GÓTICO

Arquitectura gótica. Siglo XIII. Francia. Fachada occidental de la catedral de Reims. Es

uno de las obras más significativas del gótico francés. No se conoce al maestro
constructor.
La fachada se organiza en tres cuerpos. En el inferior, hay tres puertas que se
corresponden con las tres naves del templo. La puerta central, siguiendo la estructura
del templo, al encontrarse en la nave central, es más alta que las dos laterales.
Siguiendo la disposición habitual del arte gótico, se encuentra abocinadas y con
arquivoltas decoradas con esculturas. El tímpano de la puerta central está decorado
con un rosetón realizado con tracería y vidriera. Las tímpanos de las naves laterales
también abren un vano, decorado con tracería y vidriera, sin llegar a formar el rosetón
de la central.
En el segundo cuerpo, en la calle central encontramos un gran rosetón, enmarcado en
un arco apuntado, en las calles laterales, arcos apuntados geminados decorados con
tracería, y rematados por gabletes que incrementan las sensación de verticalidad de la
CATEDRAL DE
fachada.
REIMS
En el tercer cuerpo se encuentra, una galería de estatuas reales, que correspondería a
FACHADA
los reyes de Francia desde tiempos merovingios y que se corresponden con los reyes de
OCC.
Judá, pretendiendo vincular la monarquía con el derecho divino. Estas figuras se
enmarcan bajo doseletes de arcos apuntados, rematados por gabletes. Finalmente, en
las naves laterales se encuentra dos torres campanario
La función del edificio es estrictamente religiosa, se trata de un templo de carácter
cristiano donde dar cobijo a los fieles, para el oficio de la misa y la instrucción cristiana.
En la catedral gótica, se adoptan nuevos elementos arquitectónicos, como son el arco
apuntado o la bóveda de crucería, aumento de la verticalidad y luminosidad de los
edificios en contraposición con las robustas, bajas y oscuras iglesias románicas.
Así, los arcos apuntados y las bóvedas de crucería, junto con un sistema de pilares, a
veces fasciculados, un conjunto de contrafuertes y arbotantes, además del uso de la
vidriera, para crear un espacio donde el sentido de verticalidad y crea una atmósfera
casi mística en el espectador que la contempla, identificando a Dios con la luz, con lo
inmaterial.

GÓTICO 1
 La Sainte Chapelle, Santa Capilla o Capilla real de la Île del al Cité, es un templo de estilo
gótico situado en el centro de París. Es una de las obras más importante del gótico en
su etapa radiante o manierista. Lo mandó construir el rey Luis IX o San Luís, para
guardar las santas reliquias (corona de espinas, parte de la cruz, el hierro de la lanza, la
esponja y otras reliquias del martirio de Cristo. Lo más destacado de este edificio es que
las paredes han sido sustituidas por grandes vidrieras de colores. En realidad parece un
gran relicario. Será a la vez capilla real dentro del palacio del rey.
Se trata de un templo de dos pisos, una capilla inferior para la gente común y una
superior para la corte del rey. La capilla baja es de planta de salón con tres naves. Un
gran número de columnas sujeta el techo y el peso de todo el edificio. Toda la bóveda
de crucería va decorada con flores de lis sobre fondo azul símbolo de la realiza
LA SAINTE francesa. Las columnas son cortas pero esbeltas, policromadas en rojo con castillos
CHAPELLE dorados símbolo de Castilla, pues San Luis era hijo de Blanca de Castilla.
SIGLO XIII La capilla superior o real como ya hemos comentado carece de muros, con grandes
ventanales de vidrieras de colores que dejan pasar la luz. Las vidrieras forman un
conjunto homogéneo que representan escenas religiosas. Los colores dominantes son
el azul, el rojo y el amarillo. Las ventanas tienen forma de arco ojival y sobre ellos se
han colocado rosetones de 6 lóbulos y 2 cuatrilobulados. Las escenas de las vidrieras
representan el Génesis, el Éxodo, el libro de los Números, el Libro de Josué, el libro de
los Jueces, el Libro de Isaías, Juan Evangelista y la infancia de Cristo, la Pasión, la vida de
Juan el Bautista y el Libro de Daniel, el libro de Ezequiel, de Tobías, de Judit, de Job, de
Ester, y el libro de los Reyes. También cuenta la historia de las reliquias de la Pasión. A
los pies de la capilla se abre un gran rosetón de 9 metros de diámetro igualmente con
vidrieras de colores.

Dentro del estilo gótico castellano del siglo XIII se levanta una de las catedrales más
representativas, clásicas y de influencia francesa, que se inspiraba en la de Reims,
aunque la española es de menor tamaño. INTERIOR: Sus características más destacadas
son: planta de cruz latina con un transepto que apenas sobresale de la planta, es de
tres naves tanto en la planta longitudinal como en el transepto y dispone de
deambulatorio o girola. En la cabecera se abren absidiolos o capillas radiales. El
transepto está casi en el centro del edificio.
El alzado de tres pisos; arquería con arcos ojivales que separan las naves laterales de la
central, triforio y ventanales en la prolongación del muro en donde se abren ricas
vidrieras. Con un importante sistema de arbotantes y contrafuertes que permiten
CATEDRAL DE aligerar el muro para la colocación de vidrieras, de las mejores del gótico europeo. En
LEÓN cuanto a la cubierta, encontramos bóvedas de crucería sencilla o cuatripartita en todos
SIGLO XIII los tramos, tanto en la nave central como en las laterales.
INTERIOR Y Esta iglesia dispone de tres accesos con fachadas monumentales, una a los pies y las
FACHADA otras dos en los brazos del transepto, con tres portadas cada una de ellas que se
corresponden con cada una de las naves longitudinales.
LA FACHADA OCCIDENTAL: es la principal. Consta de un triple pórtico ojival. en las
jambas, arquivoltas, tímpanos y parteluces se desarrolla un trabajo escultórico
importante y de influencia francesa. Sobre el pórtico un gran rosetón con vidrieras de
finales del siglo XIII. El cuerpo central, va coronado por un gablete.
La fachada está flanqueada por dos torres diferentes en forma y altura, pues se
construyen en momentos diferentes. La más antigua está rematada con una aguja
cerrada y es la de las campanas; la torres sur o del reloj se inicia también en el siglo XIII
pero se terminó en el siglo XV por lo que es de estilo gótico flamígero con aguja calada.
Ambas torres están adosadas a las naves laterales en vez de surgir de ellas, lo que
permite la vista de los arbotantes de las naves laterales.

GÓTICO 2
 La catedral de Barcelona se inicia en 1298, casi a inicios del siglo XIV y es ejemplo del
denominado Gótico catalán, con una gran influencia del gótico italiano y el del sur de
Francia, también tendrá gran influencia de la orden cisterciense (monasterios de Poblet
y Santes Creus). Sus características más destacadas son: planta de cruz latina cuyo
transepto no sobresale de la planta de tres naves de la misma altura siendo más ancha
la central y con deambulatorio o girola. En el ábside se abren capillas radiales o
CATEDRAL DE absidiolos. Se concibe el espacio interior de forma unitaria, favorece la visibilidad,
BARCELONA siguiendo la tendencia de las órdenes mendicantes (franciscanos y dominicos) que
SIGLO XIV permiten una mejor conexión con el fiel para la predicación. Los arcos ojivales en todos
INTERIOR sus tramos descansan sobre pilares formados por columnas adosadas que se prolongan
formando los nervios de la bóveda de crucería sencilla o cuatripartita. Es característica
de esta catedral la ausencia de arbotantes y el empleo de robustos contrafuertes
exteriores que en el interior los huecos entre los contrafuertes se ocupará por capillas
laterales. Otra característica a destacar es que la fachada occidental, que se quedó sin
construir hasta que a finales del siglo XIX se construyó la actual de estilo Neogótico.

Mandada construir por la reina Isabel la Católica para conmemorar la batalla de Toro de
1476 que dio la victoria a Isabel en la guerra civil contra Juana la Beltraneja. Se
construyó un convento franciscano por Juan Guas y se terminó en 1492. La iglesia es de
IGLESIA DE una sola nave con capillas laterales entre los contrafuertes, con transepto no destacado
SAN JUAN DE de la planta y un crucero cubierto por un magnífico cimborrio sobre trompas. Esta
LOS REYES EN iglesia pertenece la denominado gótico isabelino o Reyes Católicos, del siglo XV y
TOLEDO principios del XVI, se caracteriza por abundante decoración con elementos propios del
gótico flamígeros de nervios combados, bóvedas estrelladas y de terceletes, arcos
carpaneles y conopiales. Llama la atención un gran arco carpanel en el bajo coro. Muy
propio del estilo español será la decoración de escudos y otros motivos heráldicos, así
como bandas epigráficas de clara inspiración islámica (decoración caligráfica).

GÓTICO 3
 Grupo escultórico de estilo gótico realizado en el siglo XIII, representa las escenas de la
Anunciación y la Visitación. Adosadas a las jambas de la portada de la Catedral de
Reims, son obra de tres maestros diferentes.
Se trata por tanto de esculturas exentas realizadas en piedra y estaban policromadas. A
pesar de ser esculturas exentas cumplen la norma de adaptación al marco,
dependiendo por tanto de la arquitectura.
Se trata de dos grupos o temas diferentes pero relacionados entre si. Por un lado el
tema de la Anunciación, el arcángel Gabriel y la Virgen María. El otro tema, la Visitación
de la Virgen María a su prima Santa Isabel. La relación entre ellos está en la narración
del evangelio de San Lucas en el que el arcángel le dice a María que Isabel ha concebido
a pesar de su edad.
Si observamos la primera pareja, el arcángel y María, vemos el aspecto juvenil y
sonriente, la Virgen gira la cabeza en señal de saludo al ángel, sujeta su manto y
GRUPO DE LA mantiene la cabeza inclinada en señal de aceptación del mensaje divino. El segundo
ANUNCIACIÓN
grupo, Isabel saluda a María levantando el brazo.
Y VISITACIÓN,
Técnicamente observamos que ambas parejas no han sido realizadas por el mismo
CATEDRAL DE
REIMS maestro. El grupo de la Anunciación es de volúmenes más duros, más inexpresiva a
SIGLO XIII pesar de los rictus de sonrisa que aparecen especialmente en el arcángel y que nos
recuerda al arcaísmo griego (sonrisa arcaica). También podemos ver como se utilizan
recursos para lograr dinamismo, por ejemplo, la mano del arcángel recoge su manto,
intentando dar movimiento a la figura y aumenta la riqueza de los pliegues todavía muy
duros. La Virgen es más hierática e inexpresiva, los pliegues de su manto caen en
vertical y contrastan con la figura del arcángel. Esto ha llevado a pensar que se trata de
dos maestros distintos.
Frente a esta pareja podemos ver la de la Visitación. Técnicamente es mucho más
avanzada. Sus vestidos nos recuerdan a la técnica de los "paños mojados" del arte
clásico. Se asemejan a dos matronas romanas, son más naturalistas, más realistas, que
observamos en el rostro avejentado de Isabel (recordamos que era una mujer de edad
avanzada), hay una comunicación muy natural entre ambos personajes que rompe con
el concepto de escultura estatua al que se estaba acostumbrado. Este segundo grupo
es de un maestro distinto a los anteriores y también es posterior en el tiempo.

El tímpano de la imagen forma parte de la portada del Sarmental de la Catedral de

Burgos, datado en el siglo XIII. La escultura que en este tímpano aparece está realizado
en piedra y presenta las características más representativas del gótico: adaptación al
marco, frontalidad (miran al espectador), composición reposada, jerárquica. Aunque
ahora no se observen restos de pintura es casi seguro que estuvo policromada.
En el centro del tímpano aparece Cristo en Majestad bendiciendo conla mano derecha
y con la izquierda sujeta el libro de los Evangelios, que apoya en su rodilla. A ambos
TÍMPANO DEL lados y superpuestos de dos en dos, vemos a los cuatro evangelistas y sus símbolos o
SARMENTAL Tetramorfos (San Marcos junto al león, San Lucas junto al toro sentados en su escritorio
CATEDRAL DE como si estuviesen copiando lo que les dicta el Pantocrator; los otros dos evangelistas
BURGOS. colocados por encima, San Juan con el águila debajo y San Mateo sobre el ángel, y del
mismo modo que los otros dos evangelistas aparecen sentados ante su escritorio. La
jerarquía la observamos en el tamaño inferior de los evangelistas respecto al
Pantocrator.
A los pies del Pantocrator, se sitúa el apostolado cubierto con doselete corrido en
forma de arquillos trilobulados.
Las arquivoltas que delimitan el tímpano llevan hileras longitudinales de ángeles y
serafines con cirios, adorando a Dios, y en las exteriores los 24 ancianos del Apocalipsis
tocando sus instrumentos.

GÓTICO 4
 Escultura gótica de finales del siglo XV. El retablo fue tallado por Gil de Siloé y
policromado y dorado por Diego de la Cruz. Toda la obra es de gran expresividad.
Ubicado en el altar mayor de la Iglesia. Más que un retablo parece un gran tapiz
El tema general del retablo es la Exaltación de la Eucaristía. El retablo se organiza en
torno a una rueda central, formada por ángeles, en cuyo centro está Cristo crucificado,
de gran expresividad, en sus laceraciones y heridas, solemnidad y dramatismo. Los
travesaños de la cruz están sujetos por Dios Padre con la triple corona y el Espíritu
Santo como un joven imberbe y con corona imperial, que denota la importancia que se
da a la Trinidad. A los pies de la cruz María y San Juan Evangelista. Sobre la cabeza de
RETABLO Cristo un pelícano, símbolo del sacrificio pues el pelícano alimenta a sus hijos con su
DE LA propia sangre. En los 4 huecos de la cruz vemos 4 escenas de la Pasión: la oración en el
CARTUJA DE huerto, la flagelación, Cristo con la cruz a cuestas camino del Calvario y una Piedad.
MIRAFLORES Dentro de la rueda aparecen también los padres de la Iglesia: San Gregorio, San
(BURGOS) Ambrosio, San Jerónimo y San Agustín. Así como los 4 evangelistas en su atril.
SIGLO XV Bajo la rueda central y sobre el sagrario encontramos el torno giratorio con escenas de
las festividades litúrgicas (se van rotando según el tiempo litúrgico): Natividad,
Bautismo, Resurrección, Ascensión, Pentecostés y Asunción.
En el resto de calles laterales: escudos reales, los padres de Isabel la Católica, Juan II e
Isabel de Portugal con los santos de su devoción Santiago Apóstol y Sata Isabel con el
niño Juan Bautista respectivamente.
Este retablo es uno de más expresivos de su época, tanto en la calidad de la talla como
en la policromía. Para su ejecución Gil de Siloé tuvo que contar con ayuda y eso se nota
en la calidad de algunas tallas.

GÓTICO 5
 Estilo Gótico, pintura al fresco al inicios del siglo XIV, en la Capilla Scrovegni de Padua,
por el pintor italiano Giotto. Esta obra forma parte de un conjunto sobre la Vida de la
Virgen y de Cristo.
Se trata de una de las escenas más famosas de esta capilla. Representa a José María y el
Niño Jesús huyendo a Egipto para salvarse de la persecución del rey Herodes, que tras
la visita de los Magos de Oriente ordena la matanza de los Inocentes. En sueños, José
ha sido advertido por un ángel que les dice que huyan y que él le indicará el camino.
María va montada en un borrico que es conducido por José y lleva al Niño sujeto por un
pañuelo. Junto a José aparece la figura de un joven con una corona de hiedra, una
cantimplora al cinto, y detrás de María otros tres jóvenes que van en la misma
ESCENA DE LA
caravana.
HUIDA A
Esta es una de las obras que nos muestra a Giotto como el iniciador de la pintura
EGIPTO.
moderna. Se aparta del estilo bizantino que se observa en las posturas de espaldas o de
CAPILLA
perfil (en el estilo bizantino van frontales). No aparece un fondo dorado, sino un paisaje
SCROVEGNI.
agreste y montañoso, más realista y naturalista, donde solo unos árboles rompen la
GIOTTO
monotonía, delgados y con las hojas detalladas una a una. De precioso cromatismo, con
sutilezas de luz y sombras, con una factura densa y aterciopelada, adopta un punto de
fuga oblicuo, que muestra su dominio de los escorzos por ejemplo en el ángel. Giotto es
capaz de percibir el espacio, los volúmenes y el naturalismo con representaciones muy
detallistas como por ejemplo en el cántaro recubierto de mimbre. Son destacables los
drapeados en la ropa, de gran realismo.
A nivel compositivo podemos destacar la figura triangular de la Virgen que se
corresponde con la montaña del fondo, otro triángulo. El movimiento lo observamos en
los personajes, con gestos dinámicos o en la pata del borrico, la conversación de San
José con su acompañante o el ángel mostrándole el camino a seguir. Sin embargo la
Virgen aparece mirando al frente a la lejanía, más quieta.

GÓTICO 6
 De estilo gótico flamenco, es un óleo sobre tabla datada en el siglo XV. Actualmente
está en la National Galery de Londres. Es obra del pintor flamenco Jan van Eyck. La
pintura representa al rico mercader Giovanni Arnolfini y a su esposa Giovanna,
establecidos en Brujas donde se dedicaban al comercio. Se trata de uno de los primeros
retratos no hagiográficos que además representa una escena costumbrista.
Observamos a la pareja de pie, en primer término, en su alcoba. El esposo aparece
bendiciendo a su esposa. Ella le ofrece su mano derecha mientras apoya la otra sobre
su vientre. La pose es teatral, hierática. Podría tratarse de un retrato de los esposos tras
la boda.
Como pintura flamenca podemos observar las siguientes características. La
minuciosidad: de gran detallismo muestra hasta los detalles más pequeños. Esto se
consigue gracias al empleo del óleo. Por ejemplo, el espejo del fondo donde están
representadas diez escenas de la pasión de Cristo, y en el que se reflejan todos los
detalles de la habitación (mobiliario, matrimonio, otras personas, una vista de Brujas
por el ventanal,...). El naturalismo: representa la realidad con exactitud, como en el
perrito. La preocupación por la luz y la perspectiva: la luz entra por la ventana,
EL suavemente, se percibe la atmósfera y el recurso del espejo favorece la profundidad.
MATRIMONIO Pero a pesar del naturalismo las figuras aparecen hieráticas, sin movimiento, como si el
ARNOLFINI. tiempo se hubiera detenido.
JEAN VAN En la escena aparecen multitud de objetos en un principio sin motivo aparente, sin
EYCK embargo, es uno de los cuadros que tiene mayor simbolismo. La representación de los
esposos: él, representa el papel masculino de la época, sujeta la mano de su esposa con
autoridad mientras ella agacha la cabeza sumisa y posa la otra mano en el vientre
(futura maternidad). También las ropas nos indican el nivel social, son ropas ricas
(pieles, brocados, anillos), que expresan su posición social. Las naranjas: importadas del
sur son un producto de lujo en Brujas lo que también muestra la riqueza de la pareja. La
cama: se relaciona con el linaje y el apellido. Es el lugar donde se nace o se muere. Las
telas rojas simbolizan la pasión y representan la futura maternidad o la descendencia.
La alfombra, traída de oriente es otro símbolo de su fortuna. Los zuecos, en el suelo,
representan el vínculo sagrado del hogar. El espejo, que refleja la habitación, contiene
10 de las 14 estaciones del Vía Crucis. La lámpara: con una sola vela que simboliza la
llama del amor y también representa la candela que siempre luce en el sagrario por lo
que representaría la presencia de Cristo en el hogar. En el cabezal de la cama hay una
talla de una mujer con un dragón a los pies, símbolo de Santa Margarita, patrona de los
alumbramientos. El perro: nota de desenfado que también simboliza la fidelidad y el
amor terrenal. Es además una muestra de la técnica del detalle.
Es sin duda una de las mejores obras, en su detallismo y dominio técnico del dibujo.

GÓTICO 7
 De estilo gótico flamenco es una óleo sobre tabla datado en el siglo XV, y cuyo autor es
ROGIER VAN DER WEYDEN.
De temática religiosa representa el Descendimiento de la Cruz. El autor representa el
cuerpo muerto de Jesús, que había sido crucificado en el lugar llamado Gólgota-lugar
de la calavera- está siendo bajado de la cruz. Según la tradición, Jesús fue crucificado en
el mismo lugar en que fue enterrado Adán, y a él corresponderían los huesos y la
calavera que vemos en la escena.
La cruz y las figuras de Jesús y María ocupan el centro de la escena y señalan cuál es el
tema del cuadro el dolor compartido por la muerte de Jesús. Nicodemo, sostiene el
cuerpo de Jesús con un paño por debajo de sus brazos; María Magdalena, la pecadora
arrepentida se retuerce de dolor y José de Arimatea sostiene los pies de Jesús. Entre
Nicodemo y María Magdalena se encuentra un personaje anónimo que sostiene un
tarro, que se puede identificar con un miembro de la cofradía de Ballesteros de
Lovaina, que encargó la obra. San Juan sostiene el cuerpo desmayado de María, siendo
ayudado por una de las hermanas de la Virgen, María Salomé, mientras la otra mujer,
María Cleofás, se seca las lágrimas con el borde de su toca.
Técnicamente la obra presenta un dibujo muy marcado que define las formas, el color
está dado con precisión y con una factura barrida y homogénea. Es realista y
naturalista. De composición simétrica y cerrada tiene un punto de vista frontal.
Los PERSONAJES, de tamaño natural parecen esculturas. Están perfectamente
DESCENDI- individualizados y se distribuyen de derecha a izquierda de la cruz. María Magdalena y
MIENTO S. Juan evangelista cierran la escena. En el primer plano, en sendas líneas diagonales
DE LA CRUZ. paralelas se inscriben las figuras de Jesús muerto y María desmayada. La curvatura de
ROGER VAN los brazos de Jesús y María los unen entre sí. La imagen presenta el MOVIMIENTO de la
DER WEYDEN escena congelado y es sugerido por los gestos y las actitudes de los personajes, así
como por los pliegues y el vuelo de las telas.
La LUZ modela las figuras y las resalta sobre el fondo dorado. Utiliza las sombras para
sugerir los volúmenes y el espacio. Los COLORES son muy ricos, variados, intensos y
simbólicos. Combinan los tonos cálidos y los fríos. El autor emplea el oro del fondo para
dar carácter sagrado a la escena. La cantidad y calidad del color azul lapislázuli
empleado en el mando de María es uno de los elementos más destacados del cuadro y
por el valor del color nos muestra que el cliente era un personaje de categoría social. Si
atendemos a la simbología de los colores observamos que: el azul: misión sagrada-Dios;
verde: esperanza; rojo: amor y caridad; violeta: obediencia; blanco: pureza.
Van der Weyden, pintará principalmente para la burguesía flamenca del siglo XV. A este
grupo, formado por la rica burguesía mercantil y una parte de la nobleza, le gusta la
representación de la realidad cercana y tangible, con un simbolismo subyacente en el
significado de los motivos y los colores de las imágenes.
En este caso podemos ver en la obra quién era el cliente ya que en las esquinas del
cuadro aparecen dibujadas unas ballestas, elemento introducido por el pintor como
referencia al cliente, la cofradía de ballesteros de Lovaina que tenía una iglesia
dedicada a Nuestra Señora de los Dolores. El cuadro llega a España a través de María de
Hungría, hermana de Carlos I. Su sobrino Felipe II lo heredará a su muerte y estuvo en
la capilla del palacio de El Pardo, más tarde en El Escorial y actualmente se encuentra
en el museo del Prado desde 1939.

GÓTICO 8
 Estilo gótico flamenco, es un óleo sobre tabla datado de inicios del siglo XVI. Su autor es
El Bosco. La temática es una alegoría acerca del pecado.
Este tríptico, perteneciente al a Casa de Nassau, será adquirido a finales del siglo XVI
por el rey Felipe II, quien lo destinó al monasterio de El Escorial y donde permaneció
hasta 1939, fecha en la que pasará a formar parte de los fondos del Museo del Prado.
El Jardín de las delicias es una de las obras más enigmáticas del arte y de su autor. Para
comprender su significado lo primero que hay que hacer es conocer qué es lo que el
pintor representa en cada tabla.
Una obra de gran minuciosidad en la que las figuras están perfectamente delimitadas
por la línea y en la que el color inunda la obra. El autor tiene especial interés por el
detalle y mezclará lo real con lo fantástico.
El tríptico cerrado muestra una grisalla con el tema del tercer día de la Creación (solo
formas vegetales y minerales). Arriba a la izquierda, aparece Dios Padre con triple
corona y un libro abierto. En la parte superior de las dos tablas, una inscripción latín
con letra gótica dorada perteneciente a los Salmos y que es la clave para identificar el
momento elegido: "Ipse dixit et facta sunt" (Él mismo lo dijo y todo fue hecho) en la
izquierda; a la derecha la inscripción dice "Ipse mandavit et creata sunt" (Él mismo lo
ordenó y todo fue creado).
El mundo que representa el Bosco, sigue las convenciones de la época: la tierra es
plana, con agua alrededor y con abundante vegetación, rodeada de una esfera, con
reflejos luminosos para dar la impresión de ser cristalina y traslúcida.
Pintada en una gama de grises tal y como corresponde a una grisalla.
El tríptico abierto contrasta, por sus colores brillantes con la grisalla. Con un intenso y
EL JARDÍN DE variado cromatismo en el que destacan los verdes, azules, rojos, etc.
LAS DELICIAS. Por su composición, la obra parece caótica, con multitud de figuras que parecen no
EL BOSCO obedecer a ningún orden. Sin embargo cada tabla se divide en tres niveles ordenados
en altura, que intenta mostrar también la perspectiva. Las tablas del Paraíso y el mundo
comparten claridad y las formas circulares de las lagunas, lo que no ocurre en el
infierno.
Cada tabla recogerá un tema.
En la tabla de la izquierda, se representa el Paraíso terrenal, aparece en primer plano
Dios, identificado con los rasgos de Cristo, en medio de Adán y Eva. En el plano medio
de esa tabla, aparece la fuente de los cuatro ríos del Paraíso, a la izquierda el drago- un
árbol procedente de Canarias que se asocia con el árbol de la vida-, y a la derecha el
árbol de la ciencia del bien y del mal, con la serpiente enrollada en el tronco.
En la tabla central aparece un gran número de figuras humanas, animales, plantas y
frutas. Los humanos desnudos, a excepción de la pareja del ángulo inferior derecho,
que se suele identificar con Adán y Eva tras la expulsión del Paraíso. Por lo general
aparecen en parejas de hombre y mujer. Los animales, reales o fantásticos, muestran
dimensiones muy superiores a las normales, al igual que plantas y frutas. En esta tabla
El Bosco representa al mundo entregado al pecado y los hombre y mujeres mantienen
relaciones, (algunas contra natura) con gran erotismo y sensualidad, aludiendo al
pecado de lujuria. En el plano medio de la tabla aparece un estanque lleno de mujeres
desnudas y fuera de él, un grupo de hombres giran a su alrededor montados sobre
distintas cabalgaduras, que representan los pecados capitales (lujuria, gula, avaricia,
pereza, ira, envidia y soberbia). En el plano superior de la tabla central, aparecen cinco
construcciones fantásticas sobre el agua, que se resquebraja, aludiendo a la fragilidad y
el carácter efímero del a delicias que gozan los seres humanos.
En la tabla derecha se representa el infierno, llamado también el infierno musical, por
la presencia de instrumentos musicales utilizados para tortura a los pecadores que

GÓTICO 9
dedican su tiempo a la música profana. Lo más destacado de este panel es el plano
medio, con la figura del hombre-árbol asociado con el demonio. En este Infierno
reciben su castigo todos los pecados capitales: el monstruo sentado en el primer plano
a la derecha de la tabla, devora hombres y los expulsa por el ano-avaros.- Alude a los
glotones el interior de la taberna del tronco del hombre-árbol, en el que los personajes
desnudos sentados a la mesa esperando que los demonios les sirvan sapos y otros
animales inmundos. A los envidiosos se les destina al suplicio del agua helada.
También se alude a los vicios como el juego; a alguna clase social, el clero, tan
desprestigiado en ese momento, que vemos en el cerdo con toca de monja que abraza
a un hombre desnudo.
Esta obra tiene un marcado carácter moralizador con un sentido pesimista, pues el
autor insiste en lo efímero de los placeres pecaminosos.
El pecado es el punto de unión de las tres tablas. El hombre desde su aparición en el
Paraíso, comete pecado, expulsado peca en este mundo y tiene su castigo final en el
Infierno.

GÓTICO 10