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PINTORES
ÉDOUARD MANET
Autorretrato
1
Su "Le Déjeuner sur l'herbe", incluido en el primer Salón des Refusés de
1863, causó un importante revuelo, tanto por el tema como por la técnica
empleada, sólo comparable al escándalo provocado poco después por su
"Olympia". El mayor éxito de su carrera lo alcanzó con "Un bar en el Folies-
Bergère".
Émile Zola era un gran aficionado a la pintura y defendía a los pintores que
eran rechazados por la crítica oficial. En 1866, Zola alabó a Manet, y éste,
en reconocimiento por el apoyo, le dedicó este retrato.
"Están lloviendo insultos sobre mí. Alguien debe estar equivocado" escribió
a Baudelaire, autor del título del lienzo "Olympia".
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Como escribió Henri Matisse varios años después de su muerte, "el primer
pintor en lograr la traducción inmediata de las sensaciones, liberó el instinto
del pintor".
GUSTAV KLIMT
Autorretrato
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En 1897, su interés por el arte de vanguardia lo llevó a abandonar la
Asociación de Artistas Vieneses y a fundar, con algunos amigos, la famosa
Secesión Vienesa, de la que fue el primer presidente y máximo exponente.
Las pinturas murales alegóricas para la Universidad de Viena, en las que se
advierte ya un evidente cambio de estilo, suscitaron duras críticas, por lo
que el artista abandonó el encargo antes de finalizarlo (las que había
concluido las destruyó un incendio en 1945).
KLIMT
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HENRI TOULOUSE-LAUTREC
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muerte del hermano menor de Henri y de que él mismo fuera un chico
enfermizo y débil.
Con sus pinturas mostraba los aspectos más ocultos de una civilización
burguesa, que se daba al vicio únicamente en ciertos lugares.
Desde niño siempre mostró interés por el arte, cantaba todo el día, estudiaba
inglés y latín y demostraba mucha afición por el dibujo, así que sus padres
le pusieron un profesor particular, años más tarde se inscribiría en una
academia de arte del pintor Fernand Cormon, donde conocería a Vincent
Van Gogh, pero ésta fue toda su formación no autodidacta.
Sus padres se separaron cuando Henri tenía diez años, y eso le afectó
bastante. Su madre era absorbente y sobreprotectora, y Henri creó un
vínculo dependiente con ella. Su padre, el conde, era en cambio un sibarita
extravagante, que gustaba de organizar reuniones en las que solía
travestirse para ostentar su lujosa y extravagante colección de atuendos.
Cuando decidió ser pintor, contó con el apoyo de su tío Charles y de unos
pintores amigos de la familia, así que se fue a vivir a París en 1881. Su
formación empieza en 1882 con Princeteau, un pintor animalista que le
aconseja inscribirse en el estudio del pintor académico Léon Bonnat. Allí se
ejercita, sobre todo en la disciplina del dibujo, pero Bonnat clausura sus
cursos y Toulouse decide entrar en la academia privada de Cormon en 1883.
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En 1884, Lautrec vivía en el 19 de la Rue Fontaine, como subarrendatario
de los Grenier, en la casa contigua en la que hasta 1891 tuvo su taller Edgar
Degas, donde le conoció y profesó su admiración. Allí conocerá a Suzane
Valadon, la modelo con la que mantiene una relación más duradera y que
la llama su “terrible Marie”. Independiente, bohemia, libertina, mentirosa y
bebedora empedernida. Se cuenta que muchas noches, al volver de sus
sesiones de trabajo y de divertirse con algunos amigos por las tabernas del
viejo Montmartre, encontraba en su puerta un ramito de flores con una nota
de Lautrec que decía: “Vale por unos vasos de absenta”.
Durante dos años convivió con Lautrec, acompañándole a todas partes. Una
relación tempestuosa, llena de alcohol y de mentiras por parte de la modelo,
que finalmente se rompió cuando le pidió que se casara con ella,
amenazándole con suicidarse si se negaba a hacerlo. Cuando Lautrec
descubrió que había sido un falso intento, un engaño más, la dejó para
siempre en 1888.
Por estos años, Toulouse empieza a frecuentar los cabarets y cafés cantantes
de París y se familiariza con la bohemia artística polarizada en torno a
Montmartre.
Todas las grandes estrellas del cabaret y el café concierto en París desde
1890 aparecen en la obra de Lautrec, aunque las más habituales fueron
Jane Avril e Yvette Guilbert, a la que consagró un álbum entero de litografías
en 1894.
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Ese mismo año inicia su amistad con los hermanos Natanson, fundadores
de la Revue Blanche, una revista fundamental para la escena artística
parisina de los años del cambio de siglo en la que se dieron a conocer los
pintores nabis -Bonnard, Vuillard, Valloton-; Lautrec colaboró en sus
páginas y participó en algunas de las exposiciones celebradas en torno a
ella. En paralelo a su obra pictórica desarrolla una abundante y excelente
producción litográfica, que simultánea con carteles publicitarios y trabajos
editoriales.
De su vida sentimental se sabe que vivió dos años con una mujer que luego
intentó (o simuló) suicidarse ante la negativa de Henri de tener un hijo con
ella, sus relaciones posteriores se dieron con prostitutas, donde gustaba
gozar como voyeur del lesbianismo, costumbre bastante habitual entre
bailarinas y prostitutas de esa época, que lo inspiro en obras como la sere
de "Las dos amigas".
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Poseía un ojo avezado para reproducir la vida tal como se vivía, para él todos
son iguales... el intelectual, el caballero de sombrero de copa, el obrero, la
chica de servicio, la mujer galante etc.
"He intentado ser veraz y no falsificar ensueños. Tal vez sea un error, pero
me es imposible dejar de ver las verrugas; conscientemente las hago más
grandes, les agrego pelos desagradables, y les pongo algún pico brillante. No
sé si usted pueda controlar su pluma, pero cuando mi lápiz se mueve, tengo
que dejarlo correr si no ... ¡plumps! se acabó". (Toulouse-Lautrec)
HENRI MATISSE
Pintor francés líder del fauvismoii. Está considerado como una de las
grandes personalidades en la configuración del arte del siglo XX, maestro a
la hora de expresar sentimientos a través del uso del color y la forma.
Matisse nació en Le Cateau-Cambrésis, en el norte de Francia, el 31 de
diciembre de 1869, en el seno de una familia de clase media.
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Matisse adoptó esta técnica pero la modificó aplicando pinceladas más
amplias. Hacia 1905 había producido unas imágenes cuya audacia
cromática rompía con todo lo anterior.
Entre estas obras destaca Raya verde (Madame Matisse, 1905, Museo
Estatal de Arte, Copenhague), un retrato con notas expresionistasiv de su
mujer. El título deriva de la amplia pincelada de verde brillante que define
la frente y la nariz de su esposa.
Ese mismo año Matisse expuso junto a pintores de la misma tendencia como
André Derain y Maurice de Vlaminck. Como consecuencia de esta
exposición, el grupo es bautizado como les fauves (literalmente las bestias
salvajes) por su uso estridente del color, distorsión de las formas y su
sentido expresionista en la captación de emociones. El bodegón representó
un papel central en la maduración pictórica de Matisse. Su primer cuadro
fue una Naturaleza muerta con libros.
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Desde 1920 hasta su muerte, Matisse pasó mucho tiempo en el sur de
Francia, sobre todo en Niza, pintando escenas locales de colorido fluido y
brillante.
Cuando contaba con una edad avanzada se le encargó la decoración de la
capilla de Santa María del Rosario en Vence (cerca de Cannes), que terminó
entre 1947 y 1951.
Autorretrato
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(Barcelona, 1872 - Pollensa, 1959) Pintor español. Estudió en la Escuela de
Bellas Artes de la Llotja de Barcelona, en donde fue alumno de Modest
Urgell, cuya obra influyó en sus primeros paisajes. Tras un breve contacto
con el grupo de Els Quatre Gats, en 1897 se trasladó a París y asistió a las
academias de Julián y Colarossi, en las que recibió clases de Jean Paul
Laurens, Benjamín Constant y Louis Auguste Girardot.
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EDWARD HOPPER
Autorretrato
Pintor estadounidense cuya obra marcó un hito en la historia del realismovi
americano pues logró plasmar en su arte esa sensibilidad particular del siglo
XX en Estados Unidos, que se caracteriza por el aislamiento, la soledad y la
melancolía.
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PABLO RUIZ PICASSO
Autorretrato
Síntesis biográfica
Pablo Diego José Ruiz Picasso, conocido luego por su segundo apellido,
nació en Málaga, España, el 25 de octubre de 1881, en el n.º 36 de la plaza
de la Merced de Málaga, como primogénito del matrimonio formado por el
pintor vasco José Ruiz Blasco y la andaluza María Picasso López. El padre
era profesor de dibujo en la Escuela Provincial de Artes y Oficios, conocida
como Escuela San Telmo. La primera infancia de Pablo transcurrió entre las
dificultades económicas de la familia y una estrecha relación entre padre e
hijo, que ambos cultivaban con devoción.
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En 1898 realiza su primera muestra individual en Els Quatre Gats de
Barcelona. Finalmente, en el otoño del año 1900 hace una visita a París para
ver la Exposición Universal. Pablo es ya un artista profesional, y decide
firmar sólo con el apellido materno.
Su obra
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Su evolución estilística y temática dibuja un apasionante itinerario, en el
que asombra la diversidad de registros, las múltiples posibilidades que el
lenguaje pictórico tiene para retratar a la sociedad o los problemas de una
época.
Período Azul
Período Rosa
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la figura del arlequín, Picasso pintó su otro yo, su álter ego, práctica que
repitió también en posteriores trabajos. De su primera época en París datan
su amistad con el poeta Max Jacob, el escritor Guillaume Apollinaire, los
marchantes Ambroise Vollard y Daniel Henry Kahnweiler y los ricos
estadounidenses residentes en Francia Gertrude Stein y su hermano Leo,
quienes se convirtieron en sus primeros mecenas. Todos ellos fueron
retratados por el pintor.
Protocubismo
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ingrista, así denominado porque emula las formas artísticas del pintor
francés Jean Auguste Dominique Ingres. De 1923 es su Arlequín con espejo
(Museo Thyssen-Bornemisza de Madrid). Obra de su llamado periodo clásico
(1921-1925), anunciado, en parte, en los dibujos ingristas y consecuencia
de su estancia en Italia en 1917.
Escultura cubistta
Realismo y Surrealismo
Pinturas: 1930-1935
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Varios cuadros cubistas de comienzos de la década de 1930, en los que
predomina la armonía de líneas, el trazo curvilíneo y un cierto erotismo
subyacente, reflejan el placer y la pasión de Picasso por su nuevo amor,
Marie Thérèse Walter, con la que tuvo a su hija Maya en 1935. Marie
Thérèse, retratada muy a menudo en actitudes de reposo, fue también la
modelo del famoso cuadro Muchacha ante el espejo (1932, Museo de Arte
Moderno). En 1935 Picasso llevó a cabo la serie de grabados
Minotauromaquia, un bellísimo trabajo en el que mezcla los temas del
minotauro y las corridas de toros; en esta obra, tanto la figura del toro como
la del caballo destripado anuncian las imágenes del Guernica, el gran mural
considerado por la mayoría como una de las obras artísticas individuales
más importante del Siglo XX.
Guernica
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sentada (1954, Museo Picasso, Málaga). Desde entonces residió casi siempre
en el sur de Francia.
Últimos trabajos
Muchos de los últimos cuadros de Picasso están basados en las obras de los
grandes maestros del pasado como Diego Velázquez, Gustave Courbet,
Eugene Delacroix y Édouard Manet. Además de en la pintura de cuadros,
Picasso trabajó también en cientos de litografías que realizó en la imprenta
de Fernande Mourlot. Se interesó también por la cerámica, y así, en 1947,
en Vallauris, realizó cerca de 2.000 piezas. Durante este tiempo Picasso hizo
también importantes esculturas: El hombre del carnero (1944, Museo de
Arte de Filadelfia), un bronce a tamaño natural, y La cabra (1950, Museo de
Arte Moderno), también en bronce, obra de enorme fuerza. En 1964 llevó a
cabo la maqueta de Cabeza de mujer, una monumental escultura levantada
en 1966 en acero soldado en el Civic Center de Chicago. En 1968, y a lo
largo de siete meses, creó las notables series de 347 grabados con los que
retornó a sus primitivos temas: el circo, las Corridas de toros, el teatro y las
escenas eróticas.
París fue su refugio durante mucho tiempo, pero los últimos años de su vida
los pasó en el sur de Francia, trabajando en un estilo muy personal, con
vivos colores y formas extrañas. Falleció el 8 de abril de 1973 en Mougins,
cuando preparaba dos exposiciones, demostrando su capacidad creativa
hasta el final.
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CHARLES CAMOIN
Autorretrato
Trayectoria artística
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Llamado a filas en 1900, Camoin se trasladó a Arlés, donde pintó algunos
lugares célebres de la obra de Van Gogh y Gauguin. Al año siguiente fue
destinado a Aix-en Provence, donde el joven provoca un encuentro con
Cézanne con el que mantendrá una correspondencia continua hasta el
fallecimiento de este último.
Camoin presentó varias obras en la célebre cage aux fauves del Salon
d'Automne de 1905, aunque los propios comentaristas de la muestra
señalaron su mayor moderación cromática respecto a sus compañeros, fruto
de una aproximación intuitiva y no sistemática a los postulados del
fauvismo. De esa época es su Retrato de Albert Marquet (1904-1905),
considerado su obra maestra. Después del paréntesis debido a la Primera
Guerra Mundial y tras su boda en 1920, Charles Camoin reparte su vida
entre París y Saint-Tropez de la cual le gusta pintar el puerto, simplificando
los contornos y jugando con la luz. Su amistad con Cézanne, cuyo ejemplo
habría de atemperar sus efusiones coloristas. Desde los años 1903-1904
Camoin participó en el Salon des Indépendants y en el Salon d'Automne. El
mismo año de 1904 conoció a Monet en Giverny y celebró su primera
individual en la Galerie Berthe Weill.
Muerte
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Charles Camoin fallece en París a la edad de 86 años el 20 de mayo de 1965
y es inhumado bajo el cielo de su ciudad natal, Marsella.
Autorretrato
(Córdoba, 1880 - 1930) Pintor español. Era hijo del pintor y maestro andaluz
Rafael Romero Barros, director del Museo de Bellas Artes de Córdoba, quien
le inició en el sendero de la pintura desde muy temprana edad. Así, ya en
1907 pudo concurrir el joven Julio Romero de Torres a la exposición de
pintores independientes celebrada en el Círculo de Bellas Artes (Madrid).
Aupado por los cánones modernistas vigentes en su tiempo, logró éxitos -no
exentos de una virulenta controversia crítica que siempre acompañó al
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enjuiciamiento artístico de su pintura- en varias exposiciones nacionales e
internacionales, como las realizadas en Barcelona (1911), en Madrid (1912)
y en Munich (1913). Pero lo cierto es que en su tiempo fue aclamado por
pintores, escritores y contempladores de su obra, quienes celebraban la
exaltación de los tópicos nacionalistas difundidos por la obra de Romero de
Torres; para probarlo, baste con recordar que las monografías de su pintura
y los catálogos de sus exposiciones venían autorizados por comentarios
elogiosos de autores como Jacinto Benavente, Ramón María del Valle Inclán,
Gregorio Martínez Sierra o Santiago Rusiñol.
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FELICE CASORATI
Autorretrato
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A partir de 1930, se suaviza e ilumina el tono de su paleta y continuó
trabajando y exponiendo con regularidad, logrando importantes premios,
entre ellos el Primer Premio en la “Bienal de Venecia” de 1938.
Muchos críticos de arte, han catalogado la obra de Casorati como fría,
cerebral, muy academicista, sin embargo, es reconocido a nivel
internacional como uno de los máximos exponentes de este movimiento.
Murió en Turín en 1963.
MARC CHAGALL
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“Hoy en día nos interesa todo, no solo el mundo exterior, sino también el
mundo interior de los sueños y de la fantasía.” Marc Chagall.
Pero Chagall, que tuvo una extensa vida (1887/1985) no se dedicó sólo a la
pintura. Fue también poeta (como sus propios cuadros ya nos anuncian),
autor de vidrieras y tapices, creador de escenografías teatrales, escultor y,
sobre todo, un soñador que defendía los valores esenciales de lo humano;
tanto, que llegó afirmar “sabemos que una buena persona puede ser un mal
artista. Pero nadie será un artista genuino si no es un gran ser humano“.
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"En una naturaleza, en un elemento natural, en un espacio que no es más
que un cielo en el que todas las formas retozan completamente libres y
gráciles como si fuesen pequeñas criaturas, se emana un color tan fuerte y
tan hermoso que parece sobrenatural". Esto es lo que según Chagall
significan las expresiones lumière-liberte y colour-amour. Otro término de
imprenta chagalliana es chèmie, química, el secreto del color, el aura de la
magia, los colores que dan vida al cuadro, los que le dan alma.
JOAN MIRÓ
Autorretrato
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retirarse durante un largo periodo en una casa familiar en el pequeño pueblo
de Mont-roig del Camp.
Ese mismo año viajó a París y conoció a Picasso, Max Jacob y algunos
miembros de la corriente dadaísta, como Tristan Tzara. Alternó nuevas
estancias en la capital francesa con veranos en Mont-roig y su pintura
empezó a evolucionar hacia una mayor definición de la forma, ahora
cincelada por una fuerte luz que elimina los contrastes. En lo temático
destacan los primeros atisbos de un lenguaje entre onírico y fantasmagórico,
muy personal aunque de raíces populares, que marcaría toda su trayectoria
posterior.
En 1928, el Museo de Arte Moderno de Nueva York adquirió dos de sus telas,
lo que supuso un primer reconocimiento internacional de su obra; un año
después, contrajo matrimonio con Pilar Juncosa. Durante estos años el
artista se cuestionó el sentido de la pintura, conflicto que se refleja
claramente en su obra. Por un lado, inició la serie de Interiores holandeses,
abigarradas recreaciones de pinturas del siglo XVII caracterizadas por un
retorno parcial a la figuración y una marcada tendencia hacia el
preciosismo, que se mantendría en sus coloristas, juguetones y poéticos
maniquíes para el Romeo y Julieta de los Ballets Rusos de Diaghilev (1929).
Su pintura posterior, en cambio, huye hacia una mayor aridez,
esquematismo y abstracción conceptual. Por otro lado, en sus obras
escultóricas optó por el uso de material reciclado y de desecho.
La guerra civil española no hizo sino acentuar esta dicotomía entre desgarro
violento (Cabeza de mujer) y evasión ensoñadora (Constelaciones), que poco
a poco se fue resolviendo en favor de una renovada serenidad, animada por
un retorno a la ingenuidad de la simbología mironiana tradicional (el pájaro,
las estrellas, la figura femenina) que parece reflejar a su vez el retorno a una
visión ingenua, feliz e impetuosa del mundo. No resultaron ajenos a esta
especie de renovación espiritual sus ocasionales retiros a la isla de Mallorca,
donde en 1956 construyó un estudio, en la localidad de Son Abrines.
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Entretanto, Miró amplió el horizonte de su obra con los grabados de la serie
Barcelona (1944) y, un año después, con sus primeros trabajos en cerámica,
realizados en colaboración con Josep Llorens Artigas. En las décadas de
1950 y 1960 realizó varios murales de gran tamaño para localizaciones tan
diversas como la sede de la Unesco en París, la Universidad de Harvard o el
aeropuerto de Barcelona; a partir de ese momento y hasta el final de su
carrera alternaría la obra pública de gran tamaño (Dona i ocell, escultura),
con el intimismo de sus bronces, collages y tapices. En 1975 se inauguró en
Barcelona la Fundación Miró, cuyo edificio diseñó su gran amigo Josep Lluís
Sert.
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FRIDA KAHLO
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Se reencuentra con Diego Rivera, cuando éste regresa de Rusia en 1927
pintando los frescos de la Secretaría de Educación, le lleva sus primeros
cuadros y el pintor muestra interés por la artista y su obra; dos años más
tarde se casaron. Ella tenía 22 años y él 43.
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En 1940 participa en la Exposición Internacional del Surrealismo en la
Galería de Arte Mexicano con sus obras "Las dos Fridas" y "La mesa herida".
Su depresión por la ausencia de Diego y su problema con la bebida se hacen
muy intensos. Pinta su obra "Autorretrato con pelo cortado", obra que
produce en Diego la frase 'mira que si te quise fue por tu pelo...'. El 21 de
agosto de ese año, muere León Trotsky en su casa de Coyoacán.
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Es internada para la amputación de la pierna derecha por gangrena. Expone
en el British Art Council.
REMEDIOS VARO
Autorretrato
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En 1936 participó en la Exposición Logicofobista realizada en Barcelona y,
desde entonces, se acercó a los componentes del surrealismo francés.
Durante la Guerra Civil (1936-1939) conoció al escritor francés Benjamin
Péret y, tras un tiempo de vida en común en España, marcharon a París. En
la capital francesa participó en las reuniones y exposiciones surrealistas.
Tras el estallido de la Segunda Guerra Mundial, Remedios Varo abandonó
París y se instaló en México (1941).
Allí empezó a trabajar como artesana, pero enseguida pasó a formar parte
del grupo surrealista y a relacionarse otra vez con Esteve Francés y, sobre
todo, con la pintora británica Leonora Carrington, cuyo fuerte ascendiente
artístico fue definitivo en la concepción estética de la creadora española.
También formaron parte del grupo al que era asidua Octavio Paz, César
Moro, Eva Sulzer, Gunther Gerzso, José Horna y Gordon Onslow-Ford, entre
otros.
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ÁNGELES SANTOS
Autorretrato
A finales de los años 20 con sus dos primeros cuadros, Ángeles revolucionó
la pintura española y tuvo a sus pies a intelectuales y artistas de la época,
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como Federico García Lorca, Jorge Guillén y Ramón Gómez de la Serna, con
quién mantenía una activa correspondencia.
"La tertulia" es una de sus obras más conocidas. Cuatro mujeres modernas
de cuerpos estilizados, se relajan en una salita, leyendo y fumando, cada
una a lo suyo, sin comunicarse entre sí. El cuadro es opresivo y
claustrofóbico, apenas hay espacio alrededor de las figuras, que quedan
comprimidas dentro de los límites del lienzo.
La extraña pintura Alma que huye un sueño tenía que ver con versos de
García Lorca y representa algo muy enraizado con su manera de sentir. El
cuerpo de esta niña aparece como un estuche que se ha roto por la mitad y
dejar salir el alma, la sombra del cuerpo se proyecta, no la del alma que se
escapa y enciende los luceros al amanecer. Estas almas que huyen tienen
quizás que ver con esa angustia suya por lo inalcanzable que atraviesa lo
mejor de su obra.
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a una cadena de rupturas radicales que habían marcado la pintura
occidental desde 1914.
i La pintura simbolista
Los artistas de este periodo estaban cansados de los patrones previos que habían marcado
el realismo, el naturalismo, incluso el impresionismo. Con el objetivo de alejarse de un arte
que mostraba la sociedad tal y como era, deciden crear “arte por el arte” como citó Théophile
Gautier.
Con el fin de dejar de lado el mundo exterior que les rodea, los pintores se centran en las
emociones e ideas de los sueños y las fantasías. Cabe destacar que el trabajo de Sigmud
Freud sobre los sueños abre las puertas a considerar estos como parte importante de las
personas, como algo que puede explicar el comportamiento humano mediante la fantasía y
lo simbólico.
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El Fauvismo (FIERA) es uno de los movimientos del siglo XX, se caracteriza por ser estético
ii
y sentimental, por ser un estado de espíritu ligado a las circunstancias del momento. Se
apega a la libertad total de la naturaleza. Es más expresiva que realista, plasmando
primordialmente los colores. El artista fauve implanta una comunión con la naturaleza,
uniendo el arte con la vida, y a su vez, rechazando cualquier tipo de convencionalismos. El
artista es un Demiurgo, moldea, crea su obra a partir de un principio generador parecida
a la naturaleza. El fauvismo no debe ser entendido como una liberación desordenada que
rechaza todo tipo de disciplinas o como ignorante.
Otra característica del fauvismo es el gusto por el arte africano-negro y la influencia que
este mismo tuvo en las obras. Este gusto por “lo otro”, encamina al fauvismo hacia una un
ambiente cada vez más vanguardista.
Los artistas más destacados son: Henri Matisse, André Derain, Maurice Vlamink, Braque,
Friesz, Rouault, Marquet, Dufy y van Dongen. Quien le dio el nombre de fauvismo a este
movimiento, fue Louis Vauxcelles, en su crítica hecha en el Salón de Otoño de 1905, por
causa de los violentos métodos que utilizaban los artistas anteriormente nombrados.
El arte fauvista no busca la perfección de formas, paisajes, retratos, etc, sino que expresa
sentimientos representados por formas mediante un juego cromático, donde plasma colores
saturados, fuertes, alegres, que logran llamar la atención. Al no buscar la perfección, este
movimiento artístico se destaca por su sencillez. Utiliza la imaginación, mezclando el
mundo real con el mudo interior. El Fauve (artista fauvista), deja fluir su intuición al
momento de crear una obra, que es de interpretación libre, lo que la hace subjetiva. Destaca
las formas y paisajes a través de un contraste de colores, saturándolos o marcando los
contornos con líneas oscuras bien definidas. Entre los temas principales de fauvismo se
pueden encontrar: paisajes, retratos, cuadros africanos o árabes, espacios como paredes o
piezas, etc.
vibración luminosa mediante la aplicación de puntos que, al ser vistos desde una cierta
distancia, componen figuras y paisajes bien definidos. En los cuadros todos los colores son
puros y nunca se mezclan unos con otros sino que es el ojo del espectador quien lo hace.
Cada uno de los puntos que componen la obra tienen un tamaño similar, de forma que el
espectador no puede dejar de observar una perfección que hace pensar en una imagen
idílica congelada, como una visión duradera de la realidad o la imagen.
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Las obras de Chevreul aseguraban que los colores, cuantos más puros fuesen, tonos más
interesantes conseguirían. Por ello los puntillistas, una vez hechas las figuras sin mezclar
ninguno de los cuatro colores básicos -ni sus derivados- que utilizaban, dejaban al ojo
humano el resto: mezclarlos produciendo una imagen vibrante, luminosa, armónica.
El centro de producción puntillista fue Francia, donde desarrollaron sus carreras Seurat y
Signac, máximos representantes de la corriente y pintores que centrarán nuestra atención
más abajo. La relación entre ambos fue profunda.
comienzos del siglo XX, cuyos principios se basan en expresar las emociones en lugar de
intentar plasmar la realidad. Este movimiento supone una reacción al impresionismo, que
pretende representar la impresión que lo real produce en la vista.
Expresionismo
Puede decirse que el expresionismo es una manera de entender el arte. Pintores, escritores,
fotógrafos, coreógrafos, cineastas y músicos, entre otros artistas, abrazaron el
expresionismo y se volcaron a manifestaciones donde sobresale la visión interior del
creador.
Edvard Munch, Vasili Kandinski, Paul Klee y Amedeo Modigliani son algunos de los artistas
que suelen mencionarse como referentes del expresionismo ya que sus trabajos expresan
los sentimientos y no se limitan a representar aquello que reflejan los sentidos.
Cabe destacar que, de acuerdo a los especialistas, ya se podían observar rasgos del
expresionismo en pintores que vivieron antes del siglo XX, como El Bosco (1450-1516), El
Greco (1541-1614) y Francisco de Goya (1746-1828). Luego de la Segunda Guerra Mundial,
el movimiento fue desapareciendo como tal, aunque su influencia se extendió al
neoexpresionismo, el expresionismo abstracto y otras tendencias.
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humano. Esto se opone a una copia fiel de la realidad o una “impresión” de la misma, tal y
como ocurre en el impresionismo, ya que propone mirar más allá de la capa externa;
* estilo: aunque las estéticas que se pueden apreciar en las obras de los diferentes artistas
que representan el expresionismo son muy variadas, algo que permaneció firme desde el
comienzo es el predominio de la subjetividad por sobre otros factores que interesaban a los
impresionistas, como ser la cercanía con la realidad y la armonía de sus formas. La razón
de las diferencias entre los artistas reside precisamente en que cada uno buscaba plasmar
su propia visión, su manera única de ver las escenas que pintaba sobre el lienzo;
significa recortar. Se trata de una técnica manual decorativa en la que se emplean papeles
impresos o telas para pegar sobre soportes varios como madera, cerámicos, metales, velas,
jabones, vidrios, lozas y cartón entre otros. Se busca que al finalizar lo obtenido imite la
pintura a mano, utilizando técnicas de pátinas y pintura, distribuyendo correctamente los
recortes y dando un acabado con barniz.1
El resultado depende de cómo se recorten y peguen los diseños y sobre todo de la habilidad
de lograrlo de una manera armoniosa.
El uso actual de servilletas de papel tiene la ventaja de que necesita muy pocas capas de
barniz, dado el fino grosor que tienen.
vi La pintura realista es una manifestación artística basada en la experiencia de los pintores
Este movimiento consagra al hombre con su realidad, como por ejemplo donde vive, su
habitación, la vida cotidiana, el pueblo o la naturaleza, todo esto representado como
realmente se aprecia en la vida real, sin incurrir en idealismos.
El arte realista aplicado en la pintura encontró una de sus más significativas expresiones
en el paisaje, un género que es catalogado de escala menor dentro de la pintura tradicional.
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En los inicios de esta manifestación artística, los pintores reflejaron una visión precisa de
la naturaleza, libre de factores sentimentales y simbólicos del romanticismo.
Pintura realista
Finalmente, la pintura realista surgió luego de la revolución francesa de 1848. Durante esta
época los artistas optaron por reproducir las problemáticas sociales de aquel momento,
entre estas la explotación laboral en niños y mujeres, las viviendas en estados precarios,
los horarios excesivos, todo esto como símbolo de denuncia social.
vii El naturalismo es una corriente inspirada en la adaptación de los principios de la ciencia
El naturalismo se dio a finales del siglo XIX y principios del siglo XX, y fue una consecuencia
del realismo. A su vez, el realismo comenzó en parte como una reacción al Romanticismo,
centrándose en los detalles de la existencia cotidiana, y no en el mundo interior.
Naturalismo
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El escritor francés Émile Zola, representante del naturalismo
Sin embargo, en la literatura y las artes visuales naturalistas, el realismo se lleva más allá.
Los protagonistas son principalmente personas de origen humilde, y las tribulaciones de
las clases bajas son el punto focal. El naturalismo recibió una fuerte influencia del
marxismo y la Teoría de la evolución.
Intentaba aplicar el rigor científico y las ideas de esas dos teorías sobre la representación
artística de la sociedad. Por otra parte, el impacto que esta corriente ha dejado en el ámbito
de la literatura y las artes visuales es enorme. En gran medida, este contribuyó a la
evolución del movimiento moderno.
Las obras naturalistas exponen aspectos oscuros de la vida, como el prejuicio, el racismo,
la pobreza y la enfermedad. Fue un medio eficaz para criticar la organización social de fines
del siglo XIX.
Por su pesimismo y contundencia, las obras suelen recibir críticas; a pesar del pesimismo,
los naturalistas generalmente se preocupan por mejorar la condición humana.
Origen
Antecedentes
En el siglo XIX los vastos sistemas unificadores de pensamientos, así como las visiones
unificadoras del Romanticismo, colapsaron en una serie de sistemas unilaterales, como el
utilitarismo, el positivismo y el darwinismo social.
Entonces, surgió una tradición de filosofía alternativa, a menudo pesimista. Los diversos
movimientos del socialismo inspirados por Marx, Engels y otros fueron más políticamente
contundentes.
Así pues, tanto el realismo como el naturalismo surgieron a finales del siglo XIX como las
expresiones literarias de esta tendencia general.
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El significado preciso del término “naturalismo” varía según las disciplinas. De este modo,
en la literatura, filosofía, teología o política se emplea este término de una manera
ligeramente diferente.
En su sentido más amplio, es una doctrina que sostiene que el mundo físico opera de
acuerdo con leyes discernibles a través de la ciencia empírica. Es decir, aquella ciencia
basada en la observación y la experimentación.
El método naturalista, inspirado en las innovaciones del siglo XIX y en las ciencias
experimentales, implica una observación informada y sistemática del mundo material.
Asimismo, el ser humano se concibe como una parte más de este mundo que está sujeto,
como todo lo demás, a las leyes de la física, la química y la biología. Estas gobiernan su
comportamiento de manera inexorable.
De acuerdo con la estricta visión naturalista, cada acción humana tiene una causa en el
plano físico. Así, su comportamiento está completamente determinado por las leyes de
causa y efecto en el mundo material.
Ahora bien, el principal exponente del naturalismo fue Émile Zola, quien usaba la filosofía
naturalista como base para crear personajes. Su ensayo La novela experimental (1880) se
convirtió en el manifiesto literario de la escuela.
Según Zola, el novelista ya no era un mero observador, contento con registrar fenómenos.
Este debía convertirse en un experimentador distante que somete a sus personajes y sus
pasiones a una serie de pruebas.
En 1887 se fundó en París el Théâtre Libre para presentar obras sobre los nuevos temas
del naturalismo con una puesta en escena naturalista.
Un desarrollo paralelo ocurrió en las artes visuales. Los pintores, siguiendo el ejemplo del
pintor realista Gustave Courbet, eligieron temas de la vida contemporánea y sujetos
comunes como campesinos y comerciantes.
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A pesar de pretender la objetividad, el naturalismo se vio perjudicado por ciertos prejuicios
inherentes a sus teorías deterministas. Aunque reflejaban fielmente la naturaleza, siempre
se trataba de una naturaleza sórdida.
De igual modo, los naturalistas retrataban personajes simples dominados por fuertes
pasiones elementales. Estos se desenvolvían en entornos opresivos, monótonos y tristes.
Finalmente, no pudieron reprimir un elemento de protesta romántica contra las
condiciones sociales que describían.
Como movimiento histórico, el naturalismo fue efímero. Sin embargo, contribuyó al arte
como un enriquecimiento del realismo. De hecho, este movimiento estaba más cerca de la
vida que del arte.
Asimismo, los escritores naturalistas creen que la verdad se encuentra en la ley natural, y
como la naturaleza opera de acuerdo con principios, patrones y leyes consistentes, entonces
la verdad es consistente.
Además, el enfoque del naturalismo es la naturaleza humana. Por lo tanto, las historias en
este movimiento están basadas en el carácter de los personajes y no en la trama.
Por otra parte, otra característica de esta corriente es el determinismo. Según esta teoría,
el destino de una persona está determinado únicamente por factores y fuerzas que van más
allá del control personal de un individuo.
Émile Zola
Se trata de extensa colección de 20 novelas que siguen a dos familias a lo largo de cinco
generaciones. Una de las familias es privilegiada y la otra empobrecida, pero cada una
tropieza con la decadencia y el fracaso.
Al igual que en las novelas, en esa época de gran incertidumbre para el pueblo francés, el
ambiente en París era de terror e incertidumbre.
Para su epopeya, Zola fabrica más de 300 personajes. No obstante, su preocupación no son
los personajes, sino cómo estos reaccionan a las circunstancias.
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Stephen Crane
Una de las primeras obras literarias verdaderamente naturalistas fue Maggie, una chica de
la calle, de Stephen Crane.
Este autor americano pasó mucho tiempo en el Bowery del bajo Manhattan, reuniendo
material para su primera novela.
De esta manera, como un científico que acumula datos, Crane quería aprender todo lo que
pudiera sobre la vida de los residentes pobres y, en su mayoría, inmigrantes.
Theodore Dreiser
En esta novela los personajes cambian de clase social y corren el riesgo de perderse en el
mar del paisaje urbano. Estos elementos definen la obra y el movimiento naturalista como
un todo.
Frank Norris
La obra maestra de Norris, The Octopus (El pulpo, 1901), trata sobre las fuerzas
económicas y sociales involucradas en la producción, distribución y consumo de trigo.
El pulpo retrata con audaz simbolismo la siembra de trigo en California y la lucha de los
cultivadores de trigo contra una corporación ferroviaria monopolística.
Naturalismo en pintura
En las bellas artes, el naturalismo describe un estilo que es fiel a la vida real. Este implica
la representación o retrato de la naturaleza (incluidas las personas) con la menor distorsión
o interpretación posible.
De este modo, las mejores pinturas naturalistas se distinguen por una cualidad casi
fotográfica, una calidad que requiere una cantidad mínima de detalles visuales.
En la pintura esta corriente data de principios del siglo XIX, y estuvo muy influenciada por
la moda literaria de la autenticidad. Surgió primero en la pintura paisajística inglesa, se
extendió a Francia y, luego, a otras partes de Europa.
Al igual que todos los estilos similares, el naturalismo recibe influencias —hasta cierto
punto— de la estética y la cultura, así como del subjetivismo inevitable del artista.
Sin embargo, hay que considerar la extensión de estas influencias. Además, ninguna
pintura puede ser totalmente naturalista: el artista está obligado a hacer pequeñas
distorsiones para crear su idea de una imagen perfectamente natural.
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Autores y obras del naturalismo en pintura
La escuela francesa de Barbizon fue posiblemente el más influyente de todos los grupos
naturalistas. Sus paisajes inspiraron a artistas de Europa, América y Australia con sus
espontáneas pinturas al aire libre.
Estaban dirigidos por Theodore Rousseau (1812-67) y sus miembros más importantes
fueron:
– Charles Daubigny (1817-78): Moisson (1851), Cosecha (1852), La granja (1855), Paisaje
de río (1860).
Impresionismo (1873-86)
De igual manera, sus pinceladas y otras técnicas pictóricas a veces otorgaban a la obra una
cualidad atmosférica, incluso expresionista, que no es naturalista.
Los pintores más representativos del paisaje impresionista al aire libre fueron:
– Claude Monet (1840-1926): Los ciruelos en flor de Vétheuil (1879), El Sena en Vétheuil
(1879), Los sauces (1880), Campo de trigo (1881).
– Alfred Sisley (1839-99): La avenida de los castaños (1869), Nieve en Louveciennes (1874),
Paisaje con escarcha (1874), Invierno en Louveciennes (1876).
literario que se caracterizó por su apuesta por sobrepasar lo real en el terreno del arte,
como reacción al racionalismo burgués y al canon artístico del momento.
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El surrealismo apostaba a la expresión espontánea y desinhibida del pensamiento y al
automatismo psíquico, y buscaba superar los límites que habían sido impuestos a la
imaginación.
El arte surrealista tuvo influencias del dadaísmo que se manifiestan en el aparente sin
sentido. El surrealismo se diferencia de su antecesor por querer que ese absurdo sea una
manifestación de la irracionalidad dentro de todos, y que nadie conoce.
El movimiento, no obstante, era permeable a las ideas políticas del momento histórico,
principalmente a las doctrinas de izquierda, y se vio particularmente afectado por el
estallido de la Segunda Guerra Mundial, lo cual ocasionaría que sus miembros se
dispersaran por el mundo.
La palabra, como tal, proviene del francés surréalisme, cuyo origen se atribuye a Guillaume
Apollinaire, quien la usó en 1917 en el subtítulo de una obra; significa ‘lo que está por
encima del realismo’.
El surrealismo se caracteriza por expresar, a través del arte y la literatura, lo absurdo que
hay dentro de nosotros hasta el punto de que, como en un sueño, todo el contexto comience
a tener un sentido, y nuestro inconsciente lo pueda interpretar.
Surrealismo en literatura
En este sentido, apostó por una radical renovación del lenguaje literario y aportó nuevas
técnicas de composición, como el automatismo psíquico y el cadáver exquisito.
Algunos de sus miembros más destacados fueron André Breton, Louis Aragon, Philippe
Souplault, Paul Éluard y Benjamin Péret.
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Surrealismo en el arte
En este sentido, era un arte que apostaba por la exaltación de la imaginación, la ironía, el
erotismo y el absurdo como reacción al canon artístico del momento.
Entre sus precursores más remotos señalaban a pintores como Arcimboldo o El Bosco, en
quienes ya reconocían elementos surrealistas. Entre sus más famosos exponentes y obras
podemos nombrar a Salvador Dalí con La persistencia de la memoria, Joan Miró con El
carnaval de Arlequín, René Magritte con El hijo del hombre, Max Ernst con Celebes y Paul
Klee con Casa giratoria, entre otros.
Existen algunos artistas cuyas obras se encajan en la corriente del surrealismo a pesar de
que sus autores no las consideren como tal. Es el caso de la artista mexicana Frida Kahlo
(1907-1954), quien define sus obras como representaciones de su realidad y no de sueños,
como el movimiento se autodefine. Sin embargo, se cataloga las obras de Frida Kalho como
surrealistas en la medida que materializa la realidad de su inconsciente sobre la tela.
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El cubismo es un movimiento vanguardista de inicios del siglo XX que rompe con los
valores estéticos predominantes, eliminando la perspectiva y representando la realidad con
formas geométricas y líneas rectas.
El cubismo es reconocido como tal en 1907 con la pintura Les Demoiselles d' Avignon ("Las
damas de Avignon") del pintor Pablo Picasso (1881-1973). En este primer intento, Picasso
incorpora influencias del arte africano y de la corriente postimpresionista, especialmente la
del pintor post-impresionista francés Paul Cézanne (1839-1906).
De esta forma, abusa de las líneas rectas y las figuras geométricas, especialmente la de
cubos y cilindros.
Por último, el cubismo fue considerado como una corriente artística que privilegiaba el
ejercicio mental como la manera de expresar ideas. Abandona la perspectiva de las líneas
de contorno y retrata la naturaleza de forma geométricamente más simple.
De esta manera, el cubismo permite que el arte se vuelva más abstracto y sirve de
inspiración para la proliferación de las corrientes artísticas del siglo XX.
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Cubismo cezaniano (1907-1909)
Se considera como la primera fase del cubismo llamado también como proto-cubismo. Se
caracterizó por la influencia de los trabajos del artista plástico Paul Cézanne.
Se caracterizó por el uso de colores y formas predominantes que permitían realzar la parte
más significativa de la figura. Los pintores de esta etapa buscaron plasmar figuras
reconocibles, utilizaron el método del collage, fijando los objetos reales en la tela
permitiendo fijar las sensaciones visuales que la pintura insinuaba.
Los principales exponentes y sus obras más representativas del movimiento son:
•Pablo Picasso (1881-1973): Guernica de 1937
•Georges Braque (1882-1963): Maison à l’Estaque ("Casas en l’Estaque") de 1908
•Diego Rivera (1886-1957): El marinero en el desayuno de 1914
•Juan Gris (1887-1927): Retrato de Pablo Picasso de 1912
•Jean Metzinger (1883-1956): La femme à l’Éventail ("Mujer con ventilador") de 1914
Cubismo literario
Los principales escritores con influencia del cubismo fueron: Guillaume Apollinaire (1880-
1918), Jean Cocteau (1889-1963), Oswald de Andrade (1890-1954) y Érico Veríssimo
(1905-1975).
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