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La música clásica del siglo XX (también Historia de la música
llamada música culta, académica, erudita,
Música en la Historia antigua
contemporánea, docta o seria) fue (hace 50 000 años-500 d. C.)
extremadamente diversa. Comenzó con la
continuación de los movimientos vigentes a finales Música en la Prehistoria
del siglo XIX tales como el estilo románticotardío Música en la Antigüedad
y posromántico de Serguéi Rajmáninov, Gustav
Mahler y Richard Strauss, Música antigua
el impresionismo de Claude Debussy y Maurice (500-1600)
Ravel, y los fervores
del nacionalismo en Latinoamérica, Norteamérica, Música de la Edad Media
y Europa fuera de Alemania, Francia, e Italia que Música del Renacimiento
dominaron por siglos la cultura musical del
continente. Período de la práctica común
(1600-1910)
A partir de la segunda década del siglo, la forma y
lugar que había ocupado la música durante los Música del Barroco
pasados tres siglos en la sociedad, cambiaron para Música del Clasicismo
siempre con la irrupción del modernismo musical, Música del Romanticismo
dando fin al período conocido como práctica Música del impresionismo
común, y entrando en una nueva era musical de
constante búsqueda de lo original, rompiendo Período moderno y contemporáneo
permanentemente con la tradición. Esto generó una (1910-presente)
enorme diversidad de géneros y movimientos de
Música modernista
difícil categorización y definición, lo que hacia el
Jazz
último cuarto del siglo, luego de la decadencia de
Música popular
los ideales de la modernidad, dio paso a la música
Música clásica contemporánea
contemporánea, siendo cada vez más compleja su
diferenciación de otras músicas como el jazz o Este artículo forma parte de la categoría:
el art rock, debido a la creciente globalización y Historia de la música
masificación de los medios de comunicación y de
la cultura popular. Véase también: Portal:Música
Índice
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1Reseña
2Antecedentes y transición al siglo XX (1880 - 1910)
o 2.1Nacionalismo
o 2.2Post-Romanticismo
o 2.3Impresionismo
3Modernismo (1910 - 1975)
o 3.1Futurismo
o 3.2Crisis de la tonalidad y atonalismo
o 3.3Primitivismo
o 3.4Microtonalismo
o 3.5Segunda Escuela Vienesa, dodecafonismo y serialismo
o 3.6Neoclasicismo
o 3.7Música electrónica y concreta
o 3.8Música aleatoria y vanguardismo radical
o 3.9Micropolifonía y masas sonoras
o 3.10Minimalismo
o 3.11Influencias del jazz
o 3.12Música cinematográfica
4Música contemporánea (1975 - actualidad)
o 4.1Nacimiento del posmodernismo
o 4.2Poliestilismo
o 4.3Nueva simplicidad
o 4.4Espectralismo
o 4.5Libre improvisación
o 4.6Nueva complejidad
o 4.7Arte sonoro
o 4.8Música contemporánea latinoamericana
o 4.9Otros estilos y conceptos musicales
5Véase también
6Enlaces externos
o 6.1Editoriales
7Referencias
Reseña[editar]
En un principio la música siguió su práctica común, a partir de 1910 tomó diversos caminos
de alejamiento del sistema tonal que ya venían observándose desde finales del siglo
pasado con un uso cada vez más extendido del cromatismo. A partir del inicio
del modernismo se dio paso al atonalismo y la experimentación, llegando a mundos
sonoros tan distantes y diversos como el primitivismo de Igor Stravinsky y Bela Bartok,
el dodecafonismo de Arnold Schoenberg noriega y sus pupilos, la
música microtonal adoptada por Charles Ives, Julian Carrillo y otros,
el neoclasicismo de Dimitri Shostakovich y Sergéi Prokófiev durante el realismo
socialista en la Unión Soviética, la música concreta de Pierre Schaeffer y Edgar Varèse,
el serialismo integral de Olivier Messiaen, Pierre Boulez, y Luciano Berio entre otros,
la música aleatoria de John Cage, el experimentalismo de Karlheinz Stockhausen, la
micropolifonía de György Ligeti y Krzysztof Penderecki, o la repetición de notas de los
compositores minimalistas como Steve Reich y Philip Glass, y un sin número de
movimientos y compositores que se movían en nuevos estilos de forma simultanea.
El siglo XX fue también una época en la que los avances tecnológicos como la grabación y
la radiodifusión cambiaron las relaciones sociales y económicas inherentes a la música.
Una persona del siglo XX en el mundo industrializado tuvo acceso al gramófono para
la reproducción de música grabada en discos, la radio, la televisión y, más tarde, a la
música digital con los discos compactos. El cine también tuvo un impacto importante en la
música y la cultura a partir de los años 30', con compositores tales como Max
Steiner, Erich Wolfgang Korngold, Alfred Newman, Bernard Herrmann, Ennio
Morricone, Jerry Goldsmith, y John Williams quienes trabajaron en diversos estilo,
gruesamente catalogados dentro del neorromanticismo.
A mediados del los años setenta se considera el fin del modernismo musical, gracias a la
decadencia de sus valores y los cambios socioculturales de la globalización y los medios
de comunicación de masas, dando pie a lo que se conoce generalmente como música
contemporánea o postmoderna, que contiene otra serie de movimientos musicales tales
como la nueva simplicidad, el espectralismo, el poliestilismo, el arte sonoro, la nueva
complejidad, el art rock, o la música contemporánea latinoamericana de Egberto
Gismonti y Astor Piazzolla.
La música docta tuvo también una intensa fertilización cruzada con el jazz, muchos de sus
compositores fueron capaces de trabajar en ambos géneros, como George Gershwin, o de
incluir sonoridades del jazz en música de concierto. A partir de los años 70's ocurrió algo
similar con el rock y la música popular en general.
Debe tenerse en cuenta que este artículo presenta un vistazo sobre la música clásica del
siglo XX, y muchos compositores mencionados dentro de diferentes tendencias o
movimientos pueden no identificarse en forma exclusiva con éstos y pueden ser
considerados como participantes de diferentes movimientos. Por ejemplo, en distintos
momentos de su carrera, Ígor Stravinski puede ser considerado romántico, primitivista,
neoclásico y serialista.
El compositor brasileño Heitor Villa-Lobos (1887-1959) fue el principal exponente del nacionalismo
en Latinoamérica y uno de los compositores no europeos más importantes.
El compositor austriaco Gustav Mahler (1860-1911) fue el principal exponente del postromanticismo
junto con Richard Strauss.
Particularmente en la primera parte del siglo, muchos compositores escribieron música que
fue una extensión de la música romántica del siglo XIX. La armonía —salvo mayor
complejidad— fue tonal, y los agrupamientos instrumentales tradicionales, como
la orquesta o el cuarteto de cuerdas, se mantuvieron como los más usuales. Los músicos
más representativos de este movimiento fueron Gustav Mahler, Richard Strauss y Sergey
Rachmaninov sin embargo muchos de los grandes compositores modernistas comenzaron
sus carreras en este estilo tales como Bela Bartok, Igor Stravinsky y Arnold Schoenberg.
Muchos compositores prominentes —entre ellos Dmitri Kabalevski, Dmitri
Shostakóvich y Benjamin Britten— hicieron significativos avances en el estilo y la técnica
romántica mientras continuaban empleando un lenguaje melódico, armónico, estructural y
textural relacionado con el del siglo XIX, accesible al auditorio promedio.
Impresionismo[editar]
El primitivismo fue un movimiento de las artes que pretendía rescatar el folclore más
arcaico de ciertas regiones con un lenguaje moderno. Similar al nacionalismo en su afán
por rescatar lo local, el primitivismo incorporó
además métricas y acentuaciones irregulares, un mayor uso de la percusión y
otros timbres, escalas modales, y armonía politonal y atonal. Dentro de la música los dos
gigantes de este movimiento fueron el ruso Igor Stravinsky y el húngaro Bela Bartok,
aunque la obra de ambos sobrepasa con creces la denominación "primitivista".
El primero de los períodos estilísticos mayores de Stravinski (excluyendo algunos trabajos
menores tempranos) fue inaugurado por los tres ballets que compuso para Diáguilev.
Estos ballets tienen varias características compartidas: están hechos para ser
interpretados por orquestas sumamente grandes; los temas y motivos argumentales se
basan en el folclore ruso; y llevan la marca de Rimski-Kórsakov tanto en su desarrollo
como en su instrumentación. El primero de los ballets, El pájaro de fuego (1910), es
notable por su inusual introducción (tríos de cuerdas bajas) y barrido de la
orquestación. Petrushka (1911), también se anota distintamente y es el primero de los
ballets de Stravinski que utiliza la mitología folclórica Rusa. Pero es en el tercer ballet, La
consagración de la primavera (1913), el que generalmente es considerado la apoteosis del
"Período Primitivista Ruso" de Stravinski. Aquí, el compositor utiliza la brutalidad de la
Rusia pagana, reflejando estos sentimientos en la agresiva interpretación, armonía
politonal y ritmos abruptos que aparecen a lo largo del trabajo. Hay varios pasajes famosos
en esta obra, pero dos son de nota particular: el primer tema basado en los sonidos del
fagot con las notas en el límite de su registro, casi fuera de rango; y el ataque rítmicamente
irregular (utilizando el recurso típico del período ruso stravinskiano de tomar una célula
rítmica breve e ir desplazando su acentuación) de dos acordes superpuestos utilizando
solo el talón del arco por las cuerdas y haciendo más evidente la reorganización
permanentemente cambiante del motivo inicial, duplicando con los bronces los acordes
que resultan acentuados cada vez. La consagración es generalmente considerada no sólo
la obra más importante del primitivismo o de Stravinsky, sino que de todo el siglo XX, tanto
por su ruptura con la tradición, como por la influencia en todo el mundo.
Otras piezas destacadas de este estilo incluyen: El
Ruiseñor (1914), Renard (1916), Historia de un soldado (1918), y Las bodas (1923),
instrumentada para la original combinación de cuatro pianos y percusión, con participación
vocal. En estas obras el músico llevó al límite la herencia de la escuela nacionalista rusa
hasta prácticamente agotarla.
Bela Bartok (1881-1945) fue el creador de la etnomusicología, y gracias a sus investigaciones creó
numerosas obras basadas en el folclor europeo.
Bartók fue un músico húngaro que destacó como compositor, pianista e investigador de
música folclórica de la Europa oriental(especialmente de los Balcanes). Bartók fue uno de
los fundadores de la etnomusicología, basada en las relaciones que unen la etnología y
la musicología. A partir de sus investigaciones desarrolló un estilo muy personal e
innovador.
A partir de 1905, profundiza sus conocimientos en la música tradicional y las canciones
folclóricas magiares, en sintonía con el auge de los movimientos nacionalistas. Toma
entonces conciencia de la necesidad de preservar la memoria musical tradicional de su
país. Junto con Zoltán Kodály, comenzó a recorrer los pueblos de Hungría y Rumanía para
recoger miles de melodías y canciones que transcribieron y grabaron con un gramófono.
Extendieron luego esa labor a buena parte de los pueblos de la Europa central y
hasta Turquía. Anteriormente, se pensaba que la música folclórica húngara se basaba en
melodías zíngaras. Pero Bartók descubrió que las antiguas melodías húngaras se basaban
en escalas pentatónicas, al igual que la música asiática o la de Siberia. Bartók escribió una
buena cantidad de pequeñas piezas para piano derivadas de la música folclórica, y creó
acompañamientos para canciones populares.
Nunca habló de su técnica compositiva, sino que ha sido el musicólogo húngaro Ernö
Lendvai quien dedicó gran parte de su vida a descubrir las bases de este sistema. Según
Lendvai, la música de Bartók está basada en gran parte en sus investigaciones con el
folklore, en especial del húngaro, y podría dividirse en dos grandes bloques, distintos en
cuanto a concepción pero complementarios entre sí, llegando a alternarse incluso en una
misma obra en distintas secciones; son el sistema diatónico, basado en la música
folklórica, sus modos y ritmos, en la escala acústica, y en otros procedimientos que no
entraremos a valorar, y el Sistema cromático, influenciado también por el folklore, y que se
basa por un lado en el Sistema axial, y por otro en la Proporción áurea. Su obra más
puramente "primitivista" sea probablemente Allegro Barbaro (1911), junto con una gran
cantidad de canciones y danzas folclóricas que Bartok recopiló y musicalizó provenientes
del oriente Europeo. Ese mismo año escribió la que fue su única ópera, El castillo de
Barba Azul. Durante la Primera Guerra Mundial, escribió los ballets El príncipe de
madera y El mandarín maravilloso, seguidos por dos sonatas para violín y piano, que son
armónica y estructuralmente unas de sus más complejas piezas. Su afán de
experimentación lo llevó a un estilo cada vez más único y genial, con obras como
la Música para cuerda, percusión y celesta, la Sonata para dos pianos y percusión,
además de 6 cuartetos de cuerda, la obra para piano Mikrokosmos, y los tres conciertos
para piano y orquesta.
Microtonalismo[editar]
Charles Ives (1874-1954) fue uno de los más prominentes compositores de música microtonal, y el
pionero en Estados Unidos.
Una de las más significativas figuras en la música del siglo XX es Arnold Schoenberg. Sus
primeros trabajos pertenecen al estilo romántico tardío, influenciado por Richard
Wagner y Gustav Mahler, pero al final abandonó el sistema de composición tonal para
escribir música atonal. Con el tiempo, desarrolló la técnica del dodecafonismo,
proponiéndola en 1923 en reemplazo de la organización tonal tradicional.
Sus alumnos Anton Webern y Alban Berg también desarrollaron y profundizaron el uso
del sistema dodecafónico, y destacaron por el uso de tal técnica bajo reglas propias. Los
tres son conocidos, familiarmente, como La Trinidad Schoenberg, o la Segunda Escuela
Vienesa. Este nombre se creó para resaltar que esta Nueva Música tuvo el mismo efecto
innovador que la Primera Escuela de Viena de Haydn, Mozart y Beethoven.
El dodecafonismo fue una forma de música atonal, con una técnica de composición en la
cual las 12 notas de la escala cromática son tratadas como equivalentes, es decir, sujetas
a una relación ordenada que (a diferencia del sistema mayor-menor de la tonalidad) no
establece jerarquía entre las notas. Lo que hizo el fundador de la música dodecafónica,
Schönberg, fue prohibir por estatuto usar una nota más que otra: la melodía dodecafónica
debe llevar las 12 notas que hay en la escala cromática. Se escribe siguiendo el principio
de que todos los doce semitonos o notas son de igual importancia. La relación interna se
establece a partir del uso de una serie compuesta por las doce notas. El compositor decide
el orden en que aparecen con la condición de que no se repita ninguna hasta el final.
Anton Webern (1883-1945) discípulo de Schoenberg, desarrolló las ideas dodecafónicas y creo
el serialismo integral.
La música de Schoenberg y la de sus seguidores fue muy controvertida en sus días, y así
permanece todavía en alguna medida. Como carece de un sentido de melodía definida,
algunos oyentes la encontraban —y todavía la encuentran— difícil de seguir. A pesar de
ello, actualmente se siguen interpretando, estudiando y escuchando obras como Pierrot
Lunaire, mientras que se han olvidado otras composiciones contemporáneas que en su
momento se consideraban más aceptables. En gran medida, la causa de esto es que su
estilo pionero resultó muy influyente, incluso entre compositores que continuaron
componiendo música tonal. A partir de ellas, muchos compositores han escrito música no
basada en la tonalidad tradicional.
El serialismo integral representa un paso más adelante del dodecafonismo, y fue creada
por el que fue discípulo de Schönberg, Anton Webern: se establece un orden no sólo para
la sucesión de las diferentes alturas, sino para la sucesión de las diferentes duraciones
(las "figuras", como la negra, corchea, etc.) y la sucesión de las dinámicas (los niveles
de intensidad sonora), como también para la articulación. Todas estas series se repiten
durante el transcurso de una obra. La técnica se ha llamado serialismo integral para
distinguirla del serialismo limitado del dodecafonismo. Irónicamente, después de años de
impopularidad, el estilo puntillista de Webern —en el que los sonidos individuales son
cuidadosasmente ubicados en la obra de manera que cada uno tiene importancia— se
convirtió en norma en Europa durante los años cincuenta y sesenta, y fue muy influyente
entre compositores de la postguerra como Olivier Messiaen, Pierre Boulez, Luciano
Berio, Luigi Nono, Karlheinz Stockhausen e Igor Stravinsky.
Neoclasicismo[editar]
Artículo principal: Neoclasicismo
El neoclasicismo en música refiere al movimiento del siglo XX que retomó una práctica
común de tradición en cuanto a la armonía, la melodía, la forma, los timbres y los ritmos,
pero mezclada con grandes disonancias atonales y ritmos sincopados, como punto de
partida para componer música. Ígor Stravinski, Paul Hindemith, Sergéi Prokófiev, Dmitri
Shostakóvich y Béla Bartók son los compositores más importantes usualmente
mencionados en este estilo, pero también el prolífico Darius Milhaud y sus
contemporáneos Francis Poulenc y Arthur Honegger.
El neoclasicismo nació al mismo tiempo que el retorno general a modelos racionales en las
artes, en respuesta a la primera guerra mundial. Más pequeño, más escaso, más
ordenado fueron las tendencias concebidas como respuesta a la saturación emocional que
muchos sintieron había empujado a la gente a las trincheras. Teniendo en cuenta que los
problemas económicos favorecían grupos más pequeños, la búsqueda por hacer “más con
menos” se tornó en consecuencia una práctica obligada. Historia del soldado de Stravinski
es por esta razón una semilla de pieza neoclásica, como sucede también en el
concierto Los robles de Dumbarton, en su Sinfonía para instrumentos de viento o en
la Sinfonía en do. La culminación neoclásica de Stravinski es su ópera El progreso del
libertino («Rake's Progress»), con libreto del bien conocido poeta modernista W. H. Auden.
Durante un tiempo, el alemán Paul Hindemith fue rival de Stravinski en el neoclasicismo,
mezclando punzantes disonancias, polifonía y cromatismo libre dentro de un estilo
utilitario. Hindemith produjo trabajos de cámara y orquestales en este estilo, quizá el más
famoso de ellos sea Mathis der Maler. Su producción de cámara incluye su Sonata para
corno inglés y piano, un trabajo expresionista lleno de detalles oscuros y conexiones
internas.
Serguéi Prokófiev (1881-1953) fue un destacado compositor ruso.
Olivier Messiaen (1908-1992) participó del movimiento de la música concreta, entre muchas otras
innovaciones de su época.
Artículos principales: Música académica electrónica, Música electroacústica y Música
concreta.
Los avances tecnológicos en el siglo XX permitieron a los compositores utilizar medios
electrónicos para producir sonidos. En Francia se desarrolló la música concreta escuela
que producía sonidos existentes en el mundo. Se llama concreta porque según Pierre
Schaeffer, su inventor, planteaba que está producida por objetos concretos y no por los
abstractos que serían los instrumentos musicales tradicionales. El primero que dispuso de
esos medios fue Edgar Varese, quien presentó Poème électronique en el pabellón Philips
de la Exposición de Bruselas en 1958. En 1951, Schaeffer, junto a Pierre Henry, crearon el
Grupo de Investigación de Música Concreta en París. Pronto atrajo un gran interés, y entre
los que se acercaron se encontraban diferentes compositores significativos como Olivier
Messiaen, Pierre Boulez, Jean Barraqué, Karlheinz Stockhausen, Edgard Varese, Iannis
Xenakis, Michel Philippot y Arthur Honegger. La producción compositiva entre 1951 y 1953
comprendió Étude I (1951) y Étude II (1951) por Boulez, Timbres-durées (1952) por
Messiaen, Étude (1952) por Stockhausen, Le microphone bien tempéré (1952) y La voile
d’Orphée (1953) por Henry, Étude I (1953) por Philippot, Étude (1953) por Barraqué, las
piezas mezcladas Toute la lyre (1951) y Orphée 53 (1953) por Schaeffer/Henry, y la
música para película Masquerage (1952) por Schaeffer y Astrologie (1953) por Henry. En
1954 Varèse y Honegger visitaron el estudio para trabajar en las partes en cinta de
Déserts y La rivière endormie. En Alemania en cambio la forma de usar la tecnología se
llamó música electrónica, que es aquella que utiliza solamente sonidos producidos
electrónicamente. El primer concierto tendría lugar en Darmstadt en 1951, sin embargo la
primera obra de importancia sería El canto de los adolescentes de Karlheinz
Stockhausen de 1956. En EE. UU., Milton Babbitt usó el sintetizador RCA Mark II para
crear música. Otros compositores abandonaron los instrumentos convencionales, y usaron
cintas magnéticas para crear música, grabar sonidos, y manipularlos de alguna
manera. Hymnen (de Stockhausen), Déserts (de Edgard Varése) y Sincronismos (de Mario
Davidovsky) ofrecen unos pocos ejemplos. Esta posibilidad tomó muchas formas: algunos
compositores simplemente incorporaron instrumentos electrónicos dentro de piezas
relativamente convencionales. Olivier Messiaen, por ejemplo, usó las Ondas Martenot en
cierto número de trabajos. Oskar Sala creó la pista no musical para la película Los
pájaros (de Alfred Hitchcock) usando el trautonium, un instrumento electrónico que él
mismo ayudó a desarrollar. Morton Subotnick proveyó la música electrónica para 2001,
una odisea del espacio. Otros compositores como Luigi Russolo, Mauricio Kagel y Joe
Meek también aportaron a la investigación y exploración de la música electrónica.
Iannis Xenakis es otro compositor moderno que ha usado computadoras e instrumentos
electrónicos (incluido uno inventado por él) en muchas composiciones. Algunos de estos
trabajos electrónicos son piezas suavemente ambientadas, y otras muestran una violenta y
salvaje sonoridad. Compositores como Alvin Lucier, Gordon Mumma y David Tudorcrearon
e interpretaron música electrónica en vivo, a menudo diseñando sus propios instrumentos
o usando cintas. En el siglo XX florecieron una cantidad de instituciones especializas en
música electrónica, siendo quizá el IRCAM de París la más conocida.
Música aleatoria y vanguardismo radical[editar]
Artículos principales: Vanguardismo, Música aleatoria y Música experimental.
El compositor alemán Karlheinz Stockhausen (1928-2007) fue pionero en muchas de las formas
musicales vanguardistas del siglo XX, especialmente en las más radicales.
Gyorgy Ligeti (1923 - 2006) fue el principal exponente de la técnica micropolifónica, así como
también de las masas sonoras. Su música y estilo trascendió además al ser utilizada por Stanley
Kubrick en varias de sus películas
Philip Glass (1937) fue uno de los iniciadores del movimiento minimalista en Estados Unidos, y es
actualmente uno de los compositores doctos más famosos del mundo.
Steve Reich (1936), creador de los efectos de fase repetidos y otras de las técnicas más utilizadas
en el minimalismo.
Una diferencia clave entre el minimalismo y la música previa es el uso de diferentes celdas
"fuera de fase", a gusto de los intérpretes; compare esto con la obertura de El oro del
Rin de Richard Wagner, donde a pesar del uso de triadas de celdas, cada parte está
controlada por un mismo impulso y se mueve a la misma velocidad.
La música minimalista resulta controvertida para oyentes tradicionales. Sus críticos la
encuentran demasiado repetitiva y vacía, mientras que sus defensores argumentan que los
elementos fijos que a menudo son permanentes producen mayor interés en los pequeños
cambios. De todas formas, el minimalismo han inspirado e influenciado a muchos
compositores habitualmente no etiquetados como minimalistas (como Karlheinz
Stockhausen y György Ligeti). Compositores como Arvo Pärt, John Tavenery Henryk
Górecki, cuya Sinfonía N.º 3 fue el álbum clásico más vendido en los años noventa,
encontraron gran éxito en lo que se ha dado en llamar “minimalismo feliz” en obras de
profundo sentido religioso.
La siguiente ola de compositores que incursionaron en este estilo no son llamados
minimalistas por algunos, pero sí por otros. Por ejemplo, el compositor de ópera John
Adams, y su alumno Aaron Jay Kernis. La expansión del miminalismo de un sistema
musical a música dependiente de la textura para acompañar el movimiento ha generado
una diversidad de composiciones y compositores.
Influencias del jazz[editar]
Artículos principales: Jazz y Third stream.
George Gershwin (1898-1937) compuso tanto en el jazz como en la música clásica y fue el pionero
en crear la fusión de ambos de manera exitosa
Desde la llegada del cine sonoro a principios de la década de los 30', la música cumplió un
rol crucial en la industria y el arte del cine. Muchos de los grandes compositores de la
década tales como los rusos Prokófiev y Shostakovich, incursionaron también en esta
área. Sin embargo llaman la atención ciertos compositores que se dedicaron casi
exclusivamente a trabajar a través del cine. Aunque las musicalización de largometrajes
durante los años 1940 estaban rezagadas décadas detrás de las innovaciones técnicas en
el campo de la música de concierto, la década de 1950 vio el auge de la música para el
cine modernista. El director Elia Kazan fue abierto a la idea de las influencias del jazz y las
obras disonantes y trabajó con Alex North, cuya partitura de A Streetcar Named
Desire (1951) combina la disonancia con elementos de blues y jazz. Kazan también se
acercó a Leonard Bernstein para musicalizar On the Waterfront (1954) y el resultado fue
una reminiscencia de las primeras obras de Aaron Copland e Igor Stravinsky, con sus "jazz
basados en armonías y emocionantes ritmos aditivos". Un año después, Leonard
Rosenman, inspirado por Arnold Schoenberg, experimentó con la atonalidad en sus
calificaciones de al Este del Edén (1955) y Rebelde sin causa (1955). En sus diez años de
colaboración con Alfred Hitchcock, Bernard Herrmann experimentó con ideas
en Vertigo (1958), Psycho (1960) y Los pájaros (1963). El uso de la música no-diegética de
jazz fue otra innovación modernista, como la musicalización de la estrella del jazz Duke
Ellington a la obra de Otto Preminger Anatomía de un asesinato (1959).
Dentro de las grandes obras musicales del cine se encuentran Max Steiner con; The
Informer (1935), Now, Voyager (1942), y Since You Went Away (1944), King
Kong (1933), Little Women (1933), Jezebel (1938), Casablanca (1942), y Gone with the
Wind (1939). Erich Wolfgang Korngoldcon; The Adventures of Robin Hood. Alfred
Newman con; How the West Was Won,The Greatest Story Ever Told. Bernard
Herrmann con; North by Northwest, The Man Who Knew Too Much, Citizen Kane, The
Ghost and Mrs. Muir, y Taxi Driver. Ennio Morricone; The Good, The Bad And The
Ugly (1966), Once Upon a Time in the West, The Mission (1986), The
Untouchables (1987), y Cinema Paradiso. Jerry Goldsmith; Planet of the
Apes, Chinatown, The Wind and the Lion, The Omen, Alien, Poltergeist. John Williams con;
las dos trilogías de Star Wars, Jaws, Superman, Indiana Jones, E.T., el
extraterrestre, Hook, Jurassic Park, Schindler's List, y Harry Potter entre muchísimas otras.
Otros de los grandes compositores, especialmente del último cuarto de siglo en adelante
han sido Danny Elfman, Nino Rota, Vangelis, Howard Shore, James Horner, Alan Silvestri,
, Hans Zimmer y Henry Mancini.
La Nueva Simplicidad fue una tendencia estilística surgida entre algunos de los
componentes de la generación más joven de compositores alemanes de comienzos de los
ochenta del siglo XX, y que supuso una reacción no solamente contra
la vanguardia musical europea de las décadas de los cincuenta y sesenta, sino también
contra la más amplia tendencia hacia la objetividad de comienzos de siglo.
En general, estos compositores propugnaron una inmediatez entre el impulso creativo y su
resultado musical (en contraste con la elaborada planificación precompositiva
característica del vanguardismo), con la intención de crear una comunicación más fácil con
las audiencias. En algunos casos, ello significó una vuelta al lenguaje tonal del siglo
XIX así como a las formas musicales (sinfonía, sonata) y a las combinaciones
instrumentales (cuarteto de cuerda, trío con piano) tradicionales, que habían sido evitadas
en su mayor parte por la vanguardia. Para otros compositores, significó trabajar con
texturas más simples o el empleo de armonías triádicas en contextos no tonales. De entre
los compositores identificados de una forma más cercana con este movimiento,
solamente Wolfgang Rihm ha conseguido una reputación significativa fuera de Alemania.
Otros autores, de mayor edad y/o de otras nacionalidades, como Hans Abrahamsen, Alfred
Janson, Aaron Kernis, Wilhelm Killmayer, Ladislav Kupkovic, György Kurtág, Roland
Moser, Arvo Pärt, Alfred Schnittke, Kurt Schwertsik y Howard Skempton han sido
relacionados ocasionalmente con los “nuevos simplicistas”. Al menos dos autores han ido
aún más lejos al asegurar que uno de los compositores vanguardistas contra el que se
había rebelado más ostensiblemente la Nueva Simplicidad, Karlheinz Stockhausen, se
habría anticipado a sus posiciones con la simplificación radical de su estilo que se produjo
entre 1966 y 1974.
Espectralismo[editar]
Artículo principal: Espectralismo
Arte sonoro comprende un diverso grupo de prácticas artísticas que tienen como principal
objetivo diferentes nociones del sonido, la escucha y la audición. Existen normalmente
diferentes relaciones entre los ámbitos visual y auditivo del arte así como de
la percepción por los artistas del sonido.
Como muchos géneros del arte contemporáneo, el arte sonor es interdisciplinario por
naturaleza, tomado formas híbridas. El arte sonoro se ocupa frecuentemente de aspectos
como la acústica, la psicoacústica, la electrónica, el noise, los medios de audio y
la tecnología (tanto analógica como digital), el sonido encontrado o ambiente, la
exploración del cuerpo humano, la escultura, la película o el vídeo y un abanico de temas
creciente
Desde el punto de vista de la tradición occidental, los primeros ejemplos de este arte
incluyen a Luigi Russolo y su Intonarumori, y los experimentos que a continuación
realizaron los dadaistas, surrealistas y situacionistas. Dada la diversidad del arte sonoro,
existe a menudo un debate sobre si el arte sonoro cae dentro y/o fuera tanto del arte
visual como de la música experimental. El arte sonoro también está relacionado con el arte
conceptual, el minimalismo, el spoken word, la poesía avant garde y el teatro experimental.
Música contemporánea latinoamericana[editar]
El argentino Astor Piazzolla(1921-1992) compuso en un estilo que fusionaba elementos tradicionales
como el Tango, con la música clásica e incluso el jazz.