Danto

Después del fin del arte

Prefacio

El marco d la pintura, la arquitectura del retablo, la instalación en la q la pintura está puesta como una joya tienen una
lógica común: definen actitudes pictóricas hacia una pintura q no es suficiente en sí misma p lograr sus propósitos. Lo
q hace David Reed en sus pinturas ejemplifica la práctica artística contemporánea. De trata d una práctica en la q los
pintores ya no dudan en disponer sus pinturas mediante el empleo d recursos q pertenecen a medios del todo diferentes
–escultura, video, película, instalación, y otros-. En la medida en q lo hacen se evidencia cuánto se apartaron los
pintores contemporáneos d la ortodoxia estética d la modernidad q insistió sobre la pureza del medio q lo definía. El
menosprecio d Reed a los imperativos modernistas subraya el “final de lo puro”. El arte contemporáneo puede ser
pensado como impuro o no puro, pero solo contra la memoria inolvidable del modernismo con su virulencia como
ideal artístico.

El arte contemporáneo no se permite a sí mismo ser representado por narrativas maestras. Las grandes narrativas
maestras q definieron primero el arte tradicional, y más tarde el arte modernista han llegado a su final. Glorificar el
arte d los períodos previos, x más verdaderamente gloriosos q hayan sido, es desear una ilusión como la naturaleza
filosófica del arte. El mundo del arte contemporáneo es el precio q pagamos x la iluminación filosófica, pero x
supuesto, ésta es sólo una d las contribuciones en q la filosofía está en deuda con el arte.

Una de las tantas cosas q caracterizan el momento contemporáneo dl arte – o lo q Danto denomina el “momento
posthistórico”- es q no hay más un linde de la historia. El nuestro es un momento d profundo pluralismo y total
tolerancia, al menos (y tal vez sólo) en el arte. No hay reglas.

1. Introducción: moderno, posmoderno y contemporáneo

Ha habido un cambio histórico importante en las condiciones d producción d las artes visuales. Hay una gran
discontinuidad en las prácticas artísticas, entre el antes y el después de la era del arte, dado q el concepto del artista no
entraba en la explicación d las imágenes piadosas. Pero la era del arte no comenzó abruptamente en 1400, ni tampoco
finalizó d golpe hacia la mitad de los años 80, cuando aparecieron los textos de Belting y d Danto.
El arte contemporáneo se define en parte xq el arte del pasado está disponible p el uso q los artistas le quieran dar. Lo
q no está disponible es el espíritu en el cual fue creado ese arte. La percepción básica del espíritu contemporáneo se
formó sobre el principio d un museo en donde todo arte tiene su propio lugar, donde no hay ningún criterio a priori
acerca d cómo el arte deba verse, y donde no hay una narrativa a la q los contenidos del museo deban ajustarse. Hoy
los artistas no consideran los museos como si estuvieran llenos d arte muerto, sino como llenos d opciones artísticas
vivas.
La distinción entre lo moderno y lo contemporáneo es algo así como la emergencia de un cierto tipo d autoconciencia.
Así como “moderno” ha llegado a denotar un estilo y un periodo, y no tan simplemente un “arte reciente”;
“contemporáneo” ha llegado a designar algo más q simplemente el arte del momento presente. Cuando se reveló el
estilo del arte moderno, lo hizo xq el arte contemporáneo había mostrado un perfil absolutamente distinto del
moderno. Igualmente, la distinción entre lo moderno y lo contemporáneo se esclareció recién en los años 70 y 80. Se
hozo necesaria la utilización del término “postmoderno” p designar lo contemporáneo, puesto q el estilo de arte q se
estaba realizando no podía definirse simplemente x lo “q se está haciendo recientemente”. Pero el término
“posmoderno” designa un cierto estilo q se puede reconocer, y q no cubriría todos los espacio q abarca lo
contemporáneo. X eso es q Danto prefiere denominarlo “arte posthistórico”.
Así, lo contemporáneo es un periodo d información desordenada, d una casi perfecta libertad. Hoy ya no existe el
linde d la historia. Todo está permitido. Pero eso hace q sea urgente tratar d entender la transición histórica desde el
modernismo al arte posthistórico. De modo q hay q tratar d comprender la década d los 70. En los 60 hubo un
paroxismo d estilos, en cuyo curso parecía no existir una marca especial d mirar las obras d arte en contraste con las
“meras cosas reales” (ej de Andy Warhol, con su Brillo box, en comparación con las Brillo d los supermercados).
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El arte conceptual, x su parte, demostró q no necesariamente debe haber un objeto visual papable p q algo sea una
obra d arte. Esto significa q ya no se puede enseñar el significado del arte a través d ejemplos.
En la medida en q las apariencias sean importantes, cualquier cosa podría ser una obra d arte, y si se fuera a realizar
una investigación sobre qué es el arte, será necesario realizar un giro desde la experiencia sensible hacia el
pensamiento. Esto significa, q debe realizarse un giro hacia la filosofía.
La pregunta filosófica sobre la naturaleza de arte surgió dentro del arte cuando los artistas insistieron, presionaron
contra los límites, después d los límites, y encontraron q los límites cedían. Cada uno d los límites estaba trazado x una
tácita definición filosófica del arte, y aquello q borraron nos ha dejado en la situación en la q nos encontramos hoy.
Solamente cuando se volvió claro q cualquier cosa podía ser una obra d arte se pudo pensar filosóficamente sobre el
arte. Y allí fue donde se asentó la posibilidad d una verdadera filosofía general del arte.
El arte se ha librado d una carga q ahora podrá entregar a los filósofos. Los artistas se libraron d la carga d la historia y
fueron libres p hacer arte en cualquier sentido q desearan, x cualquier propósito o sin ninguno. Esta es la marca del
arte contemporáneo. A pesar d ser enteramente distinto del arte moderno, el poshistórico o contemporáneo, no advino
tan de repente, el mundo del arte d los 70 estaba lleno d artistas q querían poner el arte al servicio d metas personales o
políticas.

2. Tres décadas después del fin del arte

La reflexión estética, q llegó a su climax en el s XVIII no tiene aplicación esencial a lo q d Danto llama “arte después
del fin del arte”, x ej, el arte producido desde los últimos años d la década dl 60. Q eso fue y es arte antes y después d
la era dela arte muestra q la conexión entre arte y estética es una contingencia histórica y no forma parte d la esencia
del arte.
El hecho d proclamar el fin del arte no significa q el arte deje d hacerse, d hecho, se ha realizado mucho arte después
de esta proclamación. Declarar q el arte ha llegado a un fin significa q la crítica de las gdes narrativas ya no es lícita.
Ningún arte está mandatado históricamente contra ningún otro tipo d arte. Nigún arte es más verdadero q otro, ni +
falso hcamente q otro. Cada uno d los movimientos fue conducido x una percepción d la verdad filosofica del arte: el
arte es esencialmente X y todo lo q no sea X no es arte. Así, cada uno d los movim vio su arte en términos d una
narrativa d recuperación, descubrimiento o revelación d una verdad q había estado perdida o solo a penas reconocida.
Cada una d las narrativas son manifiestos encubiertos. Cada una fue apoyada x uan fil d la ha q definió el significado d
la ha como un estado final q consiste en el verdadero arte. Así es como se puede decir que hay como una especie de
esencia transhistórica en el arte, en todas partes y siempre la misma, pero únicamente se revela a sí misma a través d la
ha. Sin emb, no resulta convincente identificar la esencia dl arte con una clase particular d arte. Esto conduce a una
lectura ahistórica d la ha del arte, una vez q nos sacamos los disfraces todo arte es esencialmente el mismo, o el
accidente hco no pertenece a la esencia del arte como arte. La crítica consiste en penetrar estos disfraces, alcanzando
esa pretendida esencia.
Habría 3 paradigmas estéticos:
 El clásico, de la mímesis.
 El modernismo: es ante todo, la edad de los Manifiestos.
 El post-histórico: es propio de éste ser inmune a los manifiestos y requerir otra práctica crítica
Danto está situado en una determinada fil d la ha, q le permite entender d un cierto modo al arte; y esta fil d la ha, está
basada ftalmente en la ha misma. La naturaleza filosófica del arte se alzó como preg dentro d la ha del arte mismo.
“mi pensamiento es q el fin del arte consiste en el acceso a la conciencia d la verdadera naturaleza del arte. Este
pensamiento es enteramente hegeliano”.
La fil dl arte desp d Hegel podrá haber sido estéril, pero el arte, q estaba pugnando x un entendimiento filosófico d sí
mismo, fue muy rico; la riqueza d su especulación filosófica fue una con la riqueza d la producción artística.
Un manifiesto singulariza el arte q justifica como verdadero y único arte, como si el movimiento q expresa hubiera
hecho un descubrimiento filosófico de lo q es el arte esencialmente. Pero el verdadero desc filosófico es q no hay un
arte + verdadero q otro y el arte no debe ser d una sola manera: todo arte es igualmente e indiferentemente arte.
Hasta el s XX se creía tácitamente q las obras d arte eran siempre identificables como tales. El problema filosófico
ahora es explicar xq son obras d arte. Con Warhol queda claro q una obra d arte no debe ser d una manera en especial,
puede parecer una caja Brillo o una lata d sopa.

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Estos descubrimientos filosóficos emergieron en un determinado momento en la historia del arte y dieron a conocer q
la filosofía del arte era rehén d la ha del arte en el sentido d la verdadera formulación d la preg filosófica relativa ala
N del arte no podía haber sido hecha hasta q fuera históricamente posible preguntarla. Una vez q la preg ha sido traída
a la conciencia en un determinado momento hco del arte, un nuevo nivel d conciencia filosófica ha sido alcanzado.
Esto significa 2 cosas:
 Habiéndolo traído a este nivel d conciencia, el arte no carga con la responsabilidad d su propia definición
filosófica. Esto es tarea d los filósofos del arte.
 Una definición d arte debe ser compatible con cualquier tipo d arte. Debe capturarlo todo sin excluir nada.
Pero esto significa q no puede haber ninguna dirección hca artística q el arte pueda tomar a partir d ese pto.
Warhol quiere decir q todos los estilos tienen el mismo mérito, ninguno es mejor q otro. Esto no implica q todo el arte
sea igual o indiferenciadamente bueno. Solo significa q lo bueno y lo malo en materia d arte no tiene q ver con el
estilo correcto o el caer bajo el manifiesto correcto. Esto es lo q quiero decir con el fin del arte. Significa el fin d cierta
narrativa q se ha desplegado en la ha del arte durante siglos, y q ha alcanzado su fin al liberarse d los conflictos d una
clase inevitable en la edad d los manifiestos. Y hay 2 maneras d liberarse d los conflictos:
 Eliminar todo lo q no se ajusta a ntro manifiesto.
 Vivir juntos sin necesidad d discriminación.
La crítica moral sobrevive en la era del multiculturalismo, como la crítica dl arte sobrevive en la era del pluralismo.

3. Narrativas maestras y principios críticos

La afirmación d q el arte ha terminado es una afirmación acerca del futuro: no de q no habrá más arte, sino q
semejante arte será arte después del fin del arte, o, como ya lo denominé, arte posthistórico.
Lo único q nos está prohibido es q las formas tengan la especie d significado q tenían cdo nos estaban prohibidas. Hoy
todo es posible en el sentido en q ciertas coas no eran posibles para un africano o un europeo en 1890.
En ambas condiciones –el fin d la ha y el fin del arte- hay un planteo d la libertad en 2 sentidos del término. Los seres
humanos, como lo describieron Marx y Engels, son libres p lo q quieran ser, y son libres desde una cierta agonía
histórica q dispone q, en cualquier escenario dado, haya una forma d ser autentica y una no autentica, la 1° apuntando
hacia el futuro y la última al pasado. Y los artistas al final del arte son igualmente libres d ser lo q quieran ser; son
libres d ser cualquier cosa, incluso d ser todas.
Estilo es un conjunto de propiedades q comparten un corpus d obras d arte, pero q está lejos d poder ser tomado p
definir, filosóficamente, q eso las hace obras d arte. Mimesis: era la rta a qué es el arte, desde Aristóteles hasta
avanzado el s XIX, incluso en el XX. Para Danto, la mimesis es un estilo. El modernismo llegó a un final cdo la
filosofía se separó del estilo xq emergió la verdadera pregunta: ¿qué es el arte? Esto tuvo lugar alrededor d 1964. Y a
partir d allí entramos en el periodo posthistórico: una vez q fue determinado q una definición filosófica del arte no se
vinculaba con ningún imperativo estilístico, x lo q cualquier cosa podía ser una obra d arte.
Así, según la narrativa maestra d la ha del arte es q hay tres eras:
 Era de la imitación: la crítica d arte aquí está basada en la verdad visual.
 Era de la ideología: distinción exclusivista d qué es el arte.
 Era posthistórica: marcada x la separación entre filosofía y arte, esto significa q la crítica del arte debe der tan
pluralista como el mismo arte posthistórico.
La mimesis no fue ideologizada hasta el advenimiento dl modernismo, q la convirtió en un estilo. La teoría de Danto
es una teoría d las estructuras históricas, los modelos narrativos, dentro d los cuales están organizadas las obras d arte
a través del tpo, y q entran en las motivaciones y actitudes d loa artistas y del publico q internalizaron esos modelos.

4. El modernismo y la crítica del arte puro: la visión histórica de Clement Greenberg

El modernismo surge en un momento en el q se replantea un estado d cosas vigente, y q se vislumbra como turbio. Y
esto explica xq tuvo q tomar la forma d los manifiestos. Todos los ppales movimientos filosóficos del s XX se
propusieron la preg d qué era la filosofía: el positivismo, el pragmatismo, la fenomenología, y c/u intentó definir la fil
desde cimientos firmes. El posmodernismo, x su parte, está determinado x el antifundacionismo, y es en cierta manera
lo q tmb hizo el arte posthistórico.
Cada arte, bajo su autocrítica, debería volverse puro, (s/Greenberg, tomando los conceptos d Kant). Pero Greenberg
está dentro del periodo q intenta analizar, dado q tiene su propia definición d lo q debe ser la pintura, y esto lo hace
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perteneciente a la edad d los manifiestos. El modernismo, es entonces, la edad d la autocrítica, tanto en forma d arte, s
ciencia, d fil, o moral. El arte es un espejo d esta totalidad cultural, pero lo es tmb cualquier otra cosa. De esta manera
cada arte podía ser considerado puro y encontrar en esa pureza la garantía d sus calidades tanto como su
independencia. Pureza significa autodefinición. La ha del modernismo es una ha d purgación o purificación genérica,
del desembarazarse del arte de cualquier cosa q no le sea esencial. (Nótese la analogía política del modernismo con el
totalitarismo, con las ideas d pureza racial..)
“Una obra d arte no debe significar, sino ser”. Esto es imposible y se ve claramente en los años 60 cdo los artistas
producen obras tan parecidas los objetos reales. Una solución a esto fue el decir que la realidad no tiene sentido pero q
el arte sí lo tiene. Y a lo sumo se puede afirmar q la realidad define un límite al cual puede decirse q el arte se
aproxima –pero q no puede alcanzar bajo pena d no ser más arte-.
Esto corresponde tal vez al sentimiento d q todas las distinciones jerárquicas fueron agotadas, q no hay un área u
orden d la experiencia q sea tanto intrínseca como relativamente superior a cualquier cosa. El modernismo llegó a su
fin cdo el imperativo fue sustituir la estética materialista x una estética del significado, x el hecho d q la distinción
entre objeto d arte y realidad ya no podían distinguirse simplemente en términos visuales.

5. De la estética a la crítica del arte

No hay una línea d separación entre lo bello en arte y lo bello en la naturaleza, esta distinción es vieja y gastada, y
conduce a pensar en la distinción entre lo bueno y lo malo. Los really-mades fueron apreciados x Duchamp,
precisamente x ser imposibles de describirse en términos estéticos, y él demostró q si eran arte pero no bellos, la
belleza no podía formar parte d ningún atributo definiente del arte. Este reconocimiento dibuja una línea muy nítida
entre la estética tradicional y la fil del arte, q incluye la práctica actual del arte.
La estética se volvió inadecuada para tratar con el arte después d 1960, pues aquí se dio un signo d q tenía una
disposición inicial p rehusarse a considerar como arte al no arte o al arte antiestético. Esta crisis fue
momentáneamente superada con la teoría d q el arte debe ser mimético, y su distinción débil entre lo bello artístico y
lo bello natural, dejando en claro q lo q importante era la “calidad” estética. Pero la teoría clásica estética no puede ser
apelada x el arte después del arte, xq pareció despreciar del todo la calidad estética: la repulsa d llamarlo arte se
apoyó en términos d estética clásica. Una vez q fue establecido el estatus d estas obras como arte, fue cabalmente claro
q la estética como teoría necesitaba seriamente ser reparada p ser útil en el trato con el arte. Y p mí, esto llevaba a
examinar la distinción entre lo práctico y lo estético como el defecto básico d la disciplina. Greenberg se había basado
en Kant, en su distinción entre lo bello artístico y lo bello natural y la aplicación d reglas. Y el juicio crítico, p él
descansa en la regla q dice q: la calidad en arte no puede ser ni investigada ni probada x la lógica o el discurso. Solo la
experiencia gobierna en esta área.

6. La pintura y el linde de la historia: el final de lo puro

Lo q es un hecho hco objetivo es q las artes visuales comenzaron a desviarse hacia un tipo d arte p el cual una práctica
crítica guiada x la estética dejó d tener mucha aplicabilidad. En cto la pintura llegó a ser tridimensional, tomó la
identidad d la escultura, y el espacio se volvió nuevamente ilusorio. Podía haberse pensado en q se había vuelto real,
pero en todo caso, “una buena parte d la pintura dl expresionsmo abstracto comenzó a demandar una ilusión más
coherente del espacio tridimensional, al extremo en q lo hizo y lo demandó p la representación, desde q tal coherencia
puede ser creada solamente a través d la representación tangible d objetos tridimensionales.”
Los artistas del arte pop le dieron un nuevo curso a las artes visuales
El Arte (como concepción metafísica q la eleva al plano dl espíritu) se identificó a sí mismo con cierta forma
representacional en la era vasariana, y fue sacudido d esta identificación equivocada a fines del s XIX, y sin emb llegó
a identificarse con su vehículo material, con la pintura y la tela, superficie y forma, al menos en el caso d la pintura.
La marca hca del presente es q no hay ninguna narrativa maestra apliacble.
E fin y la culminación de la historia del arte es la comprensión filosófica d lo q es el arte, una comprensión lograda tal
como es lograda la comprensión d cada una d ntras vidas, d los errores q cometemos, d las sendas falsas q seguimos.
La primera senda falsa ha sido la identificación total del arte con la pintura. La segunda senda falsa fue la estética
materialista d Greenberg, donde el arte se separa d lo q hace al contenido pictórico convincente, x lo tanto d la ilusión,
hacia las propiedades materiales palpables dl arte, q difieren esencialmente en cada medio d expresión. El cbio d la

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narrativa d Vasari a la d Greenberg fue un cbio desde las obras d arte en su dimensión d uso a las obras d arte en su
capacidad d mencionar. Y d acuerdo con esto, la crítica cambió su objetivo d interpretar acerca d lo q eran las obras a
describir lo q eran. Cambió del significado al ser; de la semántica a la sintaxis.
Desde el s XVIII, el gusto fue el concepto central de la estética, pero murió cdo murió el modernismo. Con Duchamp,
y sus obras, se pone en tela de juicio q la estética sea necesaria p q exista el arte. Él demuestra q la estética no es una
propiedad esencial o definitoria dl arte. Esto puso fin a todo el proyecto hco q caracterizó al modernismo, x buscar
distinguir lo esencial d las cualidades accidentales dl arte, p purificarlo d las rptaciones d la representación, la ilusión y
cosas semejantes. Lo q Duchamp hizo fue demostrar q el proyecto debería discernir cómo el arte debía ser distinguido
d la realidad. Y este fue, después d todo, el problema q animó a Platón al comienzo d la filosofía. Al colocar el
problema del arte y la realidad, reunió al arte con sus ilegítimos comienzos filosóficos. El límite entre arte-realidad fue
el tema y el lugar del arte norteamericano desde los años 60 hasta los 90.
Y una vez q el arte se planteó la verdadera forma del problema filosófico, ed, la dif entre obras d arte y objetos reales,
la historia terminó. El momento filosófico se había alcanzado. Decir q la ha terminó es decir q ya no existe un linde d
la ha p q las obras d arte queden fuera d ella. Todo es posible, todo puede ser arte. Y xq la pte situación no está
esencialmente estructurada, ya no podemos adaptarnos a una narrativa maestra. Y esta situación inaugura la época d
mayor libertad q el arte ha conocido.

7. Arte pop y futuros pasados

La formulación íntegra d la ha del arte había sufrido una cbio, aunque fuera difícil d percibir a ppios d los 60 cdo el
arte y la pintura eran virtualmente sinónimos. Ninguno d los artistas d la época pudieron percibir el presente histórico
en el q se hallaban. La causa del cbio fue la emergencia d algo q fue infortunadamente llamado arte pop, (según
Danto) el movimiento artístico más crítico del siglo. El pop marcó el fin d la gran narrativa del arte occidental al
brindarnos la autoconciencia d la verdad filosófica del arte.
Si es posible q una cosa d la vida cotidiana se convierta en obra d arte, entonces, todo es posible, y si esto es así, no
hay un futuro específico, si todo es posible, nada es necesario o inevitable. Esto fue cdo Andy Warhol expuso sus cajas
de Brillo Box en la galería Stable en abril d 1964. Fue allí, cdo los artistas comenzaron a cerrar la brecha entre el arte
y la realidad, y cdo se daba solución al problema q inquietaba a Platón en el libro X d la República, al desechar a los
artistas, x ser imitadores d apariencias. Mas la pregunta ahora es: ¿qué hace que las cajas d Andy Warhol sean arte y
así las del supermercado, si son iguales? ¿por qué era una obra d arte cdo los objetos a los q se parece exactamente, al
menos bajo un criterio conceptual, son meras cosas, o al menos, meros artefactos?
Así, se deja en claro q la diferencia entre ambos no puede entenderse mediante elementos visuales, ni enseñando con
ejemplos. Pero los filósofos ya habían supuesto q se podía.
Si el problema del filosófico del arte había sido aclarado desde dentro d la ha dela rte, entonces esa ha había llegado a
su final. La ha del arte occidental puede dividirse en 2 episodios ppales:
Episodio Vasari: construyendo el arte como representacional lo concibe como buscando a través del tpo mejorar e la
conquista d las apariencias visuales. Y esta narrativa finalizó p la pintura cdo las pinturas en movimiento mostraron ser
sobradamente mejores p retratar la realidad d lo q podía hacerlo la pintura.
Episodio Greenberg: definió la la nueva narrativa en términos d un ascenso a las condiciones identificatorias del arte,
específicamente lo q diferencia a la pintura d cualquier otro arte, y lo encontró en las condiciones materiales del
medio. Este llegó a su final cdo el arte llegó a su final, cdo el arte como tal reconoció q la obra d arte no debe ser d
ninguna manera en especial.
El pop fue un movimiento d liberación q se dio en consonancia con los movimientos d liberación feminista y d la raza
negra. En 1964 finalizó en EEUU una forma de apartheid q había endurecido la vida política, y ese mismo año se
publicó una revista q reconocía los d° feministas. En términos d estrategias del mundo del arte, el pop
norteamericano, el realismo capitalista alemán y el arte d los Sots rusos podrían verse como tantas otras estrategias p
atacar los estilos oficiales: el realismo socialista en la Unión Soviética, y el expresionismo abstracto en los EEUU.
La marca de los artistas después del fin del arte es q no adhieren a un solo canal creativo. Pero es exactamente la
marca del momento posthistórico q la búsqueda d la identidad esté subrayada x todos aquellos q están, después d todo,
lejos d su objetivo.

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“Cultura pop”, refiere a los productos d los medios masivos, no a las obras d arte q son atraídas x la cultura popular. El
arte pop como tal consiste en emblemas transfigurados d la cultura popular en arte alto. El arte pop es existente xq es
transfigurativo. El pop celebraba las cosas más comunes d la vida.
La fil analítica se puso a sí misma contra la totalidad de la filosofía desde Platón hasta Heidegger. El pop se puso se
puso contra el arte como totalidad en favor d la vida real. Y más allá d eso, ambos respondieron a algo muy profundo
en la psicología humana del momento, y eso fue lo q los hizo tan liberadores fuera d la escena norteamericana. El pop
no fue un movimiento q siguió a otro y fue reemplazado x otro. Fue un momento cataclísmico q señaló profundos
cbios políticos y sociales y efectuó profundas transformaciones filosóficas en el concepto del arte.
Duchamp estaba debilitando la estética y probando las fronteras del arte. Hay un parecido externo entre Duchamp y el
pop, sin emb, los motivos q los movían en diferentes.

8. Pintura, política y arte poshistórico

El concepto d historia en el q se ha movido el arte ha desaparecido del mundo del arte. Ahora estamos en una “época
posthistórica”. Hay un pto d vista alternativo, q más q un tránsito interrumpido, señalaría el movimiento hacia un
plano d conciencia diferente. Éste es el plano d la filosofía, el q, a causa d su naturaleza cognitiva, admite una
narrativa d desarrollo progresivo, q idealmente converge en una definición d arte filosóficamente adecuada.
Casi todas las denuncias del fin de la pintura de este siglo evocaban un argumento político (como puede verse en
Benjamin). Y en pintura, x lo menos, parecería q, en términos d Hegel “el arte, x lo q se refiere a su destino supremo,
es y permanece siendo para nosotros un mundo pasado”. Además, la base p una solución filosofíca al problema del
arte había sido establecida y los artistas ya no la buscaban. Esto había pasado a manos d los filósofos. Era un
panorama desolador p los artistas, q solo podían continuar la estética modernista. Solamente si uno creía q el
modernismo había terminado, podía hacer otra cosa. Y así es como surgió luego el neoexpresionismo. Pues, sin
narrativa q continuar, ¿por qué no expresar?
El verficacionismo en filosofía era como el modernismo en la teoría artpistica, prohibiendo ciertas cosas, restringiendo
la práctica artística aceptable a canales aceptables y definiendo el modo en q la práctica debería ser estructurada.
La emergencia d la fotografía es vista como un ataque al museo construido como el bastión d una cierta clase política.
El tema del posmodernismo fue el d q no había ya gdea narrativas maestras. El espíritu deconstructivo entendió las
teorías, menos en términos d verdad o falsedad q en términos d poder y opresión. Los críticos d izquierda consideraron
q el modernismo fue una teoría calculada p reforzar privilegios mediante el fortalecimiento d instituciones q
presuponían la pintura y la escultura (ppalmente el museo, la galería, el experto), y a su vez, los museos, subsidiados x
fondos d corporaciones, actuaban como agentes conservadores del statu quo. Esto significa q los artistas q trabajaban
“fuera del sistema” podían considearse a sí mismos como agentes del cbio social e incluso d la revolución, q
subvirtiera el statu quo institucional esquivando las instituciones q la deconstrucción reveló como opresivas. La
pintura misma pasó a representar la forma d arte x excelencia del grupo autorizado x las instituciones en cuestión,
entonces empezó a considerársela como políticamente incorrecta y los museos pasaron a ser estigmatizados como
depositarios d objetos opresivos q tenían poco q decir a los oprimidos. La pintura se tornó politizada, y cto más puar
era su aspiración más política parecía.
Sin emb, p Danto, la lectura deconstructiva del arte, no llega al fondo del tema. La estructura profunda es una clase de
pluralismo sin precedentes, entendido en términos de unag abierta disyunción d medios q, al mismo tpo, han servido a
las correspondientes disyunciones d las motivaciones artísticas y han bloqueado la posibilidad narrativa d desarrollo
progresivo. El arte ha entrado en un estadio posnarrativo.

9. El museo histórico del arte monocromo

10. Los museos y las multitudes sedientas
11. Modalidades d la historia: posibilidad y comedia