La Opera

La ópera es un arte total en el que confluye la música, el canto, la poesía, las artes plásticas y, en
ocasiones, la danza. En cada obra todos los componentes de la ópera combinan su expresividad
y belleza. Esta compleja alquimia hace que cada función sea un espectáculo extraordinario,
monopolizando la vista, el oído, la imaginación y la sensibilidad del público, en el que todas las
pasiones humanas están en juego.

El libreto

El libreto es el texto de una ópera. Se puede tratar de una creación original, a menudo escrita
por famosos poetas o novelistas (como Hugo von Hofmannsthal y Stefan Zweig para las obras
de Richard Strauss), pero también puede ser la adaptación de piezas de teatro (Shakespeare fue
una gran fuente de inspiración para los libretistas), cuentos o novelas. Los sujetos que se
desarrollan en el libreto son variados: amor prohibido, infidelidad, venganza, sed de poder, la
guerra, mitos antiguos o eventos históricos.

El canto

A diferencia del teatro, el texto en las óperas se canta. La emoción y la intensidad del canto
tienen un impacto directo en el peso y sentido de las palabras.

La música

La música expresa de otra manera las emociones y la acción que tiene lugar en el escenario. En
la mente de la Camerata fiorentina (consulte la página "Historia"), cuyas investigaciones y
estudios sobre el teatro griego clásico les condujeron a la creación del género operístico, la
música estaba al servicio del libreto: “Prima le parole, dopo la música” (“las palabras primero, la
música después”). Pero esta concepción es cuestionable. Se trata de una discusión antigua y
permanente: según las épocas, el libreto y la música han ido alternando su primacía.

La puesta en escena

Antes del siglo XX, la dimensión teatral de la ópera era marginal. En el siglo XVII, las
representaciones eran más bien estáticas, pareciéndose más a un concierto con vestuario. La
puesta en escena ganó importancia cuando la programación de los teatros de ópera se centró
más en el repertorio existente que en nuevas creaciones. Sólo es en el siglo XX que el canto y la
puesta en escena empiezan a ser vistos con la misma importancia.

La Opereta
La opereta es un género musical derivado de la ópera que nace y se desarrolla a lo largo
del siglo XIX, primero en París y después en Viena. Se trata de un tipo de ópera musical,
animado y anormal, cuya característica fundamental consiste en contar con una trama
inverosímil y disparatada. Consta de diálogos hablados entre los que se intercalan historietas,
llamadas couplets por los franceses, y bailes como el rigodón o el cancán. Se trata por lo tanto
de un espectáculo escénico con sucesión y alternancia de artes musicales, habladas y cantadas.

La Zarzuela
La zarzuela es una forma de música teatral o género musical escénico surgido en España que se
distingue principalmente por contener partes instrumentales, partes vocales (solos, dúos,
coros...) y partes habladas, aunque existen excepciones en las que estas últimas, las partes
habladas, están completamente ausentes. El término «zarzuela», aplicado al género musical y
teatral, procede del Palacio de la Zarzuela, palacio real español situado en las proximidades
de Madrid y en el que se hallaba el teatro que albergó las primeras representaciones del género.

Biografia de Placido Domingo

Jose Placido Domingo Embil nació el 21 de enero de 1941 en Madrid, España. Más conocido
como Plácido Domingo, es un cantante, director de orquesta, productor y compositor español.
El actual director general de la Ópera Nacional de Washington y de la Ópera de Los
Ángeles (California) formó parte del trío Los tres tenores, junto a su compatriota José
Carreras y al italiano Luciano Pavarotti. Domingo es conocido por su voz versátil, lo que le ha
permitido cantar como barítono y tenor.

Es hijo de dos cantantes de zarzuela, el zaragozano Plácido Domingo y

la guipuzcoana Josefa Pepita Embil Etxaniz. Su hermana se llamaba María José y falleció
en 2015.5 Su familia le conoce como El Granado, por cantar desde muy pequeño la canción
«Granada», del compositor mexicano Agustín Lara. En 1946, con cinco años, el día 1 de
diciembre Toma de Protesta del Presidente Miguel Alemán, se trasladó junto a su familia a
la Ciudad de México para trabajar en teatro musical y pronto destacó en las lecciones de piano.
Estudió en la Escuela Nacional de Artes y en el Conservatorio Nacional de Música,
estudiando piano y dirección de orquesta. En esa época, junto con sus estudios, intentó ser
futbolista profesional. Fue en 1957 cuando se casó con la pianista mexicana Ana María Guerra
Cué, con quien tuvo a su primer hijo, José Plácido Domingo Guerra, nacido el 16 de
junio de 1958. El matrimonio sólo duró unos meses y ella, nacida en 1938, falleció en 2006.
En 1962 volvería a casarse, esta vez con la soprano veracruzana Marta Ornelas, a quien conoció
estando en el conservatorio.

Domingo debutó como barítono el 12 de mayo de 1959, interpretando a Pascual en la

obra Marina, en el teatro Degollado de la ciudad de Guadalajara, México. Después interpretó a
Borsa en Rigoletto o Padre Confesor en Diálogos de carmelitas, entre otros. En 1959 volvió a
debutar, esta vez como tenor, interpretando a Alfredo en La Traviata, en el teatro María Teresa
Montoya de la ciudad de Monterrey. Entonces decidió seguir interpretando zarzuela con sus
padres. Pero fue en 1962 cuando Plácido Domingo triunfó: ese año se fue a la Ópera de Tel Aviv,
la ópera nacional de Israel, en la cual estuvo dos años y medio y cantó en 280 representaciones.

Su segunda esposa, Marta Ornelas, decidió finalizar su carrera como cantante para dedicarse al
cuidado de sus hijos: Plácido, Jr. (1965) y Álvaro (1968). Posteriormente, se ha dedicado a la
dirección de escena.

Para la Copa del Mundo España 1982, grabó el Tema Oficial de dicha Copa FIFA de Fútbol.
El 19 de septiembre de 1985, durante el mayor terremoto en la historia de México que devastó
parte de la capital, sobre todo en la zona del Centro Histórico y algunos barrios o colonias
cercanas, fallecieron su tía, su tío, un sobrino y el joven hijo de su sobrino, al caerse el bloque de
apartamentos Edificio Nuevo Leónen el complejo urbanístico de Tlatelolco. El propio Plácido
Domingo intervino en las labores de rescate. A lo largo del año siguiente, dio conciertos
benéficos para las víctimas. Uno de los más importantes fue el 23 de agosto de 1986, «Plácido y
sus Amigos» en el Amphitheater de Los Ángeles, donde participaron Frank Sinatra, Julie
Andrews, John Denver y el grupo Pandora de México. También se publicó un álbum de uno de
tales eventos.

El 21 de agosto de 2007, en reconocimiento a su labor artística y a su aporte a las víctimas del

terremoto de 1985, el artista fue homenajeado en la capital mexicana con una estatua en su
honor, fundida a partir de llaves donadas por la población. La pieza, obra de la escultora
Alejandra Zúñiga, mide dos metros, pesa cerca de trescientos kilogramos y forma parte del
proyecto Grandes Valores. En adición a sus actos altruistas, Plácido Domingo ha regalado casas
a familias sin recursos en México, sobre todo por los daños del huracán Paulina, en el estado de
Guerrero. La constructora diseñó y bautizó con su nombre a un modelo de casa, llamada
«Plácido», de las cuales se construyeron miles.

El 18 de diciembre de 2009, Plácido Domingo fue declarado Huésped distinguido de la Ciudad

de México por el jefe de gobierno capitalino Marcelo Ebrard.

El 13 de septiembre de 2010, la LIX legislatura del honorable Congreso del Estado de Guerrero le
entregó la presea Sentimientos de la Nación, máxima condecoración que otorga el Congreso del
Estado a personalidades distinguidas, dentro del marco del Primer Congreso de
Anáhuac o Congreso de Chilpancingo. Plácido Domingo se hizo acreedor a esta medalla por su
gran labor altruista en los desastres naturales del Terremoto de 1985 en la ciudad de México y
el Huracán Paulina en el puerto de Acapulco; en estos dos desastres el tenor donó sus
ganancias de todo un año. Debido a que el tenor se encontraba en Los Ángeles, quien recibió
esta medalla fue su hijo José Plácido Domingo Guerra, la tarde-noche del 13 de septiembre de
2010, en la catedral de la Asunción de María, en Chilpancingo, Guerrero.

El 21 de enero de 2011, día de su 70 cumpleaños, fue homenajeado con una función de gala en
el Teatro Real de Madrid, a la que asistieron, entre otras personalidades, la reina Sofía, que
acompañó al tenor en el palco real. Ese mismo mes había estrenado en el coliseo madrileño la
representación de Ifigenia en Táuride, de Gluck.6

El 29 de junio de 2016, con motivo de su 75 cumpleaños, el Real Madrid organizó “Plácido en el

Alma”, un histórico concierto en su homenaje en el Estadio Santiago Bernabéu de Madrid. El
tenor español estuvo acompañado por artistas de primera fila, como Alejandro Sanz, Andrea
Bocelli, José Mercé, David Bisbal, Sara Baras, Pablo Alborán, Alejandro Fernández, Fher
(Maná), Juanes, Pablo López, India Martínez, Rozalén, Carlos Baute, Diego Torres, Il Volo,
Dvicio, Los Secretos, Diana Navarro, Pablo Sainz Villegas, Ara Malikian, Arturo Sandoval, Café
Quijano, Plácido Domingo Jr., la Compañía Antonio Gades, la Orquesta Titular del Teatro Real,
el Coro Filarmónica o Bertín Osborne, este último, además, como maestro de ceremonias. Más
de 80 000 personas pudieron asistir al estadio: se agotaron las entradas, cuyos beneficios
fueron destinados a las escuelas deportivas madridistas en México.7

Su tipo de voz es teno lirico-drametico.

Biografía de Gioachino Antonio Rossini

Gioachino Antonio Rossini nació el 29 de febrero de 1792 en Pesaro, Estados Pontificios. Más
conocido como Gioacchino Rossini o Gioachino Rossini, fue un compositor italiano, Su
popularidad le hizo asumir el «trono» de la ópera italiana en la estética del bel canto de
principios del siglo XIX, género que realza la belleza de la línea melódica vocal sin descuidar los
demás aspectos musicales.

Rossini nació en Pésaro, Estados Pontificios —actual Italia—, hijo de Giuseppe, apodado El
vivaz, cornista de oficio, y de Anna Guidarini, cantante en los teatros locales. Tocando en la
banda municipal a los seis años, Rossini mostró un extraordinario genio musical desde la más
temprana edad y estudió música con su padre. Aprendió a tocar la espineta con
el vinatero Giuseppe Prinetti; posteriormente estudió con el canónigo Giuseppe Malerbi, en cuya
biblioteca leyó las partituras de grandes compositores del pasado. En Bolonia tuvo por primer
profesor a Angelo Tesei e ingresó en el prestigioso Liceo Musical, bajo la tutela del
sacerdote Stanislao Mattei. Ganó un premio por una cantata que compuso a los dieciséis años
de edad.

Como clavecinista acompañante en teatros, Rossini fue llamado para componer una ópera
breve en 1810 y, dado el éxito que logró, siguió componiendo, particularmente en Venecia y
en Milán, con éxitos sonados en la mayor parte de los casos —su séptima ópera conquistó La
Scala con cincuenta y tres funciones iniciales— y repentinos fracasos, pero afianzándose como
el primer compositor de su tiempo, a pesar de no contar siquiera veinticinco años de edad. En
esos momentos, Rossini llevó a la perfección musical el género bufo. Tuvo la ventaja de contar,
ya en esta primera etapa, con grandes cantantes, en quienes pensaba al momento de
desarrollar la melodía de los personajes, considerando las posibilidades de sus voces. Algunos
de ellos eran Marietta Marcolini, Filipo Galli y Paolo Rosich.

En 1815 fue contratado por el sagaz empresario Domenico Barbaija para componer
en Nápoles los teatros que administraba él con subvención gubernamental, el Teatro de San
Carlos y el Teatro Del Fondo, en donde produjo óperas serias de inmenso valor para las voces
más imponentes puesto que en la compañía de Barbaia se encontraban las más grandes
luminarias del tiempo como Manuel García, Isabella Colbran —quien sería luego esposa de
Rossini—, Giovanni Rubini y otros. Mientras tanto, Rossini también recorre Italia, y creó
óperas de todos los géneros —serio, semiserio, bufo—, cuya influencia fue absoluta para todos
los compositores posteriores y aun contemporáneos, y representó las ya creadas, que contenían
melodías que se convertían en hitos inmediatos y permanentes.

En 1816 estrenó, en el Teatro Argentina de Roma y con argumento de Cesare Sterbini, una de
las más famosas obras del repertorio operístico: El barbero de Sevilla. Basada en la trilogía
literaria del barón francés Pierre-Augustin de Beaumarchais, cuya segunda parte, Las bodas de
Fígaro, fue musicalizada por W. A. Mozart, fue durante sus primeras representaciones un
fracaso. Posteriormente, Giuseppe Verdi y otros compositores la alabarían efusivamente, y
alcanzaría una inmensa fama. Previamente puesta en música por el respetado
compositor tarantino Giovanni Paisiello, el Barbero, como muchas otras óperas de Rossini,
borró del cartel permanentemente las obras de grandes compositores como Nicola Antonio
Zingarelli, Saverio Mercadante, Simon Mayr, Ferdinando Paër, Mosca, Carlo Coccia y el propio
Paisiello.

En 1823 presentó su última ópera en Italia, Semíramis, y se trasladó a Francia —desde donde
viajaría en 1824 a Londres en una exitosa gira que le produjo reconocimientos extraordinarios y
jugosos estipendios—; en París compuso una ópera que celebraba la coronación de Carlos X de
Francia, y también su última ópera bufa, además de reelaborar otras dos obras italianas, y en
1829 Guillermo Tell, que supuso su definitiva consagración.

Curiosamente, ésta sería su última ópera, aun cuando le quedaban cuatro decenas de años de
vida por delante. Sigue siendo un misterio por qué dejó Rossini de componer óperas
tras Guillermo Tell; son muchas las teorías que tratan de dar respuesta a este interrogante,
desde el hastío hasta la falta de necesidad, dada la riqueza que ya había acumulado, pasando
por abundantes dificultades de salud —gonorrea y ciclos maníaco-depresivos—, o quizá
porque las circunstancias políticas así lo determinaron. Sin embargo, aunque no volvió a
componer otra ópera, no abandonó el mundo musical, y se hizo cargo de la dirección
del Théâtre-Italien y del Liceo de Bolonia y siguió componiendo muchísimas obras breves —sin
dejar a un lado su otra gran pasión, la gastronomía—, así como varias obras religiosas y
profanas notabilísimas.

Había contraído nupcias con la cantante española Isabella Colbran en Castenaso, en 1822, pero
se separaron legalmente en 1837, y entonces él se fue a vivir con Olympe Pélissier, con quien se
casó en 1846, una vez que murió Isabella en 1845. Durante su vida, Rossini recibió las
condecoraciones más importantes de Francia e Italia y un gran reconocimiento por parte de sus
colegas de profesión; así, tras la entrevista que Rossini y Richard Wagner tuvieron en 1860, el
último declaró que, de todos los compositores que había conocido en París, el único
verdaderamente grande era Rossini, a quien veía muy serio y sencillo, pero mal comprendido
por el público.

Murio el 13 de noviembre de 1868 en Paasy, Francia.

 Biografia de Luciano Pavarotti
Luciano Pavarotti Venturi nació el 12 de octubre de 1935 en Módena. fue un tenor lírico italiano,
uno de los cantantes contemporáneos más famosos de los últimos siglos, tanto en el mundo de
la ópera como en otros múltiples géneros musicales, considerado uno de los mejores de todos
los tiempos. Fue muy conocido por sus conciertos televisados y como uno de Los Tres Tenores,
junto con Plácido Domingo y José Carreras. Reconocido por su filantropía, reunió dinero
para refugiados y para la Cruz Roja, y fue premiado en varias ocasiones por ello.

Las actuaciones más comentadas a nivel internacional del gran tenor italiano fueron las que
realizó con los españoles Plácido Domingo y José Carreras, con quienes formó el trío Los Tres
Tenores (The Three Tenors).
En su acercamiento a la música popular, Pavarotti grabó duetos con Eros
Ramazzotti, Sting, Andrea Bocelli, Celine Dion, Liza Minnelli, Elton John, Tracy
Chapman, Frank Sinatra ("My Way"), Michael Jackson, Barry White, e inéditamente con el
brasileño Caetano Veloso, la argentina Mercedes Sosa y el grupo de rock irlandés U2. Un dueto
con Sarah Brightman nunca se pudo concretar, aunque siempre fue deseado por los dos
artistas.

Durante varios años seguidos a partir de 1991 Pavarotti respondió al llamado de la

organización War Child, para recaudar fondos para la construcción de un centro de
musicoterapia en Mostar. De esta forma, se organizaron anualmente conciertos en Módena bajo
el título Luciano Pavarotti & friends, donde además participaban otras personalidades de la
música internacional, como Anastacia, Mónica Naranjo, Bryan Adams, Bon
Jovi, Queen, U2, Dolores O'Riordan, Simon Le Bon, Deep Purple, Stevie Wonder, Eros
Ramazzotti, The Corrs, Spice Girls, Zucchero, Andrea Bocelli, Céline Dion, Natalie
Cole o Vanessa Williams entre otros artistas de pop y rock de talla mundial, donde se
recaudaban fondos para diferentes causas y a beneficio de niños y hombres de todo el mundo.
Con él colaboraron las más relevantes figuras del panorama musical de la época, lo que
demuestra el alto grado de popularidad que alcanzó. Por primera vez un tenor de ópera era
conocido como estrella por el gran público.

En 2001 Universal editó un compilado de grandes éxitos titulado "Amore: The Essential
Romantic Collection".

Pavarotti fue muy solicitado en teatros de todo el mundo hasta su retiro en la Ópera
Metropolitana de Nueva York el 13 de marzo de 2004 donde interpretó el papel del pintor Mario
Cavaradossi en la ópera Tosca, de Giacomo Puccini, al lado de Carol Vaness.

En mayo de 2004 en vísperas de su cumpleaños número 70 el tenor anunció La gira del

adiós compuesto por cuarenta conciertos en todo el mundo, para despedirse de los fieles
seguidores de su canto. Pese a este retiro, en febrero de 2006 cantó el aria Nessun
dorma de Turandot, de Giacomo Puccini, como cierre a la ceremonia de inauguración de
los Juegos Olímpicos de Invierno de 2006 en el estadio Olímpicode Turín.

En su vida personal Luciano Pavarotti fue un gran aficionado al fútbol, la pintura y los caballos.
Unió su destino, durante treinta y cuatro años, con Adua Verona, con quien tuvo tres niñas:
Lorenza, Cristina y Giuliana, pero el 13 de diciembre de 2003 se casó en segundas nupcias con
su asistente Nicoletta Mantovani, treinta años menor que él, y con ella tuvo a sus dos hijos
menores: Alice y Ricardo, este último fallecido al poco de nacer.

Su tipo de voz era tenor lirico.

Fallecio el el 6 de septiembre del 2007 en Módena, Italia.

Biografia de José Carreras

José María Carreras i Coll nació el 5 de septiembre de en Madrid, España 1946. Conocido
internacionalmente como Josep Carreras, es un tenor nacido en Barcelona(España). Es conocido
por sus interpretaciones en obras de Verdi y de Puccini, además de por formar parte del
trío Los tres tenores, junto al italiano Luciano Pavarotti y al madrileño Plácido Domingo.
En 1988 creó la Fundació Internacional Josep Carreras per a la lluita contra la leucèmia,
dedicada a la cura de dicha enfermedad, que él mismo padeció. Fue galardonado con
la Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña en 1984 y con el Premio Príncipe de Asturias
de las Artes en 1991.

Carreras demostró sus aptitudes musicales desde niño. Cantaba a los pasajeros del buque en el
cual se trasladó a Buenos Aires, donde vivió con su familia en 1951, en la localidad de Villa
Ballester, por un año, regresando luego con la misma a España. A la edad de 8 años realizó su
primera actuación en público al cantar "La donna è mobile" en la radio española. A los once
años apareció por primera vez en el Liceo barcelonés como un joven soprano en el papel de
narrador de la ópera de Manuel de Falla El retablo de Maese Pedro y en un pequeño papel en el
segundo acto de La Bohème.

Durante su adolescencia, Carreras había estudiado química antes de estudiar en

el Conservatorio Superior de Música del Liceo. Debutó en 1970 en Barcelona como Ismael
en Nabucco y en la ópera Norma, llamando la atención de la soprano Montserrat Caballé, que
protagonizaba la obra. Caballé le invitó a cantar en la producción Lucrezia Borgia, el primer
gran éxito de Carreras. Volvió a cantar con Caballé en 1971 interpretando Maria
Stuarda en Londres. Los dos cantantes han coincidido en diversas obras con posterioridad.
En 1972 debutó en los Estados Unidos en el papel de Pinkerton de Madama Butterfly. En 1973
debutó en Londres, y en 1974 en Viena interpretando La Traviata. A los 28 años, Carreras había
cantado ya 24 óperas diferentes. En 1978 interpretó Don Carlo en el Festival de Salzburgo, bajo
la dirección de Karajan.

En 1973 debutó en el Teatro Colón de Buenos Aires como Alfredo en La Traviata; volvió al Colón
en 1987 para un recital junto a Agnes Baltsa.

En 1984 graba la "versión operística" de West Side Story en el papel de Tony al lado de la
soprano Kiri Te Kanawa, versión compuesta y dirigida por Leonard Bernstein. Esta versión tuvo
un premio Grammy en 1985.

En 1973 debutó en el Teatro Colón de Buenos Aires como Alfredo en La Traviata; volvió al Colón
en 1987 para un recital junto a Agnes Baltsa.

En 1984 graba la "versión operística" de West Side Story en el papel de Tony al lado de la
soprano Kiri Te Kanawa, versión compuesta y dirigida por Leonard Bernstein. Esta versión tuvo
un premio Grammy en 1985.

En 1984 recibió la Medalla de Oro de la Generalidad de Cataluña.

En 1986 debuta como actor interpretando al tenor Julián Gayarre en la película Romanza final
(Gayarre), dirigida por José María Forqué.
En 1987, cuando se encontraba en la cumbre de su carrera, le fue diagnosticada una leucemia
linfoblástica y los médicos le dieron pocas posibilidades de sobrevivir. Tras duros tratamientos
que incluyeron radioterapia y quimioterapia, y un autotrasplante de médula, Carreras pudo
reanudar su trayectoria artística. En 1988 fundó la Fundación Josep Carreras contra la
leucemia, una organización que apoya económicamente la investigación contra la leucemia y
que mantiene un banco de donantes de médula ósea.

En 1990, José Carreras debuta internacionalmente en el Concierto de Los Tres Tenores,

realizado en las Termas de Caracalla, junto con Plácido Domingo y Luciano Pavarotti. En 1991
fue galardonado con el Premio Príncipe de Asturias de las Artes.

El 13 de septiembre de 2002 inauguró en San Juan de Alicante una plaza en homenaje a la labor
realizada en la lucha contra la leucemia.

El 22 de septiembre de 2006 inauguró en Fuenlabrada un teatro que lleva su nombre.

El 17 de junio de 2008 celebró un acto en el Teatro del Liceo de Barcelona con motivo de sus
cincuenta años desde su debut en ese escenario lírico.

En 2014 recibió la Medalla de Honor del Parlamento de Cataluña.

Su tipo de voz es tenor.

Biografia de Nellie Melba

Dame Nelly Melba, GBE nació el 19 de mayo e 1861 en Melbourne. fue una cantante
de ópera australiana cuyo nombre real fue Helen Porter Mitchell.

Nacida en Melbourne, Australia, esta soprano de coloratura estudió canto

en París con Mathilde Marchesi y debutó en Bruselas con gran éxito, incorporando la Gilda
del Rigoletto, de Verdi.
Otros papeles que colaboraron a cimentar su fama fueron la Violetta de La Traviata, del propio
Verdi, la protagonista de Lucia di Lammermoor, de Donizetti, y la Julieta de Romeo y Julieta,
de Gounod.

En su madurez cambió a soprano dramática, obteniendo grandes triunfos con la Elsa

de Lohengrin de Wagner, y dentro de la ópera verdiana con la Desdémona de Otello y la
protagonista de Aida. El chef francés Auguste Escoffier, que fue uno de sus más rendidos
admiradores, creó para ella numerosos platos y postres como el melocotón Melba; cuando la
diva comenzó a tener problemas con su línea, inventó asimismo las tostadas Melba, para
ayudar a mantener su dieta. Luego de una larga y triunfal carrera en Europa y los Estados
Unidos, la cantante regresó a su Australia natal, donde escribió y publicó su
autobiografía: Melodies and Memoirs (1925).

Tras terminar su carrera en varias ocasiones, ofreció sus últimos conciertos en Australia
en 1928. Murió de septicemia en 1931, y fue enterrada en Lilydale. El cortejo funerario fue de más
de un kilómetro, y su deceso fue portada en toda Europa. La razón de su muerte se mantuvo en
secreto mucho tiempo, pero ahora se conoce que fue debida a una infección posterior a una
operación de cirugía estética.1

Los billetes de 100 dólares australianos llevan su imagen.

Falleció el 23 de febrero de 1931 en Sidney.