FUNDAMENTOS

DEL DISEÑO DE

Modas

Recopilación realizada por Dagoberto Corrales

patrickkasdar@yahoo.com
(Otras guías de Diseño a través del enlace)

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 DISEÑO I
¿Qué es Diseño? / ¿Qué es Crear? / Elementos Básicos del Diseño /Elementos del Diseño de Modas
/ Principios del Diseño de Modas

Aún cuando en el lenguaje visual no existen sistemas estructurales absolutos, sí existen

ciertos elementos y reglas que debemos aprender y aplicarlas inteligentemente para
obtener una organización y orquestación necesarias para que exista un grado de
comprensión del mensaje. De la misma manera que en el lenguaje, la sintaxis significa la
disposición ordenada de palabras, en el diseño significa la disposición ordenada de todos
los elementos como lo son el punto, línea y plano, volumen –y otros-, así como de los
elementos de relación y organización y los elementos de practicidad.

De estos elementos básicos del diseño en general, sobresaldrán 4 en particular que se

tomarán como Elementos del Diseño de Modas. Después de leer estos conceptos, los
descubrirás.

ELEMENTOS BÁSICOS DEL DISEÑO

1. ELEMENTOS 2. ELEMENTOS 3. ELEMENTOS 4. ELEMENTOS

CONCEPTUALES VISUALES DE RELACIÓN PRÁCTICOS

•Punto • Forma y
• Dirección
• Línea Fondo • Función
• Posición
• Plano • Medida • Representación
• Espacio
• Volumen • Color • Significado
• Gravedad
• Textura

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 a. EKEMENTOS CONCEPTUALES
PUNTO: Es la unidad mínima de
comunicación visual
• Elemento que ocupa un lugar en el
espacio. Tiene forma. Será siempre un
contenido. Tiene dimensiones.
•Se forma por la intersección de dos
líneas.
•Es el inicio o final de una línea.
•Es el inicio de cualquier creación.
LÍNEA: Sirve para determinar figuras.
Es un punto en movimiento. Dos puntos
estáticos determinan una línea.
Cualidades de la línea:
Vertical ( I ) indica equilibrio.
Inclinada ( / ) indica movimiento.
Horizontal ( _ ) indica reposo.
* Sirven para relacionar, agrupar o
separar elementos.
* Determina figuras y concentración.

PLANO: Una sucesión de líneas VOLUMEN: Se obtiene desplazando

determina un plano o el un plano en el espacio.
desplazamiento de una línea en el
espacio.
•Características del plano:
*Tiene dimensiones: Longitud
(Ancho y Largo); Superficie (m2 / VOLUMEN: MASA (sólido):
Cantidad de material
área). Magnitud, Extensión
que conforma un
de un cuerpo en el
•Divide o separa espacios. espacio. objeto.

•Sirve para soportar elementos.

2. ELEMENTOS VISUALES

¿QUE ES FORMA?

Según Aristóteles, toda entidad se compone de materia y forma; la forma es aquello que
determina y precisa la materia de la que está formado un objeto determinado, y siempre
debe entenderse en relación con la materia. Así, cuando se produce un cambio, es posible
que éste afecte a la materia (cambio material) o sólo a la forma (cambio formal), que es
menos radical. En cierto sentido, la forma es el principio de individuación de una entidad.

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Podríamos resumir lo anterior, diciendo que la forma es la configuración exterior de las
cosas, es decir la apariencia y estructura que percibimos a través de los sentidos.

Dentro de las características visuales del entorno (forma, tamaño, color, textura, etc.), la
forma ocupa un lugar privilegiado, ya que nos permite reconocer los objetos y seres del
entorno, y distinguir unos de otros.

Si analizamos una forma cualquiera, podemos determinar sus características concretas:

- La apariencia (si es un coche o un perro)

- El tamaño (respecto a otras que vemos o que hemos visto con anterioridad)
- La posición (el lugar que ocupan en el campo visual respecto a otras formas)
- La orientación (puede estar boca abajo, por ejemplo)

Dentro de una forma podemos distinguir también:

- La forma es el juego o fusión del contorno y el contenido. El contorno (apariencia

externa) es la última línea de la forma. Cuando dicho contorno está relleno de color
plano se le llama SILUETA. Por lo tanto la forma es contorno + silueta.

- Su apariencia interna o estructura (también llamada dintorno).

- Lo que no tiene forma no lo leemos visualmente, Es lo primero que percibimos.

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EL CONTRASTE: EL SOSTÉN DE LA FORMA

Percibimos relaciones a causa de la forma que tienen los objetos. Ello significa que la
forma depende del objeto observado y también del observador. Comencemos por
esta pregunta; ¿Cómo percibimos la forma? La pregunta ha de proporcionarnos una
base para contestar la pegunta fundamental: “¿Cómo creamos relaciones?” Esa
respuesta es: “Por medio del contraste”.

CONTRASTE
¿Qué queremos decir con ello? La percepción de la forma es el resultado de diferencias en
el campo visual.

Cuando percibimos una forma, ello significa que deben existir diferencia en el campo.
Cuando hay diferencias, existe también contraste. Tal es la base de la percepción
de la forma. Hasta que no haya contraste, no habrá forma.

ESTRUCTURA DE NUESTRO CAMPO VISUAL

La luz que reflejan los objetos de nuestro fondo es igualmente importante, porque
campo visual, llega a la retina con una ambos elementos son necesarios para la
trama de diferentes cualidades y percepción de la FORMA..
cantidades. Dicha trama inicia la
respuesta nerviosa correspondiente, que
el cerebro registra como esquema de
energía, Todo ello constituye la base de
nuestra percepción. Posee forma porque
el contraste crea una estructura en el
esquema. Las partes de baja energía o
contraste débil se funden y constituyen lo
que los psicólogos llaman FONDO. Las
partes de energía más alta y mayor
contraste se organizan en lo que se
denomina FORMA (o FIGURA). Esta
última constituye el interés central, pero el

Todo lo que vemos y posee forma se percibe en esta clase de relación. No importa que los
objetos en el campo sean bi o tridimensionales. Puesto que la estructura pertenece al
esquema de energía en el cerebro. Como tales esquemas dependen del contrate en el

campo, podemos aplicar directamente al diseño la idea de la relación forma-fondo.

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RELACIÓN FIGURA – FONDO

Convidemos esta página. Todos los espacios vacíos tienen la misma cualidad tonal (sin
contrate); por consiguiente, las percibimos como fondo. Este posee forma y tamaño
debido al contraste con lo que no es página, en los bordes. Lo impreso establece un
marcado contrate tonal con el fondo y se convierte en figura y en el centro de la atención.
Cada letra, cada palabra o línea tiene forma a causa de su relación de figura con respecto
al fondo (Ver imagen anterior: las figuras corresponden al color amarillo y el fondo al
negro o viceversa).

El constaste figura-fondo es continuamente necesario para que podamos ver las formas.
Pero, en un esquema complejo como este, la misma área puede poseer valores de figura y
de fondo, según varíe el centro de nuestro interés. Como ejemplo las siguientes imágenes:

Y en esta imagen, ¿qué es forma y fondo?

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 En las prendas de líneas, ¿Cuál es la forma y cuál es el fondo?

En el póster son más identificables la forma y el fondo, ¿por qué?

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MEDIDA Siempre que exista la forma, esta debe tener una dimensión bi o
tridimensional, sea regular o irregular.

Imágenes Bidimensional (cuadro) y Tridimensional (prenda de vestir)

Propiedad de la luz transmitida, reflejada o emitida por un objeto,

COLOR que depende de u longitud de onda. Carácter peculiar de algunas
cosas. Cualidad especial que distingue el estilo.

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 El color
El color es una percepción visual que se
genera en el cerebro al interpretar las
señales nerviosas que le envían los
fotorreceptores de la retina del ojo y que
a su vez interpretan y distinguen las
distintas longitudes de onda que captan
de la parte visible del espectro
magnético.

Es un fenómeno físico-químico asociado a las innumerables combinaciones de la luz que

perciben las personas y animales a través de los órganos de la visión, como una sensación
que nos permite diferenciar los objetos con mayor precisión.
Todo cuerpo iluminado absorbe una parte de las ondas electromagnéticas y refleja las
restantes. Las ondas reflejadas son captadas por el ojo e interpretadas en el cerebro como
colores según las longitudes de ondas correspondientes. El ojo humano sólo percibe las
longitudes de onda cuando la iluminación es abundante. A diferentes longitudes de onda
captadas en el ojo corresponden distintos colores en el cerebro.
Con poca luz se ve en blanco y negro. En la denominada síntesis aditiva (comúnmente
llamada “superposición de colores luz”) el color blanco resulta de la superposición de
todos los colores, mientras que el negro es la ausencia de color. En la síntesis sustractiva
(mezcla de pinturas, tintes, tintas y colorantes naturales para crear colores) el blanco solo
se da bajo la ausencia de pigmentos y utilizando un soporte de ese color y el negro es
resultado de la superposición de los colores cian, magenta y amarillo.
La luz blanca puede ser descompuesta en todos los colores (espectro) por medio de un
prisma. En la naturaleza esta descomposición da lugar al arco iris.

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 Colores según Marc Chagall

"TODOS LOS COLORES SON LOS AMIGOS DE SUS VECINOS Y LOS AMANTES
DE SUS OPUESTOS"

Así definió el artista plástico a la relación existente entre los colores análogos y
complementarios, en el círculo cromático.
Pares de complementarios:

1. Rojo y verde
2. Azul y anaranjado
3. Amarillo y Violeta

Estos pares se conforman por los colores primarios y los colores secundarios que se
encuentran enfrentados a ellos en el círculo cromático (opuestos) y están conformados
por los otros dos primarios (complementarios).

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 TEXTURA
No sólo respondemos a la cantidad y al apagado, y a través de tal contraste
tipo de luz que reflejan las superficies, podemos ver el dibujo.
sino también a la manera en que la
reflejan. Denominaremos a dicha manera
textura visual. Esta tiene estrecha
relación con la cualidad táctil de una
superficie. Algunas de las palabras que
usamos para descubrir texturas visuales
características provienen de nuestra
experiencia táctil: áspero, suave, duro,
blando. Otras tienen fundamentalmente
un sentido visual: apagado, brillante,
opaco, transparente, metálico,
iridiscente. Consideremos por ejemplo,
una pieza de damasco o el brocado y
veamos como el contraste en la textura
visual nos ayuda a percibir la forma. El
dibujo depende por completo de la
manera en que están tejidas las fibras. El
raso, de superficie brillante, ofrece
contrastes con el tejido común, que es

El color blanco constituye por sí mismo un ejemplo de textura visual. Si examinamos con
un microscopio partículas de pigmento blanco, veremos cristales diminutos. La apariencia
blanca se debe a la forma en que aquellos descomponen la luz.

El contraste en cualquiera de las cualidades tonales o en la textura visual nos dará un

campo visual no homogéneo.

Damasco Brocado

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 Tras haber estudiado estos elementos básicos del Diseño, ya habrás descubierto cuáles
son los elementos que resultan relevantes para el Diseño de Modas en particular.
Todos son importantes aunque se definieron únicamente los elementos conceptuales
y visuales, ya que en ellos están contenidos los elementos que requiero. ¿No los has
descubierto?...Pues muy simple. En modas siempre estaremos hablando de la LINEA,
de la SILUETA (resultado del juego entre contorno y contenido de la forma), del
COLOR y de la TEXTURA. Entre los Elementos Prácticos existe uno llamado
FUNCIÓN, del cual se tratará al finalizar esta guía.

Ahora se tratarán estos como ELEMENTOS DEL DISEÑO DE MODAS.

Diseñar consiste en mezclar elementos conocidos con nuevos y emocionantes

caminos a fin de crear combinaciones frescas y buenos productos. Los
principales elementos del diseño son: silueta, línea, textura y color.

Los modos en que estos elementos se pueden combinar se llaman

principios y son repetición, ritmo, graduación, radiación, contraste,
armonía., equilibrio, proporción y balance.

Descubrir porqué puede un diseño funcionar o no en la moda, no siempre

resulta claro a veces puede ser un elemento de choque o una armonía
perfecta.

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SILUETA:
Al referirnos a este aspecto, se debe estar
pensando en los “cuerpos”,
pensando en el volumen
tridimensional de este. La silueta es
la primera impresión de una prenda,
vista a distancia y antes de percibir
los detalles.

La silueta es la forma externa de una

prenda, que se reduce a una
descripción geométrica básica.
Ejemplo cuadrada, recta, línea "A”
de Dior con una cintura estrecha y
falda ancha.

Una línea de cintura divide la silueta en

la parte superior e inferior, que
necesitan un equilibrio visual y una
proporción para lograr un efecto
armonioso.

La silueta está marcada y controlada por el volumen

que la ha modificado en las diferentes épocas.

Por ejemplo: La línea imperio con un corte bajo el

busto o una cintura muy alta, nos da la impresión de
silueta alargada.

En la Edad Media, mucha tela bajo el busto para

aumentar el tamaño del estómago, crea la ilusión de
embarazo y fertilidad. También se la asocia al diseño
y una figura infantil.

Unos hombros anchos, cintura y falda recta nos

hacen pensar en una silueta masculina.

Si observamos la guía con las siluetas dibujadas podremos identificarlas en prendas reales,
veamos:

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AJUSTADA

TRAPECIO
TRIANGULO
INVERTIDO

TRIÁNGULO NATURAL
TALEGO

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 EJERCICIO
Identifique las siluetas de las siguientes imágenes:

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 LÍNEA
El concepto de línea aplicado a la moda, se emplea a menudo como sinónimo de estilo.

Puede ser dura o suave, implicar rigidez o flexibilidad. Se puede mover en varias
direcciones y conducir la mirada del espectador a través del cuerpo. La línea nos
muestra todo los cortes y detalles que puede llevar un diseño. Pinzas, cortes,
bolsillos. Puede hacer notar un estilo relacionado con el tema y los detalles. Todo
diseño es una estructura de líneas y formas cuidadosamente concebida. La prenda
final presenta, a la vista del observador, tres grupos principales de líneas: Las líneas
del cuerpo, las líneas de la silueta y las líneas de los detalles, y para relacionar
equilibradamente estas líneas entre sí y cada una de ellas con los destinatarios de las
prendas es preciso comprender básicamente lo que significa este concepto.
Dispóngase pues a estudiarlo. Piense que las líneas de una prenda influyen en los
movimientos de la vista de quienes la observan, y además, contribuyen a determinar
formas y a dar carácter a la ropa, de igual modo que el color, así que tanto su
dirección como su emplazamiento son factores de gran importancia.

En primer lugar debe saber que, de forma natural, los ojos del observador tienden a
desplazarse en la misma dirección de lectura, es decir, de izquierda a derecha y de arriba
abajo. Por otra parte, aunque exista cierta “pugna” entre ambas direcciones, la horizontal

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resulta ser algo más dominante que la vertical, hecho éste que nos induce a profundizar en
el concepto de línea dominante; las líneas que componen una prenda rara vez son todas
iguales, pues diversos factores contribuyen a diferenciarlas. Una línea dominante es
aquella que es más larga, mas ancha, más llamativa o está más veces repetida que las
demás que componen la prenda. Por último, otro punto que debe tener en cuenta es que
los ojos siguen antes y con mayor rapidez las líneas rectas, que son las más “serias” y
estructurales, que las curvas, cuyo trazado es más suave, relajante y airoso.

Por todo lo anterior comprenderá que

este elemento de diseño sirve para crear
ilusiones ópticas, con las que debe, como
es lógico, realzar los aspectos positivos
del físico y no crear efectos adversos.
Póngase como objeto primordial el
convertirnos en expertos del
“Ilusionismo” y camuflaje, aprendiendo
para ello las reglas del juego de la moda.
Su mejor musa será usted misma, pero
cuando se mire al espejo tiene que sacar
conclusiones realistas. Con esta premisa,
medite sobre todo lo que le interesa
realzar o disimular de entre todo lo que la
naturaleza le ha dado, y a continuación
guíese por las orientaciones siguientes
para poner las líneas a su servicio en bien
de su silueta. Y, como después de todo,
la belleza está en los ojos de quien mira,
cuando sepa dominarlas, dominará
también el arte de poder dirigir las
miradas a donde a usted le interese que
se dirijan.

No olvide nunca la relación que debe existir entre el diseño y el tejido. Recuerde que
determinados tipos de dibujos y estampados poseen su propia línea y dirección: así por
ejemplo, las franjas horizontales son dominantes por mucho que entre las líneas de
costura predominen las verticales, aunque éste es el ejemplo más extremo, pues incluso
un dibujo cuya dirección no resulte tan evidente puede a veces modificar de algún modo

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el efecto pretendido. Desde luego, siempre que vaya a elegir una tela a cuadros,
compruebe antes si las líneas de éstos son dominantes en alguna dirección.

Todas éstas son las “reglas” básicas

relativas al empleo de las líneas, pero no
por ello hay que aplicarlas siempre al pie
de la letra. Además, la elación entre las
diferentes líneas de una prenda es de
mayor peso que la dirección de una sola
de ellas, lo que en la práctica supone el
no tener necesaria e indefectiblemente
que prescindir de todas las que no
resulten favorecedoras, puesto que cabe
el recurso de utilizarlas como no
dominantes. Sea como fuere su figura,
ponga especial cuidado en evitar que las
líneas de las prendas atraigan la atención
hacia los puntos menos agraciados de la
misma; piense, por ejemplo, que una
franja horizontal sobre unas caderas
demasiado rellenas resulta tan
desacertada en una mujer alta como en
otra de pequeña estatura.

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VERTICALES

La línea vertical, que se observa

desplazando la mirada de arriba abajo,
posee un marcado efecto clásico y nos
hace parecer más altas y delgadas. El
empleo de una única vertical es la
solución que más aumenta en apariencia
la estatura, ya que cuando dicha línea se
repite a intervalos regulares a lo ancho de
toda la prenda, la ilusión de longitud se
diluye debido a que la vista del
observador, debe también desplazarse
lateralmente para seguir la sucesión. Las
hechuras rectas y las largas sin elementos
que desvíen la atención de su longitud
acentúan igualmente la verticalidad de
las prendas.

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HORIZONTALES

Sabido es que la líneas horizontales

“engordan”, en especial cundo se
emplean en pares. Sin embargo, una sola,
colocada por encima o por debajo de la
cintura, tiende a estilizar la parte más
larga de las dos que delimita. Puesto que
estas líneas poseen en cualquier caso un
marcado efecto, evite siempre hacerlas
coincidir con las partes menos agraciadas
de un cuerpo. Para desviar la atención de
una línea horizontal caben diversos
recursos, como equilibrar el efecto de
esta con una vertical debidamente
emplazada, situarla descentrada, o bien,
modificarla de modo que se transforme
en una diagonal o una curva.

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DIAGONALES

El efecto modificador de una línea

inclinada depende principalmente de la
inclinación y la longitud de la misma.
Como se aprecia en las fotografías, una
línea de estas características con poca
longitud, tiende a dirigir la atención de
un lado a otro de la prenda, mientras que
una diagonal larga se observa desplazando
la mirada como si de una vertical se
tratara, lo que lógicamente contribuye a
acentuar la estatura. Es interesante
resaltar que, como la mitad tiende a
desplazarse naturalmente de izquierda a
derecha, las diagonales con esta
inclinación resultan siempre más
agradables que las inclinadas de derecha
a izquierda. Las líneas diagonales
participan tanto de la disciplina de las
rectas como de la suavidad de las curvas.

CURVAS
Las líneas curvas, independientemente de
que consistan en costuras o bordes con
forma, o en pliegues caídos, cumplen la
misma función ilusoria que las rectas,
aunque de forma más velada. Por otra
parte, contribuyen también a realzar las
curvas femeninas por repetición,
haciéndolas parecer más definidas. Con
frecuencia una líneas que recta podría
resultar poco favorecedora produce el
efecto contrario convertida en una curva.
Con esta forma, la costura de un canesú o
el cierre delantero de un vestido, por
ejemplo, producen una impresión más
suave que resueltas con una horizontal o
una vertical, respectivamente.

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Líneas convergentes y divergentes
crean fuertes efectos
direccionales. Líneas curvas
añaden feminidad a una prenda y
sirven para minimizar cinturas y
llevar la atención a los pechos y
las caderas.

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 ¿Cuántos grupos de líneas hay en cada diseño? ¿Logran algún efecto su disposición? ¿Se
observan más gordas?

Aquí se encuentran dos grupos de prendas que pertenecen a las líneas masculina y
femenina respectivamente. Cuando aquí se habla aquí de línea, ¿a qué se está refiriendo?

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TEXTURA
EXPLICACIÓN 1: La textura de un tejido
viene determinada por las
características de su fibra (lana,
lino, seda, etc.) y el modo en que
ésta está entrecruzada (punto,
esterilla, sarga, tafetán, etc.). En
general, se trata de un aspecto al
que no suele presentarse la debida
importancia, a pesar de que es
primordial como elemento creador
de ilusiones ópticas.

A la hora de considerar la textura de un

tejido en relación al diseño de una
prenda, tenga en cuenta que su objetivo
debe ser el que la prenda en cuestión sea
observada con movimientos fluidos de la
vista, de tal modo que ésta se detenga
solamente en puntos de interés
especialmente atractivos y establecidos
de antemano. Los tejidos rígidos, por
ejemplo, tienen una caída recta y apenas
forman pliegues, de ahí que sobre una
silueta poco sinuosa tienden a observarse
con un único movimiento vertical de la
vista. Esta particularidad los hace
apropiados para disimular algunos
aspectos problemáticos de la figura,
aunque no para contrarrestar un exceso
de redondeles global. En cuanto a los
flexibles, conviene saber que sólo quien
posee una silueta perfecta puede
llevarlos con hechuras rectas o de línea
muy sencilla, ya que esta combinación
tiende a sacar a la luz tanto los aspectos
agraciados como los que es preferible
disimular. Así pues, si su silueta no es la
mejor, limítese a emplearlos en
conjunción con diseños de líneas suaves a
base de pliegues. Como es lógico, las
telas vaporosas o transparentes no deben
colocarse sobre zonas poco atractivas.

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Los efectos texturales contribuyen también a acentuar los volúmenes, y en especial, las
texturas abultadas o gordas siempre le harán parecer más gruesa de lo que en realidad
está. Si le encantan los tweeds de mayor fantasía, y estos son incompatibles con su
complexión, llévelos simplemente en una parte del atuendo, como una falda o un chaleco,
por ejemplo. Por último, los tejidos brillantes engordan la figura debido a que reflejan la
luz, así como los mates, por la causa contraria, la hacen parecer más estilizada; en otras
palabras, si le sobran algunos centímetros es preferible que para un traje de noche elija
un terciopelo, tejido éste que absorbe la luz, en lugar de unas lentejuelas brillantes

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EXPLICACIÓN 2: Respecto a la textura, la podemos definir como la estructura material de
una superficie. La textura puede ser natural o superpuesta. La primera es aquella que
depende del material del que esta hecho el objeto, mientras que la segunda, se trataría
de una textura superpuesta o elaborada, fruto de la adición de otro material
(pasamanería, pedrería, otras) o de la aplicación de alguna técnica en la elaboración de la
superficie (tratamientos a la tela).

Sea cual fuere el tipo de textura, la percibiremos como una sensación táctil y visual o
como una sensación puramente visual.

En cuanto a las primeras, la percepción táctil dependerá del grado de aspereza, suavidad,
dureza, temperatura, etc., y la percepción visual dependerá del tipo y calidad de la luz,
así como del grado de reflexión u opacidad de la superficie.

Las texturas puramente visuales, son aquellas que no dependen de ningún factor externo,
como el tipo o calidad de la luz, para ser percibidas.

EXPLICACIÓN 3: Hacer ropa no es sólo

una experiencia visual sino también
sensorial. Es esencial sentir la tela y
examinar sus propiedades y usos
asociados. Las telas con profundidad,
superficies rugosas y cualidades aislantes
son necesarias en la época de frío,
mientras que las texturas suaves, planas y
absorbentes son más apropiadas para el
verano. Según los tipos de prendas, se
necesitan diferentes texturas: Los trajes
de sastre y los abrigos requieren tejidos
firmes, aprestados y fuertes que resalten
detalles tales como cuellos y bolsillos. Las
prendas de campo y ocio piden materiales
confortables y de textura más áspera y de
de fácil mantenimiento. Los vestidos de
noche se hacen con telas ligeras, fluidas y
seductoras, que invitan ala tacto y que
aceptan fruncidos y adornos, como
tejidos de punto, satén, crepé y gasas.

30

El tejido y los materiales con que se
fabrica una prenda pueden crear
o romper un estilo, que esté
representado en el papel. Se
necesita saber cómo se comporta
el tejido, cómo interfiere la
textura y de qué modo funciona
el color, con la silueta deseada, la
línea y la temporada prevista.
Telas lisas son menos llamativas y
más livianas que una tela
texturada. La textura nos hará
parecer con más volumen que
una tela plana y delgada. Los
colores claros y frescos
(salientes) parecen agrandar la
figura. Los colores oscuros más
pesados (entrantes) achican o
Nosotros jugamos con los tejidos en los trajes y
los diseñadores de conjuntos necesitarán saber
apreciar la buena combinación de texturas:
parte inferior (faldas y pantalones) y parte
superior (blusas). El contraste de texturas
enfatiza las diferencias entre las prendas y
añade atractivo.
Empiece a coleccionar muestras de telas en un
cuaderno. Averigüe los nombres y pesos de las
telas y pruébelas en distintas mezclas. Observe
las combinaciones de las telas en los
diseñadores profesionales. También resulta útil
saber describir las texturas de las telas
verbalmente. El lenguaje de las telas se
asemeja al de los catadores de vino; significa
poco para el forastero, pero puede ser de gran
valor cuando se discute con un proveedor.
31
Al observar las anteriores fotografías, ¿podrías identificar visualmente de qué material
están hechas o a qué textura se asemejan?

32
Moda, Psicología y Armonía del Color

03-05-2011
A diario pasan por nuestra vista miles de imágenes que despiertan nuestro interés. En la
mayoría de los casos, ello sucede debido a la presencia de un elemento que realza su
presencia; ese elemento es el color, el cual influye en nuestros órganos visuales.

La psicología del color

Un factor importante del color es la influencia psicológica que éste ejerce sobre la forma
específica de los objetos en que se aplican, ejemplo de esto es:

1. Los tonos fríos y claros parecen más livianos y menos substanciales. Nos recuerdan
el hielo, el agua, el cielo profundo etc. Los tonos fríos, parecen sedar, retroceder y
contraerse. Ejemplo: azul, verde y violeta.
2. Los tonos cálidos y oscuros parecen más pesados y densos. Se asocian al fuego y el
calor. Los tonos cálidos, parecen avanzar y extenderse. Ejemplo: rojo, naranja,
amarillo.
3. Modifica la apariencia de la tridimencionalidad de los objetos. Éstos pueden
parecer más o menos pesados según su color.

Así, de forma inconsciente, asociaremos las siguientes cualidades a cada uno de los
siguientes colores:
Blanco: puro, propio, clínico, limpio.
Azul: frío, refrescante, claro, ancho, extenso.
Marrón: caluroso, terrestre, caliente, simple.
Gris: discreto, conservador, sobrio.
Amarillo: alegre, luminoso, claro, amargo.
Negro: notable, profesional, inusual, noble, exclusivo.

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Naranja: luminoso, maduro, radiante, cálido.
Rojo: activo, dinámico, fuerte, sensual, provocativo.
Verde: natural, vivo, joven, jovial.
Violeta: infrecuente, misterioso, íntimo.
Plata: moderno, técnico.

La armonía del color

Tipos de armonías:
La armonía de tonos: Se emplea en la pintura y tejidos presentando un mismo color bajo
tonos e intensidades diferentes.
La armonía de sentido: Se aprovecha en los estampados, donde conviene, además del
buen efecto del dibujo, que los colores se presenten limpios.
La armonía de luz: es un recurso al cual hay que apelar en muchos casos; los productos
heterogéneos parecen más armoniosos iluminados.

Algunas tips para combinar colores en el diseño de moda

1. El orden complementario es superior a todos los demás en la armonía de los colores.

2. Los colores simples (rojo, amarillo y azul), asociados dos a dos, forman mejores
armonías de contraste que los demás colores.
3. Cuando dos colores no se armonizan, es siempre buena opción separarlos por medio
de blanco, de negro o de gris.
4. El gris, no produce nunca mal contraste cuando se asocia a dos colores luminosos;
generalmente es preferible al blanco sobre todo cuando se coloca entre otros dos
colores.
5. El negro asociado a colores oscuros o a tonos rebajados de los colores luminosos,
produce mala armonía de análogos.

Acordes binarios de colores con blanco:

Azul cyan y blanco.
Rosa y blanco.

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 Amarillo cromo y blanco.
Verde amarillo y blanco.
Violeta y blanco.
Anaranjado y blanco.
Acordes binarios de colores complementarios:
Rojo y verde (separado por blanco).
Blanco, rojo, verde, y blanco.
Blanco, rojo, blanco y verde.
Acordes binarios de colores no complementarios:
Amarillo y azul.
Amarillo y verde.
Naranja y verde.
Negro con cualquier color primario y colores oscuros.
Blanco con los demás colores (produce siempre armonía de contraste).
El gris hace ganar en pureza a todos los demás colores primarios, cuando se
colocan en su inmediación.

Burberry otoño/invierno 2011 Roberto Cavalli

Colecciones monocromática y policromática respectivamente.

35
 LOS PRINCIPIOS DEL DISEÑO DE MODAS

Los principios del diseño de la moda no siempre se enseñan, ni se discuten durante una
crítica o se emplean concientemente, pero, no obstante, existen. Son una parte
importante del equipaje estético y son los medios con los cuales los diseñadores pueden
ajustar de forma ingeniosa el enfoque y el efecto de los diseños. Si sabe dónde
encontrarlos y cambiarlos, podrá ver los diseños objetivamente. Acostumbran a ser la
clave de por qué un diseño funciona, o no. No cumplir de manera deliberada con estos
principios es tan válido como utilizarlos con cuidado si con ello se comunica un mensaje.

1, Repetición
Vestido en secciones de Issey Miyake

"Es el uso que se hace más de una vez de

elementos de diseño, detalles o adornos
en una prenda. Una característica puede
reiterarse regular o irregularmente. Este
efecto múltiple puede ser usado para
otorgarle unidad al diseño. Algunos
ejemplos de repetición, como botones
espaciados uniformemente, son tan
comunes que no tendemos a notarlos
hasta que los vemos en una versión
irregular.

La repetición puede ser parte de la estructura de una prenda, como en el caso del
tableado/plisado de una falda o la característica de una tela, como su gráfica a rayas. De
tiempo en tiempo, la indumentaria asimétrica como tops de una manga o faldas que son
más largas en un costado, están de moda como una reacción a la regla natural. Romper
con la repetición tiene un efecto llamativo."

36
 Repetición a lo largo de la colección de los detalles de pechera, cuello y corbata.

Repetición en los detalles del tocado y en el blanco/negro de la colección primavera/verano

de Dolce&Gabanna

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38
2. Ritmo
Estamos envueltos de ritmos que pueden expresarse en forma de diseños: rizos en la
superficie de un lago, pájaros en vuelo, árboles que extienden sus ramas, flores con los
pétalos abiertos, nubes que se desplazan en el cielo, arena que revolotea en una playa,
una fuente de la que mana agua, olas que rompen en las rocas, pasos de baile, una
explosión de dinamita.

Los diseños abstractos inspirados en tales ideas no son

meramente decorativos. Es más importante lograr que se
perciban el espíritu y el ritmo de que está imbuido el diseño,
que el hecho de que la idea sea o no perceptible. Además, la
idea refleja una visión personal del diseñador y puede alentar
la creatividad.

El ritmo se genera mediante la manipulación de las

direcciones de los elementos y de los espacios entre ellos; los
elementos pueden ser paralelos, similares, contrastados o
radiados. Los espacios anchos y estrechos entre los elementos
sugieren la velocidad del movimiento.

El ritmo provee la disciplina que controla al ojo alrededor de un objeto o espacio,

proveyéndole el camino adecuado para una mejor comprensión y respetando la armonía y
jerarquía de todos y cada uno de los elementos. El ritmo se crea con la repetición de la
línea, de la forma, del color o de la textura. Puede también ser creado con la progresión,
es decir con el aumento o disminución gradual del tamaño, la dirección o el color. El ritmo
también se encuentra asociado con el movimiento.

Falda tubo con dos estampados florales

distintos

"Como en la música, el ritmo puede crear

un efecto poderoso, sea que venga a
través de la repetición de rasgos
regulares o motivos en el estampado de
una tela."

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3. Gradación
Vestido largo con pedrería en la parte
superior

"Es una repetición más compleja donde

los rasgos de una prenda son trabajados
en aumento o disminución de tamaños.
Por ejemplo, las lentejuelas en un vestido
de noche pueden estar muy incrustadas
en una bastilla, pero se van
desvaneciendo de a poco en número
mientras van escalando hacia arriba en la
prenda. (...) El ojo rastrea los diferentes
grados de cambio a través del diseño, así
que la graduación puede ser usada como
una manera de atraer la atención u
ocultar ciertas partes del cuerpo."

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4. Radiación

Falda de seda anudada

"Es el uso de líneas que surgen de un

punto común. Una falda tableada es un
buen ejemplo de esto, pero puede ser
ejecutado más sutilmente en
indumentaria drapeada".

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Radiación/espirales

La operación de diseño radiación, es considerada una repetición especial, compleja y en

geometría se traduce en espirales.

Dos elementos son necesarios para que se conforme una radiación: un punto focal y líneas
o segmentos, que se ubiquen alrededor de dicho punto, salgan o lleguen a él.

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45
5. Contraste
El contraste es la comparación de elementos disímiles y ayuda a identificar las formas y a
aumentar la variedad visual en una composición. Los aspectos del contraste no sólo
incluyen la forma, el tamaño, el color y la textura, los contornos y la escala, sino también
la posición, la dirección y los efectos espaciales. La cantidad de formas utilizadas y su
densidad afectan también el contraste.

Los antónimos que oímos en la comunicación cotidiana pueden inspirar la utilización del
contraste en el diseño: recto/torcido, cuadrado/redondo, cóncavo/convexo,
afilado/romo, regular/irregular, grande/pequeño, largo/corto, claro/oscuro,
brillante/mate, tosco/suave, positivo/negativo, perpendicular/oblicuo.

En la mayor parte de los casos, el contraste se introduce de manera inconsciente a medida

que se crean y se disponen las formas. El contraste se introduce intencionadamente
cuando se necesita de un énfasis visual; un contraste insuficiente puede tener por
resultado un diseño anodino, carente de interés. Por otra parte, un exceso de contraste
puede perjudicar la unidad general del diseño.

El contraste, en términos generales, debería ser máximamente visible en el centro de

interés. Sin embargo, no debe introducirse como un añadido, sino emerger de forma
natural durante el proceso de creación del diseño.

Flores y cuadros en un mismo conjunto,

difíciles pero magistrales en las manos de
Emmanuel Ungaro.

"Es uno de los principios más usados en el

diseño, y se encarga de causar en el ojo
una re-evaluación de la importancia de un
área de foco en contraposición a otra.
(...) Por ejemplo, usar un vestido con un
cinturón contrastante. Los colores atraen
atención hacia ellos y hacia los rasgos y
detalles que enmarcan. La colocación de
rasgos contrastantes requiere de cuidado.
Los contrastes en una tela con textura
elevan el efecto de cada material, por
ejemplo una chaqueta de tweed y una
blusa de seda. Los contrastes no
necesitan ser extremos (...), aunque a
veces…

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CONTRATE SIMULTÁNEO DE COLOR

Cuando combinemos colores deberemos prestar atención a los efectos de contrate

simultáneo, que pueden modificar el modo en que se perciben los colores. El contraste
simultáneo se refiere a los cambios aparentes de tono, valor y/o intensidad, que son
creados por colores adyacentes. El estímulo visual hace que el ojo genere una segunda
imagen que se sitúa en el tono complementario de la imagen original. Eso ocurre, con
mucha frecuencia, cuando un color envuelve a otro (el color envuelto es alterado por el
color envolvente).

Un color circundado muestra un cambio de tono porque se funde óptimamente con la

segunda imagen del color circundante, que tiene un tono diferente. Por ejemplo, cuando
el naranja está circundado de verde(es decir, su complementario el rojo) tiñe el naranja y
lo hace ver más rojizo. Si el mismo naranja está circundado de púrpura, la segunda imagen
del púrpura (es decir, su complementario el amarillo) tiñe el naranja y lo hace aparecer
más amarillento. Es importante comprender los principios que rigen el contraste
simultáneo, con el objeto de producir sus efectos.

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Contrastes de materiales, formas y colores

Contrate blanco/negro

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 ÉNFASIS O PUNTO DE
ENFOQUE - El punto
focal es el área que se
ofrece como el centro
de interés y por lo tanto
lo que atrae al ojo a
primera vista. El énfasis
en un diseño puede
conseguirse con el uso
eficaz de la línea, de la
forma, del color, de la
tonalidad y de la
textura, etc., es decir
de los diferentes
elementos.

El ÉNFASIS atrae la atención hacia un detalle o una zona de la prenda, restándosela

parcialmente a todos los demás.

Aquí, los elementos de diseño en las prendas, ¿hacia dónde focalizan su atención?

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50
6. Armonía
Un buen diseño está conformado por un conjunto de elementos organizados y relacionados
entre sí, pero que juntos representan a uno solo. La unidad significa una consistencia de
tamaños y de formas y una armonía de color y patrón, asegurando un sentido de orden y
por lo tanto de mejor apreciación. Esto se puede lograr con repetición de los elementos,
balanceándolos en el diseño y después la adición de una poca variedad, de modo que se
consiga un sentido de personalidad. Abusar de dicha variedad puede perder el énfasis y el
exceso de unidad puede eliminar a la variedad.

"No es el opuesto del contraste pero sí implica similitud más que diferenciación. Colores
que no chocan, géneros que se funden bien. Telas delicadas y formas redondeadas se
prestan mejor para diseños armoniosos más que cortes 'afilados' (...). La moda italiana es
conocida por el armónico uso de delicadas telas y color con sastrería orgánica y no
agresiva. Una colección armónica es fácil de mezclar y generalmente se vende a sí misma
sin necesidad de un vendedor."

La unidad se logra por medio de la

estrecha trama orgánica de
relaciones funcionales, visuales y
expresivas que hacen de nuestro
diseño algo único y autocontenido.

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Armonía de colores (3 imágenes superiores) y de materiales (2 imágenes inferiores)

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7. Equilibrio
EXPLICACIÓN 1: Sabemos muy bien qué importancia tiene en nuestra conducta y
resulta esencial en el diseño. Pero ¿qué significa exactamente el término cuando lo
aplicamos al diseño?

El centro de gravedad sigue siendo el concepto básico, pero es obvio que debemos
interpretarlo en un sentido menos literal. El problema no consiste en el equilibrio de un
cuerpo en el espacio, sino en el de todas las partes de un campo definido. La manera
más fácil de abordarlo es pensar en él como en una igualdad de oposición. Ello implica
un eje o punto central en el campo alrededor del cual las fuerzas opuestas están en
equilibrio. A partir de esta concepción básica, se desarrollan tres tipos distintos de
equilibrio.

a. Equilibrio Axial: Significa el

control de atracciones opuestas
por un eje central explícito,
vertical, horizontal o ambos.

SIMETRÍA

Simetría es la forma más simple de este

tipo de organización del equilibrio. En
un esquema exactamente simétrico, los
elementos se repiten como imágenes
reflejadas en un espejo a ambos lados
del eje o los ejes. Es el tipo más obvio
de equilibrio y, en consecuencia, el más
pobre en cuanto a variedad. Resulta
especialmente útil en esquemas
decorativos o en composiciones muy
formales.

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54
 FORMA SIMÉTRICA – COLOR
ASIMÉTRICO

El esquema puede ser simétrico en

cuanto a forma, pero asimétrico
respecto del color. Ello significa, en
realidad, utilizar principios distintos
para equilibrar la forma y el color.
Constituye un eficaz recurso para
suavizar la severidad de la simetría
estricta. Ayuda a crear mayor impacto
visual.

SIMETRÍA APROXIMADA

Los dos lados pueden cerealmente

diferentes en su forma, pero, a pesar de
ello, bastante similares como para que
el eje se pueda sentir positivamente.
Por lo general, el equilibrio axial en
pintura es de este tipo.

b. Equilibrio Radial: Significa el control de atracciones opuestas por la rotación

alrededor de un punto central, el que puede ser un área positiva del esquema o
un espacio vacío. En los ejemplos literales, dos o más elementos idénticos giran
alrededor de dicho punto. Para visualizar claramente este principio, conviene
contrastar el esquema radial con uno simétrico equilibrado, tanto sobre el eje
vertical como sobre el horizontal. Existen semejanzas superficiales. La
diferencia radica en que un esquema radial, debe tener movimiento giratorio,
mientras que el simétrico es estático. Se logra una variedad muy interesante de
organización radial usando sólo dos repeticiones del motivo. El equilibrio radial
se aplica en especial en esquemas decorativos, si bien aparece a veces en los
proyectos arquitectónicos.

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c. Equilibrio Oculto: Es el control de atracciones opuestas por medio de una
igualdad sentida entre las partes del campo. No utiliza ejes explícitos ni puntos
centrales. Sin embargo, un centro de gravedad que se sienta resulta esencial.
Difiere en principio del equilibrio axial y del radial en dos aspectos. Primero, la
ausencia de ejes reales o centros focales acentúa la relatividad de todos los
elementos en el campo. Segundo, implica elementos opuestos cuyas diferencias
son más acentuadas que las similitudes. Por ejemplo, equilibramos un área
pequeña de color fuerte en una parte del campo con una extensa zona de
espacio vacío en otra. No hay reglas para el equilibrio oculto: es una cuestión de
sensibilidad frente a las atracciones variables existentes.

El equilibrio oculto constituye

sobradamente el más importante, así
como el más difícil, ya que proporciona
más libertad pero exige mayor control.
El equilibrio oculto posee una escala
infinita de variedad y expresión. Se
puede hacer con él todo lo que la
imaginación y la sensibilidad sugieran.

56
 ¿Existe algún tipo de simetría en esta ilustración?

EXPLICACIÓN 2: El cuerpo es simétrico

a lo largo del eje vertical y existe una
tendencia visual y cerebral de mantener
eso así. Debido a ello, se busca el
equilibrio en el vestido. El equilibrio
vertical se basa en el deseo de ver las
características simétricas de izquierda a
derecha: solapas que hacen juego,
bolsillos alineados y de igual medida,
botones espaciados regularmente.

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El equilibrio horizontal se ve afectado cuando se dice que un conjunto es demasiado
pesado en la parte inferior, cuando una falda es demasiado ancha o tiene demasiado
vuelo. El centro de un diseño asimétrico, requiere a menudo un detalle más pequeño en
algún lugar del vestido para equilibrar. Un vestido se contempla no sólo de frente o desde
atrás, sino también desde otros puntos de vista. Todos los aspectos deben satisfacer el
principio del equilibrio, o comunicar algo acerca de su falta de respeto por el orden, como
en la moda japonesa y belga posmoderna.

EXPLICACIÓN 3: Un diseño equilibrado es aquel que presenta iguales dosis de interés en

todas las direcciones partir de un centro natural de interés de la prenda. Existen dos tipos
de equilibrio. El formal y el informal. El equilibrio formal se obtiene mediante la
SIMETRÍA. Por el contrario, si las dos mitades de un diseño están visualmente equilibradas
pero no son idénticas, el equilibrio resultante se denomina informal o ASIMÉTRICO. Este
último se consigue desviando el centro de interés y dando énfasis a la descentración.

SIMÉTRICO Y ASIMÉTRICO

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8. Proporción
EXPLICACIÓN 1: Se ha escrito tanto
acerca de la proporción en el campo del
arte, la arquitectura y el diseño que
parece casi pretencioso aplicarla a la
moda como una herramienta para
conseguir efectos. Sin embargo, se
aplican los mismos principios y son útiles
en su capacidad de crear o romper un
diseño.

"La proporción es la forma en que

visualmente relacionamos las diversas
partes de un conjunto en un todo. Se
lleva a cabo mediante la medición que
hace el ojo. Se puede crear la ilusión de
una forma corporal jugando con las
proporciones de los rasgos de un diseño o
al mover y cambiar costuras y detalles de
lugar."

EXPLICACIÓN 2: Es el término que hace

referencia a las relaciones especiales que
componen los elementos del diseño, y
muy en especial a las que se deben existir
entre medidas tales como talla y
volúmenes. En el diseño de una prenda, la
división de ésta en diferentes secciones
resulta agradable a la vista cuando el
creador consigue dotar a la misma de las
cualidades estéticas de unidad y
variedad, o lo que es lo mismo, cuando
consigue que las secciones sean similares
pero no hasta el punto de que esta
similitud vaya en detrimento del interés
de cada una.

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Las piezas de tamaños idénticos o las divisiones exactas del espacio, tales como las
mitades, los cuartos o los tercios, utilizadas conjuntamente, aunque no puedan
considerarse antiestéticas, rara vez resultan tan atractivas como las divisiones que se
apartan de las dimensiones básicas justo lo suficiente para que la vista el observador no
las descubra inmediatamente, Las relaciones más agradables, expresadas en términos
matemáticos, son la de dos a tres, tres a cinco, cinco a ocho y así sucesivamente, por
oposición a las de dos a dos, dos a cuatro, dos a seis, etc. Escala es un término que
también hace referencia a las relaciones entre medidas: así, por ejemplo, medidas
similares se consideran relacionadas a escala entre sí, a diferencia de lo que ocurre
entre las marcadamente dispares, las cuales, por otra parte, resultan incompatibles
con el buen gusto.

Las relaciones del

tamaño en un
diseño son definidas
por la proporción y
la escala. La
proporción se
refiere a cómo los
elementos dentro
de un objeto se
relacionan con el
objeto en su

60
61
9. Balance

La influencia psicológica y física más importante sobre la percepción humana es la

necesidad de equilibrio del hombre, la necesidad de tener sus dos pies asentados sobre
el suelo y saber que ha de permanecer vertical en cualquier circunstancia. Por lo tanto,
el equilibrio es la referencia visual más fuerte y firme del ser humano y por lo tanto es
una base conciente e inconciente para la formulación de juicios visuales. El equilibrio
significa un sentido de igualdad y puede conseguirse a través de un balance simétrico o
asimétrico

"El cuerpo humano es simétrico y hay una tendencia de nuestros ojos y cerebro a
mantenerlo de esa forma. Por esto, buscamos el balance en la indumentaria. El balance
vertical es nuestro deseo de ver rasgos reflejados de izquierda a derecha: por ejemplo
solapas coincidentes y bolsillos alineados y de igual tamaño. El balance horizontal es
afectado cuando decimos que un outfit "está cargado" en la parte superior si todo el
énfasis está en el cuello, o bien está "cargado" en la parte inferior si una falda es muy
larga o llena de vuelos. El foco en un diseño asimétrico normalmente requiere un
detalle en alguna otra parte del conjunto para "hacer eco" y balancearlo.

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 Vestidos de Viktor & Rolf

SIMPLICIDAD - No debemos olvidar que el diseño ideal es un entero unificado que

abarca a todos los elementos y principios del diseño, sin embargo es necesario
considerar la máxima de comunicación: menos es más.

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 FUNCION
EL OBJETO DE DISEÑO: CARACTERISTICAS,
FORMA Y ESTILO

El diseño debe ser siempre una creación

estética y funcional que refleja el gusto
de la época, no es sólo adorno, sino
también función. Es un proceso de
creación visual con un propósito, a
diferencia de las bellas artes (pintura,
escultura). Tiene que tener una visión
personal, que le dará el diseñador, pero
a la vez tiene que conjugar las
exigencias prácticas.

Un objeto "de diseño" no puede ser aquel que ha sacrificado su funcionalidad en

beneficio de la apariencia, sino aquel en el que forma y función forman un todo
coherente.

El estilo en que se mueve un objeto de diseño resuelve lo morfológico, lo pragmático,

lo simbólico o sus relaciones, dando pauta a que, quien diseña, vea en la aplicación del
término una influencia o una proposición para su trabajo o proyecto.

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El estilo, en diseño, toma dos aspectos para definirlo y llevarlo a cabo en los productos
industrializados que genera e intentan resolver una necesidad a través de una
significación con el objeto por medio de una experiencia estética.

Los objetos adquieren nuevas valoraciones

sobre lo estético y, entonces, la forma de
dichos objetos es tan importante como su uso
o función. Así el diseño aplica formas de
periodos anteriores para dar significados intencionales a los productos y que éstos se
identifiquen con los consumidores a través lo estético, sin sacrificar la manera de
emplearse y es una forma de que el objeto adquiera un estilo. La forma tiene por
misión, no sólo alcanzar un alto nivel estético, sino hacer evidentes determinadas
significaciones y resolver problemas de carácter práctico relativos a la fabricación y el
uso. Diseño es un proceso de adecuación formal, a veces no consciente, de los objetos.

Cuando utilizamos la expresión “objeto de

diseño”, queremos significar que se trata de algo
especial, de líneas depuradas por haber sido
creadas por un experto en diseño y en creación
industrial. Sin duda ese término le otorga un
caché distintivo al objeto en cuestión, le da un
carácter de ser algo atrevido, innovador y que en
poco tiempo creará tendencia. El buen diseño
será aquel que aún siendo innovador en su
momento, acabará siendo un clásico, como
ocurre con las creaciones de los arquitectos de
los años 50 y 60. Un buen diseño creará impacto.

Si nos referimos a la forma, por ejemplo, tiene

por misión, no sólo alcanzar un alto nivel estético, sino hacer evidentes determinadas
significaciones y resolver problemas de carácter práctico relativos a la fabricación y el
uso. Diseño es un proceso de adecuación formal, a veces no consciente, de los objetos.

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La aparición en público de un objeto, sometido o no a un proceso de producción
industrial, es recibido por el ciudadano de hoy con la mayor naturalidad. Son tantos los
objetos, y se encuentran tan próximos a uno, que solo los muy novedosos suelen ser
acogidos con particular interés. Cabe destacar que la fabricación de un objeto puede
resultar compleja, especialmente se trata de una producción mecanizada. Por sencillo
que parezca el objeto que se desea proyectar, debe someterse a etapas sucesivas,
meticulosamente estudiadas, que componen cierta metodología para proyectar el
mismo.

El diseñador debe de estar siempre al tanto de los futuros horizontes receptivos con los
que se fusionará su diseño.

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Los 5 Principios del Buen Diseño
Si eres nuevo en el mundo del diseño, estos 5 principios básicos te harán reflexionar
sobre las consideraciones que debes hacer cuando estés realizando algún tipo de
trabajo. Sin duda muchas de estas cuestiones nos las hemos planteado sin proponerlo.

01 La tecnología sirve a los humanos. La gente nunca debería sentirse

mal al usar la tecnología. Como los clientes, el usuario siempre tiene la
razón. Si el software se bloquea, es una falla del diseñador. Si alguien no
puede encontrar algo en un sitio Web, es una falla del diseñador. La
tecnología sirve a los humanos, no al contrario.

02 El diseño no es arte. El arte trata de una expresión personal, la del

artista. El observador “importa” poco, sólo se necesita su apreciación. El
diseño, por el otro lado, trata del uso. El diseñador necesita que alguien
use su diseño, no sólo que lo aprecie. Este ayuda a resolver problemas y a
diferencia del arte, el diseño tiene contexto, un contexto de uso: ¿qué
problema resuelve? ¿A quiénes? ¿Cuándo? Por esto es que el diseño se
relaciona con la tecnología, porque ésta cambia muy rápido, así como
nuestros diseños. Un diseño que funcionó hace 10 años ni siquiera puede
ser considerado hoy, mientras que una obra de arte siempre estará de
moda. Los buenos diseños dependen de la época en que son hechos y de
los problemas que resuelven. No es gratuito que la gente cuando disfruta
de un diseño dice trabaja bien, mientras que cuando disfruta una obra dice
me gusta.

03 La experiencia pertenece al usuario. Los diseñadores no crean

experiencias, crean artefactos para vivirla. Este pequeño detalle hace la

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diferencia y coloca al diseñador al servicio del usuario. Significa que la
experiencia de un diseño no sucede sólo porque el diseñador lo dispuso así,
sucede realmente cuando el usuario la reporta. La mejor experiencia es
algo que le pasa al usuario y es suya.

04 El mejor diseño es el invisible. Una propiedad interesante de los

mejores diseños es que se dan por entendidos. Trabajan tan bien que
olvidamos el esfuerzo que hay detrás de él. Detrás de cada uno de ellos
hay toda una historia; uno o varios diseñadores que trabajaron por
hacernos un mundo mejor. Los malos diseños hablan por sí solos: son
inadecuados, difíciles y complejos, y lo peor es que son los que más se
ven. Los buenos diseños, gracias a su buen desempeño, son invisibles.

05 La simplicidad te da el mejor toque. Como dijo Saint-Exupéry: “La

perfección no se alcanza cuando no haya nada por añadir, sino cuando no
haya nada que quitar”. Es saber con qué quedarse y que quitar. Este es el
mayor logro de un diseñador: llegarle a los usuarios con productos simples.

Fuente: estandaresyaccesibilidad

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