mejoramiento de la experiencia anterior.
Después de ello surge un nuevo impulso
y comienza nuevamente la cadenita.
Además del impulso, en la organización
del arte interviene la inspiración que se
da cuando viejas experiencias entran en
acción con nuevos deseos y con nuevos
impulso. Es decir el individuo adquiere
el arte de expresar cuando logra educar

la sensibilidad y la percepción, cuando
domina sus impulsos y le llega su
momento de inspiración.
Ahora sigue el objeto expresivo, para
Dewey el objeto representa la descarga
de emociones y esta echo para atraer la
atención de personas distintas del que lo
produjo, es lo concreto de todo el
aprendizaje de las experiencias. En cierta
forma el producto conecta lo
inexistente con el mundo natural, es
decir, cada obra de arte es creada de la
nada y viene a satisfacer una necesidad
real. Aquí lo que se quiere dar a
entender es que ése material antes de,
carecía de toda cualidad sentimental
hasta que alguien decidió impregnarlo
con su experiencia.
El autor no solo impregna sus
experiencias en el material a la hora de
crear una obra de arte, sino que también
a la vez le da un significado. Los
lenguajes artísticos se desarrollan a partir
de ciertos símbolos que los identifican,
por ejemplo, para considerar una pieza
musical como arte es necesario que
tenga cierta armonía, ritmo, tono, etc.,
éstos símbolos son el trampolín que nos
ayudaran a otórgales un significado a las
obras de arte.
Llegar a conocer el verdadero significado
de una obra es complicado, pero no
imposible, para ello es indispensable
reconocer las cualidades únicas que
posee esa obra, debemos captar la
esencia del autor: ¿Qué es lo que me
quiere decir?, ¿En qué estaba pensado
6
cuando hiso esto?, ¿En qué
circunstancias?, ¿Con qué fin?, etc. Desde
mi punto de vista, a pesar de todos los
esfuerzos que se realicen por conocer el
verdadero significado de una obra de
arte es muy difícil coincidir con la idea
que trata de expresar el autor, porque
aun y cuando logremos darle respuesta a
todas estas interrogantes, son simples
suposiciones.
En otro apartado del libro se maneja el
arte como lenguaje universal, en éste
vemos que no solo las palabras
comunican. El arte es el medio más
sensato para comunicar aquello que no
podemos decir con palabras, en el
mundo del arte las palabras apuntan
hacia la expresividad, pero en si el
significado está en la esencia del
producto; por más que el autor trate de
explicar el significado de su obra, las
palabras nunca podrán duplicar la
expresividad que evoca el objeto por sí
mismo.
La necesidad del ser humano es hablar y
comunicarse con otros, pero en el área
de las artes la necesidad lingüística
subestima el significado de la expresión,
principalmente en las obras artísticas
pertenecientes a la arquitectura, la
escultura y la pintura. Como autores
percibimos que el producto logra su
función cuando otro logra captar la
expresión transmitida sin la necesidad de
agregar palabras o explicaciones, pero
como observadores es muy difícil saber
si lo que entendimos de la obra coincide
con lo que el autor deseaba comunicar.

En todo sistema de comunicación
intervienen dos factores: lo que se dice y
cómo se dice. En términos de Dewey los
dos factores serian denominados como
la sustancia y la forma: La sustancia
viene definida como la materia o los
recursos de los que se dispone para
realizar una obra, mientras que la forma
se entiende como la representación que
adquieren esos materiales para
conformar el producto artístico.
Estos desprenden otro concepto: La
esencia. Para Platón la esencia no existe
físicamente, es posible sentirla pero no
percibirla. Para John Dewey la esencia
representa las experiencias que no se
aprecian hasta que alguien les da forma,
en sí la esencia es lo que deja el artista en
cada uno de sus productos para que sea
observado y apreciado por tercera
personas.
Para aclarar éstos conceptos pongamos
un ejemplo, pensemos en simples
ganchos de ropa tirados en el suelo. En
un principio estos objetos carecen de
todo significado (sustancia), después
estos objetos son aplicados unos sobre
otros organizadamente estéticos
(forma), dicho producto gana valor y es
considerados como una obra de arte
porque alguien se tomó el tiempo
necesario para impregnarlo de
sentimientos y emociones a fin de ser
apreciados y entendidos por alguien más
(esencia). Es en la esencia donde se
deposita todo el aprendizaje que deja
una experiencia.
7
También debemos tomar en cuenta que
el material con el que se realiza una obra
artística pertenece al mundo natural y
no al yo. La función del yo interno es
asimilar ese material para regresarlo al
mundo natural como un objeto nuevo
y novedoso; lastimosamente estamos
tan mal educados, hablando
artísticamente, que al observar una obra
no apreciamos la esencia ni tomamos en
cuenta el proceso de asimilación que
realizó el artista respecto al material,
sino que únicamente nuestra atención y
admiración se centra la forma y en la
sustancia.
Otro de los temas importantes que
retoma John Dewey en su libro el arte
como expresión es la creación. El autor
nos dice que la creación de un todo está
compuesta por varios elementos que el
artista debe tomar en cuenta; el primero
de ellos, como ya lo se explicó con
anterioridad, es la organización de la
vida propia, es decir, organizar y
controlar nuestras emociones y
sensaciones; y en segundo lugar la
organización de los materiales con los
que se va a trabajar.
Después de analizar el surgimiento y las
repercusiones de las experiencias
estéticas; la procedencia y el significado
de las obras de arte; y la elección de los
materiales, es momento de centrarnos
en los productos artísticos y sus
diferentes clasificaciones.

John Dewey dice que la primera de estas
divisiones se encuentra entre la
pertenecía a las artes auditivas o a las
artes visuales. Las producciones artísticas
pueden ser apreciadas desde lo auditivo,
como lo es el caso de la música y la
poesía, o bien, desde lo visual como lo
es el caso de la danza, el teatro y las artes
visuales.
La segunda división es la de tiempo y
espacio, aquí Dewey menciona que
algunas obras se pueden apreciar porque
ocupan un lugar en el espacio, como lo
es el caso de la escultura, las pinturas y la
arquitectura. Mientras que otras solo las
podemos apreciar por cierto lapso de
tiempo como en el caso específico de la
música, la danza y el teatro.
Y la tercera y última división hace
referencia al arte representativo y al arte
no representativo que no es otra cosa
más que el nivel de emociones
producidas por un objeto.
Analizar el surgimiento de la experiencia
estética, encontrar y dar un significado
de los productos artísticos, y realizar la
clasificación correcta de las obras
artísticas es solo una parte del
crecimiento artístico, para completar
este proceso hace falta quizás el
elemento más importante: otorgar un
juicio.
Pero antes de otorgar un juicio, es
importante establecer la diferencia entre
juicio y crítica. Como lo explica John
Dewey la crítica se hace en razón a las
características observadas, ésta puede ser
8
complementada con adjetivos
calificativos y existen muchos elementos
de ataque; Por el contrario, el juicio es
un testimonio bien argumentado, por
parte del observador, de las sensaciones
que le trasmite la obra, el juicio es
complementado con las experiencia
pasadas que vive el espectador. Por
ejemplo, pensemos en una pintura X, en
ésta existen muchos elementos de
análisis en los que nos podernos apoyar
para realizar la crítica como lo es la
colocación del punto de fuga, los
colores utilizados, la tendencia del
pintor, el decorado, los materiales
utilizados, etc. Estos elementos nos
permiten estructurar oraciones de lo
observado pero el juicio nos permite
aportar un punto de vista personal en el
que es válido decir “me gusta o no me
gusta, por esto y por esto”.
El autor nunca deberá ser ni el crítico ni
el juez de su propia obra a fin de evitar
que el producto sea sobre valorado; son
válidas todas la criticas y todos los juicos
por parte de los observadores, pero
recordemos que la crítica es el apoyo del
artista por lo tanto la función de la
crítica no es atacar la obra sino construir
nuevas apreciaciones.
En su último capítulo John Dewey
retoma lo mencionado es sus primeros
capítulos, la personalidad de cada cultura
ha sido marcada no solo por la historia
sino también por su arte. Es a través de
las experiencias estéticas de cada
individuo que se consolida un
reconocimiento y un juicio para cada

civilización. Por ejemplo no podemos
olvidarnos de los griegos y sus grandes
poesías; o los romanos, su coliseo y sus
grandes arquitecturas.
Las danzas, la música, las pinturas, las
dramatizaciones, las esculturas y las
arquitecturas son la muestra de la
estrecha relación que existe entre el arte
y la consolidación de las culturas. Pero
analógicamente las artes se encuentran
más alejadas que nunca de los
ciudadanos. Por diferentes motivos y
circunstancias el arte ya no está al
alcance de todos, en un tiempo fue
porque se pensaba que solo le pertenecía
a la divinidad, después porque se apartó
para las sociedades más destacadas y
ahora porque los humanos hemos
perdido el interés por completo.
Pero a pesar de ello, el arte es y seguirá
siendo un lenguaje universal ya que sin
importar a que cultura se pertenezca los
lenguajes artísticos permiten expresar,
comprender y gozar sentimientos.
MURALES.
El arte mural.
El arte mural es el realizado sobre
muros o techos que actúan de soporte
con fines ornamentales, religiosos o
didácticos.
Se encuentra profundamente
vinculada a los planos arquitectónicos y
decorativos sobre los que se asienta y
puede servir para realce al diseño del
9
interior o para transformarlo, por medio
del “trompe l'oeil” (trampa para el ojo).
Por sus dimensiones y su ubicación
en el espacio arquitectónico, el arte
mural es también un medio de
transmisión sociocultural, que necesita
para mostrarse, insertarse en un ámbito
de exposición pública; por ello aborda
temas religiosos, históricos alegóricos o
patrióticos de significación popular.
Se caracteriza por su
• Monumentalidad, la cual no solo
está dada por el tamaño de la pared sino
por cuestiones compositivas de la
imagen.
• Poli-angularidad, que permite
romper el espacio plano del muro.
Evolución Histórica.
El arte mural es una forma de arte
muy antigua. Se encuentra en las
paredes de las cuevas prehistóricas, como
en las de Altamira, en España, y las de
Lascaux, al suroeste de Francia, y
constituye un aspecto importante del
arte paleolítico. En el Lejano Oriente, el
arte mural se inició en China hacia el
año 1700 a.C., de allí se extendió a
Corea y Japón. Las paredes de las cuevas
de Ajanta, en India, muestran una
notable serie de pinturas sobre temas
budistas, realizadas al temple (entre el
200 a.C. y el 650 de nuestra era).
El arte mural era una modalidad
artística muy desarrollada en el antiguo
Egipto; las paredes y techos de las
cámaras mortuorias estaban decoradas al

temple con figuras y motivos que
simbolizaban la vida en el más allá. El
palacio de Cnosos, en Creta, lucía
pinturas al fresco, de brillante colorido,
que representaban flores, animales y
figuras humanas; en la antigua Grecia se
acostumbraba a decorar tanto los
edificios públicos como las viviendas
particulares con pinturas al temple y
encáustica y la tradición continuó en la
época helenística y romana. Destacan
especialmente las pinturas ilusionistas de
paisajes, naturalezas muertas, y figuras
humanas, halladas en las paredes de
Pompeya y Herculano. En las culturas
prehispánicas mesoamericanas se
realizaron extraordinarias pinturas
murales como las de Cacaxtla en
Tlaxcala y las mayas de Bonampak (en
México), que conmemoran pasajes
bélicos, junto a sus protagonistas,
exquisitamente ataviados.
Al principio de los periodos cristiano y
bizantino se pintaban al temple y al
fresco los interiores de las basílicas; hacia
el siglo IV, estas técnicas fueron
sustituidas por los mosaicos, si bien, a
principios del siglo XIV, la pintura mural
fue recuperada en las iglesias del sur de
Europa. En el norte, quedó desbancada
por las vidrieras de los templos góticos y
por los tapices que cubrían los muros de
los castillos.
Desde el siglo XVII al XIX, pintores
como el maestro flamenco del barroco
Petrus Paulus Rubens, el pintor italiano
del rococó Giovanni Battista Tiepolo, y
el artista españolFrancisco de Goya,
realizaron murales destinados
10
principalmente a edificios civiles y, con
la notable excepción de la obra de
Tiepolo en Alemania y la de los frescos
de Goya en la ermita de San Antonio de
la Florida en Madrid, se trataba
generalmente de óleos sobre lienzo, que
después se fijaban sobre los muros o
sobre los techos.
En el siglo XX, la resurrección de la
pintura mural se debió principalmente el
muralismo, movimiento artístico de
carácter indigenista, que surge tras la
Revolución Mexicana de 1910 de
acuerdo con un programa destinado a
socializar el arte, y que rechaza la pintura
tradicional de caballete, así como
cualquier otra obra procedente de los
círculos intelectuales. Propone la
producción de obras monumentales
para el pueblo en las que se retrata la
realidad mexicana, las luchas sociales y
otros aspectos de su historia. El
muralismo mexicano fue uno de los
fenómenos más decisivos de la plástica
contemporánea iberoamericana y sus
principales protagonistas fueron Diego
Rivera, José Clemente Orozco yDavid
Alfaro Siqueiros. A partir de 1930 el
movimiento se internacionalizó y se
extendió a otros países de América.
El impulsor de este movimiento fue
José Vasconcelos, filósofo y primer
secretario de Educación Pública de
México quien tras la Revolución, pidió a
un grupo de artistas jóvenes
revolucionarios que plasmaran, en los
muros de la Escuela Nacional
Preparatoria de la ciudad de México, la

imagen de la voluntad nacional. Los
artistas tenían total libertad para elegir
los temas y mostrar un mundo nuevo
sobre las ruinas, la enfermedad y la crisis
política surgida tras la Revolución.
Influenciados por el rico pasado
precolombino y colonial, los muralistas
desarrollaron un arte monumental y
público, de inspiración tradicional y
popular, que ponía fin al academicismo
reinante, exaltando su cultura y origen
precortesiano.
El arte mural fue declarado el arte
oficial de la Revolución. El manifiesto
en el que se hacen públicos los
principios del movimiento, Manifiesto
del Sindicato de Pintores y Escultores,
fue dedicado a "la raza indígena,
humillada durante siglos, a los soldados
que lucharon en pro de las
reivindicaciones populares; a los obreros
y los campesinos, y los intelectuales no
pertenecientes a la burguesía" y parte de
nuevas ideas y conceptos: "repudiamos
la pintura llamada de caballete y todo
arte de cenáculo ultra intelectual por
aristocrático, y exaltamos las
manifestaciones de arte monumental
por ser de utilidad pública. Proclamamos
que toda manifestación estética ajena o
contraria al sentimiento popular es
burguesa y debe desaparecer porque
contribuye a pervertir el gusto de
nuestra raza, ya casi completamente
pervertida en las ciudades. Proclamamos
que los creadores de belleza deben
esforzarse porque su labor presente un
aspecto claro de propaganda ideológica
en bien del pueblo, haciendo del arte
11
una finalidad de belleza para todos, de
educación y combate".
Reivindican el arte indígena como arte
en sí mismo y como modelo social, "el
arte del pueblo de México es la
manifestación espiritual más grande y
más sana del mundo y su tradición
indígena es la mejor de todas". En la
práctica el indigenismo tomó varios
cauces. Por un lado está la concepción
histórica de Diego Rivera: descripción
minuciosa de una idílica vida cotidiana
antes de la llegada de los españoles. Por
otro, la de José Clemente Orozco, que
integra las culturas indígenas en el
contexto de una religiosidad violenta; su
obra épica la realizó con suficiente
ironía, amargura y agresividad como
para encarnar una imagen verdadera y
convincente del mundo moderno, con
su despiadada lucha de clases, teniendo
como tema obsesionante el del hombre
explotado, engañado y envilecido por el
hombre. Sólo David Alfaro Siqueiros se
interesó por acercar a la pintura
moderna los valores plásticos de los
objetos prehispánicos. El muralismo se
desarrolló e integró fundamentalmente
en los edificios públicos y en la
arquitectura virreinal.
Los muralistas se convirtieron en
cronistas de la historia mexicana y del
sentimiento nacionalista, desde la
antigüedad hasta el momento actual. La
figura humana y el color se convierten
en los verdaderos protagonistas de la
pintura. En cuanto a la técnica
redescubrieron el empleo del fresco y de
la encáustica, y utilizaron nuevos

materiales y procedimientos que
aseguraban larga vida a las obras
realizadas en el exterior. El introductor
de nuevas técnicas y materiales fue
Siqueiros, que empleó como pigmento
pintura de automóviles (piroxilina) y
cemento coloreado con pistola de aire;
Rivera, Orozco y Juan O’ Gorman
emplearon también mosaicos en losas
precoladas, mientras que Pablo
O'Higgins utilizó losetas quemadas a
temperaturas muy altas. Las
investigaciones técnicas llevaron
también al empleo de bastidores de
acero revestidos de alambre y metal
desplegado, capaces de sostener varias
capas de cemento, cal y arena o polvo de
mármol, de unos tres centímetros de
espesor.
Desde 1922 hasta nuestros días no se
han dejado de hacer murales en México,
lo que prueba el éxito y la fuerza del
movimiento. En la década de 1930, la
internacionalización del muralismo se
extendió a Argentina, Perú y Brasil, y
fue adoptado incluso por Estados
Unidos en algunos de sus edificios
públicos.
Una fecha importante para el desarrollo
del muralismo en la Argentina es la
llegada de David Siqueiros a Buenos
Aires. Organiza un equipo de pintores
por Castagnino, Spilimbergo y Berni
para realizar un importante trabajo en el
Gran Buenos Aires. Luego, se van
incorporando otros artistas como Berni,
Urruchua, Raúl Soldi. Los murales más
importantes, fruto de este movimiento:
La cúpula de Galería Pacífico, la cúpula
del teatro Colón, pintada por Raúl Soldi,
12
autor también de la capilla de santa Ana,
en Glew.
Tipos de murales.
Pintura mural
Tiene como soporte el muro, unido
indisolublemente a éste. El arte mural
está estrechamente relacionado con la
arquitectura, dependiendo de ella, no
sólo en su conservación, sino también
en su consideración visual.
Tradicionalmente, la técnica original de
pintura mural renacentista ha sido el
fresco y sus variantes al medio fresco o
en seco. La aplicación de pinturas al óleo
y posteriormente las sintéticas, son
técnicas características de los murales
actuales, combinados con otros
materiales y bases diversas con que se
trata previamente el muro. Dentro de
esta clasificación podemos mencionar
aquellas obras de grandes dimensiones
realizadas sobre tela, lienzo, soportes
metálicos u otro tipo de soporte rígido
(plástico, de madera, etc.); que luego
son fijadas al muro.
Relieve escultórico
Sobre la base del muro, la obra
escultórica se trabaja directamente sobre
él. Puede tratarse de un sobrerrelieve o
de un bajorrelieve, dependiendo de su
espesor en relación con el fondo.
Pueden realizándose en materiales como
cemento, piedra reconstituida,
mármoles, resinas sintéticas, madera,
etc. La luz tiene un papel de especial
significado, ya que permite destacar el

relieve y vislumbrar las figuras
modeladas.
Mural cerámico
La obra pictórica está realizada sobre una
base cerámica. Los murales de mosaicos,
en sus vertientes venecianos, bizantinos
y/o romanos, son horneados para fijar
los colores y/o los esmaltes y luego
adheridos al muro por medio de un
mortero o mezcla adhesiva. El famoso
"trencadis" de azulejos partidos del
modernismo catalán, admirablemente
diseñado por Antonio Gaudí en
Cataluña, es un maravilloso ejemplo de
mural cerámico.
Teselas
Aplicadas tanto en pisos, como en
muros, los mosaicos de distintos
tamaños, se componen de materiales
que no son cerámicos. Pueden ser
granitos, mármoles, arcillas y también
vidrios.
Mural Esgrafiado
13
Visualmente podría considerarse un
relieve escultórico. Sin embargo, su
técnica particular combina la pintura
mural con el trabajo escultórico. Los
colores se aplican sobre diferentes capas
de cemento, retirándose el material
excedente de acuerdo al boceto deseado
y a los colores que van descubriéndose
en capas sucesivas.
Vitraux
La composición tradicional se realizaba
con vidrios de colores engarzados en
plomo. Utilizado históricamente en
edificios religiosos, el paso de la luz a
través de los vitrales, no sólo enfatizaba
el carácter del templo, sino que también
las imágenes elegidas, eran referentes
histórico religiosos de las ciudades que
representaban. Actualmente, los vidrios
pueden fijarse por medio de nervios de
cemento, al modo de muros de ladrillos
de vidrio. La unión de las piezas
vidriadas, mediante resinas sintéticas, fue
una de las innovaciones técnicas
realizada por el artista Luis Seoane.
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DISCUSIÓN.

En este trabajo se pudieron dar cuenta que el arte no es una simple palabra, lleva
una secuencia para poder obtener una excelente experiencia estética, cada experiencia
que tiene el ser humano en la vida cotidiana lo ha llevado al desarrollo y educación de la
sensibilidad, del sentimentalismo y de la sensualidad, cualidades que según Dewey son
necesarias para la madurez artística.
Es en base al aprendizaje que le deja cada experiencia estética (individual o
colectiva) que la persona puede llegar a construir elegantes obras de arte.
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CONCLUSIONES

 El arte es más que una cualidad de la experiencia: es la experiencia en sí misma.

 Al observar una obra de arte, es necesario cambiar nuestra percepción de análisis
e investigar desde la interacción del autor con el medio, sus procesos, sus
aprendizajes, etc.
 El plasmar es dejar parte de ti en el producto.
 Las obras perduran gracias a la sustancia y a la forma, pero la esencia las hace
inolvidables.
 La expresión artística es una forma de transmitir valores.
 El arte se basa en el nivel económico de la sociedad.

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 RECOMENDACIONES.

ESTUDIANTES:
Que se interesen en el arte y todas sus cualidades, que aprendan la diferencia de
crítica y juicio, para poder en un futuro dar su punto de vista de las obras arquitectónicas
que se les presenten en la vida.

DOCENTES:
Que promuevan la observación de objetos u obras arquitectónicas, para que
puedan desarrollar la sensibilidad, del sentimentalismo y de la sensualidad de cada objeto
arquitectónico.
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RESUMEN.

El arte como experiencia, de John Dewey, relaciona los movimientos artísticos

con la vida cotidiana y la sensibilidad de las personas. Su concepción estética nos
devuelve a lo que en su día fue la más importante apuesta de la Estética desde la
Ilustración: es decir, a la organización de un esqueleto conceptual que nos permite
concebir las experiencias estéticas como manifestaciones de nuestro potencial para
desarrollar una vida más digna e inteligente.

Un mural es una pintura realizada para dar a presentar algún arte realizada por el
hombre, un mural es una de las técnicas más usual en la historia del arte se realizaban
desde la época de las cavernas en las paredes y desde entonces han ido evolucionando
pero no cambia su estilo original, los murales deben de tener un fondo que los soporte,
entre los cuales se encuentra la pared de alguna edificación, un mural debe transmitir
mensaje o un sentimiento ya que sin estas características no podría ser llamado mural,
los murales no tienen tamaño ni forma, es directamente el artista el que se encarga de
hacerlo con forme a su imaginación o ya sea su finalidad con dicho mural, los murales
han sido utilizados desde mucho tiempo atrás para diferentes tipos de mensajes, los
murales tienen fines ornamentales, religiosos o didácticos. Ocupan grandes superficies y
necesitan trazos seguros ya que muchas veces deben ser abarcados de un solo golpe de
vista en el cual se pierden los detalles. actualmente se encuentra que los murales
contienen infinidades de colores, tamaños y formas, se necesita creatividad para lograr
contraer las miradas de los observadores en los murales, los murales deben ser realizados
teniendo en cuenta que deben poder retirarse de su origen y poder movilizarlos si se
llegara a necesitar, la presentación de un mural debe contener un fin artístico con forme
a la arquitectura, un mural logra romper con el fondo plano de la pared convirtiendo
dicho espacio en algo diferente, el mural es un tipo de expresión que integra el sentido
estético propio de las artes visuales con el sentido constructivo de la arquitectura.

En este curso se realizaran murales en forma de cojines, los cojines serán

realizados en grupos de 3 estudiantes, estos serán realizados con material reciclable,
teniendo en cuenta que deben transmitir arte y originalidad el material que utilizaremos
en este caso serán mantas vinílicas reciclables, con diversidad de colores, formas,
tamaños, con el fin de atraer a los estudiantes y poder expresar arte en los murales, dar a
conocer los cojines denotan una forma cuadrada con varios colores formados por
material reciclable, y connotaran un espacio de arte, tranquilidad, belleza.
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BIBLIOGRAFÍA.

 Dewey, Jonh; El arte como experiencia; Edictones Paidós Ibérica, S, A; España;

1934.
 VV.AA., «La estructura del cuadro: Soportes» y «Fondos» en Enciclopedia
Universal de la Pintura y la Escultura, Vol. I, SARPE, 1982. ISBN 84-7291-377-5
 "Los materiales de la pintura y su empleo en el arte", Max Doerner, Editorial
Reverté.
 Luz Patricia Sánchez Forero, Grupo de Investigación Ambiente, Hábitat y
Sostenibilidad , Facultad de Arquitectura e Ingeniería

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 EGRAFÍA

 http://www.colmayor.edu.com/archivos/la_tcnica_del_fresco_xl6ab.pdf
 http://www.lecturalia.com/libro/19496/el-arte-como-experiencia
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Otros (Anexos)

Portada del libro “El arte como experiencia” de John Dewey

John Dewey (1859 - 1952