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LENGUAJE

Seminario

Catalina Suazo P.

02 de Mayo, 2018
Título: “Insurrection! Our Tools Were Rudimentary, Yet We Pressed On” (Kara Walker)

¿Cómo se hizo?
Siluetas recortadas con corte laser de color negro, dispuestas en la pared, sobre las que
se proyectan paisajes.

¿Qué es lo que había antes de eso?

Se reconoce la influencia de los “retratos siluetados” (silhouette) muy populares entre los
siglos XVII y XIX, que precisamente eran perfiles en negro sobre blanco. También de los
espectáculos musicales “minstrel” que surgieron a mediados del S.XIX, donde actores
blancos se pintaban la cara para satirizar a los negros. Walker reconoce haberse visto
influida por la novela “Lo que el viento se llevó”, en especial por el tipo de imagen usaba
para mostrarnos como se representaba a los negros antes de la guerra del sur.

¿Qué es lo nuevo?
Su técnica: siluetas recortadas en papel negro pegadas sobre fondo blanco. En algunas
ocasiones proyecta fondos de colores sobre sus escenas, esto provoca que el visitante se
convierta en una sombra más y sea parte de la obra.

¿Cómo se interpretó? ¿Quiénes hablaron sobre eso?

La silueta es utilizada como una estrategia de evitar el sujeto; se le insinúa, pero nunca es
expuesto de forma directa. Es una obra ambientada en la época pre-guerra civil
americana, y representa diferentes escenas protagonizadas por esclavos negros y amos
blancos. A través de estas escenas, pretende hacer una crítica a las situaciones de
racismo tanto antiguas como actuales, pero no pretende ser un registro con exactitud
histórica, porque la autora hace el ejercicio de proyectar ficciones sobre los hechos.
Esto se ve en las siluetas, las cuales son dibujadas de un modo caricaturesco y
exagerado para que podamos diferenciar claramente las razas. Aunque puedan contener
humor, las escenas suelen ser violentas y por lo mismo, ha sido considerado polémico al
presentar una mezcla de sexualidad, escatología, bestialidad y agresividad.

¿Cuáles son los supuestos detrás de la obra?

La autora nos habla de cómo utiliza las siluetas para generar una ilusión: el pretender ser
un punto particular de la historia a modo de estrategia de alejamiento, para comprender
problemáticas de su propia vida como mujer afroamericana. Es un constante juego de
simular una cosa, pero al mismo tiempo ser otra. Dentro de la obra se producen
contrastes sutiles a través pequeños hitos que buscan la mirada de un espectador activo
que les encuentre, porque en su descubrimiento, una nueva lectura se abre. Kara nos
habla de su constante conflicto de querer ser la “heroína”, pero a su vez, querer matarla;
es una obra que critica la historia, pero que en su confección, al igual que muchas obras
que tratan de plasmar elementos de un hecho ocurrido, consiste en el pensar un
“escenario”, un idílico en el cual disponer a los “personajes”. Walker nos muestra estas
escenas para reflexionar sobre la creación de las narrativas racistas, nacionalistas o
cualquier otra que se use para crear una identidad de grupo y mantener fuera al “otro”. La
artista confiesa que ha vivido experiencias racistas o sexistas desde temprana edad y
esto la ha marcado.

¿Qué te interesa?
>El uso de siluetas caricaturizadas; no pretenden ser realistas, sino que con la
expresividad suficiente para que se entiendan y sean lo suficientemente sugerentes.
>Es una narración que necesita de un activo espectador que haga el ejercicio de leer lo
expuesto para generar la tensión de la historia, la cual está dada con símbolos.
>Son representaciones de “un mundo”, el mundo que se le fue entregado a la autora (por
sus predecesores) y la narración de lo que aquello implica en su relación con este
(ejercicio de autoconocimiento).
Título: “Seconds” (Bryan Lee O’Malley)

¿Cómo se hizo?
Novela gráfica hecha en tinta y coloreada de forma digital.

¿Qué es lo que había antes de eso?

Principalmente se le compara con su predecesor, la saga de comic de “Scott Pilgrim” que
fue la primera gran obra independiente del autor, que tanto en su temática como
visualidad están presente la cultura pop, específicamente, los ‘90s y 2000. Además, el
autor reconoce la influencia de “Dorjon”, saga de comic franco-belga de alta carga satírica
respecto a las historias épicas medievales (tipo “calabozos y dragones”).

¿Qué es lo nuevo?
La forma armoniosa en que el estilo visual sencillo, con personajes de poca complejidad
visual y fondos un poco más detallados, permite la narración de una historia agradable,
pero siendo el tema de fondo profundo, con un nivel de complejidad de lectura variable
según el lector, lo cual es característico en el estilo de Bryan. Además, destaca por el tipo
de narrador que presenta, pues se le reconoce como la voz del personaje principal, pero
que está mirando la historia como espectador mientras esta transcurre (al cual dicho
personaje en más de una ocasión escucha y dialogan).

¿Cómo se interpretó? ¿Quiénes hablaron sobre eso?

Si bien en el trabajo anterior de Bryan, los personajes secundarios ayudaban a completar
la personalidad del protagonista y a mantener la historia en movimiento, en Seconds, son
la decisiones de Katie las que constantemente dialogan con ella y ayudan a mantener la
tensión a lo largo de la obra. La historia gira en torno a la pregunta ¿qué harías de tener
una segunda oportunidad? y las posibles implicancias de tener dicho poder sin saber
utilizarlo de forma prudente. Existe un constante cuestionamiento a la vida, en especial,
invita a cuestionarse como la estás viviendo tú como lector; si solo estas conforme con las
cosas que ocurren solo porque lo hacen o si eres proactivo y realmente trabajas para que
aquello que ocurre, sean lo que quieres. El tema de no aferrarse a los errores del pasado
porque ya no tienen remedio o solo preocuparse de un objetivo futuro porque es lo que se
tiene por delante, se camufla tras una historia tanto épica como divertida, sobre el proceso
de madurez y la introspección.

¿Cuáles son los supuestos detrás de la obra?

La trama del relato gira entorno a la teoría del efecto mariposa. El personaje principal vive
en un mundo común y corriente, cuando un extraño suceso ocurre que le da el poder de
cambiar un suceso que haya ocurrido modificando el pasado y siguiendo la historia su
curso como si aquella situación nunca hubiese sucedido. El conflicto comienza cuando el
personaje se da cuenta de que con dicho poder puede aspirar a una vida perfecta,
borrando todos sus errores del pasado y “rescribiendo” su historia como gusta. Sabe que
hay reglas y que todo poder lleva una gran responsabilidad, pero en su ambición decide
ignorarlo, así esto cada vez se le escapa más de las manos. La reflexión en torno a dejar
ir el pasado para poder continuar, el hacerse responsable tanto de las decisiones que se
toman como de sus consecuencias y el reflejo de nuestra identidad mediante nuestras
acciones son el motor del relato.
Con todo esto, Bryan Lee O’Malley consigue un cómic apto para todos los públicos ya que
a pesar de su aspecto juvenil, la narración ligera llena de humor y sátira, da paso a temas
por los que todos, tarde o temprano, nos vemos aludidos y como esta en nosotros el
aceptar nuestros errores e intentar, de alguna manera, seguir adelante.
¿Qué te interesa?
> La paleta de colores cálidos y fríos que marcan las instancias y momentos de tensión a
lo largo de la historia. Tanto en el color base, como en el color de la línea, que a además,
da indicios a cambios de espacio y tiempo.

> El personaje que en cierta medida es autoconsciente de que es personaje y es su vida

la que está siendo narrada, teniendo problemas con dicha narración así sea el mismo
personaje la voz del narrador.

> La caracterización de los personajes, en especial los detalles en sus expresiones que
permiten ir comprendiendo los mensajes no explícitos tanto como en los diálogos, como
también en el trasfondo de la propia historia.

Título: “Anya's ghost” (Vera Brosgol)

¿Cómo se hizo?
Novela gráfica hecha en tinta y coloreada de forma digital con paleta de grises azulados.

¿Qué es lo que había antes de eso?

La autora reconoce la influencia de los cuentos y libros infantiles rusos con los cuales se
crió antes de mudarse a Estados Unidos. De ellos destaca la narrativa simple, pero
ingeniosa en la cual ocurren pequeños giros de los acontecimientos que mantienen la
atención del lector. Además destaca que a pesar de tener en su mayoría un toque
humorístico, los temas y las situaciones no dejan de ser oscuras y un poco macabras
como las historias originales de los hermanos Grimm. Entre los autores que la
influenciaron se encuentran William Steig y Jon Klassen, además de las historietas de
Calvin & Hobbes.

¿Qué es lo nuevo?
Es una novela gráfica que se caracteriza por la expresividad y profundidad de sus
personajes. Todos los poseen aunque sea un “pequeño momento de fama”, lo cual evita
el extremo antagonismo con aquellos que en un típico estereotipo hubiesen sido
simplemente los villanos de la historia. Destaca el movimiento de las imágenes que en
gran parte del libro, suelen narrarse por sí misma sin necesidad de texto que les
acompañe (descontando los diálogos de la protagonista con otros y pequeñas
intervenciones del narrador, la historia se cuenta en imágenes). Por último, la narración
pasa por múltiples momentos cargados por géneros tales como: horror, drama, historias
de vida, humor, etc… pero evitando siempre que uno sea el monopolizador de la historia,
sino más bien, trabajando siempre las partes en armonía para formar un todo.

¿Cómo se interpretó? ¿Quiénes hablaron sobre eso?

Vera Brosgol muestra su experiencia en el mundo de la animación en su trabajo con una
narrativa fluida y muy cinematográfica, mediante escenas rápidas y expresiones bien
logradas. Además, gracias a la viveza que con la autora da vida a los personajes, logra
generar una fuerte empatía hacia ellos. Una opinión común de la crítica fue que
aprovecha bien las viñetas para plasmar una secuencia de escenas bien acertadas, tanto
que en ocasiones no son necesarios los diálogos para comprender lo que está
sucediendo y lo que piensan los personajes. Con un trazo caracterizado por el movimiento
y la fluidez, la fuerte expresividad que la autora rusa imprime a sus personajes resulta de
lo más efectiva a la hora de empatizar con ellos, y el ritmo de la historia se beneficia
sobremanera de la naturalidad con la que la artista caracteriza a todos y cada uno de los
protagonistas. Esta novela demuestra que las imágenes dicen mucho más que unas
palabras, razón por la cual ganó el Premio Eisner a la mejor obra juvenil en 2012.

¿Cuáles son los supuestos detrás de la obra?

El mensaje de fondo pareciese tener directa relación con autora, dado que el motivo
principal por lo que Anya se siente como una extraña es por el bullying que sufre al ser
una inmigrante rusa en Estados Unidos (situación por la cual Vera Brosgol paso a una
temprana edad). La misma autora dice que si bien en un comienzo, el personaje de Anya
nació por un simple gusto estético hacia ilustración que había realizado para otra serie,
mediante fue profundizando en la idea de crearle una historia, gran parte de esta se
impregno con sus propios sentimientos hacia su herencia rusa, en especial aquellos que
tuvo cuando era joven. Si bien la narración posee momentos dulces, divertidos e incluso
algo tenebrosos, los mensajes acerca de la identidad, el deseo de pertenecer y los
cuestionamientos de sí mismo, en especial a aquellas voces internas, influencias del
medio que nos seducen con ambiciones egoístas y que terminan con malas decisiones a
las que les sigue el arrepentimiento.

¿Qué te interesa?
> La simpleza de las formas en el diseño, pero que a la vez permite una mayor
expresividad y sensación de movimiento, necesitando de pocos signos visuales que
representen a un solo personaje.
> El uso de las imágenes y los símbolos de forma de prescindir de las palabras. La obra
se caracteriza por tener un lenguaje visual lo suficientemente independiente y
significativo, que de forma natural no necesita escrito que le acompañe en más de una
ocasión.
> Paleta de color acotada que define bien los espacios con un juego de contrastes
indicado por la distancia de las cosas, como también la luz y sombra de la atmosfera.
Título: “Homestuck” (Andrew Hussie)

¿Cómo se hizo?
Epica narrativa multiplataforma (principalmente webcomic con ilustración, audio, múltiples
tipos de animación, mini juegos, escritos, entre otros).

¿Qué es lo que había antes de eso?

El autor ya había trabajado en otros 3 webcomics de similares características (en el
sentido del lenguaje), que incluso hacen apariciones circunstanciales como contenido
extra dentro de esta misma obra. Hay una cita constante a la cultura pop (especialmente
la estadounidense) en un amplio aspecto: desde películas, estilos musicales, programas
de televisión, personajes de la farándula, literatura de todo tipo, etc…

¿Qué es lo nuevo?
Más allá de ser solo un comic que en vez de estar impreso utiliza una pantalla para su
lectura, Andrew Hussie utilizo todas las herramientas que el medio digital le
proporcionaba, haciendo que la experiencia tuviese una relación activa en todos los
sentidos con el espectador. Se crearon piezas musicales que acompañasen animaciones,
aunque una gran cantidad de estas solo se encuentran en los álbumes disponibles en una
página anexa a la principal. Si bien más de la mitad de la producción está hecha por el
propio autor, se le considera un gran trabajo colaborativo que incluyo más de 50 artistas
invitados, entre ellos músicos, animadores, ilustradores, etc…

¿Cómo se interpretó? ¿Quiénes hablaron sobre eso?

Homestuck es una obra excepcionalmente grande y que, por lo mismo, abarco una
diversidad de temas y llego a una igual de diversa cantidad de publico. Inicio en 2009 y
llego a su fin en 2015, con alrededor de 1.000 trillones de páginas multimedias, siendo en
su mayoría ilustraciones tipo viñeta con los diálogos de los personajes, pero también
conteniendo animaciones e incluso, mini juegos; todo esto siendo parte integral de la
historia y teniendo como único soporte el internet. Llego a superar incluso la barrera del
idioma (esta en inglés sin una traducción oficial a ningún otro idioma), teniendo
seguidores en todas partes del mundo. Se le ha considerado la historia épica de la
generación cibernauta (dígase como un tipo de Ilíada moderna) y causo una gran
revolución en lo que respecta los formatos de los webcomic.

¿Cuáles son los supuestos detrás de la obra?

La premisa es sencilla: “un grupo de amigos se junta para probar un nuevo juego y
causan el fin del universo”. Si bien su extensión da para tratar una infinidad de temas (lo
cual hace) hay ciertos puntos dentro de la misma historia que son tocados de forma
recurrente y que pueden hablarnos de cuál es el real trasfondo de la obra. En primer lugar
se encuentran las líneas de tiempo: si bien a lo largo de narración, se supone estamos
siguiendo una línea temporal “Alfa” (la cual, pensada en una dinámica de juego, debería
ser la que nos lleve a la victoria de la partida), constantemente de nos presentan otras
líneas de tiempo que conviven con esta al mismo modo que nos habla la teoría de las
múltiples realidades. Esto se debe a la importancia que le da la historia a la toma de
decisiones; lo que pase en el futuro depende de lo que hayas hecho en el pasado, por lo
mismo, no debes tomar a la ligera el presente, porque nada está asegurado. Los
personajes se ven con un recordatorio constante de esto cada vez que se encuentran con
una nueva encrucijada, porque una decisión tomada a la ligera puede costarles el
perderlo todo, incluso habiendo ocasiones en las que son sus “propios fantasmas” los que
regresan a juzgarlos por los errores cometidos que inevitablemente les llevaron a su
muerte en una de estas líneas de tiempo alternas.
Otros de los grandes enfoques de la historia son las relaciones entre los personaje,
Aunque la historia sea fantástica, el perfil de sus personajes es bastante realista; tienen
sentimientos reales y tribulaciones normales. El elenco de Homestuck es totalmente
adolescente, y se nota bastante. Toman muchas malas decisiones, tienen problemas
románticos y no saben expresar sus sentimientos. Tienen dudas respecto a sí mismos y
respecto de otros, habiendo incluso relaciones interraciales de todo tipo. El realismo de
los personajes es lo que le da realismo de la historia, porque permiten una real conexión
empática con ellos, así el mundo que se nos presente este lleno de irrealidades, locuras y
extrañezas totalmente ajenas a nuestra realidad.

¿Qué te interesa?
> El uso de una variedad de estilos y lenguajes distintos, pero dentro de una misma obra
principalmente para profundizar en la narración y permitir una mejor inmersión del
lector/espectador en la realidad propuesta.
> Posee un interesante rango de variables que dependían del espectador, así no fuesen
cosas planeadas, se acoplaban bien con el guión y se utilizaban, siendo esto algo a lo que
se recurrió en más de una ocasión a lo largo de la historia (ejmpl: en más de una ocasión
el lector podía elegir a un personaje para continuar con su perspectiva de la historia; era
decisión de este si regresaba para leer la perspectiva del resto del elenco).
> Más de un solo personaje principal y el cuidado de que estos se diferencien entre sí,
porque de este modo funciona la narración al tener diferentes perspectivas de la misma
historia. El lector tiene la posibilidad de apreciar la narración desde más que un solo
ángulo.
Título: “Sweet Home” (Yusuke Oono)

¿Cómo se hizo?
Libro 360° de papel gramaje 300 y cortado con láser.
¿Qué es lo que había antes de eso?
El autor posee una gran influencia del lenguaje de los diorama, los cuales son un tipo de
maqueta que presenta tanto flora como fauna (real o fantástica) como punto focal de su
composición, estos dentro de un entorno y con el propósito de representar una escena.
Así mismo, también se presenta una gran influencia del Tatebanko, arte olvidado que
dominó en la era Edo (entre los siglos XVII y XX) y que consiste en crear dioramas y
perspectivas en papel.

¿Qué es lo nuevo?
El autor creo el formato de los libros 360° a modo de crear un objeto que tuviese
dimensiones y que estuviese abierto como los dioramas o modelos arquitectónicos. Dice
que la idea llego a él gracias a un block de notas al cual estaba intentando extender para
que se sostuviese por sí mismo. El por esto que el objeto posee la forma de un libro y
están diseñados de tal forma que el exterior sea lo más simple posible, mientras que los
cortes internos condensan los detalles que conforman la composición.
¿Cómo se interpretó? ¿Quiénes hablaron sobre eso?
La idea inicial de estos libros de 360° es que expresen una historia en forma
tridimensional usando cada una de las páginas del libro. De esta forma, cualquiera que
abra el libro puede disfrutar de él y verse sorprendido por la dinámica de la
transformación.
Yusuke Oono nos presenta sus libros como una vuelta de tuerca total a los clásicos
dioramas. Para los amantes de los libros tridimensionales, pensar en un libro para niños
como un carrusel es modificar la manera de abordar la lectura. Estos montajes con papel
de libro cortado se presentan como creaciones muy originales con una idea simple pero
muy bella, rica en diseño y visualidad. Libros que también cuentan historias sin palabra
alguna.

¿Cuáles son los supuestos detrás de la obra?

Esta obra fue diseñada bajo la premisa del dicho “hogar, dulce hogar”, por lo cual está
cargada del imaginario occidental que respecta a la casa. Su composición abarca a una
típica familia nuclear, con los padres, los hijos y las mascotas dispersos alrededor de la
casa/patio realizando diversas actividades que por constructo social se asocian a sus
roles. La madre aparece barriendo dentro de la casa, así como el padre lee el diario
sentado en un sofá. En el exterior, el niño juega con su monopatín, mientras el perro le
acompaña de cerca. La niña por otro lado se balancea en un columpio, mientras el gato le
observa desde el tejado. La tonalidad rojiza del papel utilizado le da calidez a la imagen y
la composición préciense de una exageración en detalles por pequeños hitos que ayuden
a configurar la escena ofreciendo contexto, como lo son una lámpara que cuelga del techo
y una mesa en el interior o las hojas de los árboles que dan a entender cuál es la zona
exterior.
¿Qué te interesa?
> El uso de las siluetas para formar la composición, la cual se suporta en detalles
miniatura y bien dispuestos en las diferentes capas que forma el libro.
> El soporte como idea de libro que se abre lo cual permite una mejor circulación de la
obra.
> El uso de los colores en el papel, así como también los contrastes de luces y sombras
que generan la atmosfera de la composición.
Título: “Nomadic Dwellers” (Hari & Deepti)

¿Cómo se hizo?
Instalación dentro de una ventana con papeles cortados con cuchillo e iluminación LED.

¿Qué es lo que había antes de eso?

Los autores reconocen la influencia de las sombras chinescas, así como también un estilo
minimalista en las formas de las siluetas. Ambos autores estudiaron diseño gráfico y se
han dedicado a múltiples lenguajes con anterioridad (como muralismo y confección de
juguetes de acrílico.

¿Qué es lo nuevo?
La experimentación con las cajas de sombras hechas a través de capas de papel cortado.
En sus inicios lo hacían con papeles teñidos, pero después de años de práctica, llegaron
a su estilo actual que es intrincado en sus formas orgánicas vegetales, pero minimalista
en sus faunas, por lo cual decidieron utilizar el papel en blanco, agregando la tonalidad
gracias a la luz LED en tonos cálidos. Estas luces están dispuestas en forma de tiras
flexibles que moldean para lograr dar el enfoque en las zonas que necesitan mas
iluminación.
¿Cómo se interpretó? ¿Quiénes hablaron sobre eso?
El papel es el medio ideal para capturar la profundidad de los callejones, cavernas, pozos
de agua, terrenos montañosos y espesos bosques. Las historias que presentan los
autores poseen múltiples tonalidades y profundidades, siendo este material perfecto para
interpretarlo y reflejarlo, o mejor dicho, transparentarlo mediante los juegos de luces.
Lo que ha asombrado a la crítica acerca de estos verdaderos escenarios en miniatura es
la dicotomía de las piezas cuando están encendidas o apagadas; el contraste es tal, que
cuando las luces se encienden, pareciese tener un efecto místico sobre la pieza que
afecta a los espectadores, adentrándolos en estos paisajes misteriosos y fantásticos, que
invitan a ser recorridos, explorados con detalle.

¿Cuáles son los supuestos detrás de la obra?

Ambos autores hablan de que su principal idea al momento de crear estas composiciones
es la exploración. Ellos dicen que todos somos exploradores en este planeta y que el
conocimiento que se puede adquirir con los viajes es invaluable. La idea de los
desconocido que puede traer el camino, el conocer nuevas personas, todas estas
experiencias son lo que en verdad invitan a aventurarse en primer lugar. Por lo mismo, los
mundos que nos presentan en sus cajas de sombras son llamados a perderse, adentrarse
en lo desconocido para sorprenderse con los descubrimientos. Están ahí para ser
recorridos por todos los aventureros que gustan de viajar a través de la imaginación.
Por otro lado, ellos piensan que el papel es brutal en su simplicidad como medio y
soporte. Demanda la atención de los artistas, mientras que provee a su vez la suavidad
que se necesita para modelarlo en algo hermoso. Es juguetón, ligero, incoloro y colorido a
la vez. Es minimalista e intrincado. Refleja la luz, crea profundidad e ilusiones de manera
que lleva al artista en un viaje de infinitas posibilidades.

¿Qué te interesa?
>De esta obra en particular, me interesa el cambio del formato. Los autores por lo general
trabajan sus dioramas dentro de cajas de madera de pequeño tamaño, pero en esta
ocasión intervinieron la ventana de un edificio que daba a la calle, transformándola en una
especie de vitrina.
>La atmosfera que da la luz cálida; si bien las sombras siempre mantienen su misterio y
suelen inquietar, la calidez que se genera con la luz a través del papel hace que se
neutralice hasta cierto punto aquel efecto, captando la atención del espectador y
evocando memorias antiguas o ensoñaciones que tal vez la luz fría transformaría en
quimeras.
>La prevalencia de lo natural orgánico de las composiciones. Si bien hay personajes
humanoides, estos son completamente minimalistas en sus formas, camuflándose en el
paisaje del mismo modo que sus construcciones se entremezclan con la flora.

Título: “Enchanted Forest: Girl with Bee” (Andrea Dezsö)

¿Cómo se hizo?
Libro túnel hecho con papel japonés de tipo Shojoshi y cortado con cuchillo.
¿Qué es lo que había antes de eso?
Se reconoce en la trayectoria de la artista la influencia de Scherenschnitte (nombre
nordico) / Étienne d’Silhouette (nombre francés), arte de cortar en papel negro para
ilustrar historias y cuentos. Esta técnica tradicional fue utilizada bastante por inmigrantes
europeos que llegaron a Estados Unidos a finales del siglo XIX por su economía (no
podían comprar los materiales para pintar cuadros, así que los hacían con capas de
papel). Se ampliamente utilizado para graficar escenas en cuentos folklóricos e incluso
para hacer teatros de sombras.

¿Qué es lo nuevo?
Los libro túnel dan a conocer la historia a través de una composición de múltiples capas
que posee múltiples ángulos de visión. A diferencia de una simple ilustración que solo
posee una mirada frontal, la obra te obliga a desplazarte para dar cuenta de todos los
detalles que se esconden por la sobre posición de planos y que ayudan a formar a historia
en su totalidad. No son solo una escena, sino que la narración completa en una imagen
concisa y activa, que apela a la acción activa del espectador, tanto en su acción de mirar,
como en el ejercicio de imaginar el relato.

¿Cómo se interpretó? ¿Quiénes hablaron sobre eso?

El uso de las siluetas indica que las imágenes nunca están vacías o inactivas. El contraste
entre materialidad y vacío, luz y sombra, define los espacios, dando forma y significado a
los cortes sobre el papel. Al tangible, dibujado por la observación cuidadosa de la
naturaleza, se estiliza y se convierte en fantasía, algo intangible que llama a la memoria, a
los sueños e imaginaciones de quien lo aprecia. En la obra, el personaje aparece y
desaparece, mimetizándose con el paisaje y dando paso que otros elementos tomen
protagonismo. Dezsö nos invita a sus mundos misteriosos, en los que fantasmas y
esqueletos son tan reales como la gente y los animales que merodean los bosques. Es un
llamado a la contemplación, en la cual se te exige a ti, como espectador, describir aquello
que ves, inventar tus propias historias.

¿Cuáles son los supuestos detrás de la obra?

Aquello que vive dentro de la obra es un autorretrato de los mundos imaginarios de la
artista que se expresan a través de la escultura, y que al obligar al espectador a acercarse
para poder apreciar la narración que allí ocurre, es una invitación a entrar a la intimidad de
estos, como quien mira por la rendija de una puerta. Debido a la fuerte represión que vivió
la artista en su infancia (región comunista de Romania), comenta que físicamente no pudo
desplazarse demasiado y que muchas cosas del exterior les fueron censuradas, pero ella
apela a que fue un excelente impulso creativo para comenzar a experimentar con la
imaginación y aquello que tenía a mano. El crear odiseas mentales, viajes a lugares que
nunca había visitado y experiencias que las palabras no pudiesen describir, es parte de
las cosas que hoy inundan su obra. Gran parte de sus influencias se encuentran en los
cuentos de los hermanos Grimm, historias flokloricas antiguas que eran oscuras y
misteriosas, que no evitaban exponer a los niños a temas como la muerte. La artista
cuenta que es aquellos lugares, los que remiten a la memoria de una infancia lejana, son
los que enriquecen la narración. Porque al iniciar una historia con un “había una vez, en
un lugar muy lejano” inmediatamente apela a imaginar dichas tierras, lugares que todos
alguna vez desearon visitar y habitar.

¿Qué te interesa?
>La atmosfera misteriosa con la cual se cargan los espacios mediante el uso de siluetas,
en especial las formas orgánicas que insinúan más de una cosa a la vez.
>Utilizar la información visual justa para apelar al espectador y que este se encargue de
rellenar los vacíos con su propia narración.
>Exponer el imaginario interno, en especial con el uso de recuerdos de infancia, que
cargan las imágenes de una sensación tanto de realidad como irrealidad a vez, como si
uno estuviese experimentando un sueño.