Francisco José Yamá Mendoza

2160427

MANIFIESTO DE LAS SIETE ARTES

El texto de Ricciotto Canudo es un homenaje a la relación tan estrecha que han

mantenido el humano y el arte, y una especie de guia, que tacitamente nos revela
la formula para alcanzar la inmortalidad y para alcanzar tan anhelado estado de
plenitud.

El texto puede percibirse en tres partes, en la primera el autor incia haciendo una
critica al “arte” mercantil de su época. En un primer momento el autor inicia hablando
de lo nefasta y netamente comercial que es la industria del cine, incluso llamando a
los directores y productores de este cine comercial “tenderos”. Y denuncia la
apropiación atrevida del termino “septimo arte” por parte de ellos, ya que dice que
no se han preocupado en lo absoluto por el peso que conlleva la palabra “arte” y
no se han preocupado en lo absoluto por elevar su trabajo lo suficiente como para
que sea digno de encagar dentro de dicha categoria. También en cierto punto deja
entrever su disgusto hacia la presión a la que muchos directores eran sometidos por
parte de las grandes productoras, diciendo que dentro de este cine comercial, de
vez en cuando podia verse algo con validez artistica, pero solo cuando el el
realisador tenia un cierto grado de libertad para expresar su voluntad.

A continuacion, el autor nos habla un poco del nacimiento de la expresión artística,

de esa necesidad del hombre de trascender y de inmortalizar, de elevar la vida por
encima de esas realidades fugaces, de gozar de un “olvido estetico” y de una vida
superior a la vida, y llega a narrar un poco la procedencia de las primeras seis artes,
siendo las progenitoras la arquitectura y la música.

Y finalmente, después de haber hablado ligeramente del encuentro primero del arte
con el humano, Canudo asegura que el nacimiento del cine significa la culminación
de la elipsis artistica, es decir, que el cine representa la integración de las otras seis
artes, convirtiendola en una expresión superior.

El cine nace en un momento de revolución. Donde nuevas energias estan siendo

liberadas, la ciencia y el arte por fin se abrazan y se mezclan para parir esta nueva
expresión que logra unificar todo lo que le permite al humano “olvidarse de si
mismo”. Unifica tanto, las vueltas de manivela del aparato de proyección, que logra
unificar a las formas y a ritmo, que a su vez, es la vida misma.

EL GABINETE DEL DOCTOR CALIGARI

Es considerada como la primera película del genero del expresionismo, el primer
movimiento cinematográfico que acarrea un sentido estético y unas pautas
definidas. También para muchos es considerada como la primera producción
cinematográfica a la cual se le puede denominar como arte.

Alemania en la posguerra no podía ser nada más alejando de el mundo lleno de

fantasía que propone esta película, por esto, puede ser vista en cierto modo como
una forma de escape a la realidad excesiva y sobrecargada por la que atravesaba
todo el pueblo alemán. Y es que en la película lo único que nos queda muy poco de
lo que es el mundo real, desde su escenografía , pasando por sus personajes y
llegando a su argumento, Caligari le permitió al espectador distanciarse un poco de
todo lo que acontecía en aquel entonces.

La estética del set es bastante particular, la combinación de las líneas inclinadas y

la ausencia de las ideas arquitectónicas convencionales mezcladas con una trabajo
de claro-oscuro muy intenso, crean una atmosfera distopica y cargada de misterio,
que muy seguramente logro atrapar al publico de inmediato, además de la presencia
de locaciones hasta el momento excluidas de la escena cinematográfica, como lo
son los cementerios o el hospital psiquiátrico, y en general la presencia de la
oscuridad nocturna. El trabajo de cámara no evoluciona casi nada, pero el trabajo
actoral si que lo hace, y la presencia de primeros planos mezclados con personajes
que cada vez se alejan más de las costumbres teatreras en pantalla, empieza a
crear sentimientos por los personajes , especialmente con el Dr. Caligari, cuyo rostro
aparece repetidas veces en pantalla, generando sensaciones en el espectador. Esta
presente el montaje paralelo y el flashback.

Algo que también destaca bastante y que después vendría a ser una característica
importante del expresionismo alemán, es la evolución de la composición del cuadro;
las tomas son cada vez más pulidas y más limpias, creando esa atmosfera poética
que también caracteriza a las películas de dicho genero.

Sin embargo, no es por sus avances técnicos que la película se destaca, es por su
dramaturgia su alto contenido simbólico. La película, es probablemente la primera
en jugar con el espectador, y la primera en permitirse incluir una cierta complejidad
psicológica y estética. Además de esconder una gran critica social al gobierno
alemán de la época, claro que esto ultimo puede ser refutado y reinterpretado. Pero
si hay algo claro es que la protagonista de la película es la obsesión, que esta
presenta en la mayoría de personajes, moviendo sus acciones y llevándolos a los
extremos. También la idea de que la conciencia este dormida, y esto permita a entes
más poderosos manipularla a su voluntad, y la idea de vivir dentro de una mentira,
ver el mundo de un modo para al final enterarse de que la mente se encontraba
sesgada, dormida, enferma. Y si se pone todo esto en el contexto histórico del
momento, se puede llegar a pensar que la película realmente carga con una fuerte
critica social y a su ve hace las veces de augurio, presagiando la era más hipnótica
de Alemania. Pero si adecuamos el argumento hoy día, no es una completa locura,
es más, es sabio reconocer que el Dr. Caligari predijo la era más idiotizada de la
humanidad.

NOSFERATU

Es sencillamente la madre de todas las películas de terror y honestamente al ser

este un genero tan complejo, Nosferatu sigue siendo hoy día una de las mejores
películas de terror. A pesar de que muchos consideren que la película no debería
de ser considerada como un miembro de la corriente expresionista, su estética, su
escenografía, su notable mejora en el encuadra y su contrastada iluminación, casi
la obligan a entrar dentro de dicha corriente, aunque la película a diferencia de su
antecesora incluye tomas al aire libre y también retoma el montaje paralelo.

Lastimosamente la película no logro contemplar mucho éxito debido a la demanda

por derechos de auto por parte de la viuda de Stoker, alegando que la historia era
prácticamente igual a la aclamada novela de su difunto marido, claramente se esta
hablando de “Drácula”. Demanda que termino con una sentencia de acabar con
todas las copias de la película fallando a favor de la viuda de Stoker.

Pero, a pesar de tan cruel sentencia hoy en día es una película aclamada y su
circulación es bastante amplia.

Ahora bien, si hay algo que alejan a Nosferatu del ideal expresionista es la falta de
un contenido más profundo, ya que en comparación con el Gabinete del Dr. Caligari,
Nosferatu es solo una adaptación de la literatura al cine, y no una película con un
determinado mensaje. Claro que no se debe de ser apresurado, quien sabe
realmente que buscaba su director, si de pronto deseaba insinuar como el gobierno
chupaba la sangre del pueblo o, algo así , pero ese tipo de especulaciones es mejor
dejárselas a los historiadores y pensadores del cine.
En lo que la atención debe de estar enfocada ahora es en Max Schreck, y su gloriosa
interpretación del conde Orlock. Una magnifica apropiación del personaje que
permitió al publico de la época especular acerca de la procedencia del personaje
principal llegando incluso a insinuar que el director había contratado un autentico
chupa sangre para garantizar la credibilidad del personaje y al publico actual, que
continua sintiendo miedo al verlo, incluso con la ausencia de la tan atrevida música
de suspenso que se usa actualmente o sin dialogo alguno, es suficiente la estética
expresionista con la interpretación de Schreck para sentirse incomodo a la hora de
dormir.

METROPOLIS

Metropolis, Metropolis… el broche de oro que cierra la era expresionista en

Alemania, lastimosamente cediendo el “Spotlight” al cine pro-nazi y todo lo que
viene con el. Fue una película excesivamente costosa, que tuvo un resultado
excesivamente malo, tanto en la critica como en la taquilla. Claro esta que hoy dia
es reconocida como una de las obras maestras del cine y probablemente la más
importante dentro del cine mudo.

Una escenografía monstruosa, efectos especiales muy avanzados para la época y

un trabajo actoral mucho más refinado. El movimiento de cámara no es mucho, pero
el juego con los planos es mayor, y mucho más expresivo. Por supuesto el trabajo
de guion es exquisito, pero vale la pena especificar, que es exquisito para nosotros,
ahora, a partir de los ochenta cuando la UNESCO rescato el largometraje de la
oscuridad a la que había sido condenado.

Y es que si se piensa bien, el argumento de la película es muy delicado, y la

interpretación que se le puede dar es muy amplia. Y si se sitúa en un contexto
político tan tenso como el de los años 20s en Alemania, es de suponerse que no
seria bien recibida.

Y es que no se sabe si la película es Nazi o es comunista, si es una mojigatería

religiosa del siglo XX o una reflexión más profunda de los ideales de la religión. Era
de esperarse que la primera impresión que genero fue la de ser una obra pro-nazi,
el pueblo de obreros sometido serian los alemanes, y los judíos vendrían a
representar la clase dominante que inundo Alemania después de la primera guerra
mundial. Freder no es más que la figura de Cristo que viene a salvar a la clase
oprimida al lado de María, cuya referencia no puede ser más clara, y vienen a salvar
al pueblo en contra de lo nuevo, los nuevos ideales, las nuevas tecnologías, los
nuevos dogmas… todo esto satanizado en la figura de Rotwang. Y no hace falta
aclarar que el partido nacional socialista siempre anduvo de la mano de cristo, feroz
enemigo de aquellos con una mentalidad diferente y con una capacidad de visionar
el futuro. La referencia a los falsos ídolos y falsos dioses es clara con la robot Hel
(cuyo nombre es otra obvia referencia) y también es claro el castigo medieval al que
deben de ser sometidos, o mas bien al que serán sometidos.

Mas adelante en la guerra fría, la obra de Fritz Lang, será señalada como un
manifestó comunista y será perseguida nuevamente, claro que, aunque las
referencias comunistas también pueden llegar a ser visibles, la presencia de la
iglesia en lo que vendría a representar el comunismo en la película, hace de esta
teoría algo frágil y fácil de atribuir a la ridiculez de los estados unidos durante dicha
época.

Metrópolis es una película incompleta, reconstruida de retazos recogidos por el

mundo, condición que facilita la sobre especulación de su contenido simbólico.

Quizás Lang solo quería narrar una historia que enfundara valores que el
consideraba adecuados, quizá solo quiso crear una historia llena de esperanza en
lo que el vio como un mundo que vivía sin ella. Pero he ahí la magia del cine, de
una sola historia siempre han de salir mil mas.