¿Qué es Stop Motion?

Generalmente tenemos una idea de lo que implica el proceso de animar, la palabra de por
sí expresa su significado ya que en latín “ánima” se refiere al alma; al animar estamos
dándole alma a un elemento sin ella. Animación se refiere al proceso que sintetiza la ilusión
del movimiento a partir de imágenes estáticas desplegadas en forma continua a
determinada velocidad basada en el fenómeno de la persistencia de la visión. Sus raíces
se encuentran en diversos juguetes de 1800 como el traumatropo, fenaquistoscopio,
zootropo y el praxinoscopio que generaban la ilusión de movimiento al hacer girar sus
pequeñas ilustraciones, fueron la base de la primera secuencia animada que fue exhibida
públicamente por el francés Charles Émile Reynaud en 1892.
Existen varios tipos de técnicas para generar la ilusión de movimiento, tanto en técnicas
bidimensionales, tridimensionales, digitales, análogas, etc, utilizadas en todas las
caricaturas que has visto durante tu vida como las películas animadas de Disney y las más
recientes de Pixar. En otras palabras Stop Motion viene a ser una técnica cinematográfica
que genera la ilusión de movimiento a través de la captura cuadro a cuadro en el film en el
cual se manipula algún objeto sólido, un muñeco o marioneta, recortes o formas en un
escenario real.
Barry Purves lo define “stop frame” (“cuadro detenido”) puesto que considera que el
verdadero trabajo está en el momento en el que no se está filmando. El movimiento que se
percibe en un film ocurre entre los cuadros que no se ven, un movimiento creado en cuanto
nada se mueve. De ahí proviene su nombre en inglés “Stop Motion” que traducido
literalmente significa “Movimiento detenido”.

Pre producción
Se llama pre producción a la etapa comprendida desde la concepción de la idea hasta el
primer día de grabación o de emisión al aire. Resulta la parte fundamental de una video
producción, puesto que determina las condiciones óptimas para la realización del proyecto,
siendo al mismo tiempo la fase más larga, donde cada decisión tomada repercutirá en las
demás etapas.
Es necesario tener una buena planificación, mucha dedicación y paciencia para realizar una
animación Stop Motion ya que toma más tiempo y más trabajo que una producción digital.
El inicio de cualquier proyecto de animación debe radicar en el deseo de contar una historia
o transmitir un mensaje; a raíz del tipo de mensaje decidir la técnica por medio de la cual
se va a transmitir. Aunque la técnica sea interesante debemos reflexionar si una buena
historia no pierde sentido por el uso de esta.
No puedes hacer una animación sin considerar la técnica y el valor agregado que le dará al
concepto de la historia. Cada técnica tiene su propio beneficio en base a la forma de tratar
la imagen.
Lo mejor de una buena idea es mantenerla simple. Tienes la idea lista, es maravillosa.
Ahora tienes que ponerla en papel y no hablo de dibujarla. Primero tienes que ponerla en
palabras. Las fases para escribir un guión consiste en: idea (desarrollando una premisa),
argumento (es la narración concisa de la historia completa), sinopsis, guión literario, guión
técnico y el storyboard.
El guión constituye la primera etapa de la elaboración de una película. Es la entrada a la
idea cinematográfica, donde se construye un relato adaptable y flexible que construirá la
base de la estructura dramática del film. Según Michel Chion existen cinco factores
esenciales para la realización del guión: el personaje principal, una situación difícil, un
objetivo, un oponente o antagonista, y un peligro terrible o amenazador.
El guión puede ser literario o técnico, en el primero ofreciendo la información completa de
la historia que se narrará en el film, escrita de forma continua, en las que los personajes
quedan perfectamente caracterizados por lo que hacen y dicen (¿dónde, cuándo, qué,
quienes?); el segundo resultando un análisis del guión literario donde se explican planos,
escenas, modos de continuidad, efectos especiales, el audio, las acciones, el diálogo y las
descripciones técnicas (iluminación, movimientos de cámara, sonidos, etc.).
No se puede manejar la técnica por sí misma: Sin una buena historia que le soporte, la
técnica perderá la fuerza e interés que se podría forjar con un buen guión. Es por ello que
es de suma importancia que la historia capture al espectador, puesto que el éxito de la
historia dependerá de si el espectador se queda hasta el desenlace.

Premisa o storyline:
Fue Jean-Claude Carrière en su libro Práctica del guión cinematográfico quien definió el
storyline como el mínimo de palabras posibles para narrar el conflicto o matiz de la historia.
Contiene lo esencial de la historia: ocurre algo, hay que hacer algo y se hace algo. Es una
idea específica que cuenta con tres aspecto: protagonista, acción y conclusión. Es decir
que en una frase nos cuenta que un personaje hará algo y el resultado que obtiene con esta
acción.

Sinopsis:
Se trata de un texto corto de una o dos páginas de extensión donde se resume el guión,
presentando las ideas ge-nerales de la producción y mencionando las intenciones del autor.
Nos presenta a los personajes y las situaciones sobre las que se basarán la producción.

Elaboración del storyboard

Storyboard se refiere al guión gráfico de una historia, son un conjunto de ilustraciones que
se muestran en secuencia para previsualizar una animación, película, anuncio comercial o
aquello que está por ser filmado. Una vez escrito el guión el storyboard ordena en el tiempo
la historia, determina escenas, escenarios, ángulos de cámara y tipos de encuadres.Esto
facilita el trabajo al director ya que resulta una guía de cómo se realizará la filmación.
La complejidad del storyboard dependerá en gran medida del uso que tendrá y los
requerimientos hacia el mismo. Para publicidad tiende a ser más general mientras que para
filmación de cine donde es más técnicopuesto que hay más personas involucradas en el
proyecto y que a través del storyboard comprenderán la filmación.
En toda videoproducción el storyboard es crucial para determinar las escenas con
anticipación y el tiempo que durará cada toma. Facilita tiempo e inversión a la hora de filmar,
ya que pueden solucionarse dilemas previos a que los escenarios y personajes sean
construidos. Cualquiera involucrado en la realización del film puede obtener información del
storyboard, es vital que cada detalle esté claramente explicado ya que en él se incluyen
todas las decisiones necesarias para cada toma. Su exactitud es beneficiosa porque
garantiza uniformidad y agiliza la producción en especial si las escenas se realizarán por
diferentes grupos de personas o estudios.
Una vez se ha diseñado el storyboard, se puede realizar una animación de prueba conocida
como “animatic” o “storyboard animado” ya que se emplean los elementos del mismo para
recrear la filmación en una animación. Esto permite experimentar con el tiempo en cada
escena, el manejo del audio, encuadres, movimientos, etc.
La ventaja de realizar un storyboard animado es que permite comprobar de antemano la
forma en la que se desarrolla la historia, permitiendo solucionar posibles conflictos y mejorar
los encuadres de las escenas.
Una de las primeras decisiones a tomar para la filmación es el timing en los movimientos lo
que depende del animador. Existen dos modalidades: manejar 25fps (frames per second:
cuadros por segundo) el cual se conoce como cuadros únicos (Single frames) y 15fps
conocido como cuadros dobles (doble frames). Los single frames generan movimientos
fluidos, suaves y delicados, útiles por ejemplo para gestos de las manos o aquello que
requiera sutileza. Los doble frames disminuyen el tiempo de trabajo y el movimiento resulta
aceptable.
Para comprender la dinámica de recrear el movimiento dentro del Stop Motion (y en general
en cualquier tipo de animación), es necesario tener conceptos básicos clave sobre la física,
esto es importante para que los movimientos sean más reales.
El audio es tan relevante en una video producción como la iluminación. A través del audio
se puede llegar a comprender y percibir con mayor claridad los sentimientos de una escena
aun sin tener un dialogo entre los personajes. Es necesario ser selectivo y emplear aquellos
sonidos que ayuden. No es necesario utilizar sonidos con alto volumen, éste puede narrar
e incluso susurrar, seducir, hipnotizar, espantar o encantar. Todo depende de la forma en
la que se utilice. El trabajo con el audio consiste en crear un sonido realista a partir de cero,
el sonido de una calle ruidosa en caso que se trate de un personaje viviendo en una ciudad
donde los sonidos puedan entrar por la ventana de su habitación. Esto volverá más
convincente acerca lo que ocurre fuera de la escena. Al mismo tiempo hay que recordar
que los sonidos en el interior de una casa tendrán más eco que en el exterior. Sonidos como
pasos, el aleteo de las alas, el paso de las hojas del periódico, sirven para describir con
claridad las acciones. No hay que ensuciar la escena con un exceso de sonido.
Los sonidos incidentales (ambientales) también nos dan mayor profundidad, como escuchar
el sonido del viento y los grillos cantando, aun sin observar esto en la escena nos hace
comprender la noche, el bosque o el tipo de ambiente en el cual está interactuando el
personaje.
La música por su lado genera un ritmo que puede ser seguido por el personaje, puede servir
como música de fondo o ser el motivo principal de la animación (como en un clip de video).
Si se necesita que los personajes realicen una coreografía con la música, es recomendable
desglosarla con anticipación trabajando con los tiempos que el audio propondría para
empezar a animar y que genere la sincronización entre el audio y la animación.
Por otro lado el manejo del diálogo en un filme de Stop Motion puede llegar a ser
ligeramente más complicado ya que implica tener un método que permita la sincronización
de los labios con la voz, a menos que tengamos un personaje tipo Garfield quien habla sin
abrir la boca. Hay que establecer que tan importante se vuelve el diálogo en la escena, si
enriquece la historia y se vuelve necesariamente parte de él, ya que con un lenguaje
corporal detallado se puede crear una clara comprensión de lo sentimientos o acciones del
personaje.
Una vez montadas las escenas en el film es indispensable verlo para asegurarnos que
todas las escenas del mismo son necesarias y pertinentes. Muchas veces existirán escenas
que darán la impresión de ser solo de relleno y habrá que decidir si se quedan o es mejor
prescindir de ellas. Entre mayor calidad tenga la narración, más beneficio para el animador.
Si aun así desean emplearse las escenas siempre puede hacerse un especial con las
escenas omitidas, como material extra de nuestro corto.

Algunas técnicas de Stop Motion

Puppet Animation
En resumen es toda animación que utiliza marionetas: muñecos articulados elaborados
para la animación o que ya existieran y fueron animados para una videoproducción donde
ellos son los protagonistas. El puppet puede ser realizado con cualquier tipo de material y
forma, y los escenarios son armados a partir de elementos ya existentes.
Claymation
Denominación a la animación empleando arcilla o plastilina, donde los personajes
esculpidos en plastilina son los protagonistas y van siendo modificados a lo largo de la
filmación aprovechando las cualidades del material.
Sand Animation
Trabajando sobre un vidrio se emplea la arena y otros elementos para crear films con un
gran impacto visual gracias a su textura.
Cut outs
Siendo otra forma especial de Stop Motion donde se realiza la animación con recortes de
papel u otro material empleando vidrios para hacer las diferentes capas de acción de los
personajes y el escenario. Es una especie de animación tridimensional con planos
bidimensionales. Con esta técnica a pesar de manejar personajes, no tenemos que
preocuparnos por la gravedad o la articulación de los personajes, sin embargo también tiene
sus inconvenientes como que el papel o el vidrio se curven o manchen con nuestras manos.
Dynanimation
Es la técnica en la cual actores interactúan con personajes animados.
Go Motion
Al ojo humano un objeto en movimiento se ve borroso mientras dura el mismo, pero en
Stop Motion ya que se trata de fotografías estáticas, el objeto en movimiento siempre luce
perfectamente enfocado. Go Motion es la técnica de mover un poco el objeto o el escenario
en el momento de captura del cuadro para que el movimiento se registre en la imagen y
quede borroso. Esto da más naturalidad a la hora de generar la composición con la serie
de fotografías y da una dirección al movimiento.
Pixilation
Esta técnica siempre maneja el movimiento cuadro a cuadro donde en vez de usar puppets
se trabaja con personas, el objetivo es lograr que la persona interactúe con su ambiente de
una forma distinta. Fue utilizado por primera vez en 1952 para el filme Neighbours por
Norman McLaren. La diferencia radica en que lo que animamos son actores y objetos
reales, no maquetas, para componer una imagen y un movimiento imposibles, así como
multitud de escenarios y acciones surrealistas.
Whiteboard
Es el realizado con dibujos en una pizarra blanca utilizando un marcador.