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Descripción y análisis de la obra de arte: Creado en los primeros años de Bauhaus de Klee,
esta pieza muestra una escena de signos y símbolos ambiguos sobre un fondo de morados
modulados y naranjas. Las diversas tiras de color insinúan un horizonte, su énfasis
horizontal contrarrestado solo por la flecha pintada con audacia, que sugiere abruptamente
algo tan ordinario como una señal de tráfico. Al igual que las muchas gradaciones de color,
la flecha genera movimiento, lo que obliga al ojo del espectador al centro de la imagen. La
influencia en Klee de las naturalezas muertas cubistas, como las de Picasso y Braque, es
claramente aparente: Klee sugiere un motivo pintado de la naturaleza y también lo cancela,
como para recordarnos que no es una ventana sino un tipo de sistema de signos abstracto
.
Tinta, lápiz y acuarela sobre papel; tiras superior e inferior con acuarela y tinta, montadas
sobre cartón - Zentrum Paul Klee, Berna
Varios objetos, formas y figuras yacían sin vida y abandonados, orientados hacia el
rectángulo negro colocado en la parte superior central de la pintura. Klee parece comentar
la noción de espacio euclidiano tridimensional y las restricciones correspondientes
impuestas por las reglas de la perspectiva lineal de un punto. El efecto "magnetizante" o
"tóxico" del punto de fuga ubicado en algún lugar del rectángulo negro hace imposible la
composición de los elementos en algo significativo.Como lo sugieren las banderas rojas
adheridas a dos de los objetos, todo parece estar a punto de desvanecerse o aspirarse
dentro de este amenazante agujero negro.
Pinta mundos que tienen sus propias leyes naturales, donde se desarrolla una existencia
paralela y donde la imaginación hace posible la convivencia de los elementos. Otras veces,
estos mundos contienen personajes creados con magia y simbolismo. La vida discurre por
sí misma dentro de sus obras.
Las formas y los colores juegan a componer la diversidad bilógica de esta naturaleza
imaginada. La luz y la armonía que genera, son sin duda, los que gobiernan este universo
de colores y líneas.
Estos son los elementos gráficos más importantes desde mi punto de vista:
Los detalles de sus mundos creados. Producen un fuerte deseo de acercarse y verlos más
de cerca. Estos detalles le dan vida y credibilidad a un mundo pictórico que parece que tiene
vida propia y en movimiento. No solo son horas de trabajo delicado, estos detalles son
pruebas de una sensibilidad profunda por las cosas pequeñas.
La línea como dibujo, creadora de formas, textura y elemento gráfico expresivo por si
mismo.
Sinopsis
Ideas claves
Klee fue fundamentalmente un trascendentalista que creía que el mundo material era solo
una entre muchas realidades abiertas a la conciencia humana. Su uso del diseño, el patrón,
el color y los sistemas de signos en miniatura, todos hablan de sus esfuerzos por emplear el
arte como una ventana a ese principio filosófico.
Klee fue músico la mayor parte de su vida, a menudo practicando el violín como preparación
para pintar. Naturalmente, vio analogías entre la música y el arte visual, como en la
naturaleza transitoria de la ejecución musical y los procesos de pintura basados en el
tiempo, o en el poder expresivo del color como algo similar al de la sonoridad musical. En
sus conferencias en la Bauhaus, Klee incluso comparó el ritmo visual en los dibujos con los
ritmos estructurales y de percusión de una composición musical del maestro de
contrapunto, Johann Sebastian Bach .
Klee desafió los límites tradicionales que separan la escritura y el arte visual mediante la
exploración de un nuevo lenguaje expresivo y en gran medida abstracto o poético de
símbolos y signos pictóricos. Flechas, letras, notación musical, jeroglíficos antiguos o
algunas líneas negras que representan una persona u objeto aparecen con frecuencia en su
trabajo, mientras que rara vez exigen una lectura específica.
Klee admiraba mucho el arte de los niños, que parecían crear sin modelos o ejemplos
previos. En su propio trabajo, a menudo se esforzaba por lograr una simplicidad similar, a
menudo empleando colores intensos inspirados por un viaje temprano al norte de África, y
por el dibujo lineal a la manera no estudiada de un artesano de todos los días.
Klee experimentó constantemente con las técnicas artísticas y el poder expresivo del color,
en el proceso a menudo rompiendo las reglas tradicionales o "académicas" de la pintura al
óleo sobre lienzo. Klee también aplicó pintura de maneras inusuales, como la pulverización
y el estampado durante sus años en la Bauhaus. Manteniendo su trabajo dentro del reino
de lo "ordinario", Klee también pintó en una variedad de materiales cotidianos, como
arpillera, panel de cartón y muselina.
Biografía
Infancia
Paul Klee nació de un padre alemán que enseñaba música en la facultad de profesores de
Berne-Hofwil y una madre suiza entrenada como cantante profesional. Animado por sus
padres musicales, tomó el violín a los siete años. Sus otros pasatiempos, dibujar y escribir
poemas, no se fomentaron de la misma manera. A pesar de los deseos de sus padres de que
siguiera una carrera musical, Klee decidió que tendría más éxito en las artes visuales, un
campo en el que podía crear en lugar de solo tocar.
Entrenamiento temprano
El viaje de Klee a Túnez en 1914 cambió su relación con el color."Color y yo somos uno",
declaró en sus diarios. "Soy pintor." Viajando con August Macke y Louis Moilliet , dibujó y
pintó paisajes de acuarela de Túnez, Hammamet y Kairouan. Después del regreso de Klee,
creó varios trabajos abstractos basados en sus acuarelas tunecinas.
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Legado
El legado artístico de Klee ha sido inmenso, incluso si muchos de sus sucesores no han
mencionado abiertamente su obra como una fuente o influencia aparente. Durante su vida,
los surrealistas encontraron la yuxtaposición aparentemente aleatoria de textos, signos
abstractos y símbolos reductivos de Klee, que sugieren la forma en que la mente en estado
de sueño recombina objetos dispares de la vida cotidiana y así logran nuevas ideas sobre
cómo el inconsciente ejerce poder incluso sobre la realidad .
En el arte europeo después de la década de 1940, artistas como Jean Dubuffet continuaron
haciendo referencia al arte de los niños como una especie de ideal expresivo e indocto. La
reputación de Klee creció considerablemente en la década de 1950, momento en el cual,
por ejemplo, los expresionistas abstractos pudieron ver su trabajo en exposiciones en
Nueva York.El uso de signos y símbolos de Klee interesó particularmente a los artistas de la
Escuela de Nueva York, especialmente a aquellos interesados en la mitología, el
inconsciente y el primitivismo (así como también el arte de la formación propia y la de los
niños). El uso de Klee del color como medio expresivo de la emoción humana por derecho
propio también atrajo a los pintores de Color Field , como Jules Olitski y Helen
Frankenthaler . Finalmente, los artistas estadounidenses que maduraban en las décadas de
1960 y 1970, como Ellsworth Kelly, tenían una deuda con Klee por su teoría del color
pionera durante el período Bauhaus.
Hay pocos artistas plásticos que hayan influenciado tanto el mundo del diseño
gráfico como Paul Klee (Quizás solo su amigo Kandinski o Piet Mondrian). Su trabajo como
profesor de la Bauhaus le permitió desarrollar un cuerpo teórico estudiando la forma y el
color, sobre la que basó sus enseñanzas y también el desarrollo de su obra.
El diseño debía ser simple, sin ornamentaciones superfluas. Las formas geométricas y los
colores pasan entonces a primer plano, fabricando una gramática de la composición, cuyas
reglas se deben explorar mediante la experimentación. La interacción entre forma y color es
la base de todo estudio previo, desde esta perspectiva.
Para Paul Klee el color puede, además, ser usado como un elemento expresivo, pero
también de composición y cinético. Es curioso como este pintor que dedicó gran parte de
su obra al color, partió de casi cero, ya que en sus inicios consideraba el color como un
atributo accesorio y decorativo. Sólo tras un viaje a un país de intensa luz y sensaciones
como Túnez se atrevió a escribir: “Soy un pintor”
La muestra recoge el temprano interés del autor por la danza, que sirvió de impulso artístico
a varias de sus obras, incluida su colaboración en montajes de danza en la Bauhaus, que
podemos también conocer gracias a recreaciones actuales que se pueden ver en video.
Caminar, correr, saltar… los movimientos humanos y de animales en desplazamiento
también merecen su estudio, el equilibrio, el ritmo y la lucha contra la gravedad o los efectos
de esta en el movimiento son elementos presentes en parte de su obra.
Las flechas son los elementos gráficos que mejor le parecen expresan esta necesidad de
movimiento, indicando dirección, pero también fuerza o velocidad de los elementos. Un
elemento que no solo indica movilidad física, sino también emocional.
Paul Klee, Genii (Figures from a Ballet), 1922, 122, pen, watercolour and pencil on paper on
cardboard, 24 x 16,4/15,9 cm, Zentrum Paul Klee, Bern
Las fuerzas naturales también son origen de movimiento, y los procesos vitales son
procesos dinámicos que pueden representarlo, así como las leyes naturales que nos hablan
de la fuerza gravitatoria o de la fuerza centrífuga.
El Equilibrio y el balanceo de los objetos está presente en sus creaciones. Un equilibrio que
puede extraerse de la forma el color o la composición. Los efectos de los objetos al
balancearse, intentando recuperar este equilibrio y sus derivadas espirituales.
Paul Klee, Centrifugal Forces, 1929, 267, watercolour on paper on cardboard, 24,5 x 23,5
cm, Zentrum Paul Klee, Bern
Los objetos rodantes, como expresión natural del movimiento, como elemento gráfico, de
fuerza similar al de la flecha. Los ciclistas como símbolos de este movimiento sobre ruedas.
También como elemento de movimiento mental y emocional.
El color y sus interacciones para generar movimiento. Sus estudios del color, esferas y
círculos de color, las mezclas, degradados, composiciones, que sirven para crear efectos
dinámicos y de movimiento en la composición.
No podemos terminar este artículo sin hacer referencia al edificio de Renzo Piano , el
Zentrum Paul Klee, donde se desarrolla la exposición. En este caso los colores son neutros,
quizás para no interferir con la intensidad de la obra que contiene, y el movimiento viene
determinado por las líneas que marcan y lo definen como una ola que se desplaza por la
ladera. Una interacción de formas que hubieran agradado a un artista tan interesado por la
expresión de lo dinámico.