“LOS MOVIMIENTOS ARTISTICOS

OCCIDENTALES”
IMPRESIONISMO
El expresionismo viene de ser una deformación de la realidad para expresarla de forma más
subjetiva. Se quieren mostrar sentimientos, emociones, algo que ilustre la naturaleza y el ser
humano.
Expresionistas, como deformadores de la realidad, los hubo desde los principios del arte (ahí
tenemos los casos de Bruegel, Goya, Van Gogh o El Greco,) pero fue en esta atmósfera pre-
bélica de Alemania cuando artistas de tendencias muy diversas y diferente formación y nivel
intelectual se unieron para la creación de un arte más personal e intuitivo, donde predomina la
visión interior del artista la «expresión»— frente a la plasmación de la realidad la «impresión».
Tenemos así temáticas oscuras y sórdidas: la soledad, la miseria, la muerte, el sexo… Una
forma de reflejar la amargura existencialista de esos años, con una visión trágica del ser
humano en la que el individuo va a la deriva en la sociedad moderna, industrializada, donde se
ve alienado, aislado.
Hoy sigue existiendo el expresionismo. Nunca se fue del todo, sin embargo como corriente
artística concreta y estéril debemos dividirla en cuatro periodos, cuatro
escuelas artísticas que influyeron notablemente en todo el arte posterior:
ETAPA PRE-EXPRESIONISTA: Dos figuras abrieron la puerta al
expresionismo años antes que los jóvenes alemanes: Munch en Noruega y
Ensor en Bélgica fueron pioneros en mostrar lo grotesco y lo extraño. En
definitiva la disección del alma humana.
DIE BRÜCKE (EL PUENTE): En 1905 nace en Dresde «un
puente para sentar las bases de un arte de futuro». El grupo Die
Brücke, liderado por Kirchner, pretendió influir en la sociedad
destruyendo las viejas convenciones, dejando a la inspiración fluir libre
y dando expresión inmediata a las presiones emocionales del artista.
El color y sus temas fueron las herramientas para ello: obras
angustiosas, marginales y desagradables. También las técnicas: les
interesaban las obras gráficas ásperas como la xilografía, con la que
podían plasmar su concepción del arte de una manera directa,
dejando un aspecto inacabado, bruto, salvaje, cercano al primitivismo
que tanto admiraban.
DER BLAUE REITER (EL JINETE AZUL): Surgió en múnich
en 1911, agrupando a artistas con una determinada visión del arte, en
la que imperaba la libertad creadora y -otra vez- la expresión personal
y subjetiva de las obras.
distaban de die brücke por no tener una actitud tan temperamental,
una plasmación casi fisiológica de la emotividad. der blaue reiter
pretendían ser más refinados y espirituales, pretendiendo captar la
esencia de la realidad a través de la purificación de los instintos. en vez
de deformar, optaron por depurar, llegando así a la abstracción. Finalmente hay que citar
aparte el expresionismo libre de la escuela de parís, un grupo de gentes aún más variopinta
que se crió en ese clado de cultivo que fue el parís de entreguerras (1905–1940). como
esponjas que eran, chuparon de todos los estilos habidos y por haber, incluido el
expresionismo. Pululando por Montmartre y Montparnasse, los expresionistas de París vivían
una vida mísera y bohemia -fueron conocidos como «les maudits» (los malditos) y crearon un
arte heterodoxo,generalmente bohemio y torturado.

POSTIMPRESIONISMO:
También llamado "Neo impresionismo" o "Postimpresionismo"
es un movimiento artístico que nace en Francia a finales del
siglo XIII -XIX y principios del XX posteriores al
impresionismo. es representado como continuación y
contraposición al Impresionismo, toma elementos de este,
pero a la vez rechaza de las limitaciones que supone.
Hoy en día, nuestros ojos están acostumbrados a ver colores
puros, paisajes de la naturaleza, diferentes tipos de
pinceladas, etc. Por ello para entender el postimpresionismo
se debe saber que a éste se le debe la libertad artística en su
conjunto. El postimpresionismo es la base de los estilos
modernos y contemporáneos.
CARACTERÍSTICAS DEL POSTIMPRESIONISMO:
 De un modo pragmático lo que caracteriza al postimpresionismo son las pinceladas
cortas y precisas, reflejo de los cambios rápidos que se desarrollan en la época
 Los colores puros evocan la radicalidad que se vive en la sociedad
 La naturaleza ya no se ve de forma subjetiva, si no que se observa como un conjunto.
 El movimiento de las imágenes junto con la textura, reflejan el dinamismo cultural que
se acelera gracias a los nuevos medios de transporte y la importación de objetos
exóticos, especialmente de oriente.
Por ello una de las ramas destacadas del postimpresionismo es el "japonismo", sub-estilo del
cual Vincent van Gogh fue uno de los principales exponentes, por ejemplo con obras como:
"Un cangrejo de espaldas".
En conclusión, el postimpresionismo consiste en una liberación de las formas clásicas, los
colores y texturas se transforman a la par con el cambio social de finales del 1870 -1965 . Las
barreras de la razón se destapan por completo y dan lugar a una cultura inclusión e igualdad
que hasta hoy perdura.

ANTECEDENTES:
Todos los artistas agrupados bajo el término posimpresionismo conocieron y practicaron en
algún momento los postulados impresionistas, un movimiento pictórico que se desarrolló en la
segunda mitad del siglo XIX y que rompió los supuestos académicos, sociales y económicos
vigentes en el arte.
Al ser rechazados en los circuitos oficiales, el grupo de los pintores impresionistas organizó sus
propias exposiciones y mantuvo una cohesión que duró hasta que, décadas después, algunos
de ellos alcanzaron cierto reconocimiento. De la disgregación de ese movimiento nació el
posimpresionismo en parte como evolución y en parte como ruptura.
El impresionismo supuso una ruptura de los conceptos dominantes en la pintura y la escultura.
Si hasta entonces primaban el estudio racional de la obra, la composición sobre dibujos previos
y la claridad de las líneas, los impresionistas abandonaron ese suelo para tratar de captar en
sus obras la impresión espontánea, tal como llegaba a sus sentidos. No les importaba tanto el
objeto que se quería pintar como la sensación recibida. La sensación fugaz, efímera,
difícilmente perceptible y reproducible.
Los pintores impresionistas abandonaron los talleres y salieron al exterior. Sus modelos fueron
la calle, el edificio, el paisaje, la persona, el hecho pero no en su concepción estática y
permanente sino percibida en ese momento casi único. El pintor impresionista pintaba in situ y
terminaba la obra con rapidez. Utilizaba trazos sueltos, cortos y vigorosos. Los objetos y el
propio espacio no se delimitaban con líneas siguiendo los cánones renacentistas sino que se
formaban en la retina del observador a partir de esos trazos imprecisos.
La pintura impresionista descubrió el valor cambiante de la luz y su movimiento, utilizando una
rica paleta cromática de la que excluyeron el negro porque el color negro, según decían, no
existía en la naturaleza
PRINCIPALES REPRESENTANTES:
GEORGES SEURAT: denominado neo-impresionista por sus criterios más
próximos al impresionismo, inventó una técnica denominada puntillismo, cuyo
ejemplo más destacado es el cuadro Un domingo de verano en la Grande Jatte.
La obra de Cézanne, Gauguin y Van Gogh se caracterizó por un uso expresivo del
color y una mayor libertad formal.
Detalle de La Parade(1889), obra
puntillista de Georges Pierre Seurat

El PUNTILLISMO: Es un estilo de pintura que consiste en hacer una obra

mediante puntos. Aparece por primera vez en 1884.
El procedimiento de pintura empleado por este artista, consiste en poner puntos de colores
puros en vez de pinceladas sobre la tela. Este fue el resultado de los estudios cromáticos
llevados a cabo por Georges Seurat (1859-1891), pintor francés, quien en 1884 llegó a la
división de tonos por la posición de toques de color que, mirados a cierta distancia, crean en la
retina las combinaciones deseadas
PAUL CÉZANNE(1839-1906): Es uno de los artistas
posimpresionistas más destacado. Tuvo una etapa impresionista,
pero lo más decisivo de su obra lo realiza en esta etapa. En sus
obras se preocupa por la construcción, la estructura y el armazón
intelectual que transmite, lo que le lleva a ser precursor de las
formas geométricas del cubismo y la abstracción. Utiliza, para
definir sus figuras, las formas puras: el cono, el cilindro, las
esferas, etc., pero trazados sin compás ni regla. Los jugadores de
naipes, grandes bañistas, El muchacho del chaleco
rojo, La montaña de Santa Victoria, Naturaleza muerta Naturaleza muerta con
con melocotones, Bañistas, son algunas de sus obras. pañería, jarro y frutero
(1893-1894) de Paul
PAUL GAUGUIN (1848-1906): Es otro de los grandes Cézanne melocotones,
pintores posimpresionistas. Redescubre la geometría Bañistas.
y los colores planos. Sus cuadros tienen un sentido
decorativo muy acusado. Harto de París, y de la civilización occidental que impone una
determinada visión del arte, se traslada a vivir primero a Pont-Aven y luego a Tahití, en busca
del paraíso perdido y la pureza del arte de las culturas primitivas. Para él el arte es abstracto
por definición, por lo que utiliza colores y luces irreales. La bella Angele, Los senos de las flores
rojas, El Cristo amarillo, Visión después del sermón, Y el oro de sus cuerpos, Autorretrato con
una paleta, La comida.
VINCENT VAN GOGH (1853-1890):Es,
probablemente, el genio más individualista de todos
los pintores posimpresionistas. Su dramatismo vital se
refleja en sus cuadros muy vivamente. Sus obras se
caracterizan por la explosión cromática, el trazado
sensual de la pincelada gruesa y larga, y los colores
muy luminosos, pero también muy tétricos. Tiene una
larga serie de autorretratos y otra de girasoles.
Autorretrato, Vaso con girasoles, Cosecha de La Crau,
Barcas en la playa, El cartero Joseph Roulin, Los
comedores de patatas, La silla de Vicent, Los
girasoles. La noche estrellada de Vincent van Gogh

HENRI DE TOULOUSE-LAUTREC (1864-1901): Es el

cronista pictórico de la sociedad de su tiempo, la bohemia
y los bajos fondos. El único posimpresionista que no
abandona París. Es un gran caricaturista que plasma lo
que es concretamente visible, la realidad, con la ayuda de
cuatro trazos. Tiene muchos encargos de carteles para
espectáculos y utiliza el cartel como modo de expresión
artística, lo que le acerca al modernismo. Son
característicos sus arabescos y las tintas planas. El baño,
Jane Abril con guantes, El salón de la calle de los
Baile en el Moulin Rouge (1890)
molinos, Baile en el Molino Rojo, Retrato de Van Gogh, La
danza mora, Retrato de Oscar Wilde
ISIDRO NONELL (1873-1911): Es un pintor español que no
tiene la altura de los grandes, pero sí una fuerte
personalidad. Utiliza un trazo firme y un color no naturalista.
Gitana del abanico, Busto de mujer, Mujer con mantón.
También se consideraron artistas postimpresionistas, Harry
Lachman, Henri Rousseau y Georges Seurat.
FAUVISMO (FOVISMO)
Movimiento pictórico que apareció en Francia en
los años 1904-1908(siglo XX). Se desarrolló a su
vez en otros países y se caracteriza por el uso
provocativo del color.
El nombre fovismo o fauvismo procede de la
expresión les fauves ‘las fieras’, dado por el crítico
de arte Louis Vauxcelles en 1905.
➔ La Revolución Industrial y los grandes
adelantos de la técnica ayudaron a moldear
la mentalidad del hombre a principios del
siglo XX.
➔ La primera y segunda guerra mundial, fue donde ocurrió el cambio. Cada cual
trajo sus tendencias.
➔ Los filósofos aportan con sus teorías reveladoras. Hay vanguardias que no se
pueden explicar ni entender si no se integran con estas teorías.
➔ Hay una gran necesidad de cambio que ha dado como resultado corrientes
diversas e incluso contradictorias; como la tendencia conceptual y la realista.
CARACTERÍSTICAS DEL FAUVISMO:
● -Uso del color de forma espontánea, según la técnica de divisionismo. Es decir,
los tonos no se mezclan en la paleta. Se colocan puros en el cuadro uno al lado
del otro. Las primeras obras presentan, por ejemplo, en el rostro humano colores
rojos, verdes o morados que, en principio, es ajeno a la carnalidad.
● Los contornos se presentan marcados, incluso con una línea gruesa de color
negro y nada más tenemos que observar.
● Rechazaban de forma unánime el concepto de belleza tradicional. El canon se
sustituyó por la libertad expresiva.
● Admiraban las expresiones artísticas de África y Oceanía a través de un
incipiente comercio de arte que empezaba a despuntar en los elitistas círculos
de París. Las máscaras, los roleos de tatuajes y la desnudez de estas culturas
fascinaron a estos artistas.
● Se elimina la perspectiva, los claroscuros y, en estadios avanzados del
movimiento, se reduce al mínimo el “decorado” de los cuadros. La luz llega de
los colores, pero no del juego de las sombras.
● Las formas se simplifican y se recurre a lo natural, a lo primitivo e instintivo.
● Con el solo uso del color se intenta captar los sentimientos. Para ello se utiliza el
simbolismo de los objetos
ARTISTAS DEL FOVISMO:
HENRI MATISSE (1869-1954)
Fue un pintor, dibujante, grabador, escultor francés
conocido por su original y fluido uso del color. Es
considerado el líder creador de los fauvistas. Intenta
expresar sentimientos a través del uso del color y de la
forma.
Reconocido, junto a Pablo Picasso, como uno de los
grandes artistas del siglo XX. Su profesionalismo lo
llevó a destacarse por su maestría en el lenguaje
expresivo del color y del dibujo.
Supo conjugar en sus obras la influencia de artistas
como Van Gogh o Gauguin, con la de las cerámicas
persas, el arte africano o las telas moriscas.
También adoptó la técnica puntillista de Signac, pero la
modificó aplicando pinceladas más amplias.
La construcción con el color y la simplificación formal dominaban sus cuadros con gran
audacia y seguridad. Matisse dibuja con el color, que es el que da entidad a la pintura
pudiendo desempeñar el papel de dibujo, de perspectiva y de sombra de volúmenes.
Recibió un reconocimiento internacional durante su vida ganándose la aprobación de
los críticos de arte y de los coleccionistas. Uno de los encargos más importantes fue La
música y La danza, donde volumen y ritmo se conjugan armoniosamente. Usa tres
colores para imprimir movimiento a los bailarines que parecen flotar con ritmo.
OBRAS:
-La raya verde(1905) -La Alegria de vivir(1906)

-Desnudo azul(1907) -La danza(1909) -La habitacion roja(1908)

André Derain (1880-1954)
La mayor parte de su producción de época fauvista son
personajes campestres y urbanos y muestran colores puros, a
menudo aplicados sobre el lienzo directamente con el tubo,
pinceladas irregulares y despreocupación por la perspectiva o
por la representación realista.
Hacia 1908 comienza a experimentar con otros estilos. La
influencia de Cézanne le lleva a un colorido más sosegado y a
un mayor control en sus composiciones. En Las bañistas
(1908) intenta combinar las innovaciones de los pintores
anteriores, como Monet y Cézanne. Le influyó el cubismo
produciendo obras geométricas como El puente viejo de
Cagnes y el primitivismo de la escultura africana. Sus últimas obras, posteriores a 1912
mostrarán cada vez más la influencia de estilos diversos.
OBRAS:
-El puente de Charing cross(1906) -Boats at collioure(1905)

Maurice de Vlaminck (1876-1958)

Es el autor de paisajes dramáticos que se
inspiran directamente el colorido y la
pincelada de Van Gogh. Sus obras fauvistas
producen brillantes contrastes cromáticos.
La aparición del Fauvismo en Francia en 1905
fue paralela al expresionismo alemán,
particularmente a los pintores del grupo Die
Brücke. Ambos movimientos marcaron la
aparición de lo emocional frente al estudio
calculado y teórico de la realidad.
Hacia 1908 comienza a deshacerse el grupo de los fauves, cada uno de sus
componentes seguirán caminos divergentes. A partir de ese año, el cubismo asumió la
vanguardia, a la que pronto se inclinarán Braque y Derain principalmente.
OBRAS:
-Árboles rojos (1906) -The bar counter(1900) -El río Sena en Chatou

Albert Marquet (1985-1987)

Pintor francés, uno de los máximos representantes del
fauvismo. Es autor de una gran variedad de paisajes y
escenas parisinas, principalmente del río Sena y de sus
puentes, todos ellos plasmados a través de trazos simples y
enérgicos, y de la violencia cromática característica del estilo
fauvista. Marquet llegó a París en 1890, donde estudió en la
Escuela de Bellas Artes y más tarde conoció a Henri Matisse,
líder indiscutible del fauvismo, junto al que comenzó a pintar a
orillas del Sena. Realizó numerosos cuadros de ciudades,
puertos y ríos en los que se aprecia su habilidad para
simplificar y atrapar la esencia del paisaje que tiene frente a
sus ojos. Más adelante abandonaría el fauvismo y desarrollaría un estilo más
naturalista y convencional.
OBRAS:
-Notre dame en invierno (1902) -Fruta, cuchillo y servilleta (1898)

Othon Freisz (1879-1949)

Raoul Dufy (1877-1953)
Los representantes del fauvismo quisieron imponer el arte del pasado de manera
violenta, mostrar sus sentimientos con libertad en sus obras, Hacer la creación estética
dependiente del instinto y librar la forma y el color de la naturaleza.

SURREALISMO
TERMINOLOGÍA:
El término proviene del francés: surréalisme
Fue acuñado por el escritor francés Guillaume Apollinaire en 1917. En el programa de
mano que escribió para el musical Parade (mayo de 1917).
También es definido como: Una realidad que se supera.
DEFINICIÓN:
El surrealismo es un movimiento artístico surgido en Francia a partir del dadaísmo, en
la década de los años 1920, en torno a la personalidad del poeta André Breton
(padre del surrealismo) cuando en 1924 escribió el Manifiesto surrealista :
"Automatismo síquico en su estado puro, por el cual uno se propone expresarse
verbalmente, mediante la palabra escrita o de cualquier otra manera, lo que realmente
ocurre con el pensamiento."
El surrealismo buscaba descubrir una verdad, con escrituras automáticas, sin
correcciones racionales, utilizando imágenes para expresar sus emociones, pero que
nunca seguían un razonamiento lógico.
De este modo el surrealismo encajó bien en la pintura, ayudado por el ambiente post
Primera Guerra Mundial, donde se querían romper los límites que la razón venía
imponiendo durante siglos.
ANTECEDENTES:
Al principio el surrealismo era un movimiento fundamentalmente literario ,luego surge
un concepto fundamental, el automatismo, basado en una suerte de dictado mágico,
procedente del inconsciente, gracias al cual surgían poemas, ensayos, etc., y que más
tarde sería recogido por pintores y escultores.
Los surrealistas señalaron como precedentes a varios pensadores y artistas, como el
pensador presocrático Heráclito, el Marqués de Sade y Charles Fourier, entre otros.
Las teorías psicoanalíticas de Sigmund Freud sobre el sueño y el subconsciente fueron
sin duda uno de los pilares en la creación del pensamiento surrealista.
La primera exposición surrealista se celebró en la Galerie Pierre de París en 1925.
TIPOS:
Entre los artistas plásticos se manifiesta una dualidad en la interpretación del
surrealismo: -surrealistas abstractos, que se decantan por la aplicación del
automatismo puro, como André Masson o Joan Miró
-surrealistas figurativos, interesados por la vía onírica (del sueño o relacionado con las
imágenes y sucesos que se imaginan mientras se duerme), entre ellos René Magritte,
Paul Delvaux, o Salvador Dalí .
Max Ernst es uno de los pocos surrealistas que se mueve entre las dos vías.
ARTISTAS:
SALVADOR DALÍ, utilizaba la fijación de imágenes tomadas de los sueños ; lo llamo el
método paranoico-crítico, una mezcla entre la técnica de observación de Leonardo da
Vinci por medio de la cual observando una pared se podía ver como surgían formas y
técnicas de frottage; fruto de esta técnica son las obras en las que se ven dos
imágenes en una sola configuración.
MAX ERNEST, creador del frottage , consiste en frotar un lápiz sobre una hoja
colocada sobre un objeto, consiguiendo una impresión de la forma y textura de ese
objeto
JOAN MIRÓ, cultivó un estilo prístino, infantil, y más onírico . Su surrealismo se
desenvuelve entre las primeras obras donde explora sus sueños y fantasías infantiles
 (El Campo labrado), las obras donde el automatismo es predominante (Nacimiento del
mundo) y las obras en que desarrolla su lenguaje de signos y formas biomorfas
(Personaje lanzando una piedra).
ÓSCAR DOMÍNGUEZ, inventó la decalcomanía (aplicar gouache negro sobre un papel
el cual se coloca encima de otra hoja sobre la que se ejerce una ligera presión, luego
se despegan antes de que se sequen)
RENÉ MAGRITTE, basada en el juego de imágenes ambiguas y su significado
denotado a través de palabras poniendo en cuestión la relación entre un objeto pintado
y el real
GIORGIO DE CHIRICO, su pintura metafísica intenta retomar la pintura figurativa
propia del Renacentismo, donde está muy presente la representación con perspectiva.
MAR CHAGALL, sus pinturas, están llenas de un humor y una fantasía que
encuentran su resonancia en el subconsciente.
PAUL KLEE, sus cuadros aluden a los sueños, la poesía, la música
Además de las técnicas ya mencionadas de la decalcomanía y el frottage, los
surrealistas desarrollaron otros procedimientos que incluyen igualmente el azar: el
raspado, el ''fumage'' y la distribución de arena sobre el lienzo encolado.
DATO CURIOSO:
Frida Kahlo (1907-1954) fue una pintora mexicana reclamada por Breton como
surrealista, aunque Kahlo rechazó la etiqueta.
OBRAS:

‘’Campo labrado’’-Joan ‘’La persistencia de la La columna rota-

Miró- memoria ‘’- Salvador Dalí- -Frida Kahlo-

“Los amantes’’
-René Magritte - “El vestido de la novia’’
-Max Ernst-