ARTE LATINOAMERICANO

MÓDULO 2: ARTE COLONIAL A PARTIR

DE COLOMBIA
Palabras Clave:

Cultura – Evolución – Raíces – Identidad – Dramatismo – Simbiosis – Influencia – Movimientos

artísticos – Arte – Modernidad – Bachué – Corrientes universales – Academia.

Objetivo General:

Identificar las características del arte que se generó durante la época de la Colonización, a partir de
Colombia.

Introducción General:

El arte mestizo se dio entre los años 1500 a 1550 (época del Renacimiento), generándose un choque
cultural, ya que el arte del siglo XX se formó por las diversas corrientes que surgieron, denominadas
istmos, y cuyas características no se manifestaron de manera cronológica y lineal, sino que -en
ocasiones-, se interrelacionaron y confundieron en el tiempo.
Primeras manifestaciones
También llamado arte mestizo, se dio entre los años 1500 a
1550 (época del Renacimiento), generándose un choque
cultural, entre otras razones, por el tipo de personas de
niveles culturales y educativos limitados, incluyendo a
Cristóbal Colón, que vinieron a América por las
investigaciones de Toscanelli sobre Japón, para encontrar
una nueva ruta de llegada.
Los primeros colonizadores arribaron por azar y su
desarrollo como sociedad les permitía investigar otros
lugares, a los que podían entrar con una poderosa arma
como era el Cristianismo, en ese momento, con el papa
español Borgia.
Cuando aparecieron los españoles en América, los pueblos
se encontraban en la etapa neolítica y, en Colombia, se daba
la segunda etapa prehistórica. Se originó entonces un
choque de culturas que dio como resultado la
`aculturación`, es decir, el proceso por el cual el contacto
entre sociedades diferentes genera un cambio cultural, un
rompimiento que -posteriormente- se transculturizó, es
decir, se produjo una simbiosis o interdependencia de las
dos culturas.
Colombia tenía como lenguas principales el quechua,
aimará y el guaraní, dialectos monosilábicos, pero -en la
mezcla de culturas- se impuso el español, por su riqueza
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gramatical para la expresión y el tratamiento de los géneros
literarios.
Otra donación de los colonizadores fue el Cristianismo,
doctrina que cambió todo el comportamiento social y sus
normas morales, aspecto poderoso y fuerte en el dominio
del nuevo continente. Fray Bartolomé de las Casas luchó
por los derechos de los indios y consiguió su protección
para ser tratados dignamente.
La violencia interior que provocó la dominación e
imposición de reglas por parte de los españoles, desató un
contexto social de oscuros horizontes.
Los españoles venían por lo que hoy es Colombia, de paso
hacia el sur, y sólo hasta el siglo XVIII se estableció un
virreinato.
Además de la religión y el idioma, los misioneros de la
España conquistadora, empezaron a trasladar cantidades
de imágenes escultóricas y pictóricas desde el continente
europeo, siendo éstos sus mejores instrumentos de
catequesis. No eran fundamentalmente obras de arte, pero -
en todo caso- fueron eficaces en su misión; además de ser
las iniciadoras y base del arte occidental del nuevo
continente. Eran épocas del alto Renacimiento durante las
cuales se traían copias, especialmente grabados, de las
imágenes religiosas, anotando que no estaban
acompañadas por artistas reconocidos.
 Se produce entonces la influencia, pero es constante la ausencia de un tema
influencia del claroscuro definido. Estas pinturas murales se encuentran en Tunja.
(arte de disponer en una
La iconografía religiosa arribó con imágenes no solamente
pintura el contraste de luces y
de mármol sino de madera. Ejemplo de ello es la “Virgen de
sombras), con obras como las
la Conquista”, hoy en Bogotá, de taller sevillano; traída por
del italiano Sassoferrato y la
Gonzalo Jiménez de Quesada como "iconografía de bulto".
Escuela Veneciana.
Otra imagen andaluza que se tomó como modelo de arte, es
En el siglo XVII llegan la “Virgen del Rosario”, la cual permanece en Popayán; lo
imágenes de mejor categoría mismo que un descendimiento hecho por Vázquez: “el
como “la Sagrada Familia” de Viejo” en la ciudad de Tunja.
Murillo, traída por su hijo
(2006). Virgen en oración [imagen]. El primer nombre conocido
Recuperado de http:// commons.wikimedia.
quien fue corregidor de
de pintor en Colombia es el
org/wiki/File:Sassoferrato_-_Jungfrun_i_ Ubaqué, Cundinamarca.
b%C3%B6n.jpg de Alonso de Narváez,
Entran también las pinturas de Zurbarán, de gran influencia aficionado que realizó la
en América por su temática religiosa a través de “Virgen de Chiquinquirá”
representaciones de la vida monástica en la época del hacia el año 1555, dando
barroco. Su estilo es tenebrista por los contrastes que hace sentido de pertenencia a los
de luces y sombras. De la escuela de Rubens se tiene “La indígenas, por ser una obra
Crucifixión”, obra que permanece en la iglesia de Las Aguas salida de la entraña popular.
en Bogotá. Este tipo de arte es el inspirador en el ámbito
Viene también el trabajo de
americano del siglo XVII.
Don Angelino Medoro, Bayona, R. (2012). Virgen de Chiquinquirá [fotografía].
Los grabados de Lavallé fueron otras fuentes de apoyo y encargado de la decoración Recuperado de http://www.preguntasantoral.es
/2012/07/virgen-de-chiquinquira/virgen_chiquinquira/
copia, pues pintores como él y muchos otros, emigraron por de la catedral de Tunja, con
distintas razones a España. La Casa del Bachiller de Rojas y tendencia académica de la Escuela Veneciana y formación
Juan de Vargas tiene decoraciones ingenuas de esta europea, de cierto conocimiento general.

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 Las influencias en el campo iconográfico cristiano y su significado, razón por la cual la educación pictórica
religioso se dieron con las órdenes de los franciscanos, mostraba pobreza y falta de naturalidad.
dominicos y más adelante con los jesuitas. En sus manos
llegó el alto Renacimiento con las escuelas de Venecia como Influencias de carácter arquitectónico
la de Tiziano, y el manierismo propio del siglo XVI.
No se habla de grandes construcciones pues entre otros
Con los claroscuristas se construye el arte colombiano motivos a estas tierras no arribaron grandes arquitectos; el
como se aprecia en los casos de Alonso Fernández de trabajo lo realizaban los indígenas y de forma elemental. La
Heredia, Antonio Acero de la Cruz y Alonso de Narváez. No labor de calidad se dio al interior por la buena orfebrería
tienen formación académica importante, siendo pintores que se practicaba. Se presentan elementos sueltos y simples
aficionados de trabajos religiosos. de construcción mínima como las "capillas posas" (Boyacá),
llamadas así por estar destinadas a “posar” el Santísimo
La única pintura no religiosa es la decoración de las casas Sacramento en las procesiones religiosas; se construyeron a
de los notables de Tunja Alonso Suárez Rendón y el manera de templos en miniatura, en las esquinas de la
escribano (persona plaza. Por no haber grandes iglesias los indígenas se
que por oficio público quedaban afuera, pero participaban de las procesiones y lo
está autorizada para que tuviera que ver con su conversión al cristianismo. La
dar fe de las escrituras procesión se hacía alrededor de la plaza y, en cada esquina
y demás actos que en las “capillas posas”, se colocaba la imagen religiosa.
pasan ante él) Juan de
Vargas. El decorador Se producen efectos como el eclecticismo (selección de
indígena era anónimo, muchos estilos para formar el propio), del cual se logran
copiando en forma obtener de la Edad Media "Los Arcos Torales" en forma de
indiscriminada, ojivas de medio punto, que servían como elementos
Techo de la casa del escribano Juna de Vargas mezclando toda clase decorativos, no estructurales, de gran belleza y
[fotografía]. (S.F). Recuperado de http://tunjacultura.
de dibujos que venían policromados (pintura de varios colores).
com/verSitio.php?idSitio=75
de Europa sin conocer

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Capilla del Rosario en Tunja [fotografía]. (S.F).
Recuperado de https://artecolonial.wordpress.
com/tag/ensamblador/
Aparece la decoración
mudéjar (arte de los moros
en tierras cristianas – arte
mozárabe – arte moro
cristiano), cuyo estilo se
observa en el artesonado,
con tirantes de madera o
vigas decorativas,
geometría y policromía. La
utilización de ladrillos
vitrificados en calado,
forman parte también de la
decoración mudéjar.
Respecto a los techos, se
utilizó la estructura de par
y nudillo, sumándole los
tirantes en el mismo estilo.
numerosas de indígenas, de donde se desprendieron los
centros doctrineros, las encomiendas y encomenderos, es
decir, personas de la sociedad civil que obtuvieron
derechos sobre la tierra y los indígenas.
El siglo XVII se muestra diferente dado su proceso de
mestizaje étnico y artístico de lo que se desprende el
barroco, el arte de la contrarreforma católica, es decir,
contra los protestantes. Esta lucha -que comenzó en
Europa- se trasladó a América, pero de ella se obtuvo la
magnificencia del arte barroco que -al mezclarlo con el arte
colonial- genera una serie de elementos exuberantes unidos
a la capacidad decorativa de las formas de la orfebrería
prehispánica del indígena, de la cual surgió el “pan de oro”,
base de arcilla recubierta en lámina de oro. Se introducen
también, brotados por la mezcla, elementos marinos y
vegetales, lo mismo que el geometrismo y el dinamismo en
los diseños.

A finales del siglo XVI se introduce la bóveda en pequeña
escala, situándola en las alas de las iglesias o en los
corredores de los claustros. Se emplea un patio central y -a
su alrededor- la construcción como lo plantea la concepción
andaluza, utilizándolo en cualquier región del país sin tener
en cuenta la condición climática y el conocimiento
arquitectónico de los albañiles.
Otra situación destacable fue el interés de las órdenes
religiosas para mantener el control sobre las poblaciones
Acontecimientos europeos en el arte de la
colonia
El barroco de la contrarreforma católica surgió, como ya se
anotó, del movimiento en contra del protestantismo
liderado por el concilio de Trento, con elementos
propagandísticos para justificación del catolicismo sobre el
protestantismo. Sus expresiones fundamentales en Europa
fueron:

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  El barroco religioso elementos indígenas con los del arte barroco europeo, da
como resultado una rica muestra artística. Se toman de los
 El barroco romano europeos motivos de la flora y la fauna como el Haricot, del
 El barroco del concilio de Trento francés habichuela, constituyendo uno de los detalles más
utilizados en lo referente a talla en madera, como se
 El barroco de San Pedro en Roma (poder de la iglesia observa en el ejemplo más conocido: el estilo Luis XV,
y proceso de publicidad del catolicismo) exhibido en casi todas las
propuestas, dando como
De otra parte se presentaba el barroco cortesano, el cual no resultado el arte barroco
mostraba ninguna similitud con el religioso; el arte de la rococó.
corte francesa y otras cortes europeas, basado en la
fastuosidad y el poder de los monarcas europeos. Cabe Las voces francesas coquille
anotar que este arte `barroco cortesano` no es (concha) y rocaille (rocalla),
precisamente el que llega tierras americanas, sino el son una especie de guijarro
religioso. irregular desprendido de
las rocas al ser golpeado
La arquitectura fue simplista hasta muy entrado el siglo por las olas que, junto con
XVIII, pues los constructores fueron como maestros de los pequeños trozos de
obra, sin ninguna academia o especialidad. concha marina arrojados a
El arte barroco se refleja en la talla en madera destinado a las playas, parece que
cubrir y ornamentar el interior de las iglesias, a modo de fueros utilizados
compensación de las fallas o poca inspiración frecuentemente para cubrir
arquitectónica. Se dan esculturas también en madera con senderos en los jardines Gil, F. (1986). La ornamentación barroca. Historia del Arte
influencia manierista, lo mismo que canceles (segunda franceses, y esos mismos Colombiano, volumen IV. (961-976).Salvat Editores
Colombiana S.A.
puerta a la entrada de las iglesias, las cuales contenían una elementos sirvieron de
puerta pequeña), para acceder a las iglesias. La talla en inspiración a los decoradores, de los cuales se tomaría
madera fue el principal ejemplar de arte barroco en la ejemplo para aplicarlo a los diseños del arte colonial.
época colonial; la mezcla de la brillantez creativa de los

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La palabra rococó es pues, una mezcla de: coquille y influencia de las escuelas del sur como la de Quito y la de
rocaille. Se integran flores de acanto de Grecia, con flores de Perú. Los mejores orfebres fueron inspirados por estas
la zona y con frutas como la piña, con las cuales se decoran - escuelas.
en ocasiones- cariátides (escultura, por lo general en forma
La escultura en madera siguió también este proceso, dentro
de figura femenina, que se utiliza a modo de soporte o
del cual no se trabajó ni el bronce, ni el mármol, siendo un
columna), con piñas en la cabeza. El púlpito de la iglesia de
arte eminentemente religioso con
San Francisco en Popayán contiene una simbiosis de
imágenes de bulto de las cuales vemos
elementos que le dan un significado especial. El indígena en
las quiteñas, como las de Ibarra, donde
vez de imitar componentes europeos, los introduce en el
se siguen las mismas técnicas por
arte, combinados con animales mitológicos como cabezas
tradición. Las imágenes de estas
de faunos, mascarones, aves y otros elementos autóctonos.
escuelas vienen de los talleres de
Existen las columnas falsas en la mitad de los tres cuerpos, Caspicara (nombre indígena de
en los cuales se divide el altar en las iglesias, teniendo una escultor quiteño Manuel Chili), quien se
función básicamente ornamental, con estilo grecolatino y especializó en los cristos
mezclado con las columnas propias del barroco, como las caracterizados por un enorme
salomónicas. dramatismo en las imágenes, para
proyectar un estado de conmoción o
El barroco se caracteriza por su dinamismo y movilidad.
misticismo y manierismo, con la
Las cosas se ven en movimiento, en proliferación y
intención de manipular el inconsciente
abundancia, de ahí su nombre. Un punto interesante en el
colectivo de los indígenas o nuevos
barroco criollo es el dorado, con el pan de oro, que consiste
cristianos.
en realizar la talla del altar ensamblando sus piezas y
entrando en el proceso de pulido y taponado de los poros Las esculturas de Pedro Laboria se
Laboria, P. (S.F). Santa Barbara
de la madera, utilizando para ello lija y cola, además de una reconocían por una cierta gracia, [fotografía]. Recuperado de
capa fina de arcilla que sirve de base a la laminilla de oro de representada en algunos rasgos http://www.banrepcultural.org/bla
avirtual/habeas-corpus/txt01-
20 quilates, lámina delgada que se pega a la arcilla húmeda. melodramáticos y manieristas o cursis, 004.html
En este tema los indígenas eran versados por lo cual se les como el caso de los niños dioses con expresiones en los
encomendaba la realización de las tallas en madera, con rostros y vestimentas que reflejan el contexto de la época.

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 El más importante de este período fue Francisco de español Francisco de Zurbarán, la de Murillo, de Rubens, de
Legarda, creador de las vírgenes bailadoras paradas en una Españoleto y todo lo de la escuela tenebrista religiosa. La
media luna. La patrona de Quito escuela de los Figueroa, en el siglo XVII, se inició con el
es una virgen bailadora. primer Figueroa que vino de España, y no siendo un gran
artista, contaba con alguna formación pictórica. Sirvió como
La iconografía de la Nueva
maestro a sus descendientes, formando tres generaciones
Granada es importada por el sur,
de Figueroa que llegaron
siendo especialmente
hasta la época de
significativa la técnica del
Bolívar. Casi todos tenían
encarnado, consistente en tomar
los mismos nombres de
la madera tallada y generarle la
los reyes magos. Algunas
piel y las vestimentas utilizando
de sus obras están
el dorado, es decir, darle
firmadas y, aunque otras
apariencia de piel, casi como se
carecen de firma, se les
hace con el pan de oro. Esto se
asignan a sus talleres.
(2011). Virgen bailadora [fotografía]. aplicaba a las manos, pies,
Recuperado de http://artecolonial.
wordpress.com/tag/san-francisco/ rostros y brazos. De la escuela de los
Figueroa nace el pintor
Se comienza a utilizar el vidrio para representar los ojos
más importante de la
que, hasta el momento, formaban parte del mismo material
Nueva Granada en la Gil, F. (1986). Gregorio Vásquez y su Obra. Historia del Arte
de la talla de las esculturas. Como pretendían inspirar
época colonial: Gregorio Colombiano, volumen III. (837-856). Salvat Editores Colombiana
fervor religioso no se preocupaban de la belleza, pero S.A.
Vásquez y Ceballos,
utilizaron -para impresionar- joyas de plata y oro para lucir
artista sobredimensionado por vivir en una época de
en los días de semana santa, las cuales guardaban en
mucha pobreza plástica y al cual, había que reconocerle un
lugares especiales y eran donadas por familias de Popayán
talento natural pero poca formación académica. Fue un
y Mompox, tradición española de las escuelas sevillanas.
excelente dibujante, aunque es de anotar que sus cuadros
La Nueva Granada no tuvo grandes escuelas; las más tienen fallas en los escorzos. Le faltaba autenticidad en la
importantes llegaron de Europa con pintores como la del creatividad y, al copiar las láminas traídas, presentaba

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carencias de espacios reales, plasmando ruinas de ciudades tenebrismo, no existiendo en tierras colombianas de la
europeas que el pintor no había presenciado nunca. No se le época, una escuela significativa; sólo se contaba con el taller
ocurrió pintar lugares como la Sabana de Bogotá con su de los Figueroa.
profusión de imágenes; era un ensamblador y pintaba para
Entre los siglos XVIII y XIX aparecieron nuevos elementos
las órdenes religiosas de los franciscanos y
con la influencia del barroco, cuyo ejemplo es el jesuítico
dominicos. Vásquez tenía una manera curiosa de llevar el
(movimiento europeo del concilio de Trento), con la
arte, pintando en hojas pequeñas que hoy se llaman
construcción de la iglesia del padre Vignola, Il Gesu. A partir
“almorzaderos”, pues los vendía para sobrevivir. En alguna
de aquí, comienzan a llegar
época se dedicó por completo a esta actividad, ya que
arquitectos más académicos,
perdió la protección de las órdenes religiosas por estar
proporcionando construcción de
involucrado en el rapto de una monja de un convento,
iglesias de mayor ambición, con
sirviendo de campanero a un oidor que la raptó. Lo
cúpulas del estilo barroco,
enjuiciaron y lo metieron en la cárcel viéndose obligado a
renunciando al sistema de par y
sobrevivir con los mencionados "almorzaderos", obras que
nudillo. Este tipo de iglesias se
hoy son de gran valor. Sus trabajos son típicos de la época,
dio en Popayán (jesuita), Tunja y
con influencia del tenebrismo y el barroco, inspirado en
Cartagena. En la decoración se
santas, milagros, el antiguo y nuevo testamento. Solamente
mezcla la habilidad indígena, con
existe una obra de orientación diferente: “Las cuatro
el tratamiento del oro y objetos
estaciones”, basada en el tema de la naturaleza, se
de la decoración francesa.
conservan únicamente dos de ellas. La obra de Ceballos es
la más importante de su época en Colombia, aunque no de A finales del siglo XVIII con el
América. rococó (decadencia del barroco),
permanecen algunos elementos
Arte Rococó, Neoclásico e Independencia
religiosos, pero se inicia también Virrey Solís [imagen]. (S.F). recuperado de
En la primera etapa, antes analizada, el arte era la aparición de otros no http://misteriosrosaristas.blogspot.com/2012/05/j
oaquin-gutierrez-el-pintor-de-los.html
eminentemente religioso en cuanto a la arquitectura, religiosos, como los destinados a
construcción de iglesias y en la pintura, con la influencia del la decoración de muebles de los virreyes de la Nueva
Granada, en 1750. Antes del virreinato, lo que regía era la

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Real Audiencia. Cuando aparece el virreinato, viene la
decoración secular o no religiosa y, con ella, el retrato de las
clases dominantes, para representar en ellos la nobleza y el
poder. Como testimonio de estos retratos se encuentra el
del virrey Solís, el de los marqueses de San Jorge, cuyo
responsable o autor fue Joaquín Gutiérrez; obra simple,
planimétrica que resalta únicamente la dignidad y el poder
del personaje, haciendo énfasis en las ropas, cortinas,
escudos, etc. En general se trabajaban retratos ostentosos y
de poco valor artístico.
El período de la independencia se inicia en 1810 (es decir
que el virreinato solo se prolongó por espacio de 60 años),
y no precisamente por el levantamiento de los colombianos
ante el rey de España, sino ante Napoleón, el 20 de julio de
1810, siendo un acontecimiento simple, al igual que la
batalla de Boyacá, ocurrida por hechos totalmente
elementales.
La verdadera independencia se produce con la influencia de
las ideas francesas consignadas en los Derechos del
Hombre, nacidas de la Revolución Francesa (1789). Antonio
Nariño, quien hablaba francés, tradujo estos derechos,
razón por la cual fue considerado un revolucionario,
determinando el verdadero punto de partida de la
independencia colombiana.
Como se puede observar, Francia ha sido un pueblo de gran
influencia ideológica y artística.
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Se inicia el proceso de independencia con una guerra larga
y casi infantil, con líderes que pretendían mandar, en lugar
de plantear una democracia. La pintura retrató estos
personajes con la exaltación del poder, la jerarquía social y
su importancia, a través de elementos decorativos como
charreteras, joyas, etc. Los virreyes fueron sustituidos por
los héroes. Estos personajes fueron
pintados por Pedro Figuero, Nieves
Martínez y José María Espinosa. El
pintor oficial de Simón Bolívar fue
Espinosa y sus retratos se
mandaban a París, con el objetivo de
ser retocados para evitar rasgos
negroides o amulatados.
Si en lo social no se logró
independencia, en lo concerniente al
arte si ocurrió. Aparecieron temas
como los de la naturaleza en la
Expedición Botánica, liderada por el
español José Celestino Mutis y un
grupo de científicos y dibujantes Passiflora [imagen]. (S.F). recuperado de
como Salvador Rizo Blanco y http://www.smith.edu/vistas/vistas_web/espa
nol/gallery/detail/botanical-exp_det.htm
Francisco Javier Matís. Gracias a
esta expedición y a los indígenas, se conocieron en Europa
sustancias médicas como la Quina, de donde se saca la
droga para la malaria, y la Passiflora, utilizada en los
tratamientos del sistema nervioso, siendo a su vez, una
planta de gran belleza.
La fauna y la flora se integran al arte desde ese momento, lo
que da lugar a un cambio en el panorama, surgiendo un
interés por Colombia, sus paisajes y costumbres, por lo que
se crea la comisión de la Expedición Botánica. Su objetivo
fue la reconstrucción de las etnias, costumbres y paisajes
colombianos, entre otros aspectos, plasmados en pequeñas
acuarelas y lápices, desligando por primera vez el aspecto
religioso y observando situaciones de la vida cotidiana. Los
dibujantes de esta etapa fueron José María Paz y Carmelo
Fernández, ilustradores de la Comisión Topográfica.
Torres, R. (1860). El carnicero de Bogotá [imagen]. Recuperado de
http://commons.wikimedia.org/wiki/File:Carnicero_de_Bogot%C3%A1.jpg
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Por primera vez el protagonista de la pintura es el hombre
del común, el campesino pintado por Don Ramón Torres
Méndez, en escenas de ese ambiente, con sus vivencias y su
comportamiento.
El siglo XX abre las puertas a una mirada retrospectiva del
país y sus habitantes, a los paisajes locales y a su realidad.
Arquitectura militar
La arquitectura urbana en la ciudad de Cartagena no es del
tipo religioso, es un arte de ingeniería militar. Cartagena es
denominada patrimonio de la humanidad, precisamente
por su arquitectura.
Entre las ciudades que pertenecen al tipo de arte colonial se
encuentran:
 TUNJA
 POPAYÁN
 CARTAGENA
 MOMPOX (perdida en el tiempo)
Una ciudad colonial es una cuadrícula con una plaza central,
y a su alrededor, como en un tablero de ajedrez, se
construyen las diferentes manzanas y calles. Así es el
esquema en este tipo de ciudades, siempre cuadrado o
rectangular.
En Cartagena, por representar una entrada al continente Encontrándose España en un momento cultural tan
suramericano, le construyeron murallas en dos de sus importante, era increíble que lo único grande o relevante
entradas: Bocagrande y Bocachica; la segunda -destinada a que logró en tierras americanas fuera lo concerniente a la
bloquear el acceso de los barcos-, contaba con dos fuertes arquitectura militar, en razón de la defensa por el poder
de fuego encontrado que la protegían de las tomas de los económico y su hegemonía sobre las otras potencias
corsarios, y de la lucha de los españoles e ingleses por la europeas, de lo que se deriva el nombre San Felipe. Aunque
hegemonía del mar Caribe. intervinieron muchas personas en su construcción, el más
importante fue Juan Bautista, quien trabajó allí, y en el de
Cartagena era rica e importante para esos países que
San Fernando de Bocachica, Antonelli, así como en el fuerte
atravesaban dificultades y hambrunas, tornándose
de Pastelillo, destino que hoy lo visitan los presidentes de
entonces en un pueblo apetecido por los navegantes, razón
Colombia en periodos de vacaciones; , es la casa de
por la que -además de los fuertes de Bocachica-, se
huéspedes de Cartagena.
construyó un monasterio en la parte más alta (La Popa), y
un castillo, el de San Felipe de Barajas, para divisar los Siglo XIX y XX en el arte colombiano
barcos. El castillo fue construido en honor a Felipe III y IV,
personaje que protegió a Velázquez. Las propuestas enunciadas
por las corrientes Europeas
denotan muy diversas
manifestaciones que dan
origen a la modernidad y
cuyo precursor es, según el
filósofo español Ortega y
Gasset, el conocido
Francisco de Goya. "A Goya
hay que contemplarlo
desde su dimensión
intemporal, desde la
Fuerte de San Fernando de Bocachica, Cartagena. Recuperado de
proyección colosal e incluso Vicente López Portaña [Retrato de Francisco
de Goya, por Vicente López Portaña].
http://alvaro-skipperblog.blogspot.com/2011/05/legado-espanol-destinos-
Recuperado de http://es.wikipedia.org
turisticosde.html
/wiki/Vicente_L%C3%B3pez_Porta%C3%B1a
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bíblica de profeta de la modernidad, en la acepción más
amplia del término”.
Las siguientes características fueron los esquemas
constructores del mundo artístico que dio testimonio de la
evolución expresada con objetos singulares de gran
importancia y cuyo conocimiento significa la comprensión
de la íntima espiritualidad, de la expresión del ser humano.
 El uso fauvista del color con intención lírica y
subjetiva
 El sentimiento
 El impacto emocional
 La sátira del expresionismo
Todo esto combinado con la búsqueda de supuestos
dogmáticos que justificaran la abolición de la figura en una
abstracción geométrica, y la liberación del inconsciente, a
través de propuestas nihilistas.
Alrededor de 1960 la preferencia por el objeto real, indicó
que las ideas no siempre se expresan a través de formas
físicas, sino, que tales objetos pueden concebirse bajo
condiciones interpretativas, dependientes del observador,
surgiendo entonces el camino de lo conceptual originado
por Marcel Duchamp.
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El final del siglo XIX y los comienzos del siglo XX están
caracterizados por sucesos como la guerra de los Mil Días
(1899-1902) -acontecida como resultado del recogimiento
del Partido Liberal-, la censura de prensa y el despotismo
de los gobernantes conservadores. La guerra se desarrolló,
en un principio, con amplios enfrentamientos, virando
posteriormente a un sistema de guerrillas. En 1903
Colombia enfrentó la separación de Panamá. El apoyo del
presidente Roosvelt a Panamá, culminó con el Tratado de
Paz firmado a bordo del buque Wisconsin.
En 1886 se funda -en Bogotá- la Academia de Bellas Artes,
cuyo primer director fue Alberto Urdaneta y en la cual se
celebró la primera exposición de pintura, escultura,
arquitectura y grabado que, con criterio selectivo, tuvo
efecto en el país.
La expresión estética del ámbito colombiano siempre
estuvo a la zaga en los siglos anteriores, respecto a Europa,
tal como ocurre en la actualidad; pero es de aclarar que el
trabajo pictórico y escultórico se transforma, pasando de
improvisación de autodidactas, en trabajo resultante de
individuos formados en academias francesas de finales del
siglo XVIII y principios del siglo XIX.
El arte colombiano de la segunda parte del siglo XIX tiene,
hasta cierto punto, una serie de características que
coinciden con las del arte latinoamericano del mismo
período, las cuales se prolongan hasta entrado el siglo XX, Cuatro figuras en el panorama de la pintura se destacan a
presentando características tales como: finales del siglo XIX: PANTALEÓN MENDOZA, EPIFANIO
GARAY, RICARDO ACEVEDO BERNAL y FRANCISCO
 Predominio del arte figurativo, clásico y académico ANTONIO CANO.
 Desinterés por el arte europeo de vanguardia
Retratistas Colombianos
 Complacencia con la situación social imperante
Pantaleón Mendoza:
A fines del siglo XIX, en Colombia se pretendió pintar de
Pintor académico nacido
manera sumisa acomodándose a una sociedad solemne,
en 1855 en Bogotá y
vanidosa y engreída en sus estamentos superiores, que
muerto en Sibaté después
continuaba viviendo etapas ya superadas por el mundo. No
de varios años de locura
hubo un artista que pronosticara el surgir de una época
en 1910. Su producción
diferente. Los temas generalmente fueron el retrato, el
no es muy abundante
paisaje, la narración familiar y los asuntos históricos y
debido a su enfermedad,
religiosos. Al abandono oficial por argumentos culturales se
pero se distingue su labor
sumó la inestabilidad económica, por lo que resulta
por el vigor y acabado. Su
imposible establecer comparaciones con el arte europeo de
obra “El grito”, fue
la misma época. Sin embargo, el arte colombiano se apoyó
trabajado en el
en enseñanzas académicas y buscó, a través de algunos
manicomio y es un
artistas nacidos a comienzos del siglo XX, una expresión Pantaleón Mendoza [El retrato de Catalina de ejemplo de la técnica y
autóctona, estableciendo la gran diferencia. Mendoza, Pantaleón Mendoza]. Recuperado de
http://www.colarte.com/colarte/conspintores. capacidad descriptiva de

Después de superar el Impresionismo, la nueva etapa la asp?idartista=473 Mendoza. El retrato de

constituyen Cezanne, Gauguín, Tolouse Lautrec y Van Gogh,
representando las figuras del arte universal y una de las
corrientes más innovadoras como ha sido el Expresionismo.
“Catalina de Mendoza” es uno de los más bellos cuadros
académicos de la pintura colombiana. Su formación en
Europa está más relacionada con España que con París. Los
contrastes lumínicos y la sobriedad en el color de sus
composiciones indican tal influencia. Su obra recibió el

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 primer premio de la exposición de 1886 siendo muy constituyendo el primer desnudo de la pintura colombiana,
comentada por la crítica del momento. distinguiéndose por la perfección del dibujo y la discreción
de su colorido.
Epifanio Garay:
Garay ejecutó también algunas obras de carácter
Académico nacido en Bogotá en 1849 y muerto en 1903. Es
religioso. Su capacidad y estilo han generado
el representante más destacado de la sensibilidad y cultura
contradicciones de críticos e historiadores, algunos lo han
bogotanas, con
exaltado como uno de los grandes valores de finales del
retratos de
siglo XIX y otros, como la extinta crítica de arte Marta
personajes muy
Traba, lo han tachado de artificioso y falto de imaginación;
arreglados que
hay quien -en un punto intermedio- lo ha calificado de
posaban para él
pintor competente en su oficio.
y que el artista
observaba con Ricardo Acevedo Bernal:
detenimiento
Nacido en Bogotá en 1883,
para captar
estudió en Nueva York y a
hasta el más
su regreso fue nombrado
Pintores Colombianos: Epifanio Garay [La mujer del levita Efraín, mínimo detalle,
Epifanio Garay]. Recuperado de http://www.pintores director de la Academia de
latinoamericanos.com/2012/07/pintores-colombianos-epifanio- de lo cual, se
Bellas Artes y organizador
garay.html desprende su
del primer museo.
habilidad y su virtud. Los retratados de Garay son
personajes reales que denotan su excelente verismo. Tal como ocurre con Garay,
la situación histórica de
Colombia, en la época de este pintor, vive momentos
Colombia no afecta para
políticos críticos, tales como la Guerra de los Mil Días y la
nada su pintura, en cambio
pérdida de Panamá, sin embargo, estos hechos no dejan
huella en la obra de Garay. En 1894 funda en Cartagena una El barrio de la Candelaria: entre la ciudad y la
academia de pintura. Además del retrato, cultivó la Historia aldea [La niña de la columna, Ricardo
Acevedo]. Recuperado de http://www.
mítica, cuya obra más famosa es “La mujer del levita Efraín” ciudadviva.gov.co/enero08/periodico/4/

15
se dedica a satisfacer los gustos de la burguesía bogotana. La lección de España fue menos vigorosa pero más directa,
pues se recibió en las mismas escuelas con distinguidos
Su obra es muy variada y revela un gran talento como
artistas españoles.
dibujante; los retratos de Blanca Tenorio y María Bernal,
son técnicamente perfectos pero resultan un poco El arte colombiano de finales del
superficiales en su caracterización psicológica, aunque es el siglo XIX y principios del XX
género en el cual se desempeña mejor, como el caso de la acusa indudablemente la
“Niña de la columna”, una espontánea creación de pequeño influencia del arte francés y
formato donde la vitalidad de la niña y el realismo español, pero a pesar de que los
académico expuesto en esta obra, no están exentos de artistas colombianos viajaron a
cierta aura poética. Francia y España, no recibieron
una lección directa de los artistas
En cuanto a su obra religiosa, se observa la profusión de
de la época, del impresionismo,
elementos con figuras en posiciones postizas y poco
del fauvismo, el expresionismo o
agradables.
el cubismo y, en cambio, se
Costumbristas colombianos sometieron obedientemente a las
enseñanzas académicas.
En el siglo XIX Francia se impone por la amplitud, la fuerza
En Colombia se habían ejecutado
expresiva y la grandeza de la personalidad de sus figuras. El
pinturas costumbristas a Andrés de Santamaría [Autorretrato, Andrés de
arte de finales del siglo XX: Ingres, Delacroix, Manet, Monet,
mediados del siglo XIX sin mayor Santamaría]. Recuperado de
Degas, Cézanne, Renoir, irradia luz en el universo; hacia http://ellapizrotodeellas.blogspot.com/p/andres-de-
resonancia, por la trivialidad de santamaria.html
Francia viajan los artistas colombianos y en las academias
los temas frente a los religiosos o
parisienses maduran y purifican. Garay, Acevedo Bernal y
históricos; pero al agrupar artistas bajo el nombre de
sobre todo Andrés de Santamaría, son los portadores del
costumbristas, no todos representan estilos
mensaje académico francés, cuya influencia va
homogéneos. Los tópicos son sencillos con referencia
desapareciendo a medida que avanza el tiempo.
a naturalezas muertas, campesinas y bodegones. En el caso
de Colombia aparece la flora típica de la región y se diluye
así, la presencia de elementos españoles o europeos.

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Los costumbristas colombianos más reconocidos son:
Miguel Díaz Vargas, Coriolano Leudo, Fidolo Alfonso
González Camargo, Eugenio Zerda, Francisco Antonio Cano,
Roberto Pizano y Margarita Holguín y Caro.
La pintura costumbrista colombiana fue completamente
académica, adolece de falta de sinceridad y sencillez
convirtiéndola en ilustraciones superficiales, que -sin
embargo- gozaron de mucha demanda en el país. Uno de los
más destacados costumbristas es Miguel Díaz Vargas de
tendencia Neocostumbrista, su formación pictórica se
realizó en España a través de una beca ganada en 1926. Allí
hizo varias exposiciones colectivas y, después de viajar a
Italia y Francia, fue director en Colombia de la Academia de
Bellas Artes durante tres periodos. Participó en varios
salones
Colombia, ganando
el primer premio
en 1944 con la obra
“Estudio
gris”. Su creación se
sustenta entre la
precisión de la
línea y el colorido
naturalista. Sus
mejores obras son
los “mercados”
Miguel Díaz Vargas [Escena de mercado, Miguel Díaz
donde representa
Vargas]. Recuperado de http://www.colarte
.com/colarte/conspintores.asp?idartista=493
personajes campesinos en posición discreta, sin
enfrentarlos al espectador y contrastados con frutas
tropicales y animales. De igual manera, se pueden citar
escenas cotidianas como el caso de su obra “El anciano”,
donde maneja con equilibrio el retrato y la anécdota.
(MEJÍA, de Millán Beatriz Amelia- “El Arte Colombiano en el
siglo XX”).
La Escultura a comienzos del siglo XX en
Colombia
De la misma manera que la pintura, la escultura colombiana
de finales del siglo XIX y principios del XX es académica. La
Escuela de Bellas Artes fundada como Instituto de Bellas
Artes en 1882, contó con una buena nómina de profesores,
en entre los cuales se encuentra el italiano César Sighinolfi, de
cuyas obras se tiene la escultura de Isabel la Católica y
Cristóbal Colón, con motivo de la celebración del cuarto
centenario del descubrimiento de América, además de
en estatuas que fueron modeladas en Bogotá y fundidas en
Roma, las cuales revelan el gusto neoclásico de Sighinolfi.
La figura más significativa de esta época fue Marco Tobón
Mejía (1876-1933), quien logró un trabajo original
sintetizando influencia europea especialmente francesa,
con algunas vanguardias tales como el Art Nouveau o el
Simbolismo. Este artista, junto con Roberto Henao Buriticá,
contrario a los artistas extranjeros que abandonaron la
tradición escultórica clásica, se dedicó a buscar en la
17
escultura de los Marco Tobón basa sus composiciones en el mundo vegetal,
pueblos primitivos las con predominio de la línea como eje decorativo,
formas originales de representando un mundo de fantasía y esoterismo. Así
la concepción plástica pues, el santarrosano -con su sinuosa línea expresiva-
y los estímulos más trabajó también el dibujo y la pintura, aunque en la
ocultos de la escultura se considera como la figura de este período.
expresión; los artistas
colombianos, Arquitectura de Principios de Siglo XX en
ignorando el arte Colombia
precolombino o las
A finales del siglo XIX se dejan ver viviendas sencillas,
tallas ingenuas de la
soleadas y limpias, tanto en la casa del campesino como en
época de la colonia,
la del adinerado señor; los edificios tienen forma de
estudiaron en París
escuadra.
(sede de los grandes
cambios de la [La rebeca]. Recuperado de http://es.wikipedia. Urbanísticamente las ciudades conservaban uniformidad en
escultura a comienzos org/wiki/La_Rebeca la altura de sus viviendas, lo que proporcionaba un aspecto
del siglo) el arte académico europeo, sin ninguna general homogéneo. Las fachadas se trataban con blanco de
preocupación por las nuevas manifestaciones plásticas. cal, las ventanas estaban protegidas con rejas.
Tobón Mejía y Henao Buriticá dejan en su patria las Arquitectónicamente hablando, las dos obras más
maravillas del arte precolombino y se dedican en Europa a importantes del siglo XIX en Colombia fueron el Capitolio
repetir las lecciones de la escultura Nacional y la catedral de Villanueva, en Medellín.
neoclásica. Posiblemente los colombianos de esa época
desconocían la grandeza del arte antiguo de su patria, Así mismo, en algunas regiones de Colombia, las
siendo simples epígonos (hombre que sigue las huellas de expresiones arquitectónicas se presentan heterogéneas y
otro, especialmente el que sigue una escuela o un estilo de graciosamente entremezcladas, como el caso del barrio de
una generación anterior) de la plástica europea tradicional. Manga en Cartagena donde aparecen las más diversas
influencias y superposiciones de estilos tradicionales y
locales.

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Con la iniciación del siglo XX, las ciudades de Colombia se
expanden y empiezan a crecer en extensión y número de
habitantes. Aparece el concepto de barrio residencial y se
aspira a que cada casa sea completamente
individualizada. Las quintas de los barrios de Chapinero en
Bogotá, y de Manga, en Cartagena, pretenden asimilarse a
las villas de la Costa Azul.
Capitolio Nacional [Capitolio Nacional de Colombia, palacio neoclásico en Bogotá].
Recuperado de http://www.skyscrapercity.com/showthread.php?t=1551657
Durante el siglo XIX los antioqueños se expandían fundando
ciudades en la región del antiguo Caldas, hoy dividida en los
departamentos de el mismo Caldas, Risaralda y Quindío,
con ciudades como Manizales, Pereira y Armenia
respectivamente.
19
La Vanguardia Postimpresionista en Colombia
Se acostumbra decir que Andrés de Santamaría fue un
pintor impresionista y el primer artista moderno que tuvo
Colombia en el presente siglo.
Gabriel Giraldo Jaramillo se expresa así: “El espíritu francés
que con tan crecido vigor penetró en todas las esferas del
arte hispanoamericano a fines del siglo XIX y principios del
XX, encuentra en la figura de don Andrés de Santamaría uno
de sus más destacados representantes; porque este
abogado ilustre que tan hondamente captó las corrientes
modernas de la pintura europea es el más universal de los
artistas colombianos. En sus telas no se advierte solamente
la influencia de una escuela determinada o de algún
maestro de sobresaliente personalidad, sino la huella
profunda de toda una época y de una nueva percepción del
arte”.
Andrés de Santamaría nacido en Bogotá en 1860, a los 2
años de edad viaja a Inglaterra y luego a Francia en 1882,
donde adquiere toda su formación artística. Regresa a
Colombia a la edad de 33 años sin nexo alguno con la capital
donde permaneció por espacio de 4 años. Posteriormente, y
después de 7 años de estadía en Europa, regresa a Colombia
en 1904 para exponer su producción y dirigir la Escuela de
Bellas Artes. Durante este período Santamaría sufre la
incomprensión de sus contemporáneos, sin embargo en la
academia marca -en forma definitiva- el desarrollo del
 del impresionismo y avanzaba, tajante y agresiva, la escuela
impresionista alemana. La pintura de Santamaría es una
síntesis de ambas tendencias, tal vez inconscientemente
realizada por un excepcional temperamento artístico, que
supera las convenciones ajenas y las propias cuando la
lujuriosa posesión de un tema lo empuja a un desorbitante
frenesí cromático”

Su primera obra
importante, “Las
lavanderas del Sena”,
le confiere un triunfo
como pintor, siendo
Arte Contemporáneo [Las lavanderas del Sena, Andrés de Santamaría]. Recuperado de aceptado en el salón
http://mueveteporcolombia.com/periodocontemporaneo.html#.Uc384Ttrh48 de artistas franceses
paisajismo; tendencia que dentro de un estilo europeo de 1887. Este cuadro
exalta valores propios de su país, de la naturaleza andina, de gran tamaño
de la vida campesina y de costumbres campestres. demuestra algunas
de las influencias
En sus lienzos, muy pocos entendían y menos aún recibidas, como la
apreciaban, desconocidos problemas pictóricos que nadie confusión en la Andrés de Santamaría [El té, Andrés de Santamaría]. Recuperado
de http://www.colarte.com/colarte/foto.asp?idfoto=168290
hasta ese momento había sospechado; era el perspectiva y
Impresionismo que -después de haber dado un vuelco a la exageraciones de figuras y primeros planos. Su obra “El té”,
pintura europea- llegaba por primera vez a Bogotá. de tema cotidiano, es tratada con gran soltura y colorida.
En 1960, la crítica de arte Marta Traba se refiere a él como En 1893 contrae matrimonio con Doña Amalia Bidwell de
“espléndido Santamaría” y comenta: “Lo mejor de la obra Hurtado y decide fijar su residencia en Bogotá. El paisaje de
(de este artista) se realiza en las dos primeras décadas del Colombia produce un fuerte impacto en el artista, quien lo
siglo, cuando finalizaban en Europa los temblores sensuales adopta y lo trabaja con las posibilidades aprendidas en la

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técnica impresionista, involucrando además, personajes entre 1906 y 1907 son principalmente retratos
típicos sin abolengo, elevándolos a categorías estéticas. femeninos. Representa las figuras dentro de ambientes
atmosféricos, donde no existen objetos, ni paredes, ni
Otro tema favorito de Santamaría son los caballos que, en
perspectiva, y las hace emerger por razón de la luz.
algunos casos, aparecen con jinete, pero en general los
muestra solos como parte del paisaje. Así pues, en corto La posición intensamente emotiva del Expresionismo
tiempo la sabana, los llanos orientales, los ríos de Colombia, alemán, también ejerce su influencia. Componentes como
reemplazaron los ambientes ficticios del retrato oscuridad, distorsión y color aparecen combinados.
bogotano. La academia entra en crisis y es el paisaje, la
Entre 1919 y 1926 realiza
tendencia que se impone en el
algunos temas religiosos y, en
medio.
1926, se despierta el interés
Santamaría regresa a Europa hacia su obra cuando Pedro
en 1901 y entra en contacto Nel Ospina le encarga un
con las obras de Matisse y de tríptico sobre la batalla de
los Fauces, de Van Gogh, de las Boyacá, pero su falta de estilo
teorías decorativistas de los académico y su tendencia a
Nabies, de Rouault y Seurat, considerar los héroes sin
marcando su producción ninguna elocuencia, provocan
artística desde ese momento. una reacción en contra de su
La pintura de Colombia [Batalla de Boyacá, Andrés de Santamaría]. Recuperado de obra, que fue removida del
Su trabajo se torna http://www.banrepcultural.org/blaavirtual/revistas/credencial/febrero2004/pintura.htm
Salón Elíptico del Capitolio
individualista; la exuberancia
Nacional y hoy se encuentra en el palacio de Nariño.
tropical del paisaje venezolano estimula la paleta del
artista, experimentando en una serie de obras, a través de Inicia una serie de bodegones y mujeres con flores y, en
la espátula en reemplazo del pincel. 1928, llega su punto máximo expresivo con empastes
semejantes a la corteza de los árboles y las figuras
Instalado en Bogotá, recurre a escenas íntimas de las cuales
visualmente indefinibles a corta distancia. Los desnudos y
su propia familia será protagonista. Los trabajos ejecutados

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rostros resplandecen por sí solos gracias al pigmento Jesús María Zamora:
lumínico-penumbroso, apareciendo distantes.
Nacido en Miraflores,
Bruselas, donde vivió los últimos años de su vida, le brindó Boyacá (1875-1949). Sus
como homenaje una retrospectiva en el museo Real de paisajes se caracterizan
Bellas Artes. por el interés lumínico y
por la recreación de
Muere en Bruselas en 1945 después de finalizar la II guerra
algunas escenas
Mundial.
históricas. En ellos hay
Paisajismo en Colombia un gran afán narrativo
que va desde los
Fue Andrés de Santamaría el fundador de la escuela arreboles del ocaso,
paisajista en Colombia, introduciendo las tendencias hasta la travesía de los
heredadas del Impresionismo, como la pintura al aire libre, Andes por parte de los Zamora Jesus Maria [Camino Florecido, Jesus Maria Zamora].
la luz y el color como elementos técnicos ejércitos libertadores Recuperado de http://mercadodearte.net/archives/549
intercambiables. Así mismo, planteó la exaltación de la encabezados por Bolívar y Santander, pasando por las
naturaleza tropical, exuberante. Cambió el gusto de los chozas de los llanos, el ganado, la niebla entre los árboles, el
pintores hacia el retrato, por el nacionalismo pictórico con viento que despeina los prados y el reflejo de la luz en los
atmósferas y elementos típicos del país. pantanos. El paisaje que más amó Zamora fue el de la
sabana, por ejemplo, cuando expuso en la Biblioteca
Alamedas de sauces, guaduas y eucaliptos, caminos reales, Nacional, se destacó la obra “Los cielos de Bogotá”. Sin
la cañabrava, la flora tapizando los cultivos y, en todas embargo, sus obras más hermosas son las de los comienzos
partes, movimiento y vida, es lo que representan los de su carrera.
paisajistas de esta época de la historia del Arte Colombiano.
Ricardo Gómez Campuzano:
Algunos exponentes de esta tendencia son: RICARDO
BORRERO ÁLVAREZ, JESÚS MARÍA ZAMORA, ROBERTO Uno de los más renombrados paisajistas del país (1893-
PÁRAMO, EUGENIO PEÑA, RICARDO MOROS URBINA, 1981), cuyos temas son los parques, plantaciones,
RICARDO GÓMEZ CAMPUZANO Y HERNANDO LEMAITRE. atardeceres y panoramas intensos y desolados.

22

Ricardo Gómez Campuzano [Una calle en Cartagena]. Recuperado de
http://www.colarte.com/colarte/foto.asp?idfoto=127836
Eugenio Peña:
Nacido en Bogotá (18060-1944).
Pintor de cuadros con
paisajes tranquilos de
las regiones sabaneras
con composiciones
equilibradas, presencia
de la naturaleza en la
que los árboles
frondosos son los
protagonistas de la
escena, con cielos
Eugenio Peña [El Boquerón, Eugenio Peña]. Recuperado de
http://www.colarte.com/colarte/conspintores.asp?idartista
=483
23
plomizos. La línea del horizonte situada generalmente
abajo, permite una visión amplia del cielo. Su obra
nostálgica tiene al hombre excluido por completo; sólo la
naturaleza deshabitada interesa al artista.
Con un enfoque realista su obra se tiñe de melancolía
romántica. La paleta de Eugenio Peña no conoce ciertos
colores, sus cuadros abundan en verdes, ocres, azules y
grises. La composición equilibrada permite tener una bella
idea de la paz del campo y de la solemnidad de la sabana,
aunque el artista no desconoce la revolución impresionista.
Ricardo Borrero Álvarez:
(1874-1931) Paisajista nacido en Huila, se interesó por los
paisajes gracias a sus maestros españoles; completó su
formación en Sevilla y
París. Además de los
paisajes, pintó bodegones
y floreros en los cuales
resulta sobresaliente el
dibujo y el tratamiento de
la superficie de los objetos.
Éstos presentan una
nitidez en la cual la textura
y características de los
mismos se detectan
Ricardo Borrero Álvarez [Ranchos, en 1900 por Ricardo Borrero].
claramente. Sin embargo Recuperado de
los paisajes son sus obras http://www.colarte.com/colarte/conspintores.asp?idartista=480
más personales, en los que la arquitectura casi siempre Roberto Páramo realizó sus obras en lienzos de formatos
forma parte de ellos, invadiendo el espacio de la pequeños, donde denota gran observación y realismo del
composición; en otras ocasiones, la figura humana aparece ambiente sabanero.
discreta y estática.

Es un artista de corte romántico, donde la armonía y la

visión clara de los elementos en la composición, es una
constante en su obra.

Alfonso Gónzalez Camargo y Roberto Páramo:

Ambos artistas realizaron

numerosos apuntes de la
sabana de Bogotá, bellos
bosquejos en los que, con
colores sobrios, se plasma
una fresca visión de la
realidad de manera
esquemática; es el caso de
González Camargo, quien no
pretende entregar una
descripción prolija, sino
presentar una trascripción [Solar de la casa de la calle 13, Alfonso González]. Recuperado de
inteligente del lugar. Este http://www.banrepcultural.org/blaavirtual/todaslasartes/figoc/fi
goc01a.htm
artista nunca salió del país,
pero su obra recuerda -en muchas composiciones-la
pintura de Albert Marquet por su sensibilidad y equilibrio.

24
Bibliografía

Battistini, Matilde. Símbolos y Alegorías. Barcelona: Electra (Grupo Editorial Random House
Mondadori, S. L.), 2003. ISBN 84-8156-347-1

Briseño, Monico. Arte Maya. Sitio Cultura y Entretenimiento, Universidad de Guadalajara.

http://mexico.udg.mx/historia/precolombinas/maya/escultura.html

Elsen, Albert E. Los propósitos del Arte: Introducción a la Asignatura Arte Latinoamericano

HISTORIA DEL ARTE COLOMBIANO. Barcelona Salvat Editorial, S.A.

Mejía de Millán, Beatriz Amelia (1988). “El Arte Colombiano en el siglo XX”. Primera Edición, Pereira, Colección
Universidad Tecnológica de Pereira: Serie Humanística.

Gutiérrez, Ramón y Gutiérrez Rodrigo (2000). “Historia del arte Iberoamericano”. Barcelona, Editores
LUNWERG.

Créditos:

Experta Temática: María del Carmen Falcón Tomé.

Asesora Instruccional: Martha Isabel Tobón Lindo.

Diseño Instruccional: Andrés Oswaldo Palechor Ocampo, Marlly Leana Amariles Jaramillo, Sebastián
Rozo Cadavid, Carolina López Londoño.

Compiladores y Diseño Editorial: Sebastián Rozo Cadavid, Melisa Peña Nieto, Carlos Alberto
Londoño Pavas, Daniela Lozano Agudelo, Jhon Adrian Montoya Marín.
2013

Producido por Univirtual

Universidad Tecnológica de Pereira: Rector: Luis Enrique Arango Jiménez, Vicerrector

Administrativo: Fernando Noreña Jaramillo, Vicerrector Académico: William Ardila
Urueña, Vicerrector de Investigaciones Innovación y Extensión: José German López
Quintero, Vicerrectora de Responsabilidad Social y Bienestar Universitario: Diana Patricia
Gómez Botero.