Bjork. El lugar donde profundidad, creatividad y complejidad intersecan.

Por: Eduardo Reyes

The Sugarcubes, banda islandesa fundada en 1986, fue el proyecto que vio nacer a una
de las cantantes más creativas de la música alternativa de los últimos 20 años, estoy
hablando de Bjork. Hace 17 años ya (julio de 1993) que su álbum Debut vio la luz, el
cual fue producido por Nellee Hooper y tuvo una gran aceptación, principalmente en
Estados Unidos, por su originalidad al mezclar el pop y la música electrónica.
A partir de eso el concepto acerca del Pop como género fue concebido de forma
distinta, ya no se trataba de aquella música digerible a los oídos de todo tipo de público
y sin mayor complejidad en sus letras ni en sus melodías, sino como un género capaz de
adaptarse, fusionarse y transformarse en otros géneros tan distintos como son el acid
jazz, la música electrónica, el trip-hop, y el ambient, mostrando, por ello, una
complejidad para el escucha.
La historia musical de Bjork explica su grandeza: Post (1995) es su segunda producción
de estudio, Homogenic aparece en 1997, Vespertine ve la luz para 2001, Medulla (2004)
es su quinto trabajo, y finalmente Volta, que salió a la venta en 2007. Esto sin contar sus
discos de remixes, soundtracks, covers y rarezas que ella misma ha elaborado u otros
músicos han hecho sobre su trabajo.
Cada una de esas producciones se ha vuelto un referente en lo que a la música pop y a lo
alternativo contemporáneo se refiere. Y algo que destaca, de entre todas sus
producciones, es el disco Medulla compuesto en su totalidad por tracks donde el único
instrumento empleado es la voz; también en su última producción, Volta, utilizó la
ReacTable (novedoso tablero electrónico que produce sonidos a partir del análisis del
movimiento y posición de los objetos –cubos- que se colocan sobre éste) como prueba
de su efectividad, disco que se caracterizó por su sonido industrial y policromático,
único para esos tiempos.
Además de la creatividad expuesta en su música, Bjork también se ha distinguido
estéticamente por su concepto neobarroco, tanto en el arte de sus discos como en sus
representaciones en vivo; demostrando con esto que su trabajo no se limita a lo
estrictamente musical, sino a las artes plásticas misma, dotando a sus conciertos de una
carga visual importante con performance, video arte y programaciones de luces.
Su la labor artística a pisado también el plano social y cinematográfico con sus
campañas a favor del ambiente, su postura pronatura, sus críticas políticas dirigidas a
Estados Unidos, y su protagónico en la película Dancer in the Dark del director danés
Lars Von Trier en el año 2000, con el que ganó la Palma de Oro en el festival de Cannes
y fue nominada al Oscar como mejor canción por “I've Seen It All” en 2001.
Bjork, con sus sonidos místicos, atmosféricos, densos, luminosos y por momentos
melancólicos que incitan a la introspección, sus cualidades estéticas que van desde un
rostro lleno de diamantes, un cisne como atuendo, una reminiscencia a las aves, a los
volcanes, una reinterpretación de la imagen de Medusa y hasta la de una geisha, hoy
demuestra que lo importante en un artista no es la corriente que caracterice su trabajo,
las categorías que se le impongan, sino la creatividad, la frescura, el ingenio, la
complejidad y la originalidad que lo inspire al momento de crear, y ante esto ninguna
etiqueta es válida para describir o explicar la razón de su trabajo.
Por: Lalotron!
Alex Otaola
Fractales
Zona de Intolerancia

El primer trabajo solista del guitarrista de la ya legendaria agrupación mexicana Santa

Sabina, Alejandro Otaola, se reduce en ser una película sonora. Y digo se reduce no por
lo sencilla que pueda ser esta producción, sino porque bien podría musicalizar un film
cinematográfico de tintes futuristas muy dinámicos, quizá, o una película de corte
místico-esotérico muy a la Jodorwsky, o bien formar el fondo atmosférico de algunas
escenas orientales.
Así de complejo es el sonido y el trabajo en conjunto de éste músico, quien hizo de su
disco una compilación de sus tracks elaborados durante varios años a tras. Y es que lo
que puede diferir Fractales es una policromía en sonidos que nunca antes, por lo menos
en la música mexicana, habían sido reunidos. Lo mismo pasa por el jazz, como por el
rock, guitarras progresivas que remontan al sonido característico de Pink Floyd, así
como también melodías de cuerdas de oriente, o simplemente sonidos incidentales
tomados de una película.
Detrás de este disco hay varios colaboradores (Sabo Romo, Alonso André, DJ Rayo,
Rodrigo Barbosa, Rita Guerrero, Ángel Mosqueda, Jesús Baez, José María y Alonso
Arreola, entre otros) representantes de la música alternativa y el jazz, lo cual constituye
una producción bien pensada y tan compleja como la música misma.
Quince son los tracks que componen Fractales, quince episodios que conforman una
narración cinematográfica sonora, quince fragmentos de una misma historia, que hasta
ser reunida se entiende el sentido y la dirección principal de la obra. En definitiva
Otaola hizo del cine música y de la música un viaje tanto al espacio exterior como al
interior de uno mismo.
Con este disco crea imágenes, atmósferas, escenas que dan la impresión de ser grabadas
debajo de una alberca, dentro de una redonda pecera, en un lugar oscuro iluminado por
luces neón, o bien podría musicalizar el viaje del astronauta Bowman de 2001: A Space
Odyssey de Stanley Kubrick. Sin duda éste primer disco de Alex Otaola, Fractales, es el
punto en el que cine (imagen) y sonido (música) intersecan.
Por: Lalotron!