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Fragmento del friso del Partenon, ejemplo de escultura clásica griega. Museo del Louvre Escultura
griega clásica se llama a la escultura del periodo clásico en la Antigua Grecia (Hélade) que comprende
la época entre las Guerras Médicas y hasta el reinado de Alejandro Magno, desde el siglo V hasta
mediados del siglo IV a.C. Es conocida como la etapa posterior a la escultura arcaica y anterior a
la escultura helenistica.
Quizás la ruptura más significativa de la escultura clásica con respecto a la arcaica sea el cambio a
unas poses cada vez más naturales y, por lo tanto, menos rígidas. Cambios en este sentido como el uso
de puntos de vistas oblicuos o el giro de los cuerpos se producen primero en los bajorrelieves y
posteriormente en las estatuas.
Es durante este periodo clásico que se inventa el contraposto, una postura más relajada para las
estatuas en pie en las que el peso del cuerpo recae sobre una sola pierna recta que provoca que la
cadera y los hombros se inclinen en direcciones opuestas.
En estas figuras la composición en línea vertical previa comienza a ser reemplazada por una doble
curva para la representación del eje del cuerpo. Este giro también se irá aplicando a la cabeza de las
estatuas, menos en aquellas de culto, para evitar la frontalidad adquirida del arte egipcio.
Aunque la representación de la anatomía se vuelve aparentemente más correcta, sigue siendo una
versión idealizada de la belleza del cuerpo humano más que una copia realista. El afán por encontrar y
definir la perfección ideal de proporciones matemáticas perfectas deriva en la creación y seguimiento
de un canon de proporciones platónicas.
Durante el clasicismo griego se crea la primera escultura a tamaño real de una mujer desnuda, es
decir, el primer desnudo clásico femenino.
Los escultores griegos clásicos trabajan principalmente en materiales duraderos como la piedra y el
bronce, aunque ocasionalmente y para piezas más pequeñas también se tallan la madera, el hueso y el
marfil.
Las esculturas más valoradas se realizan con bronce a la cera perdida, reservándose la combinación de
oro y marfil (obras criselefantinas) para las esculturas de culto más importantes por su coste tan
elevado.
En piedra, mármol o piedra caliza, se tallan con utensilios de metal relieves y estatuas de bulto
redondo policromadas.
El periodo clásico se divide a su vez en tres etapas con innovaciones y características propias:
Imagen del 'Autiga de Delfos", ejemplo característico del estilo severo de la escultura griega. Museo
Arqueológico de Delfos
El clasicismo temprano de la escultura griega (480-450 a.C.) es también conocido como estilo
severo por la expresión grave de sus figuras en las que la sonrisa arcaica ha sido sustituida por un
ceño fruncido. Por lo demás el progreso de la expresividad de las figuras tanto por sus poses como por
sus caras es muy limitado.
El desnudo masculino es, como en el periodo arcaico, el tipo de estatua mas común (atletas, héroes y
dioses), aunque con más variaciones y naturalismo que los kuros con algunas partes enfatizadas, pero
en general mas unificadas con el todo.
Aun así algunas formas anatómicassiguen idealizándose (como el perfil griego y el ligamento
inguinal), la caracterización es generalizada y no se adaptan las proporciones según la edad. Por
ejemplo, a los personajes ilustres se los representa con barba y a los niños como adultos reducidos.
Los paños se tallan como pliegues profundos y regulares a una distancia similar entre sí siguiendo
las líneas y la inclinación del cuerpo.
El bronce es el material preferido por los escultores para la creación de esculturas de bulto redondo y
se cree que la aplicación de la policromía sobre las esculturas de piedra es más naturalista también que
en el periodo arcaico. Las estatuas en tumbas son menos frecuentes que en la era anterior.
Durante el alto clasicismo el ceño fruncido se sustituye por un gesto sereno indiferente. Se puede
decir que la falta de expresión facial contrasta con la importancia que los escultores dan al torso y en
general a los efectos de las tensiones de la musculatura en el cuerpo masculino (las estatuas femeninas
siguen siendo menos populares) en movimiento. Este interés por estudiar el movimiento conduce a
variar las poses conocidas y probar otras nuevas: figuras de pie, sentadas, reclinadas, dando un paso,
etc.
Los relieves más destacados son aquellos que decoran las obras arquitectónicas, como los frisos y las
metopas, y las lápidas con escenas domésticas con un par de personajes. Estos relieves son de
composición más compleja y se cuidan los detalles en su ejecución. En estas obras se aprecia una
evolución similar a la de las estatuas: nuevas poses, expresividad corporal en contraste con la cara
serena, más variedad en los paños y desuso del perfil.
También son frecuentes los relieves votivos destinados al culto de deidades menores, pero la calidad
de estas obras es muy inferior. Igualmente se expande una industria de la copia de esculturas griegas
cuya calidad no es comparable a la de las obras de los maestros originales.
Durante el clasicismo tardío se mejora en todos los sentidos la imitación de la naturaleza, aunque sin
abandonar la idealización de las formas: la textura de la piel, la expresión facial, los pliegues de los
paños y las poses.
En las poses, más relajadas, se acentúa una doble curva del eje del cuerpo. Con la pronunciación de
estas curvas se hace necesaria la incorporación de otros elementos a la escena que sirvan de apoyo
estructural a las figuras. La cabeza suele girarse a un lado, los pies en un cambio de movimiento.
Se hacen visibles los avances en el estudio de la anatomía superficial y una estilización del canon
anterior de siete cabezas a un canon de 8 cabezas que estiliza las figuras siendo el resultado final más
elegante y sensual. Las caras anteriormente algo cuadradas se redondean, la cavidad de los ojos es
mas profunda, el ceño se acolcha y la transición entre las partes es más fluida. Se cuidan los detalles
como la suavidad de la piel y el cabello despeinado.
Aunque se mantiene la formula de los pliegues característica del alto clasicismo, se compagina con un
nuevo sistema en el que los pliegues nacen de la axila o la cadera y se amontonan en la cintura, en un
ceñido más alto de la vestimenta que da un efecto mas elegante. Comparado con la fase anterior, la
vestimenta se vuelve mas independiente de las firmas y la dirección del cuerpo y se incluyen mas
detalles irregulares y realistas como arrugas o pliegues interrumpidos.
En el relieve, exceptuando la menciona transición mas fluida que también afecta a la estructura
corporal, se producen menos avances. Se siguen empleando para decoraciones arquitectónicas, lápidas
y relieves votivos prestando muy poca atención a la ambientación de su fondo. La popularidad de los
relieves en lápidas y votivos fomenta una mayor producción de baja calidad con artesanos
especializados que se ciñen a los convencionalismos.
Es en esta fase que nace el retrato como un género escultórico, aunque la caracterización ideal del
arquetipo sigue teniendo mucho más peso que la copia de la apariencia física del sujeto. Los retratos
de bulto redondo son figuras de cuerpo entero con poses que varían según las características generales
del ilustre personaje. Por ejemplo, los políticos se representan en posturas heroicas idealizadas y los
filósofos sentados en el acto de enseñar.
REPRESENTANTES
Escultura Clásica griega del s. V a.C.
Mirón realizó su obra entre el periodo anterior y éste, en la primera mitad del
s.V. Trabajó principalmente el bronce. Se ha conservado poco y siempre por
reproducciones romanas o más pequeñas y también por referencias. Se sabe
que hizo figuras femeninas, probablemente Atenea y Hera.
El Discóbolo
Hay distintas copias, en mármol, aunque en su origen era de bronce. Refleja
la preocupación de Mirón por el movimiento, por el estudio de la anatomía y
por reflejar la realidad. Representa el momento en el que el atleta va a lanzar
el disco, por ello todo el cuerpo está en tensión. La cabeza no se acaba de
corresponder con el cuerpo, ya que está demasiado tranquilo, concentrado,
pero sereno. Además, mientras el cuerpo ya es de un estilo clásico, la cabeza
se acerca más a la del auriga, no marca volumen. La musculatura está
bastante marcada, aunque todavía resulta algo plana. El cuerpo está
realizando un giro muy violento y en él se contrapone la parte inferior con la
superior. Los brazos crean un semicírculo.
Policleto escribió un libro llamado "canon" en el que habla de las proporciones que debe tener una escultura. Para él
es importante la medida de cada parte, pero en relación con el conjunto.
El Doríforo
También llamado "El Canon" porque es la escultura que mejor representa la armonía y proporción que buscaba
Policleto. Es llamado así porque es el portador de la lanza, se encuentra en actitud de marcha. Hay quien dice que
era Aquiles, pero en todo caso es un atleta. Es el mejor ejemplo de otra de las características típicas de Policleto: el
contraposto, que ya tuvo su antecedente en el s. VI con el Apolo de Kritios y que Policleto marcará mucho más. El
Doríforo mide poco más de siete cabezas y la cabeza está dividida en tres partes iguales: la frente, el espacio que
hay de la frente a la nariz y el que hay de la nariz a la barbilla. Hay una cierta geometrización. Otra característica
típica de Policleto es que marca mucho los pliegues torácicos y de las ingles, que forman segmentos casi
semicirculares cuyo centro es el ombligo. La cabeza está girada, el pelo está demasiado pegado la cabeza,
recordando un poco la época anterior, pero en todo caso hay una individualización y una gran riqueza.
El Diadumenos
Representa con las mismas características, aunque
quizá no de una forma tan rígida, a un joven que está
atándose la cinta de la victoria sobre la cabeza. Para
algunos representa a Apolo.
También tiene una gran preocupación por la luz, se le considera el creador del sfumatto, ya que pasa de la luz a la
sombra de manera muy suave.
Hermes
Está realizado en mármol y nos da todas características de Praxiteles. Representa el momento en el que Hermes
lleva a Dionisos niño al lugar donde le van a cuidar las ninfas. En ese momento hacen un paro en el camino porque el
niño tiene sed y por ello Hermes le ofrece un racimo de uvas. La
composición es cerrada por las miradas, que nos dan una
relación entre las figuras, al igual que la postura. La figura de
Hermes forma con su cuerpo una curva y contracurva, la llamada
curva praxiteliana, pero siempre de forma suave. La tela marca el
contraste con la lisura del cuerpo. Hermes está en la misma
postura que otra figura de otra obra de Praxiteles, el sátiro
escanciador [H16, 133].
Apolo Sauróctono
Hay distintas copias, tanto en bronce como mármol. Marca aún
más la curva praxiteliana. El cuerpo es más joven, pero tiene la
misma preocupación anatómica. El pelo es distinto, pero con el
mismo estilo, creando volumen con rizos muy naturalistas que
también crean un claroscuro suave.
Sátiro en reposo
La curva está aún más pronunciada, casi de forma antinatural y
violenta. Tiene las mismas características que las anteriores.
Realiza obras importantes, es el escultor de Alejandro. Preocupado por el retrato, es el primero que consigue captar
rasgos infantiles, de viejos... Trabaja el mármol y el bronce.
El Apoxiomenos
Recoge todas las características de Lisipo. El mismo Lisipo decía que sus
maestros son Policleto y la naturaleza. Sin embargo, se ve una evolución
desde Policleto: no es tan rígido en cuanto al canon o la geometrización de las
formas, hay una mayor libertad. Además, da una mayor altura a la escultura,
seguramente una cabeza más, creando esculturas más esbeltas, aunque a
veces da la sensación de que las cabezas son demasiado pequeñas.
Además, rompe el espacio creando un gran escorzo. Recoge el momento en
el que el atleta se quita la arena y el aceite con el estrígilo. No hay curva
praxiteliana, pero el pelo sí sigue la misma línea, más naturalista. La cara es
expresiva.
Agias
Muy similar, pero con mayor volumen en los músculos, los ojos hundidos y la
boca abierta.
Hércules Farnesio
Es una obra totalmente distinta. Es una figura fuerte, llena de musculatura,
muy pesada. Está descansando sobre una roca que se encuentra debajo de
su axila, dejando un brazo al otro lado. La anatomía está mucho más
marcada. Una de las piernas está adelantada respecto a la otra, y lo mismo
ocurre con los brazos, así crea un espacio. Además, el izquierdo y la pierna
derecha están verticales y rectos mientras los otros están doblados, así nos
da muchos puntos de vista.
Fidias vivió en el s.V a.C. Era ateniense y es, en Atenas, donde hizo la gran mayoría de sus obras, muchas veces por
encargo de Pericles y en relación con la Acrópolis, como las tres Ateneas.
Maneja tanto el bronce como el mármol y también realiza algunas esculturas criselefantinas, de marfil y oro.
Realizando una de éstas, la Atenea Parthenos, se le acusó de robo y se le expulsó temporalmente de Atenas.
Atenea Lemnias
Es así llamada porque se realizó por encargo de Lemnos. Es la Atenea dispensadora de paz. Lleva el chitón y el
peplos y encima la égida, de piel de cabra, a modo de coraza. En la mano izquierda llevaba la lanza y en la derecha
el casco corintio que no lleva en la cabeza porque es la dadora de paz. Tiene la cabeza inclinada hacia abajo
mirando el casco. La cabeza se ha denominado como " la belleza" porque corresponde con el canon de belleza
perfecta del siglo V. El pelo tiene volumen y está sujeto con una cinta lisa y plana que marca un gran contraste con el
volumen de sus rizos.
Atenea Promachos
Se conoce principalmente por representaciones en monedas. Es la salvadora y guardiana de la ciudad. Así, está
representada como guerrera y tenía unos 15 metros de altura. Estaba situada en la mitad de la acrópolis y llevaba la
lanza en la mano y el casco sobre la cabeza.
Atenea Parthenos
También se ha perdido, pero se la conoce por copias. Tenía unos 12 metros de altura y se encontraba en el interior
del Partenón. Lleva la coraza sobre el pecho, una túnica hasta los pies y el casco sobre la cabeza con una triple
cimera con una esfinge en el centro y dos caballos a los lados. El cabello aparece por debajo. Llevaba una victoria de
tamaño natural en la mano. El escudo que lleva en la mano izquierda mostraba la amazonomaquia en relieve en la
parte delantera y la gigantomaquia pintada por la parte de atrás. En la suela de los zapatos aparece representada la
centauromaquia.
Zeus
Se realizó para el templo de Apolo en Olimpia. Es criselefantino, de oro y marfil. Tenía grandes dimensiones, pero se
ha perdido. Estaba sentado con una victoria en la mano derecha y un cetro en la izquierda.
Las metopas
Son 92 altorrelieves que representan las hazañas míticas del pueblo ateniense. Las más interesantes son las
centauromaquias. Tienen seis principales características:
Son relieves de estilo ático: sobre un fondo liso se recortan las figuras de forma nítida.
Existe individualización en los rostros, quizá los más ricos son los de los centauros, que son retratos nobles,
de algunos filósofos, quizás.
En ellas hay mucho movimiento.
Se trata de composiciones cerradas.
Hay un gran naturalismo tanto en la anatomía humana como en las partes animales y en el tratamiento de las
telas, donde destaca el uso de la técnica de los paños mojados.
Se intentaba dar expresividad a los rostros, especialmente a los derrotados.
El friso corrido
Representa la procesión de las Panateneas, en donde se conmemoraba la celebración de las jóvenes que estaban
todo el año tejiendo en peplos de Atenea y se lo ofrecen a la diosa en medio de grandes fiestas.
Las jóvenes van acompañadas por multitud de otras gentes, como jóvenes llevando animales para ofrendas,
personajes públicos, etc. Arranca de la esquina suroeste para llegar a la noreste donde acaba el friso con una
asamblea de los dioses, que están sentados. El relieve también es ático, pero al ser un friso corrido, las figuras van
unas delante de otras sin interrupción y hay distintos planos, con lo que hay alto, medio y bajorrelieve que dan un
muy buen sentido del volumen. Hay una gran variedad de posturas y actitudes, pese a que van todos andando.
Además, hay un estudio muy realista del desnudo, de las telas y también de animales, tanto los que van a ser
ofrendados como los caballos que también van en la procesión.
El frontón oriental
Es un altorrelieve que representa el nacimiento de Atenea que está en el centro, como la creación de una idea, y a
los dioses, delante de los cuales sucede el nacimiento, que se encuentran a los lados. Hay una gran variedad de
actitudes y posturas: recostados, sentados, etc., y también hay figuras vestidas, desnudas y representación de
animales. Hay un gran interés en el estudio de las telas. No se ha co7nservado todo. Lo más importante es:
El grupo conocido como las Parcas, pero que en realidad son Afrodita recostada sobre Artemio y una tercera
diosa.
Dionisos.
El caballo de Selene.
El frontón occidental representaba la lucha entre Atenea y Poseidón por conseguir ser los dioses protectores del
Ática, ganó Atenea.
CARACTERÍSTICAS GENERALES
Encarna y compendia los valores de la belleza. Función no exclusivamente religiosa (Oriente) - Inspiración en la
naturaleza: hombre perfecto, armonía, racionalidad y proporción. - Materiales básicos: piedra y bronce. También
importancia para determinadas obras de una riqueza de materiales: crisoelefanHna (oro-marfil). Muy
secundariamente, otros más pobres (terracota en periodo helenísHco). Los materiales aparecieron policromados, e
incluso con elementos posHzos. - Importancia del arHsta, del creador (en algunas etapas aparece el senHdo de
“escuela”: Helenismo) - Evolución marcada por la captación del movimiento y la representación naturalista-
idealizada del cuerpo humano Ejercicio: Evolución de la escultura griega (lámina) 2 ETAPAS DE LA ESCULTURA
GRIEGA A) EL ARCAÍSMO GRIEGO En una etapa inmediatamente anterior al periodo arcaico de la escultura griega
sabemos de la existencia de estatuas voHvas y también de las xoana, anHguas representaciones en madera
(antecesoras de las estatuas arcaicas) que, en muchas ocasiones lo eran de dioses y de las que solamente tenemos
tesHmonios escritos. Los griegos pensaban que habían venido precipitadas desde el cielo, de forma que recibieron
culto en algunos templos, Las principales ejemplos de la escultura arcaica son los kuroi y korai; los primeros son
conocidos impropiamente como “apolos”.
Desde el siglo VII a.C. florece la escultura en Creta. Sus principales caracterísHcas las hacen muy peculiares: parte
superior del cráneo es aplanada, frente corta, cara de corte triangular. El ejemplo más destacado de esta etapa es la
Dama de Auxerre. La extensión de los modelos arcaicos llega desde la Grecia conHnental y las islas del Egeo has