Grupo 1

Josquin des Prés

Josquin Des Prés, derivado del flamenco "Josken" , diminutivo de "José"

latinizado: Josquinus Pratensis (Tournai c. 1450 — Condé, 27 de agosto de 1521)
fue un compositor franco-flamenco del Renacimiento, considerado el más famoso
compositor europeo entre Guillaume Dufay y Giovanni Pierluigi da Palestrina, la
figura central de la escuela musical flamenca. También es conocido como Josquin
Desprez.

Es comúnmente considerado como la figura central de la escuela franco-flamenca.

Josquin es ampliamente considerado por la erudición musical como el primer
maestro del estilo de música vocal polifónica del alto Renacimiento, que
empezaba a surgir en su época.

Durante el siglo XVI, Josquin adquirió paulatinamente fama como el mayor

compositor de la época, cuya técnica y expresión magistrales fueron
universalmente imitadas y admiradas. Plumas tan dispares como Baldassare
Castiglione y Martin Luther escribieron sobre su reputación y fama, teóricos como
Heinrich Glarean y Gioseffo Zarlino consideraron su estilo la mejor representación
de la perfección. Fue tan admirado que los copistas le atribuyeron multitud de
composiciones anónimas, probablemente para aumentar sus ventas. Se le
atribuyen al menos 374 obras; ha sido tan sólo tras la llegada de la erudición
analítica moderna cuando se han puesto en duda algunas de esas erróneas
atribuciones, con la base de pruebas manuscritas y rasgos estilísticos.

Sin embargo, a pesar de la enorme fama de Josquin que duró hasta el comienzo
de la época barroca y se revitalizó en el siglo XX, su biografía es oscura y no
sabemos casi nada de su personalidad. No se conservan sus partituras originales;
el único vestigio atribuido a su propia mano es un grafiti con su nombre inciso en
un muro de la Capilla Sixtina entre las firmas de otros cantores acumuladas a lo
largo de los siglos, y tan sólo se conoce una referencia contemporánea a su
persona, en una carta del Duque Ercole I de Ferrara. La vida de docenas de
compositores menores del Renacimiento están mejor documentadas que la de
Josquin.

Josquin escribió tanto música sacra como laica y en todas las formas vocales
significativas de la época, incluyendo misas, motetes, chansons y frottole. Durante
el siglo XVI fue alabado por su supremo don melódico así como por su uso de
ingeniosos aparatos técnicos. En épocas modernas, los eruditos han intentado
averiguar los detalles básicos de su biografía, y han intentado definir las
características clave de su estilo para corregir las falsas atribuciones de su obra,
una tarea que se ha demostrado difícil. Josquin era amigo de solucionar
problemas de composición de formas diferentes en sucesivas composiciones,
como hizo Stravinsky más de 400 años después. En ocasiones escribía con un
estilo austero desprovisto de ornamentos, y en otras escribía música que requería
un considerable virtuosismo. Heinrich Glarean escribió en 1547 que Josquin no
sólo era un “magnífico virtuoso” sino también capaz de ser un burlón, usando la
sátira de un modo efectivo. Mientras que la prioridad de los eruditos en los últimos
años ha sido eliminar música del “canon Josquin” (incluyendo algunas de su más
famosas obras) y reasignarla a sus contemporáneos, la música restante
representa parte de lo más famoso y perdurable del Renacimiento.

Orlando di Lasso

Orlando di Lasso, conocido también como Orlandus Lassus, Roland de Lassus,

Roland Delattre u Orlande de Lassus (Mons, 1532 - Múnich, 14 de junio de
1594) fue un compositor franco-flamenco del Renacimiento tardío. Junto con
Palestrina y Victoria está considerado el líder de la escuela romana, en su
época de madurez musical, además de uno de los más influyentes músicos
europeos en el siglo XVI.

Nació en Mons, provincia de Henao, en lo que actualmente es parte de Bélgica. La

información sobre su juventud es escasa, aunque existen varias historias mal
documentadas. La más famosa de ellas cuenta que fue raptado tres veces a
causa de la singular belleza de su voz. A la edad de 12 años deja los Países Bajos
junto a Ferrante I Gonzaga, y se dirige a Mantua, en Sicilia y posteriormente a
Milán, donde reside entre 1547 y 1549. Estando en Milán se hospeda en Hoste da
goo , cuna de madrigalistas, una influencia que fue definitoria en su estilo musical
inicial. En los primeros años de la década de 1550 trabaja como cantante y
compositor en Nápoles para Constantino Castriota, época de la que se presume
datan su primeras composiciones. Luego se muda a Roma, donde trabaja para el
Archiduque de Florencia, quien mantenía un hospedaje allí. En 1553 es nombrado
maestro de capilla de la Basílica de San Juan de Letrán en Roma, un puesto muy
prestigioso para un músico de sólo 21 años de edad, pero permanece allí sólo por
un año (Palestrina toma su lugar un año después).

Lasso fue uno de los más prolíficos, versátiles y universales compositores del
Renacimiento tardío. Escribió más de 2000 composiciones, incluyendo música
vocal con letras en latín, francés, italiano y alemán, en todos los géneros
conocidos en su época. Esto incluye 530 motetes, 175 madrigales italianos y
villanellas, 150 chansons francesas, y 90 lieder alemanes. No se conoce música
estrictamente instrumental que sobreviva hoy, o siquiera haya existido. Esto
constituye una interesante omisón para un compositor tan prolífico y abarcativo, en
una época en que la música instrumental se convertía en el más destacado medio
de expresión del arte Europeo.
Pavana

La Pavana (del francés pavane) es una danza cortesana en 2/4 o 4/4 de moda en
toda Europa en el Renacimiento. Se dio particularmente en Italia (hasta mediados
del siglo XVI), en Francia y en Inglaterra (hasta principios de XVI).

No se sabe en concreto cuál es el origen del término pavana. Según el diccionario

de la música New Groove existen 2 posibles orígenes:

 Del italiano padovano, lo cual significa "procedente de la ciudad de Padua

 Del pavo (en Idioma castellano) en alusión a los movimientos elegantes de
esta ave y que rememora el estilo de la danza.

El decoroso desarrollo de la pavana siguió las novedosas maneras formales que

eran hábito en la corte española del Siglo XVI, trasladadas a Italia.

Por los manuscritos existentes, podemos deducir que la pavana tiene un origen
italiano. El ejemplar más antiguo conocido es una tablatura titulada "Dalza’s
Intabulatura de lauto" impresa por Petrucci en Venecia en el año 1608. Este
ejemplar contiene 5 pavanas "a la veneciana" y 4 pavanas "a la ferrarense"

La pavana de este momento poseía rasgos similares a la baja danza del siglo XV.
Empezaba con un baile sosegado que daba paso a la introducción. Esta fue una
danza muy fácil de bailar compuesta por dos pasaos simples: un paso doble hacia
delante seguido de 2 pasos simples uno doble hacia atrás, siempre empezando
con el pie izquierdo. Esta podía ser interpretada al doble de tiempo.

Thoinot Arbeau cita en su orchésographie (1587) un ejemplo de Paraná cantada

titulada "Belle qui tiens ma vie". Este ejemplo pasará a ser una canción popular y
aparecerá en varias antologías y reediciones, como por ejemplo en el "First Book
of consort Lessons" de el compositor inglés Thomas Morley.

A finales del siglo XVI Thoinot Arbeau y Thomas Morley empezarán a teorizar
sobre lo que es una pavana, ya que estaba empezado a ganar relevancia en las
cortes. Arbeau la describirá como una música invariable, con la posibilidad de
estar a doble tiempo, y con dos secciones regulables. Morley profundiza más
señalando que es una pieza de carácter funerario, con 3 secciones con una
proporción exacta y que cada una de estas secciones se repetirán una vez cada
una. Esta regla de la proporción se la saltaran compositores posteriores como el
compositor Inglés Edward Gibbon.
En 1581 la Pavana se convertirá en una danza más compleja de la mano del
compositor Fabritio Caroso, el cual compone la pieza "Il Bailarino" pensada para
un bailador profesional.

En los primeros manuscritos del sigo XVI la pavana aparecía frecuentemente

como la primera en un grupo de danzas, seguidas por un grupo de danzas más
rápido en tiempo ternario. Estas estaban basada en el material armónico y
melódico de la pavana inicial. Otras danzas italianas posteriores como saltarello
también fueron muy relevantes en el estudio y compresión de la pavana. como en
la colección de danzas (‘tutte le pavane hanno el suo saltarello e piva’). El
saltarello siempre vendrá precedido por la pavana, y en algunas ocasiones en más
número.

En el ámbito de la música para tecla, las primeras danzas para teclado en Italia
eran anónimas. Sobrevivieron en un pequeño manuscrito en Venecia, los cuales
datan de 1540. Incluyen 15 pavanas seguidas de saltarellos . Las danzas eran
variaciones en el mismo grupo armónico. Estos primeros manuscritos estaban
escritos en tablatura al teclado.

Los instrumentos a solo de este periodo probablemente no estaban pensados para

acompañar en danza, por lo que las danzas fueron decoradas de forma similar al
tratamiento que llevaban las chanson y los motetes.

La Pavana en Europa.

En 1570 la Pavana se da en Francia y los Países bajos. Estas piezas son simples,
en estilo homofónico y vienen con la afinación al principio de la partitura. Muchas
veces se decoraban con recursos idiomáticos, lo cual era muy común en este
periodo.

En Italia la Pavana reemplazaría al Passamezzo.

En Inglaterra las primeras pavanas que sobreviven son "The Emperorse Pavyn" y
"King Harry the VIIIth Pavyn" ambas son reducciones para teclado de las 4 partes
de la pieza. Los Manuscritos Isabelinos contienen una serie de pavanas del
continente en estilo homofónico y simple, similar al contemporáneo del continente.
A final de siglo desaparecido como danza y se convirtió en un nuevo significado
para los muscos ingleses. En el Manuscrito de Dublín se ve que se decora con un
contrapunto a 3 voces, la técnica llevada a por Byrd en las 10 pavadas para piano
"My Ladye Nevell’s Booke (1591)". Se imprimieron muy pocas pavanas en
Inglaterra. Entre las que se encuentran existen piezas de John Download para
laúd violas y violines.

Por extensión, pavana se aplica también a la música que acompaña a la danza,

comparable con la más vivaz gallarda. La música de la Pavana sobrevivió cientos
de años después que la danza en sí misma fuese abandonada, por ejemplo en la
forma de tombeau.
En la corte de Luis XIV fue una danza muy popular, hasta ser sustituida por la
Courante.

Una danza emparentada, de movimientos algo más ligeros era el Passamezzo, en

muchos casos referido como Pavana-Passamezzo.

Conde

Conde uno de los títulos europeos con los que los monarcas muestran su gratitud
a ciertas personas. Este reconocimiento suele llevar parejo un determinado
tratamiento asociado al mismo pero actualmente no concede ningún tipo de
privilegio, como antaño que recibían tierras o exenciones de impuestos, entre
otras gracias. Su forma femenina es condesa y su señorío se denomina
condado.

Su origen está en los comites («acompañantes del emperador») del Bajo Imperio
Romano.

Actualmente el término county (condado en inglés) se utiliza para la división

administrativa en algunos países angloparlantes, tales como Estados Unidos,
Reino Unido, Canadá o Australia. En este sentido equivale al 'municipio' español.
Actualmente existen en España unos 1.000 condados.1

El cónyuge de quien ostenta el título también es conocido como conde o condesa.

Miguel Ángel

Michelangelo Buonarroti (Caprese, 6 de marzo de 1475-Roma, 18 de febrero de

1564), conocido en español como Miguel Ángel, fue un arquitecto, escultor y
pintor italiano renacentista, considerado uno de los más grandes artistas de la
historia tanto por sus esculturas como por sus pinturas y obra arquitectónica. 1
Desarrolló su labor artística a lo largo de más de setenta años entre Florencia y
Roma, que era donde vivían sus grandes mecenas, la familia Médici de Florencia
y los diferentes papas romanos.

Fue el primer artista occidental del que se publicaron dos biografías en vida: Le
vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori, de Giorgio Vasari, publicada en
1550 en su primera edición, en la cual fue el único artista vivo incluido,2 y Vita de
Michelangelo Buonarroti, escrita en 1553 por Ascanio Condivi, pintor y discípulo de
Miguel Ángel, que recoge los datos facilitados por el mismo Buonarroti. 3 Fue muy
admirado por sus contemporáneos, que le llamaban el Divino.4 Benedetto Varchi,
el 12 de febrero de 1560, le envió una carta en nombre de todos los florentinos
diciéndole:

... toda esta ciudad desea sumisamente poderos ver y honraros tanto de cerca
como de lejos... Vuestra Excelencia nos haría un gran favor si quisiera honrar con
su presencia su patria.

Grupo 2

John Dowland

John Dowland (1563 – 20 de febrero de 1626) fue un compositor y laudista

inglés, uno de los músicos más famosos de su época.

Se conoce muy poco de la vida temprana de Dowland, pero generalmente se

admite que nació en Londres o posiblemente Dublín. Se sabe que en 1580 fue a
París, donde trabajó al servicio del embajador de Inglaterra ante la corte de
Francia. Allí se convirtió al catolicismo y posiblemente trabajó hasta 1587.
Después de buscar en vano un puesto en la corte protestante de Isabel I de
Inglaterra, según él debido a su conversión, estuvo al servicio del duque de
Brunswick y del conde de Hesse. Asimismo viajó a Italia. Desde 1598 trabajó
como músico en la corte de Christian IV de Dinamarca. Volvió a Inglaterra en 1606
y por fin en 1612 obtuvo un puesto como laudista de Jacobo I de Inglaterra.

Aunque fue famoso en su época como laudista y cantante, hoy en día es

reconocido como un gran compositor de música melodiosa y armónica. Compuso
87 canciones (para voz y laúd) que se publicaron en tres Books of Songs or Ayres
(1597, 1600 y 1603), A Pilgrims Solace (1612) y Musical Banquet (publicado por
su hijo Robert en 1614). Sus demás obras incluyen: Lachrimae (1604),
conteniendo 21 obras instrumentales, y muchas piezas para laúd solo.

Algunas obras de Dowland sirvieron de inspiración para que Benjamin Britten, en

1964, compusiera su Nocturno sobre un tema de 'Dowland''' para guitarra, una de
las obras más importantes del repertorio guitarrístico.

Claudio Monteverdi

Claudio Giovanni Monteverdi (Cremona, bautizado el 15 de mayo de 1567 -

Venecia, 29 de noviembre de 1643) fue un compositor, gambista y cantante
italiano. Marcó la transición entre la tradición polifónica y madrigalista del siglo XVI
y el nacimiento del drama lírico y de la ópera en el siglo XVII. Es la figura más
importante en la transición entre la música del Renacimiento y del Barroco.
Inició sus estudios de música con Marco Antonio Ingegnieri, maestro de capilla de
la Catedral de Cremona, y a los 15 años publicó sus primeras obras. Entre 1587 y
1638 publicó ocho colecciones de madrigales, en los que muestra su dominio de la
técnica madrigalista. Combina las escrituras homofónica y contrapuntística, donde
utiliza libremente armonías y disonancias. En 1599 se casó con Claudia de
Cataneis, que murió en 1607 y en ese mismo año se estrenó Orfeo, favola in
musica, su primer drama musical, considerado la primera ópera de la historia,
como la entendemos hoy día. Su siguiente ópera Arianna (1608), cuya música se
ha perdido, excepto el famoso "Lamento", consolidó su fama.

En 1613 fue maestro de coro y director de la catedral de San Marcos de Venecia,

ciudad en la que compuso la mayoría de su obra sacra. Para inaugurar el primer
teatro de esta ciudad, compuso más óperas. En su música religiosa utilizó gran
variedad de estilos, que iban desde la polifonía de su Misa de 1610 a la música
vocal operística de gran virtuosismo y las composiciones corales antifonales de
sus Vísperas de la beata Virgen, también de 1610. La obra Selva morale e
spirituale, publicada en 1640, es un enorme compendio de música sacra. En 1637
compuso una nueva serie de óperas, de las cuales solo conocemos Il ritorno
d'Ulisse in patria (1641) y L'incoronazione di Poppea (1642).

Marqués

Marqués es un título nobiliario mediante el cual monarcas europeos han

concedido un honor o dignidad a ciertas personas y linajes a lo largo de la historia.
Su posición en la jerarquía nobiliaria europea es superior a la de conde e
inmediatamente inferior a la de duque. Su forma femenina es marquesa y su
señorío se denomina marquesado.

Sus orígenes se remontan a los señores de frontera del reino, llamados

inicialmente marqueses, ya que tenían a su cargo la defensa de una frontera y
administración de una marca dentro del Imperio carolingio. Estas marcas eran
territorios fronterizos, como la Marca Hispánica, (frontera con los territorios
musulmanes

Filippo Brunelleschi

Filippo di Ser Brunellesco Lapi, conocido simplemente como Filippo

Brunelleschi (1377 - 15 de abril de 1446), fue un arquitecto, escultor y orfebre
renacentista italiano. Es conocido, sobre todo, por su trabajo en la cúpula de la
Catedral de Florencia Il Duomo. Sus profundos conocimientos matemáticos y su
entusiasmo por esta ciencia le facilitaron el camino en la arquitectura, además de
llevarlo a la invención de la perspectiva cónica.1
Fue contemporáneo de Leon Battista Alberti, Ghiberti, Donatello y Masaccio.
Giorgio Vasari incluyó la biografía de Brunelleschi en su obra Vida de los mejores
arquitectos, pintores y escultores italianos

Grupo 3

Guillaume Dufay

Guillaume Du Fay (pronunciación en francés: /dy fa(j)i/) o Dufay, Du Fayt (5 de

agosto de 1397 -27 de noviembre de 1474) fue un compositor y músico franco-
flamenco del primer Renacimiento. Como figura central en la escuela borgoñona,
es el más famoso e influyente compositor de la escena musical europea de
mediados del siglo XV

De su testamento se deduce que nació probablemente en Bravante (Beersel en

flamenco, actual Bélgica). Otras fuentes, apuntan a que posiblemente naciera en
Fayt. Era hijo ilegítimo de un sacerdote desconocido y una mujer llamada Marie
Du Fayt.1 Marie se trasladó con su hijo a Cambrai siendo él muy pequeño,
permaneciendo con un pariente que era allí canónigo de la catedral. Las
autoridades catedralicias descubrieron pronto el talento musical de Dufay, y es
evidente que le proporcionaron una completa formación musical; estudió con
Rogier de Hesdin durante el verano de 1409, y fue niño de coro en la catedral
desde 1409 hasta 1412. Durante aquellos años estudió con Nicolas Malin, y las
autoridades debieron quedar impresionados con las habilidades del chico porque
le dieron su propia copia del Doctrinale de Villedieu en 1411, un acontecimiento
muy inusual para alguien tan joven. En junio de 1414, cuando sólo tenía dieciséis
años, ya había obtenido un beneficio como capellán de St. Géry, colindante con
Cambrai. Más tarde, ese mismo año, probablemente fue al Concilio de Constanza,
permaneciendo posiblemente hasta 1418, momento en el que regresó a Cambrai.

Desde noviembre de 1418 hasta 1420 fue subdiácono en la catedral de Cambrai.

En 1420 dejó de nuevo Cambrai, para irse esta vez a Rímini, y posiblemente a
Pésaro, donde trabajó para la familia Malatesta. Aunque no queda rastro
documental de su estancia allí, varias composiciones suyas pueden datarse de
esta época; contienen referencias que hacen razonablemente cierta una estancia
en Italia. Allí conoció a los compositores Hugo y Arnold de Lantins, que estaban
entre los músicos de los Malatesta. En 1424 regresó de nuevo a Cambrai, esta
vez debido a la enfermedad y subsiguiente fallecimiento del familiar con quien
estaba su madre. Para el año 1426, sin embargo, estaba de regreso a en Italia,
esta vez en Bolonia, donde entró al servicio del cardenal Luis Alemán, el legado
papal. Mientras estaba en Bolonia se convirtió en diácono, y para 1428, en
sacerdote.

El cardenal Alemán fue expulsado de Bolonia por la familia rival Canedoli en 1428,
y Dufay también abandonó en este tiempo, marchando a Roma. Se convirtió en un
miembro del Coro Papal, sirviendo primero al papa Martín V, y luego después de
su muerte en 1431, al papa Eugenio IV. En 1434 fue nombrado maistre de
chappelle en Saboya, donde entró al servicio del duque Amadeo VIII;
evidentemente dejó Roma debido a una crisis en las finanzas del coro papal, y
para escapar de la turbulencia y las inseguridades durante la lucha entre el
papado y el concilio de Basilea. Aun así en 1435 estaba de nuevo al servicio de la
capilla papal, pero esta vez fue en Florencia — el Papa Eugenio había sido
expulsado de Roma en 1434 por el establecimiento allí de una república
insurrecta, simpatizante del concilio de Basilea y del movimiento conciliar. En 1436
Dufay compuso el motete festivo Nuper rosarum flores, una de sus composiciones
más famosas, que se cantó en la bendición de la cúpula de Brunelleschi de la
catedral de Florencia, donde Eugenio vivía exiliado.

Durante este período Dufay también empezó su larga asociación con la familia de
Este en Ferrara, algunos de los más importantes mecenas musicales durante el
renacimiento, y con los que probablemente había trabado conocimiento durante
los días de su asociación con la familia Malatesta; Rimini y Ferrara no sólo están
geográficamente cercanas, sino que, además, las dos familias estaban
relacionadas mediante el matrimonio, y Dufay compuso al menos una balada para
Nicolás III, Marqués de Ferrara. En 1437 Dufay visitó la ciudad. Cuando Nicolás
murió en 1441, el siguiente marqués mantuvo el contacto con Dufay, y no sólo
siguió apoyando financieramente al compositor sino que copió y distribuyó parte
de su música.

Luca Marenzio

Luca Marenzio (o Marentio) (18 de octubre? 1553? - 22 de agosto de 1599) fue

un compositor italiano del renacimiento tardío, uno de los más renombrados de su
época por la composición de madrigales, antes de la transformación estilística que
-ya en el Barroco - les imprimió Monteverdi.

Marenzio nació en Coccaglio, cerca de Brescia, y murió en Roma.

Después de una primera formación en Brescia, pasó varios años en Mantua y

finalmente se mudó a Roma, donde estuvo empleado como cantante por el
cardenal Cristóforo Madruzzo hasta 1578. Después de la muerte del cardenal,
sirvió en la corte de Luis de Este, momento en que comienza a obtener reputación
como compositor.

Para 1581 se había vuelto inmensamente popular, tal era la frecuencia en que sus
obras eran reimpresas, incrementándose asimismo la aparición de sus madrigales
en antologías.

En 1587 viaja a Florencia, donde entra al servicio de Fernando I de Médici, gran

duque de Toscana por dos años. En 1589 vuelve a Roma, donde pasa casi todo el
resto de su vida, salvo un viaje a Polonia de 1596 a 1597, donde sirvió en la corte
de Segismundo II en Varsovia. Según fuentes de la época, el viaje a Polonia
arruinó su salud, y Marenzio muere en Roma en 1599 , poco después de su
regreso desde aquel país.

Aunque Marenzio escribió algo de música sacra en la forma de motetes y

"madrigales espirituales" , la gran mayoría de su obra, y su principal legado, es sin
duda su enorme producción de madrigales, que varían en estilo y técnica a lo
largo de sus dos décadas de carrera como compositor.

Marenzio publicó por lo menos quince colecciones de música, la mayoría

madrigales, pero también canzonettas y villanellas .

Se conocen actualmente cerca de 500 composiciones de su autoría. Todas

ofrecen una creciente seriedad a través de su vida, pero en todas sus épocas de
compositor fue capaz de incluir los más maravillosos temas en una composición, a
veces con una simple frase. Su música raramente resulta mal articulada, ya que
sigue acabadamente los textos de los poemas que se cantan.

En su última década escribió obras no ya serías, sino casi sombrías, pero

experimentó con el cromatismo, es una estupenda manera sólo superada por
Gesualdo.

En uno de sus madrigales,1 modula completamente alrededor de las quintas en

una sólo frase, usando notas enarmónicas entre voces (por ejemplo Do sostenido
y Re bemol al mismo tiempo), imposibles de cantar sin optar por una aproximación
a una afinación equivalente.

Otra característica de su estilo, y definitoria del género del madrigal, es su uso del
"madrigalismo" , técnica por la que se refleja en la música una palabra, frase o sus
implicaciones. Esta técnica fue muy utilizada por su efecto dramático y emocional,
que no puede pasar desapercibido para el oyente.

Gallarda

La gallarda (inglés: galliard, francés: gaillarde) fue una forma musical y danza del
Renacimiento, popular en toda Europa en el Siglo XVI. Se la menciona en
manuales de danza de Inglaterra, Francia, España, Alemania e Italia, entre otros.
Los ejemplos más antiguos de esta danza se conservan en la ciudad de París
aunque su origen es italiano. En cuanto al compás decir que es principalmente un
compás binario compuesto, es decir, un 6/8, aunque puede haber casos en los
que encontremos la intercalación de este compás con compases en Hemiolia.
La gallarda es improvisada, con los danzarines combinando patrones de pasos
que ocupan uno o más compases de música. En una medida, la gallarda tiene
típicamente cinco pasos.1Un patrón de gallarda puede duplicar o más su duración,
lo que involucrará 11 pasos, 17 pasos y así sucesivamente.

La función de la gallarda es ir unida a otra danza, principalmente a una Pavana,

como es en el caso de "God Save the Queen", una obra moderna que sigue esta
estructura; aunque también puede estar unida a otros tipos de danzas, aunque no
tan frecuente como la pavana, toma el tema de la danza que sigue y la transforma
rítmicamente. Es semejante al Saltarello y a la Romanesca, con pasos para la
danza similares a estos dos pero más vivos, con más fuerza y vigor, combinando
pasos sencillos y los cinco pasos mencionados anteriormente, aunque en su estilo
musical no hay alguna diferencia.

Fue el baile favorito de la reina Isabel I de Inglaterra. Como prueba de que era un
baile vigoroso, puede recordarse un informe de John Stanhope, cuando la reina
promediaba sus cincuenta años:

"La Reina está tan bien como se lo aseguró...sus ejercicios habituales son
seis o siete gallardas en un día, además de tocar música y cantar".2

Además de usarse como danza completa, los pasos de gallarda se usaron

además dentro de otras formas de baile. Por ejemplo , en el manual de danza de
Fabritio Caroso (Italia, Siglo XVI), y en el de Cesare Negri, las danzas
desarrolladas incluían una sección de "gallarda" .

Un paso especial que se usaba durante la gallarda era denominado "la volta", un
acercamiento cerrado e íntimo con la pareja, con la dama elevada por el aire y
ambos rotando 270 grados dentro de un período de seis tiempos. La volta fue
considerada muy escandalosa, y muchos maestros de baile consultaban antes de
obligar a realizarla.

Otro paso especial utilizado durante una Gallarda era el "salto del fuego" , descrito
en el libro de danzas de Negri, que consistía en un paso de gallarda terminado con
un giro de 180 o 360 grados, durante el cual el danzarín pateaba a una altura
media entre rodilla y cintura.

Los ejemplos más antiguos que conservamos son:

-Six Gaillardes et Six Pavannes (1530) Pierre Ataingant

-Quatorze Gaillardes Neuf Pavannes (1531) Pierre Ataingant

-Intabolatura Sopra Lauto (1546) Giulio Abondante

-Intabolatura de Lauto (1546) Antonio Rotta

Duque

Duque es uno de los títulos nobiliarios europeos con que los monarcas muestran
su gratitud a ciertas personas. Su forma femenina es duquesa y su señorío se
denomina ducado. Es el título nobiliario más alto.2 Se suele conceder a hijos de la
realeza que no son herederos. En España este título lleva aparejado el tratamiento
de Excelentísimo Señor.

Sandro Botticelli

Alessandro di Mariano di Vanni Filipepi, apodado Sandro Botticelli (Florencia,

1 de marzo de 14451-Florencia, 17 de mayo de 1510), fue un pintor del
Quattrocento italiano. Pertenece, a su vez, a la tercera generación cuatrocentista,
encabezada por Lorenzo de Médici el Magnífico y Angelo Poliziano. Procuraron la
libertad de conducirse humanamente, recogida de la antigüedad clásica.2 Giorgio
Vasari narra, en su Vita de Botticelli, desde su infancia hasta su muerte. Esta obra
pertenece a Le vite de' più eccellenti pittori, scultori e architettori. Menos de cien
años después, esta etapa, bajo el mecenazgo de Lorenzo de Médici, fue
considerada por Giorgio Vasari como una «edad de oro». Esto se debe al
esplendor artístico alcanzado en la Florencia de fines del siglo XV.

La reputación póstuma del artista disminuyó notablemente en los siglos siguientes,

pero fue recuperada a finales del siglo XIX; desde entonces, su obra se ha
considerado exponente máximo de la gracia lineal de la pintura del primer
Renacimiento. El nacimiento de Venus y La primavera son, actualmente, dos de
las obras maestras florentinas más conocidas. Se expusieron por primera vez en
la galería de los Uffizi, Florencia, en 1815.

Grupo 4

Juan del Encina

Juan de Fermoselle, más conocido como Juan del Encina —en la grafía actual
de su nombre— o Juan del Enzina —en su propia grafía— (12 de julio de 1468 -
León, 1529), fue un poeta, músico y autor teatral del Prerrenacimiento español en
la época de los Reyes Católicos. Se le considera, junto al guipuzcoano Juan de
Anchieta, como uno de los mayores exponentes de la polifonía religiosa y profana
en España de finales del siglo XV y principios del XVI. Alcanzó gran altura lírica en
sus glosas y villancicos a los que se le atribuye su invención.

Como dramaturgo está considerado iniciador y patriarca del teatro español.12 Su

arranque se puede fechar en la Navidad de 1492, cuando representó ante los
duques de Alba dos églogas teatrales en que unos pastores anuncian el
nacimiento de Cristo.

Su lugar de nacimiento no está claro. Algunos autores lo sitúan en Fermoselle

(actualmente en la provincia de Zamora), algunos en la ciudad de Salamanca -en
la calle de las Mazas, donde vivía su padre, zapatero de profesión- y otros en
alguno de los municipios de la provincia de Salamanca que llevan la palabra
encina en el nombre como Encina de San Silvestre o La Encina.

Se graduó en Leyes en la Universidad de Salamanca, donde tuvo como maestros

a Nebrija y quizás a su hermano Diego de Fermoselle, que fue catedrático de
música. Se formó musicalmente en la capilla de música de la Catedral de
Salamanca que dirigió Fernando de Torrijos entre 1485 y 1498, donde entró como
mozo de coro en 1484 y ascendió a capellán en 1490. A la muerte de Torrijos,
Encina aspiró a su puesto de maestro de capilla, pero finalmente acabó recayendo
en su amigo, también autor dramático, Lucas Fernández, lo que llevó a Encina a
abandonar España y viajar a Italia.

En 1492 entró al servicio del segundo duque de Alba Fadrique Álvarez de Toledo y
Enríquez en cuya corte se encargaría de organizar festejos y escribir comedias y
música. En la noche de Navidad de 1492, se representaron por primera vez dos
de sus églogas dramáticas, en el castillo de Alba de Tormes. Protegido de don
Gutierre, hermano del segundo duque, don Fadrique, vivió en la villa ducal. Tomó
posesión por procuración del arcedianato de Málaga.

A partir de 1498 vivió en Roma, donde gozó de la protección de varios papas,

entre ellos Alejandro VI, Julio II y León X; este último lo apreció especialmente
como cantante y lo tuvo como tal en su capilla. Estuvo viajando de Roma a
España varias veces entre 1510 y 1519, hasta asentarse finalmente en León para
desempeñar el priorato de la catedral que le concedió el papa en ese último año,
en que partió de nuevo, como peregrino, hacia Jerusalén; en el monte Sinaí cantó
su primera misa. El viaje está narrado en su Trivagia o Vía sagrada a Hierusalem
(Roma, 1521). Murió en León, desempeñando su priorato, en 1529. En 1534 sus
restos fueron trasladados a la catedral de Salamanca, donde aún hoy sigue
enterrado.

Thomas Morley

Thomas Morley (1557 o 1558 - † octubre de 1602) fue un compositor inglés,

teórico de la música, editor y organista del Renacimiento, y el miembro más
conocido de la Escuela Madrigalista inglesa. Fue también uno de los principales
compositores de música secular en la Inglaterra isabelina, y el creador de los
únicos arreglos contemporáneos sobrevivientes de versos de Shakespeare.
Morley nació en Norwich (Anglia Oriental), hijo de un cervecero. Probablemente
fue cantor en la catedral local desde su juventud. Le nombraron Maestro de coro
en 1583. Sin embargo, evidentemente pasó algún tiempo fuera de Anglia Oriental,
pues más tarde se refirió al gran compositor isabelino de música sacra, William
Byrd, como su maestro; aunque las fechas de su aprendizaje con Byrd se
desconocen; es probable que fuese a principios de la década de 1570.

En 1588, recibió su diploma de bachiller en música en la Universidad de Oxford.

Ese año, Nicholas Yonge publicó su Música transalpina, la colección de
madrigales italianos ajustados a textos en inglés, que provocaron la explosiva y
colorista moda de la composición de madrigales en Inglaterra. Morley
evidentemente encontró su dirección como compositor en este momento, y poco
después comenzó a publicar sus propias colecciones de madrigales, once en total.

Al año siguiente, 1589, fue empleado como organista en St. Giles, Cripplegate,
Londres así como en la catedral de San Pablo. Su hijo pequeño murió al otro año.

Es nombrado caballero en 1592. En 1596, la reina Isabel I le concede el

monopolio de impresión de música.

Para 1598, reside en St.Helen´s, Bishopgate, la misma parroquia que

Shapeskeare, y se ha especulado durante mucho tiempo sobre una posible
conexión entre los dos, aunque nunca se ha probado. No se ha podido acreditar
que su famoso arreglo de «It was a lover and his lass» de Como gustéis se usara
en alguna representación de la obra de Shakespeare, aunque la posibilidad de
que así ocurriera es obvia. Morley tenía una alta posición en los años 1590 y
habría tenido un acceso fácil a la comunidad teatral; ciertamente hubo entonces,
como ahora, una conexión muy cercana entre actores prominentes y músicos.

Mientras Morley intentaba imitar el espíritu de Byrd en algunas de sus obras

sagradas, fue en la forma del madrigal en la que hizo su principal contribución a la
historia de la música. Su trabajo en este género ha permanecido en el repertorio
hasta ahora, y muestra una variedad más amplia de colorido emotivo, forma y
técnica que ninguno de los otros compositores de la época. Usualmente sus
madrigales son ligeros, con rápidos movimientos y fácilmente cantables, como su
bien conocido «Now is the Month of Maying»; cogió los aspectos del estilo italiano
que mejor se acomodaban a su personalidad y los anglicanizó. Otros
compositores de la escuela madrigalista inglesa, como por ejemplo Thomas
Weelkes y John Wilbye, escribieron madrigales en un tono más serio o más
sombrío.

Además de sus madrigales, Morley escribió música instrumental, incluyendo

música para teclado, parte de la cual se ha conservado en el Fitzwilliam Virginal
Book (Libro de virginal Fitzwilliam), y música para el conjunto típicamente inglés de
dos violines, flauta, laúd, cittern (en castellano, cistro, parecido a la bandurria) y
bandora, notablemente como se publicó en 1599 en The First Booke of Consort
Lessons, made by diuers exquisite Authors, for six Instruments to play together,
the Treble Lute, the Pandora, the Cittern, the Base-Violl, the Flute & Treble-Violl.

La obra de Morley Plaine and Easie Introduction to Practicall Musicke (publicada

en 1597) permaneció popular durante casi doscientos años después de la muerte
de su autor, y sigue siendo una importante referencia para información sobre
composición e interpretación en el siglo XVI.

Barón

Barón, o baronesa en su forma femenina, es uno de los títulos nobiliarios

europeos con que los monarcas muestran su gratitud a ciertas personas.

Durante la Alta Edad Media en distintos dialectos e idiomas antiguos germánicos

como el franco, barón significaba al varón libre, y por esto con la posible calidad
de noble, pero esta procedencia no es bien conocida.2

En tiempo de los merovingios se emplea para significar vagamente hombre

poderoso y alguna vez marido. En la época feudal, el título de barón designa a un
Señor ilustre gozando de todos los derechos feudales en perfecta plenitud:

 Se llamaba a Guillermo el Conquistador el barón famoso

 Los grandes vasallos de Francia o de Inglaterra eran los altos barones.
 Los Montmorency se titulaban con orgullo primeros barones cristianos
 Godofredo de Bouillón se llamó barón del Santo Sepulcro.3

La mujer que ostenta el título (Mujer esposa del Barón) es conocida como
baronesa. El territorio sobre el que los barones ejercían su jurisdicción era llamado
baronía. Los patrimonios de los infantes de Francia eran dados en condado y
baronía (in comitatum et baroniam). En Inglaterra, se llamó barones a los pares del
reino, a los jueces del tribunal del Échiquier, a los notables de Londres, de York,
etc.3Por lo general, los títulos españoles de barón anteriores al siglo XIX
corresponden a nobles procedentes de la antigua Corona de Aragón, llamándose
señor en la Corona de Castilla, denominándose el territorio al cual dominaba como
señorío. A partir de mediados del siglo XIX, este título carece de jurisdicción
territorial y es puramente honorífico.

Leonardo da Vinci

Leonardo da Vinci (Leonardo di ser Piero da Vinci) escuchar (Vinci, 15 de abril

de 14522-Amboise, 2 de mayo de 1519) fue un polímata florentino del
Renacimiento italiano. Fue a la vez pintor, anatomista, arquitecto, paleontólogo,3
artista, botánico, científico, escritor, escultor, filósofo, ingeniero, inventor, músico,
poeta y urbanista. Murió acompañado de Francesco Melzi, a quien legó sus
proyectos, diseños y pinturas.2 Tras pasar su infancia en su ciudad natal,
Leonardo estudió con el célebre pintor florentino Andrea de Verrocchio. Sus
primeros trabajos de importancia fueron creados en Milán al servicio del duque
Ludovico Sforza. Trabajó a continuación en Roma, Bolonia y Venecia, y pasó los
últimos años de su vida en Francia, por invitación del rey Francisco I.

Frecuentemente descrito como un arquetipo y símbolo del hombre del

Renacimiento, genio universal, además de filósofo humanista cuya curiosidad
infinita solo puede ser equiparable a su capacidad inventiva,4 Leonardo da Vinci es
considerado como uno de los más grandes pintores de todos los tiempos y,
probablemente, es la persona con el mayor número de talentos en múltiples
disciplinas que jamás ha existido.5 Como ingeniero e inventor, Leonardo desarrolló
ideas muy adelantadas a su tiempo, tales como el helicóptero, el carro de
combate, el submarino y el automóvil. Muy pocos de sus proyectos llegaron a
construirse (entre ellos la máquina para medir el límite elástico de un cable),Nota 2
puesto que la mayoría no eran realizables durante esa época.Nota 3 Como
científico, Leonardo da Vinci hizo progresar mucho el conocimiento en las áreas
de anatomía, la ingeniería civil, la óptica y la hidrodinámica.

Su asociación histórica más famosa es la pintura, siendo dos de sus obras más
célebres, La Gioconda y La Última Cena, copiadas y parodiadas en varias
ocasiones, al igual que su dibujo del Hombre de Vitruvio, que llegaría a ser
retomado en numerosos trabajos derivados. No obstante, únicamente se conocen
alrededor de 20 obras suyas, debido principalmente a sus constantes (y a veces
desastrosos) experimentos con nuevas técnicas y a su inconstancia crónica.Nota 4
Este reducido número de creaciones, junto con sus cuadernos que contienen
dibujos, diagramas científicos y reflexiones sobre la naturaleza de la pintura,
constituyen un legado para las sucesivas generaciones de artistas.

Grupo 5

Clément Janequin

Clément Janequin (c. 1485 – 1558) fue un músico francés del Renacimiento. Se
le considera uno de los más famosos compositores de las chanson populares de
su época, junto con Claudin de Sermisy, y tuvo mucha importancia en el desarrollo
de la chanson parisina, especialmente de tipo programático. Su fama, debida a la
gran divulgación que tuvo su obra, fue posible gracias al desarrollo de la impresión
musical.

Nació en Châtellerault, cerca de Poitiers (hoy departamento de Vienne). Su

carrera fue bastante inusual para su época ya que nunca tuvo un puesto estable
en una catedral o en una corte aristocrática. Por el contrario, desempeñó una serie
de cargos menores, a menudo con el auspicio de importantes mecenazgos. No se
conservan documentos que puedan dar detalles sobre su etapa de formación. En
1505 se encontraba en Burdeos empleado al servicio de Lancelot du Fau, el cual
llegaría a ser obispo de Luçon; se mantuvo en ese puesto hasta la muerte de du
Fau en 1523, siendo contratando entonces por el obispo de Burdeos. Durante ese
período se ordenó sacerdote, aunque no debió ejercer grandes funciones ya que
parece que siempre se quejaba de la falta de dinero.

Después de 1530, Janequin desempeñó una serie de cargos en Anjou,

comenzando como profesor de canto en el coro de la catedral de Auch y
progresando a maestro de capilla en la escuela de canto de la catedral de Angers.
Pronto atrajo la atención de Jean de Guise, patrón de Erasmo, Clément Marot, y
Rabelais; en 1548, con la ayuda de Charles de Ronsard (hermano del poeta Pierre
de Ronsard), tuvo un empujón en su carrera, llegando ostentar un puesto religioso
en Unverre, no lejos de Chartres.

Sobre esa época empezó a vivir en París, siendo "cantante regular" en el capilla
del rey en 1555, y poco después "compositor regular" del rey: solamente un
compositor (Sandrin, también conocido como Pierre Regnault) había tenido antes
ese reconocimiento. En su testamento de febrero de 1558, poco antes de morir en
París, deja sus pocas pertenencias a la caridad. Todavía se quejaría una vez más
de la vejez y la pobreza en la dedicatoria de una obra publicada póstumamente
(1559).

Pocos compositores del Renacimiento fueron tan populares durante su vida como
lo fue Janequin. Sus chansons fueron muy apreciadas y cantadas. El impresor de
París Pierre Attaingnant, imprimió cinco volúmenes de su canciones. La bataille,
que tan vívidamente describe los sonidos y eventos de una batalla, junto con el
canto de amoríos Il estoit une fillette, son favoritos permanentes de los grupos de
música renacentistas hasta el día de hoy.

Janequin escribió muy poca música sacra: sólo se le atribuyen dos misas y un
motete, aunque muchas otras obras pudieron haberse extraviado. Sus 250
chansons seculares y 150 salmos y chansons spirituelles — el equivalente francés
del madrigale spirituale italiano — son su legado más importante.

Las chansons programáticas por las cuales es conocido Janequin fueron largas
piezas segmentadas, que con astucia usualmente imitaban sonidos naturales ó del
hombre. Le chant des oiseaux imita el canto de las aves. La chasse, el sonido de
una cacería y La bataille, probablemente la más famosa y casi con certeza
compuesta para celebrar la victoria francesa sobre la Antigua Confederación Suiza
en la batalla de Marignano en 1515, imita los sonidos de una batalla, incluyendo el
sonar de las trompetas, los cañones y los gritos de los heridos. Efectos
onomatopéyicos como estos tuvieron un uso muy común en la música de finales
de siglo XVI, hasta entrar a la era barroca. De hecho, la "música de batalla" se
volvió un estilo, pero se le atribuirá su prominencia siempre a Janequin.

Además de las chansons programáticas que lo hacen tan famoso, escribió otras
obras cortas y refinadas más al estilo de Sermisy. Para estas, incluyó textos de
algunos de los poetas más prominentes de su tiempo, incluyendo a Clément
Marot. Más tarde llegó a escribir chansons sacras que usaban tonadas calvinistas
tradicionales. Y como no hay evidencia documentada de que Janequin haya sido
protestante, el uso de los poemas de Marot, las tonadas calvinistas y la
simplicidad extraordinaria de su música tadía (especialmente en contraste con la
complejidad polifónica y su estilo programático que cultivó en su vida temprana),
es al menos todo, sugestivo.

Jacopo Peri

Jacopo Peri (20 de agosto de 1561-12 de agosto de 1633) fue un compositor y

cantante Italiano del período de transición entre el Renacimiento y el Barroco, y es
considerado el inventor de la ópera. Compuso la primera ópera que se conserva:
Eurídice (1600) y la considerada como primera ópera de la historia, La Dafne.

Nació probablemente en Roma y era apodado "lo Zazzerino" (el melenudo) por su
cabello rubio. Viajó a Florencia siendo niño, donde estudió con Cristofano
Malvezzi, y fue a trabajar en varias iglesias de ahí, tanto como organista como
cantante. En 1588 comenzó a trabajar en la Corte de los Médicis, primero como
tenor, en 1591 como organista y sopranista bajo el Gran Duque Fernando I de
Médici y luego bajo Cosme II de Médici como "director principal de música y de los
músicos". Sus primeras obras fueron trabajos de música incidental para el teatro y
madrigales.

En los años 1590, Peri se asoció con Jacopo Corsi, el más importante patrón de la
música en Florencia. Ellos creían que el arte contemporáneo era inferior al de la
Grecia clásica y al arte romano, y decidieron intentar recrear el teatro de la Antigua
Grecia, tal como lo comprendían. Su obra se sumó a la de la Camerata Florentina
de la década previa, que había producido los primeros experimentos en monodia,
el estilo de la canción solista con acompañamiento de un bajo continuo que
eventualmente se desarrolló en el recitativo y el aria. Peri y Corsi solicitaron al
poeta Ottavio Rinuccini escribir un texto, y el resultado, Dafne, que para nosotros
hoy está lejos de lo que los griegos hicieron, es considerada como la primera obra
de un nuevo género, la ópera. Esta ópera fue estrenada en 1597 en el Palazzo
Corsi de Florencia. La música de esta obra se ha perdido.

Los resultados movieron a Rinuccini y Peri a trabajar en una nueva ópera:

Euridice. Fue estrenada el 6 de octubre de 1600 y, a diferencia de Dafne, ha
sobrevivido hasta el presente (si bien es difícilmente escenificable y sólo como
curiosidad histórica). La obra hace uso de recitativos, un nuevo desarrollo que vino
entre las arias y los coros y sirvió para mover la acción dramática.

En 1601, Peri partió de Florencia para establecerse en Ferrara, probando mejor

fortuna en otros proyectos. En 1608 escribió los recitativos para la producción en
Mantua de Arianna, con texto de Rinuccini y arias de Claudio Monteverdi. Produjo
varias óperas más - Tetide de Cini y Adone de Cicognini -, que nunca se
representaron. También escribió otras obras para varios entretenimientos
cortesanos. Ninguna de sus obras es interpretadas hoy día, y si bien en el tiempo
de su muerte su estilo operático fue considerado pasado de moda, cuando se le
compara con los jóvenes compositores reformistas de entonces, como Claudio
Monteverdi, la influencia de Peri en aquellos compositores posteriores es, sin
embargo, inmensa.

Baja danza

La baja danza (en francés: basse danse)?; en italiano, bassadanza fue la danza
cortesana más popular durante el siglo XV y principios del XVI, especialmente en
la corte de Borgoña.1

A menudo se trataba de una combinación de los compases 6/4 y 3/2, permitiendo

el uso de hemiolia. Cuando se bailaba, las parejas se mueven tranquilamente y
con gracia en un lento movimiento de deslizamiento o caminar, alzando y bajando
sus cuerpos, de dichos movimientos viene el nombre de esta danza. La baja
danza más tarde dio lugar al desarrollo de la pavana.2 La baja danza en ocasiones
se emparejaba con el turdión, debido a sus tempos contrastantes, y ambos fueron
bailados con pavana–gallarda así como con alemanda–courante, también en
parejas.3 El primer registro de una baja danza data de la década de 1320 y se
encuentra en un poema en occitano de Raimon de Cornet, quien señala que los
juglares las interpretaban.1

Las canciones monódicas se basaban en un tenor o cantus firmus; la extensión de

la coreografía solía derivar de canciones populares. En la ejecución, 3 o 4
instrumentistas improvisaban la polifonía sobre la base del citado tenor. En otros
casos, varias partes eran escritas, aunque en aquel tiempo las opciones relativas
a la instrumentación se dejaban en manos de los intérpretes.1

La mayoría de bajas danzas eran construidas en una forma binaria, con cada
sección repetida, como el "N.º 1: Basse danse" de la publicación "Danseries de 4
partes" de Pierre Attaignant, publicado en 1547.4

Delfín

El delfín de Francia (francés: dauphin de France, IPA: [dofɛ]̃ ) —estrictamente,

delfín de Viennois (dauphin de Viennois)— fue un título nobiliario francés
empleado ininterrumpidamente desde 1349 hasta 1830, y reservado a los
príncipes herederos al trono de Francia que fuesen hijos legítimos del monarca
reinante. El último en llevar el título fue Luis Antonio de Borbón y Saboya, duque
de Angulema, de 1824 a 1830. Por extensión de este término, en la actualidad la
palabra delfín (deriva del latín delphinus, y este del griego δελφίνος delphinos) se
usa corrientemente para referirse al sucesor designado oficial u oficiosamente
para un cargo.

Inicialmente fue el sobrenombre y posteriormente el título nobiliario de los Levieux,

príncipes de Ivetot, una rama borgoñona de la casa de Valois. Posteriormente
fueron señores del Dauphiné (Delfinado), condes de Viennois, y se
autoproclamaban delfines de Viennois y condes de Albon. Imitando a los delfines
de Viennois, una rama de los condes de Auvernia adoptó el título de delfín de
Auvernia. El título permanecería hasta la Revolución francesa, algunos de sus
descendientes lo llevarían por apellido.

Los herederos del trono de Francia ostentaban el título de delfín desde que en
1349 el conde Humberto II (cuyo título era delfín Humberto II), vendió su señorío
del Delfinado a Felipe VI de Francia con la condición de que el trono francés
adoptara el título adjunto a la tierra y gobernara el Delfinado como una provincia
separada. Y que el heredero al trono tuviese el título de delfín.

Para tener el título de delfín no bastaba con ser el heredero al trono, era necesario
ser descendiente directo del rey reinante. Así, Francisco I de Francia, primo de su
predecesor Luis XII jamás fue delfín. Hasta el reinado de Luis XIV se hablaba del
delfín de Viennois (o Vienne). Posteriormente el título nobiliario paso a
denominarse delfín de Francia. El primer príncipe francés conocido como delfín
fue Juan II de Francia, que sucede en el trono a Felipe VI de Francia. El último fue
el duque de Angulema, hijo de Carlos X, que pierde el título en 1830, al abdicar su
padre (recibiendo los derechos a la corona) y abdicar él mismo en su sobrino,
Enrique de Burdeos.

Rafael Sanzio

Raffaello Sanzio (Urbino, 6 de abril de 1483-Roma, 6 de abril de 1520),1 también

conocido como Rafael de Urbino o, simplemente, como Rafael1n. 1 fue un pintor y
arquitecto italiano del Renacimiento. Además de su labor pictórica, que sería
admirada e imitada durante siglos, realizó importantes aportes en la arquitectura y,
como inspector de antigüedades, se interesó en el estudio y conservación de los
vestigios grecorromanos.3

Hijo de un pintor de modesta relevancia, fue considerado un niño prodigio por su

precoz habilidad y al quedar huérfano se formó en los talleres de varios artistas de
prestigio. A los 25 años obtuvo su primer encargo oficial, la decoración de las
Estancias Vaticanas, donde pintó algunos frescos como La escuela de Atenas,
considerada una de sus obras cumbre.456 Es célebre por la perfección y gracia de
sus artes visuales, destacando en trabajos de pintura y dibujo artístico.7 Junto con
Miguel Ángel y Leonardo da Vinci forma el trío de los grandes maestros del
período.8

Nació en Viernes Santo y falleció en esta misma festividad el día que cumplía 37
años.n. 2 Fue un artista muy productivo, en parte gracias a que dirigió un taller
conformado por numerosos colaboradores,9 y, a pesar de su muerte prematura,
dejó una extensa obra que en gran parte aún se conserva. La mayor parte de su
trabajo está alojado en los Museos Vaticanos, ya que decoró con frescos las
habitaciones conocidas como las Estancias de Rafael, el principal encargo de su
carrera, que quedó sin terminar a causa de su muerte y fue completado por
ayudantes.

Después de sus años de juventud en Roma, gran parte de su obra, a pesar de

haber sido diseñada por él, fue ejecutada por su taller, con una considerable
pérdida de calidad. Ejerció gran influencia en su época; aunque fuera de Roma su
obra fue conocida sobre todo a través de la producción que hicieron los talleres de
grabado que colaboraban con él. Después de su muerte, la influencia de su
principal rival, Miguel Ángel, se intensificó hasta los siglos XVIII y XIX, cuando las
cualidades más serenas y armoniosas de Rafael fueron consideradas de nuevo
como un modelo superior.

Su carrera se dividió de manera natural en tres fases y tres estilos, descritos así
por Giorgio Vasari: sus primeros años en Umbría, el periodo posterior de cuatro
años en Florencia (1504-1508), donde absorbió las tradiciones artísticas de la
ciudad, y finalmente su último y triunfal período de doce años en Roma, trabajando
para los papas y su corte.10