Art Nouveau

Introducción (Adriana/Abril)
El Art Nouveau se trata de un movimiento artístico, que surge a finales del siglo XIX hasta la
primera década del siglo XX (1890-1910). Este movimiento encuentra su máxima expresión en
Francia e Inglaterra, y luego se expande por toda Europa. Si bien se lo ha nombrado como Art
Nouveau (El nombre más difundido debido a un exposición hecha por Munch en la galeria parisina
llamada “La Mansion del Art Nouveau”) ha tomado distintos nombres según la nacionalidad:
Modernismo en España, Jugendstil en Alemania, Floreale en Italia, Liberty en Inglaterra y Sezession
en Austria.
Surge como respuesta al cansancio y la falta de innovación en las artes occidentales, que hasta ese
entonces se conformaban con agrupar y plasmar en sus obras elementos pertenecientes a estilos
como el barroco, el romanticismo o el renacimiento (repudio al clasicismo); y como respuesta al
avance de la ciencia y la tecnología gracias al desarrollo de la sociedad industrial. Así nace un arte
nuevo, joven, libre y moderno , en busquedad de la identidad de lo urbano y orientado hacia la
burguesia.
Tomando como influencia al movimiento Art & Crafts de William Morris, se valoriza la artesania
sumandole los avances industriales y hace énfasis en la conviviencia entre la belleza y la utilidad.
Teniendo estas dos ideas como base del movimiento, se incorpora la belleza a la vida diaria. Para
sus artistas, el arte debia estar en todo, todo debia de ser arte. Asi comienza una democratización
del arte, desaparecen la jerarquía entre artes mayores y menores. El arte ya no se centra en
grandes pinturas o esculturas sino en los objetos cotidianos.

Estilo (Adriana/Abril)
El Art Nouveau tiene su influencia en la naturaleza. La calidad visual que identifica al movimiento
es una linea orgánica en forma de planta. Liberada deraices y gravedad, puede ondularse con
energía o fluir elegantemente mientras modula el espacio. Reboza de trazos dinámicos, surcos que
se vuelven en si mismos rodeando la imagen y fundiendose en la misma. Se basa en lo ágil, fluido,
asimetrico y en el movimiento.
Los motivos más recurrentes son las hojas y ramas entrelazadas, lianas, juncos,lirios, animales
como el cisne, el pavo real, medusas y pulpos. La figura femenina aparece como tema central en
las obras.
Además conjuga varias referencias culturales, con el fin de realzar las cualidades estéticas y
artisticas de las obras,como el uso de motivos bizantinos y grabados japoneses.

Las características que en general permiten reconocer al modernismo son:

 Inspiración en la naturaleza y el uso profuso de elementos de origen natural pero con
preferencia en los vegetales y las formas redondeadas de tipo orgánico entrelazándose con
el motivo central.
  Uso de la línea curva y la asimetría; tanto en las plantas y alzados de los edificios como en
la decoración.
 Tendencia a la estilización de los motivos, siendo menos frecuente su representación
estrictamente realista.
 Uso de imágenes femeninas en actitudes delicadas y gráciles, con un aprovechamiento
generoso de las ondas en los cabellos y los pliegues de las vestimentas.
 Actitud tendente a la sensualidad y a la complacencia de los sentidos, llegando hasta el
erotismo en algunos casos.
 Libertad en el uso de motivos de tipo exótico, sean éstos de pura fantasía o con inspiración
en distintas culturas, como por ejemplo el uso de estampas japonesas.

Desarrollo en las Artes (Christian)

Abarcó todos los aspectos del entorno hechos por el hombre: las artes gráficas, joyería, cristalería,
cerámica, mobiliario, forja, pintura, escultura y arquitectura.

Joyería

El arte de la joyería se vio revitalizado por el modernismo, teniendo a la naturaleza como la

principal fuente de inspiración. Complementaron esta renovación los nuevos niveles de
virtuosismo alcanzados en el esmaltado y los nuevos materiales como ópalos y otras piedras
semipreciosas. Con el modernismo surgió un nuevo tipo de joyería, motivada y encausada hacia el
diseño artístico antes que en el mero despliegue de las gemas.

Pintura

En contraposición tanto al academicismo como al impresionismo, se abandonan los temas

cotidianos por los contenidos simbólicos y conceptuales, entre los que destaca la mujer, con un
tratamiento erótico que llega hasta la perversión.
Técnicamente se insiste en la pureza de la línea (lo que le da un carácter bidimensional) y la
expresividad del dibujo. Las formas orgánicas, especialmente vegetales curvilíneos y espirales
(flores, hojas, tallos retorcidos), que rellenan todo el espacio. Los formatos preferidos son los
alargados y apaisados.

Gustav Klimt (Sofi)

Las obras Klimt se caracterizaron, en su primera etapa artística, por cultivar un estilo ecléctico, con
interés en temas históricos. Con posterioridad, Klimt fue uno de lo protagonistas del movimiento
artístico que lo haría pasar a la historia: El Modernismo (Art Nouveau)
Los temas principales que inspiraron sus cuadros son: sexualidad, amor y muerte.
 El beso: es un retrato sobre la lujuria y el amor. Es una imagen de amor espiritual e
idealizado. Aparece un apareja abrazada que encarna la felicidad erótica imperturbable.
Los modelos son el propio Klimt y su amiga Emile Flöge. Ambos cuerpos forman una masa
dorada, con ornamentos cuadrados para el hombre y curvilíneos para la mujer. Ofrece una
 imagen contradictoria de sus mujeres, esta vez la mujer se entrega al hombre, que es un
ser activo, es el que lleva la fuerza y da el beso, mientras la mujer, afronta esto con
pasividad
Fue el comienzo de uno de los temas principales de Klimt. La obra del pintor se centró
principalmente en las mujeres, por lo que la inclusión de un hombre (aunque fuera uno
cuyo rostro está oculto) era inusual para Klimt. La modesta vestimenta de los protagonistas
también marca este cuadro como una de las creaciones más conservadores de Klimt.
Ambos cuerpos forman una masa dorada, con ornamentos cuadrados para el hombre y
curvilíneos para la mujer. Es el primer ejemplo del "Periodo Dorado" de Klimt. Inspirado
por los mosaicos bizantinos que había visto en sus viajes, Klimt mezclaba pan de oro en sus
pinturas al óleo para crear lo que se convertiría en su estilo característico. El uso de Klimt
del dorado recuerda al tipo de arte religioso que se encuentra en las iglesias. Utilizar de
pan de oro para celebrar los placeres terrenales y la sensualidad de la sexualidad fue
considerado por algunos como blasfemo.

 El arbol de la vida: El Mural presenta tres partes diferenciadas. A la izquierda, una mujer
que parece simbolizar la espera o el anhelo. Misteriosa, mira hace la derecha, su postura
recuerda al arte egipcio y su largo traje realizado con triángulos tambien recuerda a las
pirámides. En el extremo opuesto está el abrazo entre un hombre y una mujer, que podría
recordar en un primer momento a El beso realizado por Klimt en la misma época, pero que
presenta notables diferencias. En el abrazo de El árbol de la vida el hombre está
completamente de espaldas, sólo se ve el rostro de la mujer y ésta se mantiene de pie. En
la túnica del hombre pueden verse numerosos ojos, un pez y un ave a los que se ha dado
significados diversos, casi siempre relacionados con la antigua religión egipcia o el
cristianismo.
Y en medio y, a la vez, abarcándolo todo y uniendo la espera y el abrazo, el árbol de la vida.
Un único tronco, que sale de la tierra y se va bifurcando en ramas, que terminan en
diversos arabescos que pueden representar distintas opciones de vida, distintos destinos.
El fin de la vida, la muerte, le da sentido a la misma y está presente en el mural en el
pájaro negro. Aunque también éste podría recordar a los halcones egipcios, y en particular
al dios egipcio Horus, de cuerpo humano y cabeza de ave rapaz. Fue realizado con mármol,
esmaltes, vidrios, gemas, oro y plata.
 Judith I: Judit I también conocida como «Judit y Holofernes» es un ejemplo de la madurez
artística del artista e inaugura su «período dorado», en el que Klimt empieza a usar la
abstracción simbólica como lenguaje y el oro como material.
Klimt pinta por primera vez a la figura bíblica pero no como una heroína luchadora sino
más bien como mujer fatal simbolista que lleva a los hombres a la muerte a través de su
atracción sexual. Klimt creía que el poder de seducción femenino logra vencer a la mayor
fuerza viril y ahí vemos la cabeza de Holofernes en una esquina. Asimismo tenemos al
fondo ese paisaje arcaico y estilizado con árboles y colinas de oro, que hacen destacar aún
más a esa Judit que atrae al espectador.
Escultura
La escultura modernista tuvo como tema central la figura femenina en distintas actitudes. Se
utilizaron una gran variedad de materiales: el mármol para los monumentos de envergadura y el
bronce, el marfil, los metales preciosos (muy a menudo la combinación de marfil y oro), la
cerámica y el vidrio para las obras de pequeño tamaño, muy relacionadas con la orfebrería.

Arquitectura

La nueva situación general creada por la revolución industrial y social generó multiplicidad de
nuevos temas edilicios. En el siglo XIX, la iglesia y el palacio perdieron su importancia como temas
principales y fueron reemplazados, a su turno, por el monumento, el museo, la vivienda, el teatro,
el palacio de exposiciones, y el edificio para oficinas. Estas nuevas edificaciones representaba los
valores económicos de la nueva sociedad capitalista, así como sus fuerzas productivas se
manifestaban de forma clara en edificios destinados a fábricas, oficinas y viviendas.
En cuanto a los planteamientos arquitectónicos se trata de utilizar los nuevos materiales hasta las
últimas consecuencias, no sólo por su utilidad espacial sino también por sus posibilidades
expresivas. Los materiales tradicionales, como la piedra, los ladrillos, la madera, se trabajan de
modo más rentable, distribuyéndolos de modo más práctico. A éstos se añaden otros nuevos
materiales, como el hierro colado, el vidrio y, más tarde, el cemento.
En lugar de copiar las formas clásicas (columnas, frontones, etc.) se busca la inspiración en los
procesos y las formas de la naturaleza. Esta admiración por la naturaleza no se limita a la
decoración sino también a la planta y a la estructura del edificio, concebido como un organismo
vivo coherente en todas sus partes. Es por ello que los mismos arquitectos se encargaban,
también, de realizar el mobiliario. Se trata de una busquedad de unidad de estilo, cada pieza del
mobiliario se adapta de manera perfecta al conjunto.

Victor Horta (Nico)

Art Nouveau en el Diseño Gráfico (Josue)

El modernismo se extendió de manera muy profusa en las artes gráficas, tanto en la ilustración de
libros y revistas (incluyendo la encuadernación, las cubiertas) como en el cartelismo (carteles,
pósters o affiches publicitarios) y todo tipo de soportes: postales, paneles decorativos, papel
pintado, estampados textiles, etc.; así como en el diseño de tipos de imprenta.
El desarrollo de las artes gráficas se vio beneficiada por dos motivos:
 La utilización de xilografía y la litografía, dos tecnicas de impresión a través del uso de
madera.
 La sanción de una nueva ley francesa que permitió eliminar restricciones de censura
logrando que los carteles de los artistas y diseñadores de la época pudieran ser expuestos
y por ende vistos por cualquier persona no importando su nivel de clase social.
El cartel fue un medio gráfico muy utilizado en Francia y posteriormente en toda Europa, tuvo una
importancia especial en lo comercial debido a que su utilización muy explotada en lo publicitario
sirvió para dar a conocer distintos espectáculos, eventos culturales y productos que eran
consumidos en la época.
El asunto principal de los carteles hacia 1900, fue la mujer, el “eterno femenino”: sus ropas, sus
modales, las sonrisas, etc, pero poco importaba lo natural, era teatro, una sofisticación.
Un nombre importante que desarrolló el formato cartelero fue Jules Cheret (1836-1933) aclamado
como el padre del cartel moderno. Innovó al introducir el cartel visual, dejar de lado los carteles
tipográficos con escasas ilustraciones y evolucionar a la litografía inglesa a color que en ese
momento mostraba un mayor adelanto tecnológico. Sus influencias artísticas fueron la belleza
idealizada y el estilo de vida alegre expresando energía y movimiento. Cheret fue reconocido por
crear una nueva rama de arte que promovió la imprenta y la publicidad de productos y
espectáculos, aportando al desarrollo del comercio y la industria.

Alfons Maria Mucha (Marisa)

Art Nouveau en Argentina (Peluca)

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