Análisis

Presenta una tonalidad menor y con una forma de rondó (ABAIBIA). La parte A
inicia la pieza con Lasciatemi morire, Lasciatemi morire !, seguida por la parte B, que
comienza con el texto E chi volete voi che mí conforte in primo dura sorte y acaba
con in cosi grande martire. Después, la parte AI vuelve a ser la del comienzo pero sin
el segundo Lasciatemi morire !. Entonces, la parte BI vuelve a tener la estructura de la
primera pero con más ornamentaciones debido al canon. Finalmente, la pieza termina
con la parte A, es decir, como al principio..
La textura del lamento es monodia y presenta un ritmo de 4/4, destacando los
elementos rítmicos de las blancas, las redondas, los silencios de negra, de blanca y
redonda a las partes A y AI y las corcheas y los silencios de corcheas a las partes B y
BI.
La melodía se inicia con la parte A y termina con la repetición de la parte A, como ya
se ha dicho con anterioridad, y tiene un ámbito en la escala de Fa entre Si y Do, con
una distancia de nueve notas, ya la escala de Sol entre Fa y Fa, con una distancia de
catorce notas. La interválica es de segunda, entre Do y Re, La y Si, Fa y Mi, Fa y Mi
en octava por encima a la anterior y Do y Si.
La dinámica de la pieza es homogénea, debido a sus repeticiones a las partes A y B,
con las únicas pequeñas variaciones a AI y BI. El tempo de la canción alterna del
adagio a las partes A y AI y el moderato a las partes B y BI.
Finalmente, como ya se ha dicho con anterioridad, este lamento de Ariadna tiene un
carácter dramático debido al sufrimiento que presenta la letra y melodía que siente el
personaje mitológico al ser abandonada por su amado Teseo
Este madrigal se basa en la primera parte de la aria -el único trecho remanente de la
ópera- un "Lamento" del personaje
las características armónicas del período, debería retornar a la sexta (sensible),
resolviendo la tensión, con las dos voces terminando entonces en sol. Pero el sol no es
la tónica. El paralelismo de contralto y soprano podría ocurrir como doble bordado
superior SI el bajo fuera un revés, pero, hechas sobre la nota allá del bajo, transforman
ese allí en disonancia, forzando su resolución descendente.
Comenzando por la parte "A" (ejemplo 2)
Si tomamos por base todas las reglas de escritura a voces de nuestras interminables
clases de contrapunto y armonía, podremos ver cuántos "errores" cometió Monteverdi
en un trecho tan corto:
Al principio, el intervalo de sexta mayor (!) Entre contralto y bajo (una consonancia
imperfecta). En esta época, el # sólo aparecería como sensible de tonalidades
-utilizado primordialmente en cadencias- o como picardías en acordes finales. El
Intervalo camina hacia una disonancia (7ª) y, por las
A continuación, las entradas sucesivas de los tenores en notas disonantes del acorde
sostenido por SAB (la nota recta contra el acorde de allí mayor, comp. 3 y 4); el doble
cromatismo en las voces de soprano y tenor (comp. 5), salto a la disonancia (7ª, en el
tenor II, comp. 5), intervalos de sexto descendientes seguidos de grado conjunto
también descendente (!) en la contralto (sexta mayor) y soprano (sexta menor) en el
comp. 6, con la soprano saltando a una disonancia formando
una séptima con el bajo.
Por la colocación rítmica de la nota sol del bajo (sincope), él debía continuar su paso
melódico por grado conjunto descendente, hasta su resolución, en el compás 2
(ejemplo 3).
Pero es, nuevamente transformado en consonancia, en una situación donde ninguna de
las tres voces cambia de nota en el tiempo fuerte del segundo compás (!). En seguida,
la voz de la soprano salta por 4ª descendiente a otra disonancia (!), Yendo a una nota
más grave que la voz de la contralto sostenía (!).
La parte 'A' revela la construcción de una enorme tensión. Después de una corta, pero
contenida y dolorida pronunciación del verso inicial, con las tres voces que entonan el
morire distantes apenas una tercera entre sí, Monteverdi inicia la repetición insistente
de ese texto, tal cual un grito de dolor que se eleva en las 5 entradas consecutivas de
(3), para, en un movimiento descendente, donde (comp. 7), más que entonar en
intervalos melódicos prohibidos (séptimos), las tres voces superiores (soprano, alto y
tenor) cambian súbitamente de registro, palabra morire, encerrar su expresión de dolor,
como si no tuvieran más fuerza para sostener sus voces.

La parte B 'presenta el cuestionamiento del personaje

Observe en los saltos para disonancias entre las voces de Tenor I y Bajo en las
palabras vole y "dura"; la falsa relación (fa # - fa natural) en el che mi conforte, crea
una enorme inestabilidad armónica. (ejemplo 4)
Ejemplo 4
Esta nueva tensión es nuevamente interrumpida por el grito de dolor lasciatemi morire.
En la segunda aparición del B, todo el tramo se repite, ahora una quinta arriba y con
las 5 voces, ampliando la densidad dramática de la música en sus diversos parámetros.
Es fácil percibir que lo importante para Monteverdi -como él mismo ya afirmó en el
prefacio de su V. libro de madrigales, al contraponer la Prima y la Seconda Practica-
es la representación de la emoción del texto.